Sabu Toyozumi – percussion, batterie, er-hu (vièle chinoise).
Jean Michel Van Schouwburg – voix.
Pascal Marzan – guitare acoustique.

Dans le cadre d’une mini-tournée en Europe, Sabu Toyozumi, pionniers du free jazz et des musiques improvisées au Japon, retrouve deux des compères avec lesquels il a déjà développés des expériences ludiques il y a quelques années en Belgique et en France. Musicien incontournable dans son pays, ayant joué auprès de Braxton ou avec l’Art Ensemble Of Chicago, Derek Bailey et Peter Brötzmann, Sabu Toyozumi a donné rendez-vous au Souffle Continu pour fêter la sortie d’un double album qui regroupe plus de dix musiciens autour de lui dans différents groupes et contextes dont Pascal Marzan, Dan Warburton, Marjolaine Charbin, Audrey Lauro, J-M Van Schouwburg, Jiji Duerinckx, Joel Grip, Jacques Foschia, Ove Volquartz, Peter Schlechta et un groupe de cordes avec John Russell, Marzan, Luo Chao Yun au pipa, Sabu à la vièle er-hu, Isabelle ste Rose au violoncelle, Jean Demey et Grip aux contrebasses et Kris Vanderstraeten aux percussions. Les enregistrements ont été réalisés à Bruxelles, Paris et Göttingen... et l'album sort au format double CD sur le label français Improving Beings (ib14).

Sabu Toyozumi est un pionnier du free jazz et de l'improvisation radicale au Japon depuis la fin des années 60. Il rencontre John Coltrane et Rashied Ali en 1966 dans un club de jazz, lors de la tournée de Coltrane au Japon. En 1971, lors d’une audition, Charles Mingus l’engage pour un enregistrement à Tokyo (Charles Mingus avec Toshiyuki Miyama And His New Herd Orchestra).
Cette même année 1971, il devint membre de l'AACM à Chicago où il joue avec Roscoe Mitchell, Joseph Jarman et Malachi Favors de l'Art Ensemble ainsi qu’avec Muhal Richard Abrams. Trio de percussions avec Don Moye et Steve McCall avec lequel il donne des workshops à l’école de l’AACM. Il séjourne à Paris en 1972/73 et joue avec Glenn Spearman, Takashi Kako, Bob Reid et Boulou Ferré (lp Emergency /America), ainsi que dans le Creative Orchestra de Braxton (Royan coffret 3lp Ring Rds/ Moers) et le grand orchestre d' Ambrose Jackson. Au Japon, il étudie avec le batteur Masahiko Togashi (Charlie Haden Don Cherry et Steve Lacy) et enregistre avec Charles Mingus. Il collabore étroitement avec les légendaires Kaoru Abe (sax alto), Masayuki Takayanagi (guitariste icône du noise nippon) et le contrebassiste Motoharu Yoshizawa, tous les trois aujourd'hui disparus. Il joue fréquemment avec Takashi Kako, Toshinori Kondo et Mototeru Takagi. Ses albums de cette époque sont devenus des collector's items hors de prix (Overhang party / Senzei avec Kaoru Abe sur ALM).
A partir des années 80’s, Sabu Toyozumi travaille régulièrement avec Derek Bailey, John Zorn, Fred Frith, Fred Van Hove, Peter Brötzmann, Peter Kowald, Tristan Honsinger, Barre Phillips et Leo Smith lors de tournées dans tout le Japon. Trois tournées avec Fred Van Hove. Plus récemment, son jeu s'est épuré et depuis 2001, il joue chaque année avec le guitariste John Russell en GB et au Japon. En 2010 avec le saxophoniste Mats Gustafsson et de nouveau avec Peter Brötzmann. Il rencontre récemment la virtuose taïwanaise du luth pi-pà, Luo Chao-Yun et tourne régulièrement à Taïwan, aux Philippines, en Chine, au Cambodge, en Indonésie et en Amérique Latine. Il fait des concerts en Californie avec Leo Smith en 2000. Il est aussi l’élève du grand maître de la flûte shakuhashi et Trésor National du Japon en Rinzai Zen, Watazumi - Doso (1910-1992) avec qui il partage la scène à plusieurs reprises. Enregistrements avec M.Takayanagi, Kaoru Abe et M. Yoshizawa, Barre Phillips et Keiji Haino. Il a produit des duos avec Peter Brötzmann, Paul Rutherford et Leo Smith, un trio avec Derek Bailey et Brötzmann et cherche un label pour l'enregistrement d'un concert mémorable avec Han Bennink et Brötzmann. La finesse de son jeu, la multiplicité de ses frappes où le rythme semble sous-jacent et sa capacité à utiliser créativement n'importe quel ustensile à portée de la main font de lui un improvisateur apprécié par ses meilleurs collègues. Il joue aussi de la vière er-hu de manière peu orthodoxe.

Né en 1955, chanteur et improvisateur, Jean-Michel Van Schouwburg développe l’improvisation vocale et les techniques étendues de la voix. Le mot “phonésie “ (« phonoetry ») se réfère à la poésie sonore dans sa performance « ORYNX » pour voix solo (Orynx – Phonésie / Inaudible 003 épuisé). Concerts solos à Londres, Lille, Liège, en Slovaquie et à Bruxelles. Harmoniques et chant de gorge du très grave à l’aigu (C2# > D4 > B 5) sur trois octaves - 1 ton. Le but de son travail est d’étendre le rôle et la fonction de la voix et du complexe bouche / gorge dans le processus d’invention sonore et d’improvisation en vue d’en accroître les moyens expressifs. Ses performances solos tentent d’intégrer ces techniques dans un seul élan créatif en établissant des liens vivants entre tous leurs aspects. Au fil des ans, J-M VS a travaillé avec le pianiste Guy Strale et le percussionniste Kris Vanderstraeten et s’est tourné vers la voix en 1996. Intéressé par l’échange ludique et télépathique, ses sons et sa présence sur scène s’adaptent avec chaque partenaire improvisateur.

Né en 1958, Pascal Marzan vit entre Paris, Budapest et Londres. Après des études de guitare classique à l’école normale de musique et au conservatoire de Clichy consacrées essentiellement au répertoire du XX ème siècle, puis à l'enseignement de la guitare dans différentes écoles de musique de Budapest en Hongrie, il se tourne vers la pratique de l'improvisation libre. Son approche de la guitare (qu'il appelle guitare abiscotée) se caractérise par trois modes de jeux distincts : technique classique du répertoire du XX ème siècle, technique flamenca : rasgueados et golpes.... et technique préparée/bruitiste : (cutter, aiguilles à tricoter, cylindres metalliques, frottements, sourdines, bottleneck...) pour des sons indéfinissables et sonorités de cimbalom, gamelan, gongs, koto ...". Ses collaborations et enregistrements les plus récents et réguliers sont le quartet TPRP avec le violoniste Phil Wachsmann, le contrebassiste finlandais Teppo Hauta-Aho, le batteur percussionniste Roger Turner ; le duo de guitare avec John Russell ; le duo de guitare avec Roger Smith (“Two Spanish Guitars” Emanem) ; “Prendre le Large” avec Fred Wallich (dvd + cd label Vouïr). Pascal Marzan participe également à des performances avec des danseurs, poètes et plasticiens. Depuis 2004, il organise les rencontres R-de-Choc à l’Espace Jemmapes.
http://www.improvising-beings.com/

Johan Asherton – guitare, voix.

Il y a vingt ans, dans une autre vie, Johan Asherton était le leader des Froggies, un groupe de rock français anglophile, dans la lignée des Flaming Groovies. Depuis, notre troubadour rangé des watts a troqué son instrument électrique contre une bonne grosse vieille guitare acoustique en bois, aux flancs pansus et aux courbes généreuses. Et sa musique est au diapason : un folk romantique et grave, qui emprunte parfois à la musique celtique ou aux ballades médiévales. S'il fallait trouver des équivalents, on évoquerait Nick Drake pour les ambiances à la délicatesse mélancolique, Scott Walker pour la voix de basse caressante, ou Leonard Cohen pour les textes lyrico-mystiques.
Ce trublion discret a choisit de revenir à Souffle Continu pour égrener de nouveau ses arpèges lunatiques sur des cordes vibrionnantes et présenter son nouvel album "The House Of Many Doors", produit par Stéphane Dambry et lui-même. Composé de onze nouvelles chansons, il est rejoint par de nombreux invités : Eléonore Chomant, Laurent Pardo, Sarah Smith, Tim Smith et Geoff Grimes. Comme dit Philippe Barbot à son sujet : ‘’Ça sent l'humus et le feu de bois, l'herbe coupée et les fougères. Une salutaire bouffée d'oxygène’’.

Johan Asherton apprend tout d’abord le violon, puis le piano, mais c’est en découvrant Jimi Hendrix que va naître sa fascination pour la guitare électrique et la musique pop en générale. Au cours des années 1970, il connaît diverses expériences musicales en jouant au sein de quelques groupes de rock. C’est à cette époque qu’il découvre entre autres Marc Bolan & T-Rex, Bob Dylan, Johnny winter ou encore Rory Gallagher, qui auront une influence majeure sur lui. Au début des années 1980, il enregistre un premier single, puis forme The Froggies, groupe de rock garage-punk dont il sera le leader (chant et guitare). Suivront deux albums des Froggies. Il rejoint ensuite le groupe Liquid Gang (Blues) avec lequel il enregistre un album. Au milieu des années 1980, Johan Asherton connaît une période de flottement. C’est là qu’il découvre (ou redécouvre) peu à peu la musique Folk des années 1960 et 70, à travers des artistes comme Townes Van Zandt (qu'il rencontrera en 1992 et à qui il dédit la chanson "Ode to Townes"), Bob Dylan, Leonard Cohen, Tim Hardin, David Blue, Donovan, Nikki Sudden, et surtout Nick Drake, artiste au destin tragique, qui le hantera pour toujours. Il s’immerge totalement dans cet univers folk ou il puise toute son inspiration. Il abandonne peu à peu la guitare électrique pour s’orienter exclusivement vers la guitare acoustique qui devient son instrument de prédilection. En 1988, Johan Asherton sort ainsi son premier album solo ‘’God’s Clown’’, une réussite à tous points de vue, dans une veine résolument Folk, suivront ‘’Precious’’ et ‘’The Night Forlorn’’. En 1995, il sort ‘’The Moon, Soon’’, son album le plus épuré, le plus sombre, le plus intimiste, dans lequel il rend hommage à Nick Drake. Avec ‘’Under The Weather’’ en 1996, il revient à une instrumentation plus riche. En 1998, il sort ‘’Bluesology’’, proposant des compositions qui lui ont été inspirés par Bert Jansch, Davy Graham, ou encore Wizz Jones. Il ouvre les années 2000 avec ‘’Trystero’s Empire’’, certainement son album le plus éclectique. Enfin, en 2005, arrive l’incontournable ‘’Amber Songs’’, que beaucoup considèrent comme son meilleur album, et que la critique n’hésitera pas à classer dans les meilleurs disques de Folk toutes époques confondues. Il consacre aussi une partie de son temps à l’écriture de recueils de poèmes et publie une biographie sur Marc Bolan & T.Rex, dont il a sorti un album de reprises, "Cosmic Dancer : A Tribute To Marc Bolan", en septembre 2007.

Joël Grip – contrebasse.

Pour la sortie d’un nouveau disque vinyle de contrebasse solo ‘’Picklhaube’’, enregistré au Festival of creative music et au New Perspectives Västeras en Suède. Ce bel objet inclut aussi des textes, des poésies, des photos et des dessins.
A propos du disque : ‘’This is a solo in duet with the current era of silent repression of every mind that’s not in line for the mental pawnshop. In these times, most shallow behaviors are presented as if the deepest of engagements and beliefs. We are dressed up in a fictional all-in-one hat, the helmet and the warhead: Die Pickelhaube. Blow yourself out of your own mind or simply step out of your helmet. And listen’’.

‘’Joël Grip s'est illustré dans un impressionnant solo de basse, exploitant tout ce qui est possible d’extraire de son instrument, tantôt charmeur, puis s'acharnant sur la carcasse tel un équarrisseur dément à l'heure de l'apéro ! ...Pour revenir caresser comme une excuse, les cordes qui tour à tour sous ses doigts de magicien sont drisses de haubans ou cheveux de Naïades ...’’ Claude Parle.

Originaire de Stockholm, Joël Grip est un musicien improvisateur libre, et ce terme prend ici tout son sens. Sa musique, puisant aux tréfonds de son corps, son énergie vitale, a parcouru le monde entier (Japon, Chine, Inde, Europe, Amériques) à travers de nombreuses rencontres créatives. Il est l'initiateur et le co-organisateur du festival Hagenfesten Art-Flow in Dala-Floda (Suède), de l'ONG Public Health Music (amplifiant la voix des sans-foyers), et du label Umlaut Records. Il vient de sortir deux disques, l'un avec le trio free-bop, Peeping Tom, et l'autre avec Snus (Didier Lasserre et Niklas Barnö). Joël a joué entre autres avec Axel Dörner, Joe Mc Phee, Eve Risser, Evan Parker, Hermann Keller, Andrea Parkins, Sven-Åke Johansson, Sten Sandell, Itaru Oki…
http://www.umlautrecords.com/person/joelgrip

Steve Dalachinsky – lecture, voix.
The Snobs (Duck Feeling & Mad Rabbit) .

Emilie Lesbros – chant, voix.
Sabir Mateen – saxophones.

Pour fêter la sortie de l'album ‘’Massive Liquidity’’ de Steve Dalachinsky & The Snobs, ainsi que les sorties de deux livres de Matthieu Thibault ‘’La Trilogie Bowie-Eno’’, paru en 2011 chez Camion Blanc et ‘’Bitches Brew ou le jazz psychédélique’’, paru cette année chez Le Mot et Le Reste. L’album ‘’Massive Liquidity’’, édité en 2011 sur le label bordelais Bam Balam Records, propose, en deux suites de vingt minutes enregistrées au printemps 2011, les fruits de la collaboration entre Steve Dalachinsky et The Snobs. Les performances du poète, tour à tour hallucinées, sobres ou majestueuses, se voient ainsi habillées des grooves psychédéliques chers au duo. Souffle Continu accueille pour l’occasion le trio, augmenté de Devil Sister et Fuzzy Weasel, pour une performance inédite. Se joindrons pour parfaire la soirée, le très beau duo Emilie Lesbros et Sabir Mateen, en espérant un final explosif avec tous les invités …

‘’Massive Liquidity est une excellente œuvre littéraire et musicale.’’ (Extrait du webzine Néosphères : http://neospheres.free.fr/)

Steve Dalachinsky , poète new-yorkais et passionné de jazz, utilise la sonorité des mots pour mieux les éclater et les transformer. Se réclamant autant du cut-up de la beat generation, Allen Ginsberg en tête, que de l'éclatement sublime de William Blake, Dalachinsky offre également à ses textes une vie de performance lorsqu’il s’allie avec ses amis musiciens pour des concerts/récitations faisant la part belle à l’improvisation et l’expérimentation sonore des mots.

The Snobs , groupe de rock expérimental constitué de Mad Rabbit (voix, production) et Duck Feeling(instruments, électroniques), composent et enregistrent ensemble des albums élaborés en homestudio depuis 2003. Le dernier en date, ‘’Rhythms Of Concrete’’ publié en 2011, présente trois suites composées de voix psychédéliques, claviers cosmiques et sons industriels, dont la froideur évoque la danse mécanique du dandy futuriste. Discographie complète en téléchargement gratuit : http://huntingbears.free.fr/

Matthieu Thibault , musicologue et enseignant, présente également ses deux ouvrages. Le premier, La Trilogie Bowie-Eno, est paru chez Camion Blanc en 2011, tandis que son successeur, Bitches Brew ou le jazz sychédélique, vient d’être publié chez Le Mot et le Reste. Le livre propose une analyse de l’influence du rock et du funk sur Miles Davis à la fin des sixties, son goût pour l’expérimentation en studio et le rôle essentiel du producteur Teo Macero dans la réussite de l’album Bitches Brew (1970).

’’Regards malicieux des deux musiciens, connivence évidente. Un Sabir Mateen en forme, heureux d'être là et de s'essayer à un nouvel instrument, la voix, outre sa clarinette, son sax et ses flûtes. Quant à Emilie Lesbros , ceux qui n'ont pas encore eu l'occasion de l'entendre improviser seront saisis : étendue des registres, variété des timbres, dynamisme et humour. Elle est, de plus, comédienne. Un bonheur sur scène. Les deux artistes commencent par dialoguer, souvent par monosyllabes, un peu à l'image de ces salutations africaines interminables, mais ici il s'agit de jouer, le regard pétillant de plaisir. Et quand les "mots" ne suffisent plus, le saxophone poursuit pour revenir à la parole puis retour au cuivre, la voix d'Emilie Lesbros partant en claquements, vibrations sur des peaux, cris et murmures ... Epoustouflant.’’ (Extrait du blog Flux Jazz - http://fluxjazz.canalblog.com/)

Roland Kaijser – saxophones.
Raymond Strid – batterie, percussions.

La rencontre en duo de Roland Kaijser et Raymond Strid est issue du groupe Kege Snö, quartet créé lors de l’édition 2006 du festival Hagenfesten à Dala-Floda en Suède. Ce duo confronte un vétéran du free-jazz suédois, Roland Kaijser, avec un musicien plus jeune qui est maintenant reconnu sur les scènes des musiques improvisées comme l’un des principaux percussionnistes de sa génération. Il a entre autre joué aux côtés de Barry Guy, Marilyn Crispell et Joëlle Léandre, pour ne citer qu’eux. Nous fêterons ici la sortie de leur disque en duo ‘’Yellow Bell’’, produit tout récemment par le label Umlaut.

Soirée en co-production avec Tampon-Nomade.

‘’Au début des années 1970, alors adolescent, j'ai été absolument hanté par la musique en découvrant tout d’abord le classique, puis les musiques traditionnelles, le jazz et les musiques improvisées. Parallèlement à l’amour de la musique, je me suis impliqué dans les mouvances politiques radicales de l'époque. Gunder Hägg (plus tard Blå Tåget) était un groupe de rock qui avait une certaine côte et qui n’hésitait pas à afficher des textes virulents sur la situation politique de l’époque sur une musique très naïve, mais non dénuée de charme. Je me souviens notamment leur façon très particulière d’appréhender la scène. Le saxophoniste du groupe était alors Roland Keijser . Pour moi, le saxophone était un instrument très connoté jazz ou jazz rock, j’ignorai que Roland était déjà reconnue dès la fin des années 1960, dans le milieu du jazz suédois, je l’ai appris par la suite. A cette époque, lorsque j’ai commencé à sérieusement m’intéresser à la musique, c’était sous le nom de Arbete och Fritid, que Roland Keijser se produisait fréquemment sur la scène "alternative" suédoise. Ce fameux groupe c’est créé dans la continuité de son ancien quartet de jazz, brassant un savant mélange de free jazz sauvage et de rock aux tonalités ethniques diverses. On peut dire qu'ils étaient un des premiers groupes en Europe à jouer cette musique. Roland Keijser est alors devenu une de mes icônes, d’autant plus que Roland était aussi le premier saxophoniste à intégrer à son jeu de la musique folklorique suédoise, j’en étais admiratif. Lorsque j'ai commencé à pratiquer la musique, je me suis rapidement impliqué dans le milieu du free jazz et de l’improvisation libre européenne. A cette époque là, Roland avait pris des années de repos. La première fois que nous avons travaillés ensemble, ce fut en 1995 et tout de suite, la musique est devenue un étrange mélange de folklore et d’improvisations libres. Quelques années plus tard, en 2007, nous nous sommes de nouveau retrouvés pour jouer avec le groupe Kege Snö (Umlaut umcd 0010).’’ (Raymond Strid).

Né à Stockholm en 1956, Raymond Strid a commencé relativement tard à jouer des percussions. Comme il était devenu accro à l'écoute de la musique, avec parfois des dépendances de huit heures de suite devant la stéréo, l’écoute intensive l’a finalement encouragé à commencer à jouer (et à ce jour, il reste toujours un auditeur passionné). Sans formation musicale, il a pensé que les percussions seraient l'instrument le plus facile à appréhender. Il a été particulièrement inspiré par certains batteurs européens, qu’il considère comme ses maîtres : Han Bennink, Paul Lytton et Tony Oxley. Son premier concert fut le 30 septembre 1977 puis a enchaîné par la suite les rencontres et les groupes locaux à Stockholm. En 1988, il forme le trio suédois Gush avec Mats Gustafsson et Sten Sandell. Ce trio a fait naître un grand nombre de groupes et de projets comme Guy/Gustafsson/Strid, Crispell/Jormin/Strid et le trio de free jazz LSB (Fredrik Ljungkvist et Johan Berthling). The Electrics (Axel Dörner, Sture Ericson et Ingebrigt Flaten) s’est formé en 2000 et la même année, Strid est également devenu membre du Barry Guy New Orchestra. Aujourd’hui, Strid voyage et participe aux festivals d'improvisation majeurs en Europe et en Amérique du Nord. Depuis 2005, son jeu se déplace stylistiquement entre l'improvisation libre et le free jazz, parfois même il mélange les deux. Raymond Strid enseigne aussi l'improvisation, ses méthodes et ses esthétiques.
http://www.umlautrecords.com/album/yellowbell

Antoine Pasqualini - batterie, chant, guitare.
Lucie Marsaud - clavier, guitare, chant.
Thomas Rozec - basse, chant.
Benoît Guivarch - guitare, chant.
Mathieu Hauquier - trompette, chant.

Arch Woodmann présentera à Souffle Continu son nouvel album, ''Life Forms Found on a Life Boat'', rejoint par le trompettiste Mathieu Hauquier (Petit Fantôme, Botibol) et le guitariste Benoît Guivarch (Carp, Landscape, Overhead, Grand Luxe). Donnant suite aux albums ''Draped Horse Blue, Licorne Argentée, Feather Blue'' et ''Mighty Scotland'', ce nouveau ''Life Forms Found on a Life Boat'' est le premier véritable EP réalisé par le groupe.

Originaire de Brest, c'est avec ‘’Silence Radio’’ qu'Antoine Pasqualini aka Arch Woodmann a fait ses premières gammes dans un rock influencé par Fugazi. Après être tombé amoureux de la musique folk, Arch Woodmann recentre sa propre production, marquée dans un premier temps par Sun Kil Moon, ensuite influencé par les ambiances jazzy expérimentales développées par Do Make Say Think. Arrivé sur Paris pour développer une carrière solo après un EP de 5 titres, le Breton s'entoure d'amis pour concocter un premier album folk aux saveurs post-rock intitulé ‘’Draped Horse Blue, Licorne Argentée, Feather Blue’’ (2007, autoproduit, épuisé), sorti à la rentrée 2008. Après une salve d'encouragements du public et de la presse spé, Arch Woodmann poursuit son aventure avec un deuxième album ambitieux, ‘’Mighty Scotland’’ (2010, Monopsone – Differ-ant). Donnant suite aux deux albums cités, ‘’Life Forms Found on a Life Boat’’ est le premier véritable EP réalisé par Arch Woodmann. Initialement prévu pour être un album, ‘’Life Forms Found on a Life Boat’’ a été conçu entre Paris, Bordeaux et la Bretagne. A la fois enregistré dans différents appartements et maisons avec les moyens du bord, sans chercher à éluder bruits environnants, maladresses et dissonances ; et en studio (Audiotape, Paris) cet EP renoue avec le côté brut des premiers enregistrements du groupe tout en explorant une écriture plus spontanée, des textures plus synthétiques ; en intégrant aussi la trompette comme instrument à part entière. Toujours pétri d'influences post-punk, post-rock (Fugazi, Do Make Say Think, Women) et pop (Bill Callahan, Chad VanGaalen, Lake) ‘’Life Forms Found on a Life Boat’’ annonce de nouvelles directions pour une formation toujours en mutation et en mouvement et désormais éclatée entre Paris et Bordeaux.

Depuis 2007, aux Etats-Unis et au Royaume Uni, il s’est créé une journée spéciale en faveur des disquaires indépendants : le Record Store Day . De Blur à Muse en passant par Metallica, de nombreux artistes ont participé à cette journée, en proposant, en exclusivité dans les réseaux indépendants, des morceaux et des disques inédits, ou bien en s’investissant dans des animations spécifiques comme des rencontres ou des mini-concerts.

En 2011, le CALIF s’est donc naturellement associé au « Record Store Day » en créant sa version française « Le Disquaire Day » et en y associant tous les acteurs de la filière : les artistes, les labels, les distributeurs et bien sûr les disquaires. Pour cette édition 2012 ce sont 176 disquaires et plus de 150 artistes qui participeront à l’opération.

Le Disquaire Day – Record Store Day est organisé en France par le CALIF (Club Action des Labels Indépendants Français) en partenariat avec les organisations de disquaires indépendants américains Coalition Of Independent Music Stores et anglais.

http://disquaireday.fr/
http://www.recordstoreday.com/Home

ANNULE

Antje Vowinckel – orgue et objets.

Dans le cadre d’une résidence à la Cité des Arts de Paris, l’artiste sonore allemande Antje Vowinckel a proposé à Souffle Continu de jouer ‘’Orgue et objets’’, une récente pièce d’une vingtaine de minutes. ‘’Orgue et objets’’ est une performance musicale pour un ancien orgue électrique, des objets amplifiés, un haut-parleur vibrant et un ballonnet. Antje Vowinckel présentera également quelques extraits de "Call me yesterday", une pièce radiophonique à base de cours de langues internationales, qui a été distingué par le prix Karl-Sczuka-Förderpreis de la Radio SWR (Allemagne) ainsi que le prix Ars Sonore de la Radio RNE (Espagne). Ce sera donc l’occasion de découvrir son travail essentiellement centré autour de la voix et du texte et de faire un point sur sa récente discographie.

Compositrice, metteur en scène, Antje Vowinckel travaille essentiellement autour de la voix et du texte. Elle met notamment en scène des textes de Falk Richter, David Foster Wallace, Junishiro Tanizaki, Tom Johnson, Dorota Maslowska... Cependant, ces dernières années son travail s’est de plus en plus déplacé du texte vers la musique et inclut également aujourd’hui des compositions instrumentales et des performances. Sa musique se concentre sur des compositions avec des fragments de mots parlés, sous l’influence d’oeuvres électroacoustiques et de pièces radiophoniques de Pierre Schaeffer, Pierre Henry, Luc Ferrari, Mauricio Kagel, Heiner Goebbels, Tom Johnson et de Barry Bermange. Son activité consiste à chercher des structures musicales au sein du langage parlé, les extraire et les replacer dans des contextes musicaux. Aujourd’hui, elle cherche également à trouver des concepts scéniques de musique électroacoustique. Elle s’inscrit dorénavant dans le paysage de l’ “Echtzeitmusik” de Berlin, entre improvisation, composition, expérimentation… parmi des musiciens comme Annette Krebs, Andrea Neumann, Axel Dörner, Kai Fagaschinski, Ignaz Schick...

Emmanuelle Parrenin - voix, vielle à roue, épinette pas vraiment des Vosges, sanza, harpe budin, harpe yves d'arcizas.

Emmanuelle Parrenin a pratiqué le collectage de chansons traditionnelles en zone rurale, la danse contemporaine ou l'art-thérapie, mais elle est pourtant surtout connue pour avoir enregistré il y a trente ans, un disque d'une beauté énigmatique : ‘’Maison Rose’’. Aujourd'hui, elle ressort sa vielle à roue, ses harpes et son épinette des Vosges pour réinterpréter certaines de ses anciennes chansons, ainsi que de nouvelles co-écrites avec Flóp. De cette collaboration naissent ‘’Maison Cube’’, son deuxième album, paru en 2011 sur le label Les Disques Bien.

Emmanuelle Parrenin a tâté du Yoga, du Taï Chi, du Chi Kong, du Shintaïdo ou du Kototama, mais se consacre désormais au vélo et occasionnellement au métro. Elle chante et joue de la vielle à roue, diverses harpes, du piano à pouces, de l’épinette des Vosges, du dulcimer, des bols chantants. Figure fondatrice de la scène revivaliste folk en France, elle a écumé festivals et MJC et a joué avec Gentiane ou Mélusine. Elle est pourtant surtout connue pour avoir enregistré il y a trente ans un disque d'une beauté énigmatique : ‘’Maison Rose’’, que s’arrachent des collectionneurs du monde entier : le disque de post-folk ultime, entre chants traditionnels et expérimentation électro-acoustique. ‘’Maison Rose’’ est un disque post-folk envoûtant aux contours mal définis : une chanson offerte par Jean-Claude Vannier ou un air traditionnel québécois côtoient de longues plages planantes. Il est devenu fatalement un objet de collection. Aujourd'hui, elle dépoussière son instrumentarium pour réinterpréter certaines de ses anciennes chansons, ainsi que de nouvelles co-écrites avec Flóp. De cette collaboration naît contre toute attente ‘’Maison Cube’’, son deuxième album paru fin mars 2011, sur le label Les Disques Bien, ainsi qu’un nouveau spectacle : ‘’D’une maison l’autre’’, création en avril 2011, au Lieu Unique à Nantes.

Pierre Redon – électro-acoustique.

Pour la sortie du livre “vestiges ou les fondements d’un cyberécologie”, ainsi que le coffret sur les Marches Sonores EAU#1 & #2, Souffle Continu consacre un évènement autour des Marches Sonores de Pierre Redon, qui se produira en live à partir des enregistrements récoltés pour la Marche Sonore.
Les Marches Sonores sont des œuvres hybrides créées par Pierre Redon, qui mêlent création graphique, sonore et documentaire et révèlent un territoire à travers ses habitants, le son dans le paysage et l’écologie humaine. Elles se présentent comme un parcours que chaque participant vit à l’aide d’un baladeur MP3 et d’une carte créée spécialement pour chaque projet. Les rencontres restituées sous la forme d’entretiens font émerger les voix sensibles qui tissent, avec les environnements sonores ainsi créés, de nouvelles relations aux lieux et au territoire.

En partenariat avec les éditions MF, Abbaye de Maubuisson, Musée départementale de l’éducation du Val d’Oise, Quartier Rouge et les Soeurs Grées.

''L’univers de Pierre Redon est ainsi fait, entre musique des sphères et réalité ethnosociologique, entre mémoire et présent instantané. Et c’est cet entre-deux qui a donné les formes actuelles de son travail. Image, son, musique, topographie, ethnographie, marche, écoute, observation, écologie, économie, politique et poésie, traditions culturelles et rationalité utilitaire, localisme et empathie naturaliste, ruralité et modernité, ces enjeux se nouent dans des formes variées, empruntées aux choses et aux gens rencontrés in situ. Pierre Redon construit ses propositions sans a priori formel, à partir d’une pratique ancrée dans la musique et le sonore, et, avant ou autant que celle de l’art, d’une expérience du monde. (…)''. Christophe Domino pour La belle Revue en 2009.

Le coffret Marches Sonores EAU #1 #2 rassemble les cartes et les CDs ainsi qu’une série de photos des Marches Sonores de Felletin et de Faux-la-Montagne. Ces deux créations autour de la thématique de l’eau sont accessibles à pied toute l’année sur le Plateau de Millevaches en Limousin. Ce coffret constitue une documentation autonome, mais permet également de réaliser les Marches Sonores en chargeant vous-même votre baladeur audio et en vous rendant à chaque point de départ avec la carte. (Création de Pierre Redon en collaboration avec Edmond Carrère, paru chez MF éditions avec la participation de Quartier Rouge et des Sœurs Grées).
Dans la même approche que les précédentes Marches Sonores, ‘’Vestiges, ou les fondements d’une cyberécologie’’ explore l’écologie humaine, ou le fonctionnement de l’espèce humaine par rapport à son environnement. Ce livre a été réalisé à partir des images et documents divers collectés pendant un an et demi, de mai 2008 à septembre 2009, lors des recherches effectuées pour la création de la Marche Sonore. (Pierre Redon et Guy Tortosa, une commande de l’Abbaye de Maubuisson et du Musée de l’éducation du Val d’Oise).

www.pierreredon.com

REPORTÉ ULTÉRIEUREMENT !!!

Souffle Continu tiendra un stand sur le Festival Sons d'Hiver le Jeudi 09 & le Mardi 14 Février 2012

SONS D'HIVER du 27 Janvier au 18 Février 2012
Programme des concerts :
http://www.sonsdhiver.org/fr/concerts

Ollivier Coupille - électronique.

Ollivier Coupille présentera en solo des extraits d' ‘’Entrelacs’’, un travail en cours, à l'occasion de la sortie de ‘’Maille’’, de ‘’Migrations’’, de ‘’Trame’’, de ‘’3 pistes’’ et d' ‘’Entrelacs’’. Ces disques sont parus chez Loligo qui abrite une production d'œuvres d'artistes, d'œuvres composites et d'œuvres en collaboration. Les enregistrements ont été réalisés entre 2007 et 2011 à Morangis et à Paris.

Différentes formes d'ondes sont assemblées sur un métier électronique dont la composition varie au cours du temps. La performance consiste à explorer les interactions à l'intérieur du dispositif, à observer les boucles qui se forment dans le courant, à suivre des lignes. Certaines pistes sont parfois abandonnées, d'autres se ramifient... la fin d'une chose est souvent le commencement d'autre chose. Une activité des plus primitive puisque le filage, la torsion et le nouage des fibres font partie des arts les plus anciens... et nous avons appris à lire sur les pistes tracées par les animaux sur la terre, ou en suivant des yeux le vol des oiseaux en l'air. Les entrelacs - comme les sons - n'ont pas vraiment d'existence, ils dansent entre-deux, et s'évanouissent aussitôt que l'on tente de les fixer.
(La suite sur http://web.me.com/olliviercoupille)

Ollivier Coupille est né à Aix en Provence en 1952 . Il vit et travaille à Paris. Il a suivi les ateliers de Takehisa Kosugi à la Sainte Baume en 1979-1980, puis joué dans plusieurs de ses concerts. Il a étudié le shakuhachi avec Reihi Sano à Tokyo en 1982-1983, période durant laquelle il a participé à plusieurs concerts et festivals au Japon. Il a été associé à la Biennale de Paris en 1982. Certains de ses dispositifs sonores ont été exposés à Paris, Galerie Donguy (1988), et à Eindhoven (Hollande) à Het Apollohuis (1989). Il a participé à Landschap-mensenwerk à Neerijnen (Hollande) en 1988, à Sonar à Barcelone en 1995, à ISEA à Montreal en 1995, au 13ème Sound Symposium à St John's (Newfoundland) en 2006, et au festival Ça ne vaut jamais le réel à Montreuil en 2008. Depuis 1995 il a collaboré avec Sofi Hémon à plusieurs performances, installations et vidéos.
http://www.loligo.tm.fr/

Emmanuel Cremer – violoncelle.

Le violoncelle, l'instrument le plus proche de la voix humaine ?
Emmanuel Cremer joue en effet de ces voix pour donner à entendre et à sentir des histoires de vie, de petites anecdotes et parfois des légendes. Les voix se transforment pour décrire l'espace qui nous entoure, des formes dansées, peintes, filmées... A travers l'instrument, sous l'effet de ses ondes, il voudrait que le public ressente physiquement et s'approprie l'univers sonore crée.
Souffle Continu l’invite à jouer en solo pour la sortie d’un nouveau disque : ‘’Coma’’, sur le label AlambiK MusiK.

Après avoir étudié le violoncelle au Conservatoire de Marseille et s’être perfectionné avec Jean de Spengler, Emmanuel Cremer poursuit un cursus en composition et arrangement à l’Université de Montréal (Canada) puis s’oriente vers le Jazz et l’improvisation, à travers des collaborations diverses : Au sein du collectif Emir, du contrebassiste Barre Philips, dans le projet avec dispositif électroacoustique CactuSSoniC, avec le pianiste américain Denman Maronay, en duo avec le violoniste Baltazar Montanaro (duo Violoncelle) ainsi qu'en solo. Il rencontre le guitariste Raymond Boni avec qui il improvise pendant trois ans sur de nombreuses scènes européennes (Terronès, Blue Marge 2004). Il crée en 2006 le quartet Manuchello aux sonorités expérimentales jazz et rock. Puis un septet de cordes et percussions où se mêlent ses expériences de compositeur-interprète pour le théâtre (théâtre de la mezzanine à Paris), la musique de film (13 Tzameti) et l'arrangement (orchestre symphonique de Sofia pour l'album Express way des Troublemakers). Il se produit régulièrement en concert sur les scènes françaises, ainsi qu’en Allemagne, en Belgique, aux USA et au Canada.
www.myspace.com/emmanuelcremer

Jean-Luc Guionnet - saxophone alto.
Seijiro Murayama - percussions.

Pour la sortie du disque en duo ‘’Window Dressing’’, paru récemment sur le label Potlatch. ‘’Cet album est un dialogue très surprenant entre deux musiciens d'une part, mais également entre les instrumentistes et le contexte environnant. Un dialogue basé sur une écoute et une attention aiguisées, plein de tensions et de contrastes. Un dialogue également entre la présence et l'absence, entre le son et le silence, mais pas vraiment un dialogue qui joue avec l'opposition plein/vide, dans la mesure où le silence est toujours considéré comme une matière musicale, comme une texture sonore à part entière. Quatre pièces parfois difficiles et souvent minimales, réduites à l'extrême, où chaque intention se réduit à une intervention souvent très simple, mais d'autant plus intense et puissante.’’ Julien Héraud.

Jean-Luc Guionnet a étudié les arts plastiques et la musique électroacoustique avec Christine Groult, Michel Zbar et Iannis Xénakis. Poly-instrumentiste (saxophone alto & soprano, orgue, piano) il a improvisé et expérimenté dans le champ de la musique électroacoustique avec Eric La Casa, Eric Cordier, Pascal Battus, Edward Perraud, Frédéric Blondy, Sophie Agnel, André Almuro, Olivier Benoit avec les groupes Schams, Synapses, Calx, Phéromones et Hubbub. Passant d'une approche très physique du jeu, du souffle, à un travail de mise en espace du son, à travers des dispositifs sonores complexes.

Percussionniste, batteur, Seijiro Murayama donne des concerts de musique improvisée, de rock expérimental depuis 1982 et a notamment travaille avec des musiciens comme Fred Frith, Tom Cora, Keiji Haino, K. K. Null. Actuellement il vit en France et travaille avec Thierry Madiot, Pascal Battus, David Chiesa, K. K. Null, Naoaki Miyamoto, Eric Cordier, Lionel Marchetti, Michael Northam…
http://www.potlatch.fr/

Alain Pinsolle - vibraphone.
Jean- Louis Chautemps - saxophone ténor.

Pour la sortie du disque ‘’Chtarbmusique’’ d’Alain Pinsolle, paru récemment sur le label Futura-Marge avec Jean-Louis Chautemps (saxophone ténor), Roland Molinier (contrebasse) & Christian Lété (batterie). Invité à Souffle Continu, Alain Pinsolle explorera avec son vibraphone, accompagné de son vieux complice Jean-Louis Chautemps au saxophone ténor, les chemins de l’improvisation. Jean-Louis Chautemps est l’un des pionniers du jazz français, qui a entre autre joué avec Sidney Bechet, Django Reinhardt, Zoot Sims, Lester Young, Bobby Jaspar, Albert Ayler, Roy Eldridge, Don Byas, Henri Renaud, Chet Baker, Kenny Clarke, Martial Solal, Slide Hampton, Eddy Louiss, René Urtreger, Johnny Griffin, Dexter Gordon, Daniel Humair…

Alain Pinsolle est un vibraphoniste, pianiste, accordéoniste, percussionniste, improvisateur et compositeur français. Depuis plusieurs années, il dirige un quartet de musiciens interprétant une musique imprégnée de jazz moderne qu’il a nommée ‘’Chtarbmusique’’. C’est une combinaison entre improvisation totale et structure harmonique, mélodique et rythmique organisée qui propose une dimension de poétique verbale et visuelle, une tentative entre le réfléchi et le spontané.
http://terrae.free.fr/?Accueil%26nbsp%3B

Jean- Pierre Drouet - percussions.
Louis Sclavis - clarinette basse, saxophone soprano.

Hervé Péjaudier (auteur) présentera la soirée par une lecture.

Pour la parution récente du disque en trio "Contretemps etc…’’ (avec Fred Frith à la guitare), sur le label in situ. Pour fêter sa sortie, Jean- Pierre Drouet et Louis Sclavis se feront entendre cette fois en duo à Souffle Continu, ‘’sans chercher les points de repères traditionnels, musique aride, dure, qui se laisse désirer avec des moments de dérives totales. Ces instants qu’il faut savoir attendre … pour suivre les méandres de cette improvisation, de cette prise de risque insensé.’’ Nicolas Béniès.
Ça promet !

Percussionniste et compositeur français né en 1935, Jean-Pierre Drouet abandonne le piano à la suite d'un accident, étudie la composition avec René Leibowitz, Jean Barraqué et André Hodeir, part en tournée aux Etats-Unis avec Luciano Berio et Cathy Berberian, traîne dans les clubs de jazz, cherche la musique dans de multiples directions : création de nombreuses oeuvres contemporaines (Berio, Stockhausen, Xenakis, etc…), étudie les musiques extra-européennes (zarb, tablas), improvise en solo ou avec des amis... Il compose pour le théâtre (Serreau, Régy), la danse (Brigitte Lefèvre, Théâtre du Silence, Jean-Claude Gallotta), le concert (Atem, Musica, 38e rugissants, Orchestre de Paris). Le théâtre musical, qu'il découvre à travers de nombreuses collaborations avec Mauricio Kagel et Georges Aperghis, le conduit à une pratique de la scène où il rencontre notamment les machines musicales de Claudine Brahem, compose des musiques pour les hommes-chevaux de Bartabas...

Louis Sclavis est un clarinettiste, saxophoniste et compositeur de jazz francais né en février 1953 à Lyon. Il commence la clarinette à l’âge de neuf ans avant de rejoindre le conservatoire. Il se produit dès 1975 avec le Workshop de Lyon et lors de diverses formations de l’Arfi (association à la recherche d’un folklore imaginaire, fondée en 1977 à Lyon). Il rencontre ensuite Michel Portal, Bernard Lubat et joue plus tard avec le Brotherhood of Breath de Chris McGregor, le quartet d’Henri Texier, Aldo Romano etc... En vingt-cinq années de pérégrinations les plus diverses, Louis Sclavis est devenu l’une des figure de proue de la clarinette jazz européenne. Pas un répertoire qui ne soit pour lui matière à création musicale : l’œuvre du Duke comme la musique contemporaine, le free comme les folklores orientaux, la danse comme le cinéma ou la photo !

Ernest Dawkins - soprano, alto & tenor saxophones.

Pour la sortie du disque (double cd) du Chicago Trio ‘’Velvet Songs, to Baba Fred Anderson’’ avec Harrison Bankhead et Hamid Drake, produit par le label Rogue Art.
Ernest Dawkins dans la pure tradition de la Great Black Music traverse toutes les strates de la musique afro-américaine de ces cinquante dernières années. Il proposera à Souffle Continu, un solo profondément ancrée dans l'âme noire, en quête de ces moments d'extase où la transe des corps et la ferveur des esprits ne sont plus qu'une seule et même chose.

Saxophoniste, compositeur, enseignant, Ernest Dawkins est l’un des représentants les plus emblématiques de la Great Black Music. Il présida l'AACM de Chicago, dirige le New Horizons Ensemble (fondé en 1979), rassemblant trois générations de musiciens de Chicago. Il organise aussi le Chicago 12, constitués de jeunes musiciens de cette même ville, dont certains furent ses élèves. Il dirige l'Aesop Quartet, tout en participant à d'autres projets musicaux comme l'Ethnic Heritage Ensemble de Kahil El'Zabar. Dans ses explorations musicales avec l'Aesop Quartet, on peut entendre des échos de John Coltrane et Albert Ayler, des invocations de Dizzy Gillespie et Charlie Parker arrangées de telle manière qu'elles rendent un hommage à Louis Armstrong. L'Aesop Quartet intègre également une part importante du hip-hop, qui trouve ses racines dans la tradition jazzistique. Son jeu lie à la perfection la tradition du jazz et le free, l'influence des grands maîtres, comme ceux du bebop ou John Coltrane et l'exploration expérimentale.
http://web.roguart.com/

Emmanuel Rabu – texte, voix.
Basile Ferriot – percussions, électronique.

Pour la sortie du livre ‘’Futur Fleuve’’ de Emmanuel Rabu, paru aux Éditions Léo Scheer dans la collection Laureli.

INDEX une liste anthropique duo hypnotique vertical et horizontal

Futur fleuve : Une catastrophe nucléaire d’ampleur mondiale a lieu. L’humanité oublie ses prétentions pour être condamnée à la survie. Un groupe de personne décide de quitter leur ville détruite à la recherche d’un endroit plus vivable. Le livre est l’histoire de leur trajet et la description d’un monde apocalyptique. Il décrit les aventures de personnages attachants projetés dans une situation extraordinaire avec un bon sens du suspens, sachant aussi s’adonner à de passionnantes descriptions de paysages fascinants de désolation. En parallèle est, entre autres, évoquée la question de la domestication animale – les animaux ayant survécu réinvestissant le champ laissé vaquant par les hommes affaiblis. Pas de misérabilisme, pas de constat désespéré : la fin est ouverte, permettant d’imaginer comment réinventer la vie dans un monde menacé. On songe à La Route de Cormac McCarthy, l’univers de J.G. Ballard... ; et côté cinéma : une démarche comparable à celle de Quentin Tarantino ou Robert Rodríguez : investir le champ de la série B. Emmanuel Rabu ne perdant par ailleurs rien de l’exigence de son écriture : le livre est, non pas un compromis mais une rencontre sincère entre littérature dite populaire et littérature dite exigeante.

Emmanuel Rabu est né à Nantes en 1971 et vit à Paris. Il a notamment publié Futur Fleuve (Laureli/Léo Scheer, 2011), Tryphon Tournesol & Isidore Isou (Le Seuil, Fiction & cie, 2007), Cargo Culte (Dernier Télégramme, 2007). Écrivain et poète sonore, il a créé et dirigé des festivals et événements autour de la poésie sonore et de la musique improvisée. Il a également dirigé plusieurs revues et collectifs notamment la revue PlastiQ (éditions MeMo, 1999) revue papier + CD consacrée à la poésie et aux musique dites expérimentales, et Écrivains en séries (Laureli/Léo Scheer, deux volumes, 2009 et 2010) collectifs faisant se rencontrer écrivains et séries télé. Il travaille en duo depuis 1999 avec le musicien Basile Ferriot : nombreuses programmations en France et à l’étranger, et vinyle prévu en avril 2012. Du printemps 2011 au printemps 2012, Emmanuel Rabu bénéficie d’une résidence de la région Ile-de-France pour, notamment, développer une programmation littéraire et musicale dans le réseau des librairies de l’est parisien LibrEst : www.librest.com

Basile Ferriot est membre du duo One Lick Less au côté de Julien Bancilhon, cogne la batterie dans le groupe de noise-rock Xnoybis, fait vibrer les métaux et les peaux à grands renforts d'amplification et d'électronique dans ses escapades improvisées avec Jassem Hindi et collabore avec la Cie de théâtre Möbius-Band.

Daunik Lazro - saxophones.
Roger Turner – batterie, percussion.

Il y a plus de dix ans était publié sur le label Emouvance, un album solo du saxophoniste : ‘’Zong Book’’. Aujourd'hui, c'est au tour d'Ayler Records de publier la suite, ‘’Some Other Zongs’’ où le retour en solo de Lazro, uniquement au baryton cette fois, avec deux pièces enregistrées au festival Europa Jazz et quatre autres à l'église Saint-Merry à Paris. Pour fêter la sortie de ce disque intense, le saxophoniste a invité le redoutable percussionniste anglais Roger Turner dont il croise le chemin depuis bien des années maintenant. Ce sera aussi l’occasion de fêter la sortie de ‘’Pourtant les cimes des arbres’’, autre nouveauté, en trio cette fois aux côtés de Benjamin Duboc et de Didier Lasserre, paru sur le tout nouveau label français Dark Tree.

‘’Figure majeure de la musique improvisée européenne, le saxophoniste Daunik Lazro est depuis trente ans le défricheur inlassable de nouveaux territoires, dans l'héritage du jazz ou cultivant ses marges. Un parcours intransigeant, autodidacte, qui est avant tout le signe d'une grande exigence de soi. Daunik Lazro découvre le jazz à la fin des années 1950 avec Sidney Bechet, puis Charlie Parker, Ornette Coleman… C'est ce dernier qui l'amène à adopter le saxophone alto. Au milieu des années 70, il fait ses classes avec le contrebassiste américain Saheb Sarbib, puis s'associe à l'aube des années 1980 avec notamment Jean-Jacques Avenel, Siegfried Kessler ou George Lewis, pour des formations de plus en plus engagées dans l'improvisation libre (trois albums en témoignent sur le label suisse Hat Hut). L'écoute du saxophoniste anglais Evan Parker, et la voie tracée par le français Michel Portal, le portent à affirmer une identité européenne décomplexée de l'héritage du free jazz américain. A l'instar du trio emblématique qu'il forme en 1986 avec le saxophoniste Michel Doneda et le percussionniste Lê Quan Ninh : l'improvisation réfute tout langage préétabli, la rencontre prenant son sens par le don de soi dans un processus rituel. Daunik Lazro privilégie les petites formations sans hiérarchie, inspirées par « la magie du matériau sonore, beaucoup plus que par les formes ou les structures verticales ». Les années 1990 seront marquées par un nouvel intérêt pour le jazz, avec le quartet Outlaws In Jazz auquel participe le batteur américain Dennis Charles, et surtout la concrétisation de la rencontre avec le saxophoniste et trompettiste Joe McPhee (notamment en duo et au sein du quintet Dourou). Daunik Lazro renoue plus explicitement avec les notions de phrasé et de tempo, à l'aune du trio And His Orchestra, formé avec deux compagnons de longue date, le contrebassiste Jean Bolcato et le batteur Christian Rollet. Le saxophoniste y garde en mémoire les incantations ayleriennes, avec un lyrisme à la fois tendre et acéré porté par la tension permanente entre phrase et matière. C'est par un album solo que Daunik Lazro inaugurera le siècle naissant, ‘’Zong Book’’, aboutissement d'une pratique décisive, l'occasion pour le saxophoniste de se livrer à l'introspection abrupte d'un sculpteur sonore. Il y donne libre cours au baryton, instrument adopté plus tardivement que l'alto, avec lequel il avoue effectuer « un retour aux origines, au non savoir ». Si, ces dernières années, il s'ouvre à de nouveaux champs d'expérience (notamment avec le duo électroacoustique Kristoff K.Roll), c'est aussi l'occasion de creuser plus encore un rapport privilégié avec les cordes. Régulièrement associé au violoniste Carlos Zingaro, il double volontiers les contrebasses dans ses propres projets. Souplesse harmonique et caractère incisif du jeu sont en correspondance directe avec sa recherche de finesse des textures, lui ouvrant des univers proches de la micro tonalité. C'est dans cet esprit qu'il rejoint le quartet NOHC sous l'égide du violoncelliste Didier Petit, et que se construit le quartet Aérolithes avec deux saxophonistes, violon et violoncelle. Un itinéraire exemplaire aux confins de l'improvisation, s'interrogeant sur le lien entre espace intime et alchimie collective, dans le mystère de l'instant. ‘’
Thierry Lepin.

Roger Turner est un batteur et percussionniste hyperactif au sein de la Free Music européenne et de la musique progressive britannique dite de "Canterbury". Dans les années 60 / 70, très tôt intéressé par l'improvisation, il explore les percussions, travaille avec le groupe de percussionnistes ghanéens Mask et le groupe de musique expérimentale "The Ritual Theatre". A partir de 1974, développant son propre style, il joue en solo lors de festivals (Festival de Jazz de Bracknell et Festival de la Percussion de Bruxelles). Roger Turner enregistre l'un de ses premiers disques, "Sunday Best", en 1979 sur le label Incus en duo avec le saxophoniste ténor Gary Todd. Il obtient à deux reprises, en 1980 et 1983, une bourse du Arts Council pour prolonger ses recherches sur les percussions et l'électronique. Durant cette période, il enregistre son premier album solo "The blur between". En 1984 et 1985, il suit un atelier au sein de l'IACP, l'Institut Art Culture Perception fondé à Paris par Alan Silva au milieu des années 70. Parallèlement à cet enseignement auprès de cette importante figure du Free Jazz américain, Roger Turner travaille pour la musique rock et la chanson, sans que ces collaborations soient particulièrement "traditionnelles". Il joue en duo avec Annette Peacock de 1983 à 1987, et avec le groupe de "post-wave" The Nose Flutes de 1986 à 1987. Roger Turner a ensuite collaboré avec Toshinori Kondo, Derek Bailey, John Russell, Steve Beresford, Carlos Zingaro, Evan Parker (au sein du Evan Parker Quintet), Joëlle Léandre, Otomo Yoshihide, Shelley Hirsch, Keith Rowe, Wolfgang Fuchs, Cecil Taylor, Alan Silva, Phil Minton (en duo et au sein du Phil Minton Quartet avec Veryan Weston et John Butcher), au encore au sein d'un trio avec Carlos Zingaro et Tom Cora, avec diverses formations rattachées à la scène progressive britannique dite de "Canterbury", notamment avec les saxophonistes Lol Coxhill et Elton Dean (l'un des membres fondateurs du célèbre groupe Soft Machine)... Parmi ses nombreuses collaborations, depuis 1993, Roger Turner tourne régulièrement avec la formation "In The Tradition", qui comprend Alan Silva, Johannes Bauer et Abdelhaï Bennani. Il participe avec Lol Coxhill et le guitariste Mike Cooper au groupe "The Recedents" et est membre du collectif "Konk Pack" avec Thomas Lehn à l'électronique et Tim Hodgkinson (co-fondateur du groupe mythique Henry Cow) aux anches.

Joachim Badenhorst - clarinettes, sax ténor.
Pascal Niggenkemper – contrebasse.
Frantz Loriot – violon alto.

Pour la sortie de l’album ‘’Fremdenzimmer’’, paru en novembre sur le label Clean Feed.

BaLoNi est l'histoire d'une rencontre entre trois musiciens d’horizons géographiques différentes : la Belgique, la France et l'Allemagne. En 2008 à Brooklyn, New York, Joachim Badenhorst (clarinettes, sax ténor), Frantz Loriot (violon alto) et Pascal Niggenkemper (contrebasse) se réunissent par hasard et une amitié surgit, les parcours et les visions musicales différentes de chacun s’unissent et les trois compères donnent naissance à BaLoNi. Ils choisissent alors comme terrain d’entente, l’improvisation. Ces musiciens chevronnés participent chacun à de nombreux projets annexes ou se croisent Tyshawn Sorey, Simon Nabatov et Gerald Cleaver, Thomas Heberer, Han Bennink, John Hollenbeck, Ralph Alessi, Joëlle Léandre, the David S. Ware String Ensemble, Anthony Braxton & the Walter Thompson Orchestra, Mikko Innanen, Franck Vigroux, Michael Formanek, Andrea Parkins, Jean-Luc Cappozzo, Alexei Borisov...
Leur musique raconte une histoire profonde et subtile, pleine de poésie et de surprise.
http://www.frantzloriot.com/BaLoNi.html
http://www.pascalniggenkemper.com/baloni_files/baloni-presskit.pdf

Emilie Lesbros – chant, voix.

Pour la sortie de son premier album solo ‘’Attraction Terrestre’’ (DFragment Music / L’Autre Distribution).

‘’Emilie Lesbros nous apparaît sur scène tel un Pierrot, à la fois frêle et lumineuse, puis nous prend et nous emmène dans son théâtre intime. Le chemin parcouru par cette jeune chanteuse depuis sa rencontre avec quelques personnalités fortes de la musique improvisée, et parmi elles, le contrebassiste Barre Phillips, l’a amenée à parcourir et enrichir au fil du temps son vocabulaire vocal de toutes ses excursions dans des territoires presque illimités de l’expression vocale. Elle nous présente dans ce solo l’exploration en solitaire de ce qu’on pourrait appeler son théâtre intérieur, où la voix, associée parfois à un piano où à une basse acoustique posée à la verticale sur la scène, mêle musique et mots, sons et phonèmes. Sur la pointe des pieds elle apparaît ; sur la pointe des pieds, elle quitte la scène ! Entre temps, elle a laissé le public sous le charme ; on aurait presque pu dire qu’un ange était passé par là, mais encore faut-t-il croire aux anges…’’ Anne Montaron (" A l’improviste" / France Musique)

Par ses expériences atypiques, la chanteuse Emilie Lesbros rend mouvantes les frontières existant entre musiques improvisées, jazz expérimental et musiques contemporaines. Son parcours, entre formation classique – elle étudie le chant lyrique et jazz au conservatoire – et projets musicaux éclectiques au sein de diverses formations allant du rock aux musiques électroniques, l’amène à développer une curiosité sonore insatiable. Sa rencontre avec le contrebassiste Barre Phillips est déterminante et la conduit à explorer en profondeur le champ des musiques improvisées. Emilie Lesbros élargit ses recherches vocales en travaillant avec des compagnies de théâtre, de danse contemporaine et de nouveau cirque. Autant d’expériences collectives qui lui ont permis d’affiner ses propres choix et d’explorer l’espace scénique, se forgeant ainsi une présence singulière face au public. Après avoir emprunté de nombreux chemins de traverse, Emilie Lesbros a donc décidé de se consacrer à une exploration en solitaire, s’accompagnant ponctuellement au piano, à la basse ou au violon. Ces soli, au-delà de simples performances sonores, mêlent des compositions finement mélodiques à de purs moments d’improvisation. Il émane de sa musique une forte théâtralité et une poésie en équilibre instable entre humour et gravité, au fil de chansons étranges et décalées. Son disque ‘’Attraction Terrestre’’, l’ancre définitivement dans une mouvance inclassable où elle peut bouleverser avec jubilation les règles esthétiques et stylistiques, pour y répandre son univers singulier.
http://www.myspace.com/emilielesbros

Dominique Pifarély - violon.
Violaine schwartz – voix, chant.

Pour la sortie de l’album ‘’Prendre corps’’, autour des poèmes de Ghérasim Luca, paru sur le label Poros.

"Comme en miroir du document phonographique auquel elles s'appliquent, les liner notes de Yannick Séité, d'une rare finesse, participent d'une autre conjonction disjonctive, d'une autre association déliée que celles des mots de Ghérasim Luca et du violon de Pifarély, qu'un jeu de collisions conjugue avec une brutale élégance. En résonance, ou en pré-écho, mais aussi comme une ombre-silhouette de la voix de Violaine Schwartz, l'instrumentiste improvise sans le moindre pléonasme, d'où l'impression d'un "dialogue" (et non d'une bande-son commentant) dont l'apparent décollement et les césures ne sont pas sans évoquer les American Haikus de Jack Kerouac à quoi répondaient (en 1958) les ténors de Zoot Sims et Al Cohn. Amateurs de musique d'ameublement, passez évidemment votre chemin, dans la mesure où les textes du poète roumain remarquablement francophone (Bucarest, 1913 - Paris, 1994) se découpent, se scandent, s'enroulent au gré d'une acrobatique volubilité, au point de swinguer ou groover avec une naturelle virtuosité qui rendrait envieux nombre de rappeurs et slameurs. D'autant que les propos surréalistiquement énoncés ne sont jamais anecdotiques mais déclinent et évoquent sous des masques ludiques, en des réitérations, allitérations et paroxysmes vertigineux, des vérités premières auxquelles éros et thanatos ne sont jamais étrangers. Pas étonnant que Ghérasim Luca, qui devait se jeter dans la Seine, en ait enregistré quelques-uns (Violaine Schwartz et Dominique Pifarély les ont-ils écoutés?)" Philippe Carles (Jazzman-Jazzmag)

Dominique Pifarély , violoniste, compositeur, chef d'orchestre, reçoit son premier violon à l'âge de 6 ans, poursuit des études classiques, pratique les musiques traditionnelles et le rock, se destine à la musique de chambre et puis décide d'être musicien. De 1979 à 1990, il se produit en trio aux côtés de Didier Levallet et Gérard Marais. Ses deux premiers quartettes seront illustrés par deux disques, Insula Dulcamara (1988) et Oblique (1992). Il fonde ensuite le Sclavis-Pifarély Acoustic Quartet (avec Bruno Chevillon et Marc Ducret), qui se produira jusqu'en 1997 dans les principaux festivals européens, ainsi qu'au Canada et au Japon (Acoustic Quartet, ECM, 1993). Puis il entame en 1996 un dialogue avec François Couturier, concrétisé par l'enregistrement de Poros (ECM, 1997), où la musique échappe à toute catégorie, mariant écriture et improvisation. Parallèlement aux rencontres qui continuent de jalonner son parcours, Dominique Pifarély mène de front différents projets. L'ensemble Dédales réunit 9 musiciens-improvisateurs. Impromptu prolonge le travail commencé avec François Couturier en compagnie du haute-contre Dominique Visse, et marque son attachement à la poésie et la littérature. Il travaille ainsi à des lectures /performances en compagnie de l’écrivain François Bon et des comédiens Violaine Schwartz et Pierre Baux. Enfin, il forme en 2007 un trio avec Julien Padovani aux claviers et Eric Groleau à la batterie.

Formée à l’école du Théâtre National de Strasbourg, Violaine Schwartz joue au théâtre sous la direction de Jacques Lassalle (Mélite, de Corneille), Georges Aperghis (la Baraque foraine), Alain Ollivier (Les Bonnes, de Jean Genet), Marcel Bozonnet (Ophélie et autres animaux, de Jacques Roubaud), Frédéric Fisbach (Tokyo Notes, de Oriza Hirata), Pierre Ascaride (Papa, de Serge Valetti). Elle a également joué dans plusieurs mises en scène de Ludovic Lagarde : Le petit monde de Georges Courteline ; Sœurs et frères, de Olivier Cadiot ; Platonov et Ivanov, de Anton Tchekhov ; Le Cercle de craie caucasien, de Bertolt Brecht (dont elle a co-traduit le texte avec F. Rey). Dernièrement, elle a joué dans Comment une figue de paroles et pourquoi de Francis Ponge (mise en scène Pierre Baux et Célie Pauthe), Quartett de Heiner Müller (mise en scène Célie Pauthe), Le Passage des heures de Fernando Pessoa (mise en scène Pierre Baux), Une nuit à la bibliothèque de Jean-Christophe Bailly (mise en scène Gilberte Tsaï), Zig Bang Parade de Georges Aperghis (création collective), L’ignorant et le Fou de Thomas Bernhard (mise en scène Célie Pauthe), Slogans de Maria Soudaïeva (mise en scène Charles Tordjman). Par ailleurs, sa formation de chanteuse (soprano) l’a amenée à jouer dans des spectacles de théâtre musical, sous la direction d’Ingrid von Wantoch Rekowsky (La chose effroyable dans l’oreille de V.), Jacques Rebotier (Le théâtre en questions), Jean Lacornerie (Mahagonny et Happy end, songspiel de Kurt Weil et Bertolt Brecht), Pierre Baux (Rosalie au carré, textes de Jacques Rebotier), Dominique Pifarély (Anabasis), Etienne Pommeret (Joséphine ou le peuple des souris de Franz Kafka). Elle a également crée un tour de chant autour du répertoire réaliste en duo avec la contrebassiste Hélène Labarrière.
http://www.pifarely.net/

'From abstract blues to noise'.
Michel Henritzi – guitare, lapsteel, banjo, amp, feedback, turntable, mange-disque, percussions, voix.

Pour la sortie de trois nouveaux albums : ‘’Outside Darkness’’ en duo avec Rinji Fukuoka, paru sur le label japonais PSF, ainsi que deux solos : ‘’Walking in the Shadow’’ chez N.O.T et ‘’Kyoto No Tsuki & Dyin’ Shadows’’ chez Dyin Ghost Rec.

Michel Henritzi est musicien, producteur (A Bruit Secret), tourneur (Keiji Haino, Taku Sugimoto, Sachiko M, Kan Mikami...) et critique musical (Revue & Corrigée, Sound Projector, Peace Warriors, Improvised Music of Japan, Oprobrium). Lauréat de la Villa Kujoyama (2007). Membre des Dustbreeders (avec Yves Botz et Thierry Delles) et les Howlin’Ghost Proletarians (avec Fabrice Eglin). Il a croisé la route de Junko, Kumiko Karino, Rinji Fukuoka, Masayoshi Urabe, Chie Mukaï, Tamio Shiraishi, Mico, Yukiko Nakamura, Tetuzi Akiyama, Taku Sugimoto, Shin’ichi Isohata, Masafumi Ezaki, Toshimaru Nakamura, Ito Atsuhiro, Ami Yoshida, Jojo Hiroshige, Fumio Kosakai, Kiyoharu Kuwayama, Tetsuo Furudate, Mattin, Bruno Fernandes, Nicolas Moulin, Miguel Prado, Quentin Dubost, Ivar Grydeland, Fergus Cullen, Gerome Nox, Aya Onishi and the Nihilist Spasm Band…
http://michelhenritzi.canalblog.com/

Marie Guilleray – voix & électronique.
Bjarni Gunnarsson - électronique.

Pour la sortie de l'album "Korabie", composées autour d'improvisations de six nouvelles pièces, enregistrées ces deux dernières années. Sur "Korabie", un tissu dense de sonorité se construit à partir des voix et des manipulations vocales qui créait des drones et des microsons. La musique semble alors venir de sources multiples, des dynamiques et des espaces apparaissent dans la relation intime de la voix humaine et de l'électronique.

MGBG est le fruit d’une collaboration entre Marie Guilleray et Bjarni Gunnarsson. Tous deux travaillent à partir de matériaux composées et improvisées afin d'explorer au plus profond les combinaisons entre la voix et l'électronique. L'interaction entre voix, électronique, ‘’field recordings’’ et traitements informatiques de sons acoustiques, comme des gongs, de la harpe ou de l'accordéon, créait une palette de sons très riches qui prend alors toute sa dimension dans l'espace.

Née en 1978, Marie Guilleray est une chanteuse improvisatrice et compositrice française, actuellement basé à la Haye aux Pays-Bas. Elle se produit principalement dans des contextes d'improvisations libres, musique expérimentale et contemporaine. Son travail se concentre autour du chant aux techniques étendues, de la poésie sonore et des combinaisons de la voix et de l'électronique. Elle est membre de plusieurs ensembles comme le Royal Improvisers Orchestra (RIO). Elle collabore également à différents projets de musique expérimentale, improvisé et électronique. Actuellement elle suit des recherches sur les combinaisons entre la voix et l'électronique à l'Institut de Sonology à la Haye aux Pays-Bas.

Né en 1980 à Reykjavík, Bjarni Gunnarsson est un compositeur et artiste sonore islandais. En tant que membre du duo de musique électronique Einóma, il a enregistré de nombreux lp’s, ep’s et différents titres et remixes sur des compilations produit sur des labels tels que : Vertical Form, Thule, Uni:form, Spezial Material, Trachanik et lmalc. Bjarni s’est produit dans de nombreux festivals en Allemagne, Angleterre, France, Belgique, Danemark, Hollande, Grèce, Irlande et Islande. Il a étudié la composition avec Gérard Pape, Trevor Wishart, Agostino Di Scipio et Curtis Roads au centre de musique CCMIX à Paris et termine actuellement un master à l'Institut de Sonology au Royal Conservatory of music à Den Haag.
http://www.mgbg.net/index.htm

Pour la sortie du livre de Bernard Girard ''Conversations avec Tom Johnson'' aux éditions Aedam Musicae.

Tom Johnson est l'un des pionniers du mouvement minimaliste, mouvement musical devenu populaire par quelques oeuvres symboles mais dont les racines restent encore à découvrir.
Le style de Tom Johnson est reconnaissable entre tous, tant son usage des mathématiques que par sa volonté d'user de matériaux restreints; des matériaux à entendre, à comprendre, à anticiper. La perception de l'auditeur est envisagée au-delà d'une seule réception passive. Sans agir sur son déroulement, l'écoute participe à l'oeuvre.

"Je veux trouver la musique, pas la composer. Les idées semblent beaucoup plus riches quand elles viennent de quelque part hors de ma petite tête"

Tom Johnson est né dans le Colorado en 1939. Il a étudié à l'université de Yale, puis en privé avec Morton Feldman. Après 15 ans à New York, il s'installe à Paris, où il habite depuis 1983. Tom Johnson est généralement considéré comme un minimaliste, puisqu'il travaille avec du matériel toujours réduit, en procédant toutefois de manière nettement plus logique que la plupart des autres minimalistes, ce qui se traduit par un emploi fréquent de formules, de permutations et de séquences prévisibles.
Tom Johnson est connu surtout pour ses opéras. Depuis 25 ans on présente régulièrement ‘’L'Opéra de quatre notes’’. ‘’Riemannoper’’ (1988) a été mis en scène plus de 20 fois depuis sa création à Brême en 1988. Parmi ses oeuvres non-opératiques, qui sont jouées souvent, on peut compter les ‘’Histoires à dormir debout’’, les ‘’Rational Melodies’’, ‘’La Musique et les questions’’, les ‘’Duos’’ à compter, le ‘’Tango’’, ‘’Les Vaches de Narayana’’, et ‘’Echec’’ : une pièce très difficile pour contrebasse. L'oeuvre la plus importante, le ‘’Bonhoeffer Oratorium’’, pour orchestre, choeur, et solistes, avec textes du théologien Dietrich Bonhoeffer, a été créée par l'orchestre et choeur de la radio hollandaise à Maastricht en 1996, et a été présenté aussi à Berlin et à New York.
Tom Johnson a également écrit de nombreuses oeuvres radiophoniques, telles que ‘’J'entends un chœur’’ (pièce radiophonique commandée par Radio France pour le prix Italia en 1993), ‘’Music and Questions’’ (diffusé en CD par le Australian Broadcasting Company), et ‘’Die Melodiemaschinen’’ commandé par WDR, Köln, qui l'a diffusée en Janvier 1996. Les enregistrements principaux disponibles aujourd'hui sont les CDs ‘’Musique pour 88’’ (XI,1992), ‘’Rational Melodies’’ (Hat Art, 1993), et le ‘’Chord Catalogue’’ (XI, 1999) ’’The Voice of New Music’’, une anthologie d'articles écris pour le Village Voice (1972-1982) a été publié par Apollohuis. ’’Self-Similar Melodies’’, un texte théorique en anglais a été édité en 1996 par les Editions 75. Johnson a reçu le prix des Victoires de la musique 2000 pour "Kientzy Loops".
http://www.editions75.com/default.htm

Pour la sortie du nouvel album ‘’Behind Nothing’’, paru récemment sur le label Ing-on, faisant suite à ‘’The end between’’ sorti en 2006 et ‘’Wihthout Shade’’ en 2008. C’est une version live de ce nouvel opus qui sera ici présenté.

Michel Guillet , plasticien et musicien, développe depuis dix ans une musique électroacoustique aux accents bruitistes. Les sons d’origines analogiques et acoustiques sont traités puis composés en une succession d’événements et de strates qui se répondent et interagissent en tension, créant un espace dessiné en perpétuel mouvement. Michel Guillet collabore avec des chorégraphes contemporains, Marco Berretinni, Claudia Triozzi, Sylvain Prunenec, Donata d’Urso, ainsi qu’avec des plasticiens dont il élabore des environnements sonores. Il est l’auteur de trois disques : Il a participé aux festivals Présences Electroniques, Free Son, European Sound Delta et Mal au Pixel.

Michel Guillet - "Behind Nothing" (CD by Ing-on).
The name Michel Guillet popped on a compilation back in Vital Weekly 459, but with his third album 'Behind Nothing', I get my first proper introduction. The information that came along consists of a list of concerts he played, various collaborations, installations and the previous releases. He describes his music to be with an 'electroacoustic spirit and a noisy touch' - which is not far from the truth. Like so many composers, especially from France, Guillet is a man to use computer treatments as his primary source/instruments. What goes into that, we don't know. These might very well be field recordings or pure electronic sounds, but whatever it is, they are indeed heavily treated. The output - the music released on CD - is quite dynamic, all over the sound spectrum, with great care for details, but its also quite loud, in a noisy sense of the word. And normally I am not a big lover of noise anymore, but such works as those by Guillet are quite nice: you can hear that it is made with great care and thought, which is something that lacks in the world of true noise. Composition is something that seems of interest to Guillet, and not 'let the machines run by themselves'. Loops of sound, abstract blocks and tiny segments are placed alongside each other. A rare thing to see musique concrete using such volume (which is not even close to say Merzbow), but still with great sensitivity towards composition. Excellent discovery. (Franz De Waard).

http://www.myspace.com/michelguillet

Claude Tchamitchian – contrebasse.

Pour la sortie du récent solo ‘’Another Childhood’’ produit par le label Emouvance.

L’ « autre enfance », la « haute enfance », c’est sans doute cette façon de brancher en prise directe l’émotion, l’intelligence et le sensoriel, de savoir montrer plus que de savoir dire. « Offrande musicale », pourrait-on sous-titrer l’album si quelqu’un n’en avait déjà eu l’idée. Pour nous, public, c’est surtout, pour la première fois, l’occasion de devenir contrebasse pendant cinquante minutes. Le genre de proposition qu’on ne refuse pas, surtout avec ce contrebassiste-là. Diane Gastellu. (Citizen Jazz).

Né le 28 décembre 1960, le contrebassiste et compositeur Claude Tchamitchian commence en autodidacte, puis suit des études de musique au conservatoire d'Avignon. Il y fait la connaissance de Rémi Charmasson et d'André Jaume avec qui il collaborera. Par la suite, il multiplie les collaborations avec les pointures du jazz français : Stéphan Oliva, Yves Robert, Sylvain Kassap, Gérard Siracusa, Gérard Marais, Jacques Di Donato, Philippe Deschepper, Jacques Thollot... des européens : Gian Luigi Trovesi, Ersnt Reiseger, Phil Minton, Chris Biscoe… ou encore des américains : Jimmy Guiffre, Eric Watson, Andy Sheppard, Linda Sharrock, Barre Phillips, Ray Anderson... Il est leader de l'ensemble Lousadzak et membre du Megaoctet d'Andy Emler avec lequel il forme, ainsi que le batteur Eric Echampard, le trio E.T.E. Il travaille également depuis bientôt vingt ans dans différents domaines artistiques : création de musiques originales pour la danse et le théâtre (toutes ces créations étant toujours jouées et intégrées dans les différents spectacles). En 1994, il créé et co-fonde le label Emouvance à Marseille avec lequel il développe des projets artistiques qui s'inscrivent tous dans le monde de la musique actuelle, soit écrite, soit improvisée. Emouvance est ainsi devenu, au-delà d'un label, une véritable structure de production. Également depuis plus de quinze ans, il s'investit régulièrement dans des projets pédagogiques, en tant qu'artiste associé, sur des résidences, ou bien encore en tant qu'intervenant sur des publics très divers, amateurs ou professionnels.
http://www.emouvance.com/

’’Ernie Ball’’- Dominique Dupart
Elsa Pokrovsky – lecture.
Matthieu Goudot - guitare.

Pour la sortie du livre ‘’Ernie Ball’’ de Dominique Dupart au "Editions Caedere".

Mathieu Goudot est guitariste du groupe ‘’Un vivant un poète un mort un chien’’. En 2009, il fonde l’Athanor avec le comédien David Mayeux et crée la pièce de théâtre sonore ’’Alchimie du Verbe’’, autour des ‘’Illuminations’’ d’Arthur Rimbaud.
http://21-3.pagesperso-orange.fr/page21.html

Sibiel
Théo Girard - contrebasse.
Jean-Philippe Feiss – violoncelle.
David Potaux-Razel – guitare.

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Théo Girard - contrebasse.
Franck Vaillant – batterie.

Pour la sortie du nouvel album de Sibiel ‘’La douceur’’, paru récemment sur le label Discobole.

'’On aurait envie d’écrire un poème pour décrire la musique, mais comment ? Il en faudrait un par personne, plus un pour tout le monde. Une « berceuse » ouvre le bal, délicate, chantée par le violoncelle à l’archet, dessinée par la contrebasse pizz et fleurie par les effets de la guitare électrique. Tout est subtil, fin, ciselé par un travail d’orfèvre. Le chant des archets est souvent trituré par une guitare électrique parfois un peu zélée. Si l’on devait exprimer un regret, ce serait que la musique, si subtile, en arrive à manquer de corps. Plutôt horizontale, elle suscite l’envie – presque érotique d’être prise à bras le corps, soulevée, tendue, mordue, pénétrée. Elle manque d’à-coups, de trous, de prises ; elle est tellement belle qu’elle en devient lisse. C’est avec la guitare acoustique que disparaît ce regret : « La pluie » donne à entendre une profondeur et une épaisseur réjouissantes – une magnifique réussite !’’ Raphaëlle T. (Citizen Jazz).

Sibiel est un trio violoncelle-guitares-contrebasse au répertoire tsigane, yougoslave, roumain et bulgare qui prend la parole dans une langue encore inconnue, mais aux multiples racines. Ce trio à cordes atypique puise dans les musiques improvisées, le jazz et les musiques traditionnelles. L’univers de Sibiel est intimiste et bouleversant, grave et chantant au gré de ses compositions.
http://sibiel.free.fr/

Sarah Bernstein – violon, voix

Pour la sortie du disque "Unearthish’’ sur le label Phase Frame, Sarah Bernstein nous offrira un solo de violon, effleuré de quelques mots. Son jeu au charme lyrique et son sens aigu de la mélodie rappelleront peut-être le fantôme de Tom Cora.

Compositeur, violoniste, chanteuse, Sarah Bernstein situe sa musique à mi-chemin entre la composition, dans un esprit jazz contemporain / avant-jazz, la musique de chambre, des solos pour pièces électroniques, la musiques de film et le spoken word. Ses projets actuels sont le Sarah Bernstein Unearthish (avec Satoshi Takeishi), Iron Dog (avec Stuart Popejoy et Andrew Drury), Sarah Bernstein Quartet, Adam Rudolph & le Go:Organic Orchestra et Anthony Braxton Tri-Centric Orchestra. Elle travaille régulièrement avec un grand nombre de musiciens comme Dave Scott, Kris Davis, Tyshawn Sorey, Ches Smith, John Tchicai, William Parker, Jason Kao Hwang, Shoko Nagai, Hans Tammen, Dafna Naphtali, Emilio Solla, Jane Rigler, Sara Schoenbeck, Nisi Jacobs, Michael Schumacher et bien d’autres. Sarah Bernstein a grandie à San Francisco, en Californie et vie aujourd'hui à Brooklyn, New York.
http://sarahbernstein.com/

Pour la sortie du nouvel album ‘’III : Ame’’, paru récemment sur le label Basses Fréquences.

MesseBasse est la rencontre de musiciens à la culture et au parcours musical respectif différent : l’univers sombre et bruyant de DouleurFantome & Créature (Vincent Vigier) entre en résonance avec l'approche expérimentale de la guitare basse de Fabrice Richard, ceci sublimé par des chants affolés, sortes de complaintes viscérales, obsédantes et théâtrales de Azusa Kurokawa invitée sur les 3 albums du projet.
Après deux albums sortis sur le label français A-haeon, leur noise brutal a progressé vers une ambiance plus instrumentale, plus éthérée.
MesseBasse nous livre donc un troisième opus, enchantant, céleste et puissant, calme mais inquiétant, triste mais positif, qui finit par nous faire oublier notre matérialité…

http://www.douleurfantome.com/
http://www.bassesfrequences.org/

Thierry Madiot - Ziph.

Pour la sortie de l’album de Ziph ‘’Musique pour trompes et ballons’’ (avec David Bausseron, Claude Colpaert, Vincent Debaets, Lune Grazilly, Patrick Guionnet, Jacques Leclercq, Thierry Madiot, Yanik Miossec, Aline Paligot, Michael Potier, Christian Pruvost et Li-Ping Ting), enregistrement capté en direct deux pistes et masterisé par Éric Cordier pour le label Prele Records.

A force de démonter son trombone, d’y souffler à l’envers d’y brancher des tuyaux en caoutchouc ou des ballons de baudruche, Thierry Madiot a fini par inventer un nouvel instrument : Ziph.
Avec le Ziph, il n'y a pas de notion d'improvisation, ni de partition, juste une simple mise en espace (en cercle tourné vers l'extérieur ou l'intérieur, en ligne, dispersés, en déplacement, focalisés ou disséminés), une notion de durée, un parcours de quelques modes de jeu, et une écoute de l'espace sonore. Ils utilisent tous le même instrument et les mêmes indications. Ils ne s’entendent pas individuellement mais uniquement en soustraction. C'est à dire par l'absence de leur son dans le collectif. À l'image des chants d'insectes, chaque souffleur est élément inaudible d'un tout, unique et multiple à la fois. Leur instrument n'en es déjà plus un. Simple tuyau télescopique en polystyrène-choc de 20 à 250 cm munis en général d'un ballon-sculpture en latex naturel, il est le moyen d'occuper l'espace acoustique de nombreuses manières. Leur son est le résultat acoustique d'une pensée influencée par les pratiques électroniques, les trompes primitives et le minimalisme.

http://www.prelerecords.net/

Jean-Jacques Birgé invite Antonin-Tri Hoang

Jean-Jacques Birgé - Mascarade Machine, Tenori-on, Kaossilator.
Antonin-Tri Hoang - sax alto, clarinette, clarinette basse.

Soirée Jean-Jacques Birgé, c’est l’occasion de faire un point sur sa copieuse discographie, d’écouter cette rencontre exceptionnelle avec peut-être même des invités surprises sous réserve!

Compositeur de musique, réalisateur de films, auteur multimédia, designer sonore, Jean-Jacques Birgé envisage la musique essentiellement dans la relation audio-visuelle, ou du moins dans sa confrontation aux autres formes d’expression artistique.
Fondateur des Disques GRRR, il fut l'un des premiers synthésistes en France dès 1973, et avec Un Drame Musical Instantané le précurseur du retour au ciné-concert en 1976. Si sa première œuvre électronique date de 1965, il compose aussi bien pour des orchestres symphoniques qu’il improvise librement avec des musiciens venus d’horizons les plus divers. Pour ses créations « radiophoniques » et ses spectacles multimédia (zapping en direct sur grand écran, feux d'artifice, chorégraphies...), l'improvisation et l'écriture préalable se confondent, les traitements électroacoustiques originaux s'intègrent aux instruments traditionnels pour fabriquer d'évocatrices fictions musicales qu'il nomme musique à propos. À partir de 1995, il devient l'un des designers sonores les plus en vogue du multimédia et le spécialiste de la composition musicale interactive, cherchant à approfondir les effets de sens et à développer un éventail d’émotions toujours plus large. Il cosigne régulièrement avec Bernard Vitet, Françoise Romand, Antoine Schmitt, Nicolas Clauss, Frédéric Durieu, Raymond Sarti, Vincent Segal… El Strøm est le nouveau trio de Birgé avec Sacha Gattino et la chanteuse danoise Birgitte Lyregaard. Il est directeur musical des Soirées des Rencontres d'Arles de la Photographie. Il tient un blog quotidien depuis 5 ans et donne des conférences sur les rapports son-image.

Né en 1989 à Paris, Antonin Tri Hoang commence la clarinette classique à neuf ans et se dirige très vite vers le jazz en découvrant le swing des années 30. Dès ses débuts, il se produit très souvent sur scène dans des contextes variés au saxophone, à la clarinette ou au piano mais aussi au théâtre dans la pièce ‘’Une Bête sur la Lune’’ de Richard Kalinoski (5 ‘Molières’ en 2001). Il entre au Conservatoire de Paris en 2005 dans la classe de jazz dirigée par Riccardo Del Fra, puis dans la classe d’improvisation générative dirigée par Vincent Le Quang et Alexandros Markeas. Il a composé pour deux expositions de l’artiste Pierre Huyghe: ‘’The Host and The Cloud’’ en Octobre 2009 et Février 2010. Il se produit dans diverses formations au saxophone alto, à la clarinette et à la clarinette basse. Depuis 2009, il fait partie de l’Orchestre National de Jazz (ONJ) (deux albums) et a publié en mai 2011 son premier album en duo avec Benoît Delbecq (Bee Jazz).

http://www.drame.org

General Bye Bye
Philippe Beer-Gabel - guitare, voix, kantélé.
Emmanuel Quirié – claviers.
Etienne Gillet – batterie.

Thomas Mery – guitare, chant

2 show-cases pour fêter les sorties respectives de deux nouveaux albums six titres : ‘’Blood on my keyboard’’ de General Bye Bye et ‘’Les couleurs, les ombres’’ de Thomas Mery.

General Bye Bye est un trio mi-branque mi-savant, associant avec fraîcheur le tranchant des cordes en acier, la frénésie cardiaque des peaux sur les fûts et l’envoûtement enchanteur des circuits imprimés. Les chansons de General Bye Bye laissent tantôt rêveur, tantôt danseur. Un ensemble foutraque qui sent l’humus et l’écume, les vestiaires et le plastique fondu. Philippe Beer-Gabel (guitare, voix, kantélé), l’homme à 3 mains, Emmanuel Quirié (claviers) et enfin le lunaire Etienne Gillet (batterie, bugle) ébauchent les plans d’une musique nouvelle à la croisée de Kraftwerk, Michaël Nyman et Blonde Redhead. Après un premier album intitulé ‘’Girouette’’, paru au mois de Mai 2010, le groupe part en campagne avec ‘’Blood on my keyboard’’, mini album six titres enregistré à Memphis sur le chemin du retour de leur tournée marathon aux Etats-Unis l'été dernier.

Thomas Mery est une figure aussi rare que précieuse de la scène musicale française et européenne. Il marque les esprits dès 1996 au sein du groupe Purr, auquel il apporte textes et mélodies, à la guitare et au chant principalement. Il pose dès lors les bases de son vocabulaire sonore : chant clair, direct, souvent troublant, une certaine urgence dans la voix, textes collages, un raconter dont le sens ne surgit que par la synthèse. Il joue aussi déjà avec des extraits sonores, désincarnés, décontextualisés, dont ne compte plus alors que l’émotion qu’ils suscitent. Dès le début des années 2000, démarre pour Thomas l’aventure solitaire. D’électrique, la guitare devient acoustique. La chanson disparaît un temps et fait place aux boucles, aux manipulations numériques. Un son nouveau émerge avec ‘’I Matter’’, EP sorti en 2003. Paysage sonore épuré, nuancé et changeant. La voix de Thomas se fait de nouveau entendre en 2005, avec ‘’Hallonsaft’’. Les textures électroniques se dissipent et sous-tendent désormais le chant et la guitare. L’héritage folk - plus anglais qu’américain - est bousculé, réapproprié, transcendé par une modernité sans concession. Arpèges, finger-picking, souffle et articulations vocales esquissent le contour des dix chansons de son premier album solo ‘’A ship, like a ghost, like a cell’’ en 2006. Dix morceaux en anglais, instantanés autobiographiques et impressions fugaces. La technique affinée sert l’émotion : mélancolie, espoir, détachement, perte de contrôle… Thomas Mery laissera passer cinq années pour enfin sortir ‘’Les couleurs, les ombres’’, un nouvel album produit par Own Records. Cinq ans qui ont permis de faire la somme de son vocabulaire et de poser les bases de son travail futur.

PFL Traject

Pascal Pariaud - clarinette, tuyaux.
Jean-Charles François – percussion.
Gilles Laval – guitare électrique.

Pour la sortie récente du premier album de ce trio d’improvisation lyonnais : PFL Traject.

Groupe d’improvisation, PFL Traject est le résultat d’une rencontre entre trois musiciens aux parcours très différents, que ce soit dans le type de musiques abordées, dans les familles instrumentales maîtrisées ou dans l’implication professionnelle inhérente au monde musical. Les trois musiciens juxtaposent l’interprétation des répertoires plus ou moins récents, l’invention de nouvelles pratiques, le jeu sur instruments anciens, sur instruments des musiques traditionnelles, sur instruments des nouvelles technologies, le souci d’une connaissance historique pour aborder les répertoires, la nécessité de se confronter au chaos à venir, la réflexion critique sur l’art d’aujourd’hui et son inscription dans les logiques de médiation culturelle et d’éducation.
Le nom du groupe fait référence au voyage imaginaire de chaque rencontre improvisée, à partir de sonorités élaborées d’une part dans la confrontation des différences stylistiques que chaque instrumentiste peut développer et d’autre part par un travail de construction en commun, lors de rencontres périodiques.

Cédric Thimon - saxophones.
Chris Corsano - batterie.

Soirée en partenariat avec l'Europa Jazz Festival.

C’est dans le cadre d’une tournée inédite, que le saxophoniste manceau au jeu fluide et puissant : Cédric Thimon (membre remarqué de Zéphyrologie, Glück ou Slurp Brass Band) va rencontrer l’un des jeunes batteurs les plus recherchés de la scène américaine actuelle, Chris Corsano , remarqué aux côtés de Joe McPhee, Evan Parker, Paul Dunmall, Paul Flaherty, Thurston Moore… et même Bjork (lors d’une tournée de 80 concerts et d’un album ‘’Volta’’ en 2007). Musicien globe-trotter, à cheval entre les scènes free-jazz et free-folk, qui un jour peut jouer dans un stade de 70 000 personnes (lors de sa tournée avec Bjork) et le lendemain chez un disquaire parisien, devant des auditeurs attentifs et passionnés, Chris Corsano est un batteur intense qui place l’énergie au centre de son projet et qui est avant tout amoureux de toutes les rencontres musicales possibles…ça promet!

Margarida Guia – voix-poésie et fragrances sonores.

Comédienne et performeur née en 1972 à Bressuire, Margarida Guia commence par le théâtre en tant que comédienne et metteur en scène, avant de s'orienter vers le chant et la lecture publique, notamment de poèmes. Sa découverte du milieu de la musique improvisée l'a conduit à explorer le mot comme une partition sonore et sa voix comme un instrument. Elle joue avec des musiciens rencontrés à la croisée des chemins tout en présentant un "Solo" entourée d'accessoires tels que des boîtes à musiques, radios, mélodica, métronome, sampler, mégaphone qu'elle mélange à des ambiances urbaines. En 2002, elle demande au designer Michel Véla de lui réaliser une bibliothèque ambulante : "Bibliambule", qui l'accompagne depuis dans ses performances. Margarida Guia a également fait partie des groupes "Peinture fraîche" (Lille) et "Confort synthétique" (Lille) et avec Serge Teyssot-Gay à l’enregistrement de : ‘’Des Millions de morts se battent entre eux’’ de Krzysztof Styczunski, paru aux éditions Caedere.

http://21-3.pagesperso-orange.fr/

www.myspace.com/margaridaguia

Eryck Abecassis - électronique.

Pour la sortie de "#4 Resonant Doom" (Real Granular Reality - rgr11).

Eryck Abecassis est né à Alger. Il s’installe à Paris en 1979 pour y entreprendre des études de cinéma, parallèlement à une activité de photographe. En 1981 il se tourne définitivement vers la musique. Après des études d'écritures d'harmonie et de contrepoint, Il s’intéresse aux ateliers de recherches instrumentales de l’IRCAM (il y suivra plus tard le cursus d’informatique musicale). Ses nombreuses collaborations qui le mènent de la scène au cinéma, en passant par le théâtre de rue, ont pour conséquences le développement d’un style en marge des courants traditionnels et d’une certaine forme “contemporaine“ établie – un regard nourrie d’autres pratiques, écoutes, habitudes de représentations et le refus d’un certain académisme moderne. Sa recherche, depuis deux années se nourrie d’un intérêt croissant pour la “noise music“, tant au niveau compositionnel, que instrumental (hybridation d’instruments et synthèse sonore). Son travail s’oriente aussi vers les espaces publics, avec le souci constant du renouvellement des habitudes d’écoutes et des modes de représentations. Ce travail peut prendre divers formes, parcours, performance, installation, opéra, et a pour visée la transformation du spectateur en un véritable habitant musical de l'oeuvre. Il a composé de nombreuses musiques de films, dont “Hava Ane Dey“ de Partho Sen Gupta (sélection Berlin 2004, Best Film award à Durban et Manchester). Sa carrière de musicien électronique soliste l’emmène aussi dans de nombreux pays dont la Corée du sud, le Brésil, l’Autriche, l‘Allemagne, l’Italie, l‘Espagne ainsi que la Pologne et les Pays Bas. Il est actuellement membre des groupes Kernel (laptop trio) et PiR (percussion /computer).

Eryck Abecassis a également obtenu des commandes de Radio-France, du Gmem, de Grame, de l’Ina-Grm, de l’État, de l’EMS Stockholm… Ses pièces ont été jouées par des ensembles comme Accroche-note, 2e2m, le trio Aller-Retour, Insieme, L’Octuor de violoncelle, le trio Èquinoxe, l’ensemble Fa, L’EOC, le Quatuor Diotima, Kernel, Ars Nova… Il est également lauréat du programme Culture France Hors les murs – Villa Médicis 2011.

Maki Nakano - sax alto, metallo-clarinette, voix, ney.
Yann Pittard - guitare baryton, oud, fx.

Pour la sortie de deux nouveaux albums : ‘’Chansons muettes et musiques bavardes’’ & ‘‘Musique vagabonde’’, tous deux parus récemment sur le label Open Music.

Projet musical fondé en 2006 par Maki Nakano et Yann Pittard autour d'improvisations, d'oeuvres d'Erik Satie et de compositions originales. Apres plusieurs tournées au Japon et des concerts de New York à Istanbul, ils présenteront au Souffle Continu leurs deux nouveaux albums : ‘’Chansons muettes et Musiques bavardes’’ et ‘’Musique Vagabonde’’.

"Sincère, imaginatif, honnête et si charmant !" John Zorn.

http://kyweb.fr

Julien Bancilhon - guitares, chant.
Basile Ferriot - batterie.

Pour la sortie du disque “And we could be quiet” (autoproduction).

Julien Bancilhon fabrique des guitares artisanales qu'il travaille ensuite corde à corde jusqu'à la cassure. Entre chansons et blues, entre bruit et fureur, il sait user en toutes mélodies de sa voix comme de ses hurlements. Au départ en solitaire, il est rejoint en 2010 par Basile Ferriot à la batterie. Il partage également la scène avec Benjamin Renard (Red Horn Cannibals), Olivier Brisson et Christophe Marais (A.K. Studs), Xavier Houillot et Maxime Harnois (Anal Malox).

Basile Ferriot cogne également la batterie dans le groupe de noise-rock Xnoybis, fait vibrer les métaux et les peaux à grands renforts d'amplification et d'électronique dans ses escapades improvisées avec Jassem Hindi et fait du free-jazz avec Bertrand Denzler. Il collabore aussi avec le poète Emmanuel Rabu et la Cie de théâtre Möbius-Band.
www.myspace.com/onelickless

transmutation électronique pour improvisation saxophonique.

Quentin Rollet – saxophone alto.
dan.digital - live processing.

Pour la sortie immédiate d’un disque en fin d’évènement. Soirée exceptionnelle puisque chacun d’entre nous pourra repartir avec le disque de la soirée (gravé sur place). Alors venez avec vos oreilles écouter le duo ‘sax bruyant, brûlant et laptop au top’ et repartez avec le disque chez vous !

Né en 1974, fils du batteur de free Jazz Christian Rollet, Quentin Rollet débute le saxophone alto à l’âge de onze ans. Il s’intéresse dès son adolescence aux scènes créatives françaises du jazz au rock, en passant par le punk, le folk et toutes sortes de musiques transversales. Il deviendra membre du groupe parisien qualifié d’emo-core : Prohibition, entre 1994 et 1999. Il fonde entre temps le label Rectangle avec le guitariste Noël Akchoté en 1995 (produisant 60 disques en 10 ans, incluant par exemple David Grubbs, Fred Frith, Derek Bailey, Eugene Chadbourne, Costes...). Il préconise à travers son label, toutes sortes de rencontres entre des improvisateurs européens et des groupes de rock aventureux. Quelques belles rencontres verront le jour. Il tourne ensuite avec David Grubbs en 1997, puis de 2000 à aujourd’hui, au grès de rencontres attendus ou inattendus, hors des sentiers battus, il croise le fer ou la scène aux côtés de Red Krayola, Ghédalia Tazartès / Jac Berrocal / David Fenech, Phoebe Killdeer & The Short Straws, Charlie O Trio, David Grubbs, Akosh S. Unit, Mendelson, Herman Düne, Prohibition, Bästard, Eugene Chadbourne, Q+O, Portobello Bones, Cyann & Ben, Rollet Père & Fils, PQ, Red, Erik Minkkinen, MOSQ…

Le travail de dan.digital se situe à la frontière entre la musique électronique, l'électroacoustique, la musique expérimentale et le live electronic. Ses pièces électroniques se présentent sous forme de performances sonores live. Il effectue un travail de composition et de mixage à partir de sons enregistrés, qu'il traite, modifie en direct, au moyen de spatialisation en multi diffusion, le plus souvent en quadriphonie. Sa liberté d’improvisation lui permet de renouveler une véritable expérience lors de chaque concert, en alliant les sonorités les plus radicales comme les plus douces. Il élabore une approche personnelle de la matière sonore offrant à l’auditeur une grande liberté d’écoute propice à stimuler l’imagination poétique de chacun. DanQ présentera ici sa musique d’improvisation et de transformation en temps réel.
http://dan.digital.free.fr/

Pour la sortie du livre ‘’La spirale de la parole’’ de Guillaume Bergon aux éditions Caméras Animales. Soirée présentée par l’éditeur Mathias Richard, avec des lectures de Méryl Marchetti, Didier Calléja Koeurpurs et de Guillaume Bergon lui-même, suivies d’une intervention de Thierry Théolier.
http://www.camerasanimales.com/index3.html

Au commencement était le Verbe... et à la fin reste l'affirmation du Nom. On peut se demander à la faveur de quelle collision d'astres Guillaume Bergon a canalisé une écriture aussi magnétique et addictive. Le constat est que La spirale de la parole ne ressemble à rien de connu. Sept ans de travail, de réécritures successives, ont été nécessaires à l'auteur pour aboutir à ce joyau : une langue qui abandonne le verbe, se fait incantation nominale jusqu'à la transe, pour atteindre un vertige de sons et de sens (l'ouïe de l'oeil) à travers la puissance psychédélique des mots.
Guillaume Bergon est né en 1979, il vit à Paris. http://www.camerasanimales.com/auteurs06 http://vimeo.com/19143786

"Ses longs cheveux, son regard profond, hanté par une vague de tristesse combative évoquent d'emblée la figure d'un Christ. Mais pas n'importe lequel, plutôt un prophète psychédélique, assoiffé de Néant : Thierry Théolier a.k.a. THTH n'a qu'un seul message à transmettre à la communauté des hommes : "VANITAS VANILLA RECTUM". Son énergie, il la puise dans le ressentiment social : "La Hype est cynique, alors je serai son double aberrant. Je suis un intuitif. Quand je critique, c'est en sniper-bourrin comme dans un jeu vidéo en réseau hyper-violent. Je veux simplement baiser, boire et bouffer, trouver une issue dans cette société opaque, une porte où m'introduire." Pour échapper à l'exclusion, au dilemme de l'initié (en être ou ne pas en être), il s'invente homme de la mise en relation : il crée en janvier 2002 sur Internet le blog des casseurs2hype, puis le Syndicat du Hype, une plateforme d'échanges des soirées parisiennes, un Fight Club du parasitisme : vernissages, VIP parties, promotions de marques, événements corporate. La mailing liste, nourrie par des évangélistes sataniques, agents triples délateurs, livre les bons plans et astuces pour s'infiltrer, vider les buffets, affaiblir son foie, relancer sa libido, conquérir la gold des dames liftées. Le voici bête noire des attachés de presse, trafiquant de flyers, parrain de la média nostra, dandy d'un banditisme cosy : "le Crevard number one".
http://thth.free.fr/crevard/interview_VILLA_ARSON/

Pierre-Antoine Badaroux – saxophone alto.
Sébastien Beliah – contrebasse.
Antonin Gerbal – percussion.

Pour la sortie du nouvel album ‘’r.mutt #03’’ paru récemment sur le label Umlaut.

Nom emprunté à la signature des urinoirs de Marcel Duchamp, le projet r.mutt a vu le jour à Paris en 2005. Depuis 2006, le groupe explore les frontières entre composition et improvisation. Le groupe possède à ce jour, trois enregistrements. Ce troisième et nouvel album est sa première sortie officielle, les deux premiers étant des cd-r autoproduits. Aujourd’hui, r.mutt ne cesse de tracer son chemin hors des modes et des frontières, invitant les auditeurs à une expérience unique dans le rapport espace/temps. Leur musique n’a ni début ni fin, l'équilibre se situe entre les choses, dans un centre toujours instable. Des couches sonores se déplacent sans cesse, se croisent, se mélangent. L'auditeur trace son chemin à travers les buissons, attrapant ce qu'il peut au passage, créant sa propre réalité.
http://www.umlautrecords.com/album/rmutt03

Guillaume Orti – saxophone alto.
Stéphane Payen – saxophone alto.

Pour le plaisir du duo et faire un point discographique sur les récentes sorties du groupe Thôt, une formation dans laquelle il se retrouve tous deux.

Né en 1969, Guillaume Orti débute le saxophone avec Francis Montesinos puis Francis Grand. Au CNR d'Avignon de 1985 à 1989, il se forme au jazz avec André Jaume et au saxophone classique avec Robert Malbec et Jacques Pierson. Il suit des stages de Yoshk'o Seffer, Joe Lovano, ainsi que le séminaire d'été de la Banff School of Fine Arts (Canada) en 1990 sous la direction de Steve Coleman, avec notamment Abraham Adzenyah, Rufus Reid, Marvin Smith, Kenny Wheeler... Il a enseigné le jazz et l'improvisation à l'EMMA de Bondy de 1992 à 1997 aux côtés de Benoît Delbecq et Gilles Coronado ainsi que dans de nombreux stages et master classes en France et en Finlande. Il fonde l’association Mercoledi & Co qui de 1997 à 2000 organisera plus de 60 événements. Il enseigne le jazz et l’improvisation à l'EMMA de Bondy (1992 à 1997), ainsi que dans de nombreux stages et master classes en France et en Finlande.
http://www.guillaumeorti.com/

Stéphane Payen débute son apprentissage de la musique à l'âge de 15 ans avec Eric Régnier, puis en autodidacte et auprès de Benoît Delbecq, Serge Adam et Eric Barret. Parallèlement, il renforce sa formation au cours de stage avec George Russel, Dave Liebman, Richie Beirach, Steve Coleman ... En 1993, il part étudier au Berklee College of Music (Boston) avec Bill Pierce, David Locke, Steve Prosser… De 1996 à 1999, il fait partie de Tribu de Geoffroy De Masure ... Durant cette période, il participe aussi à de nombreux concerts Mercoledi & Co aux Instants Chavirés, concerts au cours desquels sont jouées nombres de ces compositions .... De 2000 à 2004, il est membre du collectif Hask. Il a joué entre autres avec Sophie Agnel, Steve Argüelles, Sylvain Cathala, François Corneloup, Benjamin Duboc, Alexandra Grimal, Joël Grip, Thierry Madiot, François Merville, Olivier Sens, Gilles Coronado, Franck Vigroux, Hubert Dupont, Franck Vaillant, Thierry Marietan, Doug Hammond, Hasse Poulsen, Tom Rainey, Henrik Simonsen…
http://www.stephanepayen.com/

Mathias Delplanque - électronique.
Emmanuelle Gibello - électronique.

Soirée autour du label ‘Bruit Clair’
http://www.bruitclair.com/

Mathias Delplanque est né en 1973 à Ouagadougou, Burkina Faso. Il vit et travaille à Nantes. Son activité de musicien électronique commence en 1998 lorsque, juste issu de l’Ecole des Beaux Arts, il met un terme à sa pratique de la sculpture pour se tourner vers la création sonore. Il a depuis sorti de nombreux disques sur plus d’une dizaine de labels internationaux, sous son nom ou sous les pseudonymes de Bidlo ou Lena (son projet electrodub). Il participe à de nombreux projets collaboratifs, tels que The Missing Ensemble, Afterlife Music Radio… Il est enfin le fondateur d’un ensemble musical à géométrie variable baptisé The Floating Roots Orchestra (auquel ont collaboré des musiciens tels que Steve Argüelles, Rob Mazurek, Black Sifichi, Charlie O...). Initialement conçue comme une pure production de studio, sa musique s’est ouverte ces dernières années à plus de flexibilité, laissant une place grandissante au jeu live, et associant divers instruments acoustiques à l’ordinateur, lui-même conçu comme un véritable instrument. Ses performances live sont aujourd’hui des improvisations où la production sonore en direct prend le pas sur la simple diffusion. Mathias Delplanque dirige le label Bruit Clair.
http://www.mathiasdelplanque.com/

Emmanuelle Gibello est née à Paris. Elle développe depuis 2001 une pratique qui emprunte à la fois aux arts visuels et à la musique électronique. Très influencée par les nouvelles technologies qu'elle s'approprie en autodidacte, son travail est également nourri de matières littéraires (Didier Anzieu, Samuel Beckett, Philippe K. Dick, Haruki Murakami…). Elle interroge les rapports sons, images, paysages sonores et souvenirs. Son travail de composition et de mixage s'effectue à partir de sons enregistrés dans de multiples contextes, naturels et urbains. Cette collection de bruits issus du quotidien comme de ses voyages lui permet d'explorer et de manipuler, au moyen d'outils électroniques: internet, camera, micros modifiés… les différentes strates des sons concrets et synthétiques. En enregistrant les nouveaux paysages sonores générés par l'homme, leurs transformations, elle revisite l'espace sonore urbain afin d'éveiller une autre perception de la symphonie complexe du monde contemporain. A l'instar d'une performance, ses pièces sont exécutées en direct et en public par elle-même ou d'autres interprètes. Elle privilégie la diffusion spatialisée en multidiffusion (quadriphonie, octophonie, acousmonium) ou au casque, pour donner une écoute proche de celle du monde réel. Le son est mis en espace. Un son qui vient de côté ou de l'arrière est effrayant, une vague qui déferle sur vous de tous côtés aussi. Elle crée des micro-chaos dans l'écoute, perturbant l'auditeur avec des sons parasites semblant connus mais ne pouvant être entendus dans le monde réel, ils sont signes de ''vie''. On a pu entendre son travail au Japon, en Corée, aux Philippines, en Europe, en Amérique du Nord mais aussi sur l'internet, où elle est active depuis 1999, dans plusieurs projets solo ou collaboratifs tels que: nocinema.org, myownspace.fr sobralasolas.org... Collaborations : Magali Babin, Dominique Blais, Sévrine Ballon, Caroline Bouissou, Christophe Charles, Yannik Dauby, Mathias Delplanque, DinahBird, Chantal Dumas, Luc Kerléo, Alain Michon, Jocelyn Robert, Diemo Schwarz, Black Sifichi, Björn Eriksson, Kaffe Matthews…

akaBondage – basse & électronique d’outre-mer...
Mattia Coletti – guitares, percussions, voix, kalimba…
Ravi Shardja – basse, flûte traversière, platine, mélodica, guitare à l’archet…

Pour la sortie du split album de Giradischi / Ravi Shardja, dans la série a-enharmonique Vol.1 (Suara).

Musicien, sound-designer, dj radio et collectionneur de sons depuis 1995, akaBondage est aussi à l’aise dans la pratique de musiques noise/rock autant que dans l’abstract hip-hop, pratiquant les musiques électroniques de formes écrites avec autant de plaisir que les musiques improvisées, akaBondage a fondé (ou co-fondé) les groupes Osaka Bondage, The French Doctors ou L’autopsie a révélé que la mort était due à l’autopsie. Il a joué avec une grande variété de musiciens issus de domaines fort variés, parmi lesquels : Colder, Erik M., Sensational, Damo Suzuki, Anla Courtis, Jean-François Pauvros, Michel Bulteau, Kouhei Matsunaga, Permanent Fatal Error, dDamage, Pascal Marzan, Black Sifichi… En outre, il a participé à différents projets pour la danse, des performances, cinéma ou télévision, spectacles multimédia...
www.akabondage.com.

Ce jeune musicien italien, proche de la scène psych-folk/weird-folk développe un univers où les guitares égrenées se noient dans de longues et lentes ballades spatiales. On relève d’ailleurs dans la musique de Mattia Coletti tout un tas de mélodies psychédéliques, des traces héritées de Syd Barrett, de Red Krayola, de John Fahey, de Devendra Banhart, voire encore de Vincent Gallo… Quelques bribes mélodiques façon chansons pop expérimentales rappellent légèrement Sigur Ros. A la fois calme et intense, sa musique laisse un vrai goût d’authenticité.

Poly-instrumentiste (basse, flûte traversière, platine), compositeur aux œuvres éclectiques, on peut entendre Ravi Shardja sur son propre label fondé en 2007: Suara. Il apprécie la compagnie et le jeu musical des autres, c’est ainsi qu’il collabore avec le groupe Gol depuis sa fondation ainsi qu’avec la formation franco-italienne Oleo Strut, ou encore au sein du duo Giradischi. Ravi Shardja est radio actif depuis 1999, mais aussi dans les domaines du cinéma, de la danse et du théâtre. Sur son chemin il a rencontré et joué avec Charles Hayward, Charlemagne Palestine, Tony Allen, Dave Nuss, Iancu Dumistrescu, Ana-Maria Avram, Roberto Bertacchini, Xavier Iriondo, Monobloc Sound Fidelity, Jean-Marcel Busson, Frederic Rebotier, Samon Takahashi, Brunhild Ferrari…
www.myspace.com/ravishardja

Fred Marty - contrebasse.

Pour la sortie du disque autoproduit "empreintes irrégulières".

Fred Marty a suivi des études de contrebasse classique dans la classe de Daniel Marillier au Conservatoire de Boulogne Billancourt où il a obtenu un premier prix. Il approfondit le jazz à Bordeaux au Centre d'Information des Activités Musicales (CIAM) et développe son expérience de musicien et de compositeur au sein d'univers musicaux variés comme le classique, le jazz, les musiques latines, le rock et plus récemment, les musiques électro-acoustiques. Son parcours atypique l'a amené récemment sur Paris où il dirige essentiellement son travail sur l’improvisation. En Janvier 2009, il est à l'initiative d'un projet basé sur cette orientation: Empreintes Irrégulières. Le titre du projet évoque l'importance donnée à l'inconnu, l'impermanence et montre également son expression musicale basée sur le lyrisme, les effets de percussions et la recherche du timbre.
Fred Marty a joué avec : Claude Parle, Yuko Oshima, Ai Watanabe, Birgitte Lyregaard, Nelly Jallerat, Patrick Charnois, Fabrice Dupé, Valery Bertrand, Itaru Oki, Yoko Arai, Bob Marsh, etc.
http://www.fredmarty.com/

This is the kit

Pour la sortie de ‘’Wriggle Out The Restless’’ (DreamBoat Records).

Kate Stables alias This is the Kit, n’a pas arrêté d’attirer sur elle les regards les plus bienveillants : un premier album (Krülle Bol) produit par John Parish, un single (Two Wooden Spoons), publié par Sunday Best, le label de Rob da Bank (figure culte de la BBC, héritier de la case horaire de John Peel) et enfin son 2ème album : ‘’Wriggle Out The Restless’’ sur un label indépendant anglais (DreamBoat Records). Il est le résultat d’une longue et lente maturation, comme sont faits les bonnes bières ou les bons whisky de son pays natal, elle-même nourrie de ses multiples rencontres artistiques : Animal Collective, Tunng, Vashti Bunyan à l’occasion de l’enregistrement de la compilation ‘’Sunday Best’s FolkOff’’, mais également The National, Elysian Fields, Jose Gonzales, Vetiver, … dont elle a partagé les scènes.

‘’Le but était de s’amuser en jouant avec des personnes dont j’apprécie vraiment le travail’’ raconte Kate. ‘’Plus on échange et plus on partage les uns les autres, plus les choses aboutissent et sont riches d’enseignements.’’ Toutes ces expériences associées au travail d’instrumentistes de Jessy D Vernon (The Invisible Pair of Hands, sur feu le label trip Hop pionnier de Bristol ‘’Cup of Tea ‘’ puis Morning Star), Jim Barr (Portishead), Rozi Plain (Fence) participent au son délicat mais robuste de ce superbe nouvel album.

Mike Reed - batterie.
Greg Ward - saxophones.

Le batteur Mike Reed qui se produira ici en duo, s’emploie à décoder les messages énergisants envoyés par les musiciens de sa ville de Chicago, depuis cinquante ans, et à y découvrir autant d’invitations aux voyages les plus fabuleux dans le temps présent.

Soirée en Coproduction avec la série Bleu Indigo, orchestré par Alexandre Pierrepont et en Partenariat avec le Musée du Quai Branly.

Né en 1974 à Bielefeld en Allemagne, Mike Reed y a vécu pendant cinq ans, puis a grandi à Evanston, au nord de Chicago. Batteur et compositeur, il fait partie depuis 1997, de la dynamique scène du jazz et des musiques improvisées de Chicago et devient membre de l’AACM. Son univers rythmique se situe entre celui d’Elvin Jones et celui de Rashied Ali, avec en plus une sorte de complexité tonale qui lui est personnel. On pourrait qualifier son jeu de ‘’Pan-tonalisme’’, mais il va bien au-delà, dans une sorte de recombinaison de la batterie de nombreux styles de l'histoire du jazz. Grâce à son jeu, il embrasse à la fois le passé et le futur. Il utilise parfois autour de sa batterie des d'objets trouvés, des pots et des casseroles pour cymbales fissuré, mais son jeu reste tout de nuance et d'inflexion. Il partage régulièrement la scène avec David Boykin, Nicole Mitchell, Jeff Parker, Josh Abrams, Brian Anderson et d’autres… Il se produit à travers différentes régions du monde, parcourant de prestigieux festivals, tout en continuant à donner des concerts intimes à Chicago.

Né en 1982, Greg Ward apparaît rapidement comme un saxophoniste important de sa génération, à la fois dans le jazz contemporain, la funk, la musique latine, indienne, africaine et le klezmer… Il a grandi à Chicago dans un environnement musical, en chantant notamment dans des groupes de gospels lorsqu’il était enfant, jusqu’à la découverte de la musique de Charlie Parker qui le décide alors de devenir saxophoniste. En 2002, le légendaire Fred Anderson le choisit pour participer aux régulières jam sessions de son club de jazz, le Velvet Lounge. Greg Ward a joué avec de nombreux musiciens comme Von Freeman, Frank Wess, Al Jarreau, Carl Allen, Rufus Reid, Jeff Parker, Brian McNight et Hamid Drake et a voyagé à travers le monde. Il est aujourd’hui membre du Ernest Dawkins’ Chicago 12, le Occidental Brother’s Dance Band, Ted Sirota’s Rebel Souls, le Proliferation Quartet, Bindu et le Chicago Afro-Latin Jazz Ensemble. Il dirige aussi le groupe de soul expérimental We Tree et co-dirige le TBD (orchestre d'Improvisation). Depuis 2008, il a enregistré pour les labels : Roguart, 482 Musique, Dawk Music et Delmark.

Pour la sortie de ‘’Truth Lies In-Between’’ du John Tchicai trio, autour des mots du poète John Stewart, produit par Gérard Terronès pour le label Marge.

John Tchicaï – saxophones.

et la présence de Steve Dalachinsky - lectures.

‘’Exploration de tous les possibles et de tous les ailleurs : Gospel (Masks), rap (The Owl), techno (Masks), samba (Opgenomen), jazz (At Last Ourselves) se télescopent et sont traversés par le grand courant des rythmes africains. Point de folklore ni d’exotisme chez Tchicai, mais la mise à nu de la multiplicité de nos racines et de notre insaisissable identité’’. (Pierre Lemarchand / Le Son du Grisli).

Né en 1936 à Copenhague au Danemark, d'une mère Danoise et d'un père Congolais, John Tchicai devient dans les années 60, l’une des figures de proue de l'avant-garde du jazz New-yorkais, puis une référence importante de l'avant-garde Européenne, par la suite. Aujourd'hui sa musique reflète encore ce qu'il a toujours fait: innover et inspirer. En abordant le jazz sous un angle large, John Tchicai l'Afro-danois Américain est reconnu internationalement pour son sens convaincant du rythme, du drame et de l’humour, pour sa liberté, sa spiritualité et sa fraîcheur ultime. Il a enregistré avec John Coltrane "Ascension" ou avec Albert Ayler "New York Eye and Ear Control", tout comme avec John Lennon "Life with Lions". Il a fondé des ensembles, le "New York Art Quartet", le "New York Contemporary Five" et le "Cadentia Nova Danica" et a participé en tant que membre au "Jazz Composers Guild", avec lequel en 1965, pour un concert dans le New York Museum of Modern Art, il se peint le visage, ce qui était totalement nouveau à cette époque-là. Le New York Art Quartet était pour l’époque l’un des ensemble précurseur dans son approche des philosophies musicales collectives, beaucoup d’autres s’en sont inspirés par la suite dans les années 70. En 1966, il se réinstalle au Danemark où il co-fonde "Cadentia Nova Danica", un ensemble composé parfois de plus de 30 personnes et enregistre le mythique "Afrodisiaca". Dans les années 70, John Tchicai découvre le hatha yoga et la méditation, qui deviendra l’un de ses centres d'intérêt majeur de sa vie et son développement spirituel. Il se produit moins sur scène à partir de cette période, mais enseigne davantage, compose et conduit des workshops. Aujourd'hui encore, il continue de travailler sur de nouveaux projets, part en tournée et pratique toujours le yoga et la méditation.

Présentation de ‘’Solo Uno’’, une production de Singulière Compagnie.

Alex Grillo - vibraphone.

Vibraphoniste et compositeur, Alex Grillo s’est produit avec des musiciens de jazz et de musique improvisée (Steve Lacy, François Jeanneau, Raymond Boni, Bibi Rovère, Didier Malherbe, Barre Phillips, Yves Robert, Steve Potts, Annick Nozati, Daunik Lazro, Patricio Villarroel, Benat Achiary etc. ) Performer, il a été soliste subaquatique pour Michel Redolfi, musicien-danseur sur les ‘’Corps Sonores’’ de Guy Reibel ou en duo avec le danseur JC Ramseyer. Interprète de ‘’45 minutes for a speaker’’ de John Cage dans une nouvelle traduction. De 2002 à 2006, membre de la compagnie de théâtre de rue ‘’Les Piétons’’. Réalise des formes ‘’cabaret poétique’’ mêlant textes et sons, sur des thèmes tels que : La Perte, La Navigation, Le Désert, l’Exotisme, d’autres plus marathoniennes comme : L’Amour toute une nuit, avec la compagnie d’arts de la rue Ilotopie ou encore : L’Amour dans le jardin, sur des textes de poètes contemporains. Depuis 2004, concert-poétique de ‘’l’Afrique est en nous’’ du poète Daniel Biga avec Didier Petit et Christian Sebille. En 2009 ‘’Il dit’’ du poète marseillais JC Izzo avec Catherine Jauniaux et Raymond Boni. Depuis 1997, plusieurs résidences à Java pour travailler avec le gamelan de Sapto Raharjo. En 2002, résidence au Caire avec des musiciens traditionnels égyptiens sur le thème des racines. En 2006 au Burkina Faso avec des balafonistes traditionnels. Collabore avec des danseurs, des comédiens, des scientifiques ou des collectifs d’artistes sur des projets spécifiques. Compose pour le théâtre, la danse, ensembles instrumentaux, sons fixés, chœurs, quatuors, un oratorio, des suites de danses pour orchestres, des livres/disques pour enfants et des pièces pédagogiques.

Pour la sortie d’un nouvel enregistrement en duo : "Reset".

Frédérick Galiay - basse électrique.
Jean Sébastien Mariage - guitare électrique

Créé en 1993, Chamæleo Vulgaris est une formation ayant oscillé selon les temps entre deux et dix musiciens, avant de se résoudre, comme initialement, à deux : Frederick Galiay à la basse et Jean-Sébastien Mariage à la guitare (parmi les membres disjoints, B. Denzler et G. Roggi, F. Vaillant, H. Koch, H. Poulsen, M. Collignon, O. Benoit, D. Ashour…). Les deux amplificateurs se font face, les deux musiciens sont au centre, le public autour. Le principe de l'installation est d'établir le contact le plus direct entre le geste et le son, la corde et le haut-parleur. Le son électrique est une matière organique, acoustique au sens plein: guitare, basse et amplificateurs (sans aucune adjonction de pédales d'effets ou d'électronique numérique), ne sont pas dissociés, mais sont un seul et même instrument. Les limites sonores de l'instrumentarium sont sciemment repoussées, son ambitus élargi. Le son est âpre, plein, précis. La dichotomie convenue entre improvisation et composition est considérée comme nulle et non avenue: Chamæleo Vulgaris compose spontanément, en temps réel, des fresques sonores où l'instant est une urgence, et le temps construction. Après "Dans la Chair" (1997), "Ouverture facile" (1999), "Les Falaises" et "Toter Hirsch" (2000), et "Inversus Doxa" (2001), "Rebut" (2003), un nouvel enregistrement vient de paraître : "Reset", qui, après une pause discographique, beaucoup de concerts, et un nombre conséquent de projets parallèles, est une remise à plat d'un travail qui atteint ses presque vingt ans.

Pour la sortie de ‘’Ex Patris’’ (Important Records), Josef Van Wissem nous offrira l’occasion d’entendre un solo de luth d’une beauté profonde, contraste entre le métal (ou boyau) des cordes et le silence où elles sonnent, puis s’effacent.

Jozef Van Wissem – luth.

“L’albun ‘’A Priori’’ ne ressemble à rien de ce que j'ai entendu auparavant. Musique intemporelle, comme un souffle profond qui exhale des nuées de flocons de neige, des cercles concentriques, des miroirs, des spirales, la mer. Quand Jozef Van Wissem joue de son luth, il libère un espace infini. Je ne peux rien faire d'autre que d'attendre la pluie, fermer les yeux et regarder les étoiles tomber, se lever et retomber encore et encore”. (DAVID TIBET / CURRENT 93).


Etabli depuis quelques années à New York, ce compositeur et joueur de luth, originaire des Pays-Bas est réputé pour son approche inhabituelle du luth de la renaissance et du luth baroque. Jozef Van Wissem a cette particularité de composer selon la technique du palindrome ou de structures de notes en miroir, donnant un sentiment d’égale stabilité et une intensité tranquille à ses plages musicales. Il joue aussi parfois d’anciennes compositions à l’envers ou les aménagent à sa guise par des allers-retours musicaux entre le 17ème et le 20ème siècle. Il ajoute aussi parfois à son instrument des manipulations électroniques et du field recordings, souvent captés dans des gares ou des aéroports. A la lisière de la composition et de l’improvisation, Jozef Van Wissem parvient à créer un savant mélange de folk contemporain et de musique de style fin Renaissance, tout en respectant fidèlement les techniques du luth. Il donne aux seuls timbres de cet instrument d’origine persane et arabe (oud), une singulière présence acoustique et une charge émotionnelle unique en son genre.

Kim – multi instrumentistes.
Sans autre équivalent hexagonal, Kim est devenu au fil des années un songwritter important malgré les modes changeantes et les crises du disque capricieuses, s'inspirant du meilleur de chaque époque et imposant son style album après album. On a déjà parlé cent fois de sa discographie copieuse, de la vingtaine d'instruments dont il joue, de son père ex-batteur pour Higelin, de sa naissance à Cannes, de ses années bordelaises avant sa récente installation à Paris, ou encore de ses multiples blogs et clips qui inondent le web. Sa carrière discographique commence à l'âge de seize ans et ce bien avant la mode des baby rockers. On est en 1994 et le gamin enregistre alors son premier disque, creusant les premiers sillons d'un antifolk lofi avec quelques années d'avance sur le reste de la scène française. On ne sait alors pas grand chose de lui. A moitié italien, anglophone débutant mais déjà multi instrumentiste, batteur avant tout et aspirant à devenir dessinateur de comics un jour ou l'autre, Kim Stanislas Giani s'enferme dans son home studio à la manière de Todd Rundgren pour un contrôle total de sa musique. Fâché avec les chapelles, il décide de mélanger le plus possible ses fantasmes musicaux dans un éclectisme proche de celui de Robert Palmer. On parle alors de lui comme d'un boulimique musical : les albums s'enchaînent à un rythme frénétique, passant d'un label à l'autre, à saute moutons sur les styles musicaux. Il combine la nonchalance de la folk aux guitares dégueux du punk, la mélancolie de la new wave au groove du funk, et mélange le tout à des claviers pour enfants, des batteries disco et des refrains pop entêtants, chantés par une voix haut perchée renvoyant autant à Neil Young qu'à Christophe. Kim file alors sur les routes pendant plusieurs années, la plupart du temps en solo, dans une formule live minimaliste et improvisée, proche du stand up, et accumulant un nombre impressionnant de prestations. En 2000, persuadé que le rock garage est de retour, il enregistre un des tout premiers albums de ce revival. En 2005, après un album "posthume de son vivant" dans lequel il invite Herman Dune et d'autres amis à l'accompagner ("Kim is dead"), il ouvre pour Dionysos sur plusieurs dates, dont l'Olympia et le Zénith. Vicious Circle le signe alors pour l'album "Don Lee Doo", qui devient de loin sa meilleure vente et lui permet de faire une centaine de concerts à travers la France, la Belgique et l'Allemagne. Devenu un spécialiste de l'omnichord, il enregistre même pour Olivia Ruiz avec cet instrument jouet et se glisse donc dans le hit de la chanteuse début 2009 ("Elle panique"). Avec ce même outil, il interprète une cover de Dylan ("Don't Think Twice It's Alright") sur la compilation de Béatrice Ardisson aux cotés de Brian Ferry et Charlie Winston. Egalement blogger depuis quelques années, il accumule les idées conceptuelles autour d'internet et donne les premiers concerts via Skype avant de monter sa propre teleweb,"TeleKim". Ravi de l'accueil de son album de 2008, Kim songe à une suite. Et même à une trilogie! Un concept un peu gonflé en ces temps de crise du disque! Ce "songwritter improbable" ne perd pas une minute pour enregistrer "Mary Lee Doo" : Un dix huitième album en même temps qu'un second tome. Si par le passé le blondinet pratiquait le mélange, il pratique désormais le dosage. On reconnaît Kim dès la première mesure : omnichord onirique et soli de guitare Jack White, orgues de mômes Comelade et synthétiseurs de vieux hippies, batteries lourdes et maracas légers, claps pop et slaps débiles. Cà et là, un stylophone se bat contre un fairlight tandis que les chants interprétés de plusieurs façons dédoublent l'unique voix fragile à la limite de la parano. "Mary Lee Doo" est dans la lignée de l'album précédent, mais en plus immédiat, chacune des dix chansons pouvant prétendre au rôle de single. Les 80's ne sont pas loin, celles de Madonna ou de Prince, mais aussi celles de Kate Bush. Les textes, plus autobiographiques, dégagent une ambiance intime et folk en total contraste avec une musique qui lorgne franchement vers les ondes radiophoniques. Kim ne cesse d'étonner par sa faculté à enregistrer des albums hors du commun, déroutants, riches, ne cédant à aucune quelconque et éphémère tendance. Tout ça en gardant fraîcheur et curiosité artistique. Cela n'est pas donné à tout le monde !

Pour découvrir les Éditions Caedere avec la sortie de la traduction française du livre de Saul Williams ‘’Dit le fusil de chasse à la tête’’, traduit de l'américain par Michel Bulteau et la parution de MAHOGANY BRAIN par Joseph Ghosn, relatant l’histoire du cultissime groupe rock de Michel Bulteau.
Poète, musicien, interprète, acteur... Saul Williams est né en 1972 à Newburgh (État de New York) d'un père pasteur et d'une mère institutrice. Titulaire d'une licence de philosophie au Morehouse College, il part s'installer à New York où il découvre le slam. En 1996, il décroche le titre de Grand Champion de Slam du Nuyorican Café. Sa célébrité dans les cercles de slam lui vaut le rôle principal du film ‘’Slam’’ de Marc Levin, sorti en 1998, film qui rafla le prix du grand jury du Sundance Festival et la Caméra d'Or du festival de Cannes. C'est dans ce rôle sur mesure que le monde découvre Saul Williams, bien que certains le connaissaient déjà pour ses morceaux de hip-hop baroque et poétique sur différentes compilations des labels Rawkus Records et Ninja Tune (dont le fabuleux morceau ‘’Twice the first time’’). Son premier véritable album ‘’Amethyst rock star’’, sort chez Sony en 2001. Il y révèle son goût pour une fusion improbable mais réussie de rock, hip-hop et musique électronique. Fin 2004, il sort son second album ‘’Saul Williams’’. Durant l'été 2005, il suit Nine Inch Nails sur sa tournée européenne en tant que première partie du groupe. Le 1er novembre 2007 sort le troisième album de Saul Willams ‘’The inevitable rise and liberation of niggytardust’’. Ce nouvel opus a été co-produit et co-écrit en large partie avec Trent Reznor, fondateur et leader du groupe Nine Inch Nails, lui donnant ainsi une teinte particulière. En tant qu'auteur Saul Williams a publié dans le New York Times, Esquire, Bomb Magazine et African Voices. Il réside actuellement à Los Angeles.
Michel Bulteau est l’initiateur du mythique Manifeste Électrique (1971), il est aussi le fondateur de Mahogany Brain, légendaire groupe de rock français. En 1976, il s’exile à New York où il fréquente les écrivains beat, les musiciens punk et les peintres pop. Il a publié une trentaine de livres (poésie, essais littéraires, souvenirs...). Michel Bulteau est non seulement un morceau vivant d’histoire littéraire, mais surtout un des plus grands écrivains secret de notre époque.
«Une des voix les plus inspirée de l’Amérique hip-hop.» Trent Reznor.
http://pagesperso-orange.fr/21-3/
http://www.myspace.com/editionscaedere

Interprétera la pièce ‘’Billows’’ (2009) 46 ' pour la sortie du disque ‘’Billows’’ chez Plush (label de Steve Argüelles). Carol Robinson - clarinettes (birbyne, cor de basset) + live electronics.
‘’La musique de Carol Robinson est plus qu’une musique. C’est un espace. Un horizon. Un lieu ouvert. Un son passe, s’éloigne. Il revient comme dans un rêve caresser la surface de l’air. Il se fait brise, douceur, qui insensiblement se mêle à une bourrasque venue des profondeurs, plus sombre, qui enfle et emplit l’espace. Une note traverse la distance ouverte par la musique, comme le vent balaie une plaine. Et le silence survient, une accalmie au sein de la tempête. Un silence plein, un silence tenu, porteur déjà du son suivant, souffle aérien qui se fait orage et prend toute la place, pour refluer plus tard, s’éloigner comme une vague. De mystérieux chuchotements se répondent et se croisent. Se répètent aussi, et ainsi créent une attente, mettent nos nerfs à fleur de peau, peau qu’effleure de nouveau une brise, un murmure, une note. C’est peut-être cela, cette matérialité de la musique, sa capacité à prendre possession de nos sens, qui est le plus émouvant dans les compositions de Carol Robinson.’’ Sylvie Tanette
Carol Robinson mène de front une carrière de clarinettiste et de compositeur et se produit dans les salles et festivals les plus prestigieux. Travaillant en rapport étroit avec différents compositeurs, elle assure de nombreuses créations (sa discographie récente comprend aussi bien des disques monographiques de Scelsi, Nono, Feldman, Niblock ou Berio, que de la musique classique ou du jazz). Passionnée par l’improvisation, elle se met autant que possible dans les situations musicales les plus ouvertes. Avec Mike Ladd, Dave Randall et Dirk Rothbrust, elle crée le groupe du rock libre Sleeping in Vilna. Parallèlement à son parcours d’interprète, elle développe un univers personnel au travers de créations de théâtre musical présentés en France et en Allemagne. Mariant sons acoustiques et traitements électroniques, elle explore l’usage des processus de diffusion aléatoire, ce qui la conduit à concevoir aussi des installations. Elle écrit également des musiques pour des créations chorégraphiques. http://www.crsounds.com/

Pour la sortie du premier disque solo de Louise Jensen, "You look like your mother, would you like some more sauce?" sur Peacock recordings (label de Jessica Pavone). Louise Jensen – saxophones. Tom Blancarte - contrebasse.
Saxophoniste improvisateur et compositeur originaire du Danemark, Louise Dam Eckardt Jensen est née en 1980 et vit actuellement à New York. Elle a développé un langage et une sonorité très personnelle sur l’instrument, ces influences vont de Lee Konitz à Björk. Elle travaille dans divers ensembles en Europe et aux Etats-Unis, co-dirige le duo Herbert Eckardt du batteur et percussionniste Luca Marini, le duo Seiki avec le batteur Andreas Pichler (issue du trio de Wolfgang Muthspiel) et le Slow Food Cook Book (Matthias & Andreas Pichler). Elle dirige également le Louie’s Spaced-Out Ensemble, un grand orchestre jouant ses compositions. Au cours des deux dernières années, elle a commencé à explorer le solo, qui a récemment donné naissance à l’enregistrement d’un album sur le label Peacock. Elle improvise également en duo avec son mari, le contrebassiste Tom Blancarte et d’autres musiciens comme Achim Kaufman, Andrew D'Angelo, Xavier Lopez, Andrés Litwin, Hilmar Jensson, Sam Oatts, Kevin Shea, Brandon Seabrook, Nate Wooley et Fred Lonberg Holm et Pitcher Drew. http://www.myspace.com/louisejensen#ixzz0y5EUxvXp
Tom Blancarte est né à Augusta, en Géorgie en 1979. Il a passé presque toute sa vie à Austin, au Texas où il a vécu jusqu'à son départ en 1998, pour des études à l'université de North Texas, à Denton. Inspiré par la musique de Metallica et de Black Sabbath, il a commencé l’apprentissage de la basse électrique à l'âge de 13 ans, puis c’est intéressé à la contrebasse quelques années plus tard. Au collège, il a étudié la contrebasse avec Lynn Seaton et Jeff Bradetich et s’est engagé petit à petit vers les musiques improvisées. Il a également joué dans le groupe de rock Cumulonimbus. Il découvre Albert Ayler, Anthony Braxton et Evan Parker, entre autres, et décide de partir sur le chemin perfide de l'improvisation libre, sur lequel il continue de naviguer aujourd'hui. Bien qu’intéressé par différents modes d’écritures, l’improvisation libre reste l’accroche principale. Il vit actuellement à Manhattan, New York, où il joue dans différents groupes : Torus, Who Put The Bad Mouth On Me, et en duo avec Peter Evans : Sparks. http://events.myspace.com/Event/5527203/Cd-presentation-wBlancarte--Souffle-Continu-

Pour la sortie du livre de Franck Médioni ‘’Albert Ayler, témoignages sur un Holy Ghost’’ (Editions le mot et le reste). Sylvain Guérineau - saxophone ténor. Francis Marmande - contrebasse.
Le Paris de l'après 68, de la rue aux usines, avec François Tusques et toute la scène free française et américaine : Avenel, Jenny-Clark, Delcloo, et tant d'autres… Un certain Passage d'Eric Dolphy — quelques-uns s'en souviennent — dans une certaine Chapelle de la rue des Lombards, en compagnie de Jacques Réda et Francis Marmande. Et puis Desmond, Ornette vécu en direct — La Mutualité, novembre 1965, la polémique existait : idem Coltrane & Ayler… Sylvain Guérineau est né en 1946 à Vendôme. On a pu l'entendre en duo, trio et quartet avec Sunny Murray, Bernard Lubat, ou encore en quartet avec Jacques et Nicolas Mahieux, ainsi qu'Olivier Benoit. On peut aussi l'entendre sur disque avec Francis Marmande et Sunny Murray dans l'atelier d'Alain Kirili, avec Joëlle Léandre dans "La cantate des chaudrons", (Éditions Fourbis)… À partir de 2002, il joue principalement dans le trio de Didier Lasserre, avec Paul Rogers… joue à nouveau avec Sunny Murray en compagnie d'Henry Grimes dans Henry Grimes & Friends… Et plus récemment, un nouveau trio [Ter] dont un disque est sorti début 2006 chez Marge avec Didier Lasserre & Benjamin Duboc, puis un LP autoproduit :"L'ombre plus vaste" en 2008. Ce trio devient quartet avec Jobic Le Masson ou Arnaud Sacase… À l'occasion de l'enregistrement du disque [Ter] il fait la rencontre de Jean-Marc Foussat qui l'entraîne dans les voies des musiques électroniques. En naîtra Aliquid en 2005, puis Quod — Aliquid augmenté de Cathy Heyden, puis de Jean-Luc Cappozzo en 2006 et Luc Bouquet en 2007. http://sylvainguerineau.free.fr/
Francis Marmande est universitaire, écrivain né à Bayonne en 1945, mais aussi contrebassiste (« Je ne suis pas musicien. Je joue depuis toujours de la contrebasse qui se joue de moi. Je joue plutôt mal mais avec beaucoup de cœur » écrit-il dans son livre La housse partie dans lequel le jazz tient une place importante : « Le jazz est une musique de musiciens. Il les exige solides, perdus, enfants, parfaitement adultes (comme déjà morts), très fous, et intransigeants. »). Longtemps collaborateur de Jazz Magazine, il est chroniqueur au quotidien Le Monde.

Vernissage de l'expo Synckop
Souffle Continu met en vente 12 tirages d'art de Synckop du 06.09.10 au 30.10.10

Pour la sortie de la compilation "Douche Froide series vol.1: Icy breath on burning flesh".
Le compositeur Denis Frajerman est membre du groupe expérimental Palo Alto, du duo Polonium 84, du quartet Dam, du Frajerman String Quartet et producteur du groupe de nightmare-pop ukrainien : The Blizzard Sow. Il avoue une passion post-exotique pour les insectes et la faune en général dont l'enregistrement constitue la base de ses bandes magnétiques. Fortement lié à l'oeuvre de l'écrivain Antoine Volodine autour de qui il compose son premier album solo, ‘’Les suites Volodine’’ (Noise Museum/Naïve, 1998), il partage avec cet auteur un goût prononcé pour les ambiances envoûtantes, l'humour noir, la sorcellerie. Des albums et créations comme ‘’Macau peplum’’ (1999), ‘’Fasmes’’ (1999), ‘’Des anges mineurs’’ (2004) ou ‘’Vociférations’’ (2008), sont des oeuvres troublantes, sombres et poétiques, mélange de bandes électroacoustiques, d'écriture contemporaine, de mélodies d'Europe Centrale et d'improvisations. La musique de Denis Frajerman s'allie régulièrement à la danse contemporaine, le cinéma et la radio. www.myspace.com/denisfrajerman
France sauvage (FS) est l'abréviation anglaise du mot combination (combinaison). En français le terme est également employé et en particulier dans les domaines suivants : * Dans la finance, il représente un montage d'options à coût nul. * Dans les jeux vidéo, un FS est un enchaînement d'actions qui se différencie d'une quelconque série d'actions exécutée les unes après les autres par le timing et le choix des éléments de l'enchaînement. * Dans le cinéma, c'est un petit enregistreur (à bande ou disque dur) diffusant l'image et le son issu de la prise tournée via la reprise vidéo de la caméra principale. * Dans les jeux de cartes à collectionner, une FS est une combinaison des actions de deux cartes ou plus dont l'effet combiné est plus élevé que la somme des cartes prises séparées. Le synonyme de cet effet est synergie. * Dans le domaine musical, les mots:"France sauvage" peuvent désigner un boîtier où l'on retrouve à la fois un haut-parleur et un amplificateur pour guitare électrique, couplé à son préamplificateur. Le plus souvent, on retrouve le terme "ampli" pour désigner un FS. Il permet ainsi au propriétaire de disposer d'un système "tout-en-un" simplifiant ainsi le dispositif nécessaire à l'utilisation de l'instrument. www.myspace.com/francesauvage
http://events.myspace.com/Event/6837240/France-Sauvage--Denis-Frajerman-à-Souffle-Continu#ixzz0xelI4n2W

Jérôme Noetinger - dispositif électroacoustique. Seijiro Murayama - Percussions. Né le 25 avril 1966, Jérôme Noetinger a suivi les cours de musique électroacoustique sous la direction de Xavier Garcia de 1986 à 1988 à Fontaine (38). Il pratique l’improvisation sur scène avec un dispositif électroacoustique regroupant selon les envies, magnétophones à bande, table de mixage, synthétiseurs analogiques, hauts-parleurs, micros et électronique… Il est l’un des membres fondateurs (avec les cinéastes Christophe Auger et Xavier Quérel) de la cellule d’Intervention Metamkine, spécialisée dans les musiques électroacoustiques et improvisées. Leurs performances allient projections 16mm et musique électroacoustique, dans la grande tradition du “cinéma élargi”. La Cellule d’Intervention développe une idée de jeu et d’improvisation entre image et son, le projecteur cinéma devenant un instrument comme le magnétophone à bandes par exemple.. Il a aussi joué avec Nachtluft, Voice Crack, Tom Cora, Michel Doneda, Lê Quan Ninh, Lionel Marchetti, Mathieu Werchowski, Martine Altenburger, Emmanuel Petit (au sein de la cellule) et (seul) avec Marc Pichelin, jean Pallandre, Dominique Répécaud, Peter Hollinger, Keith Rowe (MIMEO)... Il dirige le label de musique concrète METAMKINE et s’occupe du catalogue de vente par correspondance spécialisé dans les musiques électroacoustiques et improvisées du même nom. Il est également membre du comité de rédaction du magazine trimestriel Revue & Corrigée. Percussionniste et batteur, Seijiro Murayama est en activité depuis le début des années 80. Cet improvisateur japonais a notamment collaboré avec des musiciens comme Fred Frith, Tom Cora, Keiji Haino, K.K.Null, Thierry Madiot, Pascal Battus, Eric Cordier, Jean-Luc Guionnet, Antez… Il vit en France depuis quelques années et travaille pour des créations de théâtre et de danse. '’Une présence qui en impose, obstinée, autant dans l’attente (silence) que dans l’action (son). Les gestes sont rapides – baguette frénétique martelant en autiste le cadre de l’instrument – ou plus mesurés, mais défendent une seule et même idée : celle qui prône l’alliance d’une mécanique infaillible et d’une réflexion qui la façonne pourtant. Alors, de son rare usage de la percussion, Seijiro Murayama commande des lignes d’aigus horizontales ou des masses de graves enveloppants pour fantasmer ailleurs la rencontre de cent percussions minuscules ou commander la chute d’une pluie d’objets sur des peaux qui les retiendront tous. La seule façon rythmique, exacerbée dans le même temps qu'elle est à chaque fois contrariée, en devient ravissante.’’ Guillaume Belhomme (Le Son du Grisli).

Christian Pruvost - trompette. Depuis plusieurs années, Christian Pruvost multiplie les collaborations que ce soit dans le domaine du jazz (collectif Circum et Zoone Libre) ou de la musique improvisée (la Pieuvre, etc.). Il se produit pour la première fois en solo en novembre 2006 à la malterie (Lille). Dans un jeu tout acoustique, il développe son discours très sereinement, appuyé par quelques objets qui lui confèrent une richesse de timbres supplémentaire. L’originalité de sa démarche artistique l’a déjà amené à se produire en solo à Brest, Montreuil et en Australie (Melbourne, Sydney) sur l’invitation du pianiste Anthony Pateras.

Kasper T. Toeplitz - noise, composition, bass, computer. Compositeur et musicien français d'origine polonaise né en 1960, Kasper T. Toeplitz joue principalement de l'ordinateur et de la basse électrique. Œuvrant par-delà les distinctions trop communément admises entre musique contemporaine – la ‘’grande’’ – et celle dite non-académique – ou simplement ‘’vivante’’: en l’espèce la musique électronique, ou noise music, il travaille donc tout autant pour les grandes institutions d’État (GMEM, GRM, IRCAM, Radio-France), qu’avec des musiciens expérimentaux ou inclassables, tels : Éliane Radigue, Zbigniew Karkowski, Dror Feiler, Tetsuo Furudate, Phill Niblock ou Art Zoyd. Influencé par Scelsi et Xenakis, il a d’abord beaucoup écrit pour les instruments traditionnels, ainsi que pour son orchestre de guitares électriques Sleaze Art, avant d’intégrer pleinement l’ordinateur à son travail, autant en termes de pensée compositionnelle qu’en tant qu’instrument ‘’live’’ à part entière (via le langage de programmation MAX notamment). Sa réflexion autour de l'ordinateur-instrument aboutit, en 2003, à la création de la BassComputer : un instrument à deux entrées, une basse hybridée avec l’ordinateur – ou inversement, concept qu'il élargit à d'autres instruments (les Percussions dans Unfinished Metal Waves, le saxophone et la vielle à roue dans Dust Reconstruction...). En 2004, il commande à Eliane Radigue une pièce qu'il interprète à la BassComputer, Elemental II, qui lui sert d'occasion pour fonder son propre label, r.o.s.a. (Recordings Of Sleaze Art). Il renouvelle l'expérience en commandant à Phill Niblock ‘’Yam almost may’’ (Touch Records), et à Dror Feiler ‘’Ousia’’. Sur ROSA, il enregistre également ‘’Capture’’, une de ses propres compositions, et ZKT, par Le Dépeupleur, duo de laptops qu'il forme avec Zbigniew Karkowski depuis 1999. Il a également beaucoup écrit pour la danse (Myriam Gourfink, Loic Touzé, Olivia Grandville, Emmanuelle Huynh, Hervé Robbe, Artefact, Christian Trouillas, Jean-Marc Matos...), voire le théâtre, a toujours marqué beaucoup d'intérêt pour la littérature (‘’J'irai vers le nord, j'irai dans la nuit polaire’’, son premier opéra, en 1989, était écrit à partir de textes de Sylvia Plath; ‘’Great Expectations’’, à partir de textes de Kathy Acker; ‘’Ruine’’, sur un texte de François Bon...), et plus récemment développe des pièces "mixtes", incluant lumière et/ou image vidéo (K_apture, pour ordinateur solo, sur des vidéos de Dominik Barbier). En 2007 enfin, il crée, avec Eryck Abecassis et Wilfried Wendling, KERNEL, un ensemble d'ordinateurs destiné à l'interprétation, live stricto sensu (sans utilisation de fichiers sons ou séquences de quelque sorte que ce soit), de compositions pour électronique. Leur premier enregistrement, ‘’Kernel#2’’, sort cette même année; le deuxième, ‘’The Deep’’, sur Zora Records en 2008. En 2009 paraissent simultanément sur r.o.s.a. une seconde version de ‘’Kernel#2’’, permettant de juger à la fois de la pertinence des notions d'écriture pour électronique d'une part (il s'agit bien de la même pièce) et d'autre part d'interprétation à l'ordinateur (il s'agit bien d'une seconde version), puis ‘’D.R.’’, disque incluant ‘’Dust Reconstruction’’ de Toeplitz, et ‘’Drowning Report’’ d'Abecassis. http://www.sleazeArt.com. http://www.youtube.com/user/sleazeArt. http://www.myspace.com/sleazeart.

Thierry Mariétan – contrebasse. Xavier Bornens – trompette. Ianik Tallet – batterie. Stéphane Payen – saxophone alto. Présent sur la scène jazz parisienne depuis vingt ans, le compositeur et contrebassiste Thierry Mariétan a dirigé en tant que leader le Tigran Quartet, ainsi que diverses formations sous son nom, employant des musiciens phares de cette même scène parisienne. Ici, pour Astargallus, il a utilisé comme base du projet un court texte d’Henri Michaux dans lequel baigne toute l’âme surréaliste de son écriture musicale. Avec la même orchestration que le quartet originel d’Ornette Coleman, il s’emploie à créer des correspondances subtiles entre la forme (les structures) et le contenu (les phrases musicales), via des procédés combinatoires simples, jeu continuel entre écriture et improvisation. La notion d’espace, par l’utilisation d’une batterie tantôt expressionniste, tantôt impressionniste, y est aussi prépondérante. http://www.myspace.com/thierrymarietan.

Gaia Mattiuzzi – voix. Francesco Cusa – batterie. Invite : Dario De Fillipo – percussions. "a project around the black music : work songs, blues and traditons of the origins" . Skinshout est le nouveau projet du compositeur et musicien polyvalent sicilien Francesco Cusa, en duo avec la chanteuse Gaia Mattiuzzi, une vocaliste dotée d'un talent et d'une sensibilité extraordinaire. Le duo reprend des chants traditionnels africains, proche des découvertes d’Alan Lomax. Une musique riche et intense, au-delà des limites de la voix, accompagnée par une rythmique sophistiquée. Les deux musiciens s’immergent dans les éléments fondamentaux de la culture africaine et d’un jazz novateur, trouvant dans l'improvisation le chemin d’une expression idéale. Le chant devient ici : supplice, cri, souffrance, joie et tendresse. Le duo s’est déjà produit aux côtés de Gianni Gebbia, Vincenzo Vasi, Paolo Sorge, Andrea Avena, Dario de Filippo et Ernst-Ludwig Petrowsky. Le duo invite pour l’occasion le percussionniste Dario De Fillipo. http://www.myspace.com/skinshout. Gaia Mattiuzzi www.myspace.com/gaiamattiuzzi. Francesco Cusa http://www.myspace.com./francescocusa Dario de Filippo http://www.myspace.com/mimidario.

Bob Marsh - électroniques, violon & voix. Massimo Falascone - saxophones & électroniques. Bob Marsh est un improvisateur expérimenté qui a passé sa vie à donner forme aux sons comme aux mots ou aux idées. Originaire de Detroit, il s'installe sur la cote Californienne après un séjour de vingt ans à Chicago. Depuis son arrivée sur la côte ouest, le multi-instrumentiste et compositeur Bob Marsh a multiplié les projets, que ce soit en solo (violon, voix et claquettes) : Mr Mercury et son SilverPark, ou en duo avec Yoyomama, Sandra Yolles, Dr Bob, David Michalak, ou encore avec Jack Wright et bien sûr actuellement Massimo Falascone. Il dirige également des formations plus larges comme l'Emergency String X-tet (ensemble de cordes en quête de textures et de micro tonalité), les Quintessentials (quintet dédié à l'interprétation de ‘’Michelins’’, compositions graphiques basées sur l'altération de l'atlas routier Michelin de la France) ou le Che Guevara Memorial Marching and Stationary Accordion Band (structure d'accordéonistes variant de huit à une quinzaine), sans oublier The Spirit Moves Us (trio free-jazz) ou Illuminated Orchestra (un grand ensemble qu'il dirige). Depuis trois ans, il organise des collaborations internationales via Myspace : Eight, Nine et le bientôt Ten. Sa discographie compte une vingtaine de disques dont ‘’Non Troppo Lontano’’. Originaire de Milan, Massimo Falascone compose pour le théâtre, le cinéma et des installations vidéo. Bien que le saxophone et l'électronique soient ses instruments de prédilection, il aime collaborer avec des plasticiens, des danseurs et des comédiens et son travail sur les planches tient une place importante dans sa création. Par ailleurs, il anime régulièrement des workshops de musique improvisée. Ses projets aussi bien en solo qu'au sein de différentes formations de la scène italienne ne se comptent plus : le trio Re:Start (Alberto Braida et Filippo Monico), ou encore Wintermute (Xabier Iriondo et Cristiano Calcagnile), ou Tevut (duo avec Matteo Pennese). Suite au récent concert au Teatro Arsenale à Milan en compagnie d'Evan Parker, la presse l’a décrit comme une figure très caractéristique de la scène jazz et improvisée italienne. www.bobmarsh.net www.massimofalascone.com

Laurent Perrier - computer ‘’Une intrusion environnementale dans un fourmillement chaotique éclaté’’. De Laurent Perrier, on connaissait le parcours de puriste. Des débuts industriels de Nox jusqu’à l’aventure discographique avec le magasin/label Odd Size, des tentations électro/breakbeat de Cape Fear à la maturation lente du projet Zonk’t - dont la troisième mouture, Purr, est sorti il y a peu -, Laurent Perrier a su faire évoluer son univers musical vers toujours plus de singularité. Une recherche absolue de la sensualité du grain sonore, dans ses excentricités les plus puissantes et inquiétantes, qui a fini par le conduire à se frayer un passage dans les zones-tampons de la production artistique, là où les barrières de genre tombent au profit d’un art total, transversal. C’est donc dans le domaine de la création-vidéo, puis surtout de la danse, que Laurent Perrier s’est progressivement plu à évoluer. Les musiques de Laurent Perrier concentrent la même attirance pour la force hypnotique d’un spectre musical en proie à toutes les formes de turbulence et de tension sonore. Du tumulte, toujours du tumulte ! Laurent Catala. www.soundonprobation.com

(Jean-Philippe Gross electroniques - Stéphane Rives saxophone soprano). Né en 1979, Jean-Philippe Gross vit et travaille à Metz. Il joue régulièrement avec Will Guthrie , Ferran Fages, Arnaud Rivière, Xavier Charles , Agnès Palier et d’autres... Membre du power noise trio Maelstrom depuis 2000 avec Arnaud Paquotte et Michel Oury. Il manipule une table de mixage bouclée sur elle-même, des microphones et des petits haut-parleurs, ainsi qu’un synthétiseur analogique de marque Serge modular qui est également bouclé sur lui-même. Mis à mal des moyens de diffusion et de production, son travail s’articule autour de la destruction du signal. Musique pour la danse et le théâtre, réalisation d’installations sonores. Né en 1969 en région parisienne, Stéphane Rives compte à son actif plus de vingt ans de pratique musicale. Saxophoniste autodidacte préoccupé par l’évolution contemporaine du son instrumental, il envisage son instrument dans une perspective acoustique concrète du son. Dans ce sens, il participe à des projets de collectifs (Klac-Sons, Ivraie), organise des concerts avec des musiciens de la scène parisienne ( Frédéric Blondy , Bertrand Denzler ) et rencontre différents artistes de musique électronique ou électroacoustique, Guido Hübner et Samuel Loviton du groupe Das Synthetische Mischgewebe, Laurence Bouckaert du collectif les Phonogénistes, Fred Nogray, Otomo Yoshihide et Bob Ostertag dans le cadre d’une grande formation ou encore Pascal Battus. En inscrivant son travail sur la durée et la lente maturation que réclame toute approche expérimentale, il forme depuis quelques années un duo avec la vocaliste Agnès Palier , dont le CD " Oxymore " est la trace. Il est également dédicataire et interprète de "Nunavut", pièce pour saxophone soprano et bande (construite à partir de sons multiphoniques et de traitements sonores), composée par Fabrice Guédy (IRCAM), en collaboration de Vincent Fromont (INA). Il joue en quartet avec Jean-Luc Guionnet , Bertand Denzler et Marc Baron , en trio avec Sharif Sehnaoui et Edward Perraud , en duo avec Christine Sehnaoui et également avec Quentin Dubost.

(Pierre Mariétan donnera en direct une version de ‘’Rumeur/émergence avec empreintes’’). En compagnie de Roberto Barbanti, Pierre Mariétan présentera la revue Sonorités qui traite de la qualité à donner à l'environnement sonore au quotidien et avec Guillaume Billaux le Label Terra Icognita. “Aujourd'hui, le monde est bien cartographié, mais les circuits touristiques évitent toujours soigneusement certaines régions... Il en est de même pour la musique du XXième siècle, dont l'abord n'est pas toujours facile. De plus, les œuvres présentées ici sortent parfois des formats habituels (comme certaines pièces dont la durée dépasse les 60mn, ou dont l'agencement est spécifique du support CD). Les "carnets de voyage en terre inconnue" que nous vous présentons sortent assurément des sentiers battus, mais sont le reflet de démarches artistiques exemplaires (G.B.)“. CD de Pierre Barbaud, Giuseppe Englert, Fernand Vandenbogarde, Louis Roquin, Pierre Mariétan, Gérard Frémy). Pierre Mariétan, compositeur, vit à Paris. Il étudie à la Musikakdemie de Bâle avec Pierre Boulez et à Cologne avec Karlheinz Stockahausen. Il a enseigné dans les Universités de Paris I et VIII et a été maître de conférence à l’Ecole Nationale Supérieure d’Architecture de Paris La Villette. Il a fondé le Groupe d’Étude et Réalisation Musicales en 1966 et le Laboratoire d’Acoustique et Musique Urbaine en 1979. Il a composé plus de 200 œuvres instrumentales, vocales et électro-acoustiques jouées dans de nombreux festivals. Il est l’initiateur de la recherche dans le domaine de la qualification sonore de l’environnement en créant les concepts de rumeur/émergences/empreintes, situation sonore, perspicuité sonore. Il a été producteur de plus de trente œuvres pour l’Atelier de Création Radiophonique à France Culture / Radio France. Il a fait de nombreuses tournées en tant que musicien et conférencier en Europe, Amérique du Nord et Japon. Il réalise des installations musicales permanentes et temporaires, collabore à des projets et réalisations architecturaux et urbains en Suisse, France, Autriche, Espagne, Allemagne. Il a fondé les Rencontres Architecture Musique Écologie qui ont lieu chaque année depuis 1998 en Suisse. Il conduit un Atelier annuel de composition musique/environnement. Il est lauréat de plusieurs prix internationaux dont le Prix Ars Acoustica de la WDR Cologne. Les œuvres musicales sont disponibles auprès www.mediatheque.ch (fonds Pierre Mariétan). Liens: www.pierremarietan.com / www.musique&environnement.com / www.architecturemusiqueecologie.com

Né en 1994 sous la forme d'un duo initié par Amadou Sall (ex-bassiste de Treponem Pal), Collapse a toujours questionné l'attitude de l'être humain envers sa planète, soit à travers l'intégration de sonorités ethniques, soit à travers des textes constatant la dégradation de notre environnement. Si Amadou a toujours émaillé ses œuvres de nombreuses références aux films d'anticipation (L'Âge de Cristal, La Planète des Singes), force est de constater que la réalité a malheureusement rattrapé la fiction. Mais comme pour conjurer le mauvais sort, la musique de Collapse sonne aujourd'hui plus futuriste que jamais ! En effet, après les intonations cold-wave d'Embryo, c'est maintenant des sonorités électro-indus spatiales qui ont été intégrées dans le projet de ce multi-instrumentiste et ingénieur du son. Car si le précédent disque était hanté par le fantôme de Joy Division, c'est plutôt l'ombre de VNV Nation qui plane sur In Despair. Résolument tourné vers le futur mais ayant su retenir les enseignements du passé, Collapse célèbre là ses douze ans d'existence avec un disque qui synthétise les principaux éléments de ses précédentes réalisations (pulsations tribales, programmations électroniques, guitares métalliques, rythmes dansants), avec un chant toujours plus fluide et des mélodies plus directes que jamais. À l'heure où les survivants de la première vague indus-rock française se comptent sur les doigts d'une main, il est bon de voir que Collapse fait partie de ceux qui n'ont jamais abandonné, et qu'il continue de se renouveler sans perdre en inspiration. Christophe Lorentz

(Philippe Lauzier : saxophones alto, clarinette-basse - Pierre-Yves Martel - viole de gambe préparée, haut-parleurs 2’’, micros contacts). Sortie du disque ‘Sainct Laurens’ (& Records). Silence. Doux feedbacks, clairsemées, Rythmes ondulés, vallonnés. Sons continus, s’écoutant, se développant En textures complexes, lentement, minimalement, Précisément. Sons [non]préparés, anciens et nouveaux. Philippe Lauzier et Pierre-Yves Martel comptent parmi les plus actives recrues de la décennie 2000 chez Ambiances Magnétiques. Ils travaillent généralement autour de pièces circonspectes, où chaque son est étudié et coule de source. Un voyage à l’intérieur des instruments impliqués, mais surtout à l’intérieur d’une relation musicale profonde entre les deux protagonistes. On sent clairement que ces deux-là ont fait et continuent de faire des découvertes ensemble. Compositeur et interprète, Philippe Lauzier vit à Montréal. Depuis quelques années, il a réalisé plusieurs projets : le groupe Ensemble en pièces, son propre trio avec le contrebassiste Miles Perkin et le batteur Robbie Kuster ainsi que le collectif Spin Ensemble avec des musiciens français et norvégiens. Il a, avec ce dernier, enregistré un disque au Centre des arts de Banff et joué en concert au Canada, aux États-Unis, en France et en Norvège. Philippe collabore également avec divers groupes et musiciens tels Antoine Berthiaume, Isaiah Ceccarelli, les Événements de la Pleine Lune), Jean Derome, Thom Gossage, Gordon Allen et bien d’autres. Né à Vanier (Ontario), Pierre-Yves Martel est contrebassiste, gambiste, compositeur et improvisateur. Depuis son arrivée à Montréal en 2004, il se produit maintes fois avec des musiciens établis tels Jean Derome, Lori Freedman, Michel F. Côté et le groupe Les Poules ainsi qu’avec des gens de la relève : Isaiah Ceccarelli, Gordon Allen et Esther B. Il mérite une place importante parmi les musiciens québécois les plus prometteurs de sa génération. Son oeuvre embrasse toute une gamme de genres et de styles, de la musique improvisée et expérimentale aux musiques anciennes et orchestrales. Martel a étudié la musique classique et la composition à l'Université d'Ottawa, à l'Académie de musique du Domaine Forget sous la direction du virtuose de la contrebasse François Rabbath, de même qu'au Centre des arts de Banff, sous la direction de Dave Douglas.

(Gabriel Séverin : Interprétation d'écrits bruts et de textes d'Henri Michaux - Précédé par Guy Marc Hinant : Une possible extension de l'anthologie du bruit "mix"). Après s'être frotté à différents styles musicaux dans diverses formations (Jardin d'Usure, Silk Saw, Ultraphonist, Rob(u)rang, Tricot Trio, Babils, etc.) pendant un quart de siècle, ce Bruxellois s'est concentré sur sa propre lecture de textes "habités" tels que ceux de Michaux, Rimbaud et les "écrits bruts" (le pendant littéraire de l'art brut). Il en résulte un disque ("Soliloques", chez Sub Rosa), à la fois drôle et inquiétant. Pour l’évènement, il interprétera plus particulièrement des écrits bruts et des textes d'Henri Michaux. Le tout sera enserré dans quelques passages musicaux (orgue, harmonium, générateur d'onde, etc.). Avant cela, Guy Marc Hinant (un des deux acolytes qui dirigent le label Sub Rosa) vous proposera un mix dans la veine des "Anthology of Noise & Electronics", dont le 6e volume paraîtra bientôt.

Julien Barbagallo - Julien Gasc - Audrey Ginestet (bass) - Benjamin Glibert - Fanny Harnay (drums) - Alexandre Piques (drums) - Manon Glibert (clarinet) - Latifa Forestier (trumpet-theremin-backing vocals) - François Gout (organ - backing vocals) Sortie du disque "Ce très cher Serge spécial origines" (featuring kawabata makoto) ‘’Compagnon de scène bien assorti d’Acid Mothers Temple, Bertrand Burgalat et Stereolab, Aquaserge (ou également “À quoi sers-je ?”) est signé sur un label américain, qui héberge notamment Warpaint. Celui-ci indique l’accointance de ce trio toulousain avec Frank Zappa, auteur en particulier d’un live tardif dont l’intitulé sonnait comme une profession de foi autant qu’une question soulignant l’aveu de solitude de ce virtuose moustachu : Does Humor Belong In Music? (1986). Voilà en partie résumé l’enjeu de la musique rocambolesque d’Aquaserge : associer aujourd’hui, et comme peu ont réussi à le faire par le passé, le jazz et le rock progressif doux avec l’humour revendiqué et, plus dur encore, un goût sûr. Certains représentants de l’école de Canterbury y sont parvenus : The Soft Machine à ses débuts, quand le trublion Daevid Allen et le flegmatique Kevin Ayers étaient encore de la partie, ou King Crimson avant qu’il ne se nomme King Crimson, c’est-à-dire à l’époque du trio monty pythonesque Giles, Giles & Fripp. Pour les égaler, le monde délirant de Serge, savant imaginaire réfugié au fond des mers et dans un sous-marin pour des aventures dignes des bandes dessinées jaunies dans un grenier, est décliné sur dix chansons chahutées par des voix qui rappellent davantage Les Frères Jacques que Jon Anderson de Yes ou Greg Lake d’Emerson, Lake And Palmer. Quant à la musique, assez précisément exécutée mais sans démonstration, elle se réclame d’un psychédélisme étonnement frais qui, autre bonheur, ne tombe jamais dans l’ésotérisme ou la mythologie de comptoir’’. Julien Welter

Sortie du disque ‘’Trails of Tears’’ Trompettiste, esthète, linguiste et grand passant du 20ème siècle, Jacques Coursil a joué avec Sun Ra, Albert Ayler, Sunny Murray, Frank Wright, Burton Greene, Anthony Braxton, Rocé… Né à Paris de parents martiniquais, Coursil n’a que faire des interrogations sur les racines et le passé : il se veut ancré dans le moment présent – il est passionné de musique contemporaine. Musicien inespéré, accueilli en 2005 par John Zorn pour une imaginaire fanfare en solo démultiplié, désormais produit sur Universal Jazz / France pour deux enregistrements, instaure entre sa trompette des profondeurs et les clameurs des poètes et des écrivains qu'il pratique. Sa trompette, qui fait immanquablement penser à Miles Davis en devenant parole et voix, accompagne de grands textes de Frantz Fanon, d’Edouard Glissant, ou encore du poète arabe noir Antar. ArchieBall et Universal Classics & Jazz sont heureux de s’associer à la boutique Souffle Continu pour vous convier à la soirée de présentation de ‘’Trails of Tears’’, son nouvel album, faisant suite à ‘’Clameurs’’ sortie en 2007.

Sylvain Cathala – saxophone ténor Sarah Murcia – contrebasse Christophe Lavergne – batterie Sortie du disque ‘’Moonless’’ ‘’On avait quitté Sylvain Cathala, l'élégant saxophoniste ténor leader de Print, dans ce quartet élargi très entouré de magnifiques improvisateurs évoquant l'ambiance urbaine et nocturne d'Around K. C'est donc avec une vraie joie que nous le retrouvons cette fois en trio avec le "Sylvain Cathala Trio", nouveau nom de l'entité "Rolex", formation reconnue de la scène parisienne et qui valut en son temps une récompense à son leader pour leur premier album. Cet album, ‘’Moonless’’, continue l'aventure menée depuis 2006 aux côté de deux splendides musiciens, le batteur Christophe Lavergne, aperçu -entre autres- avec Francis et ses Peintres ou le Diagonal de Chollet et l'admirable contrebassiste Sarah Murcia, leader du groupe Caroline que l'on aime particulièrement par ici. Si le disque est l'occasion de constater une fois supplémentaire le talent d'écriture de Cathala pour une musique très expressive et coloriste qui transporte immédiatement dans une atmosphère particulière dessinée à renfort de polyrythmies évocatrices par un Lavergne plus musical et métallique que jamais, il se place en quelque sorte comme le revers solaire d'Around K’’. Franpi

Daïmôn Pôl SK - Symphonic dereasonable approach Piersy Daïmôn Roos - Heavy noise expansion Bës Daïmôn - Apocalyptic pulse blasting Issue de backgrounds divers, du death metal au free-jazz, en passant par le gamelan, le punk, le dub, le contemporain, l’ethnique, la noise, le classique, le hardcore, la musique gnawa, etc. les Specious Daïmon, trio d'improvisation libre, expérimentent la matière en mouvement comme départ de l'écriture spontanée. Indépendants et adeptes du "do it yourself', les Specious Daïmon tentent un langage radical, une incursion dans des univers sonores étranges et différenciés, des itinéraires et des trajets improbables, foisonnement de timbres et de torsions harmoniques. Ils viendront fêter la sortie d’un disque probable, encore en construction.