Pour la sortie de ‘’Questions’’ (Maria De Alvear World Edition).
Musique de Tom Johnson .
Interprété par Carol Robinson, Tom Johnson & Dante Boon .

Tom Johnson’s music is very much like magic. I don’t mean necessarily that his music is magical more that his music works in the tradition of close-up or “micromagic.” As is often the case in close-up magic, the magician is telling you in no uncertain terms what he/she is doing without ever really revealing HOW any of it happened. The end result is a compelling “I can’t believe that just happened” experience and this is the area that Tom Johnson’s music occupies. Pieces like Failing: A Very Difficult Piece for String Bass or Narayana’s Cows include a narrator which explains, in no uncertain terms, how this piece works. An Hour for Piano or The Chord Catalogue relegates this information to program notes and such (the notes for An Hour for Piano should be read while listening to the piece; an internal narrator, if you will). The magic in Johnson’s music comes when he does exactly what he told you he was going to do but not HOW they are compelling and captivating.
Music and Questions is a prime example of how straightforward Johnson’s music can be. Five bells, all arranged in half-steps, are played in every possible permutation of single strikes. Between each permutation, Carol Robinson asks a simple question. The questions always relate to the listener’s experience of the piece and how the listener relates to the questions or the music. She also announces each section by stating which of the five bells are being struck first. That is it. For 23 minutes. No rhythmic motive to trace, no groove elements, no fancy orchestrational tricks, no surprise emotional outbursts, just a clinical exploration of 120 bell tones. It might be cliche to refer to this as a Zen listening experience but I honestly have no other words for it. There is absolutely nothing boring about this music but my brain tells me the music should be boring. That is the magic.
Music with Mistakes puts Robinson in the role of narrator and basset horn soloist. Listener engagement is key with Johnson and Music with Mistakes brings foreground listening to an audience that might otherwise expect to “zone out” during a typical process-oriented “old school” minimalist piece. Instead of the constant interruptions for questions, though, Music with Mistakes starts with the statement that melodic material will be played multiple times but only once without mistakes. The listener is to try to hear the mistakes. Arts organizations are constantly looking for ways to “engage the audience” with their repetitive concerts of warhorse literature. Johnson builds audience engagement into each piece. That is the magic. What is even better is that Johnson includes the answers at the back of the liner notes.
Same or Different operates under a similar basic principle as Music with Mistakes. Thick piano chords are played but the underlying question is: are they the same or are the different? A motive is played and the repeated: are they the same or are the different? This game lasts for about 27 minutes and it is some of the most active listening I’ve done in a while. I would love to give a copy of this disc to Edwin Gordon just to see how he does.
Since the music is, at its core, so simple and direct it is hard to say anything about the performances. Is there a word for this kind of virtuosity that puts the performers in a quasi-game where their detachment is a the primary fundamental skill? In the last two pieces, Carol Robinson and Dante Boon have to play their pieces without giving anything away. They have to make micro-changes and repetitions into a cheeky game of “did I or didn’t I” for considerable lengths of time. Not only is Johnson inviting the audience to hyper-scrutinize each micromotion of the performers he also gives them an extremely thin veil to hide behind. The whole disc is a delight to listen to. That is magic.
http://www.sequenza21.com/cdreviews/2013/04/tom-johnson-questions/

Sylvain Chauveau – diffusion pour la sortie de ‘’Kogetsudai’’ (Brocoli).

‘’Ce que je peux proposer de mieux de mon travail personnel est ceci : ‘’Kogetsudai’’, le nouvel album solo que j’ai conçu entre 2010 et 2013. Le principe d’une séance d’écoute dans le noir s’impose car la musique que je produis désormais n’est plus du tout adaptée au contexte du concert : chaque détail de l’enregistrement a été pensé et peaufiné avec précision et doit être écouté tel quel. ‘’Kogetsudai’’ est la nouvelle étape de mon parcours musical : une déconstruction du format chanson, toujours aux confins du silence.’’
http://www.sylvainchauveau.com

Sylvain Chauveau est l'auteur de disques en solo sur les labels FatCat, Type, Les Disques du Soleil et de l'Acier : des compositions privilégiant le minimalisme, la douceur des timbres, les longues résonances et laissant une place au silence. Il se produit en concert en Europe, en Amérique du Nord et en Asie. Il a été en résidence à la Villa Kujoyama à Kyoto en 2011, à la Fondation Serralves à Porto (2011) et au Lieu Unique à Nantes (2004). Il compose régulièrement pour le cinéma et pour la danse contemporaine. Il dirige le label Onement dont la fonction est de sortir des disques à un seul exemplaire (onement-label.com), et co-dirige le label I Will Play This Song Once Again Records pour lequel les artistes doivent ré-enregistrer leurs chansons pour chaque acheteur (Iwillplaythissongonceagainrecords.com). Il a réalisé une pièce d’une durée de 7 ans intitulée You Will Leave No Mark On The Winter Snow, écoutable en streaming sur internet entre 2012 et 2019 (7yearsofsilence.com). Sylvain Chauveau est aussi membre du groupe 0 (prononcer "zéro", avec Stéphane Garin et Joël Merah), de Arca (avec Joan Cambon) et de On (avec Steven Hess). Il est né en 1971 à Bayonne et vit actuellement à Bruxelles.

Frederick Galiay pour la sortie de ‘’Missing Time’’ (Inversus Doxa).
Frederick Galiay - basse électrique, composition.

Pa (Soizic Lebrat & Amaury Bourget) pour la sortie de ‘’Neuf’’ (Drone Sweet Drone).
Soizic Lebrat – violoncelle.
Amaury Bourget - dispositif électro-acoustique.

‘’Missing Time’’ est une pièce en huit parties, composée pour un soliste à la basse électrique en interaction avec un dispositif d’amplification, un dispositif de "prise de son active" et, pour la version concert, un dispositif de diffusion. Cette pièce est une composition à plusieurs niveaux avec différentes permutations possibles. La partition est une vue globale et non linéaire du champ des possibles autorisés, et n’étant pas conçue comme une trame à suivre dans sa temporalité, elle laisse à l’interprète le soin d’agencer les différentes propositions. L’œuvre se présente sous la forme d’un laboratoire sonore en temps réel, une expérience d’immersion, développant une mécanique des relations spatiales et temporelles existant entre les sons. Le dispositif qui permet d’intervenir sur le son à différents endroits de sa progression, de son émission à sa résonance, est pensé comme un méta-instrument, une machine à plusieurs niveaux de générations et d’interconnections sonores. Le processus de création se caractérise par une focalisation sur le son et les ressources élargies de l’instrument - celui-ci poussé dans ses ultimes retranchements - et par la dissection et la mise en lumière des éléments constitutifs des sons (attaques, transitoires, résonances...), eux-mêmes considérés comme éléments structurant la composition. Le "missing time" définit le temps manquant dans la mémoire des "ravis", à la suite de prétendus enlèvements d’humains (abductions), à bord d’O.V.N.I. Les huit mouvements de l’œuvre symbolisent, d’une manière métaphorique et assez librement, les huit phases présentes de façon récurrente dans les témoignages d’abductés.

Pa est né en 2005 de l’envie partagée de prolonger un instrument né au milieu du XVIIIe siècle via des outils de transformation du son (amplification, stéréophonie, mixage, bouclage...) à l’aide de matériel recyclé (haut-parleurs, circuits électroniques...). Pa génère une musique issue de l’exploration originale d’un dispositif de jeu qui relève de l’installation sonore et du concert, mêlant développements lyriques et bruitistes, matière acoustique et matière sonore dérivée.

Soizic Lebrat
Après avoir suivi une formation de musicienne classique (1ers prix) et d’historienne de la musique (doctorat), Soizic Lebrat élargit ses pratiques d'interprète à celles d'improvisatrice et de compositrice, cherchant le plus souvent à remettre en jeu chacune de ses postures (Conception et réalisation des Rouks et des Rendez-rouks, du projet Ope1000, de l’émission radiophonique la Fabrique de musique). Elle joue en solo (Bleu solo) et affectionne les collaborations musicales et transdisciplinaires des plus occasionnelles aux plus régulières (avec notamment Heddy Boubaker, Geneviève Foccroulle, Guillaume Séguron, Jean-Marc Foussat, Michaël Nick, Sophie Agnel, Guylaine Cosseron, Jenny Pickett, Julien Ottavi, Mariette Navarro, Guillaume Viltard...)
www.soiziclebrat.eu

Amaury Bourget
Musicien ayant pour point de départ l'ouverture vers des mondes sonores toujours plus variés, il expérimente, travaille et propose des créations pouvant aller du live à l'installation sonore, de la composition à l'improvisation, de l'électro-acoustique à l'instrumental... Ses expérimentations utilisent toujours des instrumentations « simples » ; soucieux de mettre en avant « l'acte » de création, il n'utilise pas les technologies modernes, préférant recycler le matériel désuet. L'installation sonore en extérieur est un de ses projets à part entière, qu'il développe depuis 2004. Il y travaille notamment en collaboration avec des artistes plasticiens (Gilles Bruni, Magali Babin...). Enfin, il est membre actif du collectif d'artistes l'Infüsoire (Nantes) tant sur le plan artistique que sur celui de la coordination d'actions pluridisciplinaires.
http://linfusoire.free.fr/CollectifPagespersos/amaury/accueil.html

Sunfrost rendra visite à Souffle Continu avec un set prévu pour la sortie de ‘’North’’, premier album du groupe, enregistré et mixé en octobre 2012, à Paris, au Studio Poisson Barbu par Léonard Mule et masterisé à Paris, en décembre 2012, au Studio Voltaire par Hubert Marniau.

"North peut aujourd'hui s'exposer, sans craintes : ses guitares précautionneusement entremêlées et sa voix maîtrisée et sans manières portent un spleen retenu. La répétition des écoutes ne fait qu'intensifier le rapport qu'on a au disque : les chansons sont intelligentes, s'adressent au cœur."
Emmanuel Hennequin (Obsküre Magazine n°13).

L’idée de Sunfrost a germé à partir des années 2000, Joël et Stéphan se découvrant une passion musicale commune. Joël avait déjà participé à divers groupes : Madrid qui a eu son heure de gloire à la fin des années 90, Clair ou Acetate Zero et joue actuellement de la batterie dans Panama. Initialement nommé Sequoia, nom déjà emprunté sur la scène française, Sunfrost débute en tant que quatuor en 2004, Denis (batterie) et Julien (Basse) venant grossir les troupes, Stéphan prenant le poste de chanteur/guitariste et Joël celui de guitariste.
Les influences sont nombreuses (Fields of the Nephilim, God Machine, Red Sparowes pour Stéphan , My Bloody Valentine, Bedhead et Yo La Tengo pour Joël), Lynch, Cronenberg pour l’univers cinématographique mais ne transpirent pas nécessairement dans les compositions.
Pierre a rejoint le groupe en 2010 (en remplacement de Julien à la basse), apportant une dynamique et un élan qui manquaient pour passer le cap de l’enregistrement studio.

http://www.sunfrost.fr/index.html

Deux jours de rencontres pour les musiques indépendantes.

Pour la 8ème édition de Villette Sonique , le Parc de la Villette accueillera son Village Label (Samedi 25 mai et Dimanche 26 mai de 14h30 à 20h30). En résonance aux scènes extérieures de Villette Sonique dans les jardins, le Village Label soutient des structures et des collectifs investis pour les musiques indépendantes, en mettant à leur disposition des stands et une scène pour des showcases de groupes.

Face aux mutations actuelles de l’industrie musicale, le Village Label de cette édition 2013 sera représenté par de nouveaux acteurs du paysage musical contemporain. Un point de rencontre et un moment incontournable du festival, tant pour les professionnels que pour les publics, qui complète le parcours et la programmation de Villette Sonique.

http://www.villettesonique.com/village-label/

Shin'ichi Isohata - guitare.
A Qui Avec Gabriel - accordéon, voix.

Shin'ichi Isohata et A Qui Avec Gabriel, en tournés durant le mois de mai 2013, sont invités en France par le festival ''Musique Action'', de Vandoeuvre-les-Nancy. De passage à Paris, à l'initiative de Michel Henritzi, ils offriront à Souffle Continu, tous deux en solo, quelques instants de leur musique respective, intime et mélancolique …

Shin’ichi Isohata (guitare).
Shin’ichi Isohata fut le dernier élève du guitariste Masayuki Jojo Takayanagi. Il propose aujourd'hui une musique subtile entre jazz déconstruit, improvisation et musique contemporaine. Il a joué entre autres avec Otomo Yoshihide, Taku Sugimoto, Kazuo Imai, Ivar Grydeland, Reiko Imanishi ...
http://o-musubi.com/

A Qui Avec Gabriel (accordéon, voix).
Figure discrète et lunaire de l'improvisation japonaise, A Qui Avec Gabriel a enregistré pour le label de John Zorn : Tzadik. Elle a également enregistré avec Makoto Kawabata en duo.
http://www.h3.dion.ne.jp/~aqui/

Brunhild Ferrari ''Tranquilles impatiences''.
+ Projection avec Eve Patris Schaeffer .

Brunhild Ferrari viendra nous rendre visite à Souffle Continu, à l'occasion de la parution d'un bel objet : le coffret Luc + Brunhild Ferrari ‘’Programme commun’’, paru sur le label Sub Rosa et interprétera la pièce ''Tranquilles impatiences'' pour l’occasion. Ce double CDs ‘’Programme commun’’, rassemble plusieurs pièces, dont certaines tardives, de Luc Ferrari son mari (disparu en 2005), mais aussi des œuvres signées par elle. C'est une première : au grand jour, Brunhild Ferrari est compositrice !
Pour parfaire la soirée, Eve Patris Schaeffer proposera aux auditeurs, la projection d'un petit film totalement inédit de 1962 sur Luc Ferrari, d'une durée de 15'. Brunhild Ferrari exposera à son tour, la partition de la pièce ''Spontané IV''. A découvrir …

''Tranquilles impatiences'' (février - mars 2010).
‘’D'abord il y eut ''Et tournent les sons dans la Garrigue'', que Luc Ferrari a composé en 1977, juste avant la même année ''Exercices d'improvisation''. Les deux pièces, pouvant faire l'objet d'improvisation individuelle ou collective pour n'importe quel instrument ou groupe d'instrument, sont basées sur des éléments sonores identiques. ‘’Exercices d'improvisation’’ consiste en sept bandes magnétiques distinctes, se suivant l'une après l'autre, alors que pour ‘’Et tournent les sons dans la Garrigue’’, Luc avait mixé ces bandes en une seule. À l'écoute de ces matériaux séparés, s'est imposé à moi, l'irrésistible désir de composer une pièce utilisant librement cinq de ces sept bandes. ‘’Tranquilles impatiences’’, représentent pour moi ces sons rythmiques aigus, ces frétilles imperturbables s'immisçant dans les rythmiques graves, faussement tranquilles, car obéissant chacun à des rythmes différents et antinomiques, que je souhaitais perturbant, au point de faire vaciller par fractions de secondes, l'équilibre physique.‘’

Troisième édition du Disquaire Day.
"Voyage au pays du vinyle".

THE FINAL LIST !!!

2 Many Dj’s – As heard on radio soulwax 2LP
AEROSMITH – AEROSMITH LP
AEROSMITH – GET YOUR WINGS LP
AEROSMITH – TOYS IN THE ATTIC LP
AKIMBO – LIVE TO CRUSH LP
AT THE DRIVE-IN – RELATIONSHIP OF COMMAND 2LP
Berurrier noir - L'Empereur Tomato Ketchup 7 ‘’
BLUNDETTO – HOW COME EP 7’’
BOB DYLAN – WIGWAM 7’’
BOTCH – AMERICAN NERVOSO 2LP
BRIAN ENO x NICOLAS JAAR x GRIZZLY BEAR - S/T 12’’
CAMERA – SYSTEME SOLAIRE 12’’
CARLTON MELTON – EUROPE LIVE ’12 2lp
CAVE IN – UNTIL YOUR HEART STOPS 2LP
CHARLIE POOLE WITH THE HIGHLANDERS – COMPLETE PARAMOUNT & BRUNSWICK RECORDINGS LP
CODEINE – WHAT ABOUT THE LONELY CD
CODEINE – WHAT ABOUT THE LONELY LP
CREAM- Royal Albert Hall London May 2-3-5-6 2005 LPBOX
DAMON & NAOMI – WONDROUS WORLD OF DAMON & NAOMI LP
DANIEL JOHNSTON – SPACE DUCKS LP
DARIA / OFFICE OF FUTURE PLANS – SPLIT 7’’
DAVID BOWIE – 1965 !EP 7’’
DAVID BOWIE – DRIVE IN YESTERDAY 7’’
DEFTONES - Live Volume 1: Selections from Adrenaline LP
DESTROYER – THIS NIGHT 2LP
DESTIJL - On The Run (feat. Peter Hook) CD
DIEB13 / GUSTAFSSON / SIEWERT – (FAKE) THE FACTS 7’’
Dieuf-Dieul de Thiès - Aw Sa Yone Vol. 1 2LP
DOORS / X – SOUL KITCHEN 7’’
DOUBLE DAGGER – 333 + IF WE SHOUT OUT LOUD ENOUGH LP+DVD
FACTORY FLOOR – UNTITLED 10’’+DVD
FOALS – MY NUMBER 7’’
FRANCK ZAPPA – BIG LEG EMMA 7’’
FRANCK ZAPPA - I’M THE SLIME / MONTANA 7’’
Fuxa – PHOTON 7’’
GLOBE UNITY ’75 – UND JETZT DIE SPORTSCHAU 7’’
GOLDEN GUNN – S/T (THREE LOBED RECORDINGS) LP
GRATEFUL DEAD – RARE CUTS & ODDITIES 1966 2LP
HAWKWIND – URBAN GUERILLA 7’’
Hawkwind – KINGS OF SPEED / MOTORHEAD 7’’
HUSKER DU – AMUSEMENT 2x7’’
ISAN – BEAUTRONICS 2LP
JEFF BUCKLEY / LEONARD COHEN – HALLELUJAH 7’’
JIMI HENDRIX – HEY JOE 7’’
JUNIP – s/t lp
Kate bush – RUNNING UP THAT HILL 10’’
KING MIDAS SOUND – aroo 12’’
LA FEMME – PSYCHO TROPICAL BERLIN 2LP
LLOYD COLE & HANS-JOACHIM ROEDELIUS / ROEDELIUS SCHNEIDER - SPLIT 12’’
LOW + DIRTY THREE – IN THE FISHTANK LP
MAD SEASON – ABOVE 2LP
MARIANNE FAITHFULL – broken english lp
Mars red sky – BE MY GUIDE LP
MIKE OLDFIELD – TUBULAR BELLS / IN DULCI JUBILO 7’’
MISFITS / LEMONHEADS – SKULLS 7’’
MOEBIUS 1 TIETCHENS & JUNIOR ELECTRONICS / MOEBIUS TIETCHENS – SPLIT 12’’
MUGSTAR - CENTRALIA LP
NICK DRAKE – NICK DRAKE LP
ORANGE JUICE – RIP IT UP LP
ORANGE JUICE – TEXAS FEVER LP
ORANGE JUICE – THE ORANGE JUICE LP
ORANGE JUICE – YOU CAN’t HIDE LP
O.S.T. – THE BRIDE OF FRANKENSTEIN EP 7’’
OVAL – 94 DISKONT 2LP
OVAL – SYSTEMISCH 2LP
PAS DE PRINTEMPS POUR MARNIE – MY BLOODY COVERS LP
PUBLIC IMAGE LTD. – PUBLIC IMAGE / THE COWBOY 7’’
QLUSTER / SCHNEIDER TM – SPLIT 12’’
RESIDENTS – KAWLIGA 12’’
ROBERT POLLARD – the cock blocking 12x7’’
ROKY ERICKSON – MINE MINE MIND / BLOODY HAMMER 7’’
RORY GALLAGHER – CONTINENTAL OP 10’’
SCIENTISTS – S/T LP
SEX PISTOLS – PRETTY VACANT 7’’
SHUGGIE OTIS – INTRODUCING LP
SIGUR ROS – HVARF / HEIM 2LP
SLY & THE FAMILY STONE – I WANT TO TAKE YOU HIGHER 10’’
STEPHEN MALKMUS – EGE BAMYASI LP
STEREO TOTAL – HEROES / MARY, MARY, SO CONTRARY 7’’
SUPERCHUNK – VOID / FAITH 7’’
TAME IMPALA – EP 12’’
THE ASPHODELLS – REMIX 12’’ 12 ‘’
THE BLACK ANGELS – DIRECTIONS TO SEE A GHOST 2LP
THE BLACK KEYS / THE STOOGES – NO FUN 7’’
THE CURE – KISS ME, KISS ME, KISS ME LP
THE FLAMING LIPS - ZAIREEKA LPBOX
THE GLOVE – BLUE SUNSHINE LP
THE INVISIBLE HANDS – INSECT DILEMMA / DISALLOWED / LILI TWIL 7’’
THEE OH SEES – MOON SICK EP 12’’
THE ROLLING STONES – FIVE BY FIVE 7’’
THE ROOTS – THINGS FALL APART LP
THE VELVET UNDERGROUND - THE SCEPTER STUDIOS ACETATE LP
THE WEDDING PRESENT – 2 CHANSONS 7’’
TY SEGALL – TY REX II 7’’
VAN DYKE PARKS – SUPER CHIEF : MUSIC FOR THE SILVER SCREEN LP
V/A – COTILLON RECORDS 10x7’’
V/A – FACTORY RECORDS: COMMUNICATIONS 1978-92 (Sampler #2) 12’’
V/A – SECRET SIDE BY SIDE 7’’
V/A – SUB POP 30 LP
V/A – THEPPABUTR PRODUCTIONS : THE MAN BEHIND THE MOLAM SOUNDS 2LP
V/A – TODO MUERE. VOL 3 SACRED BONES RECORDS SAMPLER LP
VUELO – GRANDE – DESERT LP
BARDO POND – RISE ABOVE IT ALL LP
JOSEPHINE FOSTER – LITTLE LIFE 10’’+DVD
GIANT GIANT SAND – RETURN TO TUCSON LP
GOAT – RETURN TO YOUR MAMA REMIXES VOL.1 12’’
GOAT – RETURN TO YOUR MAMA REMIXES VOL.2 12’’
DURUTTI COLUMN – PAEAN TO WILSON 2LP
WIRE – CHANGE BECOMES US (HANDNUMBERED) 2LP
BEAK – 0898 / WELCOME TO THE MACHINE 10’’
HERMAN DUNE – MONUMENT PARK 12’’
BRIAN JONESTOWN MASSACRE - FOODS FOR CLOUDS 12’’
GRIZZLY BEAR – HORN OF PLENTY LP
CAPTAIN BEEFHEART - FRANK FREEMAN’S DANCE CLUB 2LP

François Bayle "La fin du bruit".

Après Parmegiani, Ferrari et Schaeffer, c'est au tour de François Bayle d'avoir son coffret rétrospectif aux éditions de l'INA-GRM. François Bayle (né en 1932) a assuré la direction du GRM de 1966 à 1997. Compositeur qui a donné ses grandes lettres au genre acousmatique comme il aime le définir. Ce coffret ‘’50 ans d'acousmatique’’ comprend 15 CDs + un livret avec textes, un entretien de 2012 avec Thomas Baumgartner, la présentation et le catalogue commenté des œuvres par Régis Renouard Larivière et photos (français et anglais). Pour la sortie de cet objet, François Bayle nous rendra visite à Souffle Continu et interprétera quelques "classiques" : L'Expérience Acoustique (Journal, It, Energie libre), Erosphère (L'infini du bruit), ainsi qu’une œuvre plus récente : ‘’Spiral’’… Il viendra sans doute avec quelques éditions rares et sérigraphies …

'’Le parcours de François Bayle couvre les cinq dernières décennies au cours desquelles la musique a su rénover son matériau par l'usage sensible de la technologie. Les termes de Musique concrète, d'Électroacoustique ou d'Acousmatique, comme l'a proposé utilement François Bayle, explorent finalement une même démarche artistique: un travail créatif et expressif sur le son enregistré. Ce demi-siècle passé a vu de nombreuses mutations techniques majeures et François Bayle - dans le contexte fertile du GRM - a su en saisir les opportunités, les initiant souvent par sa fonction de directeur, pour rénover et actualiser sa créativité au service de ce qu'il nomme le Son Vitesse-Lumière. Les cinquante opus de ce coffret sont autant de marqueurs ou de balises éclairant cette aventure musicale résolument placée sous le signe de la modernité. Les parcourir avec une oreille curieuse et active, c'est aussi voir comment une utopie se réalise, comment les sons étranges d'hier font aujourd'hui pleinement partie de notre paysage audible''. Christian Zanési.

http://www.magison.org/

Biggi Vinkeloe – saxophone alto, flute.
François Lemonnier - trombone.
Peeter Uuskyla – batterie.

Rencontre franco-­suédoise, le Trio Fatal est composé de deux musiciens suédois, Biggi Vinkeloe (saxophoniste et flûtiste), Peeter Uuskyla (batteur), et d’un musicien français, François Lemonnier (tromboniste). Ce groupe atypique, basé à Göteborg en Suède, s’est formé en 2012 grâce à… Facebook!
Avec son instrumentation rare et les personnalités qui le composent, ce trio venu du Nord propose en concert des compositions originales ainsi que des instants improvisés. Un album a été enregistré au studio Fabriken de Göteborg en août et septembre 2012 et fait l’objet d’une sortie toute récente sous le nom de ‘’Space Way Messenger’’, sur le label français Futura / Marge que dirige Gérard Terronès. Ce sera pour nous l'occasion de le découvrir live!

Saxophoniste, flûtiste et compositrice, Biggi Vinkeloe est née en Allemagne. Elle a fait des études de lettres modernes, d’allemand et de sociologie en France, puis des études de musicothérapie en Suède où elle vit. Avec Peeter Uuskyla et le peintre Ebbe Pettersson, elle est à l’origine du projet ''Vario''. ''Vario'' a initié de nombreuses expériences et performances : M.A.D. (Music And Dance), Over The Oceans, Echoes, avec des musiciens, des danseurs, des poètes, des peintres, européens et américains. En 2011, elle a réalisé ''Bangalore My Dear'', projet impliquant de jeunes indiens. Depuis une dizaine d’années, elle vit une partie de l’année en Californie. Elle a fait des tournées en Europe et en Amérique du Nord avec le Biggi Vinkeloe Trio, REV (Don Robinson, Lisle Ellis), CDB Trio (Chris Brown, Donald Robinson). Elle a enregistré avec Cecil Taylor, Barre Phillips, Peter Kowald, Miya Masaoka…

Artiste curieux de tous les styles musicaux, François Lemonnier a collaboré avec des musiciens de tous horizons. Ses études au Conservatoire de Rouen, puis au Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon, ainsi que l’obtention d’un prix international en Australie lui ont permis d’être un tromboniste recherché dans des contextes très différents. Ainsi, il collabore avec l’Orchestre des Concerts Lamoureux, l’Orchestre National de France, I Solisti Veneti… mais aussi avec les Folies Bergère, Michel Legrand, l’Ensemble Ars Nova, le Loew’s de Monte Carlo… De 1989 à 1999, il est le tromboniste de l’Ensemble 2e2m, dirigé par Paul Méfano. Il participe à de nombreuses créations de compositeurs contemporains. Il est actif sur la scène du jazz et des musiques improvisées, joue et enregistre avec beaucoup d’artistes internationaux tels Albert Mangelsdorff, Jean-François Jenny-Clarke, et bien d’autres. Un album en duo avec le pianiste Raphaël Lemonnier paraîtra en 2013 chez Soul Ame, distribué par Codex.

De parents estoniens, le batteur Peeter Uuskyla est né en 1951. Il fait des études à l’Université des Arts graphiques et design de Stockholm. Dans les années 70, il imagine, joue et improvise des shows multimédias avec ''The Acoustic Sculpture''. Puis, il part en tournée et enregistre avec le ''Bengt Frippe Nordstöm group'' ; tournée notamment pour l’Office de Contrôle de l’Environnement. Il fait partie du Biggi Vinkeloe Trio qui se produit principalement en Europe et en Amérique du Nord. Il collabore aussi avec Mikolaj Trzaska et Unforgiven North. Depuis 1998, il est le batteur privilégié de Peter Brötzmann, icône du free-jazz européen. Enfin, Peeter a enregistré et joué en concert avec Cecil Taylor, en particulier à Berlin et à la Documenta de Kassel.

David Fenech – guitare préparée, platines, microphone, voix, surprises…
Jac Berrocal – trompette, électricité, coquillages-conches, voix, surprises…
Vincent Epplay – synthétiseur, boite à rythmes, persephone, surprises…

A l’occasion de la réédition en vinyle du "Grand Huit', premier album solo de David Fenech, récemment ressorti sur Gagarin records (le label de Felix Kubin), David Fenech lui-même nous convie à une étonnante et alléchante party au sein de laquelle tout sera possible et imaginable, mettant en scène une figure ô combien mythique et historique/culte de la scène improvisée française de ces quarante dernières années, l’inénarrable et in catégorisable, le trompettiste libre : Jac Berrocal. Figure essentielle de l’underground, défricheur hexagonal, long compagnon de route de Pascal Comelade, chouchou de Nurse With Wound, mais qu’on a aussi pu entendre aux côtés de Jeanne Moreau et surtout de Vince Taylor pour le fameux ‘’Rock and Roll Station’’ entres autres… Jac Berrocal reste un personnage totalement imprévisible, "dangereux", à fleur de peau, violent et/ou tendre, c’est selon. Figure complètement habitée d’anges, de fantômes et/ou de démons, il sera donc l’invité de David Fenech, guitariste charismatique et hyper actif, aux côtés du plasticien/musicien Vincent Epplay pour un trio, haut en couleurs, pouvant passer du calme à la tempête, du bruit au silence… Le trio en question s'est formé à la Villa Arson (Nice), il y a deux ans... ça promet!

David Fenech est un musicien parisien , guitariste, chanteur, improvisateur. Il a enregistré et joué avec des musiciens aussi divers que Felix Kubin, Jad Fair, Tom Cora, Andrea Parkins, Ramona Cordova, Shugo Tokumaru, Klimperei, Ergo Phizmiz et de nombreux autres… Récemment, il a sorti l’album Polochon Battle (sur le label inPolysons), travaillé à l’IRCAM, enregistré une pièce de musique concrète à l'INA GRM, composé des musiques pour le théâtre et pour le cinéma, construit de petits robots musicaux, enregistré un horspiel pour Radio France… Récemment, il a organisé une série d'enregistrements publics avec des invités aussi divers que Rhys Chatham, Bérangère Maximin, Claude Parle, Sébastien Roux, Dominique Grimaud. Il prépare en ce moment son troisième album solo (une longue pièce de 45mn). Son premier album, Grand Huit, vient d'être réédité en 2013 sur le label de Felix Kubin, Gagarin Records.
http://davidfenech.fr

Jac Berrocal est un trompettiste, chanteur et performeur incontournable, à la croisée du free jazz, du punk et de la poésie sonore. Son style à fleur de peau, à la fois tendre et violent est inimitable et imprévisible. Il a joué avec des musiciens exceptionnels… la liste est longue. Parmis eux : Pascal Comelade, Jaki Liebezeit (Can), Sunny Murray, Jacques Thollot, James Chance, Nurse With Wound, Daunik Lazro, Yvette Horner, Christophe, Aki Onda, Pierre Bastien, Lol Coxhill, Jeanne Moreau… Il est aussi connu pour le fameux morceau “Rock and Roll Station” enregistré en compagnie du légendaire Vince Taylor. Un musicien culte!
http://www.myspace.com/jacquesberrocal

Vincent Epplay est plasticien et musicien. Il élabore depuis le début des années 90, un travail d’expérimentation à partir d’une pratique indissociée des arts visuels et de la musique. Il interroge les rapports son/image avec notamment les projets : Permutations trames & Étude au microsillon ou en ciné concert avec le projet Mody Bleach (reprise du film Moby Dick de John Huston avec le groupe de cinéma expérimental MTK en 2000), puis en collaboration avec Sébastien Roux sur le film Nanouk l’Esquimau de Robert Flaherty et plus récemment pour le festival Hors pistes au Centre Pompidou sur des films de Jean Painlevé. Il se produit régulièrement en concert, en solo ou en collaboration avec d’autres artistes, dans différents festivals en Europe (Netmage - Bologne, Transmediales - Berlin, au GRM pour une création sonore avec Sébastien Roux, Maison de radio France, Pixel Ache- Helsinki pour Trios avec Samon Takahashi. Il a édité une dizaine d’albums pour différents labels : Stembogen, AKA, Brocoli, LDDR, Planam... et continue d’archiver des disques sans musique, des films 8mn d’enseignement pédagogique, et des enregistrements de méthode sans auteurs avéré …
http://www.viplayland.net/

Richard Bonnet – guitare.
Guillaume Roy – alto.

Cette soirée est consacré à deux sorties, l’une sur le label parisien Futura/Marge et l’autre sur le label du sud Emouvance, qui fêteront ensembles la sortie de leurs deux disques respectifs, celui de Richard Bonnet (en duo avec Tony Malaby) ‘’Haptein’’ (Futura/Marge) et celui de Guillaume Roy (en solo) ‘’From scratch’’ (Emouvance).
Pour l’occasion, ils se sont donnés rendez-vous à Souffle Continu pour un duo éclatant, tout en nuances, une soirée sur le fil de l’intime et de l’universel, dans le flot de notes improvisées.

Richard Bonnet étudie la guitare en autodidacte. Musicien de la scène Parisienne depuis plus de dix ans, il s’est produit avec de nombreux musiciens, Ichiro Onoe, Eric Jacot, Rémi Habib, Sten Hosfalt, André Charlier, Laurence Allison, Caroline Faber, Pierre Durand. Il apparaît régulièrement avec le Richard Bonnet trio, avec la chanteuse Caroline Faber, prison’s blues, Prehisterik quartet et sur divers projet de ciné concert. Titulaire du diplôme d’état de jazz, Richard partage son temps entre l’enseignement de la guitare et ses projets musicaux. Il continue de se produire régulièrement en Europe et aux USA en compagnie du saxophoniste Yoann Haméon et de deux musiciens de la scène New Yorkaise, Tom Abbs et Federico Ughi.
http://richardbonnet.fr/site/

Fondateur du quatuor Ixi (avec Régis Huby, Irène Lecoq et Alain Grange) en 1994, Guillaume Roy n'a de cesse d'explorer la relation de l'écrit à l'improvisé. Avec Ixi, il a multiplié les rencontres tant avec des solistes (Louis Sclavis, Joachim Kühn, François Raulin, Pablo Cueco, Veli Kujala…) qu’avec d’autres formations (le trio danois Sound of Choices, le duo Pifarély / Couturier, le Quatuor Danel, Antoine Hervé trio, Pierrick Hardy trio…). Actuellement, outre le quatuor Ixi, il travaille en solo, en trio(s) avec Hasse Poulsen et Bruno Chevillon, avec P. Hardy et Henri Tournier, avec Claude Tchamitchian et Vincent Courtois, ainsi qu’avec l’ensemble Dédales de Dominique Pifarély, le projet Gesualdo de David Chevallier, le grand Louzadsak de Claude Tchamitchian, le Monio Mania acoustique de Christophe Monniot, les ensembles de Denis Colin (nonet et les arpenteurs), Joëlle Léandre et Christophe Marguet, Didier Petit et Hélène Labarrière, François Raulin (projet chine), Yves Rousseau, Bruno Wilhelm, Eric Brochard (quartet), Kent Carter (trio), Antoine Hervé, Jean Luc Cappozzo...
http://guillaumeroyquartet.blogspot.fr/

Signature / dédicace de Stephen O’Malley de 18h30 à 20h00 au Souffle Continu.

Le mois de mars démarre sur les chapeaux de roues avec la sortie d’un projet particulièrement alléchant. Prenez Stephen O'Malley (Sunn O)))) ajoutez Atsuo et Michio Kurihara (Boris, Ghost), William Herzog et la participation sur quelques titres de Eyvind Kang et Timba Harris (Secret Chiefs 3) et vous obtenez un collectif nommé : Ensemble Pearl . L'enregistrement supervisé par Randall Dunn (musicien dans Master Musicians of Bukkake et aussi ingénieur du son d'albums de Sunn O))), WITTR, Earth, Eagle Twin...) et produit par label Drag City, arrivera en avant première à Souffle Continu au format vinyle et cd, le Mercredi 13 mars. Nous avons le plaisir d’accueillir pour l’occasion Stephen O’Malley qui dédicacera quelques galettes à partir de 18h30 !

Influencé par le post-rock, le krautrock et la musique contemporaine (de Link Wray à Terry Rilley, en passant par La Monte Young et Tangerine Dreams), l’album d’Ensemble Pearl restera sans nul doute à nos yeux l’un des albums essentiels de l’année 2013!

http://www.dragcity.com/artists/ensemble-pearl

Gianni Gebbia – saxophones.

Pour la sortie du disque du groupe Zen Widow avec Wadada Leo Smith : "Screaming in Daytime", sorti récemment sur le label américain Pfmentum, Gianni Gebbia nous offrira un solo.

"I am very honored to dedicate this recording to Glenn Spearman, I worked with him only once at the Beanbenders concert series in Berkeley. I was very impressed by his solid sound, his gentleness and kindness of spirit. This recording is a double honor for me because of the great sounds of Wadada. He was the original soloist in the trio where I started my musical career with Peter Kowald and Gunther Baby Sommer. Wadada’s trumpet voice is the ideal to show our gratitude to Glenn.
Drops of Gold are falling forever in the long and everlasting dharma of the Great Black Music."
(Jòraku Gianni Gebbia 2012).

Né en 1961 à Palerme, Gianni Gebbia est un saxophoniste, clarinettiste et flûtiste italien. Il se produit dans des ensembles ou parfois en solo dans une registre plutôt free jazz et musiques improvisées. II réalise de nombreuses collaborations avec divers musiciens et artistes, dont Evan Parker, Fred Frith, Louis Sclavis, Raul Ruiz, Jean-Marc Montera et bien d'autres. Il participe à des festivals de jazz à travers le monde entier (Europe, Etats-Unis... ). Il assure la direction artistique de plusieurs manifestations : 1990 - Festival Musica Euroaraba, Palermo Palazzo Steri, 1997 / 1998 - Programmation de l'International Festival Curva Minore pratiche inusuali del fare musica, 1997 / 1998 - Palermo di Scena - International Summer Festival of the City of Palermo.
http://www.pfmentum.com/PFMCD069.html

Cette soirée sera consacré à la sortie du disque ‘’Un-‘’, produit par le label Beta-lactam Ring. ''Album inclassable et profond aux confins de l’expérimental, de l’indus par moments, d’une folk sombre et de l’ambient'', comme la définie la récente chronique parue dans le dernier numéro du magazine New Noise. Ils joueront pour l’évènement en trio et la musique, minimale et plutôt lente, s’articulera autour du piano et de la voix, tout en étant accompagnée momentanément de basse, de guitare et de batterie.

‘’Intense, fondamentalement terrestre et précieux, pepe wismeer gagnerait à être découvert’’. (C. Fagnot)

Duo exilé dans les Ardennes depuis 1999, pepe wismeer a d’abord autoproduit moult albums cd-r et un vinyl ‘’Ligloal’’ (2005). Lors du jeu de remix organisé par Steven Stapleton autour du titre de Nurse with Wound ‘’Two Shaves and a Shine’’, leur version est choisie pour figurer sur le cd final (Jnana Records). En 2010, ils sortent deux albums sur des labels US, ‘’Between Sheep and Pigs’’ (cd, Beta-Lactam Ring Records) et ‘’Musi’’ (lp lim. 100 ex., Equation records). ‘’Un- ‘’(cd, Beta-Lactam Ring Records) leur fait suite fin 2012. En avril prochain, sort un nouveau lp sur Equation records, ‘’Le stridor de l’escargot’’, accompagné d’un cd, ‘’L’ampoule devient de la peinture’’ (100 ex.).

soundcloud.com/pepe_wismeer
myspace.com/pepewismeer

Seabuckthorn
Andy Cartwright – guitare acoustique.

Special Deliverance
Arno Boytel - guitare électrique et 12 cordes.
Gwilherm Hue – percussions.

Soirée autour du folk psychédélique.

La folk psychédélique de Seabuckthorn est orchestrée par une guitare acoustique volubile mais jamais démonstrative, parfois accompagnée par des sonorités électriques plus fantomatiques. A la fois denses et chaleureuses, les mélodies de ‘’In Nightfall’’ (premier album de Seabuckthorn sur le label Bookmaker), tissent un univers poétique teinté de mélancolie. Ce quatrième album de Seabuckthorn est une œuvre aboutie qui impressionne par son humilité et sa cohérence. Le deuxième album de Seabuckthorn sorti sur Bookmaker Records, ‘’The Silence Woke Me’’ est sans doute le disque le plus ambitieux d’Andy Cartwright. La douze cordes acoustique mène toujours le pas et nous invite à la suivre dans son rêve éveillé. On déambule alors dans un monde inconnu, drapé de nuit et de silence. Seuls des arpèges et quelques percussions se font entendre et semblent dessiner les contours des paysages qui nous entourent.
http://www.bookmakerrecords.com/

Actuellement l’un des Guitaristes-Chanteurs du groupe Noise, Punk/Hardcore TNN (The Noise Neighbourhood), ainsi que membre fondateur du groupe Psyché Folk Drone/Post-Rock Special Deliverance (multi-instrumentiste sur disques et Guitariste Chanteur en Live), Arno Boytel débute son parcours musical en 1999 au sein d’une école spécialisée de musiques actuelles. Il formera l’année d’après le groupe Monoplan (Rock/Post Grunge) en tant que Bassiste, auteur et compositeur. Avide de concerts et d’expériences au sein de groupes divers et variés, il enchainera un certain nombre de projets, essentiellement en tant que Bassiste et Guitariste entre 2002 et 2005 : entre autres Raw Power , Mama n’ boo, Le cri de la Girafe, Fishbone Rocket. Il rencontre ensuite les futurs membres du groupe Stoner, Punk/Garage Dentelles Nerveuses (2005-2010) avec lesquels les concerts se feront de plus en plus fréquents, électriques et sauvages. Passionné également de littérature, il envisage en 2009 de reprendre en musique une partie du recueil de poèmes Howl d’Allan Ginsberg (l’un des piliers du Beat Generation) sur un fond sonore très Folk. Lancé sur ce premier effort, Arno Boytel approfondira son projet avec Coup de grâce (2010) dans un style plus Rock. C'est en 2012 que sort la session acoustique Spleen Social Club, puis l’EP Post-Rock/Folk Psyché en collaboration avec le groupe Space Nomads : « Silver zone & the Destroyer », ce qui sera pour Arno Boytel les prémices de son "One man Band" : Special Deliverance. 2013 annonce la sortie de A Garden Out Of Time qui offre une Fusion entre l'univers S.F, les ambiances Drone et le Psyche/Folk.
http://arnoboytel.jimdo.com/

Denis Fournier – batterie.
+ invités…

Soirée autour du label Rogue art .

Cette soirée est consacré à la sortie du disque ‘’Watershed’’ de Denis Fournier, enregistré en public le 20 juillet 2011 à Junas, à l'occasion du festival Jazz. Pour les éditions 2011 du festival Jazz à Junas et du festival de Radio France et de Montpellier, Denis Fournier a tout mis en œuvre afin de pouvoir inviter plusieurs improvisateurs marquants de Chicago, issus de l'AACM (Association for the Advancement of Créative Musicians), le mythique collectif de musiciens, actif depuis 1965. Denis Fournier avait déjà joué, au milieu des années 80, avec le flamboyant Hanah Jon Taylor issu de la troisième vague de membres de l'AACM, lequel avait débarqué en Europe dans le sillage de l'Ethnic Heritage Ensemble de Kahil El'Zabar. Quant à Nicole Mitchell, l'actuelle présidente de l'AACM, elle défraie la chronique des vents, souffles et rafales, sur la scène internationale depuis quelques années, avec l'Indigo Trio ou avec son Black Earth Ensemble, auprès d'Anthony Braxton ou de Steve Coleman.

Denis Fournier a collaboré pour la réalisation de ce projet avec Alexandre Pierrepont, dont le travail sur Chicago et sur l'AACM en tant qu'ethnologue et critique, constitue une mine de connaissances et avec le soutien de Gérard Terronès. ‘’Last but not least’’, le producteur indépendant Michel Dorbon (label Rogue Art) a rejoint l'aventure, avec le projet d'enregistrer le groupe sur la scène de Junas.

‘’S'il s'agit d'une aventure, c'est au sens où elle est coopérative. Dans ma vie, les possibilités offertes par les collectifs ont toujours beaucoup compté, et le fait que ces musiciens fassent partie d'une organisation telle que l'AACM correspond pleinement à mes idées politiques. J'ai toujours été admiratif de l'Art Ensemble of Chicago et des artistes de l'AACM en général. Ce projet musical est un rêve éveillé sur l'interaction musicale et socio-musicale, sur les manières complémentaires d'improviser, de construire et d'inventer à plusieurs, et sur les sombres ou lumineuses racines du blues. La musique créative est l'affirmation d'un autre rapport à la vie et au monde’’. (DF)

Denis Fournier est né à Montpellier dans le sud de la France. Autodidacte, il commence à jouer de la batterie à l’âge de 15 ans, et devient professionnel à 17 ans. Bien que son premier contact avec la musique fût le rock, il se tourne ensuite vers le jazz. Vers le début des années 80, Denis développe une nouvelle conception mélodique de la percussion et transforme son instrument pour étendre les possibilités de la batterie moderne. Son instrument forme un monde sonore unique et indépendant et son style est reconnaissable dès les premières mesures.
http://www.denisfournier.fr/

Jean-Marc Foussat - synthétiseur analogique (solo).
Franck Vaillant – batterie (solo).

Soirée autour du solo.

Jean-Marc Foussat est né en 1955 à Oran. C’est tout d'abord avec la guitare, au milieu des années 70 qu’il créait plusieurs groupes aussi expérimentaux qu'éphémères pour peu à peu lui préférer le synthétiseur & le papier réglé, prenant autant de plaisir à trafiquer la bande magnétique, en solitaire. Fin 1979, il travaille en studio, à la suite de quoi, il choisit d'enregistrer la musique improvisée en concert et collabore avec de nombreux labels. En 1981, il termine "Abattage", son premier disque solo qui sera finalement édité en Mars 1983. Dix ans plus tard, grâce au groupe Marteau Rouge, il reprend le chemin de la scène et du public avec son synthétiseur analogique en compagnie de Makoto Sato à la batterie et de Jean-François Pauvros à la guitare électrique. En 2005, il fait la connaissance de Sylvain Guérineau, saxophoniste, avec qui nait Aliquid, ce qui petit à petit, va l’entrainer à jouer de plus en plus régulièrement avec de nombreux acteurs des musiques improvisées…
http://jm.foussat.free.fr/

Franck Vaillant est né en 1972 à Paris. Il commence par triturer les matières sonores vers l’âge de 15 ans avec un vieux 4 pistes en mélangeant déjà les sons, pris sur le vif dans les rues, de sa guitare son premier instrument et de toutes sorte de bandes magnétiques. Les sculptures sonores s’empilent... et déjà le goût des ambiances improbables et singulières obnubile l’adolescent. Le jeune Franck flashe sur la batterie en entendant le générique des rues de San Francisco et idolâtre “Animal” du Muppet Show, puis la musique que les copains écoutent, le Rock qui marque ses premières influences. Après avoir raté sa scolarité, il quitte l’école et ses parents pour jouer dans toute sorte de groupes sans lendemain, et se constitue ainsi un baguage de batteur-tout terrain. Plus tard c’est Daniel Humair, Bill Bruford, Tony Williams, Christophe Lavergne, Marvin Smith, Stéphane Galland, Jack Dejohnette, qui vont avec leurs groupes inspirer Franck. Il va ainsi pouvoir se fondre dans tous types de sons de batterie et s’approprier les multiples techniques se rapportant à chaque musique avec leur propre vocabulaire, leur propre langage. Il apparaît comme quelqu’un d’ouvert, naturel, simple et parfois complexe, comme son jeu de batterie. C’est un musicien créatif qui ajoute sa touche personnelle à toutes ses collaborations. Il sait utiliser les différentes «couleurs» qu’une batterie peut offrir. En plus de nous faire taper du pied en l’écoutant, il colorie la musique à la manière d’un percussionniste. Franck aime à combiner tout ce qui est “percutable”, des batteries standards aux batteries personnalisées, trafiquées, électrifiées. Il aime chercher et trouver le son qui conviendra à la chanson, au groupe, au film, à l’artiste qu’il accompagne. Les mots, les chansons l’attirent très vite, il joue avec les Varans de Komodo, Kabal, Arthur H, Fred Poulet, Jeanne Balibar, et occasionnellement avec Alain Bashung, Katerine, Franck Monnet... Le “Jazz français” avec Yves Robert, Laurent Dehors, Vincent Courtois, Marc Ducret... Les nombreux remplacements avec Kartet, L’orchestre de la Lune, Urban Mood, Eric Marchand, Rodolphe Burger... Le Rock world avec LO’JO, le goupe Angevins créé en 1982 qui après neuf albums reste pourtant plus connu à l’étranger qu’en France : la preuve en est, son titre de “meilleur groupe live au monde”, décerné par le quotidien anglais The Independent. En passant aussi par le Free-Rock avec "69" et l’esprit de groupe dans le Jazz avec Print, Thôt Agrandi, Caroline, Wonder Brass Factory qui reçoivent d’excellents échos dans les médias. Il participe aussi à l’aventure Underground de la planète Slam en jouant dans les soirées Bouchazoreilles et en duo avec D’ de Kabal vieux compagnon de route ainsi que le nouveau trio Harragas d’Abd el Haq. Batteur, compositeur, arrangeur, Franck Vaillant est d’abord et avant tout, un musicien qui aime l’aventure. En dix ans Franck Vaillant a enregistré plus de trente CD et joué un peu partout dans le monde.
http://www.franckvaillant.com/

Stéphane Rives – saxophone soprano.
Sharif Sehnaoui – guitare électrique.
‘’Duo’’

Burkhard Stangl – guitare électrique.
''Solo''

Soirée autour de la guitare et de l’improvisation.

Né en 1969 en région parisienne, Stéphane Rives compte à son actif plus de vingt ans de pratique musicale. Saxophoniste autodidacte préoccupé par l’évolution contemporaine du son instrumental, il envisage son instrument dans une perspective acoustique concrète du son. Il aborde le saxophone comme un instrument organique muni de filtres qui transforment l'onde sonore générée par le souffle. Son expression s'apparente à une mise en jeu acoustique-concrète de l'instrument dont il extirpe les ressources cachées en se concentrant sur des micros- événements infimes guère audibles dans une approche traditionnelle. En tordant les plans sonores, Il fait surgir l'entre-son, les subtilités des grains et des textures. De nouvelles matières émergent comme si elles avaient été, jusque-là, enfouies derrière l'immédiatement perceptible. Pour parvenir à les contrôler, il réduit au maximum toute idée d'intervention volontariste: il n'est plus qu'un flux d'air traversant un cône métallique, agissant de manière discrète sur quelques paramètres. Le solo n'est plus seulement un aboutissement mais un instant qui répond à cette logique.
http://palriv.free.fr/

Né en 1976 à Beyrouth, Sharif Sehnaoui commence par l’étude du piano lorsqu’il est très jeune, puis se consacre vers 10-12 ans à une instrumentation plus rock, guitare et batterie. En 1996, il s’installe à Paris et apprend à jouer du jazz et découvre ainsi l’improvisation. En 1999, il décide de se consacrer exclusivement à l’improvisation libre. Faisant alors parallèlement des études de philosophie, il est fortement attiré par les rapports au temps dans l’improvisation libre, aussi bien le temps en tant que passage qu’en tant que facteur essentiel de tout rapport social et humain. En parallèle, en 2000, il crée l'association MILL (musique improvisée libre au Liban) ayant pour objectif la diffusion et le développement de la musique improvisée au Liban, et ce, par le biais de l'organisation d'un festival annuel, "IRTIJAL". L'association, outre l'organisation de concerts, tente d'établir des liens entre les différentes formes d'art. Ainsi, le festival s'est vite élargi au champ du cinéma expérimental avec le versant "Toupie tournant ", mais aussi, à un versant pédagogique avec l'organisation d'ateliers de pratiques musicales, acte de médiation et de sensibilisation supposant un fonctionnement social différent que l'équation production /consommation entre les musiciens et le public.
http://www.sharifsehnaoui.net/

Né en 1960, Burkhard Stangl est compositeur/musicien (guitare, dispositifs électroniques). Travaille dans le champ de l'improvisation non-idiomatique, des musiques électroniques et contemporaines. Études : guitare classique, guitare électrique (autodidacte), anthropologie culturelle, musicologie (thèse sur les effets du phonographe sur l'anthropologie culturelle : ouvrage : ‘’Ethnologie im Ohr’’). Guitariste régulier des projets de Franz Koglmann (Monoblue Quartet, Pipetet). Fondateur des ensembles Ton.Art (jazz progressif/1985-1995), Maxixe (ensemble de musique de chambre contemporaine/depuis 1991) et Extended Heritage (Butcher/Castelló/Dieb13/Reiter/Roisz/Stangl/2006). Membre de Polwechsel (1993-2004). Solo (Récital 1/1996, Récital 2/2006, Récital 3/2007). Duos avec Christof Kurzmann (Schnee), Taku Unami (I was), Taku Sugimoto (An oldfashionned duett), Angélica Castelló (Chesterfield) et Kai Fagaschinski. Trio avec Dieb 13 & Billy Roisz (EH). Quartet avec Dieb 13, Billy Roisz & Angélica Castelló (CastEHllo). Compositions pour chœur, piano, musique de chambre (entre autres pour Maxixe, et le Klangforum Wien). Projet d'opéra ‘’Moon of Venus’’ (1997-2002) en collaboration avec le poète Oswald Egger. Musique de films, Gustav Deutsch : film.ist 7-12 (en collaboration avec Siewert/Fennesz/Dafeldecker), Welt.Spiegel.Kino (avec Fennesz). CD’s : plus de 50 disques publiés. Concerts et festivals en Europe, Asie, Afrique et aux Etats-Unis.
http://stangl.klingt.org/

Sébastien Roux - diffusion (solo).

Pierre-Yves Macé - laptop.
Rainier Lericolais - laptop.
Geoffroy Montel - laptop.

Soirée autour du label Brocoli .

Souffle Continu invite le label Brocoli à l'occasion des sorties de More Songs de Sébastien Roux et de Miniatures - Song Recycle de Pierre-Yves Macé. Nous fêterons également l'édition de l'essai Musique et Document Sonore de Pierre-Yves Macé aux Presses du Réel.

‘’More Songs’’ est le quatrième album solo de Sébastien Roux , la suite de ‘’Songs’’ paru sur le label de Taylor Deupree, 12k. On y retrouve trois pièces de musique concrète basées sur des sons d'instruments acoustiques : ‘’Créancier de secondes’’, une transcription électroacoustique de l’œuvre éponyme pour violon et violoncelle de Gérard Pesson, ‘’More Songs’’, dont le matériau instrumental de départ consiste en une série de transcriptions, imaginées par Mathieu Bonilla, de sept fragments du premier mouvement du 10ème quatuor à cordes de Beethoven, et ‘’Obliques’’, la version retravaillée pour bande seule de la pièce mixte éponyme, créée en étroite collaboration avec son interprète, Séverine Ballon.

Né en 1980, Pierre-Yves Macé est compositeur et musicologue. Il travaille au croisement de la musique électroacoustique, de la composition contemporaine et de l'art sonore. ‘’Musique et document sonore’’ est un essai tiré de sa thèse de doctorat soutenue en 2009 à l'Université de Paris 8. ‘’Miniatures / Song Recycle’’ est quant à lui son cinquième album, une collection de 27 petites pièces musicales épousant alternativement les formes de la musique concrète et du lieder : les chants y sont des enregistrements anonymes d’a cappella piochés sur le net et principalement sur Youtube, retraités en studio, mêlés à des enregistrements de type field recording et accompagnés au piano par le compositeur. Une coproduction Brocoli / La Muse En Circuit.

Le label parisien Brocoli , fondé en 2005, défend la musique expérimentale sous toutes ses formes, de la musique concrète au solo piano en passant par la pop et l'ambient industriel. Les artistes qui nous font confiance : Sylvain Chauveau, Michel Chion, Vincent Epplay, Rainier Lericolais, Pierre-Yves Macé, Minizza, Sébastien Roux, Quentin Sirjacq.
http://www.brocoli.org/

Michel Titin-Schnaider - ordinateur et traitements de la voix.
Gaël Lapierre - voix.

''Oratorio de l'indicible'' (cd déjà paru sur le label aventures-electro-acoustiques, à redécouvrir et donnera peut-être lieu à un suivant en live/studio).

‘’Un vent glacial se leva… provoquant une angoisse indéfinissable plus oppressante que celle de la tombe ou du charnier.’’ HP Lovecraft.
Ce vent glacial se lèvera à Souffle Continu ce vendredi 18 janvier à 18h30 précises, pour une évocation (invocation ?) de l’indicible en duo, Michel Titin-Schnaider et Gaël Lapierre. Rejoignez nous ce vendredi pour une première invocation de l’indicible Lovecraftien… ‘’Et vous les connaitrez comme une immonde abomination !’’

L’Oratorio de l’indicible est une œuvre a part, une « composition musico littéraire née des textes de Lovecraft, phrases minutieusement choisies pour leur force évocatrice, traduites avec le respect du plus pur style Lovecraftien, organisées en 14 tableaux évoquant les ambiances des récits du « Maître de Providence»…une imperceptible mais implacable chute dans la folie la plus « métaphysique »….

Michel Titin-Schnaider a toujours éprouvé un énorme plaisir à la lecture de l’œuvre de Lovecraft : plaisir de l’esprit, saturé de rationalité, enfin confronté à l’inconcevable. Pour lui, Lovecraft c’est le malaise métaphysique, cette peur primitive devant l’univers évoquée par Pascal : ‘’le silence éternel de ces espaces infinis m’effraie’’….

http://www.aventures-electro-acoustiques.fr/fr/bio.shtml

Catherine Brisset - cristalliste.
Eryck Abecassis - laptop et synthétiseurs analogiques.

Alors que le cristal Baschet fête cette année son soixantième anniversaire, Catherine Brisset offre à cet instrument inclassable un très beau cadeau. Autour d'elle et de son instrument, huit compositeurs et autant de musiciens ont composé et interprété des pièces pour solo, duo ou trio ; explorant ainsi des perspectives encore inexplorées, des matériaux sonores et modes de jeu multiples, questionnant les frontières entre acoustique et électronique... Nous fêterons donc la sortie de ce disque : ‘’Skylamp’’ (Cristal Baschet et Ensemble) sorti sur le label Drone Sweet Drone Records.

Catherine Brisset a reçu une double formation de musique classique et ancienne et de danse contemporaine. En 1990, elle a rencontré F. et B. Baschet et le cristal. Depuis, elle mène une recherche en tant qu’interprète et improvisatrice pour créer : une technique propre à cet instrument et ses spécificités, ainsi qu’un répertoire original et de transcription et pratique l’improvisation. Elle a développé avec de nombreux compositeurs un répertoire pour cristal solo, cristal et différents instruments, cristal et dispositifs électroniques. Elle a également participé à des créations théâtrales, chorégraphiques, à des projets liés à l’image et le multimédia. En parallèle, elle a transcrit l’ensemble de cette démarche dans le domaine de la pédagogie, dans un premier temps avec l’instrumentarium Baschet, puis avec des instruments issus de différentes cultures, des objets sonores, la voix.

Eryck Abecassis est né à Alger. Il s'installe à Paris en 1979 comme photographe, puis mène des études de cinéma. En 1981, il se tourne définitivement vers la musique. Après des études d'écritures d'harmonie et de contrepoint, il s'intéresse aux ateliers de recherches instrumentales de l'IRCAM (il y suivra plus tard le cursus d'informatique musicale). Ses nombreuses collaborations qui le mènent de la scène au cinéma, en passant par le théâtre de rue, ont pour conséquences le développement d'un style en marge des courants traditionnels et d'une certaine forme "contemporaine" établie - un regard nourri d'autres pratiques, écoutes, habitudes de représentations et le refus d'un certain académisme moderne. Sa recherche, depuis deux années, se nourrie d'un intérêt croissant pour la "noise music", tant au niveau compositionnel, que instrumental (hybridation d'instruments et synthèse sonore). Son travail s'oriente aussi vers les espaces publics, avec le souci constant du renouvellement des habitudes d'écoutes et des formes de représentations. Ce travail peut prendre divers formes, parcours, performances, installation, opéra et a pour visée la transformation du spectateur en un véritable habitant musical de l'œuvre. Il a composé de nombreuses musiques de films, dont "Hava Ane Dey" de Partho Sen Gupta (sélection Berlin 2004, Best Film award à Durban et Manchester). Sa carrière de musicien électronique soliste l'emmène aussi dans de nombreux pays dont la Corée du sud, le Brésil, l'Autriche, l'Allemagne, l'Italie, l'Espagne ainsi que la Pologne et les Pays Bas. Il est actuellement membre des groupes Kernel (laptop trio) et PiR (percussion / computer). Eryck Abecassis a également obtenu des commandes de Radio-France, du Gmem, de Grame, de l'Ina-Grm, de l'État, de l'EMS Stockholm... Ses pièces ont été jouées par des ensembles comme Accroche-note, 2e2m, le trio Aller-Retour, Insieme, L'Octuor de violoncelle, le trio Èquinoxe, l'ensemble Fa, L'EOC, le Quatuor Diotima, Kernel, Ars Nova...

http://catherinebrisset.com/

Esther Burns
Emmanuel Chagrot & Philippe Sangara - guitares, piano, toy piano, guitare préparée, electroniques, percussions, samples, field recordings, orgue, theremin, glockenspiel, melodica, mellotron...

18ème Boudoir
Philippe Lechat & Jacques Vautier - synthesizers & sound engineering, piano.

Souffle Continu est heureux de vous convier à une soirée autour du label français Entropy, qui pour l'occasion proposera deux sets, celui d’Esther Burns, puis celui de 18ème Boudoir.

Esther Burns est un projet musical de Philippe Sangara et Emmanuel Chagrot. Mélange d'instruments vintage, de collages, de sons d'ambiance et d'électronique, la musique d'Esther Burns puise son inspiration tant dans la musique (Erik Satie, Ennio Morriconne, Sylvain Chauveau, Tindersticks, Godspeed you ! black emperor, le Delta Blues, Earth) que dans la peinture (Léon Spilliaert, Félicien Rops, James Ensor, Edward Hopper, l'art brut), la littérature (Antonin Artaud, Charles Bukowski, Jack Spicer, Philip K. Dick, Jehan Rictus), la photographie (Sally Mann, Koudelka, Saul Leiter) ou le cinéma (Dziga Vertov, David Lynch, Kaurismäki, Bela Tarr). Performance live inédite et visuels spécialement dédiés pour ce showcase chez Souffle Continu.

Le 18ème Boudoir est un duo composé de Philippe Lechat et Jacques Vautier à la croisée de l'ambient électronique du jazz et du classique. On retrouve les influences des différents projets parallèles du groupe dans la musique du 18ème boudoir, que ce soit les recherches sonores de Philippe à travers ses musiques pour : Inner Signal, Sky Lobby, Lipo, ou Jacques et le défunt groupe Rec Play fameux pour leur live machines/instruments.
La prestation live présentera ici un mélange entre instruments joués (piano, synthétiseur) et programings gardant une part à l'improvisation, à la complicité, au rève.

http://www.entropy-records.com/

Aret Madilian - chant, claviers, saz, percussions.
Béatrice Valantin –chant, claviers.
Mia Björlingsson – batterie.
Jirair Madilian - doudouk, shêvi.

Depuis le début de l’automne 2000, Deleyaman, quatuor chevronné à la création d’atmosphères propices à la rêverie, l’abandon et l’évasion, dévoile une musique inspirée par certaines cultures ancestrales. Leurs influences sont liées aux nationalités diverses des membres du groupe : arménienne, suédoise et française. Dans la lignée de Dead Can Dance et en dignes héritiers, ils créent une musique envoûtante à la croisée des cultures, entre Orient et Occident, entre tradition et modernité. Deleyaman développe une émotion si profonde qu’il ne tient qu’à l’inexprimable de nous en montrer la voie, ici à Souffle Continu.

Fondé en 2000 par Aret Madilian, multi-instrumentiste américain installé en France, les trois autres membres du groupe sont ; Béatrice Valantin au clavier et au chant, Mia Bjorlingsson à la batterie et Jirair Madilian au doudouk (un instrument à vent ancien, vieux de 3000 ans). Deleyaman est un groupe inclassable dont le son dépasse les genres habituels. Leur musique a été décrite comme gothique, éthérée, dark-wave, post punk, musique du monde et même post new-wave. Elle est sans doute un peu tout cela, mais pas tout à fait. Leur son est unique, leurs influences sont multiples. Elles vont de la musique gothique, de la musique de l'ancienne Anatolie au post-punk des années 80, en passant par le dark-wave. A ce jour Deleyaman a sorti cinq albums en Europe et aux États-Unis. A leur début, on les a souvent comparés à Dead can Dance, mais aussi au Cocteau Twins, au Chameleons, au Velvet Underground. On a aussi évoqué un certain climat des Doors et des expérimentations de certains groupes du courant allemand Krautrock . Leur musique éthérée, introspective semble venir d'un autre monde et vous transporte dans un lieu où le son d'aucun groupe rock de culture purement occidentale ne pourra vous conduire. Deleyaman donne quelques concerts en Europe et aux Etats Unis chaque année depuis ses débuts. Ils viennent de terminer une tournée de huit dates en Californie. Actuellement en studio en Normandie, ils préparent leur 6eme album dont la sortie est prévue début 2013.

http://www.deleyaman.com/Deleyaman/Home.html

Dave Rempis - saxophone ténor.

Dave Rempis viendra présenter à Souffle Continu le dernier disque de Ballister : ‘’Mechanisms’’, son trio aux côtés de Fred Lonberg-Holm (violoncelle, électroniques) et Paal Nilssen-Love (batterie), enregistré en concert à Chicago et paru cette année sur le label Clean Feed.
‘’Dave Rempis allume le feu et entretien la flamme par spirales tracées au ténor qui remplissent l’espace d’un souffle neuf, motifs dont l’intensité est revendiquée par chacune des notes qui les composent, répétitions qui insistent jusqu’au dérapage qui grippera la machine, sifflements, salves crachées qui ont valeur de phrases définitives…’’ (Guillaume Belhomme © Le son du grisli).

Dave Rempis est né à Wellesley dans le Massachusetts, le 24 mars 1975. Il a commencé sa pratique musicale à l'âge de huit ans, inspirées par un ami de la famille qui jouait de la clarinette dans des orchestres grecques locaux et par Zoot, du groupe Muppets, qui l’a incité à choisir le saxophone. Durant sa scolarité, il s’est produit avec différents groupes de jazz, des ensembles à vents, de sa ville ou de son quartier. En 1993, Rempis étudie le saxophone classique à la Northwestern University avec Frederick Hemke. Trouvant cet environnement scolaire trop étouffant, il abandonne rapidement ses études instrumentales, pour poursuivre des études d'anthropologie et d'ethnomusicologie. Il a passé une année à étudier à l’International Centre for African Music and Danse, à l’University of Ghana & Legon, étudiant la musique africaine et l'ethnomusicologie. Il a parallèlement continué à se produire avec de nombreux groupes aux esthétiques différentes, allant du reggae au jazz, en passant par le free jazz, la funk et des ensembles de musique contemporaine. Il a terminé ses études à la Northwestern en 1997. Diplôme en poche, Dave Rempis décide de se concentrer sur les concerts et les tournées. En mars 1998, Il remplace Mars Williams, saxophoniste de la scène de Chicago, au sein du Vandermark Five. Cette nouvelle situation lui a permis de voyager régulièrement partout des Etats Unis à l'Europe, écumant les salles de concert et les festivals sur les deux continents. Parallèlement au Vandermark Five, il commence à développer de nombreux projets sur Chicago, notamment The Rempis Percussion Quartet, The Engines, The Rempis/Rosaly Duo, The Outskirts, Ballister, The Rempis/Daisy Duo, Bishop/Rempis/Kessler/Zerang et Wheelhouse. Par la suite, le groupe Triage et le Dave Rempis Quartet. La plupart de ces groupes ont enregistré pour Okkadisk, 482 Music, Not Two, Solitaire et Utech. Dave Rempis joue et tourne au sein du Ken Vandermark’s Territory Band, Resonance Project, The Ingebrigt Haker-Flaten Quintet, ce qui lui permet de croiser de nombreux musiciens tels que Paul Lytton, Axel Dörner, Peter Brötzmann, Hamid Drake, Steve Swell, Roscoe Mitchell, Fred Anderson, Kevin Drumm, Paal Nilssen-Love, Nels Cline, Tony Buck, and Joe McPhee. Dave Rempis est également actif en tant qu’organisateur de concerts et de festivals à Chicago, il est notamment membre du Pitchfork Music Festival.
http://daverempis.com/

Frantz Loriot – violon.
Hugues Vincent - violoncelle.

Créé à Orléans en 2002 au "Nautre Festival", le duo Bobun a choisit de fêter ses dix ans à Souffle Continu en présentant leur nouveau disque ‘‘Suite pour machines à mèche’’, tout récemment sorti sur le label Creative Sources. Ce duo s’est produit dans différents pays (USA, Japon, Europe), lieux et festivals (Festival Elixir, Festival Loches en Jazz, le Petit Faucheux, Radio France, Radio Campus Orléans, WMP Concert Hall in New York, Urban Guild in Kyoto, 21st Century Museum of Contemporary Art in Kanazawa, etc...). Leur musique est complètement improvisée et ouverte, d’où le choix de rencontres et de collaborations avec Isohata Shin’Ichi (guitare), Pascal Niggenkemper (contrebasse), Ianik Tallet (batterie), Jean-Luc Cappozzo (trompette), Cyprien Busolini (violon), Claude Tchamitchian (contrebasse), le Collectif Insit-U, ainsi que de très nombreux musiciens japonais… En octobre 2005, la contrebassiste Joëlle Léandre les a invités pour faire partie de son ensemble à cordes, pour une performance à Radio France, avec Theresa Wong (violoncelle), Deborah Walker (violoncelle) et Quentin Sirjaqc (piano). Bobun a également collaboré à des projets autour du mime, de la danse contemporaine et de contes.

Parallèlement à des études classiques de violoncelle avec Denise Cherret, Hugues Vincent apprend le jazz à l’édim et au conservatoire de Montreuil, obtient une licence de musicologie et un Capès musique à l’université de Paris 8, puis se forme à l’improvisation au cours de stages et master class, avec notamment : Sofia Domancich, Didier Levalet, Régis Huby, Vincent Courtois, Ernst Reisjeger, Barre Phillips, Joëlle Léandre…Il collabore a de nombreux projets dont le trio Tilbol, le duo discographique Celluloïd (avec Franck Smith, sur le label Odiolorgnette), le "String Project" de Joëlle Léandre, le "New jazz ensemble" d’Otomo Yoshihide, l'ensemble à cordes de David S Ware, le groupe de ska "Le pélican frisé" (3 albums au compteur), le trio acousmatique Bolitz... Il écrit la musique pour le projet ‘’Four Roses For Lucienne’’ (sur des textes de Roland Topor) et multiplie les rencontres d’improvisation (Vincent Courtois, Claude Tchamitchian, Jean François Pauvros, Luc Ex, Makoto Sato, Jean Luc Cappozzo, Itaru Oki...). Il travaille également avec différentes compagnies de danse contemporaine (Un Instant, Bernardo Montet, Chia Yin Ling) pour lesquelles il compose ou improvise. Depuis 2006, il participe à la "formule sonore à géométrie variable" Qoo-ij orium... En solo, il se produit lors d'improvisations acoustiques, électro-acoustiques (cf. le disque "Phonoscope & fabulettes"), ou pour diverses créations scéniques... Il s’est produit dans différents pays (Allemagne, Suisse, Belgique, Hollande, Italie, Espagne, Etats Unis, Maroc, Japon...).

L'altiste franco-japonais Frantz Loriot pratique aussi bien l’instrument en solo qu’en orchestre, qu’en situation acoustique ou amplifiée. Il participe à de nombreux projets pluridisciplinaires en relation avec la poésie, le cinéma, la vidéo et la danse. Il a créé ‘’Ze Couch Series’’ à Brooklyn, New York. Il a commencé ses études de musique à Paris, puis sur le violon avec plusieurs professeurs dont : Mari Yasuda-Raclot, les frères Pons, Nicolas Dupin, Ivry Gitlis, Yukari Tate et Pascal Robault. Il a été initié à l'improvisation par Régis Huby, Joëlle Léandre, Barre Phillips et David S. Ware, et a participé aux massages sonores créés par le tromboniste Thierry Madiot.
Après avoir vécu à Paris, puis New-York, il vit actuellement à Zürich en Suisse.
http://www.frantzloriot.com/Bobun.html

Stéphane Hoareau – guitare, boucles.
Bertrand Lafarge - batterie.

Dismiss présentera à Souffle Continu son premier EP, un disque enregistré en public au Deux Pièces Cuisine (93), lors d’une résidence de trois jours. Plus qu’une trace discographique, c’est le désir d’un bel objet réalisé collectivement par le groupe et son entourage. Produit à 300 exemplaires en pochette carton recyclé et sérigraphié, ce disque est une production artisanale signée Discobole-records.

Deux - le plus petit groupe possible, il a fallu trancher dans le vif... Bertrand Lafarge et Stéphane Hoareau forment un duo peu commun, traçant une ligne droite vers une musique énergique et ébouriffante puisant aux racines du ‘’garage-rock’’, du blues ou encore du ‘’noisy’’. S’affranchissant de tout autre instrument mélodique, Dismiss laisse affleurer des figures, des formes, des volumes où la déambulation est la règle, l'improvisation nécessaire. Dismiss s’est constitué sur le projet iconoclaste d’une musique au carrefour d’influences diverses. Le rock comme premier format, sur lequel se greffe une écriture précise et concentrée, menant à des plages d’improvisations. Sans être satirique, mais toujours avec humour, la musique de Dismiss explore les figures imposées du rock en les pervertissant, les tordant, afin de créer un espace où se télescopent l’influence mélodique du jazz et l'énergie d’un ’’rock garage’’. L’idée première du groupe est l’exploration de la matière sonore avec comme influence, le rock des années 70 bien évidemment, mais aussi le mouvement post-punk ou encore l’univers des films de Jim Jarmusch. Cette attirance avouée pour le drone, la transe, les musiques répétitives est le point de départ de leur travail et explique le recours aux boucles. Ce goût pour le singulier, l'inhabituel, cette volonté de déstabilisation constante, laissent une sensation d’étrange familiarité. Le fracas n’exclut ni la mélodie, ni le silence. Les références ici sont nombreuses, telles que Deerhoof, The Black Angels, Zappa, Marc Ducret, John Zorn, The Kills, Led Zeppelin, Nirvana, David Bowie, Janis Joplin, Jimi Hendrix, King Crimson... L’état d’esprit du groupe rejoint celui de mouvements tels que : ‘’Kill The Rock Stars’’ ou ‘’Do It Yourself’’. Préserver la folie juvénile est le fil conducteur du groupe.
http://www.noomiz.com/DISMISS

Fabrice Favriou - guitare électrique.

Fabrice Favriou présentera son nouveau disque solo ‘’Phases (harmonium pieces)’’, six pièces jouées à l’harmonium, sorti cette année sur le label Créative Sources. Il s’agît de pièces à base de drones où la musique évolue d’elle-même en s’étirant comme une pâte que l’on étale. Les fréquences jouées génèrent des ondulations, des phases, d’où le titre. L’harmonium usé a des fuites d’air, des lames de fêlées, ce qui génère des sons étranges qui font penser à des sons électroniques. On pourrait dire qu’il s’agit de musique industrielle de chambre, entièrement acoustique.
Fabrice Favriou aime à tisser des textures rugueuses. De situations chaotiques, il reconstruit un environnement sonore structuré à l’aide de boucles, de drones et de couches de son superposées. La tension monte alors jusqu’à un point de rupture pouvant entraîner un retour vers le chaos. Les influences pourraient être Birchville Cat Motel, The Haters, Eliane Radigue ou Merzbow...
Pour la sortie de ce nouveau disque, Fabrice Favriou a proposé à Souffle Continu de jouer un solo de guitare électrique, gardant en mémoire l’approche musicale de ‘’Phases’’.

‘’Une vielle Fender, des effets dont le détail importe peu, des bols de métal et des balais de batteur pour frotter les cordes. Le jeu créé par Fabrice Favriou consiste à générer un son de guitare énorme puis à jouer avec lui, à le creuser pour ne pas s’en trouvé écrasé. Interdiction de le domestiquer et de le mener en laisse, donc rien à la main gauche et pas de choix des cordes à la main droite ; c’est d’une guitare entière qu’il s’agit, d’une sorte de rodéo sans domination. Une quarantaine de minutes, juste ce qu’il faut (Noël Tachet / Improjazz).
http://www.myspace.com/fbfvriu

Pierre-Antoine Badaroux – saxophone alto.

Pierre-Antoine Badaroux présentera également en solo son nouveau disque ‘’Composition no.6’’, sorti récemment sur le label Umlaut.
‘’Cet ensemble de neuf compositions ouvertes écrites par le saxophoniste alto Pierre-Antoine Badaroux regroupe des pièces marquées par une esthétique entre le free-jazz, les récentes compositions de Braxton et les compositions de Cage ou Cardew. Le système de notation mis en place par Badaroux n'a à priori rien de traditionnel et repose principalement sur des signes et des graphiques aux interprétations multiples. Car seules quelques idées directrices sur les notions d'espace, de stylistiques, de rythmiques ou de modes de jeux semblent être suivies par le sextet. Un sextet composé d'ailleurs d'admirables et talentueux jeunes musiciens: Pierre Borel (clarinette), Eve Risser (piano), Joël Grip et Sébastien Beliah (contrebasse), Antonin Gerbal (batterie). (…)’’ (Julien Héraud / Improv-sphere).

Pierre-Antoine Badaroux est saxophoniste alto, compositeur et producteur basé à Paris. Il travaille comme un compositeur indépendant depuis 2006, se concentrant sur les relations entre le son, la notation et le rôle du musicien dans un ensemble. En 2007, il créait sa propre maison de disques, Lunar Caustic records avec Antonin Gerbal, présentant dorénavant leurs disques sous le nom d’Umlaut Records. Ses projets principaux en tant que saxophoniste sont : r.mutt, megaton, peeping tom. Il a aussi fondé en collaboration avec Sébastien Beliah, l'ensemble Hodos, un ensemble de musique contemporain consacré à la musique graphique.
http://www.umlautrecords.com/album/compositionn

Jason Weiss – lecture / présentation.
Etienne Brunet – saxophone alto.

Jason Weiss présentera en français son nouveau livre "Always in trouble : An oral history of ESP-Disk, the most outrageous record label in America". Il résumera l’histoire du label, la biographie de son fondateur Bernard Stollman et celle de certains musiciens du label (Albert Ayler, New York Art Quartet, Lowell Davidson, Milford Graves, etc). Il expliquera les circonstances de la faillite du label, ainsi que les controverses lors de sa relance en 2005 et les efforts pour maintenir la ligne esthétique du début.
Puis, Etienne Brunet jouera un solo de sax alto pour la sortie de son court récit : "Acouphènes Parade". Il pense que le CD a déjà disparu et il écrit des courts récits imprimés sur papier recyclés à la place. Son improvisation s'efforcera de se souvenir des héros du free jazz de sa jeunesse, tous plus ou moins oubliés. Vingt minutes d'improvisation ayant l'ambition de parcourir l'énergie des 70' jusqu'à l'essoufflement du souffleur assourdit. Ne pas franchir la limite de confidentialité : il ne sait pas ce qu'il improvisera !

Jason Weiss est né en 1955 et a grandi sur la côte du New Jersey (près de Asbury Park, célébré par Bruce Springsteen). Il a étudié à Berkeley en Californie et a vécu à Paris dans les années 1980. Aujourd’hui, il vit à Brooklyn. Il a un doctorat de littérature comparée de la New York University. Son premier livre est sorti en 1991: “Writing at risk: Interviews in Paris with uncommon writers” (Cortázar, Ionesco, Milan Kundera, Sarraute, Jabès, Cioran, etc.) Il a publié une anthologie "Back in no time: the Brion Gysin reader" en 2001, une histoire littéraire "The lights of home : A century of latin american writers in Paris" en 2003, et "Steve Lacy : Conversations" en 2006. Il a donné des conférences sur Steve Lacy à Portland (Oregon), Mills College (Oakland), San Francisco State University et dans des librairies à New York. Il a traduit des livres d’auteurs espagnols comme Luisa Futoransky ou Silvina Ocampo et du français Marcel Cohen. Il a publié plus de deux cents articles sur la littérature et la musique dans divers magazines, ainsi que des poèmes et de la fiction.

Etienne Brunet est né en 1954 à Paris, entre la Butte Montmartre et Belleville. Saxophoniste, clarinettiste basse, sonneur de cornemuse, compositeur, improvisateur, bricoleur électro et chroniqueur. Etudes classiques dans l’enfance perturbées par l’adversité. Devient autodidacte dès son adolescence. Principaux enregistrements : "Axolotl" en 1981, "Outmanoeuvre" en 1984, "Boubou smoking" en 1985, "Aller simple (Paris)" en 1991, "Postcommunism atmosphere" en 1994, "Hexagonal data silence" en 1995, "La légende du franc rock and roll" en 1996, "B/Free/Bifteck" en 1997, "Improvisations" en duo avec Fred Van Hove aux grandes orgues de St Germain-des-Près en 1998, "Les Epîtres selon synthétique" en 2000, "White light" en 2003, "Tips" (en hommage à Steve Lacy en 2004), "New phantom band" en 2005, "Bye bye la perf" avec le poète Julien Blaine en 2006. "Love try" en 2007 avec Ring Sax Modulator. "Live in Sao Paolo" avec le poète Jacques Donguy en 2009, "Music as fuel, Sun Ra nostalgia" en 2011. Etienne Brunet a tenu une chronique pendant 4 ans : "Petite fleur électronique" pour Jazz Magazine. Il travaille depuis deux ans sur un projet de vidéo-musique : "Acouphène parade" accessible gratuitement sur internet : www.tinnitus-mojo.fr

Extraits de "Always in trouble : An oral history of ESP-Disk, the most outrageous record label in America" :‘’Stollman: I didn’t want ESP to be a niche label. Art is anarchistic, and when it becomes categorized, it loses impact. I wanted people who were innovative and inspirational... I thought the label should be a documentary device to capture audio art. The format didn’t matter; it could be Tim Leary talking about LSD. It was important to confound people... I was always surprised to find people who embraced all of our repertoire.’’

Extraits de "Acouphène parade" : ‘’En réalité, les gens se bouchent les oreilles pour ne pas écouter la free music à un faible niveau sonore, mais ils s’éclatent le cornet auditif au-dessus de 120 décibels avec de la musique commerciale. L’acouphène est le bruit du non-amour. J’essaye la magie blanche, celle comparable à l’idée d’un téléphone portable greffé dans la tête du correspondant pour le subjuguer de pensées négatives et le pousser à l’échec : le vénéneux complexe d’Europe.’’

Première diffusion du documentaire "Une histoire du vinyle" de Fabienne Piétrus sur Direct Star avec l'apparition du disquaire Souffle Continu entre autres.

Nathan Hanson – saxophone ténor.
Brian Roessler – contrebasse.
Invitent
Michael Zerang – batterie, percussion.

Deux membres du groupe Fantastic Merlins, le saxophoniste Nathan Hanson et le contrebassiste Brian Roessler, se sont donnés rendez-vous à la boutique Souffle Continu afin de présenter leur nouveau disque… Si le duo formé de ces deux musiciens est la filiation directe des Fantastic Merlins, il a aussi pris sa totale autonomie. Ayant enregistré des heures de bandes, Nathan Hanson et Brian Roessler (entendus avec Dizzy Gillespie, Didier Petit, Cecil Taylor, Henry Threadgill, François Rabbath, Mark Dresser, Douglas Ewart, Chris Potter, Chris Thomson, Tony Malaby, Liberty Ellman, Carei Thomas, Fly Manifesto) ont souhaité publier un premier disque d'une série qui devrait en compter d'autres. Le bien nommé ‘’Bellfounding’’ a été organisé comme un montage d'une suite organique et cinématographique attestant de la vie de ce duo, de ses questionnements, désirs et plaisirs. Attention, ces deux là ont les clés de beaux espaces où nous aimerions vivre, ouverts ! Ils invitent pour l'occasion le percussionniste de Chicago Michael Zerang.

La musique des Fantastic Merlins n'insinue pas, elle progresse en plein air dans tous les sens du terme. Elle se dirige par une suite de petits événements propres à éveiller doucement les consciences. Elle aime chanter et parfois explose, comme seul peut le faire l'homme délibérément réfléchi. Elle joue de lucidité, de contrastes, d'humour aussi et de sensualité tendue de couleur. Elle s'élance, s'enlace, tente les formes vivifiantes, attrape le pompon sans s'attarder. Elle cultive le paradoxe léger. Elle sait hériter. Elle fait confidence. Elle réside dans le présent instable en regardant paisiblement autour. Elle n'impose pas, elle est forte. Son désir émerge de son énigme. Elle ne cherche pas de preuves, elle touche simplement. Elle est en chemin. Ça marche ! Elle ...

Michael Zerang est né en 1958 à Chicago où il vit toujours. Percussionniste, compositeur et producteur, son nom est associé depuis plus de trente ans aux musiques improvisées, au free jazz, à la musique contemporaine, mais aussi à d'autres formes artistiques comme le théâtre expérimental et spectacles de masques et marionettes. Il collabore régulièrement avec Ken Vandermark, Hamid Drake, Mats Gustafsson, Raymond Strid, Sten Sandell, Jaap Blonk, Peter Brötzmann, Jeb Bishop, Kent Kessler, Barre Phillips, Jim Baker, Luc Hautkamp et Fred Lonberg-Holm.

Fabrikdelabeslot – attitude sonore.

Souffle Continu est heureux de vous convier à une attitude sonore de Fabrikdelabeslot, qui pour l'occasion sera accompagnée de Julien Blaine, Jean Yves Cousseau, Franck Doyen, Jean-Max Infante, Sandrine Gironde, Emmanuel Rousseau, Patrice Soletti. Les éditions du soir au matin seront heureuses de vous présenter le dernier né de la collection ‘’à piston’’ pour les auteurs ‘’pistonnés’’ ! (demande d'asilo) de Fabrikdelabeslot.

Fabrice Beslot
Fabrikdelabeslot vie et travail !!!!!!!
A ce propos, Alain Marchand dit de lui : ‘’Qu’il aime les rondeurs, leur bonhomie. Circonvenu dans ce rôle, et dans ces ronds, c’est à la projection des vicissitudes du clown qu’il avait, jusqu’à ces dernières années, consacré l’entière étendue de son activité. Depuis, il a ajouté sur ses cintres, et sur ses épaules, le costume de chanteur. Un chanteur, plutôt un genre étrange de poète qui clame des textes devant un microphone, une caméra et un public, accompagné d’une bande-son et revêtu d’une combinaison de travail orange qui lui sert de costume pour assurer le spectacle. Dans sa langue fourchée, il nomme cela : acttitudes. Ce sont de bizarres concerts où tout semble faussement mécanique, jusqu’au décor, qui commencent par un échauffement de moteur avant l’arrivée du mécano en combinaison orange (notre artiste) et se terminent par une musique malgré tout connue dans les oreilles. On comprend que tout cela à un contour, mais ce qui se perçoit aisément, c’est un refus d’allégeance à l’habituel spectacle du concert, mais pas à ses règles. (*)’’
(*) Extrais du texte d’Alain Marchand Juin 2007.

Julien Blaine , né en 1942 à Rognac (Bouches-du-Rhône) (sous le patronyme Christian Poitevin), est un poète français. Il a été l'un des créateurs de la poésie action et a participé à la vie de la poésie performance en France comme à l'étranger. Il crée sa première revue, Les Carnets de l'Octéor, à l'âge de 20 ans. Parallèlement, il se lance dans la performance, la poésie action, avec Reps éléphant 306. Cette performance se compose à partir d'une interview d'éléphant, qu'il va retraiter sur bande. Dès lors, il approfondira ces deux champs : d'un côté, la publication et la mise en question de ce support ; de l'autre, la poésie action, qui rompt avec la lecture classique, au même titre que ce qu'a pu faire Bernard Heidsieck avec la poésie sonore. En 1988, Blaine crée, après celles de Cogolin, les rencontres internationales de poésie de Tarascon, puis en 1989-1990, un lieu de diffusion et de création poétique au cœur de la vieille ville de Marseille, le Centre international de poésie Marseille (cipM) — il est, à l'époque, adjoint de la mairie phocéenne délégué à la culture. Il occupera également une place importante dans le festival Voix de la Méditerranée de Lodève, peu après sa création en 1998.

Jean Yves Cousseau , vit et travaille en Essonne, non loin de Saint-Rémy-Lès-Chevreuse. Engagé depuis de nombreuses années dans une démarche artistique liée à la photographie, il expérimente, au fil des expositions, des publications et des commandes, un certain nombre d’autres supports et modes d’expression : oxydations, vidéos, installations...

Franck Doyen , Poète, écrivain, travailleur du Lalangue. Il participe régulièrement à des actions d'art postal : Planet Susania (Stuttgart), @RtH*Le (Lawrence, KS), Brain Cell (Osaka), Etta Cetera (Pittsburg), Pense Aqua (Campinas-Brésil), Sur l’écran noir de mes nuits blanches (Manosque 2003).
Travailleur du lalangues, Franck Doyen fait partie de cette génération d’auteurs ayant rencontré, digéré et intégré les histoires des poésies (sonore, visuelle, concrète, -action, performée, numérique...). Ses travaux sont toujours le lieu de questionnements sur les implications de l’engagement d’une vie en écritures et sur la dimension sociale et politique de celui-ci. Il utilise aussi le média photographique avec lequel, aussi, il décale les repères signifiants et les distances d’énonciation et procède par amoncellement : il met ainsi à jour et en abîme d’autres lieux, d’autres réalités, d’autres langages (d’autres lalangues).
Invité régulièrement à lire ses travaux dans des manifestations ou des lieux de littératures et d’arts contemporains, ses textes y subissent un certain nombre de traitements (vocaux, sonores, performatifs...) : plutôt que de lectures, il s’y agit de lectes&ures. Editeur et revuiste, depuis 2000, il impulse, active, anime et réactive l’association éditrice ‘’Itinéraire des Poètes’’ (IdP-éditeur) et la revue ‘’2 (Montée) des Poètes’’ – ‘’22(M)dP’’ : deux lieux de rencontres des écritures contemporaines. L’association et la revue travaillent à développer la visibilité des écritures contemporaines sur la ville et sa région par le biais d’ateliers, de manifestations et lectures, d’expositions, de projections, d’installations et de
publications.

Sandrine Gironde est metteur en scène et improvisatrice vocale (nommée parfois poète vocale). Elle se lie aux écritures contemporaines, défend l’expérimentation et l’interdisciplinarité. Son écriture scénique fait se rencontrer le théâtre, la poésie et la musique.

Jean-Max Intante est médaillé du conservatoire de Nîmes où il étudie la composition électroacoustique et la musique concrète. Sa rencontre avec Fabrikdelabeslot se poursuit sur une amitié durable et de nombreuses collaborations. En parallèle au saint de plusieurs formations de tous genres musicaux, il apprend en autodidacte les claviers pour son plus grand plaisir. Il crée "Informazik", atelier de musique informatique et expérimentale, puis "STD30", un home studio ou il compose des arrangements et produits des maquettes de tous styles musicaux.

Emmanuel Rousseau est un musicien cavalant allègrement d'un siècle à l'autre. Autodidacte, formé au jazz, compositeur, instrumentiste à vocations multiples, il enchaîne les collaborations et les projets dans le milieu ‘’traditionnel’’ (entendre jazz, rock, chanson), mais c'est définitivement la production du son sous toutes ses formes qui le guide. De la captation au détournement, le son devient alors un vecteur d'émotion, de témoignage critique, d'urgence.

Patrice Soletti est improvisateur, compositeur et instrumentiste (principalement guitariste) français. Il aborde la musique en autodidacte, puis collabore ensuite avec de nombreux artistes dans le domaine du jazz et de la musique improvisée contemporaine, notamment Louis Sclavis, Bruno Chevillon, Barre Phillips, Norbert Lucarain, Eric Chalan, Gilles Coronado, Philippe Deschepper, Jean-Pierre Jullian, Serge Lazarevitch... Il a participé activement au développement artistique du label Rude-Awakening. Il se produit aux côtés de poètes tels que Julien Blaine et son frère Pierre Soletti au festival Voix de la Méditerranée à Lodève, Infr’action à Sète ou à la résidence Caza d’Oro au Mas d’Azil.

Claire Bergerault – voix.

Claire Bergerault viendra faire sonner le corps sonnant au Souffle Continu pour la sortie de deux disques, celui en solo sorti sur le label Orkesme, ainsi que son projet Mune, en duo avec Jean-Luc Guionnet à l’orgue, sorti sur le label Cathnor. Travailler les matières, éprouver la musique, résonance, dissonance. Laisser la part à l’imprévu, l’imprévisible, l’imprévision…Travailler dans l’énergie de l’acte spontané de l’écriture spontanée, travailler le sensible et la sensibilité de l’instant, l’occupation éphémère et insolite d’un lieu. La voix, stratégiquement située au filtre du geste et de la pensée, transformée par la vie… Tordre la voix, devenir un corps à cordes, résonnant, les étirer avant que ça casse comme on bande un arc pour la dernière ou la première fois, retourner le chant à plat de coutures – le détourner de sa ligne : le soustraire au ‘’beau chant’’ et distordre les mots, disséquer, observer au microscope chaque syllabe pour en retenir le son brut, le mot premier et moudre le grain de la voix jusqu’à la rupture, dire le spectre sonore, boire sa propre voix et se perdre dans un chant d’appel qui résonne comme le silence après le cri et porter sa voix, organe de la parole, organe du premier signe de vie, comme l’écho d’une voix humaine ou d’un cromorne.

Claire Bergerault fait des études classiques au conservatoire de Poitiers (piano, chant) puis Versailles et obtient une maîtrise de musicologie à l’UFR de Poitiers. Elle continuera sa formation en chant avec Guillermo Anzorena et le Neue Vocalsolisten de Stuggart, Véronique Laguerre ou Donatienne Michel-Dansac. Elle participe comme chanteuse à la ‘’session de composition 2007 Voix Nouvelles’’ et à la création de ‘’Stimmung’’ de Stockhausen à l’Abbaye de Royaumont en 2008, lors d’une fenêtre sur cours. Elle fonde en 1994 le tentet Inconscient collectif, puis en 1995, le quartet Bleu Claire pour lesquels elle compose et arrange. Elle chante depuis 1994 dans les spectacles jeunes publics de la compagnie Délimélo. A partir de 2000, elle se produit sur de nombreuses scènes avec différents groupes de musiques improvisées dont le trio Fabrice Favriou et le trio Pôd’Tôp avec Fabrice Favriou et Jean-Jacques Decreux (basson). Elle chante également dans un duo avec le contrebassiste Eric Brochard. Ils enregistreront deux disques ‘’bruismes’’ et ‘’frasques éponnes’’. Actuellement, elle participe à plusieurs projets dans le domaine de la musique improvisée, expérimentale, ainsi que celui de la musique contemporaine. Voix de soprano lyrique, elle chante dans le spectacle de théâtre musical ‘’voix elliptiques’’ du Knaben-ensemble, écrit autour des compositions de François Rossé. Depuis 2005, elle fait partie de L’échelle de Mohs, trio de musique noise expérimentale aux côtés de Fabrice Favriou et Thomas Tilly. En 2010, un disque vinyle 33 tours, ‘’France Ferrugineuse’’ sort sur le Label Théâtre Records, et le groupe se produit avec le vidéaste Thomas Chatard. S’accompagnant souvent de l’accordéon dans ses improvisations, elle aime donner à cet instrument populaire un caractère proche de l’électro-acoustique en le faisant se mélanger aux timbres de la voix. Elle chante dans Mune, duo de musique improvisée avec Jean-Luc Guionnet à l’orgue liturgique et collabore avec la pianiste Sophie Agnel. Elle participe aux projets chorégraphiques des compagnies de danse Alea Citta ‘’les instantanés’’ et ‘’la femme argile’’. En octobre 2010, elle est à l’origine de l’Orchestre "Le LObe". Elle dirige cet ensemble regroupant des musiciens, chanteurs et comédiens d’univers musicaux différents, privilégiant une musique acousmatique résultant des voix et d’instruments acoustiques ou électroniques. Claire Bergerault transmet parfois son expérience dans le cadre de stages ou de formations en chant ou en improvisation.

Justin Wright - guitare & pédales d’effet.

Expo 70 est le nom du projet solo du guitariste américain Justin Wright, qu’il a entreprit à Los Angeles en 2003. Responsable de plusieurs albums, Expo 70 délivre un mélange de krautrock, de drone ambiant, d’exploration spatiale et de composition minimale réussi et tout à fait prenant, quelque part entre Brian Eno, Ash Ra Tempel, SunnO))) ou encore Earth, avec un univers et une approche de l’instrument totalement personnel. Un univers sonore qui subjugue le subconscient de l’auditeur et l’emporte vers des contrées extra-terrestres et autres terrains étrangers, en maintenant une qualité propre à l’état de rêve, à l’aide de mélodies et ambiances mouvantes. Des improvisations ‘’guitaristiques’’ riches en textures et remplies de passages aux basses fréquences troublantes, remplies d’énergie, tendant à sonner comme de longues compositions synthétiques, propre aux premiers enregistrements de Tangerine Dream et à des compositions de Terry Riley. Une dense et puissante dérive cosmico-dronique en perspective par un aguerri du genre. Un profond et atmosphérique aperçu du psychédélisme dronique et ambiant américain actuel avec Expo 70, l’une ses plus représentatives figures.

http://www.exposeventy.com/

Carol Robinson - clarinettiste / compositrice.

Invite :
Martine Thinières – comédienne.
Lila Abdelmoumène – danseuse.

Souffle Continu se fait une joie de consacrer de nouveau un évènement autour du travail de Carol Robinson et des deux nouvelles sorties discographiques qui accompagnent la soirée, celle du disque ‘’Why Waste Time’’ du groupe Sleeping in Vilna, paru récemment sur le label Ayler Records avec Carol Robinson, Mike Ladd, Dave Randall et Dirk Rothbrust, puis celle du projet réalisé au côté de Cathy Milliken : “Cross-Currents’’, paru lui en édition dvd sur le label Shiiin. Pour cet évènement, Vous découvrirez une version de cette œuvre musicale toujours changeant...
Cross-Currents est un projet radicalement nouveau, une œuvre en évolution constante, car les nombreux éléments qui la composent s'associent entre eux selon des enchaînements toujours différents, gérés par l'ordinateur. Cela crée une musique aérienne qui dépasse la notion du temps linéaire grâce à sa reconstruction aléatoire. Les objets musicaux générés explorent de subtils mélanges de timbre et de rythme. Alliant les sons, ils créent de délicats mouvements, des motifs souples et scintillants, une musique qui flotte littéralement dans l'air. L'auditeur s'entoure ainsi d'une musique chaque fois unique, d'un kaléidoscope de sons en mouvement.

Carol Robinson mène de front une carrière de clarinettiste et de compositeur et se produit dans les salles et festivals les plus prestigieux. Travaillant en rapport étroit avec différents compositeurs, elle assure de nombreuses créations (sa discographie récente comprend aussi bien des disques monographiques de Scelsi, Nono, Feldman, Niblock ou Berio, que de la musique classique ou du jazz). Passionnée par l’improvisation, elle se met autant que possible dans les situations musicales les plus ouvertes. Avec Mike Ladd, Dave Randall et Dirk Rothbrust, elle crée le groupe du rock libre Sleeping in Vilna. Parallèlement à son parcours d’interprète, elle développe un univers personnel au travers de créations de théâtre musical présentés en France et en Allemagne. Mariant sons acoustiques et traitements électroniques, elle explore l’usage des processus de diffusion aléatoire, ce qui la conduit à concevoir aussi des installations. Elle écrit également des musiques pour des créations chorégraphiques. http://www.crsounds.com/

Martine Thinières étudie la musique et pratique le violoncelle puis intègre le Conservatoire national supérieur d'art dramatique de Paris. Au théâtre, elle interprète des textes classiques et contemporains sous la direction de nombreux metteurs en scène. Parmi eux, Didier Bezace, Gilles Rouvière, Giorgio Barberio Corsetti, Jean-Luc Lagarce, Alain Françon, Michel Cerda. Elle est également présente au cinéma et à la télévision.

Lila Abdelmoumène est formée au Conservatoire National de Région de Paris en danse contemporaine où elle aborde le répertoire de Dominique Bagouet (So Schnell) avec Priscilla Danton. Elle travaille avec les chorégraphes invités Christian Bourigault, Nassera Belaza puis danse pour la Compagnie La Tartaruca Nadège MacLeay depuis 2008, avec le chorégraphe Michel Kelemenis depuis 2010 et plus récemment avec la chorégraphe Odile Azagury. Parallèlement, Lila poursuit des études supérieures, Master en anthropologie de la danse.

sera fermé le Mercredi 15 Août.
Merci de votre compréhension ...

Le nouveau OM "Advaitic Song" sera vendu en exclusivité à Souffle Continu le lundi 23 Juillet avec en cadeau une mixtape (un CDR complètement inédit) compilée par Al Cisneros !!

Cinquième album du duo culte de San Francisco, initialement connu comme étant la base rythmique de Sleep. Les deux derniers albums ont remporté un succès d’estime, et ont même été sacré « Underground album of the year » par Mojo. Ils offrent toujours le même univers, à la fois sauvage et atmosphérique avec un supplément de spiritualité et d’influences orientales.Probablement l’album le plus progressif à ce jour.

SOUFFLE CONTINU sera fermé le Samedi 14 Juillet.
Merci de votre compréhension ...

Sophie Agnel – cordophone.

Sophie Agnel passe la plupart de ses concerts debout, penché son instrument, le piano, lui triturant les cordes pour qu’il crache jusqu’à la dernière goutte de son.
Après avoir utilisé cet instrument pendant plusieurs dizaines d’années comme médium lui permettant d’avancer dans son chemin artistique, après s’être « adaptée » aux pianos, à tous les pianos, Sophie Agnel désire un instrument sur mesure, qui s’adapterait à elle, à son jeu, à ses nouveaux désirs de sons, de spatialisation, aux limites de son corps…
Mais aussi un instrument qui la surprendrait, qui transformerait son écoute, ses gestes, et donc sa musique. Pour cela, le GMEA et Laurent Paquier, luthier, l’ont aidé à concevoir, fabriquer et inventer un nouvel instrument à corde électroacoustique, une nouvelle lutherie qui lui permet d’avancer encore dans ses recherches sonores et expérimentales : le cordophone.
Sophie Agnel nous présentera à Souffle Continu son nouvel instrument qu'elle a travaillé et perfectionné au cours de sa résidence dans les studios de Césaré, début mai 2012.

Si c’est à Paris en 1964 que Sophie Agnel est née, c’est vers d’autres îles sonnantes et au cœur d’une temporalité réinventée qu’elle se meut aujourd’hui, à la poupe d’un piano intégral, instrument dont elle a fait un véritable organisme vivant et vibrant.
De formation classique, échappée du jazz (duquel le trop strict traitement de l’harmonie l’a détournée), Sophie Agnel aborde le piano sous tous les angles sonores qu’offre ce navire musical : clavier, cordes et cadre sont appréhendés simultanément, dans une démarche mixte (comme on le dit de certaines techniques en peinture) qu’il serait réducteur de rabattre sur la définition cagienne de piano préparé. Envisageant l’instrument – qu’elle étend par maints accessoires, gobelets, boules ou cordes – comme un poétique pourvoyeur de matières et textures anamorphiques, la musicienne l’amène à faire jeu égal avec les dispositifs musicaux les plus divers, de quelque lutherie qu’ils relèvent (du physiologique à l’électroacoustique)…
On ne s’étonnera donc pas de constater ses ententes avec Michel Doneda et de la retrouver aux côtés du saxophone mouillé d’Alessandro Bosetti, de la guitare électrique acoustifiée d’Olivier Benoit, des voix de Catherine Jauniaux et de Phil Minton, ou du clavier de Christine Wodrascka…
C’est du même sceau de l’évidence esthétique que sont marqués tous ses compagnonnages, de ce même goût, au-delà du narratif, pour les délicates recherches sonores et les surgissements d’univers auxquels l’auditeur participe par une écoute active : au cœur des mondes phonographiques de Jean Pallandre, du cinéma auriculaire de Jérôme Noetinger & Lionel Marchetti, des tissus crêpés de John Butcher ou Axel Dörner, auprès des aimables machines d’Erikm ou Ikue Mori, des froissements harmonico-stratosphériques de Stéphane Rives…
L’originalité de la recherche conduite par Sophie Agnel l’amène à développer aujourd’hui, en solo ou en compagnie significativement choisie, une approche sonore des plus raffinées et hautement poétiques qui fait de chacun de ses concerts une construction mouvante et fouillée de gestes musicaux ciselés, une somptueuse et douce irradiation. (Guilaume Tarche).
http://sophieagnel.free.fr/

Sabu Toyozumi – percussion, batterie, er-hu (vièle chinoise).
Jean Michel Van Schouwburg – voix.
Pascal Marzan – guitare acoustique.

Dans le cadre d’une mini-tournée en Europe, Sabu Toyozumi, pionniers du free jazz et des musiques improvisées au Japon, retrouve deux des compères avec lesquels il a déjà développés des expériences ludiques il y a quelques années en Belgique et en France. Musicien incontournable dans son pays, ayant joué auprès de Braxton ou avec l’Art Ensemble Of Chicago, Derek Bailey et Peter Brötzmann, Sabu Toyozumi a donné rendez-vous au Souffle Continu pour fêter la sortie d’un double album qui regroupe plus de dix musiciens autour de lui dans différents groupes et contextes dont Pascal Marzan, Dan Warburton, Marjolaine Charbin, Audrey Lauro, J-M Van Schouwburg, Jiji Duerinckx, Joel Grip, Jacques Foschia, Ove Volquartz, Peter Schlechta et un groupe de cordes avec John Russell, Marzan, Luo Chao Yun au pipa, Sabu à la vièle er-hu, Isabelle ste Rose au violoncelle, Jean Demey et Grip aux contrebasses et Kris Vanderstraeten aux percussions. Les enregistrements ont été réalisés à Bruxelles, Paris et Göttingen... et l'album sort au format double CD sur le label français Improving Beings (ib14).

Sabu Toyozumi est un pionnier du free jazz et de l'improvisation radicale au Japon depuis la fin des années 60. Il rencontre John Coltrane et Rashied Ali en 1966 dans un club de jazz, lors de la tournée de Coltrane au Japon. En 1971, lors d’une audition, Charles Mingus l’engage pour un enregistrement à Tokyo (Charles Mingus avec Toshiyuki Miyama And His New Herd Orchestra).
Cette même année 1971, il devint membre de l'AACM à Chicago où il joue avec Roscoe Mitchell, Joseph Jarman et Malachi Favors de l'Art Ensemble ainsi qu’avec Muhal Richard Abrams. Trio de percussions avec Don Moye et Steve McCall avec lequel il donne des workshops à l’école de l’AACM. Il séjourne à Paris en 1972/73 et joue avec Glenn Spearman, Takashi Kako, Bob Reid et Boulou Ferré (lp Emergency /America), ainsi que dans le Creative Orchestra de Braxton (Royan coffret 3lp Ring Rds/ Moers) et le grand orchestre d' Ambrose Jackson. Au Japon, il étudie avec le batteur Masahiko Togashi (Charlie Haden Don Cherry et Steve Lacy) et enregistre avec Charles Mingus. Il collabore étroitement avec les légendaires Kaoru Abe (sax alto), Masayuki Takayanagi (guitariste icône du noise nippon) et le contrebassiste Motoharu Yoshizawa, tous les trois aujourd'hui disparus. Il joue fréquemment avec Takashi Kako, Toshinori Kondo et Mototeru Takagi. Ses albums de cette époque sont devenus des collector's items hors de prix (Overhang party / Senzei avec Kaoru Abe sur ALM).
A partir des années 80’s, Sabu Toyozumi travaille régulièrement avec Derek Bailey, John Zorn, Fred Frith, Fred Van Hove, Peter Brötzmann, Peter Kowald, Tristan Honsinger, Barre Phillips et Leo Smith lors de tournées dans tout le Japon. Trois tournées avec Fred Van Hove. Plus récemment, son jeu s'est épuré et depuis 2001, il joue chaque année avec le guitariste John Russell en GB et au Japon. En 2010 avec le saxophoniste Mats Gustafsson et de nouveau avec Peter Brötzmann. Il rencontre récemment la virtuose taïwanaise du luth pi-pà, Luo Chao-Yun et tourne régulièrement à Taïwan, aux Philippines, en Chine, au Cambodge, en Indonésie et en Amérique Latine. Il fait des concerts en Californie avec Leo Smith en 2000. Il est aussi l’élève du grand maître de la flûte shakuhashi et Trésor National du Japon en Rinzai Zen, Watazumi - Doso (1910-1992) avec qui il partage la scène à plusieurs reprises. Enregistrements avec M.Takayanagi, Kaoru Abe et M. Yoshizawa, Barre Phillips et Keiji Haino. Il a produit des duos avec Peter Brötzmann, Paul Rutherford et Leo Smith, un trio avec Derek Bailey et Brötzmann et cherche un label pour l'enregistrement d'un concert mémorable avec Han Bennink et Brötzmann. La finesse de son jeu, la multiplicité de ses frappes où le rythme semble sous-jacent et sa capacité à utiliser créativement n'importe quel ustensile à portée de la main font de lui un improvisateur apprécié par ses meilleurs collègues. Il joue aussi de la vière er-hu de manière peu orthodoxe.

Né en 1955, chanteur et improvisateur, Jean-Michel Van Schouwburg développe l’improvisation vocale et les techniques étendues de la voix. Le mot “phonésie “ (« phonoetry ») se réfère à la poésie sonore dans sa performance « ORYNX » pour voix solo (Orynx – Phonésie / Inaudible 003 épuisé). Concerts solos à Londres, Lille, Liège, en Slovaquie et à Bruxelles. Harmoniques et chant de gorge du très grave à l’aigu (C2# > D4 > B 5) sur trois octaves - 1 ton. Le but de son travail est d’étendre le rôle et la fonction de la voix et du complexe bouche / gorge dans le processus d’invention sonore et d’improvisation en vue d’en accroître les moyens expressifs. Ses performances solos tentent d’intégrer ces techniques dans un seul élan créatif en établissant des liens vivants entre tous leurs aspects. Au fil des ans, J-M VS a travaillé avec le pianiste Guy Strale et le percussionniste Kris Vanderstraeten et s’est tourné vers la voix en 1996. Intéressé par l’échange ludique et télépathique, ses sons et sa présence sur scène s’adaptent avec chaque partenaire improvisateur.

Né en 1958, Pascal Marzan vit entre Paris, Budapest et Londres. Après des études de guitare classique à l’école normale de musique et au conservatoire de Clichy consacrées essentiellement au répertoire du XX ème siècle, puis à l'enseignement de la guitare dans différentes écoles de musique de Budapest en Hongrie, il se tourne vers la pratique de l'improvisation libre. Son approche de la guitare (qu'il appelle guitare abiscotée) se caractérise par trois modes de jeux distincts : technique classique du répertoire du XX ème siècle, technique flamenca : rasgueados et golpes.... et technique préparée/bruitiste : (cutter, aiguilles à tricoter, cylindres metalliques, frottements, sourdines, bottleneck...) pour des sons indéfinissables et sonorités de cimbalom, gamelan, gongs, koto ...". Ses collaborations et enregistrements les plus récents et réguliers sont le quartet TPRP avec le violoniste Phil Wachsmann, le contrebassiste finlandais Teppo Hauta-Aho, le batteur percussionniste Roger Turner ; le duo de guitare avec John Russell ; le duo de guitare avec Roger Smith (“Two Spanish Guitars” Emanem) ; “Prendre le Large” avec Fred Wallich (dvd + cd label Vouïr). Pascal Marzan participe également à des performances avec des danseurs, poètes et plasticiens. Depuis 2004, il organise les rencontres R-de-Choc à l’Espace Jemmapes.
http://www.improvising-beings.com/

Johan Asherton – guitare, voix.

Il y a vingt ans, dans une autre vie, Johan Asherton était le leader des Froggies, un groupe de rock français anglophile, dans la lignée des Flaming Groovies. Depuis, notre troubadour rangé des watts a troqué son instrument électrique contre une bonne grosse vieille guitare acoustique en bois, aux flancs pansus et aux courbes généreuses. Et sa musique est au diapason : un folk romantique et grave, qui emprunte parfois à la musique celtique ou aux ballades médiévales. S'il fallait trouver des équivalents, on évoquerait Nick Drake pour les ambiances à la délicatesse mélancolique, Scott Walker pour la voix de basse caressante, ou Leonard Cohen pour les textes lyrico-mystiques.
Ce trublion discret a choisit de revenir à Souffle Continu pour égrener de nouveau ses arpèges lunatiques sur des cordes vibrionnantes et présenter son nouvel album "The House Of Many Doors", produit par Stéphane Dambry et lui-même. Composé de onze nouvelles chansons, il est rejoint par de nombreux invités : Eléonore Chomant, Laurent Pardo, Sarah Smith, Tim Smith et Geoff Grimes. Comme dit Philippe Barbot à son sujet : ‘’Ça sent l'humus et le feu de bois, l'herbe coupée et les fougères. Une salutaire bouffée d'oxygène’’.

Johan Asherton apprend tout d’abord le violon, puis le piano, mais c’est en découvrant Jimi Hendrix que va naître sa fascination pour la guitare électrique et la musique pop en générale. Au cours des années 1970, il connaît diverses expériences musicales en jouant au sein de quelques groupes de rock. C’est à cette époque qu’il découvre entre autres Marc Bolan & T-Rex, Bob Dylan, Johnny winter ou encore Rory Gallagher, qui auront une influence majeure sur lui. Au début des années 1980, il enregistre un premier single, puis forme The Froggies, groupe de rock garage-punk dont il sera le leader (chant et guitare). Suivront deux albums des Froggies. Il rejoint ensuite le groupe Liquid Gang (Blues) avec lequel il enregistre un album. Au milieu des années 1980, Johan Asherton connaît une période de flottement. C’est là qu’il découvre (ou redécouvre) peu à peu la musique Folk des années 1960 et 70, à travers des artistes comme Townes Van Zandt (qu'il rencontrera en 1992 et à qui il dédit la chanson "Ode to Townes"), Bob Dylan, Leonard Cohen, Tim Hardin, David Blue, Donovan, Nikki Sudden, et surtout Nick Drake, artiste au destin tragique, qui le hantera pour toujours. Il s’immerge totalement dans cet univers folk ou il puise toute son inspiration. Il abandonne peu à peu la guitare électrique pour s’orienter exclusivement vers la guitare acoustique qui devient son instrument de prédilection. En 1988, Johan Asherton sort ainsi son premier album solo ‘’God’s Clown’’, une réussite à tous points de vue, dans une veine résolument Folk, suivront ‘’Precious’’ et ‘’The Night Forlorn’’. En 1995, il sort ‘’The Moon, Soon’’, son album le plus épuré, le plus sombre, le plus intimiste, dans lequel il rend hommage à Nick Drake. Avec ‘’Under The Weather’’ en 1996, il revient à une instrumentation plus riche. En 1998, il sort ‘’Bluesology’’, proposant des compositions qui lui ont été inspirés par Bert Jansch, Davy Graham, ou encore Wizz Jones. Il ouvre les années 2000 avec ‘’Trystero’s Empire’’, certainement son album le plus éclectique. Enfin, en 2005, arrive l’incontournable ‘’Amber Songs’’, que beaucoup considèrent comme son meilleur album, et que la critique n’hésitera pas à classer dans les meilleurs disques de Folk toutes époques confondues. Il consacre aussi une partie de son temps à l’écriture de recueils de poèmes et publie une biographie sur Marc Bolan & T.Rex, dont il a sorti un album de reprises, "Cosmic Dancer : A Tribute To Marc Bolan", en septembre 2007.

Joël Grip – contrebasse.

Claire Malchrowicz - danse.
Pierre Borel - saxophone.

Pour la sortie d’un nouveau disque vinyle de contrebasse solo ‘’Picklhaube’’, enregistré au Festival of Creative Music et au New Perspectives Västeras en Suède, Joël Grip vient fêter à Souffle Continu la sortie de ce disque (bel objet qui inclut aussi des textes, des poésies, des photos et des dessins) et propose un solo, puis deux duos : le premier avec la danseuse Claire Malchrowicz et le second avec le saxophoniste Pierre Borel.
A propos du disque : ‘’This is a solo in duet with the current era of silent repression of every mind that’s not in line for the mental pawnshop. In these times, most shallow behaviors are presented as if the deepest of engagements and beliefs. We are dressed up in a fictional all-in-one hat, the helmet and the warhead: Die Pickelhaube. Blow yourself out of your own mind or simply step out of your helmet. And listen’’.

‘’Joël Grip s'est illustré dans un impressionnant solo de basse, exploitant tout ce qui est possible d’extraire de son instrument, tantôt charmeur, puis s'acharnant sur la carcasse tel un équarrisseur dément à l'heure de l'apéro ! ...Pour revenir caresser comme une excuse, les cordes qui tour à tour sous ses doigts de magicien sont drisses de haubans ou cheveux de Naïades ...’’ Claude Parle.

Originaire de Stockholm, Joël Grip est un musicien improvisateur libre, et ce terme prend ici tout son sens. Sa musique, puisant aux tréfonds de son corps, son énergie vitale, a parcouru le monde entier (Japon, Chine, Inde, Europe, Amériques) à travers de nombreuses rencontres créatives. Il est l'initiateur et le co-organisateur du festival Hagenfesten Art-Flow in Dala-Floda (Suède), de l'ONG Public Health Music (amplifiant la voix des sans-foyers), et du label Umlaut Records. Il vient de sortir deux disques, l'un avec le trio free-bop, Peeping Tom, et l'autre avec Snus (Didier Lasserre et Niklas Barnö). Joël a joué entre autres avec Axel Dörner, Joe Mc Phee, Eve Risser, Evan Parker, Hermann Keller, Andrea Parkins, Sven-Åke Johansson, Sten Sandell, Itaru Oki…
http://www.umlautrecords.com/person/joelgrip

Steve Dalachinsky – lecture, voix.
The Snobs (Duck Feeling & Mad Rabbit) .

Emilie Lesbros – chant, voix.
Sabir Mateen – saxophones.

Pour fêter la sortie de l'album ‘’Massive Liquidity’’ de Steve Dalachinsky & The Snobs, ainsi que les sorties de deux livres de Matthieu Thibault ‘’La Trilogie Bowie-Eno’’, paru en 2011 chez Camion Blanc et ‘’Bitches Brew ou le jazz psychédélique’’, paru cette année chez Le Mot et Le Reste. L’album ‘’Massive Liquidity’’, édité en 2011 sur le label bordelais Bam Balam Records, propose, en deux suites de vingt minutes enregistrées au printemps 2011, les fruits de la collaboration entre Steve Dalachinsky et The Snobs. Les performances du poète, tour à tour hallucinées, sobres ou majestueuses, se voient ainsi habillées des grooves psychédéliques chers au duo. Souffle Continu accueille pour l’occasion le trio, augmenté de Devil Sister et Fuzzy Weasel, pour une performance inédite. Se joindrons pour parfaire la soirée, le très beau duo Emilie Lesbros et Sabir Mateen, en espérant un final explosif avec tous les invités …

‘’Massive Liquidity est une excellente œuvre littéraire et musicale.’’ (Extrait du webzine Néosphères : http://neospheres.free.fr/)

Steve Dalachinsky , poète new-yorkais et passionné de jazz, utilise la sonorité des mots pour mieux les éclater et les transformer. Se réclamant autant du cut-up de la beat generation, Allen Ginsberg en tête, que de l'éclatement sublime de William Blake, Dalachinsky offre également à ses textes une vie de performance lorsqu’il s’allie avec ses amis musiciens pour des concerts/récitations faisant la part belle à l’improvisation et l’expérimentation sonore des mots.

The Snobs , groupe de rock expérimental constitué de Mad Rabbit (voix, production) et Duck Feeling(instruments, électroniques), composent et enregistrent ensemble des albums élaborés en homestudio depuis 2003. Le dernier en date, ‘’Rhythms Of Concrete’’ publié en 2011, présente trois suites composées de voix psychédéliques, claviers cosmiques et sons industriels, dont la froideur évoque la danse mécanique du dandy futuriste. Discographie complète en téléchargement gratuit : http://huntingbears.free.fr/

Matthieu Thibault , musicologue et enseignant, présente également ses deux ouvrages. Le premier, La Trilogie Bowie-Eno, est paru chez Camion Blanc en 2011, tandis que son successeur, Bitches Brew ou le jazz sychédélique, vient d’être publié chez Le Mot et le Reste. Le livre propose une analyse de l’influence du rock et du funk sur Miles Davis à la fin des sixties, son goût pour l’expérimentation en studio et le rôle essentiel du producteur Teo Macero dans la réussite de l’album Bitches Brew (1970).

’’Regards malicieux des deux musiciens, connivence évidente. Un Sabir Mateen en forme, heureux d'être là et de s'essayer à un nouvel instrument, la voix, outre sa clarinette, son sax et ses flûtes. Quant à Emilie Lesbros , ceux qui n'ont pas encore eu l'occasion de l'entendre improviser seront saisis : étendue des registres, variété des timbres, dynamisme et humour. Elle est, de plus, comédienne. Un bonheur sur scène. Les deux artistes commencent par dialoguer, souvent par monosyllabes, un peu à l'image de ces salutations africaines interminables, mais ici il s'agit de jouer, le regard pétillant de plaisir. Et quand les "mots" ne suffisent plus, le saxophone poursuit pour revenir à la parole puis retour au cuivre, la voix d'Emilie Lesbros partant en claquements, vibrations sur des peaux, cris et murmures ... Epoustouflant.’’ (Extrait du blog Flux Jazz - http://fluxjazz.canalblog.com/)

Roland Kaijser – saxophones.
Raymond Strid – batterie, percussions.

La rencontre en duo de Roland Kaijser et Raymond Strid est issue du groupe Kege Snö, quartet créé lors de l’édition 2006 du festival Hagenfesten à Dala-Floda en Suède. Ce duo confronte un vétéran du free-jazz suédois, Roland Kaijser, avec un musicien plus jeune qui est maintenant reconnu sur les scènes des musiques improvisées comme l’un des principaux percussionnistes de sa génération. Il a entre autre joué aux côtés de Barry Guy, Marilyn Crispell et Joëlle Léandre, pour ne citer qu’eux. Nous fêterons ici la sortie de leur disque en duo ‘’Yellow Bell’’, produit tout récemment par le label Umlaut.

Soirée en co-production avec Tampon-Nomade.

‘’Au début des années 1970, alors adolescent, j'ai été absolument hanté par la musique en découvrant tout d’abord le classique, puis les musiques traditionnelles, le jazz et les musiques improvisées. Parallèlement à l’amour de la musique, je me suis impliqué dans les mouvances politiques radicales de l'époque. Gunder Hägg (plus tard Blå Tåget) était un groupe de rock qui avait une certaine côte et qui n’hésitait pas à afficher des textes virulents sur la situation politique de l’époque sur une musique très naïve, mais non dénuée de charme. Je me souviens notamment leur façon très particulière d’appréhender la scène. Le saxophoniste du groupe était alors Roland Keijser . Pour moi, le saxophone était un instrument très connoté jazz ou jazz rock, j’ignorai que Roland était déjà reconnue dès la fin des années 1960, dans le milieu du jazz suédois, je l’ai appris par la suite. A cette époque, lorsque j’ai commencé à sérieusement m’intéresser à la musique, c’était sous le nom de Arbete och Fritid, que Roland Keijser se produisait fréquemment sur la scène "alternative" suédoise. Ce fameux groupe c’est créé dans la continuité de son ancien quartet de jazz, brassant un savant mélange de free jazz sauvage et de rock aux tonalités ethniques diverses. On peut dire qu'ils étaient un des premiers groupes en Europe à jouer cette musique. Roland Keijser est alors devenu une de mes icônes, d’autant plus que Roland était aussi le premier saxophoniste à intégrer à son jeu de la musique folklorique suédoise, j’en étais admiratif. Lorsque j'ai commencé à pratiquer la musique, je me suis rapidement impliqué dans le milieu du free jazz et de l’improvisation libre européenne. A cette époque là, Roland avait pris des années de repos. La première fois que nous avons travaillés ensemble, ce fut en 1995 et tout de suite, la musique est devenue un étrange mélange de folklore et d’improvisations libres. Quelques années plus tard, en 2007, nous nous sommes de nouveau retrouvés pour jouer avec le groupe Kege Snö (Umlaut umcd 0010).’’ (Raymond Strid).

Né à Stockholm en 1956, Raymond Strid a commencé relativement tard à jouer des percussions. Comme il était devenu accro à l'écoute de la musique, avec parfois des dépendances de huit heures de suite devant la stéréo, l’écoute intensive l’a finalement encouragé à commencer à jouer (et à ce jour, il reste toujours un auditeur passionné). Sans formation musicale, il a pensé que les percussions seraient l'instrument le plus facile à appréhender. Il a été particulièrement inspiré par certains batteurs européens, qu’il considère comme ses maîtres : Han Bennink, Paul Lytton et Tony Oxley. Son premier concert fut le 30 septembre 1977 puis a enchaîné par la suite les rencontres et les groupes locaux à Stockholm. En 1988, il forme le trio suédois Gush avec Mats Gustafsson et Sten Sandell. Ce trio a fait naître un grand nombre de groupes et de projets comme Guy/Gustafsson/Strid, Crispell/Jormin/Strid et le trio de free jazz LSB (Fredrik Ljungkvist et Johan Berthling). The Electrics (Axel Dörner, Sture Ericson et Ingebrigt Flaten) s’est formé en 2000 et la même année, Strid est également devenu membre du Barry Guy New Orchestra. Aujourd’hui, Strid voyage et participe aux festivals d'improvisation majeurs en Europe et en Amérique du Nord. Depuis 2005, son jeu se déplace stylistiquement entre l'improvisation libre et le free jazz, parfois même il mélange les deux. Raymond Strid enseigne aussi l'improvisation, ses méthodes et ses esthétiques.
http://www.umlautrecords.com/album/yellowbell

Antoine Pasqualini - batterie, chant, guitare.
Lucie Marsaud - clavier, guitare, chant.
Thomas Rozec - basse, chant.
Benoît Guivarch - guitare, chant.
Mathieu Hauquier - trompette, chant.

Arch Woodmann présentera à Souffle Continu son nouvel album, ''Life Forms Found on a Life Boat'', rejoint par le trompettiste Mathieu Hauquier (Petit Fantôme, Botibol) et le guitariste Benoît Guivarch (Carp, Landscape, Overhead, Grand Luxe). Donnant suite aux albums ''Draped Horse Blue, Licorne Argentée, Feather Blue'' et ''Mighty Scotland'', ce nouveau ''Life Forms Found on a Life Boat'' est le premier véritable EP réalisé par le groupe.

Originaire de Brest, c'est avec ‘’Silence Radio’’ qu'Antoine Pasqualini aka Arch Woodmann a fait ses premières gammes dans un rock influencé par Fugazi. Après être tombé amoureux de la musique folk, Arch Woodmann recentre sa propre production, marquée dans un premier temps par Sun Kil Moon, ensuite influencé par les ambiances jazzy expérimentales développées par Do Make Say Think. Arrivé sur Paris pour développer une carrière solo après un EP de 5 titres, le Breton s'entoure d'amis pour concocter un premier album folk aux saveurs post-rock intitulé ‘’Draped Horse Blue, Licorne Argentée, Feather Blue’’ (2007, autoproduit, épuisé), sorti à la rentrée 2008. Après une salve d'encouragements du public et de la presse spé, Arch Woodmann poursuit son aventure avec un deuxième album ambitieux, ‘’Mighty Scotland’’ (2010, Monopsone – Differ-ant). Donnant suite aux deux albums cités, ‘’Life Forms Found on a Life Boat’’ est le premier véritable EP réalisé par Arch Woodmann. Initialement prévu pour être un album, ‘’Life Forms Found on a Life Boat’’ a été conçu entre Paris, Bordeaux et la Bretagne. A la fois enregistré dans différents appartements et maisons avec les moyens du bord, sans chercher à éluder bruits environnants, maladresses et dissonances ; et en studio (Audiotape, Paris) cet EP renoue avec le côté brut des premiers enregistrements du groupe tout en explorant une écriture plus spontanée, des textures plus synthétiques ; en intégrant aussi la trompette comme instrument à part entière. Toujours pétri d'influences post-punk, post-rock (Fugazi, Do Make Say Think, Women) et pop (Bill Callahan, Chad VanGaalen, Lake) ‘’Life Forms Found on a Life Boat’’ annonce de nouvelles directions pour une formation toujours en mutation et en mouvement et désormais éclatée entre Paris et Bordeaux.

Depuis 2007, aux Etats-Unis et au Royaume Uni, il s’est créé une journée spéciale en faveur des disquaires indépendants : le Record Store Day . De Blur à Muse en passant par Metallica, de nombreux artistes ont participé à cette journée, en proposant, en exclusivité dans les réseaux indépendants, des morceaux et des disques inédits, ou bien en s’investissant dans des animations spécifiques comme des rencontres ou des mini-concerts.

En 2011, le CALIF s’est donc naturellement associé au « Record Store Day » en créant sa version française « Le Disquaire Day » et en y associant tous les acteurs de la filière : les artistes, les labels, les distributeurs et bien sûr les disquaires. Pour cette édition 2012 ce sont 176 disquaires et plus de 150 artistes qui participeront à l’opération.

Le Disquaire Day – Record Store Day est organisé en France par le CALIF (Club Action des Labels Indépendants Français) en partenariat avec les organisations de disquaires indépendants américains Coalition Of Independent Music Stores et anglais.

http://disquaireday.fr/
http://www.recordstoreday.com/Home

ANNULE

Antje Vowinckel – orgue et objets.

Dans le cadre d’une résidence à la Cité des Arts de Paris, l’artiste sonore allemande Antje Vowinckel a proposé à Souffle Continu de jouer ‘’Orgue et objets’’, une récente pièce d’une vingtaine de minutes. ‘’Orgue et objets’’ est une performance musicale pour un ancien orgue électrique, des objets amplifiés, un haut-parleur vibrant et un ballonnet. Antje Vowinckel présentera également quelques extraits de "Call me yesterday", une pièce radiophonique à base de cours de langues internationales, qui a été distingué par le prix Karl-Sczuka-Förderpreis de la Radio SWR (Allemagne) ainsi que le prix Ars Sonore de la Radio RNE (Espagne). Ce sera donc l’occasion de découvrir son travail essentiellement centré autour de la voix et du texte et de faire un point sur sa récente discographie.

Compositrice, metteur en scène, Antje Vowinckel travaille essentiellement autour de la voix et du texte. Elle met notamment en scène des textes de Falk Richter, David Foster Wallace, Junishiro Tanizaki, Tom Johnson, Dorota Maslowska... Cependant, ces dernières années son travail s’est de plus en plus déplacé du texte vers la musique et inclut également aujourd’hui des compositions instrumentales et des performances. Sa musique se concentre sur des compositions avec des fragments de mots parlés, sous l’influence d’oeuvres électroacoustiques et de pièces radiophoniques de Pierre Schaeffer, Pierre Henry, Luc Ferrari, Mauricio Kagel, Heiner Goebbels, Tom Johnson et de Barry Bermange. Son activité consiste à chercher des structures musicales au sein du langage parlé, les extraire et les replacer dans des contextes musicaux. Aujourd’hui, elle cherche également à trouver des concepts scéniques de musique électroacoustique. Elle s’inscrit dorénavant dans le paysage de l’ “Echtzeitmusik” de Berlin, entre improvisation, composition, expérimentation… parmi des musiciens comme Annette Krebs, Andrea Neumann, Axel Dörner, Kai Fagaschinski, Ignaz Schick...

Emmanuelle Parrenin - voix, vielle à roue, épinette pas vraiment des Vosges, sanza, harpe budin, harpe yves d'arcizas.

Emmanuelle Parrenin a pratiqué le collectage de chansons traditionnelles en zone rurale, la danse contemporaine ou l'art-thérapie, mais elle est pourtant surtout connue pour avoir enregistré il y a trente ans, un disque d'une beauté énigmatique : ‘’Maison Rose’’. Aujourd'hui, elle ressort sa vielle à roue, ses harpes et son épinette des Vosges pour réinterpréter certaines de ses anciennes chansons, ainsi que de nouvelles co-écrites avec Flóp. De cette collaboration naissent ‘’Maison Cube’’, son deuxième album, paru en 2011 sur le label Les Disques Bien.

Emmanuelle Parrenin a tâté du Yoga, du Taï Chi, du Chi Kong, du Shintaïdo ou du Kototama, mais se consacre désormais au vélo et occasionnellement au métro. Elle chante et joue de la vielle à roue, diverses harpes, du piano à pouces, de l’épinette des Vosges, du dulcimer, des bols chantants. Figure fondatrice de la scène revivaliste folk en France, elle a écumé festivals et MJC et a joué avec Gentiane ou Mélusine. Elle est pourtant surtout connue pour avoir enregistré il y a trente ans un disque d'une beauté énigmatique : ‘’Maison Rose’’, que s’arrachent des collectionneurs du monde entier : le disque de post-folk ultime, entre chants traditionnels et expérimentation électro-acoustique. ‘’Maison Rose’’ est un disque post-folk envoûtant aux contours mal définis : une chanson offerte par Jean-Claude Vannier ou un air traditionnel québécois côtoient de longues plages planantes. Il est devenu fatalement un objet de collection. Aujourd'hui, elle dépoussière son instrumentarium pour réinterpréter certaines de ses anciennes chansons, ainsi que de nouvelles co-écrites avec Flóp. De cette collaboration naît contre toute attente ‘’Maison Cube’’, son deuxième album paru fin mars 2011, sur le label Les Disques Bien, ainsi qu’un nouveau spectacle : ‘’D’une maison l’autre’’, création en avril 2011, au Lieu Unique à Nantes.

Pierre Redon – électro-acoustique.

Pour la sortie du livre “vestiges ou les fondements d’un cyberécologie”, ainsi que le coffret sur les Marches Sonores EAU#1 & #2, Souffle Continu consacre un évènement autour des Marches Sonores de Pierre Redon, qui se produira en live à partir des enregistrements récoltés pour la Marche Sonore.
Les Marches Sonores sont des œuvres hybrides créées par Pierre Redon, qui mêlent création graphique, sonore et documentaire et révèlent un territoire à travers ses habitants, le son dans le paysage et l’écologie humaine. Elles se présentent comme un parcours que chaque participant vit à l’aide d’un baladeur MP3 et d’une carte créée spécialement pour chaque projet. Les rencontres restituées sous la forme d’entretiens font émerger les voix sensibles qui tissent, avec les environnements sonores ainsi créés, de nouvelles relations aux lieux et au territoire.

En partenariat avec les éditions MF, Abbaye de Maubuisson, Musée départementale de l’éducation du Val d’Oise, Quartier Rouge et les Soeurs Grées.

''L’univers de Pierre Redon est ainsi fait, entre musique des sphères et réalité ethnosociologique, entre mémoire et présent instantané. Et c’est cet entre-deux qui a donné les formes actuelles de son travail. Image, son, musique, topographie, ethnographie, marche, écoute, observation, écologie, économie, politique et poésie, traditions culturelles et rationalité utilitaire, localisme et empathie naturaliste, ruralité et modernité, ces enjeux se nouent dans des formes variées, empruntées aux choses et aux gens rencontrés in situ. Pierre Redon construit ses propositions sans a priori formel, à partir d’une pratique ancrée dans la musique et le sonore, et, avant ou autant que celle de l’art, d’une expérience du monde. (…)''. Christophe Domino pour La belle Revue en 2009.

Le coffret Marches Sonores EAU #1 #2 rassemble les cartes et les CDs ainsi qu’une série de photos des Marches Sonores de Felletin et de Faux-la-Montagne. Ces deux créations autour de la thématique de l’eau sont accessibles à pied toute l’année sur le Plateau de Millevaches en Limousin. Ce coffret constitue une documentation autonome, mais permet également de réaliser les Marches Sonores en chargeant vous-même votre baladeur audio et en vous rendant à chaque point de départ avec la carte. (Création de Pierre Redon en collaboration avec Edmond Carrère, paru chez MF éditions avec la participation de Quartier Rouge et des Sœurs Grées).
Dans la même approche que les précédentes Marches Sonores, ‘’Vestiges, ou les fondements d’une cyberécologie’’ explore l’écologie humaine, ou le fonctionnement de l’espèce humaine par rapport à son environnement. Ce livre a été réalisé à partir des images et documents divers collectés pendant un an et demi, de mai 2008 à septembre 2009, lors des recherches effectuées pour la création de la Marche Sonore. (Pierre Redon et Guy Tortosa, une commande de l’Abbaye de Maubuisson et du Musée de l’éducation du Val d’Oise).

www.pierreredon.com

REPORTÉ ULTÉRIEUREMENT !!!

Souffle Continu tiendra un stand sur le Festival Sons d'Hiver le Jeudi 09 & le Mardi 14 Février 2012

SONS D'HIVER du 27 Janvier au 18 Février 2012
Programme des concerts :
http://www.sonsdhiver.org/fr/concerts

Ollivier Coupille - électronique.

Ollivier Coupille présentera en solo des extraits d' ‘’Entrelacs’’, un travail en cours, à l'occasion de la sortie de ‘’Maille’’, de ‘’Migrations’’, de ‘’Trame’’, de ‘’3 pistes’’ et d' ‘’Entrelacs’’. Ces disques sont parus chez Loligo qui abrite une production d'œuvres d'artistes, d'œuvres composites et d'œuvres en collaboration. Les enregistrements ont été réalisés entre 2007 et 2011 à Morangis et à Paris.

Différentes formes d'ondes sont assemblées sur un métier électronique dont la composition varie au cours du temps. La performance consiste à explorer les interactions à l'intérieur du dispositif, à observer les boucles qui se forment dans le courant, à suivre des lignes. Certaines pistes sont parfois abandonnées, d'autres se ramifient... la fin d'une chose est souvent le commencement d'autre chose. Une activité des plus primitive puisque le filage, la torsion et le nouage des fibres font partie des arts les plus anciens... et nous avons appris à lire sur les pistes tracées par les animaux sur la terre, ou en suivant des yeux le vol des oiseaux en l'air. Les entrelacs - comme les sons - n'ont pas vraiment d'existence, ils dansent entre-deux, et s'évanouissent aussitôt que l'on tente de les fixer.
(La suite sur http://web.me.com/olliviercoupille)

Ollivier Coupille est né à Aix en Provence en 1952 . Il vit et travaille à Paris. Il a suivi les ateliers de Takehisa Kosugi à la Sainte Baume en 1979-1980, puis joué dans plusieurs de ses concerts. Il a étudié le shakuhachi avec Reihi Sano à Tokyo en 1982-1983, période durant laquelle il a participé à plusieurs concerts et festivals au Japon. Il a été associé à la Biennale de Paris en 1982. Certains de ses dispositifs sonores ont été exposés à Paris, Galerie Donguy (1988), et à Eindhoven (Hollande) à Het Apollohuis (1989). Il a participé à Landschap-mensenwerk à Neerijnen (Hollande) en 1988, à Sonar à Barcelone en 1995, à ISEA à Montreal en 1995, au 13ème Sound Symposium à St John's (Newfoundland) en 2006, et au festival Ça ne vaut jamais le réel à Montreuil en 2008. Depuis 1995 il a collaboré avec Sofi Hémon à plusieurs performances, installations et vidéos.
http://www.loligo.tm.fr/

Emmanuel Cremer – violoncelle.

Le violoncelle, l'instrument le plus proche de la voix humaine ?
Emmanuel Cremer joue en effet de ces voix pour donner à entendre et à sentir des histoires de vie, de petites anecdotes et parfois des légendes. Les voix se transforment pour décrire l'espace qui nous entoure, des formes dansées, peintes, filmées... A travers l'instrument, sous l'effet de ses ondes, il voudrait que le public ressente physiquement et s'approprie l'univers sonore crée.
Souffle Continu l’invite à jouer en solo pour la sortie d’un nouveau disque : ‘’Coma’’, sur le label AlambiK MusiK.

Après avoir étudié le violoncelle au Conservatoire de Marseille et s’être perfectionné avec Jean de Spengler, Emmanuel Cremer poursuit un cursus en composition et arrangement à l’Université de Montréal (Canada) puis s’oriente vers le Jazz et l’improvisation, à travers des collaborations diverses : Au sein du collectif Emir, du contrebassiste Barre Philips, dans le projet avec dispositif électroacoustique CactuSSoniC, avec le pianiste américain Denman Maronay, en duo avec le violoniste Baltazar Montanaro (duo Violoncelle) ainsi qu'en solo. Il rencontre le guitariste Raymond Boni avec qui il improvise pendant trois ans sur de nombreuses scènes européennes (Terronès, Blue Marge 2004). Il crée en 2006 le quartet Manuchello aux sonorités expérimentales jazz et rock. Puis un septet de cordes et percussions où se mêlent ses expériences de compositeur-interprète pour le théâtre (théâtre de la mezzanine à Paris), la musique de film (13 Tzameti) et l'arrangement (orchestre symphonique de Sofia pour l'album Express way des Troublemakers). Il se produit régulièrement en concert sur les scènes françaises, ainsi qu’en Allemagne, en Belgique, aux USA et au Canada.
www.myspace.com/emmanuelcremer

Jean-Luc Guionnet - saxophone alto.
Seijiro Murayama - percussions.

Pour la sortie du disque en duo ‘’Window Dressing’’, paru récemment sur le label Potlatch. ‘’Cet album est un dialogue très surprenant entre deux musiciens d'une part, mais également entre les instrumentistes et le contexte environnant. Un dialogue basé sur une écoute et une attention aiguisées, plein de tensions et de contrastes. Un dialogue également entre la présence et l'absence, entre le son et le silence, mais pas vraiment un dialogue qui joue avec l'opposition plein/vide, dans la mesure où le silence est toujours considéré comme une matière musicale, comme une texture sonore à part entière. Quatre pièces parfois difficiles et souvent minimales, réduites à l'extrême, où chaque intention se réduit à une intervention souvent très simple, mais d'autant plus intense et puissante.’’ Julien Héraud.

Jean-Luc Guionnet a étudié les arts plastiques et la musique électroacoustique avec Christine Groult, Michel Zbar et Iannis Xénakis. Poly-instrumentiste (saxophone alto & soprano, orgue, piano) il a improvisé et expérimenté dans le champ de la musique électroacoustique avec Eric La Casa, Eric Cordier, Pascal Battus, Edward Perraud, Frédéric Blondy, Sophie Agnel, André Almuro, Olivier Benoit avec les groupes Schams, Synapses, Calx, Phéromones et Hubbub. Passant d'une approche très physique du jeu, du souffle, à un travail de mise en espace du son, à travers des dispositifs sonores complexes.

Percussionniste, batteur, Seijiro Murayama donne des concerts de musique improvisée, de rock expérimental depuis 1982 et a notamment travaille avec des musiciens comme Fred Frith, Tom Cora, Keiji Haino, K. K. Null. Actuellement il vit en France et travaille avec Thierry Madiot, Pascal Battus, David Chiesa, K. K. Null, Naoaki Miyamoto, Eric Cordier, Lionel Marchetti, Michael Northam…
http://www.potlatch.fr/

Alain Pinsolle - vibraphone.
Jean- Louis Chautemps - saxophone ténor.

Pour la sortie du disque ‘’Chtarbmusique’’ d’Alain Pinsolle, paru récemment sur le label Futura-Marge avec Jean-Louis Chautemps (saxophone ténor), Roland Molinier (contrebasse) & Christian Lété (batterie). Invité à Souffle Continu, Alain Pinsolle explorera avec son vibraphone, accompagné de son vieux complice Jean-Louis Chautemps au saxophone ténor, les chemins de l’improvisation. Jean-Louis Chautemps est l’un des pionniers du jazz français, qui a entre autre joué avec Sidney Bechet, Django Reinhardt, Zoot Sims, Lester Young, Bobby Jaspar, Albert Ayler, Roy Eldridge, Don Byas, Henri Renaud, Chet Baker, Kenny Clarke, Martial Solal, Slide Hampton, Eddy Louiss, René Urtreger, Johnny Griffin, Dexter Gordon, Daniel Humair…

Alain Pinsolle est un vibraphoniste, pianiste, accordéoniste, percussionniste, improvisateur et compositeur français. Depuis plusieurs années, il dirige un quartet de musiciens interprétant une musique imprégnée de jazz moderne qu’il a nommée ‘’Chtarbmusique’’. C’est une combinaison entre improvisation totale et structure harmonique, mélodique et rythmique organisée qui propose une dimension de poétique verbale et visuelle, une tentative entre le réfléchi et le spontané.
http://terrae.free.fr/?Accueil%26nbsp%3B

Jean- Pierre Drouet - percussions.
Louis Sclavis - clarinette basse, saxophone soprano.

Hervé Péjaudier (auteur) présentera la soirée par une lecture.

Pour la parution récente du disque en trio "Contretemps etc…’’ (avec Fred Frith à la guitare), sur le label in situ. Pour fêter sa sortie, Jean- Pierre Drouet et Louis Sclavis se feront entendre cette fois en duo à Souffle Continu, ‘’sans chercher les points de repères traditionnels, musique aride, dure, qui se laisse désirer avec des moments de dérives totales. Ces instants qu’il faut savoir attendre … pour suivre les méandres de cette improvisation, de cette prise de risque insensé.’’ Nicolas Béniès.
Ça promet !

Percussionniste et compositeur français né en 1935, Jean-Pierre Drouet abandonne le piano à la suite d'un accident, étudie la composition avec René Leibowitz, Jean Barraqué et André Hodeir, part en tournée aux Etats-Unis avec Luciano Berio et Cathy Berberian, traîne dans les clubs de jazz, cherche la musique dans de multiples directions : création de nombreuses oeuvres contemporaines (Berio, Stockhausen, Xenakis, etc…), étudie les musiques extra-européennes (zarb, tablas), improvise en solo ou avec des amis... Il compose pour le théâtre (Serreau, Régy), la danse (Brigitte Lefèvre, Théâtre du Silence, Jean-Claude Gallotta), le concert (Atem, Musica, 38e rugissants, Orchestre de Paris). Le théâtre musical, qu'il découvre à travers de nombreuses collaborations avec Mauricio Kagel et Georges Aperghis, le conduit à une pratique de la scène où il rencontre notamment les machines musicales de Claudine Brahem, compose des musiques pour les hommes-chevaux de Bartabas...

Louis Sclavis est un clarinettiste, saxophoniste et compositeur de jazz francais né en février 1953 à Lyon. Il commence la clarinette à l’âge de neuf ans avant de rejoindre le conservatoire. Il se produit dès 1975 avec le Workshop de Lyon et lors de diverses formations de l’Arfi (association à la recherche d’un folklore imaginaire, fondée en 1977 à Lyon). Il rencontre ensuite Michel Portal, Bernard Lubat et joue plus tard avec le Brotherhood of Breath de Chris McGregor, le quartet d’Henri Texier, Aldo Romano etc... En vingt-cinq années de pérégrinations les plus diverses, Louis Sclavis est devenu l’une des figure de proue de la clarinette jazz européenne. Pas un répertoire qui ne soit pour lui matière à création musicale : l’œuvre du Duke comme la musique contemporaine, le free comme les folklores orientaux, la danse comme le cinéma ou la photo !

Ernest Dawkins - soprano, alto & tenor saxophones.

Pour la sortie du disque (double cd) du Chicago Trio ‘’Velvet Songs, to Baba Fred Anderson’’ avec Harrison Bankhead et Hamid Drake, produit par le label Rogue Art.
Ernest Dawkins dans la pure tradition de la Great Black Music traverse toutes les strates de la musique afro-américaine de ces cinquante dernières années. Il proposera à Souffle Continu, un solo profondément ancrée dans l'âme noire, en quête de ces moments d'extase où la transe des corps et la ferveur des esprits ne sont plus qu'une seule et même chose.

Saxophoniste, compositeur, enseignant, Ernest Dawkins est l’un des représentants les plus emblématiques de la Great Black Music. Il présida l'AACM de Chicago, dirige le New Horizons Ensemble (fondé en 1979), rassemblant trois générations de musiciens de Chicago. Il organise aussi le Chicago 12, constitués de jeunes musiciens de cette même ville, dont certains furent ses élèves. Il dirige l'Aesop Quartet, tout en participant à d'autres projets musicaux comme l'Ethnic Heritage Ensemble de Kahil El'Zabar. Dans ses explorations musicales avec l'Aesop Quartet, on peut entendre des échos de John Coltrane et Albert Ayler, des invocations de Dizzy Gillespie et Charlie Parker arrangées de telle manière qu'elles rendent un hommage à Louis Armstrong. L'Aesop Quartet intègre également une part importante du hip-hop, qui trouve ses racines dans la tradition jazzistique. Son jeu lie à la perfection la tradition du jazz et le free, l'influence des grands maîtres, comme ceux du bebop ou John Coltrane et l'exploration expérimentale.
http://web.roguart.com/

Emmanuel Rabu – texte, voix.
Basile Ferriot – percussions, électronique.

Pour la sortie du livre ‘’Futur Fleuve’’ de Emmanuel Rabu, paru aux Éditions Léo Scheer dans la collection Laureli.

INDEX une liste anthropique duo hypnotique vertical et horizontal

Futur fleuve : Une catastrophe nucléaire d’ampleur mondiale a lieu. L’humanité oublie ses prétentions pour être condamnée à la survie. Un groupe de personne décide de quitter leur ville détruite à la recherche d’un endroit plus vivable. Le livre est l’histoire de leur trajet et la description d’un monde apocalyptique. Il décrit les aventures de personnages attachants projetés dans une situation extraordinaire avec un bon sens du suspens, sachant aussi s’adonner à de passionnantes descriptions de paysages fascinants de désolation. En parallèle est, entre autres, évoquée la question de la domestication animale – les animaux ayant survécu réinvestissant le champ laissé vaquant par les hommes affaiblis. Pas de misérabilisme, pas de constat désespéré : la fin est ouverte, permettant d’imaginer comment réinventer la vie dans un monde menacé. On songe à La Route de Cormac McCarthy, l’univers de J.G. Ballard... ; et côté cinéma : une démarche comparable à celle de Quentin Tarantino ou Robert Rodríguez : investir le champ de la série B. Emmanuel Rabu ne perdant par ailleurs rien de l’exigence de son écriture : le livre est, non pas un compromis mais une rencontre sincère entre littérature dite populaire et littérature dite exigeante.

Emmanuel Rabu est né à Nantes en 1971 et vit à Paris. Il a notamment publié Futur Fleuve (Laureli/Léo Scheer, 2011), Tryphon Tournesol & Isidore Isou (Le Seuil, Fiction & cie, 2007), Cargo Culte (Dernier Télégramme, 2007). Écrivain et poète sonore, il a créé et dirigé des festivals et événements autour de la poésie sonore et de la musique improvisée. Il a également dirigé plusieurs revues et collectifs notamment la revue PlastiQ (éditions MeMo, 1999) revue papier + CD consacrée à la poésie et aux musique dites expérimentales, et Écrivains en séries (Laureli/Léo Scheer, deux volumes, 2009 et 2010) collectifs faisant se rencontrer écrivains et séries télé. Il travaille en duo depuis 1999 avec le musicien Basile Ferriot : nombreuses programmations en France et à l’étranger, et vinyle prévu en avril 2012. Du printemps 2011 au printemps 2012, Emmanuel Rabu bénéficie d’une résidence de la région Ile-de-France pour, notamment, développer une programmation littéraire et musicale dans le réseau des librairies de l’est parisien LibrEst : www.librest.com

Basile Ferriot est membre du duo One Lick Less au côté de Julien Bancilhon, cogne la batterie dans le groupe de noise-rock Xnoybis, fait vibrer les métaux et les peaux à grands renforts d'amplification et d'électronique dans ses escapades improvisées avec Jassem Hindi et collabore avec la Cie de théâtre Möbius-Band.

Daunik Lazro - saxophones.
Roger Turner – batterie, percussion.

Il y a plus de dix ans était publié sur le label Emouvance, un album solo du saxophoniste : ‘’Zong Book’’. Aujourd'hui, c'est au tour d'Ayler Records de publier la suite, ‘’Some Other Zongs’’ où le retour en solo de Lazro, uniquement au baryton cette fois, avec deux pièces enregistrées au festival Europa Jazz et quatre autres à l'église Saint-Merry à Paris. Pour fêter la sortie de ce disque intense, le saxophoniste a invité le redoutable percussionniste anglais Roger Turner dont il croise le chemin depuis bien des années maintenant. Ce sera aussi l’occasion de fêter la sortie de ‘’Pourtant les cimes des arbres’’, autre nouveauté, en trio cette fois aux côtés de Benjamin Duboc et de Didier Lasserre, paru sur le tout nouveau label français Dark Tree.

‘’Figure majeure de la musique improvisée européenne, le saxophoniste Daunik Lazro est depuis trente ans le défricheur inlassable de nouveaux territoires, dans l'héritage du jazz ou cultivant ses marges. Un parcours intransigeant, autodidacte, qui est avant tout le signe d'une grande exigence de soi. Daunik Lazro découvre le jazz à la fin des années 1950 avec Sidney Bechet, puis Charlie Parker, Ornette Coleman… C'est ce dernier qui l'amène à adopter le saxophone alto. Au milieu des années 70, il fait ses classes avec le contrebassiste américain Saheb Sarbib, puis s'associe à l'aube des années 1980 avec notamment Jean-Jacques Avenel, Siegfried Kessler ou George Lewis, pour des formations de plus en plus engagées dans l'improvisation libre (trois albums en témoignent sur le label suisse Hat Hut). L'écoute du saxophoniste anglais Evan Parker, et la voie tracée par le français Michel Portal, le portent à affirmer une identité européenne décomplexée de l'héritage du free jazz américain. A l'instar du trio emblématique qu'il forme en 1986 avec le saxophoniste Michel Doneda et le percussionniste Lê Quan Ninh : l'improvisation réfute tout langage préétabli, la rencontre prenant son sens par le don de soi dans un processus rituel. Daunik Lazro privilégie les petites formations sans hiérarchie, inspirées par « la magie du matériau sonore, beaucoup plus que par les formes ou les structures verticales ». Les années 1990 seront marquées par un nouvel intérêt pour le jazz, avec le quartet Outlaws In Jazz auquel participe le batteur américain Dennis Charles, et surtout la concrétisation de la rencontre avec le saxophoniste et trompettiste Joe McPhee (notamment en duo et au sein du quintet Dourou). Daunik Lazro renoue plus explicitement avec les notions de phrasé et de tempo, à l'aune du trio And His Orchestra, formé avec deux compagnons de longue date, le contrebassiste Jean Bolcato et le batteur Christian Rollet. Le saxophoniste y garde en mémoire les incantations ayleriennes, avec un lyrisme à la fois tendre et acéré porté par la tension permanente entre phrase et matière. C'est par un album solo que Daunik Lazro inaugurera le siècle naissant, ‘’Zong Book’’, aboutissement d'une pratique décisive, l'occasion pour le saxophoniste de se livrer à l'introspection abrupte d'un sculpteur sonore. Il y donne libre cours au baryton, instrument adopté plus tardivement que l'alto, avec lequel il avoue effectuer « un retour aux origines, au non savoir ». Si, ces dernières années, il s'ouvre à de nouveaux champs d'expérience (notamment avec le duo électroacoustique Kristoff K.Roll), c'est aussi l'occasion de creuser plus encore un rapport privilégié avec les cordes. Régulièrement associé au violoniste Carlos Zingaro, il double volontiers les contrebasses dans ses propres projets. Souplesse harmonique et caractère incisif du jeu sont en correspondance directe avec sa recherche de finesse des textures, lui ouvrant des univers proches de la micro tonalité. C'est dans cet esprit qu'il rejoint le quartet NOHC sous l'égide du violoncelliste Didier Petit, et que se construit le quartet Aérolithes avec deux saxophonistes, violon et violoncelle. Un itinéraire exemplaire aux confins de l'improvisation, s'interrogeant sur le lien entre espace intime et alchimie collective, dans le mystère de l'instant. ‘’
Thierry Lepin.

Roger Turner est un batteur et percussionniste hyperactif au sein de la Free Music européenne et de la musique progressive britannique dite de "Canterbury". Dans les années 60 / 70, très tôt intéressé par l'improvisation, il explore les percussions, travaille avec le groupe de percussionnistes ghanéens Mask et le groupe de musique expérimentale "The Ritual Theatre". A partir de 1974, développant son propre style, il joue en solo lors de festivals (Festival de Jazz de Bracknell et Festival de la Percussion de Bruxelles). Roger Turner enregistre l'un de ses premiers disques, "Sunday Best", en 1979 sur le label Incus en duo avec le saxophoniste ténor Gary Todd. Il obtient à deux reprises, en 1980 et 1983, une bourse du Arts Council pour prolonger ses recherches sur les percussions et l'électronique. Durant cette période, il enregistre son premier album solo "The blur between". En 1984 et 1985, il suit un atelier au sein de l'IACP, l'Institut Art Culture Perception fondé à Paris par Alan Silva au milieu des années 70. Parallèlement à cet enseignement auprès de cette importante figure du Free Jazz américain, Roger Turner travaille pour la musique rock et la chanson, sans que ces collaborations soient particulièrement "traditionnelles". Il joue en duo avec Annette Peacock de 1983 à 1987, et avec le groupe de "post-wave" The Nose Flutes de 1986 à 1987. Roger Turner a ensuite collaboré avec Toshinori Kondo, Derek Bailey, John Russell, Steve Beresford, Carlos Zingaro, Evan Parker (au sein du Evan Parker Quintet), Joëlle Léandre, Otomo Yoshihide, Shelley Hirsch, Keith Rowe, Wolfgang Fuchs, Cecil Taylor, Alan Silva, Phil Minton (en duo et au sein du Phil Minton Quartet avec Veryan Weston et John Butcher), au encore au sein d'un trio avec Carlos Zingaro et Tom Cora, avec diverses formations rattachées à la scène progressive britannique dite de "Canterbury", notamment avec les saxophonistes Lol Coxhill et Elton Dean (l'un des membres fondateurs du célèbre groupe Soft Machine)... Parmi ses nombreuses collaborations, depuis 1993, Roger Turner tourne régulièrement avec la formation "In The Tradition", qui comprend Alan Silva, Johannes Bauer et Abdelhaï Bennani. Il participe avec Lol Coxhill et le guitariste Mike Cooper au groupe "The Recedents" et est membre du collectif "Konk Pack" avec Thomas Lehn à l'électronique et Tim Hodgkinson (co-fondateur du groupe mythique Henry Cow) aux anches.

Joachim Badenhorst - clarinettes, sax ténor.
Pascal Niggenkemper – contrebasse.
Frantz Loriot – violon alto.

Pour la sortie de l’album ‘’Fremdenzimmer’’, paru en novembre sur le label Clean Feed.

BaLoNi est l'histoire d'une rencontre entre trois musiciens d’horizons géographiques différentes : la Belgique, la France et l'Allemagne. En 2008 à Brooklyn, New York, Joachim Badenhorst (clarinettes, sax ténor), Frantz Loriot (violon alto) et Pascal Niggenkemper (contrebasse) se réunissent par hasard et une amitié surgit, les parcours et les visions musicales différentes de chacun s’unissent et les trois compères donnent naissance à BaLoNi. Ils choisissent alors comme terrain d’entente, l’improvisation. Ces musiciens chevronnés participent chacun à de nombreux projets annexes ou se croisent Tyshawn Sorey, Simon Nabatov et Gerald Cleaver, Thomas Heberer, Han Bennink, John Hollenbeck, Ralph Alessi, Joëlle Léandre, the David S. Ware String Ensemble, Anthony Braxton & the Walter Thompson Orchestra, Mikko Innanen, Franck Vigroux, Michael Formanek, Andrea Parkins, Jean-Luc Cappozzo, Alexei Borisov...
Leur musique raconte une histoire profonde et subtile, pleine de poésie et de surprise.
http://www.frantzloriot.com/BaLoNi.html
http://www.pascalniggenkemper.com/baloni_files/baloni-presskit.pdf

Emilie Lesbros – chant, voix.

Pour la sortie de son premier album solo ‘’Attraction Terrestre’’ (DFragment Music / L’Autre Distribution).

‘’Emilie Lesbros nous apparaît sur scène tel un Pierrot, à la fois frêle et lumineuse, puis nous prend et nous emmène dans son théâtre intime. Le chemin parcouru par cette jeune chanteuse depuis sa rencontre avec quelques personnalités fortes de la musique improvisée, et parmi elles, le contrebassiste Barre Phillips, l’a amenée à parcourir et enrichir au fil du temps son vocabulaire vocal de toutes ses excursions dans des territoires presque illimités de l’expression vocale. Elle nous présente dans ce solo l’exploration en solitaire de ce qu’on pourrait appeler son théâtre intérieur, où la voix, associée parfois à un piano où à une basse acoustique posée à la verticale sur la scène, mêle musique et mots, sons et phonèmes. Sur la pointe des pieds elle apparaît ; sur la pointe des pieds, elle quitte la scène ! Entre temps, elle a laissé le public sous le charme ; on aurait presque pu dire qu’un ange était passé par là, mais encore faut-t-il croire aux anges…’’ Anne Montaron (" A l’improviste" / France Musique)

Par ses expériences atypiques, la chanteuse Emilie Lesbros rend mouvantes les frontières existant entre musiques improvisées, jazz expérimental et musiques contemporaines. Son parcours, entre formation classique – elle étudie le chant lyrique et jazz au conservatoire – et projets musicaux éclectiques au sein de diverses formations allant du rock aux musiques électroniques, l’amène à développer une curiosité sonore insatiable. Sa rencontre avec le contrebassiste Barre Phillips est déterminante et la conduit à explorer en profondeur le champ des musiques improvisées. Emilie Lesbros élargit ses recherches vocales en travaillant avec des compagnies de théâtre, de danse contemporaine et de nouveau cirque. Autant d’expériences collectives qui lui ont permis d’affiner ses propres choix et d’explorer l’espace scénique, se forgeant ainsi une présence singulière face au public. Après avoir emprunté de nombreux chemins de traverse, Emilie Lesbros a donc décidé de se consacrer à une exploration en solitaire, s’accompagnant ponctuellement au piano, à la basse ou au violon. Ces soli, au-delà de simples performances sonores, mêlent des compositions finement mélodiques à de purs moments d’improvisation. Il émane de sa musique une forte théâtralité et une poésie en équilibre instable entre humour et gravité, au fil de chansons étranges et décalées. Son disque ‘’Attraction Terrestre’’, l’ancre définitivement dans une mouvance inclassable où elle peut bouleverser avec jubilation les règles esthétiques et stylistiques, pour y répandre son univers singulier.
http://www.myspace.com/emilielesbros

Dominique Pifarély - violon.
Violaine schwartz – voix, chant.

Pour la sortie de l’album ‘’Prendre corps’’, autour des poèmes de Ghérasim Luca, paru sur le label Poros.

"Comme en miroir du document phonographique auquel elles s'appliquent, les liner notes de Yannick Séité, d'une rare finesse, participent d'une autre conjonction disjonctive, d'une autre association déliée que celles des mots de Ghérasim Luca et du violon de Pifarély, qu'un jeu de collisions conjugue avec une brutale élégance. En résonance, ou en pré-écho, mais aussi comme une ombre-silhouette de la voix de Violaine Schwartz, l'instrumentiste improvise sans le moindre pléonasme, d'où l'impression d'un "dialogue" (et non d'une bande-son commentant) dont l'apparent décollement et les césures ne sont pas sans évoquer les American Haikus de Jack Kerouac à quoi répondaient (en 1958) les ténors de Zoot Sims et Al Cohn. Amateurs de musique d'ameublement, passez évidemment votre chemin, dans la mesure où les textes du poète roumain remarquablement francophone (Bucarest, 1913 - Paris, 1994) se découpent, se scandent, s'enroulent au gré d'une acrobatique volubilité, au point de swinguer ou groover avec une naturelle virtuosité qui rendrait envieux nombre de rappeurs et slameurs. D'autant que les propos surréalistiquement énoncés ne sont jamais anecdotiques mais déclinent et évoquent sous des masques ludiques, en des réitérations, allitérations et paroxysmes vertigineux, des vérités premières auxquelles éros et thanatos ne sont jamais étrangers. Pas étonnant que Ghérasim Luca, qui devait se jeter dans la Seine, en ait enregistré quelques-uns (Violaine Schwartz et Dominique Pifarély les ont-ils écoutés?)" Philippe Carles (Jazzman-Jazzmag)

Dominique Pifarély , violoniste, compositeur, chef d'orchestre, reçoit son premier violon à l'âge de 6 ans, poursuit des études classiques, pratique les musiques traditionnelles et le rock, se destine à la musique de chambre et puis décide d'être musicien. De 1979 à 1990, il se produit en trio aux côtés de Didier Levallet et Gérard Marais. Ses deux premiers quartettes seront illustrés par deux disques, Insula Dulcamara (1988) et Oblique (1992). Il fonde ensuite le Sclavis-Pifarély Acoustic Quartet (avec Bruno Chevillon et Marc Ducret), qui se produira jusqu'en 1997 dans les principaux festivals européens, ainsi qu'au Canada et au Japon (Acoustic Quartet, ECM, 1993). Puis il entame en 1996 un dialogue avec François Couturier, concrétisé par l'enregistrement de Poros (ECM, 1997), où la musique échappe à toute catégorie, mariant écriture et improvisation. Parallèlement aux rencontres qui continuent de jalonner son parcours, Dominique Pifarély mène de front différents projets. L'ensemble Dédales réunit 9 musiciens-improvisateurs. Impromptu prolonge le travail commencé avec François Couturier en compagnie du haute-contre Dominique Visse, et marque son attachement à la poésie et la littérature. Il travaille ainsi à des lectures /performances en compagnie de l’écrivain François Bon et des comédiens Violaine Schwartz et Pierre Baux. Enfin, il forme en 2007 un trio avec Julien Padovani aux claviers et Eric Groleau à la batterie.

Formée à l’école du Théâtre National de Strasbourg, Violaine Schwartz joue au théâtre sous la direction de Jacques Lassalle (Mélite, de Corneille), Georges Aperghis (la Baraque foraine), Alain Ollivier (Les Bonnes, de Jean Genet), Marcel Bozonnet (Ophélie et autres animaux, de Jacques Roubaud), Frédéric Fisbach (Tokyo Notes, de Oriza Hirata), Pierre Ascaride (Papa, de Serge Valetti). Elle a également joué dans plusieurs mises en scène de Ludovic Lagarde : Le petit monde de Georges Courteline ; Sœurs et frères, de Olivier Cadiot ; Platonov et Ivanov, de Anton Tchekhov ; Le Cercle de craie caucasien, de Bertolt Brecht (dont elle a co-traduit le texte avec F. Rey). Dernièrement, elle a joué dans Comment une figue de paroles et pourquoi de Francis Ponge (mise en scène Pierre Baux et Célie Pauthe), Quartett de Heiner Müller (mise en scène Célie Pauthe), Le Passage des heures de Fernando Pessoa (mise en scène Pierre Baux), Une nuit à la bibliothèque de Jean-Christophe Bailly (mise en scène Gilberte Tsaï), Zig Bang Parade de Georges Aperghis (création collective), L’ignorant et le Fou de Thomas Bernhard (mise en scène Célie Pauthe), Slogans de Maria Soudaïeva (mise en scène Charles Tordjman). Par ailleurs, sa formation de chanteuse (soprano) l’a amenée à jouer dans des spectacles de théâtre musical, sous la direction d’Ingrid von Wantoch Rekowsky (La chose effroyable dans l’oreille de V.), Jacques Rebotier (Le théâtre en questions), Jean Lacornerie (Mahagonny et Happy end, songspiel de Kurt Weil et Bertolt Brecht), Pierre Baux (Rosalie au carré, textes de Jacques Rebotier), Dominique Pifarély (Anabasis), Etienne Pommeret (Joséphine ou le peuple des souris de Franz Kafka). Elle a également crée un tour de chant autour du répertoire réaliste en duo avec la contrebassiste Hélène Labarrière.
http://www.pifarely.net/

'From abstract blues to noise'.
Michel Henritzi – guitare, lapsteel, banjo, amp, feedback, turntable, mange-disque, percussions, voix.

Pour la sortie de trois nouveaux albums : ‘’Outside Darkness’’ en duo avec Rinji Fukuoka, paru sur le label japonais PSF, ainsi que deux solos : ‘’Walking in the Shadow’’ chez N.O.T et ‘’Kyoto No Tsuki & Dyin’ Shadows’’ chez Dyin Ghost Rec.

Michel Henritzi est musicien, producteur (A Bruit Secret), tourneur (Keiji Haino, Taku Sugimoto, Sachiko M, Kan Mikami...) et critique musical (Revue & Corrigée, Sound Projector, Peace Warriors, Improvised Music of Japan, Oprobrium). Lauréat de la Villa Kujoyama (2007). Membre des Dustbreeders (avec Yves Botz et Thierry Delles) et les Howlin’Ghost Proletarians (avec Fabrice Eglin). Il a croisé la route de Junko, Kumiko Karino, Rinji Fukuoka, Masayoshi Urabe, Chie Mukaï, Tamio Shiraishi, Mico, Yukiko Nakamura, Tetuzi Akiyama, Taku Sugimoto, Shin’ichi Isohata, Masafumi Ezaki, Toshimaru Nakamura, Ito Atsuhiro, Ami Yoshida, Jojo Hiroshige, Fumio Kosakai, Kiyoharu Kuwayama, Tetsuo Furudate, Mattin, Bruno Fernandes, Nicolas Moulin, Miguel Prado, Quentin Dubost, Ivar Grydeland, Fergus Cullen, Gerome Nox, Aya Onishi and the Nihilist Spasm Band…
http://michelhenritzi.canalblog.com/

Marie Guilleray – voix & électronique.
Bjarni Gunnarsson - électronique.

Pour la sortie de l'album "Korabie", composées autour d'improvisations de six nouvelles pièces, enregistrées ces deux dernières années. Sur "Korabie", un tissu dense de sonorité se construit à partir des voix et des manipulations vocales qui créait des drones et des microsons. La musique semble alors venir de sources multiples, des dynamiques et des espaces apparaissent dans la relation intime de la voix humaine et de l'électronique.

MGBG est le fruit d’une collaboration entre Marie Guilleray et Bjarni Gunnarsson. Tous deux travaillent à partir de matériaux composées et improvisées afin d'explorer au plus profond les combinaisons entre la voix et l'électronique. L'interaction entre voix, électronique, ‘’field recordings’’ et traitements informatiques de sons acoustiques, comme des gongs, de la harpe ou de l'accordéon, créait une palette de sons très riches qui prend alors toute sa dimension dans l'espace.

Née en 1978, Marie Guilleray est une chanteuse improvisatrice et compositrice française, actuellement basé à la Haye aux Pays-Bas. Elle se produit principalement dans des contextes d'improvisations libres, musique expérimentale et contemporaine. Son travail se concentre autour du chant aux techniques étendues, de la poésie sonore et des combinaisons de la voix et de l'électronique. Elle est membre de plusieurs ensembles comme le Royal Improvisers Orchestra (RIO). Elle collabore également à différents projets de musique expérimentale, improvisé et électronique. Actuellement elle suit des recherches sur les combinaisons entre la voix et l'électronique à l'Institut de Sonology à la Haye aux Pays-Bas.

Né en 1980 à Reykjavík, Bjarni Gunnarsson est un compositeur et artiste sonore islandais. En tant que membre du duo de musique électronique Einóma, il a enregistré de nombreux lp’s, ep’s et différents titres et remixes sur des compilations produit sur des labels tels que : Vertical Form, Thule, Uni:form, Spezial Material, Trachanik et lmalc. Bjarni s’est produit dans de nombreux festivals en Allemagne, Angleterre, France, Belgique, Danemark, Hollande, Grèce, Irlande et Islande. Il a étudié la composition avec Gérard Pape, Trevor Wishart, Agostino Di Scipio et Curtis Roads au centre de musique CCMIX à Paris et termine actuellement un master à l'Institut de Sonology au Royal Conservatory of music à Den Haag.
http://www.mgbg.net/index.htm

Pour la sortie du livre de Bernard Girard ''Conversations avec Tom Johnson'' aux éditions Aedam Musicae.

Tom Johnson est l'un des pionniers du mouvement minimaliste, mouvement musical devenu populaire par quelques oeuvres symboles mais dont les racines restent encore à découvrir.
Le style de Tom Johnson est reconnaissable entre tous, tant son usage des mathématiques que par sa volonté d'user de matériaux restreints; des matériaux à entendre, à comprendre, à anticiper. La perception de l'auditeur est envisagée au-delà d'une seule réception passive. Sans agir sur son déroulement, l'écoute participe à l'oeuvre.

"Je veux trouver la musique, pas la composer. Les idées semblent beaucoup plus riches quand elles viennent de quelque part hors de ma petite tête"

Tom Johnson est né dans le Colorado en 1939. Il a étudié à l'université de Yale, puis en privé avec Morton Feldman. Après 15 ans à New York, il s'installe à Paris, où il habite depuis 1983. Tom Johnson est généralement considéré comme un minimaliste, puisqu'il travaille avec du matériel toujours réduit, en procédant toutefois de manière nettement plus logique que la plupart des autres minimalistes, ce qui se traduit par un emploi fréquent de formules, de permutations et de séquences prévisibles.
Tom Johnson est connu surtout pour ses opéras. Depuis 25 ans on présente régulièrement ‘’L'Opéra de quatre notes’’. ‘’Riemannoper’’ (1988) a été mis en scène plus de 20 fois depuis sa création à Brême en 1988. Parmi ses oeuvres non-opératiques, qui sont jouées souvent, on peut compter les ‘’Histoires à dormir debout’’, les ‘’Rational Melodies’’, ‘’La Musique et les questions’’, les ‘’Duos’’ à compter, le ‘’Tango’’, ‘’Les Vaches de Narayana’’, et ‘’Echec’’ : une pièce très difficile pour contrebasse. L'oeuvre la plus importante, le ‘’Bonhoeffer Oratorium’’, pour orchestre, choeur, et solistes, avec textes du théologien Dietrich Bonhoeffer, a été créée par l'orchestre et choeur de la radio hollandaise à Maastricht en 1996, et a été présenté aussi à Berlin et à New York.
Tom Johnson a également écrit de nombreuses oeuvres radiophoniques, telles que ‘’J'entends un chœur’’ (pièce radiophonique commandée par Radio France pour le prix Italia en 1993), ‘’Music and Questions’’ (diffusé en CD par le Australian Broadcasting Company), et ‘’Die Melodiemaschinen’’ commandé par WDR, Köln, qui l'a diffusée en Janvier 1996. Les enregistrements principaux disponibles aujourd'hui sont les CDs ‘’Musique pour 88’’ (XI,1992), ‘’Rational Melodies’’ (Hat Art, 1993), et le ‘’Chord Catalogue’’ (XI, 1999) ’’The Voice of New Music’’, une anthologie d'articles écris pour le Village Voice (1972-1982) a été publié par Apollohuis. ’’Self-Similar Melodies’’, un texte théorique en anglais a été édité en 1996 par les Editions 75. Johnson a reçu le prix des Victoires de la musique 2000 pour "Kientzy Loops".
http://www.editions75.com/default.htm

Pour la sortie du nouvel album ‘’Behind Nothing’’, paru récemment sur le label Ing-on, faisant suite à ‘’The end between’’ sorti en 2006 et ‘’Wihthout Shade’’ en 2008. C’est une version live de ce nouvel opus qui sera ici présenté.

Michel Guillet , plasticien et musicien, développe depuis dix ans une musique électroacoustique aux accents bruitistes. Les sons d’origines analogiques et acoustiques sont traités puis composés en une succession d’événements et de strates qui se répondent et interagissent en tension, créant un espace dessiné en perpétuel mouvement. Michel Guillet collabore avec des chorégraphes contemporains, Marco Berretinni, Claudia Triozzi, Sylvain Prunenec, Donata d’Urso, ainsi qu’avec des plasticiens dont il élabore des environnements sonores. Il est l’auteur de trois disques : Il a participé aux festivals Présences Electroniques, Free Son, European Sound Delta et Mal au Pixel.

Michel Guillet - "Behind Nothing" (CD by Ing-on).
The name Michel Guillet popped on a compilation back in Vital Weekly 459, but with his third album 'Behind Nothing', I get my first proper introduction. The information that came along consists of a list of concerts he played, various collaborations, installations and the previous releases. He describes his music to be with an 'electroacoustic spirit and a noisy touch' - which is not far from the truth. Like so many composers, especially from France, Guillet is a man to use computer treatments as his primary source/instruments. What goes into that, we don't know. These might very well be field recordings or pure electronic sounds, but whatever it is, they are indeed heavily treated. The output - the music released on CD - is quite dynamic, all over the sound spectrum, with great care for details, but its also quite loud, in a noisy sense of the word. And normally I am not a big lover of noise anymore, but such works as those by Guillet are quite nice: you can hear that it is made with great care and thought, which is something that lacks in the world of true noise. Composition is something that seems of interest to Guillet, and not 'let the machines run by themselves'. Loops of sound, abstract blocks and tiny segments are placed alongside each other. A rare thing to see musique concrete using such volume (which is not even close to say Merzbow), but still with great sensitivity towards composition. Excellent discovery. (Franz De Waard).

http://www.myspace.com/michelguillet

Claude Tchamitchian – contrebasse.

Pour la sortie du récent solo ‘’Another Childhood’’ produit par le label Emouvance.

L’ « autre enfance », la « haute enfance », c’est sans doute cette façon de brancher en prise directe l’émotion, l’intelligence et le sensoriel, de savoir montrer plus que de savoir dire. « Offrande musicale », pourrait-on sous-titrer l’album si quelqu’un n’en avait déjà eu l’idée. Pour nous, public, c’est surtout, pour la première fois, l’occasion de devenir contrebasse pendant cinquante minutes. Le genre de proposition qu’on ne refuse pas, surtout avec ce contrebassiste-là. Diane Gastellu. (Citizen Jazz).

Né le 28 décembre 1960, le contrebassiste et compositeur Claude Tchamitchian commence en autodidacte, puis suit des études de musique au conservatoire d'Avignon. Il y fait la connaissance de Rémi Charmasson et d'André Jaume avec qui il collaborera. Par la suite, il multiplie les collaborations avec les pointures du jazz français : Stéphan Oliva, Yves Robert, Sylvain Kassap, Gérard Siracusa, Gérard Marais, Jacques Di Donato, Philippe Deschepper, Jacques Thollot... des européens : Gian Luigi Trovesi, Ersnt Reiseger, Phil Minton, Chris Biscoe… ou encore des américains : Jimmy Guiffre, Eric Watson, Andy Sheppard, Linda Sharrock, Barre Phillips, Ray Anderson... Il est leader de l'ensemble Lousadzak et membre du Megaoctet d'Andy Emler avec lequel il forme, ainsi que le batteur Eric Echampard, le trio E.T.E. Il travaille également depuis bientôt vingt ans dans différents domaines artistiques : création de musiques originales pour la danse et le théâtre (toutes ces créations étant toujours jouées et intégrées dans les différents spectacles). En 1994, il créé et co-fonde le label Emouvance à Marseille avec lequel il développe des projets artistiques qui s'inscrivent tous dans le monde de la musique actuelle, soit écrite, soit improvisée. Emouvance est ainsi devenu, au-delà d'un label, une véritable structure de production. Également depuis plus de quinze ans, il s'investit régulièrement dans des projets pédagogiques, en tant qu'artiste associé, sur des résidences, ou bien encore en tant qu'intervenant sur des publics très divers, amateurs ou professionnels.
http://www.emouvance.com/

’’Ernie Ball’’- Dominique Dupart
Elsa Pokrovsky – lecture.
Matthieu Goudot - guitare.

Pour la sortie du livre ‘’Ernie Ball’’ de Dominique Dupart au "Editions Caedere".

Mathieu Goudot est guitariste du groupe ‘’Un vivant un poète un mort un chien’’. En 2009, il fonde l’Athanor avec le comédien David Mayeux et crée la pièce de théâtre sonore ’’Alchimie du Verbe’’, autour des ‘’Illuminations’’ d’Arthur Rimbaud.
http://21-3.pagesperso-orange.fr/page21.html

Sibiel
Théo Girard - contrebasse.
Jean-Philippe Feiss – violoncelle.
David Potaux-Razel – guitare.

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Théo Girard - contrebasse.
Franck Vaillant – batterie.

Pour la sortie du nouvel album de Sibiel ‘’La douceur’’, paru récemment sur le label Discobole.

'’On aurait envie d’écrire un poème pour décrire la musique, mais comment ? Il en faudrait un par personne, plus un pour tout le monde. Une « berceuse » ouvre le bal, délicate, chantée par le violoncelle à l’archet, dessinée par la contrebasse pizz et fleurie par les effets de la guitare électrique. Tout est subtil, fin, ciselé par un travail d’orfèvre. Le chant des archets est souvent trituré par une guitare électrique parfois un peu zélée. Si l’on devait exprimer un regret, ce serait que la musique, si subtile, en arrive à manquer de corps. Plutôt horizontale, elle suscite l’envie – presque érotique d’être prise à bras le corps, soulevée, tendue, mordue, pénétrée. Elle manque d’à-coups, de trous, de prises ; elle est tellement belle qu’elle en devient lisse. C’est avec la guitare acoustique que disparaît ce regret : « La pluie » donne à entendre une profondeur et une épaisseur réjouissantes – une magnifique réussite !’’ Raphaëlle T. (Citizen Jazz).

Sibiel est un trio violoncelle-guitares-contrebasse au répertoire tsigane, yougoslave, roumain et bulgare qui prend la parole dans une langue encore inconnue, mais aux multiples racines. Ce trio à cordes atypique puise dans les musiques improvisées, le jazz et les musiques traditionnelles. L’univers de Sibiel est intimiste et bouleversant, grave et chantant au gré de ses compositions.
http://sibiel.free.fr/

Sarah Bernstein – violon, voix

Pour la sortie du disque "Unearthish’’ sur le label Phase Frame, Sarah Bernstein nous offrira un solo de violon, effleuré de quelques mots. Son jeu au charme lyrique et son sens aigu de la mélodie rappelleront peut-être le fantôme de Tom Cora.

Compositeur, violoniste, chanteuse, Sarah Bernstein situe sa musique à mi-chemin entre la composition, dans un esprit jazz contemporain / avant-jazz, la musique de chambre, des solos pour pièces électroniques, la musiques de film et le spoken word. Ses projets actuels sont le Sarah Bernstein Unearthish (avec Satoshi Takeishi), Iron Dog (avec Stuart Popejoy et Andrew Drury), Sarah Bernstein Quartet, Adam Rudolph & le Go:Organic Orchestra et Anthony Braxton Tri-Centric Orchestra. Elle travaille régulièrement avec un grand nombre de musiciens comme Dave Scott, Kris Davis, Tyshawn Sorey, Ches Smith, John Tchicai, William Parker, Jason Kao Hwang, Shoko Nagai, Hans Tammen, Dafna Naphtali, Emilio Solla, Jane Rigler, Sara Schoenbeck, Nisi Jacobs, Michael Schumacher et bien d’autres. Sarah Bernstein a grandie à San Francisco, en Californie et vie aujourd'hui à Brooklyn, New York.
http://sarahbernstein.com/

Pour la sortie du nouvel album ‘’III : Ame’’, paru récemment sur le label Basses Fréquences.

MesseBasse est la rencontre de musiciens à la culture et au parcours musical respectif différent : l’univers sombre et bruyant de DouleurFantome & Créature (Vincent Vigier) entre en résonance avec l'approche expérimentale de la guitare basse de Fabrice Richard, ceci sublimé par des chants affolés, sortes de complaintes viscérales, obsédantes et théâtrales de Azusa Kurokawa invitée sur les 3 albums du projet.
Après deux albums sortis sur le label français A-haeon, leur noise brutal a progressé vers une ambiance plus instrumentale, plus éthérée.
MesseBasse nous livre donc un troisième opus, enchantant, céleste et puissant, calme mais inquiétant, triste mais positif, qui finit par nous faire oublier notre matérialité…

http://www.douleurfantome.com/
http://www.bassesfrequences.org/

Thierry Madiot - Ziph.

Pour la sortie de l’album de Ziph ‘’Musique pour trompes et ballons’’ (avec David Bausseron, Claude Colpaert, Vincent Debaets, Lune Grazilly, Patrick Guionnet, Jacques Leclercq, Thierry Madiot, Yanik Miossec, Aline Paligot, Michael Potier, Christian Pruvost et Li-Ping Ting), enregistrement capté en direct deux pistes et masterisé par Éric Cordier pour le label Prele Records.

A force de démonter son trombone, d’y souffler à l’envers d’y brancher des tuyaux en caoutchouc ou des ballons de baudruche, Thierry Madiot a fini par inventer un nouvel instrument : Ziph.
Avec le Ziph, il n'y a pas de notion d'improvisation, ni de partition, juste une simple mise en espace (en cercle tourné vers l'extérieur ou l'intérieur, en ligne, dispersés, en déplacement, focalisés ou disséminés), une notion de durée, un parcours de quelques modes de jeu, et une écoute de l'espace sonore. Ils utilisent tous le même instrument et les mêmes indications. Ils ne s’entendent pas individuellement mais uniquement en soustraction. C'est à dire par l'absence de leur son dans le collectif. À l'image des chants d'insectes, chaque souffleur est élément inaudible d'un tout, unique et multiple à la fois. Leur instrument n'en es déjà plus un. Simple tuyau télescopique en polystyrène-choc de 20 à 250 cm munis en général d'un ballon-sculpture en latex naturel, il est le moyen d'occuper l'espace acoustique de nombreuses manières. Leur son est le résultat acoustique d'une pensée influencée par les pratiques électroniques, les trompes primitives et le minimalisme.

http://www.prelerecords.net/

Jean-Jacques Birgé invite Antonin-Tri Hoang

Jean-Jacques Birgé - Mascarade Machine, Tenori-on, Kaossilator.
Antonin-Tri Hoang - sax alto, clarinette, clarinette basse.

Soirée Jean-Jacques Birgé, c’est l’occasion de faire un point sur sa copieuse discographie, d’écouter cette rencontre exceptionnelle avec peut-être même des invités surprises sous réserve!

Compositeur de musique, réalisateur de films, auteur multimédia, designer sonore, Jean-Jacques Birgé envisage la musique essentiellement dans la relation audio-visuelle, ou du moins dans sa confrontation aux autres formes d’expression artistique.
Fondateur des Disques GRRR, il fut l'un des premiers synthésistes en France dès 1973, et avec Un Drame Musical Instantané le précurseur du retour au ciné-concert en 1976. Si sa première œuvre électronique date de 1965, il compose aussi bien pour des orchestres symphoniques qu’il improvise librement avec des musiciens venus d’horizons les plus divers. Pour ses créations « radiophoniques » et ses spectacles multimédia (zapping en direct sur grand écran, feux d'artifice, chorégraphies...), l'improvisation et l'écriture préalable se confondent, les traitements électroacoustiques originaux s'intègrent aux instruments traditionnels pour fabriquer d'évocatrices fictions musicales qu'il nomme musique à propos. À partir de 1995, il devient l'un des designers sonores les plus en vogue du multimédia et le spécialiste de la composition musicale interactive, cherchant à approfondir les effets de sens et à développer un éventail d’émotions toujours plus large. Il cosigne régulièrement avec Bernard Vitet, Françoise Romand, Antoine Schmitt, Nicolas Clauss, Frédéric Durieu, Raymond Sarti, Vincent Segal… El Strøm est le nouveau trio de Birgé avec Sacha Gattino et la chanteuse danoise Birgitte Lyregaard. Il est directeur musical des Soirées des Rencontres d'Arles de la Photographie. Il tient un blog quotidien depuis 5 ans et donne des conférences sur les rapports son-image.

Né en 1989 à Paris, Antonin Tri Hoang commence la clarinette classique à neuf ans et se dirige très vite vers le jazz en découvrant le swing des années 30. Dès ses débuts, il se produit très souvent sur scène dans des contextes variés au saxophone, à la clarinette ou au piano mais aussi au théâtre dans la pièce ‘’Une Bête sur la Lune’’ de Richard Kalinoski (5 ‘Molières’ en 2001). Il entre au Conservatoire de Paris en 2005 dans la classe de jazz dirigée par Riccardo Del Fra, puis dans la classe d’improvisation générative dirigée par Vincent Le Quang et Alexandros Markeas. Il a composé pour deux expositions de l’artiste Pierre Huyghe: ‘’The Host and The Cloud’’ en Octobre 2009 et Février 2010. Il se produit dans diverses formations au saxophone alto, à la clarinette et à la clarinette basse. Depuis 2009, il fait partie de l’Orchestre National de Jazz (ONJ) (deux albums) et a publié en mai 2011 son premier album en duo avec Benoît Delbecq (Bee Jazz).

http://www.drame.org

General Bye Bye
Philippe Beer-Gabel - guitare, voix, kantélé.
Emmanuel Quirié – claviers.
Etienne Gillet – batterie.

Thomas Mery – guitare, chant

2 show-cases pour fêter les sorties respectives de deux nouveaux albums six titres : ‘’Blood on my keyboard’’ de General Bye Bye et ‘’Les couleurs, les ombres’’ de Thomas Mery.

General Bye Bye est un trio mi-branque mi-savant, associant avec fraîcheur le tranchant des cordes en acier, la frénésie cardiaque des peaux sur les fûts et l’envoûtement enchanteur des circuits imprimés. Les chansons de General Bye Bye laissent tantôt rêveur, tantôt danseur. Un ensemble foutraque qui sent l’humus et l’écume, les vestiaires et le plastique fondu. Philippe Beer-Gabel (guitare, voix, kantélé), l’homme à 3 mains, Emmanuel Quirié (claviers) et enfin le lunaire Etienne Gillet (batterie, bugle) ébauchent les plans d’une musique nouvelle à la croisée de Kraftwerk, Michaël Nyman et Blonde Redhead. Après un premier album intitulé ‘’Girouette’’, paru au mois de Mai 2010, le groupe part en campagne avec ‘’Blood on my keyboard’’, mini album six titres enregistré à Memphis sur le chemin du retour de leur tournée marathon aux Etats-Unis l'été dernier.

Thomas Mery est une figure aussi rare que précieuse de la scène musicale française et européenne. Il marque les esprits dès 1996 au sein du groupe Purr, auquel il apporte textes et mélodies, à la guitare et au chant principalement. Il pose dès lors les bases de son vocabulaire sonore : chant clair, direct, souvent troublant, une certaine urgence dans la voix, textes collages, un raconter dont le sens ne surgit que par la synthèse. Il joue aussi déjà avec des extraits sonores, désincarnés, décontextualisés, dont ne compte plus alors que l’émotion qu’ils suscitent. Dès le début des années 2000, démarre pour Thomas l’aventure solitaire. D’électrique, la guitare devient acoustique. La chanson disparaît un temps et fait place aux boucles, aux manipulations numériques. Un son nouveau émerge avec ‘’I Matter’’, EP sorti en 2003. Paysage sonore épuré, nuancé et changeant. La voix de Thomas se fait de nouveau entendre en 2005, avec ‘’Hallonsaft’’. Les textures électroniques se dissipent et sous-tendent désormais le chant et la guitare. L’héritage folk - plus anglais qu’américain - est bousculé, réapproprié, transcendé par une modernité sans concession. Arpèges, finger-picking, souffle et articulations vocales esquissent le contour des dix chansons de son premier album solo ‘’A ship, like a ghost, like a cell’’ en 2006. Dix morceaux en anglais, instantanés autobiographiques et impressions fugaces. La technique affinée sert l’émotion : mélancolie, espoir, détachement, perte de contrôle… Thomas Mery laissera passer cinq années pour enfin sortir ‘’Les couleurs, les ombres’’, un nouvel album produit par Own Records. Cinq ans qui ont permis de faire la somme de son vocabulaire et de poser les bases de son travail futur.

PFL Traject

Pascal Pariaud - clarinette, tuyaux.
Jean-Charles François – percussion.
Gilles Laval – guitare électrique.

Pour la sortie récente du premier album de ce trio d’improvisation lyonnais : PFL Traject.

Groupe d’improvisation, PFL Traject est le résultat d’une rencontre entre trois musiciens aux parcours très différents, que ce soit dans le type de musiques abordées, dans les familles instrumentales maîtrisées ou dans l’implication professionnelle inhérente au monde musical. Les trois musiciens juxtaposent l’interprétation des répertoires plus ou moins récents, l’invention de nouvelles pratiques, le jeu sur instruments anciens, sur instruments des musiques traditionnelles, sur instruments des nouvelles technologies, le souci d’une connaissance historique pour aborder les répertoires, la nécessité de se confronter au chaos à venir, la réflexion critique sur l’art d’aujourd’hui et son inscription dans les logiques de médiation culturelle et d’éducation.
Le nom du groupe fait référence au voyage imaginaire de chaque rencontre improvisée, à partir de sonorités élaborées d’une part dans la confrontation des différences stylistiques que chaque instrumentiste peut développer et d’autre part par un travail de construction en commun, lors de rencontres périodiques.

Cédric Thimon - saxophones.
Chris Corsano - batterie.

Soirée en partenariat avec l'Europa Jazz Festival.

C’est dans le cadre d’une tournée inédite, que le saxophoniste manceau au jeu fluide et puissant : Cédric Thimon (membre remarqué de Zéphyrologie, Glück ou Slurp Brass Band) va rencontrer l’un des jeunes batteurs les plus recherchés de la scène américaine actuelle, Chris Corsano , remarqué aux côtés de Joe McPhee, Evan Parker, Paul Dunmall, Paul Flaherty, Thurston Moore… et même Bjork (lors d’une tournée de 80 concerts et d’un album ‘’Volta’’ en 2007). Musicien globe-trotter, à cheval entre les scènes free-jazz et free-folk, qui un jour peut jouer dans un stade de 70 000 personnes (lors de sa tournée avec Bjork) et le lendemain chez un disquaire parisien, devant des auditeurs attentifs et passionnés, Chris Corsano est un batteur intense qui place l’énergie au centre de son projet et qui est avant tout amoureux de toutes les rencontres musicales possibles…ça promet!

Margarida Guia – voix-poésie et fragrances sonores.

Comédienne et performeur née en 1972 à Bressuire, Margarida Guia commence par le théâtre en tant que comédienne et metteur en scène, avant de s'orienter vers le chant et la lecture publique, notamment de poèmes. Sa découverte du milieu de la musique improvisée l'a conduit à explorer le mot comme une partition sonore et sa voix comme un instrument. Elle joue avec des musiciens rencontrés à la croisée des chemins tout en présentant un "Solo" entourée d'accessoires tels que des boîtes à musiques, radios, mélodica, métronome, sampler, mégaphone qu'elle mélange à des ambiances urbaines. En 2002, elle demande au designer Michel Véla de lui réaliser une bibliothèque ambulante : "Bibliambule", qui l'accompagne depuis dans ses performances. Margarida Guia a également fait partie des groupes "Peinture fraîche" (Lille) et "Confort synthétique" (Lille) et avec Serge Teyssot-Gay à l’enregistrement de : ‘’Des Millions de morts se battent entre eux’’ de Krzysztof Styczunski, paru aux éditions Caedere.

http://21-3.pagesperso-orange.fr/

www.myspace.com/margaridaguia

Eryck Abecassis - électronique.

Pour la sortie de "#4 Resonant Doom" (Real Granular Reality - rgr11).

Eryck Abecassis est né à Alger. Il s’installe à Paris en 1979 pour y entreprendre des études de cinéma, parallèlement à une activité de photographe. En 1981 il se tourne définitivement vers la musique. Après des études d'écritures d'harmonie et de contrepoint, Il s’intéresse aux ateliers de recherches instrumentales de l’IRCAM (il y suivra plus tard le cursus d’informatique musicale). Ses nombreuses collaborations qui le mènent de la scène au cinéma, en passant par le théâtre de rue, ont pour conséquences le développement d’un style en marge des courants traditionnels et d’une certaine forme “contemporaine“ établie – un regard nourrie d’autres pratiques, écoutes, habitudes de représentations et le refus d’un certain académisme moderne. Sa recherche, depuis deux années se nourrie d’un intérêt croissant pour la “noise music“, tant au niveau compositionnel, que instrumental (hybridation d’instruments et synthèse sonore). Son travail s’oriente aussi vers les espaces publics, avec le souci constant du renouvellement des habitudes d’écoutes et des modes de représentations. Ce travail peut prendre divers formes, parcours, performance, installation, opéra, et a pour visée la transformation du spectateur en un véritable habitant musical de l'oeuvre. Il a composé de nombreuses musiques de films, dont “Hava Ane Dey“ de Partho Sen Gupta (sélection Berlin 2004, Best Film award à Durban et Manchester). Sa carrière de musicien électronique soliste l’emmène aussi dans de nombreux pays dont la Corée du sud, le Brésil, l’Autriche, l‘Allemagne, l’Italie, l‘Espagne ainsi que la Pologne et les Pays Bas. Il est actuellement membre des groupes Kernel (laptop trio) et PiR (percussion /computer).

Eryck Abecassis a également obtenu des commandes de Radio-France, du Gmem, de Grame, de l’Ina-Grm, de l’État, de l’EMS Stockholm… Ses pièces ont été jouées par des ensembles comme Accroche-note, 2e2m, le trio Aller-Retour, Insieme, L’Octuor de violoncelle, le trio Èquinoxe, l’ensemble Fa, L’EOC, le Quatuor Diotima, Kernel, Ars Nova… Il est également lauréat du programme Culture France Hors les murs – Villa Médicis 2011.

Maki Nakano - sax alto, metallo-clarinette, voix, ney.
Yann Pittard - guitare baryton, oud, fx.

Pour la sortie de deux nouveaux albums : ‘’Chansons muettes et musiques bavardes’’ & ‘‘Musique vagabonde’’, tous deux parus récemment sur le label Open Music.

Projet musical fondé en 2006 par Maki Nakano et Yann Pittard autour d'improvisations, d'oeuvres d'Erik Satie et de compositions originales. Apres plusieurs tournées au Japon et des concerts de New York à Istanbul, ils présenteront au Souffle Continu leurs deux nouveaux albums : ‘’Chansons muettes et Musiques bavardes’’ et ‘’Musique Vagabonde’’.

"Sincère, imaginatif, honnête et si charmant !" John Zorn.

http://kyweb.fr

Julien Bancilhon - guitares, chant.
Basile Ferriot - batterie.

Pour la sortie du disque “And we could be quiet” (autoproduction).

Julien Bancilhon fabrique des guitares artisanales qu'il travaille ensuite corde à corde jusqu'à la cassure. Entre chansons et blues, entre bruit et fureur, il sait user en toutes mélodies de sa voix comme de ses hurlements. Au départ en solitaire, il est rejoint en 2010 par Basile Ferriot à la batterie. Il partage également la scène avec Benjamin Renard (Red Horn Cannibals), Olivier Brisson et Christophe Marais (A.K. Studs), Xavier Houillot et Maxime Harnois (Anal Malox).

Basile Ferriot cogne également la batterie dans le groupe de noise-rock Xnoybis, fait vibrer les métaux et les peaux à grands renforts d'amplification et d'électronique dans ses escapades improvisées avec Jassem Hindi et fait du free-jazz avec Bertrand Denzler. Il collabore aussi avec le poète Emmanuel Rabu et la Cie de théâtre Möbius-Band.
www.myspace.com/onelickless

transmutation électronique pour improvisation saxophonique.

Quentin Rollet – saxophone alto.
dan.digital - live processing.

Pour la sortie immédiate d’un disque en fin d’évènement. Soirée exceptionnelle puisque chacun d’entre nous pourra repartir avec le disque de la soirée (gravé sur place). Alors venez avec vos oreilles écouter le duo ‘sax bruyant, brûlant et laptop au top’ et repartez avec le disque chez vous !

Né en 1974, fils du batteur de free Jazz Christian Rollet, Quentin Rollet débute le saxophone alto à l’âge de onze ans. Il s’intéresse dès son adolescence aux scènes créatives françaises du jazz au rock, en passant par le punk, le folk et toutes sortes de musiques transversales. Il deviendra membre du groupe parisien qualifié d’emo-core : Prohibition, entre 1994 et 1999. Il fonde entre temps le label Rectangle avec le guitariste Noël Akchoté en 1995 (produisant 60 disques en 10 ans, incluant par exemple David Grubbs, Fred Frith, Derek Bailey, Eugene Chadbourne, Costes...). Il préconise à travers son label, toutes sortes de rencontres entre des improvisateurs européens et des groupes de rock aventureux. Quelques belles rencontres verront le jour. Il tourne ensuite avec David Grubbs en 1997, puis de 2000 à aujourd’hui, au grès de rencontres attendus ou inattendus, hors des sentiers battus, il croise le fer ou la scène aux côtés de Red Krayola, Ghédalia Tazartès / Jac Berrocal / David Fenech, Phoebe Killdeer & The Short Straws, Charlie O Trio, David Grubbs, Akosh S. Unit, Mendelson, Herman Düne, Prohibition, Bästard, Eugene Chadbourne, Q+O, Portobello Bones, Cyann & Ben, Rollet Père & Fils, PQ, Red, Erik Minkkinen, MOSQ…

Le travail de dan.digital se situe à la frontière entre la musique électronique, l'électroacoustique, la musique expérimentale et le live electronic. Ses pièces électroniques se présentent sous forme de performances sonores live. Il effectue un travail de composition et de mixage à partir de sons enregistrés, qu'il traite, modifie en direct, au moyen de spatialisation en multi diffusion, le plus souvent en quadriphonie. Sa liberté d’improvisation lui permet de renouveler une véritable expérience lors de chaque concert, en alliant les sonorités les plus radicales comme les plus douces. Il élabore une approche personnelle de la matière sonore offrant à l’auditeur une grande liberté d’écoute propice à stimuler l’imagination poétique de chacun. DanQ présentera ici sa musique d’improvisation et de transformation en temps réel.
http://dan.digital.free.fr/

Pour la sortie du livre ‘’La spirale de la parole’’ de Guillaume Bergon aux éditions Caméras Animales. Soirée présentée par l’éditeur Mathias Richard, avec des lectures de Méryl Marchetti, Didier Calléja Koeurpurs et de Guillaume Bergon lui-même, suivies d’une intervention de Thierry Théolier.
http://www.camerasanimales.com/index3.html

Au commencement était le Verbe... et à la fin reste l'affirmation du Nom. On peut se demander à la faveur de quelle collision d'astres Guillaume Bergon a canalisé une écriture aussi magnétique et addictive. Le constat est que La spirale de la parole ne ressemble à rien de connu. Sept ans de travail, de réécritures successives, ont été nécessaires à l'auteur pour aboutir à ce joyau : une langue qui abandonne le verbe, se fait incantation nominale jusqu'à la transe, pour atteindre un vertige de sons et de sens (l'ouïe de l'oeil) à travers la puissance psychédélique des mots.
Guillaume Bergon est né en 1979, il vit à Paris. http://www.camerasanimales.com/auteurs06 http://vimeo.com/19143786

"Ses longs cheveux, son regard profond, hanté par une vague de tristesse combative évoquent d'emblée la figure d'un Christ. Mais pas n'importe lequel, plutôt un prophète psychédélique, assoiffé de Néant : Thierry Théolier a.k.a. THTH n'a qu'un seul message à transmettre à la communauté des hommes : "VANITAS VANILLA RECTUM". Son énergie, il la puise dans le ressentiment social : "La Hype est cynique, alors je serai son double aberrant. Je suis un intuitif. Quand je critique, c'est en sniper-bourrin comme dans un jeu vidéo en réseau hyper-violent. Je veux simplement baiser, boire et bouffer, trouver une issue dans cette société opaque, une porte où m'introduire." Pour échapper à l'exclusion, au dilemme de l'initié (en être ou ne pas en être), il s'invente homme de la mise en relation : il crée en janvier 2002 sur Internet le blog des casseurs2hype, puis le Syndicat du Hype, une plateforme d'échanges des soirées parisiennes, un Fight Club du parasitisme : vernissages, VIP parties, promotions de marques, événements corporate. La mailing liste, nourrie par des évangélistes sataniques, agents triples délateurs, livre les bons plans et astuces pour s'infiltrer, vider les buffets, affaiblir son foie, relancer sa libido, conquérir la gold des dames liftées. Le voici bête noire des attachés de presse, trafiquant de flyers, parrain de la média nostra, dandy d'un banditisme cosy : "le Crevard number one".
http://thth.free.fr/crevard/interview_VILLA_ARSON/

Pierre-Antoine Badaroux – saxophone alto.
Sébastien Beliah – contrebasse.
Antonin Gerbal – percussion.

Pour la sortie du nouvel album ‘’r.mutt #03’’ paru récemment sur le label Umlaut.

Nom emprunté à la signature des urinoirs de Marcel Duchamp, le projet r.mutt a vu le jour à Paris en 2005. Depuis 2006, le groupe explore les frontières entre composition et improvisation. Le groupe possède à ce jour, trois enregistrements. Ce troisième et nouvel album est sa première sortie officielle, les deux premiers étant des cd-r autoproduits. Aujourd’hui, r.mutt ne cesse de tracer son chemin hors des modes et des frontières, invitant les auditeurs à une expérience unique dans le rapport espace/temps. Leur musique n’a ni début ni fin, l'équilibre se situe entre les choses, dans un centre toujours instable. Des couches sonores se déplacent sans cesse, se croisent, se mélangent. L'auditeur trace son chemin à travers les buissons, attrapant ce qu'il peut au passage, créant sa propre réalité.
http://www.umlautrecords.com/album/rmutt03

Guillaume Orti – saxophone alto.
Stéphane Payen – saxophone alto.

Pour le plaisir du duo et faire un point discographique sur les récentes sorties du groupe Thôt, une formation dans laquelle il se retrouve tous deux.

Né en 1969, Guillaume Orti débute le saxophone avec Francis Montesinos puis Francis Grand. Au CNR d'Avignon de 1985 à 1989, il se forme au jazz avec André Jaume et au saxophone classique avec Robert Malbec et Jacques Pierson. Il suit des stages de Yoshk'o Seffer, Joe Lovano, ainsi que le séminaire d'été de la Banff School of Fine Arts (Canada) en 1990 sous la direction de Steve Coleman, avec notamment Abraham Adzenyah, Rufus Reid, Marvin Smith, Kenny Wheeler... Il a enseigné le jazz et l'improvisation à l'EMMA de Bondy de 1992 à 1997 aux côtés de Benoît Delbecq et Gilles Coronado ainsi que dans de nombreux stages et master classes en France et en Finlande. Il fonde l’association Mercoledi & Co qui de 1997 à 2000 organisera plus de 60 événements. Il enseigne le jazz et l’improvisation à l'EMMA de Bondy (1992 à 1997), ainsi que dans de nombreux stages et master classes en France et en Finlande.
http://www.guillaumeorti.com/

Stéphane Payen débute son apprentissage de la musique à l'âge de 15 ans avec Eric Régnier, puis en autodidacte et auprès de Benoît Delbecq, Serge Adam et Eric Barret. Parallèlement, il renforce sa formation au cours de stage avec George Russel, Dave Liebman, Richie Beirach, Steve Coleman ... En 1993, il part étudier au Berklee College of Music (Boston) avec Bill Pierce, David Locke, Steve Prosser… De 1996 à 1999, il fait partie de Tribu de Geoffroy De Masure ... Durant cette période, il participe aussi à de nombreux concerts Mercoledi & Co aux Instants Chavirés, concerts au cours desquels sont jouées nombres de ces compositions .... De 2000 à 2004, il est membre du collectif Hask. Il a joué entre autres avec Sophie Agnel, Steve Argüelles, Sylvain Cathala, François Corneloup, Benjamin Duboc, Alexandra Grimal, Joël Grip, Thierry Madiot, François Merville, Olivier Sens, Gilles Coronado, Franck Vigroux, Hubert Dupont, Franck Vaillant, Thierry Marietan, Doug Hammond, Hasse Poulsen, Tom Rainey, Henrik Simonsen…
http://www.stephanepayen.com/

Mathias Delplanque - électronique.
Emmanuelle Gibello - électronique.

Soirée autour du label ‘Bruit Clair’
http://www.bruitclair.com/

Mathias Delplanque est né en 1973 à Ouagadougou, Burkina Faso. Il vit et travaille à Nantes. Son activité de musicien électronique commence en 1998 lorsque, juste issu de l’Ecole des Beaux Arts, il met un terme à sa pratique de la sculpture pour se tourner vers la création sonore. Il a depuis sorti de nombreux disques sur plus d’une dizaine de labels internationaux, sous son nom ou sous les pseudonymes de Bidlo ou Lena (son projet electrodub). Il participe à de nombreux projets collaboratifs, tels que The Missing Ensemble, Afterlife Music Radio… Il est enfin le fondateur d’un ensemble musical à géométrie variable baptisé The Floating Roots Orchestra (auquel ont collaboré des musiciens tels que Steve Argüelles, Rob Mazurek, Black Sifichi, Charlie O...). Initialement conçue comme une pure production de studio, sa musique s’est ouverte ces dernières années à plus de flexibilité, laissant une place grandissante au jeu live, et associant divers instruments acoustiques à l’ordinateur, lui-même conçu comme un véritable instrument. Ses performances live sont aujourd’hui des improvisations où la production sonore en direct prend le pas sur la simple diffusion. Mathias Delplanque dirige le label Bruit Clair.
http://www.mathiasdelplanque.com/

Emmanuelle Gibello est née à Paris. Elle développe depuis 2001 une pratique qui emprunte à la fois aux arts visuels et à la musique électronique. Très influencée par les nouvelles technologies qu'elle s'approprie en autodidacte, son travail est également nourri de matières littéraires (Didier Anzieu, Samuel Beckett, Philippe K. Dick, Haruki Murakami…). Elle interroge les rapports sons, images, paysages sonores et souvenirs. Son travail de composition et de mixage s'effectue à partir de sons enregistrés dans de multiples contextes, naturels et urbains. Cette collection de bruits issus du quotidien comme de ses voyages lui permet d'explorer et de manipuler, au moyen d'outils électroniques: internet, camera, micros modifiés… les différentes strates des sons concrets et synthétiques. En enregistrant les nouveaux paysages sonores générés par l'homme, leurs transformations, elle revisite l'espace sonore urbain afin d'éveiller une autre perception de la symphonie complexe du monde contemporain. A l'instar d'une performance, ses pièces sont exécutées en direct et en public par elle-même ou d'autres interprètes. Elle privilégie la diffusion spatialisée en multidiffusion (quadriphonie, octophonie, acousmonium) ou au casque, pour donner une écoute proche de celle du monde réel. Le son est mis en espace. Un son qui vient de côté ou de l'arrière est effrayant, une vague qui déferle sur vous de tous côtés aussi. Elle crée des micro-chaos dans l'écoute, perturbant l'auditeur avec des sons parasites semblant connus mais ne pouvant être entendus dans le monde réel, ils sont signes de ''vie''. On a pu entendre son travail au Japon, en Corée, aux Philippines, en Europe, en Amérique du Nord mais aussi sur l'internet, où elle est active depuis 1999, dans plusieurs projets solo ou collaboratifs tels que: nocinema.org, myownspace.fr sobralasolas.org... Collaborations : Magali Babin, Dominique Blais, Sévrine Ballon, Caroline Bouissou, Christophe Charles, Yannik Dauby, Mathias Delplanque, DinahBird, Chantal Dumas, Luc Kerléo, Alain Michon, Jocelyn Robert, Diemo Schwarz, Black Sifichi, Björn Eriksson, Kaffe Matthews…

akaBondage – basse & électronique d’outre-mer...
Mattia Coletti – guitares, percussions, voix, kalimba…
Ravi Shardja – basse, flûte traversière, platine, mélodica, guitare à l’archet…

Pour la sortie du split album de Giradischi / Ravi Shardja, dans la série a-enharmonique Vol.1 (Suara).

Musicien, sound-designer, dj radio et collectionneur de sons depuis 1995, akaBondage est aussi à l’aise dans la pratique de musiques noise/rock autant que dans l’abstract hip-hop, pratiquant les musiques électroniques de formes écrites avec autant de plaisir que les musiques improvisées, akaBondage a fondé (ou co-fondé) les groupes Osaka Bondage, The French Doctors ou L’autopsie a révélé que la mort était due à l’autopsie. Il a joué avec une grande variété de musiciens issus de domaines fort variés, parmi lesquels : Colder, Erik M., Sensational, Damo Suzuki, Anla Courtis, Jean-François Pauvros, Michel Bulteau, Kouhei Matsunaga, Permanent Fatal Error, dDamage, Pascal Marzan, Black Sifichi… En outre, il a participé à différents projets pour la danse, des performances, cinéma ou télévision, spectacles multimédia...
www.akabondage.com.

Ce jeune musicien italien, proche de la scène psych-folk/weird-folk développe un univers où les guitares égrenées se noient dans de longues et lentes ballades spatiales. On relève d’ailleurs dans la musique de Mattia Coletti tout un tas de mélodies psychédéliques, des traces héritées de Syd Barrett, de Red Krayola, de John Fahey, de Devendra Banhart, voire encore de Vincent Gallo… Quelques bribes mélodiques façon chansons pop expérimentales rappellent légèrement Sigur Ros. A la fois calme et intense, sa musique laisse un vrai goût d’authenticité.

Poly-instrumentiste (basse, flûte traversière, platine), compositeur aux œuvres éclectiques, on peut entendre Ravi Shardja sur son propre label fondé en 2007: Suara. Il apprécie la compagnie et le jeu musical des autres, c’est ainsi qu’il collabore avec le groupe Gol depuis sa fondation ainsi qu’avec la formation franco-italienne Oleo Strut, ou encore au sein du duo Giradischi. Ravi Shardja est radio actif depuis 1999, mais aussi dans les domaines du cinéma, de la danse et du théâtre. Sur son chemin il a rencontré et joué avec Charles Hayward, Charlemagne Palestine, Tony Allen, Dave Nuss, Iancu Dumistrescu, Ana-Maria Avram, Roberto Bertacchini, Xavier Iriondo, Monobloc Sound Fidelity, Jean-Marcel Busson, Frederic Rebotier, Samon Takahashi, Brunhild Ferrari…
www.myspace.com/ravishardja

Fred Marty - contrebasse.

Pour la sortie du disque autoproduit "empreintes irrégulières".

Fred Marty a suivi des études de contrebasse classique dans la classe de Daniel Marillier au Conservatoire de Boulogne Billancourt où il a obtenu un premier prix. Il approfondit le jazz à Bordeaux au Centre d'Information des Activités Musicales (CIAM) et développe son expérience de musicien et de compositeur au sein d'univers musicaux variés comme le classique, le jazz, les musiques latines, le rock et plus récemment, les musiques électro-acoustiques. Son parcours atypique l'a amené récemment sur Paris où il dirige essentiellement son travail sur l’improvisation. En Janvier 2009, il est à l'initiative d'un projet basé sur cette orientation: Empreintes Irrégulières. Le titre du projet évoque l'importance donnée à l'inconnu, l'impermanence et montre également son expression musicale basée sur le lyrisme, les effets de percussions et la recherche du timbre.
Fred Marty a joué avec : Claude Parle, Yuko Oshima, Ai Watanabe, Birgitte Lyregaard, Nelly Jallerat, Patrick Charnois, Fabrice Dupé, Valery Bertrand, Itaru Oki, Yoko Arai, Bob Marsh, etc.
http://www.fredmarty.com/

This is the kit

Pour la sortie de ‘’Wriggle Out The Restless’’ (DreamBoat Records).

Kate Stables alias This is the Kit, n’a pas arrêté d’attirer sur elle les regards les plus bienveillants : un premier album (Krülle Bol) produit par John Parish, un single (Two Wooden Spoons), publié par Sunday Best, le label de Rob da Bank (figure culte de la BBC, héritier de la case horaire de John Peel) et enfin son 2ème album : ‘’Wriggle Out The Restless’’ sur un label indépendant anglais (DreamBoat Records). Il est le résultat d’une longue et lente maturation, comme sont faits les bonnes bières ou les bons whisky de son pays natal, elle-même nourrie de ses multiples rencontres artistiques : Animal Collective, Tunng, Vashti Bunyan à l’occasion de l’enregistrement de la compilation ‘’Sunday Best’s FolkOff’’, mais également The National, Elysian Fields, Jose Gonzales, Vetiver, … dont elle a partagé les scènes.

‘’Le but était de s’amuser en jouant avec des personnes dont j’apprécie vraiment le travail’’ raconte Kate. ‘’Plus on échange et plus on partage les uns les autres, plus les choses aboutissent et sont riches d’enseignements.’’ Toutes ces expériences associées au travail d’instrumentistes de Jessy D Vernon (The Invisible Pair of Hands, sur feu le label trip Hop pionnier de Bristol ‘’Cup of Tea ‘’ puis Morning Star), Jim Barr (Portishead), Rozi Plain (Fence) participent au son délicat mais robuste de ce superbe nouvel album.

Mike Reed - batterie.
Greg Ward - saxophones.

Le batteur Mike Reed qui se produira ici en duo, s’emploie à décoder les messages énergisants envoyés par les musiciens de sa ville de Chicago, depuis cinquante ans, et à y découvrir autant d’invitations aux voyages les plus fabuleux dans le temps présent.

Soirée en Coproduction avec la série Bleu Indigo, orchestré par Alexandre Pierrepont et en Partenariat avec le Musée du Quai Branly.

Né en 1974 à Bielefeld en Allemagne, Mike Reed y a vécu pendant cinq ans, puis a grandi à Evanston, au nord de Chicago. Batteur et compositeur, il fait partie depuis 1997, de la dynamique scène du jazz et des musiques improvisées de Chicago et devient membre de l’AACM. Son univers rythmique se situe entre celui d’Elvin Jones et celui de Rashied Ali, avec en plus une sorte de complexité tonale qui lui est personnel. On pourrait qualifier son jeu de ‘’Pan-tonalisme’’, mais il va bien au-delà, dans une sorte de recombinaison de la batterie de nombreux styles de l'histoire du jazz. Grâce à son jeu, il embrasse à la fois le passé et le futur. Il utilise parfois autour de sa batterie des d'objets trouvés, des pots et des casseroles pour cymbales fissuré, mais son jeu reste tout de nuance et d'inflexion. Il partage régulièrement la scène avec David Boykin, Nicole Mitchell, Jeff Parker, Josh Abrams, Brian Anderson et d’autres… Il se produit à travers différentes régions du monde, parcourant de prestigieux festivals, tout en continuant à donner des concerts intimes à Chicago.

Né en 1982, Greg Ward apparaît rapidement comme un saxophoniste important de sa génération, à la fois dans le jazz contemporain, la funk, la musique latine, indienne, africaine et le klezmer… Il a grandi à Chicago dans un environnement musical, en chantant notamment dans des groupes de gospels lorsqu’il était enfant, jusqu’à la découverte de la musique de Charlie Parker qui le décide alors de devenir saxophoniste. En 2002, le légendaire Fred Anderson le choisit pour participer aux régulières jam sessions de son club de jazz, le Velvet Lounge. Greg Ward a joué avec de nombreux musiciens comme Von Freeman, Frank Wess, Al Jarreau, Carl Allen, Rufus Reid, Jeff Parker, Brian McNight et Hamid Drake et a voyagé à travers le monde. Il est aujourd’hui membre du Ernest Dawkins’ Chicago 12, le Occidental Brother’s Dance Band, Ted Sirota’s Rebel Souls, le Proliferation Quartet, Bindu et le Chicago Afro-Latin Jazz Ensemble. Il dirige aussi le groupe de soul expérimental We Tree et co-dirige le TBD (orchestre d'Improvisation). Depuis 2008, il a enregistré pour les labels : Roguart, 482 Musique, Dawk Music et Delmark.

Pour la sortie de ‘’Truth Lies In-Between’’ du John Tchicai trio, autour des mots du poète John Stewart, produit par Gérard Terronès pour le label Marge.

John Tchicaï – saxophones.

et la présence de Steve Dalachinsky - lectures.

‘’Exploration de tous les possibles et de tous les ailleurs : Gospel (Masks), rap (The Owl), techno (Masks), samba (Opgenomen), jazz (At Last Ourselves) se télescopent et sont traversés par le grand courant des rythmes africains. Point de folklore ni d’exotisme chez Tchicai, mais la mise à nu de la multiplicité de nos racines et de notre insaisissable identité’’. (Pierre Lemarchand / Le Son du Grisli).

Né en 1936 à Copenhague au Danemark, d'une mère Danoise et d'un père Congolais, John Tchicai devient dans les années 60, l’une des figures de proue de l'avant-garde du jazz New-yorkais, puis une référence importante de l'avant-garde Européenne, par la suite. Aujourd'hui sa musique reflète encore ce qu'il a toujours fait: innover et inspirer. En abordant le jazz sous un angle large, John Tchicai l'Afro-danois Américain est reconnu internationalement pour son sens convaincant du rythme, du drame et de l’humour, pour sa liberté, sa spiritualité et sa fraîcheur ultime. Il a enregistré avec John Coltrane "Ascension" ou avec Albert Ayler "New York Eye and Ear Control", tout comme avec John Lennon "Life with Lions". Il a fondé des ensembles, le "New York Art Quartet", le "New York Contemporary Five" et le "Cadentia Nova Danica" et a participé en tant que membre au "Jazz Composers Guild", avec lequel en 1965, pour un concert dans le New York Museum of Modern Art, il se peint le visage, ce qui était totalement nouveau à cette époque-là. Le New York Art Quartet était pour l’époque l’un des ensemble précurseur dans son approche des philosophies musicales collectives, beaucoup d’autres s’en sont inspirés par la suite dans les années 70. En 1966, il se réinstalle au Danemark où il co-fonde "Cadentia Nova Danica", un ensemble composé parfois de plus de 30 personnes et enregistre le mythique "Afrodisiaca". Dans les années 70, John Tchicai découvre le hatha yoga et la méditation, qui deviendra l’un de ses centres d'intérêt majeur de sa vie et son développement spirituel. Il se produit moins sur scène à partir de cette période, mais enseigne davantage, compose et conduit des workshops. Aujourd'hui encore, il continue de travailler sur de nouveaux projets, part en tournée et pratique toujours le yoga et la méditation.

Présentation de ‘’Solo Uno’’, une production de Singulière Compagnie.

Alex Grillo - vibraphone.

Vibraphoniste et compositeur, Alex Grillo s’est produit avec des musiciens de jazz et de musique improvisée (Steve Lacy, François Jeanneau, Raymond Boni, Bibi Rovère, Didier Malherbe, Barre Phillips, Yves Robert, Steve Potts, Annick Nozati, Daunik Lazro, Patricio Villarroel, Benat Achiary etc. ) Performer, il a été soliste subaquatique pour Michel Redolfi, musicien-danseur sur les ‘’Corps Sonores’’ de Guy Reibel ou en duo avec le danseur JC Ramseyer. Interprète de ‘’45 minutes for a speaker’’ de John Cage dans une nouvelle traduction. De 2002 à 2006, membre de la compagnie de théâtre de rue ‘’Les Piétons’’. Réalise des formes ‘’cabaret poétique’’ mêlant textes et sons, sur des thèmes tels que : La Perte, La Navigation, Le Désert, l’Exotisme, d’autres plus marathoniennes comme : L’Amour toute une nuit, avec la compagnie d’arts de la rue Ilotopie ou encore : L’Amour dans le jardin, sur des textes de poètes contemporains. Depuis 2004, concert-poétique de ‘’l’Afrique est en nous’’ du poète Daniel Biga avec Didier Petit et Christian Sebille. En 2009 ‘’Il dit’’ du poète marseillais JC Izzo avec Catherine Jauniaux et Raymond Boni. Depuis 1997, plusieurs résidences à Java pour travailler avec le gamelan de Sapto Raharjo. En 2002, résidence au Caire avec des musiciens traditionnels égyptiens sur le thème des racines. En 2006 au Burkina Faso avec des balafonistes traditionnels. Collabore avec des danseurs, des comédiens, des scientifiques ou des collectifs d’artistes sur des projets spécifiques. Compose pour le théâtre, la danse, ensembles instrumentaux, sons fixés, chœurs, quatuors, un oratorio, des suites de danses pour orchestres, des livres/disques pour enfants et des pièces pédagogiques.

Pour la sortie d’un nouvel enregistrement en duo : "Reset".

Frédérick Galiay - basse électrique.
Jean Sébastien Mariage - guitare électrique

Créé en 1993, Chamæleo Vulgaris est une formation ayant oscillé selon les temps entre deux et dix musiciens, avant de se résoudre, comme initialement, à deux : Frederick Galiay à la basse et Jean-Sébastien Mariage à la guitare (parmi les membres disjoints, B. Denzler et G. Roggi, F. Vaillant, H. Koch, H. Poulsen, M. Collignon, O. Benoit, D. Ashour…). Les deux amplificateurs se font face, les deux musiciens sont au centre, le public autour. Le principe de l'installation est d'établir le contact le plus direct entre le geste et le son, la corde et le haut-parleur. Le son électrique est une matière organique, acoustique au sens plein: guitare, basse et amplificateurs (sans aucune adjonction de pédales d'effets ou d'électronique numérique), ne sont pas dissociés, mais sont un seul et même instrument. Les limites sonores de l'instrumentarium sont sciemment repoussées, son ambitus élargi. Le son est âpre, plein, précis. La dichotomie convenue entre improvisation et composition est considérée comme nulle et non avenue: Chamæleo Vulgaris compose spontanément, en temps réel, des fresques sonores où l'instant est une urgence, et le temps construction. Après "Dans la Chair" (1997), "Ouverture facile" (1999), "Les Falaises" et "Toter Hirsch" (2000), et "Inversus Doxa" (2001), "Rebut" (2003), un nouvel enregistrement vient de paraître : "Reset", qui, après une pause discographique, beaucoup de concerts, et un nombre conséquent de projets parallèles, est une remise à plat d'un travail qui atteint ses presque vingt ans.

Pour la sortie de ‘’Ex Patris’’ (Important Records), Josef Van Wissem nous offrira l’occasion d’entendre un solo de luth d’une beauté profonde, contraste entre le métal (ou boyau) des cordes et le silence où elles sonnent, puis s’effacent.

Jozef Van Wissem – luth.

“L’albun ‘’A Priori’’ ne ressemble à rien de ce que j'ai entendu auparavant. Musique intemporelle, comme un souffle profond qui exhale des nuées de flocons de neige, des cercles concentriques, des miroirs, des spirales, la mer. Quand Jozef Van Wissem joue de son luth, il libère un espace infini. Je ne peux rien faire d'autre que d'attendre la pluie, fermer les yeux et regarder les étoiles tomber, se lever et retomber encore et encore”. (DAVID TIBET / CURRENT 93).


Etabli depuis quelques années à New York, ce compositeur et joueur de luth, originaire des Pays-Bas est réputé pour son approche inhabituelle du luth de la renaissance et du luth baroque. Jozef Van Wissem a cette particularité de composer selon la technique du palindrome ou de structures de notes en miroir, donnant un sentiment d’égale stabilité et une intensité tranquille à ses plages musicales. Il joue aussi parfois d’anciennes compositions à l’envers ou les aménagent à sa guise par des allers-retours musicaux entre le 17ème et le 20ème siècle. Il ajoute aussi parfois à son instrument des manipulations électroniques et du field recordings, souvent captés dans des gares ou des aéroports. A la lisière de la composition et de l’improvisation, Jozef Van Wissem parvient à créer un savant mélange de folk contemporain et de musique de style fin Renaissance, tout en respectant fidèlement les techniques du luth. Il donne aux seuls timbres de cet instrument d’origine persane et arabe (oud), une singulière présence acoustique et une charge émotionnelle unique en son genre.

Kim – multi instrumentistes.
Sans autre équivalent hexagonal, Kim est devenu au fil des années un songwritter important malgré les modes changeantes et les crises du disque capricieuses, s'inspirant du meilleur de chaque époque et imposant son style album après album. On a déjà parlé cent fois de sa discographie copieuse, de la vingtaine d'instruments dont il joue, de son père ex-batteur pour Higelin, de sa naissance à Cannes, de ses années bordelaises avant sa récente installation à Paris, ou encore de ses multiples blogs et clips qui inondent le web. Sa carrière discographique commence à l'âge de seize ans et ce bien avant la mode des baby rockers. On est en 1994 et le gamin enregistre alors son premier disque, creusant les premiers sillons d'un antifolk lofi avec quelques années d'avance sur le reste de la scène française. On ne sait alors pas grand chose de lui. A moitié italien, anglophone débutant mais déjà multi instrumentiste, batteur avant tout et aspirant à devenir dessinateur de comics un jour ou l'autre, Kim Stanislas Giani s'enferme dans son home studio à la manière de Todd Rundgren pour un contrôle total de sa musique. Fâché avec les chapelles, il décide de mélanger le plus possible ses fantasmes musicaux dans un éclectisme proche de celui de Robert Palmer. On parle alors de lui comme d'un boulimique musical : les albums s'enchaînent à un rythme frénétique, passant d'un label à l'autre, à saute moutons sur les styles musicaux. Il combine la nonchalance de la folk aux guitares dégueux du punk, la mélancolie de la new wave au groove du funk, et mélange le tout à des claviers pour enfants, des batteries disco et des refrains pop entêtants, chantés par une voix haut perchée renvoyant autant à Neil Young qu'à Christophe. Kim file alors sur les routes pendant plusieurs années, la plupart du temps en solo, dans une formule live minimaliste et improvisée, proche du stand up, et accumulant un nombre impressionnant de prestations. En 2000, persuadé que le rock garage est de retour, il enregistre un des tout premiers albums de ce revival. En 2005, après un album "posthume de son vivant" dans lequel il invite Herman Dune et d'autres amis à l'accompagner ("Kim is dead"), il ouvre pour Dionysos sur plusieurs dates, dont l'Olympia et le Zénith. Vicious Circle le signe alors pour l'album "Don Lee Doo", qui devient de loin sa meilleure vente et lui permet de faire une centaine de concerts à travers la France, la Belgique et l'Allemagne. Devenu un spécialiste de l'omnichord, il enregistre même pour Olivia Ruiz avec cet instrument jouet et se glisse donc dans le hit de la chanteuse début 2009 ("Elle panique"). Avec ce même outil, il interprète une cover de Dylan ("Don't Think Twice It's Alright") sur la compilation de Béatrice Ardisson aux cotés de Brian Ferry et Charlie Winston. Egalement blogger depuis quelques années, il accumule les idées conceptuelles autour d'internet et donne les premiers concerts via Skype avant de monter sa propre teleweb,"TeleKim". Ravi de l'accueil de son album de 2008, Kim songe à une suite. Et même à une trilogie! Un concept un peu gonflé en ces temps de crise du disque! Ce "songwritter improbable" ne perd pas une minute pour enregistrer "Mary Lee Doo" : Un dix huitième album en même temps qu'un second tome. Si par le passé le blondinet pratiquait le mélange, il pratique désormais le dosage. On reconnaît Kim dès la première mesure : omnichord onirique et soli de guitare Jack White, orgues de mômes Comelade et synthétiseurs de vieux hippies, batteries lourdes et maracas légers, claps pop et slaps débiles. Cà et là, un stylophone se bat contre un fairlight tandis que les chants interprétés de plusieurs façons dédoublent l'unique voix fragile à la limite de la parano. "Mary Lee Doo" est dans la lignée de l'album précédent, mais en plus immédiat, chacune des dix chansons pouvant prétendre au rôle de single. Les 80's ne sont pas loin, celles de Madonna ou de Prince, mais aussi celles de Kate Bush. Les textes, plus autobiographiques, dégagent une ambiance intime et folk en total contraste avec une musique qui lorgne franchement vers les ondes radiophoniques. Kim ne cesse d'étonner par sa faculté à enregistrer des albums hors du commun, déroutants, riches, ne cédant à aucune quelconque et éphémère tendance. Tout ça en gardant fraîcheur et curiosité artistique. Cela n'est pas donné à tout le monde !

Pour découvrir les Éditions Caedere avec la sortie de la traduction française du livre de Saul Williams ‘’Dit le fusil de chasse à la tête’’, traduit de l'américain par Michel Bulteau et la parution de MAHOGANY BRAIN par Joseph Ghosn, relatant l’histoire du cultissime groupe rock de Michel Bulteau.
Poète, musicien, interprète, acteur... Saul Williams est né en 1972 à Newburgh (État de New York) d'un père pasteur et d'une mère institutrice. Titulaire d'une licence de philosophie au Morehouse College, il part s'installer à New York où il découvre le slam. En 1996, il décroche le titre de Grand Champion de Slam du Nuyorican Café. Sa célébrité dans les cercles de slam lui vaut le rôle principal du film ‘’Slam’’ de Marc Levin, sorti en 1998, film qui rafla le prix du grand jury du Sundance Festival et la Caméra d'Or du festival de Cannes. C'est dans ce rôle sur mesure que le monde découvre Saul Williams, bien que certains le connaissaient déjà pour ses morceaux de hip-hop baroque et poétique sur différentes compilations des labels Rawkus Records et Ninja Tune (dont le fabuleux morceau ‘’Twice the first time’’). Son premier véritable album ‘’Amethyst rock star’’, sort chez Sony en 2001. Il y révèle son goût pour une fusion improbable mais réussie de rock, hip-hop et musique électronique. Fin 2004, il sort son second album ‘’Saul Williams’’. Durant l'été 2005, il suit Nine Inch Nails sur sa tournée européenne en tant que première partie du groupe. Le 1er novembre 2007 sort le troisième album de Saul Willams ‘’The inevitable rise and liberation of niggytardust’’. Ce nouvel opus a été co-produit et co-écrit en large partie avec Trent Reznor, fondateur et leader du groupe Nine Inch Nails, lui donnant ainsi une teinte particulière. En tant qu'auteur Saul Williams a publié dans le New York Times, Esquire, Bomb Magazine et African Voices. Il réside actuellement à Los Angeles.
Michel Bulteau est l’initiateur du mythique Manifeste Électrique (1971), il est aussi le fondateur de Mahogany Brain, légendaire groupe de rock français. En 1976, il s’exile à New York où il fréquente les écrivains beat, les musiciens punk et les peintres pop. Il a publié une trentaine de livres (poésie, essais littéraires, souvenirs...). Michel Bulteau est non seulement un morceau vivant d’histoire littéraire, mais surtout un des plus grands écrivains secret de notre époque.
«Une des voix les plus inspirée de l’Amérique hip-hop.» Trent Reznor.
http://pagesperso-orange.fr/21-3/
http://www.myspace.com/editionscaedere

Interprétera la pièce ‘’Billows’’ (2009) 46 ' pour la sortie du disque ‘’Billows’’ chez Plush (label de Steve Argüelles). Carol Robinson - clarinettes (birbyne, cor de basset) + live electronics.
‘’La musique de Carol Robinson est plus qu’une musique. C’est un espace. Un horizon. Un lieu ouvert. Un son passe, s’éloigne. Il revient comme dans un rêve caresser la surface de l’air. Il se fait brise, douceur, qui insensiblement se mêle à une bourrasque venue des profondeurs, plus sombre, qui enfle et emplit l’espace. Une note traverse la distance ouverte par la musique, comme le vent balaie une plaine. Et le silence survient, une accalmie au sein de la tempête. Un silence plein, un silence tenu, porteur déjà du son suivant, souffle aérien qui se fait orage et prend toute la place, pour refluer plus tard, s’éloigner comme une vague. De mystérieux chuchotements se répondent et se croisent. Se répètent aussi, et ainsi créent une attente, mettent nos nerfs à fleur de peau, peau qu’effleure de nouveau une brise, un murmure, une note. C’est peut-être cela, cette matérialité de la musique, sa capacité à prendre possession de nos sens, qui est le plus émouvant dans les compositions de Carol Robinson.’’ Sylvie Tanette
Carol Robinson mène de front une carrière de clarinettiste et de compositeur et se produit dans les salles et festivals les plus prestigieux. Travaillant en rapport étroit avec différents compositeurs, elle assure de nombreuses créations (sa discographie récente comprend aussi bien des disques monographiques de Scelsi, Nono, Feldman, Niblock ou Berio, que de la musique classique ou du jazz). Passionnée par l’improvisation, elle se met autant que possible dans les situations musicales les plus ouvertes. Avec Mike Ladd, Dave Randall et Dirk Rothbrust, elle crée le groupe du rock libre Sleeping in Vilna. Parallèlement à son parcours d’interprète, elle développe un univers personnel au travers de créations de théâtre musical présentés en France et en Allemagne. Mariant sons acoustiques et traitements électroniques, elle explore l’usage des processus de diffusion aléatoire, ce qui la conduit à concevoir aussi des installations. Elle écrit également des musiques pour des créations chorégraphiques. http://www.crsounds.com/

Pour la sortie du premier disque solo de Louise Jensen, "You look like your mother, would you like some more sauce?" sur Peacock recordings (label de Jessica Pavone). Louise Jensen – saxophones. Tom Blancarte - contrebasse.
Saxophoniste improvisateur et compositeur originaire du Danemark, Louise Dam Eckardt Jensen est née en 1980 et vit actuellement à New York. Elle a développé un langage et une sonorité très personnelle sur l’instrument, ces influences vont de Lee Konitz à Björk. Elle travaille dans divers ensembles en Europe et aux Etats-Unis, co-dirige le duo Herbert Eckardt du batteur et percussionniste Luca Marini, le duo Seiki avec le batteur Andreas Pichler (issue du trio de Wolfgang Muthspiel) et le Slow Food Cook Book (Matthias & Andreas Pichler). Elle dirige également le Louie’s Spaced-Out Ensemble, un grand orchestre jouant ses compositions. Au cours des deux dernières années, elle a commencé à explorer le solo, qui a récemment donné naissance à l’enregistrement d’un album sur le label Peacock. Elle improvise également en duo avec son mari, le contrebassiste Tom Blancarte et d’autres musiciens comme Achim Kaufman, Andrew D'Angelo, Xavier Lopez, Andrés Litwin, Hilmar Jensson, Sam Oatts, Kevin Shea, Brandon Seabrook, Nate Wooley et Fred Lonberg Holm et Pitcher Drew. http://www.myspace.com/louisejensen#ixzz0y5EUxvXp
Tom Blancarte est né à Augusta, en Géorgie en 1979. Il a passé presque toute sa vie à Austin, au Texas où il a vécu jusqu'à son départ en 1998, pour des études à l'université de North Texas, à Denton. Inspiré par la musique de Metallica et de Black Sabbath, il a commencé l’apprentissage de la basse électrique à l'âge de 13 ans, puis c’est intéressé à la contrebasse quelques années plus tard. Au collège, il a étudié la contrebasse avec Lynn Seaton et Jeff Bradetich et s’est engagé petit à petit vers les musiques improvisées. Il a également joué dans le groupe de rock Cumulonimbus. Il découvre Albert Ayler, Anthony Braxton et Evan Parker, entre autres, et décide de partir sur le chemin perfide de l'improvisation libre, sur lequel il continue de naviguer aujourd'hui. Bien qu’intéressé par différents modes d’écritures, l’improvisation libre reste l’accroche principale. Il vit actuellement à Manhattan, New York, où il joue dans différents groupes : Torus, Who Put The Bad Mouth On Me, et en duo avec Peter Evans : Sparks. http://events.myspace.com/Event/5527203/Cd-presentation-wBlancarte--Souffle-Continu-