Sonidos Clandestinos

Sonidos Clandestinos Verano 2012

2012-01-02T14:41:00.001-03:00

2011-12-22T22:03:00.000-03:00

Los lagos se alimentan de ríos pero también obtienen su caudal por medio de aguas subterráneas. Debajo de la tierra subyacen litros y litros de agua que alcanzan un volumen mayor incluso al que contienen en la superficie del planeta lagos, torrentes y arroyos. Agua que va brotando hacia la superficie por medio de las grietas; esos espacios que se dejan entrever en la tierra firme. En medio del continente surgen los lagos, como espejos que reflejan la existencia de esos caudales subterráneos que conmocionan cualquier cimiento. Lo importante del lago, en su pequeñez territorial en relación al continente, es mostrar que debajo de su piel existen territorios aún más extensos que generan grietas desde la raíz.

En el su ultima emisión del 2011 intentaremos una vez más hacer brotar de las grietas musicales, distintos mundos que habitan debajo del mundo. O detrás de él. Este programa es un pequeño lago que permite reflejar parte de la extensa e inabarcable música clandestina, oculta que habita el planeta.

Hoy serán algunos de estos “lagos espejos” los que guiarán la travesía musical. Sus costas nos nutrirán de Sonidos subterráneos que se disparan hacia el cielo como la erupción de un geiser. En el aire sonará, La ruta de los lagos.

Queremos agradecer a todos los oyentes y a las radios amigas que nos acompañaron un año más desde los distintos rincones del mundo. Pasó un año donde recorrimos más de 35 rutas clandestinas con la visita de muchísimos músicos, quienes desde su arte nos permitieron ahondar aun más en cada una de las travesías propuestas.

Gracias a La Tribu, nuestra casa con parlantes, que nos permitió una vez más poder usar el éter como vehículo para emprender cada viaje junto a nuestros oyentes. Gracias a todas las radios que nos retransmiten a lo largo de todo el país y en Chile, Colombia y Francia.

El 2012 un Sonidos Clandestinos completamente renovado. Nos estamos escuchando. Feliz fiestas a todos.

Lo que sonara en la semana del 22 de Diciembre:

C4 - Pregones Zulianos
ENSAMBLE GURRUFÍO - La grey zuliana
VASALLOS DEL SOL - Está hirviendo el agua e´tilo
KAPIKÚA - La lenteja del lago
AYUB OGADA - Obero
MICHEL ONGARO - Afrika
NORTE POTOSÍ - Chascañawisitay
NOVALIMA - Revolución

Invitado especial desde Pátzquaro (México): Alejandro Colella

Instrumentos Clandestinos: Flautas de pico bolivianas.

2011-12-22T22:01:00.000-03:00

Por Mario Efron

Me arriesgaría a decir que Bolivia es uno de los países con más variedad de instrumentos musicales de Sudamérica. Si investigamos un poco sobre algún instrumento en particular al poco tiempo podremos encontrar una gran variedad de estos. Por ejemplo, si observamos las flautas de pico, nos vamos a encontrar con al menos 50 tipos distintos cada una con su afinación, su forma de construcción, su escala, etc.

Para poder conocer más este tipo de instrumentos vamos a detenernos sólo en tres, el pinquillo, el waka pinquillo y el marimacho.

Primero veamos qué es una flauta de pico. Este tipo de aerófonos cuenta con un bisel que se construye perforando una pequeña ventana en la parte proximal del tubo. El aire es conducido hacia el bisel por medio de un canal de insuflación que se forma colocando un tapón en la embocadura de la flauta al cual se le excava un “camino” para conducir el aire. Para facilitar su ejecución se le da a la embocadura forma de pico, de ahí su nombre. De esa forma el músico puede introducir parte del tubo en su boca y soplar.

En Bolivia las flautas de pico se utilizan en la época de lluvia, son instrumentos vinculados a momentos festivos como los carnavales. El resto del año no se tocan.

Tanto el pinquillo, el waka pinquillo y el marimacho son instrumentos de uso colectivo. Se tocan en bandas de por lo menos 8 músicos y se los acompaña con huancaras, un bimembranófono similar a una caja chayera pero un poco más grande.

El pinquillo puede tener 5 o 6 orificios de digitación. En el conjunto se tocan simultáneamente dos tamaños de instrumento, uno más grande y otro más pequeño afinado generalmente a una 4ta o 5ta por encima del primero. Esto genera una armonización de voces paralelas muy utilizada en la música tradicional boliviana.

El caso del waka pinquillo es muy particular, se trata de un instrumento con sólo tres orificios de digitación. Se toca con una sola mano, lo cual permite al músico acompañarse rítmicamente con la otra tocando una huancara. Las melodías de waka pinquillo no tienen sólo tres notas sino que, mediante la utilización de armónicos, se obtienen todas las notas de una escala diatónica sobre la cual se construyen las melodías.

Por último, el marimacho, es un instrumento que lleva este nombre porque consiste en dos flautas unidas, una “macho” y otra “hembra”. Una de estas flautas es el tubo melódico que cuenta con 5 orificios de digitación en la parte delantera y uno en la parte posterior. La segunda flauta no tiene orificios de digitación por lo tanto da una sola nota que es la tónica del instrumento o la quinta dependiendo de la intensidad con la que se la sople. Se trata también de un instrumento de uso colectivo.

Creo que el acercamiento a estos tres tipos de flauta de pico nos da una idea de la gran diversidad que podemos encontrar, hay muchos más de este tipo de flautas y esto se repite en cada una de las familias de instrumentos. Adentrarse en la música boliviana es descubrir una variedad infinita de timbres, afinaciones, escalas, ritmos y formas de hacer música.

Casos y Letras: Ida Gramcko

2011-12-22T22:00:00.000-03:00

Por M. Emilia Sganga

Sumergirnos en la escritura desde lo poético, nos lleva a nadar muchas veces en una especie de vacío existencial donde intentamos nombrar y de alguna manera escaparnos hacia un espacio inexistente para tomar la palabra como un tejido, como una forma de ir anudándonos, de ir nombrándonos.

Abordar esta tarea como inútil, como excesiva, es un gesto que nos lleva a la ruptura, a ir por un camino donde el fin no significa lo esperado.

Desde este exceso es que encaramos la obra de la poeta, ensayista y escritora venezolana Ida Gramcko.

Guiada por una especie de pasión sonora, en la que todo va transformándose en algo potencialmente poético, sus construcciones pueden designarse como excesos, como maneras de transitar lo infernal, lo sagrado, lo reprimido, donde es ella misma, la que se pierde en la escritura, como una especie de Sísifo que asciende y desciende de manera incansable.

Ida Gramcko naciò el 9 de octubre de 1924 en Puerto Cabello (Venezuela), a sus 38 años finalizó el bachillerato y a los cuarenta entró a la Escuela de Filosofía de la Universidad Central de Venezuela donde se graduó. Allí comienza a desempeñarse como profesora, labor que desarrolló durante 14 años.

Desde los 13 años publicó sus primeros poemas en los periódicos regionales El Unare de Zaraza y El Caribeño de Valencia y a sus 18 años, publica su primer poemario Umbral, y dos años después Cámara de cristal (1944). Por entonces comienza a desempeñarse como reportera policial y cultural de El Nacional, siendo una de las primeras mujeres en desarrollar estas tareas en Venezuela. Durante 50 años escribió para este diario de la mano del que sería su compañero, el periodista español José Domínguez Benavides.

Un viaje a México le sirvió de inspiración para la escritura de su tercer libro La Vara Mágica (1948) y algunos poemas del libro más reconocido Poemas (1952), que le confirieron el reconocimiento absoluto de los poetas de su tiempo.

En 1948, fue a Moscú, enviada por el presidente Rómulo Gallegos, como embajadora en aquel país. Fue allí donde recibió la noticia del derrocamiento del gobierno de Ròmulo Gallegos por la Dictadura Militar de Pérez Jimenez. Es así como Ida, decide aplazar su retorno a Venezuela y muchas de sus poesías enfrentaron al gobierno militar y al silencio que este imponía

Hacia 1960 la poeta comienza a experimentar una fuerte depresión y comenzó tratamientos psiquiátricos, estas sensaciones la llevaron a escribir y publicar Poemas de una psicótica (1964). En este libro aparece lo demoníaco vinculado a lo animal y hace referencia a constantes alucinaciones. El libro, originariamente fue dividido en dos capítulos “poemas de la enfermedad” y “poemas de la curación”. Es en esa segunda parte donde la poeta se obliga a abandonar el delirio, mostrando un corte abrupto con la primer parte del poemario.

Luego de obtener su licenciatura en Filosofía, en 1968, se dedicó a la docencia y continuó escribiendo poesías y artículos para diarios y revistas especializadas en arte y literatura.

En 1977 le otorgan el Premio Nacional de Literatura, reconociendo la calidad de sus obras y su vida dedicada a la escritura.

Durante la década del `80, Ida Gramcko continúa dando clases y para 1993 publica su último poemario, titulado Treno. Un año más tarde fallece.

Su obra testimonia no solo sus experiencias y sus infiernos, sino que va tejiendo su propia historia. En sus poemas nos abre la puerta a su mundo, a sus exigencias y nos deja ahí, expectantes y listos para tejer nuestro propio tapiz.

ATIENDA AQUEL QUE DIJO - Ida Gramcko

Hallar dicha y sosiego

en un sueño beatífico y tranquilo;

atienda a lo que digo y lo que creo.

¿Sabes, nocturno amigo,

a qué cosa en verdad llamamos sueño?

Atiende, hermano mío,

sin pena y sin recelo,

yo, que he soñado, yo, que no he dormido,

te pregunto sin voz desde mi lecho:

¿crees que el sueño protege del abismo,

rescata del asalto y del incendio?

Yo, soñadora inmóvil, no he creído

en mi rostro apacible cuando duermo.

Lucho soñando, sórdida, conmigo,

con un pájaro extraño, con el viento,

con un agudo y afilado pico

que me horada las sienes y el cerebro

y dejo sangre en el cojín y heridos

flotan ardiendo, aullando, mis cabellos.

Soñador y sonámbulo es lo mismo.

Se va entre nieblas, huérfano.

¿Quién hiló las almohadas? ¿El olvido?

La mano movediza del recuerdo

con un sombrío ovillo

y tejió la crisálida del lienzo

con una larga víbora de lino

que se enrosca en el alma y en el cuerpo.

Atienda aquel que alguna vez me dijo

hallar quietud seráfica en el sueño;

atienda a mi creencia, a mi pregunta,

que es la de todo soñador despierto.

Creo en mi corazón, su llama oculta

bajo las sábanas, ardiendo.

Creo en mi sangre muda

corriendo como un río del infierno.

¿Cree alguien en la calma de las tumbas,

en la paz de los muertos?

Quieren creer... ¡No lo han creído nunca!

Descansa en paz, sólo es un gran deseo.

Descansa en paz, pero la paz no escucha;

descansa en paz, pero el descanso es ciego.

La muerte, insomne, mira hacia la lucha

y el sueño es el más íntimo desvelo.

ARRÁNCAME LAS ÁRIDAS RAICES - Ida Gramcko

Arráncame las áridas raíces

Déjame suspendida en el espacio,

entre los vientos firmes.

Allí se está como en un gran regazo

maternal y sin límites.

Déjame con los pájaros,

indagan lo invisible.

¡Ah, más allá del cielo se alza un árbol

que sus alas indómitas persiguen!

No lo han visto jamás y, sin embargo,

creen sentir su rumor en los confines.

Rumor de hojas distantes... Pero ¿acaso

no lo vieron, gigante, en el origen

primero de la vida, y en sus cantos

no es la voz de la ausencia lo que aflige?

Deja que suba a lo alto

y que mi canto vibre.

Canto la ausencia de algo,

de una estrella enterrada en nubes grises.

La sombra azul del árbol

se dilata y me ciñe.

Déjame con los pájaros.

Soy una flor delimitada y triste.

Arráncame los pétalos y el tallo

y la fragancia, y líbrame.

De Poemas, 1952

Lo que suena en la semana del 15 de Diciembre

2011-12-15T22:01:00.000-03:00

Leo Blanco "Trinkle Trinkle"

Rocco De Rosa "Girandola"

Laurent De Wilde "One For Ernie"

Teresa Gomez "Bambuco En B Menor"

Ramiro Gallo "Iky"

Diego Amador "Que Vivan Los Gitanos!"

Chucho Valdes "Blue Monk"

Thelonious Monk "Thelonious"

Ricardo Nolé "Candombe Pa´ Figari"

Cuchi Leguizamón "Chacarera Del Aveloriado"

Invitada Especial En Vivo: Nora Sarmoria

Casos y Letras: Alda Merini

2011-12-15T22:00:00.000-03:00

Por M. Emilia Sganga

Cuando la letra se hace carne, cuando la poesía excede el cuerpo, cuando se convierte en una excusa, en un grito, en un eco que retumba en el silencio del encierro, allí aparece, nace, una nueva forma de nombrar.

Dedicar este espacio a la obra de Alda Merini, es replegarnos sobre nosotros mismos, preguntarnos, nombrarnos y volver a levantar la letra desde ese punto. Poeta que transformó cada canto en una lucha contra la imposibilidad del decir, de nombrar el deseo que ella misma identificó con la experiencia de la poesía, como punto donde anclarse entre lo visible y lo que permanece oculto e innombrable.

Alda Merini, nació el 21 de marzo de 1931 en Milán. Desde su temprana adolescencia comenzó a jugar con la escritura, con el cuerpo y con la palabra. Intentó matricularse en el Liceo Manzoni, pero no pudo superar el examen de italiano. Así fue como se dedicó a estudiar piano, instrumento que la sedujo especialmente.

Fue a sus 16 años cuando encontró, según sus palabras, “las primeras sombras de su mente” y fue internada durante un mes en un hospital psiquiátrico. Desde entonces pasó por varias instituciones de encierro que marcarán su cuerpo y su obra.

En 1953 publicó su primer libro La presencia de Orfeo y dos años más tarde salen a la luz Bodas Romas y Miedo de Dios.

Luego del nacimiento de su primera hija, comenzará un largo período de internaciones psiquiátricas, donde el silencio y aislamiento serán los protagonistas de su vida. Recién para 1979 Alda Merini vuelve a escribir, ya alejada de la internación y del encierro.

Son los textos por venir los que marcan su intensidad poética, es en el libro Tierra Santa donde narra sus experiencias durante el encierro.

Al poco tiempo de fallecer su marido, Alda entabla una relación telefónica con el poeta Michele Pierri. A los dos años se casan y se van a vivir a Tarento, donde reside por tres años. En ese periodo escribió La Urraca ladrona y La otra verdad, diario de una distinta. En él cuenta con intensidad las condiciones de los “enfermos psiquiátricos”, afirmando que se les prohíbe ser, convirtiéndose los “otros” (enfermeros, doctores, etc.) en quienes indican que se debe sentir, hacer y creer. Con estos textos es ella quien va construyendo su autonomía, su poesía.

Para 1986 regresa a su ciudad natal, Milán, y es en este período donde nacen Delirio amoroso (1989), El tormento de las figuras (1990), Vacío de amor (1991) e Hipotenusa de amor (1993).

Para el año 2003 va a publicar sus últimos libros: Más bella que la poesía ha sido mi vida y Clínica del abandono. Ambos títulos condensan, en cierta forma, lo que fue el último período de su vida. Es internada en 2004 por graves problemas de salud y desde allí dicta telefónicamente lo que fue su última publicación en vida, titulada En el cìrculo de un pensamiento.

Alda Merini falleció en el 2009, a sus 78 años. Sus poemas quedan en la intensidad del eco, que retumba y que logra quebrar el espacio para convertirse en grito.

Locura – Alda Merini

Locura, mi joven y gran enemiga,

algún tiempo te llevé como un velo

en mis ojos, al conocerme apenas.

De lejos me viste, como blanco tuyo

y pensaste que yo sería tu musa;

cuando empezó la pérdida de dientes,

que aún me aflige entre tanto despojo,

compraste la manzana del futuro

para darme el fruto de tu fragancia.

Lo que suena en la semana del 8 de diciembre

2011-12-08T22:03:00.000-03:00

Markasata "Llaullina"

Savia Andina "Regreso Del Inca"

Luzmila Carpio "Wiphay Pachamama (La Creación)"

Los Incas Del Perú "Adiós Pueblo De Ayacucho"

Miky Gonzalez "Danza Del Agua"

Huara "Mitimaes"

Elpidio Gonzalez "Sacha Guitarra"

Sixto Palavecino "Changuito De Mi Tierra"

Invitado Especial Desde Colombia: Teto Ocampo

Instrumentos Clandestinos: La sachaguitarra

2011-12-08T22:01:00.000-03:00

Por Mario Efron

La innovación y la búsqueda de nuevos sonidos es una constante en la historia de la música y de los instrumentos musicales. Las búsquedas son variadas, mejorar la afinación, el timbre, lograr un registro más amplio, poder tocar en distintas tonalidades, etc. En el caso de la sachaguitarra, la búsqueda de su creador Elpídio Herrera, tuvo que ver con recuperar un sonido olvidado, que tiempo atrás, se había escuchado en su pueblo, Atamishqui, en la provincia de Santiago del Estero.

Según el propio Elpídio cuenta, su primera intención fue la de reconstruir un antiguo instrumento utilizado hace muchos años por los campesinos, llamado Caspiguitarra, caspi en quichua quiere decir palo por lo tanto la traducción al español de su nombre sería guitarra de palo. Este sencillo instrumento consiste en una madera plana con un mástil con trastes, similar al de una guitarra. Tiene un encordado de seis cuerdas, las cuales se afinan con un rudimentario sistema de clavijas de madera. Según cuenta la historia, Elpídio presentó su réplica de la caspiguitarra en un programa de radio y una señora que escuchó la audición le acercó una calabaza grande que había crecido en su casa pensando que él le podía dar una utilidad. La caspiguitarra originariamente no tiene caja de resonancia por lo cual imagino que su sonido debe ser bastante bajo. Elpídio encontró en la calabaza de su vecina el material perfecto para construir una caja de resonancia para la caspiguitarra. Esta búsqueda fue el primer paso para la creación de la sachaguitarra, nombre que sugiere Sixto Palavecino para este nuevo instrumento. Sacha en quichua significa del monte, por lo tanto su nombre en español es guitarra del monte.

Pero las transformaciones no terminaron ahí. A la altura de la quinta cuerda Elpídio realizó una perforación en la tapa. Esta perforación permite la entrada y salida de un pequeño arco con cerda de crin de caballo que se sujeta con los dedos. Con la sachaguitarra estamos en presencia de un cordófono del cual se puede obtener sonido frotándolo como un violín, o punteándolo y rasgándolo como una guitarra. Esto permite al músico arrancar de este instrumento una gran variedad de timbres y sonidos que Elpídio siente propios de su paisaje y como dice en esta entrevista al diario La Nación “…la sachaguitarra me da la posibilidad de asemejarme mucho a aquello que uno pretende imitar que es el propio monte, el propio paisaje.”

Lo que más me gusta de la historia de Elpidio y la sachaguitarra es su afán por investigar, por intentar llegar a ese sonido que lleva en su memoria o del cual le hablaron. Animémonos a imitarlo, quedan muchos sonidos por descubrir.

Casos y Letras: Jesús Lara

2011-12-08T22:00:00.000-03:00

Por M. Emilia Sganga

El poeta que reescribe la historia, que la hace visible en la letra y que desde allí nos conecta con ese “otro” desconocido (no arbitrariamente).

Así se nos presenta Jesús Lara, como aquel poeta y novelista boliviano que convirtió su obra en una lucha política. Desde esa perspectiva que afirma que el arte y la política no van por caminos separados.

Jesús Lara nació en el pueblo de Muela (hoy Municipio de Villa Rivero), Departamento de Cochabamba el 1° de enero de 1898.

A sus 13 años comenzó a escribir poesías en las que sus paisajes cotidianos aparecían como protagonistas. Al poco tiempo ingresó al grupo cultural Ateneo de Estudiantes, donde fue fortaleciendo su formación literaria. A los veinte años recibió un premio municipal con su poesía titulada “Visionario”, este reconocimiento le brindó seguridad para continuar por el camino de la escritura.

Para 1921 publica su primer libro de poemas Cantigas de la Cigarra, y luego vendrá El Monte de Myrra. En 1927 realiza un viaje que marcará el resto de su obra, cuando visita las ruinas de Incallajta, comienza a enfocar todo su caudal creativo en los pueblos originarios, en los quechuas. De esta experiencia nace Viaje a Incallajta y Katira y Ariwaki (canciones del poeta). Esto se convertirá en una constante en su obra, sus experiencias y sus luchas personales y políticas comienzan a transformarse en poemas y novelas que irá publicando.

Al poco tiempo se casó, tuvo su primera hija y partió para la guerra del Chaco, a la que se incorporó como parte del ejército. Esta experiencia se convirtió en la publicación de su diario de campaña “Repete”.

Se dedicó al periodismo durante varios años y además se desempeñó como profesor en la Universidad de San Simón.

En 1943 editó su primera novela: Surumi, se trata de una novela indigenista donde traza una relación con lo que vio y vivió en torno al conflicto chaqueño.

Dos años más tarde publicó en Buenos Aires y en México La Poesía Quechua un ensayo y antología, producto de una exhaustiva investigación en ese campo. En esta misma línea publicó también Literatura de los Quechuas (1961) y los dos tomos de La cultura de los Incas (1966).

Decide ingresar al Partido Comunista en 1952 (hasta 1969), desde donde comienza a militar de manera partidaria, realizando viajes a Cuba, la Unión Soviética y China. De este viaje surge su poemario Flor de Loto dedicado a las mujeres chinas.

En 1971 publica el diccionario Quechua – Castellano y Castellano – Quechua.

Escribió y publicó varias obras que fueron traducidas a diversos idiomas como alemán, ruso, checo, polaco y húngaro, de hecho fue el escritor boliviano que más traducciones mereció.

Otra de sus obras dedicada a la cultura quechua fue Mitos, Leyendas y Cuentos de los quechuas (1973). De manera antológica recopila mitos como el de la Creación del Hombre o las cuatro edades del mundo, o la leyenda del origen de los reyes Inkas o el cuento del Cóndor raptor.

También publicó autobiografías como Paqarin (amanecer), Sasañan (difícil camino), Wichay Uray (cuesta arriba – cuesta abajo) y Wiñaypaj (para siempre) autobiografía, que se publicó luego de su fallecimiento.

El 17 de julio de 1980 se produce el Golpe de Estado de García Meza, tras lo cual Jesús Lara pasa a la clandestinidad. Al poco tiempo fallece, en Cochabamba a sus 82 años. Repasar su obra nos permite conocer a un artista que se ha dedicado a la literatura, la poesía, la investigación y la recopilación de diversas leyendas y mitos quechuas, como parte de su propia lucha política.

TIEMPO FLORIDO – Jesús Lara

Tiempo florido era en verdad, tiempo florido, gozo de Pachamama

los Aukis, trayendo el día en las frentes

y las Ñust`as, con todos los imanes de la luz y de la sombra,

habian llegado a la orilla de las promesas

y era hora de que comenzara el Raymi

no estaba lejos la pampa del Raymi

y por mis ojos pasaba el camino

por donde se acercaba Pachamama

Qoya vestida de divinidad,

Qoya de manos siempre llenas de dones,

Pachamama paso.

La vi pasar, cabellera de cielo,

frente de sol, pechos de cumbre

la vi pasar ansiosa de llegar a tiempo.

La vi pasar alzando polvo de palomas.

Yo tenia los pies atados en una cadena

de cuatro siglos.

Yo tenia las manos amarradas a una servidumbre

de cuatro siglos

Me separaba de ella una muralla, haz de cruces

de cuatro siglos.

Solo la vi pasar, Qoya vestida de divinidad,

Qoya de manos siempre llenas de dones.

Tejiendo danzas de alabanzas

por sus costados ondulaba el agua.

Delante de ella y con la frente en tierra,

el viento tendia alfombras de oro y plata

detras de ella, los pájaros marchaban

tañendo los Wankares en la mañana

iba de prisa Pachamama

y estaba a punto de empezar el Raymi.

En su ansiedad se desgranaban las estrellas de su cuello.

sobre las hierbas

y enredadas quedaban en los árboles

las bandadas de mariposas de sus ojos

la vi perderse a la orilla del rio

me separaba de ella una montaña

de cuatro siglos.

Pero el viento me trajo el embrujo del Raymi

y en el llegome el fresco aliento de Pachamama.

Mi corazon se convirtió en antara

y se puso a soñar fuentes de wayñus.

Tiempo florido era en verdad

Tiempo de florecer. Tiempo de amar.

_____________________________________

Glosario

Jamanq'ay = Planta ornamental de flores blancas grandes y muy fraganciosas.

Pachamama = Divinidad que en la teogonía Inkaica representaba la tierra.

Aukis = Príncipes, Infantes.

Ñust'as = Princesas, Infantas.

Raymi = Fiesta. Solemnidad, Celebración Religiosa o de otro Género.

Qöya = Reina Emperatriz.

Wankares = Tambores, Instrumentos musicales de perusión.

Antara = Zampoña, Instrumento musicale de viento.

Wayñus = Danza muy movida ejecutada colectivamente por parejas asidas por las manos.

Lo que suena en la semana del 1ro de Diciembre

2011-12-01T22:02:00.000-03:00

Instrumentos Clandestinos: La Zanfona

2011-12-01T22:01:00.000-03:00

Por Mario Efron

En el universo de los instrumentos musicales muchas veces nos encontramos con ejemplares donde se intenta implementar una tecnología simple, o no tanto, que nos permita sistematizar algunas acciones vinculadas con la producción del sonido. Un ejemplo pueden ser los fuelles del armonio que mediante un sistema de pedales insuflan aire a los tubos del instrumento. Otro caso puede ser la pianola en la cual un complejo mecanismo interpreta las perforaciones de una cinta para que el piano “toque solo”. Uno de estos casos interesantes es la zanfona. Se trata de un cordófono de cuerda frotada, cuya forma puede remitirnos a la de un violín, pero en este caso, no es un arco el que frota las cuerdas sino una rueda accionada con una manivela. Esta rueda suele ser de madera y se la impregna con resina para lograr una correcta frotación de las cuerdas. En las zanfonas modernas las cuerdas son de metal y pueden variar su cantidad dependiendo del modelo de instrumento. Lo más común es que cuente con dos o tres cuerdas para hacer la melodía y otras dos que producen un sonido constante cumpliendo la función de pedal. Para variar el largo de las cuerdas y así producir las distintas notas, la zanfona cuenta con un sistema de teclas que presionan las cuerdas. Estas teclas suelen estar divididas en dos hileras, una para las “notas naturales” o las teclas blancas del piano y otra para las alteraciones. Esto lo convierte en un instrumento cromático con una extensión de dos octavas completas.

El antecesor de la zanfona es el organistrum, un instrumento utilizado en el Medioevo para acompañar música religiosa. Su nombre probablemente es un derivado de un estilo de canto polifónico muy utilizado en esa época llamado organum. Esta forma musical consiste en un canto a dos voces paralelas a distancia de quintas. Con el uso del organistrum era posible conseguir esta armonización en un instrumento musical.

Este antecesor era mucho más grande que la zanfona actual, podía llegar a medir hasta dos metros de largo y para tocarla era necesario contar con dos ejecutantes, uno para hacer girar la rueda que frota las cuerdas y otro para accionar el mecanismo que cambia la altura de las notas. Este mecanismo era un poco más rudimentario que el usado actualmente y las cuerdas del organistum no eran de metal sino de tripa.

En el siguiente video podemos ver y escuchar una zanfona. Es interesante prestar atención al efecto que producen las cuerdas que cumplen la función de pedal junto con las cuerdas melódicas, no es de extrañar que el sonido de la zanfona remita al de una gaita.

Casos y Letras: Condesa de Día

2011-12-01T22:00:00.000-03:00

Por M. Emilia Sganga

A finales del siglo XII comienza a gestarse en la nobleza un ideal de vida relacionado con el refinamiento. Así la cortesía y la proeza de los caballeros se convierten en valores fundamentales de este universo. Poco a poco la cortesía se convierte en un culto al amor. De esta manera son los trovadores, poetas y músicos en lengua occitana, quienes se convierten en los precursores de una nueva forma de amar, de una concepción del amor como amor prefecto. Este ideal es fundamento de virtudes morales y sociales, reservados a la nobleza.

La poesía de los trovadores se define como canto y su forma más acabada es la canso, cuya temática se repite y gira siempre en torno a la petición del poeta a su amante y a la demostración de amor y súplica.

Si bien los trovadores de esta época fueron en su mayoría hombres pertenecientes a la nobleza, existieron también las trobairitz, quienes fueron la contrapartida femenina de los trovadores.

El término “trobairitz” fue acuñado en el siglo XII y proviene de la palabra provenzal “trobar”. Las trobairitz eran compositoras y poetisas que desplegaban su arte en las cortes occitanas de los siglos XII y XIII. Constituyeron el primer ejemplo en la Historia de la Música occidental de mujeres dedicadas a la música profana. En el caso de los trovadores, éstos podían ser de origen humilde, sin embargo las trobairitz eran de origen noble y estaban casadas con importantes nobles de ámbito provenzal.

Es necesario recordar que por entonces, en el Sur de Francia, se permitía cierta independencia económica de las mujeres de la nobleza dado que regía un sistema legal que permitía a las mujeres heredar propiedades y así, podían hacerse cargo de los bienes familiares en la ausencia de sus maridos.

Dentro de este grupo de trovadoras, una de las más renombradas fue Beatriz de Día (o la Condesa de Día), quien fue hija del Conde Isoardo II de Die (sur de Francia). Vivió entre los años 1140 y 1173 y estaba casada con Guillem de Poitiers, Conde de Vienne, quien además fue uno de los primeros y más consagrados trovadores de la época.

Una de las peculariedades de las canso de la Condesa de Día fue su obsesivo amor hacia el trovador Raimbaud de Orange (1146-1173), al que le dedicó varias de sus composiciones.

Lo que sus canciones van logrando es comenzar a resquebrajar la figura de la mujer como esclava de su marido, y comienza a aparecer su voz, donde declara abiertamente su amor adúltero, trágico y prohibido. Una de las canciones de las que se ha mantenido registro hasta hoy, es Ahora deberé cantar lo que no quería, una canción donde tematiza el amor no correspondido, el rechazo que sufre por su amante. Es una canción donde la tobairitz se dirige a él directamente. En esa obra aparecen los rasgos principales de lo que nombrábamos más arriba sobre este universo de cortesía, como la belleza, el valor, el juicio.

La “Condesa de Día”, escapa de las voces anónimas, de la pasividad y del silencio que caracterizaba a la figura femenina de la época, volviéndose transgresora, descarada y al mismo tiempo sutil. Fue una de las grandes trovadoras, una voz del medievo, que nos abre una nueva puerta en la poesía, dando lugar a la voz y a la creación poética femenina.

A continuación compartimos su canción Ahora deberé cantar lo que no quería, la única pieza trovadoresca de autoría femenina cuya música sobrevive intacta.

“Ahora deberé cantar de lo que no querría” – Condesa de Día

Ahora deberé cantar de lo que no querría,

Tanto me lamento del que no soy amiga,

Pues le amo más que a cualquier cosa en el mundo

Pero no valen ante él ni la piedad ni la cortesía

Ni mi belleza ni mi valor ni mi juicio,

Porque soy engañada y traicionada

Como sucedería si fuera poco agraciada.

Me conforto pensando que jamás y de ningún modo

Cometería equívoco hacia vos, amigo,

Sino que os amo más de lo que Segui amó a Valensa,

Y me agrada venceros en amor,

Amigo mío, porque sois el mejor;

Sois orgulloso conmigo en las palabras y en los modos,

Mientras que os mostráis amables con todos.

Me sorprende como hacia mí vuestro corazón se muestra duro,

Amigo, por lo que tengo razón para dolerme;

No es justo en absoluto que otro amor os aparte de mí,

Sea lo que sea lo que os diga o conceda;

¡Y recordad cuál fue el inicio de nuestro amor!

El Señor Dios no quiera

Que sea mía la culpa de la separación.

La noble virtud que habita en vuestro corazón

Y el alto valor que poseéis me intimidan,

Pues no conozco dama cercana o lejana,

Que, dispuesta a amar, no sea atraída por vos.

Pero vos, amigo, tenéis tanto juicio

Que bien debéis conocer la más perfecta;

Y acordaos de vuestro pacto.

Deben ayudarme mérito y nobleza

Y la belleza y aún más la sinceridad de ánimo,

Por ello os mando allá donde moráis

Esta canción, que sea mi mensajera;

Y quiero saber, mi gentil y bello amigo,

Por qué sois tan altanero y cruel conmigo:

No sé si por orgullo o mal talante.

Más aún quiero que os diga el mensajero:

Por demasiado orgullo mucha gente ha sufrido gran daño.

Los que suena en la semana del 24 de Noviembre

2011-11-24T22:01:00.000-03:00

Nicolas Krasik - Pret A Porter De Tafetá
Hamilton De Holanda - Hermeto Ta Brincando
Ricardo Herz - Mourinho
Siba & Roberto Correa - Caninana Do Papo Amarelo
Siba E A Fuloresta - Canoa Furada
Iana Rennó -Bamba Queré
La 33 - Pantera Mambo
Mamajulia Y Los Sonidos Ambulantes - Chontaduro Maduro
Dumisani Maraire & Ephat Mujuru - Chemuntengure
Samaita - Shumba
Mude - Nyamaropa, Taireva, Whistling
Caution Shonai & Erica Azim - Nyamaropa
Joe Troop - Pal Que Se Va

Entrevista Exclusiva A Totó La Momposina

Casos y Letras: Nisia Floresta

2011-11-24T22:00:00.001-03:00

Por M. Emilia Sganga

Retomar las letras escritas en otros tiempos nos permite trazar puentes con actuales luchas y reivindicaciones. Es parte de este recorrido tener en cuenta lo antes dicho, presente en lo que hoy decimos. Releer, reescribir y volver a contar.

Nos centraremos aquí en parte de esas prácticas, recorriendo la vida y la obra de Nísia Floresta, una de las intelectuales brasileñas más importantes del siglo XIX. Fue una educadora, ensayista, poeta y activista política. Su vida y su obra pueden ser enmarcadas como una parte importante del desarrollo del pensamiento feminista en Brasil.

Nacida el 12 de octubre de 1810, en Papari, departamento de Rio Grande del Norte, en el noreste de Brasil.

Con solo 13 años contrajo matrimonio con un terrateniente de la región, pero a los pocos meses se separa. Esto significó un fuerte enfrentamiento con los principios entonces imperantes, donde de ninguna manera era aceptable la separación luego del casamiento. Así cayó un enorme peso en su espalda, siendo tildada por su entorno como una “rebelde”.

Al poco tiempo se traslada a Pernambuco junto con sus padres, primero residen en Goiana, después Olinda y finalmente en el Recife, ciudad capital y principal centro de desarrollo económico y cultural en el noreste de Brasil.

Para 1828, teniendo 18 años, toma otra decisión trasgresora y “escandalosa”, al irse a vivir con un académico de la Facultad de Derecho, Manuel Augusto de Faria Rocha con quién tuvo dos hijos

Su dedicación a la escritura comenzó en 1831, cuando comenzó a publicar artículos sobre la condición femenina en diversas culturas. Esas notas fueron publicadas en la revista “El espejo de las brasileras”. Desde entonces militó por la emancipación de la mujer, convirtiéndose en la primera periodista mujer de la región.

En 1832 publicó su primero libro Derechos de la mujeres e injusticia de los Hombres, se trató de una versión libre adaptada a las necesidades y problemáticas de las mujeres de su país, basada en una obra de la americana Mary Wollstonecraft. Este primer libro lo firmó bajo el seudónimo de Nísia Floresta Brasileira Augusta.

En 1833 se mudan a Porto Alegre, donde nace su hijo y siete meses más tarde su marido muere repentinamente. Por entonces se dedica con mayor ímpetu a la escritura y al magisterio. Comienza a gestarse la Revolución Farroupilha, en Porto Alegre, que pretendía transformar el sur en una nación, un estado independiente del gobierno central brasileño. En ese clima de tensión, Nísia decide mudarse a l Rio de Janeiro en 1837.

Al poco tiempo inaugura el Colegio Augusto, donde se brindaba a las estudiantes mujeres el mismo currículo de los colegios para varones.

Nísia trabajó firmemente en la reivindicación de la igualdad de derechos en la educación.

En su escuela, las niñas aprendían matemáticas, ciencias naturales, portugués, literatura. Siendo la famosa materia ‘economía doméstica’ erradicada de su currículum.

Otras de sus publicaciones fueron La Joven Completa y Fany o El Modelo de las Doncellas y Consejos a mi hija (1842), donde postula la necesidad de educar a las mujeres, en busca de su propia emancipación.

En 1848 publica el poema Lágrima de un Caeté compuesto de 712 versos, en los que tematiza sobre la degradación y la esclavitud de los indígenas brasileros, colonizados por el hombre blanco. En esta publicación relata el drama vivido por los liberales durante la Revolución Praieira reprimida en Pernambuco en febrero 1849. Es por tocar estos temas y construirlos en letra escrita, por lo que se la considera la pionera de la literatura indigenista brasilera, al defender ideas liberales republicanas en un país dominado por Monarquía Imperial.

Para 1856 se embarca hacia Europa, recorriendo varios países y escribe diversos libros que son publicados en Italia, Francia e Inglaterra, entre ellos La Mujer (1859).

El 24 de abril de 1885 Nísia Floresta fallece en Rouen, Francia. En 1954, el gobierno construyó un mausoleo para ella, en Papari su ciudad natal, que en esa época ya había pasado a llamarse Nísia Floresta en su homenaje.

En su libro Lágrima de um Caeté los indígenas son retratados como oprimidos por el blanco invasor, haciendo hincapié en la resistencia de éstos contra la colonización portuguesa:

Hierro nos trajo / Fuego, truenos / Y de

cristianos / Los corazones // Y sobre nosotros /

¡Todo arrojó! / ¡De nuestra tierra / Nos despojó!

Totó La Momposina visita la Argentina

2011-11-24T22:00:00.000-03:00

Anticipando su visita a Buenos Aires el 6 de diciembre Nicolás Falcoff entrevistó a Totó La Momposina .

Aquí un adelanto de lo que podrás escuchar próximamente en Sonidos Clandestinos.

Lo suena en la semana del 17 de Noviembre

2011-11-17T22:30:00.000-03:00

Toumani Diabate´S Symmetric Orchestra - Africa Challenge

Tinariwen - Assouf

Djanbutu Thiossane- Ngem

Cheikh Lo - Ne La Tiass

Novalima - Festejo

Bernardo Monk - Afrotango

Patato - Guiro Para Oggun

Invitado Especial En Vivo: Cuarteto M´Biguá

Instrumentos Clandestinos: La Tarka

2011-11-17T22:01:00.000-03:00

Por Mario Efron

En varias oportunidades he hablado de flautas. En esta columna, y hoy, aunque no lo parezca, también lo voy a hacer. La tarka es una de las flautas que menos se parece a la imagen mental que tenemos cuando hablamos de este tipo de instrumento. Yo toco tarka y más de una vez me ha pasado que la gente me pregunte ¿qué es eso, la pata de una silla o de una mesa? Es que la tarka está construida con una madera de entre 50 y 60 centímetros de largo de sección cuadrada, muy similar a la pata de una silla. De la mitad hacia abajo una de las caras de la madera se encuentra tallada en forma de media caña. Es en este lugar donde se excavan los 6 orificios de digitación. Se trata de orificios equidistantes de aproximadamente un centímetro de diámetro.

Un tema aparte en la tarka es la embocadura. En principio posee las características típicas de una flauta de pico con canal de insuflación, pero en este caso, este canal se construye con una pieza de madera muy pequeña y en forma de “T”. Su colocación en el lugar exacto es fundamental para que el instrumento suene, lo que llama la atención es que no se encuentra adherida sino que se coloca a presión y suele salirse los días de clima seco o si no se toca la tarka por mucho tiempo. Que esta embocadura se mantenga húmeda, es una condición muy importante para su correcto funcionamiento, seguramente es por este motivo que antes de comenzar una Tarkeada (así se llama a la música tocada con tarka) los músicos challen las embocaduras. Para los que no entienden de qué se trata esto, challar es derramar una bebida alcohólica sobre un objeto o más comúnmente sobre la madre tierra o Pachamama, es una acción que se realiza con un sentido de ofrenda o adoración pero que resulta funcional a la correcta sonoridad de esta flauta.

Como muchos otros instrumentos de la región andina, se trata de un instrumento de uso colectivo. Un conjunto de tarkeros suele estar compuesto por un mínimo de veinte músicos. Cada conjunto tiene su propia tropa, que es como se llama al grupo de instrumentos. Generalmente, estas tropas cuentan con dos modelos distintos de tarka, uno más grande, que puede llegar a medir hasta 70 centímetros de largo, y otro más pequeño, afinado una quinta justa arriba de la anterior. Ambos tipos de tarka tocan la melodía simultáneamente formando una armonización de quintas paralelas.

La sonoridad de este aerófono genera amores y odios. Se trata de un instrumento muy estridente, concebido para tocar al aire libre en épocas de carnaval. Pero probablemente, lo que más llame la atención, es que el músico provoque un batimento constante al momento de tocar. Esto quiere decir que haga sonar simultáneamente la nota fundamental y los armónicos naturales de un tubo resonador. Particularmente a mí me resulta una búsqueda muy interesante que le da una característica muy particular desde lo tímbrico a la música de tarka.

Para acercarnos un poco a esta sonoridad los invito a ver el siguiente video donde podemos escuchar a un conjunto de tarkas de Huancané a orillas del lago Titicaca, en la provincia de Puno, Perú.

Casos y Letras: Birago Diop

2011-11-17T22:00:00.000-03:00

Por M. Emilia Sganga

Desde Senegal se nos aparecen tradiciones contadas, traducidas y recreadas, en otra lengua y en otro tiempo, pero que se vuelven presente. Realizando así un viaje por las letras escritas que intentan retomar la oralidad, y es en esa misma traición del traductor donde aparece una nueva obra que intenta acercarnos a una cosmovisión, no tan lejana y muy presente.

Dedicarnos en este apartado a la obra de Birago Diop, nos lleva a retomar algunos de sus caminos para, desde allí, recorrer su pasado y una parte de la historia contada desde sus propias letras.

Este poeta y narrador senegalés, nació en Ouacam (en las cercanías de Dakar), en una familia de la etnia Wolof, etnia principal de Senegal, cuya lengua es la más hablada en el país, a pesar de que el idioma oficial es el francés.

Birago Diop cursó el bachillerato en Senegal y luego viajó a Francia, especializándose en veterinaria. Profesión que realizó durante varios años en Alto Volta (actual territorio de Burkina Faso).

Paralelamente a su consagración en estudios veterinarios, comenzó a dedicarse a la escritura de fábulas y cuentos tradicionales de Senegal, como así a la escritura poética en lengua francesa. Junto a su compatriota Leopoldo Senghor, fue uno de los promotores activos del movimiento de la negritud. Algunos de sus poemas fueron publicados en una Antología de poesía negra, editada por Senghor, que constituyó un hito de la literatura africana moderna.

Durante la segunda Guerra Mundial y ante la imposibilidad de regresar a Senegal, Birago Diop se dedicó a realizar la escritura de cuentos tradicionales africanos. Así fue recuperando los relatos que escuchó durante su infancia del narrador e historiador oral de la etnia Wolof, Amadou Koumba y que fueron fundamentales para su obra. La recuperación de esos cuentos daría forma a sus libros más conocidos: Los cuentos de Amadou Koumba (1947) y Los nuevos cuentos Amadou Koumba (1957), así como Cuentos de Awa (1977).

El mismo Birago Diop comenta que la recreación de estos cuentos y fábulas le permitió un retorno fugitivo al pasado reciente que atemperaba el exilio “suavizando por un instante la nostalgia tenaz, y devolvía las horas cálidas y calurosas que solo se aprende a apreciar cuando se está lejos” (de Los cuentos de Amadou Koumba, escrito por Birago Diop). Desde estas fábulas, que le fueron contadas desde pequeño, él las fue transformando en obras escritas, jugando con los ritmos y las repeticiones que van creando sonoridades y cadencias en el propio relato. Son esos ritmos los que van provocando el desarrollo de las historias, el pasaje de las escenas y que al mismo tiempo crea efectos cómicos, rituales y que presenta a los personajes desde el animismo (presente también en sus poesías). La obra literaria y poética de Birago Diop fue siempre fiel a la tradición oral que mezcla humor y realismo.

En 1960, Diop envió una selección de algunos de sus poemas a la revista francesa Presencia Africana, una publicación especializada en la difusión cultural y artística del mundo negro. Esto lo llevó a publicar su libro de poemas Sueños y fulgores, lo que contribuyó a difundir su nombre y su obra por Europa.

Su formación en veterinaria, le permitió viajar por el África del Oeste en tiempos de la colonización francesa. Luego de la independencia de su país (1960) fue nombrado embajador en Túnez.

En 1989, fallece en su país natal, sin embargo su obra permanece vigente en la recuperación de la oralidad, convertida en letra escrita, que nos permite tender un puente con algunas de las fábulas y cuentos de Senegal, retomando el animismo, dotando cada ser y cada elemento de vida, los mimetiza, recreando juegos satíricos e irónicos sin separarse nunca de su pueblo natal y de las historias que lo cuentan.

Los muertos nunca están muertos (fragmento) – Birago Diop

Aquéllos que han muerto no se han ido del todo.

Están en las sombras que nos cercan.

Están en las sombras que se desvanecen con el día.

Están en los árboles que se estremecen.

Están en los bosques que derraman sus lágrimas.

Están en las aguas de los ríos.

Están en las aguas dormidas.

Están entre las gentes.

Están en las casas.

Los muertos nunca están muertos.

Díptico - Birago Diop

El sol colgado de un hilo

en el fondo de la calabaza

teñida de índigo,

hace hervir la olla del día.

Asustada por la proximidad

de las Hijas del Fuego

la sombra se esconde

al pie de las estacas.

La sabana es clara y cruda,

todo es terso, formas y colores.

Pero en los silencios angustiosos

hechos rumores,

de ruidos ínfimos,

ni sordos ni agudos,

surge un misterio denso,

un misterio sordo y sin contornos

que nos rodea y nos asusta.

El taparrabo oscuro

claveteado con clavos de fuego

tendido sobre la tierra

cubre el lecho de la noche.

El perro aúlla, el caballo relincha,

el hombre se echa en el fondo de su choza.

La sabana es sombría,

todo es negro, formas y colores.

Pero en los silencios angustiosos

hechos rumores

los senderos intrincados del misterio

se aclaran lentamente

para los que se fueron

y para los que han vuelto.

Lo que suena en la semana del 10 de Noviembre

2011-11-10T22:05:00.000-03:00

Dona De Lory – “Om Nama Shivaya”
Pandit Jasraj – “Raga bilakshani todi”
Uma Mohan – “Shiva panchakshara”
M S Subbulakshmi – “Mela ragas”
Steve Tibbetts y Choying Drolma - “Vakritunda”
Yungchen -“Ranzen
Hanggai -“My tabouxiaor”
Renato Motha – “Wahe guru wahe jio”
Atman - “Dancing with the goddess 2”

Instrumentos Clandestinos : La Veena

2011-11-10T22:02:00.000-03:00

Por Mario Efron

La riqueza cultural, y específicamente musical de la India, se ve representada también en los instrumentos musicales, ya lo hemos comprobado en otras columnas y lo volvemos a comprobar con el instrumento del cual hablaremos hoy, La Veena.

La Veena es un coordófono del sur de India y se trata de un instrumento rico en sonoridad y en simbolismos.

Hace unos días tuve la oportunidad de entrevistar a Leo Fernández, un músico argentino que se ha dedicado al estudio de este instrumento.

Entrevista a Leo Fernandez - Parte 1 by Mario Efron

En la segunda parte de la entrevista Leo Fernández nos cuenta cómo fue su acercamiento al instrumento y su proceso de aprendizaje en India.

Entrevista a Leo Fernandez - Parte 2 by Mario Efron

Quienes quieran escuchar a Leo Fernández en vivo pueden acercarse el día 3 de diciembre a las 18 hs a la Fundación Hastinapura ubicada en Paraná 980, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

También pueden comunicarse con él para tomar clases llamando al 15 5739 4371.

En el siguiente video podemos escucharlo interpretando en veena “Majagana Pati”.

Sabores Clandestinos: Tibet

2011-11-10T22:01:00.000-03:00

Por Hernán Navarro

La cocina del Tíbet está basada en la subsistencia y en el escaso consumo de carne. No obstante, la fuerte deforestación que viene sufriendo el territorio, debido a la explotación de diversos recursos naturales, provoca que el desarrollo de los cultivos se vuelva cada día más delicado.

Entre los cereales y verduras con mayor desarrollo en la región se encuentran el trigo, el maíz, la cebada y el arroz, entre otros. Por supuesto que el té también conserva un lugar destacado, teniendo en cuenta que esta planta se utiliza tanto para el consumo diario como para tratar enfermedades disímiles. Cabe destacar que en el Tíbet existen alrededor de 2 mil especies de plantas.

Tsampa, es la receta que mejor representa a los tibetanos. Se trata de una bola de harina de cebada -aunque suelen utilizarse también de trigo y arroz-, creada por los sherpas, pobladores del Himalaya. Ya queda dicho: es importante tener en cuenta las limitaciones que este pueblo suele encontrar para el sustento, debido a la gran escasez de alimentos y las dificultades para producirlos. Es por eso, y debido a las difíciles condiciones meteorológicas y geográficas, que con frecuencia los pobladores llevan en sus bolsos un mendrugo de pan para extirpar un pellizco de tsampa y así poder zacear el hambre.

Otro alimento a destacar es el Thukpa, una sopa de fideos y vegetales de origen nepalí que suele prepararse también en algunas provincias indias y en el Reino de Bután. En general, se acompaña con carne de cerdo o yak, pero como se trata de tibetanos, es posible que en muchas oportunidades los comensales prescindan de este elemento cárnico. Con frecuencia, los pobladores del suroeste chino preparan, además, los momos, unos buñuelos a base de verdura y carne.

La bebida tradicional del Tíbet es el té salado, con ghee o manteca de yak, al que se le suele llamar Po cha o Sutschia. Esta infusión no sólo sirve como acompañamiento en las comidas, sino que además aporta valiosos nutrientes y calorías para soportar las bajas temperaturas y los más de 4 mil metros de altura. Puede ser preparado tanto con té verde o rojo, para luego ser emulsionado con la manteca y la sal. También, el chang, similar a una cerveza preparada con cebada, forma parte de esta gastronomía que a pesar de sus limitaciones, no deja de ser interesante.

Casos y Letras: Mudnakudu Chinnaswamy

2011-11-10T22:00:00.000-03:00

Por M. Emilia Sganga

La palabra, nos aleja y nos acerca, puede ser un puente o un obstáculo. Reconocerlo desde el principio, desde el mismo momento en que uno escribe, es parte de atravesar estas opciones. Con éxito o no, uno sabe que escribir es lanzar al infinito la letra, sin conocer nunca, qué hay del otro lado ¿Cuál es la otra cara de la letra? ¿Y si no hay otra cara? Pensar la letra como una y contradictoria, es lo que nos permite desde aquí adentrarnos en ese camino infinito, inconstante e irreverente de “no saber” que hay más allá de ella.

Y es esa letra la que nos acerca a espacios lejanos pero no desconocidos. Poetas, escritores que van trazando, no un camino, sino múltiples y que nos proponen, sobre todo, la letra abierta.

Así llegamos a la India, largo viaje, y aquí estamos, aquí y allá, llegamos.

En esta ruta, hacemos una parada en Karnataka, un pueblo al sur de la India, y nos centramos en el poeta Mudnakudu Chinnaswamy, quien nació allí en 1954. Se lo considera miembro de una nueva generación de poetas que escriben en kannada, lengua oficial del estado Karnataka .

Chinnaswamy pertenece a ese estrato de la sociedad hindú, por debajo de todos y considerado como “fuera de las castas”, llamado en el pasado "intocable", porque un hindú de casta, sobre todo un brahmin, que tocaba, aún sin querer, un individuo de esa comunidad, se “contaminaba”.

Frente a esta situación, el poeta comienza a escribir, tomando como principal recurso su propia experiencia de vida, convirtiéndose en una denuncia de las opresiones vividas por él y que intenta hacer letra para salir a la luz. Convierte en imágenes las palabras, describiendo situaciones cotidianas, cuerpos sufrientes, lágrimas, sangre y elementos físicos que empiezan a aparecer en su poesía entablando analogías entre los cuerpos sufrientes y la sociedad toda, construyendo en sus poemas un clima denso, donde la palabra hiere y duele.

Poeta que logra jugar con los sonidos, con las resonancias de su idioma, criticando la búsqueda de la “poesía pura”, Chinnaswamy toma su obra como responsabilidad hacia su pueblo. La crudeza aparece tematizando la pobreza de los campesinos, los “intocables”, contra su explotación y discriminación, muchas veces criminal, que se practican contra ellos. Logra jugar con elementos de su ambiente, con elementos naturales, el sol y la luna como esclavos, y la poesía personificada por él mismo, para reflexionar sobre ella (y sobre él mismo).

Reconoce como influencia en sus poemas, los escritores negros de los Estados Unidos y sobre todo, los vachanas, poemas metafísicos compuestos por los protagonistas de un movimiento del siglo XII que buscaban abolir las jerarquías de la sociedad de castas, sobre todo la tiranía de los sacerdotes brahmin. En esos poemas la aspiración hacia la igualdad y libertad de todos encontraba su correspondencia literaria en un lenguaje muy directo, aunque con juegos de aliteraciones, forma libre e imágenes llamativas.

Actualmente Chinnaswamy es director de la corporación de tránsito de la ciudad de Mysore, pero su obra poética ganando lugar. En relación a su propia trayectoria, el poeta recuerda: “La pobreza y el analfabetismo son el background inevitable de todo dalit [educado] de primera generación en la India. Así fue el mío. Mi padre, aunque tenía un puesto menor con el gobierno (fue agente de policía), nos abandonó en el pueblo. Tuve que completar mi educación formal, hasta el liceo, estando en pueblos. Hice el colegio preuniversitario en Mysore y me gradué (Licenciado en Comercio) a la edad de 19 años. Quería seguir y hacer el posgrado pero mi padre manifestó que no podía apoyarme y me obligó a trabajar en lo que pudiera. En efecto trabajaba a medio tiempo para mantener toda la familia mientras terminaba los estudios (además de lograr el posgrado en comercio, Chinnaswamy lo completó también en la literatura de su idioma). "Es común en la India que un hombre de casta baja sufra humillaciones insultos. Como persona sensible me afectaban íntimamente. El dolor y la penuria hicieron de mi un poeta. Cuando empecé a escribir no tenía ningún otro escritor como modelo; yo era un principiante no académico. Sin embargo observaba con atención los movimientos dalia que se desarrollaban en los años setenta en Karnataka, por el estilo de la literatura negra, y los "pantera dalit" de Maharastra. Había leído algunos poemas de protesta de idioma Telugu, en traducción. Tenía mi propia gramática, pero la experiencia fue el ingrediente principal. Es por eso que mi poesía evadía la imitación. Más tarde obviamente los vachanas han llegado a ser un factor de gran influencia en mi ideología."

Letras, en este caso como puentes que nos conectan en un mismo mundo, compartir desde la poesía, lo infinito, lo irreverente de la letra escrita.

El esclavo romano y el peón contratado de Hangara Halli - Mudnakudu Chinnaswamy

Piel blanqueada por los golpes de la vara,

túnica hecha jirones,

cabeza rapada, espalda doblada y peor:

encadenado,

cuerpo torcido por el calor del fuego

pestañas oxidadas por el humo

envuelto en polvo de cantera –

una vieja película de Hollywood en blanco y negro

sintetiza el esclavo

del antiguo imperio romano:

el hombre era así.

En el largo viaje del tiempo

por todo lo que ha sucedido desde entonces,

como las máquinas, las matemáticas, la velocidad,

los satélites y el software,

con todos los que han venido y se han ido:

Mahavira, Buddha, Jesús, Mohamed,

Marx, Gandhi, Basava, Ambedkar;*

¿se ha purificado la mente?

La república democrática de hoy

es igual.

Vengan a Hangara Halli y vean

un cuadro idéntico a ese.

Otro estigma más, la intocabilidad,

está marcada sobre las viejas heridas,

tener prohibido usar calzones

es sal echada en las heridas.

Si se les escapa un quejido

mientras yacen encadenados

se les versa agua miel

en las heridas purulentas en sus piernas

y se deja las hormigas que trabajen.

LA VIDA ES ASÍ - Mudnakudu Chinnaswamy

Al graznido “ka ka”

de los cuervos se levanta

papá y dice

“mamá, veo blanquearse

el amanecer”.

Recoge su trapo de dormir

y se lo pone, piensa

podría perderse el becerro,

corre a la casa del amo.

Mi madre, su mujer

sale tras él,

limpia el establo,

unta con bosta fresca los pisos,

lava los dientes y se agacha

fuera

llenando un pliegue del sari

con las sobras de la casa.

Bajo el sol de mediodía

papá ara y siembra

y saca agua del pozo;

arroja gotas de sangre

convertida en sudor, y todo

para llenar el granero de otro.

Ordeñando los búfalos, pastoreando

las vacas y las ovejas,

llevándolas al agua, bañándolas,

ella misma sin refugio del sol

aguanta mi madre,

sin siquiera una taza de leche

para su propio hijo.

Los corderos se venden por collares

para el cuello de otra.

En la casa de ella

no hay becerro que brinque

ni vacas que meneen la cabeza cornuda,

no hay corredores para decorarlos con rangoli.

¡Pero qué devoción

a cosas que no le pertenecen!

Los cuerpos tan golpeados

por el mal genio del amo

y el egoísmo del ama

entran sosteniéndose en el rancho.

Mientras se duermen

un búho

dice “guk”.

Lo que suena en la semana del 31 de Marzo

2011-11-03T22:04:00.000-03:00

Programa Ya emitido

Paris Combo "Lettre a p..."
Watcha Clan "Balkan Qoulou"
Almamegretta "Sanacore"
Eugenio Benatto "Frontiere Antimusicale"
Etruria Banda Criminale "Tango Faleriano"
Theodosia Stiga "Ela Mia Nichta"
Savina Yannatou "Alta Es La Luna"
Oreka TX "Amazigh"
Fermín Muguruza "Baxua Eta Lurra"

Instrumentos Clandestinos: La alboka

2011-11-03T22:03:00.000-03:00

Adelanto de la entrevista a Mauro Telletxea, músico y luthier de alboka.
En breve la entrevista completa.

La alboka, entrevista a Mauro Telletxea by latitud34sur

Sabores Clandestinos - Francia

2011-11-03T22:01:00.000-03:00

Por Hernán Navarro

Queso, poesía,

Perfume de nuestras comidas,

Si no te tuviéramos,

¿Qué sería la vida?

(Félix María Samaniego, “El Cuervo y el zorro”)

Si hablamos de la cocina francesa es difícil comentar algo nuevo. Tal vez sea la cocina occidental más destacada del mundo. Los grandes vinos espumantes, el foie grass, la mostaza, los panes y pasteles y los quesos son el culto francés a la gastronomía. O tal vez el culto culinario a los franceses.

Hay quienes hablan de que Francia posee una variedad de 350 quesos; otros dicen que más de 500. Algunos se expresan orgullosos por tener un queso diferente para cada día del año. Este país europeo puede jactarse de ser el mayor productor de quesos en el mundo y de una calidad inigualable.

El general Charles de Gaulle –aunque nunca explicó por qué- decía que “no se puede gobernar un país con más de 200 tipos de quesos-. Y el jurista francés Anthelme Brillat-Savarin, quien fuera derrocado por la Revolución Francesa en 1792 por conservador, devenido en chef, con una frase claramente sexista reflejó el lugar que ocupaba –en contraposición con la mujer- este lácteo manjar dentro de la sociedad: “una comida sin queso es como una mujer hermosa a quien le faltara un ojo”. Hace apenas un siglo, comer queso en público no era digno de una mujer, a la que sólo le correspondía la pastelería.

En Francia los quesos pueden elaborarse con distintos tipos de leche: de vaca, de cabra y de oveja. A su vez pueden ser duros, semiduros, frescos y azules. Entre los más destacados están el Camembert, el Brie, el Gruyere y el Azul, al cual debido a su denominación de origen conocemos como Roquefort.

El Roquefort pica en punta como uno de los más destacados. Su precio es el más alto y su origen es el más antiguo: data del siglo XIV. El costo es elevado debido a los procesos que lleva realizarlo: la leche de cuatro razas diferentes de ovejas, Lacune, Lorzac, Segola y Causses; el cuidado en la colocación de las bacterias y sus respectivos análisis y las condiciones climáticas y ambientales en las que debe ser conservado.

Como en toda historia que nunca queda clara, de dice que el origen de este queso fue por causa del olvido de un pastorcito francés. Pero lo que sí es seguro que nació en la provincia de Aveyron, en la meseta de Causses de Cambalou, en el pueblo al que le debemos su nombre, Rochefort-sur-Soulzon.