Simplesmente Criativa

Todo mundo quer fotografar com flash de novo

2026-08-26T12:35:00.000-03:00

Oiee! Eu tenho reparado há um tempo que as fotografias estão ficando cada vez mais “erradas” de propósito. Tem flash estourado no rosto, sombra dura atrás da pessoa, reflexo aparecendo onde talvez não devesse, enquadramento meio torto, gente cortada no canto da foto, movimento, granulação e aquela iluminação que durante muito tempo a gente provavelmente tentaria corrigir antes de postar. E eu amo hahah, principalmente porque isso está acontecendo justamente depois de passarmos anos tentando fazer nossas fotos parecerem cada vez mais profissionais.

A câmera do celular ficou melhor, aprendemos a editar, surgiram presets para deixar todas as imagens com a mesma cor, começamos a pensar no feed inteiro antes de postar e, em algum momento, uma foto comum deixou de ser só uma foto e passou a precisar ter uma certa “qualidade de campanha”. Agora parece que estamos fazendo o caminho contrário. De repente, o flash direto voltou para ensaios de moda, campanhas de marcas, fotos de restaurantes, festas, produtos e até aquelas imagens aparentemente muito casuais que obviamente tiveram uma equipe inteira por trás para parecerem casuais hahah.

Quando uma foto perfeita começa a parecer publicidade

Acho que essa volta é interessante justamente porque não é só sobre iluminação. Tem muito a ver com o que a gente começou a entender como uma imagem autêntica. Pensa em duas fotos de uma mesa de jantar. Na primeira, a luz está perfeita, todos os pratos estão posicionados bonitinhos, nada está fora do lugar, as cores estão equilibradas e a imagem parece ter saído de uma campanha. Na outra, alguém usou flash direto, existe uma taça cortada no canto, uma mão entrando na fotografia, um prato já pela metade e provavelmente alguma sombra horrorosa projetada na parede.

Talvez a primeira seja tecnicamente muito melhor, mas é muito fácil acreditar que a segunda realmente aconteceu. Acho que o flash ganhou força de novo porque carrega essa sensação de registro. Ele lembra fotografia de festa, câmera compacta, álbum de família, foto tirada rápido antes de todo mundo começar a comer e aquelas imagens que não nasceram necessariamente para virar conteúdo.

Quando uma marca usa essa linguagem, ela acaba pegando um pouquinho dessa sensação emprestada. Uma campanha deixa de parecer somente “olha o produto que estamos tentando vender” e começa a parecer “olha essa noite muito legal em que, por acaso, alguém estava usando nossa bolsa”. Obviamente ainda é publicidade, ainda existe direção de arte, escolha de casting, styling, cenário, tratamento de imagem e provavelmente centenas de fotos descartadas até chegar naquela que parece ter acontecido sem esforço nenhum, mas a sensação é outra.

Durante muito tempo, quanto mais bem produzida uma imagem parecia, mais profissional ela era percebida, e isso ainda faz sentido em várias situações, claro. Mas acho que a internet nos deixou tão acostumados a imagens perfeitas que aprendemos também a reconhecer rapidamente quando alguma coisa está tentando parecer uma campanha. É uma luz linda demais, uma pele perfeita demais, um cenário organizado demais e uma fotografia em que absolutamente tudo parece ocupar exatamente o espaço em que deveria estar.

Depois de ver milhares dessas imagens, talvez a perfeição tenha começado a denunciar o próprio processo. O flash direto faz quase o contrário, porque ele não tenta esconder completamente a câmera. Existe uma luz dura dizendo que alguém estava ali fotografando aquilo, e às vezes aparece até aquele reflexo enorme numa superfície metálica ou numa taça e, em vez de ser tratado como erro, aquilo vira parte da estética.

A nostalgia também tem bastante culpa nisso

É meio engraçado porque estamos adicionando artificialmente os mesmos defeitos que durante anos as tecnologias das câmeras tentaram eliminar. Só que essas características carregam memória. Aquele flash muito branco no rosto lembra câmera digital antiga, a granulação lembra fotografia analógica, a data no cantinho lembra aquelas fotos que apareciam depois de uma viagem ou festa e a imagem um pouco desfocada parece uma lembrança que alguém resolveu guardar mesmo não estando perfeita.

Talvez seja por isso que essas fotos tenham um tipo diferente de valor visual. Elas não parecem só bonitas, parecem ter uma história antes e depois daquele clique. E acho impossível separar essa volta do flash da quantidade de nostalgia que existe na cultura visual atualmente. A gente voltou a querer câmera digital compacta, fone com fio, revistas impressas, CDs, telefones com aparência antiga, texturas de impressão, pixels, interfaces dos anos 2000 e várias outras coisas que, durante um tempo, pareciam simplesmente ultrapassadas.

A fotografia daquela época vem no pacote. Tem alguma coisa nas fotos de festa dos anos 2000, nos registros de celebridades saindo de restaurantes, nas câmeras compactas carregadas dentro da bolsa e nas fotografias completamente estouradas que hoje parece muito mais interessante do que parecia quando aquilo era simplesmente o jeito disponível de fotografar.

Talvez isso aconteça porque agora a gente vê essas imagens de fora. Quando uma tecnologia deixa de ser necessidade e vira escolha, ela ganha outro significado. Usar flash porque sua câmera precisava dele é uma coisa. Escolher conscientemente fazer uma campanha inteira parecer fotografada por uma câmera compacta antiga é outra completamente diferente.

Nesse segundo caso, a “baixa qualidade” não é exatamente falta de recurso. Ela virou linguagem. É mais ou menos a mesma coisa que acontece quando alguém imprime um desenho, escaneia e coloca de volta no computador só para ganhar uma textura que poderia ter sido evitada fazendo tudo digitalmente. A limitação deixa de ser limitação e vira característica estética.

Dupe photos

A espontaneidade também pode ser completamente planejada

Essa talvez seja a parte que eu mais gosto de observar: quanto mais as marcas tentam parecer espontâneas, mais sofisticada fica a produção necessária para construir essa espontaneidade sem realmente perder o controle da imagem.

Porque uma foto casual de verdade pode simplesmente ficar ruim hahah. Ela pode esconder o produto, deixar alguém com uma expressão péssima, ter uma composição horrível ou simplesmente não comunicar absolutamente nada. Quando uma campanha usa essa estética, existe toda uma direção por trás decidindo até onde aquela imagem pode parecer acidental sem deixar de funcionar.

A sombra dura pode ficar, o enquadramento torto pode ficar, o cabelo atravessando o rosto talvez fique e o reflexo do flash também. Mas tudo precisa colaborar para a sensação que aquela marca quer construir. É quase uma imperfeição com limite, e acho que isso fala bastante sobre uma coisa que tenho observado em várias áreas do design: o imperfeito virou um recurso para comunicar humanidade.

Está acontecendo com o bordado, com a colagem, com o lettering manual, com as texturas de papel e agora também com a fotografia. Depois de anos tentando eliminar qualquer indício de erro, começamos a perceber que alguns desses erros eram justamente o que fazia uma imagem parecer ter sido feita por alguém. O flash direto entra muito bem nisso porque ele deixa rastros.

Dupe photos

A fotografia começa a vender uma vida, não só um produto

Outra sensação que essas fotografias trazem é a de que estamos vendo alguma coisa que talvez não tenha sido preparada para nós. Uma fotografia publicitária tradicional normalmente se apresenta como uma imagem que quer ser vista. O produto está ali, a luz aponta para ele e a composição praticamente conduz nosso olho para aquilo que precisamos perceber. Já uma foto com flash, principalmente quando tem pessoas, movimento e enquadramentos mais soltos, pode parecer quase um pedaço da vida de alguém que a gente conseguiu observar.

É a pessoa chegando numa festa, alguém abrindo uma garrafa, duas amigas conversando, uma bolsa jogada em cima da mesa, um sapato aparecendo debaixo da cadeira. O produto pode continuar sendo protagonista, mas ele começa a fazer parte de uma situação, e isso é muito interessante para marcas porque talvez a gente deseje mais facilmente uma coisa quando consegue imaginar a vida acontecendo ao redor dela.

Não é só “eu quero essa bolsa”, é também imaginar estar naquela mesa, com aquelas pessoas, usando aquela bolsa e vivendo aquela noite, sabe? A fotografia deixa de vender apenas o objeto e começa a vender uma pequena fantasia sobre quem a pessoa poderia ser enquanto usa aquilo.

Acho que isso explica também por que vemos tanto flash direto em campanhas que envolvem comida, restaurantes, moda e festas. São situações em que a imagem ganha muito quando parece um registro de alguma coisa que estava acontecendo, e não uma composição criada exclusivamente para colocar um produto no centro.

LummiAi

Até o espontâneo pode virar fórmula

Mas, como praticamente toda linguagem visual que começa a funcionar muito bem, o flash direto também corre o risco de virar uma fórmula. Já dá para reconhecer algumas imagens que parecem seguir quase uma receita: flash muito forte, fundo escuro, comida em cima da mesa, alguma taça, enquadramento casual, pessoa olhando para outro lado, produto estrategicamente largado no meio da cena e pronto, temos uma campanha “espontânea”.

Quando todo mundo passa a usar o mesmo recurso para parecer diferente, ele eventualmente deixa de provocar essa sensação. Acontece com tudo. O minimalismo já foi uma maneira de fugir de identidades excessivamente carregadas, o handmade está sendo usado como reação à perfeição digital e o flash direto voltou como uma alternativa às fotografias excessivamente produzidas. Em algum momento, todas essas escolhas podem virar exatamente aquilo de que estavam tentando escapar: uma estética previsível.

Por isso acho que a pergunta mais interessante nunca é simplesmente se isso está na moda, mas sim por que isso faz sentido naquela marca. Uma fotografia com flash pode funcionar perfeitamente para uma marca que quer parecer jovem, noturna, divertida, nostálgica ou íntima. Talvez seja péssima para outra. Assim como uma fotografia superproduzida pode parecer genérica em determinado contexto e ser exatamente o que outra marca precisa.

No final, acho que a volta do flash diz menos sobre a gente ter desaprendido a gostar de fotos bonitas e mais sobre a definição de “bonito” ter mudado um pouquinho. Depois de anos vendo imagens em que ninguém pisca, nada está fora do lugar e todas as sombras parecem ter sido cuidadosamente calculadas, uma fotografia um pouco estourada consegue fazer uma coisa que a imagem perfeita nem sempre faz tão facilmente: faz a gente acreditar que alguma coisa realmente aconteceu ali, mesmo quando foi tudo completamente planejado.

Por que todas as marcas querem parecer artesanais agora?

2026-08-20T10:33:00.000-03:00

Oiee!

Não sei se vocês também perceberam isso, mas parece que de repente TODA marca quer ter alguma coisa com cara de feita à mão. Principalmente no design e nas identidades visuais que tenho visto ultimamente, tem bordado, carimbo tortinho, desenho de canetinha, letras que parecem recortadas, papel rasgado, colagem, textura de xerox, giz, fita adesiva, rabiscos que parecem ter sido feitos em cinco segundos e fontes que fazem questão de não ser perfeitamente alinhadas.

E eu acho engraçado porque passamos anos tentando fazer o digital parecer cada vez mais perfeito. A gente queria imagens super nítidas, vetores impecáveis, grids certinhos, fontes geométricas, interfaces limpas e identidades em que tudo encaixava perfeitamente. Até aquilo que era realmente feito à mão muitas vezes acabava sendo vetorizado, corrigido e limpo até perder qualquer sinal de que uma pessoa tinha passado por ali.

Agora parece que estamos fazendo exatamente o caminho contrário, e eu não acho que seja simplesmente porque o design artesanal voltou a ser tendência. Para mim, existe uma coisa um pouco maior acontecendo por trás disso.

Dupe photos

Por que o perfeito começou a ficar meio sem graça?

Quanto mais fácil ficou produzir alguma coisa visualmente perfeita, menos impressionante a perfeição começou a parecer. A gente abre o celular e vê centenas de imagens extremamente bem produzidas todos os dias: templates perfeitos, fotografias impecáveis, layouts organizados, mockups lindos e, agora, imagens inteiras geradas em segundos.

Existe tanta coisa visualmente correta ao nosso redor que, em determinado momento, aquilo começa a virar paisagem. E é justamente no meio dessa quantidade enorme de imagens polidas que uma letra meio torta, uma mancha de tinta, um desenho que claramente não foi feito para ficar simétrico ou um pedaço de fita crepe aparecendo na composição consegue chamar a atenção.

Não necessariamente porque é mais bonito, mas porque tem alguma coisa ali que parece mais humana.

Acho que presença humana é uma expressão importante quando a gente fala dessa volta do feito à mão no design. Quando eu vejo um bordado, por exemplo, automaticamente existe a ideia de alguém fazendo aquilo. Tem tempo envolvido, tem material, movimento, tentativa e talvez até algum errinho no caminho. Mesmo quando esse bordado foi digitalizado ou reproduzido depois, a referência visual ainda carrega todas essas associações.

Com carimbo acontece uma coisa parecida porque ele nunca sai exatamente igual duas vezes. A colagem deixa perceber o recorte, a letra escrita à mão muda um pouquinho de uma palavra para outra, o papel amassa, a tinta falha e o giz deixa sujeira. São características que durante muito tempo o design tentou corrigir e que agora aparecem justamente como parte da graça.

Essas imperfeições funcionam quase como pequenas pistas de que alguma coisa aconteceu ali antes da imagem chegar pronta para a gente.

E acho que isso ficou ainda mais valioso porque estamos vivendo em um momento em que é cada vez mais difícil perceber o que realmente teve uma mão humana no processo. Não quero transformar isso naquele discurso de “IA acabou com a criatividade”, porque acho muito mais interessante observar o efeito visual que esse momento está causando.

Se uma ferramenta consegue produzir em segundos uma imagem extremamente polida, talvez o luxo visual deixe de estar somente na perfeição e comece a aparecer também naquilo que transmite tempo, processo e escolha.

Dupe photos

O artesanal virou uma linguagem visual

É por isso que acho tão curioso ver até marcas enormes usando bordados, ilustrações simples, fotografias que parecem analógicas, papel texturizado, colagens e lettering propositalmente irregular. Mesmo quando existe uma equipe inteira por trás deixando cada detalhe absolutamente calculado, a estética escolhida transmite uma sensação de espontaneidade.

É quase como se a marca tentasse dizer que aquilo não saiu de uma máquina perfeitamente organizada, mesmo quando, tecnicamente, talvez tenha saído hahah.

Também existe uma coisa de intimidade nessa estética handmade. Um grid perfeito pode ser lindo, mas uma anotação escrita à mão parece pessoal. Uma fotografia super produzida parece campanha, enquanto uma foto com flash, levemente torta, pode parecer lembrança. Uma embalagem minimalista extremamente certinha parece produto; já um adesivo um pouco irregular parece alguma coisa que alguém escolheu colocar ali.

São diferenças pequenas, mas que mudam completamente a sensação da imagem.

Acho que por isso o artesanal aparece tanto em identidades visuais que querem transmitir proximidade, autoria ou independência. Ele cria uma sensação de que existe uma pessoa por trás daquilo, e aqui mora uma parte que eu acho particularmente interessante: nem sempre existe.

Uma marca pode ter milhares de funcionários, uma campanha milionária e um processo de produção completamente industrial e, ainda assim, construir um branding artesanal cheio de desenhos à mão, carimbos, bordados e papel rasgado.

Porque o artesanal deixou de ser apenas uma forma de produção e também virou uma linguagem visual.

E toda linguagem vem carregada de significados. Quando uma marca escolhe uma serifada clássica, ela puxa determinadas referências. Quando escolhe cromado, outras. Quando coloca um bordado em uma campanha, ela também traz junto tudo aquilo que a gente culturalmente associa ao feito à mão: cuidado, tempo, singularidade, proximidade, memória e imperfeição.

Não significa necessariamente que aquele objeto foi realmente produzido de forma artesanal. Significa que a marca está usando os códigos visuais do artesanal para provocar determinadas sensações.

É mais ou menos como colocar textura de madeira em um ambiente que não tem madeira de verdade. O material pode não estar ali, mas a associação continua chegando.

Quando até a imperfeição começa a ficar genérica

Só que, como acontece com praticamente toda tendência de design, chega um momento em que repetir esses códigos também começa a produzir o efeito contrário.

Se TODAS as marcas colocarem uma estrelinha torta, uma fonte irregular, um rabisco no canto, um carimbo e uma textura de papel escaneado, daqui a pouco a gente vai olhar para esse tipo de identidade visual artesanal exatamente como olha hoje para algumas identidades minimalistas de alguns anos atrás.

Continua bonito, mas começa a ficar previsível. E acho que essa é a parte que mais me interessa nessa discussão, porque o problema nunca foi o minimalismo e também não vai ser o bordado, a colagem, o giz ou o carimbo. O problema começa quando a gente escolhe uma linguagem simplesmente porque ela está aparecendo muito, sem perguntar se existe alguma relação entre aquilo e a personalidade da marca.

Uma estética artesanal pode fazer MUITO sentido para um projeto que fala sobre processo, memória, afeto, comunidade, experimentação ou qualquer outra coisa que encontre significado nesses elementos. Mas ela também pode virar só uma camada decorativa colocada em cima de uma marca que não tem absolutamente nada a ver com aquilo.

E aí voltamos para uma coisa que eu sempre penso quando vejo tendências de identidade visual: não é porque uma referência está em alta que ela automaticamente faz sentido para todo mundo.

Talvez essa volta do artesanal no design seja, na verdade, menos uma vontade coletiva de voltar a fazer tudo manualmente e mais uma reação ao excesso de perfeição que a gente acumulou nos últimos anos.

Depois de passar tanto tempo tentando tirar os erros das imagens, estamos começando a colocar alguns deles de volta de propósito. A diferença é que agora aquela falha da impressão, o recorte irregular, a letra torta ou o papel amassado deixam de ser uma coisa que precisa ser corrigida e passam a fazer parte da própria direção de arte.

E eu acho muito interessante pensar que chegamos em um momento em que conseguimos deixar quase qualquer coisa perfeita e, justamente por isso, aquilo que parece ter escapado um pouquinho dessa perfeição começa a parecer especial.

Talvez seja por isso que o feito à mão esteja aparecendo tanto agora. Não porque desaprendemos a gostar do perfeito, mas porque estamos começando a sentir falta de enxergar alguma coisa humana no meio dele. Vocês também perceberam essa volta do artesanal nas identidades visuais? O que mais tem aparecido para vocês ultimamente: bordado, carimbo, colagem, lettering, papel ou aquele rabisco propositalmente tortinho?

Por que essa obsessão das marcas com comida?

2026-08-19T09:57:07.372-03:00

Oiee! Não sei se vocês também começaram a reparar nisso, mas de uns tempos para cá parece que tem comida em absolutamente TODO lugar dentro do universo da moda e do design.

É bolsa fotografada do lado de um bolo, sapato no meio de uma mesa de café da manhã, cereja aparecendo em identidade visual, tomate virando bolsa da Loewe, croissant, manteiga, macarrão, taça de vinho, morango, bolo com chantilly… até a Saint Laurent já fez campanha colocando acessórios, bolsas e sapatos no meio de uma espécie de piquenique, com ovos, torradas e bolo. E não é exatamente uma impressão nossa: a moda realmente entrou numa fase bastante obcecada por comida.

Só que eu comecei a pensar que seria meio raso dizer que isso acontece simplesmente porque comida “chama atenção”. Porque chama, claro. Mas acho que o mais legal está no motivo pelo qual ela chama. A comida é uma das poucas coisas que a gente consegue quase sentir olhando.

Filme Ponyo

Se eu coloco uma bolsa em cima de um fundo bege, você vê uma bolsa em cima de um fundo bege. Agora, se eu coloco essa mesma bolsa ao lado de uma fatia de bolo cheia de creme, de um tomate brilhante ou de uma torrada com manteiga derretendo, aquela imagem começa a sugerir outras coisas que nem estão realmente ali: textura, temperatura, cheiro, gosto.

Existe até uma área de estudo chamada marketing sensorial que pesquisa justamente como estímulos ligados aos sentidos acabam influenciando nossa percepção de coisas muito mais abstratas, como qualidade e sofisticação. Pesquisas também mostram que uma fotografia consegue provocar uma espécie de simulação sensorial: olhar para algo pode fazer a gente imaginar cheiro, sabor e até a experiência de consumir aquilo.

E acho que é aqui que a comida começa a ficar MUITO interessante para quem trabalha com imagem (aaaa)!! Uma coisa cremosa pode deixar uma composição inteira mais cremosa. Uma cereja brilhante consegue passar uma sensação diferente de uma baguete rústica, que é diferente de um jantar com taças de vinho, que é diferente de um bolo exageradamente coberto de chantilly. A comida vira quase uma ferramenta para dar uma personalidade sensorial para um objeto que, principalmente no digital, a gente não consegue tocar.

Isso é uma interpretação minha a partir dessas pesquisas, mas pensa numa campanha de perfume com uma pera molhada, por exemplo. A pera não está ali só para decorar o cenário. De algum jeito, ela ajuda seu cérebro a completar aquela fotografia com informações que a imagem sozinha não teria: frescor, doçura, suculência, cheiro. Estudos sobre fotografia de comida mostram que características como brilho, frescor, textura e até a sensação de movimento contribuem para aquilo que percebemos como visualmente apetitoso.

Só que tem outra camada que eu acho ainda mais interessante: comida e luxo têm uma relação MUITO antiga. Muito antes de existir campanha da Jacquemus com pão e manteiga, pinturas de natureza-morta já usavam mesas cheias de frutas, vinhos, louças, carnes e ingredientes importados para falar sobre abundância, prazer e riqueza. O próprio Metropolitan Museum explica que, na pintura holandesa do século XVII, alimentos e objetos podiam representar tanto os prazeres do consumo ostensivo quanto o acesso a produtos importados e luxuosos.

Ou seja: colocar comida ao lado de objetos desejáveis não é uma invenção do Instagram hahah.

Para uma geração que talvez não consiga ou nem queira comprar uma bolsa caríssima todos os meses, pequenas experiências começaram a ocupar esse lugar de recompensa. Um restaurante específico, um café bonito, uma padaria disputada, um azeite com embalagem maravilhosa… tudo isso também virou uma forma de gosto, repertório e até status. A Vogue já chamou essa aproximação de “food as the new luxury”, observando justamente como marcas de moda e beleza começaram a se aproximar de restaurantes, comidas populares e experiências gastronômicas para construir valor cultural.

E em 2026 isso ficou ainda mais evidente: enquanto o mercado de bens pessoais de luxo cresceu mais devagar, experiências ligadas ao luxo, incluindo gastronomia, ganharam força, fazendo marcas de moda se aproximarem ainda mais de restaurantes e cultura culinária. Mas acho que existe também um motivo bem mais simples e humano para tudo isso: comida fala de prazer sem precisar explicar o prazer.

Você não precisa colocar “essa marca é divertida, indulgente e gosta das coisas boas da vida” escrito em uma campanha. Coloca uma bolsa minúscula no meio de uma mesa enorme de massas, vinho e sobremesa e pronto, a gente já entendeu alguma coisa sobre aquele universo.

E talvez seja justamente por isso que comida funcione tão bem em marcas de grife. O luxo sempre precisou vender muito mais do que o objeto em si. Ninguém compra só couro, tecido, metal e costura pelo preço de uma bolsa de luxo. Existe uma fantasia ao redor daquilo: que tipo de pessoa usa, onde ela vai, o que ela faz numa terça-feira à tarde, onde toma café, o que existe na mesa quando recebe amigos em casa.

A comida ajuda a construir essa vida imaginária, e, ao mesmo tempo, deixa o luxo um pouco menos distante. Uma bolsa de três mil euros pode ser completamente alheia à minha realidade, mas eu sei o que é comer uma fatia de bolo. Quando os dois aparecem juntos, existe uma coisa familiar puxando aquele universo para perto.

Acho que isso explica também por que tantas dessas campanhas têm um certo humor. Uma bolsa dentro de um prato, um salto em cima de um bolo, uma embalagem de ketchup tratada como objeto fashion, um tomate transformado em clutch. Existe um contraste meio absurdo entre uma coisa extremamente cotidiana e uma coisa extremamente preciosa, e essa mistura faz a imagem parecer menos publicitária e mais cultural, quase como uma piada interna entre quem conhece aquelas referências.

Talvez seja por isso que eu esteja gostando tanto de ver comida sendo usada em direção de arte ultimamente. Um morango nunca é só vermelho. Ele pode ser verão, doçura, infância, sensualidade, delicadeza ou até exagero dependendo de como você fotografa. Uma mesa cheia pode ser acolhimento ou ostentação. Um pão com manteiga pode parecer simples e caseiro ou extremamente sofisticado quando aparece ao lado de uma bolsa de milhares de reais.

Legal isso né?

Estamos repletos de perfis bonitos e desinteressantes

2026-08-19T09:41:08.937-03:00

Esses dias fiquei pensando em uma coisa que acontece muito comigo: entro no perfil de alguma marca, acho tudo lindo, vejo as cores, as fotos, o feed super arrumadinho… e cinco minutos depois não lembro de absolutamente nada dela.

E não é porque estava feio. Muito pelo contrário, às vezes estava tudo muito bonito. A questão é que acho que existe uma diferença enorme entre uma marca ser bonita e ela ser interessante.

Pensa em uma pessoa muito bonita, mas sem personalidade nenhuma. Ela continua sendo bonita, claro, mas talvez não desperte tanta curiosidade assim. Não tem aquele negócio que faz você pensar “nossa, quero conhecer mais essa pessoa”. Acho que com marcas acontece um pouco disso também. Hoje está relativamente fácil encontrar referências bonitas. Abre o Pinterest por alguns minutos e você encontra 500 paletas lindas, fontes maravilhosas, embalagens perfeitas, feeds impecáveis…

E talvez seja justamente aí que mora o problema, né? Quando todo mundo começa a beber das mesmas referências, usar as mesmas fontes, montar as mesmas composições e seguir as mesmas tendências, tudo começa a ficar bonito do mesmo jeito. E bonito do mesmo jeito é meio esquecível.

Uma identidade pode ter uma paleta ótima, uma fonte linda e estar toda organizadinha e ainda assim me passar aquela sensação de “já vi isso em algum lugar”. Acho que personalidade entra muito mais nas pequenas escolhas.

Meu desenho com giz pastel.

No jeito que a marca escreve, nos tipos de fotos que tira, em uma ilustração que aparece sempre, em algum símbolo meio específico, nas referências que ela traz, em uma embalagem diferente, em uma frase que só aquela marca falaria…

Até naquilo que ela escolhe NÃO fazer. E não acho que para uma marca ser autoral ela precise inventar uma coisa completamente revolucionária que nunca ninguém pensou antes. Até porque boa sorte tentando fazer isso em 2026 hahah.

Todo mundo tem referência de alguma coisa. A gente vê filme, lê livro, usa Pinterest, anda na rua, conhece outras marcas, olha embalagem no supermercado, nosso repertório vai sendo construído assim.O interessante é o que você faz com essas referências. É pegar várias coisas que talvez já existam separadamente e combinar de um jeito que tenha sentido para aquele negócio específico.

Talvez seja por isso que algumas marcas ficam tanto na nossa cabeça. Não necessariamente porque são as mais bonitas do mundo, mas porque quando você olha pensa: isso aqui só poderia ser deles. E para mim isso vale muito mais do que simplesmente seguir a estética que está bonita naquele momento.

Agora fiquei curiosa hahah: qual marca você acha bonita, mas também realmente interessante? Daquelas que você reconheceria mesmo se tirassem a logo ou a estética do perfil bonito?

Meus aprendizados com O Prisma do Amor

2026-06-17T10:19:26.992-03:00

Em um dos dias em que estava à procura de algo para assistir, encontrei uma agradável surpresa: O Prisma do Amor. Um anime sobre uma japonesa que decide ir para a Inglaterra estudar pintura no século XVIII.

A identificação foi instantânea, porque, apesar de não ser a mesma área, pintura e design são irmãos distantes. Ambos lidam com sensações, intensidade, bloqueios criativos e síndrome do impostor. Além de tudo, amo pintar, rabiscar e colocar ideias malucas em prática, por isso resolvi continuar assistindo, e adorei!

Percebi que é uma série com diversos aprendizados, com uma vibe meio Frieren, sabe? E esta lista reúne alguns deles:

1 — Todo artista tem bloqueios criativos.

Alguns personagens são venerados pelos colegas de sala, como Lili e Kit, por serem muito "bons". No entanto, vemos que a arte sempre será subjetiva e que o desempenho é algo individual. Para eles, nunca parece ser suficiente, e a comparação permanece constante.

É como se existissem metas invisíveis que nunca serão alcançadas, independentemente das tentativas.

2 — A família é um pilar fundamental.

Vemos que os pais moldaram o Kit, e que a bondade deles permaneceu nele como uma semente, o que é muito interessante. Dorothy é moldada pelo amor dos irmãos, e Shin pela sua querida irmã, que passa o tempo todo ao seu lado e é uma ótima companhia.

Muitas vezes, as pessoas da nossa família são pilares que não percebemos por causa do costume diário.

3 — A aristocracia cobra um preço alto, incluindo o amor.

Lili tem medo de não poder fazer parte da família de Kit por causa do dinheiro e das diferenças de classe social. Catherine irá se casar com alguém que não ama. Dorothy se encontra em uma encruzilhada, abrindo mão de viver um amor por gostar de um aristocrata.

O amor era para poucos, principalmente em séculos nos quais apenas as condições sociais importavam. Hoje, tudo é diferente, de uma forma que os sentimentos, na maioria das vezes, podem ser vividos para além de casamentos arranjados e isso deve ser valorizado.

4 — O que é ser bom, afinal?

Cada personagem tem sua própria visão sobre o que significa ser bom e sobre o que, de fato, é alcançável como meta para si.

No mundo, não existe uma definição universal do que é ser "bom", e isso torna tudo muito maleável, abrindo espaço para inúmeras paranoias. E aí vem a questão: para que ser tão cruel consigo mesmo, sendo que você não seria assim com os outros?

A pressão que os artistas colocam sobre si mesmos pode ser extremamente cruel.

5 — O amor também é admiração.

Grande parte dos relacionamentos apresentados na série nasce da admiração. Não apenas pela aparência ou pelo status, mas pela forma como o outro enfrenta a vida, pela dedicação à arte, pela gentileza ou pela coragem.

6 — Nem sempre os sonhos são lineares.

A protagonista atravessa um oceano inteiro em busca de um sonho, mas isso não significa que tudo acontece exatamente como imaginou. Existem dificuldades, mudanças de perspectiva e novos desejos surgindo pelo caminho, além da luta constante para alcançar o primeiro lugar. O amadurecimento da jornada é sempre muito significativo e legal de assistir.

7 — A solidão faz parte do processo criativo.

Criar pode ser algo profundamente solitário. Há momentos em que ninguém entende exatamente o que você está tentando expressar, e isso pode gerar insegurança.

Mas existe uma diferença entre estar sozinho e estar abandonado. Pra que a necessidade constante de aprovação? Muito bonito sobre como a série aborda que nem sempre o criar deve estar intrínseco a constantes elogios. As vezes é só uma necessidade da alma.

8 — Sensibilidade não é fraqueza.

Os personagens choram, se frustram, sentem inveja, medo e insegurança. Ainda assim, continuam tentando.

Por muito tempo, a sensibilidade foi vista como algo negativo. Mas talvez ela seja justamente o que nos permite criar, amar e perceber nuances que outras pessoas deixam passar. Sentir muito ajuda a ver o mundo com mais emoção, experienciar coisas cotidianas como ir no museu como tardes de belos aprendizados.

9 — Comparar trajetórias é injusto.

Cada personagem possui uma história, uma criação, oportunidades e dificuldades completamente diferentes. Ainda assim, insistem em medir o próprio valor usando a régua dos outros.

É curioso como somos capazes de reconhecer que cada pessoa vive uma realidade única, mas esquecemos disso quando a comparação envolve nós mesmos, fato presente na maioria dos personagens do arco principal.

10 — A arte é uma forma de deixar marcas no mundo.

Nem toda obra será revolucionária. Nem todo desenho será o mais bonito do muuundo sabe? Nem todo projeto será premiado.

Mas a arte tem a capacidade de tocar alguém, fazer companhia em dias difíceis ou expressar sentimentos que nem sempre conseguimos colocar em palavras.

Talvez o verdadeiro valor de criar esteja justamente nisso: na possibilidade de compartilhar um pedaço de quem somos com o mundo. E, no fim das contas, isso já deve bastar para quem cria e tem a sensibilidade de fazer surgir coisas tão especiais.

Criar.

2026-03-10T22:49:00.002-03:00

Em uma palestra floral que fui, o orador disse o seguinte "quando você vai a praia tem areia em tudo depois, no sapato, na bolsa, na casa, em cada canto" isso me lembrou de como criar é para mim. Em um momento tão caótico quanto a transição de carreira, percebo o quanto criar está presente em mim como ser, em cada canto da minha casa, da minha vida.

Mesmo em áreas diferentes, sempre tento inovar coisas diferentes do comum. Seja flores ou design, talvez o que busque de qualquer forma é uma tentativa de deixar o mundo mais colorido e diferente.

Criar é uma qualidade gigante, mas um defeito também no fim das contas: nem tudo sai como queremos e isso me frustra ao não ver minhas criações como organizo e os trilhos vão mudando de direção, esse é um fardo que vou sempre carregar de nunca ter o mundo na minha palma da mão, já que a previsibilidade torna tudo chato.

Ainda assim, mesmo com essa paixão gigante devo aprender que nem tudo vem rápido. É algo que já tento me ensinar faz anos, mas o imediatismo me corroí tanto a ponto de esquecer quem sou e qual é de fato meu propósito no mundo.

Certa vez eu disse que se eu não fosse designer, não me imaginaria como nada no mundo. Hoje vejo que não é a profissão em si, mas como ela me faz sentir: ver ideias consolidadas, criações prontas, pessoas felizes com minha prática. Eu achava que a resposta estava na profissão, mas hoje percebo que eu me daria bem em várias, desde que consiga colocar esses desejos que estão dentro do meu coração em prática.

20 aprendizados de 2025!

2025-12-25T20:09:00.003-03:00

Oiee! Mais um ano chegou e, com ele, os aprendizados que vêm junto com os meses, coisas que levamos para sempre conosco. Dessa vez, as 20 lições de 2025. Vamos lá?

Kiki | Studio Gibli

1. Imediatismo é insuportável, e é necessário aprender que tudo tem seu tempo, principalmente no ramo da publicidade. Quando isso não é respeitado, o ramo fica inviável de se viver, e é assim que tanta gente tem burnout.

2. “A gente nunca sabe quando é hora de acabar”, como diria Anavitória. Saber quando ir é muito importante, principalmente quando falamos de trabalhos que, mesmo pagando bem, nos sugam. Oportunidades melhores estão por vir.

3. Viagens devem ser programadas com muita antecedência, pois exigem um planejamento absurdo e, a longo prazo, essa é uma forma viável de ir para lugares legais.

4. Telas são absurdas, cansativas. Produzir conteúdo é difícil, mas o retorno chega aos poucos. As pessoas realmente as usam como forma de pesquisa, e é preciso entender que redes sociais são puramente trabalho, e não lazer.

5. Fotos impressas, mesmo atualmente, são sim muito melhores do que as digitais.

6. Tudo requer espaço e tempo. Relacionamentos, plantas, gatos… Temos que cultivar o cuidado nas nossas relações dia após dia.

7. Bloqueios criativos são difíceis de sair e causam uma síndrome do impostor terrível, mas eles não definem quem você é. Não é porque você não é criativa hoje que nunca será, não é porque não tem uma vida dos sonhos hoje que nunca vai ter.

8. Melhor salários mais baixos e ter mais tempo, às vezes. Já pude ganhar mais, mas recusei inúmeras vezes o integral ou trabalhos porque iriam me sugar muito mais e não valeriam minha paz.

9. “Muito” é relativo. O que é muito para mim é o pouco do outro, e vice-versa. Isso vale para tudo na vida. Por isso, estabeleça suas metas de acordo com o que aquilo vai te trazer como consequência, e não de forma vaga, apenas com valores. Por que aqueles números importam para você?

10. Pessoas tóxicas devem ser cortadas pela raiz na convivência, sem deixar que ganhem espaço nas nossas vidas. Quanto mais espaço, mais sugam e mais se acham no direito de opinar.

11. Suas decisões cabem a você, e só a você. Ouvir pontos de vista é uma coisa, mas o que seu coração e sua intuição dizem é tão importante quanto.

12. A magia dos shows é estar, por algum tempo, imerso em uma bolha com pessoas que amam as mesmas músicas que você e dão valor àquilo com intensidade, não só ao artista. É o universo que aquele show te traz. Justamente por isso, as pessoas preferem estar ali, mesmo que vejam apenas telões.

13. Hobbies como colagem e cerâmica envolvem muito mais disciplina e respeito ao tempo do que se imagina. Ambos ensinam a combinar o poder da paciência com o seu jeito criativo de desenvolver o que quiser.

14. É doido como a moda é cíclica e cada vez aparece com coisas mais doidas. Aprendi a não me deixar levar apenas por tendências e pelo que o mercado diz. O que aquela peça diz sobre mim? Essa é uma pergunta essencial na hora de comprar.

15. ChatGPT nenhum substitui alguns textos que são verdadeiramente do coração. Sei que é uma ferramenta de trabalho importantíssima, mas, quando temos tempo de verdade, é bonito escrever da mente, até para ela não atrofiar em um mundo com tanta informação.

16. Tenho medo de perder minha profissão. Robôs chegaram a um nível absurdo, mas me apoio na ideia de que meu olhar talvez me torne designer para sempre, pelo menos no coração.

17. As melhores ideias surgem da inércia e do não fazer nada.

18. Ganhei um fone de Natal e chorei ao perceber como é lindo ouvir músicas com alta qualidade e escutar bem os acordes. Só tinha tido fones de 15 reais e pude ver a diferença, e ela é realmente gritante.

19. Nem sempre vão te apoiar quando você se impõe, mas isso faz parte do processo. Melhor se posicionar do que guardar tudo para si e ser feita de capacho.

20. Nada como viajar o mundo ao lado de quem a gente ama. É uma sensação indescritível, que gera um quentinho no coração.

Me conta: quais são os seus aprendizados mais legais deste ano que você viveu? Fico feliz que a vida nos traga tanta experiência de presente junto com o tempo. Beijão!

O quanto observar diz sobre o mundo

2025-10-12T11:30:00.001-03:00

Observação é o ato que mais traz respostas: sobre a vida, sobre você, sobre a sociedade.

Vi um vídeo hoje sobre o quanto a arquitetura do mundo mudou desde a época vitoriana, e como o foco agora é a funcionalidade. As coisas devem ser de consumo rápido, em plena era da conveniência em que tudo é tão descartável que rapidamente se torna datado e passageiro.

De acordo com uma reportagem da Elle, é um fato: as tendências têm, sim, se tornado cada vez mais efêmeras, e isso diz muito sobre a sociedade. O TikTok viraliza, as pessoas se cansam, o algoritmo deixa de entregar, e é como se aquilo nunca tivesse existido.

E não só buscamos o mais simples: o brain rot (“cérebro apodrecido”) tem se tornado cada vez mais comum. Textos por IA, posts descartáveis, um mundo que gira em torno da publicidade e de um consumismo que nunca esteve tão alto. Tendências heterogêneas, aceleradas, substituídas em questão de dias.

Aí entra a questão: como a arquitetura poderia ser tão bonita quanto antes, se as coisas já não têm mais tempo para acontecer como tinham? Tudo agora é rápido. Criar leva tempo. O bonito demora. E o tempo não para, mundo não espera.

Então, sim: observar o que está ao nosso redor traz muitas reflexões interessantes, mas pode ser extremamente frustrante chegar a conclusões que nem sempre são as que gostaríamos.

Me perdi tentando ser profissional

2025-05-12T22:36:00.003-03:00

Por causa de tanta gente no Instagram, vídeos no YouTube e coachs dizendo que você precisa se vestir de forma profissional pra atingir o público… eu acabei indo por um caminho que não era meu.

Troquei minhas estampas e cores vibrantes por calças pretas, verde musgo, azul marinho, rubro… numa tentativa desenfreada de parecer mais séria, mais “profissional”. Queria tanto que me levassem a sério, que me moldei a um padrão que nunca foi meu.

Mas a verdade? Eu nunca fui essa pessoa sóbria. Sempre fui do time do laranja, do colorido, do “tons da tarde”, como diz uma amiga minha. Eu me perdi tentando seguir um script que o mercado impõe, esquecendo que a minha personalidade está justamente no meu jeito único de comunicar, sabe?

Ser profissional não é usar preto. É ser coerente com quem você é.

Sobre não ter medo de começar

2025-04-19T21:05:00.003-03:00

Tudo é um processo, né? Fico pensando às vezes… e se eu não tivesse começado no design? Que rumo minha vida teria tomado? É louco pensar como uma escolha, lá atrás, meio no susto ou na intuição, muda tanta coisa. Mas a real é que nada acontece do nada. Pra ser bom, você precisa começar.

E começar é meio caótico mesmo. A gente se sente meio perdido, meio “será que isso é pra mim?”, mas é ali, naquele comecinho torto, que tudo começa a se construir. Eu olho pra trás e vejo o quanto cresci, o quanto mudei, e percebo que tudo foi (e ainda é) um processo. Um caminho cheio de fases, de testes, de descobertas.

A gente tem mania de querer estar pronto, mas ninguém tá. Todo mundo tá se fazendo, se refazendo. E isso é bonito demais. O importante é dar o primeiro passo, mesmo com medo, mesmo sem saber direito o que vai virar. Porque uma hora, vira.

O Tik tok e o Instagram estão me deixando cansada

2025-03-29T22:53:00.006-03:00

Eu tenho passado dias muito movimentados tentando criar conteúdo. É sim algo difícil e que dá trabalho sim! Mas que vai muito além disso.

Além de gravar, tenho que pesquisar referências e isso inclui vídeos de outras pessoas... O que tira muito tempo de mim, pelo vício da dopamina rápida.

Simples como um nome gera tanto estresse a longo prazo... Sinto que minha mente fica cada vez mais rápida, ando mais viciada em resolver tudo logo e isso tá me preocupando.

Doido como algo simples é mais complexo do que parece. O efeito das coisas no nosso cérebro é muito além do que se imagina e ao longo prazo de uma vida, não sei como os jovens vão estar. Números, likes, comparação... É como se seu mundo girasse em torno de conteudo alheio, em uma plataforma que quer te prender cada dia mais, e mais, e mais.

Estamos em um mundo caótico cada dia mais distante da paz interior e calmaria dos dias - daqui uns dias a vida sem Internet vira o novo "aesthetic" da vez que vão glamurizar.

Posts do Instagram me colocaram em crise

2025-02-05T15:11:00.002-03:00

Criar post sempre foi um ponto de atrito dentro de mim. Essa ideia de produzir algo que vai ser consumido em dois segundos, rolado superficialmente no feed, pra depois voltar com uma chuva de alterações que, na maioria das vezes, nem fazem sentido... isso me cansa. Sempre cansou. Mas eu fazia. Fiz por dias, semanas, anos. Já fiz um, dois, cinco, até dez no mesmo dia. E hoje? Hoje eu não consigo nem começar um.

Dizem que isso é bloqueio criativo. Eu não sei. Pra mim tem mais cara de medo. Medo de encarar de novo o que já foi rotina, medo de me ver naquele ciclo de produção sem alma. Talvez essa tela em branco me lembre do tanto que eu já me apaguei pra continuar. Talvez me lembre do tanto que eu me cobrei pra ser funcional mesmo sem sentir nada.

Às vezes, me pergunto se eu sirvo pra isso. E aí vem aquela sequência infinita de dúvidas que parece não ter fim. Se não for isso, seria o quê? Como é que a gente reinventa a rota quando o caminho já tá todo desgastado?

Não posso me dar ao luxo de parar. Ainda não. Tenho contas pra pagar, entregas pra fazer, responsabilidades pra cumprir. Às vezes, eu sonho com esse tal “poder de escolha”: poder dizer não, poder fazer só o que faz sentido. Mas por enquanto, isso ainda não é real.

Talvez um dia eu consiga sair desse formato engessado, que tomou conta dos Instagrams da vida e engoliu a espontaneidade de tanta gente. Talvez eu só tenha cansado da repetição, talvez minha criação esteja pedindo espaço, ou talvez eu só precise respirar. Vai saber. Talvez tudo isso junto.

20 apredizados de 2024!

2025-01-12T17:02:00.005-03:00

Oie! Não podia não postar meu quadro anual! Meus aprendizados desse último ano que passou!

1. A vida é uma montanha russa, minha vida girou de cabeça pra baixo em muitos aspectos - tive um gato, perdi ele, tive colega de quarto, parei de ter, comecei um namoro, mudei de emprego...

2. Não preciso ficar aguentando situações que não me cabem, com certeza a vida reserva situações melhores para mim.

3. Ganhar mais engana: nossos gastos sempre se adequam para gastar mais também, e o que você pensava que poderia comprar, não necessariamente é fácil quanto parece.

4. Comprei coisas grandes e me enchi de orgulho - comprei um computador bem caro como ferramenta de trabalho, a cadeira melhor do que sonhei e o celular que eu sempre quis comprar.

5. Correr atrás, porque nada vem de bandeja pra gente, sempre lutar pelas conquistas com muita dedicação.

6. Animais de estimação deixam sim a alma mais leve e são um ótimo suporte para dias difíceis!

7. Bens materiais nunca trazem satisfação, a gente sempre quer mais e mais e fica com uma questão insaciável de que nunca é o bastante.

8. Viver um relacionamento saudável é tão doido! Totalmente surreal como você percebe que são algumas situações depois.

9. Apesar do orgulho de mim, me sinto cansada porque sinto que estou fazendo algo que me deixa em uma questão bem contraditória, que é alimentar sem parar redes sociais enquanto eu odeio esse sistema.

10. Viajei para Argentina e amei conhecer lugares diferentes e pessoas que eu nunca conheceria. Muito colorido as coisas por lá!

11. Nada como a cama da gente e um travesseiro macio para fazer as noites serem melhores.

12. Desisti de fazer intercâmbio, pelo menos por agora. Tive essa pira mas percebi com os anos o quanto é satisfatório também quando você chega do avião novamente para sua casa, suas coisas, suas comidas favoritas!

13. O mundo é grande, e quero viajar muito. Cada dia percebo que não sei nem uma gota em um mundo que quase tem gotas infinitas.

14. Pets são companhias melhores que muitas pessoas. Tive o sushi esse ano como companhia e ele foi muito importante em vários momentos para me acalmar. Sentirei saudade dele!

15. Bem material nenhum se equivale aos aprendizados que eu tenho em cada ano e nem momentos que eu posso viver. Várias vezes me neguei de vender alguns serviços porque eles me fariam perder momentos preciosos.

16. Redes sociais são irritantes. Eu trabalho com Instagram e redes no geral e vejo o quanto tudo é baseado em números, vendas e o quanto isso mexe com as pessoas. Com isso é questionei inúmeras vezes a intenção de posts.

17. Marcas são profundas, e criar personalidade delas é hipnotizante. Percebo cada dia mais o quanto gosto do aspecto de ser designer de moldar a visão de alguém sobre alguma marca!

18. Convivo com diversas pessoas da minha família que possuem neurodivergencias e cada dia fica mais nítido na minha mente sobre o quanto é difícil lidar com falta de abraço, afeto e o quanto cada pessoa recebe informações de forma diferente.

19. Sofrer calado é difícil. Passei por muitas noites chorando insatisfeita por algumas atitudes mas percebi que tudo tem seu tempo, cura e parar de chorar é um processo. Hoje estou melhor!

20. Futuramente não quero mais lidar com demandas de urgência, isso é algo do ramo da publicidade que me deixa irritada!

Como sempre, aprendi muito esse ano. Vivi várias histórias e é gratificante ver meu amadurecimento através de lições e histórias! Que venha um 2025 incrível.

Designer, nem sempre seu cliente quer conceito

2024-08-02T10:24:00.002-03:00

Nesse ramo de agências e design, sempre aprendi a buscar por um conceito. Tentava fazer identidades visuais mirabolantes com coisas e símbolos muito doidos e com uma história por trás até um tanto abstrata.

Conceito vende? Muitas vezes sim! Conceito vende.

Mas aprendi que não é sempre.

Tem cliente que não quer comprar conceito.

Quer o simples, o óbvio e tudo bem.

Nem todo mundo quer uma marca super fora da caixa com mil ideias pensadas, gosta do simples, entendível e ok.

Quando descobri isso minha mente deu uma bugada, porque sempre quebrei demais a cabeça sendo que as vezes a resposta estava de baixo do meu nariz, sendo aquilo que eu me negava fazer.

Vai existir a pessoa do agro que quer um semente, a hamburgueria que tem um burger de logo, a sorveteria que quer um sorvete desenhado bonitinho. E isso não necessariamente tem a ver com o preço que a pessoa está pagando, ela só se sente feliz assim.

Tem toda aquela questão de ser algo desenhado por você e tal, mas não necessariamente seu branding vai ser ruim porque a logo é um pouco óbvia, as vezes o público entende e até assimila, ela só tem que comunicar bem.

Com um estudo de cores por trás, de fonte, você ir lá, desenhar o símbolo e tá tudo bem.

Continuo amando um conceito, mas só entendi que isso não é pra todos os casos e as vezes aquilo é só aquilo mesmo, e não tem problema nenhum nisso!

Estou plantando minhas sementinhas

2024-07-22T09:25:00.004-03:00

Tudo são sementinhas que a gente rega todos os dias, e quando a gente menos espera, a gente se surpreende: positivamente ou negativamente dependendo do esforço. Isso vale para pessoas, amores, trabalhos, situações. No fim, nossas sementes devem receber muito amor e atenção.

Nem todas as árvores vão ser cultivadas, nosso tempo é limitado. Então quais são minhas prioridades? Por que devem ser consideradas?

Esse é um pensamento que me gerou muitas reflexões - o que devo dar à devida atenção e o que simplesmente devo apenas me esforçar e esperar, já que os frutos sempre caem daquilo que planto por aí.

Sabia que você também é criativo? - Trabalhando com áreas artísticas!

2024-07-22T09:21:00.003-03:00

Oiee! Você sabia que todos nós temos um lado criativo?

A criatividade não é um dom reservado para poucos: na verdade, qualquer pessoa pode desenvolvê-la e aplicá-la no seu negócio. Este potencial criativo pode ser a chave para transformar o branding da sua marca e destacá-la no mercado. Mas como aproveitar ao máximo essa capacidade? Justamente isso que trouxe no post de hoje: diversas estratégias para desenvolver e aplicar sua criatividade de maneira prática.

Acima de tudo, quebrar a rotina é essencial. A rotina, embora confortável, pode limitar a geração de novas ideias. Experimente novas atividades, saia da sua zona de conforto e permita-se vivenciar experiências diferentes. Essas novas perspectivas podem estimular seu cérebro a pensar de maneira diferente e, consequentemente, gerar ideias bem legais.

Por exemplo, se você sempre trabalha no mesmo espaço, tente mudar de ambiente, sabe? Participar de workshops, eventos culturais ou até mesmo aprender uma nova habilidade pode abrir sua mente para novas possibilidades e insights.

Inspiração nunca é demais! Observe as tendências de mercado e explore diferentes nichos. Veja como outras marcas se destacam e inspire-se nas suas estratégias. No entanto, não se trata de copiar, mas de adaptar essas ideias ao contexto da sua marca, trazendo um toque único e pessoal.

Mantenha-se atualizado com blogs, redes sociais e qualquer outra fonte de informação relevante sobre sua marca, ajuda muito! Visitar feiras e exposições também pode ser uma excelente maneira de captar novas tendências e adaptar as melhores práticas ao seu negócio.

Reúna sua equipe regularmente para sessões de ideias em o fluxo livre de ideias é tido como algo legal e não há espaço para julgamentos imediatos. Esse ambiente seguro a soluções criativas inesperadas, eu mesma já ouvi de tudo em um brainstorm e isso é o mais legal de tudo. Durante essas sessões, incentive a participação de todos e utilize técnicas variadas, como a abordagem de "sim, e..." para construir sobre as ideias apresentadas.

Estimular a colaboração entre profissionais de diferentes áreas é bem interessante independente da área. A diversidade de pensamento e experiência pode trazer insights valiosos para o branding. Trabalhar com pessoas que possuem perspectivas diferentes sobre a vida pode enriquecer o processo criativo e resultar em ideias bem "fora da caixinha". Considere formar equipes diferentes e promover um ambiente de trabalho onde a troca de conhecimentos e habilidades seja valorizada e incentivada.

Acima de tudo, não tenha medo de errar! Se permita experimentar e errar! Faz parte do processo criativo. Muitas vezes, as melhores ideias surgem de tentativas e ajustes. Aceitar o erro como uma etapa do aprendizado pode liberar sua mente das amarras do perfeccionismo e abrir espaço para a verdadeira inovação. Cada falha traz consigo uma lição valiosa que pode ser aplicada para refinar suas estratégias e abordagens futuras.

Finalmente, observe e analise o comportamento do consumidor e as mudanças no mercado. A análise de dados pode fornecer insights valiosos!! Essas estratégias podem fazer uma grande diferença na forma como sua marca é percebida. A criatividade não só ajuda você a se destacar em um mercado competitivo, mas também a construir uma conexão mais profunda com seu público. Legal, né? Deixe um comentário se gostou! Beijão!

20 Coisas que realizei/aprendi em 2023

2024-01-31T22:53:00.008-03:00

- Um ano que nadei, e fui submersa ao mesmo tempo :):

Mais um ano extremamente produtivo, de muitas aventuras e aprendizado. Esse de fato pareceram vários anos em um só e vou guardar todas as memórias com muito carinho.

1. Dei mais importância aos meus sentimentos e ao meu corpo. Me sobrecarreguei pelos outros e aprendi o quanto eu devo me ouvir e dar a atenção que eu mereço.

2. Comprei um teclado com meu próprio dinheiro e tô pagando um curso online: tenho aprendido de pouco a pouco, mas cada vez que acerto ou consigo uma música, fico extremamente feliz.

3. Aprendi a lidar com quase perdas e tentar ter inteligência emocional. Minha madrasta passou por muitas dificuldades de saúde, assim como meu avô, e isso me ensinou muito sobre a vida é ter paciência, além de que milagres existem.

4. Paguei uma viagem toda sozinha! Fui para Ouro Preto e foi uma experiência super legal viajar com meus amigos e eu mesma ter pago uma viagem com meu esforço.

5. Ganhei um concurso de fotografia em primeiro lugar, e isso foi muito doido. Foi extremamente inesperado e gratificante, não fazia ideia e quando recebi o resultado fiquei pulando de alegria que nem criancinha.

6. Não sou mais criança, e agora é oficial. Mudei de "casa", e os vinte tem sinto bem desafiadores e enfrentado mais sobre a vida adulta. Muitas responsabilidades e muito aprendizado sobre amadurecimento.

7. Romances dão errado, e tudo bem: algumas pessoas só não são feitas para você e o curso de vida delas é outro. As vezes aquilo só não era pra ser e só nós resta seguir a vida.

8. Fiz novos amigos que se tornaram muito importantes para mim, e que foram essenciais em diversos dos meus dias, tanto no apoio mental, como uma ótima rede de networking que me gerou projetos super legais!

9. Café com pão de queijo com pessoas especiais, se torna ainda mais especial. Diversos dias fui com pessoas muito importantes pra mim tomar pão de queijo com café, e um simples lanche se tornava fruto dos diálogos mais malucos e criativos possíveis, em que tive insights sobre a vida, maturidade ou boas piadas. Inclusive, thank you Brunetts sz! Te falei um dia de dezembro que não esqueceria desse tópico, e ele tá aqui, né? Demorou mas chegou.

10. Autoescola é um saco, e infelizmente todo mundo tem que passar por isso. Passei poucas e boas com a autoescola e isso me gerou crises e crises.

11. Escrever é bom, mas não trabalharia com isso. Eu amo escrever demais, só que escrever sobre aquilo que não me toca não é algo que gosto muito. Mas já quando argumento sobre o que amo, é extremamente especial e o Simplesmente Criativa vai continuar existindo por muito tempo.

12. Lidar com pessoas é difícil, e as vezes é melhor não tomar iniciativa em alguns momentos, só nos resta ignorar. Fiz trabalhos em grupo gigantescos e na liderança, e tive que aprender a equilibrar sobre quando me posicionar ou ignorar totalmente brigas para não ter um surto mental.

13. Tentar não lidar com sentimentos sozinha. É importante ter amigos e também compartilhar aquilo que está na alma, faz uma baita falta e torna tudo mais especial. Estourei um dia desses, de emoções acumuladas. Graças a minhas amizades incríveis consegui me manter sã.

14. Constância é o mais importante de tudo: algumas pessoas podem até nascer com talentos, mas não dá pra contar com isso. Seja vencido pelo cansaço - fiz francês todos os dias esse ano e QUE experiência!

15. "Pensamento contra sentimento, só pra contrariar" essa frase do Lagum nunca fez tanto sentido quanto esse ano. As vezes a gente não quer gostar de certas pessoas, mas gosta. Não quer sentir certas coisas, mas sente. Não quer ser empática, mas é.

16. Escolher as prioridades: sempre amei fazer de tudo, mas cheguei em um momento da vida que estou tendo que escolher o que é importante. Priorizei os hobbies mais importantes e o que vale ser vivido no momento.

17. Nunca é tarde para começar um instrumento, e muito menos tarde para se presentear. As vezes nos importamos tanto com os outros, que esquecemos de nós mesmos. Nós somos nossa própria casa e merecemos o melhor, estou sendo menos cruel comigo. Inclusive, finalmente admito: AMO dar presentes, mas também AMO receber. Me sinto especial.

18. As pessoas se aproveitam dos outros sim: pedem coisas quando precisam, somem quando convém. Precisamos equilibrar quem merece nosso tempo e feitos, e quem só aparece quando precisa.

19. O mundo dá publicidade é cruel: a quantidade de poder que as agências de marketing de influência têm é gigante, e estamos cercados o tempo todo de pessoas e marcas querendo manipular a gente constantemente com estratégias mirabolantes. E quase todo mundo paga outras pessoas pra cuidar das redes, é algo comum.

20. Músicas boas me impedem de surtar: certas músicas me despertam sentimentos ou sensações, e uma playlist em específico me faz sentir como se estivesse mergulhando em um mar de água gelada. Esse ano a ansiedade me pegou de jeito e várias madrugadas colocava músicas e respirava fundo.

Um ano que fui submersa e nadei ao mesmo tempo: mergulhei na minha própria mente, assim como me afoguei e me salvei dela.

O quão incrível é a direção de Arte de La la land

2023-12-03T15:43:00.004-03:00

Oiee, gente! Tudo bem? Hoje vou falar sobre um filme que é um verdadeiro xodó meu: "La La Land". Se você ainda não viu, corre, porque é filme que é sensacional, e mesmo depois de muitas vezes, continua me emocionando muito (e estou aqui para explicar o por quê!).

O filme é sobre o quê?

"La La Land" é um filme musical romântico dirigido por Damien Chazelle, lançado em 2016. A história se passa em Los Angeles e segue dois jovens artistas, Mia (interpretada por Emma Stone), uma aspirante a atriz, e Sebastian (interpretado por Ryan Gosling), um talentoso pianista de jazz.

É conhecido por sua abordagem nostálgica e homenagem aos musicais clássicos de Hollywood. Ele explora os desafios e sacrifícios que os artistas enfrentam na busca de seus sonhos, ao mesmo tempo em que desenvolve um romance entre os personagens principais. A narrativa é marcada por números musicais vibrantes, danças coreografadas e uma trilha sonora envolvente, que se destaca pela composição de Justin Hurwitz.

A trama recebeu aclamação da crítica e foi um sucesso de bilheteria. Ganhou seis prêmios no Oscar, incluindo Melhor Diretor para Damien Chazelle, Melhor Atriz para Emma Stone e Melhor Trilha Sonora Original.

As cores no filme

As cores em desempenham um papel fundamental na narrativa visual, contribuindo para a atmosfera e transmitindo emoções ao público. A paleta de cores escolhida pelos cineastas é rica em simbolismo e cada detalhe é extremamente importante para a composição.

Azul e o amarelo são as cores predominantes e estão presentes em muitos aspectos visuais, desde os figurinos até os cenários. Essas cores são representativas de diferentes emoções e estados de espírito ao longo da narrativa.

O azul é muitas vezes associado à melancolia e aos momentos mais reflexivos. Por exemplo, nos figurinos de Mia ou nas cenas noturnas mais suaves. Nas roupas, azul e amarelo grande parte das vezes estão em algum aspecto da composição e representam a protagonista, e inclusive, também estão presentes em pontos focais dos cenários em detalhes suaves.

Já o amarelo, por outro lado, é uma cor mais vibrante e otimista, frequentemente presente em momentos de alegria, esperança e entusiasmo. Ele é proeminente em cenas de dança e durante os números musicais mais animados. Enquanto ela usa cores vivas, Sebastian tende a usar cores menos chamativas, por ser uma pessoa mais cética e realista, assim como suas respectivas casas.

O vermelho é uma cor pontual e é geralmente usada para chamar a atenção do espectador para elementos específicos na cena. Pode representar paixão, destaque ou até mesmo desafios, no caso do filme, indica constantemente que algo importante está prestes a acontecer.

As cores primárias estão presentes constantemente na maioria das cenas, e se destacam inclusive nos figurantes e em cenas musicais. Principalmente: azul, amarelo, verde e vermelho, especificamente em cores mais saturadas para ornar com a estética.

Variações de Tonalidade:

As variações na tonalidade das cores acompanham a progressão emocional da história. Por exemplo, durante os momentos mais românticos, as cores podem se tornar mais vibrantes e saturadas, enquanto nos momentos de conflito, podem se tornar mais sombrias e desaturadas.

Mudanças de Estações:

As estações do ano também são representadas por meio das cores. Cenas primaveris apresentam tons mais claros e frescos, enquanto cenas de inverno podem ter uma paleta mais fria e misteriosa.

O figurino

O figurino desempenha um papel significativo na construção visual e narrativa do filme. Cada peça de roupa é escolhida com atenção aos detalhes, refletindo as personalidades dos personagens principais, e contribuindo para a estética nostálgica e elegante da produção. Os detalhes são fortemente influenciados pelo glamour dos anos dourados de Hollywood, especialmente da década de 1950. Mia e Sebastian são frequentemente vistos usando roupas que evocam o charme clássico da era, como vestidos esvoaçantes e ternos bem cortados.

As roupas evoluem à medida que a narrativa progride. À medida que os personagens enfrentam desafios e sucessos, o figurino reflete essas mudanças emocionais. Por exemplo, o vestido amarelo de Mia reflete suavidade e a primavera. Sempre que ela está mais triste, suas roupas são mais sóbrias e passam bem o sentimento possuído por ela. Quando Sebastian mais usa tons coloridos, é justamente quando seu relacionamento está dando certo e está apaixonado.

Apesar do estilo clássico, as peças também incorporam uma certa elegância descontruída, refletindo o ar autêntico dos personagens. O trabalho do designer de figurino Mary Zophres foi amplamente elogiado por sua capacidade de capturar a essência do estilo clássico de Hollywood, enquanto ao mesmo tempo infundia uma sensibilidade contemporânea de grande destaque.

Os cenários

Cada localidade é escolhida com cuidado, transformando a cidade de Los Angeles um ótimo cenário para a história de amor de ambos, já que condiz muito bem com a narrativa. Conheça alguns dos cenários mais notáveis:

Los Angeles ao Amanhecer

Griffith Observatory

Café Lighthouse

Rua Colorado em Pasadena

Estúdio de Gravação Warner Bros.

Apartamento de Mia

Rialto Theatre

Ponte do Rio Los Angeles

Colinas de Hollywood

Design nas Composições

O design é fortemente influenciado pelo estilo nostálgico dos musicais clássicos de Hollywood da década de 1950. Os cenários, figurinos e adereços capturam a elegância e o glamour dessa época, assim como constantes referências a Art Deco, nas composições e também em fontes, logos e letreiros de led. A icônica dança noturna por exemplo, é uma forte referência a Singing in the rain.

A escolha de locais autênticos em Los Angeles, como o Rialto Theatre e o Observatório Griffith, contribui para a autenticidade visualmente. Esses locais reais oferecem uma sensação genuína de magia, por usarem bastante o nascer e pôr do sol em diversas cenas. Constantemente são usados os carros clássicos e a arquitetura da cidade, que são incorporados ao design visual. Isso cria uma atmosfera que transporta o espectador de volta ao glamour da Era de Ouro de Hollywood.

A instrumentação da trilha sonora, sob a direção de Justin Hurwitz, é acompanhada de belos cenários de Jazz e referências constantes, possível notar claramente no bar do "Seb's".

E é por esses e muito mais motivos que esse é simplesmente um dos meus filmes considerados um xodó <3, por favor assistam! Um dos únicos que dou 5 estrelinhas hihi.

Eu não sou o meu trabalho

2023-11-20T22:12:00.003-03:00

Eu passei tanto tempo sendo a "Thayline Designer" que as vezes me esqueço de quem eu era antes disso. O que eu fazia, como lidava com as coisas e a não resolução de problemas parece algo tão distante e percebo quão longe me encontro do meu passado.

Depois de muito conversar com a psicóloga, percebi que tenho que desassociar. Um dia desses ela me fez a tão temida pergunta "quem é você sem o design?" percebi que essas habilidades e forma de enxergar grudou em mim como ervas daninhas: olhar os produtos, os outdoors, anúncios de TV.

Quando estava ou não trabalhando o caos tomava conta de mim e essa pergunta me colocou em uma posição muito delicada sobre o que tinha me tornado. Lembro que por semanas me peguei em crises sobre quem eu era de verdade e quem já fui, e percebi leves padrões que diziam muito sobre mim e a forma que eu levava a vida.

Passei a esconder das pessoas minhas habilidades o máximo que eu podia: escrevo desde criança? "Whatever, nem é tão bom assim". Nos grupos eu era a que sempre falava que não sabia. Fotografia? O que é isso? Espanhol? Não prático fazem meses. Eu passei a colocar todos meus hobbies como secundários como se eu fosse horrível neles.

Parei de fazer coisas que sempre fiz, pintar os quadros, fazer pulseiras, ler livros sem contexto. Vivendo no automático dia após dia e depois de um tempo essa dúvida voltou a me assombrar novamente.

Concluí que mesmo sendo a Thayline, a que mexe com design e isso fazer uma parte de mim, eu não sou só isso. Sou formada por realitys ruins, documentários longos, fotos de plantinhas, a que estuda investimentos e moda no tempo livre.

Também sou estudante de idiomas diários e "hater de carne", amante de sorvete de flocos, tocadora de ukulele, textos sem contexto e finalmente, uma apaixonada por cores sim.

Seria mentira dizer que até hoje não tenho crises sobre isso, tenho sim, confesso - e isso fica ainda mais nítido nas férias - mas apesar de gostar muito de estudar sobre design, eu sou muito mais e tenho tentado aprender a lidar com essa informação.

Estou em uma vibe Namastê.

2023-09-19T16:51:00.002-03:00

Namastê significa "eu saúdo você", mas também é um cumprimento que pode significar paz, amor e equilíbrio. Bem, vamos do começo né?

Eita como ela lê

Fiquei muito tempo sobrecarregada, muitas demandas e surtando. Aí mês passado decidi que seria minha chefe: e não é que está dando certo? Desativei todas minhas redes sociais: tchau tiktok, insta pessoal e qualquer coisa que as pessoas usam com fim de socialização. Quem quisesse me encontrar, tinha que ir pro zap e é isso né.

Decidi que faria uma limpeza de tudo, tirei roupas que não usava mais, materiais de arte, folhas, lavei a casa e entrei em uma nova era. Na realidade era um começo de um burnout tenso e de dia em dia fui melhorando aos poucos. Comprei um teclado e comecei a tocar, acredita? Já toco até a musiquinha de Toy Story e para mim isso é um grande símbolo de evolução.

Nesses dias aprendi muito sobre mim mesma, vi quem de fato sente minha falta e aprendi a lidar com dias caóticos e hobbies mais aleatórios possíveis. Toquei mais ukulele, tenho estudado francês, vendendo estampas e desenhando muito. E óbvio, escrevendo, como sempre fiz e não vou parar tão cedo.

Foi tudo tão esclarecedor, e percebi que a escrita faz parte de mim de uma forma tão poética. Desde poemas, crônicas no ônibus e aprendizados perdidos em linhas sem nexo. Decidi que vou continuar assim por um bom tempo e foi lindo ter um cuidado maior com meu coração e minha alma.

Eu tô tão zen, e por isso, bem namastê.

Beijão!

Somos Mosaícos

2023-09-19T16:34:00.006-03:00

Doido como somos mosaicos: coloridos, quebrados, encaixados, criativos.

Pôster feito por mim

Depois de reflexões em uma segunda de manhã, percebi que somos uma junção de tudo aquilo com que convivemos. Não que seja nenhuma novidade, mas isso me consola. Talvez uma forma de culpar o mundo por hábitos estranhos que puxei das pessoas mais aleatórias.

Eu lembro que eu sempre gostei de meias de cano alto: minha mãe escolhia as mais aleatórias possíveis, com listras, cor de rosa, com desenhos fofinhos. Eu me sentia estilosa: ainda mais quando ela metia aquelas botinhas amarronzadas. Desde então eu nunca esqueci, prática que faço até hoje sozinha. Sem ninguém me obrigar ou ter que me arrumar, coloco a meia de cano alto com um pequeno easter egg para aqueles que me conhecem com a palma da mão, está lá.

Comecei a gostar de pão de queijo por causa do que a minha avó fazia. Me lembro que era tão quentinho que saia fumacinha e tomava com grandes goles de café em férias de verão. Não vivo sem meu pão de queijo e ele é sempre útil para o meu dia, me alegra sem perceber.

Minha melhor amiga de infância sempre filmava vídeos comigo e foi um grande incentivo para começar a gravar os meus momentos, tenho muita da minha infância gravada e isso me consola. Sou repleta de vlogs dos mais diversos tipos feitos para mim mesma (nunca postei), como mexer com HTML, como foi minha semana e como eu estava feliz por conseguir um cachorro.

Essas coisas me moldaram, me fizeram ser quem sou e talvez, sem elas, eu fosse totalmente diferente. Mas sou grata por essa versão e não me imagino como outro alguém, me consola o fato de ser assim e o rumo que tomei caminhando com minhas botas (que se tornaram coturnos) e meias de cano alto.

O Guia Completo para Utilizar o UGC no seu Negócio!

2023-08-26T09:58:00.007-03:00

Oii, gente! Vamos para o post de hoje? Vamos falar sobre o UGC, ou User-Generated Content, e descobrir como ele pode ser a chave mágica para levar o seu negócio a alturas incríveis. Vamos lá!

Entendendo o Básico: O que é UGC?

Você já deve ter visto por aí fotos de produtos, avaliações ou até mesmo depoimentos feitos por clientes reais. Bem, isso é exatamente o que chamamos de User-Generated Content, ou Conteúdo Gerado pelo Usuário. É quando os próprios clientes criam conteúdo relacionado à sua marca e compartilham nas redes sociais, sites de avaliações, blogs e afins.

Por que o UGC é Tão Incrível?

Imagina poder contar com os seus próprios clientes para promover o seu negócio? Pois é, o UGC tem esse poder! Quando as pessoas vêem outras pessoas reais usando, elogiando e recomendando seus produtos ou serviços, a confiança aumenta muito. É como um amigo dizendo: "Ei, eu adorei isso e você também vai amar!".

Dicas Práticas para Usar o UGC a Seu Favor:

Fique de Olho nas Redes Sociais: Acompanhe as menções da sua marca nas redes sociais. Pode ser uma foto, um vídeo, um tweet - qualquer coisa que mostre seus produtos ou serviços sendo usados e amados.

Compartilhe com Orgulho: Compartilhe nas suas redes sociais, site ou até mesmo em materiais de marketing. Isso prova que pessoas reais estão por trás do sucesso da sua marca.

Mostre Reconhecimento: Quando alguém compartilhar, agradeça de coração. Um simples comentário agradecendo e mostrando apreço não só vai deixar o autor do conteúdo feliz, como também vai incentivar outros clientes a fazerem o mesmo.

Incentive a Criação de Conteúdo: Não tenha medo de pedir para seus clientes compartilharem suas experiências. Você pode criar concursos de fotos, hashtags especiais ou até mesmo perguntar diretamente como eles usam seus produtos. As pessoas adoram participar!

Mostre Variedade e Autenticidade: O UGC não precisa ser perfeito. Na verdade, a autenticidade é o que mais importa. Mostre diferentes formas de uso, estilos e perspectivas. Isso vai atrair uma audiência diversificada.

Crie uma Comunidade: Transforme essa em uma forma de conectar seus clientes. Crie um espaço onde eles possam compartilhar, se inspirar e interagir uns com os outros!

Colhendo os Frutos do Seu Esforço:

Quando você incorpora o UGC na sua estratégia de negócio, está construindo não apenas um público, mas uma comunidade envolvente. As pessoas adoram se sentir parte de algo maior, e essa forma faz isso acontecer. Além disso, o boca a boca digital é poderoso e pode atrair novos clientes como um imã!

Agora que você entende o que é UGC, que tal começar a explorar suas possibilidades? Compartilhe as histórias autênticas dos seus clientes, crie conexões emocionais e veja os resultados. Comente o que acho do post! Espero que você tenha gostado! Beijão!

Por que as logos estão cada vez mais Minimalistas?

2023-07-03T15:36:00.002-03:00

Ah, as logos minimalistas! Elas estão em toda parte - do icônico símbolo da Apple a marcas emergentes que parecem ter surgido do nada. Mas por que essa tendência está se tornando cada vez mais popular?

Bem, como alguém que trabalha no mundo do design gráfico, eu estou aqui para dizer que as logos minimalistas são muito mais do que apenas uma moda passageira. Na verdade, elas representam uma evolução no design de logos que tem raízes no modernismo e no design escandinavo do século XX.

Pense nisso: nossas vidas estão cada vez mais voltadas para o mundo digital. Nós carregamos nossos smartphones conosco a todo momento, passamos horas navegando na web e interagindo com marcas em todas as plataformas imagináveis. Como resultado, as logos precisam ser facilmente legíveis e escaláveis, independentemente do tamanho da tela ou dispositivo. E as logos minimalistas fazem exatamente isso!

Além disso, as logos minimalistas têm um impacto visual forte que pode ajudar a sua marca a se destacar da concorrência. Elas são fáceis de lembrar, pois geralmente apresentam uma tipografia limpa, poucos elementos visuais e um uso inteligente de espaços em branco e isso pode ser especialmente eficaz em um ambiente cada vez mais lotado de mensagens de marketing.

Outra grande vantagem das logos minimalistas é que elas tendem a ser vistas como sinônimo de sofisticação e qualidade. Isso ocorre porque a simplicidade é frequentemente associada à modernidade e ao minimalismo, em outras palavras, quanto mais simples a sua logo, mais sofisticada ela pode parecer aos olhos do público (lembrando que ser minimalista NÃO é ser SEM SAL).

Por fim, mas não menos importante, a simplicidade é econômica e prática. A criação de uma logo minimalista é mais rápida e menos dispendiosa do que a criação de uma logomarca elaborada e detalhada e a logo minimalista é mais fácil de gerenciar e atualizar, tornando-a uma escolha mais viável para as empresas que desejam manter sua identidade visual atualizada e relevante.

Lembre-se, a simplicidade nem sempre é fácil de alcançar. A criação de uma logo minimalista eficaz requer habilidade e conhecimento em design gráfico, mas se você conseguir acertar, pode ter certeza de que a sua marca estará pronta para enfrentar os desafios da era digital e se destacar em meio à concorrência. Muito interessante esse tema, né? Beijão <3

Você tem que se permitir respirar - Trabalhando com Criatividade

2023-04-30T10:00:00.000-03:00

Tive que fazer uma pausa esse mês e percebi que sou uma workaholic, não conseguia me permitir pensar, olhar para o teto e não fazer nada. Queria sempre ser "a produtiva" e devolver as expectativas que as pessoas colocavam em mim, mas no final das contas quase ganhei um "bornoutinho seu amiguinho"', então não, não é assim que a banda toca.

Eu sei que, quando se trabalha com arte, música, design, escrita ou qualquer outra área que envolve a criatividade, a pressão por produzir e criar pode ser enorme. É comum que muitas pessoas sintam que precisam estar sempre produzindo algo novo, sempre criando e inovando, para se manterem relevantes e produtivas. No entanto, eu gostaria de propor que, ao invés de se deixar levar por essa pressão, é preciso aprender a respirar e a dar espaço para a nossa criatividade se renovar: às vezes precisamos parar de criar por um tempo para que possamos voltar a criar com mais força e inspiração.

Isso não quer dizer que devemos procrastinar ou deixar de lado nossas responsabilidades. Mas, sim que é preciso reconhecer que a criatividade é um processo que envolve momentos de pausa, de reflexão e de descanso, é preciso entender que não somos máquinas, e que não podemos produzir o tempo todo sem que isso afete nossa saúde mental e física!

Uma das coisas que eu gosto de fazer quando sinto que a pressão está me sufocando é dar uma caminhada ao ar livre, ouvir uma música que me inspira, ou simplesmente ler um livro que me faça relaxar. Às vezes, basta uma pequena pausa para que a nossa criatividade se renove e volte com mais energia.

É importante lembrar que a criatividade não é um recurso ilimitado. É preciso aprender a gerenciá-la de forma consciente e cuidadosa, para que possamos utilizá-la da melhor forma possível. Isso significa que, às vezes, é preciso dizer não a alguns projetos ou trabalhos que não nos inspiram, para que possamos dedicar nosso tempo e nossa energia a projetos que realmente nos interessam.

No final das contas a pausa me fez bem e eu percebi o quanto de fato era apaixonada completamente por design, porque senti uma falta genuína de criar. Acredito que a criatividade é um recurso precioso, que deve ser cuidado e gerenciado de forma consciente. Para isso, é preciso aprender a respirar e a não se sentir pressionado o tempo todo. Dê espaço para a sua criatividade se renovar e voltar com mais força e inspiração, e lembre-se: você não precisa ser produtivo o tempo todo para ser um criativo de sucesso, no fim das contas você não precisa se provar para ninguém. Vai ficar tudo bem!

O icônico logo dos Rolling Stones: a história por trás do design

2023-04-27T10:00:00.002-03:00

Oiee! Ei, você aí! Você já viu o logo dos Rolling Stones? É impossível não reconhecer essa "boca com língua", né? Mas você sabia que essa imagem icônica tem uma história fascinante por trás do seu design?

Tudo começou em 1970, quando os Rolling Stones estavam procurando por um novo design para a capa do álbum "Sticky Fingers". Foi aí que eles encontraram John Pasche, um jovem designer gráfico com um talento incrível para criar imagens que refletissem a natureza rebelde e irreverente da banda.

E foi assim que começou uma das colaborações mais lendárias da história do rock 'n' roll. Pasche queria criar algo que capturasse a essência da banda, e foi Mick Jagger, o vocalista e líder dos Stones, quem deu a inspiração. Ele queria algo "carnal, agressivo e sexy", e assim nasceu a ideia de usar a boca como base para o design.

Mas Pasche não queria apenas criar uma boca qualquer. Ele queria algo original, que capturasse a personalidade e energia dos Rolling Stones. E foi aí que ele se inspirou na própria boca de Mick Jagger, adicionando uma língua longa e afiada que se tornou um elemento fundamental do logo.

E olha só, isso foi só o começo! Quando Pasche finalizou o design em 1971, ele se encontrou com os Rolling Stones em um hotel em Londres. E quem ele encontra? Ninguém menos que Mick Jagger, que ficou impressionado com o design e agradeceu ele por criar algo que capturasse perfeitamente a essência da banda.

E a história fica ainda melhor: Jagger queria dar um presente a Pasche como agradecimento pelo design, e ofereceu uma bolsa de moedas de ouro. Mas ele recusou, dizendo que já havia sido pago pela sua empresa pelo trabalho. Foi então que Jagger deu a ele uma jaqueta de couro com o logo dos Rolling Stones no peito, como um presente pela contribuição na logo.

É uma prova da habilidade de um designer talentoso e da visão de uma das bandas mais influentes da história do rock 'n' roll. E é por isso que, até hoje, o logo dos Rolling Stones continua a ser um dos mais icônicos e reconhecidos no mundo da música. <3

Então, gente, é isso. Eu amo essa história do logo dos Rolling Stones, e espero que tenha inspirado vocês também. Até a próxima! Beijão!