Sinopse 365

| filme 128 | CAPITÃO AMÉRICA: GUERRA CIVIL

2016-05-02T06:14:00.001-07:00

No universo dos HQs quem tem AVENGERS é rei.

Não adianta tentar fugir da comparação. Sabe quando a gente se mete em um novo namoro e vive comparando o passado com o presente? Então, a história de amor dos fãs com os quadrinhos sempre tem capítulos apaixonados. Em 2016 já vamos para dois momentos importantes nessa jornada de amor e, por que não dizer, algumas decepções.

No encontro que tivemos com o Batman e Superman ficamos com aquela sensação estranha de que alguma coisa não estava no lugar. E não estava mesmo! Talvez um Batman blasé demais, talvez uma história fraca demais e lutas sem qualquer criatividade. Pois bem, o novo Capitão América: Guerra Civil é o extremo oposto. Com personagens encaixados e atores cada vez mais na pele dos heróis era só construir uma história mais ou menos e se esforçar nas lutas para o sucesso ser colhido. Mas não é que os irmãos Anthony e Joe Russo e os roteiristas Christopher Markus e Stephen McFeely conseguiram mais? Conseguiram talvez superar os limites e fazer o melhor Capitão América da série e um filme tão bom, mas tão bom, que pode ser considerado mais um da franquia dos Vingadores.

O cinemão começa com um quê de sem graça, uma perseguição de uma moto a um carro, uns sacos com fluídos azuis e poucas explicações. O arco da história, então, muda completamente e nos confrontamos, nós e os heróis, com dilemas atuais e muito pertinentes: Capitão América e companhia estão sendo, sistematicamente, acusados de abuso de poder. Prendem os bandidos, mas matam gente que não tem nada a ver com a guerra. De um lado, um sensato (!!!!!!!!) Homem de Ferro argumenta que poderes não podem ser ilimitados, do outro o cara do escudo mais sinistro do planeta diz que inocentes as vezes são sacrificados para que um mal maior seja evitado. E é óbvio que o diálogo não flui, e vamos logo pros socos e pontapés mais sensacionais de todos os filmes até agora.

Capitão América monta seu time, onde se destaca o Soldado Invernal (tão protagonista quanto os outros) e o Homem de Ferro recruta ninguém menos do que o Homem Aranha, ainda garoto, num dos melhores momentos do filme. A história avança e é aí que o roteiro bom aparece. Soluções interessantes são encontradas para os desfechos de algumas histórias e a abertura de outras. Nada é desperdiçado. Nenhuma história é encerrada totalmente e, ao mesmo tempo, nenhuma deixa lacunas dentro do próprio filme. De certa forma, todos os heróis dão suas contribuições, todo mundo tem seus 10 minutos de fama. E tudo se encaixa perfeitamente, até o início reencontrando o final, num desfecho pra lá de surpreendente.

A forma como a Marvel Studios e a Disney exploraram esse duelo entre o Cap.América e o Homem de Ferro merece aplausos. E o filme mexe, a todo o momento, com a questão do protagonista x antagonista. É esse mote, inclusive, que deve ser explorado daqui pra frente, em todos os filmes da série. Diferentemente do que foi feito em Batman x Superman, a opção por confrontar ideologias dentro do mesmo grupo foi extremamente acertada e rendeu diálogos e dilemas que saem do cinema e invadem as conversas de quem assistiu. Filmes assim, que a gente leva pra casa depois que sai da sala escura, são aqueles com os quais a gente resolve namorar, casar e viver para o resto da vida. E depois vão ganhar todas as comparações! Todas!

| filme 122 | O PEQUENO PRÍNCIPE

2015-08-24T06:38:00.000-07:00

ESSENCIAL PARA A VIDA!

De repente a história do Pequeno Príncipe passa a ser chata pra gente. Com o passar dos anos, aquele papo de cativar, amar, ser bondoso parece uma figura abstrata daquelas que fazíamos quando criança nas aulas de desenho: totalmente sem sentido. Talvez por isso, o primeiro contato com essa animação francesa do diretor americano Mark Osborne (o mesmo do ótimo Kung Fu Panda) seja meio ressabiado. Será que vale a pena ver, mesmo sem ter nenhum pequeno pra levar ao cinema? A resposta vem rapidamente: VALE!

Primeiro porque a história do príncipe que vivia sozinho em um planeta até a chegada da sua Rosa é contada dentro de outra história. Uma menina, oprimida pela mãe controladora, se muda para um bairro perto do colégio para onde estuda com afinco com a finalidade de prestar um exame ao final das férias. Acontece que, de cara, ela topa com um senhor excêntrico que viveu uma vida de aventuras. Rapidamente e com engenhosidade o velhinho consegue introduzir a história do príncipe solitário. E a vida da menina começa a mudar. A história dentro da história e os momentos em que a pequena começa a tomar as rédeas da sua vida são o ponto alto do filme. Muito porque as atitudes da garotinha são aquelas que nós poderíamos ter ou tivemos quando nos deparamos com os clássicos ensinamentos do livro na primeira vez que lemos. É como se fossemos nós ali na tela.

Em segundo lugar o aprumo técnico é uma maravilha. Usando duas técnicas distintas de animação, Mark mostra a vida da menina em animação digital. A história clássica é contada em stop motion, a técnica mais rudimentar de animação fotográfica com seus 24 quadros por segundo de filme. O contraponto entre as duas formas de arte traz um requinte visual que difere bastante das animações da Disney, que estamos acostumados a ver.

Nem mesmo a parte final do filme, que entra num ritmo frenético de aventura e crítica a sociedade de consumo e aos workaholics consegue destruir o que foi criado antes. A introdução de um desfecho dirigido tira a possibilidade da nossa livre interpretação. Certamente chegaríamos à mesma conclusão do filme, mas seria melhor que pudéssemos chegar até ela sozinhos. O desfecho pra lá de emotivo leva adultos e crianças às lágrimas e faz com que a gente saia do cinema com aquela sensação de que realmente o essencial é invisível aos olhos. E que seguir o coração talvez seja a única alternativa realmente plausível em dias de guerra como os que vivemos hoje. E que, acima de tudo, somos únicos e é nessa unicidade que repousa a grande vantagem de sermos humanos.

| filme 121 | MISSÃO IMPOSSÍVEL - NAÇÃO SECRETA

2015-08-16T18:38:00.001-07:00

IMPOSSÍVEL NÃO GOSTAR!

Quando vimos o terceiro filme da franquia Missão Impossível a sensação era de estagnação. Talvez fosse a hora de parar ali. Mas, veio o quarto, Protocolo Fantasma, que apresentou uma nova equipe da agência ultra-secreta IMF e serviu como um novo piloto. O projeto deu certo, o filme vingou e o terreno para novas aventuras do agente Ethan Hunt estava mais que pronto para frutificar.

Em Missão Impossível – Nação Secreta a IMF está sob forte suspeita, assim como seu principal expoente. O secretário da CIA acredita que Hunt usa a agencia para conseguir justificar seus crimes, e que a melhor solução para todos é decretar o fim das missões impossíveis. Acontece que no meio disso tudo, Ethan está prestes a provar a existência de uma organização sem pátria que existe com a simples finalidade de fazer terrorismo travestido de catástrofe para gerar menos suspeita. O ponto de início da trama acontece quando os caminhos de mocinho e vilão se cruzam numa loja de discos.

A sinopse simples, talvez propositalmente, não apresenta os detalhes que fazem o quinto filme da série valerem realmente a pena. O primeiro deles é a presença de Tom Cruise. Sim. Existem humanos, que envelhecem e ficam estranhos. E existe Tom Cruise. Que é de outro planeta. Em plena forma aos 53 anos o astro continua obcecado por fazer as cenas de ação dos seus personagens, o que empresta uma noção de realidade muito necessária em filmes com sequências tão coreografadas como nesse Missão Impossível. Ethan Hunt e Tom Cruise são a mesma pessoa, e isso é muito bom. O segundo detalhe atende pelo nome de Rebecca Ferguson. A parceira de Tom em cena não é só mais um rostinho bonito. É um vulcão de socos e pontapés, facas e chaves de perna que protagoniza as melhores cenas de luta. Há ainda o tom acertado de humor, representado na pele do ótimo Simon Pegg, que já havia roubado a cena no filme anterior.

Dos detalhes interpretativos esses saltam aos olhos. Porém, uma feliz decisão trouxe um detalhe técnico novo aos filmes da franquia. A opção por sequências de ação inverossímeis ao extremo foi abandonada e deu lugar a ótimas sequências integradas, onde o grande forte da produção aparece: a edição de som. Do fundo operístico ao silêncio sepulcral, é o excesso de som ou a completa falta dele o que move todo o ritmo das mais de duas horas de projeção. Certamente estará nas indicações do quesito no Oscar. E a recomendação é assistir ao filme em locais que explorem ao máximo os efeitos sonoros.

De resto, estamos diante de mais um belo pipocão de final de semana. Diversão garantida, duas horas e doze minutos de descanso para o cérebro, muito melhor que uma sessão de psicanálise. E com o Tom e a Rebecca de brinde.

| filme 120 | DIVERTIDA MENTE

2015-06-21T09:20:00.004-07:00

E NUNCA MAIS VAMOS PENSAR DA MESMA FORMA!

Geniais. Após alguns filmes "apenas" bons, os geniais da Pixar ressurgem em 2015 com uma das ideias mais interessantes dos últimos tempos: mostrar em imagem, com enredo e personagens como ocorre o processo que alavanca nossos pensamentos, posturas diante dos acontecimentos, ações e interações com outras pessoas. A história toda acontece dentro da cabeça de uma garotinha de 11 anos, que acabou de mudar de cidade por conta do trabalho do pai. Riley sofre uma mudança brusca ao sair do frio estado de Minnesota para a ensolarada Califórnia.

Mas o plano principal do filme acontece dentro da cabeça da menina. É lá que os personagens principais vão desfilando um monte de referências da cultura pop, da psicologia e até mesmo de outros filmes da Pixar em sequências tão bem feitas que durante toda a projeção você repete muitas vezes “que maneiro!”, “sensacional bolarem isso”, “que sacada genial!”, entre outras. Alegria, Tristeza, Raiva, Nojinho e Medo. São essas, na visão da Pixar, as emoções que dominam nossa mente. Da interação entre elas, numa sala de controle, é que somos impelidos a externar o que sentimos. Quando alguém nos irrita, é a Raiva que está no comando, quando achamos um cabelo na comida, Nojinho domina. E por aí vai. Cada momento da nossa vida é guardado em bolas de pensamento, e existem aqueles que ajudam na formação do nosso caráter, na criação das nossas ilhas mais importantes (família, honestidade, lazer, amizade, bobeira).

O comandante chefe da mente da Riley é a Alegria, não poderíamos esperar outra coisa para uma criança. Um contraste com os comandantes chefes dos outros personagens (“grande sacada!), já que, qual seria a emoção dominante na cabeça de uma mãe? Ou de um pai de família? Somos diferentes e dentro de nós também são diferentes as emoções dominantes. Palmas pra Pixar que sempre valoriza a não padronização comportamental em seus filmes. Um alento na hora de ver com os pequenos. Mas então, Alegria é a dona do pedaço e as outras emoções sofrem sua total influência. Um acontecimento na sala de controle joga Alegria e Tristeza para fora do comando e durante todo o filme a tentativa de retorno é o que move o enredo. Raiva, Nojinho e Medo não conseguem conviver sozinhos e a vida de Riley começa a mudar completamente.

É sempre bom lembrar a predileção quase que obsessiva que a Pixar tem por duplas protagonistas. Em absolutamente TODOS os filmes do estúdio tivemos sempre um par de personagens principais. Marlin e Dory, Buzz e Woody, Carl e Ellie, Mike e Sullivan, Wall.e e Eva, entre muitos. Aqui Alegria e Tristeza dividem as melhores cenas do longa. E da interação entre elas, na viagem de volta ao centro de controle, brotam cenas e sacadas absolutamente fantásticas. São tantos momentos no Mundo dos Sonhos, ou no Atalho, com tantos símbolos que durante boa parte do tempo ficamos de boca aberta. A recomendação é só essa: prestar atenção e curtir. O colorido, as texturas estão cada vez mais reais. A técnica do desenho continua intacta, mas em Divertida Mente o que chama atenção é a forma como usam as cores. Para definir um personagem, para mostrar um pensamento bom, ou um ruim, para mostrar as mudanças de humor de Riley no mundo de fora da mente. E eles inventaram a fotografia de animação. Gênios!

A opção por não vilanizar a Tristeza é mais um acerto. Até referência ao mal do século nós temos: falam de depressão, nas entrelinhas mas falam. Num filme "de criança"! A forma como a Alegria descobre o famoso “dois lados da mesma moeda” é de arrancar lágrimas em qualquer ser humano vivo ou morto. Tente não chorar. Óbvio que em muitos momentos vemos a linguagem do desenho, para crianças, mas sem sombra de dúvidas somos nós, adultos, que iremos saborear com gosto essa obra-prima da psicologia animada (eles criaram isso mesmo). Talvez seja o melhor filme de animação de todos os tempos. Coisa pra ver e rever por muitas e muitas vezes. Chorar e rir, com as duas meninas de braços dados dentro da cabeça da gente.

| filme 119 | O GRANDE HOTEL BUDAPESTE

2015-01-22T15:03:00.002-08:00

CINEMÃO DE ENCHER OS OLHOS!

Wes Anderson tem um jeito bem peculiar de contar histórias. Para começo de conversa, seus filmes são quase sempre marcados por uma fotografia deslumbrante. A direção de arte, cenários e figurinos completam o quarteto que o diretor resolveu investir para deixar a sua marca na direção de filmes. Mas, e a história? Sobre qual enredo o diretor ergue seu combinado técnico de imagens? Bem, as histórias são as mais simples possíveis. Fala de gente, vivendo excentricidades e reagindo aos acontecimentos com a singeleza que todos nós carregamos.

No maravilhoso MOONRISE KINGDOM, um dos seus maiores sucessos, Wes desfila apuro estético por uma família totalmente maluca e nos joga na história de amor de dois adolescentes. Os personagens excêntricos são, ao que parece, o tema preferido na hora de elaborar seus enredos.

O Grande Hotel Budapeste já tem nome diferente. Não é de se espantar que o desfile de tipos bizarros seja uma constante durante as duas horas e poucos minutos de projeção. O filme começa com um velho autor explicando como inicia seu processo de escrita. Numa frase emblemática diz que “os personagens apresentam a história para ele”. E então volta ao passado para lembrar alguns condutores de contos que encontrou quando se hospedou no Grande Hotel Budapeste. Narra um especial encontro com o velho e cansado dono do hotel. Na conversa que se segue somos remetidos a outro momento e apresentados aos dois protagonistas da história: o concierge M. Gustave e o chamado "lobby boy" Zero. A dupla protagoniza e aparece em 80% do filme. Ralph Fiennes está soberbo como o refinado e afetado, porém másculo, funcionário que é a alma do Budapeste. Tony Revolon é o garoto que empresta um ar assustado e admirador ao protegido de Gustave. Um ponto que merece destaque é o elenco que transita em pontas e papeis importantes. É estelar: Adrien Brody, Willem Dafoe, Jude Law, Jason Schwartzman, Harvey Keitel, Jeff Goldblum, Tilda Swinton, Owen Wilson, Tom Wilkinson, Edward Norton, Léa Seydoux entre outros.

A sinopse mínima pode ser explicada sucintamente: Gustave se torna herdeiro de uma enorme herança, mas a família da falecida não aceita de forma alguma a nova realidade sem dinheiro e corre atrás do pobre (rico) concierge. Zero, fiel escudeiro, se torna cúmplice dos planos de M.Gustave para se livrar da família e cuidar da herança. A história dentro da história, dentro da história. E os personagens que fazem tudo acontecer. Bem que o velho escritor havia nos contado no início do filme.

Mas não é apenas isso. Wes Anderson sabe contar histórias. Sabe contar coisas simples através de imagens simplesmente inacreditáveis. A fotografia, edição, direção de arte, figurino e maquiagem estão todas indicadas ao Oscar de 2015. E não surpreenderia absolutamente ninguém se ganhassem todas. É impressionante como visualmente tudo combina. A produção ainda recebeu as indicações mais importantes para melhor roteiro original, melhor diretor e melhor filme. A trilha sonora, que mais uma vez, assim como em Moonrise, Wes consegue transformar em parte intrinsecamente ligada ao filme também está indicada ao Oscar. São NOVE indicações e um esquecimento bizarro: inacreditável Ralph não estar entre os indicados.

Mas, prêmios à parte, vale se entregar ao desbunde visual e ao jeito caseiro de contar histórias de um dos diretores mais autorais da atualidade. Que Wes continue criando esses Mundos coloridos e loucos. Seria bem legal se a vida fosse assim de verdade.

| filme 118 | INTERESTELAR

2014-11-26T16:27:00.002-08:00

O TEMPO QUE NOS SEPARA É O MESMO QUE NOS UNE.

Interestelar é uma ficção? Sim. É. Dito isto o que temos nas mais de três horas de projeção é a tentativa mais realística possível de mostrar como a raça humana poderia ser exterminada e de quais formas poderíamos salvar as futuras gerações. É, acima de tudo, uma ficção sobre o tempo. O tempo subjetivo, o tempo real, o tempo fora das nossas perspectivas. O mesmo tempo que faz filhos desistirem dos pais, ou que leva os pais a lutarem por seus filhos, o tempo exato em que dois sentimentos se encontram. E qual o melhor lugar para contar uma história sobre o tempo? O espaço. Essa equação que persegue a humanidade há tantos e tantos anos. É numa fábula espacial que o gênio Christopher Nolan desfila com maestria o roteiro escrito com seu irmão Jonathan Nolan. Na verdade, Jonathan já havia escrito um roteiro, que foi absorvido pelo que Christopher escreveu. É realmente um caso a ser estudado: a genética da família Nolan.

Não bastasse a ficha técnica de direção e roteiro, temos Lee Smith que é o editor de quase todos os filmes de Nolan, incluindo aí as geniais edições de A Origem, Batman: O Cavaleiro das Trevas e Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge, Hans Zimmer, o premiadíssimo compositor alemão, autor da trilha sonora de O Rei Leão (<3) e um elenco, com o perdão do trocadilho, INTERESTELAR. Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Matt Damon, Jessica Chastain, Bill Irwin, Ellen Burstyn e Michael Caine, só pra citar os mais famosos. Cinco milhões de Oscar juntos num cast de dar inveja a qualquer Robert Altman. Estão todos maravilhosos, e o cuidado da direção é tão legal que ninguém fica sem o “seu grande momento” durante a projeção.

A premissa é das mais batidas: a raça humana está em vias de extinção. O motivo é novidade. Dessa vez não é meteoro, não são aliens, não é terremoto nem tsunami. É poeira. É falta de água. Os pulmões estão ficando cheios de pó e aos poucos estamos todos deixando de existir. Por conta disso, alguns escolhidos são convocados para viajar através dos “buracos de minhoca” (atalhos que são como túneis do tempo) no espaço com a missão de encontrar um local habitável pelos humanos do presente e do futuro. A história começa em meio a uma fazenda, de uma cidade não muito grande. Nunca sabemos o ano em que se passa o filme, nunca sabemos quantos somos. Essa ausência de tempo e de espaço é uma das grandes jogadas do diretor. É sobre um tempo que passa dentro de espaços só que eles não precisam ser tangíveis e marcados. Propositalmente ficamos tão desorientados quanto os personagens do filme (Nolan, aliás, é um obcecado pelo tema vide seu clássico A Origem).

O desenrolar do filme provoca mudanças em todos e apresenta a entrada do componente mais importante: a subjetividade com que cada um trata o tempo. Cada personagem encara as mudanças com base em teorias e importâncias com as quais todos nós concordamos. Alguém fala algo e nós, na poltrona, assentimos com a cabeça. Outro fala o oposto e nós, atônitos, também damos razão. Para uns a passagem do tempo e as decisões tomadas dentro dela devem ser motivadas por amor, para outros as probabilidades devem levar em conta dados estatísticos pura e simplesmente (um dos grandes momentos do filme mostra um embate de opiniões entre os protagonistas Cooper e Amelia) e para uma terceira categoria nada deve ser levado em conta a não ser o instinto quase selvagem de sobrevivência. Há ainda o aspecto técnico, as imagens e sequência de ação são impressionantes, tem até tsunami, mas nem é uma onda normal. É intergalática.

O tempo da razão e o tempo do coração travam uma guerra e nós acompanhamos ambos, saltando de um galho para o outro, assim como os personagens. É função de Murph, filha de Cooper, encontrar a chave que une tempo e espaço, que transforma a nossa percepção, que inverte, cria e ensina novas formas de entender como, quando e onde ocupamos nosso lugar no espaço físico e no espaço emocional, dentro da vida das pessoas. As nuances e pequenas revelações são inúmeras. Existem dicas que apontam o final de forma sutil durante todo o filme. As peças que Murph vai juntando nos unem a ela e mostram que muitas das respostas para essa equação podem estar diante de nós, o tempo todo.

| filme 117 | BOYHOOD - DA INFÂNCIA À JUVENTUDE

2014-11-12T15:04:00.000-08:00

E se a sua vida virasse um filme?

Fazer filmes belos, sobre temas extraordinários, em locações avassaladoras é como cozinhar um jantar com os melhores ingredientes: o resultado final só será ruim se o "chef" for muito fraco. Mas, fazer um lindo filme, com temas ordinariamente comuns, em lugares inóspitos é como cozinhar um jantar com a sobra da semana, colocando, é claro, o tempero da vovó. Foi exatamente isso que o diretor Richard Linklater cozinhou. Um belo jantar caseiro.

Muito mais que o contexto em que o filme foi filmado, do qual falaremos mais adiante, Boyhood é repleto de beleza onde por vezes achamos que não existe nada. A jornada do menino Mason, filho de pais separados, que tem na irmã Samantha seu contraponto, é cheia de poesia e beleza no dia a dia, nos diálogos quase banais com os amigos, na relação de final de semana com o pai e nas consequências das decisões quase sempre erradas que a mãe insiste em tomar. O garoto é extremamente introspectivo o que fica mais caracterizado ainda através dos oportunos takes em que Richard exibe seu protagonista.

É marcante a forma como o diretor sente prazer em mostrar cada traço dos seus personagens principais. A maquiagem, quase natural para uma produção cinematográfica, tem a intenção clara de permitir que a gente veja o crescimento e envelhecimento dos personagens. Isso porque foram gastos 12 longos anos de filmagem para que a obra ficasse pronta e acabada. Todo esse tempo filmando em segredo, com o mesmo elenco. Os conhecidos Ethan Hawke (astro da trilogia Antes do Amanhecer, Antes do Pôr-do-Sol e Antes da Meia-noite, todos de Linklater) e Patricia Arquette nos brindam com suas belas rugas ao longo do tempo e o desabrochar do menino Ellar Coltrane (uma riqueza, um achado!) e de Lorelei Linklater (filha do diretor) se torna real nas duas horas e quarenta minutos de projeção (ninguém sente passar). É incrível como o diretor conseguiu “esconder” duas joias infantis por tanto tempo. As “crianças” que um dia foram Ellar e Lorelei hoje somente existem em Boyhood. Jamais serão crianças em um filme novamente (coisas do cinema).

Para quem foi adolescente nos anos 90, o desfile dos grandes momentos da década é farto. De lançamento dos livros do Harry Potter ao boom das redes sociais e smartphones, está tudo lá. Mas não é o ritmo das mudanças do mundo que marca a obra. É o ritmo de Mason. A inocência e o olhar cheio de esperança (talvez de ver os pais retomarem a união) paulatinamente se transforma em um olhar de dúvida e incertezas, até encontrar uma forma de enxergar a vida por meio da arte (e profissão) que escolhe (ou que escolhe a ele). É Mason que sempre aparece como centro das cenas emblemáticas, e também das impressionantemente naturais cenas de passagem do tempo. É um filme sobre o tempo, como não? Mas não sobre idade. É mais amplo. É sobre como o tempo chega fisicamente, mais principalmente sentimentalmente. O quanto podemos mudar em 12 anos? Fisicamente as mudanças estão lá. Estampadas na cara e tamanho de cada ator/atriz. É, porém, na sutileza dos diálogos que repousa o espelho que Linklater constrói das nossas vidas. Impossível não nos identificarmos com muitas das cenas que vemos.

Um excelente fazedor de cinema dos bons e diálogos dos ótimos nos brinda com um dos mais maravilhosos filmes sobre a beleza do comum. E mostra que existe sim algo de infinitamente eterno e lindo na vida de qualquer um de nós. Se a nossa vida virasse um filme, ou se escrevêssemos o roteiro dela, o desfile de alegrias e tristezas enfrentados pelo protagonista estaria presente. Já fomos todos Mason um dia. Seguimos sendo, afinal de contas.

[status: esperando Boyhood II – em 12 anos]

| filme 116 | TRAPAÇA

2014-02-10T04:24:00.000-08:00

Aquilo que vemos nem sempre é o real.

Em 2013, David O. Russel decidiu fazer uma comédia romântica que acabou resultando num sucesso de público e crítica, concedendo à Jennifer Lawrence o status de nova diva do cinema americano. Vitoriosa no Oscar de 2013, Jennifer ainda viu seu parceiro de cena, Bradley Cooper, ser indicado para estatueta de melhor ator. Pois a dupla do sucesso O Lado Bom da Vida está de volta nessa comédia dramática sobre um casal de trapaceiros que sonha em viver uma vida inteira de trapaças. Dessa vez, porém, a dupla de queridinhos do diretor aparece como coadjuvante de outra dupla, também cheia de química. Amy Adams e Christian Bale são os motores do filme. Ambos indicados ao Oscar de suas respectivas categorias.

Inspirado em fatos reais o filme conta a história de uma dupla de vigaristas que é recrutada pelo FBI para tentar flagrar congressistas americanos aceitando suborno. A operação real aconteceu em 1978, mesma época em que se passa o filme. Irving Rosenfeld e Sydney Prosser veem seus dias de trapaça chegar ao fim, quando são pegos pelo agente Richie DiMaso em pleno trambique. Numa jogada secreta, recebem a proposta de colaborar com os “mocinhos” para conseguirem ter a ficha limpa. Aceitam. E aí o filme começa. Irving é apaixonado por Sydney, mas é casado com a transloucada Rosalyn. A relação explosiva com a esposa quase coloca a tentativa de redenção de Irving a perder. Em mais de duas horas de filme, recheados de reviravoltas, vemos o desfile de exageros que já é lugar comum nas produções de David. Todos os problemas de relacionamento e comportamento são aumentados propositalmente, para serem explorados em tom jocoso, receita de sucesso desde a época de Três Reis, passando pelo ótimo O Vencedor.

A qualidade do que vemos é indiscutível. Trilha sonora afiada, com inúmeros sucessos da década de 70. Figurinos fantásticos, explorando a beleza e o charme das quatro estrelas principais. A direção de arte e cenários também são destaque, ressaltando todo o estilo retrô dos móveis e texturas da época. Não por acaso o filme foi indicado ao Oscar de figurino e direção de arte. Mas é na direção de atores que David se destaca. Ano passado ele conseguiu a proeza de fazer seus quatro atores principais serem indicados à estatueta mais famosa do cinema (Jennifer, Bradley, Robert de Niro e Jacki Weaver concorreram aos prêmios de interpretação), fato que não ocorria desde 1981. Como se fosse pouco, o diretor conseguiu repetir o feito um ano depois. Jennifer Lawrence é favoritíssima para levar o prêmio de melhor atriz coadjuvante. Ela está simplesmente fantástica. É a protagonista das melhores cenas do filme: um duelo quentíssimo com Amy Adams num banheiro, um acerto de contas pra lá de surreal com Christian Bale já na parte final do filme e um desfile de sensualidade num momento chave da projeção. Christian Bale é outro que dispensa comentários. Engordou mais de 20kg para fazer Irving e empresta doçura e loucura a um trambiqueiro que usa ternos de veludo e passa cola no cabelo (numa sequência de abertura das mais engraçadas). Amy Adams tem um papel em que pode desfilar toda sua beleza e um ar blasé dos mais poderosos, sua má sorte é que este ano Cate Blanchet parece que não tem concorrentes por sua interpretação em Blue Jasmine. Bradley faz um policial dominado pela ambição, cheio de manias e completamente preocupado com a sua imagem.

Trapaça não é só um filme de reviravoltas, ou entretenimento puro. Toca em temas cruciais, o maior deles a nossa vontade de querer parecer o que não somos diante de certas situações da vida. A busca pelo dinheiro, a adrenalina da conquista, a ambição desmedida, que muitas vezes nos desvia e cria uma capa que apaga o que temos de bom deixando, somente, coisas negativas a mostra. Sem moralismos, sem querer parecer dono da verdade, com ótimos diálogos, o roteiro conduzido por David nos leva a uma divertida viagem onde dá o maior prazer torcer pelos trapaceiros.

Trapaça foi indicado para dez Oscar: melhor filme, roteiro, edição, direção de arte, figurino, diretor, atriz, ator, atriz coadjuvante e ator coadjuvante.

| filme 115 | A MENINA QUE ROUBAVA LIVROS

2014-02-02T17:02:00.001-08:00

A menina de quem a Morte foi fã.

Adaptações literárias para o cinema são sempre projetos que demandam um cuidado maior. Não foram poucas as obras que se perderam ao serem transportadas para uma linguagem completamente diferente. Quando a obra literária é um best seller a situação fica ainda mais complexa. A Menina que Roubava Livros é a obra mais famosa de Markus Zusak, um jovem escritor australiano. Vendeu mais de oito milhões de exemplares em todo o Mundo e arrebatou uma legião de fãs. A transposição para as telas de cinema era um movimento natural, mas a forma como seria feita só se tornaria conhecida na primeira projeção.

O elenco conta com talentos reconhecidos, como Geoffrey Rush e Emily Watson, além da jovem Sophie Nélisse, protagonista da história. Uma reconstituição da época (que vai do período de ascensão à queda do terceiro reich) perfeita, não muito grandiosa, já que a história se passa em uma pequena rua chamada Paraíso (diferente do livro, onde a rua se chama Himmel). Bela fotografia e esmero nos figurinos da época, além de uma trilha sonora deslumbrante, do insuperável John Williams, que com o filme conseguiu sua impressionante 49ª indicação para o Oscar. O diretor inglês Brian Percival não é um nome conhecido no cenário mundial. Ganhou muitos prêmios dirigindo curtas metragens. Uma aposta arriscada para uma obra que merecia um nome de maior peso. Brian não teve ousadia para dirigir e tampouco tentou fazer algo grandioso, épico, o que também poderia ter ocorrido. Nem lá nem cá, o que resultou num filme morno.

Evidente que seria pedir muito que toda a grandiosidade do livro e seus muitos momentos e passagens fossem explorados na tela grande. Até mesmo as peripécias da personagem principal e seu amigo Rudy fossem exibidas à ferro e fogo. Isso porque, a menina Liesel Meminger além de ladra de livros, roubava outras coisas. Mas, no cinema, esse fato resultou em omissão, muito para abrandar a classificação etária do filme, fato que pode resultar em fracasso ou sucesso de uma obra em Hollywood.

Disso tudo, a história da menina que é vendida pela mãe, juntamente com o irmão, a um casal pobre de uma cidade alemã, e é lançada no meio do momento histórico mais aterrorizador da história da humanidade, fica capenga pelos cortes feitos para que o filme tivesse apelo comercial e quantidade de horas suficiente para não cansar o espectador. Acaba que a mutilação deixou a história vazia, tanto que dos roubos de Liesel temos muito pouco. Tudo bem essa opção. Mas ela não poderia vir separada do cerne da história, dos conflitos históricos, da relação da menina com um judeu, do amor pelos livros, que fez dela quem ela se tornou depois. É uma história de como alguém consegue criar um universo paralelo à triste realidade do mundo gelado de um inverno alemão.

A tentativa de emprestar à história um caráter redentor desde o início fez com que o filme perdesse a essência do livro, que é a própria busca por uma saída. A busca de Liesel é o que movimenta o livro, não o que ela se tornaria depois. A capacidade de abstração é o que fez dela singular, até mesmo para a Dona Morte, que perde em capacidade narrativa, também vitima das mutilações do roteiro. Mirar em um épico e acertar num melodrama foi isso que Brian fez. A sorte é que teve um elenco agudo e afiado que, pelo menos, o ajudou a construir um bom melodrama. A tal história do ditado “se a vida te der limões, faça uma limonada” (ou caipirinha, para alguns) tão batida em tantos filmes. Liesel, que escolheu a vida, mesmo com a Morte espreitando o tempo todo, Liesel que fez da Morte uma fã, essa menina merecia um filme melhor.

| filme 114 | FROZEN - UMA AVENTURA CONGELANTE

2014-01-05T16:31:00.001-08:00

O amor tem mil faces!

Quando a Disney lançou Detona Ralph, em 2013, fruto da sua parceria com a Pixar (comprada pela Disney em 2006) muita gente pensou que seria irreversível a influência da premiada produtora de Toy Story sobre o estilo clássico de fazer animações, pecha que a Disney carregou por anos. Realmente, Detona emprestou uma nova cara ao jeito tradicional dos desenhos Disney, mas isso não significou uma guinada de 180 graus. A afirmação é provada agora, em 2014, no verão escaldante do hemisfério sul, chega a animação Frozen – Uma Aventura Congelante.

Todas as características dos grandes clássicos Disney estão presentes: os cenários lindos, sequências de coreografias ótimas e uma trilha sonora das melhores que já foram criadas pelo maior estúdio de animação de todos os tempos. É um autêntico desenho Disney, dos melhores que foram produzidos por lá nos últimos muitos e muitos anos. Acontece que já conseguimos ver uma pequena mudança de postura e rumos diferentes dos “normais” no roteiro desse novo produto.

As princesas estão mais independentes e é delas, e só delas, o grande protagonismo do filme. As irmãs Anna e Elsa (vozes de Kristen Bell e Idina Menzel) são amigas e cúmplices quando crianças. Um incidente ocasionado por um dom que possui, porém, faz com que Elsa se separe da irmã. Já adolescentes e órfãs, é chegada a hora de Elsa se tornar rainha. Um novo ponto de tensão ocorre, o que desencadeia uma sequência de aventuras de tirar o fôlego. No meio da jornada em busca da liberdade as irmãs se deparam com um hilário boneco de neve falante, que sonha viver as alegrias e o calor do verão, um solitário homem da montanha e seu fiel escudeiro Sven, além dos trolls, que possuem papel importante na história, tanto no início quanto na sequência final.

A trilha sonora de Christoph Beck é fantástica. Com uma pegada estilo Broadway certamente vai estar entre as indicadas para o Oscar. Dentro da parte musical, destaque para “Lei it go”, cantada por Idina Menzel, estrela de primeira grandeza do teatro americano. "Do You Want to Build a Snowman?”, "For the First Time in Forever" e "Love is an Open Door" completam o time de canções de onde, certamente, sairá alguma (ou algumas) para a lista de indicadas no Oscar 2014.

Não esquecendo os tecnicismos e a perfeita qualidade do traço e da mistura de cores, um cartão de visitas mais que normal dos estúdios de Walt Disney, o que impressiona mesmo é a clara tentativa (mais que bem sucedida) de dar outra cara para as princesas do estúdio. Anna e Elsa fogem completamente aos estereótipos das mocinhas encantadas da Disney. Os personagens masculinos orbitam em torno da história das duas irmãs. São secundários e realmente não ganham destaque sequer na sequência final. Até mesmo a saída clássica, para o tal beijo do amor verdadeiro, ganha contornos modernos e mostra que nem tudo na vida se resume a um príncipe encantado. O resultado final é um filme que agrada aos pequenos, aos jovens e aos adultos, exatamente porque possui tudo que um bom "cinemão" deve ter: boa história, personagens bem construídos, cenários deslumbrantes e uma perfeita combinação de comédia, drama e aventura. Do jeito que é a vida de qualquer princesa da vida real.

| filme 113 | A VIDA SECRETA DE WALTER MITTY

2013-12-21T19:29:00.004-08:00

"Coisas belas não precisam pedir atenção"

Fosse você um bom ator de comédias que se mostrou um diretor afiado para satirizar o jeito americano de fazer filmes, iria tentar algo no complicado terreno dos dramas redentores? Parece que Ben Stiller topou o desafio. E, de todo, não se saiu mal. Ele dirige este drama, com toques de humor e aventura, inspirado em um filme de 1947, chamado O Homem de Oito Vidas.

Ben, além de diretor, é o ator principal. O personagem que dá nome ao filme. Walter Mitty é um sujeito pra lá de introspectivo. Tão pra dentro que vive suas maiores aventuras no campo da imaginação, constantemente fica “fora do ar” imaginando roteiros diferentes dos reais para alguns momentos da sua vida. Ele trabalha na Life recebendo e catalogando os milhares de negativos dos fotógrafos parceiros da finada revista americana. Quando recebe um rolo do lendário fotografo Sean O’Connell (Sean Penn) ganha junto uma carteira e um bilhete que diz “o negativo número 25 é a minha melhor fotografia”. Acontece que o tal negativo desaparece e esse é o ponto de partida que inicia toda a ação do filme.

Walter pode ser qualquer um de nós. De criança e adolescente cheio de sonhos e roteiros maravilhosos para a própria vida até um adulto que se deixou levar pelas necessidades que o destino reservou. Um evento traumático fez com que tudo aquilo que um dia sonhara ficasse pelo caminho. Tornou-se, então, alguém que vive uma vida fantástica só que dentro da própria imaginação. A busca pelo negativo se transforma, então, na busca pela força para realizar aquilo que ele deixou pra trás, e é nessa jornada que está a ideia central do filme.

Ben é um excelente ator de comédias e está correto no papel. Poderia ser melhor? Poderia. Talvez se não acumulasse duas funções teríamos um concorrente aos principais prêmios de 2013. Como é um filme bastante centrado no personagem principal ficou a sensação que poderíamos ter outro ator carregando a história. Sean Penn, Kristen Wiig, Shirley MacLaine, Adam Scott e Patton Oswalt formam um ótimo elenco de apoio, mas o filme é tão concentrado na figura de Mitty que sobra pouco espaço para alguém conseguir “roubar a cena”. O roteiro de Steve Conrad (do ótimo À Procura da Felicidade) está enxuto, mas poderia ter melhores diálogos afinal histórias de redenção formam um campo farto para frases e lições que dariam belas cenas quando casadas com imagens.

O visual do filme pode não agradar aos mais tradicionais. A ideia foi trazer um conceito de revista, inserindo legendas em imagens como se estivéssemos folheando um exemplar da Life. As cenas das “viagens” fantásticas que acontecem dentro da cabeça de Mitty são muito bem executadas, com efeitos surpreendentes, como uma perseguição enlouquecida pelas ruas de Nova York.

A sensação, porém, é de que o argumento teria se tornado uma obra prima se trabalhado com menos grandiosidade, algo mais introspectivo. Com menos firulas, menos ação e melhores diálogos talvez tivéssemos um dos melhores filmes de 2013. Tanto é que o grande momento acontece dentro de um bar, na quase desabitada Groelândia, quando Mitty precisa decidir se entra ou não em um helicóptero com um piloto bêbado. Ao som de Space Oddity de David Bowie, entoada por Kristen em um dueto virtual com próprio Bowie a cena é o ponto alto dos 114 minutos de projeção. Sem grandes efeitos, sem legendas nas imagens, sem pedir atenção. Era só repetir a mesma pegada no resto do filme. Afinal, para transformar uma catarse humana em filme não é preciso atenção, basta contar a história com simplicidade.

Para ouvir a trilha sonora do filme é só clicar AQUI.

| filme 112 | OS SUSPEITOS

2013-10-21T15:13:00.000-07:00

A fé como instrumento de justiça.

Um apito dá início ao andamento da trama deste suspense estrelado pelo par de galãs Hugh Jackaman e Jake Gyllenhaal. Antes do apito, porém, somos apresentados às duas famílias em torno da qual irá girar a trama. Keller Dover, esposas e dois filhos e a família da menina Joy, amiga da filha de Dover. Somos convidados para a ceia de ação de graças das famílias. Vemos as crianças correndo pela casa, os adolescentes conversando, as mães cozinhando e os pais arrumando a mesa. Até que lá pelas tantas as pequenas Anna e Joy pedem aos pais para irem até a casa da primeira procurar o apito que seu pai havia lhe dado. É o suficiente para que as meninas desapareçam e comece o suspense.

Uma lista de suspeitos vai surgindo na nossa frente, mas todos nós ficamos tão perdidos quanto o detetive Loki, um solitário e metódico policial. As pistas sobre o criminoso responsável pelo desaparecimento insistem em não chegar e o policial precisa conter a ira dos familiares, principalmente do pai de Anna. Os acontecimentos que desencadeiam a resolução do caso são dados em sequência, e uma das grandes sacadas do filme é fazer com que os protagonistas Loki e Dover descubram qual o próximo passo a dar juntamente conosco.

Tecnicamente estamos falando de um filme que sabe explorar como poucos a tríade trilha sonora-enquadramentos-fotografia. O clima sombrio de sótãos, apartamentos abandonados, casas antigas e jardins escuros é ornado por uma fotografia que privilegia o desfocado, as imagens por trás das janelas, tudo isso completado pelas tomadas fechadas que se abrem aos poucos ou vice versa. O uso da trilha é um caso a parte, com as cenas sendo ritmadas pelo crescimento das notas musicais. É tão bem feito que não reparamos que é a trilha, parece mais um dos personagens nos avisando que “aí vem coisa”.

Mas existe outro componente que na verdade explica as motivações do filme. Protagonista e antagonista formam dois lados de uma mesma moeda. São humanos, mas cada um representa a fé de pontos distintos. Enquanto o policial Loki é o defensor da justiça dos homens, Dover é aquele que personifica o perigoso discurso da justiça divina. O homem que acredita poder definir se Deus irá ou não aprovar determinado comportamento que for praticar, e ele pratica. Pratica muita coisa reprovável em nome da justiça de Deus. A fé ou a falta dela, no final, irá determinar o destino dos personagens.

Hugh e Jake construíram seus personagens à perfeição. O primeiro criou um pai com um instinto quase animalesco de sobrevivência que não poupa esforços e não mede consequências para recuperar a filha perdida. O segundo faz um policial obsessivo com tiques nervosos nos olhos, cabelo arrumado, camisa fechada até o pescoço, todos os componentes necessários para adjetivar o seu personagem. Com um quê dos filmes de suspense de David Fincher Os Suspeitos entra para a galeria com louvor como um dos melhores filmes do gênero em 2013. E o apito da fé liga a narrativa do começo ao fim do filme. Um sopro de esperança para responder aos caminhos da fé escolhidos pelos protagonistas.

| filme 111 | GRAVIDADE

2013-10-08T23:11:00.000-07:00

É NO VAZIO QUE VOCÊ ENCONTRA A SI MESMO.

As apostas de Alfonso Cuarón sempre foram as menos óbvias. Nascido na Cidade do México, em 1961, aos 34 anos iniciou o que parecia ser uma bem sucedida carreira em Hollywood. Dirigiu dois filmes de grandes estúdios com relativo sucesso de público e grande sucesso de crítica: A Princesinha e Grandes Esperanças. A aposta no menos óbvio veio quando ele decidiu voltar ao México para dirigir e produzir o que até hoje é o maior sucesso cinematográfico do país: o drama Y Tu Mamá También. Depois disso, parecia inevitável não sucumbir aos apelos americanos. Foi convidado e dirigiu o terceiro filme da série Harry Potter, além de um dos melhores filmes de 2006: um drama futurista e apocalíptico chamado Filhos da Esperança. No auge da carreira escolheu a reclusão, saiu dos grandes projetos por longos sete anos até reaparecer com esse incrível Gravidade.

A história do astronauta Matt Kowalski (George Clooney) em sua última missão fora da Terra (consertar o telescópio Hubble) e da doutora Ryan Stone (Sandra Bullock) que o acompanha na missão, juntamente com outros membros da Nasa, parece ser simples mas estamos falando de Cuarón, o homem que foge do óbvio. O que parecia terreno fértil para diálogos repletos de coordenadas e terminologias técnicas vira um oásis de sons, enquadramentos surpreendentes e diálogos que dizem muito mais sobre nós mesmos do que os papos que temos em terra firme.

Uma chuva de destroços de um satélite provoca um acidente que deixa Matt e Ryan à deriva, reféns da única coisa que existe de fato num ambiente espacial: a gravidade. O silêncio do nada que existe fora das roupas de astronauta toma a sala de cinema e nos joga em pleno espaço sideral, também reféns da gravidade. Um bravo Matt contrasta com uma titubeante Ryan, uma mulher que já passou por tantas provações na vida quantas são necessárias para fazer parecer libertador uma odisseia no espaço. As tomadas sem diálogo são tão sensacionais e especiais que tornam aula esse roteiro feito para ser cinema – o auge da imagem trabalhada esteticamente. Em pleno espaço, estafada de tanto lutar, a doutora Ryan se coloca em posição fetal, como que dali por diante houvesse dentro dela e na narrativa do filme o renascimento. Cinema puro. Imagem que diz mais do que mil palavras.

O esforço físico feito pela dupla de astros é impressionante. Sandra Bullock tem 49 anos e um corpo simplesmente perfeito. O crescimento da coragem e da força da personagem são extremamente bem marcados e servem para conduzir a narrativa. Sandra leva o filme de tal forma que até nossa respiração faz eco com a dela.

Talvez, Gravidade fique perdido entre os excelentes filmes do novo século ou talvez se torne o novo 2001 – Uma Odisseia no Espaço (muito menos pelo tema e mais por ter conseguido empregar uma estética intimista para um filme de ficção científica, em 2001 uma ode sobre a força da mente e a loucura, em Gravidade uma forma de renascer quando só existe o vazio de tudo), o que seria, de fato, merecido. Não seria esperar muito uma enxurrada de indicações aos principais prêmios do cinema em 2014. Seria óbvio, ao contrário de Alfonso. Que ele não suma por mais sete anos. É talento demais para ficar escondido.

| filme 110 | FLORES RARAS

2013-08-21T00:41:00.000-07:00

Quando perder vira poesia.

A arte de perder não é nenhum mistério;

tantas coisas contêm em si o acidente

de perdê-las, que perder não é nada sério.

A primeira vez que tive contato com a vida de Lota de Macedo Soares e Elizabeth Bishop foi numa reportagem de capa do caderno Ela, do jornal O Globo. Não lembro quando, mas faz tempo. Bastante. Tempo suficiente para, naquela época, ter ficado instigada com a história de amor entre duas melhores, na década de 50, numa província como o Rio de Janeiro. Em 1950 não havia revolução feminista e debate sobre homossexualidade, o que me deixou ainda mais admirada pela história de amor entre uma brasileira nascida na França (Lota) e uma americana que jamais se sentiu em casa, independente do lugar em que estivesse (Elizabeth).

Demorou até que alguém tivesse a disposição para filmar um dos romances mais intensos e poderosos que se tem notícia. Disposição e coragem, porque arrumar patrocínio para uma história abertamente homossexual, num país careta ao extremo como o Brasil, deve ter sido tarefa de leão para o diretor Bruno Barreto e seus produtores. Mas ele arrumou. E teve a feliz ideia de escolher duas excelentes atrizes, que são, sem sombra de dúvida, o coração e o pulmão do filme. Glória Pires empresta vigor, vivacidade e autoestima elevadíssima para uma Lota que foi vulcão quase que a vida toda. Miranda Otto dá o ar bucólico, nostálgico, mas que não chega a ser totalmente triste para uma Elizabeth que precisou perder para se salvar.

Perca um pouquinho a cada dia. Aceite, austero,

a chave perdida, a hora gasta bestamente.

A arte de perder não é nenhum mistério.

Depois perca mais rápido, com mais critério:

lugares, nomes, a escala subseqüente

da viagem não feita. Nada disso é sério.

O ponto assertivo escolhido por Bruno permitiu contar uma história de amor lésbico com uma pegada universal. Em tempos de defesa excessiva de um “amor homossexual” é legal ver que o diretor optou por fazer um caminho mais difícil ao dizer: “Esperem, amor é amor, não importa onde, quando e com quem”. E os destroços que ele deixa, bem como as fortalezas que constrói são iguais, sem distinção de sexo, cor ou raça. Ao não levantar bandeira, nem tentar ser politicamente correto, o diretor nos proporciona um mergulho bem mais profundo, que tem mais a ver com os efeitos causados quando decidimos entrar de corpo e alma numa relação do que aquele discurso chato e batido de “como se dá o amor entre pessoas do mesmo sexo numa sociedade preconceituosa”. Efeitos que nem sempre são tão óbvios. Onde o mais forte pode ser o mais fraco e vice versa. É sutil a mudança das personalidades no decorrer da história, e por isso mesmo o filme cresce.

Perdi o relógio de mamãe. Ah! E nem quero

lembrar a perda de três casas excelentes.

A arte de perder não é nenhum mistério.

Perdi duas cidades lindas. E um império

que era meu, dois rios, e mais um continente.

tenho saudade deles. Mas não é nada sério.

Seria perfeito se esse mergulho fosse ainda mais profundo. A inserção de poemas de Elizabeth (uma das poetisas – ou “uma das poetas”, como talvez Bishop preferisse, mais aclamadas da história da humanidade) dá o tom das modificações que ela e Lota sofrem com o tempo de relação. A contextualização histórica faz o filme perder um pouco de força, porque não existe tempo para deixar uma produção comercial enxuta e explicar direito as inclinações de direita que Lota possuía e seu trabalho com Carlos Lacerda (que é tratado mais como intelectual do que como político). Porém, é entendível que a questão histórica se faça presente: a construção do Aterro do Flamengo é ponto fundamental para que o roteiro mostre a virada na personalidade das protagonistas.

Bruno Barreto sabe fazer filmes com o padrão hollywoodiano. Estabelecido em Los Angeles e acostumado com a tecnologia de ponta ele nos dá bons planos abertos do Rio de Janeiro de 50 e 60, não são muitos, até porque a opção por mostrar mais a vida das amantes na casa de Samambaia em Petrópolis não permitiu maiores voos tecnológicos. A direção de arte é primorosa. Móveis clássicos que passaram pela deslumbrante casa de Lota e Bishop são cuidadosamente mostrados em tela. O figurino é justo, bem como fotografia e roteiro (talvez aqui pudéssemos ser presenteados com diálogos mais à altura das atrizes em cena).

— Mesmo perder você (a voz, o riso etéreo

que eu amo) não muda nada. Pois é evidente

que a arte de perder não chega a ser mistério

por muito que pareça (Escreve!) muito sério.

Uma Arte – Elizabeth Bishop

Por fim, é em Glória e Miranda que o filme finca sua base. Ambas estão soberbas, a tal ponto que me arrisco a dizer que indicação ao Oscar para a dupla é algo extremamente palpável. Não vi atuações superiores em 2013. Ainda falta ano, mas elas já despontam. A empatia entre as duas é tanta que as cenas íntimas são das melhores que o cinema produziu para um casal lésbico, num filme comercial. Entrega num nível máximo de duas atrizes com “A” maiúsculo. Belo filme sobre a história da dupla. Corajoso, intenso e delicado como a soma do casal que o inspirou.

Veja alguns efeitos utilizados no filme para reconstituir a década de 50 no Rio de Janeiro, Ouro Preto entre outras cidades.

| filme 109 | MINHA MÃE É UMA PEÇA

2013-07-10T22:03:00.000-07:00

Comédia boa faz rir mais de uma vez!

Levar uma peça teatral, um monólogo, de sucesso absoluto para outra linguagem como o cinema pode resultar num tiro completamente errado. É um risco ainda maior porque no teatro novas piadas surgem e podem ser inseridas sucessivamente nas sessões. No cinema o roteiro está pronto e a ultima mudança só pode acontecer na ilha de edição. Depois disso, tudo é passado. Um dos grandes méritos da peça Minha Mãe é Uma Peça é a imensa capacidade de improviso do ator Paulo Gustavo, capaz de fazer piada em cima de um simples riso diferente que venha da platéia. Logo, para ser bom, ou tão bom quanto a peça, o filme tinha que contar com um bom roteiro. E o roteiro está no ponto.

Morador de Niterói a vida inteira, Paulo Gustavo não poupou brincadeiras e locações na “cidade sorriso”. As manias das pessoas que moram em Niterói, as piadas sobre o fato de todos se conhecerem e lugares famosos da cidade, como a Praia de Icaraí ou o Campo de São Bento estão presentes.

A premissa do filme é até simples, mas para quem tem muito talento não é necessário que existam altos mistérios ou perseguições. Dona Hermínia, a dona de casa que grita e faz de tudo pelos filhos, ouve dos rebentos palavras que magoam, ferem seu orgulho e amor próprio. Decide, então, sumir de casa para dar uma lição nas crias. A situação é suficiente para vermos ótimas cenas entre Paulo Gustavo (Dona Hermínia) e Sueli Franco (que faz o papel de sua tia). Após a resolução do “quiproquó” envolvendo o sumiço de Hermínia, temos outras hilárias cenas como a reunião de condomínio completamente surreal em que a personagem principal se mete. Existe tempo até para uma passagem marcante e autobiográfica na vida do ator: um acidente de automóvel da adolescência.

Diferentemente das últimas comédias nacionais, repletas de piadas sexuais e com um humor por vezes até grosseiro, Minha Mãe é Uma Peça faz rir mostrando uma sucessão de cenas e situações em que pessoas comuns ou não tão comuns assim atiram sarcasmo e humor em todas as direções, até mesmo naquelas que rir talvez seja a única solução. Das comédias nacionais que tivemos após a retomada, o filme estrelado pelo hilário Paulo Gustavo e dirigido por André Pellenz (que também dirige o ator no programa humorístico 220 volts, do canal Multishow) pode ser colocado tranquilamente entre as três melhores.

O filme vem se mantendo no topo dos mais vistos desde sua estreia. Diversão garantida para toda a família e piadas que fazem rir mesmo quando vemos pela segunda, terceira vez. Grande ator, ótimo elenco de apoio, roteiro afiado, humor rasgado sem ser baixo nível, pausa dramática e um boca a boca que vem surtindo um efeito fulminante: receita básica e difícil de ser seguida. Parece que a mãe do Paulo Gustavo ensinou direitinho como se faz.

| filme 108 | MEU MALVADO FAVORITO 2

2013-07-08T10:53:00.001-07:00

Calçada da Fama para os Minions já!

Meu Malvado Favorito (Despicable Me), que surpreendeu o cenário da animação em 2010, trazia um tratamento visual que não deixava nada a desejar diante de estúdios famosos como Pixar e Sony. Além disso, vinha com bônus: uma história simpática sobre um homem ruim que descobria seu lado bom com a ajuda de três fofíssimas órfãs. Nesse pacote vieram piadas politicamente incorretas e um enorme número de situações que colocavam o então malvado Gru no caminho do bem.

Em Meu Malvado Favorito 2, em cartaz nos cinemas desde a última sexta-feira dia 5 de Julho, encontramos um Gru completamente inserido no mundo do bem, cuidando das suas três filhotas e preocupado em criar uma receita de geleia arrasadora. Sua grande dificuldade agora é encontrar uma mãe para suas filhas, movimento que é pressionado a fazer por vizinhos e pelas próprias meninas. Quando se vê colocado no meio de uma trama de espionagem para encontrar um suposto vilão que rouba uma arma capaz de transformar em violenta qualquer criatura do planeta, Gru também corre o risco real de se transformar em mais um ser humano que faz coraçãozinho com as mãos. É que uma agente designada para trabalhar com ele torna o “careca do bem” presa fácil para as armadilhas do amor.

O aprumo técnico do filme, como era de se esperar, teve melhora acentuada e os detalhes em 3D são muito legais. Acontece que a fórmula de sucesso que misturava novidade em termos de personagem mais uma história cheia de piadas incorretas parece ter perdido fôlego. Sendo assim, sobrou para os Minions. As apaixonantes criaturinhas amarelas, que trabalham para Gru, roubam quase toda a cena do filme. Estão em praticamente todas os momentos, com o dialeto minion todo particular, fazendo paródias de famosas músicas do universo pop americano e até mesmo da nossa Carmem Miranda. A pequena Agnes, uma das órfãs adotadas por Gru, também se destaca com cenas fofas junto ao pai adotivo e com seus bordões de felicidade extrema.

É certo que, para que venha um Meu Malvado Favorito 3 o estúdio Ilumination Entertainment precisa inovar tanto quanto fez no primeiro filme em 2010. Apostar em algumas cenas realmente muito boas não garante a antologia de um filme. Vai ser um arrasa quarteirão daqueles, mas poderia ser mais. Talvez quando chegar o tão falado filme estrelado pelos Minions teremos algo diferente. Seria interessante ver um longa de animação falado num dialeto particular, sem diálogos clássicos. E vamos e convenhamos, os proletários mais famosos do cinema carregam o filme nas costas e já fazem por merecer um tapete vermelho só para eles! Não é pelos 0,20 centavos, é por um filme só dos Minons!

Para se divertir, confira o vídeo promocional com uma apresentação musical das criaturinhas amarelas!

| foto rara do dia | ROBERT DE NIRO NO SET DE TOURO INDOMÁVEL

2013-05-16T19:23:00.000-07:00

Robert de Niro e Joe Pesci no set de Touro Indomável, em 1980. Cabeludos, magros e jovens! Detalhe para a claquete do diretor Martin Scorsese.

| pipocas fresquinhas | METEGOL (TIME SHOW DE BOLA). A PRIMEIRA ANIMAÇÃO 3D DA ARGENTINA.

2013-03-30T14:56:00.002-07:00

Juan José Campanella é conhecido e admirado no Mundo inteiro pela extrema sensibilidade na condução de filmes. Retratar a vida de sujeitos comuns, suas crises existenciais e os problemas na condução dos amores e amigos são especialidade do argentino, de 53 anos, nascido em Buenos Aires, responsável por filmes inesquecíveis como O Filho da Noiva, O Mesmo Amor A Mesma Chuva e o belíssimo O Segredo dos Seus Olhos (vencedor do Oscar de melhor filme estrangeiro em 2009). Todos eles estrelados pelo seu ator preferido, o grande Ricardo Darín.

Acontece que a nova empreitada de Juan é realmente uma aventura. A primeira notícia é que desta vez Darín não participará. O que já é uma novidade. A outra surpresa anunciada é que Metegol (Turma Show de Bola, título provisório em português) nada mais é do que uma animação 3D. A primeira animação em terceira dimensão do cinema argentino.

Metegol, em castelhano, nada mais é do que o nosso famoso Totó. Então, além de girar em torno do mundo futebolístico a história também ganha contornos épicos, quando o herói da vez é forçado a salvar a vida da sua amada. Amadeo é um garoto tímido que tem como maior qualidade ser um grande jogador de Totó. Quando um antigo morador da sua cidade, chamado Párpados, retorna ao pequeno vilarejo já conhecido como o maior jogador do Mundo, Amadeo é desafiado para uma partida. Depois de entrar em desgraça, ele se vê tendo que salvar Laura e o vilarejo onde vive. Para isso, contará com a ajuda dos jogadores de Totó que, SIM, ganham vida para participar da aventura.

Para criar a primeira animação 3D da história da Argentina mantendo a qualidade que marcou todos os seus filmes, Campanella optou por reunir uma equipe extremamente experiente e não colocou rédeas temporais no projeto. Assim, a produção que foi anunciada em 2009 somente agora, início de 2013, entra em fase final de pós-produção. E a equipe? Das melhores do mercado. Vários técnicos oriundos da Pixar. A equipe central de animação foi composta de nove pessoas. Estes se ocuparam diariamente de mover e marcar os 600 pontos de expressão facial de cada personagem do filme. Foram necessárias quinze revisões de todos o trabalho, quando o normal em animações são cinco. Não porque estava ruim, mas porque o diretor quis deixar cada animação do elenco da mesma forma que ele concebeu ainda na fase de pré-produção. Pelos trailers já dá para ter uma ideia da qualidade alcançada.

Para Campanella, um argentino apaixonado por futebol, como quase todos, a oportunidade de mostrar o universo das competições futebolísticas através do brinquedo pelo qual toda criança se apaixona era algo que não poderia ser feito através de um filme comum. O diretor acredita que futebol é fantasia e nada melhor do que uma animação para reunir os elementos mágicos e fantásticos que fazem parte de qualquer partida de futebol.

Juan José Campanella é o sujeito que definiu a paixão por uma equipe de futebol numa das melhores frases já proferidas em um filme até hoje:

"- Você se dá conta, Benjamín? O sujeito pode mudar de tudo: de cara, de casa, de família, de namorada, religião, de Deus...Mas, tem uma coisa que o sujeito não pode mudar, Benjamín. Não se pode trocar de Paixão."

Então, seja você um torcedor apaixonado, um mero apreciador do jogo ou apenas um cinéfilo que curte quando alguém renomado sai da sua zona de conforto, Metegol (Turma Show de Bola) estará a partir de Julho de 2013 esperando o seu grito de "Gooool!", diretamente da sala escura.

| pipocas fresquinhas | TERCEIRA TEMPORADA DE GAME OF THRONES IS COMING (ESTÁ CHEGANDO)

2013-03-23T20:07:00.000-07:00

Winter is Coming!

O seriado que mexe com os corações e mentes de milhões de fãs do Mundo inteiro, depois de um longo e tenebroso inverno, está a pouco mais de seis dias da estreia de sua terceira temporada. O elenco, por quem muitos de nós já possui uma efetiva afeição, se reuniu, essa semana, para a pré-estreia da série. No reencontro de todos, aos olhos do grande público, o que mais chamou atenção foi o tamanho das “crianças” Stark. Maisie Williams, Sophie Turner e Isaac Hempstead-Wright que fazem os papeis de Arya, Sansa e Bran Stark cresceram e estão prontos para começar a assumir a condução dos rumos da família de heróis do norte.

Richard Madden (Rei Robb Stark) e Alfie Allen (Theon Greyjoy)

Como cresceu! Isaac Hempstead-Wright (Bran Stark)

Maisie Williams (Arya Stark) e Sophie Turner (Sansa Stark)

A Mãe dos Dragões! Emilia Clarke (Daenerys Targaryen)

Peter Dinklage (Tyrion Lannister) e Michelle Fairley (Catelyn Stark)

De acordo com os produtores executivos da série David Banioff e D.B. Weiss, a terceira temporada é aquela que até agora carrega mais detalhes e teve uma construção de direção de arte bem minuciosa. A preocupação com o realismo também foi grande, tanto que houve a necessidade de usar locações em cinco países diferentes (Escócia, Irlanda do Norte, Croácia, Islândia e Marrocos), além de três unidades de filmagem equipadas de maneira idêntica. Foram cinco meses de gravações com direito ao maior contingente de atores e figurantes das três temporadas. Na Islândia foram filmadas as sequências da Muralha, local onde termina a segunda temporada. Lá, o elenco composto pelos Patrulheiros da Noite ressaltou as dificuldades de filmar no frio e revelou as expectativas para a estreia tão esperada. O vídeo abaixo mostra um pouco dos bastidores da gravação, no país gelado.

Sobre a Islândia, inclusive, David e D.B, comentaram:

Certa vez estávamos filmando em um lago congelado e ouvimos uma rachadura enorme e toda a equipe correu para a praia. Isso foi divertido. E há o fato de que nossos membros islandeses da equipe nos forçaram a comer tubarão fermentado. Mas o maior desafio são as 37 peças de roupa que você precisa vestir de manhã, se você não quiser ser congelado até o final do dia.

Outra novidade da terceira temporada diz respeito a duração dos episódios. Enquanto nas duas primeiras cada capítulo durava em torno de 52 minutos, nesta terceira temporada eles duram cerca de 56 a 57 minutos. Para finalizar, um dos assuntos que mais deixam os espectadores curiosos: os novos personagens. É certo que desde a primeira temporada vemos que existe a opção por deixar de fora alguns personagens dos livros ou juntar três ou quatro em um, para dar alguma amarrada no enredo. Mas, na terceira temporada cerca de 20 novos personagens fazem parte do elenco. Entre eles estão: Mance Rayder (Ciaran Hinds, de Roma e Political Animals), o Rei para além da Muralha; Olenna Tyrell (Diana Rigg, de Os Vingadores), avó de Margaery e Loras Tyrell; Brynden Tully (Clive Russell), tio de Catelyn; e os irmãos Jojen Meera Reed (Thomas Brodie-Sangster e Ellie Kendrick).

Veja o trailler com imagens da terceira temporada! Dia 31 de Março recomeça uma das melhores séries de televisão de todos os tempos. 22 horas, na HBO!

Compre as edições em bluray da 1 e 2 temporadas na Amazon.UK. As duas com legendas em Português do Brasil.

| foto rara do dia | DIRETO DOS SETS DE STAR WARS: R2D2 TAMBÉM COME.

2013-03-22T20:04:00.001-07:00

O ator Kenny Baker no set de filmagens de Star Wars, em 1977, mostra que os robôs também gostam de um lanchinho! Viva R2D2!

| filme 107 | KON-TIKI

2013-03-14T12:41:00.001-07:00

Navegar para descobrir. Como no passado.

O cinema tem a função de nos entreter e informar. E quando junta essas duas características produz surpresas extremamente agradáveis, como é o caso de Kon-Tiki, um filme norueguês, de 2012, que foi o pioneiro em indicações para o país, tanto no Globo de Ouro quanto no Oscar. Dirigido por Joachim Rønning e Espen Sandberg, desconhecidos fora do país natal, o filme narra a trajetória de seis homens, comandados pelo explorador, zoólogo e geógrafo norueguês Thor Heyerdahl, que, seguindo a teoria do cientista, partem do porto de Callao no Peru, rumo à Polinésia, para provar que aquele país foi colonizado por uma civilização vinda do continente americano e não por ascendentes de qualquer povo asiático (colonização feita graças ao avançado estágio de técnicas marítimas dos povos que viviam nas Américas na época pré-colombina, às correntes do Oceano Pacífico e ao vento).

=> Veja a página oficial do filme.

=> Trailler oficial n°1

=> Trailler oficial n°2

Herman Watzinger, Bengt Danielsson, Erik Hesselberg, Knut Haugland e Torstein Raaby são os “marinheiros” (alguns de primeira viagem) embarcam na crença de Thor de que sua teoria está certa. Constroem uma jangada nos moldes que os colonizadores teriam construído. Para isso, usam pau-de-balsa (madeira mais leve que a cortiça), um mastro com uma vela de pano, com a face de Kon-Toki, o ancestral inca que teria cruzado o pacífico 1500 anos antes. Apesar de levarem comida, um rádio, alguns canivetes e outros artigos para uso pessoal, o meio de transporte foi elaborado seguindo à risca o que poderia ter sido feito no passado.

O filme foi rodado em várias locações, como Maldivas, Bulgária, Malta, Nova York, Oslo, Suécia e Tailândia. As imagens na Ilha são deslumbrantes e as recriações de época perfeitas, uma vez que a história se passa entre 1946 e 1947. Como foi visto em outro filme indicado ao Oscar de melhor produção estrangeiro, esse ano, o dinamarquês A Royal Affair, temos outro caso de produção esmerada, com recursos técnico incríveis, não deixando nada a desejar aos melhores filmes de Hollywood. Apesar de girar praticamente em torno dos seis homens em alto mar, o filme começa com uma passagem da infância de Thor, envolvendo a água (esta que seria sua grande estrada quando mais velho). Depois vemos o início de sua vida como cientista, exatamente numa ilha da Polinésia, junto com sua esposa. Lá ele começou a desenvolver sua teoria, que pouco tempo depois seria testada na expedição. São, porém, as angustias na imensidão do mar azul e a crença em uma construção científica os dois motes dramáticos que impulsionam o filme. Aliás, o tema crença na ciência é prato cheio para filmes mensagem (tal qual em Contato, com Jodie Foster). Alguns crentes, outros nem tanto. Fato é que os seis homens partem nessa jornada arrepiante para provar que um deles poderia ter razão.

O mais encantador é saber que Kon-Tiki é, na verdade, uma história real. Todos os personagens existiram e contaram a história através de filmagens que depois foram transformadas no documentário Kon-Tiki, de 1950, vencedor do Oscar naquele ano e que está disponibilizado em sua versão integral no youtube. Várias imagens reapresentadas podem ser comparadas com suas versões reais, presentes no documentário. Thor também escreveu um livro sobre a aventura, alcançou mais de 20 milhões de cópias vendidas e construiu um museu na Noruega.

Veja o Documentário de 1950 em versão integral.

As sagas de homens comuns e busca de redenção para as crenças de uma vida de estudos são ótimas premissas para textos de elevada carga dramática e mensagens de superação. O legal do filme é que nada disso é jogado de forma solta. As decisões tem sempre dois lados e o próprio Thor experimentou isso. A linha dramática do filme começa e termina da mesma forma, um longo plano aberto que culmina com o rosto do protagonista, deixando da ideia de que sua vida foi uma longa caminhada em busca do conhecimento. Kon-Tiki é um filme sobre um homem que acreditou em si mesmo, mesmo que todos falassem o contrário. As estradas do Pacífico responderam todas as dúvidas que os outros poderiam ter.

| filme 106 | AS AVENTURAS DE PI

2013-03-11T22:41:00.000-07:00

O Calvin e o Haroldo dos dias de hoje...

Para entender porque as Aventuras de Pi se tornou o filme que é precisamos olhar para o seu diretor. Fosse outro comandante do projeto e teríamos um filme recheado de suspense e cenas de ação diante da luta por espaço entre um menino e um tigre. Mas, Ang Lee é o mestre em transformar visualmente os gêneros que toca. Além disso, sabe como poucos emprestar muito sentimento e momentos de introspecção entre os personagens que vemos em tela. Foi assim em trabalhos inesquecíveis como Banquete de Casamento e Comer, Beber e Viver, da época em que ainda era uma promessa, ou dos premiados Razão e Sensibilidade, O Tigre e o Dragão (das inesquecíveis cenas de luta que mais se assemelhavam a uma dança) e O Segredo de Brokeback Mountain, filme pelo qual recebeu seu primeiro Oscar como diretor.

Em todas essas obras uma característica chama atenção: a arte de misturar cores e fazer delas também um instrumento dramático, um adendo que nos ajuda a entender o estado de espírito dos seus personagens. Em O Segredo de Brokeback Mountain, por exemplo, a vida dos amigos e depois amantes Jack e Ennis é dividida em cores. Em suas casas, com suas esposas, levando a vida pacata e dentro dos padrões sociais, nos deparamos com um festival de cores pasteis, foscas, tom único, sem variações. Quando estão juntos, seja na montanha onde descobrem o amor homossexual, seja em outros momentos da película, o que predomina é um festival de cores vivas. Variações de verde, azul, tudo muito luminoso. É a cor mostrando o estado de espírito dos personagens. Em As Aventuras de Pi, filme pelo qual Ang faturou, merecidamente, seu segundo Oscar, vemos um festival de cores, exatamente no momento em que o menino, naufragado no mar, começa a descobrir um amontoado de sentimentos e sensações: desesperança, alegria, coragem, tristeza, felicidade, todos eles pontuados com cores que enchem a tela de cinema (ou da sua casa) de brilho.

A sequência de fotos foi obtida através de capturas em HD. "De cair o queixo".

A história, um roteiro adaptado do livro de mesmo nome de Yan Martel (que por sua vez se inspirou na obra Max e os Felinos de Moacyr Scliar), conta a saga de um menino e sua família, que após venderem um zoológico na Índia, partem rumo ao Canadá. Um imprevisto faz ocorrer um naufrágio e de repente o menino Piscine Molitor "Pi" Patel se vê num bote salva-vidas sendo o único tripulante ser humano. Os outros são animais, entre eles o tigre Richard Parker. A partir daí acompanhamos a luta de Pi para sobreviver em alto mar, ao mesmo tempo que tenta conviver com um animal considerado uma das forças mais brutas da natureza.

Existem momentos muito bons, como o cardume de peixes voadores ou a baleia que faz performance perto do bote. Outros tensos, como aquele em que Pi tenta marcar a sua parte no território. Ainda existe uma bossa muito bacana nos créditos iniciais: eles repetem os movimentos dos animais que estão na tela no momento. Fato é que nas mãos de qualquer outro cineasta teríamos uma filme de ação, recheado de suspense, com um tigre bandido e um menino mocinho. No filme de Ang Lee as forças se mesclam, fazem parceria. A natureza e o homem são fortes e são fracos. Só alguém muito sensível conseguiria igualar, em uma cena, homem e tigre, ou, até mesmo, fazer o primeiro mais forte que o segundo. Ang Lee é um craque. Um cineasta que já tem, faz tempo, uma assinatura. Sensível, cuidadoso e humano. Pi merecia sua história contada com tanta cor, assim como Richard Parker. Quisera eu ter uma vida como um filme de Ang Lee. Sorte do Pi.

As Aventuras de Pi foi indicado para onze Oscars. Ganhou quatro: melhor diretor, melhor fotografia, melhor efeitos visuais e melhor trilha sonora.

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| foto rara do dia | STEVEN SPIELBERG E SEU AMIGO TUBARÃO

2013-03-08T15:22:00.002-08:00

Steven Spielberg protagoniza o click do dia, junto com o responsável por um dos seus grandes sucessos: o Tubarão. Solta a musiquinha...

| filme 100 | DJANGO LIVRE

2013-03-08T00:07:00.000-08:00

Uma grife que não sai de moda!

Que Quentin Tarantino já é uma grife desde o estouro de Pulp Fiction todos sabem. Que ele tenha se tornado cultuado no Brasil, a ponto de lotar uma enorme sala de cinema às 17:10 de uma sexta-feira, é surpresa para mim. Todos lá para a estréia da homenagem do diretor aos grandes faroestes já produzidos.

Ganhador do prêmio de Melhor Roteiro no Globo de Ouro 2013, Django Livre (Django Unchained) não é o melhor roteiro do diretor, tampouco o melhor dos filmes, mas, ainda assim, estão presentes diálogos sensacionais como na cena em que Django vê seu inimigo Calvin Candie utilizar meios pouco ortodoxos de tortura. Ou ainda na cena em que Calvin desmascara uma armação na hora de um jantar, sem esquecer do diálogo sensacional que antecede o ponto crucial do filme.

Django é um escravo comprado por um caçador de recompensas alemão (Christoph Waltz, fantástico, ganhador do Globo de Ouro de Melhor Ator Coadjuvante 2013 e franco favorito ao Oscar), que precisa do rapaz para reconhecer bandidos que procura. Em meio a um diálogo, Django conta para seu comprador sobre a sua amada, de quem foi separado depois de uma fuga frustrada. Após um acordo, os dois partem para uma jornada de vingança para Django. Mais faroeste impossível.

Tarantino é o mestre da citação cinematográfica, cita, como poucos, outros mestres. Outra característica da sua assinatura é fazer de indivíduos injustiçados os protagonistas (e vingadores) de quase todos os seus filmes. Se é um Tarantino de grife, pode saber que haverá um personagem que comeu o pão que o diabo amassou para depois buscar sua vingança. Em Django ele alforria os negros americanos, com a ajuda de um alemão (!!!) gente fina, dentro de um estilo de faroeste granulado, árido, como nos filmes de Sergio Leone. Django foi um personagem de um filme italiano de mesmo nome, dirigido por Sérgio Cabucci, que assim como Sérgio Leone, tinha predileção por faroestes com trilha sonora agitada e um herói que fugia ao comportamento padrão dos heróis idealizados. O sangue em demasia, as referencias aos dias de hoje (presentes inclusive na trilha sonora) e o mocinho indestrutível estão presentes. Como em todo bom Tarantino.

Não é o melhor, mas é, sem dúvidas, um dos mais divertidos filmes do mestre do "plágio" consciente. Alguns exageros pelo caminho (como a morte de uma personagem, arremessada como se fosse uma bala de canhão, depois de tomar um tiro), outros acertos (como todas as cenas em que estão presentes Samuel L. Jackson e Christoph Waltz, uma escolha brincalhona de Tarantino, já que em Bastardos Inglórios o mesmo Waltz interpretou o que de pior a Alemanha ofereceu ao Mundo, além da surpreendente boa atuação de Leonardo di Caprio. Jamie Foxx está apenas correto como Django) e muita diversão em quase três horas de filme (apesar de parecer longo, a duração não compromete). Vale muito a diversão! E que Tarantino pare com rss bobagem de espalhar por aí que não pretende continuar fazendo filmes até ficar velho!

O filme foi indicado para cincos Oscar 2013. Melhor filme, roteiro original, ator coadjuvante, fotografia e edição de som.

| filme 105 | O IMPOSSÍVEL

2013-03-07T15:26:00.000-08:00

Um Tsunami de emoções.

O diretor Juan Antonio Bayona é um catalão de 38 anos e muito talento para produzir filmes de suspense. É dele um sucesso de boca a boca nos cinemas, o filme O Orfanato de 2007. Em O Impossível (Lo Imposible, no original em Espanhol), ele constrói o melhor filme sobre o tsunami que devastou a Tailândia em 2004. Por mais catastrófico que seja o tema, Juan conseguiu criar uma história de coragem, amor e perseverança, que fica ainda mais forte quando descobrimos ser a narrativa a tradução cinematográfica de fatos reais ocorridos com uma família espanhola de férias na Tailândia.

No filme, os espanhóis viram ingleses, mas todas as outras informações são mantidas. Maria, Henry e os filhos Lucas, Thomas e Simon partem para a Tailândia em Dezembro de 2004, para curtir o Natal. Dois dias depois de chegarem, quando estão na piscina do hotel, são surpreendidos pelo tsunami que varreu 13 países e matou mais de 204 mil pessoas. A partir daí, ao invés de cair no clichê básico de construir um filme-catástrofe ao estilo O Dia Depois de Amanhã ou 2012, o diretor espanhol busca enfatizar os momentos de solidão e desespero pós tragédia, dando ênfase às expressões e diálogos entre os sobreviventes. Apesar das reconstituição dos fatos reais ser impressionante, são os closes nos atoes e a relação entre os parentes da família perdida que movem o filme.

Em dois momentos somos brindados com excelentes momentos de Naomi Watts (a mãe) e Ewan McGregor (o pai). Naomi, por sinal, foi merecidamente indicada ao Oscar de melhor atriz em 2013. Quando conversa com seu filho mais velho, no meio do caos generalizado, ela convence o menino a salvar uma criança. A cena em que a mãe mostra ao garoto que de nada vale se salvar sem ser solidário com as dores dos outros é de uma sensibilidade absurda, tanto que o diálogo parece ser travado numa sala de estar. Ewan protagoniza um momento também chocante, quando liga para sua casa na Inglaterra e avisa sobre o desaparecimento da esposa e do filho mais velho. Os atores que interpretam as crianças estão ótimos e encararam com destreza gravações em um ambiente extremamente pesado. Destaque para Tom Holland (que faz Simon, o filho mais velho).

Coragem, bravura, desesperança, esperança, amadurecimento, amor. Os sentimentos que permeiam nossa vida em diversos momentos são elevados ao grau máximo numa situação de crise como essa. Ao invés de correr atrás de uma blockbuster de efeitos especiais, Bayona preferiu mostrar quais são as opções que podemos seguir quando nos encontramos no fio da navalha. E o mais legal de tudo é que o Tsunami é apenas um detalhe. A lição é para uma vida com a onda, ou sem ela.

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