Un film horror con sfumature tragiche e nichiliste, che trasmette allo spettatore un incolmabile senso di vuoto, d’impotenza, di decadenza e di passiva rassegnazione.

La storia è quella di due coppie piccolo borghesi: una danese e l’altra olandese, che si incontrano e si frequentano durante una vacanza estiva in Toscana, entrambi con un figlio (femmina quella dei danesi e maschio per gli olandesi). I danesi hanno un carattere più schivo e remissivo, mentre gli olandesi sono più esuberanti e forse un po’ invidiati dai primi. Alla fine del soggiorno estivo, gli olandesi inviteranno i danesi a trascorrere un fine settimana insieme nella loro casa, dispersa nella sperduta campagna olandese. I danesi accetteranno e subiranno, durante la breve vacanza, una serie di angherie a cui avrebbero dovuto ribellarsi, ma che li porterà invece verso un tragico epilogo a cui non si sottrarranno, quando scopriranno un segreto davvero inimmaginabile

Lo stile della messa in scena è impeccabile, la costruzione delle inquadrature, spesso fisse, e la mirabile fotografia richiamano le ambientazioni pittoriche dei paesaggi dipinti dagli old masters olandesi, c’è anche l’iconico mulino. Il ritmo è lento ma mai noioso e la colonna sonora è subito inquietante nelle prime battute della scena iniziale, giusto per farci acclimatare alla pellicola, che non sarà subito brutale come nei classici film del genere, ma che si srotolerà in un lento cammino in cui il terrore farà da sottofondo per poi riversarsi tutto nel finale.

Il finale è infatti tragico, i danesi muoiono malissimo: spogliati nudi e lapidati dagli aguzzini olandesi, senza mai ribellarsi all’ineluttabile destino; infatti alla domanda del marito danese sul perché ci fate questo? L’omologo olandese risponderà: perchè ce lo avete permesso. Qui emerge la feroce critica dell’autore verso quel modello sociale danese fondato sulla coppia piccolo-borghese, con un solo figlio, a cui far frequentare il corso di flauto, che fa le vacanze in Italia, che è gentile e amichevole col prossimo, che conduce una vita repressa e insoddisfatta, che si lascia sopraffare dal comune senso di colpa, tutto in ossequio al modello sociale dominante, a cui non si ribellerà mai veramente, fino all’annientamento finale. Il film sembra quasi rivoluzionario, con questi olandesi che se ne vanno in giro per l’Europa, manco fossero in missione, a caccia di vittime inconsapevoli.

Un film erotico dai contorni horror: è la storia di cappuccetto rosso che fa la babysitter mentre è strafatta di Lsd. Mi è venuta in mente questa cinica sintesi, perché nella prima scena del film s’inquadra la nostra, la sbarazzina e pudica Morgan Saylor (Millicent), che con un cappottino rosso e il cappuccio indossato se ne sta appisolata sui sedili posteriori di un bus. Autobus che la condurrà a casa di Johnny (Danilo Crovetti), figlio di Rebecca (Kat Foster) e Jacob (Myko Olivier), di cui diventerà la babysitter. Johnny è un bambino problematico forse autistico o chissà cos’altro, soffrirebbe, secondo lo psichiatra che lo cura, di una serie di improbabili allergie, ma quello che in realtà lo affligge è un’innata propensione alla violenza, rivolta anche verso la sua stessa madre: sembra che l’unico modo che abbia di manifestare le sue emozioni sia ferire la povera donna.

Il profilo psicologico di Millicent (la nostra cappuccetto rosso), sembra altrettanto instabile: una storia personale costellata da abbandoni e affidi familiari, l’ha portata tra le cure psicologiche dispensate dal Dr. Welsh, che le somministra alcune boccette di acido lisergico (Lsd) a scopo terapeutico. Col succedersi degli eventi l’innocente Millicent si trasformerà nella strega cattiva, che con l’intento di salvare il povero Johnny, rivelerà la sua vera natura: quella di spietata manipolatrice.

Il film è lisergico e a tratti divertente, il confine tra l’erotico e l’orrido si riduce quasi a toccarsi: emblematica la propensione di Rebecca verso un erotismo masochista e autolesionista, oppure quando in auto, marito e moglie rischiano d’investire il figlio e la babysitter che attraversano la strada (ma tu guarda la coincidenza degli eventi), perché lui è distratto dalla fellatio che lei gli sta praticando mentre guida. Si respira un’aria di libertà, di leggerezza e di speranza verso la guarigione, proprio legata all’uso dell’acido lisergico, che quando viene somministrato di nascosto al piccolo Johnny, sembra avere un potere salvifico e guaritore. È Natale, c’è un bambino allucinato vestito da astronauta, che regolerà i conti coi cattivi, “Mamma ho perso l’areo” scansati proprio.

Un film horror, drammatico, ambientato in Australia (città imprecisata), in una comunità di giovani studenti delle scuole superiori, parla di abbandono, solitudine e speranza; e offre uno spunto di riflessione sulla pervasività degli smartphone e dei social network tra i giovanissimi.

La trama: c’è questo calco di mano imbalsamata a grandezza naturale, mozzata all’altezza del gomito, ricoperta in ceramica con le scritte in superficie, come quelle che si lasciano sul gesso di una frattura ossea. Si narra che fosse appartenuta a una veggente o a un satanista, insomma a un imprecisato personaggio esoterico che riusciva a stabilire il contatto con gli spiriti dei morti. La procedura da seguire è molto semplice: si accende una candela, si stringe la mano imbalsamata e si pronuncia la frase: “Parla con me” (Talk to me del titolo), e lo spirito appare, segue il “Ti lascio entrare” ed esso si impossessa del corpo dell’ospite. La possessione però non deve superare i 90 secondi, se no lo spirito non se ne andrà più. Quello che inizia come un gioco per animare le feste, le cui possessioni dei diversi partecipanti alla sfida, saranno filmate con i cellulari e pubblicati nelle varie chat, diffondendo così uno stimolo imitativo nella cerchia di amici; si trasformerà presto in una tragedia, che precipiterà la nostra protagonista Mia (Sophie Wilde – strepitosa) in una profonda e fatale follia.

Il film è di buona fattura: la fotografia, che è spesso in penombra e scura e a volte blu fredda, rende perfetta l’atmosfera cupa del racconto, il ritmo ha la giusta lentezza e i dialoghi, mai banali, hanno anche spunti divertenti e connotano bene i caratteri dei personaggi. La scrittura e la sequenza narrativa sono incastrate alla perfezione e ci sono anche soluzioni stilistiche originali. I costumi, il trucco degli spettri e i frammenti di un’ambientazione infernale sono davvero da paura. Si evita il ricorso ai classici espedienti del rumore improvviso sparato al massimo volume o il mostro dietro il protagonista inconsapevole, per generare il facile spavento nello spettatore; qui si riamane senza fiato per i segni della violenza riportata dagli spettri e sicuramente causa della loro morte, perfino l’apparizione di un’innocente bambina genera un’inquietante spavento. Infine, l’autolesionismo che provoca un enorme terrore. Fino all’epilogo finale: davvero drammatico, ma con un lume di speranza nel buio profondo dell’oblio.

Ho continuato l’esplorazione della programmazione di: “Fuori Orario. Cose (mai) viste”, dello scorso fine settimana: la trasmissione occupa il palinsesto notturno di rai3 nelle notti di sabato; domenica e lunedì e ho trovato questo film-documentario in cui Iggy Pop, al secolo Jim Osterberg, si lascia intervistare dall’amico regista Jim Jarmusch, sull’avventura musicale degli Stooges, il gruppo americano di fine degli anni ’60 che ha gettato le basi della cultura punk e che ha influenzato profondamente l’intero panorama musicale dell’epoca e di quello attuale.

Il film comincia con Iggy che racconta la sua infanzia trascorsa a suonare la batteria nella stanzetta della roulotte in cui viveva, alla periferia di Detroit, di come abbia tentato la fortuna da giovanissimo, nella città di Chicago, suonando la batteria in gruppi jazz Afro-americani e di come un bel giorno abbia realizzato di essersi integrato perfettamente nella comunità musicale afro della città, ma che aveva quel piccolo “difetto” di carnagione che lo avrebbe sempre fatto sentire altro dai fratelli, sebbene ne stimasse lo stile, la coesione e la cultura. Realizzò che avrebbe dovuto fare la stessa cosa per la sua generazione “bianca”, così tornò a casa e insieme ai fratelli Asheton (Ron e Scott) e con il contributo di Dave Alexander, fondarono gli Stooges.

Iggy, racconta, che vivevano da veri comunisti: tutti insieme in una casa e naturalmente si sballavano con l’erba e l’Lsd ed erano affascinati dalla musica psichedelica, prodotta da un musicista che si costruiva gli strumenti con materiali di fortuna. Iniziarono la carriera di musicisti, come gruppo spalla degli MC5, e insieme, nel settembre del 1969 firmarono un contratto con la casa discografica Elektra Entarteinement, con cui pubblicarono il primo album: “The Stooges”. In cui compaiono pezzi che segneranno la storia del rock’n roll come: “I wanna be your dog”, “No Fun” e l’inaspettata e psichedelica: “We will fall” dalle atmosfere indiane. Le esibizioni dal vivo del gruppo, segneranno un nuovo modo di stare sul palco, con Iggy che si agiterà e ballerà come un primitivo e che spesso scenderà dal palco per mischiarsi con la folla, mentre gli altri musicisti resteranno quasi immobili sul palco e continueranno a suonare la canzone aspettando che Iggy torni a cantare.

Per incidere il secondo album: “Funhouse”, uscito nel 1970, gli Stooges, si trasferiranno a Los Angeles in un vero e proprio studio di registrazione, con un grosso tappeto a terra, racconta Iggy, per poi perdersi tra gli eccessi delle droghe: diventerà dipendente da eroina. Nel 1973, disintossicatosi, con l’aiuto del farmacista di famiglia, Iggy vola a Londra, scritturato da David Bowie, che parteciperà alla produzione di: “Raw Power”, il terzo album dei nostri eroi.

Iggy è un sopravvisuto, come dice lui, oggi ha quasi 77 anni (è nato il 21 aprile del 1947), e mi è venuto in mente che lo vidi dal vivo alla fine di giugno del 1996, quando partecipò a Sonoria: festival musicale estivo Milanese, la sua esibizione scatenò il delirio tra il pubblico. Quale migliore occasione per recuperare i mitici dischi degli Stooges?!, che suonano ora, in formato digitale mentre pubblico ‘sto pezzo.

Lo spirito cinefilo che mi aleggia intorno, ha preso il pieno possesso delle mie facoltà visive e uditive: ormai sono come posseduto dalla voglia di rifugiarmi nei fotogrammi di una buona pellicola. Sono sempre alla ricerca di cosa vedere, di come scegliere la proiezione, quasi di essere accompagnato, guidato nei meandri profondi delle produzioni cinematografiche, e appagare così l’appetito di questo spirito famelico. Sono lì che sfoglio il web, quando improvvisamente si accende una specie di luce in fondo al tunnel: mi è venuto in mente che un ottimo programma televisivo per cinefili, esiste già e lotta insieme a noi, solo che è collocato nell’orario dei vampiri, all’interno dei palinsesti di Rai3. Si, esatto! mi riferisco al programma di Enrico Ghezzi: “Fuori Orario. Cose (mai) viste”, che per inciso non è possibile nemmeno recuperare su RaiPlay (strano) e sinceramente la notte riesco ancora a dormire. Tuttavia, sfogliando la programmazione della rete, ho trovato la puntata andata in onda domenica 7 gennaio 2024 con inizio alle ore 1:00. Incuriosito dal titolo: “Homemovies100 – Un film all’anno (1924-1989) ho avviato la riproduzione del video d’introduzione al progetto, raccontato da Mirco Santi e Paolo Simoni, fondatori dell’Archivio Nazionale dei Film di famiglia, una fondazione che si propone di catalogare e raccogliere i filmini amatoriali, girati nel formato ridotto: ovvero su pellicole da 16 mm; 8 mm e Super8, la cui commercializzazione, avvenuta proprio all’inizio del 1924, ha consentito la diffusione delle cineprese amatoriali.

Il film che propongono nelle 4 ore seguenti è la proiezione di 67 filmini amatoriali organizzati in 5 programmi: dal 1924 al 1939; dal ’40 al ’56; dal ’57 al ’68; dal ’68 al ’76 e dal ’77 all’89. Tutti estratti dal più ampio progetto Almanacco 2023, che ha visto l’uscita, per ogni giorno dell’anno, di un filmino di quel giorno ma di una anno diverso. Il tutto magistralmente musicato da vari compositori, tra cui uno per tutti: Guglielmo Pagnozzi, che compare nel sonoro della maggioranza dei corti. Si parte col filmino del matrimonio, si prosegue con un video pazzo e strampalato nelle campagne pugliesi, si passa per una scenetta al bar con elegantoni anni ’20 e si arriva comodamente alla visita di Hitler a Firenze, passando per una gita alla fiera campionaria di Milano alle ali fasciste per il mondo, agli ascari e all’ultima Pasqua di Guerra del ’44. Gli anni ’50 e ’60 sono quelli del boom economico: dei trattori Landini nelle campagne e del salone dell’automobile di Torino (del ’54), si arriva al ’67 con una ripresa erotica di una serata al night-club: all’Eden; il ’69 è l’anno dell’allunaggio e si lancia il seme per un cinema sperimentale e artistico con: “Assurde idee per un film-maker” e che si concretizzeranno nel proto-horror amatoriale di un: “Giovane rottame” del ’72 con audio originale. Nel’76 esplode la fantascienza amatoriale con: “Elena, la bambina venuta dallo spazio”. Il ’77 è raccontato con gli scontri tra manifestanti e Polizia e l’anno successivo con la cronaca di una protesta femminista. Si passa per la strage di Bologna del 2 agosto 1980, attraversando il docu-film sullo sgozzamento del maiale dell’81, per finire con il progetto scolastico della III H sulla pace, quando la cinepresa entra nelle scuole. Partite di calcio, i Mondiali in Argentina, quelli dell’82, le corse automobilistiche con Nuvolari a suggellare tutto il percorso socio-economico del Paese.

Sessant’anni e più di storia Italiana, in quei filmini ci siamo noi. Sorprendente, sbalorditivo, emozionante. Per approfondire: homemovies100.it

Memorie di un assassino è un giallo noir poliziesco in salsa coreana. Ambientato nel 1986 a Hwaseong-si: una cittadina di campagna a sud di Seul. Sullo sfondo la fine della dittatura militare, di cui si percepisce la presenza e il clima socio-politico, con l’eco di partecipate manifestazioni pubbliche represse anche con il coprifuoco serale. Nelle campagne del piccolo villaggio, il ritrovamento di alcuni corpi femminili brutalmente assassinati, induce la polizia locale ad indagare. I metodi investigativi sono essi stessi brutali: gli interrogatori dei sospettati avvengono in un buio scantinato del commissariato di Polizia e prevedono atti di tortura rocamboleschi e comici in modo grottesco, così da far emergere la completa inadeguatezza della sgangherata polizia locale. Un giovane ispettore di Seul si unirà alle indagini.

I principali, ma improbabili sospettati, saranno un ragazzo handicappato e un padre di famiglia pervertito, su cui i nostri investigatori si accaniranno, alla ricerca di un capro espiatorio purché sia, piuttosto che ricercare il vero assassino. Esilaranti alcune scene sulle varie ipotesi investigative: come l’idea che l’omicida sia glabro sul pube, perché sulle scene dei crimini, non viene ritrovata alcuna traccia: neanche un pelo pubico; con il nostro (Song Kang-ho), che decide di controllare tutti i maschi del paese, nelle parti intime, spendendo una fortuna nella sauna cittadina. Oppure quando si affidano al rito magico di una maga per ottenere il profilo del criminale.

Ciascuna tessera narrativa s’incastra perfettamente con la precedente e la seguente, dimostrando una solida capacità di scrittura del regista coreano, scene drammatiche, si susseguono a scene farsesche, strampalate, violente, comiche e ridicole. La vicenda è basata su una storia vera, inscenata dal nostro con mirabili sequenze fotografiche a inquadrature fisse, lasciando all’azione degli attori la dinamicità della scena. Si susseguono anche riprese da puro film d’azione mantenendo però il giusto ritmo lento tipico di chi sa raccontare con la macchina da presa. La fotografia, inizialmente vivace e colorata, precipita in un’atmosfera plumbea e cupa da noir hollywoodiano in bianco e nero, con scene girate sotto un ingombrante temporale e dei contro luce davvero epici.

Il film ha vinto il premio per miglior sceneggiatura al Torino film festival del 2003 ed è uscito nelle sale italiane all’inizio di febbraio 20020 (alla vigilia della pandemia) e sulla scia dei premi oscar conquistati da Bong Joon-ho con il suo più famoso Parasite.

È una commedia horror ambientata in una piccola cittadina americana: Woodsboro. Qui, un serial killer mascherato, con l’ormai celebre ghostface (sarebbe una rappresentazione stilizzata de L’urlo di Munch), compie una serie di efferati delitti, seminando il panico tra i giovani studenti adolescenti. Un giovane vicesceriffo e un’intraprendente giornalista indagheranno sul caso.

È un film intelligente e originale: una specie di manuale spiegato bene su quali siano gli stilemi usati e perché no abusati nel cinema di genere, è un film nel film quasi un metafilm, che a un certo punto trascende da se’ stesso con tutta una serie di concatenazioni e rimandi a citazioni di altri film che lo rendono davvero originale e innovativo e che darà il via ad una serie di film parodia: gli Scary Movie. Ci si accorge subito, dal dialogo delle prime scene del film, tra la classica brava ragazza sola in casa, e il maniaco omicida al telefono (che per inciso cominciano un singolare scambio di battute su quale sia il film horror preferito di lei); di assistere alla proiezione di una pellicola di genere fuori dagli schemi, non convenzionale, sempre a metà strada tra il serio e il faceto. Gli ingredienti per una buona storia misteriosa dai contorni del film giallo, ci sarebbero tutti: il maniaco mascherato e quindi ignoto; la ricerca dei moventi; i personaggi potenzialmente sospettabili e le vittime. Solo che quando lo spettatore (almeno questa è la sensazione che ho avuto io), è totalmente coinvolto dalla storia…zac! ecco il dialogo che ti svela la citazione da cui è tratto il tòpos. Come quando si realizza che tutti i personaggi sono sospettabili di essere il maniaco mascherato e il riferimento svelato è al film La Casa.

Si rivela anche molta originalità nella messa in scena degli ammazzamenti: come quando uno dei ragazzi muore con la testa dentro la televisione, o la ragazza, che rimane incastrata nella finestrella per il gatto nella porta automatica del garage, che verrà azionata con un interruttore e alzata dal killer; morirà strangolata con il corpo penzolante. Si sbeffeggia il genere e le produzioni poco creative, affermando che è arrivato il momento di rinnovare gli schemi classici “da paura”, ricorrendo ad espedienti narrativi nuovi e originali, è un film moderno: è un po’ come uno sprone a fare meglio e a osare.

Un giallo Thriller in puro stile Italiano: esiste ancora il film di genere nel nostro panorama cinematografico, il monopolio dei cinepanettoni, delle commedie alla Ficarra e Picone, o alla Pio e Amedeo e dei film di Pieraccioni o di Siani, sembra finalmente vacillare.

Franco Amore (Favino) è un assistente capo della squadra mobile in servizio presso la Questura di Milano, alla vigilia del suo ultimo turno di lavoro dopo trentacinque anni di onorata carriera. Il cugino della moglie (Linda Caridi), Cosimo (Antonio Gerardi), lo coinvolgerà in un servizio di trasporto di diamanti per conto di alcuni amici Cinesi: dovrà accompagnare, insieme al suo socio di pattuglia Dino (Francesco di Leva), una cittadina Cinese in arrivo all’aeroporto di Malpensa con il prezioso carico. Un incarico all’apparenza semplice ma che si trasformerà in un tragico agguato.

Il film è ambientato a Milano, nei pressi della stazione centrale e inizia con un volo panoramico notturno sulla città a sguardo di drone, trasmettendo allo spettatore quella sensazione tipica che si prova quando si sogna di volare. La colonna sonora di Santi Pulvirenti ricorda le musiche dei Goblin nei film di Dario Argento e le immagini raccontano con il giusto ritmo l’ultima notte di Amore, facendola precedere dal prologo della settimana precedente.

La trama e il soggetto sono solidi e ben strutturati, il montaggio e le sequenze narrative scorrono via lisce senza imperfezioni e il personaggio di Cosimo (il cugino ‘ndranghetista) è perfettamente interpretato da Antonio Gerardi. È una storia di malaffare che racconta il sodalizio criminale tra le mafie nostrane e quella cinese, che agiscono indisturbate in una metropoli, Milano, sorvegliata da poliziotti e carabinieri corrotti.

The blackcoat’s daughter conosciuto in Italia con lo strampalato titolo di February – L’innocenza del male, è il debutto alla regia di Oz Perkins, già interprete di alcune altre pellicole come 6 gradi di separazione o La rivincita delle bionde e figlio di Anthony Perkins (il mitico Norman Bates di Psyco). Nella pellicola si racconta la storia di due ragazze adolescenti: Rose (Emma Roberts) e Kat (Kiernan Shipka), che rimangono in collegio durante la settimana delle vacanze invernali, il cui inizio cade l’ultima settimana del mese di febbraio, perché i rispettivi genitori non sono andati a prenderle. Rimarranno sole nell’edificio con le due suore laiche governanti. Kat è la classica brava ragazza: timida; diligente e rispettosa, quasi innocente, mentre Rose interpreta la figura di quella smaliziata, intraprendente, frequenta un ragazzo di nascosto, e furba. Alle vicende che si susseguono nell’istituto religioso, funestate da brutali omicidi, s’intreccia la storia della misteriosa Joan (Lucy Boynton).

Il film è di ottima fattura è di quel genere Horror ascrivibile al filone delle possessioni diaboliche. La luce che vira verso i toni azzurro-blu di alcune inquadrature interne, trasmettono allo spettatore il senso di freddo tipico della stagione climatica in cui è ambientato: siamo in pieno inverno con la neve sul vialetto. Inoltre le giuste gradazioni luce-ombra ci regalano atmosfere davvero cupe e ci restituiscono una storia di ordinaria diabolica follia. Inquadrature originali, dialoghi appropriati, mai inutili e in alcuni frangenti anche profondi, oltre a espedienti narrativi e di sequenza nel montaggio davvero azzeccati, ne fanno una pellicola di qualità e fanno presagire la nascita di un regista talentuoso e di stile.

Fargo è una fredda cittadina del North Dakota vicino a Minneapolis, dove viene architettato un falso rapimento per estorcere denaro al ricco suocero. Un venditore di automobili (William H. Macy) incontra in un bar fuori città una coppia di criminali (Steve Buscemi e Peter Stormare) e li incarica di inscenare il falso rapimento della moglie, per dividersi poi i proventi del riscatto estorti dall’anziano e ricco suocero (Harve Presnell), nonché proprietario dell’autosalone in cui il nostro è responsabile delle vendite. Naturalmente gli eventi precipitano e sulla via del ritorno verso il covo, i due rapitori si lasciano alle spalle la scia di tre cadaveri, su cui indagherà lo sceriffo della contea (Frances McDormand, che vincerà, per l’interpretazione, il premio oscar e il Sag Awards come migliore attrice). Il film è stato premiato al Festival di Cannes come miglior regia e all’oscar come migliore sceneggiatura originale.

Il soggetto è più o meno simile a quello che si ritroverà 10 anni dopo in Non è un Paese per Vecchi, le analogie e le caratterizzazioni dei personaggi sono simili, anche se le differenze sostanziali prevalgono, però si potrebbero considerare due opere ascrivibili a uno stesso filone narrativo in puro stile Coen. I paesaggi innevati, grigi e invernali fanno da sfondo alle atmosfere nebbiose in cui si dipana un’ordinaria storia di omicidi e misfatti. La cura della fotografia , le inquadrature di ampio respiro, i dialoghi tra i personaggi mai banali e la loro specifica caratterizzazione, oltre all’incedere lento e accurato, della storia, ne fanno uno straordinario film da recuperare.