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Biopics: La vida de Ray, Jim, Johnny y otras estrellas del rock...

2007-07-27T12:35:00.000-03:00

Las películas biográficas y su lente sobre el rock

En esta oportunidad hablamos de un tipo de películas que ya han inaugurado un género dentro del cine: estamos hablando del biopic (películas biográficas). En el caso de este programa nos dedicamos a las historias de estrellas musicales.

"Este tipo de biopic musical no sigue un esquema fijo para cada retrato. Existe la fórmula centrada en repasar la vida de un músico casi paso a paso, desde su nacimiento hasta su muerte o hasta la fecha si aún está con vida. Ocurre con La Bamba (1987), homenaje al malogrado Richie Valens con los rasgos de Lou Diamond Phillips, o Tina (1993), en la que la actriz Angela Bassett entra en la piel de Tina Turner"

"Otros cineastas han optado por extraer un período temporal concreto de la vida de los músicos de rock para presentar una aproximación a su figura y su persona. Ahí está reciente Walk the line (2005), que detiene a Johnny Cash a finales de los sesenta, más de treinta años antes de su muerte, o Ray (2004), repaso cronológico a las penas y alegrías de Ray Charles que también se para antes de entrar en los setenta y omite aspectos tanto o más atractivos y morbosos que los que la película ofrece. El mayor mérito de estos trabajos lo aporta el show actoral de Joaquim Phoenix y Jamie Foxx"

Video: Jamie Foxx en "Ray"

"La cumbre de esta fórmula es The Doors (1991), quizá el biopic musical definitivo, sino el mejor (a la espera de que Dylan, Elvis, Beatles y Rolling Stones merezcan su obra maestra en esta modalidad), por obra y gracia de Oliver Stone, cronista mordaz y vehemente de los años y sucesos más incómodos de la reciente historia americana. Su biografía en imágenes de Jim Morrison entra con bisturí en la agitada segunda mitad de los sesenta para convertir al líder de los Doors en el mesías y mártir de una generación lisérgica y desatada. Stone desnuda a Morrison con cariño y frivolidad, excesivo y seductor, gurú y mito, y convierte cada concierto en un campo de batalla poético. La elección de Val Kilmer como Morrison no admite discusión y la puesta en escena fascinante de Stone traslada perfectamente al espectador a aquellos años convulsos y le hace partícipe de cada actuación musical (...)"

Fuente: Tribeca Sessions

Curiosidades de The Doors

Poca gente sabe que Val Kilmer es mitad indio cherokee y paso su juventud con sus abuelos en Nuevo Mexico (recordemos que una de las obsesiones de Jim Morrison era que el alma de un indio lo invadió durante su niñez), que estudio canto (también ha interpretado a Elvis) y que ha escrito poesía (una colección llamada My Eden After Burns en 1988).

¿Por que Val Kilmer? Aunque el actor se aprendió todas las canciones del grupo, lo que convenció al director para llamarle fue la cinta de video que le envió a Oliver Stone con algunas de las canciones. Tras recibir la cinta, Stone dijo: "es un buen actor, sabe cantar y guarda un asombroso parecido físico con Jim, ¿qué mas necesito?". Durante el rodaje, Kilmer insistió a todo el mundo que le llamasen Jim. En la película se mezclan las voces del actor con las del cantante.

Trailer de "The Doors"

Sean Stone, hijo del director, interpreta a Jim Morrison durante su niñez. La verdadera Patricia Kennealy hace de la hechicera que casa a Morrison y Kennealy. El Shaman Indio que se le aparece a Morrison es Floyd "Red Crow" Westerman, un reconocido activista indio americano, cantante y compositor. Entre los interpretes aparece el cantante Billy Idol.

En cuanto al grupo: Ray Manzarek denegó todas las peticiones de Oliver Stone de participar en la película. Manzarek dijo que la película hace un recuento de los peores momentos de las historia de la banda. John Densmore (baterista) actuó como el ingeniero de sonido de la última sesión de grabación.

Fuente: Trivia y curiosidades de Oliver Stone y "The Doors"

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El seudo biopic

Una variante más de biopic de rock es lo que podría llamarse seudobiopic o falso biopic. Consiste en la recreación mediante nombres ficticios de trayectorias musicales sospechosamente parecidas al modelo que le sirve de inspiración.

En 1979 se estrenó La rosa, protagonizada por la actriz y cantante Bette Midler, quien interpretaba a una problemática estrella de rock en decadencia cuyas actitudes para con los hombres, su carrera y las drogas remitía inmediatamente a la figura de Janis Joplin, aunque no tomaba su nombre. En cuanto al biopic de Joplin, uno de los nombres que se mencionan para interpretarla es Renée Zellweger.

"La Rosa" narra un periodo concreto de Mary Rose Foster (incontenible, soberbia y descomunal Bette Midler) donde podemos ser testigos de la decadencia y las dos vertientes de la cantante: sobre el escenario, una mujer dura, fuerte, sin tabúes, alegre y rebosante de energía, conciertos cargados de fuerza y personalidad.
Por otra parte su vida cotidiana, lo que pocos conocen, tan sólo una sombra de lo que es en el escenario: patética a ratos, egoísta, enganchada al alcohol y las drogas, manteniendo un ritmo de vida exagerado, impuesto en gran parte por su despótico y frío manager (Alan Bates) que no la deja ni un momento libre a lo largo de la frenética gira de promoción.

Otros ejemplos recientes de seudobiopic:

Last Days: terrible resultado ofreció el cada vez más perdido Gus van Sant en esta película del 2004, en su absurda, patética y anticinematográfica evocación de las horas previas al suicido de Kurt Cobain con la cara y la pose de Michael Pitt.

David e Iggy envueltos en velvet: detrás de Velvet Goldmine (1998) y las andanzas de un tal Brian Slade parece esconderse el David Bowie que termina en la muerte de Ziggy Stardust y al que ayudan las facciones andróginas de Jonathan Rhys Meyers. También allí aparece Ewan McGregor convertido en un nada disimulado Iggy Pop.

Fuente: Tribeca Sessions

Trailer de "Velvet Goldmine"

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Tony Wilson y su fiesta interminable ("24 hours party people")

Según cuenta la leyenda, el primer show de los Sex Pistols en Manchester no fue precisamente un éxito. Había allí apenas unas decenas de personas. Cuarenta y dos, según la versión de recuento más difundida. Veintisiete, según recuerda Tony Wilson en el site oficial de 24 Hour Party People, la película de Michael Winterbottom.

Más allá de las precisiones, el punto es que eran pocos. Pero, como suele suceder con los momentos históricos, esos pocos fueron los que comenzaron todo. Y al decir "todo", la referencia es que fue la chispa que convirtió, en el transcurso de las dos décadas siguientes, a la aislada Manchester en un sitio clave del rock anglosajón. "Ahora que es una ciudad musical internacional, es fácil olvidar lo aislada que era entonces", escribió el periodista inglés Jon Savage en el prólogo de la biografía de Joy Division y de Ian Curtis escrita por la viuda del cantante.

Tal como dice el falso Tony Wilson que protagoniza el film de Winterbottom: "No éramos muchos, es cierto, pero tampoco había mucha gente en La última cena".

A la hora de sentarse a ver el film de Winterbottom que recorre el mito de Manchester desde la muerte del punk hasta el final del acid-house, es ejemplar la forma en que retrata aquella iniciática noche del 4 de junio de 1976 en el Lesser Free Trade Hall de Manchester. Porque la reconstrucción de la escena ocurre con los verdaderos Sex Pistols, en ese show. A partir de una filmación en Super 8 del verdadero recital, Winterbotton colocó en su sitio a todos los protagonistas del mito. Y, por último, hizo que su protagonista -un Tony Wilson totalmente consciente de que está en un film, y que habla a cámara casi todo el tiempo- los fuera presentando uno a uno. Allí están quienes serían los Buzzcocks, con Howard Devoto a la cabeza, y también quienes serían Joy Division. Pero la verdadera comprensión de semejante escena sólo es posible con los Sex Pistols en pantalla.

"Una de las primeras cosas por las que nos preocupamos es que el film fuese una celebración tanto de la época que retrataba como de sus protagonistas", explicó una y otra vez Winterbottom.

"Todo el film es una acumulación de mentiras, ¿se dan cuenta de eso, no es cierto?", ha dicho también una y mil veces Tony Wilson, el fundador de Factory Records, el sello de Joy Division, New Order y Happy Mondays, centro del fenómeno Manchester. "Pero el milagro es que aún a pesar de eso se las ingenia para contar toda la verdad sobre el punk, el acid-house y toda la historia de Factory."

Fuente: La dicha en movimiento

Trailer de "24 hour party people"

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Y los biopics se pusieron de moda

Elijah Wood asegura estar muerto de miedo por tener que interpretar a Iggy Pop, mientras que Johnny Depp se niega a usar la ropa de Freddie Mercury en un film producido por Robert De Niro y analiza una reciente oferta para hacer el papel de Michael Hutchence. La bella Kirsten Dunst será Debbie Harry, la cantante traviesa de Blondie que sacudió la escena punk neoyorquina con irreverente glamour pop, y Mike Myers cumplirá un viejo sueño y será Keith Moon, el baterista loco de The Who. Mientras tanto, Spike Lee no duerme pensando en el actor perfecto para interpretar a uno de los personajes más importantes de la cultura afroamericana: James Brown.

Las biopic acerca de estrellas del rock y el pop están de moda y de aquí a
diez años este género en pleno ascenso duplicará el espacio que ocupa dentro del universo cinematográfico. ¿Quieren más? El chico malo de Spiderman, James Franco, se anota primero en la lista para interpretar a otra leyenda con cadáver joven y bonito, Jeff Buckley; Pink (o Renée Zellweger, como señalamos antes) hará de Janis Joplin, y la corta carrera del dúo que llevó a cabo una de las estafas más mentadas del pop, Milli Vanilli, llegará a la pantalla grande de la mano del director Jeff Nathason (guionista de Agárrame si puedes ).

Hubo un tiempo en que las biografías de músicos llevadas al cine ni se acercaban a lo que los actores podían considerar "una buena oportunidad" para sus carreras. Pero, como sugiere el poeta, los tiempos están cambiando, y por estos días nada parece ofrecer mejor rédito en Hollywood que una buena historia de vida de un rockero. (...)

Fuente: Quiero ser una estrella de rock

Los temas que escuchamos:

Hit the Road Jack - Ray Charles
What'd I Say - Ray Charles
Folsom Prison Blues - Johnny Cash
I Walk The Line - Johnny Cash
Break On Through - The Doors
L.A. Woman - The Doors
Move Over - Janis Joplin
Long Tall Sally (Little Richard) - The Beatles
Come As You Are - Nirvana
I Wanna Be Your Dog - The Stooges
20th Century Boy - T-Rex
Velvet Goldmine - David Bowie
Blue Monday - New Order
Anarchy in the UK - The Sex Pistols

Animate de una vez: un paseo por el dibujo animado en el cine

2007-07-20T23:09:00.000-03:00

El inicio: Disney descubre la fórmula

El secreto del triunfo de Disney radica en su habilidad para elegir historias intemporales y que, por tanto, fuesen conocidas de antemano y pudiesen ser gozadas por cada nueva generación de espectadores. La fórmula se creó con Blancanieves y los Siete Enanitos (1937). Los críticos , que habían dudado de la viabilidad de esta "locura de Disney", se vieron obligados a reconocer que su versión de esta conocida historia, llena de música, humor, romanticismo, suspense y algo de terror estaba conseguida y respondía a las expectativas creadas, aunque hubiese sido a costa de 1.700.000 dólares, una cifra muy elevada en aquella época. Eso permitió que en 1938 Disney iniciase varios proyectos, de los cuales el primero en completarse fue Pinocho (1940). Blancanieves y los Siete Enanitos fue el mayor triunfo personal de Disney, pero Pinocho sigue siendo su mejor película. Con un presupuesto de u$s 2.500.000, la película es una obra maestra del cine de animación, con consecuencias tan asombrosas como la presentación del pueblo de Gepetto a la luz de las estrellas, las escenas submarinas o las de la caza de la ballena. La riqueza pictórica de Pinocho, los imaginativos ángulos de cámara y su espléndido ritmo se vieron complementados por magníficas caracterizaciones. Entre su excelente partitura musical se destaca "When You Wish Upon a Star", canción ganadora del Oscar, cantada por Pepito Grillo, cuyo moralista papel como "conciencia oficial" de Pinocho ayuda a evitar el exceso de sentimentalismo. Esta canción se convirtió en la piedra de toque de toda la filosofía cinematográfica de Disney.

Y llega más Fantasía, pero no todo son rosas:
En 1940 se estrenó también Fantasía, una película posible gracias a los avances y habilidades adquiridas durante la realización de las anteriores, pero que desconcertó al público preparado únicamente para los cuentos de hadas. Fantasía nació de la búsqueda de Disney de un vehículo estelar para Mickey Mouse. Eligió "El aprendiz de brujo" como pretexto para una pantomima musical, y, en 1938, Disney invitó al director Leopold Stokowski a grabar la música. Su colaboración dio lugar a la idea de Fantasía, que terminó convirtiéndose en una película basada en la escenificación de fragmentos famosos de música clásica mediante dibujos animados. (...) Quizá la elección de fragmentos musicales fue demasiado aleatoria, quizá resultan demasiado perceptibles los distintos estilos de los diferentes animadores que intervinieron en el proyecto... pero, sea cual sea la razón, la película es una mezcla de lo más brillante y lo más banal (...) Fantasía sigue siendo un audaz experimento y un claro avance sobre las sinfonías tontas en el uso de la música, pero la inseguridad de Disney frente a la música clásica se refleja irremisiblemente en la película. Las presiones financieras obligaron a Disney a abandonar el sofisticado sistema sonoro (Fantasound) que había creado para esta película. Reducida de 126 a 82 minutos, la película se estrenó en los Estados Unidos como complemento de un "western". La prensa se dividió en sus opiniones acerca de la película, y el público se sintió desconcertado por ella. Los planes de lanzar una nueva versión con nuevas secuencias no llegaron a materializarse. Hubo que esperar a 1956 para ver la versión íntegra de Fantasía, que se convirtió en una película de repertorio y empezó a recuperar la inversión original de 2.280.000 dólares. El film fue un fracaso financiero en unos momentos en que Disney no podía permitírselo: La guerra en Europa estaba cerrando los mercados extranjeros y había afectado gravemente a Pinocho (...)

Fuente: Manuel García

Video: El aprendiz de brujo - Fantasía

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El doblaje argentino de Ritmo y Melodía

En 1951, en Argentina se levantó la prohibición que pesaba sobre la importación de películas norteamericanas. Por esa restricción no se había producido ningún estreno de Disney desde enero de 1949 (fecha en que se estrenó Bongo) hasta octubre de 1951 (fecha de estreno de Ritmo y Melodía); sólo hubieron reestrenos de las copias disponibles en el país ("Blanca Nieves y los siete enanos", "Pinocchio" y "Fantasía"); eso sí: en cines de primera línea. De todas maneras, el hecho es que a pesar de ya contar con un doblaje al castellano, en nuestro país Ritmo y melodía se estrenó con un doblaje argentino.

En la misma aparecen Los Rancheros (conjunto musical), que ya habían actuado en el cine argentino. También Gustavo Cavero y Carlos Cotto, que fueron dos actores argentinos de extensa y reconocida trayectoria en el ámbito cinematográfico y radiofónico.

Fuente: Doblaje Disney.com

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Akira

Akira es un manga en el que también se basa la película homónima de animación japonesa. Ambas obras tuvieron un reconocimiento instantáneo como clásicos dentro de sus respectivos géneros. El monumental manga, de más de dos mil páginas, fue escrito y dibujado por Katsuhiro Otomo entre 1982 y 1993 obteniendo un éxito significativo en Japón y en el resto del mundo.

En 1989 se estrenó la película animada -antes de finalizar el manga- que supuso un salto cualitativo en la animación japonesa al dotarse de un gran presupuesto gracias al Comité Akira que se formó a propósito para producir el filme. La película fue dirigida también por Katsuhiro Otomo.

Esta película marcó el inicio de la difusión del manga y el anime fuera de Japón, gracias al impacto que provocó en los espectadores de todo el mundo. Es considerada por muchos como la mejor película de animación japonesa, junto a las dirigidas por Hayao Miyazaki.

La trama: En el año 2019, el mundo está al borde de la destrucción absoluta. La tecnología avanzada fue la causa de una terrible explosión que desencadenó una guerra nuclear y devastó las grandes ciudades del planeta... Treinta años después, sobre las ruinas de Tokio, se alza la megalópolis de Neo Tokio, una ciudad opresiva e inhumana cargada de problemas como el paro, la violencia, la droga y el terrorismo. Las sectas religiosas y los grupos extremistas, aprovechándose de la insatisfacción de los ciudadanos, cultivan el mito de Akira, un niño depositario de la "energía absoluta" cuya resurrección significaría para Japón el amanecer de una nueva era...

La ciudad es reconstruida tras sufrir los devastadores efectos de la explosión, causante de la tercera guerra mundial. Kaneda y Tetsuo son miembros de una banda que tiene entre otras aficiones participar en peleas callejeras contra otras bandas montados sobre potentes motos. En una de estas peleas, Tetsuo sufre un accidente causado por un extraño niño. A partir de ese accidente, Tetsuo no vuelve a ser el mismo (...)

Fuente: Wikipedia

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Hayao Miyazaki

Hayao Miyazaki es un director japonés de películas animadas. La figura más destacada dentro de un género muy amplio y variado: la animación japonesa, el anime. Es muy conocido en Japón y, en los últimos años, algo también en Occidente. Entre el conjunto de su obra (películas, series de TV, historietas gráficas -manga*) se destacan netamente las ocho películas que dirigió dentro del estudio Ghibli; el estudio lo fundó él mismo, en 1984, junto con Isao Takahata.

Takahata, ha sido la otra fuente creativa del estudio, y también dirigió obras importantes, (pre y post Ghibli), compartiendo con su antiguo amigo Miyazaki un concepto particular de la animación, que distingue a la obra del estudio Ghibli de otras productoras occidentales (Disney, por ejemplo), y también del resto del anime.

Miyazaki es muy apreciado por la mayoría de los críticos; "El viaje de Chihiro" (2001) ganó el Oscar a la mejor película animada y gente como John Lasseter (fundador de Pixar), Akira Kurosawa y muchos creativos de Disney y de la animación se cuentan entre sus admiradores. La revista Time lo puso recientemente entre los doce artistas asiáticos más notables de los últimos 60 años. Director de culto para algunos, sus películas han sido enormemente populares en Japón, y es una referencia en el ambiente del anime; si bien el grueso del consumo de series de TV apunta a otros rumbos, y no todos los otakus* lo prefieren (...)

Fuente: Ghibli - Hernán J. González Web

Video: Princesa Mononoke

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Reseña del Soundtrack de "La Sirenita" (BSO Spirit)
El estreno de la adaptación Disney (con todo lo que ello conlleva, tanto en lo bueno como en lo malo) del cuento de Hans Christian Andersen, "The Little Mermaid", debe considerarse como un punto de inflexión en la trayectoria de la compañía por varias razones. En primer lugar, supuso un relanzamiento de los estudios, casi en la ruina tras sonoros fracasos económicos como "The Black Cauldron" (...)

Otro factor importante fue el descubrimiento por parte de Disney del potencial del musical, de manos de dos grandes artistas como Alan Menken, para la música, y Howard Ashman, tristemente desaparecido, para las líricas. Lástima que los estudios del creador de Mickey Mouse estrujaran la fórmula hasta el hastío. El propio Menken abandonaría por cansancio sus responsabilidades musicales en la Disney tras su última colaboración, "The Hunchback of Notre Dame". El único punto positivo del fin de estas colaboraciones para los aficionados a las bandas sonoras sería la pérdida del monopolio de Menken y Disney en los Oscars musicales.

Aparte de que se mueve en un contexto principalmente acuático, la banda sonora para "The Little Mermaid" tiene esa frescura que supone el ser la primera de las colaboraciones entre el duo Menken/Ashman y la Disney. Las canciones son espléndidas y muy pegadizas, y el score, pese a que Menken no contara con una gran orquesta para su grabación, también resulta digno de destacar (..)

Algo que se lleva a su máximo extremo en la canción más conocida del disco, la sin par "Under the Sea", en la que a través de una espectacular y divertida coreografía submarina, el cangrejo Sebastián, con la voz de Samuel E. Wright, trata de quitar a Ariel sus ideas sobre nuevos mundos allende las olas. La puesta en escena es sencillamente genial, y la canción es de ésas que se te pegan por mucho que intentes evitarlo. No por nada fue galardonada con sendos Óscar y Globo de Oro a la Mejor Canción, así como también fue premiada la partitura como Mejor Banda Sonora, también con ambos galardones (...)

Fuente: BSO Spirit

Video: Under the Sea - La Sirenita

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"La animación vive una época dorada"
Entrevista con Carlos Saldanha, director de "La era de hielo" y "Robots"

Por Emanuel Respighi

Co-director de La era de hielo y Robots (ambas realizadas en compañía de Chris Wedge), y director de la aún en cartel segunda parte del film animado protagonizado por la ardilla Scrat y su traviesa bellota, Carlos Saldanha es en la actualidad uno de los referentes en el mundo de la animación digitalizada. De paso por Buenos Aires, invitado como conferencista de las recientes jornadas Promax/BDA Latinoamérica 2006 -la organización que se encarga de difundir y premiar a los más destacados en el mundo del marketing y las promociones en medios electrónicos a nivel internacional-, el director de esos divertidos mundos virtuales acepta la propuesta de Página/12 y se anima a revelar los secretos mejor guardados de sus producciones, sin temor alguno a que los oportunistas de siempre tomen nota de su fórmula. "Es que más allá de las técnicas que se usen a la hora de hacer un film de animación, lo que siempre termina por definir si una película es buena o no es la historia y los personajes", explica en la entrevista, en un trabado pero comprensible portuñol.

En la búsqueda por imprimir naturalidad a personajes animados, Saldanha cuenta que la clave en los films realizados por Blue Sky Studios (la productora que fue adquirida por Fox) recae en el particular proceso de trabajo que ellos implementan, y que los diferencia respecto de otras productoras. "El truco con respecto a la animación -divulga el brasileño- es grabar las voces de los personajes previamente a la animación. Nosotros siempre hacemos la animación en base a la emoción que disparan esas voces ya grabadas. No al revés. Creemos que ése es el mecanismo más fácil para transmitir de mejor forma las sensaciones de cada personaje, sin perder homogeneidad entre imagen y sonido."

En tal sentido, el director candidato al Oscar en 2004 por el cortometraje de animación Gone Nutty cuenta que el problema de algunas películas de animación es que el resultado final se desvía del concepto original e integrador que debe tener en mente cada creativo. Para evitar que un film se convierta sólo en la suma desordenada de algunas buenas ideas o gags, Saldanha revela que los creativos deben comprender el concepto global que el film persigue. "Incluso, nuestros animadores hacen ejercicios actorales en una habitación con espejos en las paredes para que entiendan mejor lo que se requiere de cada secuencia de la película. Recién después de actuar las escenas e interpretar a los personajes que en ellas participan, los creativos se sientan a crear en la computadora", aclara, quien a los 19 años dejó su Río de Janeiro natal para estudiar animación computarizada en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York.

"Se está viviendo una nueva época de oro de la animación. Cada vez hay más estudiantes, más escuelas para estudiar la técnica y más películas que requieren de criaturas animadas. Esto sumado a que los films de animación ya dejaron de ser un mercado pequeño y limitado a los niños. De hecho, las películas de animación son las que más fácilmente rompen las barreras culturales y etarias. El fenómeno de la animación computarizada es reciente, probablemente surgió a partir de Toy Story y el acuerdo entre Pixar y Disney. Y cuando en 1993 me fui a Estados Unidos a estudiar Arte computarizado, tuve la suerte de estar en el lugar exacto a la hora señalada"

-¿O sea que, en su opinión, el impulso que desde hace años ostenta la animación se explica en que el target dejó de ser exclusivamente infantil para cobijar a los adultos?

-Es una de las cosas que han favorecido al género, junto al avance de la tecnología. Toy story o Shrek, por ejemplo, son películas que logran alcanzar el equilibrio exacto entre fantasía infantil y humor adulto. De lo contrario, La era de hielo no hubiera quebrado todos los records de recaudación en el mundo. De hecho, hay muchas películas de animación en los que los chistes no son comprendidos por los niños, pero sin embargo la imagen y las voces les producen gracia. Ahí es donde tiene que aparecer la creatividad, para, a los chistes que pueden no ser comprendidos por los más pequeños, sumarles gags basados en la animación artística y la mímica de los personajes. Con La era de hielo, por ejemplo, tuvimos en mente al momento de crearla que era un film para todo público, desde niños a adultos. En cambio Robots fue concebida para atraer principalmente al público infantil. Igualmente, uno nunca sabe cómo el público va a recibir cada película (...)

Video: Toy Story - You've Got a Friend in Me

-¿El avance tecnológico facilita o complejiza cada vez más la tarea del creativo?

-El mundo de la animación es un mercado muy dinámico, donde uno siempre está atrasado: es imposible estar actualizado porque siempre hay algo nuevo. Los avances tecnológicos le dan al artista herramientas cada vez más sofisticadas para expresar la creatividad. Pero hay algo que es claro: el artista es el que motiva cada uno de los cambios tecnológicos. No es al revés. En un momento, la tecnología te hacía ganar tiempo. Ahora, donde cada vez hay mayor pretensión de naturalidad, uno gana en sofisticación y naturalidad. Pero ya no se gana tiempo.

-¿O sea que la tendencia actual es tratar de acercarse a lo más parecido posible a la vida real?

-En cuanto a los movimientos de los personajes y el paisaje, sí. Pero creo que los films de animación nunca deben perder la fantasía, que es el valor agregado que permite el mundo virtual en el que trabajamos. Es por eso que yo soy partidario de la exageración como recurso. No sería lo mismo ver a Scrat, el personaje de La era de hielo, caer normalmente al piso que verlo golpear contra la tierra, ser aplastado por una roca y levantarse cual estampa. Esa es la definición de la animación: la expresión de la creatividad a través de un imposible.

Fuente: Cultura Página 12 - Miércoles 10 de mayo del 2006

Video: Trailer de Shrek 3

Los temas que escuchamos:

(Fantasia) Leopold Stokowski - The Sorcerer's Apprentice [Dukas]
(Ritmo y melodía) Ralph Marterie Orchestra - Bumble Boogie
(La Sirenita) Alan Menken - Kiss the girl
(Akira) Yamashiro Shoji - Kaneda
(Princesa Mononoke) Joe Hisaishi - Mononoke Hime
(Princesa Mononoke) Joe Hisaishi - The Legend of Ashitaka
(Toy Story 2) Randy Newman - I Love To See You Smile
(Monster Inc) Randy Newman - Walk to Work
(Cars) Rascal Flatts - Life is A Highway
(Cars) Sheryl Crow - Real Gone
(Bob Esponja) Wilco - Just A Kid
(Surf's Up) Incubus - Drive
(Surf's Up) Pearl Jam - Big Wave
(Shrek 3) The Ramones - Do You Remember Rock 'N' Roll Radio?
(Shrek 3) Led Zeppelin - Immigrant Song

Singing in the film: algunos musicales y cómo es esto de cantar y bailar en medio del diálogo

2007-07-13T23:59:00.068-03:00

Misiles del cielo
Por José Pablo Feinmann

El estreno de Chicago y su arrasador número de nominaciones al Oscar (13) vuelven a poner al musical en el centro de la escena, algo que parecía difícil después de Moulin Rouge. Por no hablar del clima sombrío que se cierne por la inminencia de una guerra. Pero precisamente por esto, José Pablo Feinmann sale al rescate de uno de los géneros más amados y odiados, lo defiende del odio antiimperialista del que es injusta víctima, sostiene que si vamos por caso hasta Cantando bajo la lluvia contiene referencias al macartismo, y explica por qué, después de todo, el musical siempre vino a decir que es posible cantar, incluso en la mala, bajo la lluvia. De agua o de misiles.

Los años cincuenta
Cantando bajo la lluvia
Sobre este film, sólo un par de cosas. ¿Cómo se origina, en la trama, la danza bajo la lluvia? Gene Kelly acompaña a Debbie Reynolds a su casa, la besa levemente, ella entra y él se aleja, perdidamente enamorado. Llueve, pero no abre el paraguas. Sublima su deseo sexual reprimido (no entró en la casa de Debbie, no se acostó con ella) cantando y bailando. "Estoy feliz otra vez", dice la canción. Muchas expresan este sentimiento. Woody Allen, en Hannah y sus hermanas, escucha a Bobby Short cantar una de Cole Porter: "I am in love again". El texto es simple, pero sólo quienes hayan llegado al abismo, a ese lugar en que el retorno a la vida parece imposible, saben lo que significa. La felicidad transforma a Kelly en el niño lúdico que había olvidado. Hace equilibrio sobre el cordón de la vereda. Salta sobre los charcos, chapotea. Se sube a un farol de alumbrado y ofrece a la lluvia su cara feliz. Todo este despliegue vital, desinhibido, enfrenta a su enemigo de siempre: a ese policía adusto, con una enorme chapa en la solapa izquierda de su impermeable negro, que vino a reprimirlo. Si recordamos que Cantando... es de 1952, pleno macartismo, advertiremos que Kelly y Stanley Donen no dejan pasar el clima persecutorio de la época. El poder vigila, controla, reprime. El policía logra que Kelly interrumpa su danza y su canción. Kelly sube a la vereda, se sacude los zapatos mojados, mira al policía y le dice que "sólo canta y baila bajo la lluvia".

Apresurado, se va y, al cruzarse con un peatón aterido, le da su paraguas, él no lo necesita porque su alegría lo protege (...)

Los años noventa
Chicago
En los noventa está Todos dicen te quiero, y con el nuevo siglo llegan Moulin Rouge y Chicago. La de Woody Allen es una pequeña joya, desborda originalidad, los actores -aunque no lo sepan hacer, cosa que es evidente- cantan, algunos, como Julia Roberts, muy mal, otros, como Goldie Hawn, muy
bien, y a otros, el propio Allen, no se los oye. Bailan los enyesados de un hospital, los muertos de una funeraria y los disfrazados de Groucho Marx en la fiesta del final.

Moulin Rouge apuesta a las innovaciones; una cámara que no se detiene nunca, un videoclipismo excesivo que, sin embargo, deslumbra, anacronismos llenos de gracia, mixtura de canciones y una historia de amor con escritor bohemio y humilde, y prostituta con corazón bueno pero tuberculosis mortal.

Chicago no pretende innovar nada, o, al menos, lo pretende en enorme menor medida que Moulin... Se sitúa en los treinta, en el corazón epocal de los musicales y tiene una visión amarga que tal vez lo acerque a Pennies... pero se aleja por su apuesta al cinismo. Es una visión cruel del capitalismo yanqui. Hay que trepar y para trepar hay que matar y luego de matar llamar a un abogado y el abogado convocará a los medios y los medios buscarán sensacionalismo y luego todo seguirá igual, pero con otros protagonistas. Es la historia de Roxie (Renée Zellweger) y, en menor medida, la de Velma (Catherine Zeta-Jones).

Roxie comete un asesinato y decide utilizarlo para convertirse en una estrella. Velma lo es, pero Roxie la desplaza. Esto, antes, lo hizo Bob Fosse, en Broadway. En la Argentina, bajo la dictadura, lo hicieron Nélida Lobato y Ambar la Fox. Y ahora están las deslumbrantes Zellweger y Zeta-Jones, dirigidas por
el debutante Rob Marshall. No hay un minuto para distraerse en Chicago. Todo es vértigo y todo brilla. El cinismo atraviesa la película de parte a parte. La negra y gorda y maravillosa Queen Latifah se roba cada minuto en que aparece. Richard Gere, apenas zafa. Y las chicas cantan y bailan (ayudadas por el sonido y el montaje y alguna magia digital) con energía incontenible. Es una película imposible de resistir (...)

La nota completa en Radar, domingo 9 de marzo de 2003

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Los mejores filmes musicales de la historia del cine

"Cantando bajo la lluvia" es la mejor de todas

El American Film Institute (AFI) eligió las 25 mejores películas musicales de la historia del cine. El jurado compuesto por actores, directores, artistas, compositores, músicos, críticos e historiadores del cine realizaron la siguiente selección:

1. Cantando bajo la lluvia (1952) dirigida por Stanley Donen, con Gene Kelly
2. Amor sin barreras (1961) dirigida por Robert Wise, con Natalie Word y George Chakiris con que ganó 10 Oscar
3. El mago de Hoz (1939) dirigida por Victor Fleming con Judy Garland
4. La novicia rebelde (1965) dirigida por Robert Wise, con Julie Andrews
5. Cabaret (1972) dirigida por Bob Fosse, con Liza Minelli
6. Mary Poppins (1964) dirigida por Robert Stevenson, con Julie Andrews
7. Nace una estrella (1954) dirigida por George Cukor, con Judy Garland
8. Mi bella dama (1954) dirigida por George Cukor, con Audrey Hepburn
9. Un americano en París (1951) dirigida por Vincent Minelli con Gene Kelly
12. Chicago (2002) dirigida por Rob Marshall, con Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones y Richard Gere,
20. Grease (1978) dirigida por Randal Kleiser, con Olivia Newton John y John Travolta
25. Moulin Rouge (2001) dirigida por Baz Luhrmann, con Nicole Kidman.

Fuente: Cine Ojo

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Sobre Evita
Obras sobre Evita

La vida de Evita ha sido motivo de una gran cantidad de obras artísticas, tanto en la Argentina como en el mundo. Sin duda alguna la más conocida es la película musical Evita, interpretada por Madonna, basada en el musical que tanto éxito tuvo durante los años 70 y 80 y en el que destaca el tema "No llores por mí, Argentina".

Cine
- Eva Perón (1996), película argentina. Protagonizada por Esther Goris como Evita y Víctor Laplace como Perón, entre otros. Dirigida por Juan Carlos Desanzo, se concentra en particular en los eventos de 1951 como una encrucijada para Evita, el peronismo y la política argentina.
- Evita (1996), basada en el musical, dirigida por Alan Parker, filmada parcialmente en Buenos Aires. Madonna fue quien interpretó a Evita, Antonio Banderas como el Che Guevara y Jonathan Pryce como Perón. También fue representada en televisión por Faye Dunaway.
- Evita, quien quiera oír que oiga (1983), película de Eduardo Mignogna, interpretada por Flavia Palmiero con música de Lito Nebbia.

Más sobre la imagen de Eva Perón en musicales, el teatro y la literatura en Wikipedia

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Los temas que escuchamos:

(Singin´ in the rain ) Singin´ in the rain - Gene Kelly
Singin´ in the rain - Jamie Cullum
(Chicago) Cell block tango
(Chicago) Overture / And all that jazz
(Chicago) All I care about (cortina)
(Moulin Rouge) Ewan McGregor, José Feliciano & Jacek Koman - El Tango de Roxanne
(Moulin Rouge) Sparkling Diamond
(Evita) A cinema in Buenos Aires
(Evita) A new Argentina
(Evita) Oh what a circus
(Grease) Greased lightning
(Grease) Grease
(Grease) Summer nights
(Grease) Your the one that I want

Eminem, Jagger, Tom Waits y otros músicos que actúan

2007-07-06T23:35:00.000-03:00

Quizá hoy sea un día perfecto, quizá no.

En este programa nos propusimos hablar de las estrellas de la música que aparecen en películas, desde las más conocidas hasta las ignotas, pasando por algún astro del cine nacional. Comenzamos nada menos que con Lou Reed y su "Perfect day", del film Trainspotting (1996) y luego continuamos con el gran Lou y su "Egg cream", tema que se encuentra en la banda de sonido de "Blue in the face"(1995). Este film fue codirigido por Paul Auster (autor del libro en el que se basó el guión) y Wayne Wang, y podría decirse que forma parte del cine independiente del país del Norte: fue realizada como una improvisación entre los amigos, se rodó en tres días, y en el inicio el ex líder de los Velvet Underground se despacha con un monólogo impagable, hablando de su adolescencia, su afición a fumar y otras lindezas más o menos surrealistas y plagadas de un humor muy personal.

Lou Reed en "Blue in the face"

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La primera performance de Mick

Mick Jagger hace un buen trabajo con su intervención en Performance (1970), el debut del director Nicolas Roeg, quien luego dirigiría a David Bowie en El hombre que cayó a la Tierra.

El film es un extraño thriller en el que el stone interpreta a una estrella de rock recluida en una mansión, que sirve de refugio a un gangster asesino encarnado por James Fox. Mick interpreta "Memo for Turner", la primera canción que grabó sin los Stones.

Tras este excelente debut en el cine, tuvo mala suerte: un rol secundario fue eliminado de la magistral Fitzcarraldo de Werner Herzog pero, poco después, dejaron toda su actuación en Freejack, engendro futurista en el que encarna a un policía que persigue a Emilio Estevez. ¿Necesitaba Jagger hacer algo así?

Fuente: Rolling Stone La

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Del barrio al éxito

"Para la misma época en la que el hip hop comenzaba a gestarse —segunda mitad de los años 70—, el cine de Hollywood terminaba por patentar un modelo narrativo que es caro a su historia. Es lo que ellos llaman, la historia del underdog, o del tipo que no podía triunfar... hasta que pudo. Era la época de la primera Rocky, con ese boxeador tano y bruto, o aquella Fiebre del sábado a la noche, con Travolta como un chico de barrio con ansias de bailarín. Esos dos filmes no solo patentaron un estilo —la historia del perdedor que logró salir de la mala— sino que lo hicieron manteniendo un fuerte sentido de identidad local y popular: Rocky es un recorrido urbano por Filadelfia y Fiebre... reproduce con fidelidad el ambiente barrial de Brooklyn."

"Veinticinco años más tarde, el disco y el boxeo se han convertido en el rap, y Detroit es la ciudad en cuestión. El filme se llama 8 Mile: Calle de las ilusiones y es una versión renovada de esa clásica historia. Y si el ahora cliché se sostiene —algo que incontables Karate Kid no pudieron destruir—, es porque el director Curtis Hanson (Los Angeles: al desnudo) fue capaz de dos milagros simultáneos."

"Más que un filme de rap o un filme sobre Eminem, 8 Mile es un recorrido por la lúgubre Detroit, antigua ciudad factoría hoy convertida en cementerio de carromatos, casas viejas, edificios abandonados, fábricas destruídas y ambiente espectral. En esa verdadera Ciudad Gótica que es Detroit transcurre la historia de Rabbit, un chico pobre que vive en una casa rodante con su madre alcohólica (una mal elegida Kim Basinger), trabaja como operario y sueña con triunfar como rapper. La suya es una parada difícil: en una ciudad predominantemente negra, Rabbit es un blanquito con cara de tierno. Y encima, a la hora de mostrar sus habilidades, sufre un terrible pánico escénico y no puede rapear."

"El segundo gran mérito de Hanson fue lograr que Eminem (o Marshall Mathers, tal es su nombre real) entregue una performance más que aceptable en un papel que tiene bastantes contactos con su verdadera historia. Es allí, en la credibilidad de personajes y escenarios, en la forma en que Hanson nunca deja que el asunto se le escape de las manos (nada más lejos para él que un exceso de sentimentalismo), en dónde el filme hace pie y se sostiene."

Fuente: La gran esperanza blanca - Clarín, Jueves 23 de enero de 2003

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Yo soy el rey

"(...) The King, es decir Elvis, también fue el rey del film de cantante. Y aun cuando la mayoría de sus films eran tontos hasta lo subnormal, Elvis tenía un carisma que muchas veces terminaba justificando el precio de la entrada. Lo notable del caso de la relación entre Presley y el cine es que el celuloide capturó casi totalmente su carrera musical, al punto que durante casi toda la década del 60 no salía un disco de Elvis Presley que no fuera el soundtrack de algún film."

"Aun coincidiendo en que las películas de Elvis por lo general no bajan de lo ultrabobo, no se puede dejar de mencionar algunos momentos tan logrados como La estrella de fuego (The Flaming Star, 1960), un excelente western antirracista que dirigió Don Siegel en el que Elvis era... mestizo, papel que al soberano de Memphis no le molestó interpretar en absoluto, al igual que tampoco le disgustaba cruzar el río para filmar mejicaneadas como Charro! o Fun in Acapulco. Esta última se destaca por el antológico track “Bossa Nova Baby”, y por la presencia de un argentino en el cast: Alejandro Rey merece ser recordado como el único gaucho hollywoodense que compartió cartel con the King himself."

"Las películas de Elvis marcaron el camino a cualquier productor de cine que quisiera potenciar el carisma o la popularidad de un cantante. Como sucedió en la Argentina con Quiero llenarme de ti, la primera película protagonizada por Roberto Sánchez, más conocido como Sandro. Si bien Sandro era famoso, Quiero llenarme de ti lo elevó a la categoría de Sandro de América."

"Sus dos primeras apariciones en cine habían sido papeles secundarios en dos films que no influyeron en su carrera: Convención de vagabundos (dirigida por Rubén W. Cavalloti en 1965, y con una aparición de Palito Ortega) y en el film infantil Tacuara y Chamorro, pichones de hombre (Catrano Catrani, 1966). Fue en 1969 cuando Emilio Vieyra terminó por convertirlo en el superastro que todos conocemos con un melodrama inolvidable ya desde la imaginería erótica de su título: Quiero llenarme de ti fue uno de los grandes éxitos de taquilla de la Argentina –y de toda Latinoamérica– y disparó una sucesión de films que no se detendría hasta 1980 con Subí que te llevo (también de Ruben W. Cavalloti). Pero de las 11 películas que protagonizó Sandro desde 1969, la trilogía esencial es la inicial. Quiero llenarme de ti, La vida continua y Gitano, todas dirigidas por Vieyra, con música de Jorge López Ruiz (las canciones ocasionalmente estaban compuestas por Sandro y a veces Vieyra participaba en las letras)."

Radar: Esa cosa llamada “película con cantante”

Sandro en el trailer de "Gitano"

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De cuando el cine afroamericano recurría a sus estrellas raperas para sus películas-denuncia

Al principio de los 90, Ice T, los NWA y Ice Cube inauguraron las películas que denunciaban la violencia racial que los rodeaba, relatando el universo de los nuevos gánsters y el espiral descendente de crack y violencia racial. Luego, sus discursos y actuaciones (y el de las películas) se fueron moderando, hasta terminar en paradojas tales como que Ice T encarna a un policía en la serie "Law & Order: Special Victims Unit" (recordemos que su máximo hit se llamó "Cop killer") y Ice Cube interpretará una saga de comedias familiares con una peluquería como tema central...

"El cine afroamericano reconoce dos grandes hitos en su historia reciente. Uno es Haz lo correcto, que al filo de los 90 presentó al mundo a Spike Lee, y el otro es Los dueños de la calle (Boyz'N the Hood - 1991), un par de años posterior y opera prima de John Singleton, de 24 años en ese momento. Salvando la distancia geográfica y cultural que lleva de Nueva York a Los Angeles, los dos films tomaban por las astas el toro bravo de la identidad afroamericana, en un entorno social signado por la violencia pura y dura. Ambas eran películas vivas y urgentes que señalaban una situación social en estado de estallido, sin alzar el dedo admonitorio ni forzar conclusiones. "

"Se percibía, sin embargo, una significativa diferencia: mientras Spike Lee hacía foco en el odio interracial, Singleton encontraba la semilla de la destrucción en el propio interior de la comunidad negra. De allí en más, a Singleton le costó mantenerse a la altura de su debut, y las sucesivas Poetic Justice, Higher Learning y Rosewood (editadas en video como Justicia poética, Sin miedo en el corazón y Rosewood: cacería de inocentes) lo mostraron en ocasiones vacilante, altisonante o declamatorio en otras. La reciente remake de Shaft fue un puro trabajo de encargo al servicio de la industria, y ahora llega su opus más flamante, donde Singleton recupera, una década más tarde, aquella potencia y espíritu polémico, dando un nuevo giro a su discurso."

Fuente: Página 12

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Las charlas de Jarmusch entre amigos, café y cigarrillos

"Coffee and cigarettes" es uno de los varios "proyectos-entre-amigos" de su creador, Jim Jarmusch. La cosa empezó hace casi 20 años, cuando el director sentó a una mesa al actor secundario Steven Wright y al inefable Roberto Benigni, por entonces recién salido de su participación en Bajo el peso de la ley. La consigna era sencilla, mínima y más bien vaga: que tomaran uno o dos cafés, que fumaran uno o dos cigarrillos, que hablaran un poco de ambas cosas y que remataran el esquicio con una resolución pensada entre todos."

"Eso fue en 1986. Diecinueve años más tarde, Coffee and Cigarettes fue una película que constaba de once episodios, todos ellos de una duración cercana a los 10 minutos. Filmados por Jarmusch en el curso del tiempo, puede verse en los protagonistas de cada episodio las piezas que permiten practicar, retrospectivamente, una verdadera arqueología filmográfica de su obra. Benigni y Tom Waits; Iggy Pop; y de la flamante Broken Flowers proviene el nunca bien ponderado Bill Murray. Todos ellos se sientan a sendas mesas, en compañía del habitual desfile de músicos amados (los rappers GZA y RZA, los hermanos White de The White Stripes) y de actores (Steve Buscemi, Alfred Molina, Steve Coogan, Cate Blanchett), que si todavía no actuaron en largometrajes del autor, tarde o temprano sin duda lo harán."

Fuente: Una colección de episodios Jarmusch

Video: Escena de "Coffee and cigarettes" entre Iggy Pop y Tom Waits

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El acertado Tom Waits
Aunque Tom Waits debutó en el cine con un personaje llamado Mumbles ("murmullos") en la primera película como director de Sylvester Stallone, el primer papel que valió la pena en una carrera plagada de aciertos (como lo son sus colaboraciones con Jim Jarmusch) fue como el cantinero Benny, que sólo sirve leche malteada y detesta que se use lenguaje profano en su local, en esta obra maestra de Francis Ford Coppola que fue "La ley de la calle" .

Otras películas en las que actuó:

Wristcutters: A Love Story (2006)
Domino (2005)
Mystery Men (1999)
Short Cuts (1993)
Dracula (1992)
At Play in the Fields of the Lord (1991)
The Fisher King (1991)
Queens Logic (1991)
The Two Jakes (1990)
Cold Feet (1989)
Candy Mountain (1988)
Ironweed (1987)
Down by Law (1986)
The Cotton Club (1984)
The Outsiders (1983)
One from the Heart (1982)

Los temas que escuchamos:

Perfect Day - Lou Reed
Egg Cream - Lou Reed
Memo From Turner - Mick Jagger
8 mile - Eminem
Lose yuorself - Eminem
Jailhouse rock - Elvis Presley
Flaming star - Elvis Presley
Dame fuego - Sandro
New Jack Hustler - Ice T
Straight Outta Compton - NWA
How to survive in South Central - Ice Cube
Idlewild Blue - Outkast
Down on the streets - The Stooges
Cold cold ground - Tom Waits
Jesus be here - Tom Waits
I put on spell on you - Marylin Manson

Los 80´s: Entre Irene Cara, Bacon, Maverick y "El club de los cinco"

2007-06-29T22:55:00.000-03:00

Un repaso afectuoso a la música, el cine y el imaginario de los 80´s, continuamente revisitados

Los 80s y las comedias de John Hughes

Mucho se ha hablado sobre el monopolio que el escritor/productor/director John Hughes tuvo sobre el cine juvenil en los ochentas. Sus obras más importantes han trascendido su vacuo origen y se han convertido casi, en objeto de culto. Con clásicos como "La chica de rosa", "16 velas", "El club de los cinco", "Todo en un dia", Hughes dictó la moda, actitud y gustos de una buena parte del público adolescente en el mundo occidental. Pero este status de culto ha llegado casi veinte años después de que esas películas tuvieran moderado éxito de taquilla. En su momento fueron modas pasajeras; pero sin intención (¿o con ella?) sembraron las semillas que años después darían como fruto la avalancha de comedias juveniles, de variable calidad, que nos inunda a principios del nuevo siglo. Se puede alegar que dicho cine nunca ha desaparecido, y es cierto, pero desde principios de los ochentas no había tenido tal auge como el que presenciamos hoy en día.

Más aún... muchos de los antiguos fanáticos de Hughes son ahora los que se encargan de forjar los gustos y actitudes de nuevas generaciones a través del entretenimiento popular. Así, Kevin Williamson, creador de la exitosísima serie televisiva "Dawson's Creek", ha prácticamente plagiado su estilo y tono al poblar sus películas y series de personajes y situaciones muy similares a los de Hughes. Y desde luego, bajo el título de "homenaje" se las ha arreglado para desvergonzadamente re-interpretar los argumentos de las obras clásicas del cineasta.

Video: Trailer de "El club de los cinco"

Posiblemente de todas las cintas de John Hughes (como director y escritor), la más importante es "El club de los cinco", pues en ella se pasa casi totalmente del argumento romántico para dar lugar a un encuentro de personalidades arquetípicas (bueno, arquetípicas a nivel "high school") que resulta en una película profunda, compleja, emotiva y tremendamente entretenida (...)

Fuente: The Wild One

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Footloose y su "escena del baile de graduación"

Película hecha a la medida de los gustos adolescentes que combina baile, comedia y una historia de amor. Cuenta la historia de un chico que llega a un pueblo en el que el fundamentalista Shaw Moore ha prohibido el baile. El joven, que además de rebelde es un entusiasta de la música, intentará por todos los medios acabar con esa prohibición, mientras se enamora de la hija de Moore.

Footloose es una película llena de energía, con deslumbrantes números musicales y una formidable banda sonora. Retrata el eterno enfrentamiento entre la diversión más inocente y la moralidad más rígida que uno pueda imaginar: el chico de ciudad, Ren McCormick, llega a un estricto pueblo del Medio Oeste donde el baile (y todo cuanto implica alegrías para la juventud) ha sido prohibido. Ren revoluciona el lugar junto a su mejor amigo, Willard, y a la hija del predicador. Una auténtica joya con canciones que alcanzaron tremendo éxito.

"Footloose" sirvió para el lanzamiento de Kevin Bacon ya que se trataba de su primer papel protagonista y aprovechó el renombre de Lori Singer gracias a su presencia en la serie "Fama" (llevada al cine por Alan Parker) para dar la réplica femenina.

Protagonistas: Kevin Bacon, Lori Singer, John Lithgow, Dianne Wiest, Sarah Jessica Parker, Christopher Penn, John Laughlin, Elizabeth Gorcey

Fuente: Los `80s (Aquellos años dorados)

Video: El gran final de "Footloose"

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Lo que provocan algunas películas ochentosas:

Como el hijo de Silvestre

"Así como el hijo de Silvestre salía a la calle con una bolsa de papel en la cabeza por la vergüenza que su padre le provocaba, así voy a estar yo pero por lo que viene a continuación:

Hace unos días me reía con un amigo que me estaba mostrando orgulloso su CD de la banda de sonido de Top Gun. Una vez superada la vergüenza inicial (de ambos) investigamos la lista de temas y para mi sorpresa (o no) entre ambos pudimos ubicar cada canción en cada escena de la película…

Y ésta cuál es?… ésa es la que se escucha cuando Tom Cruise entra al bar…¡Claro! y esta otra es la que se escucha cuando están jugando al beach voley, con unos pantaloncitos de jean que hoy en día sólo se los perdonaríamos a los Village People.

Siguiendo esa línea me acordé de El color del dinero también con Tom y Paul Newman. Cuya banda de sonido era “It’s in the way that you use it” de Eric Clapton que canté hasta el cansancio, mejor dicho hasta que mi madre me lo permitió (juró que me echaba de casa), por supuesto que mi interpretación incluía la guitarra aérea.

Y esto no termina acá, seguimos cuesta abajo: Mannequin no nos hizo ningún favor, puso en los oídos de todos aquella “Nothing’s gonna stop us now” de Starship, aquí daba sus primeros pasos Kim Cattrall ahora conocida por la Samantha de Sex and the city.

Video: Nothing’s gonna stop us now - Starship

Siguiendo en la rodada, abajo de todo llegamos a…¡Dirty dancing! donde por supuesto “Hungry eyes” de Eric Carmen se escuchaba seguido en mi cuarto pero la canción era “She’s like the wind” de Patrick Swayze.

Si así empecé la adolescencia mi infancia no fue mucho mejor, toda esta saga de canciones de peliculas en dónde podría haber empezado si no es con Fama, Footloose y Flashdance (...)

Video: La escena final de Flashdance

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Algunas películas populares de esa época:

Martes 13 (1980)
The Blues Brothers (1980)
Fame (1980)
Mad Max 2 (1981)
Scanners (1981)
Blade Runner (1982)
Conan el Bárbaro (1982)
Reto al destino (1982)
Flashdance (1983)
Superman III (1983)
Karate Kid (1984)
Footloose (1984)
Volver al futuro (1985)
El club de los cinco (1985)
Top Gun (1986)
Nueve semanas y media (1986)
Dirty Dancing (1987)
Mannequin (1987)
Quisiera ser grande (1988)
Cocktail (1988)
Cuando Harry conoció a Sally (1989)
Mira quién habla (1989)

Fuente: Internet Movie Data Base

Video: I´m glad, de Jennifer López

Los temas que escuchamos:

Irene Cara - Fame (Fame)
Michael Sembello - Maniac (Flashdance)
Bonnie Tyler - Holding out for a hero (Footloose)
Survivor - Eye of the Tiger (Rocky III)
Basil Poledouris - Anvil of Crom (Conan the Barbarian)
Ray Parker Jr - Ghostbusters (Ghostbusters)
Duran Duran - A view to a kill (En la mira de los asesinos)
Huey Lewis and the News - Power of Love (Volver al Futuro)
Berlin - Take My Breath Away (Top Gun)
Eric Clapton - It's In The Way That You Use It (El color del dinero)
John Parr - St. Elmos Fire Man In Motion (St. Elmos Fire)
Bill Medley & Jennifer Warnes - (I've Had) The Time Of My Life (Dirty Dancing)
Starship - Nothing 's Gonna Stop Us Now (Mannequin)
Simple Minds - Don't you Forget About Me (Breakfast Club)

Cine Nacional & Soundtracks: Tanguito, Pandolfo, Babasónicos y "Luca not dead"

2007-06-22T22:47:00.000-03:00

Sobre la actualidad de Ulises Butrón, la voz detrás del "Tanguito" de Marcelo Piñeyro

Todos somos héroes anónimos
A mediados de los 80, Spinetta grababa un disco en el mismo estudio donde un nuevo grupo pop buscaba darle forma a su sonido. El Flaco se acercó. Me gusta esa
guitarra, dijo. Escuchó un día, otro y le propuso a Ulises Butrón que formara parte del disco Privé. Nada mal para un pibe de 22 años (...).

En 1992, Ulises fue convocado para cantar el tema principal de la ópera prima de un tal Marcelo Piñeyro. "Habíamos grabado un demo con lo que después sería La Guardia del Fuego —su última agrupación conocida— y me llamaron por teléfono: ¿Te interesaría cantar para una peli sobre la vida de Tanguito?. Dije que sí, obvio. En ese momento no iba a pensar que "Tango..." sería lo más visto desde La historia oficial".

Pero la película fue boom y la Guardia del Fuego se convertiría en la banda de sonido itinerante del filme. Presentaciones por todos lados, las finanzas del grupo que mejoran, los medios que están atentos al movimiento de Ulises & Cía. En ese horno tan intenso La Guardia se calcinó: BMG les rescinde el contrato (si había pasado el cuarto de hora de la película, también el de la banda).

"Fue un palazo tremendo. Nos usaron y nos tiraron", recuerda. A todo esto, Ulises perdía a su papá y se separaba de María Gabriela Epumer, su mujer durante ocho años. Las malas noticias no iban a parar: rehace su vida pero su nueva pareja —madre de su único hijo— se enferma y muere. Ulises desbarranca. De la depresión a las adicciones puede haber un solo paso.

Sobrio a las piñas, ahora Butrón participó de Escúchame entre el ruido, 40 años de rock argentino. Allí se unió la célula de Metrópoli, (él + Isabel de Sebastián), apenas un guiño para iniciados. "Habían pasado 14 años", dice Ulises. ¿Y? "Nada. Nos juntaron para grabar un tema de Catupecu Machu pero, la verdad, discutimos bastante. Como antes... Mi cabeza está puesta en Triangular."

Fuente: Clarín, domingo 14 de enero de 2007

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Pablo Trapero, Palo Pandolfo y el soundtrack de “Nacido y Criado”

"Me gusta usar canciones y no música incidental —dice Pablo Trapero—. Preferentemente canciones existentes, que ya tienen su contenido y su mundo propio antes."

Si bien las canciones que se escucharon en “Nacido y Criado”, a excepción de una, ya editadas, se escucharan en nuevas versiones, que Pandolfo grabó en los estudios Del Cielito. "Se regrabaron con nuevos arreglos —cuenta—. Hay un tema de Los Visitantes, Sangre, que es como el leit-motiv de la película".

Pandolfo cuenta cómo vivió la experiencia: "Pablo quería verme, fui a la productora, me pone la película y arranca con Sangre. Yo me caí de culo. Fue una sensación física muy fuerte ver cómo funcionaba, cómo va creando suspenso y tensión."

Fuente: Clarín, sábado 25 de marzo del 2006

Video: Trailer de "Nacido y Criado"

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Exequiel Acuña y su primer "largo"

"Como aquel ser excepcionalmente sensible a la crueldad y a la perversidad que J. D. Salinger transformó en su cazador oculto, Ezequiel Acuña se acerca a la vida con una mirada casi inocente en la que recuerda el dolor de la infancia perdida. `Cuando Holden Caufield (el adolescente protagonista del libro) llegó a mí, entendí que no estaba solo´, confiesa tímidamente."

"Con 25 años y un eterno no voy a crecer como una obligación de vida, Ezequiel prefiere no hacer frente al dolor de abandonar esa tardía adolescencia que lo inquieta, que lo motiva y que, en definitiva, lo llevó a filmar su opera prima, Nadar solo."

"Filmada en súper 16 color y a la espera de la ampliación a 35mm para poder estrenarla, Nadar solo es, según Acuña, `los diecisiete años, el desaliento, el pasado que no es suficiente, el futuro incierto acercándose, un hermano que hace tiempo que no ves, una búsqueda, la tímida ilusión de alguna respuesta, un viaje, el mar, una chica con sus peces de colores, vos, y el agua, siempre alrededor de todo´".

Fuente: Suple Vía Libre - Viernes 5 de julio de 2002

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Sobre “Las mantenidas sin sueño”

Vera Fogwill (recordada por sus papeles en Buenos Aires Viceversa, El viento se llevó lo que, Plaza de almas, entre otras) escribió el guión, dirigió y también actúa en esta comedia dramática de 97 minutos de duración, representando a Florencia, una madre drogadicta que tiene a una hija de 9 años (la niña Lucía Snieg, en el papel de Eugenia). Desde un principio, su idea no era la de ocupar el rol protagónico también: “yo no quería interpretar ningún papel en la película. La cosa es que no encontramos a nadie que quisiera trabajar gratis ensayando con una nena sin formación actoral durante ocho o nueve meses. Había que crear un vínculo, esa era la idea, así que me metí un año en una tarea pedagógica, junto a una coach que es una maestra de teatro de niños. Trabajamos juntas en todo su entrenamiento para filmar. Era un riesgo grande e hice lo posible para que salga cuidado”.

En “Las mantenidas”, la cineasta se introduce en el universo de las relaciones entre mujeres en un intento por mostrar otra forma de entender la femineidad, es decir, la intimidad de esas relaciones, sus costumbres, temores, sus costados oscuros. Como es que el género femenino construye lazos de solidaridad entre sus miembros. El término “mantenidas” del título no hace referencia a lo económico, sino que está más emparentado con lo social.

La banda de sonido la realizó el grupo Babasónicos, y fue editada en un disco

Fuente: Web Babasónicos

Video: Trailer de "Las mantenidas sin sueño"

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"Luca", el documental que estaría listo para antes de fin de año

(...)Según la idea que tiene el director Rodrigo Espina y los productores Aníbal Esmoris y Marcelo Schapes, el documental en el que han trabajado más de 15 años se podría estrenar en diciembre, cuando se cumplan 20 años de la muerte de Luca Prodan. La profesionalidad y el respeto con el que este trío de hacedores encararon la producción e investigación previa al filme hizo que los personajes más innegablemente pegados al ex Sumo (Timmy McKern y Andrea Prodan) sumaran su apoyo incondicional al proyecto.

El director anticipa todo lo que puede, o lo que quiere. Que el film abarcará toda y no una parte de la vida de Luca -ya realizó tres viajes para hacer estudio de campo a Italia, Escocia e Inglaterra, donde entrevistó a amigos, familiares y compañeros de colegio de Luca-. Que la gran protagonista, además de filmaciones, recitales y testimonios inéditos, es la voz de la deidad ginebrera en primera persona. Que, además de Andrea y Timmy, consiguió los invalorables aportes de Michelle Prodan y Cecilia Pollock, hermana y madre de aquel díscolo alumno del Gordonstoun College escocés.

Ligado al clan Las Pelotas luego de la desaparición de Sumo, Espina conserva un preciado material que volcará de lleno en el documental. Cámara íntima y amiga de todos ellos, el hoy realizador oficial de la banda de Daffunchio alcanzó a filmar escenas de backstage, recitales en lugares recónditos del país y secuencias de entrecasa que al fin verán la luz, luego de tantos años de oscuridad.

-¿Cómo piensan resolver un tema tan espinoso como su muerte?
R. E.: -El final de la película lo dijo Timmy hace ocho años. Es un comentario que hace Guillermo Patricio Kelly: "Ultimo momento, se supo, Luca Prodan no está muerto... está en Paraguay vendiendo droga" (risas). Es el final ideal, pero no podemos encontrar la cinta.

Fuente: Página 12, domingo 10 de junio de 2007

Video: Mejor no hablar de ciertas cosas - Sumo

Los temas que escuchamos:

Me gusta ese tajo - Ulises Butrón
Pero el amor es más fuerte - Ulises Butrón
Algún lugar encontraré - Andrés Calamaro
Palabras para Julia - Liliana Herrero
Familia Rodante - Leon Gieco
Tanguedia I - Astor Piazzola
Sangre - Los Visitantes
Inquieto - Jaime sin Tierra
Rápido y Juntos - Babasónicos
Las Mantenidas - Babasónicos
Qué ves - Divididos
Años - Calamaro/Prodan
Mañana en el Abasto - Sumo
Mejor no hablar de ciertas cosas - Sumo

Sofía Cóppola: Air, Bill Murray y una María Antonieta bastante pop

2007-06-15T22:42:00.000-03:00

En este tercer programa de Soundtrack Radio repasamos la filmografía (o, al menos, lo más relevante) de esta directora, actriz, productora y guionista nacida en Nueva York el 14 de mayo de 1971. Podríamos decir que Sofía Carmina Cóppola, la hija de Francis Ford Cóppola, se ha destacado no sólo por su particular manera de filmar y de tratar a sus personajes sino también por la importancia que le da a la selección de temas que componen el soundtrack de sus películas.

“Suicide underground”, interpretado por la banda francesa Air, fue uno de los temas emblemáticos del soundtrack de su primer largometraje: “Las Vírgenes Suicidas”. En aquel film trabajaba James Woods, Kathleen Turner y Kirsten Dunst, la rubio-pelirroja sufrida que debe noviar con Peter Parker en las tres entregas de “El Hombre Araña” (entre otros papeles en los que ha trabajado).

Su carrera como actriz comenzó a muy temprana edad, ya que siendo un bebé apareció en la película "El padrino", dirigida por su padre, Francis Ford Cóppola. Su papel más conocido fue el de Mary Corleone en "El padrino. Parte III" (1990), pero esta interpretación recibió muchas críticas, por lo que allí (casi diríamos que) terminó la carrera interpretativa de Sofia, aunque posteriormente hizo pequeñas apariciones en algunas películas (una de ellas es el Episodio I - La Amenaza Fantasma, de La Guerra de Las Galaxias) y un video de los Chemical Brothers, "Electrobank", dirigida por su actual ex marido: Spike Jonze.

Video: Electrobank - The Chemical Brothers

Por "Perdidos en Tokio", Cóppola fue nominada al Oscar por "Dirección" y "Mejor guión original", ganando éste último, algo no muy común en el mundo del cine. De esta forma, Sofía se convirtió en la tercera mujer en estar nominada en la categoría mejor dirección y la primera estadounidense. De todas maneras, la crítica aún no le reconoce su trabajo, quizá porque no le perdonan que sea "la hija de..." .

La última película de Sofía, hasta la fecha, es "María Antonieta" (2006), una adaptación de la biografía de la última reina de Francia escrita por la historiadora británica Antonia Fraser. De nuevo, Cóppola trabajó con la actriz Kirsten Dunst (en el papel principal), y también están en el reparto Asia Argento, Marianne Faithfull, y el actor Jason Schwartzman (primo de la directora) que interpreta el papel de Luis XV

Video: Trailer de María Antonieta

Los temas que escuchamos fueron:

Everything You've Done Wrong - Sloan
Suicide underground - Air
Playground love - Air
More than this - Bil Murray
More than this - Roxy Music
Just like honey - Jesus and Mary Chain
Kaze wo atsumete - Happy end
I Don't Like It Like This - The Radio Dept
Ceremony - New Order
The Melody of a Fallen Tree - Windsor For The Derby
What Ever Happened - The Strokes

La Babel musical de Santaolalla, los 70´s de Zodíaco y Keith pirateando con Johnny

2007-06-08T22:36:00.000-03:00

Sobre Babel y el argentino que ganó dos Oscars

El misterio de Santaolalla

Por Diego Fischerman

Hollywood siempre tendió a reconocer las grandes partituras orquestales o sinfónico-corales por sobre los trabajos más camarísticos. Músicas extraordinarias jamás accedieron siquiera a una nominación al Oscar y allí, como en otras partes, se verifica un exacto diseño piramidal: muchos hicieron la música para una sola película y muy pocos compusieron para infinidad de títulos. Incidentalmente, casi todos ellos provenían de las mismas universidades y escuelas de música, Harvard, Princeton, Julliard, y la mayoría se conocía entre sí y había conocido durante sus años de estudio a quienes luego serían productores cinematográficos. Santaolalla no sólo no concurrió a esos centros académicos –ni a ningún otro– sino que, en la composición, se limita a unos agradables interludios ambientales tocados en oud (que se pronuncia “ud”; la ud era el instrumento que llegó a Europa desde Oriente y que allí quedó como laúd), sobre unas notas largas producidas en general por medios electrónicos. El resto es el trabajo de un fenomenal disc jockey a la vieja usanza. Un seleccionador de materiales ajenos de enciclopedismo notable, capaz de ir de David Sylvian y Ryuichi Sakamoto a Blanquito Man, Control Machete & Celso Piña y su Ronda Mágica (sic), en la “Cumbia sobre el río” (...)

Blanquito Man, Control Machete & Celso Piña y su Ronda Bogotá - Cumbia sobre el río

Fuente: Radar, domingo 1 de Abril de 2007

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Zodiac: radiografía de una obra maestra

"El argumento de "Zodiac" es la investigación que a lo largo de más de dos décadas se realizó del famoso caso del asesino del Zodíaco que perturbó a la ciudad de San Francisco a finales de los años 60 y principios de los 70. Dicha investigación, fue llevada a tres bandas y muy obsesivamente, por un policía, un periodista y un dibujante, los cuales vivieron muy de cerca todo el entramado de los brutales asesinatos que cometió dicho asesino. Sirva de apunte que dicho caso sirvió de inspiración a dos famosísimas películas; por un lado Bullitt, cuyo personaje central, encarnado por Steve McQueen, se inspiró en el inspector de policía David Toschi, algo a lo que se hace alusión en la película con un chiste inteligentemente metido en la trama. Y por otro, el mítico film de Don Siegel "Harry el Sucio", cuyo villano, Scorpio, es una clara referencia al asesino. El film protagonizado, e incluso dirigido en alguna secuencia, por Clint Eastwood, tiene su merecido homenaje en la película de Fincher."

"No nos encontramos, aunque su engañoso trailer televisivo haga pensar lo contrario, ante un thriller típico sobre la caza de un asesino en serie, ni siquiera es una vuelta a los orígenes en plan Seven. De hecho, todos aquellos que estén acostumbrados a la forma de narrar de Fincher se llevarán una auténtica sorpresa (y ya entra dentro de cada uno si es para bien o para mal) pues se encontrará con una película totalmente sobria, de un clasicismo embriagador y que simplemente en dos secuencias podemos ver la mano del Fincher al que estábamos acostumbrados. Por un lado, el seguimiento aéreo de un taxi, y por otro la visualización de criptogramas mientras dos policías entran en la redacción de un periódico. Ahí se acaba todo, el resto es una gloriosa puesta en escena, con una planificación perfecta y con un uso del montaje envidiable. (...)"

Fuente: Cinemanía

Video: Trailer de Zodíaco

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Somos los piratas

En su única entrevista juntos, Keith Richards y Johnny Depp discuten sobre por qué son piratas dentro y fuera de la pantalla grande. Enterate de los entretelones de la nota, y mirá las fotos de la avant premiere de la peli en Hollywood.

Un camarín con aire acondicionado, propiedad de los estudios Disney: perfecto refugio para el calor que asota (sic) al estado de California. Allí dentro, humo de
tabaco, música africana y reggae a todo volumen y dos hombres que relacionan a los piratas del Siglo XVIII con el rock and roll: nada más y nada menos que Keith Richards y Johnny Depp. Depp siempre admitió que el Stone Mayor fue su gran inspiración en el momento de componer su personaje de Jack Sparrow en la saga de Piratas del Caribe, por lo que la aparición de Keith en la tercera parte como el padre de Johnny no sorprendió a nadie. Y Rolling Stone, en exclusiva, logró que ambos narren sus sensaciones como rockeros (para no hablar de Richards, recordemos que Depp tuvo una banda en sus años mozos), como actores y, claro, como ladrones. Porque, como bien afirmó Keith, "Ser pirata y ser rockero: dos formas de ganarse la vida de manera deshonesta". Y si el Viejo Richards lo dice..

Fuente: Rolling Stone La

La nota completa en la Rolling Stone USA

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Los temas del programa:
Cumbia sobre el río - Blanquito man, Control Machete & Celso Piña y su Ronda Bogotá
Masterpiece - Rip Slyme
Two Worlds, One Heart - Gustavo Santaolalla)
Para que regreses - El Chapo
Oh My Juliet! - Takashi Fujii
Sky Pilot - Eric Burdon & The Animals
Hurdy gurdy man - Donovan
Hoist the Colours - Hans Zimmer
Drink Up Me Hearties - Hans Zimmer
Paint it black - The Rolling Stones

Definición de "soundtrack", la saga de Batman y el "Vanishing Point" de Quentin

2007-06-01T14:36:00.000-03:00

Banda Sonora Original (BSO)
en inglés Original Soundtrack (OST), a veces simplemente conocido como soundtrack, como también se la conoce muy a menudo en el lenguaje cinematográfico, o simplemente banda sonora -significando en este caso alguna versión o parte- es el conjunto de palabras, sonidos y música que acompaña a una película.

Normalmente, en cambio, y con algunas raras excepciones, el término alude solamente a la música de un film. Desde un punto de vista musical, se entiende como banda sonora original aquella música tanto vocal como instrumental compuesta expresamente para una película, cumpliendo como función la de potenciar aquellas emociones que las imágenes por sí solas no son capaces de expresar. Compositores famosos de bandas sonoras son algunos nombres como Ennio Morricone ("El bueno, el feo y el malo"," La misión") o John Williams (Tiburón, La guerra de las galaxias o Indiana Jones). (...)

Música cinematográfica (o Score)
Por música cinematográfica se entiende toda música compuesta para un filme. Podría pensarse en un primer momento que no hay ninguna diferencia entre el término música cinematográfica y el de banda sonora. Esto es un grave error, pues la música es parte de la banda de imagen sonora, que funciona en paralelo a la banda de imagen visual, y lleva además las voces y los efectos de sonido. El cine funciona en este constante paralelismo entre sonido e imagen, y la primera es vital para entender la segunda. Es por esto que la música compuesta para el cine tiene sus propias características, distintas a la de todo otro tipo de composición musical. (...)

Más de Música de Películas en Wikipedia

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Danny Elfman (Los Ángeles, California, EEUU, 29 de mayo de 1953)
compositor estadounidense. Se ha convertido en uno de los más admirados compositores de los últimos años gracias a la frescura, originalidad, ironía y sorprendente uso de la música para la pantalla. Le gusta el uso de las grandes orquestas junto a voces corales, tanto de niños como de adultos.

Sus padres contrataron a un profesor particular y lo matricularon en el conservatorio de música, pero Danny lo dejó todo para aprender por su cuenta. Se unió al grupo teatral de su hermano, el The mystic knights of Oingo Boingo como parte del coro, pero su personalidad inquieta le llevó a componer canciones y finalmente a dirigirlo. Danny y su grupo componen la música de la película realizada por su hermano Forbidden Zone (1980) y después de muchos conciertos alcanzan cierta fama.

En 1985 Tim Burton, un joven que quería hacer su primera película quiere que Danny Elfman componga la música de su película, a partir de aquí la colaboración entre ambos es casi total, con la única excepción de Ed Wood compuesta por Howard Shore. (...)

Más de Danny Elfman en Wikipedia

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Sobre la saga de Batman:
Las características de las bandas de sonido originales (BSO) de Batman nos sirvieron para dar un pantallazo de cómo se usa este recurso en el cine, ya que a través de esta saga se pueden apreciar las diferentes moodalidades: instrumental, instrumental y canciones compuestas para el film, instrumental y canciones no compuestas para el film y compilado de canciones (este último ítem se puede dividir, a su vez, en "excelente y apropiada selección" o "rejunte comercial")

Ver los datos de cada una de ella en IMDB:
Batman (1989)
Batman Returns (1992)
Batman Forever (1995)
Batman & Robin (1997)
Batman Begins (2005)

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Sobre la última de Tarantino (Death Proof) y un antecedente directo:

Vanishing Point (1971)
Director: Richard C. Sarafian
Writers: Malcolm Hart (story), G. Cabrera Infante (screenplay)
Protagonistas: Barry Newman - Kowalski; Cleavon Little - Super Soul; Dean Jagger - Prospector and snake catcher; Victoria Medlin - Vera Thornton; Paul Koslo - Charlie.

Video: Trailer de "Vanishing Point"

"Vanishing Point es un film de 1971 protagonizado por Barry Newman (el actor que luego sería bastante reconocido en nuestro país por la serie Petrocelli). En Vanishing Point (la película), Kowalski es un fletero loco que desafía los límites de velocidad yanquis y cuya cruzada es apoyada por un disck-jockey negro y ciego que lo alienta por radio. En Vanishing Point (el disco), "Kowalski" es la canción con la que Primal Scream volvió a decir presente en la escena inglesa el día después de la cuestión brit-pop. Desafiando los límites de la unión tecno-rock, moviendo a tope las fichas de la pirotecnia y susurrando una plegaria al dios de la velocidad."

"La película original Vanishing Point, realizada en 1971, en su primer papel a Barry Newman como Kowalski, quien apuesta a un puñado de “superiores” que el puede conducir el nuevo Dodge Challenger desde Denver hasta San Francisco ¡en 15 horas!. El disc jockey Super Soul pone como cortina una excelente banda de sonido, mientras que Kowalski es el mejor de la carretera, el tiempo y el patrullero del camino en esta alta velocidad y emocionante persecución, por lo cual el grupo de grabación apostó en el negocio de la película.

El nuevo film Vanishing Point, lanzada como película para televisión en 1997, muestra a Viggo Mortensen que recrea a James Kowalski como un restaurador de autos americanos. Su larga distancia realizada para la entrega del Dodge Challenger a su dueño original (idéntico al de la película original), cambia radicalmente fuera de control cuando su mujer es repentinamente hospitalizada en peligro de perder a su hijo. Kowalski desesperado, hace poner al legendario Hemi en una persecución equivocada eludiendo al FBI y a otras autoridades de la ley de cuatro estados para dejar atrás las 1200 millas que lo separan de su familia".

Más de Vanishing Point en Internet Movie Data Base

Video: Show me how to live - Audioslave

Los temas que pasamos:
The Passenger - Michael Hutchence (Iggy Pop)
Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me - U2
Kiss From A Rose - Seal
Tell Me Now - Mazzy Star
Main theme (Batman I) - Danny Elfman
Opening Titles (Batman Returns) - Danny Elfman
Myotis (Batman Begins) - Hans Zimmer, James Newton Howard
Molossus (Batman Begins) - Hans Zimmer, James Newton Howard
Show me how to live - Audioslave
Chick habit - April March
The Last Race - Jack Nitzsche
The End - The Doors