speddy singhs

2013-03-02T00:13:00.000-08:00

Il Jazz

Il jazz è un genere musicale di origine statunitense nato nei primi anni del XX secolo nelle comunità afroamericane del sud degli Stati Uniti. Frutto di una confluenza di tradizioni musicali africane ed europee, le sue caratteristiche peculiari sono l'uso intenso di improvvisazione, il ritmo swing spesso sincopato, la poliritmia e il tono malinconico dato dall'uso delle blue note.
Sin dai primi tempi il jazz ha incorporato nel suo linguaggio i generi della musica popolare americana, dal ragtime, al blues, alla musica leggera e colta dei grandi compositori americani. In tempi più recenti il jazz si è mescolato con tutti i generi musicali moderni anche non statunitensi, come il samba, la musica caraibica e come il rock.
Il jazz si è trasformato, nel corso di tutto il XX secolo, evolvendosi in una gran varietà di stili e sottogeneri: dal dixieland di New Orleans dei primi anni, allo swing delle big bands negli anni trenta e quaranta, dal bebop della seconda metà degli anni quaranta, al cool jazz e al hard bop degli anni cinquanta, dal free jazz degli anni sessanta alla fusion degli anni settanta, fino alle contaminazioni con il funk e l'hip hop dei decenni successivi.

2013-03-02T00:10:00.001-08:00

Il Gruppo Rock

Due chitarre, un basso e una batteria, il tutto al servizio di una buona canzone e di un ritmo indiavolato. Tanto basta per far saltare sulle sedie i teenager.
Molti importanti compositori rock sono anche chitarristi: da Chuck Berry a Frank Zappa, da Jimi Hendrix a Eric Clapton a Prince per citarne alcuni. D'altra parte la chitarra è, assieme la voce, l'elemento più caratterizzante del sound rock. Il rock è energia, vitalità, ritmo e non può fare a meno del sostegno percussivo della batteria.
Meno appariscente della chitarra, ma insostituibile, è il basso elettrico che nel gruppo rock ricopre un ruolo ritmico e armonico.
La chitarra elettrica
la chitarra elettrica è nata dalla necessità di ottenere un suono più potente di quello della chitarra acustica.
Dai primi modelli degli anni venti essa si è presto trasformata fino alle moderne solid body (a ''corpo solido'', cioè senza cassa acustica).
Protagonista tecnologico di queste trasformazioni è il Pick-Up , il microfono magnetico che trasforma le vibrazioni delle corde in impulsi elettrici; questi poi vengono potenziati dal' amplificazione e trasformati in suono dei mastodontici altoparlanti: scenografia irrinunciabile di ogni concerto rock.
Fra le chitarre elettriche; quelle che hanno mantenuto la cassa acustica hanno un timbro più caldo e ricco e per questo sono di solito preferite dai jazzisti; le solid body invece favoriscono un più corretto funzionamento dei microfoni e l'utilizzo di numerosi accessori in grado di manipolare il suono ( distorsori, wha wha, chorus ecc..) che fanno la gioia dei chitarristi rock.

2013-03-02T00:01:00.000-08:00

Ragtime

Ragtime

Il ragtime si fece largo nel panorama musicale statunitense intorno al 1893, quando sarà di supporto musicale ai Minstrels, spettacoli popolari che con i Cake Walk furono lo svago più diffuso degli americani alla fine dell'800.

Il ragtime è una composizione d'autore per pianoforte che pur ispirandosi alla tradizione nera è completamente definita sulla carta: spartito. È uno dei padri del jazz: le prime brass band utilizzarono le melodie popolari di ragtime come linea guida per le loro performance.

Il ragtime ha una struttura formata da 4 temi di 16 battute che seguono, solitamente, la successione AABBACCDD. Si rifà sicuramente a forme classiche senza, per altro, imitarne nessuna (schemi simili al minuetto sembrano essere casuali). Il tempo è in 2/4, la marcia. Caratteristico è il gioco sincopato tra la mano sinistra e quella destra. L'effetto che si ottiene è di una poliritmia che trae sicuramente origine dai ritmi africani e caraibici.

Il ragtime ebbe un grande successo. Uno dei suoi interpreti più noti e prolifici fu Scott Joplin (1867 Linden (Texas) - 1917 New York) che specificò questo genere musicale.
Joplin aveva lavorato nei locali malfamati di Sedalia, Missouri prima di trasferirsi a New York dove avrebbe raggiunto il successo vendendo milioni di copie dei suoi spartiti: Bethena, Maple Leaf Rag, The Entertainer, solo per citarne alcuni tra i più noti.

All'inizio del XX° tutti suonavano il rag e ovunque, dalle sale da ballo "bene" delle grandi città dell'est agli sgangherati saloons della frontiera dove pianisti con bombetta, camicia a righe e sigaro all'angolo della bocca o pianoforti con rulli meccanici accompagnavano il chiasso degli avventori. Il fenomeno musicale fu così importante da solcare l'oceano suscitando l'interesse dei compositori europei. Nel 1908 Debussy scrisse Golliwag cakewalke e Stravinsky nel 1918 compose due ragtime per un piccolo gruppo di strumenti..

Joplin aveva fatto regolari studi musicali che gli furono d'aiuto a perfezionare la tecnica pianistica del ragtime e lo spinsero, all'apice del successo, a comporre un'opera lirica "Treemonisha" (1911) rappresentata nel 1915 ad un pubblico di negri scelti che non seppe apprezzarne il lavoro. Nel 1972 verrà curata una nuova edizione grazie all'interessamento del direttore Gunther Sculler che si occupò dell'orchestrazione. Gli ultimi anni di vita di Scott Joplin furono segnati da una terribile neurosifilide. La malattia, implacabile e spietata, contratta nel 1890, fu la diretta responsabile del declino artistico e fisico del compositore che morì quando il ragtime era ormai in declino, sostituito dalla nascente musica jazz.

Altri abili compositori di rag furono James Scott, il bianco Joseph Lamb, Tom Turpin, Louis Chauvin e Ben Horney anch'esso bianco. Chi invece, introdusse novità al genere sarà Jelly Roll Morton che negli anni venti non si limiterà a scrivere nuovi rag, ma li orchestrerà suonandoli con la sua band i Red Hot Peppers ( Wolverine blues).

2013-03-01T23:57:00.001-08:00

Minstrels

Rozzi, ridicoli, animaleschi, infantili, cantori di melodie selvagge usano un dialetto incomprensibile così erano visti dai bianchi gli oltre quattro milioni di schiavi negri.
Gli autori di musiche d'intrattenimento cominciarono a scrivere canzoni che mettessero in ridicolo i negri. Poco a poco questi artisti di strada ebbero l'idea di presentare, nella provincia americana intorno al 1840, una forma di spettacolo equiparabile alla nostra commedia dell'arte in cui gli attori bianchi "incipriatasi" la faccia di nero interpretavano, in modo di scherno, personaggi presi dallo stereotipo dello schiavo negro.

Lo spettacolo acquisì, negli anni, una struttura sempre più precisa e organizzata. L'attore munito di cilindro, giacca di raso e pantaloni a righe, bastone e ghette con la faccia annerita con il classico sughero bruciato si presentava ad un pubblico divertito ed entusiasta, cantando The gay negro bay piuttosto che The cool black rose o Jump jun crow tutti macchiette dello schiavo afroamericano. Le macchiette erano il gigante sfortunato dal cuore d'oro, quello che cerca di imitare i bianchi oppure il lavoratore sciancato, tutti, in comune, avevano chiaro un concetto: stai al tuo posto!

La musica dei minstrels mutuava l'esperienza bianca, spesso di origine irlandese, con gli echi degli spiritual. Quando le compagnie di teatranti cominciarono a dare spazio ad attori di colore le musiche si connotarono sempre più di una matrice negra.

È in questo contesto che nasce il cake walk. Un ballo a coppie, di provenienza degli schiavi, il cui nome trae origine dal fatto che il miglior ballerino della serata avrebbe avuto in premio una torta di mele. Il Ballo è caratterizzato da una musica sincopata che anticipa il ragtime.

"…paradossalmente l'imitazione fatta dai negri dell'imitazione fatta dai bianchi dei negri che… facevano il verso ai bianchi!"

Un autore di brani per i minstrel fu l'irlandese Stephan Collins Foster. Oh Susannah, My old Kentukey home, Swanee river sono alcuni esempi di queste canzoni, in essi è evidente l'influenza della musica nera (Foster andava nelle chiese dei negri ad ascoltare musica) e della tap-dance poi tip-tap, una danza che avrà notevole fortuna anche in europa.

2013-02-23T00:08:00.003-08:00

LA TRAVIATA

Verdi compie una vera e propria "rivoluzione" teatrale con
La traviata: il realismo e la contemporaneità del soggetto trattato (un "fatto di cronaca", avvenuto all'epoca dei soggiorni parigini di Verdi), e l'esaltazione dei più intimi sentimenti, segnano indelebilmente la narrazione degli avvenimenti della vita di Violetta. Si tratta del personaggio femminile che il musicista ha saputo ritrarre, con la musica, e con grande affetto, in tutta la sua estrema fragilità, nonché del suo profondo e totale coinvolgimento nell'esperienza amorosa, nelle gioie e nei sacrifici di un sentimento che, nella vita di Violetta, risulta certamente totalizzante.

2013-02-23T00:06:00.002-08:00

IL TROVATORE

Con Il trovatore è in primo piano il grande amore romantico, cioè tra "le due voci" (tenore e baritono) che caratterizzano due personaggi maschili, che rivaleggiano per conquistare l'amore di una donna (un altro tema ricorrente nella produzione artistica verdiana, ma anche proprio di un filone esaltato dal Romanticismo), che, quale elemento aggiuntivo in senso tragico, si scoprono fratelli. Ma di altrettanto rilievo, nell'opera, è la figura della madre, drammaticamente lacerata dagli avvenimenti crudeli e raccapriccianti che l'hanno vista, e la vedono, protagonista assoluta della terribile vicenda.

2013-02-09T00:15:00.000-08:00

MICROSOFT OFFICE EXCEL - Modulo 4

ESEMPIO FILE EXCEL ©

Microsoft Excel è un programma prodotto da Microsoft, dedicato alla produzione ed alla gestione dei fogli elettronici. È parte della suite di software di produttività personale Microsoft Office, ed è disponibile per i sistemi operativi Windows e Macintosh. È attualmente il foglio elettronico più utilizzato.

L'estensione .xls, per le versioni dalla 97 alla 2003, e .xlsx, dalla versione 2007, identifica la maggior parte dei fogli di calcolo (in inglese spreadsheet) o cartella di lavoro creati con Excel (il tipo MIME dei file identificati da questa estensione è tipicamente application/vnd.ms-excel). Excel tuttavia può importare ed esportare dati in altri formati, ad esempio il formato .csv.

2013-02-09T00:09:00.001-08:00

2013-02-08T23:56:00.002-08:00

Cesare Bocci
Cesare Bocci, all’anagrafe Cesare Adolfo Bocci, nasce a Camerino il 13 settembre 1957, da Elvio e da Angela, e per l’immaginario collettivo televisivo è e sarà Minì Augello, amico e collega di Salvo Montalbano, il famoso commissario creato dalla penna di Andrea Camilleri.
Cresciuto a Camporotondo di Fiastrone, assieme ai genitori e ai fratelli Anna Rita e Gaetano, scopre relativamente tardi la passione per la recitazione.
Iscritto alla facoltà di Geologia dell’Università di Camerino, frequenta contemporaneamente una scuola di recitazione a Tolentino, seguito dall’insegnante Marina Carloni, che lo sprona a intraprendere la carriera di attore.
Segue il consiglio fondando con un gruppo di colleghi la Compagnia della Rancia di Tolentino, con la quale muove i primi passi sul palcoscenico.
A 23 anni, sostenuti tutti gli esami del corso universitario, abbandona l’elaborazione della tesi di laurea per trasferirsi a Roma, dove si mantiene con umili lavori, cameriere, imbianchino, pony express, e affronta tanti provini, per il teatro, il cinema, e la televisione.
Fa il suo esordio in tv nel 1988 nella serie “Zanzibar” di Marco Mattolini, cui segue l’anno successivo un'altra serie, “Classe di ferro” di Bruno Corbucci.
L’esordio cinematografico risale al 1990 in “L’aria serena dell’Ovest” di Silvio Soldini. Seguono piccoli ruoli al cinema e in tv, che non gli offrono la possibilità di fare il grande salto.
Ricordiamo, tra le varie realizzazioni: “Il muro di gomma” di Marco Risi, del 1991, pellicola che indaga sulla strage di Ustica; “L’angelo con la pistola” di Damiano Damiani, del 1992, e sempre del 1992 la partecipazione alla serie tv “Quelli della speciale”.
Nel 1993 recita in “Giovanni Falcone” di Giuseppe Ferrara e in “Condannato a nozze” di Giuseppe Piccioni; nel 1994 in “Aquero” di Elisabetta Valgiusti, ambientato nel mondo dei trans; nel 1995 in “Il cielo è sempre più blu” di Antonello Grimaldi; nel 1997 in “Cosa c’entra con l’amore” di Aldo Speroni, e nella longeva fiction Rai “Un posto al sole”.
È il 1999 l’anno della svolta, Alberto Sironi, il regista di “Il Commissario Montalbano”, gli offre la parte di Mimì: tutto cambia per Cesare, gli si aprono tante porte e la sua carriera decolla. Questo ruolo di ligio poliziotto, simpatico donnaiolo, sempre pronto alla battuta, braccio destro dell’amato commissario, gli regala una popolarità inaspettata, cha fa da trampolino al suo successo professionale. Seguono infatti, oltre alla continua collaborazione con Sironi e Zingaretti – Montalbano, tanti lavori in tv, tra cui ricordiamo: “Un medico in famiglia 2” di Riccardo Donna e Tiziana Aristarco del 2000; “Tequila e Bonetti” di Bruno Nappi e Christian I. Nyby, sempre del 2000; “Il bello delle donne” del 2002; “Elisa di Rivombrosa” di Cinzia Th Torrini, del 2003, e il suo sequel, “Amanti e segreti” di Gianni Lepre del 2004; “Il cuore nel pozzo” di Alberto Negrin del 2005; “L’Ispettore Coliandro - Il giorno del lupo” dei fratelli Manetti, del 2006; “Terapia d’urgenza” del 2008, dove interpreta il primario Sergio Danieli, “Sant’Agostino”, di Christian Duguay del 2010, il film tv su Papa Pio XII, “Sotto il cielo di Roma”, "Provaci ancora prof. 4" nel 2012.
Tra le prove per il grande schermo ricordiamo quella in “Almost Blue” di Alex Infascelli, nel 2000, e in “Princesa”, di Enrique Goldman, del 2001.
Nel 2004 lo troviamo in tre pellicole: i drammatici “Comunque mia” di Sabrina Paravicini; “Io che amo solo te” di Gianfranco Pannone, e il cinepanettone di Neri Parenti “Christmas in Love”.
Nel 2005 ha un ruolo nel thriller “Contronatura” di Alessandro Tofanelli.
Bocci è rimasto sempre attivo anche a teatro, tra le tante pièce meritano di essere ricordate: “I dialoghi delle Carmelitane”, “Amleto, “Cenerentola”, “L’arlecchino innamorato”, L’Aretino Pietro”, “Cavalleria Rusticana”, “La piccola bottega degli orrori”, “Sweet Charity”, musical di successo dove affianca Lorella Cuccarini, e “Testimoni” per la regia di Angelo Longoni, nel 2010, quando torna a calcare le tavole del palcoscenico con la Compagnia della Rancia. E’ sposato con Valeria e hanno una figlia.

CARRIERA.

Teatro
I dialoghi delle Carmelitane
PS, il tuo gatto è morto
Amleto
Cenerentola
L'arlecchino innamorato
L'Aretino Pietro
Il fratello Maggiore
Cavalleria rusticana
Perché, perché Marì
La Putain au Grand Coer
La piccola bottega degli orrori
Sweet Charity
Testimoni
La cage aux folles- Il vizietto

Cinema

L'aria serena dell'ovest, regia di Silvio Soldini (1990)
Il muro di gomma, regia di Marco Risi (1991)
L'angelo con la pistola, regia di Damiano Damiani (1992)
Giovanni Falcone, regia di Giuseppe Ferrara (1993)
Condannato a nozze, regia di Giuseppe Piccioni (1993)
Aquero, regia di Elisabetta Valgiusti (1994)
Il cielo è sempre più blu, regia di Antonello Grimaldi (1995)
Cosa c'entra con l'amore , regia di Marco Speroni(1997)
Almost Blue, regia di Alex Infascelli (2000)
Princesa, regia di Enrique Goldman (2001)
Comunque mia, regia Sabrina Paravicini (2004)
Io che amo solo te, regia di Gianfranco Pannone (2004)
Christmas in Love, regia di Neri Parenti (2004)
Contronatura, regia di Alessandro Tofanelli (2005)
Non aver paura, regia di Angelo Longoni (2005)

Televisione
Zanzibar, regia di Marco Mattolini - Serie TV (1988)
Classe di ferro, regia di Bruno Corbucci - Miniserie TV (1989)
Un posto al sole, regia di vari - Soap opera (1997)
Il commissario Montalbano - 22 Film TV (dal 1999)
Meglio tardi che mai, regia di Luca Manfredi - Film TV (1999)
Un medico in famiglia 2, regia di Riccardo Donna e Tiziana Aristarco - Serie TV (2000)
Gioco a incastro, regia di Enzo G. Castellari - Film TV (2000)
Tequila & Bonetti, regia di Bruno Nappi e Christian I. Nyby - Serie TV (2000)
Il bello delle donne, regia di Lidia Montaanari, Luigi Parisi, Maurizio Ponzi e Giovanni Soldati - Serie TV (2001)
Elisa di Rivombrosa, regia di Cinzia TH Torrini - Serie TV (2003)
Amanti e segreti, regia di Gianni Lepre - Miniserie TV (2004)
Il cuore nel pozzo, regia di Alberto Negrin - Miniserie TV (2005)
L'amore non basta, regia di Tiziana Aristarco - Miniserie TV (2005)
Fratelli, regia Angelo Longoni - Film TV (2006)
L'ispettore Coliandro: Il giorno del lupo, regia dei Manetti Bros. - Serie TV (2006)
Giovanni Falcone, l'uomo che sfidò Cosa Nostra, regia di Andrea Frazzi e Antonio Frazzi - Miniserie TV (2006)
Io e mamma, regia di Andrea Barzini - Miniserie TV (2007)
Caccia segreta, regia di Massimo Spano - Miniserie TV (2007)
Terapia d'urgenza, regia di Gianpaolo Tescari, Lucio Gaudino e Carmine Elia - Serie TV (2008)
Sant'Agostino, regia di Christian Duguay - Miniserie TV (2009)
Sotto il cielo di Roma, regia di Christian Duguay (2010)
Provaci ancora prof 4, regia di Tiziana Aristarco (2012)

2013-02-08T23:54:00.001-08:00

GIUSEPPE VERDI

Nato a Le Roncole, vicino a Busseto (Parma), il 10 ottobre 1813 da un oste e da una filatrice, Giuseppe Verdi manifestò precocemente il suo talento musicale, come testimonia la scritta posta sulla sua spinetta dal cembalaro Cavalletti, che nel 1821 la riparò gratuitamente "vedendo la buona disposizione che ha il giovinetto Giuseppe Verdi d'imparare a suonare questo istrumento"; la sua formazione culturale ed umanistica avvenne soprattutto attraverso la frequentazione della ricca Biblioteca della Scuola dei Gesuiti a Busseto, tuttora in loco.
I principi della composizione musicale e della pratica strumentale gli vennero da Ferdinando Provesi, maestro dei locali Filarmonici; ma fu a Milano che avvenne la formazione della sua personalità.
Non ammesso a quel Conservatorio (per aver superato i limiti d'età), per la durata di un triennio si perfezionò nella tecnica contrappuntistica con Vincenzo Lavigna, già "maestro al cembalo" del Teatro alla Scala, mentre la frequentazione dei teatri milanesi gli permise una conoscenza diretta del repertorio operistico contemporaneo.
L'ambiente milanese, influenzato dalla dominazione austriaca, gli fece anche conoscere il repertorio dei classici viennesi, soprattutto quello del quartetto d'archi. I rapporti con l'aristocrazia milanese e i contatti con l'ambiente teatrale decisero anche sul futuro destino del giovane compositore: dedicarsi non alla musica sacra come maestro di cappella, o alla musica strumentale, bensì in modo quasi esclusivo al teatro in musica.
La prima sua opera, nata come Rocester (1837), frutto di lunga elaborazione, e poi trasformata in Oberto, conte di San Bonifacio, venne rappresentata alla Scala il 17 novembre 1839, con esito tutto sommato soddisfacente.

L'impresario del massimo teatro milanese, Bartolomeo Merelli, gli offerse un contratto per altre due partiture: Un giorno di regno (Il finto Stanislao), opera buffa, ebbe una sola rappresentazione (5 settembre 1840), e solo con Nabucco, la cui prima ebbe luogo il 9 marzo 1842, il talento verdiano si rivelò appieno. Il modello dello spettacolo grandioso, dove la vicenda è disegnata a grandi tinte, si ripete nell'opera successiva, I lombardi alla prima crociata (Milano, Scala, 11 febbraio 1843); ed è con Ernani (Venezia, La Fenice, 9 marzo 1844) che l'esperienza drammatica si concretizza nel conflitto tra le passioni dei personaggi. Questa scelta stilistica prosegue con I due Foscari (Roma, Teatro Argentina, 3 novembre 1844), ed è ulteriormente raffinata in Alzira (Napoli, San Carlo, 12 agosto 1845). Tutte le opere della prima fase creativa verdiana si differenziano fra loro perchè in ciascuna di esse viene esplorato questo o quel particolare aspetto dell'esperienza drammatico-musicale. Così, in Giovanna d'Arco, dalla tragedia di Schiller (Milano, Scala, 15 febbraio 1845), l'elemento soprannaturale gioca un ruolo determinante nella vicenda, di nuovo attagliata soprattutto sul grandioso; mentre in Attila (Venezia, La Fenice, 17 marzo 1846) la sperimentazione riguarda tanto la spettacolarità sulla scena quanto l'organizzazione complessiva dei singoli atti che compongono la partitura. Con Macbeth (Firenze, La Pergola, 14 marzo 1847) Verdi affronta per la prima volta un modello shakespeariano, e soprattutto mette in evidenza le connessioni drammaticamente rilevanti tra momenti cruciali della vicenda, e questo con mezzi esclusivamente musicali.

A trentaquattro anni il compositore ha ormai raggiunto una fama internazionale; le sue opere si rappresentano con frequenza in tutti i teatri del mondo, e vengono commissionate dai principali teatri italiani.

Ma questo a Verdi non basta. La trasformazione de I lombardi in Jérusalem (Parigi, Opéra, 26 novembre 1847) costituisce il primo incontro con le esigenze (ma anche con gli imponenti mezzi a disposizione) del grand opéra francese, e di questa esperienza sono evidenti le tracce ne La battaglia di Legnano (Roma, Argentina, 27 gennaio 1849), in cui conflitti individuali ed aspirazioni patriottiche, sollecitate dal contemporaneo esplodere dei moti risorgimentali, si alternano nella partitura. Con Luisa Miller (Napoli, San Carlo, 8 dicembre 1849), di nuovo su modello schilleriano, i conflitti si spostano anche tra differenti livelli sociali, alla fine dei quali l'innocenza soccombe.
Con Stiffelio (Trieste, Teatro Grande, 16 novembre 1850) l'ambientazione borghese di una setta religiosa mette in luce il conflitto tra i sentimenti individuali e il dovere che la carica spirituale impone. Con Rigoletto (Venezia, La Fenice, 11 marzo 1851) l'arte verdiana raggiunge uno dei suoi vertici più alti grazie alla perfetta concatenazione drammatica (frutto anche della fedeltà al modello di Victor Hugo), realizzata con altrettanto perfetto equilibrio dei mezzi musicali impiegati: la vendetta del buffone di corte per l'oltraggio inflitto dal duca libertino alla figlia ricade spaventosa su di lui tra lo scatenarsi degli elementi naturali in tempesta. Sempre sulla dimensione degli individui si atteggia La traviata (Venezia, La Fenice, 6 marzo 1853), partitura accentrata sull'eroina, una cortigiana che alle convenzioni ipocrite della società in cui vive oppone il totale sacrificio di sé. A queste due vicende direzionali, nelle quali lo sviluppo dell'azione avviene con un ritmo intensissimo, si contrappone quella del Trovatore (Roma, Teatro Apollo, 19 gennaio 1853), ricavata dall'omonimo dramma di García Gutiérrez, in cui le motivazioni che determinano lo svolgimento dell'azione sono continuamente eluse; l'azione drammatica si sublima costantemente nel gesto musicale, realizzando una forma di teatralità pura per la quale non esistono modelli o confronti.
All'esperienza del grand opéra Verdi ritorna con Les Vêpres siciliennes (Paris, Opéra, 13 giugno 1855), affrontando per la prima volta le esigenze della declamazione in lingua francese, e mettendo a confronto ancora una volta conflitti tra individui con aspirazioni e sentimenti di un intero popolo. Oltre alla traduzione del Trovatore in Trouvère e l'impoverita trasformazione (soprattutto per esigenze di censura) di Stiffelio in Aroldo, con Simon Boccanegra (Venezia, La Fenice, 12 marzo 1857) Verdi sperimenta in maniera nuova tematiche e opposizioni politiche, mentre con Un ballo in maschera i conflitti sono in primo luogo all'interno di ciascuno dei principali personaggi, e sono rappresentati attraverso un gioco costante di simmetrie di situazioni e di travestimenti che trovano corrispondenza nelle continue variazioni della cellula ritmica che sta alla base dell'intera partitura. Analoga sperimentazione strutturale ritorna ne La forza del destino (San Pietroburgo, Teatro Imperiale, 10 novembre 1862) dove ancora una volta le improbabili peripezie degli individui e le loro sofferenze si stagliano contro l'indifferenza delle scene collettive.
Il ritorno all'orbita francese porta alla riscrittura di Macbeth (Paris, Théâtre Lyrique, 21 aprile 1865) e alla composizione di Don Carlos (Paris, Opéra, 11 marzo 1867), dove le esigenze spettacolari del genere vengono piegate alle necessità della più complessa fra tutte le realizzazioni drammatiche verdiane: i conflitti tra gli individui - e al loro interno - sono connessi tra loro in una vorticosa spirale, nella quale la concezione politica liberale del Marchese di Posa si confronta con quella assoluta di Filippo; ma su di entrambe prevale il potere della Chiesa impersonato dal Grande Inquisitore.
Verdi, che era stato eletto deputato nel primo Parlamento italiano e che su richiesta di Cavour aveva composto l'Inno delle nazioni per l'inaugurazione dell'Esposizione universale di Londra del 1862, vide con crescente preoccupazione l'assenza di un sentimento di appartenenza nella nazione appena creata; e non cessò di additare modelli nei quali riconoscere un patrimonio culturale comune; alla morte di Rossini (13 novembre 1868) propose una Messa da Requiem, omaggio collettivo dei maestri italiani al massimo esponente dell'arte loro (1869) e, rielaborando La forza del destino, scrisse una Sinfonia la cui articolazione è modellata su quella del rossiniano Guglielmo Tell.
La creazione di Aida (Il Cairo, Teatro dell'Opera, 24 dicembre 1871), voluta come opera "nazionale" egiziana da Ismail Pascià, portò ad una originalissima interpretazione, in chiave italiana, delle esigenze spettacolari e drammatiche del grand opéra; ancora una volta in quest'opera il conflitto tra il potere e l'individuo porta all'annientamento di quest'ultimo attraverso una caleidoscopica alternanza di esperienze stilistiche, musicali e spettacolari.
Davanti al diffondersi in Italia della musica strumentale d'Oltralpe Verdi reagì componendo un Quartetto (Napoli, 1 aprile 1873) per dimostrare che sapeva combattere il "nemico" con le sue stesse armi e, alla morte di Alessandro Manzoni, decise di comporre lui stesso, sviluppando il già fatto nell'ultimo movimento della collettiva Messa per Rossini, un Requiem, che di quella composizione ritiene l'articolazione testuale e l'alternanza di spessori sonori.
Ma il Requiem, ulteriore messaggio politico che identifica nel destinatario la massima gloria letteraria contemporanea e in Palestrina il modello storico secondo il quale si svolgono alcuni momenti cruciali della partitura, è una solitaria, totalmente soggettiva, meditazione sul mistero della morte, con tensioni costantemente frustrate verso una trascendenza avvertita come improbabile.
Ad un periodo piuttosto prolungato di apparente stasi ed inattività creativa seguirono il radicale rifacimento del Simon Boccanegra (1880-81), che segna fra l'altro l'inizio della collaborazione con Arrigo Boito, e la trasformazione di Don Carlos da grand opéra in cinque atti ad opera italiana (Milano, Scala, 10 gennaio 1884).
Con la composizione di Otello (Milano, Scala, 5 febbraio 1887) Verdi riporta il dramma al livello dell'individuo - il protagonista - che si dibatte e soccombe tra l'astrazione assoluta del bene - Desdemona - e quella del male - Jago -. Se in Otello sono ancora riconoscibili, pur nel flusso continuo del discorso sonoro e drammatico, nuclei statici nei quali si intravedono le forme musicali chiuse del passato, in Falstaff, l'estrema fatica operistica verdiana, l'azione si trasforma in puro gioco dell'intelletto, al quale corrisponde un altrettanto sottile e raffinato procedere di simmetrie sonore.
La parabola artistica di Verdi si chiuse con la composizione dei tre pezzi sacri, uno Stabat Mater ed un Te Deum per coro e grande orchestra, che incorniciano la preghiera alla Vergine dall'ultimo canto della Divina commedia, affidato a quattro voci femminili soliste e, a questi tre brani venne in seguito aggiunta, all'inizio, un'Ave Maria per coro a cappella, composta precedentemente. Anche qui, come nel Requiem, le aspirazioni ad una trascendenza si alternano ad una visione pessimistica della realtà umana, la sola alla quale Verdi crede veramente. E per i musicisti anziani Verdi dà vita in Milano ad una casa di riposo che egli definirà "l'opera mia più bella".
La morte di Verdi, il 27 gennaio 1901, segna la conclusione di un'era della vita italiana; l'apoteosi del suo funerale coincide invece con l'inizio della parabola crescente della fortuna dell'opera sua, mai come oggi viva ed attuale sulle scene di tutto il mondo.

thanks giuseppeverdi.it
Nabucco

Dramma lirico in quattro parti su Libretto di Temistocle Solera
Prima: Milano, Teatro alla Scala, 9 marzo 1842

Trama:
Parte I Gerusalemme. All`interno del tempio di Gerusalemme, i Leviti e il popolo lamentano la triste sorte degli Ebrei, sconfitti dal re di Babilonia Nabucco, che ora è alle porte della città. Il gran pontefice Zaccaria rincuora la sua gente. In mano ebrea è tenuta come ostaggio, infatti, la figlia di Nabucco, Fenena, la cui custodia Zaccaria affida a Ismaele, nipote del re di Gerusalemme. Questi, tuttavia, promette alla giovane di restituirle la libertà, perché un giorno a Babilonia egli stesso, prigioniero, era stato liberato proprio da Fenena, di lui innamorata. I due stanno organizzando la fuga, quando giunge nel tempio Abigaille, supposta figlia di Nabucco, a comando di una schiera di Babilonesi. Anch`essa è innamorata di Ismaele e minaccia Fenena di riferire al padre che ella ha tentato di fuggire con uno straniero; infine si dichiara disposta a tacere a patto che Ismaele rinunci a Fenena. Ma egli si rifiuta di soggiacere al ricatto. A capo del suo esercito irrompe Nabucco, deciso a saccheggiare la città. Invano Zaccaria, brandendo un pugnale sopra il capo di Fenena, tenta di fermarlo, poiché Ismaele si oppone e consegna Fenena salva nelle mani del padre.
Parte II. L`empio. Nella reggia di Babilonia. Abigaille è venuta a conoscenza di un documento che rivela la sua identità di schiava: dunque erroneamente i Babilonesi la ritengono erede al trono. Nabucco, in guerra, ha nominato Fenena reggente della città e ciò non fa che accrescere l`odio di Abigaille verso di lei. Il gran sacerdote di Belo alleato di Abigaille, riferisce che Fenena sta liberando tutti gli schiavi Ebrei. Abigaille coglie l`occasione e medita di salire sul trono di Nabucco. Zaccaria, intanto, annuncia festante al popolo che Fenena, grazie all`amore di Ismaele, si è convertita alla religione ebraica. Essa viene raggiunta da Abdallo, vecchio ufficiale del re, che svelate le ambizioni di Abigaille, le consiglia di fuggire per non incorrere nella sua ira. Ma non c`è tempo, poiché irrompe Abigaille che ha con sé i Magi, il gran Sacerdote e una folla di Babilonesi. Giunge però, inaspettato, anche Nabucco che si ripone la corona sul capo, maledicendo il dio degli Ebrei. Quindi minaccia di morte Zaccaria. Alla dichiarazione di Fenena che rivela la propria conversione, egli replica imponendole di inginocchiarsi e di adorarlo non più come re, ma come dio. Il dio degli Ebrei lancia un fulmine. Nabucco, atterrito, cade agonizzante, mentre Abigaille si pone sul capo l`agognata corona.
Parte III. La profezia. Orti pensili nella reggia di Babilonia. Abigaille sul trono riceve gli onori di tutte l`autorità del regno. Nabucco tenta invano di riappropiarsi della corona, ma viene fermato dalle guardie. Nel successivo dialogo fra i due, Abigaille ottiene, sfruttando le instabili condizioni mentali di Nabucco, di fargli apporre il sigillo reale convalidante il documento di condanna a morte per gli Ebrei. In un momento di lucidità, Nabucco si rende conto di avere condannato anche la figlia Fenena e inutilmente implora la sua salvezza. Anzi, Abigaille straccia il documento che attesta il suo stato di schiava, dichiarandosi unica figlia ed erede. Ordina infine alle guardie di imprigionere Nabucco. Sulle sponde dell`Eufrate, gli Ebrei invocano la patria lontana e tocca ancora a Zaccaria consolare il suo popolo con una profezia che li esorta ad avere fede.
Parte IV. L`idolo infranto. Dalla propria prigione Nabucco vede tra gli Ebrei condotti a morte anche Fenena. Disperato si rivolge, convertendosi al Dio degli Ebrei. Abdallo e un manipolo di guerrieri rimasti fedeli al re, vedendo Nabucco rinsavire e rinvigorire, decidono di insorgere guidati dal vecchio re. Negli orti pensili risuona una marcia funebre: stanno giungendo gli Ebrei condannati a morte. Zaccaria benedice Fenena martire. Ma all`irrompere di Nabucco, cade l`idolo di Belo e i prigionieri vengono liberati. Nabucco torna sul trono. Abigaille, avvelenatasi, chiede perdono, morente, a Fenena e auspica il matrimonio di lei con Ismaele. Zaccaria predice a Nabucco il dominio su tutti i popoli della terra.

Storia:
Dopo l’insuccesso di Un giorno di regno l’ancor giovane compositore prende un’affrettata decisione: cambiare mestiere e non comporre mai più. In questo precoce gettare la spugna, Verdi è fermamente contrastato da Merelli il quale, nonostante il fiasco, non gli consente di rompere la scrittura, e di lì a poco lo costringe a leggersi un libretto di Temistocle Solera che Otto Nicolai, il futuro autore delle Allegre comari di Windsor, aveva rifiutato. Il titolo dell’opera èNabucodonosor. e Verdi legge, si entusiasma, ma ribadisce il rifiuto riportando il manoscritto in teatro all'impresario, che però glielo rinfila immediatamente in tasca, e spinge energicamente fuori dal camerino il povero Verdi.

Passano cinque mesi, e finalmente Verdi si mette al pianoforte e affronta, per prima, l'ultima scena, cioè l'aria della morte di Abigaille. In agosto l'opera è già compiuta e il 9 marzo del 1842 va in scena al Teatro alla Scala di Milano: con il soprano Giuseppina Strepponi nel ruolo di Abigaille, il baritono Giorgio Ronconi protagonista, e il basso Prosper Dérivis nelle vesti di Zaccaria. È un successo colossale. Se le repliche non sono più di otto, è solo perché si è giunti alla fine della stagione. Ripresa la stagione il 13 agosto del 1842, l'opera conta altre cinquantasette repliche ad andare alla fine dello stesso anno.

Innumerevoli teatri italiani e alcuni stranieri la accolgono negli anni immediatamente successivi. In uno di questi, il San Giacomo di Corfù, nel settembre 1844 il nome del protagonista e del titolo, diventano definitivamente Nabucco

Il libretto, Temistocle Solera l'aveva liberamente tratto dall'omonimo dramma di Anicet-Bourgeois e Francis Cornue, andato in scena nel 1836 all'Ambigu-Comique di Parigi, e anche dall'omonimo ballo che il coreografo Antonio Cortesi ne aveva ricavato nel 1838 per la stessa Scala di Milano.

thanks giuseppeverdi.it
Va, Pensiero

Va, pensiero (Va, pensiero, sull'ali dorate) è uno dei cori più noti della storia dell'opera, collocato nella parte terza del Nabucco di Giuseppe Verdi (1842), dove viene cantato dagli Ebrei prigionieri in Babilonia.
Il poeta Temistocle Solera scrisse i versi ispirandosi al salmo 137, Super flumina Babylonis.

Il coro – che Rossini definì «una grande aria cantata da soprani, contralti, tenori, bassi» – è nell'insolita tonalità di Fa diesis maggiore
Nella breve introduzione orchestrale le sonorità iniziali, sommesse e misteriose, si alternano all'improvvisa violenza degli archi in tremolo e le ultime battute, con i ricami di flauto e clarinetto in pianissimo, sembrano voler evocare quei luoghi cari e lontani di cui parlano i versi.
La cantilena in 4/4, sommessa ed elegiaca, che si snoda sull'ampia onda del semplice accompagnamento a sestine, trova il momento di maggior vigore alle parole «Arpa d'or dei fatidici vati», prima di ripresentarsi un'ultima volta («O t'ispiri il Signore un concento») arricchita dalle fioriture dei legni.

Va' pensiero, sull'ali dorate;
Va, ti posa sui clivi, sui colli,
Ove olezzano tepide e molli
L'aure dolci del suolo natal!
Del Giordano le rive saluta,
Di Sïonne le torri atterrate...
Oh mia patria sì bella e perduta!
Oh membranza sì cara e fatal!
Arpa d'or dei fatidici vati,
Perché muta dal salice pendi?
Le memorie nel petto raccendi,
Ci favella del tempo che fu!
O simile di Solima ai fati
Traggi un suono di crudo lamento,
O t'ispiri il Signore un concento
Che ne infonda al patire virtù!

2013-02-08T23:50:00.000-08:00

IL RIGOLETTO

IL RIGOLETTO

L'opera si apre con una festa alquanto movimentata nel palazzo del Duca di Mantova. Il Duca tenta infatti di sedurre la contessa di Ceprano. Rigoletto, il buffone di corte, interviene prendendo in giro il povero marito della donna.
Nel frattempo gli uomini presenti, tra cui il cavaliere Marullo, scoprono che Rigoletto ha "un'amante segreta", ma non sanno però che in realtà è sua figlia.
Il Duca seduce poi la figlia del conte di Monterone, scatendo le ire del padre, il quale maledice Rigoletto per essersi beffato delle disgrazie altrui, predicandogli la stessa sua sorte.
Così Rigoletto fugge spaventato dal palazzo e durante la notte incontra il sicario Sparafucile, che gli offre i suoi servigi. Inzialmente Rigoletto non è interessato, ma quando scopre che il Duca ha sedotto la sua amata figlia Gilda, decide di farlo uccidere.
Sparafucile, con l'aiuto della sua bella sorella Maddalena, attrae il Duca nella loro casa, mentre Rigoletto mostra a Gilda la natura di Don Giovanni del Duca del quale lei si era invaghita.
Arrivata l'ora dell'omicidio Gilda viene spedita dal padre a Verona. Maddalena nel frattempo decide di implorare Sparafucile perchè non uccida il Duca, del quale ormai si è innamorata pure lei. Il sicario, dopo molte esitazioni, decide di accontentare la sorella, e dichiara di voler uccidere il primo viandante che avesse bussato alla locanda prima della mezzanotte.
Gilda, che aveva sentito la decisione finale presa dalla coppia di assassini, e preoccupata per la vita del padre e dell'amato Duca, decide di bussare alla porta e farsi uccidere, sacrificando la sua vita per quella dei due uomini che tanto amava.
Maddalena rinchiude in un sacco il cadavere e lo consegna al Rigoletto che attendeva nel fiume sottostante.
Il buffone di corte si allontana, pronto a gettare in mare il corpo del "Duca", ma all'improvviso, sente la voce del suo signore cantare la famosa aria della "Donna è mobile". Rigoletto viene assalito dal terrore e dal dubbio, apre il sacco e vede inorridito il cadavere della figlia tra le braccia.
Si è così compiuta la maledizione di Monterone.

2013-01-07T23:52:00.000-08:00

Il Tema

Nelle due interpretazioni il tema melodico è naturalmente lo stesso, ma quanti abbellimenti, "decorazioni" e note di commento troviamo nella versione jazzistica.
Quando poi la voce lascia spazio agli strumenti questi si lanciano nei loro assoli e il tema, da motivo portante del brano, diviene spunto e occasione per proporre l'improvvisazione dei vari musicisti.
Nell'esempio da noi ascoltato inizia il sassofonista, poi è la volta della tromba e ancora del sax prima della ripresa del canto, mentre pianoforte, basso e batteria mantengono il ruolo d'accompagnamento ritmico e armonico.
Nella versione pop il tema è l'elemento centrale attorno al quale ruota tutta l'esecuzione, della voce del cantante all'arrangiamento, mentre in quella jazzistica viene lasciata ampia libertà ai singoli elementi della band che possono così lanciarsi in continue invenzioni.
Infatti nel jazz l'improvvisazione è così importante da costituire il motivo di maggior interesse del brano, più del tema musicale, ed è quindi a essa che va delicata la maggior attenzione all'ascolto.
In campo jazzistico ha relativamente poca importanza l'autore del brano che viene suonato, mentre i veri protagonisti sono proprio i solisti che si distinguono per un'abilità strumentale spesso assolutamente straordinaria.

2012-12-01T00:14:00.004-08:00

GLOSSARIO
Melodramma = dal greco μέλος = canto o musica + δρᾶμα = azione scenica)è sinonimo di opera.
Il termine è talvolta utilizzato anche per indicare il libretto di un'opera (ad esempio, ci si riferisce comunemente ai libretti di Pietro Metastasio usando la parola "melodrammi"), interpretando l'etimologia come dramma per canto anziché come abbinamento di canto e azione.

Teatro = Il teatro è un insieme di differenti discipline, che si uniscono e concretizzano nell'esecuzione di un evento spettacolare dal vivo.
Da Aristotele ai giorni nostri, il termine ha subito diverse interpretazioni e sviluppi, ed è certo che il dibattito intorno ad una definizione esaustiva dell'evento teatrale continuerà in futuro.

Retropalco = s.r.l. è una società di Servizi per lo Spettacolo che organizza eventi teatrali e musicali, gestendone il management artistico, l’organizzazione logistica e le attività di ufficio stampa, promozione e comunicazione. Retropalco s.r.l. ha competenze nella gestione di archivi musicali e, attraverso le Edizioni Sconfinarte si occupa dell’edizione, diffusione ed esecuzione di musica contemporanea.
Retropalco ha inoltre la proprietà esclusiva di un programma ideato per Associazioni Culturali, che permette una facile e veloce gestione online di tutte le attività associative.

Palcoscenico = Il palcoscenico (o palco) è l'elemento della scena sopra cui si svolge l'azione teatrale. In genere costituito di tavole di legno, all'interno di un edificio teatrale. Il palcoscenico nasce con la costruzione degli antichi teatri romani. Precedentemente nel teatro greco gli attori recitavano nell'orchestra (lo spazio semicircolare circondato dalle gradinate).

2012-12-01T00:12:00.002-08:00

L'Italiana in Algeri è un'opera lirica di Gioachino Rossini.

Il libretto di Angelo Anelli, un dramma giocoso in due atti, appartiene al genere dell'opera buffa ed era stato scritto per la musica di Luigi Mosca, autore pure lui di un'opera omonima rappresentata per la prima volta nel 1808. Com'era abbastanza d'uso allora, Rossini riprese lo stesso libretto (con alcuni cambiamenti affidati aGaetano Rossi) e scrisse la sua opera con lo stesso titolo. Il melodramma venne rappresentato per la prima volta al Teatro San Benedetto di Venezia ed ebbe subito un ottimo successo, anche grazie alla compagnia di canto comprendenteMarietta Marcolini e Filippo Galli. Ancora oggi, insieme a Il barbiere di Siviglia e alGuglielmo Tell, è una delle opere di Rossini più rappresentata nei repertori di tutti i teatri lirici.
La commedia si ispira ad un fatto di cronaca realmente accaduto: la vicenda di Antonietta Frapolli, signora milanese rapita dai corsari nel 1805, portata nell'haremdel Bey di Algeri Mustafà-ibn-Ibrahim e poi ritornata in Italia.
Pare che l'allora ventunenne Rossini abbia composto l'opera in soli 18 giorni.
Per la perfetta commistione fra sentimentale, buffo e serio, l'opera è stata definita da Stendhal come "la perfezione del genere buffo".

2012-12-01T00:10:00.002-08:00

Le forme della musica romantica
LA FORMA MUSICALE:

In genere le composizioni musicali sono costruite seguendo una forma prestabilita.
La forma è la struttura con la quale si organizzano le frasi e i periodi all'interno di un brano musicale.
Esistono molti tipi di forme musicali:
- Alcune sono regolate da schemi molto rigidi e precisi;
- Altre sono più libere e"flessibili"e offrono maggior spazio alla fantasia del compositore.
Le forme monopartite
costituite da un'unica sezione che si ripete uguale o variata.
Le fome bipartite
basate sul contrasto tra due parti diverse tra loro
Le forme tripartite
presentano una struttura simmetrica che si basa sui criteri del contrasto e della ripetizione
Le forme polifoniche
basate sulla sovrapposizione e intreccio di più linee melodiche
Le forme libere
il compositore non utilizza più su schemi predefiniti ma segue liberamente la propria ispirazione musicale
Le forme narrative
la musica si profigge di raccontare o illustrare qualcosa (un testo,una poesia,un quadro

2012-12-01T00:06:00.003-08:00

LA MUSICA NELL'ETA' ROMANTICA
La cultura romantica

Il Romanticismo è stato un movimento artistico, musicale, culturale e letterario sviluppatosi in Germania (Romantik) preannunciato in alcuni dei suoi temi dal movimento preromantico dello Sturm und Drang, al termine del XVIII secolo e poi diffusosi in tutta Europa nel secolo seguente. Il termine "Romanticismo" viene dall’inglese romantico che nella metà del XVII secolo usava questo termine riferendolo a ciò che rappresentava non la realtà ma quello che veniva descritto in termini "romanzeschi" in certa letteratura come quella dei romanzi cavallereschi. Accanto a questo primo significato si sviluppò e alla fine prevalse nel XVIII secolo quello di "pittoresco" riferito non solo a ciò che veniva artisticamente raffigurato ma soprattutto al sentimento che ne veniva suscitato.

2012-12-01T00:02:00.001-08:00

LE BALLATE

Ballate

La ballata è una forma di poesia chiamata anche canzone a ballo perché destinata al canto e alla danza, è un componimento che si trova in tutte le letterature di lingua romanza e ha una particolare struttura. Inoltre era particolarmente caratteristica della poesia popolare Britannica e Irlandese dal periodo del Tardo Medioevo fino al 1800; usata ampiamente in Europa e più tardi in America, Australia e in Nord Africa. Questo tipo di poesia fu spesso utilizzata dai poeti e dai compositori a partire dal 1700 per produrre ballate liriche.

2012-11-30T23:46:00.002-08:00

IL PRE-JAZZ

Tutto ebbe inizio sicuramente da un avvenimento storico drammatico come quello della deportazione degli schiavi africani negli Stati Uniti, in particolare negli stati del Sud per lavorare come schiavi nelle piantagioni.

Furono loro che iniziano a cantare “worksong” nelle campagne durante il duro lavoro, lo spiritual e il gospel nelle funzioni religiose, il blues Dopo l’abolizione della schiavitù nel 1863 i numerosi neri si stabilirono nelle grandi città americane e molti di essi trovarono lavoro come musicisti. E contribuirono alla diffusione di questo nuovo genere. Queste forme di musica si riversarono tutte assieme nelle originarie e primitive forme del jazz che unite alla cultura dei bianchi immigrati che abitavano in quei luoghi danno origine al genere jazz come lo conosciamo.

Alla base del jazz ci sono tre caratteristiche fondamentali :

-Il ritmo: che nel jazz ha un suono tutto particolare fortemente sincopato

-improvvisazione: musicisti alle quali non manca l’esperienza improvvisano degli accenti delle sfumature tipiche del jazz

-la voce : nel jazz cantato l’uso della voce a toni bassi è l’elemento peculiare .

2012-11-30T23:41:00.000-08:00

IL JAZZ

Il jazz è un genere musicale di origine statunitense nato nei primi anni del XX secolo nelle comunità afroamericane del sud degli Stati Uniti. Frutto di una confluenza di tradizioni musicali africane ed europee, le sue caratteristiche peculiari sono l'uso intenso di improvvisazione, il ritmo swing spesso sincopato, la poliritmia e il tono malinconico dato dall'uso delle blue note.

2012-11-30T23:36:00.004-08:00

SPIRITUAL
Lo spiritual è una musica afro-americana, usualmente con un testo religioso cristiano. Originariamente monofonica e a cappella, questo genere musicale è antecedente al blues. Lo spiritual è l'antenato del jazz. Solitamente gli schiavi neri cantavano queste canzoni, accompagnandosi con rumori prodotti da coperchi di pentole e lattine, al fine di battere il tempo
. Lo spiritual era un canto spirituale, come dice il nome stesso, che veniva dedicato a Dio per alleviare i dolori e le sofferenze della schiavitù. I termini nero spiritual, black spiritual, e afro-american spiritual sono tra loro sinonimi; nel XIX secolo il termine jubilee era più diffuso (soprattutto tra gli afroamericani; i bianchi spesso chiamavano queste canzoni degli schiavi). Qualche musicologo invece li chiama canti folk degli afroamericani.

2012-11-17T00:15:00.003-08:00

Giuseppe Verdi nacque nelle campagne della bassa parmense, a Roncole, frazione di Busseto, il 10 ottobre 1813 da Carlo, oste e rivenditore di generi alimentari, e Luigia Uttini, filatrice. Carlo proveniva da una famiglia di agricoltori piacentini (stesse origini della moglie) e, dopo aver messo da parte un po' di denaro, aveva aperto una modesta osteria nella casa di Roncole, la cui conduzione alternava al lavoro dei campi. L'atto di nascita fu redatto in francese, appartenendo in quegli anni Busseto e il suo territorio all'Impero francese creato da Napoleone.
Pur essendo un giovane di umile condizione sociale, riuscì tuttavia a seguire la propria vocazione di compositore grazie alla buona volontà e al desiderio di apprendere dimostrato. L'organista della chiesa di Roncole, Pietro Baistrocchi, lo prese a benvolere e gratuitamente lo indirizzò verso lo studio della musica e alla pratica dell'organo. Più tardi, Antonio Barezzi, un negoziante amante della musica e direttore della locale società filarmonica, convinto che la fiducia nel giovane non fosse mal riposta, divenne suo mecenate e protettore aiutandolo a proseguire gli studi intrapresi.

La prima formazione del futuro compositore avvenne tuttavia sia frequentando la ricca biblioteca della Scuola dei Gesuiti a Busseto, ancora esistente, sia prendendo lezioni da Ferdinando Provesi, maestro dei locali filarmonici, che gli insegnò i principi della composizione musicale e della pratica strumentale. Verdi aveva solo quindici anni quando, nel 1828, una sua sinfonia d'apertura venne eseguita, in luogo di quella di Rossini, nel corso di una rappresentazione di Il barbiere di Siviglia al teatro di Busseto. Nel 1832 si stabilì a Milano, grazie all'aiuto economico di Antonio Barezzi e a una "pensione" elargitagli dal Monte di Pietà di Busseto. A Milano tentò inutilmente di essere ammesso presso il locale prestigioso Conservatorio e fu per diversi anni allievo di Vincenzo Lavigna, maestro concertatore alla Scala. Nel 1836sposò Margherita Barezzi, ventiduenne figlia del suo benefattore, con la quale due anni più tardi andò a vivere a Milano in una modesta abitazione a Porta Ticinese. Nel 1839 riuscì finalmente, dopo quattro anni di lavoro, a far rappresentare la sua prima opera alla Scala: era l'Oberto, Conte di San Bonifacio, su libretto originale di Antonio Piazza, largamente rivisto e riadattato daTemistocle Solera. L'Oberto era un lavoro di stampo donizettiano, ma alcune sue peculiarità drammatiche piacquero al pubblico tanto che l'opera

2012-11-17T00:14:00.003-08:00

RICHARD WAGNER
Wilhelm Richard Wagner (Lipsia, 22 maggio 1813 – Venezia, 13 febbraio 1883) è stato un compositore, librettista, direttore d'orchestra e saggista tedesco. Firma di Wagner Citato a volte nei testi in lingua italiana[1] come Riccardo Wagner[2], è riconosciuto come uno dei più importanti musicisti di ogni epoca, nonché del romanticismo. Wagner è principalmente noto per la riforma del teatro musicale. Diversamente dalla maggioranza degli altri compositori di opera lirica, Wagner scrisse sempre da sé il libretto e lasceneggiatura per i suoi lavori.[3] Le composizioni di Wagner, in particolare quelle del suo ultimo periodo, sono rilevanti per la loro tessitura contrappuntistica, il ricco cromatismo, le armonie, l'orchestrazione e per l'uso della tecnica del leitmotiv: temi musicali associati a persone, luoghi o sentimenti.[4] Wagner inoltre fu il principale precursore del linguaggio musicale moderno: l'esasperato cromatismo del Tristano avrà infatti un effetto fondamentale nello sviluppo della musica classica.[5] Egli trasformò il pensiero musicale attraverso la sua idea di Gesamtkunstwerk (opera totale), sintesi delle arti poetiche, visuali, musicali e drammatiche. Questo concetto trova la sua realizzazione nel Festspielhaus di Bayreuth, il teatro da lui costruito appositamente per la rappresentazione dei suoi drammi, dove tuttora si svolge il Festival di Bayreuth, dedicato completamente al compositore di Lipsia.[6] La sua arte rivoluzionaria, su cui sono presenti, dal punto di vista dei libretti, influenze della tradizione della mitologia norrena, germanica e dei poemi cavallereschi, nonché quelle della filosofia di Arthur Schopenhauer, e dal punto di vista musicale influssi dell'intera storia della musica classica, scatenò reazioni contrastanti nel mondo artistico e divise critici e appassionati in "wagneriani" e "antiwagneriani": fu anche per questo che il compositore conobbe il successo solo negli ultimi anni della sua vita.[7] Secondo Friedrich Nietzsche, che gli fu amico per un breve periodo, prima della sua rottura ideologica con il compositore, la musica delle opere migliori di Wagner, secondo il suo giudizio quelle della tetralogia L'anello del Nibelungo, il Tannhäuser e il Tristano e Isotta, rappresenta in pieno il massimo esempio dello spirito dionisiaco nella storia della musica stessa, cioè il suo aspetto istintuale, in contrapposizione a quella di Mozart, che raffigura lo spirito apollineo, ossia il raziocinio.[8]

2012-11-17T00:13:00.001-08:00

GLOSSARIO
Il teatro= è un insieme di differenti discipline, che si uniscono e concretizzano nell'esecuzione di un evento spettacolare dal vivo

Melodramma =è sinonimo di opera ,il termine è talvolta utilizzato anche per indicare il libretto di un'opera (ad esempio, ci si riferisce comunemente ai libretti di Pietro Metastasio usando la parola

Palco= è l'elemento della scena sopra cui si svolge l'azione teatrale. In genere costituito di tavole di legno, all'interno di un edificio teatrale. Il palcoscenico nasce con la costruzione degli antichi teatri romani. Precedentemente nel teatro greco gli attori recitavano nell'orchestra (lo spazio semicircolare circondato dalle gradinate).
L'aristocrazia è una forma di governo nella quale poche persone (che secondo l'etimologia greca del termine dovrebbero essere i "migliori") controllano interamente lo Stato. Secondo il pensiero aristotelico è una delle tre forme sane di governo, assieme a monarchia e politeia, mentre l'oligarchia è la sua forma degenerata. Questa classe sociale fu introdotta per la prima volta nella civiltà greca. È stata, assieme alla monarchia, tra le forme di governo più diffuse in Europa negli ultimi secoli, generalmente sotto forma di monarchie costituzionali, nelle quali il potere del sovrano è controllato da un parlamento composto da soli nobili. Relativamente alla situazione degli ultimi secoli, il termine indica a volte gli appartenenti alla classe sociale che può controllare lo stato, e dunque è usato in modo errato per indicare la nobiltà.

La borghesia =è una delle classi sociali nelle quali viene tipicamente suddivisa la società capitalista (colui che possiede un capitale), secondo alcune scuole di pensiero economiche occidentali, in particolare il Marxismo. Il termine deriva da borgo, ossia dalle parti costituenti delle città medioevali, e di cui è rimasta ancora oggi traccia nella toponomastica di alcune città, come nel caso dei fiorentini Borgo San Frediano e Borgo San Jacopo. Un borghese era quindi una persona che aveva una casa nel centro di un villaggio anziché nel castello, e praticava un libero mestiere, che poteva spaziare dall'artigianato al commercio, dalla medicina all'arte. Inoltre, non essendo nobile, era escluso, almeno in origine, dalla possibilità di portare le armi e una derivazione di questa norma è rintracciabile nel gergo militare che definisce borghese colui che non veste la divisa. È da sottolineare che una grande parte di quei mestieri considerati tipicamente borghesi, erano già presenti nella struttura socio-economica dell'impero romano e delle città-stato greche.

Il palco reale = è un particolare tipo di palchetto presente in quei teatri costruiti secondo la logica del teatro all'italiana, una particolare consuetudine nell'architettura teatrale occidentale che imponeva la divisione dello spazio per gli spettatori in palchi. Posto frontalmente al palcoscenico, è di norma situato sopra il primo ordine di palchi e, essendo di ampiezza ed altezza maggiore rispetto ai normali palchetti, solitamente si sviluppa verticalmente fino a coprire l'altezza di due o più ordini. L'aggettivo "reale" indica la sua funzione: essendo la struttura del teatro all'italiana pensata per rispecchiare l'ordine sociale che utilizzava il teatro come salotto, il palco reale accoglieva il monarca e i componenti della famiglia reale quando questi presenziavano alle rappresentazioni. Non era comunque l'unico posto ove i regnanti potevano sedere a teatro: spesso la barcaccia o i palchi di proscenio, posti in prossimità del palcoscenico, permetteva una migliore visibilità. Moderno riutilizzo di un palco reale, con trasformazione dello stesso in galleria per il pubblico (Teatro di Meiningen) Finemente decorati e stuccati, i palchi reali portavano lo stemma della casata regnante a completamento dell'arcata che li incorniciava: spesso, un drappo appeso al reggipetto ne ripeteva il blasone.
Con la progressiva trasformazione degli stati da monarchie a repubbliche, l'usanza di costruire teatri all'italiana cessò completamente: gli unici esempi di palchi reali a noi giunti sono quelli dei teatri antichi ancora funzionanti. Inoltre, la presenza dei palchi reali vi è solo nelle strutture di una certa grandezza. Oggigiorno, dove il palco reale non è conservato nella sua originaria struttura, è possibile che le alte cariche dello Stato prendano posto in tale luogo per presenziare ad eventi culturali.

Il foyer= è il locale, adiacente ad una sala teatrale o cinematografica, dove gli spettatori hanno la possibilità di intrattenersi prima e dopo lo spettacolo e durante le pause. In italiano lo stesso luogo si può indicare anche col termine ridotto.

La platea = si trova generalmente nei teatri o nei cinema ed è la superficie della sala antistante il palcoscenico, dove sono disposte le poltrone per il pubblico. È frequentemente contrapposta alla galleria o ai palchi

2012-11-17T00:04:00.000-08:00

La Scala è una fama mondiale teatro d'opera a Milano , Italia. Il teatro fu inaugurato il 3 agosto 1778 e fu originariamente conosciuto come il New Royal-Ducal Teatro alla Scala ( Nuovo Regio Ducale Teatro alla Scala ). La prima esecuzione fu Antonio Salieri 's Europa riconosciuta . La maggior parte dei più grandi artisti italiani d'opera, e molti dei migliori cantanti provenienti da tutto il mondo, sono apparsi alla Scala nel corso degli ultimi 200 anni. Oggi, il teatro è ancora riconosciuto come uno dei principali dell'opera e teatri di balletto del mondo ed è sede del Teatro alla Scala Chorus, Teatro alla Scala Balletto e Orchestra del Teatro alla Scala. Il teatro ha anche una scuola di socio, noto come il Teatro alla Scala Academy (italiano: Accademia Teatro alla Scala ), che offre una formazione professionale in musica, danza, artigianato palco e direzione artistica.

2012-11-17T00:02:00.001-08:00

LA DROGA : I TIPI

Nella tabella che segue, si riportano, unitamente alla classificazione, tipologia e all’origine, gli effetti correlati ad alcune ( le più importanti ) tipi di droga:
classificazione
droghe
origine
effetti
sedative – antidepressive
morfina
Naturale: derivata dall’oppio, sostanza liquida ricavata dal papaver somniferum
ricavata dalla morfina
la morfina viene usata in medicina per curre forme gravi di dolori ( infarto cardiaco – forme tumorali). Tra i principali effetti negativi si segnalano:
psichici: appiattimento affettivo; fragilità dell’umore; depressione; grave danno nelle relazioni con gli altri-
fisici: morte per arresto respiratorio (overdose); infezioni varie ( AIDS, epatite, tubercolosi, tetano); trombosi e flebiti
eroina
eccitanti o stimolanti
anfetamine
sintetiche: ottenute in laboratorio come derivati dell’efedrina
è un potente stimolante che da assuefazione, tra i principali effetti si rammentano: gravi danni al sistema nervoso centrale; paranoia; allucinazioni auditive; disturbi della personalità; problemi cardiovascolari; ipertermia e convulsioni
cocaina
naturale: estratta dalle foglie di una pianta tropicale: la coca
sotto il profilo farmacologico la cocaina agisce da anestetico locale. Tra gli effetti fisici si distinguono: infarto cardiaco; perforazione del setto nasale; dimagrimento. Tra quelli psichici: elevata eccitazione; inquietudine; paranoia; crisi persecutorie; depressione grave; allucinazioni.
crack o rock
semisintetico: derivato dalla cocaina purificata
gli effetti sono devastanti soprattutto a livello di sistema nervoso centrale. Provoca forte dipendenza
barbiturici
Ottenuti in laboratorio
producono analoghi effetti a quelli sopra descritti

allucinogene

marijuana

naturale: ottenuta dalle foglie o dalle infiorescenze della canapa indiana

tra gli effetti fisici si distinguono: tachicardia; ipotensione ortostatica; lesioni bronchiali; rallentamento della motilità intestinale; riduzione della fertilità. Tra quelle psichiche, si segnalan: apatia; sindrome amotivazionale; riduzione delle capacità cognitive; disturbi psichici.
hashish
naturale: ottenuto dalla resina della canapa indiana
eleva l’umore, facilita la comunicazione, modifica le capacità sensitive; paranoia; irrimediabili danni alla memoria; vomito: depressione, ansia
LSD
semisintetica: ottenuto da un fungo che attacca le graminacee
benché non sia ancora del tutto chiaro il preciso meccanismo attraverso cui la LSD altera le capacità percettive, appare orai certo che i suoi principali effetti sono: schizofrenia; depressione; confusione;
ecstasy
sintetica, ossia prodotta in laboratorio da diverse sostanze chimiche
produce effetti eccitanti e allucinogeni contemporanea-mente. Produce danni irreversibili all’organismo, quali: affaticamento cardiovascolare; aumento della temperatura corporea; distruzione dei terminali nervosi e dei neuroni; insufficienza renale; ecc.