Ser-Tão Paulistano

CONSUELO DE PAULA E SOCORRO LIRA NA CASA DE FRANCISCA

noreply@blogger.com (Joca) — Mon, 01 Jun 2026 21:47:12 +0000

Uma mineira, outra paraibana; uma e outra tem sólida carreira musical; ambas fazem do oficio de artista importante instrumento de ação e esclarecimento sobre o papel que exercem junto ao povo de seu tempo. Elas são Consuelo de Paula e Socorro Lira e estarão juntas no charmoso palco da Casa de Francisca, no Centro Velho de São Paulo, na noite de 16 de junho de 2026.

Um encontro entre Socorro Lira e Consuelo de Paula é desses momentos destinados desde já a ser inesquecíveis e nos torna felizardos em ser seus contemporâneos! Melhor sorte que nós, público, terá o violeiro Ricardo Vignini que fará participação especial ladeado pelas duas. Sua viola caipira atemporal e lírica emoldura e amplia um horizonte musical iluminado pelo clarão de duas das grandes estrelas de nosso tempo.

O show será um desdobramento do espetáculo ocorrido em abril no Sesc Belenzinho em homenagem a Doroty Marques, revisitando músicas dos discos “Semente” e “Erva Cidreira”. O show do Sesc Belenzinho foi inspirado no disco (LP) “Erva Cidreira”, mas, mesmo sem ser mencionada, a “Semente” já estava grávida, pronta para germinar novamente e assim apresentar ao público de hoje o mesmo impacto que causou à época de seu lançamento, em fins dos anos 1970, inícios dos 1980. A Casa de Francisca vem a ser o jardim para o novo cultivo do “Semente”.

Atenção! O novo show não será uma repetição, mas sim uma ampliação; Doroty e seu irmão Dércio são inspirações vivas, sem espaço para nostalgia. Vão explorar novas abordagens, fusões e acréscimos, novos timbres e bordados de canções, respeitando as obras originais, porém, recriadas como se tivessem acabado de nascer.

“Semente” e “Erva Cidreira”, representam dois marcos da chamada música independente cultivada no período. Representam o jorro de talento, ímpeto e criatividade de uma época que fez nascer a arte de Elomar (1975), Diana Pequeno (1978), Papete, Chico Maranhão, Renato Teixeira, além do pessoal do Clube da Esquina e todos os outros. Foram artistas que fundaram paradigmas, fomentaram conceitos, abriram um novo arco que ainda não se encerrou e ainda tem muito a oferecer. No show deverão cantar além do repertório dos dois discos, composições próprias e parcerias inéditas, merecendo destaque a luminosa “Água Doce do Mar”, presente no DVD “Negra”, de Consuelo.

COM A PALAVRA, ELAS

Consuelo e Socorro, seguem a trilha sugerida musicalmente por grandes mestras – Doroty, Cátia de França e outras – e retomam viagem pelo rio que segue caudaloso e perene, unindo os sertões. Trilharam caminhos distintos, peculiares, contudo, partilham uma ancestralidade comum, que as impulsiona soltar a voz libertária: fazem da Música um poderoso antidoto contra a desfaçatez que nos perturba nos tempos de agora. Sua música não é para entreter, evoca movimentos de contradança, induz a navegar, é um chamado para a luta, buscando novos portos por mares afora... Socorro, Dercio, Doroty, Consuelo: irmanados na mesma latinidade, na mesma brasilidade.

Vozes, violões, viola rompendo estradas, nos transportando aos ricos cenários de nossa pátria-mãe tão gentil e aviltada. Que os acordes e vozes de nossas cantoras maravilhosas nos transportem em ondulações mágicas, cumprindo a sina de ser porta-vozes de seu tempo: eis o destino dos menestréis e menestrinas de ontem e de hoje! Cantar as ansiedades, dores, sentimentos e esperanças de seu povo.

Conforme diz os versos de Chico Maranhão eternizado por Doroty: “É tempo de nos arreunir!”

SERVIÇO:

Dia 16 de junho de 2026. A Casa abre as 19:30

A Casa de Francisca está em na Rua Quintino Bocaiúva, 22, Centro.

Maiores informações: Casa de Francisca (@casadefrancisca). Ou no telenfone: 3052-0547

VAMOS TODOS NOS "ARREUNI!"

noreply@blogger.com (Joca) — Mon, 04 May 2026 21:58:00 +0000

Aproveitando o mês de abril de 2026 dedicado à Doroty Marques nas unidades SESC 24 de Maio e Belezinho, nos detemos brevemente num mote popularizado pela cantora, compositora e educadora sobre o tema criado por Chico Maranhão, um artista hoje pouco conhecido, mas que naqueles idos da década de 1970 se destacava pela qualidade de sum trabalho que mesclava lirismo e linguajar popular. “Arreuni”, é o exemplo claro.

Em se tratando de Doroty – e por tabela, de seu irmão Dércio – poderia ter sido outro tema qualquer do cancioneiro clássico dos irmãos Marques: poderia ser a “Tonta” ou “Companheiro”, de seu Chico de Ubatuba (companheiro me ajude, que eu não posso cantar só, eu sozinho canto bem, com você canto melhor); “Mineirinha”, de Raul Torres, Riacho de Areia ou mesmo “Umbuzeiro”, de Elomar, que Doroty gravou antes do próprio Elomar. Cada qual desses temas, separados ou bordados/encadeados em mosaico, fortemente tingidos de cores e ritmos que refletem a pureza e vigor da alma caipira ou sertaneja, a música viva feitas em festas ou cantares de oficio religioso ou fúnebre. É música que “lava a alma” refletindo dores, amores, alegrias.

“Arreuni” certamente ultrapassou a a intenção primeira de seu autor. Virou tempa de Encontros de Violeiros, de tempos em tempos ocorrem “arreniões” com de artistas de várias procedências, até do exterior, unidos por sentimentos e ideias à LatinoAmérica como queria Dércio ou Pátria Grande, de Darci Ribeiro.

A cantiga e as propostas discutidas em torno dos encontros continuam tão arrebatadores como se tivessem acabados de ser criados, embora tenham já se passado quase 50 anos. A força poética continua atual, não foi uma moda passageira. Como se a sede e fome de justiça e amor que a inspirou ainda não tivesse sido saciada. De fato, não é segredo que, não obstante, o povo brasileiro tenha conquistado direitos fundamentais materializados na Constituição Cidadã de 1988, ainda temos muito a avançar.

Durante um mês inteiro, dezenas de artistas e palestrantes, se “arreuniram” para celebrar não o passado utópicos daqueles tempos que antecederam a Queda do Muro de Berlim, evento simbólico, mas que levou décadas para absorver a distopia que veio depois. Muitos, ainda hoje, simplesmente tenta compreender o que aconteceu. Não vou citar nomes porque certamente vou esquecer nomes importantes e isso seria imperdoável.

Quem teve a oportunidade de ver os eventos ou parte deles, teve a certeza de que não estava participando de algo nostálgico, tampouco uma revisita a um passado irreversível.

Foi uma pausa na azáfama nos dias que correm. Pudemos todos constatar in loco, que a arte popular tem algo de grandioso, é a fonte sempre nova, sempre renovadora, um pote onde guardamos as coisas mais preciosas.

Faltam palavras justas, que descrevam tudo o que se passou. Fiquemos com a energia boa que se fez fluir. Uma energia que transcende os ritmos, que fez morada nos intervalos entre as notas e os versos que a Deusa Música nos ofereceu. Essa linha invisível capaz de conectar artista e público, poderosa linha invisível que expande e reverbera.

Todos que vivemos tal experiência, artistas e público, saímos de cada evento seguros de que a música, a arte, está além do divertimento/entretenimento. Nos alerta a manter-nos atentos, lançando um olhar ao passado de nós mesmos, nosso porto seguro, onde nasceram as coisas que nos fizeram ser o que somos e que nos capacita construir, hoje, a memória do amanhã...

Arreuni

(Chico Maranhão)

Antonce se a gente veve lutando
Antonce a gente deve se arreuni
Antonce se a gente veve lutando
Vale mais, vale mais, vale mais
A gente se arreuni
Antonce se a gente já veve lutando
Antonce eu peço pra gente se arreuni

Vá buscá meu rifle ali
Meu rifle cor de canela
Vá buscá meu parabelum
E limpe a madrepérola

Antonce se a gente veve em paz
Vale mais, vale mais, vale mais
Antonce a gente veve brincando
Antonce se a gente veve brincando
Antonce a gente torna se juntá

Tem que avisá todos colegas
Tem que avisá
Dô no corte de uma faca cega
Pra nos fiá

Antonce se a gente veve em paz
Vale mais, vale mais, vale mais
Ou antonce é uma grande tristeza
Antonce se tem tristeza montando
Antonce arrede o pé desse amo

Vou furar o sol numa trincheira
Dos oceano
Com uma bala de prata certeira
Que eu fiz e lhe mando

Antonce se a gente veve em paz
Vale mais, vale mais, vale mais

Antonce a gente segue lutando."

DOROTY MARQUES, 80 ANOS

noreply@blogger.com (Joca) — Wed, 18 Mar 2026 19:29:00 +0000

Doroty Marques chega aos 80 anos e felizmente não vai passar em branco. Neste março, dias 28 e 29, Doroty Marques – uma das maiores referências em música e cultura raiz deste país – estará se apresentando, respectivamente, nos SESCs 24 de Maio e Belenzinho. Ela chega aos 80 anos e nos dá de presente a possibilidade de reflexão sobre a importância da música popular na vida de cada um de nós e para o povo. Doroty Marques é daquelas que acredita na arte brotada no seio das comunidades, arte que em qualquer tempo pode ser capaz de romper o efeito narcotizante imposto pela repetição sistemática nos ouvidos cansados pela realidade alienante.

Dia 28 de Março, SESC 24 de Maio,: Doroty Marques e a Turma Que Faz. Sábado, as 19 horas. GRÁTIS!

Dia 29 de Março, SESC Belenzinho: Roda de Viola, com Doroty, Kátya Teixeira, João Arruda, Luis Perequê, Geraldo Biason, Noel Andrade. Domingo, 18 horas. Ingressos: $ 60, $ 30 e $ 18 reais.

UNS SALTINBANCOS:

Um disco dos irmãos Dércio e Doroty Marques de 1984, “Criança Faz Arte”, parte gravado ao vivo na praça de Penápolis, interior de São Paulo, espetáculo realizado em 25/10/1984, onde temas livres folclóricos de vários lugares do Brasil e América do Sul se misturam: Miquelina, Boi de Janeiro, Fundo da Mata, entre outros. O outro lado do LP foi gravado em estúdio, provavelmente buscando um equilíbrio “didático”, parte realizado no calor e na emoção e um registro mais cuidadoso, em termos estéticos, para a posteridade. Um exemplo característico da atuação dos irmãos. “Arte” para eles não era mero entretenimento, pra se distrair: se tratava, de fato, de uma aula de Arte Popular, abordando várias de suas possibilidades, através de improvisos, adaptações livres. Toda singeleza da poesia popular e a força e vigor dos ritmos, tudo coêso, cordenado. E tudo isso revestido de algo mambembe e circense. Era esse o modus operandi dos irmãos Marques: tratavam coisas muito sérias, divertindo. Não foi à toa que a alcunha eterno menino foi colada em Dércio por seu amigo e contemporâneo Deo Lopes. Porém, uma definição bastante plausível dos irmãos andarilhos da música foi feita pelo produtor Marcus Pereira: Os Saltimbancos, texto da contracapa no disco de estréia de Doroty, “Semente”, lançado ela gravadora Marcus Pereira em 1979.

Para os irmãos ser saltimbanco foi missão de vida: andar pelo mundo divertindo, descobrindo, recriando, ensinando, construindo pontes simbióticas entre público e artista, onde a principal moeda sempre foi a emoção.

Sempre lembrarei de um momento lá pelos finais dos anos 1980 quando assisti a uma apresentação de Dércio, no vão livre da entrada do SESC Consolação, onde ouvintes atentos disputavam espaço com transeuntes que não escondiam a surpresa de um show no lugar que deveria ser passagem...

Eram tempos em que havia descobertos os artistas rotulados de “alternativos”. Era fascinante redescobrir em plena selva de concreto ouvir cantares ue haviam marcado profundamente a infância vivida no Pontal do Paranapanema, que julgava ter ficado definitivamente para trás? Era mais que uma redescoberta, era o resgate de um mundo do qual fora obrigado a deixar para trás, como milhares de outros agricultores diretamente atingidos pela “Geada Negra”, de 1975, que devastou as plantações.

Não era somente pelas cantigas, cujas sonoridades remetiam às Folias de Reis, catiras, cateretês, toadas, modas-de-viola, etc., tão comuns na região; chamava a atenção a maneira como Dércio manuseava com destreza o violão, formando com sua voz, uma harmonização única. E com que facilidade a música fluía, dava mesmo vontade de cantar junto.

Ao fim do espetáculo juntei-me a um pequeno grupo que discutia febrilmente o show recém terminado. Eram tempos em que vivia certos desencantos com a “indústria musical”, o clube fechado onde “quem está dentro não sai e que está fora não entra”, conforme sóbria definição do músico Zé Gomes num artigo digital que ninguém leu... Nada contra as “vacas sagradas” da MPB. Nada contra, apenas não me diziam respeito, a música comercial não me interessava.

O grupo ao qual me juntei nas escadarias do SESC Consolação falava de Dércio com reverência e propriedade, sabiam tudo sobre ele, muitos tinham viajado com ele, inclusive no famoso Festival MPB Shell (organizado pela Rede Globo) no qual Dércio interpretara “Peão na Amarração”, de Elomar, sob imensa vaia, pois tanto Dércio quanto Elomar eram seres alienígenas naquele meio. Eu, que então pouco sabia dele e dos demais alternativos, bebia aquelas palavras que nada tinham do fanatismo que os artistas despertam em parte do seu público. Ali era diferente, os artistas circulavam entre nós, recolhiam eles mesmos seus instrumentos, não havia um séquito de produtores ou seguranças entre o “astro” e seu público. Nisso se aproximou um senhor que, deve ter ouvidos palavras de admiração pois, com um ar de “sabetudo” e um sorriso confiante daqueles que conhecem determinado assunto, interveio:

- Vocês! precisam ouvir a irmã dele, a Doroty!

- Não brinca! Onde está ela, que nunca vi?- respondeu alguém do grupo, com certo ar de incredulidade

- Garanto que foi ela quem ensinou tudo pra ele! Quem manda é ela, que quando fala, ele escuta! Se ele é a Luz, ela é o combustível que mantém acêsa a chama! Infelizmente ela pouco se apresenta, cuida mais de ensinar, é educadora. Mas é uma artista diferente!

Foi assim que descobri Doroty Marques, através de uma conversa informal. Mas aquela foi minha primeira aula de cultura brasileira. Fui fisgado, a partir dali os olhos para o que acontecia em torno e mesmo de minha própria história, que mal percebia. Uma artista “diferente”! Diferente não só pela técnica, mas pela capacidade de descobrir verdades ocultas nos cantares e tocares do povo, sejam folguedos alegres ou de tristeza; importa a força e a esperança que sustenta nossa identidade. (Herança do povo guarani do qual é descendente direta? Não só guarani, mas mineiro, nordestino, andino, de cada pé-de-serra e terreiros do mundo!)

Doroty Marques chega aos 80 anos ainda sob os auspícios de uma artista diferente. Ensinando, descobrindo, pois sua condição de saltimbanco demanda busca constante, pois a fonte é praticamente inesgotável.

Se considerarmos a cultura musical brasileira como uma casa, Doroty seria um dos troncos, um dos esteios fundamentais. Mesmo quem nunca conviveu com ela foi fez parte do mesmo barro que moldou a cultura musical brasileira. Sua atuação foi reverberante, ela é a “outra voz”, a “voz oculta” por trás das vozes de várias gerações de artistas nas últimas quatro décadas. Devemos, nós brasileiros, muito a ela, mãe e avó, de muitos e muitas, muito a ela. Todos e todas em algum momento da caminhada, se depararam com Os Saltimbancos que carregavam em suas “matulas” e “picuás” a alegria, o amor, a emoção, matéria prima do bom viver.

O Projeto Turma Que Faz será o tema de sua primeira apresentação, no SESC 24 de Maio. Voltado especialmente para crianças carentes, aponta caminhos para descobrirmos um Brasil ainda desconhecido, mesmo com tantos satélites a nos esquadrinhar...

Breve e sucinta DISCOGRAFIA:

- Semente, 1979

- Erva Cidreira, 1990

- Criança Faz Arte, 1984

- Paraíba Encantos, com Zé Gomes, 1997

- Cantos da Mata Atlântica, com Dércio Marques, 1999

Participação em muitos discos, especialmente do irmão Dércio, (Fulejo, Cantos da Mata Atlantica, Monjolear, Espelho d’Água), além de obras didáticas voltadas para a educação musical.

O AGENTE SECRETO, O FILME: TAPETE VERMELHO PRA PERNAMBUCO

noreply@blogger.com (Joca) — Wed, 28 Jan 2026 21:12:00 +0000

O filme O Agente Secreto foi indicado a quatro Oscar – melhor ator, melhor filme, melhor filme em língua estrangeira e melhor seleção de elenco. Ser indicado para uma categoria já seria um fato histórico, quatro indicações garante lugar no hall da fama do imaginário de todo brasileiro que tem alguma afinidade com o universo cinematográfico. Atualmente vivemos um raro momento de unanimidade nacional, excluindo a extrema direita, claro. Até milagres tem seus limites.

O que chama a atenção, de forma agradável, é que o filme não foi feito seguindo receitas de modo a aumentar suas chances de participar da grande festa da Academia de Cinema, como foi feito, por exemplo, com o seu antecessor, “Ainda Estou Aqui”, que utilizou largamente o prestígio de Walter Salles e fez um meticuloso trabalho de divulgação, junto a imprensa que influencia na votação. Não há dúvidas, entretanto, que o sucesso de público e crítica de “Ainda Estou Aqui” tenha feito público e crítica prestar mais atenção nesse cinema produzido fora dos padrões costumeiros, embora o cinema nacional tenha uma longa e fértil história de sucessos. Contudo, convenhamos, alcançar a primazia de estar no topo – e não por acaso – é um fato extraordinário e, por dois anos seguidos. E mais: nesse ínterim, o cinema brasileiro produziu muitos outros filmes dignos de indicação para concorrer em todos os grandes festivais. Cito, de memória dois: Malês, de Antônio Pitanga e A Melhor Mãe do Mundo, de Anna Muylartt. Portanto, O Agente Secreto e seu principal protagonista, Wagner Moura, não foi golpe de sorte, não são obras fortuitas. Wagner constrói a anos a reputação da qual hoje colhe merecidos louros! Na linha documentarista, O Governador do Sertão mereceria melhor sorte, o pecado no quesito divulgação.

O Agente Secreto rompeu paradigmas. Difícil detalhar quais em poucas mal traçadas linhas, mas vale a pena mencionar alguns e mostrar que estamos pisando em terra firme e não sob efeito de nenhuma alucinação coletiva: o cinema brasileiro está onde está, não por acaso, mas consequência de um longo processo. Um desses paradigmas rompidos foi ser indicado como melhor filme em língua estrangeira e melhor filme no geral. Um grande feito, creio que seja inédito, embora eu não seja um especialista na história do Oscar. De facto, não me lembro de situação semelhante. Até então, parece que havia um certo estigma não assumido, onde seria inadmissível (não nesses termos, claro) um filme que não falasse inglês pudesse ser classificado como melhor. Por outro lado, a categoria de melhor filme em língua estrangeira seria um prêmio de consolação para uma obra primas que apenas tiveram a má sorte de não nascer nos EUA ou Inglaterra! Embora o argumento possa ser supérfluo, não podemos negar um certo Imperialismo na Arte Cinematográfica ou como chamaríamos a hegemonia do melhor, como sendo necessariamente de língua inglesa? Teria Hollywood (a Academia) admitido uma correção de rota ao reconhecer, mesmo sub-repticiamente, que além do seu umbigo gigantesco existe vida inteligente, capaz de fazer filmes tão bons como os melhores americanos? Antes tarde do que nunca...

Além de romper paradigmas, algo mais chama atenção: O Agente Secreto é um filme autoral, o que soa quase como provocação na terra onde cinema vencedor é sinônimo de grandes estúdios, grandes produções e onde o diretor é apenas um funcionário graduado. O Agente Secreto custou cerca de 33 milhões de reais – incluindo a pós produção – preço do cachê de um astro consagrado. Na grande festa de gala do Oscar, onde o termo “milhões” é algo corriqueiro, O Agente Secreto – parodiando o próprio título -, soa ironicamente como um infiltrado!.

O filme de Kleber Mendonça vai além de uma mera discussão de valores. A ação, toda ela tendo a cidade do Recife como cenário, nos torna a todos partícipes das manifestações culturais que ocorrem simultaneamente, como pano de fundo e de maneiras distintas, o carnaval, o frevo e o modo de ser pernambucano. Ponto alto para o tratamento dado à conhecida lenda urbana da “perna peluda”, que, não obstante o aspecto exótico/bizarro, tem origem nas prováveis práticas por parte dos agentes da ditadura de despedaçamento e dilaceramento de corpos de quem era considerado inimigo do regime, muitos dados como desaparecidos. O surgimento das aparições da “perna peluda” é, talvez, uma forma de suavizar o ou tornar mais palatável do horror que acontecia nos porões do Estado. Um dos períodos mais sombrios de nossa história é referido de forma escrachada e que aqui se acrescente a capacidade do povo de fazer piada do horror. De certo modo, torna as forças maléficas ridículas, eis a vingança. A lenda da “perna peluda” de fato existiu e as referências à mesma , além do inevitável sensacionalismo, visava amedrontar os incautos cometedores de delitos de menor importância, notadamente de cunho sexual (atentados ao pudor) ou roubos de pouca monta. Outra pitada de humor negro é oferecida da cena de abertura: um cadáver parcialmente coberto por jornais na beira da estrada sob a indiferença geral, inclusive da autoridade policial. A única preocupação de quem nota o corpo é o incomodo fedor que em poucas horas será insuportável.

Além de filme de autor, O Agente Secreto é um filme 100% pernambucano, só faltando a trilha do Quinteto Armorial – tal trilha não seria adequada, pois o filme não trata do chamado sertão profunfo e sim ocorre no espaço urbano da capital no ambiente universitário e o transito pelo mesmo ambiente das forças policialescas. O modo de falar, as formas de abordagem, a forma calorosa de demonstrar afeto ou aversão, o “descolamento” do discurso; os pernambucanos fazem isso com autenticidade, sem resvalar para o estereótipo que torna o regionalismo uma tábula rasa, unificando sotaques, tornando-os parecidos. O jeito de “ser” pernambucano não se confunde com o modo de “ser” baiano, mineiro, gaúcho, paulista, goiano, mato-grossense, nortista, etc.

Em tempos em que se incentiva o discurso “universalista” – expressão que a seu tempo muito ajudou a definir o cinema argentino – Kleber Mendonça Filho e seus criadores apostaram suas fichas numa forma de regionalismo muito específica, um modo pernambucano para o mundo, que até então estava um tanto submerso. Kleber Mendonça Filho reabriu portas da memória nacional recheada de importantes ícones, como Miguel Arraes, Gonzagão, Dom Helder Câmara, Chico Science, Lenine. Para muitos, ou ao menos uma certa maioria, o nordeste existe em muitas falsas consciências de modo pejorativo, sinônimo de pobreza e atraso, quando, de fato é o oposto, portador de riquezas incomensuráveis nos campos acadêmico, cultural e econômico – como todo os nordeste, diga-se.

Consideremos as indicações ao Oscar – melhor ator, melhor filme, melhor seleção de elenco e melhor filme internacional – pelo que valem em si mesmas e já temos elementos suficientes para suscitar a tão sonhada reflexão, a principal função de toda obra de arte, além, é claro, de entreter e emocionar.

Sempre lembrar que o reconhecimento alcançado pelo cinema nacional é um processo iniciado lá atrás, ainda na primeira metade do século passado com o fenômeno Mário Peixoto, Humberto Mauro. Ao longo do período atravessamos os fulgurantes anos do Cinema Novo, oferecemos ao mundo gênios como Glauber Rocha, Nelson Pereira dos Santos, Júlio Bressame, Rogério Sganzerla, Lirio Ferreira, Cacá Diegues, Tizuka Yamazaki, tantos e tantas. Hoje colhemos os frutos, não por acaso...

LITERATURA DE PERIFERIA

noreply@blogger.com (Joca) — Sat, 13 Dec 2025 00:04:00 +0000

Um feliz acaso fez cair-me às mãos um exemplar do livro Militância na Periferia – Histórias e Personagens de Cinco Décadas de Lutas na Região Sudeste da Cidade de São Paulo.

Vivi a maior parte da vida no Jabaquara, de modo que grande parte dos eventos descritos pude constatar in loco, embora jamais tenha atuado como militante: era somente um atento morador do bairro que gostava de flanar, circular a pé por suas ruas. Tempos depois, como funcionário da Subprefeitura, sentia especial prazer em reaver velhos caminhos, agora alterados ou modificados pela intensa e descontrolada ocupação urbana. O alargamento da Av. Armando de Arruda Pereira, a partir do metrô Jabaquara por muito tempo ficou como uma enorme cicatriz, “engolindo” parte do bairro, sem deixar vestígios. Quem, dentre os antigos, conhece a localização da antiga “Padaria da Saudade”, outrora uma referência afetiva e geográfica? O Hospital Psiquiátrico Dr. Joy Arruda, que começou sua história como hotel luxuoso e discreto, terminou seus dias como sede da Subprefeitura. Foi demolido e no lugar surgiu um “Centro Empresarial”. Destino parecido teve o atual Shopping Jabaquara, construído no lugar de antigos casarões.

Militância na Periferia, livro organizado por Benedita Creusa de Andrade, está em sua segunda edição, pela Editora Terra Redonda. Benedita Creusa, ela sim, uma vibrante militante, ativa, chama a atenção por transformar literatura em instrumento de luta. Mas também chama a atenção para um tipo de “literatura invisível”, desconhecida do grande público, porém, atuante na comunidade, ao fazer faz emergir das sombras do esquecimento a história do bairro pelo viés de sua população mais carente e a luta por direitos, por afirmação cidadã. O livro – uma coleção de dezenas de depoimentos, histórias/personagens – não é apenas a memória descritiva e revista; serve de modelo vivo e autêntico para as novas geração. Não são histórias de comendadores, condes, “coronéis”, não são apologias à burguesia, à aristocracia; são testemunhos de quem viveu a história usando braços e mãos calejadas, motivados por uma vontade muito maior do que as oportunidades escassas da dura vida de trabalhador...

Assim é a literatura de periferia, uma literatura que cresce nos intertícios da sociedade. Embora tentem calar ou esconder, ocupam espaços. Parafraseando Walt Whitman, cresce silenciosamente, como folhas de relva. O registro em livro consolida o registro da luta ao mesmo tempo que estimula a produção de sua própria literatura, sob o seu ponto de vista. A “literatura periféfica” produzida nesta região da cidade, no Jabaquara, cresceu e vingou no rastro da militância que se desenvolveu na região nos últimos 50 anos. O registro em livro tem interesse didático e abre espaço para outras literaturas: poesia, teatro, música, crônica.

O fervor contido na escrita é o mesmo da militância, são as mesmas cores com que redesenharam o espaço público fazendo valer seus direitos. Descrevendo a história do bairro e própria cidade: vida e literatura interagem, alimentam-se reciprocamente. Homens e mulheres da classe trabalhadora reafirmam-se como protagonistas da epopéia urbana. São relatos enriquecidos pelo linguajar simples que conta a história de cada creche, escola ou posto de saúde, ensinando que nada veio de graça e sim resultado de luta por direitos e justiça social.

JABAQUARA DE OUTRORA: DOS CONFINS DA CIDADE

O Jabaquara é um bairro peculiar. Está na periferia da cidade, fazendo divisa com Diadema, uma das cidades do ABCD (Santo André, São Bernardo, São Caetano e Diadema). É um bairro com facilidade de acesso – menos de 30 minutos do Centro – próximo a importantes vias como as Rodovias Bandeirantes e Imigrantes. Mas nem sempre foi assim. Um dos fatores que ajudou a diminuir distâncias foi a construção do metrô em começos dos anos 1970. Antes disso, Jabaquara era um “fim de mundo”, tão longe do Centro, que construíram na região o aeroporto de Congonhas, inaugurado em 1936. Naqueles idos tempos, São Paulo era provinciana e não passava pela cabeça de nenhum visionário que o aeroporto seria no futuro cercado pela cidade...

O nome Jabaquara é um aportuguesamento da expressão Yab-A-Qvar-A, tão longe era que se tornou lugar seguro para escravos fugidos. Ainda hoje, nas dependências da casa, existe um alçapão que leva a um porão onde os fugitivos se abrigavam. A construção, preservada, era o último local de descanso para o gado e montarias, que desciam ao litoral pela estrada “boiadeira”, chamada Nossa Senhora da Conceição. A construção foi feita num local privilegiado, às margens do Córrego da Ressaca, hoje aterrado. Tropas e boiadas vinham da região de Santo Amaro da Borda do Campo e ali era o último “pouso”, na providencial construção em estilo colonial, provavelmente feita por bandeirantes. Há uma data escavada no batente original: 1719. São mais de 300 anos, uma construção bem antiga!

O bairro chama a atenção pela variedade de classes sociais, consequência direta da ocupação desordenada que forma bolsões populacionais desiguais: áreas “nobres” servidas de serviços públicos de qualidade e áreas densamente povoadas onde falta saneamento básico. Os cerca de 250.000 habitantes do bairro parecem reproduzir, em escala menor, as mazelas brasileiras.

As vozes e escritos que renascem através da literatura periférica do Jabaquara é algo recente, ao contrário de outras manifestações culturais, como a Escola de Samba Barroca Zona Sul, o Maracatu da Casa Leide das Neves, o Terreiro Axé Ilê Obá, entre outros. A escrita periférica é nervosa e vibrante; seu linguajar é pragmático, aproxima-se da objetividade do correspondente de guerra, do jornalismo de bairro. São, sem exagero, escritos do front, diretamente do teatro de luta.

Quando pensamos em “literatura periférica” logo vem à mente autores como Sabotage, Ferrez ou Carolina Maria de Jesus, entre outros. Mas a escrita de denúncia vem de longe. A mais remota referência deve ser Lima Barreto, embora ele fosse um escritor refinado. Lima Barreto era a contramão da literatura consumida pelas elites, denunciando as mazelas de uma sociedade dominada pela herança colonialista e pensamento escravagista.

O linguajar despojado do militante e do trabalhador dispensa afetações disfarçada de sofisticação. É a voz embargada e trêmula de emoção e sua autenticidade rompe caminho; mostra que fazer a própria Arte é preferível do que se servir de receitas prontas! Melhor fazer do seu jeito, desafiando a estética que, no caso, serviria para esconder a realidade que deve ser modificada pela luta necessária para corrigir injustiças seculares! Não se trata, porém, de limitar a criação, submetendo-a à ideologização. A Arte existe para acrescentar e não para eliminar ou abafar a criatividade; que seja a Arte, a porta de entrada para novas possibilidades, onde, ao conhecer a própria história, possa reconhecer-se a si mesmo, falar de seus problemas, dramas e sonhos. Benedita Creusa de Andrade, organizadora de “Militância na Periferia”, Creusa, como é conhecida, é ao mesmo tempo autora e personagem. Formada em pedagogia e filosofia, sabe da importância dos escritos e falas do povo, por ele mesmo. São escritos e relatos orgulhosos, para a posteridade, páginas umedecidas pelo suor, em muitos casos, de sangue.

Não são histórias de vencidos e sim de vencedores, merecendo ser chamados heróis exemplares, pela superação. Transformaram o grito dos excluídos, que não é mais de dor ou medo, transformado em grito de afirmação. Conforme disse certa vez o Marechal Rondon, em 1956, para um jovem líder Xavante, o futuro cacique Tsöröpré: “você deve falar alto, pois é o dono da casa! O dono da casa fala alto!”

O Jabaquara, cantado em prosa e verso pelos próprios habitantes, aglutina vários aspectos, múltiplas forças vocacionadas para a vontade e a ação. Uma multidão de profissionais da saúde, pedreiros, professores, funcionários de limpeza, professores, religiosos, etc., coloca a mão na massa amalgamando o barro com o qual construíram a cidade onde moram e vivem. Tomando gosto pela liberdade e independência, ocupam espaços como o CEU Caminho do Mar ou o Centro Cultural Jabaquara (onde está o Sitio da Ressaca) para fazer música, poesia, teatro em ruidosos e entusiasmados saraus!

Quem conhece os textos dos jovens poetas do Jabaquara que se encontram regularmente para desfilarem sua arte, sabem que a periferia sabe o que pode e o que quer. A periferia tem potencial para produzir escritores, médicos, engenheiros, arquitetos, designers, atores, do mesmo modo que as escolas existentes nos acampamentos do M.S.T. produzem seus médicos, enfermeiros, professores, advogados. Isso já não é sonhos, mas realidade. Se existe um futuro saudável para o mundo, o mesmo passa pela produção de orgânicos do M.S.T. e pelo povo organizado das periferias das grandes cidades. Como diria o professor Boaventura Souza Santos: “...é chegada a vez da afirmação das Epistemologias do Sul. Os Impérios do Norte fracassaram na construção de uma humanidade justa e fraterna.”

Nas veias do bairro Jabaquara, em suas ruelas e travessas, a vida pulsa. Vozes se erguem para deixar claro que não querem privilégios, mas sim o direito de exercer sua cidadania com ruas bem cuidadas, plenos serviços de saúde, escolas. O pleno acesso aos direitos cidadãos é a segurança que precisamos, em vez da intimidação.

CORDAS SENSÍVEIS, O DISCO FRANCO-BRASILEIRO DE FABIENNE MAGNANT

noreply@blogger.com (Joca) — Tue, 07 Oct 2025 21:18:00 +0000

A relação da violeira/violonista francesa Fabienne Magnant com a música brasileira remonta algumas décadas. Seu primeiro disco, (Memóire Vivante Brèsil et musique du XXème (Memória Viva, o Brasil e a Música do Século XX), de 1995, é inteiramente dedicado ao Brasil. São surpreendentes interpretações de clássicos eternos como Odeon, Dr. Sabe Tudo, Lamentos do Morro, Pó de Mico, Graúna entre outras – surpreendente dada a afinidade e até então uma inédita familiaridade com nossa música. O disco está esgotado e soam clamores por nova prensagem, dada a importância do trabalho.

O segundo disco, Canto Instrumental, (1998), parceria com o percussionista Paul Mindy, novamente tem presença das cordas brasileiras com Sambalanço (Jair de Paula) e Desvairada (Garoto), além de repercutir a influência brasileira numa peça de sua autoria, o “baião à moda francesa”, ao qual chamou “Baiao Sans Nom”. O Baião Sem Nome é o prenúncio para o que viria a seguir.

Le Sens dês Sens, o terceiro álbum , (2003) é uma exaltação aos sentidos e utiliza pela primeira vez em disco a viola caipira. Apaixonou-se pelo delicado timbre deste instrumento popular no Brasil, de história remotíssima. Sabemos que foi trazida para terras tropicais pelos colonizadores portugueses, tendo se espalhado por todo o território nacional, adquirindo peculiaridades regionais: viola caipira ou brasileira, viola nordestina, a viola fandangueira, viola-de-cocho, etc. A viola caipira ou brasileira deve ser a mais popular, predominante no interior da região centro-oeste. Suas Dez cordas sugerem que pode ter a mesma origem no alaúde árabe, de cinco cordas. Contudo, trata-se apenas de uma especulação, mencionada de passagem e e sendo especulação – seguindo a tradição reinante no meio dos violeiros, pode ser um excelente mote para um causo. Na verdade, são instrumentos diferentes para diferentes finalidades, com escalas e afinações distintas, tão distantes quanto as noções de sagrado e profano que pode existir na origem comum: o alaúde, instrumento ritual; a viola, instrumento festeiro. Nada impede, entretanto, que a viola caipira possa requerer o alaúde como legitimo ancestral.

SOBRE O ALAÚDE ÁRABE

O alaúde árabe, de cinco cordas, era largamente usado pelos médicos. Ou seja, literalmente um instrumento de cura, que, por sua vez, é uma evolução do tradicional alaúde de quatro cordas, que representava os 4 elementos primordiais da natureza: Terra, Água, Fogo e Ar, correspondentes às cores amarela, vermelha, branca e negra, que por sua vez correspondiam à bílis, sangue, fleuma e melancolia. Após o diagnóstico, a combinação de notas musicais exercida pelo médico-alaudista era parte do tratamento. Diz a lenda que Ibn Sina (conhecido no Ocidente pelo nome Avicena), um dos pais da medicina, era alaudista e fervoroso defensor de tal prática terapêutica. Por volta do século VIII ou IX de nossa Era, o sábio e músico Ziriab, nascido no atual Iraque, introduziu a Quinta Corda no alaúde, que ele chamou A Corda da Alma. (Ressalte-se que não existem evidências de que a viola caipira seja uma versão das cinco cordas do alaúde, então duplicadas. São instrumentos distintos, com histórias distintas, apenas com uma provável ancestralidade comum.).

Mas é inegável que o universo musical é repleto de segredos e existem zonas obscuras ao se tentar desvendar tais segredos. Considerando as distâncias geográficas abissais e temporais, muita coisa se perdeu ou se transformou na longa caminhada. Seria lícito supor que determinados segredos podem ter sido preservados no inconsciente coletivo, à espera de quem os desvendasse ou provocasse? Estudiosos do universo violeiro costumam dizer que tocar viola vai além da técnica, é preciso – para ser bom violeiro, ter uma relação de identidade com o instrumento. Identidade e familiaridade que não falta a Fabienne. François Kokekaere, produtor artístico do álbum Le Sens dês Sens, em texto esclarecedor no encarte, escreve sobre ela e seu trabalho: “...ela nos faz descobrir um mundo musical imaginário que só ela conhece (...) um segredo que ela compartilha no instante de um momento fugaz.”

A percepção de Kokelaere e a intuição de Fabienne se cruzam de modo quase inexplicável, quase mágica, oferecendo-se aos nossos sentidos em dimensões onde não se pode excluir espiritualidade e história.

ELOS INVISÍVEIS CONECTANDO MUNDOS DISPERSOS

Fabienne é uma antena pronta para captar sons adormecidos ou dispersos. Foi andando num fim de tarde pelas margens do Rio Capibaribe, em Recife, que surgiu Fragâncias do Recife, composição registrada no CD La Trinidad. Sem abdicar da técnica de musicista adquirida com mestres do quilate de Olivier Chassan e Roland Dyens, seu ponto forte é uma rara intuição, que ressoa nela em corpo e alma. Com seu trio preferido – violão clássico, violão flamengo e viola caipira - partilham ancestralidades, que ganham vida á partir do material onírico, como nos sonhos. Não se furta a seguir trilhas invisíveis, que aos poucos se materializam na construção de pontes entre povos e épocas distintas. Tal capacidade de convergência harmônica é parte de seu ser, de seu modo de ver e sentir o mundo.

Em seu quarto disco, La Trinidad (2011), assume de vez o universalismo, viajando simultaneamente pelos universos clássico-flamengo-brasileiro, uma das Santissimas Trindades das cordas dedilhadas, instrumentos, tão simbólicos para os povos onde é popular. Seria o fugaz afloramento, o ressoar de ancestrais heranças ciganas que a fez juntar compositores tão distintos como Gerardo Nuñez (Granaina), Sabicas (La Trinidad e Buleria), Garoto (Jorge do Fusa) e Marco Pereira (Pixaim e Bate Côxa)? Completa o disco com composições autorais (Clin d’oeil), Impression, Un Deux, Fragâncias do Recife.

Atenção: não esperem o toque da viola caipira ao modo brasileiro: Fabienne incorpora a si a viola brasileira a fim de expressar sua musicalidade, sua personalidade, provando o valor inequívoco deste instrumento que poderia ser um símbolo de nossa nacionalidade – embora de origem européia. Seguir o estilo dos mestres brasileiros poderia soar como imitação ou inautenticidade! Entretanto, ela se identifica de tal forma com o instrumento e tem para com o mesmo o respeito e veneração que a faz digna de ser considerada a nossa "embaixatriz da viola caipira/brasileira" como só uma brasileira seria capaz. Os mitos, lendas e histórias que fazem parte do universo violeiro encontram nela ressonância.

AS CORDAS SENSÍVEIS

Neste 2025, depois de várias viagens ao Brasil, Fabienne Magnant culmina o encanto que surgiu ao se deparar no centro do Rio com uma viola Do Souto. Depois de uma longa pausa, vem a lume o disco Cordas Sensíveis (Cordes Sensibles), que podemos chamar franco brasileiro, com a rara exceção de Fuente y Caudal, de Paco de Lucía. Disco concebido depois de intensa convivência, onde o popular e o clássico conversam fluentemente: no mesmo palco se encontram de Gonzagão (Asa Branca) à Villa-Lobos (Prelúdio Nº 1); de Ricardo Vignini (Minuano) a Baden-Powell (Canto de Ossanha). Inclui peças de sua autoria com temas diversos, como a Fantasia De Danza, em três Movimentos, denominados Adágio et Arabesque, Rítmico e Sincopado; regravações de Nordestine e Baião Sans Nom (de Le Sens dês Sens). Destaque para a peça Almas no Caminho, que soa como uma Ode aos acasos felizes que a vida nos proporciona. Esta faixa mereceu um poema vigoroso e sensível da mineira Consuelo de Paula. Ouvindo, temos uma sensação de movimento. Ou, como diria Consuelo de Paula, um convite a contradança!

Cordas Sensíveis é um sutil desbravamento musical guiado por Asa Branca, que faz parte do patrimônio musical brasileiro, e que ela interpreta sob forma de uma Saga Sonora, viagem de sensações. Vislumbramos o cenário caatingueiro, as agruras da seca, mas, ao longo da travessia, nos deparamos com folguedos, bailes, quermesses, procissões, folias. Cordas Sensíveis é um encontro atemporal de todas as cordas sensíveis, mesmo as que não estão presentes nesse álbum exuberante, repleto de detalhes e significados, como num filme de Kieslówski.

Destaque para a François Kokelaere, que deixou por breve período seu refúgio no sul da França para marcar presença com seu berimbau e nos brindar com três belíssimos poemas, louvando a magia da percussão: berimbau, kalimba. Reproduzimos abaixo pequenos trechos de poemas dedicados ao Berimbau:

(...)

Berimbau

Arco da África

Você atravessou o mar

Berimbau

O oceano lavou sua memória

Berimbau

Quando você fala

É a terra que canta

Berimbau

Quando você vibra

As estrelas dançam e o Universo inteiro sorri.

(Editions Poïen, francoiskokelaere.com)

Fabienne escreve assim no texto (bilíngue) no belíssimo encarte:

“Este quinto álbum é um testemunho de vários anos de peregrinações e inspirações artísticas. Toco em solo, (...) ou do duo ao quarteto e, como no meu álbum anterior (La Trinidad, 2011), utilizo novamente meus três violões: violão clássico/brasileiro, flamenco e viola caipira. As peças apresentadas são obras primas do repertório clássico (...), acompanhadas por percussões, rabeca, baixo, contrabaixo, clarinete e mesmo uma voz poética. (...) minhas múltiplas paixões musicais, permite compartilhar (...) e possibilita explorar a intimidade que o solo instrumental – tão precioso para mim – oferece.”

Na viagem de descobertas e revisitações, em nenhum momento resvala em sentimentalismos saudosistas. Se assenta em farta solidez musical e histórica; é uma celebração, não apenas sobre a relação Brasil/França, que vem de séculos, mas da própria música e do quão essa arte sublime se permite oferecer. Uma presença grandiloquente: a linda parceria com a mineira Consuelo de Paula, ampliando horizontes, ilustrando a significativa Almas no Caminho, declamando A Flor e a Música. E a caravana segue seu curso levando aromas de rios, mares, veredas silvestres:

“A flor canta, toca os sinos, os cometas

No adiantado das tardes

Nas floras, folias e cítaras

Feixes azulados e amarelos

Saltam do corpo dela

Inundam os barcos

Calam a voz do mar!

(Consuelo de Paula, do poema A Flor e a Música, recitado na faixa Almas no Caminho)

SERVIÇO: salvo mudanças de ventos, só deverá ser lançado no Brasil por volta de Abril de 2026. Contato: magnantfabienne@gmail.com /www.fabiennemagnant.fr /guitartproductions75@gmail.com

Cordas Sensíveis, brasileiros e franceses: Consuelo de Paula (voz), André Rass (percussão), Ricardo Vignini (violas dinâmica e caipira), Bruno Menegati (rabeca), Pedro Macedo (contrabaixo), Fabius Tamayo (viola de cabaça), Akiko Horii (percussão), Samuel Thézé (clarinete), Dominique Muzeau (baixo), François Kokelaere (percussão e voz), Fabienne Magnant (viola caipira, violão clássico, violão flamenco).

ADEUS SAKAE

noreply@blogger.com (Joca) — Tue, 09 Sep 2025 22:38:00 +0000

A noticia nos tolheu com ares de incredulidade. Sabíamos que o Sakae estava doente, que era grave, mas todos nós, seus amigos, admiradores, familiares, todos tínhamos plena convicção de que ele sairia dessa. Entretanto, como um poema bruscamente interrompido, ficamos privados da presença serena no Sakae Okumoto, artista plástico, pai do Lucas e da Paola, marido da Grazziela Hessel.

Sakae era de amizades longas e duradouras. Cultivava os amigos e os entes queridos em geral sem arroubos ou gestos exagerados. Era contido e persistente e creio que ele transmitia isso para sua Arte. Embora eu conheça apenas uma pequena fração de seu trabalho, sua obra não é datada – quero dizer, ele não se deixava levar pela emoção ou os acontecimentos do momento, embora retratasse com agudeza crítica o momento presente. Se “critica” havia na concepção da obra, a mesma tinha como característica e mérito, superar o pragmatismo imediatista. A visão de sua obra suscitava no observador certo esforço de compreensão, como se tivesse o poder de deslocar-se no tempo-espaço para o mundo das coisas tangíveis, sujeita a metamorfoses e consequentemente, novos significados a cada vez que é “confrontada” com um olhar inquiridor.

Se sua obra era mutante perante aquele que observa, por sua vez o Sakae, continuava o mesmo de sempre. Comportava-se com a perenidade de verdadeiro “senhor do tempo”, sem jamais alterar o semblante ou a voz, mesmo quando discordava de algo, fosse o tema questões estéticas ou políticas. Isso fazia dele um invejável interlocutor: era impossível “brigar” com ele.

Desde 16-05-1953 quando nasceu em Vorantim, no interior paulista, caçula de uma família numerosa de imigrantes japoneses, até sua partida prematura em 02-09-2025, uma vida dedicada dedicada à arte-educação. Para além da técnica aprimorada na Faculdade de Belas Artes, destacava-se nele, como parte de sua própria essência, suas convicções profundas reconhecidas por críticos, admiradores, simpatizantes e companheiros de estrada que ele cultivou ao longo da vida. Pintava e desenhava em profusão, fez centenas de trabalhos, a maioria desconhecido do público.

Em cada peça, fosse uma cena ou um retrato, percebia-se o esforço em mergulhar e vislumbrar as profundezas do “eu” oculto no objeto. A Arte sempre foi o elemento através do qual ampliava o mundo da percepção; instrumento e ferramenta capaz de absorver as vicissitudes e asperezas cotidianas. Sua Arte era dotada da “aura” de que falava Walter Benjamin; sua Arte mantinha-se flutuante, não era uma arte da era da “reprodutibilidade técnica”, que se torna moda e exige a presença massiva de “marketeiros” da arte.

Guardo dele uma cena que se repetiu algumas vezes durantes os anos que nós, do Ser-tão Paulistano, privamos de sua amizade: quando íamos ver apresentações musicais de sua esposa, a cantora e compositora Grazziela Hessel e seu filho Lucas Mandetta Tokumoto, um senhor violonista 7 Cordas, lá pelas tantas eu lhe perguntava: “Sakae, como é ser o marido de uma estrela da música?” Ele ria timidamente e falava de modo quase inaudível, como se partilhasse um segredo: “É fácil. É só seguir!”

Iluminado Sakae! Adeus meu discreto amigo e obrigado pelas lições de bem viver que tão generosamente nos ofertou!

A SEXTA FOLHA, DE ANTONIO PEREIRA

noreply@blogger.com (Joca) — Wed, 27 Aug 2025 23:19:00 +0000

O cantor, compositor, violonista e profundo conhecedor da cultura musical amazonense, Antonio Pereira, está lançando mais um disco, o sexto de sua carreira. Na sua trajetória ele se destaca pelo apreço e cuidado meticuloso que devota a cada canção e a cada conjunto delas, enfeixadas - ele faz questão de revelar a “história” de cada canção, sejam de sua autoria ou de outros compositores. A “reunião musical” que ele elabora para cada disco, uma vez conhecido o resultado, concretiza em nós a certeza: nada é desprovido de sentido em seu trabalho, nada é banal. Pereira veio a este mundo predestinado a fazer música. É mais que um ofício, é seu jeito de ser, sua linguagem.

O cidadão Antonio, nascido em Maués, interior profundo do Amazonas poderia ser qualquer outra coisa na vida: doutor ou chofer de caminhão; filósofo ou andarilho, mas antes de qualquer destas coisas, sempre Cantador. Até aqui, são 6 obras, cada uma delas contendo vários recados, várias mensagens que são lançadas ao mundo como garrafas ao grande mar do mundo. Apesar do requinte estilístico, seu trabalho é realizado sem estardalhaço, colhendo um verso aqui, um arranjo ali, uma parceria aqui, um tema retomado logo mais adiante, sempre de maneira despretensiosa, e quando menos se espera, nos surpreende com uma obra prima, revelada com a mesma simplicidade como sobe aos palcos com a mesma roupa que anda pelas ruas de Manaus com suas sandálias de couro, os longos cabelosagora já pendendo ao grisalho, desalinhados, o sorriso tímido de caboclo.

O despojamento é aparente. Engana-se quem supor sua música feita para entreter, distrair. A voz modulada serve de guia como num cortejo onde reluzem o colorido dos ritmos onde se encadeiam os sons revelados pela misteriosa selva que vive dentro dele – cabe-lhe bem a alcunha Uirapereira (referência ao lendário pássaro Uirapurú): a Amazônia guarda muitos mistérios e pelo menos um deles, ouso decifrar: Pereira é o uirapuru disfarçado de gente humana.

Um ponto forte seu é a voz privilegiada (que lembra o Milton Nascimento dos velhos tempos), mas raros temas instrumentais vez ou outra nos surpreendem agradavelmente, revelando delicadezas que deleitam nossos ouvidos, nos deixando na fremente expectativa de ver brotar do arranjo instrumental, a voz marcante, imensa e delicada, que cola como suave visgo, nos fazendo frear a caminhada e parar para ouvir. Assim foi desde seu disco de estréia, conforme segue:

- O Lago das 7 Ilhas (1994)

- Estrada de Barro (1998)

- Lendas (2000)

- Afluentes (2007)

- Luz de Lamparina (2013)

Em 2018, os cinco álbuns foram reunidos numa Caixa Musical, denominada “Discografia”.

A Discografia é uma biografia musical, repleta da magia do universo amazônico, universo que o autor tão bem conhece, por ser filho da terra e lá ter vivido toda a sua vida. Sua abordagem dos Mitos, da História, da Arqueologia, das Utopias, etc. é feita de forma direta, consequência das vivências e de sua interação com lugares e pessoas. Ao ouvir sua música, não procurem fantasias míticas de seres imaginários ou discursos panfletários; nas entrelinhas, entretanto, percebe-se certa nostalgia de uma Amazônia que um dia foi pura e que talvez voltará a sê-lo e esse caminho sem volta é a ameaça permanente da Tragédia que muitos ainda não se deram conta, dominados pela ganância advinda do desmatamento e mineração, ilegais.

“Discografia” é uma biografia, um passeio poético, um testemunho. O autor vai colhe frutos e flores, viçosos e em forma de poesia e música, o que reacende a esperança; esperança de que as árvores sustentem o céu, impedindo sua queda, conforme alerta o xamã Davi Kopenawa...

...e chegamos à Sexta Folha, o sexto álbum da carreira. Título feliz, pois “folha” remete a papiro: é como se as historias da Amazônia estivessem sendo permanentemente escritas em suas folhas, gravadas em cada uma delas. A música de Pereira, é um canto livre, porém comprometido com a vida de seu povo. Conhecer e divulgar sua obra é compreender o universo amazônico, sua importância cultural, econômica e humana, indissoluvelmente ligadas.

Sendo a arte um território livre, um artista como ele, que dedica o melhor de si – seu incontestável talento – a serviço de sua gente, merece ser ouvido e apreciado segundo o que ele melhor sabe fazer: cantar, compor, tocar. Sua obra transcende ao autor, especialmente pela capacidade de dialogar musical com artistas fora do universo amazônico. Antonio Pereira não é formalmente ligado a nenhum movimento, mas é um atento observador. Conhece os caminhos e suas curvas, as bifurcações de estrada: sua música vem de fontes tradicionais bem brasileiras, colhidas nos cruzamentos de caminhos de uma caminhada que ultrapassa 40 anos. Sua voz marcante e única, ressoa nas matas, nas montanhas, nos cerrados, tornada universal, ponto de intersecção. Sua arte, seu legado. Este disco, apesar de breve, é bastante representativo do seu universo salpicado de cores, brasilidade e latinidades, elementos essenciais para compreender a necessidade da integração e assim compreender a imensa miríade cultural que tem a Amazônia como berço.

A Sexta Folha traz 12 registros, sendo 3 regravações..

As faixas:

1 – Flor (regravação do CD Estrada de Barro)

2 – Águia

3 – Barco

4 -Tambor da Vida

5 – Arunachala

6 – Horas Marianas (regravação do CD O Lago das 7 Ilhas)

7 – Noite em São Tomé

8 – Passarim

9 – Usina

10 – Ponte Velha

11 – Huellas (regravação do CD Luz de Lamparina)

12 – Pedra Pintada

“Só respeita quem conhece.”

(M'bwa Xavante)

João Ba e Antonio Pereira

ATEMPORAIS, O ESPETÁCULO

noreply@blogger.com (Joca) — Sat, 02 Aug 2025 21:29:00 +0000

Kátya Teixeira, Socorro Lira e Consuelo de Paula, sob direção do múltiplo Ricardo Vignini , é um encontro dos sonhos – e seria ainda mais brilhante com a presença da encantadora Dani Lasálvia. – Dani infelizmente não poderá participar, às voltas com motivos de força maior e também por estar finalizando seu segundo CD solo, o projeto SoFrida, Mas Não Me Khalo, voltado ao empoderamento feminino, no qual a artista plástica Frida Khalo tem destacada importância entre as grandes mulheres ao longo do século XX e outros séculos. São tantas as grandes personagens femininas – Simone de Beauvoir, Maria Quitéria, Violeta Parra, Josephine Baker, Viola Davis. Dani fará falta na noite de 15 de agosto, na Casa de Francisca, no centro velho e histórico de São Paulo, mas as meninas Socorro, Kátya e Consuelo não vão deixar por menos!

As cantoras, pesquisadoras, instrumentistas e compositoras tem em comum o fato de serem de uma mesma geração, embora tendo se encontrado e cruzado muitas vezes, construíram suas trajetórias por caminhos diferentes. Em comum, a paixão pela brasilidade juntada à latinidade, ancestralidades latentes e vivas na cultura popular, nos fazendo lembrar Darci Ribeiro, o Visionário que chamava o nosso continente de América Latina, a Pátria Grande.

O titulo Atemporais é mais que apropriado, pois atemporalidades é sinônimo da boa música que jamais será datada ou superada, pois é como o sangue que circula em nossas veias.

O espetáculo ATEMPORAIS é um encontro inédito entre as violeiras Consuelo de Paula, Kátia Teixeira e Socorro Lira (Daniela Lasalvia também faria parte, infelizmente teve de declinar). São cantoras e compositoras da mesma geração, que tiveram como mestres desde consagrados gênios à anônimos artistas do povo, que eternizaram aboios, congadas, toadas, cantos afros e indígenas. Cada qual a seu mdo, marcaram a virada do século e continuam produzindo centenas de canções, proporcionando a todos que tem a ventura de apreciar seus trabalhos, momentos poéticos inesquecíveis. É impressionante a singularidade do fazer artístico das meninas que se completam/se complementam, pois bebem da mesma fonte, cada uma de uma direção, lhes facultando explorar nuances poéticas/visões de mundo peculiares e surpreendentes. Um riquíssimo material artístico que o diretor musical, instrumentista e compositor Ricardo Vignini, ninguém melhor do que ele, que conhece caminhos que levam até as fronteiras do universo musical.

Porque “Atemporais”? Em qualquer lugar do mundo em que tivessem nascido, em qualquer época, fariam músicas que seriam compreendidas pelo povo, porque música para elas é um ofício pedagógico: ensinam cidadania ao revelar elementos do nosso universo cultural, grande parte submerso pela falta de interesse das chamadas elites oficiais, que esmagam a cultura nativa em prol de dancinhas narcotizantes. Ao revelar que somos o amalgamento do caldeirão que nos forjou, ensinam História sob múltiplos aspectos: sócio/cultural/econômico/artístico/políticos. Não é preciso ser aguerrido militante para ser revolucionário ou revolucionária!

Estamos todos ansiosos para ver no palco da Casa de Francisca esse desfile poético/musical único! Não são artistas de um tempo e lugar, não são artistas de uma nota só, são de todos os tempos e de todos os lugares; vão além do horizonte, batem às portas do céu, como diria um velho Bardo.

Onde quer que estejam, se numa vila de periferia, num terreiro de terra batida, entre lavadeiras “batendo roupa” à beira d’um riacho ou num nobre e erudito palco como a Casa de Francisca (mas poderia ser o Teatro Municipal), sua luz brilha como estrelas estáticas, num mundo momentaneamente esquecidos das dores e mazelas. Preparemos os espíritos para o refulgir de novos amanheceres, que não tardarão!

A entrada na Casa de Francisca é permitida a maiores de 18 anos. Menores apenas acompanhados de seus responsáveis.

ONDE? QUANDO?

Rua Quintino Bocaiúva, 22, próximo ao Metrô Sé. 15/08/2025. A Casa abre as 20:00 horas.

TIA ANINHA É UM FENOMENO

noreply@blogger.com (Joca) — Mon, 16 Jun 2025 14:49:00 +0000

Tia Aninha é a viva materialização da cultura popular, calcada em profundas raízes afro-brasileiras. Onde tiver Jongo, Congada, Samba, Toada ou qualquer canção brasileira, lá estará Tia Aninha se lançando alegremente no folguedo, transformando alegria em energia, em brasilidade. Ao ser provocada por Paulo Nunes e Alisson Amador, dentre outros, a registrar seu talento musical em disco, se valendo da prodigiosa memória, não fez de rogada; aos 93 anos topou o desafio e mergulhou no projeto.

Desconheço precedentes, mas tenho pra mim que Tia Aninha, aos 93, deve ser a pessoa com mais idade a estrear em disco. Cartola e Clementina de Jesus estrearam oficialmente em disco aos 65 anos, pelas mãos, respectivamente de Marcus Pereira e Hermínio Bello de Carvalho; o violinista/rabequeiro Zé Gomes, depois de participar de mais de duas centenas de gravações, só aos 65 anos lançou seu disco solo. Seu Argemiro Patrocínio, da Velha Guarda da Portela, gravou aos 79 anos pelas mãos de Marisa Monte; Juca da Angélica, que dá nome ao Instituto Juca de Cultura (I.J.C.), um dos últimos poetas consagrados à “literatura oral”, teve seu trabalho registrado em livro e disco já passado dos 90 anos, graças a insistência do poeta e produtor Paulo Nunes.

Deve haver outros exemplos “tardios”, Chico Antônio, por exemplo, que assombrou Mário de Andrade, mas o espaço desse singelo blog é pequeno para o tamanho da pesquisa necessária.

Mas tia Aninha, independente de estar ou não no Guinness Book, é um fenômeno em diversos aspectos: aos 93 anos, não apenas canta com alegria passarinheira, como é capaz de dançar noites inteiras. Arrisco uma possível explicação: Tia Aninha não tem idade, a medida que para ela, o tempo não é limite. Enquanto medito tentando decifrar o mistério da força de Tia Aninha, lembro uns versos de Vicente Barreto:

“o tempo é que acha tempo para te ver passar!” (Vicente Barreto, Senhora, no CD Mão Direita)

...e ela o faz desfilando com galhardia. Também é um fenômeno por ser porta-voz de todos aqueles e aquelas que cantam pelo puro deleite de soltar a voz, com alegria, mesmo que sejam canções tristes ou dramáticas. Ela é daquelas pessoas para quem música é memória e consciência, está na pele, no sangue e na alma.

Na faixa de abertura ela se apresenta com Viemos de Longe, e nos arrebata logo na sequência com a comovente Mãe Preta, dos gaúchos Caco Velho e Piratini.

Intermezzo: pausa na azáfama, parem o tempo, pois Caso Resolvido é praticamente um desdobramento de Trem das Onze, de Adonirã , que deve ter acendido um charuto para celebrar.

Poderia dizer que esse disco levou 94 para ser feito, pois representa um mosáico, atualizadíssimo, de nossa arte musical. Grande parte do repertório escolhido é inspirado nas manifestações populares – as faixas O Nosso Jongo é Do Embú , Glorioso Santo Antonio e O Burro Não Sabe Lê. Ou memórias pessoais, saudades dos entes queridos (Saudade), de bichos queridos (a galinha Bolinha), personagens folclóricos (Saci), cenas e situações cotidianas com picardia, humor (Piolho, Largando a Brasa).

Completando o rico mosaico, compositores eternos que atravessaram as dobras do tempo para se juntar a Tia Aninha: Gonzagão (Casamento de Rosa), Noel Rosa (Último Desejo), o ícone caipira Teddy Vieira (O Boiadeiro Errante), o nosso contemporâneo Jean Garfunkel (Morro da Garça), materializando a paixão de Tia Aninha pela obra de seu conterrâneo Guimaraes Rosa.

Tia Aninha realizou outro raro fenômeno: a capacidade espantosa de agregar , de reunir em torno de si uma pequena multidão de devotados e talentosos artistas, coordenados por Alisson Amador, responsável pela produção musical e arranjos. E uma infinidade de colaboradores que cuidaram da parte gráfica que tornaram o disco físico uma belezura de singeleza e bom gosto.

Num tempo em que nosso mundo mergulha na febre dos artificialismos e outras modernices, aqui temos um trabalho que reflete a personalidade artística de cada um, devidamente harmonizados pela presença de luminosa dessa mineira que transcende a experiência da vida em alegria e reflexão exemplares: a escolha do repertório, os arranjos, os instrumentos, o Coro Feminino formam um vivo retrato sonoro, tornado desde já um clássico.

O disco teve um pré-lançamento em maio passado na Cia de Teatro Heliópolis. Lançamento oficial vem por aí, fiquem atentos e atentas.

TRIBUTO A OSWALDINHO VIANA

noreply@blogger.com (Joca) — Wed, 14 May 2025 17:35:00 +0000

Ainda não foram inventadas palavras capazes de definir a grandeza de Oswaldinho Viana.

Ao lado de Marisa, companheira de vida, de luta, de ofício, foi personagem ativo na cultura paulistana (e paulista). Ele foi daqueles que manejavam com maestria o fazer artístico, harmoniosamente inserido na vida da cidade e dos seus habitantes (vide o disco da dupla em homenagem ao legendário Elpidio dos Santos. Quem ouve tem a nítida sensação de que Elpidio continua entre nós, ou seja, um compositor esquecido, mas atual).

Embora não fizesse parte (por opção própria) do seleto grupo das estrelas cintilantes da chamada MPB, Oswaldinho sempre brilhou. Se não era, como atrás mencionado, uma estrela fulgurante, do tipo “vaca sagrada”, daqueles que vivem cercados por dezenas de produtores a separá-los do público. Contudo, igualmente brilhava de modo impagável, perene. (Como artista, tinha uma curiosa aura nostálgica, de mansidão e simplicidade, como cabe a um nativo da pequena São Sebastião do Tijuco Preto, que teve o nome mudado para Piraju).

De Oswaldinho, pode se dizer sem medo de errar que estava sempre ao lado do povo, sem nenhum ranço de demagogia ou concessão comercial de qualquer ordem; estava ao lado do povão e o povão sempre estava a seu lado – entendendo “povão” como sendo a discreta multidão que se interessa por arte e cultura genuína, que enxergavam nele um representante autêntico.

A atuação do casal Viana no sentido de produzir e dar voz ao que fosse autêntico sempre pautou pela ternura, porém, com firmeza e rigor: refutavam o sucesso fácil e comercial de agrado do “mercado”. Foi assim que os lendários Café Fubá e Armazem Bar. A mesma linha de fidelidade seguiu com o Almoço na Roça e o mais recente e último projeto da dupla: Quintal dos Viana, onde o seleto e felizardo público era literalmente convidado ao quintal do simpático casarão, na City Lapa, para apreciar a arte de grandes nomes da MPB ao sabor de bebidas e comidas bem brasileiras. Cada show, um deleite! Saíamos de lá de alma renovada e barriga cheia, a melhor música e a melhor culinária! Precisa mais? Mas esse último projeto foi interrompido pelo agravamento de seu estado saúde, que terminou por nos privar de sua presença iluminada no último 23 de abril.

Oswaldinho Viana foi uma rara unanimidade entre quem o conheceu. Sua casa estava sempre aberta aos amigos artistas, foram responsáveis pelos primeiros passos da carreira de muita gente. Não menciono aqui pelo receio de esquecer alguém importante...

Na próxima segunda-feira, 19 de maio, no novo Teatro da Rotina, à Rua Simão Alvares, 697, Pinheiros, haverá um espetáculo Tributo, com artistas que alegremente fizeram parte da vida do grande Oswaldinho, como Carlos Careqa, Consuelo de Paula, Chico Cesar, Filó Machado, Dani Lasálvia, Jean Garfunkel, Jica y Turcão, Lula Barbosa, Miltinho Edilberto, Renato Coda, Renato Teixeira, Tetê Espíndola, Zé Geraldo, e outros. Os ingressos foram esgotados em poucas horas, sinal da grandeza e respeito que seu público fiel sempre teve. Vamos torcer para que haja continuidade, que tenha outros shows. É a melhor homenagem que podemos prestar a quem fez de sua vida um ideal de fraternidade, integridade, sinceridade, amizade e respeito por nossa cultura musical, um dos aspectos de nossa alma imortal, pois nunca é demais repetir que povo sem cultura está condenado a jamais ser verdadeiramente livre.

Sua passagem por esta vida de lutas e alegrias fez o mundo um pouco melhor. Valeu a pena!

VIOLAS EnCantadas

noreply@blogger.com (Joca) — Mon, 21 Apr 2025 18:55:00 +0000

Violas Encantadas é um nome bastante apropriado para esse grupo especializado em guitarras antigas portuguesas. Podemos aludir o reaparecimento das violas, num inédito contexto urbano nos últimos 40 anos - seja na terrinha ou nas terras brasilis, do lado de cá do Atlantico, terra esta que até meados do século XIX se falava nheengatu e era chamada nos círculo europeus de América Portuguesa, para distinguir das outras Américas, a hispana e a anglo-saxã. (A viola brasileira nasceu urbana, foi pra roça e nos últimos 40 anos, aproximadamente, voltou para a cidade. E existe até mesmo uma respeitável produção sinfônica, vide os trabalhos de Adelmo Arcoverde e Jayme Além).

As violas devem ter chegado ao Brasil nos primeiros anos da colonização e devido as enormes distancias e consequentemente isolamento, certamente adquiriram outras características e se desenvolvido de maneira completamente distintas das originais. Nas cidades – leia-se Corte no Rio de Janeiro – a viola foi sendo paulatinamente deixada de lado com a entrada em cena do violão, sobrevivendo entretanto nas comunidades mais afastadas (retomaremos o tema logo a seguir para não perder esse fio de meada).

Por volta da segunda metade do século XIX o instrumento de uso corrente nos salões da Corte Imperial era a “viola de arame”, de 10 cordas, instrumento de som delicado, mais apropriado às reuniões intimistas (é provável que a viola de arame , à época, ocupasse o lugar da guitarra barroca e/ou do alaúde de 5 cordas, tal qual nas cortes européias.) . No Brasil, a delicada “viola de arame” praticamente desapareceu com a chegada do violão de seis cordas, de som mais encorpado. A viola de 10 cordas sobreviveu adaptando-se ou se transformando em viola caipira ou ainda sobrevivendo em pequenos nichos de apreciadores de música antiga ou iniciados. A maior expoente que conheço é Gisela Nogueira, que a utilizou nos discos “Marilia de Dirceu” e “Viagem Pelo Brasil”, material antológico lançado pelo selo Eldorado. Na ocasião, nos mesmos discos, Edelton Gloeden tocou guitarra barroca. Nos trabalhos do Grupo Ânima, sua “viola de arame” é chamada na tradução para o inglês de Brazilian Baroque Guitar. De fato, são instrumentos quase semelhantes, a meu ver. Possuem um ancestral comum, pois todos se originam do Alaúde, instrumento singelo, porém, de origem nobre, que ocupa lugar de destaque na história da música. A palavra luthier, que designa ‘fabricante de instrumento”, vem da palavra lute, ou seja, alaúde em inglês. Devo essa informação ao medievalista Roberto Bach, cantor e compositar).

O brasileiro Fernando Deghi e os portugueses José Barros e Ricardo Fonseca, idealizadores do Projeto “Violas EnCantadas” provam que Brasil e Portugal tem mais do que o idioma comum. A maioria dos historiadores que se debruçam sobre o assunto concorda que o processo de colonização Portugal-Brasil ocorreu sob certas peculiaridades, que moldaram a relação entre colonizadores e colonizado.

Estamos longe de insinuar que o colonialismo luso foi bonzinho ou que nossas Iracemas ou Xicas da Silva seduziram e amoleceram corações os corações de pedra portugueses: colonialismo é o que é em qualquer tempo ou lugar, não há como transformar a opressão em belas histórias de amor e amizade. Entretanto, determinadas circunstâncias tornaram possíveis certas alianças em alguns momentos da longa convivência entre colonizado e colonizador. Não estamos falando apenas da propalada proximidade da Casa Grande e da Senzala, mas de improváveis alianças com os indígenas, sendo a mais conhecida a que foi protagonizada pelo jovem aventureiro português, João Ramalho, na época com menos de 20 anos, que depois de escapar de tribos hostis no litoral, de algum modo subiu a Serra do Mar e caiu nas graças de Bartira, filha do Cacique Tibiriça.

Tibiriçá não era um Cacique qualquer. Era uma espécie de Imperador, mandava e desmandava no Planalto Piratiniga. Ter o cacique como sogro fez vigorar uma aliança que foi crucial para os portugueses subirem a Serra do Mar sem se tornarem alvo das flechas e lanças do comandados de Tibiriçá. Para ilustrar, vale a pena relembrar um episódio fundamental para a história de São Paulo: no dia 9 de julho de 1562, uma poderosa confederação de tribos cercou a Vila de São Paulo - onde hoje se encontra a Casa de Anchieta, o Pateo do Colégio e algumas sedes de Tribunais de Justiça – com intenções nada amigáveis. Teria sido um massacre terrível não fosse a pronta interferência de Tibiriçá, com um numero inferior de guerreiros, mas bem treinados e corajosos. Não é a toa que os restos mortais do cacique estão depositados na crypta da Catedral da Sé, no Centro Velho de São Paulo. Quanto ao genro de Tibiricá, João Ramalho, ganhou algumas terrinhas entre Santo Amaro da Borda do Campo e Santo André da Borda do Campo (atuais bairro de Santo Amaro e a cidade de Santo André). Além das terrinhas, que fez dele um dos homens mais proeminentes de seu tempo, produziu numerosa prole (não foi fiel a Bartira) e teve vida longa e tranquila, nada mal para quem começou a vida no Brasil “matando onça no grito!”

Citei brevemente a história de João ramalho e Bartira para ressaltar que ao longo do tempo portugueses e brasileiros protagonizaram interessantes parcerias. Poderia ser muito mais, no campo acadêmico, por exemplo, mas fiquemos com a música. De cabeça, me acorrem: Do Tejo ao Tietê, com Chico Saraiva e Suzana Travassos e o recente Violas EnCantadas, com Fernado Degh, José Barros e Ricardo Fonseca. Destaque para Zeca Baleiro e Canções D’além Mar, um amplo recorte da música lusitana, desde o cancioneiro de Zeca Afonso ao rock português. Dois Mares, de Kátya Teixeira e Luiz Salgado, tratam, dentre outras coisas, do amalgamento sócio cultural, de como elementos e valores tipicamente portugueses não só adaptaram ao Brasil como ganharam vida própria, como a transformação da viola de arame lusa na viola caipira ou brasileira. Até personagens folclóricos foram forjados, como a transformação de São Gonçalo do Amarante, um vetusto senhor vestido de preto, cara severa a impor e respeito, mas que no Brasil vestiu roupas coloridas, aprendeu a tocar violas e se tornou protetor dos violeiros e, dizem línguas indiscretas, protetor das cortesãs. Fato é que o projeto inicial de botar ordem na casa, foi postergado indefinidamente.

VIOLAS EnCantadas: UMA ABUNDÂNCIA DE VIOLAS!

São nada menos que OITO violas tradicionais: viola Braguesa, viola Caipiresa, viola Beiroa, viola Campaniça, viola Ayla, viola Flor de Liz, viola Marieta e a Harpa Viola com suas impressionantes 30 cordas. O Projeto parece muito, mas na verdade, não é! Trata-se de um breve recorte, uma amostra do potencial do cante popular. Isso só é possível quando o talento e sensibilidade dos artistas são colocados a serviço da obra, em muitos casos, com séculos de existência.

Abaixo, algumas violas

O brasileiro os portugueses a principio, tinham em comum o amor pelos instrumentos antigos e o desafio de tornar a cultura tradicional capaz de despertar o interesse das novas gerações. Quem vê o resultado final assegura que foi a maior moleza tal a facilidade com que tratam temas separados por abissais distâncias. Contudo imagino o imenso trabalho de convergência que tiveram de traçar, sendo fiéis aos princípios, fincar pé na tradição e ao mesmo tempo mostrar que tem muito a dizer às novas gerações.

Ressaltamos a reverência por todos que vieram antes deles, por aqueles que traçaram a linha mestra de uma cultura musical muito antiga e que se revela com impressionante vigor. Onde seria tentador se valer do virtuosismo para preencher lacunas, eles se valem da contenção, conforme menciona o escritor Domingos Morais no breve, porém, essencial texto de encarte: “... um virtuosismo que ocultaria o que de mais essencial nos é revelado.”

Os três moços – Deghi, Barros e Fonseca – exploram o que está além do idioma e da magnifica técnica só comum aos mestres. Mergulham na alma ancestral que possuímos em comum e emergem redescobrindo universos sonoros que partilham com todos nós, ouvintes de hoje, nos convidando a com eles viajar na magia dos sons. E o fazem com inaudita alegria, como está claramente expressa na criativa capa do álbum.

As 14 faixas do álbum seguem um percurso onde cada faixa é uma estação, onde nos é permitido “descer” e conhecer a história que o lugar imaginário nos proporciona. Seis das cantigas/estações são peças solo do cancioneiro tradicional, com exceção do instrumental Cavalgada, composição de Deghi. As demais, num total de oito, são cantigas brasileiras e portuguesas cuidadosamente “bordadas”, onde não sabemos quem influenciou quem, mesmo que nos seja mostrada uma cronologia da criação das peças.

Enfim: a obra de arte é das poucas criações humanas que ultrapassam os limites do espaço/tempo, e muito antes da Teoria da Relatividade! Mesclam-se divino-profano-lírico, como nos “bordados” Padeirinha/Asa Branca ou Trenzinho do Caipira/Lá Vem o Comboio.

Em cada faixa/estação que visitamos ao ouvir, somos tomados de assalto por certa nostalgia. Talvez a mesma nostalgia que tomou o compositor – anônimo ou não (daí a peculiaridade de juntar/mesclar cantigas tradicionais adaptadas com autorais, como na faixa 9, Luar do Sertão/Saudades da Lua).

Portugal e Nós/Nós e eles: Ao longo de mais de 500 anos, compartilhamos acidentes e incidentes históricos. Herdamos mazelas, mas também progressos em diversas áreas do conhecimento, com a vinda do rei Dom João VI e a Corte para essas plagas, em 1808.

Nos dias que correm deveríamos recordar os versos de Drummond, Vamos de Mãos Dadas e todos dar-mos as mãos, como fizeram Fernando Deghi, José Barros e Ricardo Fonseca, especialmente em tempos onde a intolerância atinge níveis alarmantes. A intolerância, bem o sabemos, é consequência direta da ignorância que temos do nosso próximo. Ou seja, do medo. A partir do momento que conhecemos o próximo, podemos, quiçá, perceber que pode ser mais próximo do que jamais admitimos: pode ser nosso irmão. “Só respeita quem conhece” (Cacique Xavante Apowê).

Durante os duros anos de ostracismo, podemos dizer que as violas ficaram encantadas. Graças à dedicação, denodo e amor dos abnegados e fiéis admiradores, finalmente as violas se desencantam e retomam seu lugar na história

Assisti a apresentação do Violas EnCantadas nas dependências da UMAPAZ – Universidade do Meio Ambiente, no aprazível Parque do Ibirapuera. Uma experiência alegre, comovente e alucinante!

KÁTYA TEIXEIRA RECEBE O PRÊMIO INESITA BARROSO

noreply@blogger.com (Joca) — Mon, 10 Mar 2025 14:06:00 +0000

ONDE? Câmara Municipal de São Paulo. DATA: 10 de Março HORÁRIO: 19:30 horas, Salão Nobre 8º Andar

Nesta segunda feira, 10 de março, a cantora, compositora, instrumentista, pesquisadora de arte popular, etc., Kátya Teixeira, juntamente com outros personagens importantes de nossa cultura, recebe na Câmara Municipal de São Paulo, o Premio Inesita Barroso, em justa homenagem para as duas grandes artistas do Brasil, que por sinal, tem certa semelhança no modo como se construíram como artistas

Inesita, sempre lembrando, era múltipla: atriz, cantora, pesquisadora de folclore, apresentadora de programa de auditório. Ao longo da vida construiu uma legião de admiradores entre vários segmentos da vida artistica, desde o mais genuíno público raiz até no rigoroso meio acadêmico. Se nos atermos apenas num aspecto, o de cantora, vamos ver que nas dezenas de discos lançados, ela contemplou todos (ou quase todos, dada a variedade quase infinita, pois a cada vez que se interpreta um genuíno ritmo brasileiro, necessariamente se torna uma reeleitura) gêneros da musica brasileira existentes: no campo e cidade, de norte, sul, leste, oeste. Através de sua voz inconfundível aprendemos a nos emocionar com os dramas sertanejos como Cabocla Tereza ou Chico Mineiro e nos divertir com a icônica Marvada Pinga ou ser remetido à nostalgia que pertence ao inconsciente coletivo, Lampião de Gás, que remete diretamente aos nossos ancestrais paulistanos...

Kátya, bem o sabemos, apesar de seu foco da tradição e na cultura popular, é antes de tudo uma grande e corajosa cantora, seja suas composições próprias, da tradição oral ou um amplo leque de compositores parceiros, tal como mostra no seu álbum “Feito Corda e Cantiga” onde reúne uma pequena Confraria: Luis Perequê, Chico Branco, Giordano Mochel e Jean Garfunkel.

Sua contribuição para a cultura musical brasileira vai além dos álbuns e dos palcos. É criadora e coordenadora do Projeto Dandô – Círculo de Música Dércio Marques, onde, inspirada no mineiro de Uberaba/Uberlândia, contata e reúne artistas de vários lugares do Brasil visando (re)descobrir e tornar conhecidas culturas musicais locais. Tal iniciativa almeja a formação de artistas e público, que de outro modo continuariam ignorados, uma vez que os meios de comunicação geralmente miram o aspecto comercial. O “Projeto Dandô” a cada ano cresce, se internacionalizou, estimulando parcerias com artistas do Chile, Uruguai, Venezuela, Perú, Portugal, Espanha, França, etc. O objetivo é tornar cada comunidade, em qualquer lugar co-participante de sua própria produção cultural em vez de mero e passivo consumidor.

Justo o Prêmio e a lembrança desses heróis e heroínas que enaltecem e mantém viva a Alma Nacional, através da cultura raíz, para que possa se manter viva, gerando frutos, alegrando corações.

Ainda dentro da Programação em homenagem ao centenário de nascimento de Inesita Barroso neste 2025, no dia 16 de Março haverá um grande encontro, denominado Violeiras do Brasil, com Kátya Teixeira, Juliana Andrade, Karol Shittini e Carol Carneiro.

Violeiras do Brasil, o espetáculo, merece reflexão: por muitos anos não existia “violeira” do Brasil, era uma atividade, clandestina, boicotada. Inesita quebrou esse estigma. Uma vez conquistado o espaço, sua vez e lugar, tornou-se Mestra de todos e de todas!

A FALTA QUE ELA ME FAZ

noreply@blogger.com (Joca) — Mon, 03 Feb 2025 22:23:00 +0000

A primeira vista o título remete à famosa crônica de Fernando Sabino – que, a propósito, faz falta nos tempos de hoje, com sua leveza lírica. Sabino fez parte de uma geração de ouro da literatura brasileira. Falar dele é falar de Oto Lara Resende, Rubens Braga, Clarice Linspector, Rachel de Queiróz, tantos outros e outras. Fernando Sabino se destacou como autor de crônicas, contos e romances. Andou flertando escrever biografia de politico, mas creio que ele mesmo prefere esquecer esse lapso... Não deu certo e ninguém é perfeito!

Um de seus textos mais marcantes foi o romance O Encontro Marcado, símbolo de uma ou várias gerações. Seu texto mais marcante na memória popular deve ter sido O Homem Nu, que narra as peripécias de um homem que saiu para pegar um pacote de pães deixado pelo padeiro na porta de casa. Estava nu, mas era um domingo de manhã, era pegar o pão e entrar, 2 ou 3 segundos, ninguém ia ver. Mas ao sair a porta fecha e trava e o conto curtíssimo narra os apuros do homem, fora de casa e nú! Virou filme, estrelado por Cláudio Marzo!

A crônica a qual me refiro – A Falta Que Ela Me Faz – deve ter surpreendido milhares de leitores na época, pois a primeira vista pensamos na falta que deve fazer a um homem a mulher de sua vida! No caso, embora se trate de uma mulher (a que faz falta), ele se refere a empregada que realiza seu discreto trabalho. Ninguém a valoriza, mas é essa serviçal invisível quem organiza sua vida e um simples mês de férias que ele concede a ela é o bastante para desestruturar completamente sua vida!

No meu caso pessoal, trata-se de alguém do sexo feminino que conviveu e mandou em minha casa durante alguns anos. Trata-se de minha Gata, de nome Nita, acometida de um mal advindo de problemas respiratórios. Mal de gato de apartamento, movendo-se em espaço reduzido – embora ela fosse ativa e passasse parte da noite perseguindo reflexos de luzes externas filtrados pela janela.

Nita fazia parte de meu cotidiano e determinava o início de meu dia, pois a primeira coisa que vericava era se tinha agua para ela e em seguida depositar sua porção de ração; Nita ajudava-me a organizar o inicio do meu dia. Mas tinha mais: a organização da casa em si mesma levava em conta sua presença, como a colocação de redes de proteção na sacada e janelas. Sua partida súbita deixou um vazio só percebido de fato com sua falta. Embora silenciosa como são os gatos, era capaz de se infiltrar pelos lugares mais inesperados. Certa vez, “desapareceu” e estava a ponto de dar o caso como perdido depois de examinar cada metro quadrado do apartamento quando ela ressurge, sonolenta, de dentro do sofá, num espaço exíguo entre o assento e o encosto. Como ela se infiltrou lá, nunca soube. Gatos são dados a isso, a mistérios.

Mas, desta vez, não foi travessura e se tem algo que reconforta é que tivemos uma convivência harmoniosa, embora pertencêssemos a espécies diferentes. E algumas dúvidas, sempre persistirão: fui eu quem a escolhi ou ela quem me escolheu? Era ela meu bicho de estimação ou era eu o seu bixo humano de estimação?

Tomado por dúvidas, tomei a liberdade de realizar uma consulta telepática com um dos bichos mais sábios que existe, o Jabuti, que recusa a aderir certas modalidades modernas de comunicação. Não tem whatzap, email, telefone fixo, nada. Entrevista com ele só presencialmente ou pelo velho sistema telepático, que muitos reputam antiquado, porém, eficiente.

Quando expus ao Jabuti tais dúvidas, ele foi enfático: “Voce sabe a resposta! Não se lembra? Está na página 88 de sua narração A Invenção da Palavra!”

Tiro e queda. Fui ver o livrinho e estava lá, nas palavras do próprio Jabuti, que foram registradas nas memórias de muitas gerações antes de mim: Numa conferência dos bichos, preocupados com as bobagens que muitos humanos estavam praticando, decidiram intervir. O Jabuti, em pessoa deu as instruções finais:

“Faremos o homem acreditar que é o senhor da situação, eles jamais devem perceber que somos nós os verdadeiros donos de suas casas! Na verdade, pouco importa. O importante é ajuda-lo a ser mais equilibrado. Ensinaremos a ele boas maneiras, o valor da lealdade, da amizade, sensibilidade, etc...”

Mas não pensem que nossa convivência era completamente harmoniosa. Muitos conflitos explodiam no dia-a-dia, pois acontecia algumas vezes termos opiniões e atitudes conflitantes.

Ela tinha por hábito acomodar-se em meu colo enquanto eu escrevia. O bicho pegava quando ela cismava que minha mão esquerda deveria ficar pousada sobre a côxa esquerda para que ela pousasse sua cabeça!

Outra coisa que a desagradava muito era eu atender o telefone enquanto estava com ela no colo! Para ela se tratava de um acinte, de um disparate! Do ponto de vista dela, era o cúmulo da falta de respeito. Ficava irritada, deixava clara sua discordância. Pulava do colo e saía pisando forte!

Mas quando eu pensava que tivesse chegado a um ponto inconciliável, lá vinha ela, silenciosa como sempre se enrolar em meus pés instigando a seguir em frente...

Tinha suas preferências pelos velhos LPs! Tinham de passar por seu crivo. No Instituto Juca de Cultura (I.J.C.), sob a batuta do poeta Paulo Nunes, existe uma gata poderosa, a Rabudis! Artista só pisa aquele sagrado palco se ela aprovar.

VEM AÍ PÁSSARO FUTURO, COM CONSUELO DE PAULA E REGINA MACHADO

noreply@blogger.com (Joca) — Fri, 03 Jan 2025 18:36:00 +0000

Durante a pandemia do CoronaVirus, Consuelo de Paula e Regina Machado iniciaram uma febril troca de correspondência sob forma de poesias e melodias que resultaram em aproximadamente 60 canções. A parceria ter nascido e prosperado durante uma das maiores tragédias que já assolaram é sintomático: artistas, de modo geral, possuem o dom de captar o “espírito de uma época”, conforme definiu Walter Benjamin a respeito da obra de Baudelaire e Edgard Allan Poe que durante o auge do capitalismo, descreviam, inconscientemente, a brutalidade dos primeiros tempos quando não era exagero chamar de “capitalismo selvagem” – que dizer de jornadas de trabalho de 20 horas diárias sob condições insalubres? Consuelo e Regina fizeram uso da tecnologia para dialogarem durante um período onde o contato humano poderia ser letal e por toda parte se respirava medo, morte, incertezas. Contudo, havia espaço para a criatividade e o sonho e a vasta produção poético/musical foi a resposta para desafiar a angústia que nos empurrava para profundidades abissais... Ouso dizer que poucas vezes na história de nossa música se produziu tanto, especialmente se tratando de duas artistas que costumam produzir de forma meticulosa, cuidadosa. Desta feita, foi aos borbotões, as canções irrompiam como ondas! Dada a natureza complexa e densa do material, produziram um recorte de 11 canções a que deram o nome “Pássaro Futuro”.

“Passaro do Futuro”, primeira aparição em disco de Consuelo de Paula e Regina Machado, sela um necessário encontro que parecia predestinado desde o início dos tempos, pois pareceram parceiras de longa; ambas marcam presença no mundo em forma de música e poesia: Consuelo, a alma lírica carregando em si extensa bagagem, sempre disposta a mergulhos vertiginosos, sem concessões de qualquer ordem; Regina, de apuradíssima, refinada e rigorosa técnica, sem desmerecer a intuição, aberta ao diálogo, à experimentação. No trabalho das duas, que tivemos oportunidade de ver em raros shows para uns poucos felizardos que tiveram a oportunidade de ver e ouvir a obra ainda incompleta. No palco, com o projeto ainda sendo modelado, as duas se equilibravam em contradança cósmica, abolindo distâncias, conceitos, espaços. Produziram uma obra ao mesmo tempo doce e dilacerante, profunda, intensa, inspirada, capaz de reter a atenção da audiência rigorosa e emocionar os sonhadores, porque é calcada em ancestralidades, solidamente palmilhada, para cativar corações e mentes. Mas, de onde veio a expressão Pássaro Futuro?

De nossa parte, desistimos de tentar capturar o sentido ou a razão de ser do “pássaro futuro”. Qualquer que seja a forma pela qual tentamos desvelar-lhe a natureza, a mesma nos escapa, pois se trata do Pássaro Mítico, que habita o cerne de muitas culturas, desde os confins do Oriente, entre desertos, vales, cordilheiras, florestas, savanas até pousarmos delicadamente na cultura guarani – onde a expressão se encontra devidamente grafada. Foi exatamente nesse ponto que as artistas realizaram o recorte abordado. Por se tratar do Pássaro Mítico não é nenhum em especial, apesar da clara referência ao “Colibri”, o Pássaro Primeiro entre os Guarani. Mas poderia se tratar do poderoso Condor, que inspirou o peruano Daniel Robles a compor El Condor Pasa, peça que, segundo o autor, deveria ser a música da integração latino-americana. Muitos povos originários da América do Norte referenciam a Águia, povos nórdicos idem. Poderia ser o nosso Gavião Penacho ou Urubú-Rei ou o lendário amazônico Uirapurú, El Roussinol, da cultura catalã e, – porque não?, o desajeitado Anu-preto, alcunha Coró-Coró, que não figura entre as Aves Nobres, mas, segundo João Bá, foram inspiradores da necessária Reforma Agrária! Não esquecer o Beija-Flor, entranhado no folclore brasileiro como o Cuitelinho.

O “Pássaro Futuro”, Pássaro Mítico de Regina e Consuelo, não tem forma definida. Pode ser uma junção de fragmentos, que se juntam na penumbra do Tempo – Passado ou Futuro? Parente próximo da Fênix, a ave que renasce das cinzas? Eis uma poderosa metáfora onde miraculosamente se insere os povos originários da América do Sul, metodicamente exterminados ao longo de mais de cinco séculos e cuja força se mantém intacta!

Desde algumas décadas, a partir da segunda metade do século XX, o discurso de combate à Natureza foi inteiramente modificado ao surgir a veemente necessidade de preservar rios e florestas, perante o risco de degradação da delicada engrenagem que mantém vivo o nosso pequeno planeta: existem outros mundos, maiores que a Terra, mas não possui o que temos em abundância: agua e vida, que na enormidade infinita do Kosmo é coisa rara, de fato o bem mais precioso!

De tempo para cá já temos nuances do grande combate que a Humanidade terá de travar pela urgente preservação dos recursos naturais. Não será contra um inimigo direto, mas contra nós mesmos, contra nossa ignorância e insensatez. Então, os povos indígenas, sem fantasias heróicas, sob as asas do pássaro futuro generosamente podem nos ensinar a retomar caminhos, pois ninguém entende mais de natureza do que eles. De quase exterminados pela ganância humana a salvadores da espécie humana. O mundo dá voltas - se houver mundo!

O “Pássaro Futuro”, o Pássaro Mítico, pode vir à ser a criatura alada que habita as camadas mais profundas da espécie humana que apesar de sua imperfeição, tem acêsa no coração a centelha divina que gerou nossa imperfeita humanidade.

Nos períodos de grave crise, silenciosamente deixa seu ninho e semeia sementes de esperança. Uns poucos seres iluminados, de nome Consuelo e Regina, tem permissão especial para decifrar suas intenções e espalhar pelos corações as sementes da redenção, que reacenderão a esperança no mundo por vir!

PÁSSARO FUTURO

(repertório)

Ayrá

Plumagem

Canto de Chegança

Mainu

Ave grande

Ave passageira

Ave-preta

Vento-mar

Noturna canção

passarim roseira

Atiaru

Aguardem! Acompanhem as artistas pelo Instagran, onde noticias do lançamento previsto para Fevereiro vão estar disponíveis.

KÁTYA TEIXEIRA NO QUINTAL DOS VIANAS

noreply@blogger.com (Joca) — Mon, 18 Nov 2024 21:59:00 +0000

É oficial: Katya Teixeira no Quintal dos Viana! Dia 23/11- a partir das 15h Apoio cultural: $60 Reservas antecipadas: 11994619408

O espaço cultural Quintal dos Viana, sob a batuta do casal de artistas de primeira grandeza, Oswaldinho e Marisa Viana estará aberto ao público a partir das 15 horas. Essa é uma característica do espaço: o público chega sem pressa, sem encarar filas, se acomoda, dá tempo de uma prosa, sorver uma bebidinha, beliscar uns petiscos e tranquilamente entrar no clima, pois o espetáculo proporcionado pela cada vez melhor Kátya Teixeira será, entre outras coisas, uma festa, uma celebração. E não é para menos: neste ano da graça de 2024, a paulistana filha de mineira e alagoano, está completando 30 anos de gloriosa carreira! Motivo pra festa de arromba, pois é um grande feito. E não por acaso, a comemoração tem lugar certo pra acontecer, pois foi com o mesmo casal Viana que a menina Kátya estreou nos palcos, no então Armazém Bar.

Comemorar 3 décadas sob a benção dos Viana não é um círculo que se fecha, mas que se amplia; pois Kátya acaba de retornar de uma turnê de 45 dias por Espanha, França e Portugal, onde protagonizou encontros e diálogos musicais, levando nossa ginga e alegria para àquelas paragens. Num momento de grave crise humanitária sacudindo o planeta, mais do que nunca vale lembrar que nosso próximo – seja nosso vizinho ou o habitante de outros país, de outro continente, de outra raça, de outra crença, seja quem ou o que for – faz parte de nossa Gran Hermandad, como certamente diria o poeta humanista mexicano Octávio Paz. Saber que Kátya Teixeira, representante-mór de nossa cultura popular, contribui para o necessário diálogo, muito nos orgulha. Esperamos que ela nos conte histórias dos caminhos percorridos no Velho Continente.

A atuação do casal Oswaldinho e Marisa ´é marcante na cultura paulista/paulistana, sempre lembrados pelos discos São Sebastião do Tijuco Preto e o antológico Viva Elpidio, em justíssima homenagem ao inesquecível Elpidio dos Santos. Discretamente atuam como cultivadores da arte em todos os aspectos e, no caso, consideramos a Culinária como arte maior. Eles conseguem estabelecer esse vínculo tão especial, onde tradição, cultura, saberes e sabores alimentam corpo e alma. Tenho certeza absoluta que muito da merecida fama de São Paulo como a capital da gastronomia mundial se deve aos dotes culinário de Marisa Viana desde os velhos tempos do Armazém Bar, Café Fubá e mais recentemente o disputadíssimo Almoço na Roça. A grife culinária e artística de ambos é parte do patrimônio de nossa gente. Poderia se tornar uma rede de sucesso! Mas, que franquia assegura o olho brilhando? E o sorriso honesto? O calor humano que transforma cada evento numa experiência única?

ONDE?

Logo ali, na City Lapa, na Rua Visconde de Indaiatuba, 186

(Reservar pelo número informado no inicio deste post)

A RAVE DE JEAN GARFUNKEL

noreply@blogger.com (Joca) — Thu, 07 Nov 2024 19:18:00 +0000

Ninguém em sã consciência poderia dizer que Jean Garfunkel, com seus quase dois metro de altura, passaria despercebido em algum lugar dessa surpreendente São Paulo. Muito menos sua obra, embora Jean não seja um artista das multidões”, não obstante muitas de suas obras sejam conhecidas do grande publico.

Jean é dessas pessoas que respiram e transpiram arte o tempo todo, por ele transitam múltiplas formas de arte. Sua obra não é extensa – em termos numéricos – mas mesmo uma análise breve de seu trabalho da conta de ser uma obra de enormidades profundas e quem conhece, não fica indiferente. Sua obra é composta ao longo da caminhada do dia a dia e os registros podemos chamar de pausas onde ele decide fixar o trabalho erguendo uma discreta mas sólida torre sob a forma de discos, livros, trilhas para teatro, películas. Até o momento tem registrado 4 discos com seu parceiro e irmão Paulo, dois discos solo; os livros “Poemia”, “Poemania Crônicas” e o livro de poesias “Rave is Heaven no Sertão”, lançado neste ano da graça de 2024, do qual extraímos algumas reflexões, como segue abaixo:

O título – rave is heaven - sugere uma leve brincadeira com o som das palavras rave e heaven e o complemento no sertão poderia ser uma homenagem aos cordelistas sertanejos, de antiquíssima linhagem. O caráter de missão que o “cantautor” autoatribui-se pode também remeter aos “goliardos”, chamados “os hippies da idade média”, monges que eram expulsos do conventos por comporem textos considerados escandalosos ou mesmo ter comportamento, digamos, dissonantes dos princípios morais do clero. Uma vez expulsos, sendo músicos e poetas de talento e sem outros dotes profissionais, tinham como último recurso animar ajuntamentos de pessoas, desde batizados/casamentos até bordéis. A precariedade da “profissão” de trovador, como se vê, é muito, muito antigo e até hoje os encontramos pelas estradas e ruas. Muitos peças da Renascença foram criadas pelos “goliardos” e a forma “erudita” de sua Arte chegou até nós como Carmina Burana.

Foi assim, de forma “inocente” que fui apresentado ao pequeno livro de poemas, esperando deparar-me com sugestivas versões de Chicó, João Grilo ou Malazartes, lendários personagens/arquétipos populares e por isso universais.

Minha pretensão de fazer uma leitura leve e despretensiosa sofreu um pequeno abalo quando me dei conta que a obra não era um mote para a apresentação e desfile do personagem que poderia ser o cordelista, o repentista ou o cantor de rap que muitas vezes nos surpreendem nos metrôs da vida. (Não posso me queixar porque fui avisado. O poeta Ruy Proença alertou no sucinto prefácio: “...nos lança ao ponto de encontro, ou choque de culturas, típico da contemporaneidade globalizada.”)

Jean Garfunkel, artista e cidadão, é um cronista agudo de nosso tempo e usa o poder de síntese para abordar desde a denúncia de abusos de menores, critica literária, politica, social, etc; em cada um desses temas Jean, fazendo vezes de um Adoniran Barbosa refinado, toca o ponto fulcral e disseca em poucos versos o que cientistas sociais esmiuçariam em grossos volumes...

VICISSITUDES DO CIDADÃO COMUM:

A arte de Jean Garfunkel se confunde com a pessoa e com o esteta: nada escapa ao seu crivo, mesmo quando trata de aparentes banalidades, como na música “É as Contas Qui Manda Ni Nóis” do CD “13 Pares e Um Fado Solitário”, onde, com humor relata as agruras do trabalhador e honesto cumpridor de deveres, cada vez mais obrigado a lidar e fazer mágicas com seu salário apertado e as “contas” mensais que aumentam mais que o salário. Retrata com fidelidade a falsa noção de liberdade que tolhe a vontade e a “liberdade” do homem moderno, engolfado pela política neoliberal que o obriga a trabalhar jornadas impressionantes – 12, 15, 16 horas – exatamente como nos primeiros tempos do “capitalismo selvagem”. E ele, homem, ainda tem a ilusão de conduzir seu destino, como se tivesse liberdade de escolha! Aqui encontramos correspondência no pequeno ensaio de Vilém Flusser, “A Filosofia da caixa Preta – Ensaios Para Uma Filosofia da Fotografia”, onde ele trata da relação entre o fotógrafo e a máquina fotográfica – a caixa preta - que ele tem a ilusão de controlar, quando na verdade, ele é conduzido, pois é a máquina, quem define as condições de tempo, de luz para que o fotógrafo produza a foto perfeita... A escolha é dela e não dele!

Ao tratar temas fundamentais da existência com ironia e bom humor, lembrando que não adianta ter raiva da rave, o forró americano, pois “...a hora não tarda/ de a gente montar no destino/ e rumar para uma estrada/ que leve a nós mesmos.” Poesia e filosofia se reúnem em mesa redonda, cada qual propondo decifrar esse ser que sempre sonhou com as estrelas ao mesmo tempo que é governados por efemérides. É licito o uso livre de versos oriundos da sabedoria popular e também de requintadas reflexões filosofais: Poesia e Filosofia frente a frente! Ao contrário dos debates políticos, aqui é possível convergir para pontos de encontro e tudo terminar em forró!

30 anos de estrada e mais: CD TRIPLO DE RICARDO VIGNINI

noreply@blogger.com (Joca) — Tue, 17 Sep 2024 14:45:00 +0000

Quando ouvi pela primeira vez o álbum triplo de Ricardo Vignini inicialmente ocorreu-me que se tratava de uma síntese de sua carreira, que ultrapassa três décadas, comemoração esperada, especialmente se levando em conta suas múltiplas atividades – estritamente musicais como instrumentista, compositor, produtor e etc.

Mas o CD Ricardo Vignini 30 anos, está longe disso – de ser uma síntese de sua obra. Pode, creio eu, ser uma síntese do que Ricardo é capaz de fazer, em termos de originalidade e criatividade sempre revigorante de alguém que se renova a cada dia junto a parceiros dos mais diferentes matizes, lugares, “tempos” e tendências. O álbum triplo é composto pelos CDs “Reviola”, “Sessões Elétricas Para Um Novo Tempo” (Trio com Fernando Nunes no baixo e Ricardo Berti na bateria) e “Cubo”. Os dois últimos concebidos e produzidos durante a pandemia

Ricardo, desde os primeiros passos na vida, começou sua trajetória no rock, como praticamente todos os urbanoides de sua geração. Rock-and-rol para ele, entretanto, sempre foi além dos decibéis da energia pura dessa música vibrante que revolucionou e seduziu o mundo a partir dos primeiros anos da década de 1950: Ricardo fez do rock uma matriz sólida para aprimorar suas habilidades como músico, sendo dos poucos capaz de dosar energia pesada com sutilezas que somente as almas sensíveis são capazes de captar. Seria por isso que ele nalgum momento da vida cismou de tocar viola caipira? Existe, de fato, simetria entre a viola caipira e o blues?

Com a palavra, os especialistas. Contento-me em acreditar que, se se encontrassem num mesmo palco Tião Carreiro, Índio Cachoeira, John Lee Hooker e Muddy Waters, Robert Johnson, o ancestral de todos eles, ficaria de queixo caído! Vou mais além: se Gaspaz Sanz, criador de xácaras & Canários, apeasse de uma nave do Tempo, ao ouvir esse som, iria juntar-se ao grupo. Isso, sim, pois Ricardo, como tantos mundo afora – Rollings Stones, Beatles, Elvis, Black Sabbath, etc. são herdeiros de uma imensa árvore comum!

Por isso Ricardo transita com tranquila naturalidade entre vários espectros musicais, seja eletrificando a música caipira, através da atuação da banda Matuto Moderno seja o inverso, levando a viola caipira ao rock e com Zé Helder, protagonizando releituras de clássicos do rock como Metallica, Led Zepelin, Nirvana. Suas parcerias abrangem um amplo leque, de André Abujamra, André Geraissati, Socorro Lira, Indio Cachoeira, entre tantos. Não é por mero acaso ou oportunismo momentâneo que artistas do porte de Lenine, Zeca Baleiro e Zé Geraldo participam de seus trabalhos.

Para Ricardo, não existe território proibido na música, mesmo que supostos puristas de um ou outro lado o olhem torto. Ele não se faz de rogado: onde quer que a Deusa Música esteja presente ele chega, pede licença e demonstra que música boa tem seu lugar garantido nos corações e mentes: música é convergência.

Outra atração do trabalho que merece observação é a parte gráfica, lembrando as clássicas “graphic novels” de R. Clumb. E, pelo menos a mim parece, com um jeitão de filmes dos anos 1980: Wim Wenders, da Trilogia da Estrada; Jim Jamurch, de Down By Law (que no Brasil ousadamente foi chamado Daúmbailó, muito antes de inventarem o Méqui...) e especialmente os Irmãos Joel e Ethan Cohen, de Fargo, principalmente, com seus personagens nonsense, de comportamentos desconcertantes.

Nosso mundo está tão careta e violento, que precisamos recuperar ou reinventar a leveza, para contrapor a violência. A propósito: Reviola, Sessões Elétricas Para Um Novo Tempo e Cubo são trilhas sonoras já prontas à espera de diretor e roteirista, pois ao ouvir, o tempo inteiros “visualizamos” personagens, solitários ou em grupos, perambulando pelos caminhos e veredas, ruas e becos, curtindo pores-de-sol ou auroras pós apocalípticas

Contudo, mesmo atentando para as cores fortes do psicodelismo, o CD Triplo Ricardo Vignini 30 Anos é antes de tudo leve. Pode-se ouví-lo vezes sem conta que em cada uma das 32 faixas está presente o ar de leveza da esperança que nunca haverá de abandonar a espécie humana. Tudo porque o paulistano Ricardo Vignini, nascido no bairro Santa Catarina, ali no Jabaquara próximo à saída para o litoral, é desses violeiros que a cada acorde prenuncia algo que será rotineiro em anos vindouros: a viola é um instrumento que veio do passado para os tempos vindouros.

Abaixo breve mostra do incansável Matuto Moderno:

Discografia – Solo

– Cubo (Folguedo/Tratore) 2020

– Sessões Elétricas Para Um Novo Tempo (Folguedo/Tratore) 2020

– Reviola (Folguedo/Tratore) 2020

– Viola De Lata Ao Vivo (Folguedo/Tratore) 2019

– Viola de Lata (Folguedo Tratore) 2019

– Rebento (Folguedo/Tratore) 2017

– Na Zoada do Arame (Folguedo/Tratore) 2010

Vignini e Zé Helder

Discografia – Moda de Rock

(Ricardo Vignini & Zé Helder)

– Moda de Rock Toca Led Zeppelin (Folguedo/Tratore) 2018

– Moda de Rock II (Folguedo/Tratore/ProAc ) 2016

– Moda de Rock Ao Vivo com participações de Pepeu Gomes, Kiko Loureiro e Os Favoritos da Catira (Folguedo/Tratore) 2013

– Moda de Rock & Viola Extrema (Folguedo/Tratore) 2010

Discografia – Matuto Moderno

– Matuto Moderno 20 Anos Ao Vivo! Participações de Andreas Kisser, André Abujamra, Pereira da Viola e Chico Lobo (Folguedo/Tratore) 2019

– Matuto Moderno 5 (Folguedo/Tratore) 2013

– Empreitada Perigosa (Folguedo/Tratore) 2009

– Razão da Raça Rústica (Folguedo/Tratore) 2005

– Festeiro (Folguedo/Tratore) 2002

– Bojo Elétrico (Folguedo/Tratore) 2000

Discografia – Outros

- Terra Livre, com o português Gajo. Encontro das Violas caipira e campaniça.

– Viola Caipira Duas Gerações com Índio Cachoeira e Ricardo Vignini Ao Vivo (Folguedo/Tratore) 2020

– Nós do Rock Rural – Tuia, Tavito, Vignini, Zé Geraldo e Guarabyra (Kuarup) 2019

Vignini e Indio Cachoeira

ALERTA!!!

Quem ainda não adquiriu o disco que vale por três (ou mais) que dê um jeito de achar, pois sua edição está limitado a 500 exemplares e não demora muito a ser privilégio de felizes colecionadores!

KÁTYA TEIXEIRA NO CENTRO CULTURAL SÃO PAULO COMEMORA 30 ANOS DE CARREIRA

noreply@blogger.com (Joca) — Wed, 17 Jul 2024 00:33:00 +0000

Neste ano da graça de 2024, a cantora, compositora e pesquisadora paulistana, filha de alagoano e mineira, Kátya Teixeira, comemora 30 anos de carreira e nos presenteia com um show que fará história!

O palco não poderia ser melhor e mais adequado: o Centro Cultural São Paulo está em nossa memória afetiva há décadas. Por lá passaram todos os artistas do chamado circuito alternativo, chamados independente, ou seja, aqueles que não se apresentavam nos grandes palcos. Na época a divulgação das apresentações corria de boca em boca poucos dias antes das apresentações e no dia, filas de gente feliz se formavam à porta de entrada. Eram os tempos de Hermeto Pascoal, Diana Pequeno, Dércio Marques, Vidal França, Marlui Miranda, Vital Farias, Luiz Carlos Bahia, Doroty Marques, Zé Gomes, João Bá, Renato Teixeira, o Raíces de América, Tarancón, Terramérica, etc. são apenas uns poucos nomes de que me recordo, de memória. Eram chamados “alternativos”, mas o que atraía mesmo o público era a qualidade. A proximidade do palco criava um atrativo, pois transmitia a sensação de que estavam no terreiro de nossas casas.

O CCSP, tem história e cada um de nós tem sua versão singular história, ligada às nossas melhores lembranças dessa cidade de todos nós... Passou uns tempos no ostracismo, mas agora retorna em alto estilo. O show de Kátya Teixeira no próximo 26 de julho é uma grande noticia. Quem for, não esquecerá!

O CENTRO CULTURAL SÃO PAULO, LUGAR DE IMPORTÂNCIA ESTRATÉGICA

Localizado num local de fácil acesso, ao lado da estação de metrô Vergueiro, o complexo abriga salas de espetáculos, cinema, amplos espaços livres, bibliotecas, um acervo valioso de documentos relativos à nossa história cultural. O mais valioso deve ser a edição completa da Missão de Pesquisas Folclóricas, volumoso material sonoro coletado durante três anos no final da década de 1920, por uma equipe munida com o que havia de mais moderno para a época. A proposta, Idealizada e organizada por Mário de Andrade, então Secretário de Cultura do Estado de São Paulo unia recursos de última geração – equipamentos de audiovisual, veículos, rádio comunicadores – com recursos arcaicos, como o uso de animais de tração/carroças, carros de boi, barcos a remo/pirogas onde não havia estradas.

Para se ter uma pálida ideia da importância e abrangência da pesquisa, uma coleção de 6 CDs e um libreto, que pode ser adquirida à preço de banana nas lojas do SESC, contém “apenas” 10% de todo material gravado em áudio. Todas as manifestações musicais passíveis de serem mapeadas nas regiões Sudeste, Nordeste e Norte do Brasil foram coletadas. Considerando as enormes dificuldades tecnológicas e de logística da época, foi um trabalho gigante, somente comparado ao realizado pelos Lomax, pai e filho, que vasculharam o interior dos Estados Unidos, nas pequenas comunidades, ranchos, fazendas de algodão e até nas prisões, gravando e coletando canções “folk”. É a origem do que a indústria, deslumbrada, etiquetou como “folk-songs”, documentos sonoros e sociais, hoje em dia sob a guarda da Biblioteca do Congresso, mas que inspirou e continua inspirando o mundo da musica: de Bob Dylan ao rock inglês.

De facto, trabalhos como a Missão de Pesquisas, o esforço dos Lomax, o fundamental trabalho de pesquisa/divulgação/produção de Cornélio Pires até chegar a artistas do nosso tempo – ou próximos ao nosso tempo, como Ely Camargo, Inesita Barroso e Rolando Boldrin, dentre outros. Mas também somos devedores de cada pequeno grupo nos terreiros de quilombolas e as danças indígenas nas aldeias, nos ofícios religiosos, nas Folias de Reis e congadas desde o litoral e interior do Brasil; gratidão também aos isolados habitantes das montanhas do Cáucaso, nas Balkans, aos pescadores das Ilhas Maldivas, aos pequenos núcleos de moradores das aldeias do vasto continente africano, pela vasta Ásia (India, China, Japão),: gratidão aos povos andinos, da América Central, enfim, em todos os lugares onde grupos de moradores que se reúnem para cantar e contar histórias, batucar, cirandar e cantar: toda essa gente ajuda a preservar a memória do mundo.

A Pesquisa de Missões Folclóricas ou o trabalho hercúleo levado a cabo pelo catalão Jordi Savall ou ainda a extensa pesquisa levada a cabo por Ricardo Kanji sobre a História da Música Brasileira – Período Colonial (o projeto era lançar 6 discos, mas esbarrou na falta de patrocínio. Foram publicados dois). Todo o resgate das tradições musicais, que desdobraram, por exemplo, na obra de Ariano Suassuna e o Quinteto Armorial, tudo isso prova que a tradição não é um “arquivo morto fossilizado”, e sim possibilidades de diálogo traçado entre o passado que assim permanece vivo e as novas gerações, das quais Kátya e um número incalculável de artistas profissionais e amadores fazem parte.

PEQUENO ADENDO SOBRE A PESQUISA DE MISSÕES FOLCLÓRICAS:

O principal mérito foi a descoberta dos novos brasis, num mergulho profundo, vertiginoso no nosso interior mais profundo. Mais importante que a descoberta em si, foi ter mostrado o caminho, inspirador, que décadas depois foi seguido por Marcus Pereira e sua coleção de 16 discos retratando a Música Popular (do sul, sudeste, nordeste e norte); entre o final de 2004 e começo de 2005, o grupo A Barca, através do Projeto Turista Aprendiz, refez o caminho da equipe de Mário de Andrade, percorrendo 10.000 por 9 estados brasileiros, de São Paulo ao Pará.

O que podemos aferir dessas ações ao longo desses quase 100 anos? A conclusão é positiva, apesar de nós brasileiros sermos considerados pejorativamente, por nós mesmos, como um “povo sem memória”. Ora, debruçando-nos sobre a história e olhando ao redor de nós, vemos que existe um continuo trabalho de preservação e resgate da música tradicional. Como já citado pouco atrás, Inesita, Boldrin, Ely Camargo, Teo Azevedo, etc. deram cada qual seu passo, bebendo da mesma fonte, inspirando as gerações a continuarem.

Contrariando o pessimismo e certas conclusões apressadas, nos damos conta de que a cultura brasileira está mais viva do que nunca e resiste bravamente, não obstante a ação deletéria imposta pelos meios de comunicação de massa e mesmo por instituições que teriam por obrigação fazer o inverso, ou seja, estimular e favorecer os elementos que forjaram ao longo dos séculos nossa identidade brasílica. É uma luta constante, permanente, travada de geração a geração, redescobrindo ritmos, melodias, expressões: o Projeto Dandô – Círculo de Música Dércio Marques, empreendido e coordenado por Kátya Teixeira segue os caminhos da “Pesquisa de Missões Folclóricas”, da Coleção Musica Popular, de Marcus Pereira, d’A Barca, d’Os Gaudérios, d’Os Tápes. Esse grupo, Tápes, uma descoberta de Marcus Pereira, foi um ponto fulgurante de luz nos anos de 1970, estimulando iniciativas pioneiras protagonizadas por jovens que então começavam, como o Grupo Zambo e mesmo Dércio Marques que então iniciava sua trajetória, o missioneiro Noel Guarani e tantos outros – muitos anônimos, mas que seguem uma espécie de fio invisível que mantém irrigada por aquilo que é o alimento essencial da Alma Brasileira: a Cultura.

Kátya Teixeira, e dezenas, centenas – porque não? - milhares de outros artistas, profissionais ou “amadores” é dessas pessoas que dedicam a vida, de corpo e alma, a descoberta, preservação e “transformação” de nossas tradições. Trabalho de garimpagem e ouriverssaria no interior dos grupos espalhados pelos interiores dos brasis. Muitos podem estranhar a expressão “transformação” em se tratando de tradição, mas não há contradição nisso porque a cultura é viva e movente, se adapta às novas circunstâncias/situações; cultura e tradição permeiam e irrigam os movimentos dos povos. Um conto (ou uma música) adquire novas peculiaridades a cada vez que é contado/cantado. A canção “Cuitelinho”, recolhida no interior de São Paulo pelo zoólogo e compositor Paulo Vanzolini, é exemplo vivo. Outros: “O ABC do Preguiçoso” (Bahia), “Lundus do Urucuia” (Minas Gerais). A todas essas peças, volta e meia, são descobertos “versos perdidos”. Isso é verdade, mas também é verdadeiro o acréscimo de versos, num desafio de improvisos interminável. E assim se preservam as raízes ao mesmo tempo que se cria/recria/se desdobra cotidianamente. Acreditem: a cultura popular é uma fonte inesgotável, que se retroalimenta.

A vida e obra de Kátya se confundem com a cultura popular e tudo o que a cerca. Nascida e criada em meio de artistas e pesquisadores, ela não faz outra coisa na vida desde que se entende por gente. O que esperar da filha de Chico Teixeira e dona Carmem Pinheiro, da sobrinha de Vidal, Eliezer e Mazé; apadrinhada de Dércio Marques e João Bá? Acrescente-se a isso o talento, a voz privilegiada, um instinto igualmente privilegiado, a facilidade de identificar-se com instrumentos pouco comuns, como a rabeca e a viola de cocho. Munida de todos esses elementos, ela é capaz de tecer ricos bordados, à moda de Dércio e seus Versos Bordados.

“Katchêrê” (Katxeré ou Katxeredekú), A Mulher Estrela, da mitologia Krahó, é aquela que, apiedada pela solidão humana, eventualmente desce a terra para nos fazer companhia; Kátya Katxêre Teixeira, transformada em Xamã e no exercício de seus poderes de transformação, transmuda música em função de cura. Esse é um de seus segredos, que foi desvendado por dona Maria Rezadeira, de São Gabriel, BA:

“Pra cantar uma cantoria, não carece saber (cantar), ali é um espirito que acompanha, uma voz...”

O show do Centro Cultural poderá ser um insight de tudo o que ela produziu, apesar de achar improvável que 30 anos de caminhada e 8 albuns possam caber num único espetáculo. Inquieta, não se contentará com um “resumo” de sua obra. De seu bornal repleto de africanidades, indigenismos, folias, cirandas, heranças ibéricas, celtas, voos rasantes pelo Oriente Médio, deve surgir algo absolutamente novo, re-criações. Ela sempre surpreende!

Sua presença e a força misteriosa que a guia desde a subida no palco no Armazém bar, de Oswaldinho e Marisa Vianna, que a acompanha desde o primeiro disco e os trabalhos que se seguiram, pode ser pressentido no depoimento registrado no encarte de Lira do Povo, seu segundo disco e que define seu modo de ser e estar no mundo:

(...) ...caminhando nesses brasis, senti como se tivesse entrado n’algum conto, livro de história que já li. Só que então, é real. O cheiro, os sabores, os timbres, os ritmos, as pessoas, a música... Pude perceber a alma do mundo, algo atemporal, o grande caldeirão cultural e social. Num piscar de olhos, não era mais a leitora mas sim narradora, ou melhor, trovadora cantando imagens que se mostram a minha frente. Em cada brasileiro, um mouro, um índio, um negro, um celta, um oriental... um cidadão do mundo! Assim eu sou, assim é ‘Lira do Povo’”.

A cantora/cantadeira do povo não se faz de rogada, se preciso for. Durante a maior tragédia que a humanidade viveu nos últimos séculos, a pandemia do CoronaVirus, ela não ficou indiferente e com a participação de muitos parceiros, desde músicos a artistas plásticos, produziu o álbum duplo, acompanhado de caprichado livreto: “Canções Para Atravessar a Noite Escura – Canções na Quarentena”.

“Seja o sonho bem vivido

Seja o pão bem dividido

Que o abraço seja forte

Que a paz aponte o norte

Do destino a se chegar”

(Trecho de Tempo de Esperança, musica de Katya Teixeira, letra de Gildes Bezerra, do álbum As Flores do Meu Terreiro”

Ao longo dos anos, com ímpeto e delicadeza abre caminhos rompendo fogo e marés, desvelando e fincando raízes. Viaja o Brasil, conquista mundos desde o litoral brasileiro aos litorais e interiores ibéricos, com pausa em jardins, varandas e terreiros para beber água de “moringa de água fresca”, conforme diria João Bá. E retoma caminho!

“Quando ela solta a voz, tudo em volta estremece. É o despertar da alma primitiva do Brasil.”

(Joca Ramiro, montado em seu cavalo, o Murzelo Alazão, mandando recado de algum ponto do Ser-tão Paulistano)

SERVIÇO:

Katya Teixeira no Centro Cultural São Paulo/Vergueiro

Data: 26 de julho de 2024

Horário: 19 horas

Obs. Ao lado do metrô Vergueiro

TÉO AZEVEDO, O DESCOBRIDOR DO BRASIL

noreply@blogger.com (Joca) — Tue, 02 Jul 2024 01:46:00 +0000

Téo Azevedo, nome de batismo Teófilo Azevedo Filho, nascido a 02-07-1943, em de Alto Belo, Minas Gerais, nos deixou em 11-05-2024, aos 80 anos. Fez muito pela cultura brasileira, mas tinha energia e disposição para continuar

Este breve texto está a anos-luz de fazer uma apresentação de sua obra gigantesca. Nós, do blogue Ser-tão Paulistano, fazemos aqui um breve lembrete para que saiam a campo e, quem não conhece, que corra a conhecer Téo Azevedo, enquanto ainda existem livros e discos físicos pois logo e logo deve estar só na nuvem e aí os interessados vão ter de voar até as nuvens!

Se colocássemos apenas em números a carreira de Téo Azevedo, seria algo impressionante: são mais de 2500 músicas, uns 12 livros, trabalhos em cordel, 18 discos registrados (segundo o Dicionário de Música Cravo Albin).

Cada um dos tópicos das performances a seguir mereceria estudo detalhado: cantor, compositor, folclorista, radialista, produtor, violeiro, declamador de poesia matura (bem ao estilo de Patativa do Assaré ou de Juca de Angélica, mestre em literatura oral da região de Patos de Minas. Ver nascer em suas terras artistas como Téo Azevedo e Juca de Angélica, além de Guimarães Rosa e a moçada do Clube da Esquina e outros/outras mais, é prova inconteste para definir Minas Gerais como um Planeta).

E esse autor de obra gigantesca, em qualidade e tamanho, era um autodidata que só frequentou a escola regular o bastante para decifrar as primeiras letras, recurso que ele explorou e ampliou, escrevendo livros, compondo, trabalhando em rádio, realizando pesquisas ao longo da vida. Téo Azevedo literalmente dedicou sua vida a descobrir os encantos e tragédias do Brasil profundo, tal qual seu conterrâneo Guimarães Rosa. Sua estética era a beleza crua e silvestre, a voz forte dos cantadores ecoando nos terreiros, nas veredas. Sempre fez questão de ser re-conhecido como poeta e cantador matuto, era assim que se sentia bem deixando para os letrados de gabinete os títulos e diplomas honoris causa, e etc!

Não é exagero qualificar Téo Azevedo como “descobridor do Brasil”, seja para os compatriotas, seja para o mundo, ele que fez de sua “aldeia” – a vasta região entre rio Jequitinhonha e São Francisco - uma síntese do próprio universo, pois aquele mundo esquecido e desprezado pelo Brasil oficial civilizado, guarda segredos desde tempos imemoriais; aquela gente brava e sobrevivente em tempos de hoje corre risco de desaparecer justamente pelo avanço da fronteira agrícola e sua sanha de a tudo arrasar em nome do agronegócio. A continuar a insanidade, só vai restar vento e poeira, como diria o profeta Ignácio de Loyola Brandão!

É tempo deste país sem memória tratar de reconhecer os tesouros que Téo descobriu e nos deu a todos de presente. Importante ressaltar que Téo foi literalmente um guerreiro, natural defensor do cerrado e seu fruto-símbolo, o pequi. Da mesma forma que o catingueiro ama e respeita o Umbú (ou Imbu, como dizia minha mãe), a árvore que permanece verde e pujante durante as piores secas.

Pequizeiro

Umbuzeiro

Agora que Teo se foi, só nos resta resgatar ou recriar a consciência que não pode se resumir a um único homem – era um homem despido de vaidades. Num de seus cantos ele diz: meu orgulho é ser vaqueiro. Defender seu legado, é tarefa de todos nós. Téo Azevedo era artista, mas não meramente diletante, música não era hobby, mas instrumento de combate: literalmente era lutador, chegando de fato a lutar boxe na juventude e em momentos de aperto. Pra nossa sorte, suas mãos fortes e calejadas, gostavam mesmo era da delicadeza da viola e guiar as letras desfilando no papel!

Téo Azevedo, cantador, violeiro, lutador de box, vaqueiro, folião, poeta era desses seres meio mágicos que carregam grudado no corpo “o cheiro e a cor de sua terra, a marca de sangue de seus mortos e a certeza de luta de seus vivos”, conforme definiu com acerto o poeta potiguar François Silvestre. Seu pai, também de nome Teófilo, apelidado seu Tiófo, foi um lendário violeiro que se notabilizou por tocar viola com um braço só, depois que um tiro acidental de espingarda de caça lhe decepou um dos braços. Um desses casos raríssimos onde a lenda supera o homem, ainda mais quando se torna tema de outro mineiro legendário: Carlos Drummond de Andrade, no livro “Viola de Bolso”.

A vida artística e pessoal de Teo Azevedo poderia figurar num romance e só contando a verdade! Se fosse uma história de ficção, caberia alguma fantasia, mas não poderia de forma alguma esquecer de mencionar sua defesa do cerrado e da cultura catrumana!

Nos livros, discos, nas histórias de cordel, Téo era (e vai continuar sendo) uma verdadeira enciclopédia cultural brasileira, tudo com inaudita intensidade poética, se derramando ao longo da obra: folia, repentes, coco, forró, calango, sextilhas, toadas, lundu, guiano. Seu trabalho, seu grande feito foi reconhecido com a conquista do Premio Grammy Latino, a ele concedido em 2013, como o melhor disco raiz, feito em homenagem ao centenário a seu amigo Luiz Gonzaga, o Gonzagão.

De sua vasta discografia, destacamos – dentre muitos: 1) o disco-síntese “Brasil, Terra da Gente”, uma raridade;

2) “Blues Matuto”, disco surpreendente, contando com a participação do saxofonista norte americano Bobby Keys, Dominguinhos, Blues Etílicos e Jackson Antunes, conquistando amigável e amorosamente, as fronteiras do universo musica, tornando a Música é ponto de encontro.

“Não tenho inveja de nada

do doutor ao garimpeiro

não me importo com diploma

nem dou bola ao dinheiro

eu me sinto tão feliz

já andei tanto o país

meu orgulho é ser vaqueiro”.

(Do disco “Forró e Calango”)

ORATÓRIO, DE ANA SALVAGNI

noreply@blogger.com (Joca) — Wed, 19 Jun 2024 16:13:00 +0000

“Oratório” é o terceiro livro de poemas da paulista de Taquaritinga e radicada há muitos anos em Campinas. Ana Salvagni é artista múltipla, seu talento como cantora não passa despercebido por nenhum ouvido: extrai a máxima essência em suas interpretações, seja de Adoniran Barbosa a Elomar, de Heckel Tavares ao cancioneiro medieval. Tudo isso é Ana!

Desde “Janela Sem Tranca”, seu primeiro livro de poesias (2006), e o segundo, “Fotos no Espelho” (2013), que Ana, a cada vez revela pequenas pontas do imenso bloco de que toda ela é feita - delicadeza de lírios, solidez de carvalho -, conforme trecho de seu poema Prece VIII deste Oratório.

Efêmera como o som

Fluida como a canção

Calma e nunca cansada

Amém

Uma Efemeridade eternizada, delicadamente guardada no cofre forte da memória, precioso relicário onde são guardadas todas as preciosidades de uma vida devotada de corpo/alma à Arte: nela tudo se encadeia em delicadas sinuosidades luminosas de seus dons de regente, cantora e escritora/poeta de onde a palavra flui singela e poderosa. E também dilacerante!

No feliz prefácio escrito por Aercio Flávio Consolin, “Ana Soa”, ele destaca a religiosidade – no sentido original religare – da “...percepção de si, dos anseios da alma buscando localizá-la nas amplidões da natureza ou no corpo frágil assediado por aflições e necessidades que estimulam reações.”

Nos imperceptíveis mistérios entre céu e terra e corpo e alma, a Arte de Ana, musical e escrita, ressoam momentos únicos, emoldurados sejam por sua voz única e cristalina e pelos versos que ela recolhe de profundidades abissais. E generosamente nos revela. Simples e surpreendentes, repletos de delicadeza e sabedoria, conforme colhemos nas estrofes finais de “Averiguações Para o Ano Novo”:

(...) o absurdo pede contenção; o embaraço, um sorriso

a tarde quer descanso; a tolice, o esquecimento

o impasse pede intuição; a distração, essência

a poesia quer o mar aberto.”

VOCE CONHECE JOSÉ BARRENSE-DIAS?

noreply@blogger.com (Joca) — Thu, 02 May 2024 00:20:00 +0000

Se for feita uma enquete, pouquíssimos saberão quem é J. B. Dias, com exceção do pessoal do meio musical, além, naturalmente, de amigos e parentes. Os adeptos do violão terão mais possibilidades de o conhecerem, ao menos de nome, pois é como exímio executor desse instrumento que esse baiano nascido em 1932 ultrapassou inúmeras fronteiras. José Barrense Dias é daqueles que compreenderam que esse instrumento de seis cordas carrega em sua história e nos seus timbres, memórias ancestrais de nossa espécie humana; é assim, como conhecedor profundo do instrumento que Barrense se apresenta ao mundo; a cada vez que se coloca diante de uma plateia, qualquer que seja o idioma, faz relatos minuciosos de mundos longínquos no espaço e no tempo, tendo ao lado o fiel e amado parceiro, violão. Parceiro versátil, capaz de se fazer compreender seja nas ruas, praças, num terreiro de terra batida ou numa sala de concerto.

O desconhecimento do artista e da pessoa de José Dias Barrense é uma perda enorme para todos. Entretanto, fazendo jus ao adágio “nada se perde, tudo se transforma”, durante as dezenas de anos em que adotou a Suíça como moradia, Barrense dedicou sua longa vida a divulgar e projetar a cultura musical brasileira: todos os seus discos, dezenas deles, tem o Brasil como tema central.

Sua história não é nada incomum, segue praticamente um regra. Se serve de consolo, é ignorado no Brasil, mas tem ilustres companhias: Moacir Santos; Laurindo Almeida; Maria Lívia São Marcos; Nazaré Pereira, Toninho Ramos e tantos e tantos outros. Alguns fizeram carreiras simultâneas, aqui e no exterior - Naná Vasconcelos, Tom Jobim, Baden Powel, Astrud Gilberto, até mesmo Egberto Gismonti e Rafael Rabello. O percussionista Fábio Freire, embora tenha uma intensa relação com o Brasil, há mais de três décadas adotou a Suíça como moradia.

A música brasileira tem história e tem raízes profundas e somos um povo que faz da música formas de se expressar e se situar no mundo. A saída, precoce ou não, de músicos do país pode não ter sido opção, mas a oportunidade de mostrar o trabalho, que sem sempre é possível por aqui. Desde sempre, desde os tempos de Vila-Lobos que se pleiteia o ensino de música nas escolas do ensino fundamental: nunca foi feito. É um sonho sempre adiado para o futuro distante. O ensino musical não significa que todos serão artistas; mas todos deveriam ao menos conhecer, digamos, o “caráter social” dessa arte. Parafraseando o que disse anos atrás o maestro Júlio Medaglia, o jovem estudante tem o direito de saber distinguir música do barulho.

UM EMIGRANTE NORDESTINO

J. B. Dias chegou a São Paulo como milhares de nordestinos, em busca de melhores condições de vida. As informações sobre seus primeiros tempos de São Paulo são esparsas e imprecisas. Não sabemos, por exemplo, se ele já trazia na bagagem um violão, apesar de a imagem do roceiro com o instrumento nas costas ser tentadora. Provavelmente não trazia o violão, um luxo, para as suas posses de emigrante.

Já estabelecido, provavelmente em casa de parentes, trabalhando duro e já de posse do violão, para ele violão era mais que simplesmente um elemento para ajudar a superar o isolamento do nordestino na metrópole. Nas horas livres e nas folgas do trabalho trancava-se em seu quarto e ficava horas e horas familiarizando-se com o instrumento, já buscando um estilo ou um aprimoramento, mesmo intuitivo da linguagem violonística. Ou talvez, intuísse que a oportunidade, ainda incerta, aconteceria, vislumbres que só os sonhadores secretamente acreditam.

A DESCOBERTA

José Dias trabalhava como auxiliar de garçon no singular restaurante Parreirinha, especializado em peixes e frutos do mar, na Rua General Jardim, no bairro boêmio de Vila Buarque. Uma das características do Parreirinha era a presença de musica ao vivo.

O quadro se desenhava propício, literalmente ele estava a um passo da sonhada oportunidade. Trabalhava limpando mesas após as refeições e propôs ao gerente para, nas folgas, tocar violão. Assim se tornou um “músico da noite” mas isso era apenas um etapa do caminho. Já tinha claro os desdobramentos de sua intimidade com o parceiro violão.

Foi numa das apresentações, lá por meados dos inicios dos anos 1960, José Dias foi visto por Paulinho Nogueira, que morava nas imediações da Praça da República, a poucas quadras do Parreirinha, que frequentava assiduamente. Paulinho já era consagrado, respeitável mestre, adorado pelo público e alunos. Se destacava pela extrema simplicidade pessoal e extrema complexidade técnica. Pois ele que entendia do riscado como poucos, viu, ouviu e gostou e se tornou seu padrinho musical de José Dias Barrense. O que veio a seguir é História. Se chamarmos Lenda, não estaremos longe da verdade... Conforme disse John Ford, no filme "O Homem Que Matou o Facínora", se a lenda for mais forte que o fato, imponha-se a lenda!"

Paulinho Nogueira e José Barrense Dias, ano 2000

CONSOLIDAÇÃO

Barrense sempre foi um desconhecido em terras brasílicas, mas por outro lado, tem presença marcante no cenário musical europeu, que inclui várias passagens pelo icônico Festival de Montreux. Curiosamente realizou apenas dois concertos no Brasil, em Curitiba e Salvador.

Possui vasta obra, merecendo destaque o DVD/CD em parceria com Paulinho Nogueira, lançado em 2000, uma raridade com distribuição apenas na Europa. Gravou pelos seguintes selos: Evasion Music, Rendez-Vous Digital, Mauley Music, Blue Cat Label, M. Records Mauley Music, Iris Music.

Não obstante ter construído toda a sua carreira no exterior, a obra de Barrense é genuinamente brasileira. Quando o ouvimos, seja nas peças instrumentais ou cantando, tem certeza absoluta de que ele jamais se afastou de terras brasileiras.

Suas referências são 100% brasileiras. Em seus discos vemos uma abundância de temas do folclores brasileiro como poucos artistas brasileiros o fizeram. “Tutu Marambá”, “Terezinha de Jesus”, “Dançado Balaio”, “Nesta Rua”, “Nhampopé”, etc. São poucas, pouquíssimas, músicas que sejam de outros autores e países. O sotaque brasileiro se mistura, amalgama-se, globaliza-se justamente por ser executado tendo como sua inspiração sua aldeia. Mas não é uma aldeia qualquer: vai da Bahia ao Amazona (Não a toa, titulo de um de seus discos).

Um de seus trabalhos mais significativos – “Saga Nordestina” poderia se chamar “Uma Saga Brasileira Através de Suas Canções”, onde o autoral se mistura ao tradicional, como se fossem o mesmo elemento – do mesmo barro, evocando seu sobrenome!

Curiosidade (1): seu álbum “Going Places”, (evasion 1971), apesar do titulo em inglês é 100% Nacional Brasileiro, conforme segue nas 12 faixas; Aza Branca, Liberdade Demais, Disparada, Contracanto, O que a Gente Quer, Batucada na Bahia, Diz Que Tem, Manhã de Carnal, Samburra, Divagando, Murmurio, Odeon. Esta peculiaridade se repete ao longo de seu trabalho, uma maioria esmagadora de músicas brasileiras, apesar de Barrense não ser indiferente a música erudita tradicional e as incursões jazzisticas. (Não à toa que participou de pelo menos três Montreux Festival).

Curiosidade (2): José Dias Barrense mereceu uma biografia, em francês, ricamente ilustrada, contando, por sinal, boa arte da história musical brasileira. Escrita por Claude Gerbex, sob o título “Barense Dias, Six Cordes Pour une Vie”. Fica a dica para editores brasileiros! Não é apenas a história pessoal de José Dias, mas boa tarde de nossa história musical está descrita ali. Infelizmente temo que esse privilégio fique restrito aos europeus, dada a nossa precariedade e complexo de vira-lata. Talvez seja mais fácil aprender francês!

Seguem alguns títulos de sua vasta discografia:

Spleen

La Guitarre de José Barrense Dias

Raízes Brasileiras

Isto é Brasil

Riez Sur Moi! (Comemoração pelos 50 anos de Carreira)

Areia (Gravado ao Vivo no Montreux Jazz Festival 1998)

Da Bahia ao Amazonas

Saga Nordestina

Bachiana

L’essentiel

Violão Mágico

You Changed My Life

He! Bahia

José Barrense Dias e Paulinho Nogueira CD/DVD

...etc!

NOTA: Jose´Barrense Dias também é artista plástico. Como não poderia deixar de ser, o violão é um dos seus temas centrais, juntamente com o seu país de nascimento, Brasil

Abaixo, algumas capas de seus discos:

Seguem, abaixo, dois endereços contando histórias de José Barrense Dias, no blog “swissinfo”, de Alexandre Thoele. Basta copiar o endereço através do mouse e colar no buscador Google para ter acesso ao riquíssimo conteúdo e muitas curiosidades

https://www.swissinfo.ch/por/sociedade/arquivos-da-r%c3%a1dio-su%c3%ad%c3%a7a-internacional_um-m%c3%basico-baiano-que-acabava-de-chegar-na-su%c3%ad%c3%a7a/44462412

Um músico baiano que acabava de chegar na Suíça

SWI swissinfo.ch

https://www.swissinfo.ch › por › society › arquivos-da-rá.

https://www.violaobrasileiro.com.br/blog/violonistas-jose-barrense-dias/416

José Barrense-Dias tem um herdeiro musical. Trata-se de seu sobrinho-neto, Petrônio Barrense, músico e luthier:

Petrônio Barrense é o do meio. A sua esquerda, Mestre Robson Miguel.

TRIBUZANA, O DISCO INSTRUMENTAL DE GALBA

noreply@blogger.com (Joca) — Mon, 25 Mar 2024 22:34:00 +0000

Neste 2024 o disco instrumental, Tribuzana, do mineiro de Guarda-Mór, Antonio João Galba – simplesmente Galba – completa 10 anos de lançamento.

Ouví-lo novamente e constatar que ainda tem muito a dizer. Dez anos depois conserva o mesmo frescor de quando foi lançado. E, por cima, continua enigmático, pois ainda não se chegou a um consenso a respeito da palavra Tribuzana. Sua origem, até onde sabemos, é incerta.

Acredito que o significado exato da palavra pouca importância tem nesse caso, pois o que importa realmente é o que significa para cada grupo de pessoas onde a mesma é usada, seja no nordeste ou no sul brasileiro, ou no Arquipélago dos Açores, onde provavelmente a expressão teve origem.

Na ilha de Florianópolis, os “manézinhos”, dão à Tribuzana o significado de tempestade e também chegada de tempo ruim. De modo ou de outro, serve como alerta, aviso para ficar atento. “Manézinhos” eram assim chamados os descendentes de açorianos chegados à região e indo habitar a ilha. “Manezinho” a principio tinha forte teor pejorativo, mas depois foi incorporado e exibido com orgulho.

Embora não seja de uso corriqueiro, a expressão não é desconhecida no nordeste brasileiro, onde pode significar confusão, agitação, briga. É nesse sentido que o baiano Elomar Figueira de Melo usa na ária “Tirana”, gravada no seu segundo álbum,” Na Quadrada das Águas Perdidas”. Tirana faz parte da ópera O Tropeiro Gonzalin, nunca foi gravada completa, apenas algumas árias. Acrescente-se que na forma de como Elomar a utiliza, existe um sentido que remete à atribulação da alma perante as vicissitudes da vida, a inutilidade de juntar bens materiais que em vez de paz, trazem intranquilidade. Diz parte da estrofe:

“...quanto mais juntá, mais dana, é tribuzana é só busão/ Oras que na vida in ança/ O pobre cristão só discansa/ Dibaxo d’um tampo di chão.”

Que seja Tempestade, Confusão ou Agitação, o mais gratificante é que Galba, músico que percorreu as mais inóspitas veredas de nossa cultura musical – dos brejos aos terreiros, montes e chapadões -, pode ter reinventado novos significados para Tribuzana. Seu belíssimo disco é uma mistura de alegria, de festa, de reflexões sociais e afetivas, como se pode verificar nas faixas: “Vila do Cachorro Sentado”, “Menino Dércio”, “Canção do Anjo Que Levou Meu Pai”,” Meninos do Iraque”. A última faixa do álbum, se não reparar no titulo, pode pensar tratar-se um ritmo cubano, mas ele chamou de “Samba Andaluz”, que reúne traços da música popular desses povos tão peculiares e tão universais: Brasil/Cuba/Andaluzia que por sua vez remete ao Médio Oriente.

Ninguém melhor que o mineiro Galba para ser capaz de juntar e agregar tudo isso, pois traz no corpo e na alma influências orientais, africanas, mouras, nordestinas, indígenas, europeias. Executando com maestria o violino, viola caipira, violões e bandolim, Tribuzana é um cometa cortando o céu em noite estrelada, espalhando fagulhas de vida e alegria pelo universo. Destaque para Brau Mendonça e os demais companheiro: Roberto Gava, Daniel Kid, Marcelo Adrio, Paulo Costa, Tiago André, Valter Guerra, Wagner Passos e Rafael Fazzion.

Galba, autodidata, fez história com o grupo Mina das Minas e nas últimas dezenas de anos fez parcerias com muitas feras, destacando João Bá, Vitor Batista, Zé Geraldo, Paulo Simões, João Arruda, Nanah Correia, Dani Lasálvia, Levi Ramiro, e tantos e tantas!

Igualmente não se furta em posicionar politicamente: é homem de convicções sólidas e corajosas. Um cantor militante, trafegando nas trilhas que abrigaram Dércio Marques, Atahualpa Yupanqui, Gonzagão, Victor Jara, Joan Baez, Violeta Parra e todos que sempre optaram por estar ao lado daqueles cuja voz não é ouvida.

J. S. BACH DESCOBRE A VIOLA CAIPIRA. POR NEYMAR DIAS

noreply@blogger.com (Joca) — Mon, 19 Feb 2024 21:40:00 +0000

Neymar Dias está na estrada há algum tempo e tem trabalhos importantes. Nas primeiras vezes que ouvi falar dele, pensei que fosse da tradição dos violeiros, mas fui surpreendido: O rapaz é homem dos sete instrumentos.

Porém, fora o seleto grupo dos iniciados, é um ilustre desconhecido. Causou espécie, como dizem os juristas, constatar a enorme quantidade de pessoas, até do meio musical que não tinha a menor ideia de quem se tratava. Tem trabalhos solos, parcerias, uma delas com Toninho Ferraguti – Festa na Roça, clássicos sertanejos ao sabor do acordeon e viola caipira. Juntos, Ferraguti e Neymar participaram de um dos grandes discos deste século, o genial O Tempo e o Branco, de Consuelo de Paula, que fechou a Trilogia virtuosa com o melodista Rubens Nogueira.

Neymar é desses artistas vocacionado desde sempre a ser artista. Nasceu grande, condição favorecida pertencer a um ambiente musical – seu pai é compositor de música caipira. Tendo nascido na cosmopolita capital paulista e influenciado pela atmosfera caipira, foi igualmente influenciado pelo jazz, música pop, musica clássica. A formação acadêmica foi uma benção para ele próprio, pois antecipadamente se desvinculou de toda sorte de preconceito em relação à música. E, por tabela, uma benção para todos nós, apreciadores do bom artista e da boa musica.

Formou-se em Composição e Regência pela Faculdade de Artes Alcântara Machado (FAAM) e podemos vislumbrar a maravilha que deve ter sido foi juntar o conhecimento acadêmico à sua paixão por viola caipira, guitarra, violão, baixo elétrico, contrabaixo, guitarra havaiana e bandolim.

Qual não foi a surpresa deliciosa saber de seu trabalho sobre Bach. Sua carreira inteira é direcionada para nossa música, mas Bach é Bach! Alemão de nascimento, de cultura europeia clássica, mas sua música é universal, ultrapassando todas as fronteiras existentes para ser consagrada como música do gênero humano. Se houver um festival cósmico com compositores das mais distantes e inóspitas galáxias, Bach não faria feio representando a Via Láctea – mas haveria de levar uma trupe consigo, como o nosso Vila-Lobos, Mozart, Agustín Barrios. E porque não o Mestre Cartola, capaz de transformar singelos lundus em magnificas e complexas peças!

O trabalho “Neymar Dias feels Bach – Viola Brasileira Solo”, se trata de uma imersão profunda na obra do gênio alemão: não se trata de simplesmente “tocar” – o que qualquer virtuose adestrado faria. Como diria o velho Zé Gomes, “não é só tocar! É saber e sentir!”

Neymar transcreveu diretamente do original para o instrumento brasileiro por excelência (não obstante sua origem portuguesa) e na característica afinação Cebolão. Ou seja, ao transcrever, Neymar Dias transformou Bach em brasileiro, assim concedendo -lhe cidadania! E Bach deve ter ficado muito feliz em se tornar cidadão brasileiro!

Assim, Neymar Dias pode ser chamado, sem medo de errar, “gênio da raça brasileira” e como seu xará do futebol, um craque, com a vantagem nada desprezível de não se meter em polêmicas desnecessárias. E olha que ele poderia até ser um pouco marrento, pois pertence ao seleto grupo daqueles e daquelas que tocam J.S. Bach com autoridade!

Em princípios dos distantes anos 1970, o violonista Geraldo Ribeiro que transcreveu Bach para viola caipira – o antológico disco Bach na Viola Brasileira. E nos últimos tempos fomos agraciados pela transcrição de Paulo Martelli para violão: A Bach Recital.

Ouvir Bach na viola caipira é como entrar numa nave espacial e visitar terras divinais. Não é – como pode a principio parecer – um exotismo; demarca uma expansão, acrescenta algo ao que se conhece sobre Bach. Em nada diminui em termos da solenidade que doutos eruditos exigem da música e além disso, mostra a versatilidade desse instrumento que ficou por muito tempo na sombra: a viola chega e fica nas salas de concerto. (Quem duvidar, que ouça Jaime Além e sua Suíte Caboclinha; Adelmo Arcoverde, Concertino; a francesa Fabienne Magnant que fez da viola brasileira um veículo para sua musicalidade. E tantos e tantos outros!).

Em pleno voo da nave estelar, para onde somos levados por tanta magia, bate uma sincera dúvida: a viola caipira foi inventada para tocar Bach ou Bach foi inventado para fluir acordes divinos na singela violinha?

Tal dúvida tem suas razões de ser: sabemos que Bach compôs para instrumentos que não existiam em sua época, como as Suítes para Cello, descobertas pelo jovem Pablo Casals no século XIX, E, se no caso da viola caipira, aconteceu o inverso? Um instrumento do futuro que apareceu em sonhos para Bach, encantando-o com seu timbre único, ofertando-lhe inspirações e marcando encontros para os séculos vindouros? Não duvidem !

E para os estudiosos, uma novidade extra, também encontrado nas melhores casas do ramo, o livro de partituras/tablaturas: o primeiro livro de partituras de Bach para viola caipira da História.

ELIS

noreply@blogger.com (Joca) — Wed, 27 Dec 2023 00:57:00 +0000

Assisti ao filme “Elis”, com Andrea Horta no papel de Elis Regina movido por uma grande curiosidade: como seria alguém representar uma personalidade tão singular como foi Elis Regina?

Andrea e Elis

É muito provável que cada um de nós que conhecemos sua carreira curta, porém, muito intensa, tenhamos cada um uma maneira peculiar de “sentir” seu trabalho. Partiu cedo, muito cedo, na flor da idade, tendo realizado uma obra definitiva. Como um Mozart, como Noel Rosa ou James Dean ou aqueles famosos ícones que partiram aos 27 anos, como Janis Joplin, Jimmy Hendrix, Jim Morrisson, etc.

Pessoalmente Elis me marcou de forma decisiva por ter me mostrado que música é algo que vai muito além da “estética”, ou seja, que música é muito mais do que tocar ou cantar bem.

Na época, recém chegado a São Paulo, pouco mais que um adolescente vindo literalmente da zona rural de Junqueirópolis, interior paulista, “música” fazia parte de minha vida basicamente como entretenimento: música agradava ao sentidos e estava de bom tamanho. Ou gostava ou não gostava, sem maiores elocubrações. Era um tempo em que ouvia muito rádio, e entre meus artistas preferidos misturava Tião Carreiro e Pardinho, José Augusto, Roberto Carlos, Vanderléia, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Raul Seixas, Alvarenga e Rachinho, Duo Glacial, cascatinha e Nhana, etc, (Não faz muito tempo, reencontrei uns amigos da infância – 43 anos depois! – que me garantiram que durante o trabalho no cafezal eu ficava o tempo todo cantando. Confesso que não me lembrava. O que lembro é que na fábricas não era permitido cantar e de algum modo, perdi essa forma de memória: cantar durante o trabalho.)

Nessa época, como disse acima, meu gosto musical, minha “estética” musical se fazia presente em gostar ou não do artista. Elis mudou isso. Ela me fez perceber que música estava além do cantar, pois eu apreciava aquela voz delicada, forte e cristalina como se ela impusesse ao ato de cantar uma luz colorida e única, distinta; como se ela estivesse acima da própria música. Era, creio eu, uma forma rude de perceber a diferença entre cantar e interpretar! Elis não cantava, interpretava e seu modo de interpretar atingia direto o coração. Ou coração e mente, embora eu desconhecesse completamente, na época, o aspecto politico da canção. O menino chegado da roça ouvia Geraldo Vandré e Dom & Ravel sem se dar conta da "mensagem" implicita ou explícita! Literatura: Eu lia Agata Christie até cair-me nas mãos as memórias de Fernando Gabeira e Fernando Sabino. Em suma: eu era um jovem alienado que lentamente foi tomando consciência de um Brasil diferente do que aprendia nos livros escolares. Ouvir Elis foi uma importante etapa nesse processo porque eu percebia coerência naquilo que ela fazia.

Pois bem: enquanto eu fazia essas descobertas pessoais tão alvissareiras, pois mudariam minha visão de mundo, numa tarde qualquer – ou teria sido de manhã ou meio dia? Só sei que fiquei profundamente chocado quando ouvi no radio a noticia que Elis Regina havia morrido. Foi duro, pois ela estava no rol daquelas personalidades artísticas que podia chamar imortais. Procurei informações, não como curiosidade mórbida, mas com uma vã esperança de que fosse um engano. Não era. O mundo musical deveria prosseguir sem a melhor cantora brasileira e o resto é história.

Por isso relutei um pouco em assistir ao filme tendo como interprete Andrea Horta. Pois não era uma questão de “interpretar” de forma talentosa, mas de compreender sua personalidade efervecente e trazer à publico; não era vestir o figurino Elis e repetir seus trejeitos, mas de trazer do fundo da alma aquele jorro de emoções que talvez só caibam numa definição: furacão! Elis tinha a força de um furacão num sorriso de menina sapeca! (O segredo dessa “força estranha” continua intacta, inexplicável).

Que dizer do filme? Vejam o filme. E verão flashes de quem foi a “pimentinha”. Embora não conheça como deveria sua história, creio que os principais episódios de sua vida estão retratados. Inclusive a famosa entrevista, onde ela expões uma pequena ponta do iceberg que era sua angústia contra os poderes que a oprimiam, entre eles os esquemas infernais das gravadoras empenhadas em fazer dos artistas meros porta-vozes de emoções baratas e ritmos cretinos, superficiais, a serviço da indústria fonográfica e não do que dizia e sentia o artista, do que queria transmitir. Lá pro fim da entrevista, sempre criticando severamente os esquemas das gigantes, onde “quem está dentro não sai e quem está fora não entra”, lança uma profecia que hoje entendemos muito bem:

“vem aí uma censura muito pior que a dos militares”, pois dos milicos não poderíamos esperar mesmo outra coisa. Os novos censores não tem cara, mas muito poder; poder de definir o que o público “quer” ouvir através de falsos programas jornalísticos ou dramatizações falsificadas onde induzem o povo a ouvir isto em vez daquilo, vestir tal e tal roupa, tomar refrigerante, usar esse ou aquele banco, o que comer. Ouvir a música ou ver o filme que o “mercado” oferece.

Elis estava certa: a censura dos tempos de hoje é muito mais danosa, pois roubam a nossa vontade, nossa “alma”. E ainda agradecemos as opções, as variedades...

Senti falta de três referências que marcaram profundamente nossa MPB: os encontros fundamentais que ela realizou com Milton Nascimento e Renato Teixeira (dentre outros), através de Travessia e Romaria (dois ícones de nosso cancioneiro) e o encontro com Adoniran Barbosa que revela uma criatura extraordinariamente generosa. Esse encontro está registrado no filme sobre Adoninan, “Meu Nome é João Rubinato”, de Pedro Serrano, 2020. Quem não viu esses 10 minutos mágicos sem se enternecer com aquelas duas almas de crianças de talento gigantesco andando de braços dados por Sampa? Puro delírio de alegria e autenticidade de dois artistas a serviço da Senhora Arte, Senhora Tentação como diria Cartola...

Adoninan mostra Sampa pra Elis: Vila Itororó