Giuseppe Campuzano es filósofo, travesti, activista y autor de uno de los libros más importantes de la historiografía, el arte y la literatura peruana de los últimos años, Museo travesti del Perú (2008). Soy, del diario argentino Página12 conversó con él, aquí, en su casa de Lima.

El libro Museo travesti del Perú (2008) es un libro cuadrado de tapas rosas y páginas a lo largo de las cuales se suceden ilustraciones, textos, recortes de periódicos, viejas ordenanzas virreinales, retratos, crónicas y cronologías.

Una cuádruple página estadística puntúa, hacia el final del libro, las varias condenas de la historia al travestismo, entre 1776 y 2005. El 8 de abril de 1776, Don Agustín de la Encarnación “fue arrestado por los serenos; transferido al Tribunal de la Inquisición de Lima, donde su matrimonio con doña Isabel Fernández de Torres fue anulado”. El 31 de diciembre de 2005, Tatiana fue “desvalijada y golpeada por el Serenazgo de Lima en la cuadra 13 de la avenida Arequipa”.

Pero antes, mucho antes, el veredicto ya había sido formulado. Por ejemplo, en las “Ordenanzas para el Repartimiento de Jayanca, Saña”, firmadas por la Audiencia de Lima en 1566, donde se prescribe que “si algun yndio condujere en abito de yndia o yndia en abito de yndio los dichos alcaldes los prendan y por la primera vez les den çient açotes y los tresquilen publicamente y por la segunda sean atados seis oras a un palo en el tianguez a vista de todos y por la terçera vez con la ynformaçion preso lo remitan al corregidor del ualle o a los alcaldes hordinarios de la Villa de Santiago de Miraflores par que hagan justiçia dellos conforme a derecho” (sic).

No estaba, todavía, establecida la ortografía y apenas si existían las ciudades en América (“descubierta” poco más de sesenta años antes), pero la intolerancia “hacia el continuum del género indígena” y la necesidad de segmentarlo de acuerdo con las tradiciones testamentarias ya era una obsesión del conquistador.

Museo travesti del Perú no es sólo un museo (imposible, como ha señalado Mario Bellatin) del travestismo peruano sino principalmente, y sobre todo, un Museo de Perú entendido como una entidad travesti, desde antes de la Conquista y después de ella.

En “Toda peruanidad es un travestismo”, el prólogo del Museo, Giuseppe Campuzano lo dice con todas las letras: “El Museo travesti del Perú nace de la necesidad de una historia propia –una historia del Perú inédita–, ensayando una arqueología de los maquillajes y una filosofía de los cuerpos, para proponer una elaboración de metáforas más productiva que cualquier catalogación excluyente. Se trata de un ‘museo falso’ (como el apelativo de ‘falsa mujer’ con que este lenguaje maniqueo nos adjetiva). Museo embozado, cuyas máscaras –la artesanía, la fotocopia, la gigantografía, el banner, esos sistemas de producción en masa– no ocultan sino, al contrario, muestran. No camuflan sino travisten”.

El autor

Giuseppe Campuzano es “travesti hasta el nombre”, como él mismo reconoce con una sonrisa: su DNI (que en el Museo él traviste como De Natura Incertus) dice que su nombre es Frank Giuseppe Campuzano Espinoza, y que nació el 14 de septiembre de 1969, pero él sabe que su cuerpo es en realidad una forma de vida atravesado por llamamientos que vienen de tiempos inmemoriales. También de eso da cuenta el Museo: de una “exploración de la propia experiencia del autor”.

Giuseppe tiene ocho hermanos, de los cuales tres viven o vivieron en Lima. Alguna vez pensó que le convenía vivir en los Estados Unidos y se mudó a Virginia. Pero sólo aguantó seis meses y volvió corriendo a su tierra, “aunque mis mejores amigos se han muerto o se han ido afuera”.

En 2003 comenzó la investigación para este libro que es mucho más que un libro. La importancia de Severo Sarduy, reconoce Giuseppe, fue decisiva: “En De dónde son los cantantes está la génesis de este libro, porque allí plantea que las travestis son de Cuba”. En mayo de 2004 hizo la primera muestra de los materiales que iba recopilando: “Al principio fue una cosa muy personal, muy mía. Quería poner un poco en cuestión esta estética que venía de Hollywood, darle un poco la vuelta a la historia del Perú y los cientos de casos de travestismo ritual registrados)”. A lo largo de la investigación, “fui haciendo diferentes exhibiciones en galerías, en la calle, también conferencias e intervenciones más políticas. Por ejemplo, estaban esos carteles sobre ‘la mujer peruana’ con retratos de mujeres sanisidrenses (el distrito financiero de Lima). Yo fui y pegué sobre esos retratos recortes de periódicos ampliados con historias de travestis (asesinatos, arrestos y persecuciones)”.

De eso se trata, de darle la vuelta, al mismo tiempo, al travestismo como práctica y a la Historia del Perú como discurso. De reivindicar el travestismo ritual y las sucesivas castas de hombres-mujeres y sus funciones bien delimitadas en las tribus y ciudades americanas. “Un personaje tendido”, explica Giuseppe a partir de una pieza de alfarería, “luce trenzas, de género femenino, como también taparrabo y rodillera, éstos masculinos. Dicha combinación de características, en el contexto de la iconografía moche, da pie a la tesis de que se trata de un berdache (persona que desempeña un género otro, distinto del femenino o el masculino)”. El berdache, que combinaba atributos masculinos y femeninos, establecía un nexo simbólico con lo mágico. Los cronistas atestiguaron esas prácticas y transformaron a los berdaches y a los chamanes en travestis. Pero, en todo caso, lo que queda, dice Giuseppe, es que “el travestismo es un ritual y tiene una fuerte relación con lo sagrado”. Y precisa: “Fíjate que el 90 por ciento de las travestis son devotas, en una mezcla muy mestiza de catolicismo y chamanismo. Las travestis peruanas tienen incluso su propia santa, Sarita Colonia (aunque la Iglesia no la reconoce como tal)”.

“Mi objetivo”, dice Giuseppe, “fue recuperar todos los sentidos del travestismo: los condenados, pero también los que se les arrebataron”.

El campo y la ciudad

Estamos acostumbrados a considerar el travestismo en contextos urbanos, ligados a una cierta mitología del glamour y del “montaje”. Pero no es la única posibilidad ni aparición (la historia lo revela) del travestismo. Giuseppe insiste: “Incluso los activistas hablan de las travestis de la ciudad y se refieren a una realidad que combina de diferente modo transformismo, prostitución, estilismo y peluquería. Pero existe en los pueblos otra versión del travestismo: hombres casados que hacen de travesti en las fiestas. A diferencia de lo que sucede en las grandes ciudades, en los pueblos las travestis están muy integrados a la sociedad. Ni siquiera podría sostenerse una relación unívoca entre travestismo y homosexualidad”.

Como “somos países muy machistas y militarizados”, dice Giuseppe, “mi premisa fue trabajar ‘conchudamente libre’, mezclando teoría queer con historia del Perú y con las historias de vida de mis amigas travesti”: un enfoque multidisciplinario que revelará todas las aristas del “cuerpo como político” (un pastiche de razas, géneros, situaciones y usos) que permita nada menos que “fundar una nueva nación para un nuevo cuerpo”.

Ameriqueer

“Los políticos que se oponen a la homosexualidad niegan el travestismo en términos históricos, como si no hubiera habido nada antes, pero la historia del travestismo en América es muy rica”, dice Giuseppe, resumiendo lo que se ve y se lee en su Museo. “El travestismo ritual suponía una conexión con la otra cultura, con otra dimensión. Permitía unir dos mundos. Todo eso es muy conocido por la historiografía, pero los textos más queer (no tanto por su perspectiva sino porque ponen en evidencia lo queer de América) no se citan. Incluso hay una distorsión de la historia: Manco Capac, por ejemplo, es una figura fundamental de la política guerrera, pero él no era militar sino un chamán, y que como tal venía de una dinastía de hombres-mujeres.”

Otro caso es el de los huacos, cuyas figuras son presentadas sistemáticamente como “heterosexuales”. De los que no puede sostenerse semejante mistificación, aparecen como “figuras morales”. “Pero los huacos”, dice Giuseppe, “presentan escenas en presente continuo, de modo que son objeto de todas las apropiaciones”.

El museo

¿Por qué no un libro, una historia, un ensayo? La respuesta la da Mario Bellatin, en uno de los textos incluidos en el Museo: “Que alguien se atreva a hacer no un libro sino a crear su propio museo es una misión tan fuera de toda lógica que hace posible que allí se establezca una suerte de hecho sobrenatural. O la aparición del arte, que es algo similar. No hay ninguna condición real para que este museo exista. Para que se decida su creación, su carácter portátil, su forma en libro. Ese es el verdadero milagro. Tangible. Concreto. De bolsillo. Donde se puede concentrar el universo entero a partir de unas cuantas imágenes y de ciertos fragmentos, restos, que siempre estuvieron presentes, pero que nadie pudo detenerse –hacía falta el milagro para que esto sucediera– y contemplarlo en toda la fascinación que su oscuridad luminosa produce. Se trata de un Museo –es que es imposible, insisto, que exista este Museo– donde el horror se instala en la mirada del otro y no en el de sus protagonistas. Es de tal magnitud el espanto que no podemos dejar de sorprendernos a cada momento con una mueca de sonrisa congelada en nuestros rostros. Las imágenes y los textos van evolucionando en su propio pánico hasta convertirnos tal vez en alguno de aquellos hombres que trabajan con la carne muerta que se procesa en esa extraña isla situada, dentro de mis sueños al menos, frente a las costas del sur. Las auras que quedan al final del recorrido saben que lo único que se puede poseer es lo que está llamado a no existir”.

¿No es, en definitiva, el deseo de apropiarse de lo inapropiable? ¿No es como reformular las condiciones de posibilidad mismas de lo viviente, reinventando las genealogías, las líneas de fuga y, sobre todo, disolviendo las identidades? Giuseppe lo reconoce así: “De algún modo, me gusta pensar en mi Museo travesti como un proyecto postidentitario. Dejemos de estar inventado identidades que tienen que ver con el mercado. Si la travesti tuviera una función, debería ser eso: desbaratar, de-sorientar, tirar los clichés y los lugares comunes sobre la sexualidad y el género”.

El futuro

El financiamiento para el libro vino de varias ONG, en particular el Institute of Development Studies. “La repercusión fue muy buena y a partir de la publicación comencé a viajar, llevando el proyecto a diferentes lugares. Ahora tengo un proyecto de un grupo, “Conceptualismo del Sur”, en el marco de los bicentenarios latinoamericanos. Participan varios colectivos, como por ejemplo “Todos somos negros”. Vamos a presentarnos ahora en Bogotá y luego en Madrid. Estoy preparando una pieza para una muestra en Praga, va a ser un “gabinete de curiosidades”, al estilo de los que los exploradores llevaban a los reyes.

El Museo travesti del Perú es una obra en marcha y es, al mismo tiempo, una pieza conceptual, una obra de saber y una intervención política. “Vestir al travesti de museo es darle armas para luchar”, dice Giuseppe. “La ‘vedette’ como ‘soldat’.

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Bruno Gallery acoge dos muestras hasta el 4 de agosto: Colectiva Perú y Arqueología de la Basura de Luis Saray. Aquí te contamos un poco de ambas exposiciones.

“Colectiva Perú”, conformado por Nina Augustsson, Liliana Ávalos, José Gómez, Jaime Higa, Miguel Lescano, Eduardo Tokeshi y Susana Torres, presenta un trabajo en donde se pone en cuestionamiento la unidad de Perú como un arte predefinido, debido a su pluriculturalidad, a su gran cantidad de costumbres y a la división artística que existe entre las regiones. Cada parte del Perú es un universo paralelo con realidades distintas, sin embargo, hay costumbres populares que nos unen.
“Arqueología de la Basura” es la muestra de Luis Saray, artista colombiano quien mediante una exploración por el video-arte con contenidos críticos y lúdicos, esculturas e instalaciones con materiales de desecho, encuentra una problemática en común con el Perú: la contaminación de una “cultura ambiental”.

Saray, actualmente desarrolla desde México el proyecto de arqueología de la basura, que resulta de un estudio y ejercicio de campo, exploración, observación e interacción en diversos territorios.

Para conocer ambos trabajos, acércate a Bruno Gallery, ubicada en la Calle Francia 565b, Miraflores, desde las 5 hasta las 9 p.m. El ingreso es libre.

Ni los hijos ni los padres vienen con manual. Los padres aprenden en este confuso momento, en el que los sentimientos y lo que es lo mejor para sus retoños se cruzan; mientras que los hijos prestos a entregar lo recibido entran en conflicto con sus caprichos.

Agárrate Catalina profundizó en ello y nos trae “Cabeza de avestruz”, un espectáculo de circo y danza en el que se cuestiona el difícil momento de aplicar un castigo y cuál es el límite entre el castigo como una herramienta aceptada socialmente para educar y el castigo físico – humillante infantil- y las consecuencias que este puede traer en el desarrollo, en la relación amical que debería de existir entre padre e hijo y lo difícil que es volver a unir este vínculo cuando se rompe.

Padres perdidos en un laberinto, niños sumergidos en un mundo de ilusión y juego en el que son los protagonistas de la historia. Niños que prematuramente se convierten en los “extras” de la historia. Padres que no encuentran a sus hijos, hijos que no encuentran respuestas.

“Cabeza de avestruz” llega bajo la dirección de Lucía Meléndez Prieto y Miquel de la Rocha con un conocido elenco compuesto por Luis Miguel Belleza, Inés Coronado, Cori Cruz, Margot Lozano,  Augusto Montero, Carlos Olivera, Carola Robles, Miquel de la Rocha y Mónica Silva.
Lugar: Agárrate Catalina! – Jr. 28 de Julio #277, Barranco. (espalda de la biblioteca de Barranco)
Fecha: Desde el 30 de julio hasta el 14 de agosto, de viernes a lunes – 8pm
Entrada adultos: 30 soles
Entrada estudiante y jubilado: 20 soles

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No te puedes perder todo lo que la Feria Internacional del Libro tiene para ti. Aquí te dejamos unas opciones por las cuales asistir.

Mesa Redonda

Brugas Producciones, el Centro Cultural UNMSM y Cuatro Tablas organizan la mesa redonda “Teatro Peruano” en el Auditorio César Vallejo de 4:30 – 5:30 p.m. En esta mesa participan Mario Delgado de Cuatro Tablas, Willy Pinto de Maguey, Edgar Guillén, Mary Soto de Canta Editores, Tomás Temoche y Bruno Ortiz. Para el cierre de la mesa habrá fragmentos de la obra teatral “Arguedas, el suicidio”.

Libros

El grupo planeta organiza la presentación del Manual de la Nueva Gramática de la Lengua Española, evento que cuenta con la participación del presidente de la Academia Peruana de la Lengua, Marco Martos, y el lingüista Dr. Jorge Esquivel, quienes hablarán acerca de la importancia de este trabajo, base fundamental para el buen uso de nuestra lengua. En la sala César Vallejo a las 5.30 p.m.

La editorial Estruendomudo presenta el libro “Álbum de familia” de Gabriela Alemán en el que nos presenta anécdotas y reflexiones vinculadas al acto de narrar, y, a su vez, comentarios que afrontan la complejidad de la memoria más entrañable: la memoria de familia. A las 8.00 p.m. en la sala Blanca Varela.

La Universidad Garcilaso de la Vega realiza la presentación del libro “Miscelánea Humanística” de Marco Aurelio Denegri en la Sala Blanca Varela 7:00 p.m.

Homenaje

La Cámara Peruana del Libro rendirá un Homenaje Literario por su trayectoria como escritor, su vasta producción bibliográfica y su valioso aporte a la vida cultural del Perú a Alonso Cueto. Homenaje en el que participan Iván Thays y Luis Hernán Castañeda. El acto se realizará a las 19:00 horas en el Auditorio César Vallejo.

Concierto
El escenario de la FIL se viste de gala con la presentación del reconocido músico nacional Daniel F y su banda quien cuenta ya con 25 años de carrera musical. La cita es a las 9:30 p.m. en el Auditorio Cesar Vallejo.

Dentro del marco del V Festicirco – Festival de Circo Social de Villa El Salvador, se presentará este viernes 30, sábado 31 y domingo 01, “Mayu”, teatro-circo coproducido por Arena y Esteras de Villa El Salvador y Laisse tes Balles de Francia.

Este es un espectáculo que une clown, malabares, acrobacia, baile tradicional y hip hop, música celta y andina, para hacernos reír y reflexionar sobre la maquinización del hombre moderno y su necesidad de reencontrarse con la naturaleza.

La relación entre los franceses y peruanos circenses nace en el año 2005, cuando ambos grupos  se conocieron en la Convención de Malabaristas de Nantes, hecho que ha traído al grupo francés al Festival de Circo Social de los años 2007, 2008 y 2009, y fue justamente el año pasado que los chicos de Villa El Salvador viajaron a Francia para iniciar el proceso creativo de Mayu.

Mayu es una muestra de lo que el Circo Social puede lograr al poner en escena a jóvenes talentos de los barrios de Lima junto a artistas de otras latitudes, tocando temas críticos de nuestra sociedad en donde hace falta la risa, pero reflexiva y responsable.

La puesta en escena se llevará a cabo en el Teatro de la Alianza Francesa de Lima, Av. Arequipa 4595, Miraflores, los días 30, 31 de julio y 01 de agosto a las 4:00 pm. (Venta en Teleticket).

Y como parte de este compromiso del que nos habla el circo social Mayu, será presentado en la comunidad de Viccos, en Huaraz, dentro del Voluntariado Intercultural que llevará a 20 artistas peruanos y extranjeros del 08 al 15 de agosto a este alejado pueblo del Perú llevando la magia del circo allí donde nunca llega.

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Adaptaciones, versiones caletas y nuevos hits bailables y pegaditos es lo que promete Barrio Calavera este 30 de julio en el Centro Cultural España.

Corría el año 2006 y en un jirón del histórico distrito de Breña un grupo de amigos, entre cervezas, comida y conversación, dieron vida a ‘Barrio Calavera’. Banda que creció bajo la influencia del ska, el punk, la cumbia, la salsa dura y los boleros cantineros. El 2007 trajo el debut y desde entonces no han parado de tocar por cada rincón de la ciudad.

Esta vez el Centro Cultural España los recibe en una noche donde harán una presentación especial con versiones caletas de las clásicas, nuevos temas, una nueva adaptación e invitados especiales como Mr. Lyrico y Zoldia de Fucking Clan, la perla negra del reggae latinoamericano Ysabel Omega y Mauricio Mesones vocalista de Bareto.

No te pierdas esta gran noche donde gozarás más de una hora de skachichanroll y sabor del barrio integrando ritmos, músicos y mejores amigos. La velada empieza a las 7.30 p.m pero se recomienda llegar muchísimo antes  ya que la entrada es libre y el espacio pequeño. La dirección es Natalio Sánchez 181, Plaza Washington.

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La indignación frente las arbitrariedades del fujimorato llevó a un puñado de artistas a expresar su rechazo y a rescatar un símbolo, la bandera del Perú, que había sido secuestrado por aquellos que defendían un gobierno autoritario y excluyente. Sus obras son el reflejo de una época –marcaron a una generación que durante los noventa luchó por una democracia plena– y hoy siguen revelándonos claves de lo que somos como país y lo mucho que nos falta hacer.

Por María Isabel Gonzales

No siempre las protestas se dan en las calles. Diez años atrás un puñado de artistas expresaron su rechazo al régimen de Alberto Fujimori. Ya lo habían hecho antes contra la violencia terrorista y los abusos que las Fuerzas Armadas cometieron. Aquella vez necesitaban expresarse así por una razón sublime, diremos que sagrada: amor a la patria. Eso creen Eduardo Tokeshi y Susana Torres. Con sus diversas formas de presentar a la bandera reafirmaron su peruanidad en tiempos difíciles para todos. Tokeshi, considerado una de las figuras más importantes de las artes visuales contemporáneas en el Perú y en América Latina, trabajó desde 1985 una serie de banderas que en el 2001 conformaron la muestra “Los Signos Mesiánicos” donde aglutinó los momentos más oscuros de nuestra reciente historia. En 1995, Susana Torres, una artista autodidacta, visitaba mercados de Surquillo para comprar tela y armar doce banderas que luego integrarían su primera muestra individual: La Vandera. Pancho Guerra García, también artista plástico de la Católica, creía que era un mandato reflejar lo que sucedía a su alrededor. Y lo que se suponía era un símbolo de aliento, el polo del chorrillano Palacios con la frase “Te amo Perú”, lo convirtió en una señal apocalíptica: “Temo lo peor”. Piero Quijano, conocido ilustrador y pintor de la coyuntura política y social en prensa, también dejó huella. Con sus ilustraciones, en las que asegura no ve ningún mérito porque hacía su trabajo, contribuyó a denunciar desde la prensa escrita los exabruptos del régimen. Piero podía dibujar lo que nadie podía afirmar. Fujimori ladrón, manipulador, asesino y corrupto. Es imposible dejar de mencionar a Fernando Bryce, Eduardo Villanes y Ricardo Wiesse, quienes tampoco dudaron en hacer obras que reflejen un país en emergencia.

Eduardo Tokeshi (Lima, 1960)
Artista plástico

“Frente al desarraigo muchas veces te aferras a un par de colores como un salvavidas”.

Violencia en el interior, migración y apagones en Lima. Uchuraccay en 1983, Accomarca en 1985 y más tarde Tarata en 1992. Eduardo Tokeshi, descendiente de japoneses y criado bajo costumbres orientales, sentía que era momento de marcar una pertenencia con el Perú. Empezó a trabajar una serie de banderas hechas con fardos funerarios que reflejaban el terror de Sendero Luminoso, de sus masacres, de los desaparecidos por las Fuerzas Armadas, de las matanzas y los coches bomba estallando en las calles. “Cada uno tiene, ama y vive su propia idea de bandera, no sé si lavándola, lanzándose con ella al galope o sentándose sin ropa sobre un caballo, el amor en ese caso es un misterio. Para mí era una forma de reafirmarme como peruano”. Para Tokeshi en el contexto que vivía el Perú era necesario que aparezcan imágenes y expresiones que hablen de la realidad y que a la vez conecten al artista y la sociedad con la patria. Asegura que nadie hace arte por obligación sino por el placer de hacerlo y su caso no era diferente. Era una coyuntura muy personal. Su primera bandera envolvía un cuerpo sin nombre víctima de una guerra oscura. En la segunda un fondo de esteras, un marco blanco y rojo y en el medio un cuerpo envuelto en un fardo. Símbolos de los desplazados que escapaban de la violencia en el interior para encontrar la paz en Lima y que al final se encontraron marginados y a su suerte en los conos de la ciudad. Mientras hacía estas banderas Tokeshi sentía que nuestra historia era una gran cortina de humo y hoy, veinte años después, cree que algunas cosas han mejorado pero aún se arrastran cosas del pasado. “Hace poco se me ocurrió la imagen de una próxima bandera, una bandera hecha de miles de naipes, algo así como un castillo inmenso y precioso pero siempre a punto de derrumbarse”, cierra Tokeshi.

Susana Torres (Lima, 1969)
Artista plástica

“Hay más heroísmo en las cosas cotidianas y sencillas que en la parafernalia de un alto cargo”.

En 1995 Susana Torres vivía en Argentina. Por las noches encendía el televisor y veía los noticieros. “Guerra Perú-Ecuador”, decían los titulares. Ese año estaba preparando unos cuadros que tenían como tema las razas y la belleza. Un tema recurrente en Torres, quien siempre reflexiona sobre la identidad y el género. Pero la idea de que su familia estuviera lejos y a merced de un enfrentamiento la llevó a abandonar ese proyecto. Pensó en las consecuencias de una guerra. En todos los que se involucran. Desde el alto mando militar hasta quienes lavan los uniformes de los soldados. Así nació la idea para La Vandera, su primer trabajo individual que además de darle grandes satisfacciones también ha sido la obra que más dolores de cabeza le ha causado. Fueron doce banderas intervenidas por ella misma. Las cosió, las remendó y las bordó. Se fue a la historia del Perú y buscó la bandera de San Martín. Recurrió a las acuarelas que Pancho Fierro hizo de las lavanderas peruanas. Y juntó ambos elementos con un objetivo: “Contar lo heroico de las pequeñas historias. Ver a la lavandera popular, de condiciones humildes haciendo algo por su patria, lavando. Como ellas desde esa acción cotidiana construían un país”, dice Susana. Era su forma de involucrarse con lo que estaba pasando en el país. No se declara una iluminada, la idea de las banderas le llegó después de ver el trabajo de otros artistas como Claudia Coca, Luis García Zapatero y Eduardo Tokeshi. “Todos ellos tenían ya una tradición de la bandera. Me molesta cuando relacionan solo mis banderas al movimiento que se gestó después –Lava la bandera del Colectivo Sociedad Civil–. Eso fue un trabajo de todos porque ya veníamos trabajando en eso”.

Piero Quijano (Lima, 1959)
Pintor e ilustrador

“En un dibujo podía decir lo que muchos periodistas sabían pero no podían confirmar” .

Entre los años 1997 y 2000, Piero colaboró con La República. Según él era muy fácil demostrar su oposición al régimen pues el diario tenía la misma línea en la que creía. “Estaba en contra del chino desde el autogolpe y mi trabajo reflejaba eso. Cogía lo que estaba en el aire y lo llevaba al papel”. Piero no cree que sus ilustraciones de la época hayan tenido algo de meritorias. Era su trabajo y era un privilegio. “Con el dibujo podías decir muchas cosas que los redactores no. El dibujo se convirtió en un espacio libre para contar lo que uno pensaba y también para reflejar lo que la gente sentía”. Entre las decenas de portadas que ilustró para Domingo, las columnas donde puso el dedo en la llaga o los dibujos que fueron parte de La República, hay un billete con la frase: “Banco Central de Reserva del SIN”, otro en que el equipo de prensa de Fujimori infla un globo gigante y uno más donde Vladimiro Montesinos maneja la televisión detrás de una careta. Un trabajo que sin duda llamó la atención de muchos peruanos.

Pancho Guerra García (Lima,1965)
Artista plástico

“Pinté cosas relacionadas con lo que sucedía en el gobierno de Fujimori porque era un mandato moral”.

A Pancho Guerra García no le gusta que lo encasillen. Cuando egresó de la facultad de Arte en 1992 se suponía que debía pintar expresionismo abstracto como los demás, pero él desistió. “Era un estilo de pintura en que la gente podía representar cosas muy suyas. Un mundo interior. Y lo respeto. Pero yo quería reflejar lo que pasaba a mi alrededor así que pinté microbuses”, dice. Esas ganas de representar lo que sucede a su alrededor lo llevó siempre a incluir el escenario político en sus muestras. Uno como el que representaba Alberto Fujimori. “Uno no podía desligarse de eso, pinté cosas relacionadas con el gobierno de Fujimori porque era un mandato moral y para mí eso no era forzar mi arte, no había contradicción. Los artistas tenemos un canal que podemos usar para decir las cosas y ese era el momento de hacerlo”. Así que en su primer individual, “Lima Jardín Horrible”, 1995, cuando Fujimori postula a la presidencia por segunda vez, incluyó una pieza que llamó “La pollada”. Era un pollo carbonizado lleno de ketchup que aludía a la Ley de Amnistía para el Grupo Colina. Y luego en el 97 cuando Perú jugaba por la clasificación al mundial de Francia 98 y el chorrillano Palacios se levantó el polo y mostró el logo: “Te amo Perú”, Pancho no le creyó. “Para mí esos politos eran armados, era como decir, qué lindo es todo, en el Perú no ocurre nada. Era un gol frente a Paraguay, Chorri eres lo máximo, Te amo Perú, y lo que hice fue un juego de palabras. Veía un país en crisis, miedo por todas partes y se me ocurrió la frase Temo lo peor”. Plasmó la idea en una plancha de nordex –similar a la melamina– y la incluyó en su muestra Fútbol, Pasión y Multitudes. Y así como Pancho no duda en participar de lo que sucede en el país también se sumó a la Marcha de los Cuatro Suyos. Ese día se fue el agua en su casa y no se pudo bañar. Pero después de un par de caídas y gases lacrimógenos pensó que nadie lo notaría.

El arte como denuncia política

Eduardo Villanes (Lima, 1967)
Artista Visual

Los restos totalmente carbonizados de los nueve estudiantes y un profesor de la Universidad Nacional Enrique Guzmán y Valle “La Cantuta”, 1992, fueron entregados a sus familiares en cajas de leche Gloria. Para mostrar su indignación el artista Eduardo Villanes tomó como elemento principal dichas cajas en su muestra Gloria Evaporada. Un trabajo multidisplinario que incluía videos e instalaciones. Allí denunció abiertamente la desaparición de civiles a manos del Grupo Colina.
Ricardo Wiesse (Lima, 1954)
Pintor

La intervención del pintor Ricardo Wiesse sobre un cerro de Cieneguilla en 1995 fue sin lugar a dudas una obra polémica para su tiempo. Pintó con 10 kilos de pigmento rojo diez cantutas que recordaban las fosas de los nueve estudiantes y un profesor asesinados por el Grupo Colina en 1992.

Fernando Bryce (Lima, 1965)
Artista plástico

En 1999, Fernando Bryce empezó su obra Atlas Perú. Una serie de 544 dibujos que empezaban con la rebelión aprista de Trujillo en los años treinta y que terminaban con las imágenes del derrocamiento de la dictadura de Fujimori-Montesinos. Este trabajo es fruto de su interés por las imágenes que construyen un país en términos oficiales.

*Tomado de La República

Si hay un nombre en el cine que representa al Perú, ese es Armando Robles Godoy, escritor y director de reconocidas obras como “La muralla verde”, “Espejismo” y “En la selva no hay estrellas”, quien lamentablemente se encuentra muy mal de salud, internado en el Hospital Casimiro Ulloa. Por ello, la ex congresista Elvira De la Puente ha difundido un mail donde pide apoyo para este cineasta que tanto le ha dado a nuestro país.

La cuenta de débito que se ha abierto en el Banco de Crédito es 194-19321064-0-25 y está a nombre de Marcela Robles, hija del cineasta.

A continuación, reproducimos la carta.

Quiero avisarles, lo antes posible, que nuestro queridísimo amigo Armando Robles Godoy, ha sido internado hoy en el “Hospital de Emergencias Casimiro Ulloa”, ubicado en la Av. República de Panamá 6355, San Antonio, Miraflores, para una evaluación médica luego de un atropello que sufrió en días pasados que ha mellado seriamente su salud encontrándose muy delicado.

Estoy segura de que muchos de nosotros querremos hacerle llegar, a través de su familia, nuestras expresiones de cariño, de apoyo y cooperación, tan necesarias en estos difíciles momentos que esperamos Armando supere con la fortaleza que lo ha caracterizado siempre.

Un abrazo,

Elvira de la Puente

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Esta noche la Casa del auxilio presenta su primer disco compilatorio en su ya bien conocido lugar Plaza Bolognesi No. 602.

Botiquín es el primer resumen de un año de música en la casa, el inicio de este disco se dio el día que la casa cumplió un año y lo celebró con un gran concierto. En un primer momento el público propuso 130 bandas de las cuales 30 quedaron como las favoritas y de ellas las primeras ocho fueron las que tocaron en esa mágica noche.

De ese mismo grupo de 30, las siguientes 21 bandas han sido las elegidas para aparecer con lo mejor de su arte en esta placa: Los Protones, Adictos al bidet, Aeropajitas, Barrio Calavera, Las amigas de nadie, Menores de edad, Piloto copiloto, Moldes, El Kalambuco Ensamble, Capoxz beatbox, The psicoxtaticos, The muertos, Vieja skina, Chamanes, Danny Em, 3 al hilo, Chapillacs, Cocaina, Desarme, Plug-plug y la Ira de dios.

Hoy, acompañan la presentación del disco las bandas El Kalambuco Ensamble, Adictos al bidet, The muertos, Vieja skina, Las amigas de nadie, Capoxz beatbox y La Fefa, Melchormalo. Además pondrán la mejor música Dj Voldemort con lo mejor de su música para rbotar, Dj Café con la mejor esencia, Srs. Dj con los mejores éxitos de ayer, hoy y siempre  y Dj Malanga con lo más chévere de la salsa necia.

Asimismo habrá una exposición gráfica del mutante dibujante Jorge Pérez Rubial.

La entrada cuesta 8 soles y se les regalará un disco a las primeras 200 personas en llegar. La cerveza a 6 soles y el pisco a 4. Ya sabes, hoy a partir de las 9.30 p.m.

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Por Fiestas Patrias, hoy se estrena en el Teatro Mario Vargas Llosa de la Biblioteca Nacional del Perú la comedia romántica “El Celular de un hombre muerto” presentada por La Asociación Cultural Plan 9, dirigida por Giovanni Ciccia y David Carrillo, con el patrocinio de la Fundación BBVA Banco Continental, AFP Horizonte y Rímac Seguros,

Gordon ha muerto, pero su celular sigue vivo. Jean un día, mientras está en su propio mundo tomando un café, en la mesa de al lado un celular suena y lo contesta, así esta mujer entra en contacto con la familia y se ve envuelta en el mundo del fallecido hombre dueño del celular teniendo que lidiar con la muerte por un lado y por el otro, con el amor.

En esta comedia la mujer se enfrenta a sus conceptos de la moralidad, la redención y la necesidad de conectarse con otros seres humanos dentro de un mundo obsesionado por la tecnología.

Escrita por Sarah Ruhl, una de las dramaturgas más interesantes y aplaudidas de los últimos años, esta puesta resucitará entre el público la esperanza de encontrar siempre algo mejor dentro de nosotros y en las otras personas, sencillamente conectándose de verdad.

Con las actuaciones de Vanessa Saba, Óscar López Arias, Bertha Pancorvo, Daniela Sarfaty, Gerardo García y Giselle Collao, “El Celular de un Hombre Muerto” es una obra llena de humor negro y mucha sensibilidad que nos hará reflexionar sobre el estrecho límite entre lo privado y lo público, y la obsesión actual por estar cada vez más comunicados.

Las funciones van de jueves a domingo a las 8:00 p,m.  y los precios son : S/.40 (general platea), S/.20 (jubilados y estudiantes) y S/.15 (mezzanine). Jueves populares (S/.15). Puedes adquirir tus entradas en  Teleticket de Wong y Metro y la boletería del Teatro Mario Vargas Llosa – BNP (Av. de la Poesía 160, San Borja – entre Aviación con Javier Prado Este).

Aquí un video gracias a ‘El Comercio’.

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