• “Dalia Nera” di Brian De Palma;
• “Novecento” di Bernardo Bertolucci;
• “Io so che tu sai che io so” di Alberto Sordi;
• “Nell’anno del Signore” di Luigi Magni;
• “L’ammiratore segreto” di David Greenwalt;
• “La casa stregata” di Bruno Corbucci;
• “Chi si ferma è perduto” di Sergio Corbucci;
• “Ma cosa ci dice il cervello” di Riccardo Milani;
• “Stand by me – Ricordo di un’estate” di Rob Reiner;
• “Il traditore” di Marco Bellocchio;
• “Blackklansman” di Spike Lee;
• “Stanlio & Ollio” di Jon S. Baird;
• “Big Night” di Stanley Tucci e Campbell Scott;
• “Batman” di Tim Burton;
• “Batman – Il ritorno” di Tim Burton;
• “La seconda guerra civile americana” di Joe Dante;
• “Come un gatto in tangenziale” di Riccardo Milani;
• “Il sorpasso” di Dino Risi;
• “Infelici e contenti” di Neri Parenti;
• “L’agenzia dei bugiardi” di Volfango De Biasi;
• “Bandits” di Barry Levinson;
• “L’uomo che volle farsi re” di John Hudson;
• “Padri e figli” di Mario Monicelli;
• “Lo spaccone” di Robert Rossen;
• “I vitelloni” di Federico Fellini;
• “Pane e cioccolata” di Franco Brusati;
• “Ricchi di fantasia” di Francesco Miccichè;
• “Il segreto del mio successo” di Herbert Ross;
• “Il prof. dott. Guido Tersilli primario della clinica Villa Celeste convenzionata con le mutue di Luciano Salce;
• “Com’è dura l’avventura” di Flavio Mogherini;
• “C’era una volta in America” di Sergio Leone;
• “Emma sono io” di Francesco Falaschi;
• “Motherless Brooklyn – I segreti di una città” di Edward Norton;
• “Un Italiano in America” di Alberto Sordi;
• “Chiedimi se sono felice” di Aldo, Giovanni & Giacomo e Massimo Venier;
• “Ro.Go.Pa.G.” di Roberto Rossellini, Jean-Luc Godard, Pier Paolo Pasolini e Ugo Gregoretti;
• “Nessuno è perfetto” di Pasquale Festa Campanile;
• “Gli uomini d’oro” di Vincenzo Alfieri;
• “Pinocchio” di Matteo Garrone.

Yesterday
di Danny Boyle (Gran Bretagna, Russia, Cina, 2019)
con Himes Patel, Lily James, Ed Sheeran,
Joel Fry, Kate McKinnon, Ana de Armas, Robert Carlyle,
Ellise Chappell, Alexander Arnold, James Corden, Lamorne Morris,
Vincent Franklin, Sophia Di Martino, Meera Syal, Sanjeev Bhaskar,
Karma Sood, Michael Kiwanuka

Commedia sentimentale molto divertente con un pizzico di sci-fi. O forse è meglio dire “fantasy”?
Il film è nato come una sceneggiatura originale dal titolo “Cover Version”, scritta da Jack Barth e dall’attore-scrittore-regista Mackenzie Crook ma in seguito è stata adattata e rimaneggiata da Richard Curtis e dallo stesso regista Boyle.
Jack Malik, un ragazzo inglese sui trenta di origini indiane (?), compone canzoni pop-rock e si esibisce in giro per localini in cerca di successo, mentre sbarca il lunario lavorando part-time in un supermarket. La sua manager – cioè colei che le procura le serate e gli fa da roadie – è una sua coetanea, nonché amica di sempre, che di nome fa Ellie. Dopo essere riuscito a partecipare a un festival molto noto, Jack decide di mollare la carriera artistica, perché scoraggiato dal fatto di aver suonato davanti a pochissime persone, per lo più distratte e non interessate alla sua musica. Quella stessa notte annuncia la sua drastica scelta a Ellie, che però non approva. I due litigano in macchina, mentre tornano a casa, per cui Jack, offeso decide di scendere fare il resto della strada in bici da solo. Mentre pedala però va via la corrente su tutta la Terra e, a causa del buio, viene investito da un autobus durante l’attraversamento di un incrocio.
Il giorno dopo si risveglia in ospedale con due denti in meno e varie fratture. Comunque è vivo ed Ellie è accanto a lui, a dargli conforto morale. Sulla scelta di smettere di comporre suonare in pubblico non ha cambiato idea. Alcune settimane dopo però, durante alcune conversazioni con Ellie e con i suoi amici, si rende conto che qualcosa non torna: il Mondo sembra essere cambiato durante quel blackout. Dopo la riabilitazone si accorge che nessuno sa nulla dei Beatles e della loro musica. Il quartetto di Liverpool sembra non essere mai esistito. Persino su Internet non v’è alcuna traccia. Uno shock non da poco che lo spinge ad approfittare di questa opportunità. Inizia così a comporre, o meglio a risuonare i brani dei Fab Four, in modo da recuperare gli accordi corretti e le parole, che aveva in parte dimenticato, e ad esibirsi in pubblico. Pian piano la sua bravura inizia ad essere notata tanto che prima incide un album gratuitamente, grazie all’aiuto di un giovane titolare di studio di registrazione, e poi viene contattato da Ed Sheeran in persona, che gli chiede di aprire alcune date dei suoi concerti in giro per l’Europa. Questo sarà il momento in cui la sua popolarità inizierà ad estendersi a livello globale. Un’importante manager americana arriverà ad offrire a Jack un contratto fenomenale, a cui sarà impossibile dire di no, ma la realizzazione di quest’album e il suo lancio terranno il ragazzo lontano dalla sua città e soprattutto dalla sua compagna di mille avventure, compagna a cui è affezionatissimo ma a cui non riesce ad esprimere del tutto i suoi sentimenti.
Se ho spoilerato troppo, fatemelo sapere. ;)

Piccola favola bella che piacerà a tutti. Solo i fan duri e puri dei Beatles potrebbero storcere il naso ma sinceramente a noi non importa.
Unico neo: il principio di fondo che regge tutto il film, ossia l’assunto che i pezzi di John, Paul, George e Ringo siano belli e validi intrinsecamente, cioè al di là del tempo e dello spazio. Mi spiego meglio: il mondo dimentica l’esistenza dei Beatles e si trova ad essere follemente innamorato di quegli stessi brani, anche se vengono re-interpretati da un ragazzo dopo più di 50 anni. Ha senso? No, perché non tiene conto del contesto in cui il Fenomeno-Beatles è avvenuto, non tiene conto della musica che c’era prima, del fattore novità (soprattuto in quanto a fanatismo teenageriale), della poca offerta musicale dell’epoca in cui i 4 baronetti di Liverpool emersero, ecc.
Ciò detto, superato questo errato assunto di fondo, la pellicola resta molto godibile: fa sorridere ed emoziona le anime belle.
Piccola curiosità: nella timeline alternativa in cui si risveglia Jack i Beatles non sono l’unico fenomeno di massa di cui la popolazione terrestre ha perso memoria.

Himesh Patel è stata un’ottima scelta di casting: incarna perfettamente “il ragazzo con un sogno in tasca”. Sa come apparire umile, semplice, impacciato e con i piedi per terra. Allo stesso modo è anche in grado di dare forma alla classica ascesa del signor nessuno che diventa popolarissimo. Il suo “non essere un figo pazzesco” aiuta molto. Ancora complimenti a chi ha saputo sceglierlo per questo ruolo da protagonista. Pare che Patel sia stato scelto anche per le sue vere doti da musicista. Nel film infatti, oltre a cantare, suona anche la chitarra e il pianoforte.
Dove avrò già visto Lily James? Ah, sì: nei film “Baby Driver – Il genio della fuga” e ne “L’ora più buia”. Qui interpreta Ellie, la dolce amica di Jack: una ragazza che si fa in quattro per lasciare che il suo BFF possa rendere reali i suoi sogni. Una giovane professoressa di matematica che fa anche la manager part-time e che quindi alterna le lezioni alla ricerca di ingaggi per far esibire il suo “assistito”. Anche lei mi è sembrata perfetta per il ruolo di una ragazza semplice, sincera e fedele, la vera grande amica che non ti abbandona mai. Bravissima anche nelle scene clou in cui il faccia-a-faccia tra i due protagonisti richiedeva un’alta dose di tensione e pathos dalle forti nuances romantiche.
Il ricciolone Joel Fry fa lo stordito Rocky: l’amico di Jack sempre “fumato” che l’accompagna in giro per il mondo come roadie. Sicuramente il personaggio più simpatico del film, quello che serve a controbilanciare le situazioni troppo tristi o sdolcinate.
Per Kate McKinnon il ruolo di Debra Hammer, la manager americana senza scrupoli, né peli sulla lingua: una giovane donna in carriera molto aggressiva e senza (apparente) umanità. Fascinosa per alcuni, stronza per molti altri. Attrice comunque bravissima, anche se tavolta va sopra le righe – ma è di certo la sceneggiatura che lo richiedeva.
Molto simpatici anche i due attori che interpretano i genitori di Jack: Meera Syal (Sheila) e Sanjeev Bhaskar (Jed).
Tanto di cappello a Ed Sheeran che ha accettato di prendersi in giro in questo film; in più di una scena lo vediamo quasi-umiliato dal successo riscosso dal protagonista. Un passo indietro questo, è vero, anche se teoricamente nei confronti della produzione musicale dei Beatles.
Ho apprezzato parecchio anche il personaggio interpretato da Lamorne Morris: un responsabile marketing ai limiti dell’assurdo; lo vediamo dire un sacco di fregnacce, tutto pieno di sé, sicuro del suo ruolo e del suo potere, attorniato da decine di gregari decerebrati, che applaudono continuamente senza il minimo giudizio critico, né senso del ridicolo. Meraviglia!
A Robert Carlyle è andato il ruolo di un anziano John Lennon. Irriconoscibile. Forse è il personaggio più buffo del film. Il ritratto che ne fa Danny Boyle non è dissacrante ma, quando l’attore appare sulla scena, qualche sorriso di troppo lo strappa.
La bella Ana de Armas appare in una sola scena nei panni di una conduttrice di talk show.
James Corden interpreta sé stesso durante una puntata della sua trasmissione in cui invita proprio il protagonista.
Sophie Di Martino, invece, ha il ruolo di una delle amiche storiche di Jack ed Ellie.

LA LOCANDINA ORIGINALE

La scheda di IMDb.com, quella di Wikipedia, quella di Cinematografo.it e quella di MyMovies.it.

C’era una volta… a Hollywood
(Once Upon a Time in… Hollywood)
di Quentin Tarantino (USA, 2019)
con Brad Pitt, Leonardo DiCaprio, Margot Robbie,
Kurt Russell, Michael Madsen, Al Pacino, Emile Hirsch,
Timothy Olyphant, Dakota Fanning, Luke Perry, Bruce Dern,
Damian Lewis, Scoot McNairy, Mike Moh, Aundrea Smith, Nicholas Hammond,
Zoë Bell, Austin Butler, Julia Butters, Margaret Qualley, Lorenza Izzo,
Costa Ronin, Rachel Redleaf, Rafa? Zawierucha, Damon Herriman. Lena Dunham,
Madisen Beaty, Maya Hawke, Dreama Walker, Rumer Willis, Rebecca Rittenhouse

In giro, sul web, leggo parecchia delusione per questo film. Non è considerato di certo il migliore di Quentin Tarantino – per usare un’eufemismo. Ma perché? Ho l’impressione che ogni volta che un fan di Tarantino vada al cinema si aspetti di assistere ad un nuovo “Pulp Fiction”. Ovviamente non è così. Ma è il caso di essere profondamente delusi per questa nuova pellicola? A mio avviso no. Vi spiego perché.
Possiamo dire che la prima ora di questo lunghissimo cortometraggio (da 161 minuti) non brilla per dinamismo – non è proprio il caso di definirla “lenta” – in quanto funge da introduzione al cuore della vicenda raccontata. Un attore sulla quarantina, belloccio e pieno di sé – tale Rick Dalton – nota star che ha guadagnato parecchia visibilità grazie alla parte da protagonista in una serie tv western di successo, inizia ad avere la sensazione di aver intrapreso la fase discendente della sua carriera quando un quotato produttore di Hollywood, tale Marvin Schwarz, gli propone di sfruttare la sua popolarità per andare in Italia a girare alcuni spaghetti western. Lì per lì Dalton non accetta, decide di prendere tempo, sconfortato dal discorso che gli ha fatto Schwarz, ma prende a riflettere pesantemente su qualcosa a cui non aveva mai pensato, essendo stato sino ad allora troppo preso dal culto di sé. Per fortuna ha una spalla su cui piangere: Cliff Booth, la sua controfigura, uno stuntman cazzutissimo e molto affascinante, che da oltre 10 anni lo segue ovunque come l’ombra, facendogli da autista e assistente personale, nell’attesa di ritornare a lavorare come cascatore su qualche set. L’ambiente infatti gli è ostile da quando ha ucciso sua moglie (accidentalmente?) riuscendo a scampare il carcere. Nel mentre Dalton si accinge a girare un altro western, ancora una volta nella parte del cattivo senza scrupoli, il villain a cui gli spettatori – pare – fanno difficoltà ad affezionarsi. La performance su questo set è talmente valida che l’attore riprende coraggio e decide di sfruttare l’occasione offertagli da Schwarz, dunque vola in Italia e gira ben 4 film. Tornerà solo 6 mesi dopo in compagnia della moglie e dell’inseparabile Cliff. Una volta rimesso piede a Hollywood, però, il sodalizio professionale tra i due finisce: Rick congeda Cliff ma i due rimangono amici.
C’è anche da dire che Dalton, prima dell’esperienza italiana, si sente ancora un paria ad Hollywood; sulla collina degli attori prende una villa confinante con quella di Sharon Tate e Roman Polanski ma ha evidentemente qualche difficolta ad integrarsi nello star system. In altre parole gli piacerebbe tanto accedere al gotha di quel mondo, magari partecipando a qualche festa in piscina in una di quelle mansion da sogno, giusto per prendere confidenza con qualche pezzo grosso, qualcuno che conta davvero e, perché no, prendere al volo qualche opportunità lavorativa.
Le vite di Rick, Cliff e Sharon si incroceranno rocambolescamente la sera dell’8 agosto 1969, ossia quella in cui alcuni membri della Manson family decideranno di assaltare la villa in cui viveva quest’ultima.

Possiamo affermare che Tarantino racconta la Hollywood della fine degli anni ’60? Non proprio. Molti aspetti dello showbiz cinematografico di quegli anni vengono raccontati in modo più o meno diretto, ma la città rimane abbastanza sullo sfondo. Vediamo il personaggio di Cliff sfrecciare per quelle strade su una deliziosa decapottabile, eppure la città non assurge mai al ruolo di protagonista. Mi sembra invece che il regista voglia mettere in primo piano la curva parabolica che percorrono gli attori famosi, le stramberie di quell’ambiente, i rapporti tra i professionisti del settore, e parallelamente intrecciare questo racconto con la storia di una bella e salda amicizia, che inconsuetamente lega un uomo ricco e di successo a quella che potremmo definire una semplice maestranza, un operaio del cinema. La vicenda dell’assalto dei sodali di Manson alla villa dei ricconi, invece, mi è apparsa come una trovata scenicamente molto vivace – e validissima – per arricchire di azione una pellicola che altrimenti sarebbe rimasta molto “statica”, piena di pathos sentimentale ma scevra di dinamismo, benché Tarantino imbottisca di flashback e “momenti memoria” tutto l’arco narrativo del film. La scena finale inoltre è un omaggio al cinema pulp che tanti fan vanno cercando nelle opere tarantiniane. Pulp o splatter, se vogliamo essere più precisi: una specie di parentesi horror-sanguigna molto “action-oriented”. L’altra scena divertentissima e molto WOW, in cui volano cazzotti e persone, è quella della sfida a pugni chiusi tra il personaggio di Cliff e Bruce Lee, proprio nel backstage di un set, in una pausa tra una scena e l’altra.
Dunque è qui che troviamo la firma di Tarantino: nella costruzione narrativa e nelle scelte registiche, che appunto ondeggiano tra il western all’italiana e l’horror più classico nel citazionismo cinematografico, nell’indugiare sui piedi di donna. Plausi scroscianti anche per il casting, che è ricchissimo all’inverosimile, oltre che pienamente azzeccato, a partire dal duo di protagonisti, anche se un dubbio (minuscolo) mi è rimasto: dal punto di vista meramente anatomico Pitt e DiCaprio sono davvero così simili? Sono credibili come l’uno controfigura dell’altro?

Leonardo DiCaprio recita sempre meglio. Sarà possibile una continua crescita nelle doti recitative? Oh, eppure così appare ai miei occhi. Ha solo 45 anni. Dove riuscirà ad arrivare? Ad ogni pellicola è sempre più bravo. Certo, le scene in cui lo vediamo piangere sono parecchio grottesche – e perciò buffe – ma quelle in cui il personaggio di Dick si trova a fare il suo mestiere sul set sono pressoché perfette. I fantasmi e i dubbi che offuscano la mente dell’attorone – che nei film che gira è invece l’antieroe supermacho – sono rappresentati al meglio grazie all’esperienza che DiCaprio ha. Tarantino ha scelto un top player e l’ha messo a fare un top player. Sembra una scelta facile ma non lo è.

Ok, Brad Pitt è un bell’uomo – è sempre stato un bell’uomo – ma quant’è simpatico, anche? Qui lo dimostra in modo palese. Per tutta la durata del film mantiene sulla faccia un’espressione beffarda e sorniona che fa incredibilmente simpatia. È assurdo pensarlo e scriverlo ma sicuramente risulta il personaggio più positivo del film, nonostante sia uno che mena le mani e che abbia all’attivo un omicidio. Cliff è un amico superfedele per Dick, un angelo protettore; i due scorrazzano insieme nella lussuosa auto di Dick, sono compagni di bevute, si danno di gomito, sanno come godersela, ma Cliff è sempre un passo indietro, è sempre lucido, sa quanto e come essere amico di Dick ma senza strafare, dimostra di essere coscienzioso, previdente, affidabile e di saper stare al proprio posto.

Siamo tutti d’accordo sul fatto che Margot Robbie sia la Dea della bellezza? Ok, aggiungiamoci che in questo film dimostra di essere perfetta per il ruolo di Sharon Tate, la somiglianza tra le due è davvero tanta. Tarantino sceglie di mostrarcela dolce e timida, mentre trascorre un pomeriggio al cinema a guardare “The Wrecking Crew”, un film di cui è co-protagonista, insieme a Dean Martin. In un’altra scena la vediamo invece ballare divertita, non lontana da Roman Polanski e dal suo ex Jay Sebring, durante una festa nella Playboy Mansion West di Hugh Hefner.

L’hairstylist Jay Sebring è interpretato del bravo Emile Hirsch, mentre Polanski ha il volto di Rafa? Zawierucha.

Il talentuoso Damian Lewis lo vediamo in una sola scena mentre interpreta Steve McQueen che racconta la cronistoria del successo di Sharon Tate e dei suoi rapporti personali con gli uomini che la circondano.

Al Pacino appare all’inizio del film nei panni di Marvin Schwarz, un anziano e affettatissimo produttore di Hollywood, che porta a colazione Rick Dalton per offrigli l’opportunità di recitare negli spaghetti western, non prima di avergli spiegato quando sia effimero il suo successo, quanto ormai non sia più un giovane attore e perché non gli conviene continuare a recitare la parte dell’antagonista odioso in western di serie B.

Kurt Russell interpreta un vecchio stuntman – ormai promosso a reclutatore di stuntman – che ingaggia controvoglia Cliff, solo per fare un favore a Dick.

Julia Butters è Trudi Fraser, la giovanissima e irreprensibile attrice che stringe amicizia con Dick e gli fa tornare l’orgoglio di essere un bravo attore. Sbalorditivamente brava nell’oscillare tra la professionalità dell’attrice navigata e la dolcezza di una bambina di fronte ad una star del cinema. Ed ha solo 10 anni!

Bruce Dern interpreta un’ex stuntman, ormai anzianissimo, cieco e incazzoso, che dorme tutto il giorno e che, raggirato dall’amore per una giovane hippie, si è fatto squattare la proprietà – lo Spahn Ranch – dalla comunità che fa capo a Charles Manson.

Ruolo sexy per la bella Margaret Qualley, qui nei panni di una giovanissima e poco scaltra hippie, detta “Pussycat”, che cerca di sedurre Cliff e, pur non riuscendoci, lo porta nella pericolosa tenuta in cui soggiorna la comunità di Charles Manson.

Luke Perry appare per pochi minuti come Wayne Maunder, un attore che nel western che sta girando Dalton ha il ruolo di un ricco cowboy cui hanno rapito la giovane sorella e che per questa ragione deve sottostare a un lucroso ricatto.

Ad Austin Butler è andata la parte di Charles “Tex” Watson, uno dei giovani e fulminati attentatori di Sharon Tate.

Mike Moh è incredibilmente simile a Bruce Lee; molto diverernte nella scena in cui fa lo sbruffone con un lungo monologo autocelebrativo, prima di battersi con Cliff.

Dakota Fanning è Lynette “Squeaky” Fromme, uno dei pericolossisimi membri della setta di Manson. La scena in cui appare – un dialogo a due con Cliff – è forse quella con la maggiore tensione di tutta la pellicola. Semplicemente brava.

Nicholas Hammond ha il ruolo del regista Sam Wanamaker.

Lorenza Izzo è Francesca Capucci, la moglie italiana di Rick Dalton.

Damon Herriman dà il volto al “capellone” Charles Manson. Lo vediamo però in una sola breve scena, mentre va a bussare alla porta della villa di Sharon Tate.

Anche per il grande Scoot McNairy c’è solo un piccolo cammeo in questo film: lo vediamo interpretare un pistolero del west.

Stessa cosa dicasi per Michael Madsen: il suo vecchio amico Tarantino gli ha dato pochi minuti di gloria nelle vesti di un duro cowboy.

La bellissima Rebecca Rittenhouse intepreta l’attrice Michelle Phillips, amica di Sharon Tate. Le vediamo ballare insieme nella maxi festa organizzata nella Plaboy Mansion.

Per Maya Hawke – la figlia di Ethan Hawke e Uma Thurman – una piccola parte: l’attentatrice di Sharon Tate che se la dà a gambe l’ultimo minuto, Linda Kasabian. Sì, questo è un piccolo spoiler ma perdonatemelo.

Locandina originale

La scheda di IMDb.com, quella di Wikipedia, quella di Cinematografo.it e quella di MyMovies.it.

Joker
di Todd Phillips (Usa, 2019)
con Joaquin Phoenix, Robert De Niro,
Frances Conroy, Zazie Beetz, Bill Camp, Brett Cullen,
Marc Maron, Shea Whigham, Josh Pais, Douglas Hodge, Leigh Gill,
Dante Pereira-Olson, Brian Tyree Henry, Carrie Louise Putrello

Se non è un capolavoro, poco ci manca.
Dimenticate per un attimo che Joker è uno degli antagonisti di Batman, un personaggio dei fumetti della DC Comics. Questa pellicola potrebbe essere benissimo una storia di disagio e malattia mentale. Anzi lo è, a tutti gli effetti. Di sovrannaturale c’è poco o nulla. Il fantasy non è pervenuto.
Joker racconta del percorso che ha portato Arthur Fleck a impazzire del tutto e diventare un pericoloso criminale di Gotham City. La follia è al centro del discorso di questo film. La vera protagonista che accompagna lo spettatore dal primo all’ultimo fotogramma. Sullo sfondo si muove la città, questa Gotham City sporchissima, piena di immondizia e degrado morale. In piena crisi sanitaria e di valori, dove le strade sono inondate di spazzatura, mentre la politica è corrotta e falsa, senza nessun pudore. Come dire una versione di New York ancor più decadente cui non si fa fatica a credere.
Arthur Fleck è un uomo fra i 30 e i 40 anni che vive con la madre (molto malata) in una topaia e si guadagna da vivere facendo il clown a domicilio per un’agenzia. Ha gravi problemi psichiatrici, tanto da essere costretto a prendere ben 7 diversi psico-farmaci da quando è uscito da un ospedale per matti in cui è stato a lungo rinchiuso. Le cose non gli vanno bene, è sempre giù di morale, depresso e con istinti suicidi, ha frequenti e scomposti attacchi di risata isterica, tuttavia riesce a sopravvivere grazie ad alcuni lavoretti umilianti e a dei noiosi incontri settimanali con una psicologa impiegata in un centro sanitario pubblico. La sua passione è la comicità: un giorno vorrebbe riuscire a diventare famoso facendo lo stand-up comedian. Il celebre anchorman Murray Franklin, che segue ogni sera in tv, è il suo vero idolo. Ad un tratto però le cose iniziano a peggiorare: Arhtur entra in un vortice di sfortuna da cui avrà grosse difficoltà ad emergere. Viene picchiato da un gruppo di teppisti mentre fa il testimonial davanti a un negozio e un amico, per spingerlo a difendersi, gli presta una rivoltella – senza che lui neanche l’abbia chiesta – ma la gestione maldestra di quest’arma gli causerà la perdita del lavoro. Inoltre il programma di servizi sanitari che finanzia le sue sedute psichiatriche chiude e sua madre gli rivela indirettamente, senza volerlo, che suo padre è Thomas Wayne, l’uomo più ricco della città. Il suo primo atto di protesta verso il mondo che gli rema contro e lo schiacchia non sarà programmato ma finirà per essere violentissimo, truculento e così scioccante da portare tantissimi cittadini a dar vita a uno spontaneo movimento di ribellione. Un movimento di cittadini indignati – o meglio incazzati neri con la ricca borghesia – che prenderà come simbolo proprio la maschera da clown.

Il film è davvero una specie di one man show. Tutto si regge sulle spalle di Joaquin Phoenix, un attore bravissimo, unico, che dimostra ancora una volta di essere un fuoriclasse. Gli altri attori sono solo comprimari, piccole comparse che punteggiano il proscenio, funzionali a raccontare la discesa agli inferi di Arthur Fleck.
Tra questi, quello che ha maggior peso è Murray Franklin, inscenato da Robert De Niro. Un’interpretazione notevole che sottolinea l’ipocrisia della tv attraverso il carisma catodico di un anziano uomo di spettacolo.
Zazie Beetz è Sophie Dumond, una giovane ragazza-madre che abita nello stesso palazzo di Arthur e che diventa con soli pochi sguardi il “love interest” del protagonista.
Per Frances Conroy la parte di Penny Fleck, la mamma anziana del protagonista: una donna malata, schiava di alcune ossessioni, che non esce più di casa e che fa affidamento al 100% sul suo unico figlio.
Il corpulento Glenn Fleshler è Randal, uno dei colleghi clown di Arthur.
Leigh Gill è invece un altro dipendente della stessa agenzia di clown, diretta da Hoyt Vaughn (personaggio senza scrupoli intepretato da Josh Pais).
L’opacissima figura di Thomas Wayne è interpretata dall’altissimo Brett Cullen.
Shea Whigham è il Detective Burke, ossia uno dei due poliziotti che indagano sul triplice delitto della metropolitana. Bill Camp è invece il Detective Garrity, l’altro piedipiatti.
Douglas Hodge ha una sola scena nei panni di Alfred, lo storico maggiordomo di casa Wayne.
Per Brian Tyree Henry un cammeo nei panni di un impiegato dell’ospedale psichiatrico in cui fu rinchiusa la mamma del protagonista.

Altri dettagli tutt’altro che trascurabili.
Il film è ambientato tra la fine degli anni ’70 e i primi anni ’80. Lo si capisce dall’arredamento del minuscolo appartamento in cui vive il protagonista ma soprattutto dalla scenografia dello studio in cui si tiene il programma di Murray Franklin. Quelle luci, quelle telecamere, quelle poltrone, quelle tendine, quelle pareti: tutto dice anni ’70.
In Joker Joaquin Phoenix è magrissimo, scheletrico, quando è torso nudo le costole fanno capolino da sotto la pelle. Roba da impressionarsi. Avrà perso una trentina di chili per intepretare quest’anima nera di Gotham City. Bisogna tener conto anche di questo quando si va a valutare il lavoro di un attore. Ma non solo: bisogna tener presente anche tutto il lavoro sulla risata, ossia dover imparare a ridere in maniera scomposta, forte, con tono alto e stridente, a tirar fuori dalla bocca un suono che faccia accapponare la pelle. E beh, Phoenix ci è riuscito perfettamente. Basta dare un’occhiata al trailer per capirlo subito.
Dicevamo che al centro di tutto c’è la follia, l’analisi di come una mente già debole possa essere portata all’esasperazione, alla follia più incotentenibile, da una società alienata, profondamente persa e incattivita. Una società che premia i ricchi, i più fortunati, e abbandona gli ultimi, non sono i poveri ma anche le persone malate, che hanno bisogno di cure e di assistenza (non solo medica). Ed è proprio qui che emerge l’altro aspetto di “Joker” il film ha anche un taglio politico, di attacco alla società contemporanea. Lo si intravede nella critica al welfare state, ai tagli ai servizi sociali fatti dalla città di Gotham City in maniera del tutto ingiustificata e sbagliata, quei tagli che portano alla chiusura del centro in cui il protagonista si reca ogni settimana per cercare qualcuno con cui parlare dei fantasmi che affollano la sua mente.
Nel rapporto di amore-odio tra Arthur e e il divo tv Murray Franklin ci ho visto degli echi del film “Re per una notte” di Martin Scorsese, in cui recitava proprio Robert De Niro. In quel caso De Niro era lo spettatore con ambizioni da showman, mentre l’anchorman era magnificamente interpretato da Jerry Lewis.
Lodi sperticate a Lawrence Sher e alla sua fotografia; il turchese scuro e il giallo ocra sono pressoché onnipresenti, soprattuto nelle scene più cupe, cioè quelle in cui emergono i pensieri nefasti del protagonista o quelle in cui la città fa sentire la sua presenza attraverso le luci.
Io sono solitamente uno spettatore distratto, alla colonna sonora faccio poca attenzione, tranne rari casi. Per Joker c’è stata proprio una eccezione. Ho trovato molto interessante il commento sonoro composto da Hildur Guðnadóttir, decisamente appropriato alle scene cui si accompagnava. Buona la scelta anche di alcuni brani “extra”, a partire da “That’s life” che fa capolino in un paio di frangenti, fino a “Send in the clowns” cantata da Frank Sinatra, “Slap that Bass” di Fred Astaire e “Sunshine of Your Love” dei Cream.
Il regista – Todd Phillips – è lo stesso della trilogia de “Una notte da leoni”, “Parto col folle”, del film “Starsky & Hutch” del 2000. Può stupire alcuni – ha stupito anche me – ma bisogna ammettere che questo tizio ha talento. Mi pare sia riuscito a costruire il miglior film, ad oggi, tra tutti quelli ispirati ad un fumetto. O sbaglio?

Questo film ha vinto il Leone d’oro all’edizione 2019 della Mostra del Cinema di Venezia.
Nota 1: tra i finanziatori del film, oltre lo stesso regista, c’è anche Bradley Cooper.
Nota 2: per una volta la locandina italiana è pressoché identica a quella americana.

La scheda di IMDb.com, quella di Wikipedia, quella di Cinematografo.it e quella di MyMovies.it.

Ok, si parte. Il prossimo 24 ottobre esce il mio primo singolo ufficiale – escludendo l’EP autofinanziato “Samples’ Salad”. Si chiama “Afronenia” ed è stato pubblicato dall’etichetta Plastik People (del New Mexico) in due versioni: l’originale + un remix realizzato dal dj Terrence Parker – una vera leggenda di Detroit. Potete già ordinare entrambe le tracce su Traxsource. Dal 7 novembre le troverete anche su altre piattaforme di download e streaming.
Un grazie immenso a chi ha permesso tutto ciò, ossia: Sander Costanzi, Anna Maria Dalla Valle, Marco Dell’Endice, Francesco Mastellone, Lorenzo Spano della LV8 Music, Marilina Curci e ovviamente Terrence Parker.

Vice – L’uomo nell’ombra
(Vice)
di Adam McKay (USA, 2018)
con Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell,
Alison Pill, Tyler Perry, Jesse Plemons, Shea Whigham, Lily Rabe,
Bill Pullman, Eddie Marsan, Bill Camp, LisaGay Hamilton, Justin Kirk

Ho visto questo film troppo tempo fa per ricordarne i particolari, purtroppo.
Mi limito a dire che si tratta di un biopic ben fatto sull’ascesa al potere di Dick Cheney, sul suo famelico percorso nella politica degli Stati Uniti d’America. Una pellicola che deve il suo valore soprattutto all’ottima interpretazione del protagonista da parte di Christian Bale. Grasso, invecchiato e pelato da sfogo a tutta la sua “cazzimma” per mettere in scena la smania di potere di un uomo che non è disposto a fermarsi di fronte a nulla.
Non sono da meno nemmeno Amy Adams, nei panni dell’indefessa moglie di Cheney, e Sam Rockwell in quelli di George W. Bush, 43° presidente degli USA, anche se va detto che forse quest’ultimo gigioneggia un po’ troppo. Capisco l’esigenza di far risultare il presidente un omuncolo nelle mani di amministratori squali senza ritegno alcuno ma forse hanno calcato un po’ la mano.
Molto bravo anche Steve Carell nell’interpretazione di Donald Rumsfeld, uno degli squali di cui sopra.
La simpatica Alison Pill è Mary Cheney, la figlia del protagonista.
Tyler Perry intepreta invece Colin Powell, il Segretario di Stato durante l’amministrazione di Bush Jr.

Nota: il regista è lo stesso dell’ottimo film “La grande scommessa”.

Qui trovate la locandina originale.

La scheda di IMDb.com, quella di Wikipedia, quella di Cinematografo.it e quella di MyMovies.it.

5 è il numero perfetto
di Igort (Italia, 2019)
con Toni Servillo, Carlo Buccirosso, Valeria Golino,
Lorenzo Lancellotti, Iaia Forte, Gigio Morra, Mimmo Borrelli,
Nello Mascia, Angelo Curti, Emanuele Valenti

Film noir tratto dall’omonima graphic novel (che non ho mai letto). Non so se è il caso di usare anche l’aggettivo “hard boiled”, comunque si tratta di una pellicola molto fumosa sulla malavita napoletana, diretta dallo stesso autore del fumetto (sarò sgarbato nel definirlo così?)
Di Igort non sapevo nulla fino a poche settimane fa. Anche adesso ignoro la sua identità e il suo lavoro. Passiamo dunque all’opera, cioè al film: si tratta della storia degli ultimi giorni di attività criminale di Peppino Lo Cicero, un vecchio guappo ormai in pensione, che riprende in mano le sue armi per farsi vendetta, dopo l’uccisione del suo unico figlio, Nino – anch’egli killer come il padre, affiliato alla stessa famiglia camorristica. Per riuscire nell’impresa di fare la pelle all’assassino di suo figlio, Peppino chiama un vecchio sodale, tale Totò ‘O Macellaio: un altro killer esperto che considera quasi un fratello. I due cercano di venire a capo della vicenda ma si mettono immediatamente nei guai, facendo la pelle al boss della stessa famiglia cui appartiene Lo Cicero. Tra le altre cose, proprio in questo difficilissimo frangente della vita di Lo Cicero, riappare – quasi magicamente – anche Rita, una vecchia fiamma di Peppino, che Totò chiama “la maestrina”. Più precisamente Rita è l’amante sedotta e abbandonata, in quanto il protagonista non ha mai voluto abbandonare sua moglie, cui si è sempre detto devoto.

Pellicola godibile, anche se in alcuni frangenti può apparire scontata, fumosa e surreale. Scontata perché la vendetta di un malavitoso è raccontata in maniera alquanto tradizionale, senza particoli colpi di scena, dettagli originali o novità, fumosa perché alcune apparizioni non vengono spiegate adeguatamente – vedi la figura di Rita o la crescita professionale di Nino – e surreale perché i personaggi in certi casi non si comportano come ci si aspetta, andando decisamente sopra le righe – cfr. la scena in cui il saggio e riflessivo Lo Cicero si mette a scimmiottare una sparatoria con le dita puntate come pistole, come se fosse un bambino sovreccitato.
Dettaglio buffo: il naso grosso e adunco del protagonista. Nel film è stato ricreato alla perfezione – con una protesi – sulla faccia di Servillo, in modo da essere estremamente fedele a quello presente sulla faccia del protagonista della graphic novel.
Dettaglio negativo: il modo in cui Peppino e Totò stringono le pistole e si spalleggiano durante le sparatorie ricorda tantissimo i pulp movie americani – alla Tarantino per intenderci – qualcosa che stona davvero parecchio, visto che si tratta di due anziani assassini napoletani e che la storia è ambientata negli anni ’70.
Servillo fa il Servillo? Certo che sì, ancora una volta, come sempre. Ma non sfigura nei panni dell’anziano guappo napoletano. Almeno questa volta il dialetto è suo, lo conosce benissimo. Sono soprattutto i silenzi ad essere adeguati al personaggio, i silenzi tipici di Servillo, gli sguardi sornioni che vorrebbero dire mille parole, di adattano perfettamente al personaggio di Lo Cicero, che è un anziano riflessivo, con molta esperienza, consumato dalla vita, saggio e riflessivo, che torna a sentirsi vivo, torna a sentire scorrere in corpo il sangue e il desiderio di vendetta solo di fronte alla disperazione di aver perso l’unico figlio.
Buona prova anche per Buccirosso – anche se non è la sua migliore. Qui la sua straordinaria verve comica è tenuta chiusa sotto chiave. Interpreta Totò il gregario, un buon vecchio guappo che in questo caso si mette agli ordini – seppur con mille riserve – di un vecchio amico che ha bisogno di aiuto.
Valeria Golino in parte. Qui interpreta una bella donna di mezza età, innamorata e preoccupata per le sorti dell’amato. Il suo personaggio va incontro ad una metamorfosi: da donnetta impaurita del mondo si trova a dover prendere le armi in mano e a sparare, a dover uccidere suo malgrado per difendere chi le sta a cuore. Ecco, questo cambio di personalità, questa specie di maturazione criminale non è – a mio avviso sottolineata a dovere dal racconto. In altre parole questa figura non è illustrata dettagliatamente sotto il profilo psicologico: sbuca dal nulla, parla poco, non si presenta bene a chi guarda, viene delineata solo poco e dagli altri attanti, poi fa qualcosa di grande, di grosso, di forte, ma non sembra cambiare granché, dunque torna sullo sfondo, a bisbigliare qualche parola. Chi era prima? Non si sa. Quali sensazioni le ha dato la trasformazione? Non è dato conoscerlo.
Mi è piaciuta molto anche a recitazione di Lorenzo Lancellotti nei panni di Nino, il figlio di Peppino. Bravissimo nel rendere l’idea di un giovane killer, serio ma ancora pieno di paure. Quel sottile baffetto da gagà che spunta sul suo labbro superiore stà li a indicare il cambio generazionale, la distanza tra padre e figlio, i due modi di intendere la carriera criminale e la vita in generale.
Il canuto Nello Mascia – già adocchiato nella soap “Un posto al sole” – qui interpreta il dottore che cura la ferita da arma da fuoco nel torace di Totò.
Un cammeo per Gigio Morra nelle vesti dell’anziano e rugosissimo Don Lava, ossia il padrino della famiglia nemica.
Iaia Forte, invece, appare solo per pochissimi secondi all’inizio della pellicola nei panni della Madonna.

Molto belle le location: azzeccatissime ed evocative. Raccontano una Napoli “sotterranea” che nasconde molti misteri.
Le musiche, notevoli e appropriate, sono state composte da D-Ross e Startuffo.

La scheda sul sito ufficiale, quella di Wikipedia, quella di Cinematografo.it e quella di MyMovies.it.

Rushmore
di Wes Anderson (USA, 1998)
con Jason Schwartzman, Bill Murray, Olivia Williams,
Brian Cox, Connie Nielsen, Luke Wilson, Sara Tanaka,
Mason Gamble, Seymour Cassel, Stephen McCole

Uno strambo ragazzino di 15 anni di nome Max Fischer frequenta il college Rushmore da molti anni. Si tratta di un vero combinaguai: il terrore del preside Nelson Guggenheim, che lo addita infatti come il peggiore di tutta la scuola e che perciò lo vorrebbe fuori dal suo istituto. Max però sembra molto affezionato al Rushmore, tanto da arrivare a desidare di non doverlo mai abbandonare. La sua ambizione sembra essere davvero rimanere in quell’edificio il più a lungo possibile. Sebbene comunque non eccelli nelle materie che è tenuto a studiare, si applica con molto impegno a tante altre discipline più “artsy”, ma tutte extracurriculari, come la calligrafia, la scrittura di pièce teatrali, la coltivazione delle api, ecc.
Un giorno incontra Rosemary Cross, la maestra della scuola materna – anch’ella frequentatrice dello stesso campus – e se ne innamora. La donna è carina, ha in effetti un suo fascino, ma forse Max ci vede anche dell’altro: la mamma che ha perso da bambino. Per lei inizia a progettare una delle suoi folli idee: un mega acquario e tutto ciò solo perché un giorno, mentre chiacchieravano, l’ha vista prendersi cura di un pesciolino rosso in una boccia di vetro. Per il finanziamento del gigantesco progetto – da innalzare dentro lo stesso Rushmore – si rivolge all’imprenditore Herman Blume delle industrie Blume: un uomo bizarro ma dall’aspetto simpatico con cui ha stretto amicizia da poco e da cui è molto affascinato. La molla che ha fatto scattare la simpatia è stata un discorso che Blume ha pronunciato davanti all’intero corpo degli studenti del Rushmore. Blume comunque è un altro bambinone, anche se ha più di 50 anni e ha molto successo nel lavoro. Orbita intorno al Rushmore per due sole ragioni: 1. è uno dei principali finanziatori dell’istituto; 2. lo frequentano i suoi due unici figli (due ragazzoni ignorantoni e sgraziati che nutrono interesse solo per lo sport e hanno un approccio molto macho alla vita). Blume praticamente li odia – e lo dà spesso a vedere – per cui trova in Max una specie di terzo figlio con cui avere qualcosa in comune e andare d’accordo.
Il sentimento di Max per la maestrina non è affatto corriposto – e non solo per ragioni anagrafiche. Miss Cross è vedova, ha perso suo marito da poco e sembra essergli ancora molto legata, inoltre sa che non può frequentare studenti della sua stessa scuola. Per Max insomma prova solo una materna simpatia. Come se non bastasse, poi, del fascino della dolce Cross inizia a risentire anche Mr. Blume. Da questo punto in avanti, ovviamente, le cose non prenderanno una bella piega.

Un’altra deliziosa pellicola ideata e diretta da Wes Anderson. Ancora famiglie disfunzionali, ancora personaggi al limite dell’idealtipo flâneur: anime fragilissime, ma dolci, sofisticate, buffe, orginiali, fuori dagli schemi, sui generis e bisognose d’affetto ma che alla bisogna sanno tramutare le loro mancanze in lucidissime vendette.
Jason Schwartzman è staordinario nei panni di Max Fischer. Mi ha divertito molto. L’ho trovato buffissimo. E non solo perché all’epoca ha interpretato un quindicenne pur non avendo 15 anni ma anche per gli occhiali, il nasone, le sopracciglione, gli abiti da scolaretto saputello, il timidissimo tono di voce, l’aria stralunata, l’atteggiamento da finto-ingenuo e l’ostinazione. Ecco: soprattuto la sua ostinazione, il principale elemento che fa da carburante al motore della sceneggiatura.
Bill Murray è sempre il grandissimo Bill Murray e fa ciò che sa fare: simpatia. Anche qui – come in “Le avventure acquatiche di Steve Zissou” – interpreta un padre. Un personaggio più semplice, meno problematico forse di Zissou, ma per certi versi simile nell’accondiscendenza al dottor Raleigh St. Clair, visto nel film “I Tenenbaum” (che è sempre di Anderson).
La maestra ha il volto di Olivia Williams. Dove l’avrò già vista? Non importa. Qui è perfettamente nella parte: un po’ gatta morta, un po’ donna-coraggio. Forse è l’unico personaggio con un po’ di testa sulle spalle. Forse no.
Brian Cox è il canuto direttore della Rushmore, un uomo severo e burbero che parla poco ma soffre molto la presenza di Max.
Mason Gamble dà il volto al miglior amico di Max: un ragazzino gracile e accondiscendente che il protagonista ha preso sotto la sua ala protettiva solo perché vuole cercare di sedurre subdolamente la sua affascinante madre (una specie di MILF dei suoi sogni proibiti, interpretata da Connie Nielsen).
Sara Tanaka interpreta Margaret Yang, una compagna di scuola segretamente innamorata di Max.
Anche Seymour Cassel fa molta simpatia nella parte dell’anziano barbiere, nonché papà saggio e comprensivo di Max.
Luke Wilson appare in pochissime scene nel ruolo di Peter Flynn, un amico della maestra Cross.

Un consiglio semplice ma direttissimo: gli amanti del cinema di Wes Anderson devono assolutamente vedere questa pellicola, anche se non è tra le sue più famose. Credetemi.

La scheda di IMDb.com, quella di Wikipedia.it, quella di Cinematografo.it e quella di MyMovies.it.