Silencio, se rueda

'The Invitation' abre la XIII Muestra Syfy y la esperada 'High Rise' pondrá el broche

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Thu, 25 Feb 2016 09:54:00 +0000

JUEVES 3 DE MARZO
- The Invitation (preestreno)
VIERNES 4 DE MARZO
- Villmark Asylum
- Nina Forever
- The Green Inferno
- Dentro del Laberinto
- Vulcania
- Parasyte
(sesión golfa)
SÁBADO 5 DE MARZO
- El niño y el mundo
(SyFy Kids, matinal)
- La chica satélite y el chico vaca (SyFy Kids)
- The Piper
- Listening
- The Mind’s Eye
- Buffy Cazavampiros. Una vez más, con sentimiento
- Bone Tomahawk
- Generation Z (sesión golfa)
DOMINGO 6 DE MARZO
- Nicky, la aprendiz de bruja / 2014 (SyFy Kids, matinal)
- Demon
- Dark Star (documental)
- Absolutamente Todo
- High Rise

Más de 20 sesiones de una selección del mejor cine de género se podrán ver en Madrid durante los cuatro días de la Muestra.
Un cartel que se completa con títulos como Bone Tomahawk, Absolutamente Todo, The Green Inferno, The Piper o la española Vulcania.

Nota de prensa.- La décimo tercera Muestra Syfy de Cine Fantástico se inaugurará el próximo jueves 3 de marzo con la proyección de la cinta The Invitation, premio a la mejor película en el pasado Festival de Sitges. El evento, que mueve su sede al Cine de la Prensa de Madrid, se cerrará el domingo 6 con la película británica High Rise.

Más de 20 sesiones de una selección del mejor cine de género se podrán ver en Madrid durante los cuatro días de la Muestra, un cartel que se completa con títulos como Bone Tomahawk, Absolutamente Todo, The Green Inferno, The Piper o la española Vulcania. La actriz Leticia Dolera, presentadora de la Muestra, dará el pistoletazo de salida a cuatro días intensos de cine el jueves con The invitation, un inquietante thriller dirigido por Karyn Kusama y protagonizado por Logan Marshall-Green, Tammy Blanchard, Michiel Huisman y John Carroll Lynch. La película, aclamada por la crítica, se alzó con el máximo galardón de la más reciente edición del Festival de Sitges.

Fotograma de The Invitation.

El viernes, la jornada arrancará a primera hora de la tarde con Villmark Asylum, secuela de la cinta noruega de 2003 que marcó un hito en el género de terror proveniente del norte de Europa. Le seguirán Nina Forever, con su peculiar trío amoroso que combina vísceras y humor, y The Green Inferno, la incursión del actor y director Eli Roth en el mundo del canibalismo.

Buena parte del equipo de la española Vulcania estará en la Muestra el viernes por la noche para presentar su película, que ese mismo fin de semana se estrena en cines. Ópera prima del director José Skaf, cuenta con un reparto enca bezado por Aura Garrido, en el que también aparecen Jose Sacristán, Rubén Ochandiano, Ginés García Millán y Silvia Abril.

Fotograma de Vulcania.

Fotograma de Bone Tomahawk.

El sábado, el mito del flautista de Hamelín en versión coreana The Piper abre la jornada de tarde, que se completa con Listening, debut en la dirección del italiano Giacomo Martelli que fantasea sobre la posibilidad de crear un dispositivo que lea las mentes humanas, y The Mind’s Eye, que bucea en la infinita capacidad del cerebro humano y el peligro de su manipulación. El plato fuerte de la noche será Bone Tomahawk, un western de terror sin prejuicios protagonizado por Kurt Russell y Matthew Fox.

Fotograma de Listening.

Fotograma de High Rise.

Tanto el viernes como el sábado, la Muestra amplía horario hasta la madrugada. Parasyte, la primera parte de este díptico de ciencia ficción japonesa, y Generation Z, o cómo mezclar zombies y dinosaurios, son las propuestas para las sesiones golfas. El domingo, Demon, moderna adaptación de la leyenda del dybbuk judío, Jeruzalem, que también da una vuelta de tuerca a pesadillas bíblicas, y la comedia fantástica de origen británico Absolutamente Todo cierran la edición de este año, que tendrá como título de clausura la muy esperada High Rise, un brillante relato post apocalíptico con un espectacular reparto encabezado por Tom Hiddleston, Sienna Miller, Jeremy Irons, Luke Evans, Elisabeth Moss y James Purefoy.

Syfy KidsEl niño y el mundo, nominada a mejor película de animación en la próxima edición de los Oscar, es el título más destacado de Syfy Kids, la sección que acoge películas para los más pequeños y que este año ampliará sesiones. A esta matinal se unirá una sesión de tarde el mismo sábado con la película La chica satélite y el chico vaca, premio a la mejor película de animación en la edición de 2014 del Festival de Sitges. El domingo, la matinal acogerá la proyección de Nicky, la aprendiz de bruja, una historia de imagen real basada en la novela que inspiró el clásico de Miyazaki.

Fotograma de Nicky, la aprendiz de bruja.

Fotograma de El niño y el mundo.

Homenaje a Bowie Como ya hizo el canal semanas atrás, la Muestra Syfy también rendirá su pequeño homenaje al recientemente fallecido David Bowie, con la proyección de la película Dentro del laberinto (V.O.S.), en una sesión gratuita de tarde el viernes 4.

Bowie, en Dentro del Laberinto.

Imagen del documental Dark Star.

El domingo a las seis, también con entrada libre hasta completar aforo, la Muestra proyectará Dark Star, un exhaustivo documental sobre el trabajo del ilustrador suizo Hansruedi Giger, que abrió las puertas de su taller poco antes de morir para mostrar cómo su desbordante imaginación creó algunas de las criaturas más temibles del cine, incluido el Alien.

Buffy Cazavampiros, en pantalla grande

Buffy Cazavampiros, una serie de culto.

La Muestra acogerá también una proyección muy especial, la del capítulo musical de la serie Buffy Cazavampiros Una vez más, con sentimiento (Once More, with Feeling). Los fans de la serie, que se está reponiendo al completo y en HD de lunes a viernes en las tardes del canal Syfy, podrán disfrutar en pantalla grande de este popular episodio el sábado 5 a las 20 horas. La entrada será gratuita hasta completar aforo.

La serie, considerada en su inicio como un mero entretenimiento para adolescentes, fue ganando con sus episodios hasta convertirse en un título imprescindible del género, adorado por los fans y respetada por la crítica. Su creador, Joss Whedon, es otra de las estrellas más rutilantes del género, responsable de títulos como las series Ángel o Firefly, y director y guionista de la película Los Vengadores y su secuela, Vengadores: La era de Ultrón.

Platillos Volantes:
las tapas según la Muestra Syfy La Muestra Syfy también ha llegado este año a un acuerdo con AMER (Asociación Madrileña de Empresas de Restauración) para inundar los bares y restaurantes de fantasía y ciencia ficción en estos días de cine. Los establecimientos que se han sumado a la iniciativa propondrán a sus clientes tapas creadas para la ocasión, inspiradas en los personajes y las películas que han hecho historia en el cine de género. La lista de establecimientos participantes podrá consultarse en la página web oficial de la Muestra (www.syfy.es/muestra).

Bonos y entradas En esta edición, al igual que en la anterior, los bonos para todas las sesiones tendrán un precio de 40 euros, y 4 euros las entradas individuales, con la única excepción de la sesión inaugural, a la que sólo se podrá acceder por invitación o con el bono. Una parte del aforo de la sesión infantil de Syfy Kids se pondrá también a la venta, por un precio de 3 euros por persona.

Syfy, el canal temático de la imaginación y la fantasía producido por Universal Networks International, colabora de nuevo con Versus Entertainment para llevar al público el mejor cine de género fantástico, tan presente en el canal, haciendo posible un acontecimiento único en el panorama cultural madrileño.

Presentación 13ª Muestra Syfy
Así fue el evento de presentación de la 13ª Muestra Syfy, con preestreno de La Bruja y Leticia Dolera de maestra de ceremonias. En dos semanas llega la Muestra. Muy pronto, la programación completa y abonos. Más información en nuestra web.
Posted by Syfy España on viernes, 19 de febrero de 2016

Los espectadores podrán ir conociendo más información sobre Syfy y la Muestra en la página web de Syfy, www.syfy.es/muestra, además de en la página de Facebook del canal facebook.com/SyfySpain y el twitter @Syfy_Spain con la etiqueta #MuestraSyfy. Syfy está disponible en los principales operadores de televisión de pago de España como Canal +, ONO, Movistar Imagenio, R y Euskaltel, entre otros.

La familia Bélier / Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Sun, 19 Jul 2015 11:18:00 +0000

Título: La famille Bélier
Dirección: Eric Lartigau.
País: Francia.
Año: 2014.
VALORACIÓN (1/10): 8
[+/-] Ver más/menos Duración: 105 min.
Género: Comedia dramática
Reparto: Louane Emera, Karin Viard, François Damiens, Luca Gelberg, Roxane Duran, Eric Elmosnino, Ilian Bergala, Clémence Lassalas, Bruno Gomila, Mar Sodupe.
Guión: Victoria Bedos, Thomas Bidegain, Eric Lartigau
Fotografía: Romain Winding
Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine
Productora: Jerico / Mars Films / France 2 Cinéma

'La familia Bélier': personajes entrañables, música, silencios y muy buen rollo.
'Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?': comedia endiablamente divertida con moraleja.

Talento galo Siempre habrá un cine sustentado por la fuerza de un relato, la empatía con sus personajes o la humanidad de su historia. Y siempre habrá espectadores para estas propuestas, cuya calidad y recomendación vía boca a boca ensanchan su distribución más allá de sus fronteras de origen. Los franceses suelen exportar con frecuencia sus películas. Su cinematografía está plenamente consolidada y cuenta con músculo financiero para grandes producciones, pero sus triunfos allende los Alpes se corresponden más con el cine del que hablaba al comienzo. Un cine reivindicable en dos propuestas como la desternillante Díos mío, ¿pero qué te hemos hecho? y la estupenda La familia Bélier.

La familia Bélier
(2014, Eric Lartigau) Cine indie, dramedia o etiquetas similares encajan con esta cinta que es, sencillamente, espléndida, de las que a uno le dejan un buen sabor de boca a la salida de la sala. Un presupuesto comedido no resta un ápice de calidad al filme de Lartigau, sostenido por un reparto desconocido pero brillante en la interpretación y, sobre todo, por un guión modélico. Su historia es la de una familia atípica formada por dos padres y un hijo adolescente sordomudos, además de Paula, la hija mayor, única de los cuatro con voz e intérprete para cuestiones relativas a la empresa familiar. Viven de los productos obtenidos en su granja en una población rural. Además de presentar situaciones cómicas a costa de los equívocos en las traducciones, la película propone una bonita historia acerca de las encrucijadas de la vida, de las elecciones o renuncias que debemos hacer. En suma: personajes entrañables, música, silencios y muy buen rollo.

Trailer de 'La familia Bélier'.

Título: Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?
Dirección:Philippe de Chauveron.
País: Francia.
Año: 2014.
VALORACIÓN (1/10): 8
[+/-] Ver más/menos Duración: 97 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Christian Clavier, Chantal Lauby, Ary Abittan, Medi Sadoun, Frédérique Bel.
Guion: Philippe de Chauveron y Guy Laurent.
Producción: Romain Rojtman.
Música: Marc Chouarain.
Fotografía: Vincent Mathias.
Montaje: Sandro Lavezzi.
Distribuidora: A Contracorrient Films.
Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?
(2014, Philippe de Chauveron)
La cinta de Chauveron, ya en distribución fuera de salas, basó su atronador éxito en reírse a mandíbula batiente de estereotipos o prejuicios étnicos y raciales. El hilo conductor del relato son las continuas decepciones sufridas por el personaje del veterano cómico Christian Clavier: un padre ilusionado con una boda tradicional para alguna de sus cuatro hijas. Tanto él como su esposa, tan patriotas franceses como católicos tradicionales, sueñan con la típica boda, pero, una tras otra, cada una de ellas decepcionará sus expectativas con parejas alejadas de su ideal. La cinta es una concatenación de brillantes gags cuyo propósito principal, el de hacer reír, cubre con creces, además de tender puentes entre razas, culturas y credos para evidenciar que, en el fondo, no somos tan distintos unos de otros. Una comedia endiablamente divertida con una moraleja muy conveniente para nuestras sociedades multiculturales.

Trailer de 'Díos mío, ¿pero qué te
hemos hecho?'

Vengadores: La era de Ultrón

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Wed, 13 May 2015 13:16:00 +0000

Título: Vengadores: La era de Ultrón.
Dirección: Joss Whedon.
País: USA.
Año: 2015.
VALORACIÓN (1/10): 7
[+/-] Ver más/menos

Duración: 141 min.
Género: Acción, ciencia-ficción, fantástico.
Reparto: Robert Downey Jr. (Tony Stark / Iron Man), Chris Hemsworth (Thor), Mark Ruffalo (Bruce Banner / Hulk), Chris Evans (Steve Rogers / Capitán América), Scarlett Johansson (Natasha Romanoff / Viuda Negra), Jeremy Renner (Clint Barton / Ojo de Halcón), James Spader (voz de Ultrón), Samuel L. Jackson (Nick Furia).
Guión: Joss Whedon, basado en los personajes creados por Stan Lee y Jack Kirby.
Distribuidora: The Walt Disney Company Spain.
Estreno en España: 30 Abril 2015.
No recomendada para menores de 7 años.

Una nueva cinta que no sorprenderá tanto como su predecesora pero tampoco la mancilla a la hora de ofrecer un entretenido y espectacular relato de superhéroes.
Tiende puentes argumentales para la serie de películas venideras de Marvel Studios.

El matiz humano

Guionista de cómic y devoto del universo 'marveliano', Joss Whedon cierra sus adaptaciones de Los Vengadores con un trabajo aseado, visualmente espectacular y continuista con su primera gran entrega. Sin el novedoso atributo de ésta, cuyo principal atractivo era la inédita reunión de un puñado de superhéroes con historias ya vistas antes en la gran pantalla (Hulk, Iron Man, Capitán América y Thor, además de Loki), Whedon tenía ante sí varios retos en Los Vengadores: La era de ultrón.

Una de las mejores secuencias del filme con todos los héroes luchando juntos.

Además de mejorar o reeditar éxito comercial, debía retomar el relato de unos personajes con continuaciones en sus historias particulares (tras Los Vengadores (2012) se estrenaron las secuelas Iron Man 3 (2013), Thor: El mundo oscuro (2013) y, en 2014, Capitán América: Soldado de Invierno), actualizarlo, volver a construir otra potente historia con un antagonista (Ultrón) a la altura de esta heterogénea pandilla de héroes e, incluso, tender puentes argumentales para la serie de películas venideras de Marvel Studios incluidas dentro de la denominada ‘Fase 3’. Esta nueva hornada de proyectos ofrecerá nuevas películas del Capitán América, de Guardines de la Galaxia, de Spider-Man, ya plenamente integrado en el universo Marvel tras el acuerdo entre ésta y Sony, y de Thor, culminando todas estas propuestas con una doble nueva entrega de Los Vengadores prevista para 2018 y 2019 con un argumento asentado sobre la célebre saga de tebeos titulados ‘Civil War’.

Con tanto objetivo por cubrir por parte de Whedon, el reto al que se enfrentaba era mayúsculo y, en general, se puede considerar la misión cumplida e, incluso, manteniendo algunas señas de identidad propias de este guionista metido a realizador. Porque el creador de Buffy cazavampiros es consciente de que el éxito de estos héroes radica en su capacidad para empatizar con su parte humana y con la humanidad a la que protegen. Ese matiz humano, en el que las emociones y la imperfección se dan la mano, vuelve a ser el banderín de enganche con el público de esta nueva reunión de héroes tan distintos y dispares unidos para la defensa del planeta. De ahí, ese cachondeo dentro del grupo no siempre bien resuelto con chistes agudos o esos primeros enfrentamientos entre el Capitán Ameríca y Tony Stark/Iron Man a la hora de liderar.

Trailer de 'Vengadores: era de Ultrón'.

En suma, una nueva cinta que no sorprenderá tanto como su predecesora pero tampoco la mancilla a la hora de ofrecer un entretenido y espectacular relato de superhéroes. Uno más, sí, y ya van unos cuantos. Y es que las historias de superhéroes, esas que de niños espoleaban nuestra imaginación, tienen ahora una vigencia y alcance sin precedentes.

[+] La Marvel lo tiene claro: el cine es el futuro

Kingsman. Servicio Secreto

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Fri, 17 Apr 2015 13:41:00 +0000

Título: Kingsman: Servicio Secreto.
Dirección: Matthew Vaughn.
País: Reino Unido.
Año: 2014.
VALORACIÓN (1/10): 8
[+/-] Ver más/menos

Duración: 129 min.
Género: Acción, comedia.
Interpretación: Colin Firth (Harry Hart), Samuel L. Jackson (Richard Valentine), Michael Caine (Arthur), Mark Strong (Merlin), Taron Egerton (Gary “Eggsy” Price), Sofia Boutella (Gazelle), Sophie Cookson (Roxy).
Guion: Matthew Vaughn y Jane Goldman; basado en la novela gráfica de Mark Millar y Dave Gibbons.
Producción: Matthew Vaughn, David Reid, Adam Bohling.
Música: Henry Jackman y Matthew Margeson.
Distribuidora: Hispano Foxfilm.
Estreno en España: 27 Febrero 2015.
No recomendada para menores de 16 años.

Una cinta de ritmo frenético tan divertida como espectacular.
Todo el conjunto está hilvanado por un tono de humor gamberro y una estética 'gore' nada convencional.

Diversión a raudales

El británico Matthew Vaughn no abandona el registro de la acción y se consolida como firme realizador del género. Tras la espléndida X-Men, Primera Generación, y nuevamente adaptando personajes de un cómic (en este caso, el creado por Mark Millar y Dave Gibbons), su trabajo en Kingsman, Servicio secreto no desmerece a su sólida y ascendente trayectoria previa. Diez años después de su debut en la dirección con Layer Cake (Crimen organizado), el productor de Snatch, cerdos y diamantes es ya toda una referencia del mejor cine 'mainstream'. Con una revisionista y desenfadada historia acerca del prolífico asunto de los agentes secretos, en Kingsman nos embarca en una cinta de ritmo frenético tan divertida como espectacular. A partir de su apabullante arranque, el relato no decae un ápice en su refrescante sucesión de secuencias de acción histriónicas y coreográficas. Todo el conjunto está hilvanado por un tono de humor gamberro y una estética 'gore' nada convencional.

Principales personajes de 'Kingsman. Servicio Secreto'.

Kingsman es el nombre comercial de una sastrería usada como tapadera de una organización de espías independiente que opera a nivel internacional. No sirve a naciones ni gobiernos. Como de una orden de caballería se tratase, sus miembros son un puñado de agentes de élite cuya labor para proteger la seguridad mundial es completamente anónima y secreta. Se distinguen también por su elegancia y exquisita educación resumida en la consigna del agente Galahad (Colin Firth): "Los modales hacen al hombre". Ésa será una de las primeras lecciones aprendidas por el pupilo de Galahad y aspirante a agente Kingsman, el joven Eggsy (Taron Egerton). Eggsy contará con la oportunidad de abandonar la marginalidad de su barrio y familia gracias al programa de reclutamiento de Kingsman. La baja del agente Lancelot (Jack Davenport) en una operación iniciará un proceso de selección para sustituirlo entre un reducido grupo de jóvenes apadrinados cada uno por un miembro de los Kingsman. En paralelo, la agencia trata de parar los pies a un megalómano villano (Samuel L. Jackson) empecinado en acabar con la mayoría de la población para salvar el planeta del calentamiento global.

Trailer de 'Kingsman. Servicio Secreto'.

Apoyada en la ironía de su relato y en la originalidad en la ejecución de sus secuencias de acción (la frenética escena de la iglesia resulta epatante), Kingsman no da tregua alguna al espectador, que asiste entre atónito y deslumbrado a cada nueva pirueta visual. Y además se permite el lujo de bromear acerca de los clichés de las pelis de espías: con los malvados típicos, las tretas imposibles de los espías y su arsenal de gadgets armamentísticos. Todo al servicio de una propuesta genial, subversiva, sangrienta y tremendamente entretenida.

Adam Peiper, un corto nacional de ciencia ficción, lanza una campaña de 'crowfunding'

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Fri, 27 Mar 2015 15:31:00 +0000

Luis Bermejo (al fondo), Octavi Pujades y Maru Valdivielso.

Dirigido y escrito por Mónica Mateo, Adam Peiper es un corto de ciencia ficción cuya historia sitúa a sus personajes en un futuro distópico en el año 2984. Protagonizado por Luis Bermejo, nominado en los últimos Goya a mejor protagonista por Magical Girl, Maru Valdivielso y Octavi Pujades, el filme ya se ha rodado y, actualmente, se halla en fase de postproducción. Según nos cuentan desde la productora, el corto se ha financiado con aportaciones privadas y públicas y, para la fase final del proyecto (banda sonora, post-producción de imagen y sonido y gastos de distribución) han lanzado una campaña de 'crowfunding' a través de la plataforma Verkami.

Sinopsis de Adam Peiper + Notas de la producción

La tierra, año 2984: El mundo ha cambiado. El ser humano ha cambiado. El ensobrador de uno de los miles de depósitos de tareas que pueblan el interior del planeta, trabaja sin descanso, en lo que parece ser un día más en su gris, monótona, vigilada e insignificante existencia. Pero, este no es un día más. Es la peor de sus pesadillas.

El Mundo de Adam Peiper.
Siglos de cambio y evolución han convertido la tierra en un lugar frío, oscuro e inhóspito, obligando a sus habitantes a crear enormes redes de vida subterránea. Las migraciones masivas, los cambios meteorológicos, geográficos y culturales, y la obsesión generalizada por alcanzar el estatus de vida ideal; todo ello unido a la necesidad de crear una manera de comunicación global, que agilice las relaciones entre redes subterráneas y entre países, han generado un mestizaje lingüístico dando paso a un nuevo y único idioma, hablado por todos los habitantes de la tierra, y que nace de la unión de todos los idiomas que una vez se hablaron.

Podcast 7: Especial XII Muestra Syfy

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Tue, 17 Mar 2015 02:28:00 +0000

Patio de butacas de los cines Callao, durante un pase de la muestra.

Escucha el programa especial elaborado desde elojocritico.net sobre la XII Muestra Syfy. Celebrada del 5 al 8 de marzo en los madrideños cines Callao, este año destacó el humor propuesto por dos cintas neozelandesas: Lo que hacemos en las sombras y Housebound. En el siguiente podcast podrás escuchar las impresiones de Gabriel del Valle y Matías Cobo acerca de la última edición de la Muestra Syfy.

[+] Syfy XII: Humor en las sombras
[+] 12ª Muestra Syfy: el terror, la fantasía y la animación regresan a Madrid

Syfy XII: Humor en las sombras

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Thu, 12 Mar 2015 11:00:00 +0000

Dos de las películas con mejor acogida en esta XII Muestra Syfy tuvieron como denominador común su nacionalidad y género. Ambas neozelandesas y enmarcables en ese cine gamberro de humor y terror tan del gusto del público de la cita madrileña.

Por tanto, y aunque la actriz y presentadora del evento, Leticia Dolera, bromeara con la idea del "amor" como hilo conductor del mismo, de lo que disfrutó el público fue con el cachondeo de propuestas tan originales como la desternillante Lo que hacemos en las sombras o la divertida Housebound. Dos ejemplos de cómo crear cine de género con talento, descaro y ajustados presupuestos.

Éstas fueron algunas de las propuestas exhibidas en los cines Callao del jueves 5 al domingo 8 de marzo, y las que siguen, nuestras impresiones en nuestro habitual reportaje en elojocritico.net.

[+] Podcast 7 - Especial XII Muestra Syfy
[+] Syfy, una década de cine de terror y fantástico en Madrid
[+] El cine asiático y el cachondeo ‘gore’ copan la VIII Muestra Syfy

DEP Leonard Nimoy

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Sat, 28 Feb 2015 11:39:00 +0000

Leonard Nimoy

«Una vida es como un jardín. Pueden tenerse momentos perfectos pero no conservarlos, salvo en la memoria. Larga vida y prosperidad».

El Francotirador (American Sniper)

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Fri, 27 Feb 2015 09:55:00 +0000

Título: El francotirador (American sniper)
Dirección: Clint Eastwood.
País: USA.
Año: 2014.
VALORACIÓN (1/10): 6
[+/-] Ver más/menos

Duración: 134 min.
Género: Biopic, Drama, bélico.
Interpretación: Bradley Cooper (Chris Kyle), Sienna Miller (Taya Kyle), Jake McDorman, Luke Grimes, Navid Negahban, Keir O’Donnell.
Guion: Jason Dean Hall; basado en el libro de Chris Kyle.
Producción: Bradley Cooper, Clint Eastwood, Andrew Lazar, Robert Lorenz y Peter Morgan.
Fotografía: Tom Stern.
Montaje: Gary D. Roach.
Diseño de producción: James J. Murakami y Charisse Cardenas.
Vestuario: Deborah Hopper.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.
Estreno en España: 20 Febrero 2015.
::: VER TRAILER
No recomendada para menores de 16 años

Bien ejecutada, ajustándose todos los elementos (reparto, fotografía, ritmo...) a un propósito, pero sin esa brillantez latente en una cinta para la posteridad
La propuesta es básicamente un laudatorio a un héroe de guerra norteamericano

Frío verismo

Como confeso admirador del Eastwood director ansiaba el estreno de American Sniper. Desde 2008, cuando el veterano realizador presentó dos magníficos títulos como El intercambio y Gran Torino, en la que incluso retomaba su faceta de actor hierático y malencarado, sus diferentes propuestas han deambulado por temáticas y géneros dispares sin sobresalir más allá de la corrección. Invictus, Más allá de la vida, J. Edgar o Jersey Boys no son malas películas, pero carecen de la garra y fuerza de historias como las de Mystic River, Million Dollar Baby o la imperecedera Sin Perdón. El listón siempre ha sido muy alto tratándose del californiano y, al menos, hemos de concederle la indulgencia cuando su cine carece de los quilates de su buen puñado de cintas imprescindibles.

Chris Kyle (Bradley Cooper), en un fotograma del filme.

A El francontirador la situaría en el grupo de trabajos aceptables pero no memorables. Filmes bien ejecutados, ajustándose todos los elementos (reparto, fotografía, ritmo...) a un propósito, pero carentes de esa brillantez latente en una película para la posteridad. Me imagino que al bueno de Clint le encantaría saber cuál es el ingrediente secreto que separa una película corriente de la obra maestra. Como espectador, yo tampoco sabría concretarlo, puesto que mi única guía es el pellizco emocional dejado por cada filme tras su visionado. Supongo que serán sutiles detalles y la providencial coincidencia de todos en una misma producción. Ni Ridley Scott era consciente de estar dirigiendo un clásico cuando rodaba Blade Runner, ni Coppola cuando esbozaba junto a Puzo el guión de El Padrino.

La propuesta es básicamente un laudatorio a un héroe de guerra norteamericano. Con el verismo propio de cintas como En tierra hostil, aquí no hay burdo heroísmo al estilo de las secuelas ochenteras de Rambo. Tampoco la cinta se pierde en grandes introspecciones psicológicas ni en debates éticos en torno a la cuestionable contienda iraquí. Nos relata la vida de Chris Kyle, un seal considerado el francotirador más letal del ejército (160 bajas le avalan). Kyle es mostrado como un patriota y un marido ausente para su familia por su abnegada vocación marcial. Como cinta de acción tampoco destaca, salvo por su certera y realista recreación de las guerras modernas. Podría haber explotado más el duelo de pistoleros entre Kyle y un francotirador sirio, al estilo de la gran Enemigo a las puertas, pero esta trama se queda en episódica. Al final, la película es un homenaje a un hombre considerado leyenda por sus ‘hazañas’, y el recuerdo a un tipo cuya simplista visión de la sociedad reducía ésta a tres clases de personas: lobos, ovejas o perros pastores. Kyle, tal como lo aprendió de su padre, siempre tuvo clara su elección.

[+] Crítica de El Intercambio
[+] Crítica de Million Dollar Baby
[+] Crítica de Banderas de nuestros padres

12ª Muestra Syfy: el terror, la fantasía y la animación regresan a Madrid

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Sat, 31 Jan 2015 13:06:00 +0000

De nuevo en marzo, del 5 al 8, los madrileños cines Callao acogerán una variopinta selección de cintas de género con la originalidad y novedad como principal criterio de selección. Terror, ciencia-ficción, fantástico o anime serán algunas de las temáticas propuestas por una cita plenamente consolidada en el panorama cinematográfico madrileño. Una escogida selección de cintas, el buen ambiente entre un público fiel y bullicioso, o la complicidad entre éste y la presentadora Leticia Dolera, habitual anfitriona de la muestra, volverán a convertir la primera semana de marzo en todo un disfrute para los amantes del cine.

[+] Podcast 7 - Especial XII Muestra Syfy
[+] Syfy XII: Humor en las sombras

Birdman

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Fri, 30 Jan 2015 14:47:00 +0000

Título: Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia).
Dirección: Alejandro González Iñárritu
País: USA.
Año: 2014.
VALORACIÓN (1/10): 8
[+/-] Ver más/menos

Duración: 119 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Michael Keaton (Riggan), Zach Galifianakis (Jake), Edward Norton (Mike), Amy Ryan (Sylvia), Emma Stone (Sam), Naomi Watts (Lesley), Andrea Riseborough (Laura).
Guion: Alejandro González Iñárritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris y Armando Bo.
Producción: Alejandro González Iñárritu, John Lesher y Arnon Milchan.
Diseño de producción: Kevin Thompson.
Vestuario: Albert Wolsky.
Distribuidora: Hispano Foxfilm.
::: VER TRAILER
Estreno en España: 9 Enero 2015.

Un carrusel de réplicas al ritmo de improvisados sones de batería que marcan los altos y bajos de una gastada estrella hollywoodense.
Reflexiona acerca de lo que separa la popularidad de la celebridad o de la ‘idiotización’ de un público ávido por compartir cada minuto de su vida.

Intrépida jam session

Aparte de por su falso plano secuencia como principal recurso formal, la osada última apuesta de Iñárritu me sorprendió por la banda sonora de Antonio Sánchez, batería cuya música remarca la sensación de ‘jam session’ fílmica que la película me dejó. Como si de un todo continuo se tratase, gracias a una filmación hábilmente trucada para simular una única toma, en Birdman fluyen los personajes entrando y saliendo de plano, la cámara, yendo de un lado a otro como espectador indiscreto de las andanzas del atormentado Riggan Thomson y de sus compañeros de función, sus parejas, su productor o su hija. Y así como en una jam el jazz improvisado proviene del instinto y talento de un grupo de músicos, la cinta nos lleva por un tobogán de emociones interpretado por un inspirado reparto al servicio de un relato mínimo pero con múltiples lecturas.

Riggan Thomson (Michael Keaton), en un fotograma del filme.

Porque, aunque la película sea la historia de una vieja gloria del cine de acción anclada en el pretérito éxito de su papel como Hombre Pájaro, el realizador mexicano reflexiona acerca de lo que separa la popularidad de la celebridad o de la ‘idiotización’ de un público ávido por compartir cada minuto de su vida para integrarse en esta sociedad exhibicionista. Entre esas dobles lecturas presentes en el filme, Iñárritu no desaprovecha la ocasión para lanzar un dardo envenado a la industria del cine por su inclinación al éxito seguro con el omnipresente cine de superhéroes. De hecho, y casi como en un guiño irónico entre Michael Keaton y su personaje, la crisis existencial de Riggan radica en su afán por zafarse de su fama como actor de héroe de acción. Ahora pretende crear arte, trascender y dejar huella volcándose en la adaptación teatral de una novela de Raymond Carver que dirige y protagoniza.

Lo cierto que, pese a todos los riesgos asumidos por un Iñárritu siempre dispuesto a innovar y a apostar por la originalidad en cada filme, por momentos la película se me hizo ajena o sin empatía emocional como para sentirme concernido por este relato sobre lo que ocurre entre bambalinas, sobre el miedo al fracaso o la incertidumbre de cómo lograr el beneplácito de crítica y público. Lo que no me dejó indiferente fue la exhibición de un Michael Keaton soberbio o su pulso con el siempre talentoso Edward Norton, o los destellos de la sucinta pero estelar interpretación de Emma Stone. Un carrusel de réplicas al ritmo de improvisados sones de batería que marcan los altos y bajos de una gastada estrella hollywoodense.

The Imitation Game

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Sat, 10 Jan 2015 17:15:00 +0000

Título: The imitation game (Descifrando Enigma).
Dirección: Morten Tyldum
Países: Reino Unido y USA.
Año: 2014.
VALORACIÓN (1/10): 7,5
[+/-] Ver más/menos

Duración: 114 min.
Género: Biopic, drama, thriller.
Interpretación: Benedict Cumberbatch (Alan Turing), Keira Knightley (Joan), Matthew Goode (Hugh), Mark Strong (Stewart), Allen Leech (John), Charles Dance (Denniston), Rory Kinnear (detective Robert).
Guion: Graham Moore.
Producción: Nora Grossman, Ido Ostrowsky y Teddy Schwarzman.
Música: Alexandre Desplat.
Fotografía: Óscar Faura. Montaje: William Goldenberg.
Diseño de producción: Maria Djurkovic.
Vestuario: Sammy Sheldon Differ.
Distribuidora: Tripictures.
Estreno en España: 1 Enero 2015.
::: VER TRAILER
No recomendada para menores de 7 años.

Ofrece entretenimiento de calidad, un reparto de gran nivel y cuidados aspectos artísticos.
Todo muy correcto y elegante, quizá demasiado calculado, y sin riesgo, para agradar a todos en aras a convertirse en caballo ganador.

Héroes atípicos

El desfile de propuestas 'oscarizables' encarrila su recta decisiva. La Weinstein, una productora con regular éxito en la cita, ha apostado su carta ganadora para los Oscar de este año a The Imitation Game. Tiene elementos para triunfar: un original relato épico, el buen hacer de un director con proyeccción (Morten Tyldum), un reparto solvente y una factura elegante. De momento cuenta con cinco nominaciones para los inminentes Globos de Oro y está en la mayoría de quinielas 'preoscar'. Galardones al margen, este estreno será de lo más destacado en la cosecha cinematográfica de 2015.

Joan Clarke (Keira Knightley), Stewart Menzies (Mark Strong) y Alan Turing (Benedict Cumberbatch), en un fotograma del filme.

El guión de Graham Moore adapta la famosa novela Alan Turing: El Enigma, de Andrew Hodges. No se trata de un 'biopic' al uso, pese a contar con una doble trama para entender la personalidad de Alan Turing, brillante matemático cuyos estudios sobre computación serían el embrión de los primeros ordenadores. El filme cuenta cómo el trabajo de un grupo de criptógrafos y matemáticos liderados por Turing sirvió para descifrar el código de comunicación nazi contenido en la máquina Enigma. Una contribución clave para la victoria aliada mantenida en secreto hasta la década de los 70.

Además de la trama principal, con la puesta en marcha del equipo especial, el desarrollo de la máquina 'Christopher' y los lentos avances en el descifrado de mensajes, la cinta del realizador noruego se adentra también en aspectos humanos de un genio de carácter áspero y retraído que fue marginado tanto por su talento como por su condición de homosexual. En este sentido, el filme viene a sumarse a la lista de actos de homenaje y desagravio póstumos en memoria del matemático. Y viene a reivindicar al diferente y la valía de quienes están al margen de lo convencional.

Una idea presente de forma expresa en la frase reiterada por el personaje de Benedict Cumberbatch: “A veces la persona que nadie imagina capaz de nada es la que hace cosas que nadie imagina”. Se la dice a sí mismo frente a la desconfianza de quienes lo ven como un excéntrico solitario incapaz de descifrar Enigma, y se la receta a la criptoanalista Joan Clarke (Keira Knightley), última en sumarse al equipo de Bletchley Park y también puesta en entredicho para el trabajo por su condición de mujer. Entre Turing y Clarke surgió una estrecha amistad, y ambos llegaron a estar prometidos durante una temporada.

The Imitation Game ofrece entretenimiento de calidad, un reparto de gran nivel y cuidados aspectos artísticos (incluida la eficaz partitura de Alexandre Desplat). Todo muy correcto y elegante, quizá demasiado calculado, y sin riesgo, para agradar a todos en aras a convertirse en caballo ganador. Filme notable, pero pobre en lo emocional.

Frases de cine: 'The Imitation Game'

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Fri, 09 Jan 2015 14:55:00 +0000

Alan Turing (Benedict Cumberbatch) en The Imitation Game, dirigida por Morten Tyldum.

«A veces la persona que nadie imagina capaz de nada es la que hace cosas que nadie imagina»

[+] Crítica de la película: 'Héroes atípicos'

Secuencias VII: Expiación (Atonement)

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Sat, 27 Dec 2014 12:04:00 +0000

Cecilia Tallis (Keira Knightley) y Robbie Turner (James McAvoy), en Expiación.

En esta sección suelo recoger secuencias con un valor intrínseco en su uso de elementos cinematográficos usuales: planos, movimientos de cámara, montaje, ritmo o música. El director Joe Wright ya ha mostrado su valía en este terrano. En Orgullo y Prejuicio (2005) dejó bellísimos planos secuencia para deleite de cinéfilos y amantes de la plasticidad audiovisual. Y en esta Expiación también exhibió su portentoso dominio de elementos fílmicos claves al servicio del estilo de su relato. En este caso incluyo la secuencia de apertura de Atonement (2007). La música de Dario Marianelli utiliza el tecleo de una máquina de escribir, elemento importante en un filme en el que literatura y cine se entremezclan, para introducir al personaje de Briony (hilo conductor de la narración) en su mundo y ambiente.

[+] Crítica: Orgullo y Prejuicio

Interstellar

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Fri, 26 Dec 2014 16:43:00 +0000

Título: Interstellar.
Dirección: Christopher Nolan
Países: USA y Reino Unido.
Año: 2014.
:: VALORACIÓN (1/10): 8
[+/-] Ver más/menos

Duración: 169 min.
Género: Ciencia-ficción.
Interpretación: Matthew McConaughey (Cooper), Anne Hathaway (Amelia), Jessica Chastain (Murph), Michael Caine (profesor Brand), Bill Irwin (voz de TARS), Casey Affleck (Tom), Topher Grace (Getty), David Oyelowo, John Lithgow (Donald), Ellen Burstyn (Murph anciana), David Gyasi (Romilly).
Guion: Christopher Nolan y Jonathan Nolan.
Producción: Christopher Nolan, Lynda Obst y Emma Thomas.
Música: Hans Zimmer.
Fotografía: Hoyte Van Hoytema. Montaje: Lee Smith.
Vestuario: Mary Zophres.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.
Estreno en España: 7 Noviembre 2014.
:: VER TRAILER
No recomendada para menores de 12 años.

Con una estética de ciencia ficción realista, el filme nos embarca en una aventura épica a través de la heroicidad de un hombre corriente movido por el motor del amor paterno-filial.
Le vuelven a sobrar explicaciones argumentales y secuencias para aclarar y enlazar ideas.

La ecuación del amor

La meteórica carrera de Nolan sigue con paso firme. Y apenas han pasado 14 años desde su atronador despegue con la icónica Memento. Tras su breve paso por el bajo presupuesto con un corto y un largo a finales de los 90, el londinense no tardó en dar la talla y situarse como uno de los directores más talentosos de su generación. En esa lista se podrían situar nombres como los de Fincher, Aronofsky, Thomas Anderson, Synger, Snyder o los Wachowski, entre otros. Cada uno con un estilo propio e identificable, pero todos dotados de creatividad para suscitar gran interés con cada nueva propuesta.

Cooper (Matthew McConaughey) y Brand (Anne Hathaway), en Interstellar.

Tras cerrar su modélica trilogía de Batman con El caballero oscuro: la leyenda renace, el realizador de Origen vuelve a rodar una historia de su creación y de su hermano Jonathan, colaborador habitual y mano derecha del cineasta. No lo hacía desde aquel sobresaliente filme protagonizado por Di Caprio y, en Interstellar, retoma señas de identidad de su particular modo de relatar a base de giros y sorpresas para sostener la atención a lo largo de un metraje que, en este caso, casi bordea las tres horas. Le vuelven a sobrar explicaciones argumentales y secuencias para aclarar y enlazar ideas; una querencia habitual de Nolan perceptible en el largo epílogo.

La cinta nos sitúa en un futuro distópico en el que nuestro planeta se agota y la humanidad está abocada a abandonarlo para sobrevivir. Un ingeniero aeronáutico reconvertido a granjero liderará la misión destinada a hallarnos un nuevo hogar. Y Cooper (estupendo Matthew McConaughey) deberá enfrentarse a un brutal conflicto: renunciar a su familia para salvar al mundo. Esa base argumental le sirve a Nolan para reflexionar acerca del progreso científico y la humanidad, sobre cómo nuestra prosperidad reside en nuestra capacidad de amar, nuestro mejor atributo.

Christopher Nolan y Matthew McConaughey.

Con una estética de ciencia ficción realista, el filme nos embarca en una aventura épica, en la resolución de una ecuación imposible a través de la heroicidad de un hombre corriente movido por el motor del amor paterno-filial. Y hay más derivadas presentes en una narración potente cuya principal virtud es encontrar el equilibrio entre espectáculo y emoción, entre acción y reflexión. El resto de elementos, como una factura técnica solvente, una música evocadora del maestro Zimmer, o un reparto brillante con Michael Caine, Anne Hathaway o Jessica Chastain, entre otros, convierten a Interstellar en otro jalón más en la carrera de un director capaz de hacer películas ‘grandes’ con valor artístico y sello de autor.

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Nebraska

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Wed, 10 Dec 2014 11:17:00 +0000

Woody Grant (Bruce Dern) y David Grant (Will Forte) en Nebraska.

Dignificar la decrepitud

Con esa capacidad tan propia de Payne para alternar humor negro con emociones no sensibleras, Nebraska cuenta una pequeña aventura mundana. Y con un estilo pausado (...), la cinta ofrece un muestrario de personajes tan reales como atípicos, tan bien descritos como certeramente interpretados Vuelve Alexander Payne a su tierra. Atrás quedan las paradisiacas localizaciones de Los descendientes, ahora reemplazadas por los espartanos paisajes rurales de Nebraska. Sin embargo, el realizador de Omaha mantiene intactas las señas de identidad de su particular e identificable cine. También vuelve Payne a la carretera, a situar a sus personajes en medio de un viaje cuyo discurrir los adentrará en su propia existencia. Con el uso de un blanco y negro que acentúa la austeridad de su relato, Nebraska habla, entre otros asuntos, de dignificar a nuestros mayores o del vínculo paterno-filial perdurable pese a haberse desgastado con el tiempo.

La película narra el viaje de Woody Grant (Bruce Dern) y su hijo David (Will Forte) desde Montana a Nebraska para reclamar un inexistente premio de un millón de dólares. Resuelto a que su terco y ya poco lúcido padre quedé desengañado, David accederá a acompañarlo hasta la oficina donde se cobra el boleto, cerca de la ciudad donde Woody se crio. El viaje le permitirá a David conocer a su padre, entenderlo y crear lazos con un hombre habitualmente ausente en su vida.

Título: Nebraska.
Dirección: Alexander Payne.
País: USA.
Año: 2013.
:: VALORACIÓN (1/10): 8
[+/-] Ver más/menos

Duración: 114 min.
Género: Drama.
Interpretación: Bruce Dern (Woody Grant), Will Forte (David Grant), June Squibb (Kate Grant), Bob Odenkirk (Ross), Stacy Keach (Ed), Mary Louise Wilson (tía Martha), Rance Howard (tío Ray), Tim Driscoll (Bart).
Guion: Bob Nelson.
Producción: Albert Berger y Ron Yerxa.
Música: Mark Orton.
Fotografía: Phedon Papamichael.
Montaje: Kevin Tent.
Vestuario: Wendy Chuck.
Distribuidora: Vértigo Films.
Estreno en España: 7 Febrero 2014.
Apta para todos los públicos.
:: VER TRAILER

Con esa capacidad tan propia de Payne para alternar humor negro con emociones no sensibleras, Nebraska cuenta una pequeña aventura mundana. Y con un estilo pausado que nos evoca a la joya de David Lynch, Una historia verdadera, la cinta ofrece un muestrario de personajes tan reales como atípicos, tan bien descritos como certeramente interpretados. Y en este apartado cabría subrayar la labor de Bruce Dern a la hora de dar vida a Woody: un viejo cabezota y ex alcohólico mermado por su incipiente demencia. El resto de secundarios respaldan su labor con nota, desde ese hijo noble dispuesto a ser el cómplice de su padre trasnochado hasta esa madre y esposa (June Squibb) capaz de no dejar títere con cabeza con sus deslenguados comentarios.

La música, a cargo de Mark Orton, le otorga un barniz añejo al relato a través de unas composiciones repletas de violín, trompeta y guitarra acústica. Y la referida fotografía en blanco y negro le da un toque de sobriedad a una historia en la que sus personajes se caracterizan por su parquedad verbal y emocional.

Probablemente Nebraska sea la película de Alexander Payne más difícil de ver por su ritmo, más pausado que en filmes precedentes, pero en ella el realizador de Entre copas o A propósito de Schmidt ha vuelto a tejer una bella historia de lo ordinario, de personas comunes a los que saca de su rutina para dejarles entre abierta una puerta a la esperanza.

Alexander Payne y Bruce Dern.

Nebraska, muy presente en la filmografía de Payne

Alexander Payne ha vuelto a sus orígenes con esta cinta ubicada en su Nebraska natal. Dicen que se habla con mayor propiedad de lo que uno conoce y, en el caso del realizador nacido en Omaha, éste ha de coincidir con esta idea. No en vano, Payne ha situado cuatro de sus seis películas en las inmediaciones de este estado “donde comienza el oeste”, según el reclamo turístico asociado a Nebraska. Su primer largo, Citizen Ruth (1996), transcurría por las calles de Omaha. Su siguiente película, Election (1999), nos situaba en un instituto público de Omaha, ciudad donde también se halla la compañía de seguros de la que se jubila Warren Schmidt en A propósito de Schmidt (2002).

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Trascendence

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Fri, 11 Jul 2014 13:44:00 +0000

Título: Trascendence
Dirección: Wally Pfister.
País: USA.
Año: 2014.
VALORACIÓN (1/10): 6
[+/-] Ver más/menos

Duración: 119 min.
Género: Ciencia-ficción, drama.
Interpretación: Johnny Depp (Will Caster), Paul Bettany (Max Waters), Morgan Freeman (Joseph Tagger), Rebecca Hall (Evelyn Caster), Kate Mara (Bree), Cillian Murphy (agente Buchanan), Cole Hauser (coronel Stevens), Clifton Collins Jr. (Martin).
Guion: Jack Paglen.
Producción: Broderick Johnson y Andrew A. Kosove.
Producción ejecutiva: Christopher Nolan, Emma Thomas y Dan Mintz.
Música: Mychael Danna.
Fotografía: Jess Hall.
Montaje: David Rosenbloom.
Diseño de producción: Chris Seagers.
Vestuario: George L. Little.
Distribuidora: eOne Films Spain.
Estreno en España: 19 Junio 2014.
No recomendada para menores de 12 años.
::: VER TRAILER

Propone una hipótesis sugerente que la sitúa por encima de la media de los típicos títulos de acción del verano.
Wally Pfister, director de fotografía de Nolan, consigue inquietarnos en su primer trabajo como realizador.

Provocadora advertencia

El director de fotografía habitual de Christopher Nolan, Wally Pfister (El Caballero Oscuro, Origen...), consigue inquietarnos en su primer trabajo como realizador. El propio comienzo de la cinta reclama nuestra atención con una sugerente hipótesis que nos sitúa en una sociedad pretecnológica tras el desmoronamiento global de las redes. Tal involución lo provocó un caos cuyo origen y desarrollo aborda este entretenido thriller con ribetes de ciencia ficción. El enfoque del filme no es del todo original, a juzgar por la larga lista de propuestas preocupadas por los peligros de la tecnificación excesiva en detrimento de lo humano. Matrix, Blade Runner, Yo, Robot, Inteligencia Artificial o Minority Report ya abordaron, cada una a su modo, los inevitables conflictos entre hombres y máquinas, entre el exponencial progreso técnico y los límites a un desarrollismo sin control.

Johnny Depp (Will Caster), Rebecca Hall (Evelyn Caster) y Paul Bettany (Max Waters), en un fotograma del filme.

Si acaso lo más atractivo de esta Trascendence sea el situarnos justo en ese momento en el que los avances de la ciencia han generado una seria fractura social entre quienes sólo ven ventajas y posibilidades ilimitadas (hasta el extremo de poder curar un cáncer, una parálisis o una ceguera) y quienes advierten de los peligros de esta glorificación del progreso científico cual Deux ex machina. De hecho, esa división no se limita a una mera discrepancia en el terreno ideológico, sino que grupos de activistas incluso usan la violencia para torpedear los descubrimientos del equipo encabezado por el Dr. Will Caster (Johnny Deep).

La idea de Caster es combinar todos los conocimientos existentes en una inteligencia artificial interconectada y con rasgos emocionales. Su mujer Evelyn (Rebecca Hall) y su amigo Max Waters (Paul Bettany) secundan sus investigaciones, pero son conscientes de los peligros inherentes a ellas, así como de las dificultades crecientes ante la ola de amenazas provenientes de organizaciones anti-tecnológicas. Las nobles aspiraciones de Evelyn de "querer curar el planeta" contienen un sobrecogedor envés: ¿el camino emprendido podría derivar en la creación de un dios capaz de trascender a todos los individuos en pos de un bien mayor? Esa aterrodora duda comenzará a tomar cuerpo cuando a los tres científicos se les vayan de los manos sus hallazgos.

Con una factura cuidada y apropiada para ubicarnos en un futuro no muy lejano pero sí mucho más desarrollado tecnológicamente respecto a nuestro presente, la cinta cojea en un final más predecible y menos sugestivo que su puesta en escena. Incluso ese tufillo moralizante en unas últimas secuencias con afán doctrinario le resta algo de brillo a un filme que, en cualquier caso, sí ofrece algo más del típico entretenimiento palomitero del verano.

The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Thu, 15 May 2014 10:35:00 +0000

Título: The amazing Spider-Man 2: El poder de Electro.
Dirección: Marc Webb.
País: USA.
Año: 2014.
VALORACIÓN (1/10): 6,5
[+/-] Ver más/menos

Duración: 142 min.
Género: Acción, fantástico. Interpretación: Andrew Garfield (Peter Parker / Spider-Man), Emma Stone (Gwen Stacy), Jamie Foxx (Max Dillon / Electro), Dane DeHaan (Harry Osborn / Duende Verde), Paul Giamatti (Aleksei Sytsevich / Rhino), Chris Cooper (Norman Osborn), Campbell Scott (Richard Parker), Embeth Davidtz (Mary Parker), Colm Feore (Donald Menken), Sally Field (tía May).
Guion: Alex Kurtzman, Roberto Orci y Jeff Pinkne; basado en los personajes creados por Steve Ditko y Stan Lee.
Producción: Avi Arad y Matt Tolmach.
Música: Hans Zimmer, Pharrell Williams y Johnny Marr.
Fotografía: Daniel Mindel.
Montaje: Pietro Scalia.
Diseño de producción: Mark Friedberg.
Vestuario: Deborah Lynn Scott.
Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España.
Estreno en USA: 2 Mayo 2014.
Estreno en España: 17 Abril 2014.
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No recomendada para menores de 7 años.

No defraudará a los seguidores del héroe ni a quien sólo pretenda distraerse con una aventura adrenalítica.
Al personaje se le ha querido dar un toque más desenfadado, divertido y con unas dosis de drama más rebajadas.

Más desenfado, menos trauma

De entre los personajes franquicia de Marvel, Spider-Man va ya por su segunda secuela de películas. La primera, dirigida por Sam Raimi y protagonizada por Tobey Maguire, supuso la eclosión y espaldarazo al fenómeno del cine de superhéreoes. Gustó mucho aquella primera entrega, mejorada en una segunda con un temible Dr. Octopus como villano principal, aunque la trilogía se cerró en falso con un deslucido tercer capítulo. Las cintas de Raimi captaron la esencia del personaje de cómic: un adolescente huérfano atribulado por una responsabilidad sobrevenida coincidiendo con la muerte de su tío Ben, figura paterna para Peter Paker. Sus problemas sentimentales también han sido un lugar común en los relatos del héroe arácnido. Todo ese universo creado por Stan Lee, Steve Diko y Jack Kirby vuelve a estar presente en una segunda saga cinematográfica, ahora conocida como 'reboot', dirigida por Mark Webb y protagonizada por Andrew Garfield.

Fotograma de 'The Amazing Spider-Man: El poder de Electro'.

Y ya desde la primera entrega, con Lagarto/Dr. Curt Connors como villano y Gwen Stacy como novia de Parker, al personaje se le ha querido dar un toque más desenfadado, divertido y con unas dosis de drama más rebajadas. Siguen los inevitables conflictos para un joven con unos poderes adquiridos por sorpresa que le sitúan ante la titánica tarea de proteger a Nueva York de terribles malvados. Pero los productores han debido pensar que quizá era necesario añadir más acción y comedia para distanciarse de la primera secuela. Ahora, en este segundo episodio, Garfield es ya un Parker más maduro, aunque no ha dejado atrás su aspecto desaliñado y su carácter desenfadado.

La película, cuyo relato se adentra en la búsqueda de los orígenes de los poderes arácnidos, cuenta con Electro y Duende Verde como villanos, e incluso se apunta la aparición, para la próxima entrega, de clásicos antagonistas del Hombre Araña como Rino o el mítico Dr. Octopus. La cinta funciona como vehículo para el puro entretenimiento y el disfrute de excelentes secuencias de acción. No defraudará a los seguidores del héroe ni a quien sólo pretenda distraerse con una aventura adrenalítica.

El filón de los superhéroes de cómic

Hulk, Thor, Capitán América, Iron-Man y Viuda Negra.

Los superhéroes de las viñetas han hecho del cine un canal habitual para relatar sus aventuras. Antes sus apariciones eran tan contadas como sonadas. Lejanos quedan ya los Superman ochenteros de Richard Donner, o los góticos Batman de Tim Burton en los noventa. Pero la tecnología lo cambió todo a finales del pasado siglo. Con la perfecta integración de los efectos digitales con la acción real, las traslaciones desde el basto y creativo mundo del tebeo eran más plausibles y resultaron de lo más rentables en términos de taquilla. Tan es así que emporios editoriales como Marvel o DC ya tienen el cine como uno de sus principales negocios y no se limitan a ser meros revendores de derechos sobre sus obras. Ahora promueven proyectos y deciden su enfoque creativo. Y la propia Marvel le debe al cine su supervivencia y éxito actual tras haber bordeado su desaparición a mediados de los noventa. Pero su alianza con Sony primero, y con Disney ahora, ha convertido a 'la fábrica de las ideas' en un pilar de la industria.

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Tres propuestas de Oscar

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Sat, 25 Jan 2014 17:21:00 +0000

Donnie Azoff (Jonah Hill) y Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio) en El lobo de Wall Street.

Un cuelgue tran histriónico como excesivo

El lobo de Wall Street (2013, Martin Scorsese)

El fructífero maridaje cinematográfico de Scorsese y Di Caprio acaba de parir su película menos convencional, la más irreverente y, probablemente también, las más cómica y sobredimensionada en su metraje. Porque El lobo de Wall Street no se limita a relatar la historia de ascenso y caída del ex broker Jordan Belfort, sino que logra trasladar esa sensación de cuelgue continuo de sus protagonistas a un público que, atónito, asiste a una descolocante experiencia de tres largas horas. El relato se podría haber zanjado en mucho menos tiempo, pero tanto el actor como el director de origen italiano no se resistieron a recrear con pasmosa minuciosidad situaciones tan grotescas como absurdas en este carrusel de gamberradas (impagable resulta la secuencia en la que un Belfort completamente ido pretende conducir su Lamborghini). Sin afán doctrinario y evitando moralina alguna, la cinta se convierte en un gran chiste protagonizado por una pandilla de yonkis tan enganchada a todo el espectro de drogas como a su indisimulada avaricia monetaria.

Y es que como le dice a Belfort su mentor, el broker Mark Hanna encarnado por Matthew McConaughey en una breve pero estelar aparición, su trabajo sería inabordable sin estar en un estado de cuelgue perpetuo. El mismo que la cinta asume como punto de vista en un guión por momentos desmadejado y que, en el desarrollo de su relato, corre el riesgo de perder el hilo de una historia condensable en muchas menos secuencias. Porque a ‘El Lobo’ le sobran 40 minutos utilizados para remarcar y añadir más histrionismo a cada una de las peripecias protagonizadas por Belfort y su pandilla de fieles seguidores.

Al margen de la siempre modélica dirección de Scorsese, la cinta crece hasta el notable apoyada en los hombros del soberbio trabajo de un DiCaprio cada vez más versátil y firme como intérprete. Desde Gans of New York, pasando por El Aviador, Infiltrados y Shutter Island, la sociedad DiCaprio-Scorsese había pisado por territorios muy dispares pero siempre dentro de los márgenes del drama. Ahora, en esta cinta, con guiños a la futil verborrea tarantinesca o a payasadas propias de los Farrelly más transgresores, Scorsese se ha destapado como un cómico tan irreverente como insospechado. Porque se trata más de un filme de humor cuasi absurdo que de un aleccionador relato sobre la impúdica codicia imperante entre la jauría de Wall Street.

Título: El lobo de Wall Street (The wolf of Wall Street). Dirección: Martin Scorsese. País: USA. Año: 2013. Duración: 180 min. Género: Biopic, comedia dramática. Interpretación: Leonardo DiCaprio (Jordan Belfort), Jonah Hill (Donnie Azoff), Matthew McConaughey (Mark Hanna), Kyle Chandler (Patrick Denham), Jean Dujardin (Jean-Jacques Saurel), Margot Robbie (Naomi), Jon Favreau (Manny Riskin). Guion: Terence Winter; basado en el libro de Jordan Belfort. Producción: Martin Scorsese, Leonardo DiCaprio, Riza Aziz, Joey McFarland y Emma Koskoff. Música: Howard Shore. Fotografía: Rodrigo Prieto. Montaje: Thelma Schoonmaker Powell. Diseño de producción: Bob Shaw. Vestuario: Sandy Powell. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Estreno en España: 17 Enero 2014. No recomendada para menores de 18 años.
::: VALORACIÓN (1/10): 7 ::: VER TRAILER

La caza (2012, Thomas Vinterberg)

Esta cinta danesa, firme aspirante al Oscar de habla no inglesa, podría pasar por el típico telefilme de sobremesa. Pero no. Principalmente porque cuenta con un interpretación de sobresaliente de un contenido Mads Mikkelsen y con un guión sólido al servicio de un drama social que sabe tocar las teclas para revolver al público frente a la injusta defenestración de un inocente. La cinta pone en tela de juicio la hipocresía de una comunidad capaz de repudiar a uno de los suyos sin fundamento alguno. Tan fría en su relato como la gélida sociedad danesa, uno asiste entre el estupor y la compasión a este apedreamiento en plaza pública por parte de quienes creen estar libres de pecado.

Título: La caza (The hunt). Título original: Jagten. Dirección: Thomas Vinterberg. País: Dinamarca. Año: 2012. Duración: 111 min. Género: Drama. Interpretación: Mads Mikkelsen (Lucas), Thomas Bo Larsen (Theo), Annika Wedderkopp (Klara), Lasse Fogelstrøm (Marcus), Susse Wold (Grethe), Alexandra Rapaport (Nadja). Guion: Tobias Lindholm y Thomas Vinterberg. Producción: Morten Kaufmann y Sisse Graum Jørgensen. Música: Nikolaj Egelund. Fotografía: Charlotte Bruus Christensen. Montaje: Janus Billeskov Jansen y Anne Østerud. Diseño de producción: Torben Stig Nielsen. Vestuario: Mannon Rasmussen. Distribuidora: Golem. Estreno en Dinamarca: 10 Enero 2013. Estreno en España: 19 Abril 2013. No recomendada para menores de 12 años. ::: VALORACIÓN (1/10): 7 ::: VER TRAILER

12 años de esclavitud (2013, Steve McQueen)

Quizá sea la película que mejor y, de manera más precisa, haya abordado la denuncia de ese período que daba curso legal a la esclavitud. En un país considerado cuna de la democracia y de las libertades, la cinta narra la historia real del músico Solomon Northup (magnífico Chiwetel Ejiofor), un hombre libre secuestrado y puesto a subasta como mercancía para el uso, abuso y disfrute de sus amos. Película de denuncia sin ambages, de revolver conciencias, y hasta estómagos, pero sin enfatizar en su drama, sin subrayar emociones ni restarlas. Steve McQueen deja a un lado su perfil de director de cine de autor (Shame, Hunger) y se pone al servicio de una historia cuyo tema debe tocarle de lleno dado su origen afrocaribeño. Remueve conciencias y conmueve con el drama de un hombre reducido a mercancía en un engranaje social tolerante con la compraventa de seres humanos.

Título: 12 años de esclavitud. Título original: Twelve years a slave. Dirección: Steve McQueen. Países: USA y Reino Unido. Año: 2013. Duración: 135 min. Género: Biopic, drama. Interpretación: Chiwetel Ejiofor (Solomon Northup), Michael Fassbender (Edwin Epps), Benedict Cumberbatch (Ford), Paul Dano (Tibeats), Paul Giamatti (Freeman), Lupita Nyong’o (Patsey), Sarah Paulson (Sra. Epps), Brad Pitt (Bass), Alfre Woodard (Sra. Shaw), Garret Dillahunt (Armsby), Scoot McNairy (Brown). Guion: John Ridley; basado en la autobiografía de Solomon Northup. Producción: Brad Pitt, Dede Gardner, Anthony Katagas, Jeremy Kleiner, Bill Pohlad, Arnon Milchan y Steve McQueen. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Sean Bobbit. Montaje: Joe Walker. Diseño de producción: Adam Stockhausen. Vestuario: Patricia Norris. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en USA: 8 Noviembre 2013. Estreno en España: 13 Diciembre 2013. No recomendada para menores de 16 años. ::: VALORACIÓN (1/10): 8 ::: VER TRAILER

Syfy, una década de cine de terror y fantástico en Madrid

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Wed, 20 Mar 2013 17:14:00 +0000

Syfy celebró a comienzos de marzo el décimo aniversario de su muestra de cine de terror y fantástico. Un año más tuve ocasión de visitar Madrid para la cobertura de este evento ya consolidado entre los amantes de propuestas fílmicas poco convencionales pero, generalmente, repletas de originalidad, humor y generosas dosis de sangre. En elojocritico.net dimos cumplida información de la cita madrileña y de algunas de las principales cintas exhibidas en los cines Callao entre el jueves 7 y el domingo 10 de marzo. Particularmente me quedo, por su frescura y originalidad, con The Cabin in the Woods, filme metadiscursivo sobre el cine de terror y sus principales referentes con una historia apta sólo para quienes no busquen lógica alguna y sepan abandonarse al genial relato propuesto por Joss Whedon. También, y en una línea no menos rompedora en su argumento, disfruté la cinta de todo un clásico del terror como Don Coscarelli, John Dies at the End. Aunque la muestra madrileña también nos deparó decepciones como el último trabajo del genial Coppola, con una desvariada Twixt, y un cruel padecimiento de hora y media con el desatino de Boneboys. Me reí con la simpática irlandesa Grabbers y me entretuvo la fábula nipona Wolf Children.

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Django desencadenado

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Wed, 06 Feb 2013 02:13:00 +0000

Dr. King Schultz (Christoph Waltz) y Django (Jamie Foxx) en Django desencadenado.

Personajes totémicos

Cada película de Quentin Tarantino es un glorioso muestrario de homenajes y multireferencias a su particular altar de devociones fílmicas. Desde Leone hasta Kurosawa, desde el ‘blaxploitation’ al ‘grindhouse’, el realizador de Tennesse sincretiza en cada filme su arsenal de pulsiones cinematográficas sabiendo crear una obra propia, de autor y genial en muchos de los casos. En Django desencadenado lo ha vuelto a lograr. Y al margen de sus acertadas selecciones musicales, de su ojo clínico para encuadres y planos o de sus impagables diálogos, quizá lo más sustancial de sus películas radique en la creación de personajes icónicos. Es ahí donde el genio tarantinesco muestra una originalidad y creatividad únicas.

Terribles villanos, héroes y antihéroes o ‘friquis’ de los más variopinto pueblan sus películas dotándolas de esa particularidad tan reconocible. Por citar algunos, me encantó el ‘cazajudíos’ nazí interpretado por Christoph Waltz en Malditos bastardos (el coronel Hans Landa) o ese recurrente personaje interpretado por Michael Parks, el ranger de texas Earl McGraw, con apariciones en dispares cintas como Kill Bill o Death Proof, además de en otras dirigidas por el amigo de Tarantino, Robert Rodríguez (Abierto hasta el amanecer y Planet Terror). Quizá una de sus más icónicas creaciones, a pesar de su fugaz aparición, fue la de ‘El Señor Lobo’ interpretado por Harvey Keitel en Pulp Fiction.

Django desencadenado no es ajena a este rasgo del cine de su autor. Como tampoco lo es a su obvia querencia por el ‘spaguetti western’, un subgénero que ya contó con un celebérrimo referente en 1966 con la coproducción italoespañola Django, protagonizada por Franco Nero, a quien ahora incluye Tarantino en el reparto de su cinta-homenaje a aquel cine maltratado por sus coetáneos y finalmente resituado en un lugar de privilegio con la perspectiva de los años.

La película mezcla esa épica gamberra tan propia del director de Kill Bill con la típica estructura de una ‘buddy movie’. La pintoresca pareja formada por el Dr. King Schultz (Christoph Waltz) y el esclavo Django (Jamie Foxx) unirán intereses y fuerzas para ganar las suculentas recompensas ofrecidas a cambio de cazar a malhechores mientras se embarcan en el rescate de la mujer de Django, Broomhilda von Schaft (Kerry Washington). Enfrente se las verán con despiadados blancos esclavistas provistos de una crueldad sólo imaginable por la diabólica mente de Tarantino. Primero aparecerá en escena Big Daddy (con la interpretación del rescatado Don Johnson) como líder de una estrafalaria hermandad del Ku Klux Klan (gloriosa la hilarante escena de las capuchas). Y finalmente epatará el sádico terrateniente Calvin Candie interpretado por un genial Leonardo DiCaprio. Su personaje disfruta con las peleas a muerte entre negros a quienes cultiva para tal propósito dentro de su propiedad (Candyland).

Con tales mimbres, junto con la indisimulada estima de Tarantino por el género cinematográfico al que ahora homenajea, el resultado sólo podía ser el de una película redonda en todo su extenso metraje. Y de nuevo ofreciendo su mayor genialidad en esa creación de personajes totémicos tan marca de la casa como su buen gusto para la selección musical de sus filmes. O acaso no resulta genial la autocrítica al pasado esclavista yanqui a través de un alemán desprovisto de prejuicio racial alguno usando para ese papel al mismo actor que, en un filme previo (Malditos bastardos), encarnaba a un feroz coronel nazi consagrado a detectar judíos.

Título: Django desencadenado. Título original: Django unchained. Dirección y guion: Quentin Tarantino. País: USA. Año: 2012. Duración: 165 min. Género: Western. Interpretación: Jamie Foxx (Django), Christoph Waltz (Dr. King Schultz), Leonardo DiCaprio (Calvin Candie), Kerry Washington (Brommhilda), Samuel L. Jackson (Stephen), Walton Goggins (Billy Crash), Dennis Christopher (Leonide Moguy), Don Johnson (Big Daddy), James Remar (Butch Pooch / Ace Speck), James Russo (Dicky Speck), Franco Nero (Amerigo). Producción: Pilar Savone, Stacey Sher y Reginald Hudlin. Fotografía: Robert Richardson. Montaje: Fred Raskin. Diseño de producción: J. Michael Riva. Vestuario: Sharen Davis. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España. Estreno en USA: 25 Diciembre 2012. Estreno en España: 18 Enero 2013. No recomendada para menores de 16 años. ::: VALORACIÓN (1/10): 9

Prometheus

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Mon, 06 Aug 2012 00:35:00 +0000

Elizabeth Shaw (Noomi Rapace) en Prometheus y Ripley (Sigourney Weaver) en Alien.

Más discurso que género

Treinta y tres años separan el reclamo comercial de Alien (1979), “en el espacio nadie oirá tus gritos”, del de esta Prometheus (2012) anunciada con más grandilocuencia así: “Buscábamos nuestro origen y podríamos haber encontrado nuestro fin”. Ambas producciones contaban con expectativas previas muy distintas. Si la primera era una cinta de terror y ciencia ficción cuyo éxito comercial era una absoluta incógnita, la segunda resulta el regreso de Ridley Scott a los géneros que lo glorificaron como director de culto tras esta cinta o la posterior Blade Runner (1982). Entre ambas media un prolífico y casi inagotable vivero de secuelas, referencias y obras derivadas de aquella mítica primera cinta reconocible al instante merced a los sugerentes diseñados creados por el suizo H.R. Giger.

Los paralelismos entre ambas cintas son evidentes. Porque, en cierto modo, Scott trata de llenar huecos argumentales presentes en su trabajo de 1979 con esta Prometheus. Las dos expediciones por el universo, tanto la de la nave Nostromo como la de la Prometheus, terminan llegando al mismo planeta, el LV-426, perteneciente al sistema extrasolar Zeta II Reticuli. La nave comercial Nostromo, que portaba un cargamento de mineral hacia la tierra, llega hasta allí por una aparente casualidad. El ordenador de la nave, Madre, decide desviar su trayectoria al captar una llamada de auxilio proveniente de allí. La Prometheus, en cambio, va a ese planeta a propósito, como destino de un viaje científico cuyo objetivo es hallar el origen de nuestra especie.

Basados en los estudios de dos investigadores convencidos de que nuestros creadores provienen de ese remoto planeta, la Prometheus va en su búsqueda para hallar respuestas, aunque éstas no serán las esperadas. Ésa sería la principal diferencia argumental entre ambos relatos. Pero las coincidencias continúan. Si en Alien hay una gran corporación que maquina para transportar vivo al letal polizón que alberga la nave en su viaje de regreso a casa, en esta último filme también existe un gran compañía financiando el proyecto con intereses espurios. Ambos grupos cuentan con un androide cuya curiosidad científica por la mortífera especie roza la fascinación. Y, además, las protagonistas principales de las dos cintas son mujeres que, en última instancia, deberán enfrentarse a la amenaza alienígena.

Incluso en la propia elección del reparto de una y otra cinta, Scott parece haber seguido criterios parecidos, al seleccionar para su protagonista a una actriz emergente pero sin estatus de estrella (Sigourney Weaver en el 79 o ahora Noomi Rapace) y acompañarla de secundarios solventes y de dilatada experiencia (John Hurt, Ian Holm o Harry Dean Stanton en Alien por Charlize Theron, Michael Fassbender o Idris Elba en Prometheus). También se han retomado los diseños de Giger para el 'Space Jockey' (en esta películas dados a conocer como los “ingenieros” de nuestra existencia), la nave espacial con los restos del jinete fosilizados, el planeta donde aquélla quedó varada o por la reconocible figura del xenoformo o alien desde su estado embrionario, con forma de escurridizo pulpo, hasta su desarrollo final con su conocido cráneo exageradamente alargado.

Lo que distancia a Prometheus de Alien es la dispar apuesta que ambos trabajos hacen por sus géneros. Mientras el segundo filme de Scott como realizador tras Los Duelistas (1977) fue concebido más como una cinta de terror espacial y, en principio, casi conlindante con la serie B de ciencia ficción de su época, esta Prometheus pierde fuerza por su exceso de ambición argumental. Alien tenía claro que su propósito era aterrar, mientras que Prometheus, sin renunciar a su alícuota parte de horror presente en su ADN, se pierde con tanta digresión explicativa y lastra su capacidad para aterrar. Por lo demás, este último trabajo del director británico ofrece una estética apabullante, una rica recreación de los exteriores del planeta LV-426 ausente en Alien y unas virtudes que la validan como buena muestra de digno cine de ciencia ficción. Pero la brillantez se sigue quedando del lado de la original e imperecedera Alien.

Título: Prometheus. Dirección: Ridley Scott. País: USA. Año: 2012. Duración: 125 min. Género: Acción, ciencia-ficción, terror. Interpretación: Noomi Rapace (Elizabeth Shaw), Charlize Theron (Meredith Vickers), Michael Fassbender (David), Guy Pearce (Peter Weyland), Idris Elba (Janek), Logan Marshall-Green (Charlie Holloway), Rafe Spall (Millburn), Sean Harris (Fifield), Emun Elliott (Chance), Benedict Wong (Ravel), Patrick Wilson (padre de Shaw). Guion: Damon Lindelof y Jon Spaihts. Producción: Ridley Scott, David Giler y Walter Hill. Música: Marc Streitenfeld. Fotografía: Dariusz Wolski. Montaje: Pietro Scalia. Diseño de producción: Arthur Max. Vestuario: Janty Yates. Distribuidora: Hispano Foxfilm. Estreno en USA: 8 Junio 2012. Estreno en España: 3 Agosto 2012. No recomendada para menores de 12 años.::: VALORACIÓN (1/10): 6,5

Frases de cine: 'Los descendientes'

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Sat, 04 Aug 2012 13:37:00 +0000

Matt King (George Clooney) en Los descendientes, escrita y dirigida por Alexander Payne.

«Da a tus hijos suficiente dinero para que hagan algo, pero no tanto como para que no hagan nada»

[+] Crítica de 'Los descendientes'

El caballero oscuro: la leyenda renace

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Sun, 22 Jul 2012 14:49:00 +0000

Batman (Christian Bale), Selina (Anne Hathaway) y Bane (Tom Hardy).

Purga social

La portentosa trilogía de Christopher Nolan sobre Batman parece hilvanada por una una idea subyacente presente en las tres películas (en especial, en la primera y en esta última). En todas ellas, la ciudad de Gotham representa a una sociedad (¿la nuestra?) corrupta e insolidaria que sólo merece la purga radical para su redención. En la segunda, con la presencia de un Joker empecinado en demostrarle a Batman que nadie es incorruptible (ni el inquebrantable fiscal Dent), asistimos a la gratuita devastación de la ciudad por parte de un bufón del caos sin motivación ejemplarizante. Aunque en uno de los mejores duelos dialécticos del filme entre Batman y el Joker, éste sí alude a nuestro quebradizo orden social: “(...) Su moralidad, su ética, es una gran mentira. Se olvidan a las primeras de cambio. Sólo son tan buenos como el mundo les permite ser. Ya verás, cuando las cosas se tuerzan, esos individuos civilizados se matarán entre ellos”.

En este tercera entrega, la historia se retoma en una Gotham pacificada ocho años después de la muerte del fiscal Harvey Dent, cuyo legado de una ciudad libre de delincuentes se sustenta en unas leyes implacables y en la mentira autoinculpatoria de Batman para limpiar el nombre del fiscal y convertirlo en un símbolo de justicia. Esa mentira le ha costado al héroe el ostracismo, su persecución como delincuente, y a su álter ego, el millonario Bruce Wayne, una vida de ermitaño solitario y apático. Pero su pasado le persigue. Así, el villano Bane recluta un ejército en las alcantarillas para promover una revuelta social y la destrucción de una Gotham controlada por una élite de oligarcas. De nuevo, Wayne/Batman se halla en una encrucijada. Su fiel mayordomo Alfred le insta a retomar su vida como Bruce Wayne y la hábil ladrona Selina Kyle (Catwoman) le aconseja que, como ella, sea un superviviente. Sólo su amigo, el comisario Gordon, y el inspector Blake mantienen la fe en este héroe con vocación de mártir. Porque el Batman de Nolan pretende ser un símbolo, una inspiración para una sociedad puesta al borde del precipicio para asumir su fracaso. La heroicidad de Batman, por tanto, reside en dar esperanza cuando todo parece perdido.

Pero estas tres películas son también vehículos para el puro entretenimiento y, por tanto, no se olvidan de epatar con secuencias cuya espectacularidad se ha incrementado con cada nueva entrega. Las tres nos han presentado a un Batman dotado de una tecnología militar más verosímil y los escenarios urbanos han mostrado una estética más tangible. Y la fuerza de las tres películas también ha venido derivada del magno pulso mantenido entre el héroe y sus respectivos villanos, a cada cual más temible. Particularmente me quedo con el Joker de Ledger, sobre todo por el excelente trabajo de composición del personaje logrado por el malogrado actor australiano. Aunque el Bane de esta tercera parte también resulta temible y se hace acreedor a su fama de mala bestia ganada en el cómic 'Knightfall', cuando Bane le quebró la espalda al murciélago en un enfrentamiento (lance recreado en el filme).

Por tanto, este director de precoz talento ha sido capaz de restituir a este personaje del cómic ruinmente expoliado por los estudios tras los primeros éxitos de Tim Burton. Y lo ha logrado con un sello de autor que ha elevado a estas cintas muy por encima del típico cine de acción y puro entretenimiento. Nolan ha reconciliado a Batman con el cine.

Título: El Caballero Oscuro: La leyenda renace. Título original: The Dark Knight rises. AKA: Batman 3. Dirección: Christopher Nolan. Países: USA y Reino Unido. Año: 2012. Duración: 164 min. Género: Acción, thriller. Interpretación: Christian Bale (Bruce Wayne/Batman), Tom Hardy (Bane), Gary Oldman (James Gordon), Anne Hathaway (Selina Kyle/Catwoman), Morgan Freeman (Lucius Fox), Michael Caine (Alfred), Marion Cotillard (Miranda Tate), Joseph Gordon-Levitt (John Blake), Daniel Sunjata (agente de operaciones especiales), Josh Pence (joven Ra’s Al Ghul), Diego Klattenhoff (policía novato), Nestor Carbonell (alcalde de Gotham City), Juno Temple (Holly Robinson), Matthew Modine (Foley), Christopher Judge. Guion: Jonathan Nolan y Christopher Nolan; basado en un argumento de David S. Goyer y Christopher Nolan; a su vez basado en los personajes creados por Bob Kane. Producción: Christopher Nolan, Charles Roven y Emma Thomas. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Wally Pfister. Montaje: Lee Smith. Diseño de producción: Nathan Crowley. Vestuario: Lindy Hemming. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. Estreno en USA: 20 Julio 2012. Estreno en España: 20 Julio 2012. No recomendada para menores de 12 años.
::: VALORACIÓN (1/10): 7,5

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Frases de cine: 'My Blueberry Nights'

noreply@blogger.com (Matías Cobo) — Sun, 08 Jul 2012 14:15:00 +0000

Carta de Elizabeth (Norah Jones) a Jeremy (Jude Law) en My Blueberry Nights, escrita y dirigida por Wong Kar Wai.

«Querido Jeremy: Estos últimos días me han dado clases para no confiar en la gente, pero por suerte he suspendido. A veces utilizamos a otras personas como un espejo, para que nos definan y nos digan quiénes somos, y cada reflejo hace que me guste un poco más. Elizabeth»