Simplesmente ARTE

Dicas Direitos e Deveres

2011-10-04T18:12:00.004-03:00

O que infelizmente muito poucas pessoas sabem, ou se sabem não respeitam, são os direitos e deveres que cada um que é parte integrante do sistema de trânsito deve respeitar.

A respeito dos pedestres por exemplo, o novo Código Nacional de Trânsito manteve a sua postura anterior e diz que os pedestres têm prioridade sobre os veículos. Na mudança de sinal luminoso, caso os pedestres ainda não tenham acabado de efetuar a travessia da via. Os pedestres são obrigados a andar pela calçada ou pelo canto da via aonde não houver calçada. Deverão atravessar as vias sobre as faixas de pedestres se estiver a menos de 50 metros dela. Obedecer todas as sinalizações de trânsito. Os Ciclistas devem equipar suas bicicletas com instrumentos de sinalização como "olho de gato", campainha, e retrovisor na parte esquerda do guidom. Usar sempre roupas claras para facilitar a visualização por parte dos outros veículos. Os ciclistas devem trafegar pelo canto direito das vias, e os demais veículos devem guardar uma distância de um metro e meio delas na hora de realizar a ultrapassagem.Os motociclistas devem utilizar obrigatoriamente o capacete devidamente afixado em sua cabeça para que seu uso seja considerado correto. Caso o capacete não possua viseira protetora para os olhos o motociclista deverá usar óculos protetores.O que infelizmente muito poucas pessoas sabem, ou se sabem não respeitam, são os direitos e deveres que cada um que é parte integrante do sistema de trânsito deve respeitar. A respeito dos pedestres por exemplo, o novo Código Nacional de Trânsito manteve a sua postura anterior e diz que os pedestres têm prioridade sobre os veículos. Na mudança de sinal luminoso, caso os pedestres ainda não tenham acabado de efetuar a travessia da via. Os pedestres são obrigados a andar pela calçada ou pelo canto da via aonde não houver calçada. Deverão atravessar as vias sobre as faixas de pedestres se estiver a menos de 50 metros dela. Obedecer todas as sinalizações de trânsito.

Os Ciclistas devem equipar suas bicicletas com instrumentos de sinalização como "olho de gato", campainha, e retrovisor na parte esquerda do guidom. Usar sempre roupas claras para facilitar a visualização por parte dos outros veículos. Os ciclistas devem trafegar pelo canto direito das vias, e os demais veículos devem guardar uma distância de um metro e meio delas na hora de realizar a ultrapassagem. Os motociclistas devem utilizar obrigatoriamente o capacete devidamente afixado em sua cabeça para que seu uso seja considerado correto. Caso o capacete não possua viseira protetora para os olhos o motociclista deverá usar óculos protetores.

Bienal do Mercosul 2011

2011-07-15T23:23:00.002-03:00

Quer conhecer os artistas e seus trabalhos para Bienal 2011 acesse este Blog:

http://projetocultura.com.br/linksinternos/Bienal-do-Mercosul/artistas.php

A ORIGEM DO CINEMA

2011-06-22T19:57:00.000-03:00

Indícios históricos e arqueológicos comprovam que é antiga a preocupação do homem com o registro do movimento. O desenho e a pintura foram as primeiras formas de representar os aspectos dinâmicos da vida humana e da natureza, produzindo narrativas através de figuras. O jogo de sombras do teatro de marionetes oriental é considerado um dos mais remotos precursores do cinema. Experiências posteriores como a câmara escura e a lanterna mágica constituem os fundamentos da ciência óptica, que torna possível a realidade cinematográfica.

Jogos de sombras – Surge na China, por volta de 5.000 a.C. É a projeção, sobre paredes ou telas de linho, de figuras humanas, animais ou objetos recortados e manipulados. O operador narra a ação, quase sempre envolvendo príncipes, guerreiros e dragões.

Câmara escura – Seu princípio é enunciado por Leonardo da Vinci, no século XV. O invento é desenvolvido pelo físico napolitano Giambattista Della Porta, no século XVI, que projeta uma caixa fechada, com um pequeno orifício coberto por uma lente. Através dele penetram e se cruzam os raios refletidos pelos objetos exteriores. A imagem, invertida, inscreve-se na face do fundo, no interior da caixa.

Lanterna mágica – Criada pelo alemão Athanasius Kirchner, na metade do século XVII, baseia-se no processo inverso da câmara escura. É composta por uma caixa cilíndrica iluminada a vela, que projeta as imagens desenhadas em uma lâmina de vidro.

PRIMEIROS APARELHOS - Para captar e reproduzir a imagem do movimento, são construídos vários aparelhos baseados no fenômeno da persistência retiniana (fração de segundo em que a imagem permanece na retina), descoberto pelo inglês Peter Mark Roger, em 1826. A fotografia, desenvolvida simultaneamente por Louis-Jacques Daguerre e Joseph Nicéphore Niepce, e as pesquisas de captação e análise do movimento representam um avanço decisivo na direção do cinematógrafo.

Fenacistoscópio - O físico belga Joseph-Antoine Plateau é o primeiro a medir o tempo da persistência retiniana. Para que uma série de imagens fixas dêem a ilusão de movimento, é necessário que se sucedam à razão de dez por segundo. Em 1832, Plateau inventa um aparelho formado por um disco com várias figuras desenhadas em posições diferentes. Ao girar o disco, elas adquirem movimento. A idéia era apresentar uma rápida sucessão de desenhos de diferentes estágios de uma ação, criando a ilusão de que um único desenho se movimentava.

Praxinoscópio – Aparelho que projeta na tela imagens desenhadas sobre fitas transparentes, inventado pelo francês Émile Reynaud (1877). A princípio uma máquina primitiva, composta por uma caixa de biscoitos e um único espelho, o praxinoscópio é aperfeiçoado com um sistema complexo de espelhos que permite efeitos de relevo. A multiplicação das figuras desenhadas e a adaptação de uma lanterna de projeção possibilitam a realização de truques que dão a ilusão de movimento.

Fuzil fotográfico – Em 1878 o fisiologista francês Étienne-Jules Marey desenvolve o fuzil fotográfico: um tambor forrado por dentro com uma chapa fotográfica circular. Seus estudos se baseiam na experiência desenvolvida, em 1872, pelo inglês Edward Muybridge, que decompõe o movimento do galope de um cavalo. Muybridge instala 24 máquinas fotográficas em intervalos regulares ao longo de uma pista de corrida e liga a cada máquina fios que atravessam a pista. Com a passagem do cavalo, os fios são rompidos, desencadeando o disparo sucessivo dos obturadores, que produzem 24 poses consecutivas.

Cronofotografia – Pesquisas posteriores sobre o andar do homem ou o vôo dos pássaros levam Étienne-Jules Marey, em 1887, ao desenvolvimento da cronofotografia a fixação fotográfica de várias fases de um corpo em movimento, que é a própria base do cinema.

Cinetoscópio – O norte-americano Thomas Alva Edison inventa o filme perfurado. E, em 1890, roda uma série de pequenos filmes em seu estúdio, o Black Maria, primeiro da história do cinema. Esses filmes não são projetados em uma tela, mas no interior de uma máquina, o cinetoscópio – também inventado por Edison um ano depois. Mas as imagens só podem ser vistas por um espectador de cada vez.

Cinematógrafo – A partir do aperfeiçoamento do cinetoscópio, os irmãos Auguste e Louis Lumière idealizam o cinematógrafo em 1895. O aparelho – uma espécie de ancestral da filmadora – é movido a manivela e utiliza negativos perfurados, substituindo a ação de várias máquinas fotográficas para registrar o movimento. O cinematógrafo torna possível, também, a projeção das imagens para o público. O nome do aparelho passou a identificar, em todas as línguas, a nova arte (ciné, cinema, kino etc.).

Auguste Lumière (1862-1954) e Louis Lumière (1864-1948) nascem em Besançon, na França. Filhos de um fotógrafo e proprietário de indústria de filmes e papéis fotográficos, eram praticamente desconhecidos no campo das pesquisas fotográficas até 1890. Após freqüentarem a escola técnica, realizam uma série de estudos sobre os processos fotográficos, na fábrica do pai, até chegarem ao cinematógrafo. Louis Lumière é o primeiro cineasta realizador de documentários curtos. Seu irmão Auguste participa das primeiras descobertas, dedicando-se posteriormente à medicina.

CINEMA MUDO - A apresentação pública do cinematógrafo marca oficialmente o início da história do cinema. O som vem três décadas depois, no final dos anos 20.

A primeira exibição pública das produções dos irmãos Lumière ocorre em 28 de dezembro de 1895, no Grand Café, em Paris. A saída dos operários das usinas Lumière, A chegada do trem na estação, O almoço do bebê e O mar são alguns dos filmes apresentados. As produções são rudimentares, em geral documentários curtos sobre a vida cotidiana, com cerca de dois minutos de projeção, filmados ao ar livre.

PRIMEIROS FILMES - Pequenos documentários e ficções são os primeiros gêneros do cinema. A linguagem cinematográfica se desenvolve, criando estruturas narrativas. Na França, na primeira década do século XX, são filmadas peças de teatro, com grandes nomes do palco, como Sarah Bernhardt. Em 1913 surgem, com Max Linder – que mais tarde inspiraria Chaplin –, o primeiro tipo cômico e, com o Fantômas, de Louis Feuillade, o primeiro seriado policial. A produção de comédias se intensifica nos Estados Unidos e chega à Inglaterra e Rússia. Na Itália, Giovanni Pastrone realiza superproduções épicas e históricas, como Cabíria, de 1914.

DOCUMENTÁRIO - Em 1896 os Lumière equipam alguns fotógrafos com aparelhos cinematográficos e os enviam para vários países, com a incumbência de trazer novas imagens e também exibir as que levam de Paris. Os caçadores de imagens, como são chamados, colocam suas câmeras fixas num determinado lugar e registram o que está na frente. A Inglaterra, O México, Veneza, A cidade dos Doges passam a integrar o repertório dos Lumière. Coroação do Czar Nicolau II, filmado em Moscou, é considerado a primeira reportagem cinematográfica.

FICÇÃO - Os rudimentos da narração e da montagem artística são desenvolvidos pelo americano Edwin Porter, em 1902, em Vida de um bombeiro americano, e consolidados, um ano mais tarde, com O grande roubo do trem, o primeiro grande clássico do cinema americano. O filme inaugura o western e marca o começo da indústria cinematográfica. Despontam, então, dois grandes nomes dos primórdios do cinema: Georges Méliès e David Griffith.

Georges Méliès (1861-1938), diretor, ator, produtor, fotógrafo e figurinista, é considerado o pai da arte do cinema. Nasce na França e passa parte da juventude desenvolvendo números de mágica e truques de ilusionismo. Depois de assistir à primeira apresentação dos Lumière, decide-se pelo cinema. Pioneiro na utilização de figurinos, atores, cenários e maquiagens, opõe-se ao estilo documentarista. Realiza os primeiros filmes de ficção – Viagem À Lua (Voyage dans la lune, Le / Voyage to the Moon - 1902) e A Conquista do Pólo (Conquête du pôle, La / Conquest of the Pole - 1912) – e desenvolve diversas técnicas: fusão, exposição múltipla, uso de maquetes e truques ópticos, precursores dos efeitos especiais.

David W. Griffith (1875-1948), nascido nos Estados Unidos, é considerado o criador da linguagem cinematográfica. Antes de chegar ao cinema, trabalha como jornalista e balconista em lojas e livrarias. Admirador de Edgar Allan Poe, também escreve poesias. No cinema, é o primeiro a utilizar dramaticamente o close, a montagem paralela, o suspense e os movimentos de câmera. Em 1915, com Nascimento de Uma Nação (The Birth of a Nation), realiza o primeiro longa-metragem americano, tido como a base da criação da indústria cinematográfica de Hollywood. Com Intolerância (Intolerance), de 1916, faz uma ousada experiência, com montagens e histórias paralelas.

ASCENSÃO DE HOLLYWOOD - Com o recesso do cinema europeu durante a 1a Guerra Mundial, a produção de filmes concentra-se em Hollywood, na Califórnia, onde surgem os primeiros grandes estúdios. Em 1912, Mack Sennett, o maior produtor de comédias do cinema mudo, que descobriu Charles Chaplin e Buster Keaton, instala a sua Keystone Company. No mesmo ano, surge a Famous Players (futura Paramount) e, em 1915, a Fox Films Corporation. Para enfrentar os altos salários e custos de produção, exibidores e distribuidores reúnem-se em conglomerados autônomos, como a United Artists, fundada em 1919. A década de 20 consolida a indústria cinematográfica americana e os grandes gêneros – western, policial, musical e, principalmente, a comédia –, todos ligados diretamente ao estrelismo.

Star system – O desenvolvimento dos grandes estúdios proporciona o surgimento do star system, o sistema de "fabricação" de estrelas que encantam as platéias. Mary Pickford, a "noivinha da América", Theda Bara, Tom Mix, Douglas Fairbanks e Rodolfo Valentino são alguns dos nomes mais expressivos. Com o êxito alcançado, os filmes passam dos 20 minutos iniciais a, pelo menos, 90 minutos de projeção. O ídolo é chamado a encarnar papéis fixos e repetir atuações que o tenham consagrado, como Rosita, de 1923, com Mary Pickford.

COMÉDIA - Baseada na sátira de pequenas cenas do cotidiano, a comédia americana dos anos 20 privilegia lugares, situações e objetos que retratam a vida urbana e a "civilização das máquinas". Recorre com freqüência ao "pastelão" e ganha impulso com o produtor e diretor americano Mack Sennett. Destacam-se os tipos desenvolvidos por Ben Turpin, Buster Keaton, Harold Lloyd e Charles Chaplin.

Charles Chaplin (1889-1977), diretor, produtor e ator, passa uma infância miserável em orfanatos, na Inglaterra. Emprega-se nos music halls em 1908 e adquire algum sucesso como mímico. Contratado por um empresário norte-americano, vai para os Estados Unidos em 1913 e, um ano depois, realiza seu primeiro filme - Carlitos Repórter (Making a Living - 1914). Seu personagem, Carlitos, o vagabundo com bengala, chapéu-coco e calças largas, torna-se o tipo mais famoso do cinema. Entre seus principais filmes estão O Garoto (Kid, The - 1921), Em Busca do Ouro (The Gold Rush - 1925), Luzes da Cidade (City Lights - 1931), Tempos Modernos (Modern Times - 1936) e O Grande Ditador (The Great Dictator - 1940).

Buster Keaton (1895-1966), Joseph Francis Keaton nasce nos Estados Unidos e estréia no palco aos 3 anos, acompanhado de seus pais, num número de acrobacia. Recebe o apelido de Buster (demolidor) por sua resistência aos tombos. Em 1917 começa no cinema, fazendo pontas. Três anos depois, passa à direção. Torna-se famoso com a criação de um tipo inesquecível - o cômico que nunca ri - consagrado em A General (The General - 1927) e Marinheiro de Encomenda (Steamboat Bill, Jr. - 1928), entre outros. É considerado um dos maiores nomes do cinema humorístico, comparável a Chaplin.

CINEMA FALADO - O advento do som, nos Estados Unidos, revoluciona a produção cinematográfica mundial. Os anos 30 consolidam os grandes estúdios e consagram astros e estrelas em Hollywood. Os gêneros se multiplicam e o musical ganha destaque. A partir de 1945, com o fim da 2a Guerra, há um renascimento das produções nacionais – os chamados cinemas novos.

PRIMEIRAS EXPERIÊNCIAS - As primeiras experiências de sonorização, feitas por Thomas Edison, em 1889, são seguidas pelo grafonoscópio de Auguste Baron (1896) e pelo cronógrafo de Henri Joly (1900), sistemas ainda falhos de sincronização imagem-som. O aparelho do americano Lee de Forest, de gravação magnética em película (1907), que permite a reprodução simultânea de imagens e sons, é comprado em 1926 pela Warner Brothers. A companhia produz o primeiro filme com música e efeitos sonoros sincronizados - "Don Juan" (Don Juan - 1926), de Alan Crosland, o primeiro com passagens faladas e cantadas - "O Cantor de Jazz" (The Jazz Singer - 1927), também de Crosland, com Al Jolson, grande nome da Broadway, e o primeiro inteiramente falado - "Luzes de Nova York", de Brian Foy (Lights of New York - 1928).

CONSOLIDAÇÃO - Em 1929 o cinema falado representa 51% da produção norte-americana. Outros centros industriais, como França, Alemanha, Suécia e Inglaterra, começam a explorar o som. A partir de 1930, Rússia, Japão, Índia e países da América Latina recorrem à nova descoberta.

A adesão de quase todas as produtoras ao novo sistema abala convicções, causa a inadaptação de atores, roteiristas e diretores e reformula os fundamentos da linguagem cinematográfica. Diretores como Charles Chaplin e René Clair estão entre os que resistem à novidade, mas acabam aderindo. "Alvorada do Amor" (The Love Parade - 1929), de Ernst Lubitsch, "O Anjo Azul" (Der Blaue Engel / The Blue Angel - 1930), de Joseph von Sternberg, e "M, o Vampiro de Dusseldorf" (M - 1931), de Fritz Lang, são alguns dos primeiros grandes títulos.

Dos anos 30 até a 2a Guerra, apesar de Hollywood concentrar a maior parte da produção cinematográfica mundial, alguns centros europeus como França, Alemanha e Rússia produzem obras que merecem destaque.

Imagine Uma Era Em Que As Mulheres Dominassem

2011-03-12T02:30:00.001-03:00

link Imagine Uma Era Em Que As Mulheres Dominassem

Por Wilson Meiler • sex, 14 de janeiro de 2011 •

Já dizia um famoso best-seller de milhares de anos: “Melhor é serem dois, do que um, porque têm melhor paga do seu salário. Porque se caírem, um levanta o companheiro. Ai porém do que estiver só; pois caindo não haverá quem o levante”.
Um dos princípios mais essenciais e singulares do sucesso é: “dificilmente alguém atrairá o sucesso na vida, caminhando somente com suas próprias pernas”.
Não importa quanto um piloto de Fórmula 1 seja bom na pista. Se a equipe falhar uma única vez durante uma parada nos boxes, ele está fora do pódio. Uma coisa você pode ter como garantida: nenhum competidor, por melhor que seja, jamais subirá no pódio unicamente por seu esforço. Pessoas bem sucedidas têm uma habilidade natural para atrair talentos para junto de si. Só que, atrair talentos não é suficiente para lhes garantir o sucesso. O seu grande trunfo está na forma como elas gerenciam para manter os seus associados e parceiros sintonizados com seus objetivos.
Acima de tudo, pessoas de sucesso têm a habilidade compartilhar a sua visão e obter o comprometimento das pessoas para essas visões, de tal forma que elas se tornam verdadeiros colaboradores. Os colaboradores participam de corpo e alma e lutam como se os objetivos do líder fossem os seus próprios objetivos. Mas isso só é obtido quando a visão do líder é, integralmente, compartilhada com os outros. Campeões agem assim, pessoas de sucesso fazem assim.
Se tomarmos exemplos históricos, veremos que grandes nomes nos negócios, na política, nas invenções, na construção civil, na poesia, no teatro, na música, etc.. estiveram sempre associados a uma pessoa ou grupo de pessoas que os apoiaram de diferentes maneiras: intelectualmente, emocionalmente, ou financeiramente. No início da década de 1920, o famoso Napoleon Hill já criara a teoria do “master mind” ou “mente mestra”, com a seguinte forma: “quando duas ou mais pessoas se reúnem em perfeita harmonia com a finalidade de atingir um determinado objetivo, esta aliança, se respeitada por todos, trará uma força sobre-humana de poder incomensurável e de natureza irresistível. Seria uma energia que se forma pela soma das energias das várias mentes do grupo, e estaria disponível para qualquer um dos integrantes do grupo, a qualquer momento que necessitasse resolver um problema, criar alguma coisa ou ter novas idéias. Essa energia seria utilizada até mesmo para apoiar e acalentar cada componente do grupo sempre que este se sentisse emocionalmente necessitado. É o que chamamos de sinergia, quando o total é sempre maior do que a soma das partes. Poucas pessoas sabem que por trás do sucesso de Henry Ford, um dos maiores e mais ricos industriais do mundo da época, estavam a força e apoio de sua esposa, Thomas Edison e Harvey Firestone, dos pneus Firestone. Thomas Edison, um dos maiores inventores do mundo, consolidou sua carreira e se tornou rico graças ao apoio que recebeu de duas pessoas: sua esposa e Edwin Barnes, de quem mais tarde se tornou sócio.
O mais interessante, contudo, sobre juntar as pessoas para atrair o sucesso, é que este parece ser um dom inato das mulheres. Estudos recentes têm revelado diferenças entre as estruturas cerebrais dos homens e das mulheres e a forma como se comportam. O sexo masculino, por natureza competitivo, compete com o sentido de “lutar até morrer”. Já as mulheres, trabalham com um senso de cooperação e não de competição. Você já observou que muitos homens só conseguem progredir e crescer após unirem-se a uma mulher? Da mesma forma, casais que juntos vêm tendo sucesso e crescimento constante, ao se separarem vão perdendo a vitalidade e definham nas mais diferentes áreas da vida?
Quem sabe se alcançássemos uma nova era, em que a liderança do mundo passasse a ser feminina não encontraríamos o equilíbrio e paz que tanto buscamos e cada vez mais nos distanciamos.

Próximo trabalho de Arte

2010-12-04T20:22:00.001-02:00

Vamos criar em cima deste video.

ENTREVISTA PARA TV MAIS N. H. - 29/09/2010

2010-10-04T22:18:00.000-03:00

Um dos melhores artistas gaúchos de 2009

2010-09-16T23:32:00.002-03:00

o vídeo fala por si mesmo:

Um mundo de imagens para ler

2010-09-16T23:25:00.001-03:00

Ao desvendar o universo visual de seu cotidiano, o aluno vai conhecer melhor a si mesmo, compreender sua cultura e ampliá-la com a de outros tempos e lugares.
Experimente contar quantas imagens você vê diariamente. São construções em diversos estilos, carros de vários modelos, pessoas vestidas cada uma a seu gosto. Há ainda a poluição visual das cidades, com propagandas e pichações, a televisão, a internet, as fotos de jornais e revistas... Alunos e alunas usam adereços nos cabelos e enfeitam cadernos com ilustrações de todo tipo. Muitas vezes isso passa despercebido e parece não ter sentido. Ledo engano. Esses elementos visuais estão carregados de informações sobre nossa cultura e o mundo em que vivemos. Portanto, têm muito a ensinar.
A cultura visual - nome desse novo campo de estudo - propõe que as atividades ligadas à Arte passem a ir além de pinturas e esculturas, incorporando publicidade, objetos de uso cotidiano, moda, arquitetura, videoclipes e tantas representações visuais quantas o homem é capaz de produzir. Trata-se de levar o cotidiano para a sala de aula, explorando a experiência dos estudantes e sua realidade.
Essa "alfabetização visual" dará ao aluno condições de conhecer melhor a sociedade em que vive, interpretar a cultura de sua época e tomar contato com a de outros povos. Mais: ele vai descobrir as próprias concepções e emoções ao apreciar uma imagem. "O professor tem de despertar o olhar curioso, para o aluno desvendar, interrogar e produzir alternativas frente às representações do universo visual", afirma Fernando Hernández, professor da Faculdade de Belas Artes de Barcelona, na Espanha.

Teoria

O arte-educador e pesquisador norte-americano Elliot Eisner escreveu que o ensino se torna mais abrangente quando utiliza representações visuais, pois elas permitem a aprendizagem de tudo o que os textos escritos não conseguem revelar. Com base nisso, um grupo de pesquisadores norte-americanos passou, nos anos 1990, a estudar a ligação da Arte com a Antropologia. Ganhou o nome de cultura visual e hoje envolve também Arquitetura, Sociologia, Psicologia, Filosofia, Estética, Semiótica, Religião e História. Fernando Hernández é hoje um dos principais pesquisadores do assunto. Ele destaca que estamos imersos numa avalanche de imagens e que é preciso aprender a lê-las e interpretá-las para compreender e dar sentido ao mundo em que vivemos. Assim, crianças e adolescentes serão capazes de analisar os significados da imagem, os motivos que levaram à sua realização, como ela se insere na cultura da época, como é consumida pela sociedade e as técnicas utilizadas pelo autor. Na escola, isso significa que o ensino de Arte ganha uma perspectiva mais profunda. De conhecedor de artistas e estilos, o aluno passar a ser leitor, intérprete e crítico de todas imagens presentes em seu cotidiano

Observar, produzir, avaliar

O ponto de partida para quem quer trabalhar a cultura visual é ficar atento no mundo à sua volta. Conhecer os objetos que fazem parte da realidade dos alunos e perceber quais são importantes para eles. E, claro, planejar as atividades conforme o projeto pedagógico da escola. Ao escolher os temas de estudo, dê preferência às imagens que façam sentido para os estudantes. O espanhol Fernando Hernández propõe alguns critérios. As representações devem ser inquietantes, estar relacionadas com valores comuns a outras culturas, refletir o anseio da comunidade, estar abertas a várias interpretações, ter sentido para a vida das pessoas, expressar valores estéticos, fazer com que o espectador pense, não apenas ser a expressão do narcisismo do artista, olhar para o futuro e não estar obcecadas pela idéia de novidade.
"Antes de apresentar determinada imagem à turma, observe-a atentamente e pergunte a si mesmo quais as possibilidades de ensino que ela oferece", ressalta Teresinha Franz, professora de Arte e Design da Universidade do Estado de Santa Catarina e da Fundação Catarinense de Cultura. Na sala de aula, abra o leque de opções. Levante questões para toda a classe. É provável que surjam outras abordagens, igualmente ricas para o aprendizado (leia mais abaixo no texto Representação da época e da cultura).
Se preferir estudar um objeto, ressalte que aquela peça contém várias informações, pode revelar novas culturas e estabelecer relações entre povos, lugares e tempos. Mirian Celeste Martins, professora do Instituto de Arte da Universidade Estadual Paulista e do Espaço
Pedagógico, sugere criar uma expectativa na turma "lançando questões provocativas ou apresentando representações diversas do tema que será trabalhado". Uma página de publicidade de revista pode levar a um passeio pelos quatro cantos do planeta (leia o texto Grande viagem cultural na próxima página).
Um bom jeito de trabalhar é pedir que cada aluno monte uma pasta, tipo portfólio, para registrar os passos do projeto - as impressões sobre cada tarefa são essenciais. No início todos podem escrever uma redação ou um relatório contando o que já sabem sobre o tema. Ao longo das aulas, comentários devem acompanhar a produção diária (que podem ser desenhos, textos, esculturas...). No final os alunos podem comparar o que sabiam no início do trabalho com o que aprenderam. Você também vai ter uma visão geral do aprendizado na hora de avaliar.
Imagens efêmere
As imagens em movimento (televisão, videoclipe, videogame, internet, cinema etc.) são chamadas de "efêmeras". Por isso, devem ser trabalhadas de maneira especial na escola. Gisa Picosque, especialista em Artes Cênicas e consultora de cursos de formação de professores, sugere que o professor analise e interprete as informações que os alunos memorizaram. Essa seleção mental já revela muito. "É um momento rico para conhecer os estudantes - e eles a si mesmos - por meio das sensações que as imagens provocaram", ressalta.
Cabe ao professor conhecer os filmes, programas, sites e jogos preferidos dos jovens - e levá-los a abandonar a posição de espectadores passivos. Pergunte sobre as emoções e sensações provocadas; com quais personagens ou situações a garotada se identifica (e quais provocam estranhamento). Que objetos, personagens e situações são mais marcantes? Por quê?
Em seguida organize as respostas, localize essa produção visual no tempo e no espaço e oriente a classe a realizar as pesquisas necessárias.
O visual da escola
Os estudos sobre cultura visual mostram que as imagens presentes em nosso cotidiano são fundamentais na formação de uma cultura crítica nas crianças e nos jovens. Como a escola é, desde cedo, um dos principais espaços freqüentados por eles, ela ajuda (ou atrapalha) no processo de alfabetização visual. Por isso, antes de colar algo na parede de sala, pense: o que esse desenho, foto, mural ou cartaz vai representar para meus alunos? "O educador precisa evitar oferecer aos estudantes um espaço carregado de significados preestabelecidos", afirma Fernando Hernández.
O alerta vale principalmente para as classes de Educação Infantil. A pretexto de oferecer um ambiente "familiar", é comum ver as salas decoradas com personagens de histórias infantis e de desenhos animados. Os especialistas garantem que isso só ajuda a cristalizar estereótipos nos pequenos - e não auxilia em nada no trabalho de educar o olhar. "O ideal é que os espaços sejam preenchidos com representações criadas pelas próprias crianças", diz Irene Tourinho, vice-coordenadora do curso de pós-gradução em Cultura Visual da Universidade Federal de Goiás. Uma idéia: professores e alunos podem levar objetos importantes para eles (brinquedos, objetos de uso pessoal ou da decoração de casa etc.) e montar uma exposição para que todos observem e troquem informações sobre a importância de cada peça para seu dono, um trabalho ao mesmo tempo único e enriquecedor.

Representação da época e da cultura

Loris Gruginski, de Florianópolis, decidiu mostrar a seus alunos de 8ª série da Escola Estadual de Ensino Básico Padre Anchieta como a cultura visual pode ser um instrumento de cidadania e uma forma de expressão estética. Escolheu um quadro do conterrâneo Victor Meirelles e definiu um objetivo: estudar a cidade pelos olhos do pintor. "Os artistas representam sua época e sua cultura. Nós também podemos ser representantes de nossa época e de nossa cultura", diz. Ao iniciar o trabalho, porém, os estudantes se interessaram também pela moda do século 19, revelando um olhar surpreendente (e mais detalhado) sobre o tema.
Antes de visitar o museu dedicado a Meirelles, Loris levou gravuras para a sala de aula e mergulhou com a turma na obra do pintor. Conhecer como era a cidade 200 anos antes fez a garotada abrir os olhos para a realidade. "Todos passaram e se preocupar com o bairro em que vivem e seu entorno." A professora, então, selecionou imagens da cidade e pediu que os jovens fizessem novos quadros dos mesmos locais. Os desenhos e guaches produzidos foram colocados num grande painel, na escola. Como a moda era também tema de estudos do artista, muitos quiseram se aprofundar nesse aspecto. Uma parceria com uma universidade local permitiu criar oficinas de confecção de roupas e deu origem a uma série de pesquisas sobre a importância da indústria têxtil para a economia de Santa Catarina - ontem e hoje.

Roteiro para o olhar

O pesquisador norte-americano Robert William Ott, da Penn State University, criou o seguinte roteiro para treinar o olhar sobre obras de arte, mas ele pode ser adaptado a atividades ligadas à cultura visual. O diferencial é fazer sempre a relação com a realidade do aluno:1) Descrever
Para aproveitar tudo o que uma imagem pode oferecer, os olhos precisam percorrer o objeto de estudo com atenção. Dê um tempo para a obra se "hospedar" no cérebro. Em sala de aula, peça que todos descrevam o que vêem e elaborem um inventário.2) Analisar
É hora de perceber os detalhes. As perguntas feitas pelo professor devem ter por objetivo estimular o aluno a prestar atenção na linguagem visual, com seus elementos, texturas, dimensões, materiais, suportes e técnicas.3) Interpretar
Um turbilhão de idéias vai invadir a classe e você precisa estar atento a todas elas, para
aproveitar as diversas possibilidades pedagógicas. Liste-as e eleja com a turma as que
correspondam aos objetivos de ensino. Meninos e meninas devem ter espaço para expressar as próprias interpretações, bem como sentimentos e emoções. Mostre outras manifestações visuais que tratem do mesmo tema e estimule-os a fazer comparações (cores, formas, linhas, organização espacial etc.).4) Fundamentar
Levantadas as questões que balizarão o trabalho, é tarefa dos estudantes buscar respostas.
Elabore junto com eles uma lista com os aspectos que provocam curiosidade sobre a obra, o autor, o processo de criação, a época etc. Ofereça textos de diversas áreas do conhecimento para pesquisa e indique bibliografia e sites para consulta, selecionando os textos de acordo com os interesses e o nível de conhecimento da classe.5) Revelar
Com tantas novidades e aprendizados, a turma certamente estará estimulada a produzir.
Discuta com todos como gostariam de expor as idéias que agora têm. Quais são essas idéias e como comunicá-las? É hora criar, desenhar, escrever, fazer esculturas, colagens...
Exercício

A consultora Mirian Celeste Martins mostra, a seguir, como observar objetos do cotidiano e aprender com eles. Neste exemplo ela usou xícaras. Se você escolher outros materiais para explorar com seus alunos, é preciso adaptar as questões. O primeiro passo é fazer uma descrição detalhada, para conhecer as características e funções. Em seguida passe às perguntas.

· Em sua casa as pessoas têm o hábito de tomar café e/ou oferecê-lo às visitas?
· Quais as semelhanças e diferenças entre as xícaras ao lado? Descreva-as.
· Para que serve cada um de seus elementos? Por que foram desenhados assim?
· Todas estas xícaras são utilizadas hoje? Onde? Por quem?
· É possível estimar em que época elas foram feitas? Quais elementos levam a essas hipóteses? Por quem foram produzidas? Em que época?
· O que essas imagens provocam em você? Perceba suas emoções e sensações.
· Como seu corpo reage às três xícaras e à obra de Regina Silveira?
· O que podemos pensar sobre os hábitos de nossa cultura?
· Outros povos têm costume de tomar café? Eles produzem outros tipos de xícara?
· Por que os americanos tomam a bebida em xícaras grandes? Por que os árabes costumam ler a borra do café que fica no fundo da xícara?
· Como seria nosso auto-retrato como xícara? Que tipo de xícara seríamos?
· O que se pode criar com base nas imagens acima? É possível inventar histórias para cada uma, criar personagens com as mesmas características das xícaras? Escrever, desenhar, dramatizar, dançar, esculpir uma cena dessa história? Criar um novo desenho de xícara, pensando em quem tem um grande bigode ou um enorme nariz?

Grande viagem cultural

No início do ano passado, Célia Maria Meirelles começou a estudar a formação do povo brasileiro por meio da arte com suas turmas de 7ª série na Escola Municipal Governador Ildo Meneghetti, em Porto Alegre. Ninguém imaginava que o trabalho se estenderia por mais de um ano - só está previsto para terminar em junho. Tudo começou com um anúncio que a professora viu numa revista. A página, dividida em quatro faixas horizontais (nas cores vermelha, amarela, branca e preta), tinha os dizeres: "Quando você mistura as cores das quatro raças, você tem a cor da Terra". Ela usou o material para cutucar a garotada e convidar todos para uma longa viagem cultural.
Antes do embarque, uma reflexão sobre a palavra viagem, ilustrada com imagens de jornais e revistas. Os alunos descreveram e justificaram suas escolhas, falaram sobre as sensações ao apreciar os trabalhos - que foram usados para encapar o "diário de bordo", portfólio que registra os passos do aprendizado. A primeira escala foi no Brasil antes da chegada dos portugueses. Os jovens estudaram o significado das formas geométricas presentes nas pinturas corporais e em cestas e potes. Em seguida produziram peças de cerâmica e madeira.
Aproveitando o interesse provocado pela Copa do Mundo na Coréia do Sul e no Japão, a Ásia virou foco de estudo. Durante uma semana, todos anotaram o que viram nos jornais e ouviram na televisão sobre o Oriente, para compartilhar dúvidas em classe. Depois os alunos participaram de oficinas de origâmis e chapéus típicos de papel-machê e, junto com outros professores, tomaram chá verde em silêncio, como num típico ritual oriental.
A cultura negra rendeu estudos sobre tecidos e jóias, com direito a reprodução de estamparias e adereços - devidamente acompanhados de textos explicativos. Neste ano o trabalho recomeçou com os europeus. Mas o grande barato é mesmo o produto final bolado por Célia e seus alunos: a montagem de malas que revelassem todas as culturas estudadas, tal qual um turista que guarda objetos dos lugares que visitou para nunca se esquecer do que aprendeu na viagem.

Tecnologia & Educação

2010-09-16T23:11:00.002-03:00

Os Chats - uma ferramenta didática

As Tecnologias da Informação e da Comunicação têm vindo a provocar uma enorme mudança na Educação, originando novos modos de difusão do conhecimento, de aprendizagem, e, particularmente, novas relações entre professores e alunos. As pesadas enciclopédias foram substituídas pelas enciclopédias digitais, pela consulta de portais acadêmicos e outros locais diversificados. Passamos a utilizar sistemas eletrônicos e apresentações coloridas para tornar as aulas mais atrativas e, frequentemente, deixamos de lado o tradicional quadro negro e o giz e passamos diretamente para as superfícies e projeções intercativas.
A revolução originada pela Internet possibilita que a informação produzida e disponibilizada em qualquer lugar esteja rapidamente disponível em todo o Mundo, originando uma mudança nas práticas de comunicação e, consequentemente, educacionais, em vários aspectos tais como na leitura, na forma de escrever, na pesquisa e até como instrumento complementar na sala de aula ou como estratégia de divulgar a informação, permitindo tanto o ensino individualizado como o trabalho cooperativo e em grupo entre alunos.
O computador por seu lado vem-se afirmando também pelo interesse que causa nos alunos. Curiosos e entusiasmados para aprenderem a mexer, eles ficam atentos a todo tipo de orientação e novidade relacionada ao computador e a Internet. A informática tem, assim, o poder de entreter mesmo aqueles alunos com dificuldades de comunicação e concentração. Deste modo, educar no mundo de hoje é uma tarefa não só das escolas e universidades, mas também da rede mundial de computadores.
Outra questão a ser considerada, é que neste novo sistema do mundo tecnológico, o professor deixou definitivamente de ser o detentor de todo o saber, para se afirmar como um orientador, um intermediário entre o aluno e os conhecimentos que a Internet pode fornecer.
A passagem do papel do professor de veículo transportador de informação para o de condutor desse mesmo veículo reforça-lhe a importância, se assumirmos a Internet como uma espécie de “território livre”, onde tudo pode ser publicado. O discernimento da qualidade das fontes de informação e a análise da sua fidedignidade são deste modo papéis fundamentais desempenhados pelo professor. A sua participação é crucial para orientar o aluno evitando que ele incorra em erros ou se apóie em informações imprecisas. Para mim, este é um dos mais importantes papéis do professor no contexto atual: oferecer aos alunos orientação para consultas e pesquisas, aproveitando eficazmente as potencialidades da Internet.
Por outro lado o aparecimento de formatos comunicacionais mais apelativos e abrangentes coloca nos pedagogos inquietações constantes no sentido de transportarem para o território educativo - as redes sociais, os fóruns, os chats e toda a diversidade intercativa hoje existente.
É neste contexto que experimentei transformar os chats em ferramenta educacional. Assumindo o papel de orientador e despoletado das pesquisas por parte dos alunos, constatei que os mesmos desenvolveram competências de pesquisa, tornando-se mais autônomos e colaborativos. O procedimento é relativamente simples e disponível a qualquer docente. No fundo trata-se de recorrer a um serviço de Chat, o que se consegue gratuitamente na Internet, e fazer com que o mesmo seja acessível a todos os alunos de uma dada turma. Depois de todos estarem ligados no chat, o docente coloca uma questão temática, os alunos procuram a resposta e respondem igualmente por chat. Deste modo e em seqüência cada aluno vai poder responder ao docente e às questões que os colegas tenham sugerido. Pode igualmente comentar as respostas dos colegas, assim como pedir ajuda ou partilhar o encanto/estupefação pelo que acabou de ler. A possibilidade de “em tempo real” enviar, aos restantes participantes, as ligações para os sítios que visitou permite a troca de pontos de vistas sobre um mesmo assunto. Depois de uma fase de teste em sala de aula, esta metodologia permite que em situações de isolamento, por motivos de saúde ou outros, o aluno possa permanecer em “contato direto” com os seus colegas de turma.

O que é Stop Motion?

2010-07-13T21:15:00.001-03:00

Aprenda um pouco mais sobre esta técnica utilizada tanto em produções milionárias quanto em animações caseiras.
É provável que você já tenha ouvido falar sobre e mais provável ainda que já tenha visto alguma animação feita com a técnica chamada de Stop Motion. Ela é bastante usada por gigantes do entretenimento como a Disney e também na criação de animações caseiras e não tão pomposas.
Usada tanto em desenhos animadas quanto em filmes com atores reais, esta técnica é bastante difundida no meio cinematográfico e há alguma décadas faz parte da rotina criativa de diversas pessoas ao redor do mundo.
Para esclarecer bem o que é isso, nós do Baixaki criamos um artigo sobre este assunto. Aqui você aprenderá não somente o que é o Stop Motion, mas também algumas dicas para deixar sua veia cinematográfica vir à tona através das animações! Vamos lá?

Mas que raios é o Stop Motion?
Stop Motion (que poderia ser traduzido como “movimento parado”) é uma técnica que utiliza a disposição sequencial de fotografias diferentes de um mesmo objeto inanimado para simular o seu movimento. Estas fotografias são chamadas de quadros e normalmente são tiradas de um mesmo ponto, com o objeto sofrendo uma leve mudança de lugar, afinal é isso que dá a ideia de movimento.

Cientificamente falando, o Stop Motion só é compreendido como movimentação pelo fenômeno da Persistência Retiniana. Ele provoca a ilusão no cérebro humano de que algo se move continuamente quando existem mais de 12 quadros por segundo. Na verdade, o movimento desta técnica cinematográfica nada mais é que uma ilusão de ótica.

E como isso tudo começou?

A história do Stop Motion remonta aos primórdios do cinema. O mágico e ilusionista francês George Mélies viu nesta arte uma ótima possibilidade para dar sequência aos seus truques misteriosos que encantavam a todos. A partir da técnica do Stop Motion ele alcançou o ápice de sua carreira cinematográfica com o filme Viagem à Lua, de 1902. No curta, a chegada na Lua de um foguete com tripulação humana é criada a partir desta técnica.

Ao longo do século XX a técnica foi sendo desenvolvida e aprimorada por diversos diretores de cinema e durante muito tempo foi a base para efeitos especiais em filmes com robôs e monstros, pois como ainda não existia toda esta tecnologia capaz de criar qualquer coisa a partir de um computador, os cineastas recorriam à movimentação quadro a quadro.

Esta técnica foi utilizada na saga Star Wars, do diretor estadunidense George Lucas e revolucionou o cinema com suas habilidades de efeitos especiais usando o Stop Motion. Outro que chamou (e ainda chama) atenção para o uso desta técnica é o também estadunidense Tim Burton. Em 1982, Burton criou Vincent, um curta-metragem de terror para crianças todo em Stop Motion. Em 2005 o diretor repete a dose, agora em um longa, com A Noiva Cadáver.

O aclamado filme A Fuga das Galinhas (Grã Bretanha, 2000), dirigido por Nick Park e Peter Lord e O Estranho Mundo de Jack (EUA, 1993) de Henry Selick também são bons exemplos de sucesso desta técnica.

Crie seu próprio Stop Motion

Para criar seu Stop Motion você precisará, primeiramente, de duas coisas: um computador com um programa para a edição de vídeo e uma câmera fotográfica digital. Tendo isso, você precisará agora de personagens, que podem ser bonecos vendidos em lojas ou feitos com massa de modelar.

Dicas importantes

• Planeje sua filmagem – procure elaborar um roteiro, espaço de movimentação dos personagens e cenário para não ter nenhuma surpresa durante a filmagem e acabar perdendo tempo e trabalho.

• Utilize menos quadros por segundo (fps) – vídeos usam 30 fps e fazer isso em Stop Motion dará um bom trabalho. Tente usar 12 ou 15 e você em um bom número!

• Evite movimentar a câmera – quanto menos movimentar a câmera melhor será o resultado final.

• Aproveite recursos do editor – alguns efeitos de movimentação podem ser adicionados na edição, o que poupa trabalho e evita erros durante as filmagens.

• Suavidade de movimentação – para tornar mais real sua animação, suavidade nos movimentos é essencial. Isso pode ser incrementado através do efeito Blur (desfoque) do editor de vídeos.

Objetivo - Roberto Shinyashiki

2010-03-11T21:28:00.001-03:00

"Não conheço ninguém que conseguiu realizar seu sonho, sem sacrificar feriados e domingos pelo menos uma centena de vezes. Da mesma forma, se você quiser construir uma relação amiga com seus filhos, terá que se dedicar a isso, superar o cansaço, arrumar tempo para ficar com eles, deixar de lado o orgulho e o comodismo. Se quiser um casamento gratificante, terá que investir tempo, energia e sentimentos nesse objetivo, pois ao contrário, acabará perdendo seu grande amor. O sucesso é construído à noite! Durante o dia você faz o que todos fazem. Mas, para obter um resultado diferente da maioria, você tem que ser especial. Se fizer igual a todo mundo, obterá os mesmos resultados. Não se compare à maioria, pois infelizmente ela não é modelo de sucesso. Se você quiser atingir uma meta especial, terá que estudar no horário em que os outros estão tomando chope com batatas fritas. Terá de planejar, enquanto os outros permanecem à frente da televisão. Terá de trabalhar enquanto os outros tomam sol à beira da piscina. A realização de um sonho depende de dedicação. Há muita gente que espera que o sonho se realize por mágica. Mas toda mágica é ilusão. A ilusão não tira ninguém de onde está. Ilusão é combustível de perdedores. "Quem quer fazer alguma coisa, encontra um MEIO. Quem não quer fazer nada, encontra uma DESCULPA."

VIVER

2010-01-18T18:44:00.002-02:00

1.Compartilhe tudo;
2. Jogue dentro das regras;
3. Não bata nos outros;
4. Coloque as coisas de volta onde pegou;
5. Arrume sua bagunça;
6. Não pegue as coisas dos outros;
7. Peça desculpas quando machucar alguém; mas peça mesmo!
8. Lave as mãos antes de comer e agradeça a Deus antes de deitar;
9. Dê descarga; (esse é importante)
10. Biscoitos quentinhos e leite fazem bem para você;
11. Respeite o limite dos outros;

12. Leve uma vida equilibrada: aprenda um pouco, pense um pouco... desenhe, pinte, cante, dance, brinque, trabalhe um pouco todos os dias;

13. Tire uma soneca a tarde; (isso é muito bom);

14. Quando sair, cuidado com os carros;

15. Dê a mão e fique junto;

16. Repare nas maravilhas da vida;

17. O peixinho dourado, o hamster, o camundongo branco e até mesmo a sementinha no copinho plástico, todos morrem... nós também.
"O importante é aproveitar o momento e aprender sua duração, pois a vida está nos olhos de quem souber ver"... (Pedro Bial)

Técnicas da Arte Moderna e Contemporânea

2010-01-09T06:04:00.001-02:00

Ao contrário da arte tradicional, em que a habilidade, a técnica e a forma são o mais importante, dentro da arte moderna a mensagem, o significado e a inovação são o mais importante, nem sempre traduzido numa forma própria

Apropriação

Apropriação é quando um artista, ao invés de criar um conceito ou imagem original, simplesmente se apropria de um conceito já existente. Por exemplo, um filme de faroeste, que utiliza-se de conceitos fartamente conhecidos(O caubói solitário, o deserto, etc) ao invés de criar conceitos desconhecidos ou quando alguém faz uma sátira a um filme já existente(exemplo, filmes como Todo Mundo em Pânico).

Dentro da arte moderna, a apropriação teve início com Marcel Duchamp, que colocou um bigode dentro de um postal da Mona Lisa. Ele não criou uma imagem, simplesmente se valeu da fama e do valor estético de uma imagem já existente – se você não conhece a Mona Lisa, ela não tem valor. Picasso e Salvador Dali também produziriam homenagens a quadros conhecidos. A chamada arte pop também se utilizaria dela, só que com elementos da cultura de massa – personagens de HQs, filmes e embalagens de produtos de supermercado(Vide a obra de Andy Warhol e Roy Liechenstein)..

A base da apropriação está em não só saber criar uma imagem diferente, mas em saber utilizar o valor já existente de uma imagem já existente. Pode ser uma sátira, uma homenagem, mas sempre usando uma imagem já existente.

A criação de softwares de tratamento de imagens permitiu que a apropriação fosse levada a extremos e de uma certa forma até vulgarizada.

Abstracionismo

Apesar da arte abstrata ser comum entre árabes e outros povos, na Europa o grande introdutor da arte abstrata é o russo Wassily Kandinsky. A arte abstrata não trabalha com o desenho de formas que lembram ou reproduzem objetos, pessoas ou coisas(Mesmo o desenho pouco detalhado e elaborado dessas formas não significa arte abstrata), mas com formas, linhas e manchas que não lembram figura nenhuma nem tentam ter um significado(Um adendo: Picasso costumava dizer que não havia arte abstrata, justamente por quê toda arte abstrata lembra alguma coisa).

Como lembrou o filósofo alemão Arthur Schopenhauer(Antes da arte abstrata ser desenvolvida no Ocidente) e posteriormente os pintores abstratos, a arte abstrata é como a música. A música, por mais que trabalhe com sons, não depende da imitação de sons da natureza, como granidos de patos, barulhos de carros ou passarinhos. A arte abstrata parte pelo princípio: criar composições agradáveis sem depender da representação de objetos já existentes na natureza(Se você desenhar uma vaca, boa parte das sensações que isso irá causar nas pessoas irá vir do fato de pessoas odiarem ou amarem vacas, não nos méritos do seu desenho.). Não significa rabiscos aleatórios, pelo contrário.

Arte abstrata exige composições agradáveis ou agressivas, mas que consigam transmitir emoções. Um quadro abstrato de composição pobre ou berrante não é um bom quadro, por exemplo.

Instalação/Ready Mades

A instalação é uma variante da escultura em que o artista, ao invés de modelar ou esculpir uma figura, ele se utiliza de materiais diversos(Ex, Sucata, pedaços de metal, aço, estruturas de metal, etc) para criar uma estrutura dimensional, tendo ela um significado direto ou não.

A boa instalação não é um amontoado aleatório de objetos, mas uma estrutura que consiga fazer com que o espectador pense sobre determinado assunto ou seja impactado com isso. Ou seja, a instalação lembra determinada coisa ou assunto, ou faz o espectador lembrar de alguma coisa, ou ainda faz algum tipo de mensagem. Ou claro, criar uma estrutura impactante por si só.

Marcel Duchamp, ao inscrever um mictório dentro de uma exposição de arte(Em que qualquer quadro cujo o autor pagasse para entrar seria inscrito), criaria o conceito de ready made dentro da arte moderna, ao criar uma obra de arte que desafiava o próprio conceito de obra de arte: o mictório seria batizado de “A Fonte”(O mesmo nome de um quadro clássico de Ingres). Isso somado ao conceito das esculturas gigantescas e abstratas dos concretistas levaria ao advento das instalações na Década de 1970.

A base do conceito de instalação é juntar objetos que tenham uma determinada carga emocional por si só e criar uma composição de tons fortes, dando-lhe determinado significado ou fazer com que este conjunto implore por um significado. Por exemplo, Nuno Ramos, em 1993, criou uma instalação com paralelepípedos e betume como uma forma de protesto contra o Massacre na Casa de Detenção no Carandiru, naquele mesmo ano.

Se instalações sofrem críticas ferinas, muitas vezes por sua falta de coesão(Não raro instalações são confundidas com lixo e jogadas fora por faxineiros desavisados em galerias e piadinhas em cartuns de pessoas confundindo ar condicionados e extintores com obras de arte viraram clichê), elas permitem que o espectador tenha uma experiência artística diferente, em loco.

Vídeo-arte

A vídeo-arte é uma modalidade de instalação em que uma televisão com algum vídeo é enviada para alguma televisão. O vídeo pode fazer parte de uma instalação maior, ou ser uma apresentação sem relação nenhuma com outras obras no entorno.

Perfomance

A performance é uma modalidade de instalação que combina alguma apresentação corporal com a obra de arte em si. Geralmente é produzida pelo artista em ocasiões específicas, não representando todo o tempo de duração de uma exposição.

Multimídia

Multimídia é o nome que se dá para a instalação que trabalha com imagens e textos via algum recurso interativo, geralmente um programa de computador ou similar.

Contextualizando: Não é difícil contextualizar esse tipo de conteúdo. A arte abstrata é uma velha conhecida dos alunos e a apropriação pode ser ensinada com o uso de fotomontagem: os alunos misturam elementos de fotos diversas com recortes(Colocar, por exemplo, cabeças de animais em pessoas).

A instalação/ready made não é complicada: traga uma caixa cheia de sucata, e peça para os alunos fazerem o mesmo. Daí, em grupos, peça para eles montarem uma pequena instalação com esses elementos tendo instalações conhecidas como base. Mantenha um ambiente calmo e descontraído, sem exigir significados ou outras coisas complexas.Os trabalhos abaixo foram feitos por uma classe de EJA, mas creio que isso funciona bem em salas de Ensino Médio normal. Note que crianças até antes da Sétima Série têm dificuldade em distinguir arte abstrata e simbolismo atrás de quadros, portanto, não sendo muito apropriadas para esse tipo de trabalho.

Por fim, o segredo é se prender à técnicas, não à incontáveis escolas e artistas do período. Não é preciso falar de Naum Gabo. Alexander Calder, Op Art, Pop Art, etc.

TE AMO! (p/ minha esposa Adriane)

2010-01-09T05:10:00.002-02:00

“Te amo de uma maneira inexplicável..De uma forma inconfessável, de um modo contraditório..

Te amo , com meus estados de ânimo que são muitos e mudar de humor continuadamente pelo que você já sabe......O tempo, a vida, a morte...Te amo, com o mundo que não entendo, com as pessoas que não compreendem, com a ambivalência de minha alma, com a incoerência dos meus atos, com a fatalidade do destino, com a conspiração do desejo, com a ambiguidade dos fatos...

Ainda quando digo que não te amo, te amo...Até quando te engano, não te engano

No fundo levo a cabo um plano para amar-te melhor...Te amo , sem refletir, inconscientemente, irresponsavelmente, espontaneamente, involuntariamente, por instinto, por impulso, irracionalmente ..De fato não tenho argumentos lógicos nem sequer improvisados para fundamentar este amor que sinto por ti... Que surgiu misteriosamente do nada, que não resolveu magicamente nada, e que milagrosamente, pouco a pouco, com pouco e nada, melhorou o pior de mim...Te amo com um corpo que não pensa, com um coração que não raciocina, com uma cabeça que não coordena...Te amo incompreensivelmente, sem perguntar-me porque te amo, sem importar-me porque te amo, sem questionar-me porque te amo...Te amo simplesmente porque te amo...Eu mesmo não sei porque te amo..."

Auorretrato

2010-01-06T22:36:00.003-02:00

Autorretrato pode ser um desenho, um texto, uma canção. É alguém falando de si mesmo. Mas quem garante que ele não está inventando história? No meio da realidade, sempre vem um monte de fantasia. Como dizia John Lennon, "metade do que eu digo não faz sentido". Agora, qual a metade que vale, você vai ter que descobrir sozinho.

A oficina de criação da maioria dos artistas fica numa zona nebulosa entre a ficção e a realidade. É ali que nascem roteiros, romances, coreografias. O processo de criação é uma das mais belas manifestações do ser humano. Dizem que o homem foi feito à imagem e semelhança de Deus pela sua capacidade de criar. Já fiz muitas coisas na vida, entre elas, minha obra- prima Enzo.

Esse é o conceito que permeia todo o trabalho: o valor da amizade e o prazer de compartilhar com os outros o que se tem de melhor. "Tu me ensina a viver / Que eu te ensino a sonhar". Um sentimento clássico que sempre se renova e hoje encontra sintonia com as novas relações virtuais, onde as pessoas se expõem cada vez mais na internet através de fotos, vídeos e textos.

É claro que muitos, disfarçados por uma foto retocada, inventam um falso perfil para conseguir dizer certas coisas. Já é um começo. Aos poucos irão tomando coragem para revelar seus segredos mais íntimos de peito aberto, escancarado.

No meio da fantasia, sempre vem um monte de realidade. Fernando Pessoa escreveu que "O poeta é um fingidor. Finge tão completamente que chega a fingir que é dor a dor que deveras sente". Tem gente que faz poesia. Tem gente que pinta um quadro. Tem gente que faz cinema. Agora, o que é delírio e o que é documentário? Vai saber...

Eu faço quadros, esculturas, escrevo bobagens e dou aula de arte. É o que sei fazer. É o meu jeito de abrir o coração e contar histórias.

E você? Como é que você faz? Você tem figurinhas pra trocar?

Na dúvida, abstenha-se. (Waldo Vieira)

2010-01-06T22:10:00.006-02:00

Na dúvida, abstenha-se

Vale a pena empregar essa norma em todo o tipo de decisão, vacilação ou dúvida quanto a uma decisão de destino, mais séria. As vezes, é melhor dormir até o outro dia a fim de caracterizarmos melhor um pensamento decisivo.

Isso também passa.
Na hora da crise muita intensa e aguda, coloque estas 3 palavras, em letras grandes, no pé de sua cama, para você ler enquanto estiver repousando e refletir sobre seu conteúdo. Não há nada eterno na vida humana, inclusive as coisas negativas ou que não atendem aos nossos interesses, em geral ainda muito egoísticos.

Insista, não desista do bom empreendimento.
Se o objetivo é construtivo e os seus meios são honestos quanto aos direitos das consciências, não desista facilmente do que esteja produzindo.

Que aconteça o melhor para todos.
Você veio à vida humana para servir às outras consciências. Em seus desejos e evocações, coloque os semelhantes em primeiro lugar.
É melhor ser inteligente e desistir de pedir exclusivamente para você. (Waldo Vieira)

COMO PREPARAR UMA AULA?

2009-09-21T12:09:00.003-03:00

Vencendo paradigmas, a educação deve ser um bom casamento a três: professor, aluno e escola

Enio Moraes Júnior

“O que é necessário, hoje em dia, para preparar uma boa aula?”, resmungou uma colega, professora de um curso de graduação em Comunicação Social em São Paulo. E continuou: “Já tentei de tudo e aqueles alunos não conseguem se interessar”. Ela relatava que já havia levado vídeos, fotos, jornais e cases publicitários para analisar em sala de aula e nada: nenhum fiozinho de resposta, de agrado.

Mas como era apenas um desabafo, deixei que ela falasse, ouvi atentamente. Despedimo-nos e seguimos nossos caminhos para as aulas do segundo horário. Mas não tirei aquele desabafo, aquela inquietação da cabeça.

Pensei que as novas tecnologias, o novo mundo, têm ensejado muitas discussões sobre o novo perfil do aluno, as novas práticas docentes: discutem-se do valor da imagem ao do uso da internet; do poder da interatividade ao uso de recursos multimídia em sala de aula. Mas o fato é que muito pouco tem sido discutido a respeito do professor.

Quem é esse profissional, como ele deve preparar-se para os desafios de novas concepções pedagógicas e didáticas? Que crises ele enfrenta e como isso interfere – e ao mesmo tempo é interferência – da relação que ele estabelece com os aluno e com a escola (donos, diretores etc)? Afinal, o processo ensino-aprendizagem é uma via de muitas mãos, e os todos os lados têm que estar em sintonia.

Além disso, qual o acesso que os professores têm às novas tecnologias de comunicação e de informação, hoje tão celebradas em sala de aula? Como as escolas – sejam públicas ou privadas, de ensino fundamental, médio ou superior – têm estimulado no professor esse novo perfil? Qual o suporte material e profissional que elas têm dado aos seus docentes?

Com base nas conversas que tenho tido com alguns professores e com alunos de pós-graduação, que também são professores – para quem ministro aulas de Educação e Tecnologias da Comunicação em algumas escolas em São Paulo –, arrisco uma resposta: os professores, sobretudo os das escolas públicas, têm pouco ou nenhum acesso às novas tecnologias e as escolas, sejam públicas ou privadas, têm negligenciado as condições técnicas e materiais desse acesso aos docentes.

Autocrítica, aprendizagem, articulação – Retomando o desabafo da minha colega, diria que, hoje em dia, para se preparar uma boa aula é necessário autocriticar-se, aprender sempre e articular forças.

Autocriticar-se é pensar que os tempos estão mudando e que precisamos mudar também, é estar insatisfeito e lidar com isso – talvez seja nessa etapa que esteja minha colega. Mas essa inquietação deve ser percebida e trabalhada de forma positiva, propositiva. Algo de útil deve ser feito com ela, e o melhor a fazer é aprender...

Na sociedade do conhecimento, lidar com as mudanças é aprender a mudar, é assumir que o aprendizado não tem fim, é e deve ser permanente. Mas nesse caminho, é preciso articular outros atores. Os alunos e as escolas têm que ser chamados a assumir suas tarefas, seu compromisso e responsabilidade com a aprendizagem.

Cabe ao aluno ser parceiro do professor na construção das “boas aulas”, mas para isso ele precisa ser convidado, estimulado, por esse professor, a tomar parte nesse processo. Além disso, cabe às escolas realizar investimentos não apenas em tecnologias, mas na aprendizagem e adaptação do professor, para que isso possa retornar ao aluno.

Mas não se pode perder de vista que a palavra educação – que vem do latim educãre (alimentar, criar) e educere (conduzir para fora, tirar) – continua remetendo a um estímulo (alimento) para trazer à tona (condução). Por isso, seja no pensamento dos clássicos greco-romanos, de autores mais recentes, como Carl Rogres ou até mesmo Paulo Freire e Edgar Morin, o ato educativo continua a merecer um ingrediente fundamental das boas receitas: amor.

Mas ressalte-se: não o amor piegas que leva ao comodismo ou à leniência, mas o amor do compromisso com o outro, com o outro-universal, como diz Morin. Esse amor, que é amor-compromisso, amor-responsabilidade, também não é unilateral, não pode ser uma tarefa árdua e sofrida que cabe ao professor.

Trata-se de um amor que precisa ser, na mesma medida, correspondido. É também compromisso e responsabilidade do aluno e da escola que o acolhe para a tarefa que, em tese, lhe é confiada: ensinar. Juntas, articulados no amor-compromisso e no amor-responsabilidade, professores, alunos e escolas encontrarão, inquietos e criativos, o melhor caminho para preparar uma boa aula.

Dicas de Filmes

2009-09-01T21:46:00.001-03:00

Anos 80

1º	O Touro Indomável (Martin Scorsese
2º	Fanny & Alexander (Ingmar Bergman)	1982
3º	Amadeus (Milos Forman)	1984
4º	Ran (Akira Kurosawa)	1985
5º	Blade Runner, o Caçador de Andróides (Ridley Scott)	1982
6º	ET - O Extraterrestre (Steven Spielberg)	1982
7º	Era uma Vez na América (Sergio Leone)	1984
8º	Os Caçadores da Arca Perdida (Steven Spielberg)	1981
9º	Asas do Desejo (Wim Wenders)	1987
10º	O Decálogo (Krzysztof Kieslowski)	1989
11º	Shoah (Claude Lanzmann)	1985
12º	Gandhi (Richard Attenborough)	1982
13º	Guerra nas Estrelas: Episódio 5 - O Império Contra-Ataca (Irvin Kershner)	1980
14º	Berlin Alexanderplatz (Rainer Werner Fassbinder)	1980
15º	O Iluminado (Stanley Kubrick)	1980
16º	Tootsie (Sydney Pollack)	1982
17º	Platoon (Oliver Stone)	1986
18º	Breaker Morant (Bruce Beresford)	1980
19º	Jean de Florette (Claude Berri)	1986
20º	Hannah e Suas Irmãs (Woody Allen)	1990

Anos 90

	Ano	Nota
1º	A Lista de Schindler (Steven Spielberg)	1993
2º	Os Bons Companheiros (Martin Scorsese)	1990
3º	Tempo de Violência (Quentin Tarantino)	1994
4º	O Silêncio dos Inocentes (Jonathan Demme)	1991
5º	Fargo (Joel Coen)	1996
6º	Tudo Sobre Minha Mãe (Pedro Almodóvar)	1999
7º	Tempo de Viver (Zhang Yimou)	1994
8º	Close Up (Abbas Kiarostami)	1990
9º	Um Sonho de Liberdade (Frank Darabont)	1994
10º	Lanternas Vermelhas (Zhang Yimou)	1991
11º	O Piano (Jane Campion)	1993
12º	O Jogador (Robert Altman)	1992
13º	Trainspotting, Sem Limites (Danny Boyle)	1996
14º	Os Imperdoáveis (Clint Eastwood)	1992
15º	Segredos e Mentiras (Mike Leigh)	1996
16º	A Fraternidade É Vermelha (Krzysztof Kieslowski)	1994
17º	Festa de Família (Thomas Vinterberg)	1998
18º	Vestígios do Dia (James Ivory)	1993
19º	Forrest Gump, o Contador de Histórias (Robert Zemeckis)	1994
20º	O Resgate do Soldado Ryan (Steven Spielberg)	1998

Anos 2000

Ranking	Filme	Ano	Nota
1º	Fale com Ela (Pedro Almodóvar)	2002	9,4
2º	Cidade de Deus (Fernando Meirelles)	2002	9,1
3º	As Invasões Bárbaras (Denys Arcand)	2003	9,1
4º	A Viagem de Chihiro (Hayao Miyazaki)	2001	9,1
5º	O Pianista (Roman Polanski)	2002	9,0
6º	O Fabuloso Destino de Amélie Poulain (Jean-Pierre Jeunet)	2001	8,9
7º	O Senhor dos Anéis - O Retorno do Rei (Peter Jackson)	2003	8,9
8º	Procurando Nemo (Andrew Stanton)	2003	8,9
9º	Amores Brutos (Alejandro González Iñárritu)	2000	8,8
10º	Amor à Flor da Pele (Wong Kar-Wai)	2000	8,8
11º	As Coisas Simples da Vida (Edward Yang)	2000	8,6
12º	O Quarto do Filho (Nanni Moretti)	2001	8,5
13º	Terra de Ninguém (Danis Tanovic)	2001	8,5
14º	O Senhor dos Anéis - A Sociedade do Anel (Peter Jackson)	2001	8,5
15º	A Vida dos Outros (Florian Henckel von Donnersmarck)	2006	8,5
16º	Shrek (Andrew Adamson)	2001	8,5
17º	Amnésia (Christopher Nolan)	2000	8,5
18º	Dogville (Lars Von Trier)	2003	8,5
19º	Baran (Majid Majidi)	2001	8,5
20º	Os Infiltrados (Martin Scorsese)	2006	8,4
21º	Match Point - Ponto Final (Woody Allen)	2005	8,4
22º	Hotel Ruanda (Terry George)	2004	8,4
23º	Ninguém Pode Saber (Hirokazu Koreeda)	2004	8,4
24º	Dançando no Escuro (Lars Von Trier)	2000	8,4
25º	Entre Quatro Paredes (Todd Field)	2001	8,4
26º	Réquiem para um Sonho (Darren Aronofsky)	2000	8,4
27º	Encontros e Desencontros (Sofia Coppola)	2003	8,4
28º	Peixe Grande e Suas Histórias Maravilhosas (Tim Burton)	2003	8,4
29º	O Filho da Noiva (Juan José Campanella)	2001	8,4
30º	Os Catadores e Eu (Agnès Varda)	2000	8,4
31º	Domingo Sangrento (Paul Greengrass)	2002	8,4
32º	E Sua Mãe Também (Alfonso Cuarón)	2001	8,3
33º	Às Segundas ao Sol (Fernando León de Aranoa)	2002	8,3
34º	Kill Bill: Vol. 1 (Quentin Tarantino)	2003	8,3
35º	Em Nome de Deus (Peter Mullan)	2002	8,3
36º	Tempo de Embebedar Cavalos (Bahman Ghobadi)	2000	8,3
37º	Adeus Lenin! (Wolfgang Becker)	2002	8,3
38º	Mar Adentro (Alejandro Amenábar)	2004	8,3
39º	Atanarjuat - O Corredor (Zacharias Kunuk)	2001	8,3
40º	O Tigre e o Dragão (Ang Lee)	2000	8,3
41º	Traffic (Steven Soderbergh)	2000	8,3
42º	Primavera, Verão, Outono, Inverno e... Primavera (Kim Ki-duk)	2003	8,3
43º	Gladiador (Ridley Scott)	2000	8,3
44º	Contra a Parede (Fatih Akin)	2004	8,3
45º	Tartarugas Podem Voar (Bahman Ghobadi)	2004	8,3
46º	Anti-Herói Americano (Shari Springer Berman)	2003	8,3
47º	Stevie (Steve James)	2002	8,3
48º	Sob a Névoa da Guerra (Errol Morris)	2003	8,3
49º	Conte Comigo (Kenneth Lonergan)	2000	8,3
50º	Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças (Michel Gondry)	2004	8,3
51º	O Crime do Padre Amaro (Carlos Carrera)	2002	8,2
52º	Capote (Bennett Miller)	2005	8,2
53º	Osama (Siddiq Barmak)	2003	8,2
54º	Adaptação (Spike Jonze)	2002	8,2
55º	A Melhor Juventude (Marco Tullio Giordana)	2003	8,2
56º	Oldboy (Park Chan-wook)	2003	8,2
57º	Borat - O Segundo Melhor Repórter do Glorioso País Cazaquistão Visita a América (Larry Charles)	2006	8,2
58º	Menina de Ouro (Clint Eastwood)	2004	8,2
59º	Kill Bill: Vol. 2 (Quentin Tarantino)	2004	8,2
60º	Agora ou Nunca (Mike Leigh)	2002	8,2
61º	Lugares Comuns (Adolfo Aristarain)	2002	8,2
62º	Neste Mundo (Michael Winterbottom)	2002	8,2
63º	Alta Fidelidade (Stephen Frears)	2000	8,2
64º	Sobre Meninos e Lobos (Clint Eastwood)	2003	8,1
65º	Lugar Nenhum na África (Caroline Link)	2001	8,1
66º	O Caminho para Casa (Zhang Yimou)	2000	8,1
67º	Lagaan - A Coragem de um Povo (Ashutosh Gowariker)	2001	8,1
68º	Os Outros (Alejandro Amenábar)	2001	8,1
69º	Filantrópica (Nae Caranfil)	2002	8,1
70º	Antes do Pôr-do-Sol (Richard Linklater)	2004	8,1
71º	Machuca (Andrés Wood)	2004	8,1
72º	Homem-Aranha 2 (Sam Raimi)	2004	8,1
73º	Na Captura dos Friedmans (Andrew Jarecki)	2003	8,1
74º	Desde Que Otar Partiu (Julie Bertucelli)	2003	8,1
75º	O Círculo (Jafar Panahi)	2000	8,1
76º	Elling (Petter Naess)	2001	8,1
77º	Quase Famosos (Cameron Crowe)	2000	8,0
78º	Frida (Julie Taymor)	2002	8,0
79º	Chicago (Rob Marshall)	2002	8,0
80º	Boa Noite e Boa Sorte (George Clooney)	2005	8,0
81º	Um Casamento à Indiana (Mira Nair)	2001	8,0
82º	Brothers (Susanne Bier)	2004	8,0
83º	Tropa de Elite (José Padilha)	2007	8,0
84º	A Queda! As Últimas Horas de Hitler (Oliver Hirschbiegel)	2004	8,0
85º	Tocando o Vazio (Kevin Macdonald)	2003	8,0
86º	O Gosto dos Outros (Agnès Jaoui)	2000	8,0
87º	Onde os Fracos Não Têm Vez (Joel Coen)	2007	8,0
88º	Heima (Dean DeBlois)	2007	8,0
89º	Cidade dos Sonhos (David Lynch)	2001	8,0
90º	O Senhor dos Anéis - As Duas Torres (Peter Jackson)	2002	8,0
91º	Geração Roubada (Phillip Noyce)	2002	8,0
92º	Plataforma (Jia Zhang Ke)	2000	8,0
93º	21 Gramas (Alejandro González Iñárritu)	2003	8,0
94º	Histórias de Cozinha (Bent Hamer)	2003	8,0
95º	Os Incríveis (Brad Bird)	2004	8,0
96º	Crash - No Limite (Paul Haggis)	2004	8,0
97º	Luzes Distantes (Hans-Christian Schmid)	2003	8,0
98º	Casa de Areia e Névoa (Vadim Perelman)	2003	8,0
99º	Uma Mulher Contra Hitler (Marc Rothemund)	2005	8,0
100º	O Castelo Animado (Hayao Miyazaki)	2004	8,0

O conceito de bullying

2009-07-24T12:52:00.001-03:00

Pensar o problema da violência nesta sociedade, e, principalmente, da violência irracional no ambiente escolar, considerado um dos grandes responsáveis pela socialização das crianças, e, segundo ambiente de convívio depois do famíliar, é uma questão importante e urgente. Os motivos são inúmeros no que tange às conseqüências individuais ligadas principalmente ao sofrimento psíquico e à não adaptação. No entanto falta ainda uma questão: por que o sofrimento psíquico e a não adaptação são problemáticos? Talvez muitos se assustem ao se deparar com esta questão, que parece ser tão obvia, mas o silêncio após ela denuncia que ainda não se sabe ao certo a resposta. Alguns podem arriscar "porque isso é barbárie", "porque é um horror", ou mesmo "porque todos têm o direito de uma boa vida", mas são respostas circulares e unilaterais, e não revelam de fato o que está por trás da tão defendida "saúde" do indivíduo. Será mesmo que a preocupação é com a saúde das pessoas, ou seria, na realidade, uma preocupação com aqueles que poderiam denunciar o falso do sistema, que por não se adaptarem não mantêm a ordem social com a qual eles mesmos sofrem?
O próprio conceito de bullying parece exercer esse papel de adaptação, ao classificar a barbárie, e pretensamente controlá-la por essa via. O conceito de bullying coloca tudo em seu lugar, tenta arrumar e justificar aquilo que fere a ideologia democrática, e acaba por mascarar as tensões e contradições que estão na base da própria barbárie. Esse é o risco que se corre ao se utilizar a mera classificação e quantificação.
Ao contrário, as práticas de violência nas escolas devem ser compreendidas por meio da análise social, das formas de organização e das forças objetivas da sociedade, e de como tais forças se materializam e se calcificam nos sujeitos que se desenvolvem neste meio. Estudar a violência requer também este impulso crítico, tanto nas análises teóricas quanto na interpretação dos dados, de modo a mostrar suas múltiplas tensões e questionar o sentido social dos fenômenos singulares encontrados. Por meio desta análise, reveladora das construções sociológicas, políticas, econômicas, ideológicas, talvez se possa pensar numa outra forma de educação que não a regida pelos imperativos que impedem a emancipação ao forçar a repressão e a adaptação, uma outra forma de educação que não seja ela própria barbárie.

A Revolução na Educação, será?

2009-04-28T14:04:00.000-03:00

Começo colocando nesse que é o melhor canal de expressão, minha revolta sobre o que ensinamos na escola, vou me ater as aulas de arte, meu chão, matéria que estudei com afinco e me formei em licenciatura plena com louvor.
Desde o começo na faculdade os professores colocavam, à nós ,alunos universitários que o ensino da arte havia mudado e muito, tirando absurdos que travavam mal a criatividade e expressão das crianças e adolescentes, afinal a arte é livre, ou não?
Então, diria um paulista, estou a quase oito meses, viajando diariamente 120 kilometros para dar aula de arte em uma escola muito bacana onde tenho liberdade para trabalhar a maneira mais plena da expressão e criatividade. Até o dia de hoje quando fui questionado sobre meu método e principalmente sobre o motivo de NÃO utilizar o que preescreve o curriculo, este pede que alunos tenham o conhecimento ou identificação de cores! Saibam utilizar uma RÉGUA, tenham conhecimento de GEOMETRIA , FIGURA E FUNDO E O FAMOSO PONTO DE FUGA.
Como professor de arte legitmado, licenciado e certificado pelo MEC através da faculdade e dos professores gabaritados que nela tinha, não concordo com tal retrocesso e deixo aqui a minha revolta sobre isso.
É .....o sistema arcaico mais uma vez forma vitmas do aprendizado.

A Nudez do Artista

2009-04-17T22:30:00.001-03:00

Despojado,

Performatico,
Instintivo,
Subtrai o prazer
Transparente,
Anatomico.
Modela,
Exagera,
Transborda,
A flor da pele,
Desejos inconscientes.
Extrai sentimentos,
Usa veladuras,
Contorciona a modelo
Atinge a forma plena.
Sem pena,
Sem apelo,
Transporta para a tela
O retrato nu e cru.
O marido da modelo
Ainda inconformado,
Resolve pousar ao lado,
Com receios esconde os seios.
Num gesto de pura censura,
O pintor ensandecido

Retrata o casal bem vestido

A "Arte" de dar aula.

2008-10-06T20:32:00.000-03:00

Começo este blog por uma necessidade imensa de expor minhas dificuldades e meus avanços em sala de aula. Estou formado á dois meses na Licenciatura plena de Ensino da Arte na Diversidade e a um mês trabalho em uma escola, com cerca de mil e quinhentos alunos, onde dou aulas para cinco turmas do primeiro ano do ensino médio mais uma quinta, uma sexta e uma oitava séries do ensino fundamental.
Claro que as diferenças acontecem, afinal são maturidades distintas, sendo necessário o empenho para encaixar a arte em concordância com cada fase.
Em breve colocarei mais informações e porque não desabafos do que estou fazendo e das soluções inovadoras que tive que tomar para obter a atenção das crianças, pré-adolescentes e adolescentes deste educandário.....