Bopape - Arti bichti - 2008

Dineo Seshee Bopape (Polokwane (ZA) 1981), l’unica artista sudafricana selezionata per Younger than Jesus - la prima edizione della Triennale al New Museum di New York a cura di M. Gioni, L.

Cornell e L. Hoptman - è stata la protagonista della bella mostra nei nuovi spazi espositivi della galleria Annarumma404 di Napoli.

Si è trattato della prima personale in Italia di questa giovane artista emergente e tuttavia già così nota, che si segnala per l’estrema originalità delle sue creazioni e per la capacità di attingere alla memoria collettiva e personale per trovare materia viva per le proprie opere tese a dislocare gli oggetti, deviandoli dalla loro accezione funzionale e provocando nel fruitore quello straniamento che sempre nasce di fronte alla sorpresa della scoperta del nuovo nel consueto, che stravolge orizzonti di sguardo e di pensiero.

Bopape - Under all means necessary - 2006 (dvd projection)

Anche se può sembrare semplice definire se stessi e la propria esperienza, la mole delle informazioni contemporanee, il rapido cambiamento dei riferimenti culturali, i vari aspetti dell’attuale crisi economica e sociale che ci coinvolge tutti, rendono difficile seguire la vecchia massima socratica del “gnosi sé autòn” (conosci te stesso)! Date le continue trasformazioni in corso che ci riguardano da vicino tutti, forse una mappa ci potrebbe aiutare a ritrovare l’identità perduta…

Dineo Seshee Bopape propone un suo tentativo, iniziando con lo stabilire i suoi confini, definendo ciò che le sta intorno e le sue preferenze, riportando al mondo delle cose i suoi ricordi (”I like to remember things  in my own way” come recita il titolo della mostra). L’esito - fantasmagorico - è un’accumulazione di forme, elementi eterogenei tra loro che plasmano nuove armonie compositive. Decostruzione e ricostruzione di un’esperienza, di un’estetica, e dell’immagine di un’artista, che ha alle sue radici una riflessione profonda.

Bopape - You are portable -

Un discorso sul tempo: quello dell’opera d’arte (rapido ed effimero nell’installazione), quello in cui gli oggetti vengono registrati nell’archivio della memoria (lungo anni) e quello in cui vengono proiettati in altre vite ed in altri racconti (oltre l’esposizione). Se la “madaleine” di proustiana memoria riportava alla mente del protagonista, come in un flashback, il calore di un’infanzia felice, allo stesso modo acquistano sostanza le sensazioni più impalpabili raccolte dai residui della realtà trascinati in mostra, mentre la materia reale sfugge, viene riformulata e perde la sua dimensione.

Bopape - From the lovestrung series - 2008

Vale a dire che, se vengono meno certezze acquisite e crollano le grandi categorie, a determinare ciò che siamo rimane pur sempre la nostra esistenza, con il carico delle piccole cose che la compongono e forse il nostro “peso specifico” non è poi così ininfluente.

Bopape - Fall the sun shines the rain - installazione

L’arte di Dineo Seshee Bopape non si offre all’immediata comprensione, proprio perché ogni suo progetto si trasforma in un processo di dislocazione di eventi appartenenti alla storia collettiva, e perciò alla memoria oggettiva o ufficiale, ma anche alla memoria soggettiva, individuale, e si attua in un lavoro di destrutturalizzazione dei loro parametri di riferimento. Nelle sue installazioni costante è la tensione verso la defunzionalizzazione dell’oggetto che, legato alla pratica perfomativa, perde il significato consueto legato al suo uso quotidiano e viene spogliato della sua immanenza. Così il riguardante s’interroga spaesato di fronte ad un mondo mandato in frantumi - concettualmente e materialmente - e riassemblato in maniera inusitata dal procedimento “mnestico” personalissimo di cui l’artista rivendica l’autonomia, come si evince dal titolo stesso della mostra.

Bopape - Me and you

Nella intensa sua mostra personale intitolata - s’è detto - “I like to remember things in my own way“, la Bopape ha presentato una installazione site specific in cui gli oggetti, estrapolati dal quotidiano, perdono i loro contorni abituali per assumere una sussistenza effimera. Interessante l’uso che l’artista sudafricana fa dei media  - video, fotografia, pittura - quali strumenti formali per investigare la poetica della materialità delle cose, per analizzare storia, tempo ed eventi, ponendoli per ciò stesso fuori dal tempo. Nell’esposizione napoletana ogni elemento crea una narrazione discordante, in rapporto con alcuni video che fan parte dell’installazione, e si richiama nel contempo a tracce di altri racconti che pure convivono nella contingenza della stessa opera.

Bopape - reciepts a self portrait between september 2005 to february 2006

Il luogo -ovvero l’installazione come spazio dislocante - genera una nuova dimensione, in cui sono i video a decostruire l’immagine, che di frequente è quella dell’artista stessa, creando il presupposto per una sorta di materializzazione, per un processo di progressiva perdita di fisicità a vantaggio di una feconda mescolanza di forme, suoni, colori. Ognuno di questi elementi è il punto di partenza per un nuovo racconto, un nuovo altrove, per un’inedita ricollocazione e un rinnovato codice espressivo.

Bopape - Grass green-Sky blue

Nei collages, come pure nei dipinti tale pratica è resa ancora più evidente: l’apparente caos in cui si intravedono frammenti dell’immagine dell’artista - quasi un puzzle visivo -è il mezzo attraverso cui la Bopape realizza quella stratificazione di riferimenti ottici e visuali che ridefinisce i contorni del reale e della materia, per attingere ad un’armonia narrativa inconsueta, creata ex-novo. 

Bopape - Installazione e performance

Si parla di Platone (Ermafrodito), della Gnosi  (”Ilici”,  “Psichici”, “Pneumatici”), di Dante (”Candida Rosa”), di Oscar Wilde (”Aforismi”).

Mi sono chiesto spesso se il rapporto conflittuale tra i sessi sia sempre esistito e se sia destinato a perdurare in eterno? Dalla parte maschile oppressione e da quella femminile rivendicazione. Mi sono messo alla ricerca di una risposta e questa è la prima puntata della mia esplorazione.

Premessa platonica

Giancarlo Zoja - Ermafrodita

Secondo Platone, l’uomo primordiale era Ermafrodito, cioè conteneva le due sessualità in un solo essere. Per un conflitto con gli Dei, fu separato e nacquero così l’uomo e la donna, divisi. Platone sostiene che il destino cosmico di “Adamo” e di “Eva” sia quello di riunirsi e l’attrazione che vi è tra i due sessi, non sia altro che l’anelito verso quest’unione.

In attesa di questa ipotetica riunione succede che l’uomo tenti di sottomettere la donna e che questa reagisca come può. Mi domando di nuovo, questo rapporto non rapporto è una norma tra i sessi? A questo proposito debbo fare una premessa che riguarda la Gnosi Cristiana.

La Gnosi e l’Anima

L’umanità è, secondo gli gnostici, divisa in tre categorie: gli “ilici” che sono dominati dalla materia e che non hanno anima, rappresentano la grande maggioranza; gli “psichici” che racchiudono un’anima vagamente ricettiva per una eventuale attrazione dall’alto, sono una netta minoranza e infine gli “pneumatici” in pieno possesso dell’Anima, che tuttavia sono sporadici. Gli “ilici” sono destinati ad una reincarnazione sino alla fine dei tempi, gli “psichici” hanno una vaga possibilità di illuminazione pur rimanendo nel giro della metempsicosi finché questo barlume non li trasformi in “pneumatici”, ma è un fatto rarissimo. La gnosi è un atteggiamento esistenziale che coinvolge totalmente la vita dell’individuo. Questi, attraverso un processo intuitivo, giunge alla conoscenza di sé, dell’origine dell’uomo e del mondo: questa conoscenza gli consente la salvezza personale dal mondo della materia, che è il male da cui redimersi. Non è detto quindi che durante la vita terrena anche coloro che hanno un’anima riescano a raggiungere la conoscenza (gnosi), a vi è la reincarnazione dell’anima che cercherà di nuovo la salvezza.

Questa breve digressione sulla gnosi  serve soltanto per confermare un mio pensiero. E’ una pseudo teoria, la mia, tirata per i capelli, ma tant’è, in questo caso mi sento gnostico. Credo sinceramente che coloro che disprezzano e opprimono la Donna, siano esseri senz’animo. In sostanza “Ilici”. Chi possiede un Anima non può che rimanere ammirato dall’essenza femminile. Tenterò di suffragare questa mia tesi con esempi significativi.

Dante Alighieri: Eva nell’Empireo

Gli uomini “ilici” riescono ad abbinare ad Eva  epiteti volgari in certe loro esclamazioni che evito di citare, ma che sono l’esempio della loro chiusura. Dante Alighieri, cui nessuno vorrà negare il possesso di una grande Anima, ha creato la figura di Beatrice, l’anima femminile che sostituisce Virgilio e lo guida lungo il suo tragitto nel Paradiso, sino alla soglia dell’Empireo. Tuttavia non è mia intenzione ricordare Dante attraverso Beatrice, ma attraverso Eva, che riesce a sublimare riconoscendola nella “Candida rosa”.  Gli occhi di Dante, ormai capaci di sostenere la visione del Paradiso, individuano, infine, la Candida Rosa: i petali sono costituiti dai seggi dei beati, mentre il “giallo de la rosa sempiterna” e dal lago di luce in cui volano gli angeli, simili ad api, e che spande d’intorno “odor di lode al sol che sempre verna”

Pd. XXXI,1-8
In forma dunque di candida rosa
mi si mostrava la milizia santa (i beati)
che nel suo sangue Cristo fece sposa;

Il primo seggio della Candida Rosa è occupato da Maria, mentre le antiche donne ebree, Eva (la prima ai piedi della Madonna), Rachele, Sara, Rebecca, Giuditta, Ruth, sono sedute disposte una sotto l’altra “dirimendo del fior tutte le chiome”, formando, cioè, una linea divisoria verticale nei seggi della rosa.

Pd. XXXII, 4-6
La piaga che Maria richiuse ed unse (il peccato originale)
quella ch’è tanto bella (Eva) da’ (ai) suoi piedi
è colei che l’aperse e che la punse.

Dante dunque non solo non condanna Eva, ma la eleva al più alto dei Paradisi, seduta immediatamente sotto Maria. L’immagine della “Candida Rosa” di Gustave Doré, pur in bianco e nero, interpreta splendidamente questa visione dantesca.

In Dante Alighieri non vedo alcun tentativo di sottomissione e nessun  conflitto nei confronti di Eva come simbolo femminile. Vi è l’esaltazione della donna. E, ripetendomi, nessuno potrà negare che il Vate sia in possesso di un’Anima. E’ un punto a favore della tesi che sto sostenendo.

Oscar Wilde: “fornite alle donne un’occasione adeguata e le donne potranno fare tutto”

Mi si obietterà, bella forza citare come esempio Dante, è nota la sua adorazione per Beatrice. Porterò un’altra testimonianza.

Credo che nessuno possa affermare che Oscar Wilde abbia una particolare inclinazione verso le donne e il loro mondo. Wilde è un feroce fustigatore delle debolezze  umane nei suoi “Aforismi”. E’ altrettanto difficile affermare che il nostro Oscar sia privo di Anima. Per dimostrare l’ammirazione per Eva di questo dissacratore mi rifarò proprio agli “Aforismi”. Da notare che talvolta l’autore parla in prima a nome delle Eva.

• Fornite alle donne occasioni adeguate e le donne potranno fare tutto.
• La crescente influenza delle donne e’ l’unica cosa rassicurante nella nostra vita politica
• Ah! La forza delle donne deriva da qualcosa che la psicologia non può spiegare. Gli uomini possono essere analizzati, le donne… solo adorate.
• Il fatto e’ che gli uomini non dovrebbero mai tentare di dettar legge alle donne. Non sanno mai come farlo e, quando lo fanno, dicono sempre cose particolarmente stupide.
• Nessun uomo ha veramente successo a questo mondo, a meno che non abbia una donna alle sue spalle, poiché sono le donne a governare la società. Se non si hanno donne al proprio fianco, si e’ fuori dal mondo.
• L’uomo, povera, goffa, ingenua creatura, appartiene a un sesso che e’ stato razionale per milioni e milioni di anni. Non può evitare di esserlo. E’ la sua natura. La storia della donna e’ assai diversa. Noi donne siamo sempre state pittoresche proteste contro la semplice esistenza del buon senso. Ne abbiamo visto i pericoli fin dall’inizio.
• Le donne non sono mai disarmate dai complimenti, gli uomini lo sono sempre: questa e’ la differenza tra i due sessi.
• Tutte le donne devono lottare con la morte per tenere i loro figli. La morte, essendo senza figli, vuole i nostri.
• Le donne non sono fatte per giudicarci, ma semplicemente per perdonarci quando abbiamo bisogno di perdono. Il perdono, non la punizione, e’ la loro missione.
• Le donne sono un sesso affascinante e testardo. Ogni donna e’ una ribelle e, di solito, entra in rivolta contro se stessa.
• Gli uomini bramano sempre essere il primo amore di una donna, e questo e’ un effetto della loro stupida vanità. Noi donne abbiamo un istinto più sottile. Ciò che ci piace essere… e’ l’ultima storia d’amore di un uomo.
• Nulla rovina un’avventura romantica quanto il senso dell’umorismo nella donna.
• Nulla e’ esasperante quanto la tranquillità. Vi è qualcosa di sicuramente brutale nel buonumore della maggior parte degli uomini moderni. Mi fa meraviglia che noi donne lo si tolleri con tanta buona grazia.

Abbiamo potuto conoscere il pensiero di due Anime che possono impersonare Adamo e non mi sembra che in loro si riconoscano degli oppressori o denigratori. Penso d’aver portato due prove per il mio assioma. Vedremo in seguito altri testimoni.

Una sala del MARCA con le opere di Tàpies

Grande interesse sta suscitando anche l’attuale mostra di Tàpies, dato che l’artista spagnolo (di Barcellona) ha prodotto un’opera immensa e stimolante, cui è sottesa una formazione culturale e una poetica, sostanziata di una profonda riflessione teoretica, che ben si distingue nel panorama artistico contemporaneo, vuoi per l’identità e la “coscienza” catalana che contraddistingue l’autore, vuoi per il rigore morale che ne informa il pensiero e il fare arte.

Antoni Tàpies

“Antoni Tàpies. Materia e tempo” recita il titolo della mostra, la cui ricchezza di contenuti ed immagini e la cui sapiente articolazione si trasferisce nel bellissimo catalogo, a cura di Alberto Fiz, che non risulta, però, un mero specchio dell’esposizione, ma che si configura come miniera di informazioni e laboratorio di interpretazioni sull’artista e la sua opera e ne diviene utile strumento ermeneutico oltre che descrittivo. In questa sede vanno citati l’ottima organizzazione e il coordinamento di Maurizio Rubino, i saggi illuminanti dello stesso Fiz, di Massimo Recalcati, di Jean Frémon, il ritratto che ne traccia in modo sapiente Michael Peppiatt e la conversazione con Tàpies di Bruno Corà. Inoltre - elemento fondamentale per penetrare in profondità nell’opera del catalanissimo artista - non manca una scelta significativa dei suoi scritti teorici, da “La vocazione e la forma” a “Pensare l’arte“, da “Comunicazione sul muro” a “Oltre l’estetica?”, per non citarne che alcuni.

Tapies - Mural amb xifres-1985(smalto su lava)

Il maggior pregio della mostra catanzarese, e del catalogo che l’accompagna, sta nell’essere riuscita a dare a Tàpies ciò che è di Tàpies, ovvero nell’aver ricostruito in un percorso denso di significato e di rappresentazioni (visive e teoriche) la ricchezza dell’opera di Tàpies, di averne saputo suggerire la densità semantica e la coerenza formale nella ricchezza pluriforme della sua produzione, dai suoi esordi ad oggi, e in particolare nell’ultimo trentennio.

L’opera di Tàpies riesce così ad instaurare un dialogo con il visitatore, così come fa il catalogo con il lettore e il curioso fruitore delle immagini, invitando ad un viaggio che si snoda lungo un percorso interiore, intessuto di memoria, che conduce a rileggere la storia - la storia dell’arte ma anche la storia tout-court - come eterno presente, in un nesso passato-presente che intimamente sostanzia l’opera artistica di Tàpies, il suo creare, la sua identità personale ma anche la nostra.

Mostra di Tàpies nelle sale espositive del MARCA

Così si va “di muro in muro” o “from wall to wall” - come suggerisce Alberto Fiz nel saggio introduttivo - entrando in un’arte che è sì informale, ma lo è a suo modo, con una originalità di pensiero che la supporta e la guida a ricercare l’arte che preesiste alla teoria stessa. Non è dunque un’idea di bellezza rapinosa o una vertigine mistica a sostanziare quest’opera fatta di materia e segni, che cattura ed affascina, ma si tratta - lo diciamo con le parole di Fiz - di “un salto nel vuoto al cospetto della materia che esce dalla sua sfera romantica per confrontarsi direttamente con la vita reale”.

Tapies - Figura paisage en gris -1956 (olio e sabbia su tela)

L’artista, nel trattare la materia, più che manipolarla ne fa emergere l’energia; egli non la viola né la violenta, ma la rispetta e cerca di conoscerla e farne risaltare le valenze espressive. Il risultato non è né meramente denotativo né simbolico, piuttosto è intuitivo, latore di un terzo senso: lascia intravvedere presenze remote dietro le ombre degli oggetti, che aiutano a ritrovare “la memoria del mondo” in chiave archetipica.

Qual è il segreto della fortuna dell’opera di Tàpies, della sua popolarità immensa anche fuori dall’ambito del mondo dell’arte strettamente inteso, quale la “formula” dell’allargata popolarità di un’artista che non fa un’arte facile, d’immediata lettura?

Tapies - Tassa blanca - 1985 (smalto su lava)

Io credo stia nella poesia di quella materia inseparabile dai segni che sempre si accampa e prende corpo nell’opera di Tàpies, nei suoi “muri” come nei dipinti solcati da tracce, impronte, fori, scritture, croci e simboli, corde e pezzi di cartone, fori e scrostamenti, come pure nelle sue sculture che assemblano sedie, armadi, stracci, rete metallica ed altri oggetti imprevedibili, dando vita ad un “materialismo lirico” che suscita infinite emozioni e riecheggiamenti interiori nel riguardante.

Se “materia e tempo” sono due categorie essenziali per leggere e comprendere almeno un po’ l’opera  di questo poliedrico artista, altri due concetti ne articolano il linguaggio: il “muro” ( che Antoni si porta appresso dalla nascita, in quel cognome, Tàpies, che in catalano significa appunto “muro”) e la “texture”, ovvero la trama, la grana stessa delle sue opere, quella realtà che non è né colore né forma, ma è matrice di entrambi e di entrambi determina le condizioni di possibilità.

Una scultura e due dipinti di Tapies al MARCA

L’informale di Tàpies dunque non privilegia il colore né da il primato alla forma in chiave analitico -geometrica, ma segue una terza via, un’alternativa originale e personalissima, quella della trama, rete ammaliante di segni ed incisioni, che va a ridefinire il concetto di spazio secondo una “spazialità inquieta”, in tensione verso uno spazio che è materia sedimentata, spazio-tempo stratificato, percorso da tracce, lacune e rattoppi, lettere e segni che ne fanno una materia significante, ben diversa dalla yle bruta ed inerte di cui si serve il demiurgo di Platone.

Ombra, riflesso, eco, traccia, impronta, la lettera TAU (la T iniziale del suo cognome, ma anche la stilizzazione del signum crucis, simbolo universale): sono tutti segni che conducono a Tàpies, alle sue opere e alle sue riflessioni sull’arte, sulla solitudine dell’artefice-creatore, sull’onestà intellettuale di chi fa arte.

Tapies - Campana -1989 (vernice e pittura su tela)

Una riflessione teorica, quella di Tàpies, che non si sottrae ad argomenti scomodi, come il rapporto tra arte e politica, e che sottolinea in tutti i contesti la necessità della libertà per ogni creazione artistica degna di questo nome. “L’artista - egli scrive - per il suo lavoro ha bisogno della liberta propria di ogni concentrazione, di ogni contemplazione. Ha bisogno di isolamento, (…) di sicurezza materiale; ha bisogno di raccoglimento e di libertà”.

L’artista è - nell’ottica del grande catalano -un ricercatore solitario che trova l’arte nella sperimentazione diretta, quotidiana: “l’artista deve inventare tutto, deve lanciarsi a corpo morto nell’ignoto, rigettando qualsiasi pregiudizio, ivi compreso (…) lo studio delle tecniche e l’impiego dei materiali considerati tradizionali”, e proprio “quando il creatore si spoglia di ogni pregiudizio estetico (…) qui l’artista entra veramente in scena”.

Sale espositive all'interno del MARCA

DUE PAROLE sul MARCA:

Il MARCA, Museo delle Arti Catanzaro, è nato nel marzo 2008. Lo spazio espositivo, voluto dalla Provincia di Catanzaro, si colloca nel cuore storico della città e occupa gli spazi di un antico palazzo d’inizio Novecento, recuperato e restaurato ad hoc. Il nuovo Museo d’Arte Moderna e Contemporanea- inaugurato nel 2008 - ha scelto l’agile e memorizzabile acronimo di Marca.

E’ frutto di un progetto grande e ambizioso voluto dalla Provincia di Catanzaro, uno di quei casi felici in cui si unisce l’intervento conservativo di un vasto patrimonio d’arte del passato con l’esigenza di apertura al contemporaneo, grazie ad esposizioni temporanee in successione. Al pianterreno è allestita la Pinacoteca e Gipsoteca con circa 120 opere tra dipinti e sculture, una collezione permanente che va dal XVI al XX secolo, dalla splendida tavola di Antonello de Saliba, a Battistello Caracciolo, Mattia Preti, Salvator Rosa e Andrea Sacchi, mentre al primo piano sono state esposte la collezione Rotella, il più celebre degli artisti catanzaresi,  poi la mostra di Alex Katz, ed ora quella di Antoni Tàpies. Il seminterrato ospita il centro polivalente di cultura contemporanea, sede del progetto Archeologia del presente, a cura del direttore artistico del museo, Sergio Risaliti.

Il MARCA è dunque un centro delle arti (al plurale!) dove si possono incontrare esperienze di ogni epoca in una convivenza di stili e di linguaggi.

Il Palazzo sede del MARCA di Catanzaro

MARCA è un polo museale multifunzionale dove possono convivere momenti artistici diversi dall’arte antica al linguaggio contemporaneo, espresso in tutte le sue forme.

L’intero complesso di oltre mille metri quadrati, su tre livelli, è stato articolato in base ad una serie di obiettivi che lo rende un’esperienza unica: valorizzare l’importante raccolta di dipinti e sculture dal ‘600 alla fine dell”800 proveniente dal territorio catanzarese, realizzare grandi progetti coinvolgendo i maggiori protagonisti della scena nazionale e internazionale, promuovere l’arte contemporanea nelle sue differenti declinazioni.

Il MARCA non è solo una prestigiosa sede museale ma, in base agli intendimenti della Provincia di Catanzaro, vuole essere un luogo di produzione di arte e cultura, all’interno del quale dialogano architettura e design, musica e teatro, cinema e poesia. Ne terremo d’occhio le iniziative e ve le segnaleremo!

 Museo MARCA

Via Alessandro Turco, 63 - Catanzaro

www.museomarca.com

Galactica

Ho conosciuto Sophie alcuni anni fa per caso, alla libreria Brentano’s di Parigi, dove ho consultato e acquistato in seguito il suo libro “Patchwork, Formes et Coleurs”.

Ci siamo incontrate nuovamente in occasione di mostre internazionali ed ora vorrei farvela conoscere insieme alle sue opere.

Faces

Sophie, fin da bambina è portata per il cucito e in lei si  intravede già la “fibra” artistica. Dopo una formazione in Arte Plastica e nel cucito e uno spiccato gusto per il colore e i materiali, le sue ricerche la conducono per caso nel 1995 al patchwork contemporaneo.

Ella manipola tessuti come il satin la seta, tessuti plissés, velluti e damaschi……l’importante è che siano luminosi e sgargianti.

Sophie ottiene, grazie alla manipolazione di questi tessuti,  effetti particolari,  riflessi e valori che non era mai riuscita a rendere con i colori nei suoi quadri.

La sua creatività unita alla sua sensibilità la spingono verso l’arte contemporanea e la proiettano, in breve tempo, sulla scena internazionale, ottiene il primo premio a Saint - Marie - aux -  Mines au “Carrefour Européen du Patchwork”, con la sua opera ”Malachite et Azurite”, creando il primo patchwork ricamato. Viene selezionata a numerosi concorsi in Giappone, USA, Europa e scrive il suo libro “Patchwork, Formes et Couleurs”.

Bozzetto per l'opera Faces

Bulles

Dopo dieci anni di esperienza nell’  assemblaggio dei quadrati di tessuto e di esposizioni internazionali , Sophie sente il desiderio di andare “oltre”, di evidenziare le sue qualità artistiche con delle composizioni più libere. Si orienta verso l’arte tessile alla ricerca di nuovi materiali da introdurre nelle sue opere, contemporaneamente, ella disegna, dipinge, ricama a mano libera con la sua macchina per cucire.

Volutes

Ella si dirige, passo dopo passo, verso l’arte tessile, ricercando nuovi materiali e textures. Utilizza tessuti, che una volta fusi, bucati,strappati l’ispirano, grazie al loro nuovo aspetto,  per delle creazioni più elaborate e innovative.

Nacres

Veste en daim

Sophie crea la sua linea di abbigliamento composta esclusivamente da pezzi unici e creazioni artistiche.

Ella, molto timida fino a questo momento, inizia a prendere confidenza con sè stessa: organizza stages in Francia, contribuendo a sviluppare nuove tecniche (fibra Angelina, ferro per saldare….) in Francia e in Europa,  che la stimolano e la portano ad una crescita personale. Sophie è una pittrice che dipinge con i tessuti e disegna con la macchina per cucire.

Le sue opere sono pubblicate in tutte le riviste di Patchwork e di Arte Tessile edite in Francia, UK, et USA.

Bouquet

Ecco quali sono le fasi di realizzazione di un progetto di Sophie: l’opera viene prima svilluppata  su carta in un piccolo formato, l’artista , disegna elabora una gamma di tonalità, dipinge. Quindi si dedica alla ricerca delle tecniche di manipolazione dei tessuti  necessarie al fine di ottimizzare gli effetti dei colori e delle textures. Sophie utilizza soprattutto tessuti lavorati, intrecciati, materie innovative, insolite, scopre nuovi procedimenti, nuove applicazioni possiamo dire che si tratta di una vera e propria sperimentazione . E’ questa la fase della realizzazione del progetto in cui ella si sente veramente realizzata e a suo agio.

Bozzetto per l'opera Vague

Sophie, mentre crea, ascolta musica che la ispira: sono melodie dolci,  ma anche potenti e vibranti. Il suo piccolo atelier è pieno di tessuti multicolori, fili di lana da lavorare a ferri, lana cardata, pizzi, perle, pitture……….

Nella sua libreria trovano posto i suoi maestri: Delaunay, Kandinsky, Matisse, ma anche Franz Marc.

Vague

Sophie vive a Parigi e qui la sua anima d’artista, può evolversi più facilmente.

Sophie organizza stages di creazioni riguardanti l’ apprendimento delle sue tecniche personali e innovative compresa  la realizzazione di abiti,  in Europa, nelle principali fiere e nelle grandi associazioni.

Chi volesse seguire un corso di Sophie in Italia e ammirare le sue opere, potrà trovarla all’Hobby Show di milano dal 26 al 28 Marzo 2010.

www.sophiefurbeyre.com

Si tratta della prima tappa di un itinerario che poi porterà le opere esposte in Francia e in Grecia. Artisti di fama internazionale sono stati chiamati a interpretare, con alcune opere inedite, l’isola mai trovata, cercata attraverso una navigazione infinita - pervasa anche dall’incertezza se davvero quell’isola esista, corrosa dal dubbio che l’approdo possa essere in realtà un non luogo, un’utopia, un semplice territorio del desiderio, un traguardo irraggiungibile. L’interpretazione, che ciascun artista dà nel linguaggio che gli è proprio, di quest’isola -  “personale” o collettiva - ha generato opere straordinarie (molte sono inedite, mai viste prima), che ora popolano l’Appartamento del Doge. Installazioni, video, fotografie, sculture, disegni e dipinti conducono il visitatore in un viaggio in cui ogni isola - metafora visiva di una meta ideale, che dà forma alla vita individuale e di interi gruppi, e si pone come obiettivo mai raggiunto di una ricerca senza fine - rimanda ai motivi, alle domande, ai dubbi sul significato stesso dell’esistenza.

Barthelemy Toguo - Road for exil

Curata da Lóránd Hegyi, Direttore Generale del Musée d’Art Moderne di St-Etienne - museo che ospita la seconda collezione più importante di arte moderna di Francia - e da Katarina Koskina, Presidente del Museo di Stato di Arte Contemporanea di Salonicco, l’esposizione approderà ben presto, s’è detto, in altri Paesi europei: Francia, Grecia e Spagna, nei quali viva è l’attesa per un’evento espositivo che ha i connotati dell’attualità. Alcuni artisti - come Barthelemy Toguo in Road for exil, la cui immagine è stata scelta come logo per la mostra - fanno esplicito riferimento alle migrazioni contemporanee e al carico di speranze, risorse umane e fardelli di sofferenze esistenziali che portano con sé.

Gli artisti che partecipano al progetto hanno tutti fama internazionale: Marina Abramovic, Kutluð Ataman, Alice Aycock, Louise Bourgeois, Toni Cragg, Danika Dakic, Latifa Echackch, Jan Fabre, Gloria Friedmann, Carlos Garaicoa, Gilbert & George, Siobhan Hapaska, Ilya Kabakov, Jannis Kounellis, Rebecca Horn, Richard Long, Natsuyuki Nakanishi, Luigi Ontani, Dennis Oppenheim, Orlan, Lucas Samaras, Barthelemy Toguo, Stefanos Tsivopoulos, Costas Tsoclis, Mamoru Tsukada, Gunther Uecker, Lois Weinberger.

La prestigiosa mostra è promossa e organizzata da Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, insieme al Musée d’Art Moderne di St-Etienne e il Museo di Stato di Arte Contemporanea di Salonicco, in collaborazione con Solares Fondazione delle Arti.

In seguito, il 24 e 25 aprile Genova dedicherà un weekend all’arte contemporanea. Per l’occasione sabato 24 aprile, oltre alla mostra “ Isole mai trovate - Islands never found “, 22 gallerie d’arte del circuito START rimarranno aperte dal mattino fino alle ore 23.

Isole mai trovate | Islands never found -

13 marzo - 13 giugno 2010

Genova Palazzo Ducale - Fondazione per la Cultura

Appartamento del Doge

Piazza Matteotti 9 Genova

Orario: da martedi’ a domenica 9/19

Ma ormai non sono più gli ecologisti, gli animalisti, o comunque coloro che sono più legati a questo argomento ad interessarsene: i cambiamenti climatici, il verde urbano, il riciclo, sono tutte tematiche che riguardano da vicino ognuno di noi.

Anche se non siamo degli esperti in materia sappiamo tutti a cosa ci si riferisce quando si parla di effetto serra, di cambiamenti climatici, di sprechi, disboscamenti,…

Questo tema è ancora caldo, perchè i passi da fare sono ancora molti. Non sono qui per impartire una lezione sul verde o per enumerare le 10 regole d’oro per essere degli ecologisti perfetti: anche io rientro infatti nella categoria di “quelli che ne hanno sentito parlare, anche molto, ma lungi da esserne degli esperti”.

Volevo però mostrarvi alcune soluzioni di design riguardanti questo tema. Il design è da molti anni che si occupa di ecologia e le soluzioni sono molto varie. Esistono infatti prodotti che vengono modellati con materiali ecologici (a basso impatto ecologico, se non addirittura biodegradabili), per arrivare a prodotti, il cui pensiero alla base è molto più complesso e ricercato, che cercano di cambiare ed indirizzare i comportamenti umani verso un minor spreco di acqua, rifiuti,…

Alcuni esempi riguardano il verde che abbiamo dentro e fuori le nostre case: il design in questo caso ha il compito di invogliare a contornarci di verde, di piante, di natura. Per quanto riguarda le piante da mettere fuori, si hanno esempi da parte di architetti che sempre più spesso propongono intere pareti verdi, coperte da rampicanti e vegetazione.

Ma da qualche anno è stato anche messo a punto un ottimo sistema per costruirsi un orto fai-da-te sul balcone del proprio terrazzo, che si può costruire molto facilmente e che permette di avere sempre dell’insalata fresca a portata si mano, ad impatto zero: parlo dell’orto verticale, che, grazie ad una parete reticolata di fibra di cocco, permette la semina e la coltivazione di piantine da orto.

Per l’interno delle nostre case invece il design si è sbizzarrito nell’elaborare oggetti dalle forme espressive e linee sinuose, in modo da decorare con il verde gli ambienti di casa. Sono stati pensati vasi di ogni foggia, di ogni materiale e colore. Ho trovato molto interessanti una serie di teche che sottolineano l’importanza della biodiversità e della vita in un microsistema attraverso la loro forma a bolla (quasi fosse una bolla protettiva) che avvolge dentro di sè alcune piantine, da esporre in casa come una scultura.

Ma si può anche optare per una soluzione ancora più audace: uno specchio-vaso, in cui specciarsi attraverso le foglie ed i fiori piantati in sezioni oblique che tagliano la superficie riflettente, come se si fosse immersi nella giungla.

Altri prodotti sono invece quelli che ci aiuteranno a diventare degli ecologisti consci che le riserve della natura non sono infinite. Per far sì che ciò accada, bisogna ripensare a tutti i comportamenti abituali ed ai gesti quotidiani che compiamo, in modo che il cambiamento parti dal basso e porti a dei veri cambiamenti. Per farvi capire di cosa sto parlando vi propongo questa geniale (e paradossalmente molto semplice) soluzione per cucinare in modo da non sprecare acqua. Lo scolapasta che viene inserito nella pentola è diviso in due parti, in modo che si possa cucinare in una volta sola (con un minore spreco di energia) due alimenti diversi (con un minore spreco di acqua).

Facile vero? Basta poco per sentirsi più verdi!

Quello che stupisce è che dietro l’analisi partecipata di stati d’anima e moti del cuore, dietro questo ripercorrere - a suon di intermittenze cardiache alla Proust e a prefigurazioni di ciò che potrebbe essere e forse sarà, dietro un discorso indiretto libero che talvolta sfocia nel monologo interiore, ci sia non una navigata scrittrice di romanzi che abbia esperienza e capacità affinata di trattare di sentimenti e di tratteggiare storie d’amore, ma un giovane quasi trentenne al suo romanzo d’esordio.

E’ vero, non è nuovo allo scrivere, ha collaborato con riviste come Inchiostro, Il monocolo, ha collaborato con qualche giornale, ma è qui, in “Quel ciao era già un desiderio” che si mette in gioco come autore, che affronta la prova di una scrittura più impegnativa del racconto o della novella. E’ qui che si cimenta in quello che può passare per un romanzo e che è un po’ diario, un po’ riflessione intima, un po’confessione - a metà tra l’impegnativo modello agostiniano e quello ottocentesco -, un po’ sceneggiatura da film: una narrazione dove il protagonista appare Andrea, ma a guardare bene forse è lei, Linda, ad occupare la scena, o invece, se si prosegue nella lettura e si mette meglio a fuoco, ecco che in primo piano c’è l’amore, il vero e unico protagonista e filo conduttore insieme, l’ “attore” che merita il primo posto nei titoli di coda nella proiezione immaginaria che ci siamo fatti leggendo il libro. E’ lui: “Arriva all’improvviso. Così, senza dire una parola. Non te ne accorgi subito, no. Entra nelle ossa e se ne sta lì. Poi piano si diffonde nel corpo, scivola dappertutto nelle vene e arriva agli occhi. Solo adesso lo vedi. Lo senti che si mischia alle parole, alle dita, alla pelle che pizzica. L’amore è un saluto che fa male. Quando la vedi allontanarsi e sai che non la rivedrai. E ti va di correre di rubare quei pochi metri già chilometri che vi separano”.

E, accanto a questo, comprimaria soffusa presenza, la nebbia, elemento paesistico legato all’ambientazione veneta della storia (l’autore è di Cittadella, Padova). “I pomeriggi si accartocciavano in fitte nebbie padane. La sera arrivava con precisione. Si mangiava quel piccolo bottone di sole senza dire niente. Se ti concentravi troppo su una riga del libro, sul suono del tabacco che brucia, o semplicemente su uno sbadiglio, dalla finestra si vedeva solo lei, la nebbia. Dappertutto. Senza scrupoli. Avvolgeva gli alberi e le persone. Nascondeva le macchine, riempiva gli spazi di silenzio. E nelle strade si vagava.”

Non diciamo di più per nulla togliere al gusto di leggere questo - chiamalo, se vuoi - romanzo, che si legge d’un fiato (sono appena 156 pagine e il libro è di piccolo formato) e lascia un retrogusto dolceamaro di dejà vu, un senso di nostalgia per l’assolutezza dell’esperienza del primo coinvolgimento amoroso.

Per leggere il libro puoi:

1. acquistarlo su internet: www.ibs.it oppure nel sito dell’editore www.campanotto.it

2. acquistarlo in libreria. Lo puoi trovare distribuito nelle librerie seguenti:

Emilia romagna

Bologna, Libreria Trame, via Goito 3/c, 40126, Tel: 051 233333, resp: Nicoletta Maldini, mail: info@libreriatrame.com

Friuli Venezia Giulia

Udine, Libreria Friuli, via dei Rizzani, Tel: 0423 21102

Udine, Libreria Tarantola, via Vittorio Veneto 20, Tel: 0432 50 24 59

Spilimbergo, Libreria Menini, Corso Roma 68, Tel: 0427 2193

Veneto

Verona, Libreria Il Gelso, via Zambelli 4, Tel: 045 591285

Padova, Libreria Pangea, via San Martino e Solferino 106, Tel 049 8764022

Cittadella, Libreria Leggendo, via Verdi 2, Tel: 049 9402125

Cittadella, Libreria Il Gufo, via Garibaldi 57, Tel: 049 5970269

Vicenza, Libreria Galla, corso Palladio 11, Tel: 0444 225200

Vicenza, Libreria Librarsi, contrà delle Morette, Tel: 0444 225280

3. richiederlo in libreria; basta ordinarlo. Le coordinate sono queste:

Alessio Sartore, Quel ciao era già un desiderio, Campanotto Editore, Udine, 2009, 10€

ISBN: 978-88-456-1132-2

Contribuisce inoltre ad alzare moltissimo la tua autostima.

Nel momento in cui sei capace di esprimere te stessa al cento per cento, sei in grado di manifestare apertamente i tuoi sentimenti, i tuoi desideri e i tuoi bisogni. E di ottenere quello che vuoi.

Quante volte, nelle piccole o nelle grandi cose, ti succede di dire di “sì” a qualcosa che vorresti rifiutare e viceversa?

E la frustrazione di non essere stata capace di comunicare quel che vuoi davvero spesso ti pesa molto di più della cosa che ti tocca fare o alla quale hai rinunciato “tuo” malgrado.

Sul lavoro per esempio: quante volte ti è successo di non riuscire a farti avanti per chiedere l’aumento? Oppure di non essere in grado di farti avanti per quell’incarico o quel lavoro che ti interessava tanto e che si è reso disponibile? O di accettare di fare un lavoro che proprio non ti piace?

Con gli amici: non ti è mai capitato di trascorrere la serata in un modo diverso da quel che ti sarebbe piaciuto solo per compiacere gli altri? O di non fare una proposta che ritenevi interessante per timore di offendere qualcuno?

Il tema è che non dici quello che vuoi davvero non per ingenuità, semplicemente perché pensi che in qualche modo il tuo desiderio, quello che senti e quello di cui hai bisogno, è meno importante delle esigenze degli altri e del momento.

In realtà puoi benissimo essere efficace nel comunicare e imparare a dire “sì”e “no” quando lo vuoi dire davvero.

Nel momento in cui entri in possesso di questa abilità, realizzi di non essere dipendente dagli altri, dalla loro volontà e dal loro desiderio - consapevole o inconsapevole - di manipolarti.

Ti prendi la responsabilità di quello che provi e di quello che vuoi e la sottrai agli altri (togliendo loro un potere di cui non hanno diritto e un peso che non meritano).

Come fai ad acquisire questa abilità in modo semplice e veloce?

Ai miei clienti di coaching propongo un metodo in tre passi.

1)      Concentrati sul fatto che manifestare le tue esigenze ed esprimere autenticamente la tua volontà è un atto di rispetto verso te stessa e anche verso gli altri.  La tua forza libera gli altri. Non vi è nulla di cui sentirsi colpevole o di cui avere paura. C’è solo da essere soddisfatta e orgogliosa.

2)      Prenditi - adesso e poi periodicamente e con regolarità - il tempo per chiarirti quali sono le cose davvero importanti per te in ogni ambito della tua vita (lavoro, pofessione, amicizie). Decidi che cosa vuoi assolutamente e quali sono le ragioni autentiche e reali per le quali vuoi ciò che vuoi (compila una lista scritta, con le tue motivazioni più profonde).

3)      Inizia dalle piccole cose. Fin da adesso poni attenzione a quanto senti e a come reagisci ogni volta che devi manifestare la tua volontà su qualcosa e/o ogni volta che ti viene fatta una richiesta o chiesta una opinione. Considera i due passi precedenti e decidi che cosa vuoi davvero che succeda e quali emozioni vuoi provare.

Cordialmente

Ilaria

Un anno fa, esattamente il 10 marzo 2009, i principali indici azionari del vecchio e nuovo continente, ma anche quelli dei cosi detti “paesi emergenti” inclusi quelli dell’area Pacifico, mettevano a segno una performance media del 6% sulla chiusura del giorno precedente.

Era l’inizio dell’inversione di rotta dei mercati! La fine del “bear market”!

La crisi innescata dai mutui subprime con i suoi effetti perversi sul settore delle banche prima, e su tutti gli altri settori della finanza immediatamente di seguito, si arresta, ed i mercati avviano una ripresa tanto decisa e solida, quanto pesante e violenta era stata la precedente fase di calo.

E’ il “bull market” che, seppur con attenuato vigore, sembra resistere ancor oggi.

In un anno da quel 10 marzo 2009, gli indici segnano recuperi inimmaginabili: + 70% lo S&P 500 che è il principale termometro dello stato di salute della finanza mondiale; il Dow Jones, l’indice di Wall Street, mette a segno un + 63%; meglio fa l’indice del settore tecnologico Nasdaq con un + 83%, e non meno bene, con un + 80%, Piazza Affari.

Ma il vero miracolo sembra accadere sulle piazze finanziarie dei paesi emergenti: Brasile e India sono oramai a ridosso dei massimi toccati ante crisi, e continuano a galoppare.

Un dieci marzo che, coincidenza incredibile, si contrappone ad un altro 10 del mese, quello dell’ottobre 2008 che chiudeva la settimana peggiore dal 1933 per l’indice S&P 500. I dodici mesi precedenti a questo 10 ottobre 2008 fatidico, vedono bruciati, sull’onda del panic selling che colpisce tutte le borse mondiali, qualcosa come 25mila miliardi di dollari.

Uno tsunami che ha fatto molte vittime, dalle grandi banche d’affari americane, scomparse dalla scena, ai portafogli di tutti gli investitori, per trasferirsi inevitabilmente alla fine, al mondo dell’economia reale.

E su questo piano – a differenza di quanto avvenuto sui mercati finanziari – la crisi ancora non è finita.

In ogni caso, buon compleanno “Bull Market”!

Vediamo allora come fare:

• attaccate alla valigia un cartellino con nome, cognome, indirizzo e numero di telefono
• usate due valigie piccole piuttosto che una grande: nella valigia mezza vuota gli indumenti ” ballano “
• mettete sul fondo gli oggetti pesanti (libri, scarpe, regali etc. )
• imbottite le scarpe con le calze e mettetele in sacchetti di carta o plastica
• mettete i pantaloni piegati a metà, inserendo tra i due strati qualche indumento per evitare che si formino pieghe
• riponete le giacche rivoltate, con la fodera esterna, rialzando i colli e i risvolti
• piegate accuratamente per il lungo le gonne
• golf e camicie vanno accuratamente abbottonati e con le cerniere chiuse
• gli oggetti fragili come profumi o dopobarba, vanno avvolti in sacchetti di plastica e sigillati
• la biancheria intima che avanza va posta negli eventuali buchi che sono rimasti o lungo i lati della valigia

Se in albergo,  disfando la valigia, scoprite un vestito stropicciato, appendetelo per una mezzora in bagno sopra alla vasca riempita con acqua calda:  il vapore stirerà le pieghe.

Buon viaggio.