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5 Ejercicios Fáciles en ACUARELA 🎨 para principiantes 👉 Aprende a pintar...

2022-01-09T06:33:00.002-08:00

Tutorial de dibujo y pintura para principiantes 5 ejercicios sencillos que puedes realizar para hacer tus acuarelas y tomarle confianza al material.

Materiales utilizados:

Set de acuarelas de la marca Winsor & Newton y Van gogh

Papel Hahnemühle, Cézanne 300 gr

Pinceles Sintéticos cerda suave especial para acuarela N° 15 Van gogh

Bienal 68 Salón Arturo Michelena

2016-06-06T20:07:00.001-07:00

BASES

Bienal 68 Salón Arturo Michelena

ARTÍCULO 1. La Junta Directiva del Ateneo de Valencia y la Fundación Bienales de Arte, con el propósito de contribuir al desarrollo educativo y crecimiento espiritual de la comunidad, y promover el acercamiento entre los venezolanos a través de las artes visuales, organiza -con la asesoría de su Comité Permanente-, la Bienal 68 Salón Arturo Michelena, a inaugurarse en la ciudad de Valencia, el día domingo 30 de octubre de 2016, a las 11:00 a.m. de manera simultánea en las sedes de: Gabinete del Dibujo y de la Estampa de Valencia, Centro Cultural Eladio Alemán Sucre y la Galería Universitaria Braulio Salazar.

ARTÍCULO 2. En la Bienal 68 Salón Arturo Michelena podrán participar todos los artistas venezolanos y/o extranjeros con más de 5 años de residencia en el país, con obras inéditas de creación individual o colectiva, realizadas durante los años 2014 y 2016.

ARTÍCULO 3. Debido a la toma ilegal de nuestra sede natural y legítima, la recepción de las obras se hará de forma virtual, haciendo uso de los adelantos tecnológicos que en la actualidad brindan los nuevos medios.

3.1 Para formalizar la inscripción, el artista o su representante deberá consignar la versión digital de cada obra que desee postular, una (01) imagen para obras bidimensionales y tres imágenes (03) desde diversos ángulos para obras tridimensionales, en alta resolución (mínimo 300 dpi). Lo mismo aplica para proyectos, instalaciones y video art. El correo deberá acompañarse de:

• Ficha técnica completa de la obra (autor (es), título, año, técnica, materiales, dimensiones, valor de la obra expresado en bolívares para fines de seguro)

• Resumen curricular actualizado del artista con datos personales y de contacto (teléfono, correo-e, dirección)

• Copia de la cédula de identidad del artista.

• Depósito bancario en efectivo por cada obra a postular por MIL BOLÍVARES (Bs. 1.000,oo) a nombre de FUNDACIÓN BIENALES DE ARTES, RIF J-401049753, Banco Caroní, cuenta corriente # 0128-0096-77-9600992342.

• Enviar imagen del comprobante del depósito junto a los demás recaudos a: bienalsalonarturomichelena@gmail.com

3.2 Una vez recibido el correo electrónico con todos los recaudos solicitados, el Ateneo de Valencia le responderá por la misma vía en un plazo máximo de 48 horas, asignándole planilla y número que confirma su inscripción a la Bienal 68 Salón Arturo Michelena. Sólo serán procesadas las inscripciones que reúnan la totalidad de los recaudos.

3.3 Los lapsos de inscripción digital para la selección serán desde el día 09 de mayo hasta el día 17 de junio del 2016. (Ambos inclusive)

ARTÍCULO 4. La recepción en físico de las obras admitidas tendrá lugar únicamente entre los días lunes 11 de julio y viernes 22 de julio de 2016 (Ambos inclusive), en la sede de la Galería Universitaria Braulio Salazar, ubicada en la Avenida Andrés Eloy Blanco, Parque Universitario Dr. Fabián de Jesús Díaz, Urb. Prebo. Valencia, estado Carabobo-Venezuela; teléfonos: 0241-8211214 / 8238933. El horario de recepción será de lunes a viernes, entre 9:00 am y 1:00 pm. El artista podrá consignar su obra personalmente, mediante un tercero autorizado o utilizando un servicio de encomienda previamente cancelado. La obra deberá entregarse debidamente identificada y embalada para garantizar su protección. Deberá estar firmada, fechada, numerada y enmarcada. En caso de no requerir marco, consignar dispositivo y especificaciones de montaje. Sólo se recibirán las obras admitidas por el Jurado Único de Admisión y Calificación en las condiciones aquí señaladas y en los lapsos establecidos.

ARTÍCULO 5. Las obras participantes deberán corresponder fielmente con la versión digital o proyecto en base al cual fue admitido por el Jurado. En caso de existir discrepancias entre la obra y su versión digital consignada para inscripción, el Jurado tendrá la potestad de no exponerla.

ARTÍCULO 6. La exhibición de la Bienal 68 Salón Arturo Michelena, se efectuará en los siguientes espacios expositivos: Gabinete del Dibujo y de la Estampa de Valencia, Centro Cultural Eladio Alemán Sucre y la Galería Universitaria Braulio Salazar, todos ubicados en la Gran Valencia.

ARTÍCULO 7. El hecho de inscribirse en la Bienal 68 Salón Arturo Michelena indica que el artista conoce y acepta en su totalidad las presentes bases. El valor de la(s) obra(s) que se declare para su inscripción en moneda nacional, en ningún momento y bajo ningún alegato, será referencia para la premiación. La planilla de inscripción será el único documento válido para el retiro de obras.

ARTÍCULO 8. Las obras bidimensionales no deben exceder de las medidas 150 x 150 cm. Las obras tridimensionales, instalaciones y obras in situ no deben exceder las medidas de 150 x 150 x 150 cm.

ARTÍCULO 9. La ejecución de las propuestas in situ es responsabilidad del artista y deben realizarse según las condiciones del proyecto museográfico de la Bienal. Las obras no podrán ocasionar daños a los espacios expositivos, ni constituir riesgos para la integridad de las personas y el resto de las obras exhibidas. La adquisición de materiales y equipos audiovisuales a utilizar correrá por cuenta del artista. Las obras aceptadas en base a proyectos, serán instaladas por los artistas según el cronograma establecido de común acuerdo con la institución. El Jurado Único de Admisión y Calificación tendrá la potestad de no admitir la obra que, una vez realizada, no se ajuste al proyecto seleccionado con anterioridad.

ARTÍCULO 10. El transporte de obras y de los componentes de las propuestas aceptadas, será de absoluta responsabilidad del artista. La Junta Directiva del Ateneo de Valencia, bajo ningún alegato, costeará materiales para la ejecución de las propuestas, ni asumirá el traslado de las obras ya realizadas.

ARTÍCULO 11. Los artistas inscritos podrán optar a todos los premios de la Bienal con excepción de: a) Quienes declaren su voluntad escrita de no hacerlo, b) Los artistas que hayan sido galardonados con el Premio Arturo Michelena en cualquiera de las últimas cinco (5) ediciones.

ARTÍCULO 12. El Jurado Único de Admisión y Calificación estará integrado por: Ivanova Decán Gambús (Licenciada en arte, docente e investigadora UNIMET. Ex Directora Museo de Arte Jesús Soto y del Museo de Arte Francisco Narváez); Rafael Pereira (Arquitecto, docente e investigador UCV. Asesor de la Fundación Cisneros) y Lihie Talmor (Artista Plástico y Ganadora de la Bienal 67 Salón Arturo Michelena). Luis Cubillán Fonseca (Comisario).

ARTÍCULO 13. Las obras participantes en la Bienal, con excepción de las galardonadas en la edición, deberán ser retiradas dentro de los veinte (20) días hábiles siguientes a la clausura en la sede de la Galería Universitaria Braulio Salazar, ubicada en la Avenida Andrés Eloy Blanco, Parque Universitario Dr. Fabián de Jesús Díaz, Urb. Prebo. Valencia, estado Carabobo–Venezuela; teléfonos: 0241-8211214 / 8238933. Transcurrido dicho lapso, la Junta Directiva del Ateneo de Valencia dispondrá de las mismas.

ARTÍCULO 14. Todas las obras galardonadas en la Bienal 68 Salón Arturo Michelena, a excepción de los reconocimientos, pasarán a formar parte del patrimonio artístico y cultural del Ateneo de Valencia, bajo la guardia y custodia de la Fundación Bienales de Arte, incluidos los componentes de las obras tales como: equipos audiovisuales, artefactos eléctricos, mobiliarios o piezas de cualquier otra naturaleza que integren o conformen las mismas. De igual manera convienen expresamente en ceder en forma gratuita a la Fundación los derechos de reproducción en fotografía u otro soporte audiovisual con fines de difusión de la Bienal. Estos registros podrán ser publicados con propósitos culturales y educacionales.

ARTÍCULO 15. La obras y/o proyectos que involucren derechos de propiedad intelectual de terceros, corresponderá única y exclusivamente al responsable del mismo garantizar su cumplimiento, liberando expresamente a la Junta Directiva del Ateneo de Valencia y la Fundación Bienales de Arte de cualquier responsabilidad para con los autores y organizaciones que los cautelen.

ARTÍCULO 16. En la Bienal 68 Salón Arturo Michelena se otorgarán, en cualquiera de las modalidades participantes, los siguientes premios y reconocimientos:

• Premio Arturo Michelena, consta de diploma y ciento cincuenta mil bolívares (Bs. 150.000,oo) Auspiciado por la Alcaldía del Municipio Valencia.

• Premio Andrés Pérez Mujica, consta de diploma y cien mil bolívares (Bs. 100.000,oo) Auspiciado por la Alcaldía del Municipio Naguanagua.

• Premio Armando Reverón, consta de diploma y ochenta mil bolívares (Bs. 80.000,oo) Auspiciado por la empresa Rodelca.

• Premio Antonio Edmundo Monsanto, consta de diploma y setenta mil bolívares (Bs. 70.000,oo) Auspiciado por la empresa EPA. La obra galardonada deberá ser elaborada con material de reciclaje en su mayor proporción.

• Premio Braulio Salazar, consta de diploma y sesenta mil Bolívares (Bs. 60.000,oo) Auspiciado por la Universidad de Carabobo, Universidad José Antonio Páez, Universidad Arturo Michelena y Universidad Tecnológica del Centro.

• Premio Valencia Press Club, consta de diploma y cincuenta mil bolívares (Bs. 50.000,oo) Auspiciado por esta organización, para ser otorgado en la especialidad de fotografía. El tema sera la ciudad de Valencia, Venezuela.

• Reconocimiento Asociación Internacional de Críticos de Arte, Capítulo Venezuela.

• Reconocimiento Asociación de Profesores de la Universidad de Carabobo José Enrique “Pepe” López, Treinta mil Bolívares (Bs. 30.000,oo)

• Reconocimiento Luis Enrique Torres Agudo, otorgado por IPAPEDi Veinte mil Bolívares (Bs. 20.000,oo)

ARTÍCULO 17. Las decisiones del Jurado Único de Admisión y Calificación son inapelables.

ARTÍCULO 18. Ninguno de los premios otorgados en la Bienal 68 Salón Arturo Michelena podrá ser declarado desierto.

ARTÍCULO 19. Lo no previsto en las presentes bases será decidido por la Junta Directiva del Ateneo de Valencia y la Fundación Bienales de Arte, con la asesoría de su Comité Permanente.

Como envolví y decore el regalo para mi mama en el día de las madres

2016-05-08T05:40:00.001-07:00

Hola Felicitaciones a todas las madres, hoy mañana y siempre.

En el siguiente vídeo muestro como envolvi con papel de regalo el presente para mi madre y como realice el lazo de regalo para adornar.
En el siguiente link un breve tutorial para realizar los lazos de regalos.
http://www.mediafire.com/download/j0idtlqb79pn8ih/regalos.pdf
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Check out How to Wrap and Decorate the Gift for Mom in 7 Minutes by Silvia Gonzales on Snapguide.

Diana Al-Hadid Plays the Classics | ART21 "New York Close Up"

2016-04-26T10:26:00.001-07:00

2016-03-30T12:20:00.000-07:00

Programa del canal de youtube del mes de Marzo 2016

El canon de la Cabeza humana, Ejercicio Dibujo de Mahatma Gandhi Tutorial con la Técnica del Chimo

2016-03-01T21:00:00.000-08:00

Para dibujar un rostro no es condición esencial tener un conocimiento exacerbado de anatomía, en cuanto a todos los huesos y músculos que componen la cabeza, lo importante es tener un idea de ellos, para comprender mejor su forma y porque se ve de determinada manera y no de otra, es como decir: que el huesos del cráneo son para el rostro como las columnas son para una casa. Sin embargo es importante, conocer las proporciones de la cabeza y del rostro a la hora de realizar cualquier retrato.

Asimismo, es de suma importancia conocer su estructura anatómica en cuanto a los huesos y músculos que la conforman.

El canon de la cabeza humana en general:

Existe un canon para dibujar la cabeza es decir un conjunto de relaciones, normas, pautas o reglas que nos sirve para establecer las proporciones que debe tener un dibujo, en este caso trataremos la cabeza y en específico el rostro. El canon nos sirve de guía a la hora de enfrentarnos al dibujo del retrato y permite establecer módulos de división del rostro, para la mejor aprehensión de la imagen y por lo tanto lograr con mayor facilidad su representación.

Entre los artistas que estudiaron la figura humana y establecieron su proporción tenemos: a Doriforo de Grecia, Leonardo Da Vinci, Alberto Durero, entre otros.

Ahora bien cabe destacar, que aunque las pautas establecidas por estos artistas son válidas independientemente de sus pequeñas variaciones entre sí, son medidas referenciales que no pueden aplicarse a todos los rostros que vemos, por lo que cuando estamos en la ejecución de un retrato debemos adaptar nuestro canon al tipo de rostro en concreto que pensamos dibujar.

Por ello, los cánones establecidos por estos maestros son llamados ideales estéticamente hablando y son muy útiles al momento de realizar un rostro real o imaginario.

· En líneas generales el rostro es simétrico por lo que la medida del lado derecho se repite en el izquierdo.

· El tamaño de la cabeza en total equivale a 3 partes y media y de ancho a 2 partes y media. también se puede medir estableciendo una relación de 7 cuadrados de alto x 5 cuadrados de ancho.

· Generalmente se usa como medida de cada parte la frente o el largo de los ojos.

· La parte 0 constituye una parte de cabello y cráneo.

· La parte 1 es básicamente la frente y casi toda la ceja.

· La parte 2 los ojos, la nariz y las orejas.

· La parte 3 la boca.

· La frente puede medir la distancia del largo de dos ojos.

· La distancia entre los ojos es el largo del ojo.

· El ancho de la nariz es el largo del ojo.

· El ancho de la boca equivale al largo de un ojo y medio.

· La distancia entre el rabito del ojo y la oreja en el rostro de frente es por lo general la mitad del ancho del ojo, si se ve el rostro de frente.

· El largo de la nariz es la distancia de dos ojos.

· El alto del mentón equivale al largo del ojo.

Estas medidas son referenciales y no definitivas ya que varían según la edad, raza y características personales de cada ser humano.

Dibujo de Mahatma Gandhi Tutorial con la Técnica del Chimo

Aprender a crear volumenes y sombras. Técnica de Dibujo.

2016-02-19T21:00:00.000-08:00

En todo dibujo donde se busque crear volumen, en los objetos que se desean representar, hay que considerar la iluminación que tiene el objeto, detenerse a evaluar la dirección de la luz, el tipo de luz y cómo podemos mejorar la presencia del objeto al mejorar la iluminación del mismo o cambiando su posición en el espacio.

Mientras exista luz todos los objetos tendrán sombras y es lo que nos permite reconocer la forma y masa de todas las cosas que observamos.

Existen como muchos ya saben la luz artificial, que dependiendo de su tipo puede afectar el color de los objetos que ilumina con un tono amarillento o azulado, además de que, por ser una fuente de luz pequeña se propaga en línea recta; a diferencia de la luz natural que se propaga de forma paralela debido al tamaño del sol.

Asimismo la luz puede incidir de diferente manera sobre los objetos:

De forma directa cuando tiene contacto directo con el objeto.

Difusa: cuando esta atenuada por algún elemento que puede encontrase entre la luz y el objeto creando una iluminación más suave y con menor contraste.

Y reflejada que surge cuando la luz choca sobre un cuerpo y esta rebota iluminando otros cuerpos. Esta luz es más suave que la directa y su fuerza va a depender de la capacidad de reflexión del la luz del cuerpo en donde se refleje la luz.

El trabajo de los pliegues implica:

Pasó 1. Trazar las líneas de eje vertical y horizontal para ubicarnos en el espacio de papel del cual disponemos, luego trazar la línea más predominante de los pliegues que sirva de guía para realizar el resto de ellas esta puede ser la que tenga la forma más reconocible o determinante.

Pasó 2. Ir haciendo sombreados en generales en las zonas mas oscuras para ir apartándolas e identificándolas.

Pasó 3. Empezar a dar forma, volúmenes y sombras a los objetos

Ejercicio para realizar con lápices de grafito o a color si está trabajando con colores.

Como crear Volumen y Sombra con Lápices de Colores - Ejercicio de pliegues en blusa.

El dibujo del cabello

2016-02-16T21:00:00.000-08:00

El carácter y la forma de una cabeza dependen en gran parte del cabello, ya que puede modificar completamente la apariencia externa. Prueba de ello es la importancia que se da (especialmente las mujeres) al corte de pelo, forma del peinado, color, etc. El cabello es como un adorno natural de la cabeza humana y así lo han entendido los artistas a través de la historia, representándolo en sus retratos con particular esmero.

Forma:

Desde el nacimiento, cada cabello irá adquiriendo su forma natural: liso, rizado, ondulado, etc. Aparte de esto, la forma también dependerá de la longitud y del grosor del pelo. Un cabello fino y liso se adaptará a la forma del cráneo mejor que un cabello recio y rizado que vaya adquiriendo una forma y volumen más sólido e independiente de la configuración de la cabeza. Hay que tener presente la densidad de cada cabellera para captar su forma consecuentemente: el cabello liso y sedoso requiere un trazo de lápiz (o pincel) fino y en la dirección adecuada; un conjunto de trazos delicados modelará e interpretará la forma sutilmente; un cabello abundante y grueso se puede representar mediante manchas con diferentes tonalidades, dependiendo siempre del color y la iluminación. El trazo y la intensidad de la mancha son los dos procedimientos fundamentales para dar forma al cabello.

Tonalidad

Un cabello claro se resolverá con más contrastes tonales que un cabello oscuro. El cabello claro reflejará con más brillo la luz en las zonas en que ésta incida directamente, en contraste con las zonas no iluminadas. Los reflejos y brillos se pueden resolver con pocos trazos de grises claros y medios o dejando incluso partes en blanco. Es importante la delicadeza en el de gradado de oscuro a más claro, teniendo presente que no se está ante un cuerpo sólido sino ante un volumen ahuecado de superficie irregular (en realidad es una apariencia de superficie). La tonalidad de un cabello es un sutil juego de valoraciones mediante degradado y difuminado hasta conseguir la calidad táctil deseada

Relación con el cráneo

Antes de empezar a dibujar el cabello, debe tenerse una idea clara de cómo son la cabeza y el cráneo. La forma del cráneo también determina la forma del cabello. Un primer encajado lineal del cabello debe basarse en el previo encajado del cráneo, sólo así quedará bien integrada la cabellera en la cabeza. Por muy largo que sea el cabello o muy aparatoso su peinado, hay que partir del perfil del cráneo que es donde nace el cabello y a partir de ahí ir creando volumen y forma, si no es así la cabellera puede quedar demasiado alta, como flotando en el aire, o demasiado baja, aplastada encima de la cara. Si el cabello es escaso o muy corto seguirá y se adaptará a la línea y superficie del cráneo con todas sus posibles irregularidades

El peinado

El peinado puede transformar un rostro. Siempre se deben considerar las características del modelo. Un rostro sin demasiada personalidad queda realzado con un peinado sugerente y llamativo. Si las facciones y líneas de la cara son pequeñas y suaves un peinado vistoso y con volumen marcará un contraste y otorgará un interés carente en el modelo. Si el modelo tiene un rostro marcado y anguloso será conveniente destacarlo tratando con menor intensidad la forma y volumen del peinado, pero si, al contrario, lo que se desea es matizar la dureza del rostro, se hará un intenso realce del peinado. Esto es especialmente importante en las mujeres donde el tipo de peinado forma parte de su personalidad. Un peinado alto y recogido en un moño es muy adecuado para rostros de mujeres maduras y elegantes; un peinado más libre y despreocupado, más "moderno", sienta mejor en rostros jóvenes

Un error habitual es oscurecer el tono del cabello uniforme mente, en contraste con la claridad del rostro; la figura pare ce que lleve una peluca, el pelo no resulta convincente. La solución es sombrear algunas zonas de la cara y aclarar parte del pelo para que, en algún punto, los tonos de una y del otro se aproximen. Esto creará una zona de transición que dará una apariencia natural al retrato.

Vídeo Tutorial que muestra como realizar el cabello Con la Técnica pictorica de la Acuarela.

35 Salón Municipal de Pintura delMunicipio Girardot Maracay _ Venezuela.

2016-02-15T17:25:00.001-08:00

Como crear armonías del color:

2016-01-26T07:00:00.000-08:00

Existen 4 formas básicas para crear armonías de color y son:

Por analogía: son aquellos continuos en el círculo son parecidos

Por contraste: se consiguen al combinar los colores opuestos o complementarios

Por monocromías: utilizando matices de un sòlo color

Por degradación: utilizando un color hasta degradarlo a blanco total

Estas formas nombradas son básicas existen muchísimas maneras de combinar colores en cualquier trabajo muchos eligen un número, tipo o tono determinado de colores para hacer su pinturas, es lo que se llama una paleta de color, yo tengo mi propia paleta de colores esto es algo que se va desarrollando con el tiempo y también algo que puede variar con el tiempo.

Un buen ejemplo de esto es Picasso que tuvo diferentes periodos de color como el rosa y el azul. https://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso

En fin, se puede comenzar primero practicando en hacer el circulo cromático puede que sea muy básico pero es muy importante practicar para ello se deben utilizar sólo colores primarios que son el cyan, el magenta y el amarillo, podemos agregar el tono blanco y negro para crear tonos más claros u oscuros.

A continuación les presentare un video de como empezar a crear su propia paleta cromática partiendo de los colores primarios se trabajara con acuarela.

ATENEO DE GUACARA - 13 MUESTRA RESCATE del DIBUJO CARLOS SERFATY 2016

2016-01-23T17:41:00.000-08:00

Homenaje a los 322 años de la Fundación de Guacara - BASES CONCURSO

Invitado Especial
SAMANTHA MEJIA

Ganador Primer Lugar 2015
Caracas

BASES
1.- Solamente DIBUJO
2.-Tema , medida y montura libre
3.- Materiales : làpiz, carboncillo, bolígrafo, tinta china, papel, cartón, tela, madera y otros.
4.- Una ( 1 ) obra por participante, identificada con sus datos
.
5.- PREMIOS
El público asistente vota por el mejor DIBUJO y la obra ganadora del
1er. LUGAR Sera la portada del catàlogo y el autor es el Invitado Especial con una Exposición en la Sala 1 en el 2017, mas una (1) obra de arte y certificado.
2do. LUGAR Se hace acreedor de una (1) obra y certificado.
3er. LUGAR Se hace acreedor de una (1) obra y certificado
4to LUGAR Mención Especial del Público. Certificado

6.- RECEPCION de OBRAS
Desde el Lunes 11 de Enero hasta el Viernes 19 de Febrero 2016.Sin Prórroga.
7.- HORARIOS
Lunes a Viernes de 2 a 5 pm y Sàbados de 9 a 12 am
8.- COLABORACION por participante es de Bs 200 para efecto de catàlogo y montaje,
8.- APERTURA Sàbado 27 de Febrero 2016 a las 11 a m

NOTA: Los artistas que van a utilizar transporte deben hacerlo con tiempo, con la obra bien embalada, haciendo la salvedad del horario establecido de recepción en el Ateneo de Guacara y depositar la colaboración en la Cta Corriente de Banco Banesco No. 01340592135921001993 a nombre Asoc. C. Ateneo de Guacara Rif. J-312041560, enviar copia del depósito junto con la obra.

Ateneo de Guacara Calle Plaza No. 98 entre calles Sucre y Urdaneta
Guacara Carabobo Venezuela Facebook Ateneo de Guacara Grupo

Conoce algunos principios básicos para lograr una buena composición:

2016-01-19T07:00:00.000-08:00

¿Qué es la composición en el arte? y principales formas de crear composición visual principios.

Primero que nada debemos estar claros de lo que significa composición en el caso de las artes visuales hablar de composición se refiere a la sensación de equilibrio, armonía que produce una imagen visual sea fotografía, cartel, ilustración, pintura e incluso una escultura. Por supuesto que la composición puede estar basada en la sensación de caída o desequilibrio pero eso es algo que va a depender de cada hacedor

Entre las principales formas de crear composición tenemos:

El Equilibrio visual, es el contrapeso de las formas respecto a un eje o punto central se refiere a la armonía de la distribución y proporción de los elementos en una composición.
La Simetría. Es la armonía o equilibrio de los elementos a ambos lados de un eje central de soporte, es decir al pasar una línea imaginaria por el centro. Lo elementos de cada lado se repiten como imágenes reflejadas en un espejo.
El Cerramiento: es el efecto mediante el cual el ojo tiende a percibir como formas completas, imágenes que no están estructuradas.
La Figura y fondo: cuando dibujamos sobre una hoja constituiría la figura o forma el resto del campo visual o área sobrante sería el fondo. Se trabaja con partes positivas y negativas de la imagen.
Por Asociación: es una ley de principios compositivos, que trata de agrupar visualmente elementos semejantes y próximos unos a otros.
Por Tensión y proximidad: están dados por la distribución de los elementos con respecto a un eje o punto de interés que le dará el sentido y tención al cuadro.
Por Subordinación: es el ritmo que después de establecer una unidad como principal, en el cual un elemento se encuentra incluido a otro para llenar los espacios vacíos para que se vea agradable a la vista.
Mediante el Ritmo: es la armonía del movimiento producido por la disposición de figuras o formas que se ocasiona repetición de las mismas o por alternancia.
Con Unidad en la variedad, supone la diversidad de elementos que hay cuando el cuadro o la composición tienen figuras, líneas, colores, tonos, ritmos diferentes que dan movimiento y proporciona amenidad a la unidad, exige la integración de todos estos elementos individuales logrando armonía.
Mediante la Ley de equilibrio: más masa más centro, menos masa más cerca del margen, la luz debe llevar el contrapeso de una forma, los colores cálidos deben atemperarse con la proximidad de los fríos, los fuertes compensaran a los débiles, las líneas rectas atenuaran su rigidez con la curvas.
Con la Ley del resalte y la subordinación: La unidad de una composición requiere que la tensión entre las fuerzas y los estímulos causados por esa misma composición sean resueltos e integrados por un elemento o fuerza dominante. Por esta razón, contraste y unidad, palabras que a simple vista parecen opuestas, pueden y deben coexistir. El efecto del elemento dominante crea la unidad y el orden, mientras que su ausencia provoca monotonía, ya que, en tal caso, la composición resulta demasiado precisa, siempre igual a sí misma, o bien, en el caso contrario a un contraste objetivo, origina un desorden caótico. La ley del resalte exige, pues, que en cada composición haya un elemento dominante, según el significado, y la finalidad de la misma composición. Esta ley requiere, además, que los otros elementos concuerden con el elemento predominante en posición de la subordinación: establecer en cada composición un punto principal de atracción significa obrar con lógica para obtener la unidad requerida.
Utilizando Centros de interés visual, Los centro de interés visual son puntos de interés que se crean en el fenómeno de la percepción visual humana y la búsqueda de nuestra mente de un mensaje en lo percibido, que definimos como interpretación. Cualquier imagen puede tener un centro de interés visual, pero no hay que caer en el error del fotógrafo principiante que confunde centro de interés con punto de fugas y perspectiva, ángulos abiertos u cerrado. El centro visual es el clímax del interés de una imagen, visualmente hablando es donde su tema principal confluye (Algo visto en los ordenamientos de la Gestalt Figura-fondo):

Concurso de Artes Visuales - MINIPRINT INTERNACIONAL PARANA 2016

2016-01-14T05:42:00.002-08:00

MINIPRINT INTERNACIONAL PARANA 2016
La Miniprint Internacional Paraná 2016 prosigue con su objetivo principal de establecer un puente de hermandad y confraternidad a través de la obra gráfica para que artistas grabadores de todo el mundo puedan mostrar su obra y establecer vínculos, produciendo un valioso intercambio y un encuentro enriquecedor para el arte y la cultura.
Esto quedó demostrado en el 2014 cuando llegaron obras de artistas de 34 países que participaron del I Miniprint Internacional. Esta nueva convocatoria desde la ciudad de Paraná, Capital de la Provincia de Entre Rios, Argentina, situada a orillas del caudaloso Río Paraná, con su urbanidad, su arquitectura, sus parques, plazas, monumentos, centros de cultura, escuelas de arte, museos y una interesante y variada actividad cultural, permitirá que las imágenes de pequeño formato que lleguen de todo el mundo aporten más belleza al conjunto, formando parte del patrimonio cultural de la ciudad en un futuro Museo Internacional de Miniprint (en formación). Desde éste, nuestro lugar, abrimos una ventana al mundo para que por medio del arte, se llene el espacio de formas y colores, generando un maravilloso mensaje de paz y convivencia.
REGLAMENTO
01.- Podrán participar todos los artistas que se expresen a través del grabado en sus diferentes formas y técnicas de estampación reconocidas: xilografía, litografía, aguatinta, aguafuerte, serigrafía, calcografía, collagraph, monocopia, arte digital, excluyéndose fotografías y fotocopias.
02.- Cada artista deberá enviar dos (2) obras iguales o diferentes, firmadas y numeradas, que acrediten su multi ejemplaridad de estampa y tirada, aceptándose también pruebas de artista. Una obra participará del certamen, y la otra formará parte del patrimonio del Museo Internacional del Miniprint (en formación).
03.- La imagen no deberá ser mayor a 10 x 10 cm., y el soporte no deberá sobrepasar los 18 x 18 cm.
04.- En el formulario adjunto se deberán indicar los datos del participante que se solicitan, así como los datos de las obras.
05.- Las obras se enviarán en un sobre por correo certificado, sin passpartout, cristal ni marco con la inscripción: IMPRESOS SIN VALOR COMERCIAL, junto con el formulario adjunto de participación, hasta el día 31 de marzo de 2016 a la dirección: Luis Bourband - Casa Taller Bourband - Tucumán 178 (3100) Paraná (ER) - Argentina, especificando en el sobre: Miniprint Internacional Paraná 2016. IMPORTANTE: Solo se aceptarán sobres. No se aceptarán ni se retirarán de aduanas, las obras que lleguen en encomiendas o paquetes.
06.- Un Jurado designado al efecto, seleccionará las obras y determinará los premios. El resultado será difundido a los diferentes medios periodísticos, a los artistas participantes y publicado en la web, en la segunda quincena de mayo de 2016.
07.- El Jurado otorgará cinco (5) Premios iguales consistentes en una Exposición individual de cada artista premiado en la próxima convocatoria del Miniprint Internacional de Paraná y Diploma de Honor. Se entregarán también cinco (5) Menciones especiales consistentes en Diplomas.
08.- El Salón será inaugurado en fecha a determinar en el segundo semestre de 2016 en Paraná, donde serán expuestas todas las obras participantes, tras lo cual podrán exponerse en otros lugares que lo soliciten.
09.- La participación no tiene costo alguno y las obras participantes formarán parte del patrimonio del Museo Internacional del Miniprint (en formación).
10.- La Comisión Organizadora se reserva el derecho de reproducir y/o exhibir las obras con fines culturales y de difusión.
11.- La Comisión Organizadora no responderá por pérdidas o extravíos de obras recibidas.
12.- Toda otra cuestión no mencionada en este Reglamento será resuelta por la Comisión Organizadora

INTERNATIONAL Miniprint PARANA 2016

The International Miniprint Parana 2016 continues with its main objective to establish a bridge of brotherhood and fellowship through the graphic work for recorders artists from around the world to showcase their work and linking, producing a valuable exchange and enriching encounter for art and culture. This was demonstrated in 2014 when they came works by artists from 34 countries who participated in the I International Miniprint. This new call from the city of Parana, capital of the province of Entre Rios, Argentina, located on the banks of the mighty Parana River, with its urbanity, its architecture, its parks, plazas, monuments, cultural centers, art schools, museums and an interesting and varied cultural activity, allow small-format images arriving from around the world bring more beauty to the whole, forming part of the cultural heritage of the city in the future International Museum Miniprint (in training). From this, our place, we opened a window into the world that through art, the space is filled shapes and colors, creating a wonderful message of peace and coexistence.

REGULATION
01. all artists express themselves through engraving in its different forms and stamping techniques may participate recognized: Woodcut, lithography, aquatint, etching, silkscreen, intaglio, collagraph, monoprint, digital art, photographs and photocopies excluding.
02. Each artist must submit two (2) identical or different, signed and numbered works, proving their exemplary multi stamping and roll, also accepting artist's proofs. A work participate in the contest, and the other will be part of the heritage of the International Museum Miniprint (in training).
03. The image should not exceed 10 x 10 cm., And the support must not exceed 18 x 18 cm.
04. The attached form must indicate the participant's data being requested as well as the data of the works.
05. The works will be sent in an envelope by registered mail, no mat, glass and frame with the inscription: PRINTED without commercial value, along with the attached entry form, until the day March 31, 2016 at the address: Luis Bourband - Casa Taller Bourband - Tucuman 178 (3100) Parana (ER) - Argentina, specifying on the envelope: International Parana Miniprint 2016. IMPORTANT: Only envelopes are accepted. They are not accepted or withdrawn from customs, the works that come in parcels or packages.
06. A jury designated for that purpose, select the work and determine the awards. The result will be distributed to various news media, the participating artists and published on the web, in the second half of May 2016.
07. The jury will award five (5) equal prizes consisting of a single exposure of each artist awarded in the next edition of the International Miniprint Parana and Diploma of Honor. They were also given five (5) Special Mentions consisting of Diplomas.
08. The Hall will be opened at a date to be determined in the second half of 2016 in Parana, where all participating works, after which may be displayed elsewhere who apply will be exposed.
09. Participation is free of cost and the participating works will be part of the heritage of the International Museum Miniprint (in training).
10. The Organizing Committee reserves the right to reproduce and / or display the works for cultural purposes and dissemination.
11. The Organizing Committee will not be responsible for lost or misplaced works received.
12. Any other matter not covered by these Rules shall be resolved by the Organizing Committee

INTERNATIONAL MINIPRINT PARANA 2016

L'international Miniprint Parana 2016 se poursuit avec l'objectif principal d'établir un pont de fraternité et de communion à travers le travail graphique pour enregistreurs artistes du monde entier de présenter leur travail et de liaison, la production d'un échange fructueux et enrichissant pour la rencontre l'art et la culture. Ceci a été démontré en 2014 quand ils sont venus œuvres par des artistes provenant de 34 pays qui ont participé à l'I International Miniprint. Ce nouvel appel de la ville de Parana, capitale de la province d'Entre Rios, en Argentine, située sur les rives du majestueux fleuve Parana, avec son urbanité, son architecture, ses parcs, places, monuments, centres culturels, écoles d'art, les musées et une activité culturelle intéressante et variée, permet des images de petit format qui arrivent du monde entier apportent plus de beauté à l'ensemble, faisant partie du patrimoine culturel de la ville dans le futur Musée Miniprint international (en formation). De là, notre place, nous avons ouvert une fenêtre sur le monde qui à travers l'art, l'espace est rempli formes et de couleurs, créant ainsi un magnifique message de paix et de coexistence.
RÈGLEMENT
01. Peut participer tous les artistes eux-mêmes expriment à travers la gravure sous ses différentes formes et les techniques d'estampage reconnus: Gravure sur bois, lithographie, aquatinte, gravure, sérigraphie, héliogravure, collagraph, monotype, art numérique, les photos et les photocopies à l'exclusion:
02. Chaque artiste doit soumettre deux (2) œuvres identiques ou différents, numérotés et signés, prouvant leur estampillage multiples exemplaire et rouleau, en acceptant aussi les épreuves d'artiste. Un travail participer au concours, et l'autre fera partie du patrimoine du Musée Miniprint international (en formation).
03. L'image ne doit pas dépasser 10 x 10 cm., Et le soutien ne doit pas dépasser 18 x 18 cm.
04. Le formulaire ci-joint doit indiquer les données des participants étant invités ainsi que les données des œuvres.
05. Les œuvres seront envoyées dans une enveloppe par courrier recommandé, pas de tapis, de verre et cadre avec l'inscription: imprimé sans valeur commerciale, ainsi que le formulaire d'inscription ci-joint, jusqu'à ce que le 31e jour Mars, 2016 au adresse: Luis Bourband - Casa Taller Bourband - Tucuman 178 (3100) Parana (ER) - Argentine, en précisant sur l'enveloppe: International Parana Miniprint 2016. IMPORTANT: Seules les enveloppes sont acceptées. Ils ne sont pas acceptées ou retirés de la douane, les œuvres qui viennent dans des colis ou des emballages.
06. Un jury désigné à cet effet, sélectionner le travail et déterminer les prix. Le résultat sera distribué aux différents médias, les artistes participants et publié sur le Web, dans la seconde moitié du mois de mai ici 2016.
07. Le jury décernera cinq (5) prix équivalents, soit une exposition unique de chaque artiste récompensé dans la prochaine édition de la Miniprint Parana international et un diplôme d'honneur. Ils ont également reçu cinq (5) mentions spéciales comprenant des diplômes.
08. La salle sera ouverte à une date qui sera déterminée dans la seconde moitié de l'année 2016 à Parana, où toutes les œuvres participantes, après quoi peuvent être affichés ailleurs qui applique seront exposés.
09. La participation est gratuite et les œuvres participant fera partie du patrimoine du Musée Miniprint international (en formation).
10. Le Comité d'organisation se réserve le droit de reproduire et / ou d'afficher les œuvres à des fins culturelles et de diffusion.
11. Le Comité d'organisation ne sera pas responsable pour les travaux perdus ou égarés reçues.
12. Toute autre question non couverte par le présent règlement sera résolu par le Comité d'organisation

INTERNAZIONALE Miniprint PARANA 2016

L'International Miniprint Parana 2016 continua con il suo obiettivo principale di creare un ponte di fratellanza e di comunione attraverso il lavoro grafico per registratori artisti di tutto il mondo per mostrare il loro lavoro e il collegamento, producendo uno scambio prezioso e arricchente incontro per arte e cultura. Questo è stato dimostrato nel 2014 quando vennero opere di artisti provenienti da 34 paesi che hanno partecipato al I International Miniprint. Questa nuova chiamata dalla città di Paraná, capitale della provincia di Entre Rios, Argentina, situato sulle rive del fiume Paranà possente, con la sua urbanità, la sua architettura, i suoi parchi, piazze, monumenti, centri culturali, scuole d'arte, musei e un'attività culturale interessante e vario, permettono immagini di piccolo formato che arrivano da tutto il mondo portano più la bellezza a tutto, che fanno parte del patrimonio culturale della città nel futuro Museo Internazionale Miniprint (in formazione). Da questo, il nostro posto, abbiamo aperto una finestra sul mondo che attraverso l'arte, lo spazio è riempito di forme e colori, creando un meraviglioso messaggio di pace e di convivenza.
REGOLAMENTO
01. tutti gli artisti si esprimono attraverso l'incisione nelle sue diverse forme e tecniche di stampaggio possono partecipare riconosciuti: Xilografia, litografia, acquatinta, acquaforte, serigrafia, calcografia, collografia, Monostampa, arte digitale, fotografie e fotocopie esclusi.
02. Ogni artista dovrà presentare due (2), opere firmate e numerate uguali o diverse, dimostrando il loro più stampaggio and roll esemplare, accettando anche prove d'artista. Un'opera partecipare al concorso, e l'altro sarà parte del patrimonio del Museo Internazionale Miniprint (in formazione).
03. L'immagine non deve superare i 10 x 10 cm., E il supporto non deve superare i 18 x 18 centimetri.
04. Il modulo allegato deve indicare i dati del partecipante viene richiesto, nonché i dati delle opere.
05. I lavori saranno inviati in una busta per posta raccomandata, non opaco, vetro e cornice con la scritta: stampato senza valore commerciale, insieme al modulo di iscrizione allegato, fino al giorno 31 Marzo 2016 al seguente indirizzo: Luis Bourband - Casa Taller Bourband - Tucuman 178 (3100) Parana (ER) - Argentina, specificando sulla busta: Internazionale Parana Miniprint 2016. IMPORTANTE: solo le buste sono accettati. Essi non sono accettati o ritirati dai costumi, le opere che vengono in pacchi o pacchetti.
06. Una giuria designata a tal fine, selezionare il lavoro e determinare i premi. Il risultato sarà distribuita ai vari mezzi di informazione, gli artisti partecipanti e pubblicato sul web, nella seconda metà di maggio 2016.
07. La giuria assegnerà cinque (5) premi pari costituiti da una singola esposizione di ogni artista premiato nella prossima edizione dell'International Miniprint Parana e Diploma d'Onore. Inoltre si è data cinque (5) Menzioni Speciali consistente dei diplomi.
08. La Sala sarà aperto in una data da stabilirsi nella seconda metà del 2016 a Parana, in cui tutte le opere partecipanti, dopo di che possono essere visualizzati altrove che applicano saranno esposti.
09. La partecipazione è gratuita e le opere partecipanti saranno parte del patrimonio del Museo Internazionale Miniprint (in formazione).
10. Il Comitato Organizzatore si riserva il diritto di riprodurre e / o visualizzare i lavori per scopi culturali e la diffusione.
11. Il Comitato Organizzatore non sarà responsabile per i lavori persi o fuori luogo ricevuti.
12. Qualsiasi altra casi non contemplati dal presente Regolamento deve essere deliberata dal Comitato Organizzatore

INTERNATIONAL Miniprint PARANA 2016
Die Internationale Miniprint Parana 2016 setzt sich mit dem Hauptziel, eine Brücke der Brüderlichkeit und Gemeinschaft durch die grafischen Arbeiten für Blockflöten Künstler aus der ganzen Welt zu etablieren, um ihre Arbeit und Verknüpfung, wodurch ein wertvoller Austausch und bereichernde Begegnung für Schaufenster Kunst und Kultur. Diese wurde im Jahr 2014 bewiesen, als sie Werke aus 34 Ländern, die sich in der I Internationalen Miniprint beteiligt kamen von Künstlern. Diese neuen Anruf von der Stadt Parana, der Hauptstadt der Provinz Entre Rios, Argentinien, am Ufer des mächtigen Flusses Paraná, mit seiner Urbanität, seiner Architektur, seinen Parks, Plätze, Denkmäler, Kulturzentren, Kunsthochschulen, Museen und eine interessante und abwechslungsreiche kulturelle Aktivitäten, ermöglichen kleinformatigen Bilder aus der ganzen Welt anreisen, bringen mehr Schönheit in die ganze, die Teil des kulturellen Erbes der Stadt in der Zukunft Internationale Museum Miniprint (in Ausbildung). Daraus unseren Platz eröffneten wir ein Fenster in die Welt, die durch die Kunst, der Raum ist gefüllt Formen und Farben, schafft eine wunderbare Botschaft des Friedens und Koexistenz.
VERORDNUNG
01. alle Künstler drücken sich durch Gravur in seinen verschiedenen Formen und Stanztechniken erkannt beteiligen: Holzschnitt, Lithographie, Aquatinta, Radierung, Siebdruck, Tiefdruck, collagraph, monoprint, digitale Kunst, Fotos und Fotokopien mit Ausnahme
02. Jeder Künstler muss zwei (2) gleich oder verschieden, signiert und nummeriert Arbeiten einreichen, zum Nachweis ihrer beispielhaften Mehr Zieh- und Stanzteilen, auch Beweise Künstler akzeptieren. Ein Werk, an dem Wettbewerb teilnehmen, und der andere wird ein Teil des Erbes des Internationalen Museum Miniprint (in Ausbildung) sein.
03. Das Bild sollte 10 x 10 cm nicht überschreiten. Und der Träger muss 18 x 18 cm nicht überschreiten.
04. Der beigefügte Formular ist anzugeben, dass die Daten des Teilnehmers als auch angefordert, da die Daten der Werke.
05. Die Werke werden in einem Umschlag per Einschreiben, keine Matte, Glas und Rahmen mit der Aufschrift richten an: GEDRUCKT ohne Handelswert enthalten, zusammen mit dem beigefügten Anmeldeformular bis zum Tag 31. März 2016 unter der Adresse: Luis Bourband - Casa Taller Bourband - Tucuman 178 (3100) Parana (ER) - Argentinien, die Angabe auf dem Umschlag: Internationale Parana Miniprint 2016 WICHTIG: Nur Umschläge werden akzeptiert. Sie werden nicht angenommen oder von den Gewohnheiten, die Werke, die in Paketen oder Päckchen kommen zurückgezogen.
06. Eine zu diesem Zweck benannten Jury, wählen Sie die Arbeit und bestimmen die Preise. Das Ergebnis wird auf verschiedene Medien verteilt werden, die beteiligten Künstler und im Internet veröffentlicht, in der zweiten Hälfte des Mai 2016.
07. Die Jury vergibt fünf (5) gleichwertige Preise, bestehend aus einer einzigen Belichtung eines jeden Künstlers in der nächsten Ausgabe des Internationalen Miniprint Parana und Ehrendiplom ausgezeichnet. Sie wurden auch gegeben fünf (5) Lobende Erwähnungen aus Diplome.
08. Die Halle wird zu einem Zeitpunkt geöffnet werden, um in der zweiten Jahreshälfte 2016 in Parana, in dem alle teilnehmenden Werke, nach der die Posten können die Anwendung ausgesetzt sein wird angezeigt, bestimmt werden.
09. Die Teilnahme ist kostenlos und die beteiligten Werke werden Teil des Erbes des Internationalen Museum Miniprint (in Ausbildung) sein.
10. Das Organisationskomitee behält sich das Recht zur Vervielfältigung und / oder die Arbeiten für kulturelle Zwecke und Verbreitung anzuzeigen.
11. Das Organisationskomitee wird nicht verloren gehen oder verlegt Arbeiten verantwortlich sein.
12. Jede andere Frage nicht unter diese Regelung fallen, werden durch das Organisationskomitee aufgelöst werden

Todos podemos ser creativos.

2016-01-12T07:00:00.000-08:00

¿Qué es la creatividad?, ¿Qué significa ser creativo?, ¿Cómo estimular la creatividad en los niños?, ¿Cómo es una persona creativa?, etapas del proceso creativo, ¿Cómo liberar la creatividad?

Se dice que la creatividad consiste en la capacidad que tenemos para encontrar soluciones aplicables a los pequeños o grandes inconvenientes de la vida diaria, responder novedosamente a diferentes situaciones, ver lo oculto, ser original y atreverse a romper paradigmas.

Los niños son los seres más creativos por la simple razón de estar abiertos a todas las posibilidades y no cerrar su mente dentro de paradigmas preestablecidos como hacen la mayoría de los adultos.

Luis Carlos Soler ha dicho que: crear es una reacción en cadena a la que todos tenemos acceso, pero que no todos aprovechamos. Todos podemos tener grandes ideas pero ¡sabemos cómo considerarlas y expresarlas?

Asimismo este autor considera que la persona creativa es: curiosa, generadora constante de ideas, se arriesga, con intelectualidad adaptable e impredecible, con sentido del humor, sensible y altamente constructiva.

Es muy importante estimular la creatividad en los niños ponerlos a pensar y obligarlos a resolver problemas por ejemplo: el hijo de una alumna se pasaba todo el día jugando con carritos y no estudiaba, por lo que la mama del niño decidió quitarle el carrito y que creen que paso?, el niño se las ingenió para hacer carritos de papel y cartón con las cajas de los cereales, jugos y leche líquida, llegando a crear pistas de carreras, estacionamientos y estaciones de gasolina, el resolvió su necesidad y pues la mama quedo algo sorprendida por el resultado.

Existen muchas maneras de estimular la creatividad del niño y porque no también del adulto, mediante actividades como: el dibujo y la pintura, las adivinanzas, construir objetos con materiales de desecho, juegos como el ajedrez y sobre todo ver y conocer muchas cosas para tener suficiente información que nos ayuden a ampliar las herramientas para resolver problemas sean de la vida diaria, profesionales o educativos.

Para aumentar los conocimientos podemos ver documentales que sean amenos y a la vez informativos, visitar museos ver las obras preguntarnos por las obras y lo que quieren expresar hacer comparaciones, investigar a los artistas, las diversas técnicas, etc. Lo más importante es buscar puntos de conexión con la obra ya que sólo así se logrará asimilar la misma.

Asimismo, para desarrollar la creatividad es fundamental evaluar aquellas conductas inhibidoras que nos fueron inculcadas en nuestro proceso de formación, con el fin de corregirlas y lograr así una apertura real de nuestro potencial. Para logar esto debemos conocernos a nosotros mismos primero.

Asimismo se habla de diferentes niveles de creatividad que va desde la parte intuitiva, pasando por el nivel técnico – académico, el nivel inventivo, el nivel innovador hasta llegar al genio que es una cualidad que no todos poseemos y que se dice que nace con el individuo.

Etapas del proceso creativo:

Estructuración de la realidad – análisis
Desestructuración de la realidad para encontrar las posibilidades de cambio
Restructuración de la realidad para encontrar ideas creativas.

Albert Einstein decía:” muchas veces la mera formulación de un problema resulta ser más esencial que su solución. Hacer nuevas preguntas, fijar nuevas posibilidades, estudiar viejos problemas desde nuevos ángulos, requiere de una imaginación creativa y establece avances reales en la ciencia.”

Para liberar su creatividad:

Confié en su intuición: la mayoría no hemos sido criados para honrar nuestra intuición. Pero la práctica de la creatividad nos permite aprender que sucede si nos permitimos hacer lo que nos gusta hacer.
Manténgase en el presente, olvídese de la pintura que planeo pintar o de la anécdota que quería contar. El poso de la creatividad sólo es posible si se mantiene sintetizada con el aquí y el ahora.
No tache, no borre lo que dibujo, aun cuando allá cambiado de opinión. No pinte encima de algo que ha hecho, apéguese a las expresiones del yo. Crea audazmente en sí mismo sin dejar espacio a las dudas y al arrepentimiento.
El proceso es lo importante no el producto, al sentir un vacio interior a menudo queremos tranquilizarlo al crear algo que otros puedan admirar. Pero lo que en realidad anhelamos, sin saber o sabiéndolo, es un sentido de vitalidad, de profundo contacto con el misterio de nuestras vidas. La meta no es crear algo excepcional. La razón es el placer y el poder hacerlo.
No analice lo que ha hecho, no es psicoterapia, se trata de penetrar el flujo de la creatividad, la fascinación con las emociones y el yo.
No se necesita ningún talento especial, si se conecta con su propia mente reverbera para todos, no es necesario pasar años aprendiendo habilidades técnicas para lanzar nuestras propias propuestas.

Practique, aunque no necesite talento necesita perseverar.

Paiting landscapes - Pintura del paisaje

2016-01-07T07:00:00.000-08:00

El paisaje como tema principal empezó a considerarse a partir del renacimiento, por lo menos en el mundo occidental, ya que en el oriente es decir países asiáticos en especial china, el paisaje siempre ha tenido una gran importancia como tema y lo abordan de manera muy diferente a como lo hacen los occidentales.

En otro artículo hablaremos de la forma de ver el paisaje en oriente.

Cuando se dibuja un paisaje recomiendo:

1- Sea que estés ante un paisaje real o estés utilizando una imagen o fotografía, debes determinar el alcance de tu paisaje es decir el encuadre que es lo que te interesa pintar y destacar de él y porque, ¿porque quieres destacar esa área?, ¿qué quieres transmitir con ello?. Puedes utilizar un marco de cartulina o tus manos para hacer el encuadre. Dentro de ese recuadro observa todos los elementos que exista cierto equilibrio o que al menos te convenza la composición del mismo para aprender a componer se debe observar e ir probando diferentes encuadres hasta que consigas uno que haga clip contigo.

2- Establecer qué tipo de sensación quieres dar de eso dependerá también los colores que vas a emplear sean cálidos o fríos.

3- Qué tipo de paisaje es selva, montaña, playa o paisaje urbamo.

4- Es bueno agregar un motivo o personaje estos le da el punto o la sensación de tamaño del paisaje ya que sirve de punto de referencia; es decir, da la dimensiones del espacio -el punto de referencia.

5- Establecer la línea de horizonte, preguntarse ¿hay más cielo que agua y tierra?

6- Empezar a ubicar cada uno de su elementos la proporción entre cada uno, es decir, cielo, agua, tierra, vegetación, construcciones o casas si las hay, animales o personas, etc.

7- Una vez terminada la estructura empezar a pintar preferiblemente de arriba hacia abajo especialmente cuando trabajas con oleo porque así evitas manchar menos el lienzo después puedes ir trabajando cada zona poco a poco una vez seca la pintura.

Entre otros aspectos, estas recomendaciones sólo son importantes cuando se está iniciando en la pintura del paisaje. Debido que a principios de los 60 la idea y concepción del paisaje como representación del lugar que vemos o habitamos como mimesis a cambiado muchísimo, se ha convertido en un medio para la crítica y la reflexión de la cultura, una manera de representar un modo de ver el mundo más que representar el lugar en sí mismo, para que este ligado a la sensibilidad y experimentación artística, en concordancia con los cambios de los proyectos que empezaron a darse desde la modernidad, muchas veces un artista puede buscar en el tema del paisaje una forma de representar al hombre como sociedad, dentro del constante bombardeo de información y rápidos avance tecnológicos, lo que ocurre en la interacción entre lo natural y lo urbano, con técnicas como la fotografía, el collage, imágenes 3d, video, performances, algunos entremezclados. Mostrando parte del caos, la entropía y la fragmentación que sufre el hombre en su espacio interno y como se refleja en el exterior. En este sentido hay un gran cambio en la manera como observamos los espacios y la manera como construimos las imágenes.

Así, se han gestado para el arte contemporáneo unas categorías bien particulares provenientes de las nociones de lo caótico en las representaciones que el artista hace de su entorno, es decir, de su paisaje, especialmente en la década de los 90.

Estas categorías son:

• Desorden y caos • Fragmentación

• Indeterminación • Lo laberíntico

• Lo metafórico • Inestabilidad

• Hibridez • Discontinuidad

• Deconstrucción • Lo Indecible

• Ironía • Lo monstruoso

• Fascinación tecnológica • Lo dinámico

Lo metafórico, caótico, lo hibrido, multicultural, la desconstrucción, la ironía y el uso de nuevas tecnologías son una parte característica del arte actual.

Bibliografía recomendada Giorg Simel Filosofía del paisaje, Arthur Danto – después de la muerte del arte.

A continuación un ejercicio de dibujo con lápices de colores del Cerro El Ávila , Observar como se va realiza partiendo desde el esbozo de los pliegues de la montaña para luego ir diferenciando las zonas claras y las oscuras que tienen mayor contraste de ultimo es que se aplican texturas y tonos medios.

VER VÍDEO DIBUJO DEL CERRO EL ÁVILA CON LÁPICES DE COLORES

VER VIDEO DE PAISAJE EN OLEO CAMINO DE ARBOLES

Retrato de joven morena con chimo - Ejercicio práctico.

2015-09-10T07:00:00.001-07:00

En el día de hoy les presento este ejercicio de un retrato realizado con chimo; la cual consiste en una pasta hecha con tabaco que tiene un color sepia muy atractivo para crear retratos y paisajes, lo pueden diluir con agua o con alcohol si desean un secado rápido, en esta oportunidad utilice una cartulina Bristol, la cual no es la ideal ya que esta es para dibujar y no para trabajar con agua. Sin embargo, si manejan el material pueden trabajar sobre esta cartulina, lo ideal es realizarlo sobre una cartulina especial para acuarela con un gramaje de 150 a 250 gr, eso dependerá del gusto de cada quien y también el granulado de la cartulina que elijan influirá sobre el resultado de su trabajo, todo depende de sus intenciones.

Recuerden que lo más importante en un trabajo de dibujo y pintura es realizar bien la estructura o boceto previo de nuestro motivo.

Tècnicas de la acuarela:

2014-05-11T11:53:00.000-07:00

La técnica de la acuarela consiste principalmente en el uso del agua y la creación de veladuras aprovechando el blanco del papel. A diferencia del gouache que se trabaja con tonos más opacos y se utiliza la pintura blanca, esto va a depender de los efectos que desee crear sobre el papel.

Algunas técnicas:

Los baños y su control: este tipo de pintura se puede ejecutar por medio de baños al papel y con pinceladas amplias jugando con la saturación de la pintura. Lo cual va a depender de los efectos que desee.

Efectos de texturas: Utilizando y aprovechando la forma de los pelos del pincel sin mojar demasiado.

Cualidades y calidades: Se puede trabajar con mucho cuidado tratando de hacer un trabajo lleno de detalles o trabajar con la espontaneidad que da el efecto del agua sobre el papel, dando resultados luminosos y expresivos.

Método en seco: se trabajo el pigmento directo sobre el papel y con poco agua o con alcohol para que seque más rápido.

Método húmedo: Mojando la cartulina antes de pintar para lograr trazos sueltos y juegos con el agua. Se trabaja el tema sobre la cartulina humada el nivel de humedad dará efectos diferentes.

Importancia de la luz - tipos

2014-04-18T19:59:00.003-07:00

Mientras exista luz todos los objetos tendrán sombras y es lo que nos permite reconocer la forma y masa de todas las cosas que observamos.

Asimismo la luz puede incidir de diferente manera sobre los objetos:

De forma directa cuando tiene contacto directo con el objeto.
Difusa: cuando esta atenuada por algún elemento que puede encontrase entre la luz y el objeto creando una iluminación más suave y con menor contraste.
Y la luz reflejada que surge cuando la luz choca sobre un cuerpo y esta rebota iluminando otros cuerpos. Esta luz es más suave que la directa y su fuerza va a depender de la capacidad de reflexión del la luz del cuerpo en donde se refleje la luz.

Asimismo, existen diferentes tipos de iluminación según la dirección en que se encuentre la fuente de luz y son:

Iluminación cenital: cuando la luz incide en la parte superior del objeto, este tipo de iluminación crea sombra duras, con pocos tonos medios y no es recomendable para la realización de retratos, destaca demasiado las zonas claras y oscuras.
Iluminación lateral: que puede ser derecha o izquierda, es el mejor iluminación , los contrastes son más suaves, crea mayor cantidad de tonos medios, por lo que se aprecia mejor la profundidad y volumen de los objetos, destacando su textura, es muy usada para los retratos. Es la razón por los cual, muchos artistas prefieren pintar los paisajes en las primeras horas de la mañana, cuando el sol está inclinado sobre el horizonte y la iluminación es lateral.
Iluminación centrifuga o frontal es la que viene de frente al objeto, lo aplana y elimina parte de las textura del mismo, ejemplo típico es la iluminación que da el flash de las cámaras fotográficas.
Contrapicado: es el tipo de iluminación que viene desde abajo del objeto y crear sombras misteriosas y antinaturales.
Contraluz: se trata de una iluminación que esta detrás del objeto y que resalta la forma general del mismo pero elimina todo volumen, crea formas abstractas.
Por último la iluminación enfática que se usa para destacar un objeto o zona determina del mismo.

Convocatoria ATENEO DE GUACARA Homenaje al mes del Artista Plástico SOLO PARA MUJERES

2014-03-28T19:08:00.000-07:00

ATENEO DE GUACARA

RECORDANDO a los DORMIDOS

Homenaje al mes del Artista Plástico

SOLO PARA MUJERES

BASES:

1. Solo para Mujeres Artistas

2. Una (1) obra por participante.

3.      Tema, medidas y montura libre.

4.      Especialidades: Dibujo – Pintura – Fotografía – Grabado – Cerámica – Hierro - Madera, que todo sea para colgar en la pared.

5.      No tiene que ser obra reciente.

6.      RECEPCION DE OBRAS

Desde el sábado 29 de marzo   hasta el Sábado 26 de abril del 2014.                       (Del 14 al 19 no se trabaja por ser semana santa)

7.      HORARIOS

Lunes a viernes de 2 a 5 pm y los sábados de 9 a 11:30 am.

8.      COLABORACION por participante es de Bs 50 (cincuenta) para efecto de catalogo y montaje.

9.      APERTURA Sábado 03 de mayo de 2014 a las 11.am

NOTA:   para los artistas de otros estados pueden enviar su obra bien embalada por cualquier medio de transporte haciendo la salvedad del horario establecido de recepción y depositar la colaboración en la Cta Corriente de Banesco Nº 01340592135921001993 a nombre de la Asoc. Civil Ateneo de Guacara Rif: J-312041560 (enviar copia del depósito junto con la obra).

Ateneo de Guacara

Calle Plaza Nº 98 Entre calles Sucre y Urdaneta

Guacara – Carabobo - Venezuela

Apartado 2016

Teléfono:0416-5422531 / Faceboock: Ateneo de Guacara

La marca de agua- usos, watermarking

2014-03-21T19:09:00.002-07:00

Ante todo una marca de agua consiste en signar una imagen generalmente con el nombre, firma de su autor, sea artista, fotógrafo, diseñador o empresa.

La marca de agua puede ser:

La técnica tradicional usada en los trabajos de artes graficas: grabados, litografías, xilografías entre otros; donde el artista graba el papel haciendo un relieve que indica su firma o nombre, con el fin de identificarla. En este caso el artista fábrica previamente una especie de sello y se procede a sumergir el papel en agua, inmediatamente que se retira del agua, se seca lo suficiente, para en una prensa pasar el papel con el sello sin entintar para que así quede marcada la forma del sello en relieve, una vez seco el papel este mantiene su forma y nos queda marcado.

Asimismo, la técnica digital es usada en imágenes o documentos digitalizados sean: fotografías, diseños, obras de arte, presupuestos, ebooks, etc. Esta marca de agua se trata siempre de una imagen transparente sea texto o imagen que se ubica generalmente en el centro del documento o repetido en todo el documento como una sombra, sin impedir ver la imagen o texto que lo contiene. Existen programas que permiten realizar marcas de agua como el Microsoft Word, el adobe photoshop , entre otros.

La marcas de agua tiene como función: identificar la obra, fotografía o imagen para tener idea de a quién pertenece la misma o quien la realizó; proteger la imagen de plagio y resguardar los derechos de autor para evitar su uso arbitrario por terceros que deseen presentarla como propia o como una manera de personalizar un trabajo .

Así que, cuando bajen una imagen por internet colócale su marca de agua.

Los tres estados del aprendizaje de la pintura:

2014-03-20T18:50:00.000-07:00

Cuando por primera vez surge en nosotros la inquietud por aprender a dibujar o pintar, se siente un regocijo y a la vez un sentimiento de incertidumbre sobre si alguna vez podremos lograr lo que hace nuestro profesor, entramos en una primera etapa de descubrimiento de los materiales y las técnicas, no esforzamos por hacer todos nuestros dibujos o pinturas aplicado los conceptos recibidos de nuestro mentor, es la etapa de tratar, de hacer lo correcto y estudiar todas las reglas básicas.

En la segunda etapa de nuestro aprendizaje, nos damos cuenta que muchas cosas se nos hacen más fáciles, comenzamos a ver o captar mejor las luces, sombras y colores. La ejecución técnica de nuestras obras mejora muchísimo y empezamos a lanzarnos a copiar las obras de grandes maestros. El objetivo de copiar debe ser: además de probar lo que aprendimos, descubrir como lo hizo ese artista, adentrarnos en su forma de ver, de pensar y de ver el mundo. Asimismo siempre es bueno contar con diferentes profesores no porque el que tengamos no sea bueno, sino para evitar contaminarnos con el estilo de un sólo artista.

Ya finalmente, nuestro último estado es la redención, donde todo lo aprendido se decanta, surge la búsqueda de la síntesis, la organización de lo aprendido y el surgimiento de nuestro propio estilo que no puede ser enseñado, ni aprendido y que va estar directamente influido por nuestra forma de ser, nuestro espíritu y personalidad. A partir de aquí la pintura se convierte en ámbito abierto a la insondable creación.

Como abordar una obra de arte, inicio de la creación orientado hacia el paisaje.

2014-03-20T18:23:00.000-07:00

Cuando se empieza a pintar el artista debe estar cómodo y concentrar su espíritu en conseguir captar lo esencial y alma de las cosas que está observando, es lo primero que debe hacer antes de lanzar la primera línea. Debe sentir la temperatura, el aire, la humedad, las luces, las sombras y los colores, visualizar cada uno de los elementos y decidir cual va ser el eje central de su pintura. A que le va a dar mayor importancia. Sólo así logrará crear una pintura que transmita algo más que belleza y dominio técnico. Preguntarse: ¿Qué es lo que más me gusta de lo que veo y porque?, ¿Qué es lo que me transmite, lo que siento?.

El artista ha de ver el paisaje e identificarse con él, revelar su significado, no conformarse con copiar lo que ve y descubrir todas sus cualidades escondidas. Debe descubrir las diferencias de color o matices y tonos según las horas del día y las estaciones del año. Debe ser junto con el paisaje; así, cuando sus ojos estén extasiados con la multitud de imágenes, formas, luces y colores, estructurar su pintura haciendo un dibujo previo o boceto donde se le dé forma al paisaje, considerando la proporción entre cada elemento.

En principio debe determinar cómo va a ser observado su paisaje y establecer así donde colocará la línea de horizonte que separa cielo y tierra, esto le dará la perspectiva- la profundidad. Lo que nunca deberá hacer es colocar la línea de horizonte justo en el centro de su lienzo ya que el efecto óptico es de un cuadro partido en dos, salvo que tenga toda la intencionalidad de que se vea de esa manera, en ese caso debe ser irreverente en su hacer, para que el resultado no se vea como un error, sino como una osadía.

Ya realizado este paso se comenzara a dibujar el elemento más amplio, grande, o destacado de nuestro paisaje o en su defecto aquello que deseamos resaltar ubicándolo equilibradamente en el espacio blanco del lienzo determinando el ancho y alto del mismo. Es decir; decidir cuánto espacio va a ocupar, seguidamente podemos ir dibujando el resto de los elementos determinando ante todo su ubicación y luego las formas. Seguidamente, podemos si queremos dibujar algunos detalles ya que el resto lo haremos con la pintura.

"Es un consejo personal de que para lograr una buena pintura esta debe tener de base un buen dibujo."

Terminado nuestro dibujo procederemos a colocar la mancha general de colores para luego ir agregando tonalidades y sombras, retirándonos cada cierto tiempo del lienzo, del papel o de la obra para verla a distancia y apreciar la totalidad de lo que se va pintando. Si una zona de la pintura nos da algún problema o duda es mejor dejarla y seguir con otra zona para retomarla nuevamente, cuando nuestra mente este más sosegada. No sea testarudo y evite forzar el proceso creativo, este debe fluir como el agua que corre entre las piedras de un rio.

Así ya terminado nuestro paisaje, si este no logra dejarnos alguna sensación, emoción o sentimiento, significa que no ha sido suficiente nuestra observación del mismo y hemos fracasado en captar la esencia de nuestro motivo en este caso el paisaje. Puede que su hechura no sea la mejor pero lo que trasmite una pintura puede transcender en ocasiones sus fallas técnicas. Lo que no significa que no deba esforzarse por lograr mejorar su técnica cada día más.

Si fracasa o simplemente no le agrada el resultado inténtelo de nuevo y recuerde que es un escalón más para lograr lo que desea.

Proceso para fabricar papel artezanal

2014-02-02T17:07:00.001-08:00

Limpieza y preparación del papel:

Lo primero es quitar grapas, plastico, etc. de los papeles que vayamos a utilizar. (Es normal, cuando utilizamos papel que ibamos a tirar a la basura, que este papel tenga múltiples impurezas de este tipo).

A continuación, deberemos cortar el papel en trozos. No es necesario que sean trozos demasiado pequeño, pero desde luego, no es posible poner las hojas enteras :)
Estos trozos de papel, deberán ponerse en remojo en un recipiente no muy grande durante 30 a 45 minutos.

Preparación de la pulpa:

Una vez bien húmedos los trozos de papel, se inicia el proceso de convertirlos en pulpa (una pasta, que será la base del nuevo papel).
La forma más sencilla de realizar esta mezcla es mediante el uso de una licuadora. Se coloca toda la mezcla en la misma, hasta que esté medio llena y se pone agua tibia. Se inicia la mezcla con poca velocidad, aumentándola progresivamente hasta que no queden escamas de papel.

Preparación de la pasta de papel:

Lo primero será llenar la cubeta con agua hasta la mitad aproximadamente. (Esta cubeta debe ser un poco mas ancha y larga que el marco a utilizar, y preferiblemente de la misma forma).
Después, añadir la pulpa realizada en el proceso anterior y remover para unificar la mezcla.
La mayor o menor cantidad de pulpa, determinará el grosor del papel, esto se puede conseguir poniendo menos agua en la mezcla.
Si queremos conseguir un papel uniforme y fino, deberemos retirar de la mezcla los grumos gruesos que observemos en la mezcla.

Extrayendo nuestra primera hora de papel:

Sumerja el marco en la mezcla y mantengalo unos segundos sumergido y nivelado. Después deberemos moverlo ligeramente hasta que veamos que la pulpa se encuentra uniformemente plana.
Lentamente, levante la pantalla hasta que esté por encima del agua y espere hasta que la mayor parte del agua se haya escurrido. Podrá ver entonces, como “nace” su hoja de papel :)
El siguiente paso será retirar el exceso de agua de la hoja. Para ello, ponga un trozo de tela o fieltro contra el papel y presione ligeramente para exprimir y eliminar el agua sobrante. (Puede usar también una esponja por la otra cara para ayudar a retirar esta agua).
Una vez que la hoja está un poco más seca, ya podemos levantarlo de la pantalla. Levante con cuidado el fieltro, nuestra hoja de papel debería levantarse con el fieltro también. (Si el papel permanece en la pantalla, es posible que se haya sacado demasiado rápido o no se haya presionado lo suficiente al retirar el agua).

Secando nuestra hoja de papel:

Ponga el papel a secar en una superfice plana, (puede acelerar este proceso mediante un secador con poca temperatura) y una vez la hoja esté suficientemente seca, separar del fieltro.

PROCEDIMIENTOS DE IMPRESIÓN

2014-01-19T09:11:00.002-08:00

PROCEDIMIENTOS DE IMPRESIÓN:

A. Procedimientos de impresión de matrices en relieve.
B. Procedimientos de impresiones con matrices planas.
C. Procedimiento de impresiones con matrices en hueco.
D. Procedimientos fotomecánicos.

A. Procedimientos de impresión de matrices en relieve:

En estos procedimientos, las partes de la matriz que se imprimen están en relieve respecto a las que no se imprimen. El principal es la tipografía.

Tipografía: Mediante la tipografía con planchas de diferentes materiales fundidos o grabados en relieve. El dibujo o imagen en que el molde se presenta invertido, para que al efectuar la impresión sobre el papel quede definitivamente derecha.

La tipografía consta de dos reacciones principales que mutuamente se complementan: la sección de composición y la sección de impresión.

La sección de composición se divide en varias especialidades:

Composición manual (tipógrafos) que son compositores tipográficos o cajitas utilizando tipos, filetes, otras obtenidos con maquinas fundidoras (preparan los moldes)

Composición mecánica. En sus modalidades de composición linotípica que son líneas de tipos sueltos (los operarios se llaman linotipista y monotipistas.

Flexografia o impresión a la anilina

En este procedimiento la matriz está constituida por un clise de caucho o de plástico con las partes impresoras en relieve.

La impresión de realiza en pequeñas maquinas rotativas mediante tintas casi liquidas, formadas con colores de anilina diluido en alcohol con lo que se consigue un secado instantáneo. Se emplea para impresiones poco delicadas a uno o varios colores, principalmente para imprimir papel de empaquetar y de envolver.

B. Procedimientos de impresiones con matrices planas

Los principales son: litografía, potoligrafia (offset), fototipia, serigrafía, xerografía.

Litografía: en estos procedimientos tanto las partes que imprimen como los blancos están situados en un mismo nivel. El dibujo o imagen se efectúa mediante una base grasa sobre la llamada piedra litográfica o sobre una plancha metálica de cinc o aluminio.

Offset : en un proceso llamado también letterset o offset seco poco fundido, que consiste en la impresión indirecta empleando matrices o planchas en relieve de cuerpo fotopolímeros.

Fototipos: en este procedimiento se emplea como matriz una plancha de vidrio cubierta de gelatina bicromatada que, tratada convenientemente, tiene la propiedad de rechazar la tinta en las partes humedecidas y aceptarlas en las partes secas.

Serigrafía: consiste en hacer pasar la tinta a través de una pantalla o tamiz de seda que sirve de soporte a la matriz, para depositarla sobre el material que se imprime. La matriz se prepara para la tinta pase solamente a los lugares que deben guardar impresos.

Xerografía la matriz es metálica y plana, con las zonas impresoras cargadas de electricidad positiva, a las que se transfiere la tinta constituida por polvo de resina cargado de electricidad negativa.

C. Procedimiento de impresiones con matrices en hueco:

En estos procedimientos la imagen queda ligeramente hundida respecto a los blancos, al contrario de lo que sucede en la tipografía.

Se emplea principalmente para la impresión de laminas a uno o más colores en ediciones de lujo y para revistas ilustradas, particularmente seminarios, dad la perfección y variedad de tonalidades que ofrece en la reproducción de fotografías.

D. Procedimientos fotomecánicos

Abarca las modalidades de fotolitografía o fotograbado, que prepara los grabados para la estampación tipográfica. Fotolitografía que prepara las planchas para la tipografía y el offset.

Fotocomposición procedimiento fotográfico con el que se obtiene en filme, con los textos con destino offset, hueco grabado y hasta tipografía.

Fototipia que prepara las planchas de vidrio para esta especialidad

Foto calcografía: que prepara las planchas y cilindros de cobre para el hueco grabado.

Tecnicas de impresiòn:

Lista interesante de links de paginas para aprender Origami

2014-01-10T09:26:00.002-08:00