HORAS DE VERÃO (L’HEURE D’ÉTÉ) teve origem num projeto do Musée D’Orsay de 2006, no qual quatro cineastas (Olivier Assayas, Raoul Ruiz, Hou Hsiao-hsien e Jim Jarmusch) foram convidados a realizar curtas-metragens por ocasião da comemoração dos 20 anos do museu.

O projeto nunca foi concluído, mas as pesquisas dos diretores para desenvolvimento dos curtas serviram, no caso de Hsiao-hsien e Assayas, como impulso inicial para a realização de dois belos longas metragens sobre arte: LE VOYAGE DU BALLON ROUGE (A VIAGEM DO BALÃO VERMELHO) e HORAS DE VERÃO, respectivamente.

Em sua obra, Assayas situa o espectador no seio de uma família bastante acostumada com o meio artístico: A matriarca (vivida por Edith Scob), que completa 75 anos, passou a vida dedicando-se à gestão da obra de seu tio, grande pintor do século 20. Com a aproximação do final da vida, ela começa a preparar sua sucessão e a transferência desse legado aos filhos, interpretados por Charles Bering, Juliette Binoche e Jérémie Renier.

A partir desse enredo, são abordadas questões como a significação das obras de arte e a relação das pessoas com esses objetos - que, como declara um dos personagens, seriam reminiscências de algo muito maior e significativo (a experiência, a vida, as memórias).

Mas o diretor não pára aí. Como já de praxe em seus filmes, são acrescentadas diversas camadas sobre o argumento inicial e Assayas acaba por lidar com diversas variantes temáticas ao redor desse núcleo familiar. HORAS DE VERÃO é um filme, também, sobre a dinâmica de uma família, numa leitura cuidadosa e imparcial do diretor, sem maniqueísmos e filiações a um ou outro ponto de vista, sem que isto signifique distanciamento mas sim um olhar carregado de cumplicidade por aqueles personagens.

Fala-se também sobre as dificuldades de lidar com a ausência daqueles que se vão e o papel que os objetos desempenham no sentido de resguardar e simbolizar algo que está sendo perdido.

O filme não deixa de ser uma espécie de retorno do diretor à França de sua origens, depois de filmes como CLEAN (2004) e BOARDING GATE (2007), em que havia uma espécie de transferência da trama para a América, no primeiro caso, e para a Ásia no segundo.

Nesse caso, estamos em pleno seio da cultura francesa, inclusive no que se refere à arte, mas Assayas consegue trazer ao longa esses universos que lhe são tão caros por meio dos dois filhos mais novos, que vivem como expatriados nos referidos continentes.

Mais uma vez, Assayas mostra sua habilidade em transitar livremente por ambientes clássicos e outros de pura jovialidade. Com isso, ele consegue a proeza de posicionar o “fim” (da vida, dos objetos, das histórias) numa espécie de recomeço ou continuação, mostrando que existe alguma coisa que continua e que certas reminiscências podem (e devem) ser carregadas sem ajuda de objetos.

Spoiler Rating: 89
LBC Rating: ~

Por Sofia Pleym (Agência Folha)

Sinopse: Vice-presidente de uma empresa do ramo de agronegócios vira informante do governo americano. Ao revelar informações antes sigilosas, o governo passa a perseguir implacavelmente uma gigante do setor.

Orçamento: US$21.000.000 (estimado)
Status: Pós-produção
Gênero: Comédia, Crime, Drama, Suspense
Tipo: Longa-metragem / Colorido
Distribuidora(s): Warner Bros.
Produtora(s): Groundswell Productions, Participant Productions

Diretor(es): Steven Soderbergh
Elenco: Matt Damon, Melanie Lynskey, Frank Welker, Tom Wilson¹, Patton Oswalt, Scott Bakula, Tony Hale, Joel McHale, Mike O’Malley, Candy Clark, Eddie Jemison, Andrew Daly, Scott Adsit, Rusty Schwimmer, Richard Steven Horvitz

Estréia: 25.09.2009 (EUA)

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As novas regras do Oscar exigem que pelo menos uma música alcance nota mínima de 8,25 em uma escala de 6 a 10. As notas serão dadas pelos 230 membros da Academia aptos a votarem na categoria. Se nenhuma canção atingir a nota mímina, o prêmio não será entregue. Se apenas uma atingir a nota mínima, ela concorrerá ao Oscar com a canção que ficou logo atrás na pontuação. O número de indicados poderá variar de dois a cinco.

Outra mudança anunciada é a criação de um novo evento para entrega dos Oscar honorários, que não serão mais entregues durante a tradicional cerimônia do Oscar. Já a partir deste ano, o prêmio será entregue em um jantar de gala em novembro. A mudança permitirá que mais tempo seja destinado aos homenageados, e que a cerimônia do Oscar seja encurtada.

O anúncio dos indicados ao 82º Academy Awards será anunciado em 02 de Fevereiro, Quinta-Feira, com cobertura completa do Spoiler Movies.

E na página OSCAR 2010, você confere os prognósticos atualizados em nova diagramação gráfica, incluindo o novo formato da categoria de “Melhor Filme” e “Melhor Canção”

De Agências Internacionais

Fãs do primeiro filme, que atingiu cerca de $700 milhões em bilheteria, podem se desapontar com a aventura, caso o interesse seja a narrativa que trata de forma rocambolesca o roteiro e a caracterização dos personagens. O argumento é - numa palavra - insano. Falha em todos os sentidos temáticos, históricos e geográficos. A saga é obsoleta. Uma contração de vários clichês baseados nOS CAÇADORES DA ARCA PERDIDA, A MÚMIA e STARGATE, onde o protagonista é um objeto valioso que pode conter a chave para o futuro.

Como resultado, a narrativa navega sem regras. Os personagens e robôs surgem arbitrariamente do nada, unindo forças ou separando-as sem maiores explicações. Existem muito mais robôs que o primeiro filme e os espetaculares efeitos CGI, enaltecidos ao extremo, obrigam os atores a gritar para serem ouvidos (Não que o texto em si interesse…)

Como diretor desse gigantesco videogame, Michael Bay, injustamente, pode ser responsabilizado por todas as deficiências, embora seu talento para seqüências de ação e a orquestração dos efeitos especiais seja o elemento mais divertido do filme. Isso pode soar estranho, mas a verdade é que preso num texto tão mal escrito, Bay não têm muito que fazer, além de um espetáculo pirotécnico agressivamente sensorial, dependente de efeitos visuais e sonoros.

Assim, a fita é, na verdade, dois filmes paralelos que brigam entre si: Um que tenta contar uma estória com o mínimo de caracterização e outro totalmente dominado por efeitos CGI.

TRANFORMERS 2 é um overbooking. Excessivo ao extremo. Cansativo. Uma fita que não leva a sério a si próprio, o público, ou qualquer outra coisa. É tudo trivial. Diversão inconseqüente. O tipo de coisa que esperamos de um parquinho de diversões.

Spoiler Rating: 55
LBC Rating: ~

Dessa vez, Manny está ocupado demais em mimar a grávida Ellie e carece de tempo e energia para lidar com as crises existenciais de seus companheiros: Diego que receia ter sido domesticado e perdido seu instinto selvagem; e Sid, a pateta preguiça que teme ficar sozinha e busca, á própria sorte, laços mais familiares…

Ansioso por encontrar alguém, em algum lugar. Sid adota três filhotes de dinossauro que descobre ao acaso. O problema é que a mãe, um enorme tiranossauro Rex aparece para resgatar seus filhotes e leva Sid consigo para uma distante terra, espécie de “Vale Perdido”, onde os dinossauros se esqueceram de ficar extintos. O rapto obriga a trupe a enfrentar mais uma aventura numa perigosa missão de resgate.

Em paisagem pré-histórica, o diretor brasileiro Carlos Saldanha usa e abusa da paródia, citando JURASSIC PARK, RAMBO, KING KONG e EM BUSCA DO VALE ENCANTADO, além de adicionar novos personagens como Buck, versão “Crocodilo Dundee” das doninhas e um par romântico para o infeliz esquilo Scrat.

A animação é ação ligeira, despretensiosa e divertida, mas fica devendo em técnica e enredo ao atual gênero. A adição dos efeitos 3D é apenas correta, sobrepondo apenas profundidade à textura tropical das selvas jurássicas.

Ao contrário de muitos outros toons contemporâneos, A ERA DO GELO 3 é pobre nas piadas e referencias da cultura Pop, tornando-o mais indicado ao publico infantil, embora e apesar da alusão “Flintstones” e o uso lúdico do esquilo Scrat, que mais uma vez rouba a cena, entre desventuras amorosas e um tango danado de engraçado.

Spoiler Rating: 73
LBC Rating: ~

Depois de 15 anos, uma mulher misteriosa retorna à cidade natal para viver com a irmã e reconstruir sua vida. Seu passado é nebuloso, cercado de silêncio e fantasmas. Esse é o tema de HÁ TANTO TEMPO QUE TE AMO, uma estória trágica contada em conta-gotas de forma soberba pelo diretor e roteirista Philippe Claudel.

Kristin Scott Thomas é Juliette. Ela foi deserdada pela família e, agora, está de volta para um difícil convívio. Na verdade, ela passou todo este tempo na cadeia, por haver cometido um crime inominável - veja o filme para saber qual foi. Elsa Zylberstein é Léa, que acolhe a irmã em casa, mas seu marido, ao reconhecer o crime reage como talvez reagisse o espectador - cobrando da mulher que a enxote de casa. Mas Léa não pode… Ela tem esse vínculo com a irmã.

O roteiro é impecável. Em tom minimalista, a narrativa vai destilando lentamente em triste pesar. HÁ TANTO TEMPO QUE TE AMO não seria um suspense, mas se utiliza de vários elementos do gênero para criar uma atmosfera de mistério e temor, medo e preocupação. O passado de Juliette é segredo absoluto. Está oculto de suas sobrinhas, do círculo social de Léa e seu marido Luc, e também do público que hesitante, aguarda com curiosidade o desfecho. Até mesmo Léa arde de curiosidade… Seria sua irmã uma penitente, uma louca, ou um monstro? Juliette permanece em resoluto silencio, decoro e depressão, mas isso seria fruto de arrependimento ou premeditação fria para um novo crime? Porque ela fez aquilo? Porque ela não fala?

Mas embora o horror incomensurável do passado de Juliette domine tudo, pequenas felicidades e disparates da vida real surgem espontaneamente e fica claro que o filme é, no fundo, uma história de reabilitação e cura.

Trata-se, no final, de um filme de expiação e culpa; construído inteiramente sobre a devastadora revelação final e a interpretação das duas atrizes. Scott Thomas está fantástica sob pesadas rugas e olheiras, num desempenho profundo e sutil. Zylberstein está igualmente espetacular em sua busca silenciosa e fraterna por respostas. HÁ TANTO TEMPO QUE TE AMO é um drama existencialista perturbante. Um filme sobre o sentimento de estar junto, mas separado, e vice-versa.

Spoiler Rating: 85
LBC Rating: ~

O sofrimento no filme do escritor-diretor James C. Strouse é tão pesado, que tudo soa oco, vazio. Como se o chão desabasse sob nossos pé. John Cusack é um dos atores mais versáteis do cinema. Contudo Cusack parece estranhamente alienado num desempenho digno de fortes emoções.

E sua mente começa vaguear à detalhes irritantemente pequenos. São pontos de fuga para uma realidade que ele não quer admitir. Quando as meninas começam a pular feito umas doidas entre os bancos do carro, você se pergunta que tipo de pai responsável permitiria que suas crianças fizessem essa muvuca. Talvez porque a tarefa de educar fosse da mãe. Outra cena digna de nota, é o fato de Stanley constantemente ligar para a secretária eletrônica para ouvir a esposa.

E quando o filme finalmente resolve o dilema prolongado do pai, a revelação é sufocada pela música enquanto o dialogo vai sumindo, engasgado pela tristeza. O olhar se perdendo no vazio. É comovente.

Spoiler Rating: 75
LBC Rating: ~

Símbolo sexual dos anos 50 e rainha das pin-ups: é assim que o mundo se lembra de Bettie Page, uma mulher tão à vontade com o próprio corpo que decidiu fazer dele sua forma de expressão. Quem já viu fotos de Bettie Page na vida real, algemada, amarrada, amordaçada, de botas de couro, saltos altíssimos, espartilho, sutiãs pontudos, chicote na mão ou totalmente nua, sabe que estamos falando de uma das maiores musas da história da pornografia.

BETTIE PAGE (THE NOTORIUS BETTIE PAGE), dirigido por Mary Harron (PSICOPATA AMERICANO), conta a biografia de Bettie em um período que vai dos anos 30 aos 50. No filme, a cineasta abusa do preto e branco para criar uma estética noir, ao mesmo tempo em que reproduz o formato das fotos de Bettie Page. Um estilo que sempre teve a pin-up girl fazendo o papel da mulher fatal. As únicas cenas coloridas são as realizadas na Florida, para contrastar e marcar as primeiras fotos coloridas da modelo.

O filme procura desmistificar certos aspectos da vida de Page. Ela sempre foi associada erroneamente como uma mulher pornográfica. Bettie era uma mulher comum e inocente que nunca se arrependeu de ter posado, pois seu trabalho nunca teve essa conotação. A imagem de uma mulher devassa foi criada pelos consumidores na tentativa de aumentar a sua satisfação pessoal ao apreciar as fotos. Um claro caso de que a imagem se tornou maior que a figura real.

Destaque para Gretchen Mol que consegue dar a dimensão necessária à pin-up, que se equilibrava entre poder, tristeza e doçura com a mesma habilidade com que pisava em seu salto agulha.

Hoje, aos 84 anos, Bettie Page ainda é viva e mora na Flórida. Embora tenha se convertido ao cristianismo, ela afirma nunca ter se arrependido ou se envergonhado de sua carreira como pin-up. Na premiere do filme, ela reclamou que não gostou do filme, mas adorou a interpretação de Gretchen Mol. Não é para menos.

Para um longa sobre a criadora da imagem do sexo sado-masoquista, BETTIE PAGE até que é bem comportado. A diretora Mary Harron optou por uma abordagem comedida para ambos os lados, sem defender nem acusar a pin-up por seu exibicionismo.

Spoiler Rating: 77
LBC Rating: ~

Por Mário Abbade (Omelete), Carla Meneghini (G1) e Leon Cakoff

Dois contos de Machado de Assis, “A Causa Secreta” e “Um Esqueleto”, se fundem numa história de humor negro refinado. Em A ERVA DO RATO, o diretor carioca Julio Bressane conjuga alguns dos seus recursos habituais, como a encenação inspirada na pintura clássica e os diálogos quase declamados, para narrar uma obsessão - o que também é um tema habitual.

Na fita de 80 minutos, Selton Mello e Alessandra Negrini formam um casal sem nome. Ele tira fotos dela nua até que um rato aparece para atrapalhar esse delicado equilíbrio. Aqui, Selton assume duas personalidades obsessivas distintas criadas por Machado: Um médico que expõe como relicário o esqueleto da mulher que matou por ciúmes e um homem que tem prazer no sofrimento alheio, seja um rato, seja a própria Negrini.

Ambos se compõem numa ótima interpretação de Selton, que começa a conquistar a jovem pelo cultivo da literatura - Um texto explica, por exemplo, que erva do rato é um veneno usado pelos indígenas - e prossegue com fotografias da jovem nua e em poses sensuais.

Planos longos, declamações literárias, cenas inexplicáveis, cores fortes. Nem é preciso lembrar a reflexão exigente que Bressane pede ao seu espectador. Mas é verdade que há uma condição burlesca da história que pode suavizar esse contato, quase sempre provocador e de grande choque para a platéia.

Spoiler Rating: 81
LBC Rating: ~

Da Agência Estado, UOL & Terra