SOSPECHOSOS CINÉFAGOS

VIERNES 13 (BLACK FRIDAY) (1940)

2013-05-20T07:44:00.003+02:00

La producción de Black friday se revela como un nuevo intento por parte de la Universal para reinventarse y alejarse del estancamiento y decadencia que sus franquicias de monstruos empezaban a experimentar con proyectos cada vez más cercanos a la serie B y con unos estándares de calidad que iban a menos de forma alarmante. Podemos apreciar para este filme una sugerente mezcla de géneros que así lo demuestra, por un lado manteniendo el toque de fantástico y ciencia ficción (más que de terror), pero añadiendo un ambiente cercano al del cine negro tan de moda en esos años, incluyendo hasta la figura de la femme fatale. Este último detalle es un cambio más que notable, pues hasta el momento en la mayoría de obras de la Universal, la figura femenina era usada para las convencionales historias de amor con final feliz o como propicias víctimas del "malo" de turno y hacerlas gritar o exclamarse en los momentos oportunos. Sin embargo, los estudios seguían teniendo claro que a la hora de apostar por los protagonistas, lo mejor era tirar de referentes seguros con actores reconocidos por el gran público y ampliamente conocidos en la casa. De esta forma, este título a priori puede parecer un nuevo enfrentamiento en la gran pantalla entre Boris Karloff y Bela Lugosi, como ya pasara anteriormente en Satanás (The black cat, 1934), El poder invisible (The invisible ray, 1936) o El hijo de Frankenstein (Son of Frankenstein, 1939) por citar algunas. Pero nada más lejos de lo que acabó suponiendo para ambos este film. Karloff seguía teniendo una buena tirada y trabajando para diferentes estudios en películas del género de terror, mientras que Lugosi ya había empezado a ver como la llama de su fama se iba apagando a pasos acelerados, viéndose abocado a trabajar en producciones cada vez más marginales merced de pequeños estudios. El papel principal tenía que recaer en sus espaldas, pero antes de que se iniciara el rodaje le fue entregado a Karloff, primera estocada para el actor búlgaro. Tampoco logró que se le entregara el papel más jugoso que quedaba para encarnar al profesor George Kingsley, recayendo este a manos de Stanley Ridges, por lo que Lugosi tuvo que conformarse con un pequeño y residual papel de gángster que poco aporta a la historia principal del filme, demostrando claramente que su estatus de estrella ya era cosa del pasado.

Caminando hacia la silla eléctrica

Volviendo al teórico enfrentamiento entre los que posiblemente fueron los más grandes actores del cine clásico de terror de los 30 y los 40, aquí no llegan a compartir ningún plano, por lo que no podemos considerar realmente que se trate de un nuevo duelo entre ellos y se debe considerar como una operación de marketing el que fuera promocionado de esta manera (solo hace falta ver el cartel original). La historia es presentada mediante unas breves secuencias -concisas y muy bien hilvanadas que sirven para ponernos en situación- en las que asistimos al recorrido del Dr. Ernest Sovac (Boris Karloff) desde su celda hasta la silla eléctrica, haciendo una pausa para entregar su diario personal a uno de los periodistas presentes a la ejecución, el único según él que trató el caso con justicia. La lectura de sus notas nos adentrará en un largo flashblack que será el conductor de toda la historia que terminará por llevar al doctor a ser condenado a muerte. El otro gran protagonista del filme es el gran amigo de Sovac, el afable profesor de literatura George Kingsley (Stanley Ridges), quien es mortalmente herido al ser atropellado por un coche en el que huía Red Cannon, el jefe de una banda de gángsters, quien también queda herido de gravedad con la columna rota. La inminente muerte de su amigo pone a Sovac en una encrucijada moral,

El coche conducido por Red Cannon arrolla al profesor Kingsley dejándole al borde de la muerte

Sovac intenta despertar los recuerdos acerca del botín encerrados en el cerebro de su amigo

pues para salvarle requeriría realizarle un trasplante de parte del cerebro, una operación que el doctor ya ha practicado con animales, pero evidentemente ilegal y amoral del todo en seres humanos. Es así como finalmente tomará la decisión de coger el cerebro del malherido mafioso para implantarlo en el cuerpo de Kingsley, manteniendo el secreto del método utilizado para sanarle. Ya de vuelta a la vida normal, con el profesor practicamente recuperado, Sovac descubre en la prensa escrita que Red Cannon huía del resto de su banda antes de tener el accidente tras haber escondido un botín de 500.000$. Es aquí cuando la ambición de Sovac se hará manifesta e intentará despertar los recuerdos de la parte del cerebro del mafioso trasplantada al tranquilo profesor para hacerse con el dinero. Sin embargo, lo que no podía esperarse es que será Red quien tomará esporádicamente el control del cuerpo en el que se encuentra, empezando así su particular venganza contra sus cuatro excompañeros de la banda, encabezados ahora por Eric Marnay (un Bela Lugosi poco más que testimonial).
A diferencia de muchas de las producciones que la Universal realizó como continuación de las sagas más famosas de sus monstruos -véase la saga de la momia Kharis o las esperpénticas mezclas de monstruos junto a los "cómicos" Abott y Costello, por citar algunas-, aquí el guión es realmente sólido de principio a fin, resultando una película que consigue un notable equilibrio entre su vertiente fantástico-científica (el trasplante de cerebros, el despertar una mente en otro cuerpo...) y su innegable aroma de film noir (gángsters, venganzas, botines y femme fatale...), siendo un buen entretenimiento para sus poco más de 70 minutos, dirigidos con un vigoroso ritmo.

Lugosi en un papel muy pequeño para lo que llegó a ser...

Resulta curioso el papel desempeñado por Karloff aquí, pues en cierta manera nos recuerda al que interpretaría años más tarde en La zíngara y los monstruos (House of Frankenstein, 1944) en el que encarnaba al Dr. Niemann, quien cumplía condena por trasplantar un cerebro humano a un perro. Siendo un tipo de papel en el que se vería relativamente encasillado a lo largo de su carrera, el del mad doctor. La gran diferencia es que aquí resulta un doctor que en origen no es maligno, sino que simplemente cae tentado por el dinero, apreciándose en su interpretación su inocencia al ser incapaz de controlar a Kingsley cuando su cuerpo es poseído por Red. Por contra da cierta lástima ver a un Lugosi tan anónimo, en un papel de secundario que casi resulta intrascendente en la trama principal, más cuando podría haber dado algo más de juego. Aunque sería injusto decir que el buen trabajo desplegado en su doble papel (como profesor Kingsley y el mafioso Red Cannon) por Stanley Ridges habría resultado igualmente convincente en manos del monocorde y limitado actor húngaro. Para la transformación de Kingsley a Red Cannon se contó con la colaboración del especialista en maquillaje Jack P. Pierce -responsable de los grandes maquillajes de El Doctor Frankenstein (Frankenstein, 1931) o La momia (The mummy, 1932) entre muchos otros clásicos de la Universal-, siendo notable la transformación física con unos ligeros retoques de maquillaje, un cambio de peinado y unas simples lentillas.

La aparición de los fantasmas de sus víctimas acosan al profesor en plena clase...

A lo largo de la película hay bastantes detalles en su plasmación en pantalla que la sitúan por encima de muchas producciones que los mismos estudios, ya no solo la consistencia de la historia, sino imágenes que hablan por sí solas, como cuando la cámara se fija en el paraguas de Kingsley destrozado en el suelo tras ser atropellado para darnos a entender el fatal destino del profesor; o cuando a Red Cannon se le aparecen los fantasmas de sus víctimas, mediante un efectivo truco de sobreimpresiones. La dirección corrió a cargo de Arthur Lubin, quien años más tarde dirigiría el remake de El fantasma de la ópera (Phantom of the opera, 1943) para los mismos estudios, en la que se mostró mucho menos sugerente que en la obra que comentamos hoy y mucho menos aun que el gran clásico que interpretó en 1925 el genial Lon Chaney.
Una película que recomendamos rescatar por lo desconocida que es y por el innegable interés que esconde.

RELÁMPAGO SOBRE AGUA (1980)

2013-05-18T21:36:00.000+02:00

Durante el rodaje de "55 días en Pekín" (55 days at Peking, 1963), el director Nicholas Ray sufrió un ataque al corazón que precipitó su final tras las cámaras. Tras el incidente, 'Nick' invirtió su tiempo en la enseñanza sobre cine (fue profesor de Universidad) y abandonó las filmaciones con los grandes estudios para orientarse ya hacia pequeños proyectos más alternativos.
13 años después del fallo cardíaco y en esta ocasión acompañado de sus alumnos (entre ellos, un jovencísimo Jim 'cool' Jarmusch), el magnífico director de Rebelde Sin Causa firmaría una rareza experimental titulada Nunca volveremos a casa (We can't go home again, 1976) que no acabaría teniendo apenas repercusión más allá del interés que su persona pudiera ya suscitar (y que se refleja en parte dentro de esta Relámpago sobre agua).
Sin embargo, su aparición en un film (hoy de culto) como El amigo americano (Der Amerikanische Freund, 1977), permitió a Ray conocer bien al director de la misma, el alemán Wim Wenders, con quién pactó realizar un film conjunto en el futuro porque consideraba que sus talentos darían un fruto exquisito.
El cerebral Wim ya sabía que Nick padecía un cáncer terminal cuando decidió visitarlo aquél 8 de abril de 1979 en su loft del Soho, en Nueva York. La enfermedad estaba en un estado tan avanzado que Nick, pese a sólo sumar 67 años, estaba considerablemente demacrado y visiblemente débil.

Wenders conversando con Nick acerca de su proyecto mutuo

La idea de su reunión adquirió entonces un significado bien distinto debido a lo delicado de la situación, y el cineasta alemán no tardó en sincerarse con Nick, planteándole un asunto muy difícil de afrontar con elogiable entereza.
Su cercana muerte y cómo eso trastocaba por completo el rodaje de su film.
El interés de trabajar en un proyecto común se transformó forzosamente en un testamento fílmico del deteriorado Ray, que confíó plenamente en su colega bávaro para documentar su último esfuerzo por y para el cine (sin haber concebido tan siquiera un guión previo).
Wenders promete a Nick honradez, transparencia y nada de morbosidad en sus filmaciones, pero no le será tan sencillo. El objetivo de la cámara, ajeno a cualquier postura ética o moral, acaba mostrando con verdadera crudeza la penosa realidad de Ray y registra sin piedad su lamentable estado físico en cada una de sus intervenciones.

Wim y Nicholas conversando sobre el guión de su film

Nicholas Ray, en sus últimos días de vida

Veremos como Nick se levanta lentamente de la cama, sin pantalones, y lo primero que hace es fumarse un cigarro. Y tose. Y vuelve a toser. El cáncer le carcome, pero Ray se resiste a dejar de fumar. Sufre a cada minuto que pasa y nos hace sufrir a nosotros. Sin embargo, es su decisión. No quiso irse de manera deshonesta con su forma de vivir y entender la vida.
La cámara nos muestra además que ese color rojo encendido que Ray siempre usó en su cine, no era algo casual ni mucho menos. En su diáfano loft del Soho, objetos tan cotidianos como un simple teléfono, una silla, unas camisas, unos pijamas o algunos efectos personales lucen ese mismo tono encarnado. Un color que nos remite a lo crítico, a lo incandescente, a lo fatal. Casi como una suerte de epifanía de lo infernal que está por llegar y que Nick, como hacía en sus películas, ya nos estaba avisando prematuramente.

Ray con su hijo de fondo mientras proyectan su "Hombres Errantes"

El sugestivo y casi subjetivo uso de cámara usado por Wenders

La tragedia está servida y ningún espectador se sorprenderá con el desenlace o "twist" que le depara el metraje, pero sí merece un especial atención a diversos aciertos intelectuales de Wenders en su montaje y/o composición de planos e ideas.
Alternando acertadamente cámaras de 16mm con otras de 35 (creando una visión personal y otra ficcional), Wenders consigue bifurcar nuestra mirada e impregnar de cierta nostalgia fílmica su ya "condenada" obra, que sin casi pretenderlo, rezuma buenas dosis de tristeza desde su inicio.
Con un pie en el docudrama y otro en la ficción (nunca se sabe qué no está realmente planeado), el joven cineasta propone un ejercicio interesantemente confuso, a medio camino entre el homenaje y la obligación de llevar a cabo el deseo (casi capricho) de uno de los grandes del cine clásico americano.
Su mirada, respetuosa en todo momento, atiende a un motivo de enorme importancia. En palabras del propio Ray "..este debe ser un film que trate sobre un hombre que quiere encontrarse a sí mismo antes de morir...".
Wenders, en su afán de detener el tiempo con su cámara, ofrece planos largos y parsimoniosos suspendidos en el aire, que dotan al metraje de una atemporalidad y distinción muy adecuada. En un momento del film, nos explica brillantemente su postura ética con un único pero esclarecedor plano. Vemos como el visor de su cámara enfoca un puente neoyorkino con absoluta nitidez, revelando la verdad del momento, sin adornos.
El resto del encuadre, todo aquello que envuelve la cámara, se nos muestra totalmente desenfocado, creando un exquisito contraste. La cámara no engaña a nadie, dice la verdad tal y como es. Ella es la culpable, y no Wenders, de mostrar tanto dolor y realismo en su película.
Asistiremos al último speech de Ray previo al pase de su Hombres Errantes (The Lusty Men,1952) con Robert Mitchum; a cómo los hijos de éste aguardan a su vera el fatal desenlace con extraña paz o como Ray se asusta pero asimila su paso hacia la eternidad, dando una lección sobre la vida y la muerte con pequeños gestos (miradas a cámara, resistiéndose a ser retratado como no merece, manteniendo un discurso coherente con la vida...).

Nicholas Ray, un director mítico.

Todos nos veremos reflejados en la agonia final del maestro, quién más o quién menos, todos compartiremos su dolor y empatizaremos con su última cruzada personal.
Finalmente, y tras 1 mes de ausencia, Wim vuelve a NY, esta vez junto a su mujer, para visitar de nuevo a Ray por última vez. Sus problemas de salud se han agravado y resultan ya determinantes para que todo concluya. Una vida fascinante de uno de los mejores directores de la historia del cine, un luchador incansable que terminó su vida como escogió, haciendo cine.

VIKINGS (2013) - SERIE TV

2013-05-14T12:27:00.001+02:00

La imagen inicial que más de uno puede hacerse de una serie como Vikings, es que sus responsables iban a intentar jugar con el efectismo de abundantes ataques de hordas de estos feroces guerreros llegados del norte en sus drakkars, hambrientos de sangre y riquezas, arrasando los pueblos que encontraban a su paso. Sin embargo la breve primera temporada de Vikings (de solo 9 episodios) estrenada por el canal History, ha tenido un inicio mucho más tranquilo y falto de grandes dosis de violencia que se le podía presuponer. Sobre este hecho se pueden sacar tanto lecturas positivas como negativas. Por un lado, aplaudir el hecho que la serie busca mostrar una buena recreación de la cultura vikinga y ciertos detalles de su día a día, evidenciando lo que parece una buena documentación y cuidado en su puesta de escena para hacer creíble el trasladarnos el siglo VIII d.C en el norte de Europa, en la época de las primeras incursiones de estos bárbaros a las tierras inglesas. Por contra, su desarrollo más contemplativo puede llegar a alejar a una parte del público que busque una dosis de hemoglobina y testosterona comparable con la serie Spartacus, la más violenta que personalmente uno pueda recordar ahora mismo. Y es que en los últimos años hemos vivido un auge de series de tintes épicos, donde han sobresalido dos de ellas por encima de muchas otras, logrando un gran éxito al saber captar la atención del público. Una de ellas es Spartacus, que acaba de poner punto y final y que ha seguido fiel a la linea marcada desde buen comienzo: con enormes dosis de violencia y sexo, junto unas pinceladas de intrigas palaciegas como para que el resultado final fuera lo suficientemente interesante para un amplio espectro del público. La otra, sin ninguna duda es una de las mejores series que podemos disfrutar actualmente de la mano de la HBO, con la adaptación de la saga literaria de Canción de hielo y fuego de J.R.R. Martin. Así es como Game of Thrones con su tercera temporada en marcha, se ha erigido como un referente que cuenta con una gran legión de fieles seguidores. Por lo que no es de extrañar que queriendo aprovechar este filón, en la midseason de este año se haya estrenado la serie Vikings.

Podríamos decir que la serie queda un poco a caballo de las mencionadas en el párrafo anterior, pero por debajo de ambas en lo que respecta a sus señales de identidad más destacadas. Respecto a Spartacus no puede competir con sus escenas de acción, sexo o batallas, y ni de lejos tiene la complejidad argumental de Game of Thrones. A pesar de ello tiene suficientes ingredientes de calidad como para que su visionado sea más que recomendable: desde su impresionante factura visual, con unos espectaculares paisajes irlandeses como escenario de fondo, agradeciendo que se haya obviado el uso de efectos CGI. También remarcar las vestimentas, la ambientación general de poblados, la exposición de las costumbres de este pueblo (especialmente interesante el 8º episodio centrado en sus deidades o el que recrea un funeral vikingo). Todo ello acorde con la calidad que el canal History ya mostrara en la miniserie de Hatfield & McCoys, su producción anterior ambientada en el Oeste americano. En cuanto a la violencia, está dosificada y bien rodada, teniendo lugar unos cuantos combates cruentos (la escena inicial del episodio piloto, el asalto a un monasterio o una incursión en tierras inglesas, por ejemplo), por lo que en este aspecto tampoco nos dejan huérfanos del todo.

El Conde Haraldson y Ragnar...

La serie presenta las aventuras de Ragnar Lothbrok (Travis Fimmel), un joven guerrero vikingo que se opondrá al Conde Haraldson (un efectivo y creíble Gabriel Byrne), al no estar de acuerdo con él en seguir haciendo incursiones solamente hacia las tierras del este (los antiguos pueblos rusos), creyendo en la existencia de pueblos mucho más ricos más allá del océano en dirección oeste. Sobre este cuestionamiento de la autoridad del líder de su pueblo y el enfrentamiento que surgirá entre ellos (ambos basados en personajes reales de la historia nórdica, mezclando así un punto de realidad y ficción), se cimentan los primeros pasos de la serie, para posteriormente desarrollar las incursiones para saquear otras tierras.

Ragnar y algunos de sus guerreros...

En cuanto al resto de personajes presentes en la serie, cabe destacar el inquietante oráculo, cuya presencia dota a la trama con un toque místico gracias a su estrafalario aspecto. Por contra algunos de los personajes que complementan la acción (Floki, Rollo...) carecen todavía del desarrollo suficiente para que ayuden a crear una trama de mayor complejidad que lo mostrado hasta ahora, siendo estos dos aspectos (complejidad de personajes y profundidad de tramas), puntos a mejorar en la siguiente temporada para lograr algo que parece que está perfectamente al alcance de la serie y convertirse en una notable serie de épica gracias a su excelente factura técnica.

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA D'AUTOR DE BARCELONA (25 ABRIL-2 MAYO 2013)

2013-05-05T09:21:00.003+02:00

La capital catalana acogió a finales de este abril y por tercer año consecutivo el Festival Internacional de Cinema d'Autor de Barcelona (el D'A a partir de ahora), un certamen que suma prestigio a medida que se hace mayor y que ofrece al espectador más exigente una oportunidad de oro para disfrutar de films de escasa o nula distribución en nuestras salas comerciales.
Dividido en esta ocasión en seis secciones (Direcciones, Talentos, Autoria Catalana, Realidades, Retrospectiva y Film Diaries) y con un total de medio centenar de películas en su parrilla, el D'A propone una mirada más allá del cine convencional y presenta algunos de los títulos con nombre y apellidos más interesantes del panorama contemporáneo internacional.
Ocho días de incesante actividad cinéfila de alto nivel agrupados en espacios de auténtico lujo (el teatro y auditorio del CCCB, las 2 salas del Aribau Club y la filmoteca de Cataluña) que proporcionaron una valiosísima experiencia cultural y a la vez clama con urgencia una reivindicación del llamado "cine de autor", descubriendo a los espectadores menos temerosos un mundo apasionante y emergente, que lamentablemente todavía se percibe popularmente con cierto recelo.
Autores conocidos por el cinéfilo como Abbas Kiarostami, Michel Gondry o Cristian Mungiu se mezclaron con la nueva ola de nuevos talentos que presentaban aquí sus óperas primas, compartiendo escenario y procurando alimentar un festival tan joven como crucial en el devenir del arte cinematográfico nacional.
Mi toma de contacto con el festival comenzó la tarde del segundo día gracias al film suizo Sister (L'enfant d'en Haut). Una vez acomodado en la oscuridad de la sala 2 del Aribau Club, me dispuse a entrar en ese gélido drama familiar que propone Ursula Meier en lo que viene a ser su tercer trabajo como realizadora. En el film, acompañaremos a Simon, un astuto niño de 12 años que obligado por las circunstancias familiares, roba diariamente equipamiento deportivo en las pistas de esquí cercanas a su casa.
Su hermana mayor, Louise, se muestra incapaz de asumir el rol adulto que le correspondería y propiciará que las vidas de ambos acusen pronto importantes carencias afectivas.
En Sister, la cineasta francesa retoma su discurso sobre las familias desestructuradas que ya propusiera en su anterior trabajo Home,¿dulce hogar?(Home, 2008), pero esta vez perfila un drama desde tan sólo dos perspectivas antagonistas (en contraposición a la familia numerosa de su película previa). Por un lado, ofrece la visión de un niño vestido de adulto que descubre cuan frágil es su situación emocional cuando falta el calor de un hogar y que solo comprenderá del todo cuando se vea desprovisto de la compañía de su hermana mayor, que a su vez, jugaba un esquivo papel materno (con una exquisita alegoría sobre el distanciamiento en la secuencia donde se cruzan los teleféricos entre sí).
Louise en cambio, nos ofrece la visión contraria. Una adolescente forzada a ser adulta que se resiste a abandonar su condición y se ampara en las habilidades de Simon para salir adelante, otorgándole en un gesto de acusada inmadurez, las riendas del hogar.

Simon tratando de vender en plena carretera sus últimas adquisiciones

Una oportunidad pues de disfrutar una película intensa, tierna y por momentos conmovedora, que apunta alto en su paso por festivales (premiada en Sevilla a la mejor fotografia, obra de Agnès Godard) y que viene a significar un paso adelante en la prometedora carrera de Meier.
Mi segundo asalto, tras el fin de semana, confieso que fue quizás la prueba más dura que jamás haya pasado en el interior de una sala de cine.
Una ocasión para comprobar mis límites cinematográficos y de paso, comprender que en determinados estilos (en el caso que nos ocupa, la mixtura entre el found footage y el experimental) aún no me siento todo lo desenvuelto que me gustaría.
El culpable de dicha gesta es el gallego Xurxo Chirro con su experimento visual (que no película en sí misma) Vikingland (Terra de Vikingos, 2011), dentro de la sección Film Diaries.
Aquél marinero llamado Luis jamás imaginó que sus primeras grabaciones a bordo de un transbordador con su nueva cámara de video darían forma a un proyecto exhibido en pantalla grande 20 años después.
El documento, recuperado y montado por Chirro, presenta el día a día de varios marineros gallegos que emigraron al norte de Europa en aquellos años, y atestigua la monotonía y la soledad del grupo mientras transcurre la gélida travesía entre la isla germana de Sylt y la ciudad danesa de Romo.
Como ejemplo testimonial de la emigración finisecular gallega y salvando algunos destellos humorísticos del tal Luis, el conjunto lamentablemente no logra mantener el posible interés inicial y acaba contagiando el tedio que allí se respiraba, yendo a la deriva en el transcurso de sus interminables 99 minutos. Las imágenes recogidas muestran como el grupo trabaja (palé arriba, palé abajo), como se divierten con la nieve, trastean la cámara o celebran la Navidad a su manera, y nos hace testigos de su aburrimiento marino hasta contagiarnos su misma dosis de rutina laboral (planos estáticos contra una pared incluidos o largos minutos mirando el hielo en silencio).

Luis, mirando en lontananza kilómetros glaciares

Un despropósito sin mayor entidad que queda relegado únicamente a unos pocos (muy pocos) interesados en tamaña aventurilla glaciar.
Tras mi bache con Vikingland, retomo mi entereza cinéfila habitual y me dispongo a ocupar mi butaca para el tercer largometraje de la semana, la también producción gallega Arraianos.
El segundo trabajo documental de Eloy Enciso logra algo inusual: extraer magia y poesía visual de un ambiente, a priori, poco cinematográfico. La conseguida plasmación en imágenes de las costumbres rurales más arraigadas de un pueblo entre la frontera de Portugal y Galicia son tan solo la punta del iceberg dentro de esta fantástica propuesta del joven Enciso.
Arraianos nos pasea además por un mundo sostenido en el tiempo, de profundas raíces culturales que se resisten a desaparecer pero que está destinada al olvido más inminente (como bien sabe mostrar en sendas escenas; la tala del árbol como simbolismo de un fin y el parto de la res como alegoría del rebrotar de la vida).
Pocos son los que habitan ya esas tierras, pero su sabiduría queda excelentemente retratada por la lente de Enciso, que se ayuda del inteligente relato "O Bosque" de Marinhas del Valle y la sublime fotografía de Mauro Herce para firmar un documental de gran personalidad y que incluso se sumerge en el género fantástico, muy apropiado en aquellas tierras ricas en misticismo (como bien deja patente la presencia del personaje guardián del camino y conocedor del bosque).
Un bonito viaje, acentuadamente melancólico pero intensamente mágico que contagia su obstinado espíritu por preservar valores y tradiciones culturales por el bien de sus gentes.
Aún hipnotizado e inmerso en la Galicia más frondosa y sin tiempo a paladearla como merecía, me lanzo a por mi cuarto desafío del festival, la película estadounidense aclamada en el último Sundance, Simon Killer.
Esta vez la historia versa sobre Simon, un joven neoyorkino recientemente licenciado que viaja a la capital francesa para, entre otras cosas, tratar de superar una dolorosa ruptura amorosa.
En primera instancia se descubre como un chico sensible, educado, tímido y propenso al desequilibrio emocional, pero a medida que avanza su periplo turístico, y tras quedar prendado de una prostituta de tortuoso pasado, se hace más evidente su lado más oculto.
Es entonces cuando nos sumergimos en una espiral de mentiras, traiciones y chantajes que acabarán por descubrir la verdadera naturaleza de Simon, como bien auspicia el título.
Lo verdaderamente llamativo de la propuesta es su falta de mayores ambiciones, dirigiendo nuestra mirada hacia un personaje central de interés más bien limitado y secundándolo con otro que acaba siendo injustamente inexplorado, el de Victoria, claramente más rico en matices.
No juega a su favor tampoco la adusta interpretación de Brady Corbet (visto en Melancolía, 2011) como Simon, y cuenta con algunas secuencias estériles a poco que exploremos su metraje, pero permite un visionado placentero, con pequeños altibajos en su composición aunque enriquecido con pequeños destellos de personalidad autoral (sobre todo la galería de planos en exteriores).
La mirada hacia el interior de la mente de Simon (principal discurso del film) no se explora con la suficiente capacidad narrativa ni revela originalidad en su puesta en escena (más bien todo lo contrario, vistos los horrorosos interludios epilépticos y el exceso de cámara nerviosa), y su autor se muestra incapaz de dotar el film de una mayor entidad que no sea un sencillo ejercicio indie sobre asesinos en serie.

Simon, consolado tanto física como emocionalmente

Con todo, Simon Killer es un sobrio thriller con sabor a asfalto que consigue mantenernos intrigados (aunque no ofrezca un ritmo creciente) y que se guarda sus mejores cartas para el final, donde agradecemos que no tire de convencionalismos al uso.
Como broche de oro a mi experiencia en el D'A 2013, acudo el último día para el visionado del film belga À perdre la raison, del cineasta Joachim Lafosse. Inspirada en la trágica historia filicídica de Geneviève Lhermitte de 2007, el film inicia su trama sin demasiados preámbulos, mostrando casi precipitadamente la relación entre Mounir y Murielle (Tahar Rahim y Émilie Dequenne, estupendos ambos) desde la pedida de mano del joven marroquí a su rápida consolidación matrimonial con el nacimiento de su primera hija. Ambos conviven en la casa del padre adoptivo de éste, el doctor André Pinget (Niels Arestrup, el mejor de la función), pero tras la llegada de otros 3 vástagos, la relación se torna compleja y deriva en una situación del todo insostenible para Murielle, que poco a poco, se ve sumergida en un estado de total desesperación.
El amargo relato dramático de la pareja protagonista logra vertebrar un film espléndido, de una marcada sensibilidad fílmica digna de elogio y con ramificaciones étnico-culturales muy interesantes (¿se puede tratar la religión y costumbres musulmanas con mayor elegancia?).
Sustentado por un trío protagonista a cual mejor, el film de Lafosse aborda una extensa amalgama de situaciones cotidianas sin perder ese tono humanista y de humildad cinematográfica de la que hace gala, demostrando que lo importante de su película es contar la historia y no adornarla con falsas coordenadas.
Sin embargo, no es oro todo lo que reluce, y À perdre la raison acaba siendo víctima de su propia condición de film menor acercándose peligrosamente (y solo por momentos) al estilo narrativo próximo al telefilm, salvando las oportunas distancias (especialmente en la trama secundaria de sus respectivos hermanos y esa boda de conveniencia).

Una película del todo estimable que fue candidata por Bélgica a entrar en los Oscars de la Academia 2013 y que acumula premios por donde pasa, demostrando que es merecedora de un mayor eco comercial.
Sin duda, y con permiso de Arraianos, la obra de Lafosse significó el mejor film que pude presenciar dentro del festival. Naturalmente, muchas otras películas ofrecidas dentro del certamen se me han quedado obligatoriamente en el tintero, a la espera de poder recuperarlas en breve, aunque sea en el ámbito doméstico.
Así doy por finalizada mi primera andadura en el D'A, un festival que coge cada vez más impulso y que no solo calma el hambre del cinéfilo (sobre todo, a los amantes del drama, omnipresente en la parrilla), sino que dota a la ciudad de Barcelona de una necesaria salud cinematográfica de gran calibre durante algunos días de primavera.

EL PODER INVISIBLE (THE INVISIBLE RAY) (1936)

2013-04-27T09:56:00.002+02:00

Los Universal Studios a lo largo de la década de los años 30 y 40, destacaron dentro del cine de terror gracias a grandes títulos protagonizados por clásicos como El Doctor Frankenstein, Drácula, El hombre lobo, La momia, El hombre invisible, etc... Seguidas por toda una serie de secuelas, que salvo algunas excepciones - La novia de Frankenstein, por citar la más destacada -, solo sirvieron para llenar sus arcas merced de trabajos menos cuidados, que representaron una rápida degeneración y hasta una pobre caricatura de los originales - vease la saga de la momia Kharis, por ejemplo -. Sin embargo, los responsables de la compañía intentaron trabajar en otras direcciones, buscando nuevas alternativas a una serie de franquicias que acabarían exprimidas hasta límites insospechados. De esta forma, podemos decir que El poder invisible (The invisible ray, 1936) se adentra en el campo de la ciencia ficción prescindiendo de las figuras de terror clásicas, resultando un soplo de aire fresco entre tanto refrito. Eso sí, para el proyecto se contó con los dos actores más representativos del cine de terror de esos años y que mejores réditos le supuso a los estudios, un duelo que se repitió en más de una ocasión entre Boris Karloff y Bela Lugosi. La historia nos presenta al Dr. Janos (Karloff), quien ha descubierto un poderoso y nuevo elemento bautizado como Radium X y que podría suponer un gran avance para la humanidad. Invitando a su mansión de Los Cárpatos a dos eminentes doctores, entre ellos el Dr. Benet (un Lugosi mucho más contenido de lo normal) con quien mantiene más e una diferencia profesional.

La mansión de Janos en plena tormenta

Dispuesto a presentarles su trabajo mediante una demostración en directo para poder reivindicarse ante ellos. Con una serie de explicaciones fanta-científicas delirantes que no tienen ninguna base creíble ni por asomo, nos presentan un equipo creado por Janos que puede captar las vibraciones del pasado de la galaxia de Andrómeda y así descubrir como un meteorito que contenía este nuevo elemento se estrelló millones de años atrás en territorio africano. Propiciando de esta manera la creación de una expedición conjunta para descubrir su localización y poder investigar sus propiedades. Sin embargo, el receloso Janos decide una vez allí ir por su cuenta y terminará contaminándose por no tomar las suficientes precauciones al estar expuesto al Radium X, solo evitando la muerte gracias a un oportuno antídoto preparado por su "colega" Benet, que desde ese momento deberá tomar el resto de su vida...

Janos junto a su esposa Diana.

La película en su conjunto es más que interesante y presenta una serie de elementos que más adelante en la década de los años 50 abundaría en el cine, cobrando protagonismo la ciencia y la ética de su uso, con el siempre inquietante trasfondo de la era atómica que tanto influyó en las producciones de esos años. De esta forma, la película intenta exponer que el peligro no es el descubrimiento en sí (recordemos que en multitud de producciones anteriores se intentaba recalcar que el hombre no tenía derecho a adentrarse en la obra de Dios), sino que depende de los hombres y el uso que le den (Benet la usará para curar miles de enfermos, mientras Janos solo sabrá utilizarla con fines egoistas y dañinos). Un discurso que unido a unos personajes con cierta profundidad, dotan a la obra de una mayor trascendencia e interés de la que le presuponía en un inicio. Karloff como casi siempre cuaja una buena actuación y su torturado personaje tiene varios momentos destacables a lo largo de la historia. Por parte de Lugosi, me ha sorprendido positivamente cierta contención en su trabajo, dejando de lado sus típicos tics y sobreactuación de la que hizo gala en tantas otras ocasiones. En cuanto a los secundarios tenemos personajes oscuros y trágicos (la anciana y ciega madre de Janos, por ejemplo) y otros que solo responden a los cánones impuestos en la industria cinematográfica americana de entonces (recordemos la imposición desde 1934 del código Hays), como son la pareja de tortolitos, que empañan el tono incluso enfermizo que predomina en otros minutos.

Janos trabajando en sus experimentos

El cara a cara de dos mitos del cine de terror clásico

Es fácil diferenciar 3 partes muy definidas en el film y que practicamente ocupan un tercio del metraje cada una. La primera, sorprende por su brillante puesta en escena, unos grandes minutos con la presentación de los personajes principales en una mansión de corte clásico en medio de los Cárpatos, con tormenta nocturna incluida para dramatizar más el encuentro entre Janos y Benet, y su charla posterior acerca de sus respectivas investigaciones.

Janos contaminado por el Radium X...

Excelente plano con Janos a punto de matar...

La segunda supone un cambio total, pasando a desarrollarse plenamente en medio de África y que se podría encuadrar con el cine de aventuras con romance incluido. Aquí es donde se vislumbra la mano del gran capo de la Universal, Carl Laemmle Jr, con la inclusión de una joven pareja de enamorados (Diana, la joven esposa de Janos, y el joven explorador Ronnie) y que ya nos hace sospechar hacia donde puede acabar derivando la historia. Mientras que la parte de la investigación, la contaminación de Janos y el descubrimiento de los síntomas de su nuevo "poder" me han parecido interesantes y acorde con la trama principal, esta subtrama amorosa se me ha hecho bastante algo más pesada y ha supuesto el típico peaje de estas producciones.
Para el tercio final, el film ya pone todas las cartas sobre la mesa con la transformación de Janos en un mad doctor que solo ansía vengarse tanto de los científicos que le acompañaron a África y a quienes acusa de robarle su descubrimiento, como de su esposa y su nuevo amor. Un tramo dominado por la enfermiza presencia entre las sombras de Janos y que puede llegar a recordar films como El abominable Dr. Phibes (The Abominable Dr. Phibes, 1971) o Matar o no matar, este es el problema (Theatre of Blood, 1973), ambas protagonizadas por el gran Vincent Price, donde asistimos a una serie de asesinatos por parte de un personaje enloquecido y hambriento de venganza, mientras las autoridades - aquí aconsejadas por el personaje de Lugosi - intentan detenerle. Un film estimulante en su mayor parte, pero que cojea por culpa de demasiados minutos de un romance forzado y sin mucho interés, así como por el happy end que parece impuesto desde las altas esferas de la compañía para suavizar el tono inquietante de la obra. Con todo, una película a descubrir -y a disfrutar- por parte de todos los amantes del cine de terror clásico.

JACKIE BROWN (1997)

2013-04-04T15:37:00.003+02:00

En 1976, apenas cumplidos los 13, Quentin Tarantino era detenido por la justicia al tratar de robar un libro de unos grandes almacenes cerca de su Tennessee natal. ¿Su frustrado objeto de deseo?, apropiarse de la nueva novela policíaca "The Switch", del escritor estadounidense Elmore Leonard.
Con toda seguridad, ahora sabemos que las intenciones del jovencísimo Quentin no fueron casuales. Elmore también colaboraba como guionista de cine, básicamente del género "western", y entre algunos de los títulos a sus espaldas contaba con ciertas películas predilectas de nuestro pequeño ladrón cinéfilo. De su pluma nacerían films como "El Tren de las 3:10" (3:10 to Yuma, 1957), "Un Hombre" (Hombre, 1967) o "Joe Kidd" (Joe Kidd, 1971), por citar los más conocidos, y que por descontado fueron motivo de causa para urdir ese anecdótico y fallido hurto. Ironías del destino, pasadas dos décadas de aquél inofensivo percance, Quentin Tarantino llegaría a adaptar una novela del propio Elmore Leonard titulada "Rum Punch" para su tercer largometraje, el thriller policíaco "Jackie Brown".

Jackie Brown, decidida y segura de sí misma

El cineasta, que había cosechado un enorme éxito con sus trabajos previos ("Reservoir Dogs", "Pulp Fiction" y su episódica aportación en "Four Rooms") se alejaba en esta ocasión de su tan reconocible estilo de violencia hiperbólica para dotar a "Jackie Brown" de una estética intemporal, con una planificación escénica más clásica de lo acostumbrado (apoyándose a menudo en los plano-contraplano) e incluso minimizando las escenas violentas en pantalla, filmándolas en un interesante e inusual "fuera de campo".
Este tercer film de Tarantino constituyó además su particular homenaje al cine blaxploitation; un subgénero surgido en la América de los años 70 habitualmente con presupuestos limitados, situados en ambientes urbanos, donde reinaba la música soul y/o funk, predominaban los actores de raza negra y que por regla general, exageraban su contenido de violencia, terror, sexo, acción, drogas, etc.
No fue pues producto del azar que el protagonismo femenino del film recayera en la actriz afroamericana Pamela Grier, auténtica figura icónica del género de explotación "black", a la que el cineasta quiso rescatar (como haría con otras viejas glorias) de su ostracismo profesional.
Tarantino, siempre guionista en sus films, cambió y adaptó así el personaje central de la novela original (allí era una mujer blanca llamada Jackie Broke) para teñir de esencia afro el nuevo thriller de Elmore Leonard.
Argumentalmente el film versa sobre las desventuras de una azafata de vuelo afroamericana venida a menos, de carácter fuerte y decidido, que se convierte en pieza clave en un caso entre la policía y un egocéntrico traficante de armas callejero llamado Ordell.
La película, claramente cimentada sobre 6 personajes centrales, está realizada con auténtica precisión quirúrgica y es capaz de dibujar psicologías muy concretas entre ellos, sirviéndose de una trama más dilatada que de costumbre en su autor (tan sólo la recién estrenada "Djando Desencadenado" suma más minutos a día de hoy) para conseguir plasmar en pantalla una historia tan absorbente como estructuralmente sólida.

Louis y Ordell, ex-compañeros de celda y ahora socios

En primer lugar, se nos presenta al tándem formado por el citado traficante Ordell Robbie (encarnado brillantemente por un Samuel L.Jackson en estado de gracia) y su nuevo socio y antiguo compañero de celda, Louis Gara (el mejor Robert de Niro de los últimos 20 años), recién salido de prisión.
Robbie es un 'mack daddy' altamente peligroso y ensimismado por su propio estatus que no duda en deshacerse de quién haga falta con tal de salvar el pellejo. Así lo presenciamos en la temprana escena del "maletero", donde Ordell acribilla a quemarropa al inestable drogadicto Beaumont (interpretado por un carismático Chris Tucker, tan breve como intenso) y asistiremos a ver como la acción se engalana merced a unos diálogos brillantes y a una admirable composición de planos fijos muy al estilo de su director (cámara desde el interior del maletero incluido).
Louis por su lado, se nos presenta como un tipo parco en palabras, asocial y algo corto de miras que, pese a la fidelidad demostrada hacía su amigo Ordell, sigue evidenciando un carácter extremadamente violento cuando se le somete a cierta presión.
Junto a ellos, la joven y "alegre" Melanie (Bridget Fonda), una más entre las bellas y descocadas compañeras sexuales del traficante, que no duda en serle infiel a la mínima y a jugar en contra de sus intereses casi por capricho.
En el frente contrario, el agente de policía Ray Nicolette (Michael Keaton, que va de menos a más), un hombre de inquebrantable rectitud profesional que suspira por atrapar a Ordell caiga quien caiga, aunque sea a través de métodos no tan pulcros como se le suponen.

El agente Ray coacciona a Jackie

Finalmente, la asociación entre Jackie Brown (la citada Pam Grier, tan expresiva como un bloque de cemento) y su agente de fianzas Max Cherry (el nominado al Oscar Robert Forster), todo un ejemplo de sobriedad y entereza que decide ayudar a Jackie por un inconfesado amor hacia ella.
Una vez nos presentan a los personajes adecuadamente y pasado ya el meridiano del film, es cuando el cineasta de Tennessee realiza una maniobra realmente prodigiosa.
Sirviéndose de una escena situada en el interior de unos grandes almacenes (como en aquella primera experiencia con el libro de Elmore), el cineasta juega desde diferentes perspectivas con sus personajes y nos ofrece 3 puntos de vista de un mismo suceso que allí acontece (el traspaso de una bolsa con 50.000 dólares de una mano a otra dentro de unos probadores). En primer lugar seguiremos a Jackie a su entrada al centro comercial. Acorde con su estado de ánimo, valiente y decidida, Tarantino nos la presenta mediante un travelling lateral mantenido y firme (idéntica a la escena de los títulos de crédito), mientras suena el tema "Street Life" de Randy Crawford, que decididamente consigue impregnar de esencia soul el momento. Una vez traspasado el umbral del recinto, Jackie empezará a notar sus primeras inseguridades. La cámara, consecuente en todo momento de este hecho, pasará del relajado plano medio al analítico primer plano para finalmente clavar su lente en la azafata desde un primerísimo primer plano, orientando nuestras miradas hacia los miedos internos de la protagonista (además de rendir un personal tributo a su querido maestro Leone). Tras unos ansiosos planos detalle del dinero pasando de bolsa a bolsa (aumentando así la tensión del momento), Jackie abandona los probadores con un cada vez más palpable nerviosismo. Es entonces cuando Tarantino inyecta desesperación a la escena haciendo un magnífico giro de cámara de 360º alrededor del mostrador de la tienda, seguido de un movedizo "long-shot" que desemboca en otras 2 vueltas completas sobre el rostro de Jackie, dejando patente su angustioso momento.
En segundo término, dirigiremos nuestra mirada hacia un inquieto y preocupado Louis, muy molesto por el comportamiento caprichoso e insolente de su acompañante Mel, pero obligado a aguantarla para poder realizar el canje con garantías y no defraudar a su amigo Ordell. La pareja entra en escena en el mismo instante en que la azafata visita los probadores, según tenían previsto.
-- Este trabajo es demasiado para ti, Louis.
Mel no se imaginaba que sus palabras tendrían un alcance tan dramático minutos después, y hace caso omiso de la mirada incisiva de su peligroso socio. Durante toda la secuencia, la cámara nos muestra idéntica la escena de antes, pero esta vez desde una nueva óptica, con un mayor énfasis en las continuas desavenencias del forzado dúo explicado en pantalla con un travelling lateral más nervioso y menos prolijo que el utilizado para Jackie.

Louis asesina a Mel en fuera de campo

Tras llevar a cabo el plan, otro "long-shot" de la pareja nos lleva hasta el parking del recinto, esta vez con mayor premura dadas las circunstancias.
Allí, a cielo abierto y sin mayor dilación, Louis dispara a Mel a bocajarro cansado de sus molestas niñerías. En esta ocasión, el cineasta de forma excepcional en su filmografía, escoge el fuera de campo para que la violencia no se lleve toda nuestra atención, creando un punto de inflexión en su carrera.
Para el tercer y último punto de vista, Tarantino se sirve de un movimiento más suave y calmado de cámara, acorde con la personalidad del otoñal agente de fianzas Max, para darle una vuelta de tuerca más al suceso del intercambio de dinero.
En esta ocasión, el autor de "Pulp Fiction" realiza un breve uso de un plano subjetivo (enfatizando nuestra complicidad con el personaje más humano de todos), empañará de suave música funk y recurrirá a un largo pero parsimonioso long-shot la escena, para llevarnos hasta su coche una vez recogida la bolsa del dinero.
Un espléndido momento, sostenido en el tiempo y narrado de tres maneras bien distintas, que con un planteamiento técnico apropiado, invita a profundizar con una mayor precisión cada una de las interesantes psicologías de los personajes.

Una split screen al más puro estilo Brian de Palma

Tarantino no se olvida tampoco de usar sus ya tan reconocibles señas de identidad durante el resto del film; desde el antes mencionado plano del maletero, su fetichismo casi insano con los pies de mujer (tardará sólo 5 minutos en enseñarnos los empeines de Bridget Fonda), los extraños planos contrapicados de un cadáver desde el suelo, hasta ese punto musical "old school" siempre tan presente en sus films (y que por supuesto sus personajes deberán cantar tarde o temprano).
Los particulares homenajes a sus cineastas y actores de culto también son un jugoso divertimento a descubrir para el cinéfilo. En esta ocasión, por ejemplo, se sirve de su admiración por Brian De Palma para crear una pequeña secuencia en pantalla partida (split screen) que permite visualizar dos actos al mismo tiempo, sin necesidad del clásico montaje en paralelo, emulando así al autor de "El precio del poder" (Scarface, 1983).
Podemos concluir así que esta tercera filmación de Quentin Tarantino ofrece un alto grado de interés y es claramente una obra diferenciadora que la convierte en un rara avis en la carrera del autor, confirmando que su manera de mover la cámara dista mucho de ser casual y que su amor por el cine de género va más allá de (re)construir éxitos pretéritos.

PHENOMENA (22-3-2013): MÁXIMO RIESGO + MENTIRAS ARRIESGADAS

2013-04-01T11:56:00.001+02:00

El cine de acción es uno de los menos valorados por los cinéfilos más puristas, tachándolo generalmente como superficial, estúpido y poblado por una serie de actores que han sido considerados como meros armarios de lustrosos músculos sin grandes dotes interpretativas más allá que soltar la frase lapidaria de turno y repartir tortazos o balazos a discreción. Sin negar que en algunas producciones de bajo presupuesto, cualquiera de los puntos enumerados antes raya la vergüenza ajena (aunque en buena compañía son muy disfrutables), también es de justicia reivindicar un cine cuya máxima es la de entretener sin más.
Los años 80 y 90 fue una época de esplendor para todos los que disfrutamos de este cine adrenalítico y tan adictivo, con una serie de actores que ya son leyenda: Van Damme, Bruce Willis, Steven Seagal, Charles Bronson, Mel Gibson, Dolph Lundgren, Wesley Snipes, Chuck Norris, Jet Li... pero por encima de ellos se alzan los dos máximos exponentes del género, que a lo largo de esos años coparon las mejores producciones. Por un lado el austríaco Arnold Schwarzenegger y por el otro, el no menos rocoso Sylvester Stallone. Fueron años en los que el simple anuncio de su próxima película, levantaba una enorme expectación entre el público, que sabía apreciar lo que daban de sí estos films y se frotaba las manos esperando la siguiente ración de acción.

La gran sala del Palau de Congressos de Catalunya

Podríamos decir que se llegó a crear una cierta "competición" entre ellos para ver quien se alzaba como el número uno, a pesar de que siempre se dijo que guardaron una buena relación fuera de la gran pantalla, y quizás fue entre parte del público donde pudimos apreciar más el enfrentamiento entre los que preferían a uno u otro. Esa rivalidad bien entendida ha tenido algunos guiños en sus respectivas filmografías, por ejemplo, en Last action hero, en el mundo paralelo el protagonista de la saga Terminator fue Stallone. Mientras que en Demolition man, se menciona que Arnold Schwarzenegger llegó a ser el presidente de los Estados Unidos, pues por poco lo aciertan...

Stallone encarnando Terminator!!!!

Suyos son algunos de los títulos más emblemáticos del cine de esos años, como por ejemplo las dos entregas de Conan y Terminator, Comando, Perseguido, Depredador o Desafío Total por parte de Arnie, y otros tantos por parte de Stallone, como la saga de Rocky, Acorralado, Cobra, Tango y Cash o Demolition man.
También podemos encontrar ciertos paralelismos entre ambos, al haber intentado con más pena que gloria un cambio de registro haciendo algunas incursiones en el terreno de la comedia, con títulos desastrosos o poco afortunados como Un padre en apuros, Junior o Alto o mi madre dispara. Dejando claro que el terreno donde mejor se movían era el de la acción, machacando a los malos, disparando, en imposibles persecuciones y haciendo explotar el plató entero si hacía falta.
Mientras que por parte de Schwarzenegger su carrera artística sufrió un largo parón para dedicarse a la política (afortunadamente parece que le vamos a recuperar para rodar una nueva entrega de Conan que nos ayude a olvidar el bodrio que se estrenó hace poco, entre otros proyectos más o menos interesantes), Stallone siempre ha seguido en buena forma y dando caña como mejor sabe, incluso subiéndose al carro de la dirección desde bien joven.

Uno de los momentos más tensos de Cliffhanger...

Curiosamente hemos tenido que esperar muchos años para verles coincidir en pantalla, hasta 2010 con la primera entrega de Los mercenarios (The expendables), pero pocas veces habremos tenido la ocasión de disfrutarlos en una sesión doble de cine. ¿Y que mejor forma de rendirles homenaje a estos cracks del cine de acción que con la sesión que nos propusieron el pasado viernes los compañeros de Phenomena? Con dos títulos tan espectaculares como son Máximo riesgo y Mentiras arriesgadas.

El malo de la función...

La sesión tuvo lugar en El Palau de Congressos de Catalunya, siendo la primera vez que asistía a este nuevo emplazamiento, puedo decir que la impresión general es fantástica, con una sala que poco o nada tiene que olvidar al original Cine Urgel donde disfrutamos de dos años gloriosos de buen cine. Contando con una enorme y moderna sala, una pantalla gigantesca y una calidad de sonido que nos hizo disfrutar como nunca de estas pelis.
Máximo riesgo (Cliffhanger, 1993) lució como solo en una sala de cine puede hacerlo, ya que una de sus mejores virtudes son los espacios naturales donde fue rodada y que desde que se estrenó en las salas comerciales por allá el lejano 1993, no había tenido ocasión de volver a ver en estas condiciones.
La película cumple en todos los apartados que se le pueda pedir una buena cinta de acción, adrenalítica de principio a fin, contando con una de las mejores secuencias de arranque del género que uno pueda recordar, con unos tensos minutos colgando del vacío en medio de esas montañas y que le da mil vueltas a cualquiera intentona moderna de impactar mediante los ya cansinos efectos CGI. Merecidamente recibió 3 nominaciones a los Oscar en los apartados de Mejor sonido, efectos de sonido y efectos visuales; y por el contrario creo que no mereció ser nominada en 4 apartados en los Razzie, entre ellos al de peor película y guión (como si no los hubiera muchísimo más malas).
Como sea, la película se vivió con nervio en la sala, pues tiene un ritmo endiablado y las escenas rodadas en las alturas no dejan a nadie indiferente (que se lo pregunten a la señora de mi lado que no paraba de saltar en su butaca mientras soltaba frases y grititos continuamente: "Un altre cop no...", "ay, ay, ay"). Grandes paisajes, tiros, explosiones, aludes, frases chulescas, un Sly en plena forma escalando paredes imposibles a pecho descubierto y con unos secundarios de lujo, ya sea por John Lithgow (el clásico malo despiadado que posteriormente nos ha hecho temblar encarnando al psicópata Trinity en Dexter) o Michael Rooker (el Merle de The walking dead). ¿Que más se puede pedir?

Harry Tasker en plena misión camelándose a la atractiva Juno Skinner (Tia Carrere)...

El segundo plato corría a cargo de Arnold Schwarzenegger, bajo la siempre sabia y efectiva dirección de James Cameron, con Mentiras arriesgadas (True lies, 1994). Película que ha aguantado el paso el tiempo y sigue siendo igual de entretenida que cuando se estrenó, logrando en todo momento un gran equilibrio entre la acción y la comedia.
La historia nos presenta a Harry Tasker (Arnie) casado con Helen (Jamie Lee Curtis), aparentemente el típico hombre aburrido con un anodino trabajo de comercial. Sin embargo Harry no es lo que parece, trabajando para una organización secreta del Gobierno encargada de neutralizar las posibles amenazas terroristas contra los intereses de su país.
Un film que nos atrapa desde su escena de arranque, remitiéndonos por instantes al mismísimo James Bond con su entrada buceando (incluso el detalle de ponerse colonia), con ese punto de seductor (el tango con Juno) o la huida por la nieve, recordando a una rodada con Roger Moore.

El emblemático baile...

A partir de aquí el juego constante entre las dos vidas de Tasker nos llevará hasta una de las escenas más recordadas por todos, no lo neguemos, el tórrido baile de una Jamie Lee Curtis y la entrada en escena de la Jihad Carmesí y su intento de chantajear a los Estados Unidos con unas cabezas nucleares.
Un cúmulo de grandes escenas de acción: la pelea en los lavabos del hotel, la persecución por la autopista destruida o Arnold subido a un Harrier, por citar algunas; se alternan con unas buenas dosis de humor e ironía que le dan un buen contrapunto al film. El personaje de Carlos, el vendedor de coches de segunda mano da para mucho, el equívoco entre Tasker y Helen al ser secuestrados por la Jihad Carmesí, la caída de la metralleta por las escaleras, son solo algunas de ellas...

Ha llegado la hora de las tortas...

Una de los mejores cintas de acción de los 90 y quizás el último gran trabajo de un Schwarzenegger que desde entonces no logró otro exitazo del mismo calibre.
El cine de acción sigue pegando fuerte, y no son pocos los que buscan tomarles el relevo a las viejas glorias, entre ellos Dwayne Douglas Johnson (The Rock), Vin Diesel, Jason Statham o Dave Bautista... pero de momento que se pongan a la cola, porque los viejos rockeros nunca mueren. Larga vida a nuestros ídolos de los 80 y 90!!!!

ATLANTIDA FILM FEST 2013 (3ª EDICIÓN)

2013-03-30T07:23:00.002+01:00

Desde el 22 de marzo y a lo largo de un mes, se podrá disfrutar de la tercera edición del Atlántida Film Fest, el festival de cine online organizado por Filmin.
Una edición que demuestra la buena salud del festival, creciendo año tras año, con una cartelera que incluye un total de 37 películas (por 24 el año pasado), entre las que se incluyen dos estrenos mundiales y ocho películas que no se han podido ver en nuestro país. Filmin tiene muy clara la esencia del Festival, que no es otra que acercarnos una serie de películas que han podido ser visionadas por los Festivales internacionales más respetados (Sitges, Sundance, Cannes...), y que desgraciadamente no suelen tener la oportunidad de ser distribuidas en nuestro país.
El Festival repite formato, al dividirse en dos secciones, por un lado la Sección Oficial, que engloba una serie de films de habla hispana (españoles y latinoamericanos) que más han destacado en el último año. Y la Sección Atlas, que aparte de obras que han podido verse en Festivales Internacionales (como Compliance, Wrong, Berberian Sound Studio o Post Tenebras Lux, premio al mejor director en el Festival de Cannes), también nos trae unas cuantas sorpresas que han destacado lejos de aquí. Desde el portal de Filmin se puede adquirir un abono que nos permite ver todas las películas (menos la de inaguración y la de clausura) por un precio muy razonable de 20€, en el caso de estar suscritos ya a Filmin, el precio del Festival es de 10€.
Para todos aquellos que no quieran ver tantas películas, existe también un abono de 10€ para ver las cinco películas que más os apetezcan.
Nuestra intención es hacer lo mismo que en la edición del 2012 (ver aquí) e ir comentando las películas que vayamos viendo a lo largo de los próximos días.
Para empezar y a modo de sugerencia, os dejamos las críticas de tres películas que se incluyen en la programación y que pudimos ver en Sitges, para leer sobre cada una de ellas solo tenéis que clickar en el póster correspondiente, que las disfrutéis.

LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS (1956)

2013-03-26T19:44:00.000+01:00

A lo largo de las críticas que hemos realizado para los películas que han configurado el "Ciclo del fin del mundo" organizado por Phenomena, hemos destacado la enorme influencia que tuvo la situación socio-política en la ciencia ficción de los años 50. Lo que acabó suponiendo la aparición de piezas clave dentro del género que siguen siendo completamente vigentes, muy entretenidas y totalmente reivindicables hoy en día.
El miedo fue un elemento importantísimo en la sociedad de aquellos, años. El miedo a ser invadidos por los rusos, el miedo al comunismo, el miedo de una sociedad que vivía en primera persona la "Caza de brujas" perpetrada por McCarthy. Y en ese ambiente se gesta esta película con una invasión muy particular, porque no hay platillos volantes ni seres sumamente avanzados venidos del espacio, sino algo mucho más simple y a priori inofensivo como son las plantas. Eso sí, unas plantas invasoras decididas a extenderse por la Tierra suplantándonos y robándonos el alma. Siendo este el tema central del film, el de la suplantación, y que sería uno de los puntales de la ciencia ficción de los 50, con títulos como Vinieron del espacio (It Came from Outer Space, 1953) o Invasores de Marte (Invanders of Mars, 1953).

Miles J. Bennel y Becky Driscoll, grandes protagonistas del film...

En esta prolífica década también se estrena Planeta Prohibido (Forbbiden planet, 1956), una de los grandes cintas de ciencia ficción de todos los tiempos o La Tierra contra los platillos volantes (Earth vs. the Flying Saucers, 1956) contando con Ray Harryhausen en el apartado de efectos especiales, y que sería la obra que serviría a Tim Burton como modelo para rodar en la década de los 90 Mars Attacks!.
Don Siegel, reputado director de cine negro con obras como El veredicto (The veredict, 1946), haría su única incursión en la ciencia ficción de la mano de esta Invasion of the Body Snatchers.
Destacó posteriormente durante los 70 en el género del thriller con obras tan importantes como Harry el sucio (Dirty Harry, 1971), La gran estafa (Charley Varrick, 1973) o Fuga de Alcatraz (Escape from Alcatraz, 1979).

Una de las vainas terminando una de las copias "perfectas" de un humano...


Sorprendidos y asustados viendo lo que sale de la vaina...

La película se basa en un relato de J. Finney, quien a su vez para inspirarse tomó ideas de la obra Amo de títeres de 1951, que curiosamente fue llevada al cine bastante más tarde, en 1994 con Donald Sutherland como actor principal, quien también protagonizaría el remake de la que hoy hablamos.
La invasión de los ladrones de cuerpos fue una película tan bien hecha y con tan buena acogida, que se convertiría en la primera de Hollywood en tener un remake, cosa que hoy en día se ha vuelto un hábito tan normal que no parece tener gran importancia, pero que dice mucho del film original.
esta nueva adaptación sería llevada a la gran pantalla por Philip Kaufman bajo el título La invasión de los ultracuerpos (Invasion of the Body Snatchers, 1978). Suponiendo una más que notable revisión del clásico original, con algunas variaciones interesantes y muchos aciertos. Desde una primera escena en la que vemos como las semillas salen del planeta originario y caen mezcladas con las gotas de lluvia sobre una gran ciudad como San Francisco, creando desde el primer momento una mayor sensación de descontrol al parecer imposible controlar en semejante escenario una invasión basada en la suplantación del individuo. Destaca también la desaparición del mensaje político de fondo de la versión de Don Siegel, pasando a un terror mucho más acentuado y oscuro. Una excelente oportunidad de disfrutar y poder hacer comparaciones con este gran remake.

Los suplantadores organizando la invasión dentro del pueblo...

Llegando nuevos camiones llenos de vainas para distribuir a otras ciudades...

Posteriormente tuvo un remake escrito por Abel Ferrara, titulado Secuestradores de cuerpos (Body snatchers, 1993) que no llegó a triunfar. Y finalmente contando con dos de los actores de moda del momento: Nicole Kidman y Daniel Craig, tendría lugar su tercer remake. Bajo el escueto título de Invasión (The invasion, 2007), resultaría la adaptación más floja de las realizadas hasta ahora y un fracaso sonoro en taquilla.
Y ya va siendo hora de entrar en materia, arrancando nuestra historia en el pequeño pueblo de Santa Mira, en California, donde empiezan a suceder cosas muy extrañas como podrá comprobar el Dr. Miles J. Bennel (Kevin McCarthy), a quien algunos pacientes y conocidos del pueblo le confiesan asustados sus sospechas en relación a familiares, parejas o amigos, de quienes dicen que no son quienes aparentan ser. Lo más extraño de todo es que pocas horas más tarde las mismas personas cambian completamente su comportamiento, pasando a asegurarle que no ocurre nada extraño. Miles, acompañado por su amiga Becky Driscoll (Dana Winter) y otra pareja, descubrirán que lo que en un inicio parecía deberse a un extraño ataque de histeria colectiva, bien pronto se descubre como una invasión extraterrestre por parte de unas vainas que suplantan a la gente mientras duerme. El tiempo corre en su contra para poder escapar de allí antes de que sea demasiado tarde e informar a la autoridades acerca de lo que está ocurriendo...
La película de Siegel tiene muchos puntos destacables, pero me inclino a poner por delante de todos la sensación de desasosiego creciente que se va apoderando del film, pasando del tranquilo ambiente imperante en un pequeño pueblo americano de los 50, mientras aun desconocemos que se esconde tras la fría mirada de los vecinos del Dr. Miles, pero que poco a poco va evolucionando para adentrarnos en el género de terror y del thriller en el que el director se mostró tan efectivo en los 70.

Los últimos humanos de Santa mira no dan crédito a la invasión con la que se enfrentan...

Es aquí donde cobra sentido la historia de amor entre el gran protagonista del film, el Dr. Miles, y Becky Driscoll, sabiendo hacer que tome un mayor protagonismo que en la muchas de las obras del género de la época en las que la acompañante femenina simplemente era usada para hacerla gritar de terror en las escenas claves y poco más. En cambio aquí, su historia de amor es la última llama de sentimientos y humanidad que queda en el pueblo de Santa Mira, ya que el resto de sus habitantes son meros autómatas sin emociones. Unas emociones y sentimientos que se encuentran realmente amenazados en caso de que la conquista se extienda y acabe teniendo éxito, poniendo de relieve lo que realmente nos convierte en humanos y que de ninguna manera puede ser copiado.
Otro punto interesante y que sigue causando escalofríos es ser testigos del comportamiento de los suplantadores, como en la escena que transcurre en la plaza principal del pueblo, donde la policía espera a los autobuses que traen gente de fuera para custodiarlos nada más bajar y conducirles hacia un final que no pueden llegar a sospechar. O cuando los vecinos se reunen para recoger vainas y poderlas levar hacia los pueblos vecinos o para duplicar a los familiares que aun siguen siendo humanos. Todo ello logra una sensación de trampa que se va cerrando sin escapatoria posible, deparando para el final de la película una desesperada huida y una no menos mítica escena en la cueva.

Una persecución inolvidable...

Y si tengo que cuestionar algún punto, sin duda es el hecho de que la historia nos sea contada mediante un flashback, por lo que desde la escena inicial ya sabemos quien sobrevive, restándole una enorme emoción que sin duda aun habría beneficiado más a la película. Un hecho que como suele ser habitual, no fue idea de Siegel y le vino impuesto por parte del estudio, que prefirió transmitir cierto mensaje de esperanza a una historia que merecía quedar más abierta (como es el caso del remake de los 70) o darle un final terrible pero plausible por como se desarrollan los acontecimientos.
A pesar de este detalle, que al final se queda en esto, la película sigue siendo una de esas citas ineludibles de la ciencia ficción a pesar de los casi 60 años que han pasado desde su estreno. Recomiendo que tras verla, echarle también un vistazo a la versión que rodó Philip Kaufman, ambas resultan ser excelentes con algunas diferencias que hacen inevitable su comparación y acabarán por hacernos inclinar un poco más hacia una de ellas. En mi caso lo haría por La invasión de los ultracuerpos, más oscura y terrible en mi opinión. ¿Con cual os quedáis vosotros?

PHENOMENA: EL CHIP PRODIGIOSO + WILLOW

2013-03-19T10:40:00.002+01:00

A lo largo de esta tercera temporada del Phenomena Experience, hemos podido disfrutar con una enorme variedad de títulos para todos los gustos y géneros. Hemos repasado algunos de los grandes clásicos de la ciencia ficción en el "Ciclo del fin del Mundo", con películas tan míticas como El tiempo en sus manos, Cuando el destino nos alcance, Fahrenheit 451 o La invasión de los ladrones de cuerpos. Hemos viajado junto a Charlton Heston hasta el Planeta de los simios, de la mano de Sergio Leone hemos acompañado a Clint Eastwood en uno de los films claves del spaghetti western, Por un puñado de dólares.
Se ha rendido un merecido homenaje a Quentin Tarantino en una sesión que nos permitió revisionar la cinta clásica que inspiró su última obra, Django, y su obra más redonda hasta la fecha y que es un clásico indiscutible de los 90, Pulp Fiction.
Ha habido tiempo para ponernos románticos con la San Valentin Experience, con Pretty Woman y Dirty Dancing. Se ha creado el sello Phenomena Premiere, que pretende llevar a la gran pantalla algunos títulos que no han tenido la oportunidad de entrar en la cartelera comercial, más centrada en los blockbusters más rimbombantes, que en ofrecer títulos que como Killer Joe ya triunfó en el Festival de Sitges de hace dos años.
Este viernes día 22 de marzo vamos a tener una sesión doble con las dos grandes figuras del cine de acción de los 80 y 90, escalando montañas con Stallone en Máximo riesgo, y con Schwarzenegger en el papel de una aburrido hombre de negocios que lleva una doble vida como espía en Mentiras arriesgadas.
Podéis comprar las entradas en Atrápalo: http://www.atrapalo.com/entradas/phenomena-maximo-riesgo-i-mentiras-arriesgadas_e75034/.
Ahora Joe Dante y Ron Howard se van a encargar de hacer que volvamos a creer en princesas, brujas y aventureros intrépidos.

La fantasía llega a Phenomena Experience con El chip prodigioso y Willow. Cuando la magia se cuela en la pantalla, puede ocurrir cualquier cosa. Viajes imposibles, aventuras cargadas de imaginación y héroes fuera de lo común. Por eso, la fantasía y la magia han sido una parte importante del cine que nos ha marcado desde que éramos pequeños. Phenomena Experience recupera toda esa imaginación en el programa doble que proyectará el 12 de abril en el Palau de Congressos de Catalunya. Una sesión para volver a soñar. Con El chip prodigioso, el director Joe Dante conseguía una divertida revisión a la idea que ya planteaba Richard Fleischer en 1966 con Viaje alucinante. Donde Dennis Quaid se convertía en un minúsculo tripulante de la nave que se paseaba por el cuerpo del actor Martin Short. Meg Ryan ponía
la pincelada romántica, tanto dentro como fuera de la pantalla, mientras que Spielberg se encargó de la producción y de algunas de las ideas más originales de esta comedia.
Y fue un buen amigo de Spielberg, George Lucas, quien tuvo la idea original de Willow, un proyecto que el director quería convertir en trilogía. Finalmente, Lucas prefirió cederle el guión a un director por entonces primerizo, Ron Howard, quien contó con muy buenos aliados para crear esta oscura fábula repleta de magia que consagró al actor Warwick Davis. La banda sonora de James Horner, la producción de Lucas y el
storyboard diseñado por el ilustrador Moebius contribuyeron a que Willow pasara a nuestro imaginario colectivo como una historia de fantasía, tierna y aterradora. Todo lo que un buen cuento debería tener.
Las entradas estarán a la venta a partir del miércoles 20 a las 18h. Nos vemos allí...

LA MIRADA DE JOHN CARPENTER

2013-03-11T08:49:00.002+01:00

Una tenue luz titilante surge del interior de una gigante calabaza vacía, de sonrisa y mirada maléfica, símbolos inequívocos de brujería y malas artes. De manera sutil, la cámara nos aproxima hasta el detalle de sus ojos sin alma, acompañada de una inquietante melodía de sintetizador. El temor que a menudo provoca la oscuridad absoluta, se ve incrementado aquí por este objeto inerte, que parece cobrar vida.
Tras la calabaza, un rótulo nos ubica. Corre el año 1963 y estamos en Haddonfield, Illinois. Alguien acecha la casa de los Myers en plena noche de brujas. Un fabuloso plano secuencia, con tratamiento subjetivo, nos hace cómplices de lo que está a punto de suceder. Nos acerca a la casa, nos muestra desde la ventana lateral como una pareja se besa en un sofá. Segundos más tarde, los jóvenes deciden subir a la habitación del piso superior. La cámara no se detiene. Llega la hora de entrar, y tras bordear el lugar y acceder a la cocina por la puerta de atrás, nos hacemos con un cuchillo. La música incrementa nuestra tensión. Ya estamos dentro, y parece que sabemos a qué hemos venido.
El chico ya se marcha, no sin antes prometer tímidamente que llamará. La cita terminó. Subimos las escaleras y encontramos en el suelo una careta de payaso que nos cambia la visión. Ahora nuestra mirada se parcializa. Y allí está la chica, en su tocador, medio desnuda y peinándose mientras canturrea. Sin mediar palabra, le asestamos 9 frías puñaladas provocándole la muerte. Nos ha reconocido poco antes de morir, éramos Michael, su hermano de tan sólo 6 años. Y esto, es la noche de Halloween.
Así abre John Carpenter su film de terror más recordado, claro heredero del "Psicosis" de Hitchcock y que aglutina todos los ingredientes propios de su posterior trabajo cinematográfico. Podemos destacar dos conceptos recurrentes en el trabajo del cineasta; la figura omnipresente del “Mal” en cualquiera de sus formas y el asedio a los edificios, ya sean casas, apartamentos, iglesias, granjas, comisarias, instituciones mentales, estaciones en la Antártida o incluso en Marte.
En la citada “La noche de Halloween” (Halloween, 1978) Carpenter nos muestra el Mal a través del pequeño de los Myers, dibujando un ser humano desalmado, indestructible y verdaderamente aterrador. A lo largo del film, no veremos su rostro, siempre cubierto con una máscara sin expresión y atestiguaremos el continuo acecho hacia sus jóvenes víctimas, para más adelante cobrarse sus vidas en la oscuridad de sus hogares.

Una visión subjetiva de cámara abre el film "Halloween"

Visión tras la máscara de payaso en el joven Michael Myers

Los recursos técnicos y/o estéticos más reincidentes en “La noche de Halloween” son sin duda el uso de la cámara subjetiva, de la steady-cam, los planos desde el interior (o encima del capó) de un automóvil, los travellings laterales con profundidad de campo y de esa omnipresente música de sintetizador, amén de los helicópteros, la pérdida de línea telefónica o la figura del anti-héroe (aquí personificada por el mítico Donald Pleasence en una versión aterrada de Van Helsing).

Dos años antes, en su segundo film como realizador, “Asalto a la comisaría del distrito 13” (Assault on precinct 13, 1976), Carpenter plantea un ejercicio visual muy próximo al tono citado. Arranque en plano subjetivo (el tiroteo en el callejón), uso reiterado desde el interior del coche o el capó, travellings laterales diversos, asedio a un edificio (en este caso, la comisaría del título), una representación constante del Mal, que aquí viene dado por la banda de asesinos sin escrúpulos que matan incluso niños sin pestañear y como no, su atrincheramiento final en el recinto. Como bien cabe subrayar, de nuevo recurrirá a los helicópteros, los teléfonos cortados o al anti-héroe reivindicado (el irónico convicto Napoleón Wilson).

Tampoco faltarán estos elementos en su mejor obra hasta la fecha, la claustrofóbica monster-movie “La Cosa” (The thing, 1982), un inteligente remake que Carpenter dedicó al clásico “El enigma de otro mundo” de 1951 y que incluso refleja mejor que nunca estos ingredientes, nutriéndose de ellos para lograr un resultado fascinante. En este caso además de los recursos nombrados, hay un uso espléndido de la luz en el interior de la estación antártica, se le otorga una nueva dimensión a lo maligno (aquí, un extraterrestre descongelado por accidente fagocita y aniquila al grupo de científicos) y se acentúa la figura del falso héroe, situando a todos los supervivientes en una misma tesitura moral; ¿quién de ellos está infectado?.

Resulta ciertamente interesante acercarse al universo de Carpenter y encontrar esos puntos de conexión inherentes a su obra, ya que salvo excepciones (el biopic de Elvis Presley, la floja e impersonal “Starman” o la prescindible “El pueblo de los malditos”), todas las películas del pintoresco neoyorquino encierran un mundo propio, personal y fascinante donde el Mal siempre acecha, se obliga a los protagonistas a encerrarse en fortines y donde el uso del teléfono (o similares) deviene fundamental.
Un universo donde Carpenter ha decidido plantar sus raíces y desde el cual nos regala su peculiar visión del cine.

LA JUNGLA: UN BUEN DÍA PARA MORIR (2013)

2013-02-22T18:12:00.001+01:00

Quinto y desmerecedor abrazo cinematográfico a la rentable saga "Die Hard" (conocida aquí como "Jungla de Cristal" simplemente por el edificio Nakatomi de la primera parte), que lejos de ser casual, coincide con el vigésimo quinto aniversario de la franquicia y pretende acabar de exprimir lo que aún queda del socarrón policía de Nueva York.
Hasta la fecha, el filón protagonizado por Bruce Willis ha sufrido altibajos de cierta consideración, pero ha conseguido mantener el tipo durante más de 2 décadas, tanto en taquilla como ante la crítica.
Ya en 2013, y en retrospectiva, vemos como sus entregas impares resultaron las más destacables (con un inicio que marcó época y una notable tercera parte a ritmo de videojuego), y no como sus pares, que sin duda fueron las más discretas....hasta ahora.
En este quinto (¿y último?) (re)encuentro, acompañaremos a John McClane/Bruce Willis (ya no sabemos la diferencia) hasta Rusia, donde su hijo, un agente encubierto de la CIA, lleva trabajando durante los últimos 3 años en un caso de alto secreto. Éste, anda liado con importantes personalidades del país soviético, pero se topará con su padre en mitad de una misión, a priori, sin fisuras. Así, John McClane Jr. (Jai Courtney, visto en "Spartacus: Sangre y Arena") deberá cambiar su plan y afrontar su peligrosa misión acompañado de su viejo padre, al cual no quiere ver ni en pintura.
Una vez degustado, digerido y centrifugado el filme como se merece, caeremos en la cuenta de que la fórmula, por mucho que la adornen con efectos actuales, definitivamente ha expirado. Ya nada es lo mismo.....¿o sí?
Pese a la unánime sensación de secuela-fracaso, "La Jungla: Un buen día para morir" continúa siendo una jugada industrial del todo rentable (ya se oye el frotar de manos en la 20th Century Fox), amenazándonos a todos con una posible (e indeseable) sexta aventura de tiros, explosiones y cosas destruidas.

Porque lo que ofrece esta nueva entrega es, simplemente, una sobredosis de acción directa por vena, algunos chistes propios del héroe (que funcionan con cuentagotas), los típicos chicos malos con metralletas y helicópteros vestidos de negro, todos desubicados, y moviéndose al son de una serenata propia de un telefilm a lo Mario Van Peebles una madrugada de sábado.
El supuesto "gancho" juvenil de situar a la estrella de la función junto a su hijo (como también sucedió con la 4ª de Indiana Jones) ni nos atrae, ni mucho menos se debería aplaudir. El pequeño de los McClane resulta aquí un personaje antipático, insustancial y muy mal actuado (Jai Courtney no construye bien su rol, dándole poco o nada dramatismo al entuerto cuando es necesario, y casi diría que estorbando la función en sí misma).
Lamentablemente, lo mismo ocurre con el resto del reparto, que aparece sin dejar huella ni señas de identidad propia en el espectador no neófito, que se resiste a creer esas interminables desdichas "ocasionales" del justiciero yanki (además, sucede eso tan curioso de las películas que los extranjeros hablan entre ellos, pasados los minutos, en el idioma de Shakespeare).
Pero si alguien tiene la culpa de todo, ese es el director de orquesta, el inefable John Moore. Con tan sólo un vistazo rápido a sus credenciales básicas (televisión de segunda fila, remakes, secuelas, encargos desechables, etc...) y dos dedos de frente, quedaba claro que esto le venía grande.
El supuesto cineasta hace un uso pésimo del ya olvidado "zoom rápido", mueve la cámara con nerviosismo amateur y denota un dudoso sentido del encuadre (¿pero cuantas veces se sale de campo?), lo que enfada, irrita y finalmente aturde a cualquiera que pretenda meterse en la película.
El archipresente filtro gris-frío del metraje (claro, estamos en Rusia...) es una mala decisión, pues le resta mucha personalidad al producto y frena su efecto visual (que sin duda, es su mejor baza).
Tampoco sirve desenpolvar el antiguo desastre de Chernóbyl, usar tópicos irresponsables (como reducir al ciudadano ruso a taxistas tontainas o a criminales de polipiel) o destrozar más coches que en cualquier otra película que yo recuerde (llega a ser agotador el ruido de los accidentes), ya que son todos claros síntomas de un film apabullado en su realización, mediocre en su composición e inmerecido para la saga.

Por contra, y recuperando el aliento siempre positivo que creo me caracteriza, diré a su favor que contiene un par de secuencias brillantes, ambas conseguidas gracias a las cámaras de super alta velocidad (esa caída de McClane soltándose del helicóptero y rompiendo la cristalera o algunas espectaculares tomas de carretera); incluso creo que el veterano Bruce Willis sigue a la altura de las circunstancias, conservando su mirada esquiva, su arrogancia gestual y llevando la camiseta blanca ensangrentada igual de bien que hace 25 años.
Resumiendo, la quinta entrega de "La Jungla" (sí, hoy es un buen día para que que la franquicia muera, como bien alerta su título) se parece mucho a cualquier artefacto millonario de una industria Hollywoodiense que copia y pega los mismos trucos sin descanso, pero que entretiene y satisface al insaciable espectador que paga gustosamente en taquilla por su dosis. En fin, como bien escribiría nuestro gran admirado Carlos Aguilar "...una secuela ramplona únicamente para los ya convencidos o completistas de la masculina saga".

KON-TIKI (2012)

2013-02-18T01:31:00.001+01:00

A medida que cumplimos años, la mayoría de nosotros sentimos la inevitable, dramática y determinante llamada de "la responsabilidad". Un peculiar trastorno del ser humano que nos empuja a dejar atrás nuestra adorada infancia (y con ella nuestro espíritu más aventurero) para despertarnos sin paracaídas ante un mundo nuevo, el del adulto responsable.
Entonces descubrimos que todo ha cambiado, ya no hay redes que soporten nuestro peso ni columpios que nos sostengan, y nos invade la irremediable sensación de que el peligro nos acecha en todas las esquinas, de que somos vulnerables. Así pues, riesgo deja de ser sólo una palabra perdida del diccionario para formar parte de nuestra manera de entender la vida, volviéndonos cada vez más prudentes.
El caso del científico noruego Thor Heyerdahl (1914-2002) fue la excepción que confirmó esta regla. La gesta que el escandinavo realizara en 1947 es todo un ejemplo aislado de valentía adulta, una hazaña tan arriesgada, irresponsable y temeraria que sólo puede entenderse desde una perspectiva juvenil, casi infantil.
Heyerdahl sostenía la hipótesis de que los habitantes de la Polinesia (donde él vivió durante una década) eran descendientes directos de los habitantes del Este (Suramérica), y no del Oeste (Asia) como todos creían. Sus años de estudios basados en las corrientes, los vientos y las mareas, más una fuerte fe al Dios Maorí "Tiki", empujaron a nuestro aventurero nórdico a una locura sin parangón.
Cansado de que nadie prestara atención a sus estudios, puso rumbo a Perú, agrupó a un equipo de cinco valientes (entre ellos, un cámara de cine) y juntos trabajaron para construir su propia balsa, únicamente con materiales autóctonos y que fueran propios de hace 1500 años.
Su intención era demostrar que, tan sólo con la ayuda de las mareas y los vientos del Pacífico, serían capaces de atravesar el imprevisible océano (más de 100 días para recorrer los 8000 kilómetros entre ambos puntos) para llegar hasta las islas Polinesas, tal y como sus estudios indicaban, confirmando así que los sudamericanos podrían haber sido los primeros colonizadores de aquellas lejanas islas.
Dicha heroicidad, bautizada como "Kon-Tiki", acabó siendo galardonada con el Oscar de la Academia de las Artes y las Ciencias cinematográficas al mejor documental en 1951, convirtiéndose de esta manera en el primer film noruego en obtener dicho premio.
65 años después y ahora bajo la batuta de Joachim Ronning y Espen Sandberg (ambos noruegos), el "Kon-Tiki" vuelve a la mar, plasmando con mayor detalle las consecuencias del viaje más importante en la vida de Thor Heyerdahl.
El filme, que en ningún momento busca reivindicar el éxito del científico ni recrearse en la angustia que la travesía pudo causar al equipo (sería excesivo llamarlo tripulación), aboga por un estilo narrativo claro y firme, sin artificios de ningún tipo ni excesos efectistas, y plasmando tamaña acción marina sin apostillarla lo más mínimo.

Renqueante en lo que a profundidad de personajes se refiere (no ahonda lo suficiente en el equipo de Thor como hubiese podido), con interpretaciones poco más que correctas (como era de prever dada la frialdad nórdica) y salpicada de tímidos pero efectivos recursos CGI, el film sin embargo puede enorgullecerse de desprender un estimulante halo filántropo capaz de traspasar nuestra retina y llegar a nuestras consciencias.
Asistiremos a ver como la película avanza con discreción escandinava (sutileza de cámara, equilibrio técnico y artístico, frialdad narrativa..) casi como si de otro documental se tratase, para luego regalarnos una espléndida segunda mitad repleta de significado humanista, del reencuentro del ser humano con la Naturaleza siendo esclavo de su condición, y no al contrario.

Al mismo tiempo, y durante la dura travesía oceánica, seremos testigos de una de las mejores elipsis que el cine pueda ofrecer. Los seis hombres a su suerte, tumbados en círculo y mirando al cielo, serán la primera imagen de un fabuloso plano secuencial que nos llevará desde el más mínimo detalle de sus crecidas barbas hasta la mismísima exosfera, volviendo de nuevo al punto de origen en un bello y sinuoso movimiento elíptico capaz de explicar por sí mismo, el paso del tiempo.
Todo un ejercicio de humildad hacía la figura del ser humano que, como una presencia insignificante en la inmensidad del universo, se descubre del todo vulnerable, como el adulto que todos llevamos dentro.

LA HUMANIDAD EN PELIGRO (THEM!) (1954)

2013-02-16T10:33:00.002+01:00

Resulta interesante a medida que uno va cumpliendo años y va teniendo un bagaje cada vez mayor de películas, descubrir referentes que influyeron en alguno de los directores que más me marcaron en mi juventud y que me hicieron disfrutar como pocas cosas la magia de ir al cine.
Quien tenga entre 30 y 40 años dificilmente ha escapado de la influencia de las obras de grandes realizadores como Steven Spielberg (E.T, La saga de Indiana Jones, Jurassic Park, La lista de Schindler, Tiburón, etc...) o James Cameron (Terminator I y II, Aliens el regreso, Abyss, etc...).
Por lo que no es extraño plantearse si al pasar a estar ellos detrás de las cámaras, su obra se ha visto de alguna forma influenciada por las películas que más disfrutaron en sus años mozos.
La película de la que vamos a hablar un poco hoy, al menos nos deja algunas respuestas en cuanto a la persona de James Cameron, fantástico director nacido en 1954, curiosamente el mismo en que llegó a los cines La humanidad en peligro. Seguramente debió verla en alguna reposición en televisión o en uno de los cines de barrio a lo largo de su juventud, pero lo que no podemos negar es que algo quedó profundamente grabado en su retina, para que en 1986 al aceptar rodar la secuela de Alien (1978), le rindiera un más que identificable homenaje en la mayor parte de su trama. Pero hablemos un poco del original que ya tendremos tiempo de realizar las comparaciones de turno después.

La pequeña en pleno desierto...

Them! la podemos enmarcar dentro del subgénero de la ciencia ficción de los años 50 que nos presentaba los efectos colaterales del uso incontrolado de la energía atómica, merced de toda una serie de criaturas gigantescas mutadas por la radiación como norma general. Como por ejemplo el dinosaurio que despertaba tras un ensayo nuclear en El monstruo de los tiempos remotos (1953) o el alubión de entregas desde Japón del mítico Godzilla. En esta producción se eligió partir de unas criaturas que en su estado natural no suponía ninguna amenaza para el hombre: simples hormigas, para poner de manifiesto las posibles consecuencias de la radiación. El consiguiente éxito que tuvo, suscitó una explotación del filón donde la humanidad se enfrentaba a insectos de enormes dimensiones, con títulos como: Tarántula (1955) o La araña (1958). Y si me permitís, me atrevería a decir que la más moderna Starship Troopers (1997) no deja de ser lo mismo pero en el espacio.

Inspeccionando el interior de la caravana destruida...

La historia está basada en un relato de George Worthing Yates, guionista americano que en la década de los 40 escribió relatos de cine negro e intriga principialmente, pero que con la llegada de los años 50 y con el consiguiente auge de la ciencia ficción, no dudó en subirse al carro de las nuevas modas y le tenemos que atribuir un buen puñado de obras de género como Them! (1954), La conquista del espacio (1955), Surgió del fondo del mar (1955), La tierra contra los platillos volantes (1956) o La araña (1958), por enumerar algunas de ellas.
El elegido de trasladarla a la gran pantalla fue Gordon Douglas, un trotamundos de la dirección que a lo largo de su carrera supo adaptarse a todo tipo de encargos que fueron pasando por sus manos, llegando a rodar casi un centenar de obras, tocando los más variados géneros. Desde el cine de aventuras, westerns, musicales, cine negro, donde destacan La gran amenaza (1948) y Corazón de hielo (1950) con el gran James Cagney en uno más de sus papeles de despiadado gángster; adentrándose también en la ciencia ficción en la cinta que hoy pasamos a comentar.

Y por fin, el causante de todo se muestra...

La película arranca en pleno desierto de Nuevo México, donde la aparición de una niña en estado de shock vagando sin rumbo es solo el primero de algunos hechos misteriosos que rompen la tranquilidad del lugar. La caravana destruida de los padres de la pequeña y su desaparición, un negocio de carretera arrasado y su dueño cruelmente asesinado o la aparición de una extraña huella, serán pruebas con las que se deberá enfrentar la desconcertada policía de la zona. Incapaces de entender qué está pasando allí, solo gracias a la posterior participación del FBI y la colaboración del Dr. Metford (eminente experto en el interesantísimo campo de las hormigas) lograrán traer algo de luz al caso. Descubriendo éste que tras las pruebas nucleares realizadas en dicho desierto años atrás, las hormigas de la zona han mutado para convertirse en gigantescas criaturas que amenazan, en caso de reproducirse y crear nuevas colonias, a la mismísima humanidad.

Abriéndose paso dentro del hormiguero...

Quemadlo todo... sobre todo los huevos...

El film funciona desde el primer momento gracias a su mejor baza: una excelente ambientación y el saber crear una tensa atmósfera. Destacando estos atributos principalmente en su primera media hora, la mejor parte, donde asistimos a las labores de investigación por parte de la policía en pleno desierto como si de unos casos de asalto, desaparición y asesinato se trataran. De esta forma les vemos analizar las pistas que van apareciendo en las distintas escenas criminales (caravanas destrozadas desde su interior, azúcar desparramado por el suelo, extrañas huellas o la aparición en los análisis forenses de una de las víctimas de ácido fórmico en su cuerpo). Todo ello mientras esperan que la niña salga de su estado para poder averiguar si puede explicarles que ha pasado allí; para acabar con la entrada en el hormiguero. Un buen ejemplo de como sacarle el mejor partido posible a un ajustado presupuesto, dejando fuera de plano algunos ataques y jugando con buen tino la baza del sonido, siendo lo único que nos llegué de la escena, obligándonos así a dejar volar nuestra imaginación (y funciona...).

A pesar de ser una película que no contó con un gran presupuesto (es el típico producto de serie B de esos años), fue nominada al Oscar en el apartado de efectos especiales en 1954, demostrando la eficacia de las maquetas de las hormigas gigantes (hoy se las ve simplonas, pero simpáticas), así como los inquietantes efectos sonoros. Logrando crear siempre una tensa atmósfera tanto en el siempre amenazante desierto de Arizona como en los oscuros túneles bajo la ciudad.
La parte central del film es la más "aburrida" (a pesar de que está bien realizada y estructurada en todo momento, no digo lo contrario). Pero pasamos de la gran acción y geniales escenas en el interior del hormiguero del desierto a un continuo ir y venir a despachos, donde se plantea a las autoridades pertinentes los peligros potenciales de la situación; y una serie de interrogatorios de posibles testigos que han visto hormigas gigantes. Siendo unos minutos donde desgraciadamente no disfrutaremos de ningún tipo de acción destacable, más que seguirle el rastro a las reinas que escaparon del desierto.
Sin embargo, para los últimos minutos tendremos nuestra recompensa con la entrada en juego del ejército al nido de las hormigas en el subsuelo de la ciudad de Los Angeles y el consiguiente enfrentamiento final entre humanos y los insectos, regalándonos una serie de escenas que nos remitirán mucho al film de Cameron, como he comentado antes.

El ejército contra las hormigas soldado en el subsuelo de Los Angeles...

Hay multitud de guiños a lo largo del film, empezando por la pequeña que anda perdida por el desierto agarrada a su muñeca rota, que en Aliens sería la hija de los colonos: Newt. Compartiendo con ella, el estado de shock en que está sumida y ser la única que conoce la verdad de la amenaza a que se enfrentan.
La entrada de las tropas al nido armados con lanzallamas, su búsqueda de la reina, la escena donde queman los huevos de la colonia, las escenas donde el Dr. Metford trata de convencer a las autoridades del peligro real podríamos buscarle su paralelismo con el desesperado intento de la teniente Ripley de hacer ver a los responsables que la han rescatado de su letargo espacial, del peligro que corren los colonos. Y así seguiríamos con más detalles del especial "homenaje" que Cameron rindió a Them!.
Se trata de una obra muy disfrutable, que hará las delicias de los amantes del cine clásico de ciencia ficción, que además cuenta con unas actuaciones bastante decentes. Por encontrarle algún pero, destacaría principalmente una falta de coherencia en el paso del tiempo entre varios hechos del film, con unos saltos de meses que creo que no quedan bien explicados, pudiendo dar lugar a cierta confusión. Por supuesto tenemos moraleja final anti-nuclear, intentado concienciar al público de los peligros de las pruebas nucleares. Pura serie B de los 50...

LA TRAMA (2013)

2013-02-13T10:13:00.001+01:00

En 1993, los gemelos Albert y Allen Hugues, también conocidos como "The Hugues Brothers", sorprendían a crítica y público con su espléndida ópera prima "Infierno en Los Ángeles" (Menace II Society). El film, se reveló como un duro, directo y comprometido manifiesto a la comunidad negra de entonces. Fuimos muchos los que, atraídos por tamaño paso al frente, seguíamos de cerca sus nuevas propuestas (pese a las distancias culturales que nos separaban, muchos puntos eran fácilmente aplicables a la vida de cualquiera de nosotros). El cine de los Hugues, con la opresión de la sociedad afroamericana casi siempre como leitmotiv, siguieron realizando films de menor resonancia, como la fallida "Dinero para Quemar" (Dead Presidents, 1995), la tangencial "Desde el Infierno" (From Hell, 2001) o la más reciente, "El Libro de Eli" (The Book of Eli, 2010), ascendiendo tímidamente en los círculos del gran business.
Sin embargo, sería el altercado de Allen con el controvertido rapero/actor Tupac Shakur lo que propiciaría que su nombre poblara los periódicos y le empañara una carrera en proceso de solidificación (Shakur sostenía que Allen Hugues no cumplió su promesa de un papel protagonista, llegando incluso a las manos).
En 2012, y con su hermano Albert afincado en la lejana República Checa (donde vive con su mujer de siempre y está inmerso en sus proyectos personales), Allen realiza su segundo film en solitario, la cinta de intriga política "La Trama" (Broken City).
Aquí, el ex-agente de polícia Billy Taggart (el también productor del film Mark Wahlberg) trata de salir adelante como puede haciendo las veces de detective privado, pero las deudas lo ahogan sin remedio y su mundo se tambalea.

Será la inesperada llamada del candidato a la alcaldía, el Mayor Hostletler (Russell Crowe), lo que le dará una oportunidad al desencantado Billy de saldar sus deudas y así salir del pozo económico en el que se encuentra.
Para su sorpresa, el encargo será confirmar una supuesta infidelidad de la mujer del político, la intrigante Cathleen (encarnada sin novedad por una Catherine Zeta-Jones que parece recién salida de un catálogo de cosméticos). Tras aceptar, Billy se verá envuelto en un sucio asunto político de interés nacional, con peces gordos implicados; además de ver como su matrimonio se desmorona, sus conocidos se vuelven sospechosos, el alcohol vuelve a su rutina y se acumulan las intrigas alrededor del caso.

No temáis, ya que como premio de consolación para el espectador ante tan manida "trama", diré en su defensa que tras salir de su visionado, el film de Hugues supera las expectativas iniciales (el olor que puede desprender el producto a primera vista no es del todo justo) y que, aún siendo una película de corte "industrial", se sostiene como una discreta mixtura entre un thriller con tintes del cine negro más de vanguardia y un telefilm de infidelidades al uso.
Personalmente sostengo que su principal error es de cásting. La estática interpretación de Wahlberg al personaje (ese tic de las cejas debería frenarlo más) encaja más en términos contractuales que por motivos artísticos, y la degradación del Billy en pantalla (para mí, un aspecto muy interesante del guión, lamentablemente mal explotada), no responde a su saludable y pétrea forma física.

En cambio, el Alcalde Hostletler sí encaja en la (cada vez más) ancha percha de Crowe, que se ajusta a la perfección a su alter ego fílmico y nos regala un político muy creíble a la par que evoca (de forma muy profesional), una interesante visión de un hombre inseguro, frustrado y embriagado de poder.
Obviando razones interpretativas, la película se deja ver sin bostezos pero desemboca en un punto que la desmerece. Su visión pesimista y decadente del protagonista principal es loable, buscando que se redima con una pulsión final algo moralista pero efectiva, y obsequiando al espectador con algunas secuencias destacables dentro de su metraje (la reunión en la terraza de Billy y Cathleen, el momento de formalizar el caso...). Aunque justamente, por flaquear en su segunda mitad, equilibra negativamente la balanza con escenas mucho menos acertadas, como cuando Billy consigue esa caja con documentación valiosa (¡¡atención a esta escenita totalmente suprimible!!), la relación con su mujer (una subtrama obligada pero disfuncional), el alcohol o incluso determinados personajes secundarios que no los echaríamos de menos si no estuvieran, por ser sutil.
Con todo, Broken City satisface nuestra sed de cine y se aleja bastante del siempre presente asunto de razas en la filmografía de Allen (aunque no faltarán, por supuesto, los ritmos hip-hop en la B.S.O).
Para terminar, también decir a su favor que cuenta con un sentido del humor bastante acertado, sobre todo en la relación de Billy con su guapa y desaprovechada secretaria, arrancando al espectador una sonrisa en media docena de ocasiones. Lo dicho, un film decente que trata de un tema muy serio con cierta ambigüedad moral (la política es corrupta sí, pero todos los ciudadanos también).

TIEMPOS MODERNOS (1936)

2013-02-08T01:06:00.000+01:00

Más temprano que tarde, todos los que nos consideramos cinéfilos y/o cinéfagos, terminamos aceptando nuestra deuda con el maestro Charles Chaplin. Y no únicamente por convertirnos en herederos de más de una docena de obras maestras del cine en clave de comedia, sino por demostrar al escéptico mundo del celuloide que a través de la pantomima y el humor también se pueden realizar verdaderas obras de arte.
Todos (quién más o quien menos) conocemos la genial y generosa filmografía del genio británico, sus increíbles aportaciones al territorio humorístico y su capacidad para mantener vigente su estilo aunque corran raudos los años. Así, a día de hoy, me gustaría rendir mi más sincera pleitesía a uno de sus regalos más extraordinarios y esenciales que él entregó al cine, su imperecedera y valiosa "Tiempos Modernos" (Modern Times, 1936).
Y es que pocas veces uno se deja engatusar tan rápido y tan gustosamente por el visionado de una película, aceptando su juego desde la primera escena (memorable Chaplin en la fábrica) y disfrutando como un niño que acaba de descubrir la arena de la playa.
No es mi intención mostrar las entrañas de este clásico desde mi obsoleto y aporreado teclado (aunque confieso que cada momento de esta deliciosa comedia -y roza los 90 minutos- merecería un extenso análisis y mi más absoluta veneración, pues pocas veces una misma cinta auna tantos aciertos), pero sí que rescataré aquellas secuencias y grandes momentos que se consideran ya parte del culto cinematográfico histórico.
En "Tiempos Modernos", Chaplin es un trabajador cualquiera de una fábrica cualquiera que asume sin rechistar el extenuante ajetreo de su día a día. Hora tras hora y sin casi descanso (delirante escena de esa máquina que alimenta al obrero sin que pare de rendir), atornilla frenéticamente las piezas de la cadena de montaje hasta acabar física y mentalmente anulado.
Un día, sobrepasado por las circunstancias, el obediente obrero comete "algunos errores" que le valdrán el despido (con esa maravillosa secuencia de Chaplin entre los engranajes de la fábrica, una ya incunable impronta para el ojo cinéfilo) no sin antes dejar para la posteridad ese atornillamiento descontrolado de todo lo que se terciara.

Al ser expulsado de su oficio, y sin mayor aspiración que conseguir otro empleo en época de crisis (me ahorro el comentario fácil al respecto..), el hasta ahora modélico ciudadano vivirá todo tipo de incongruencias sociales causadas por la irrupción de la imperante industrialización en la ciudad. Entrará en la cárcel por tildársele erróneamente de comunista para salir poco después convertido en un falso héroe, se enamorará de una chica pobre y huérfana e imaginarán una vida en común con "pequeños" lujos (en esa casa entre cochambrosa y romántica) o incluso se empleará en trabajos de toda índole (siendo, por supuesto, su momento álgido y muy "sonado y sonoro" su actuación cantada al final de la cinta).
Chaplin deja patente en su discurso que la deshumanización se acentúa sin remedio con la llegada de la industria al país (la poderosa era de la maquinaria) llegando a plasmarlo en pantalla usando únicamente voces a través de ellas, como si la llegada del sonoro (éste era su film despedida del cine silente) equivaliese al fin de una era, más cargada de artificios y de menos candidez humana que la muda.
Como remarco, aquí sólo hablan las máquinas, ya sea a través de pantallas en el trabajo (algo rabiosamente actual, por otro lado), megafonías o radios, y se dibuja una decadente sociedad absolutamente autómata, ilógica y repleta de incongruencias, tal y como reflejan las escenas de la fábrica, la manifestación, el interés del obrero en paro por entrar en prisión, los trabajos que éste acepta....que dejan claro que Chaplin no sólo lamentaba la llegada del cambio (dejar el cine mudo le dolió demasiado) sino que nos dice que parece no encajar demasiado en ningún "nuevo" ámbito social, ni dentro ni fuera.

Tiempos Modernos en rigor, no deja de ser una "colección de grandes momentos" de previos trabajos de Chaplin dentro de su dilatada faceta como cortometrajista, donde rescata secuencias de "Charlot en la tienda" (The Floorwalker, 1916) copiando el momento "escaleras mecánicas", "Charlot, héroe del patín" (The Rink, 1916), de donde saca la estupenda escena de los patines en los grandes almacenes o el hecho de ser empleado como camarero, extraído directamente de "Charlot camarero" (Caught in a cabaret, 1914), donde son idénticas sus habilidades en el servicio.
Lejos de restarle méritos al film por dicha razón, creo que en este caso particular resultó una auténtica genialidad rescatar esas, por otro lado excelentes secuencias, de sus trabajos previos para darles forma de largometraje, demostrando una vez más (y van...) su maestría y personalidad delante y detrás de las cámaras.
Pero quizás sea en ese punto donde me disminuya ligeramente el entusiasmo global y acabe por no darle la excelencia absoluta. Y es en la falta de humildad del británico a la hora de realizar sus proyectos.
Como ya subrayé en el post de "Monsieur Verdoux" , en mi opinión Chaplin suele pecar de autosuficiencia, acaparando casi el 100% del metraje y siendo dueño y señor de la cámara, evidenciando, una tal vez, desmesurada "autoridad" (en todas sus acepciones).
Su compañera de correrías fílmicas (dentro y fuera de plató), la bellísima (y simpatiquísima según cuenta Errol Flynn en su fantástico libro) Paulette Goddard, también tiene su momento de gloria, pero siempre a la sombra del verdadero protagonista, el soberbio (también en sus varias acepciones) maestro del humor mudo.

Detrás de sus más de una docena de brillantes escenas sin desperdicio (en la fábrica, en la cárcel, en el centro comercial, en el restaurante, en la casa abandonada...), de un irrepetible Chaplin cantando una canción popular francesa, de tocar con asombrosa sutileza las drogas (esa cocaína en chirona) o el alcohol, hay una verdadera historia de amor, tierna y esperanzadora como su frase final, donde el carismático obrero le dice a su bella huérfana mientras se pierden en la distancia :
- Nos las arreglaremos.

EL TIEMPO EN SUS MANOS (1960)

2013-02-04T09:25:00.000+01:00

La película que hoy comentamos podemos decir que es un referente de la ciencia ficción clásica, adentrándose además en uno de los temas más disfrutables para todos los públicos como es el de los viajes en el tiempo, siendo por tanto una cita casi ineludible para los cinéfilos. Alrededor de este film destacan dos figuras como son H.G. Wells y George Pal. Del primero, todo lo que digamos ahora se quedará corto, siendo sin duda alguna uno de los autores del género de ciencia ficción más importantes de todos los tiempos, y me atrevería a decir que uno de los que más veces, y con mejores resultados, ha sido llevado a la gran pantalla. Con obras como La vida futura (1936), La guerra de los mundos (1953), El hombre invisible (1933) o La isla de las almas perdidas (1932) - peculiar título que se le dio a la primera adaptación de La isla del Dr. Moreau - por citar las más conocidas.
El segundo destacó primero en su país como animador en el arte del stop-motion, para trasladarse en los 40 a los Estados Unidos, donde se convirtió en una figura polifacética dentro de la industria del cine. Sobresaliendo gracias a su artesanal arte en los efectos especiales en films tan reconocidos como La guerra de los mundos y en la que tratamos hoy, donde tomó también el papel de director. Pal fue uno de esos genios que supo tocar múltiples facetas dentro del business del cine (ejerció de director, productor, especialista de efectos especiales...).

Intentando convencer a sus amigos de que es posible viajar por el tiempo...

Destacó como productor, sabiendo llevar en la década de los 50 la ciencia ficción hasta los grandes estudios, convenciéndoles para hacer películas de género más vistosas y lujosas que las de serie B que poblaban los cines por aquellos años, sin que ello quiera decir que fueran producciones muy caras. De hecho la que hoy tratamos solo costó 700.000$ de la época. Producida por la Metro-Goldwin-Mayer ante la negativa de la Paramount, ya quería orientarse más en la ciencia ficción del espacio (no tuvieron mucho tino en esta ocasión).
Dentro de sus aportaciones al séptimo arte también encontramos títulos como son La conquista del espacio (1955) o Destino a la luna (1950), logrando con esta última uno de los cuatro Oscar a los efectos especiales que logró a lo largo de su carrera, premio que también lograría con El tiempo en sus manos.
Ya hemos hablado en otras ocasiones en el blog del contexto socio-político que vivían los Estados Unidos en los 50, por lo que no me extenderé sobre ello. Simplemente mentar que la tensión originada a raíz de la Guerra fría y el miedo atómico, generaron multitud de títulos de ciencia ficción de serie B donde se explotaban estos temas. En El tiempo en sus manos en concreto se habla mucho de estos temores a una guerra nuclear y sus posibles efectos, tomando especial protagonismo en la segunda mitad del film.

Listo para emprender el gran viaje...

La historia me imagino que es de sobras conocida por la mayoría, y nos sitúa en Inglaterra en el año 1899, donde cuatro acomodados hombres de mediana edad esperan pacientemente la llegada de su amigo y científico George (Rod Taylor) en el comedor de su casa, la tarde de vísperas de fin de año. Mientras se quejan y elucubran acerca del retraso del normalmente puntual anfitrión, éste entra visiblemente herido para pasarles a contar una increíble historia que acaba de vivir. Arrancando una semana antes, en un anterior encuentro entre estos amigos donde les comentó sus investigaciones en los viajes temporales y como ese mismo día viajó adelante en el tiempo, para ser testigo primero de la Segunda Guerra Mundial y posteriormente de un holocausto atómico que terminaría con la civilización como era conocida hasta entonces. Para viajar luego a un lejano futuro más allá del año 800.000 para descubrir que suerte había corrido la humanidad...
The time machine (título original que aquí se cambiaría, como solía ser habitual, por el de El tiempo en sus manos, creo que viene dado por una frase que se cita en varios momentos a lo largo de su metraje, donde el protagonista dice o le dicen que tiene todo el tiempo del mundo en sus manos). Como sea, es una extraordinaria película de ciencia ficción clásica cuidada con todo lujo de detalles gracias a unos efectos muy artesanales, incluyendo técnicas muy variadas como el stop motion, made-painting o la animación, teniendo como resultado unas imágenes que emanan esa magia clásica merced de estos efectos tan trabajados.

El maniquí que irá cambiando de vestidos...

Especialmente poética es la forma elegida para reflejar el paso de los años cuando hace sus primeros viajes hasta un futuro cercano, mediante un simple maniquí situado en una tienda de ropa delante del laboratorio, donde asistimos a un continuo cambio de vestidos indicativo del paso de los años y las modas de cada momento. Casi a las antípodas de la gran parafernalia que inunda el cine actual, sin con ello conseguir que sus imágenes nos impacten de la misma manera.
En su segunda mitad asistimos a un lejano futuro donde la Tierra ha recuperado su esplendor natural, pareciendo a priori un nuevo Edén, y se encuentra habitada por los Eloi y los Morlocks, deparando más de una sorpresa para todos aquellos que la vean por primera vez.

Más allá del año 800.000... ¿qué se esconde dentro de esas puertas?

El ritmo y estructura narrativa le va como anillo al dedo a la historia, desprendiendo en ciertos pasajes una gran melancolía por el tiempo pasado, los amigos que ya no están (como en su visita al futuro laboratorio ya abandonado hace mucho o el encuentro del nieto de su mejor amigo) o la sensación de pérdida de la riqueza de la cultura humana al llegar a un futuro sin respuestas (especialmente la escena de los libros). Siendo de aquellas que vi de pequeño que a uno siempre le apetece revisar nuevamente, y en esta ocasión si era en pantalla grande en el cine gracias a los compañeros de Phenomena, la oferta era irresistible, pudiendo así disfrutar del Technicolor en toda su esencia.
Un detalle muy importante es la máquina del tiempo en sí, un icono imborrable. Ha sido homenajeado en multitud de ocasiones, apareciendo en otras películas como Gremlins en la escena de la convención de inventores, desapareciendo al momento siguiente al haber viajado nuevamente en el tiempo; o en un episodio de The big bang Theory, en el que la compraban por ebay; y también en el primer trailer de Regreso al futuro, Michael J. Fox aparecía sentado en la máquina original alardeando de tener una máquina del tiempo mucho mejor, sacando su Delorian en comparación de la clásica del film de George Pal. Tampoco podemos obviar que es el objeto elegido para los premios del Festival de cine fantástico de Sitges. Lo dicho, un icono.

Los Morlocks...

George junto a la joven Weena, una inocente miembro de los Eloi...

El diseño de la máquina también tiene su miga, pues H.G.Wells no la describía apenas en su novela y George Pal que estaba obsesionado con los trineos (cada uno tiene su manías, que queréis que os diga...), quiso que su máquina tomara ese concepto, de deslizarse por el tiempo, y si nos fijamos, la máquina básicamente es un trineo.
Otra característica importante es la fuente de energía limpia que usa la máquina, aquí basada en una especie de cristales. Supongo que en contraposición de la aparición y explotación de una energía tan peligrosa y nociva como la atómica.
Tuvo su particular remake en el año 2002 dirigido por Simon Wells, la coincidencia de apellidos no es fruto del azar, pues se trata del nieto de H.G.Wells. A pesar de que en los efectos y en algunos aspectos de su ambientación y producción se nota que se trata de una obra de no bajo presupuesto, no podemos decir que resultara demasiado satisfactoria y palidece al lado de su antecesora. Sin duda alguna quedaros con el original, no saldréis defraudados.

EL ÚLTIMO DESAFÍO (2013)

2013-02-02T20:29:00.003+01:00

En el pasado 2012, superada ya su "excepcional" andadura política y ese misterioso, sonado e inesperado divorcio con la hija de los Kennedy, el exgovernador/actor/culturista de origen austríaco Arnold Schwarzenegger retoma su carrera interpretativa (los cameos no contarían) y nos recompensa con media docena de nuevos proyectos (de entrada interesantes) en lontananza (The legend of Conan, Terminator 5, ¿la secuela de "Los gemelos golpean dos veces"? y algún que otro refrito más...).
Arnold, actualmente con 65 años de edad, anda bastante lejos de aparcar su faceta como hombre de acción en pantalla, volviendo al redil esta vez de la mano de uno de los mejores directores surcoreanos de la actualidad, Kim Ji-Woon (responsable de la notable "A bittersweet life" o la soberbia "Encontré al diablo") a quién Hollywood, con total seguridad, ha tentado con grandes sumas de billetes.
¿El resultado?, la cinta "El último desafío"(the last stand), un film de acción con esencia de "western fronterizo" que parece ajustarse a las necesidades físicas y "profesionales" de Schwarzenegger, con un personaje fabricado a su percha y con unos secundarios de reclamo para un público con ganas de juerga juvenil y alocada (ahí está sino el "Jackass" Johnny Knoxville), y es que Arnold, a su edad, no era suficiente garantía de acción sin límites...
La historia de esta "The Last Stand" comienza con la fuga del importante narcotraficante Gabriel Cortez (el Eduardo Noriega de siempre, inexpresivo, peinadito y de anuncio de perfume) del corredor de la muerte, y su consiguiente huida a gran velocidad gracias a un "súper bólido" hacia la frontera de México, donde un Sheriff de un tranquilo pueblecito llamado Sommerton (como no, el bueno de Arnie), disfruta de su merecido día libre.
El solitario, querido y respetado Sheriff Owens y su variopinto equipo se enfrentarán así al mayor peligro de sus vidas: pararles los pies a un grupo de narcotraficantes armados hasta los dientes que buscan pasar la frontera para así quedar libres de las leyes estatales.
Como seguro bien imagináis, el FBI anda detrás (muy detrás), capitaneados por un arquetípico agente interpretado esta vez por Forest Whitaker (aunque sería perfectamente canjeable por cualquier otro) y toda una banda de policías multiétnicos para satisfacción de un mayor número posible de público.
Así pues, la acción está servida. Los malos contra los buenos (aunque Noriega le venga muuuy pequeño al prensado Arnold) más el mundo de la droga y/o el poder asomando por encima de la ley. Sin novedad en el planteamiento.

Por otro lado, y siendo justos con el film, se justifica por no querer engañar a nadie; pues incluso el subrayado de su cartel promocional -rendirse es de mariquitas-, aclara toda duda acerca de su naturaleza. Y en eso, sí acierta. Su dosis de acción y violencia está no sólo garantizada, sino muy bien exprimida a la vez que notablemente bien filmada.
En "El último Desafio", Arnold ironiza acerca de su edad y su forma física como se preveía (no faltarán guiños hacia su musculatura), Knoxville se accidenta como era de esperar en él y nuestro Noriega asume de nuevo que será un latino traficante el resto de su carrera en Hollywood (nada reprochable si luego miramos su billetera, aunque se pase toda la película dentro de su bólido), para así dejar que la función acabe por ser desprejuiciada, enteramente disfrutable y desprovista de cualquier otra pretensión intelectual, por lo que.... aceptamos barco.
Pasando de esta manera por alto las costuras prefabricadas de una película más standard de lo que parece, y teniendo en cuenta que significa el resurgir de un mito de la acción de los 80 (eso nos toca la fibra interna a una generación entera), el film "encargo" del coreano Kim Ji-Woon resulta finalmente un sano entretenimiento para un público joven, con algunas secuencias estupendas (el esperado tiroteo en el pueblo, la anciana despiadada, los parsimoniosos lugareños con su desayuno hiper calórico...) y un personaje central que, sin ser una maravilla, consigue adecuarse a las circunstancias.

En definitiva, "El último desafío" es un film sin reproche alguno que, tal y como indica su argumento, se queda en la frontera de ser algo más, pero eso no significa que no se pueda disfrutar como nos venden. Bienvenido de nuevo Arnie, ¡has vuelto!

MADRID,1987 (2011)

2013-01-22T13:58:00.002+01:00

Según la RAE, la “imaginación” es la facultad del alma que representa las imágenes de
las cosas reales o ideales, formadas por la fantasía. En el cine, como en la literatura, ese componente de fantasía resulta indispensable para la creación de cualquier obra, sea del género que sea.
El último trabajo del pequeño de los Trueba, “Madrid,1987”, descubrimos un claro ejemplo del uso del imaginario a cargo del personaje de Miguel, un cínico y corrosivo literato, oxidado de whisky y cigarrillos al que da vida José Sacristán.
En la película, de aire intimista y sensitivo, el mordaz escritor plantea a una sinuosa estudiante llamada Ángela (una Maria Valverde abrumada pero idónea) una experiencia muy interesante, dentro de unas circunstancias excepcionales.
Casi por accidente, el ya otoñal escritor y la constantemente ruborizada alumna se quedarán atrapados en el baño de un piso ajeno, desnudos (con apenas una toallita) y sin posibilidad de salir durante un largo fin de semana.
Tras tantearse intelectual, física y moralmente, ambos comenzarán a desnudar su alma, a desprenderse de aquello que los protege y desvelando así sus verdaderas personalidades, repletas de inseguridades y frustraciones.
Será entonces, ya expuestos y desarmados el uno ante el otro, cuando Miguel, con la ayuda de un simple marco de madera colocado en la pared haciendo las veces de pantalla y una fría bañera como butaca, hará un uso espléndido de su imaginación para narrar una película inexistente, pero tan viva como cualquier otra.

Ángela, que observa atentamente ese marco sin espejo como si fuera una pantalla de cine, sigue con interés la soberbia narración de su admirado Miguel, absorbente y detallada como si de una buena experiencia cinematográfica se tratara. El hastiado escritor, explica con naturalidad posiciones de cámara, tipos de planos y actuaciones del reparto como si de una proyección real se tratase, mientras nosotros tan sólo vemos como la imagen bordea las aristas de una madera apoyada en la húmeda pared.
Podemos encontrar pues, durante esta magnífica secuencia, un uso de la imaginación completo y definido, donde un erudito literario, con un uso magistral de la narrativa verbal, consigue una experiencia de fantasía completa que otorga al film de David Trueba una nueva dimensión, una dimensión tan fingida como la propia ilusión del cine. Y todo gracias a una mero marco de madera, apoyado solitario en los azulejos de un baño ajeno.
De esta manera, se constata que el significado que la RAE otorga a la palabra “imaginación”, se plasma en su totalidad dentro de esta sencilla pero inmensa escena, donde se propone fantasía, narrativa y sobre todo, esa facultad del alma para representar cosas reales o ideales.

THE PHANTOM : EL HOMBRE ENMASCARADO (1996)

2013-01-20T11:37:00.000+01:00

La crítica cinematográfica Maria Casanova apuntaba sin escrúpulos en Cinemania que "El hombre enmascarado no tiene nada destacable ni divertido", y que el film resultaba "flojo".
"Una blandita película de acción que presenta a un superhéroe embotado (..).. esto es material de menor calidad incluso para una matinée del sábado..." disparaba la publicación británica Halliwell's, entre tantas otras críticas negativas que fácilmente se recogen en la red.
Pero rompiendo los esquemas, como es su costumbre, nuestro estimado Carlos Aguilar escribe : "The Phantom supera a otros abrazos cine/cómic de los años 90, como Batman o Dick Tracy, por su acertado equilibrio entre homenaje e ironía, su modesto y conseguido tono 'camp', los aciertos escenográficos,etc...".
Como ya todos sabemos y más o menos tenemos claro, el cine es, como pasa con los colores o los sabores, cosa de gustos; pero no deja de sorprender como un film de aire B, aparentemente fácil de encasillar, acaba por suscitar gran cantidad de opiniones diversas, tanto en el público como en el profesional del medio.
Por esa razón, y porque el género "superhéroes" siempre me ha cautivado lo suficiente, he decidido rescatar este título tan pisoteado para comprobar, por mí mismo, qué consecuencias me deparaba su visionado, para poder así salir de dudas y ver qué me inspiraba.
Estamos a finales de 1938 en la selva de Bengala (India). Unos saqueadores bajo las órdenes de un ricachón de Nueva York (al más puro estilo Indiana Jones) tratan de robar una de las 3 calaveras de Tuganda, que al ser reunidas (según la leyenda), otorgarían un poder único a quién las posea. Lo que no se espera el grupo de piratas es la existencia de un justiciero enmascarado ("el fantasma que camina" según los nativos) que, desde hace más de 4 siglos, defiende la selva y sus tesoros y que no les permitirá salirse con la suya.

Tras el episodio fallido de sus hombres, el magnate Alexander Drax (un adecuado Treat Williams), recurrirá a métodos de mayor envergadura para conseguir las calaveras (secuestra a la chica, promete dominar el mundo,etc...), obligando finalmente a nuestro héroe (Kit Walker, interpretado por el meritorio Billy Zane) a viajar a la gran manzana para proteger su tesoro y así vivir una experiencia vital inesperada.
De alguna manera, y tras haber visto el film, puedo llegar a entender ambas posturas. A los detractores les entiendo por ver en el film un planteamiento algo tópico y pobre en su transcurrir (no hay buenas sorpresas de guión, para qué engañarnos, y recurre a un exceso de situaciones límite del héroe o sucesos estereotipados a lo largo del metraje), tener algunos vacios en la historia (esa innecesaria y desafortunada escena inicial en horrible voz en off) o una banda sonora bastante olvidable, además de alguna actuación del todo mejorable (Kristy Swanson y su personaje de Diana).
Sin embargo, me decanto más por resaltar sus aciertos, muchos y de diversa índole, que la convierten en un film más estimulante de lo que parecía en un principio (y por supuesto, totalmente reivindicable).
Así pues, The Phantom, obra del director australiano Simon Wincer ( D.A.R.Y.L ), se descubre como una aventura ingenuamente divertida y muy entretenida (pese a bajones en su meridiano), con un héroe que a medida que avanza la trama nos va cayendo mejor (acaba por ser incluso empático) y una ambientación muy destacable, con grandes efectos, arriesgado humor y extraordinarias secuencias de complejas coreografias y situaciones de cámara (fantástica secuencia del puente al comienzo del film).

Su aspecto tebeístico le otorga una atmósfera idónea para el celuloide, y no fracasa en su difícil tarea de traslación de las tiras originales, tratando las imágenes como perfectos marcos de viñeta. Dicho cómic, creado por Lee Falk en 1936 y aún en plena vigencia comercial, se considera a día de hoy un pionero de la actual figura del superhéroe, aunque ahora nos pueda parecer algo arcaico (el diseño de su indumentaria es, cuanto menos que ridícula y pasada de moda).
Las localizaciones resultan estupendas, tanto en el ámbito puramente de la Naturaleza, con unas imágenes sensacionales de la jungla, playas o cuevas, etc...como de la ciudad, con una recreación de la Nueva York de finales de los 30 muy adecuada, sorprendente para una producción de "aparente" low-budget.

Anecdóticamente podremos "deleitarnos" con una Catherine Zeta-Jones muy jovencita (apenas 25 añitos), tremendamente sugerente, hermosa, sinuosa y...bisexual, lo que inyecta al film una nueva dimensión sexual, disimulada, sí, pero muy atrayente y sensual.
Bajo esa capa pues de producto concebido únicamente para su consumo del público "ducho en la materia", se esconde un film estimable, que fusiona el cine de aventuras al estilo de Indiana Jones con algunos ejemplos del mejor cine fantástico italiano, recordando en más de una ocasión a la genial Diabolik, de Mario Bava (la mansión oculta, los tesoros, su apariencia, las mujeres...).
Como colofón, resaltar que ni mucho menos es la única versión del héroe, y que, pasando por alto sus más que olvidables adaptaciones turcas o indias, fue llevada a la TV gracias a una exitosa serie estadounidense de 15 capítulos a principios de los 40, y más adelante, en múltiples series de animación.
Parece ser que, hasta la fecha, esta "pequeña pero matona" cinta de aventuras de serie B ha conseguido ser el mejor ejemplo fílmico para la gran obra del fallecido Lee Falk, y sin duda, él estaría orgulloso del resultado.

FAHRENHEIT 451 (1966)

2013-01-19T10:57:00.000+01:00

Fahrenheit 451 nos lleva a explorar un futuro de lo más demoledor e inquietante, imaginado por el recientemente fallecido y fantástico escritor de ciencia ficción Ray Bradbury. Autor clave con obras como Crónicas marcianas o esta misma, entre muchas otras. Uno de los autores del género más reconocido y que a lo largo de su vida ha contribuido de formas bien distintas a la industria del cine. Con algunas adaptaciones para la gran pantalla de historias suyas como: Vinieron del espacio (It Came from Outer Space), ya comentada en el blog, El hombre ilustrado, The Picasso summer o El monstruo de tiempos remotos. También en su faceta de guionista para otras películas o series; y mediante colaboraciones con referentes del nivel de Alfred Hitchcock o John Huston, por ejemplo.
Y es que uno no puede dejar de preguntarse al ver la cantidad de films de ciencia ficción con guiones risibles que llenan continuamente los cines, porque no recurren más a obras sobradamente contrastadas para su adaptación cinematográfica de autores como Philip K. Dirk, el propio Bradbury, H. G. Wells, Orson Scott Card, Isaac Asimov y un largo etc... de verdad que es un misterio sobre el que cuesta encontrar respuesta.

El equipo de bomberos saliendo para una nueva intervención...

La quema de libros según dicta la ley...

Aunque luego, cuando se confirma la existencia de un proyecto para trasladar al cine una novela de cualquiera de estos autores, a uno le entren sudores fríos ante la posibilidad de ver como muy probablemente, nos encontremos que una vez más no han sabido captar el espíritu del original. Para este 2013 nos aguarda la versión cinematográfica de El juego de Ender, basado en la novela homónima de Orson Scott Card, ya veremos, porque sin duda la obra original va a requerir de un buen guión para sabernos trasladar el imaginario que relata el libro.
Sin embargo, y volviendo atrás en el tiempo, para la adaptación a la gran pantalla de la obra de Bradbury que comentamos hoy, se eligió a François Truffaut, uno de los cineastas más reconocidos del momento, y el máximo exponente del movimiento de la Nouvelle Vague que en Francia llevaba años rompiendo con los esquemas del cine clásico de entonces. Suya fue la responsabilidad de escribir el guión y dirigir la película, adentrándose en un género, la ciencia ficción, con el que no había trabajado anteriormente. Seguramente en manos de un director americano habría resultado muy distinta, más convencional sin duda. Pero aquí se nota su sello personal en la manera de rodar y trasladarnos en imágenes ese futuro imaginado por Bradbury.

Montag hablando con una inteligente Clarisse que sembrará la duda en su alma...

Enganchados delante de la pantalla...

Desde el tono frío de sus imágenes, con un look general que nos recuerda a ciertas obras de ciencia ficción rusas o de Europa del Este (tipo Solaris); pasando por el detalle de que para las dos mujeres protagonistas del film, Mildred (la mujer de Montag) y Clarisse, una de las líderes del movimiento de la resistencia que intenta evitar la desaparición total de los libros, eligió a la misma actriz: una excelente Julie Christie, y las rodó en la mayoría de planos de forma bien distinta, abundando para Mildred enfoques laterales, mientras que para la segunda planos frontales.
La historia nos plantea un futuro distópico en el que el acceso a la cultura por parte de la población mediante los libros, se considera un crimen y está penado incluso con la muerte, escudándose el Gobierno que lo hace para evitar los sufrimientos generados al acceder a sus contenidos a la gente. El cuerpo especial de bomberos es el encargado de lidiar con este problema, localizando tanto a los responsables como los libros escondidos para proceder a su inmediata incineración.

Descubriendo que esconde un libro en su interior...

Uno de estos bomberos es Montag (Oskar Werner), quien se está labrando una prometedora carrera hasta el momento en que el casual encuentro con una joven llamada Clarisse, despertará en él la curiosidad por leer el contenido de alguno de los libros que se dedica a quemar. De esta forma, en su siguiente intervención y antes de rociar con queroseno todos los libros, se lleva uno para leer en su casa, sin saber que esto cambiará para siempre su percepción de la sociedad en la que vive y lo más importante todavía, a él mismo...
Fahrenheit 451, refleja de forma clara y certera algunos de los distintivos de las sociedades totalitarias como fueron la Alemania nazi o la Rusia comunista. El propio Bradbury reconoció que Fahrenheit se basaba en las quemas de libros propugnadas durante el nazismo, así como en las purgas culturales de Stalin, aunque podríamos extenderlo a las hechas por Mao en China o cualquier otra. Siendo de esta forma una película que nos habla de las sociedades que quieren prohibir la cultura, la educación, evitar el acceso al conocimiento como uno de los métodos para dominar más facilmente a una población, que de otra manera podría girarse en contra del gobierno. Asimismo, sorprende la clarividencia de la sociedad futura que tuvo, al mostrarnos una población mansa que consume ingentes horas de su vida plantados delante de televisores planos como los actuales, viendo programas interactivos de pura telebasura.

Beatty convenciendo a Montag del peligro de los libros...

Una sociedad donde el consumo de drogas y tantas horas de contemplación delante de las pantallas, ha anulado casi completamente las emociones de la gente, dejándoles en la completa ignorancia de la realidad en la que viven.
La película tiene grandes momentos que nos van a hacer reflexionar mucho sobre la implicación de esta frialdad con la que queman los libros, control total de la sociedad, ver como son adoctrinados los niños en la escuela, la ironía de que se llame cuerpo de bomberos al equipo de incineración o el lirismo de su final... pero si tuviera que destacar un momento en concreto, me parece encomiable el discurso que le hace Beatty (Cyril Cusack), el jefe de Montag, acerca de lo que dan de sí los libros, cuando empieza a atisbar una sombra de duda en su fiel ayudante. Excelente momento en el que descalifica a las novelas por tratar sobre gente que no existe, un libro sobre el cáncer porque solo haría cundir el pánico entre los fumadores o desprestigiando la filosofía y sus autores que solo saben decir "yo tengo razón", mostrándose muy inteligente y astuto.
Otro aliciente del film es su buena banda sonora, a cargo de uno de los nombres más reconocidos: el gran Bernard Herrmann, a quien hemos de agradecerle su gran trabajo en obras como La guerra de los mundos, Ciudadano Kane, Taxi driver, colaborador en muchas de las grandes obras de Hitchcock como El hombre que sabía demasiado, Vértigo o la célebre Psicosis.
Una película que quizás ha quedado algo olvidada por el público en general, pero que merece sobradamente que sea reivindicada, descubierta o revisionada nuevamente, pues tiene lo mejor que uno puede buscar dentro de la ciencia ficción.
En el año 2002 se estrenó una película que todavía permanece inédita en nuestro país y que respiraba un aire muy similar al de Fahrenheit 451, se trata de Equilibrium con Christian Bale tomando un papel muy similar al de Montag aquí. Y que también es una interesante obra de corte más moderno, no tan buena, pero que merece ser rescatada para completar una buena sesión de futuros distópicos.

ROBINSON CRUSOE EN MARTE (1964)

2013-01-14T11:41:00.000+01:00

Daniel Dafoe escribió en 1719 una de las obras de aventuras más conocidas de todos los tiempos: Robinson Crusoe, donde se relataba en forma de autobiografía ficticia las vivencias de un náufrago inglés que pasó 28 años en una isla tropical. La novela no deja de ser un claro reflejo de la época en que fue escrita y un ensalzamiento del colonialismo que convirtió a Inglaterra en una de las grandes potencias mundiales, a la vez que un canto a la superioridad cultural y moral del hombre occidental sobre sus semejantes menos evolucionados. En la obra de Dafoe, el indígena salvado de ser devorado por unos caníbales, es educado y subyugado a manos de su amo inglés que representa la cumbre del hombre moderno.A priori, puede parecer que esta versión que tratamos hoy, no se trata más de un intento de transportar las originales aventuras de Robinson Crusoe al espacio y con ello captar la atención del público, siempre amante del cine de aventuras. Queriendo aprovechar además que en los años 60 se empezaba a explotar la exploración espacial, con el consiguiente interés popular. De esta manera es facilmente entendible el rodaje de este film. Sin embargo, y para sorpresa nuestra, hemos descubierto que en muchos tramos se acerca más al género cómico que a otra cosa, gracias a algunas escenas y lineas de diálogo que nos han arrancado multitud de carcajadas, luego os cuento. Y así tenemos que tomárnosla si la queremos disfrutar en toda su esencia, como una gamberrada digna en algunos momentos de los guionistas de Top Secret o Naked Gun, ya que desde el punto de vista del puro cine de aventuras, todo y que tiene sus momentos interesantes, el que busque un film clásico al uso, puede salir decepcionado tras su visionado. Por lo que es muy recomendable verla en buena compañía y con la correcta predisposición de pasarlo bien y reírse.

El accidentado aterrizaje en Marte...

Como comentaba, la película puede hacernos pensar en sus primeros minutos que va a tener un tono serio e incluso dramático. Tanto con su arranque, donde vemos las habituales operaciones que llevan a cabo los dos integrantes de la tripulación de una nave espacial en órbita cercana a Marte (si obviamos el uso de los mismos botones para todo tipo de funciones bien diferentes: comprobaciones, arrancar motores, solo les faltaba guisar un pavo...). Así como tras un accidentado aterrizaje de emergencia donde perece uno de los tripulantes (lástima que no aprovecharan más a Adam West), empieza una contrarreloj a la que se enfrenta el superviviente, el comandante Christopher Draper (el que hará de Robinson Crusoe), a sabiendas del poco oxígeno que le queda, la falta de víveres y agua, junto a la soledad (su única compañía es un pequeño mono), y la desesperación que pueden dar de sí la situación. Pero este tono grave queda desmontado a partir de que el guión aparca esta pretendida seriedad para arrancar con continuas bromas (tengo mis dudas de si están creadas de forma consciente o no).

Un chupito de oxígeno directamente de la botella y a seguir...

Con la mesa de diseño lista, es el momento de sentarse y comer con el mono...

Con un tema descacharrante como es la falta de oxígeno, pasando por todo tipos de fases, desde un inicio donde una bocanada de aire de Marte casi acaba con nuestro querido protagonista, a poco a poco ir quedando cada vez más olvidado y poderle ver finalmente paseando tranquilamente sin escafandra por el planeta como quien va a buscar el periódico el domingo por la mañana. Os aseguro que nos depara algunas de las escenas más divertidas del film, obligándonos a obviar su total falta de fidelidad científica en cuanto a lo que una misión espacial da de sí. Como ocurre en otras películas de sci-fi clásicas, que desconocían muchos hechos que hoy nos parecen obvios (atmósfera agresiva, cambios de temperatura extremos, etc..) que imposibilitan la vida humana tal y como se refleja en el film.
Y a partir de aquí, un tono distendido e incluso jocoso se apodera del resto del metraje, que en cuanto a la trama en general sigue con sus paralelismos con la obra original. La paulatina pero perfecta adaptación de Robinson Crusoe en su nuevo hábitat, la exploración en plan colonizador que empieza a realizar, así como el rescate que hace de un pobre indígena, con un look que recuerda al de los antiguos egipcios, esclavizado por unos extraterrestres malévolos.

Uno de los logrados escenarios marcianos...

Sí, es lo que parece, en un jacuzzi tocando la gaita...

La entrada en escena de Viernes (el indígena), es una inyección de escenas, frases memorables y risas aseguradas para todos aquellos amantes del absurdo. Es difícil llegar a plasmar en pocas palabras lo surrealistas que son algunas de ellas y aquí pueden quedar algo desdibujadas, por lo que os invito a que os aventuréis con ella y juzguéis vosotros mismos.

Desde el trono dirigiendo el trabajo de Viernes... impagable...

Imaginaros al pobre salvaje que acaba de huir de sus captores, que no paran de disparar desde sus naves espaciales contra las montañas donde se ha escondido, desconcertado, asustado y que de repente se encuentra cara a cara con Robinson Crusoe. Pues éste, demostrando una gran consideración hacia el asustadizo primitivo, poco después le espeta frases del estilo al oírle articular algún sonido entrecortado: "Si sabes emitir esos sonidos, puedes aprender inglés, y lo hablarás aunque tenga que subirme a tu espalda durante dos meses.". O mirándole de cerca y observar el enorme parecido físico entre ambos le suelta a grito pelado: "¿En que nos parecemos? ¿En que nos diferenciamos?"... dejando a Viernes temblando. O ver luego como Robinson está apoltronado en un trono que se ha montado o en un jacuzzi, mientras tiene al egipcio por allí haciendo todas las tareas mientras le va soltando "I´m the boss...". Pues estas son solo algunas de las joyas que nos dejan en sus diferentes intervenciones.

Otro de los destacables efectos del film...

Tampoco se quedan atrás unos efectos especiales creados por Byron Haskin, responsable de la conocida versión de 1953 de La guerra de los mundos y que son muy dignos en la mayoría de momentos para saber recrear la superficie marciana, algunos paisajes fantasiosos están francamente bien conseguidos y otros efectos destacables de igual manera. Sin embargo, las escenas de las naves extraterrestres (curiosamente idénticas a las del film que citábamos unas lineas arriba) disparando contra las montañas, no están al mismo nivel. Reciclando además la misma animación no menos de 10 veces con cualquier excusa. Generando una serie de aparatosas explosiones sin sentido sobre unas rocas donde nunca hay nadie.

¿Qué hay para cenar? Potaje de salchichas marcianas, hijo...

La valoración que le hemos dado queda muy sujeta a la perpetuación que nos ha quedado de algunas de sus escenas y que siguen despertando en nosotros más de una carcajada, más que por la consistencia de un film estrictamente aventurero, pues en este sentido es algo deficitario. Sin embargo a todos los que queráis ver a Robinson zamparse un cocido de salchichas extraterrestres, decorando la cueva con mesas de diseño, haciendo inventos inverosímiles para generar oxígeno y un sinfín más de joyas, esta es vuestra película. De culto para nosotros desde este mismo momento, y algo tiene el film porque ha estado editado por Criterion y si algo tiene su sello personal es el estar integrado por grandes películas de la historia del cine. No lo dudéis.

CUANDO EL DESTINO NOS ALCANCE (SOYLENT GREEN) (1973)

2013-01-08T13:27:00.003+01:00

El nombre de Richard Fleischer es todo un referente Atraco al furgón blindado (1950) o Testigo accidental (1952), con el puro cine de aventuras llevando a la gran pantalla durante la década de los 50 a Kirk Douglas en 20.000 leguas de viaje submarino (1958) y en Los Vikingos (1958), y casi 30 años más tarde, haciendo lo propio con el hercúleo Arnold Schwarzenegger en Conan el destructor (1984).
dentro de la industria del cine; prolífico director que se atrevió a abordar los géneros más diversos, que devendrían exitosos films a lo largo de la primera mitad de su carrera. Desde el cine negro con títulos como
También se adentró en varias ocasiones en la enrevesada mente de un piscópata, siendo la primera de ellas una de las tres adaptaciones que se han llevado a la gran pantalla del crimen real que cometieron dos universitarios americanos en los años 20 bajo el título Impulso criminal (1959) y que el propio Hitchcock ya contara en La soga (1948). Sin embargo, las más inquietantes serían: la poco conocida pero muy a tener en cuenta por el interesante asesino que retrata, El estrangulador de Rillington Place (1970) y en último lugar, quizás la más redonda de las tres, con El estrangulador de Boston (1968) con un Tony Curtis en un registro muy alejado de sus roles habituales, bordando aquí su papel de serial killer.

La Nueva York del 2022...

Pero es en el campo de la ciencia ficción y el fantástico donde encontramos la que es para mí una de las mejores películas del género, Viaje alucinante (1966), y posiblemente su mejor contribución al cine. Un film inolvidable, de los que queda grabado en la memoria y que aguanta sin desgaste el paso de los años, dejando pasmados una generación tras otra de espectadores. Su otro film dentro del género fue Soylent Green (1974), título original que aquí se tradujo como Cuando el destino nos alcance. Una obra más dura, al enmarcarse dentro del subgénero de los futuros distópicos y que tampoco tiene desperdicio.

La investigación de un simple asesinato abrirá las puertas a una realidad desconocida...

El porqué de la aparición de películas que reflejaban un futuro tan poco esperanzador lo podemos encontrar si echamos un vistazo a la situación histórica y política que se vivía en los Estados Unidos en los años 70, cuando se rodó. La delicada situación económica debido a la crisis energética, una creciente preocupación por la polución (se empezaba a hablar del problema de los gases contaminantes), con una altísima tasa de violencia urbana, a nivel internacional existía una gran tensión con la otra gran superpotencia del momento: Rusia. Y así podríamos seguir desgranando toda una serie de motivaciones que llevaron a que se generara una corriente de pensamiento muy distópica, remarcando que si entonces la situación ya era mala, en el futuro aún iban a estar mucho peor.
De esta manera, el film nos sitúa en el año 2022 en Nueva York, una metrópolis que ha alcanzado un nivel de superpoblación insostenible, con más de 40 millones de personas. Malviviendo en su mayoría en diminutos pisos, hacinados incluso en las escaleras de los edificios o en la calle. Con una precariedad laboral alarmante, y lo que es peor con una escasez de alimentos que ha obligado a la creación del Soylent Green, un alimento sintético destinado a paliar la acuciante hambre de sus habitantes, mientras los ricos siguen pegándose una vida a cuerpo de rey, en lujosos edificios y prostitutas a su servicio (aquí catalogadas como "mobiliario").

Pedaleando para obtener algo de luz...

En este panorama vive Thorn (un veterano policía al que da vida Charlton Heston), a quién se le asignará la investigación de la misteriosa muerte de un importante personaje de las finanzas. De esta manera, con la apreciable ayuda de Sol (un entrañable Edward G. Robinson en su último papel) intentarán desentrañar qué hay detrás de su asesinato, sin sospechar que sus pesquisas les llevarán a una verdad mucho más reveladora e inquietante.
La película tiene, para empezar, la virtud que casi 40 años después de su estreno se revela totalmente vigente con la situación actual que vivimos. Un paralelismo preocupante debido a la creciente inseguridad creada a raíz de una crisis financiera que parece no tener fin, problemas medioambientales como el deshielo de los polos, efectos invernaderos, conflictos armados, etc... un paraíso celestial, para que nos vamos a engañar...
La historia nos muestra una sociedad que ha llegado hasta tal punto, que el suicidio está bien visto, alentado a través de centros especiales creados expresamente para facilitar y gestionar unas muertes que deben servir para aligerar los problemas de superpoblación y falta de recursos. Espeluznante.
Como buena película de ciencia ficción clásica, su punto fuerte recae en el argumento, en una historia que aparentemente versa sobre una investigación de un homicidio, pero que sirve de mero hilo conductor para mostrar hasta dónde ha llegado la sociedad en su vorágine de desarrollo y descontrol, para acabar desembocando con su revelador final, en algo completamente distinto y sorprendente.

Recogiendo manifestantes con excavadoras...

Se agradece esta sencillez de medios para recrear la Nueva York del futuro, lejos de las sociedades futuristas más utópicas, no vemos avances tecnológicos destacables, sino más bien un estancamiento o retroceso incluso de la sociedad presente. Logrando en algunos momentos con un simple tono verdoso en las imágenes, recalcar la precariedad en las calles o el terrible calor imperante en el planeta y demostrando una vez más la innecesaria omnipresencia que en la actualidad tienen los efectos especiales en las grandes y huecas producciones de ciencia ficción.
Todo ello hace que su visionado se nos haga más cercano, realista y deprimente, dotando al film de un halo incluso nihilista que he encontrado particularmente acertado.

Uno de tantos centros creados para gestionar el suicidio...

Hay varios momentos memorables a lo largo del film, y la mayoría nos las regala el veteranísimo Edward G.Robinson, que con su mera presencia y actuación, se merienda a un simplemente correcto Charlton Heston, al que hay que reconocerle saber elegir muy bien sus papeles dentro de los pocos films del género en los que participó (recordemos su papel en El planeta de los simios). A destacar la escena en que comparten una comida de verdad por primera vez en años, ver a Sol pedaleando a pesar de su edad para poder mantener encendida una bombilla o su emotiva escena final, solo son algunos de los buenos detalles que nos regala Soylent Green.
La brutalidad de esas enormes excavadoras recogiendo a los manifestantes, y evidentemente, por encima de todos, su revelador final es uno de esos momentos que le quedan a uno muy grabados en su memoria, atacando todos los estamentos de una sociedad corrupta, degradada y sin ningún tipo de moral, haciendo de éste un clásico imprescindible de la ciencia ficción que sigue sorprendiendo y que arrancó un gran aplauso en su proyección en la sesión de Phenomena.

LA ANGUSTIA DEL MIEDO (1983)

2013-01-06T13:51:00.000+01:00

Con apenas 16 años, un chico austríaco llamado Werner Kniesek asesinó a su madre tras asestarle diversas puñaladas, sin posteriores síntomas de arrepentimiento. A los 26, y tras algún tiempo en tratamiento psiquiátrico, disparó a una anciana a sangre fría mientras cometía uno de sus tantos robos, sumando así la segunda víctima a su incipiente historial criminal. Pero no sería hasta enero de 1980, tras ocho años en prisión y gracias a un permiso penitenciario de 3 días que le otorgaron por buena conducta, cuando cometería los asesinatos más atroces que ha conocido Austria.
El mismo día de su libertad, Werner cogió un taxi y a punto estuvo de estrangular al conductor/a, pero no lo consiguió. Frustrado y convencido de sus planes homicidas (asesinar para conseguir satisfacción mental como sea), se colaría en una urbanización de clase alta, lo que fueron malas noticias para la familia Altreiter.
Walter, un chico minusválido y retrasado de 26 años vivía allí junto a su enferma madre Gertrude y su hermana Ingrid, de tan sólo 24.
El psicópata entró en la casa, los torturó, estranguló y apuñaló a los 3 y luego durmió junto a sus cuerpos muertos, en una fechoría sin nombre que duraría más de 10 agónicas horas. Su extrema anormalidad asesina llegaba hasta tal límite, que incluso proporcionó a la anciana Gertrude sus medicinas del corazón, a razón de que pudiera vivir más horas de calvario.
Horas después, fue detenido y condenado a cadena perpetua tras confesarlo todo y argumentando que - no podía descartar nuevos homicidios - si lo liberaban de nuevo. Un caso único, sin duda, dentro de la tranquila atmósfera austríaca (además, cuenta con un fallido intento de fuga en los noventa que daría para otro film..).
Aún vigente la terrible noticia en el país, el director y guionista Gerald Kargl (de apenas 30 años), movió cielo y tierra para poder llevar el caso al celuloide, ya que según él, había sentado un precedente criminal insólito en su país.

Sin apoyo económico ni experiencia previa (tan sólo algunos cortos en su haber) y al borde de la ruina (llegaría a pedir varios préstamos para su realización), Gerald llevaría a cabo su primer y único film hasta la fecha bajo el título "Angst", o como tímidamente se le conoció en España, "La Angustia del Miedo".
Este rara avis en la cinematografía austríaca destaca por su cruda y aterradora recreación de los hechos, filmados con una narración casi en tiempo real (tan sólo pequeñas elípsis en su segunda mitad) y con una inquietante voz en off del asesino que nos hará participes de su desequilibrio en primera persona. Si a eso le sumamos un actor protagonista ideal (Erwin Leder, muy conocido en aquél entonces por el film Das Boot), nulas conversaciones (nadie conversa en el film, salvo pequeñísimas excepciones), mínimos nombres (sólo sabremos el de la chica, que aquí le llaman Silvia en vez de Ingrid) y una cámara excepcionalmente poco común, tendremos ante nuestros ojos una de las películas sobre asesinos en serie más perturbadoras e interesantes de toda la historia cinematográfica.

Ese último punto, el extraordinario uso de la cámara, merece un punto y aparte en mi análisis. Fantásticos planos de irregulares angulares, casi incómodos, en su mayoría picados (hasta que él tiene el "control"), crean en conjunto una perfecta traslación hacia el interior de su mente, convirtiéndose en uno de los mejores aciertos del film, entre tantos otros.
Esos juegos imposibles de cámara, vistas de pájaro asombrosas (todo cables y poleas), grandes angulaciones y un cercano y tembloroso acercamiento de su expresiva cara (gracias a un gran anillo unido al cuerpo del propio actor) son recursos increíbles para un film de bajo presupuesto que consigue transmitir de manera excelente, el anormal punto de vista de un asesino desquiciado.
En poco más de 1 hora de metraje, se condensa un film tan angustioso como vibrante, de una aspereza visual insólita, dueño de una música de pesadilla y con grandes dosis de violencia sobrecogedora, (más sugerida que mostrada), pero que guarda momentos de inclasificable brutalidad (memorable secuencia del último asesinato).
Una opción escalofriante de "cine directo al estómago" que, dentro de sus límites, es bastante fiel a los sucesos verdaderos y queda ya como un documento aterrador de lo allí acontecido. Una pesadilla que el pueblo austriaco no quería recordar (ellos temen más a los extranjeros, no a los suyos..) y que, por ende, obtendría el fracaso esperado.
Así pues, con una risible distribución, el film se perdió en el más absoluto de los olvidos provocando tal insatisfacción en su director (tardó varios años en pagar sus créditos), que éste actualmente lo repudia por sus excesos tremebundos (de hecho, y muy irónicamente, ahora se dedica a hacer anuncios y películas educativas).

Para el que aquí firma, se mantiene como una muy destacable propuesta que se desmarca de todo lo establecido para conmocionar al espectador sin previo aviso, pues nada parecía indicar que contuviera unas imágenes tan demoledoras una cinta centro europea.
Un ejercicio competente de cine terrorífico que no desmerece con el paso de los años. Aconsejable para todo aquél que no padezca del corazón...

PHENOMENA NOTICIAS

2013-01-02T21:30:00.000+01:00

30/03/2013
Se cierra el círculo de la sesión "THE PHENOMENA ROCK CONCERT" con un título que no podía faltar, The Rocky Horror Picture Show, una película de culto que sigue levantando pasiones y que seguro que la noche del 27 es de las más esperadas por el público.

29/03/2013
Mientras todavía nos estamos recuperando de la sesión de acción del pasado 12 de abril, y con las miras puestas a la sesión que nos traerá El chip prodigioso (Innerspace, 1987) y Willow (1988), Phenomena ha anunciado una maratón para final de abril que hará las delicias de todos aquellos amantes del cine musical.
De momento se han revelado dos de los títulos que conformarán la sesión y ya solo queda uno por revelar.
La primera de ellas resulta una tentación increíble, The Wall (1982) de Pink Floyd, al poderla ver en pantalla grande por primera vez para muchos de nosotros.
La segunda: El fantasma del paraíso (1974), de Brian de Palma, gran película con la que disfruté no hace demasiado pero que no dudaré en revisionar de nuevo.
¿Que nos aguarda como guinda del pastel?

19/03/2013
Dos sesiones fantásticas se nos avecinan para este viernes 22 de marzo, con Stallone y Schawarzenegger, los dos pesos pesados del cine de acción de los 80 y 90, que con Máximo riesgo (Cliffhanger, 1993) y Mentiras arriesgadas (True lies, 1994) nos harán vibrar a todos en El Palau de Congressos.
La otra no tiene desperdicio, con dos de los títulos que más han pedido los seguidores de Phenomena y que se juntan en una sesión que va a ser inolvidable el próximo día 12 de abril, con El chip prodigioso (Innerspace, 1987) y Willow (1988). (Para más detalles de ambas clicar en el póster).

01/02/2013

Después de tres años recuperando en la gran pantalla los títulos más míticos de los años 70, 80 y 90, Phenomena, The Ultimate Cinematic Experience pone en marcha un nuevo sello con el que estrenará en cine películas inéditas en las salas comerciales de nuestro país.
Phenomena Première presentará pases únicos y exclusivos, siempre en VOSE, de títulos que el público no ha podido ver en una sala de cine. Films que, a pesar de contar con una buena realización y tener a destacados directores y actores, no han llegado a la cartelera que a menudo deja escapar propuestas interesantes. Este novedoso evento acogerá también proyecciones de nuevos montajes y versiones íntegras de películas ya conocidas. ‘Killer Joe’ (William Friedkin, 2011) inaugurará este sello, de la mano de Canal Plus Xtra. La sesión tendrá lugar el 21 de febrero en los cines Comedia de Barcelona (a las 22.30h.).
La película que inagura este sello la pudimos ver en la edición del 2011 en el Festival de Sitges, pero no ha tenido como tantas otras, la oportunidad de eser estrenada en salas comerciales en nuestro país.
Por tanto, podemos avanzar que se tratará de una oportunidad única para poder disfrutar de ellas en pantalla grande como merecerían.
Las entradas podrán comprarse como suele ser habitual a través de la página: www.atrapalo.com.

07/01/2013

Se prepara una sesión para el mes de febrero que incluirá una de las películas románticas más significativas de los 80, un film que consagró a la pareja protagonista formada por Julia Roberts y Richard Gere, y que a lo largo de los años ha generado una fiel legión de fans que no dudan en revisionarla siempre que sea necesario; como también es innegable que hay otra parte del público a quien le despierta unos sentimientos completamente opuestos. Pero Pretty Woman tenía que pasar por el Phenomena, de eso no cabe ninguna duda. Bautizada como San Valentín Experience, tendrá lugar el próximo viernes 15 de febrero en Barcelona e irá acompañada por otro clásico: Dirty Dancing que hará las delicias de mucha gente, una sesión doble que dará para escenas de baile como el año pasado con Grease, sin duda.. En breve lo sabremos...
El próximo miércoles 23 salen a la venta las entradas, que se podrán adquirir como siempre por Atrápalo a partir de las 18 horas. SESIÓN NUMERADA y NO NUMERADA, esta vez en viernes. Dos magníficas copias en 35mm en pantalla grande...

02/01/2013

Ya tenemos confirmada la segunda película que acompañará a Pulp Fiction en la sesión especial que bajo el título The Tarantino Experience que tendrá lugar a lo largo de este mes de enero, hace todo un homenaje de presente y pasado a uno de los directores que más ha revolucionado el cine desde los años 90.
Será la fantástica Django de 1966, de la cual Quentin Tarantino está a punto de estrenar su particular remake (seguro que marca de la casa). Una ocasión inmejorable para revisionar la original y podernos ir imaginando que dará de sí la nueva versión, así como para repasar la obra más emblemática de Tarantino; quien cuenta entre sus obras con títulos tan reconocidos como Reservoir dogs, Jackie Brown o Kill Bill, entre otras). Todas ellas con un sello muy personal que han arrasado y le han conferido una legión de fans que desde hace tiempo está esperando el estreno de su siguiente film.

Os dejamos el genial vídeo que ha preparado una vez más David Casademunt para la ocasión y que seguro que será el gancho definitivo para convenceros a venir al cine.
Nos vemos en breve!!!

29/12/2012: Por gentileza de Cinemes Girona y debido a que se agotaron las entradas para ver El tiempo en sus manos + Peli sorpresa de reyes (CICLO FIN DEL MUNDO), cambiaremos de sala a una más grande. Así pues, el 4 de enero ampliamos localidades para los que os quedasteis con las ganas de ver esta maravillosa película! Ya están disponibles en ATRAPALO en este link:

http://www.atrapalo.com/entradas/phenomena-collections-el-fin-del-mundo_e71285/

28/12/2012: Confirmada la siguiente cita para Phenomena una vez finalice el Ciclo del fin del mundo que se está proyectando en los Cinemes Girona, con un protagonista del calibre de Quentin Tarantino. Se tratará de una sesión doble con dos películas del director, donde uno de los títulos programados es ni más ni menos que Pulp Fiction, una de las películas más emblemáticas no solo de su durector, sino de la década de los 90 y todo un icono para muchos de nosotros. El otro título, aun está por confirmar.
Para la ocasión se han programado sesiones en Barcelona, Madrid y Zaragoza.