Spoiler

Deleite seus olhos...

2008-03-27T10:09:00.001-03:00

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Cinema nasceu e cresceu sobre os trilhos

2008-03-22T12:26:00.004-03:00

O filme está chato? Basta colocar um trem chegando à estação, as rodas rangendo metalicamente, a fumaça poluindo o ambiente, as pessoas que aguardam, os passageiros que descem, os carregadores, os maquinistas... O burburinho. Os trens não servem só para transportar, mas também para animar a festa do cinema.

O cinema nasceu com um trem invadindo a sala de projeção. L'ARRIVÉE DU TRAIN (“Chegada de um Trem”) foi um dos filmes exibidos pelos irmãos Lumière por volta de 1895, ano1 da arte cinematográfica. Segundo consta, a platéia se assustou com aquela locomotiva que "ameaçava" sair da tela.

E foi um trem que marcou o primeiro faroeste e o primeiro blockbuster americano: THE GREAT TRAIN ROBBERY (“O Grande Assalto ao Trem”), que Edwin S. Porter rodou em 1903. Trata, naturalmente, de bandidos que assaltam um trem, são perseguidos e, por fim, presos por policiais... A cavalo.

O filme serviu de modelo para inúmeras produções: DO ASSALTO AO TREM PAGADOR (1962) a O PRIMEIRO ASSALTO AO TREM (1979). Quase sempre, como uma espécie de coadjuvante: Em PACTO SINISTRO (1951), dois homens trocam favores criminosos num vagão de passageiros; Em MATAR OU MORRER (1952), um bandido deve chegar no trem do meio-dia; Em SANGUE SOBRE A ÍNDIA (1959), um oficial inglês protege o filho de marajá numa viagem e em QUINTETO DA MORTE (1955), bandidos resolvem diferenças numa passagem de nível.

Daí para frente, o trem não saiu de cartaz... Há sempre um trem para servir às tramas mais vorazes ou absurdas. São tantos filmes que seguem esse roteiro quanto as estrelas da antiga Metro. Em QUANTO MAIS QUENTE MELHOR (1959), músicos travestidos se juntam a uma banda feminina numa excursão de trem; Em QUINTETO IRREVERENTE (1982), amigos se despedem, com tapas no rosto, dos passageiros de um trem.

Mas os trens também foram "protagonistas". A GENERAL (1927), de Buster Keaton e Clyde Bruckman, é um exemplo clássico. Keaton é o maquinista do Sul que conduz a locomotiva “The General” na guerra civil norte-americana, cruzando linhas inimigas. A "estrela" do filme era uma locomotiva já usada em NOSSA HOSPITALIDADE (1923), de Keaton e Jack Dlystone.

O TREM (1964), conta uma história da resistência francesa. Burt Lancaster é o chefe de estação que luta contra nazistas que pretendem levar um trem repleto de obras de arte. Já nO EXPRESSO DE VON RYAN (1965) é Frank Sinatra quem luta, para libertar 600 prisioneiros, contra os nazistas.

Na série "Expresso", aliás, há muito mais. Marlene Dietrich enfrenta o amor e a revolução em O EXPRESSO DE SHANGAI (1932). Joseph Cotten é capturado por bandidos em O EXPRESSO DE PEQUIM (1951) e Gene Wilder vive paixões e confusões em EXPRESSO DE CHICAGO (1976).

Tem mais: ALIANÇA DE AÇO (1938), de Cecil B. De Mille, conta a história da construção da estrada de ferro que liga os Estados Unidos de costa a costa. TRENS ESTREITAMENTE VIGIADOS (1966) mostra a Segunda Guerra a partir da perspectiva de uma estação. QUANDO A MULHER ERRA (1953) narra uma história de adultério no cenário da Stazione Termini, de Roma.

Às vezes, o protagonista é o profissional ferroviário. Em LA ROUE (“A Roda”), que Abel Gance rodou em 1921, Séverin Mars é o maquinista que adota uma órfã, apaixonando-se. Em O FERROVIÁRIO (1956), Pietro Germi interpreta um maquinista com problemas em casa e em O HOMEM DA LINHA (1986), Jim Van Der Woude é um ferroviário solitário.

Se falta emoção, o trem pode ser a solução. É assim em ASSASSINATO NO EXPRESSO ORIENTE (1974), de Sidney Lumet, uma história de Agatha Christie sobre trilhos; Em A TRAVESSIA DE CASSANDRA (1976), há terroristas e vírus a bordo e em EXPRESSO PARA O INFERNO (1985), fugitivos tentam escapar de um trem sem freios.

Os trens também podem rir. Isto é, propiciar boas gargalhadas. VIUVINHA INDOMÁVEL (1959) mostra uma mulher em luta com o dono de uma ferrovia. BUTCH CASSIDY (1969) conta com humor as peripécias de uma dupla (Robert Redford e Paul Newman) que vive de assaltar trens e bancos. E JOGUE A MAMÃE DO TREM (1987) é uma paródia alucinada de PACTO SINISTRO.

Mais longe das gargalhadas, nos filmes de David Lean há sempre um trem na paisagem. Em DESENCANTO (1945), o mais elogiado de seus filmes intimistas, uma estação ferroviária é o cenário para uma história de amor. E nas superproduções A PONTE DO RIO KWAI (1957), LAWRENCE DA ARÁBIA (1962) E DOUTOR JIVAGO (1965), por exemplo, os trens fazem parte da trama.

Em outras paragens, o trem tem serventia mais poética. Em Federico Fellini, ele é o veículo que conduz a outras realidades. É assim em OS BOAS-VIDAS (1953), no qual a estação ferroviária é a única saída para os rapazes de província e em A CIDADE DAS MULHERES (1980), no qual a travessia de um túnel é uma passagem para o sonho.

Ação, e muita, também é uma presença significativa em várias produções. Um trem descarrila em O MAIOR ESPETÁCULO DA TERRA (1952), de De Mille; outro atravessa uma parede em JOE KIDD (1972). Um outro leva refugiados em O ÚLTIMO TREM (1973), e um terceiro conduz traficantes de armas em UM TREM DO INFERNO (1976).

Harry Potter andou de trem. E Owen Wilson, Adrien Brody e Jason Schwartzman empreenderam uma VIAGEM A DARJEELING (2007). E até o trem mais famoso do mundo têm um filme TRANSSIBERIAN (2008) deve estreiar logo nos cinemas.

Um trem vai, um trem vem... E o cinema continua fiel a L'ARRIVÉE.

Por Federico Mengozzi (Folha de São Paulo)

A Odisséia de Clarke

2008-03-19T09:46:00.005-03:00

Arthur C. Clarke, autor de quase 100 livros, morreu aos 90 anos de idade. Clarke foi um promotor ardente da idéia de que o destino da humanidade situa-se além dos limites do planeta Terra. Tal visão foi apresentada na sua forma mais vívida em 2001: UMA ODISSÉIA NO ESPAÇO, o filme clássico de ficção científica que criou com Stanley Kubrick.

A Guerra Fria compõe o pano de fundo de 2001. A sua gênese foi um conto chamado "The Sentinel" ("A Sentinela"), publicado pela primeira vez em uma revista de ficção científica em 1951. Ele fala de um artefato alienígena encontrado na Lua, uma pequena pirâmide cristalina que os exploradores da Terra destroem ao tentarem abri-la. Um dos exploradores percebe que o artefato era uma espécie de sinalizador para a eventualidade de mau funcionamento. Ao silenciá-lo, os seres humanos indicaram a sua existência aos distantes criadores da máquina.

Na primavera de 1964, Stanley Kubrick, que acabava de triunfar com o seu filme DOUTOR FANTÁSTICO, conheceu Clarke em Nova York, e os dois concordarem em fazer o "proverbial filme de ficção científica verdadeiramente bom", baseado em "The Sentinel". Isso levou a uma colaboração de quatro anos. Clarke escreveu o livro e Kubrick produziu e dirigiu o filme. Ele conta com crédito conjunto no roteiro.

Muitos críticos ficaram desconcertados com o filme, especialmente com a cena final na qual um astronauta que foi transformado por alienígenas retorna à Terra como uma "Criança-Estrela". No livro o astronauta demonstra os seus novos poderes detonando do espaço todo o arsenal de armas nucleares soviéticas e norte-americanas. Assim como em grande parte do roteiro, esta conclusão não ficou clara no filme, do qual Kubrick cortou a maior parte do material explicativo.

Como escritor de ficção, Clarke foi muitas vezes criticado por não ter criado personagens integralmente concretizados. HAL, o amotinado computador em "2001", é provavelmente a sua criação mais "humana": um ser satisfeito consigo mesmo e que sabe tudo, com um toque de fé equivocada na sua própria infalibilidade.

Se os heróis de Clarke não são exatamente memoráveis, também é verdade que não existem vilões totais na sua obra. Os seus personagens estão geralmente demasiadamente ocupados lutando para encontrar um sentido em um universo implacável para que possam se meter em esquemas mesquinhos de dominação ou vingança.

Entre os seus legados estão as Três Leis de Clarke, observações provocantes a respeito da ciência, da ficção científica e da sociedade, que foram publicadas em "Profiles of the Future" ("Perfil do Futuro"), em 1962:

"Quando um cientista ilustre, mas idoso, afirma que algo é possível, é praticamente certo que ele tenha razão. Quando ele afirma que algo é impossível, ele provavelmente está errado"

"A única maneira de descobrir os limites do possível é aventurar-se um pouco além desses limites, adentrando no impossível"

"Qualquer tecnologia suficientemente avançada é indistinguível da mágica"

In Memorian...
Arthur C. Clarke
1917 ~ 2008

Foi Minghella...

2008-03-19T09:02:00.007-03:00

O PACIENTE INGLÊS (1996), O TALENTOSO RIPLEY (1999) e COLD MOUNTAIN (2003). É pela realização desses três filmes que Anthony Minghella será recordado em primeiro lugar. Depois vem a direção do Instituto de Cinema Britânico, o telefilme de tanto sucesso que migrou para as salas de cinema UM ROMANCE DO OUTRO MUNDO (TRULY, MADLY, DEEPLY - 1990) e os roteiros que escreveu para o teatro, além da direção e encenação de MADAME BUTTERFLY, de Puccini, na Opera Nacional Inglesa.

Anthony Minghella morreu ontem de madrugada em Londres, no Hospital Charing Cross, aos 54 anos. A notícia vazou perto da hora do almoço e só no meio da tarde a sua agente, Leslee Dart, revelou que o diretor britânico sofreu uma hemorragia cerebral perto das 5hs, na seqüência de uma cirurgia de rotina nas amídalas e pescoço. "A cirurgia tinha corrido bem e eles estavam muito otimistas. Mas ele sofreu uma hemorragia ontem à noite e os médicos não conseguiram pará-la".

A morte de um mito que arrebatou nove Oscars por O PACIENTE INGLÊS em 1997 ocorreu uma semana antes da estréia do seu último trabalho: THE Nº1 LADIES DETECTIVE AGENCY, na BBC1. O telefilme, realizado por Minghella e escrito em parceria com Richard Curtis (QUATRO CASAMENTOS E UM FUNERAL, SIMPLESMENTE AMOR), é uma adaptação do romance de Alexander McCall Smith.

Nascido na Ilha de Wight numa família com mais quatro irmãos que viviam na fábrica de gelo do pai, começou a trabalhar como editor de roteiro para televisão antes de realizar UM ROMANCE DO OUTRO MUNDO, tendo também passado pelo teatro. Licenciado pela Universidade de Hull, era um apaixonado por BECKETT e um autor teatral publicado.

Um dos seus trabalhos mais polêmicos foi a realização de um pequeno filme promocional sobre as eleições internas do Partido Trabalhista, em 2005, em que Gordon Brown e Tony Blair figuravam. Ontem, o ex-primeiro-ministro Tony Blair elogiou o realizador por ser "um ser humano maravilhoso, criativo e brilhante, mas ainda humilde, gentil e uma companhia alegre. Fosse o que fosse que fizesse com ele, pessoal ou profissionalmente, deixava-me com total admiração por ele, como pessoa e como artista do maior calibre".

Minghella era sócio de Sidney Pollack na produtora Mirage, era casado e tinha um filho. Deixou em suspenso dois projetos: NEW YORK, I LOVE YOU e THE NINTH LIFE OF LOUIS DRAX.

In Memorian...
Anthony Minghella
1954 ~ 2008

As Épicas Loucuras de Mankiewicz

2008-03-18T11:08:00.003-03:00

Não foi desta vez que a saga colossal e bizarra de CLEÓPATRA, o filme mais caro da história, chegou ao tão aguardado "the end". As filmagens já se arrastam há três anos – e não se tem notícia de uma produção mais caótica, perdulária e escandalosa em Hollywood. Neste mês, o diretor Joseph L. Mankiewicz viajou até Paris para exibir um esboço de montagem da fita ao novo chefão dos estúdios Twentieth Century-Fox, Darryl Zanuck. O executivo ficou de cabelo em pé.

Nessa primeira versão, CLEÓPATRA é um filme confuso, irregular, monótono e excessivamente longo (sem os cortes, são insuportáveis seis horas). Zanuck é craque em consertar, na mesa de edição, as trapalhadas de alguns cineastas, transformando fitas esdrúxulas em filmes no mínimo toleráveis. Mas ele já confessou a pessoas próximas que não sabe o que fazer para dar um jeito em CLEÓPATRA. Para Zanuck, há apenas uma certeza: cedo ou tarde, por pior que seja, o épico estrelado por Elizabeth Taylor e Richard Burton chegará às telas, pois a Fox já não pode voltar atrás num projeto com orçamento estimado em acachapantes 35 milhões de dólares. Os estúdios rivais, contudo, não estão tão certos disso – apostam que a concorrente irá à falência antes de concluir a malfadada aventura.

As últimas cenas foram rodadas em julho, em locações históricas no Egito. Um mês antes, Liz Taylor enfim concluiu seu papel, nos estúdios Cinecittà, em Roma. Mankiewicz chegou tão exausto às últimas semanas da empreitada que tinha de ser carregado numa maca até o set. Desde então, é atormentado por outro desafio monumental: encontrar, entre centenas de rolos e dezenas de horas de filme, os trechos necessários para montar uma trama minimamente coerente. O problema (ou um deles) é que as filmagens jamais foram guiadas por um roteiro definitivo. O texto teve incontáveis e conflitantes versões. Em certo momento, o próprio diretor passou a escrever as cenas de madrugada para rodá-las na manhã seguinte.

Não adiantou: boa parte do material é inútil. A Fox já calcula que será necessário retomar as filmagens mais uma vez para cobrir as enormes lacunas da história. Na reunião em Paris, Mankiewicz ainda tentou convencer Zanuck a dividir o épico em dois filmes de três horas cada. O executivo detestou a idéia. Para ele, o primeiro episódio não levaria ninguém aos cinemas – afinal, Liz e Burton contracenam pouco nessa parte. Ele também confessou outro temor: entre um capítulo e outro, o casal poderia desistir de seu tórrido romance clandestino fora das telas, talvez o único atrativo que ainda salve o filme nas bilheterias. Até o fechamento desta edição, a notícia em Hollywood era de que Liz e Burton ainda estavam juntos, apesar dos numerosos atritos, discussões e bebedeiras (de ambos).

Revista VEJA, outubro de 1962

Entre Brownies e Mulgarataths

2008-03-16T10:06:00.005-03:00

O interesse em levar AS CRÔNICAS DE SPIDERWICK para as telas surgiu assim que a popular coleção foi publicada, mas seus co-autores, Tony DiTerlizzi e Holly Black, queriam confiar a criação do filme em mãos capazes. Por fim, eles viram em Mark Canton (300) um produtor perfeito para o projeto. “Quando os primeiros livros ficaram prontos e as pessoas nos abordaram para comprar os direitos, tive a sensação de que se tornariam filmes, mas não estou muito acostumado a acreditar que algo de bom vai acontecer comigo”, diverte-se Black.

Quando o produtor e co-roteirista Karey Kirkpatrick (A FUGA DAS GALINHAS) foi abordado pela primeira vez para ajudar a adaptar os livros em um roteiro de cinema, ele imediatamente os leu para os filhos a fim de sentir a reação deles. “Meus filhos ficaram cativados pelas histórias e a possibilidade de eu estar, de alguma forma, envolvido com aquilo”, conta Kirkpatrick. Na hora de escolher um diretor, Mark Waters (SEXTA-FEIRA MUITO LOUCA), especializado em comédias contemporâneas, poderia parecer uma opção inusitada para o material, mas Mark Canton deliberadamente o convidou porque era capaz de fundamentar todos os elementos fantasiosos em uma realidade palpável.

“A idéia que tive para AS CRÔNICAS DE SPIDERWICK foi a de um mundo real em que coisas incríveis acontecem. Mark é o diretor perfeito devido à compreensão da dinâmica entre irmãs e irmãos, mães e filhos e da vida de famílias contemporâneas”, disse o produtor. Waters ficou animado com a oportunidade de fazer um filme de aventura em que as pessoas pudessem facilmente se identificar com os personagens e a história. “Sempre adorei filmes de fantasia e, quando li esses livros, vi a chance de fazer algo que ainda não tinha sido feito – um filme que traz aventura, fantasia e criaturas incrivelmente interessantes, mas que não se passa em uma terra distante”, observa Waters.

Segundo o produtor, o diretor fez um excelente trabalho reunindo um belo e eclético elenco. O protagonista, Jared Grace, interpretado por Freddie Highmore (A FANTÁSTICA FÁBRICA DE CHOCOLATE), está em um ponto crítico de sua vida e é através dessa extraordinária aventura que ele encara e aceita seus sentimentos em relação à separação dos pais. “Ele foi muito afetado pelo divórcio – está com raiva e não esconde seu amargor, principalmente ao interagir com a mãe e os irmãos. Mas, no fim, essa incrível jornada, em que ele basicamente salva a família, resulta também em sua cura”, explica Mark Waters.

Helen Grace, interpretada por Mary-Louise Parker (TOMATES VERDES FRITOS), acabou de se separar do marido quando se muda para a velha propriedade da família, uma casa vitoriana dilapidada de seu tio-avô, Arthur Spiderwick. Ninguém está feliz com a mudança, mas ela tem como aliada a filha, Mallory (Sarah Bolger). “Mallory é como uma pequena mãe. Ela sabe por que o divórcio aconteceu, mas inicialmente não compartilha isso com os irmãos – ela os protege muito, mesmo considerando que eles a eulouquecem, principalmente Jared”, revela o diretor.

O irmão gêmeo de Jared, Simon Grace – também interpretado por Freddie Highmore –, é o mais estudioso dos irmãos, e sua silenciosa determinação e atenção a detalhes tornam-se grandes atributos quando a família está em perigo. Completando a família, o ator David Strathairn (BOA NOITE E BOA SORTE) vive Arthur Spiderwick.

O filme conta também com as diversas criaturas em que as crianças esbarram ao longo da história: do “brownie” (duende da casa) de 23 centímetros Thimbletack a Mulgarath, um assustador ogro de 3 metros dublado por Nick Nolte. “E há também todas as criaturas intermediárias”, explica o diretor. “São goblins, ninfas e goblins do bem, como Hogsqueal, aliado das crianças.” Hogsqueal é dublado – com muito humor e diversos barulhos inadequados – pelo ator Seth Rogen (LIGEIRAMENTE GRÁVIDOS).

Mark Waters ficou impressionado com o trabalho dos jovens atores do filme. Freddie Highmore é inglês e Sarah Bolger, irlandesa. Ainda assim, observa o diretor, “Quando você os ouve no filme, só consegue captar um bom sotaque da Nova Inglaterra, resultado de seus dons, da extensa pesquisa que fizeram e do constante treino de dialeto. Esses papéis exigem muito, então precisamos chamar artistas que tivessem profundidade, alma e inteligência. Freddie e Sarah têm essas qualidades, e muito mais.” Um dos desafios de Freddie Highmore foi viver dois personagens, cujas diferenças foram bem delineadas pela equipe de produção e pelo próprio ator.

“Queríamos que o público soubesse imediatamente se estavam vendo Jared ou Simon sem torná-los muito caricatos”, diz Highmore. “Os gêmeos têm penteados e estilos de se vestir diferentes. As cores também tiveram um papel importante em distinguí-los. Jared usa jeans e preto ou tons de vermelho, enquanto Simon é mais suave, vestindo roupas conservadoras e muito verde e marrom.”

Já o desafio de Bolger foi aprender esgrima, hobby da personagem Mallory bastante útil quando os irmãos tentam espantar os goblins. “Mallory é muito determinada, e foi divertido retratá-la, especialmente nas cenas de luta de espada”, ela diz. “Mas, no fim das contas, o que eu realmente gosto nela é que Mallory é uma boa irmã e, eu acho, uma boa filha.” Houve momentos, no entanto, que Bolger lembra com menos afeição – principalmente a parte relacionada a suco de tomate e aveia, que, juntos, são letais aos goblins e, depois de um dia no set, pouco agradáveis também a humanos.

“Há uma cena em que os goblins estão correndo atrás de nós e temos que ir até a cozinha para nos proteger”, conta a atriz. “Então, enchemos o forno de suco de tomate e aveia e acendemos o fogo para que exploda e acabe com eles. Foi uma grande cena e o resultado foi brilhante. Mas aquilo fede muito, e a cozinha ficou coberta por uns 7 centímetros de suco de tomate. Foi nojento!”

A Misteriosa Mansão Spiderwick

A propriedade de Spiderwick também é um verdadeiro personagem do filme. O que a princípio parece ser uma velha e isolada mansão precisando de muitos reparos, lentamente revela uma fascinante e misteriosa história. Criaturas estranhas escondem-se nas paredes, e outras ainda mais esquisitas tentam entrar para roubar o estranho e potencialmente perigoso Guia de Campo, resultado de uma grande pesquisa de Arthur Spiderwick. Muitos acontecimentos essenciais do filme se desenrolam ali (tanto no passado quanto no presente) e por isso o desenhista de produção James Bissell (300) precisou desenhar a casa de maneira que o público pudesse apreciar a forma como ela era e o que permanece especial sobre ela nos dias de hoje.

Para isso, ele se baseou no trabalho do designer inglês William Morris e no movimento Arts & Crafts do final do século 19, conhecidos pela ênfase em temas orgânicos. Outra inspiração, é claro, foi a própria coleção As Crônicas de Spiderwick. “Os livros são fantásticos. Eu já os conhecia porque meus filhos adoram, e foi isso que me atraiu ao projeto em primeiro lugar. As ilustrações de Tony são simplesmente fabulosas. Quando eu estava trabalhando no filme, mantive os desenhos dele pendurados na parede para que me inspirassem. Eles sempre traziam alguma informação relevante”, conta Bissell. A casa precisava refletir o interesse de Arthur Spiderwick pelo mundo encantado, pedindo uma locação bastante isolada na área de Montreal, Canadá, onde o filme foi rodado.

“Encontramos uma bela clareira em um parque chamado Cap-Saint-Jacques, onde havia uma pequena cabana, provavelmente construída nos anos 50. A cidade e o parque graciosamente deixaram que nós a demolíssemos para construir outra casa ali”, revela o desenhista de produção. A partir daí, a equipe construiu um elaborado “casco” da casa. “Ele tinha quatro andares e uma torre – era uma estrutura de 360 graus cercada por uma floresta, que também foi utilizada no filme. Construímos, além disso, o piso térreo, incluindo entrada, salão, biblioteca e escada para o segundo andar. E também partes de janelas do segundo e terceiro pisos para tomadas em câmera subjetiva, assim como a torre interior, para que as crianças pudessem correr para dentro e fora dela.”

O trabalho continuou nos estúdios, onde o térreo foi replicado para todas as complicadas tomadas em que Mulgarath invade a casa e os goblins fazem seu ataque final. “Também construímos um segundo andar onde ficam os quartos das crianças e criamos a clareira dos goblins, incluindo uma grotesca árvore em que vemos Mulgarath pela primeira vez”, explica Bissell. E, se a casa é um personagem e o set chave do filme, então o Guia de Campo tem que ser seu principal elemento cenográfico. Seguindo o design geral de Bissell, o Departamento de Arte criou o Guia de Campo usando diários do início do século 20 como modelos. Eles também pesquisaram amostras de escritas à mão e desenvolveram uma fonte que usaram para a própria letra de Arthur Spiderwick. Além do livro, outro importante elemento de cena é a pedra da visão, que, unida a diversas lentes, permite que as pessoas vejam o mundo invisível e encantado descrito no Guia de Campo – e todas suas estranhas criaturas.

É precisamente um equilíbrio único entre fantasia e realidade que separa AS CRÔNICAS DE SPIDERWICK de outros filmes de aventura. Ele é mais obscuro, assustador e muito mais fincado no mundo real. “A idéia foi ter um mundo de verdade em que coisas inexplicáveis e muitas vezes assombrosas acontecem. O que mantém o filme real e o faz ressoar é que estamos lidando com uma família de verdade, pessoas com verdadeiros problemas que, através dessa aventura, conseguem encontrar mágica dentro de si mesmas”, explica o produtor Mark Canton.

O ator Freddie Highmore sintetiza: “Acho que os mais jovens vão gostar da jornada a um mundo novo e fantástico, que é mágico e eletrizante. Já os pais vão gostar dos temas mais adultos e dos altos e baixos emocionais pelos quais a família passa. É um filme para todos.”

Cortesia: Paramount Pictures

Notas de um Olhar Surreal

2008-03-14T09:37:00.000-03:00

A trajetória dO OLHO DO MAL teve início quando a C/W Productions comprou os direitos para uma versão americana do filme asiático de 2002, THE EYE. A partir daí, um novo roteiro foi criado por Sebastian Gutierrez (SERPENTES A BORDO). Gutierrez resume bem a tarefa que encarou: “Há uma linha tênue quando se reinterpreta um filme que já obteve sucesso internacional. É um desafio constante aprimorar a fonte original e manter a integridade da história.”

Apesar de trazer elementos sobrenaturais, o enredo dO OLHO DO MAL é focado em um fenômeno científico verdadeiro conhecido como memória celular: Pessoas que passam por transplantes de órgãos podem herdar comportamentos do indivíduo de quem receberam o órgão. Alguém pode receber o órgão de um fumante e, conseqüentemente, sentir um desejo estranho de fumar. Ou pode se ver estranhamente atraído por esportes, descobrindo depois que o doador era um fanático por esportes. É claro que O OLHO DO MAL é uma ficção, mas o filme explora um fenômeno real, só que de forma sobrenatural.

Na busca de um diretor para o projeto, a dupla francesa David Moreau e Xavier Palud, aclamados internacionalmente por ILS, thriller que escreveram e dirigiram sobre um jovem casal aterrorizado por forças ocultas na zona rural francesa. “Gostamos do fato de poder trabalhar no que não é tão obviamente sobrenatural. Tivemos a grande oportunidade de brincar com a mente do público, mostrar coisas que as pessoas não saberiam dizer se eram reais.” Os diretores estavam decididos a manter uma visão ambígua da sanidade de Sydney.

A personagem convence-se de que as visões aterrorizantes que tem após a cirurgia são reais, mas seu médico e sua irmã não podem deixar de concluir que na verdade ela está passando por um surto psicológico. Segundo a atriz escalada para viver Sydney, Jessica Alba (QUARTETO FANTÁSTICO), “Essa história assusta de uma forma diferente porque o público nunca tem certeza se minha personagem está realmente vendo coisas ou se está apenas enlouquecendo. Isso permite que as pessoas se coloquem no lugar de Sydney.”

Para encarar a difícil tarefa de convencer as pessoas de que a protagonista é, além de uma talentosa violinista, deficiente visual, Alba começou a se preparar para o papel quatro meses antes do início das filmagens. O roteiro trazia uma série de cenas em que as habilidades de Sydney no violino eram mostradas, e os diretores estavam determinados a exibir Jessica realmente tocando o instrumento, e não apenas imitando performances musicais. “Comecei a ter aulas de violino enquanto ainda gravava QUARTETO FANTÁSTICO E O SURFISTA PRATEADO”, conta Alba. “Fiquei meses treinando só para aprender a segurar o arco e o violino apropriadamente e isso foi apenas metade da batalha. Toco peças clássicas complicadas no filme, então precisei mesmo aprender as notas.”

Retratar uma mulher cega foi igualmente desafiador. Alba morou um tempo em uma instituição para deficientes visuais no Novo México e recebeu treinamento: “Jessica encarou o programa como qualquer outra pessoa que perde a visão faria. Os funcionários a ajudaram a ganhar confiança para interpretar uma pessoa cega convincentemente.” Alba também buscou inspiração em uma jovem artista do meio musical, cega desde a infância. “Passamos um tempo juntas e eu pude ver como ela interage com as pessoas, anda pela rua, descobre onde está e se movimenta com tanta facilidade.” A experiência corrigiu muitas idéias erradas que a atriz tinha sobre cegueira. “Muita gente, e eu me incluo nisso, não sabe o que realmente é ser cego. Eu tinha impressão de como devia ser, mas essa mulher mudou o que eu pensava. Ela convive com pessoas que enxergam, compete com elas por empregos e vence.”

O OLHO DO MAL foi rodado em uma fábrica semi-abandonada transformada em estúdio e em dez locações, incluindo a velha estação ferroviária de Santa Fé, o centro de Albuquerque, a pista de corrida de carros de Albuquerque e o povoado Isleta Pueblo. A produção foi então para Los Angeles, filmando no centro da cidade e no Royce Hall da UCLA, entre outras locações.

Ao criar o apartamento de Sydney, os corredores do apartamento são curvados o suficiente para o público não ver o que está por vir, brincando com a idéia de que o desconhecido é tão amedrontador – ou mais ainda – do que aquilo que podemos ver. O cinegrafista Jeffrey Jur também ajudou a revelar o mundo de Sydney, mas sob o ponto de vista da própria personagem. Usando uma combinação de técnica de iluminação e inovador design de lentes, Jur permite que o público enxergue através dos olhos da protagonista, mantendo a sensação de que ela está constantemente na escuridão.

Acrescentando os toques finais do filme, surgem a trilha sonora de Marco Beltrami (OS INDOMÁVEIS) e o desenho de som do três vezes vencedor do Oscar® por DREAMGIRLS – EM BUSCA DE UM SONHO, CHICAGO e FALCÃO NEGRO EM PERIGO Mike Minkler.

Os diretores observam: “Antes da cirurgia, Sydney Wells percebe o mundo através de sons. Seus outros sentidos precisam compensar a falta da visão, então, ao longo do filme, é importante dar ao público a mesma acuidade que ela tem, ajustando níveis de música e efeitos sonoros para passar os detalhes daquilo que Sydney escuta, coisas que o ouvido padrão provavelmente não conseguiria captar.”

Para Moreau e Palud, os elementos dO OLHO DO MAL, das atuações à trilha e imagens, foram cuidadosamente reunidos principalmente nas eletrizantes cenas finais do filme, que levam todos à aflição. O desfecho dá um sentido ao caminho de ida e volta de Sydney à loucura. “Acho que o público chegará com a idéia do que vai ver, e sair com outra sensação”, diz Jessica Alba. “Esse filme é muito mais rico do que parece, e espero que as pessoas se sintam mais ligadas a ele do que esperam.”

Quem é quem em quemlândia… E o que é noo em nool

2008-03-11T12:58:00.005-03:00

Horton é diferente de qualquer elefante que já tenhamos visto anteriormente. Ele é extraordinário e, sob muitos aspectos, vai além de seu corpanzil; possui um grande coração, uma grande personalidade e um grande senso de humor. Horton se distingue por sua gentileza, confiabilidade e perseverança. Apesar da imensa adversidade, do ridículo, da condenação e das ameaças, a determinação de Horton em garantir a segurança de Quemlândia permanece intacta. Ele é sempre fiel... cem por cento. E assim é HORTON E O MUNDO DOS QUEM!

Jim Carrey adiciona bem mais do que seus talentos de super-astro no papel de Horton. "Jim tem um entusiasmo e um humor impressionante, o que ajudou a manter Horton tão doce e amável quanto nos livros", conta o diretor Jimmy Hayward. "Ele é criativo e apaixonado, e realmente mergulhou no personagem".

Hayward continua: "Jim se entrega por inteiro a tudo o que faz. Ele interpreta cada cena exatamente como o faria se estivesse diante das câmeras, e nos deu grandes dicas para a atuação de Horton. Portanto, pudemos extrair uma quantidade incomum de características do personagem a partir do desempenho de Jim ao dublá-lo”.

Dada a expressividade de Carrey, não é surpresa que tenha influenciado o visual de Horton. Dave Torres, principal responsável pela animação, conta: "Nos estágios iniciais do desenho, Horton apresentava uma boca menor. Porém, quando Jim assumiu o personagem, ele se tornou muito expressivo; de fato, Jim nos levou a alargar os limites de expressividade de um personagem de animação".

A principal relação de Horton na história é com o Prefeito de Quemlândia, a quem Horton nunca vê e que, por sua vez, também não pode vê-lo. Ainda assim, eles formam uma dupla notável, repleta de entusiasmo, amizade e humor, embora os riscos que correm sejam de vida ou morte. Enquanto Horton empreende sua jornada para garantir segurança a Quemlândia, o Prefeito – voz de todos os habitantes da cidade – arrisca tudo para convencer seus eleitores dos perigos futuros.

O Dr. Seuss apresenta o Prefeito de forma memorável como "devotado, justo e um pouco esquisito". O Prefeito e sua esposa tem crianças de sobra. E como! São pais orgulhosos de 96 filhas e um filho. A prole é apresentada num desfile interminável em que estão sentados em cadeiras ligadas a uma correia de transmissão, que circula em torno da mesa, de forma que cada um tenha uma audiência breve, porém impactante, com o Prefeito; É uma procissão imaginativa que reporta a uma cena de um musical de Busby Berkeley.

Steve Carell, segundo o também diretor Steve Martino, empresta a todos os seus personagens um senso de humanidade, como o eternamente ingênuo chefe de escritório Michael Scott em uma série de TV, e, agora, o assediado e pressionado Prefeito. "Todos os personagens de Steve possuem um coração belo; você torce por eles", observa Martino.

"Gostamos de ver os personagens de Steve na luta", acrescenta Jimmy Hayward. "Vê-lo ‘rodar pratos’ é um prazer. Ele introduz a dose certa de ‘Steve’ em cada linha do diálogo. É o Quem que a gente realmente passa a conhecer; assim, você deseja se identificar com ele, e graças a Steve, você o faz".

Carell descreve o Prefeito: "Ele é gentil, generoso, bem-intencionado, com muita coragem interior. Ele é um homem comum, um cara tentando fazer o melhor numa situação difícil". O ator reconhece particularmente as bases filosóficas de Horton ao insistir em que uma pessoa é uma pessoa, não importa seu tamanho. "Isso realmente diz respeito ao mundo que nos cerca – não importa o quão diferentes sejamos por fora, se houver decência, cuidado e compromisso, as coisas podem ser realizadas. É uma mensagem boa, doce, sólida, baseada na gentileza. E é isso que eu amo nele", diz Carell.

O orgulho e a alegria do Prefeito estão em seu filho Jo-Jo, o menor morador de Quemlândia. O Prefeito tem grandes planos para seu pequeníssimo filho, e o prepara para dar continuidade ao legado da família, assumindo a liderança da cidade quando o Prefeito se aposentar. Jo-Jo, porém, deixou absolutamente claro que não pretende assumir a carreira do pai. Em vez disso, o jovem taciturno persegue algo muito, muito diferente e especial.

A maior ameaça à busca de Horton – e, por sua vez, à sobrevivência de Quemlândia – é a Canguru, que "criou todas as leis e impôs todas as regras, proclamando-se líder da floresta de Nool". Ela possui um temperamento azedo e uma mente fechada, e insiste em que "se você não consegue enxergar algo é porque isso não existe". A filosofia fechada da Canguru gera conseqüências potencialmente graves para Horton, para o Prefeito e para toda Quemlândia.

No entanto, será ela uma vilã? Martino não está tão certo assim. "Ela possui sua ideologia, não é uma vilã. Ela é equivocada, mas não maldosa", ressalta.
Em uma cena memorável, a Canguru, no melhor estilo "tirana da selva", profere um sermão – na verdade ela grita com toda a força de seus pulmões – sobre a impossibilidade da existência de Quemlândia. A seqüência utiliza toda a impressionante capacidade vocal e o talento cômico da legendária Carol Burnett, que assume o papel interpretando-o no seu estilo. "Carol tem dutos!", diz Hayward da atriz, cujos momentos memoráveis de sua longa carreira de variedades televisivas incluem um "grito de Tarzan" que prenuncia suas vocalizações como a Canguru. "Há um sentido muito libertador em gritar com a força máxima dos seus pulmões... e ainda ser pago por isso", diz ela.

Voltando ao assunto da alegada perversidade da Canguru, Burnett aponta: "Quando você interpreta um vilão, não vê o personagem como perverso. O vilão não se enxerga como maldoso. Ele vê a parte boa, ou seja, que é justo em seus sentimentos e pensamentos. E que, se todos simplesmente o ouvissem e concordassem com ele, o mundo seria maravilhoso".

"A Canguru é muito controladora e teimosa", admite Burnett. "Ela governa a floresta com punhos de aço. Manteve seu filho Rudy em sua bolsa por, bem, muito tempo; ela não permitia que ele saísse do ‘quarto’". (Algumas crianças se sentem prisioneiras dos pais; é possível que a queixa de Rudy seja legítima).

O braço-direito da Canguru é Vlad Vlad-I-Koff, um enorme urubu de traseiro preto, penas oleosas e retalhadas e um bico grande e irregular. Fala com forte sotaque -russo. Vlad não é um gênio do mal, ele é somente maldoso. "Vlad se move como um lagarto ou um morcego", diz Jimmy Hayward. "Tudo para ele é baseado no instinto. O personagem é uma estranho mistura de influências culturais engraçadas. É como um gangster de conjunto esportivo marrom aveludado, usando correntes de ouro.

Will Arnett (Arrested Development), que interpreta Vlad, comenta que o personagem é "uma espécie única de pássaro, um sujeito perigoso, um matador de aluguel. Pensa que é descolado, mas está ultrapassado. Ele acha que está no topo da última moda da cultura pop".

"Sinto-me atraído por personagens ligeiramente arrogantes e também bem idiotas", continua Amett. "Essa é uma boa combinação. Não para a vida, mas para a comédia. Para a vida, é realmente uma combinação triste. Eu adoro pessoas super-arrogantes e, ainda assim, sem consciência de quão idiotas são".

Vlad pode não ser o bico mais afiado da selva, mas representa uma ameaça para Horton e para Quemlândia. Ele consegue entrar e sair das árvores como um guerreiro X-Wing – você quase ouve os motores a jato –, e em uma seqüência eletrizante ele caça Horton pela selva. "Construímos a cena como um filme de terror clássico", comenta Hayward. "Não é, certamente, uma cena sangrenta ou de terror, mas apresenta bastantes risadas e surpresas".

A cabeça do clã Wickersham é Yummo, interpretado pela voz de Dan Fogler, vencedor do Tony, que duplica seu prazer fazendo também o papel de Presidente do Conselho de Quemlândia. Fogler divertiu-se com os dois papéis, mas declara que Yummo é mais próximo de seu coração. "Eu sou do Brooklyn, e Yummo é Brooklyn, duro e da rua", explica.

Não faltam adversários a Horton. Porém, ele tem um melhor amigo e confidente em Nool: Morton, o rato, que tenta agir como voz da razão para seu camarada grandalhão. "Bem, você está falando com uma planta, e isso não me parece legal", avisa o roedor experiente a Horton. Seth Rogen, um dos mais brilhantes atores e roteiristas da comédia atual, empresta ao personagem sua especial sensibilidade torta. "Morton pode ser suscetível a pressões de seus pares", diz a estrela de Ligeiramente Grávidos e ator e roteirista de Superbad – É Hoje.

"De volta a Quemlândia, enquanto o Prefeito tenta convencer os habitantes sobre os perigos que a cidade enfrenta, a esposa do Prefeito, mãe equilibrada de 97 filhos, mantém um clima de harmonia em casa. A forma aparentemente tranqüila com que a personagem lida com explosivos assuntos domésticos agrada a qualquer pai; certamente agrada a Steve Marino. "Tenho duas crianças e isso é um desafio", comenta. "Imagine lidar com 97!"

Amy Poehler, de Saturday Night Live , esposa de Vlad Vlad-I-Koff na vida real – Will Arnett – faz uma personagem engajada que chama a atenção do marido por seu comportamento agressivo, mas sempre o faz com compreensão e senso de humor. "Amy interpreta a personagem de maneira contemporânea e real, porém com uma pequena ponta de ironia", comenta Martino.

Ela conta: "Fiz muitos papéis malucos em minha carreira, muitas personagens conturbadas. Sally, no entanto, é bastante estável. Ela mantém o marido com os pés no chão de um modo muito gentil. Ela precisa fazê-lo, pois é a cabeça dessa família gigantesca. Ela é a caixa de ressonância de seu marido. Porém, está um pouco preocupada com ele; será que está ficando maluco com essa corrida frenética atrás de avisos de uma possível maldição?"

Apesar das dúvidas de Sally, há realmente algo errado em Quemlândia. Para confirmar suas suspeitas, o Prefeito procura a Dra. Mary Lou LaRue, cientista amalucada, porém inteligente, da Universidade de Quem. A Dra. LaRue usa óculos de segurança grossos, cabelos grandes de um vermelho escuro, e lhe faltam certas habilidades sociais básicas. Tudo para ela tem a ver com a ciência. Isla Fisher, que circula facilmente entre comédias como Penetras Bons de Bico e dramas como O Vigia, observa que Mary Lou é a única Quem (além do Prefeito) que "conhece totalmente as ramificações das mudanças climáticas repentinas de Quemlândia (originárias das perigosas viagens de Horton através de Nool). Ela foi a primeira a aderir às crenças do Prefeito sobre potenciais maldições e penumbras". Do alto de seus 1,57 metro, a estrela pequenina acrescenta: "O ditado de que ‘uma pessoa é uma pessoa, não importa o tamanho’, é de relevância particular para mim".

Do inteligente ao…nem tanto. Conheça os Wickershams, um clã de símios com uma mentalidade humana muito familiar. "Eles são, em essência, um bando de caras engraçados", diz Hayward. "Não são vilões clássicos. Mas quando as coisas começam a ficar difíceis para Horton, os Wickershams se divertem. Eles vivem no lado sombrio da natureza humana".

>>>Leia a crítica de HORTON E O MUNDO DOS QUEM! aqui!

Cannes promete um banquete de filmes

2008-03-09T10:38:00.005-03:00

A última edição da revista inglesa ‘Screen’ (www.screendaily.com) no Festival de Berlim começou a especulação sobre os possíveis filmes que estarão na seleção do próximo Festival de Cannes (14~25de Maio). Como sempre, parece haver mais títulos do que espaço para tanta novidade. Os títulos sugeridos no artigo "Global glitterati line up for Cannes in May", de Mike Goodridge só não consegue imaginar quais serão as revelações de Cannes, ao lado dos autores veteranos e de talentos reconhecidos cujos filmes já estão prontos para o festival francês.

Segue a lista dos notáveis pela ‘Screen’:

O curioso documentário em animação do israelense Ari Folman WALTZ WITH BASHIR, com as lembranças do autor 25 anos depois de testemunhar como soldado o massacre de Sabra e Chatila, em setembro de 1982, nos campos de refugiados palestinos em Beirute.

ASHES OF TIME REDUX, a remixagem de um filme raro de artes marciais de Wong Kar Wai, pouco visto pelo mundo.

FROZEN RIVER, da estreante americana Courtney Hunt, sobre a luta e amizade de duas mulheres, uma delas descendente de índios Mohawk na fronteira entre Nova York e Quebec. O filme deriva de um curta-metragem originalmente rodado em 2004. O longa venceu o último Festival de Sundance.

WHAT JUST HAPPENED?, do famoso diretor americano Barry Levinson. Duas semanas na vida de um produtor de cinema com dificuldades de terminar um filme e um elenco de notáveis de Hollywood – Bruce Willis, John Turturro, Robert De Niro e Sean Penn, que irá presidir o júri do festival de Cannes.

O documentário ROMAN POLANSKI: WANTED AND DESIRED, de Marina Zenovich sobre o escândalo e a tragédia particular do grande cineasta polonês que teve de fugir dos EUA em fevereiro de 1978 com acusações de pedofilia. O cineasta não participa do filme, mas aparece muito com a seleção de entrevistas de trinta anos atrás.

LE SILENCE DE LORNA, dos irmãos belgas Jean-Pierre e Luc Dardenne, duas vezes Palma de Ouro em Cannes. Neste novo drama, o casamento arranjado para uma jovem albanesa clandestina com um drogado. Ela vira belga e como agradecimento tentará salvar a vida do toxicômano.

THE PALERMO SHOOTING, de Wim Wenders, uma história de amor e desencantos com um fotógrafo que abandona a Alemanha pela Sicília. Com o rock-star alemão Campino + os ícones Lou Reed, Patty Smith e Giovanna Mezzogiorno. Dannis Hopper, o AMIGO AMERICANO, em um filme de Wenders de 1977, também está no elenco.

PARLEZ-MOI DE LA PLUIE/ LET IT RAIN, da francesa Agnès Jaoui. Drama, comédia e documentário sobre ambição política num cenário de interior.

DAYDREAMS, do cineasta turco Nuri Bilge Ceylan, comparado ao mestre Michelangelo Antonioni. Seus dois filmes anteriores foram revelados no mesmo festival.

LINHA DE PASSE, de Walter Salles e Daniela Thomas, um forte drama sobre os escapes possíveis para quatro irmãos sobreviverem em São Paulo, com o já crescido Vinícius de Oliveira (o ator mirim de CENTRAL DO BRASIL) como um dos irmãos.

Com o Urso de Ouro em Berlim, as atenções devem se voltar mais para o Brasil e a América Latina. Outro do Brasil deve ser a co-produção com o Canadá CEGUEIRA/ BLINDNESS, de Fernando Meirelles, com Julianne Moore e Gael Garcia Bernal, adaptado do livro "Ensaio sobre a Cegueira", de José Saramago.

LEONERA/ LION’S DEN, do argentino Pablo Trapero, em que uma mulher encarcerada luta para criar o seu filho da prisão.

RUDO Y CURSI, de Carlos Cuaron. O filme promove o reencontro dos atores Diego Luna e Gael Garcia Bernal depois de E SUA MÃE TAMBÉM, cujo roteiro foi escrito por Carlos com o seu irmão Alfonso Cuaron.

Outro filme mexicano em Cannes poderá ser o de Guillermo Arriaga. O autor/escritor/roteirista de BABEL, 21 GRAMAS, TRÊS ENTERROS, AMORES PERROS, rompeu com o diretor Alejandro González Iñáritu e estréia na direção com o seu próprio roteiro em THE BURNING PLAIN. Como é de sua marca, o filme parte com duas histórias paralelas, de mãe e filha que tentam estabelecer vínculos.

E mais latinidade poderá ser vista com a versão de Steven Soderbergh sobre o mito Che Guevara em THE ARGENTINE

Entre os asiáticos, a expectativa seria pelas novidades do chinês Jia Zhang-ke (24 CITY), homenageado na Mostra São Paulo, ano passado; o vietnamita Tran Anh Hung (I COME WITH THE RAIN); os coreanos Kim Ji-woo (THE GOOD, THE BAD AND THE WEIRD) e Kim Ki-duk (DREAM); e os japoneses Kiyoshi Kurosawa (TOKYO SONTA), Hirokazu Kore-eda (ARUITEMO ARUITEMO) e Ryosuke Hashiguchi (GURUNI NO KOTO).

Especula-se ainda, na cota européia, o novo do inglês Michael Winterbottom, GENOVA, uma história de fantasmas rodada na Itália; o novo do multinacional Barbet Schroeder, o thriller francês INJU; MR. NOBODY, o novo do belga Jaco Van Dormael (UM HOMEM COM DUAS VIDAS), com uma grande produção sobre imortalidade e crise existencial; ST GEORGE SHOOTS THE DRAGOde Srdjan Dragojevic (BELA ALDEIA, BELA CHAMA) ou AMÉRICA do polonês Jerzy Skolimowski; Laurent Cantet (EM DIREÇÃO AO SUL) com o novo ENTRE LES MURS; e ainda a veterana Agnès Varda, com o documentário LES PLAGES D’AGNES.

Pelos EUA há chances ainda para o novo filme dos irmãos Andy e Larry Walchowski com SPEED RACER, inspirado em uma série japonesa de animação sobre corrida de carros. E por fim, a apresentação especial de INDIANA JONES E O REINO DA CAVEIRA DE CRISTAL, de Steven Spielberg. Cannes faz a festa com o cinema dos pop stars, mas no fim, presta-se perfeitamente à difusão do bom cinema autoral e pensante.

É bom não esquecer que esta lista especulativa está mais voltada à lista dos filmes em competição e apresentações especiais. Cannes faz acontecer filmes em muitas outras seleções, como ‘Un Certain Regard’, ‘Quinzaine des Réalisateurs’ e ‘Semaine de la Critique’. Uma noite especial será ainda reservada para o mestre português Manoel de Oliveira, quase centenário, que faz 100 anos em dezembro próximo. Longa vida ao Cinema (apesar da pirataria que o fustiga em todo o mundo).

Spoiler vai cobrir o Festival de Cannes na íntegra.

Por Leon Cakoff

O sangue é vida!

2008-03-06T10:54:00.010-03:00

Bram Stoker (1847-1912) teve uma centelha de gênio ao inventar, em 1897, seu vampiro partindo de contos folclóricos da Transilvânia. "Drácula" foi publicado durante o século 19, o espírito romântico vagou num mundo sobrenatural, de tentações e vertigens, em que personagens maléficos sugavam a vida e a energia de seres humanos, por vezes graças ao sangue ingerido.

As lendas sobre o dentuço notívago datam de 1751, mas foi Bram Stoker que realmente as assentou, dando-lhes coerência e firmeza. O mito do vampiro é rapidamente recuperado pelo cinema, no caráter difuso da tradição romântica, do VAMPYR, de Dreyer, à MASCARA DO DEMONIO, de Mário Bava, chegando às últimas metamorfoses inspiradas em Anne Rice.

Mas o conde Drácula impõe-se. Depois de sua transformação no NOSFERATU, de Murnau, nos tempos do cinema mudo, adquire o aspecto que o marcou, em 1931, com o DRÁCULA, de Tod Browning. Bela Lugosi (1882-1956) conferia ao vampiro elegância aristocrática, superioridade em suas atitudes, consciência controlada da sua natureza ou do que poderia se chamar o seu vício. Lugosi possuía uma sedução "old fashioned", mesmo para 1931, se contrapondo ao charme moderno de David Manners, o jovem herói.

Lugosi não conseguiu escapar do papel, interpretando-o em fitas como A MARCA DO VAMPIRO e A VOLTA DO VAMPIRO, até cair no deboche e participar, como Drácula, das comédias de Abbott e Costello. Enriqueceu, tornou-se viciado, morreu pobre. Foi sepultado com a capa preta de cetim.

A imagem de Lugosi envelheceu no pós-guerra: Não é à toa que, no seriado “A Família Monstro", o vovô é calcado sobre ela. Christopher Lee, graças à seqüência de filmes da companhia inglesa Hammer, graças à admirável direção de Terence Fisher em HORROR OF DRACULA (1958), torna atual e erótico o personagem. Desenha-se, de modo transparente, o vampiro concebido como o avesso do Cristo. No último da série, injustamente desconsiderado pela crítica, CONDE DRÁCULA E SUA NOIVA VAMPIRA (1973), dirigido por Alan Gibson, o conde é apanhado por um espinheiro, metáfora imensa da coroa de Cristo, e suas palmas são atravessadas por pontas, como na crucifixão.

E quase 50 anos depois, o também alemão Werner Herzog se inspirou no clássico de Murnau para fazer NOSFERATU, O VAMPIRO DA NOITE (1979). Klaus Kinski, apavorante como Max Schreck, é um vampiro apaixonado e atormentado, que carrega o peso de seu destino e viaja à Alemanha num navio repleto de ratos.

Ambos de 1979, DRÁCULA, de John Badham, com Frank Langella, foi definido o mais lascivo filme de Drácula. AMOR À PRIMEIRA MORDIDA, de Stan Dragosti, com George Hamilton, também envereda pelo humor. Como eles, Jack Palance, David Niven e Louis Jourdan tiveram, com resultados variáveis, seus dias de Drácula.

Houve um Drácula turco, ele já foi ao Velho Oeste e à China imperial, transformou-se no conde Alucard (Drácula ao contrário), Frankenhausen (qualquer semelhança com Frankenstein não é mera coincidência), Yorga e Quejando, apareceu em filmes pornográficos também... ENTREVISTA COM O VAMPIRO, de Neil Jordan (1994), abandona Bram Stoker por Anne Rice. VAMPIROS, de John Carpenter, é um avatar, singular e enérgico.

Os traços muito definidos de Drácula, via Lugosi, Lee e Karloff, descendentes de uma estirpe romântica e gótica, há muito perderam sua eficácia. É mau sinal quando, em 1992, Coppola dirige seu DRÁCULA DE BRAM STOKER. A incorporação do nome dos escritores no próprio título demonstra um desejo filológico de fidelidade ao texto de origem. O recado é este: vamos apagar toda a tradição sem rigor e cheia de variantes dos antigos Dráculas para obter uma versão fidedigna.

A caracterização de Gary Oldman nada deve às de Schreck e Kinski.
Curioso... Drácula exibia uma fina estampa, o monstro do Dr. Frankenstein era feio como a fome. Um era íntegro em sua maldade, o outro nada tinha de inteiro.

Drácula foi criado por um homem. O monstro, por uma mulher (Mary Shelley). Nada em comum e, no entanto, ao menos no cinema, suas "carreiras" são afins.
Quando Browning rodou DRÁCULA em 1931, a mesma Universal rodava FRANKESTEIN, de James Whale. Sem contar que, em O FILHO DE FRANKENSTEIN (1939), de Rowland V. Lee, é Bela Lugosi, o Drácula, quem personifica o criado Igor, tão tétrico quanto o monstro.

Parece que um pressupõe o outro. Foi assim na Universal, assim na Hammer. Quando Paul Morrisey rodava o seu Drácula, ao mesmo tempo filmava FRANKENSTEIN DE ANDY WARHOL. E o próprio Coppola, depois de dirigir DRÁCULA DE BRAM STOKER, produziu FRANKENSTEIN DE MARY SHELLEY (1994), de Kenneth Branagh.

Gostar desse ou daquele filme é uma questão pessoal. Há quem procure um clima gótico e há quem não fique sem o trash explícito - caso de dois terços da produção do gênero. Há quem queira o personagem complexo, vítima da própria condição, e há quem se contente com um Drácula chapado, todo sangue e ruindade.

Mas indiscutivelmente os seis grandes filmes inspirados em Stoker é pela cronologia: NOSFERATU (Murnau), DRÁCULA (Browning), O VAMPIRO DA NOITE (Fisher), AMOR À PRIMEIRA MORDIDA (Dragosti), DRÁCULA (Badham) e DRÁCULA DE BRAM STOKER (Coppola).

Por Jorge Coli, Federico Mengozzi & Arthur Nestrovski

E mais vampiro...
>>>Leia a crítica de DRÁCULA (1933) aqui!
>>>Leia a crítica de DRÁCULA DE BRAM STOKER aqui!
>>>Leia a crítica de NOSFERATU aqui!
>>>Leia a crítica de A SOMBRA DO VAMPIRO aqui!
>>>E no Spoiler Premium, a trajetória dos Filmes de Terror no Oscar!

Pus o chapéu e Indiana voltou

2008-03-04T09:00:00.003-03:00

No dia seguinte à entrega do Oscar 2008, Harrison Ford concedeu uma entrevista como parte da primeira rodada de divulgação de INDIANA JONES E O REINO DA CAVEIRA DE CRISTAL, um dos filmes mais aguardados do ano, com estréia prevista para maio em Cannes. Ele falou sobre como foi se reunir mais uma vez com a equipe dos três primeiros filmes da série, em que tipos de produção prefere trabalhar e ainda respondeu sobre suas opiniões políticas.

Aos 65 anos, Ford fala sobre o personagem com a mesma vivacidade e empolgação de 19 anos atrás, quando a terceira parte da aventura foi lançada. A animação é ainda mais evidente quando o assunto é a poderosa equipe reunida para o retorno do herói: Steven Spielberg, George Lucas, a produtora-executiva Kathleen Kennedy e o produtor Frank Marshall, pessoas que, segundo ele, são como uma “família”.

O resultado dessa forte união aparece nas telas na forma de um vigoroso herói que não pensa em aposentar o chicote. Desta vez, o antropólogo vivido por Ford mergulha na mitologia maia para encontrar um lendário crânio de cristal que pode lhe revelar poderes magníficos. Além disso, Indiana volta a lidar com figuras de seu passado, como o filho Mutt Willians (Shia LaBeouf), que em pouco tempo se envolve nas aventuras do pai. O filme foi rodado no Novo México, no Havaí e em Foz do Iguaçu.

Spoiler: Há alguma complicação para a volta de um personagem e de um filme de ação como esse 20 anos depois, além, óbvio, da passagem do tempo?
Harrison Ford: Hoje, o Indiana Jones tem um conhecimento, uma visão diferente das coisas. Ele é um personagem que sempre pode ser mais explorado, tem ótimos relacionamentos e sempre algo novo para mostrar. É ótimo representar de novo o personagem, em um filme para a nova geração. Quando terminei de me vestir, toda essa experiência e perspectiva voltaram. Pus o chapéu e Indiana voltou. E ainda bem que a roupa original ainda me serviu. Consegui manter a mesma forma por 20 anos, o que é uma façanha. Foram 80 dias de filmagem com um só de folga. Mas tudo correu bem.

Spoiler: As filmagens podem ter levado menos de três meses, mas o roteiro virou novela e parecia que nunca ficaria pronto...
Ford: Na verdade, tínhamos pensado no projeto há cerca de 12 anos. Mas não deu certo. Demorou certo tempo para que eu, George Lucas e Steven Spielberg encontrássemos um jeito de juntar todos, de forma que o projeto fosse interessante para todo mundo, que o roteiro valesse a pena. E tinha de ser um grande filme, porque a expectativa em torno dele é muito grande.

Spoiler: Por que tanto zelo e preocupação, já que o personagem é querido e tem gerações de adoradores?
Ford: É exatamente por ele ser especial para mim e para o público. São os espectadores que chancelam meu trabalho com seu dinheiro nas bilheterias. A história tem de ser boa, e quem a conta também. Caso contrário, o público escolhe outro contador. É simples assim. Não posso ser aquele tipo de ator que coloca um nariz de borracha ou maquiagem pesada para parecer outra pessoa. Acredito que meu público goste de me ver – jovem ou um pouquinho mais velho –, e tenho de atender a esse tipo de demanda. Por isso, fiz todas as cenas de ação. E o filme precisa valer a pena, pois seria um desrespeito filmar uma história qualquer só por dinheiro.

Spoiler: Aos 65 anos, você ainda interpreta heróis de ação. Como consegue isso? A idade não atrapalha?
Ford: Acho que é o que me mantém saudável e ativo. Eu gosto muito de fazer isso. Não malhar pesado, só quando tenho de fazer um personagem que me exija isso. Aí, faço bastante exercício, mas por um tempo. Para mim, é mais uma questão de manter tudo em cima, fazer com que o corpo siga trabalhando. Normalmente, vou à academia três vezes por semana e fico lá por 40 minutos. Gosto de jogar tênis também. Coisa leve.

Spoiler: O personagem Indiana Jones, às vezes, é politicamente incorreto. Ele leva alguns objetos históricos dos países por onde passa. O que você acha disso?
Ford: É verdade, eventualmente ele rouba algumas relíquias. Mas, antes de tudo, ele é um arqueólogo. Sua intenção inicial é estudar os objetos, e não roubá-los. Ele se interessa por aprender, é fascinado pelo mistério dessas coisas. Ele não usa as pessoas, não abusa dos lugares por onde passa. Mas, enfim, ele não é perfeito, erra de vez em quando. É o que o torna interessante.

Spoiler: E o professor de arqueologia tem planos de se aposentar?
Ford: Esse assunto nunca foi mencionado. Ainda há muito o que ser explorado com Indiana Jones (risos)!

Spoiler: Sua imagem é associada a heróis: Indiana, Han Solo (STAR WARS), Jack Ryan (JOGOS PATRIÓTICOS)... Você gosta do conceito de herói?
Ford: Tenho orgulho de Indiana Jones. Han Solo foi importante, embora não deseje voltar a ele, pois ele era meio bobo. E Jack Ryan eu também voltaria a fazer, tem muito a ser explorado. Porém, ser herói não faz sentido. Ninguém assina contrato para viver um “herói”. Vivemos personagens e pessoas que, às vezes, precisam praticar atos de heroísmo. Mas é pretensioso considerar-se um herói. Um dia, alguém decidiu que precisávamos de heróis no cinema e, a partir daí, todo filme ganhou um. Mas muita gente se esquece de que herói mesmo é um bombeiro que se arrisca por uma criança.

Spoiler: As pessoas deixaram de ir ao cinema para ver um ator em especial?
Ford: A década de 80 foi um dos períodos mais saudáveis para os filmes. Não existia DVD, o VHS estava começando e as pessoas iam ao cinema, pois era o único jeito. Hoje, criaram-se vários públicos. Há quem goste de ficar em casa, há quem continue seguindo atores e há aquele pessoal, especialmente jovens, que gosta de sair e aproveitar o bom e velho escurinho do cinema. Assim, os jovens se tornaram os espectadores mais consistentes.

Spoiler: Quanto a ser astro, houve mudança nestes 20 anos?
Ford: Os jovens têm afinidade com os atores da idade deles, pois querem ver a história deles mesmos. Não faria sentido me ver fazendo de conta ter 30 anos. O público precisa de caras da minha idade.

Spoiler: Acredita em uma chance de mudança nos EUA neste momento de eleições?
Ford: Claro. É necessário reinventar nossa economia, criar mais empregos para os jovens e voltar a prosperar. Precisamos de mudança, de disciplina focada, e parar de fazer um monte de coisas que estamos fazendo, como desperdiçar dinheiro em áreas erradas. O país estabeleceu objetivos altos, embora não cheguemos muito perto deles. Mas perdemos nosso ideal ao longo dos anos. É como se ele tivesse se desgastado, assim como os rostos no Monte Rushmore (a montanha onde foram esculpidos os rostos de quatro presidentes americanos). Este país sempre funcionou bem sob uma “liderança messiânica”, que recobra os ideais. Agora, temos este jovem líder, poderoso e idealista, Barack Obama, se erguendo. Ele pode dar um novo coração a este país e operar a mudança de que precisamos, e rápido.

Spoiler: De onde você tirou inspiração para compor Indiana Jones?
Ford: Construo o personagem quando estou na frente da câmera, com a jaqueta de couro, o chapéu e o chicote. E tento entender a moral do personagem.

Spoiler: Você pretende continuar investindo em produções em que atua como o herói da história?
Ford: Nenhum desses filmes que eu faço são de ação. Eles talvez exijam um pouco mais de força física. Em Guerra nas Estrelas, não fiz mais do que correr e atirar nas pessoas. Indiana Jones tem aventura e fantasia, mas não é um filme de ação. Em Jogos Patrióticos também não fiz um herói - o protagonista tenta proteger a família, tenta se manter longe dos problemas. Nunca fiz, de verdade, um filme assim. Nenhum desses tipos que eu tenho interpretado é herói. E não procuro isso. Estou focado nos personagens e não nesse título. Eu resisto ao rótulo.

Spoiler: Apesar disso, você pilota aviões...
Ford: É, mas não estou interessado no risco. As pessoas acham que pilotar aviões é um grande perigo. O meu grande negócio é saber dosar o risco, ter responsabilidade. A liberdade e a independência de voar, de cuidar da sua vida e talvez da de passageiros, ver o mundo de uma outra forma, aprender coisas novas... Essas coisas é que são o grande negócio pra mim.

Spoiler: O que você acha desse revival de heróis em Hollywood?
Ford: É verdade... Temos Rocky, Rambo... Não sei. Talvez isso signifique que não existam tantos papéis para atores mais velhos. Acho que eles são heróis de sucesso, há público para eles, há toda uma expectativa sobre isso.

Por Bruno Segadilha & Fábio M. Barreto (Revista Época)

A Concepção do Diretor de Arte

2008-03-03T07:37:00.004-03:00

A "cara" de um filme é dada pelo diretor de arte, o encarregado pelo planejamento artístico de toda a produção. A concepção do storyboard, cenografia, luz e figurino são as principais tarefas desse profissional que usa as mais diversas ferramentas para elaborar seu projeto.

O ponto de partida do diretor de arte para desenvolver o trabalho é absorver o que se pretende com a realização do produto. A partir daí começa a maratona técnica para dar forma ao conteúdo.

O projeto tem início com o estudo do roteiro. "A situação ideal para desenvolver um bom trabalho de direção de arte é participar desde a elaboração do roteiro. Muitas das situações apresentadas são criadas pelo diretor de arte", considera o diretor de arte e artista plástico Luciano Angelini.

ETERNO AMOR

A definição do espaço onde a idéia será materializada é fundamental para a criação do projeto cenográfico. Conhecer a locação ou até projetar a construção do local onde ocorrerá a captação ou se desenrolará o evento envolve o conhecimento dos dados contidos na planta baixa do espaço - como pé-direito, localização e altura das varas e grids e existência de passarelas ou fosso, que eventualmente poderão ser utilizadas na criação dos cenários, adereços, figurino, iluminação e planejamento de cores - ou a elaboração de um projeto com todos estes requisitos.

Nos storyboards estarão definidos os planos de captação, a visão e a circulação dos participantes de um evento, o posicionamento de câmeras, luzes, objetos cenográficos e artistas na cena. Atualmente, tem sido grande a importância dada à execução do storyboard para facilitar e agilizar o trabalho do diretor de cena. Dessa forma menos tempo é consumido em ensaios e repetições dos takes, evitando-se o desperdício de tempo e dinheiro em tempos de orçamentos apertados.

Com a aprovação dos planos visuais da produção, que inclui as texturas que serão empregadas, efeitos na pintura, elementos que irão compor o plano e objetos de cena, entram em campo o produtor de design e os cenotécnicos (serralheiros, pintores, marceneiros), que irão efetivamente pôr a mão na massa, para concretizar a obra.

CLÃ DAS ADAGAS VOADORAS

Luis Rossi, diretor de arte e cenógrafo de longas como MEMÓRIAS PÓSTUMAS, DOIS CORREOS, A HORA MÁGICA, dentre outros, diz ser muito comum no Brasil o diretor de arte acumular também a função de desenhista de produção. Para ele, é importante que o diretor de arte tenha pelo menos fundamentos sobre iluminação cênica, seja em estúdio ou teatro.

"Um ponto de luz no teatro representa muita coisa, enquanto no cinema este ponto de luz tem de ser ampliado. No teatro, uma vela acesa ilumina o rosto de um ator e representa todo um universo; no cinema isso já não acontece. Você pode até conseguir um resultado, mas fotograficamente falando é muito mais difícil, na verdade você vai representar um ponto de vela."

Ao conceber os espaços, Rossi esboça à mão e, somente com o projeto finalizado, isto é, com as informações detalhadas sobre o plano visual da produção, é que o desenha digitalmente. A explicação para isso são as inúmeras modificações no projeto durante as reuniões com o diretor e sua pouca familiaridade com o meio digital: "No papel é mais rápido. Sou das antigas", explica.

A PAIXÃO DE CRISTO

A utilização de maquetes para o planejamento da construção de um cenário em estúdio, assim como o esboço em papel, estão sendo, atualmente, substituídos pela modelagem em softwares de imagens tridimensionais. Rossi, no entanto, afirma não abrir mão da maquete pois, ainda que a imagem saia tridimensional no papel, continua sendo uma imagem chapada: "Eu não posso por a mão dentro".

Luciano Angelini, ao contrário, prefere as ferramentas digitais como o Light Wave, Strata e Animation Master (para animação); Vector Works e Art Lantis (para arquitetura e cenografia), para realizar e apresentar seus projetos. "Hoje até um cenógrafo tem de estar interado sobre tecnologia digital, pois precisa estar preparado para montar ambientes onde serão usados efeitos digitais ou cenários virtuais."

"Em termos de direção de arte, nada se concebe no set de filmagem. No set o conceito já está estabelecido. Eventualmente o diretor pode sugerir: ‘Vamos concentrar mais isso daqui’, ou ‘Preciso de um primeiro plano aqui’, então preciso ter elementos na manga para o caso de precisar deles. Tudo pode ir para lá ou para cá, mas nada irá modificar o conceito", diz Rossi.

O FANTASMA DA ÓPERA

Quando Rossi entrou na televisão, em 1977, usavam-se muitos recursos do teatro: tanto a interpretação dos atores quanto as técnicas cenográficas eram teatrais. Como ainda existiam televisores preto e branco, a preocupação com as tonalidades das cores se fazia necessária, pois algumas cores como o vermelho e o preto imprimiam da mesma forma em P&B. "Eu nunca falei: vou ser diretor de arte. Comecei a fazer teatro no interior, como ator. Fiz dez anos de teatro amador e foi quando desenvolvi diversas habilidades, como atuar, dirigir, fazer iluminação, figurino e cenário. Vim para São Paulo fazer a Escola de Arte Dramática (EAD-USP) e casualmente fui convidado para ser assistente do Serroni na TV Cultura. Lá eu aprendi fazendo. Então passei para a televisão comercial, trabalhando como cenógrafo. Comecei com "Os imigrantes", uma novela que durou dois anos e foi uma grande escola, pois ela se passa em um período que durou cem anos. Pesquisei um século de Brasil e tinha de pesquisar hoje para executar o cenário amanhã. Depois fiquei fazendo por dez anos carnaval, sete como carnavalesco, e nesse meio tempo também fiz teatro e comercial. Eu não sou um especialista em direção de arte ou especialista em objetos. Às vezes me chamam de mago, pois faço de tudo: figurino, cenário etc. Eu não tenho o perfil de diretor de arte que trabalha em prancheta. Eu pego no batente, eu executo, eu ensino a executar. Eu tenho o lado do aderecista, do pintor de arte", conta Rossi.

A história de Luciano Angelini é completamente diferente. Foram seus trabalhos como artista plástico que o levaram a se tornar um diretor de arte a partir de 1990. Ele considera ainda que sua formação acadêmica e profissional em Engenharia Civil (FAAP) ajuda bastante no desenvolvimento de projetos cênicos. "Fica mais fácil projetar o espaço tendo pré-conhecimento das técnicas de como ele deverá (e poderá) ser construído." Elementos pictóricos não são nenhum mistério para alguém acostumado a lidar com pincéis, telas, tintas, cores e texturas. Por isso, há mais de dez anos, Angelini resolveu complementar seus conhecimentos estudando iluminação, técnicas de edição e informática. "Uni o útil ao agradável." E completa: "Na direção de arte de um evento posso dar asas à imaginação pois participo, inclusive, da criação do projeto que será apresentado para a empresa. Aí é arregaçar as mangas e usar tudo que a tecnologia oferece para prender a atenção dos participantes durante as apresentações, palestras e shows que integram o projeto".

O AVIADOR

Rossi sente-se mais confortável fazendo direção de arte para cinema. "Você tem mais liberdade. Na TV, e aí estou falando de publicidade, é o cliente quem manda. Você perde o domínio, porque você tem de vender o produto. Então eu chego, com todas as minhas idéias maravilhosas e o diretor fala: ‘Não! É só um plano fechado. Aqui eu só quero a reação do ator’. Aí resta um fundinho e você vai ter de fechar a sua criação neste fundinho. No cinema não, você tem de vender uma idéia e uma história que você concebeu, então tudo tem mais significado e aquilo é um todo com começo, meio e fim. O foco não está no produto, está no ser humano. Devido ao cinema ser mais denso e do espectador registrar com mais atenção a imagem, o produtor de design ou diretor de arte tem um papel muito mais acentuado do que na televisão. O cinema é muito mais realista do que o teatro. O cinema tem de ser hipernaturalista. O teatro é muito mais fake porque um pudim, por exemplo, pode ser feito de papel machê, já que está longe da platéia. No cinema, o pudim tem de ser pudim. Não dá para se fazer um mock-up de pudim, a não ser que seja muito bem feito."

Enfim, para trabalhar em direção de arte, é preciso ter a arte de misturar métodos, estilos e background na hora de dar a identidade visual a uma obra cênica.

Por Alessandra Meleiro (Tela Viva)

Cenários & Diretores de Arte

2008-03-02T07:52:00.027-03:00

As funções do diretor de arte numa produção abrangem um imenso leque
de atividades. Cada projeto tem sua identidade e para realizá-lo os profissionais
lançam mão dos mais diversos recursos.
Alessandra Meleiro

Croquis de William Cameron Menzies & Lyle Wheeler do Incêndio de Atlanta, Quarto de Scarlet e Bazar de Atlanta para o filme ...E O VENTO LEVOU

100 Cenários, 100 Diretores de Arte

100
Patrizia Von Brandenstein
"Amadeus" (1985)

99
Josie MacAvin
"Entre Dois Amores" (1985)

98
John Bryan
"Grandes Esperanças" (1947)

97
James Payne
"Um Golpe de Mestre" (1973)

96
Ira Webb
"O Fantasma da Ópera" (1943)

95
Gianni Quaranta
"Uma Janela Para o Amor" (1983)

94
Gene Allens
"My Fair Lady" (1964)

93
Edward Carrere
"Camelot" (1967)

92
Grant Major
"O Senhor dos Anéis" (2002, 2003, 2004)

91
Peter Young
"A Lenda do Cavaleiro Sem Cabeça" (1999)

90
Perry Ferguson
"A Estrela do Norte" (1943)

89
Marvin March
"A Família Addams" (1993)

88
Linda DeScenna
"A Cor Púrpura" (1985)

87
Hans Peters
"O Retrato de Dorian Gray" (1945)

86
Hal Gausman
"Os Intocáveis" (1987)

85
Anton Grot
"A Vida de Émile Zola" (1937)

84
Albert D'Agostino
"Soberba" (1942)

83
Albert Brenner
"2010" (1984)

82
Vincent Korda
"O Ladrão de Bagdã" (1940)

81
Raphael Bretton
"Alô, Dolly!" (1969)

80
Peter Lamont
"Titanic" (1997)

79
Nancy Haigh
"Bugsy" (1991)

78
Jack Moore
"Quatro Destinos" (1949)

77
Ian Whittaker
"Retorno à Howard Ends" (1992)

76
George Nelson
"O Poderoso Chefão II" (1974)

75
Ernst Fegte
"Gaivota Negra" (1945)

74
Angelo Graham
"O Poderoso Chefão II" (1974)

73
Harry Horner
"Desafio à Corrupção" (1961)

72
Angelo Graham
"Apocalipse Now" (1979)

71
Wiard Ihnen
"Wilson" (1944)

70
Robert Priestley
"Férias de Amor" (1955)

69
Gil Parrondo
"Nicholas & Alexandra" (1971)

68
William Kiernan
"Nosso Amor de Ontem" (1973)

67
Van Nest Polglase
"Cidadão Kane" (1941)

66
Richard Pefferle
"Madame Bovary" (1949)

65
Leland Fuller
"Laura" (1944)

64
Ted Haworth
"Sayonara" (1957)

63
Tambi Larsen
"A Rosa Tatuada" (1955)

62
Stephen Goosson
"Horizonte Perdido" (1937)

61
Julia Heron
"Spartacus" (1960)

60
Joseph Kish
"A Nau dos Insensatos" (1965)

59
James Basevi
"A Canção de Bernadette" (1943)

58
Dean Tavoularis
"O Poderoso Chefão II" (1974)

57
William Cameron Menzies
"Mulher Cobiçada" (1928)

56
Michael Ford
"Titanic" (1997)

55
Henry Bumstead
"Golpe de Mestre" (1973)

54
George Gaines
"O Céu Pode Esperar" (1978)

53
Gene Callahan
"America, America" (1963)

52
Dario Simoni
"Doutor Jivago" (1965)

51
Vernon Dixon
"Oliver!" (1968)

50
John Meehan
"20000 Léguas Submarinas" (1954)

49
Lionel Banks
"Ana dos Mil Dias" (1969)

48
Jack Otterson
"Louca Por Música " (1938)

47
Frank McKelvy
"Terremoto" (1974)

46
Darrell Silverar
"Cidadão Kane" (1941)

45
Carroll Clark
"Mary Poppins" (1964)

44
Francesca Lo Schiavo
"Hamlet" (1990)

43
William Horning
"Gigi" (1958)

42
Preston Ames
"Sinfonia em Paris" (1951)

41
Leslie Dilley
"Os Caçadores da Arca Perdida" (1981)

40
Ken Adam
"As Loucuras do Rei George" (1994)

39
Robert Clatworthy
"A Nau dos Insensatos" (1965)

38
Edward Boyle
"Se Meu Apartamento Falasse" (1960)

37
Dante Ferretti
"O Aviador" (2004)

36
Urie McCleary
"Pattom, Rebelde ou Herói?" (1970)

35
Stuart Reiss
"O Diário de Anne Frank" (1959)

34
Richard Sylbert
"Dick Tracy" (1990)

33
Norman Reynolds
"Star Wars" (1977)

32
Keogh Gleason
"Sinfonia em Paris" (1951)

31
Howard Bristol
"Ídolo, Amante e Herói" (1942)

30
Arthur Krams
"Lili" (1953)

29
Russell Gausman
"Spartacus" (1960)

28
William S. Darling
"A Canção de Bernadette" (1943)

27
Walter Tyler
"Os Dez Mandamentos" (1956)

26
Boris Leven
"Amor, Sublime Amor" (1961)

25
Emile Kuri
"20000 Léguas Submarinas" (1954)

24
Stuart Craig
"O Paciente Inglês" (1996)

23
John Box
"Lawrence da Árabia" (1962)

22
Jack Martin Smith
"Viagem Fantástica" (1966)

21
Joseph Wright
"Minha Namorada Favoríta" (1942)

20
Edward Carfagno
"Ben-Hur" (1959)

19
Henry Grace
"Gigi" (1958)

18
Paul Groesse
"Virtude Selvagem" (1946)

17
John DeCuir
"Alô, Dolly!" (1969)

16
Roland Anderson
"Bonequinha de Luxo" (1961)

15
Ray Moyer
"Crepúsculo dos Deuses" (1950)

14
George James Hopkins
"My Fair Lady" (1964)

13
Hugh Hunt
"Ben-Hur" (1959)

12
Paul S. Fox
"O Rei e Eu" (1956)

11
George W. Davis
"O Manto Sagrado" (1953)

10
Alexander Golitzen
"O Sol é Para Todos" (1962)

9
Hal Pereira
"A Rosa Tatuada" (1955)

8
Hans Dreier
"Sansão & Dalila" (1950)

7
Walter M. Scott
"Cleópatra" (1963)

6
Thomas Little
"A Malvada" (1941)

5
Richard Day
"Um Bonde Chamado Desejo" (1951)

4
Sam Comer
"Crepúsculo dos Deuses" (1950)

3
Lyle Wheeler
"...E o Vento Levou" (1939)

2
Edwin Willis
"Assim Estava Escrito" (1952)

1
Cedric Gibbons
"Sinfonia em Paris" (1951), "Flores do Pó" (1941), "À Meia Luz" (1944),
"Júlio Cesar" (1953), "Quatro Destinos" (1949), "Orgulho e Preconceito" (1940),
"Marcado Pela Sarjeta" (1956), "Assim Estava Escrito" (1952),
"A Ponte do Rio São Luis"(1928), "A Viúva Alegre" (1934)
& mais 40 Indicações ao OSCAR em mais de 1000 filmes!

Max Von Sydow morre na página 25

2008-02-29T10:04:00.003-03:00

Porto: Max Von Sydow teve 13 vidas no cinema agora órfão de Ingmar Bergman, mas essa "experiência" não é um daqueles casos em que o cinema é maior do que a vida. É um daqueles casos em que a vida é maior que o cinema. 51 anos depois dO SÉTIMO SELO, o filme em que Bergman o coloca jogando xadrez com a morte e... conseqüentemente perder (mas bem depois da página 25), ainda não lhe aconteceu nada insubstituível nessa iconografia, apesar de trabalhar com John Huston (CARTA AO KREMLIN e FUGA PARA A VITÓRIA), Sydney Pollack (OS TRÊS DIAS DO CONDOR), Steven Spielberg (MINORITY REPORT - A NOVA LEI), David Lynch (DUNA), Wim Wenders (ATÉ O FIM DO MUNDO), Lars Von Trier (EUROPA), Bertrand Tavernier (LA MORT EN DIRECT) e Woody Allen (HANNAH E SUAS IRMÃS).

Woody Allen? “Foram duas semanas. Não é possível comparar duas semanas de Woody Allen com 20 anos de Bergman. Não seria justo”. Julian Schnabel (fizeram O ESCAFANDRO E A BORBOLETA no ano passado)? “Sim, um diretor magnífico, mas de novo: foi um dia de trabalho. Não posso comparar Bergman com nada. Foi o único cineasta com quem trabalhei continuamente. Fui terrivelmente mimado”.

Tem 78 anos, agora, na vida real (nasceu em 10 de Abril em Lund, na Suécia). Teve 92 anos em O ESCAFANDRO E A BORBOLETA. É um velho, e este cinema não é para velhos: “Que papéis me oferecem nesses dias? Avós - pais, na melhor das hipóteses. E os avós estão sempre muito doentes no início do filme e depois morrem na página 25”. Não foi o cinema de Bergman (de quem também foi avô, em AS MELHORES INTENÇÕES, de Bille August) que fez dele um velho. Mas foi o cinema de Bergman que fez dele um ator “impressionantemente alto e impressionantemente estrangeiro: Em 1957 eu entrei num filme de Bergman e Hollywood percebeu minha existência. E em Hollywood eu sempre fui o estrangeiro. Os estrangeiros dão bons vilões com sotaques sinistros. Eu dei um bom vilão”.

Também deu um bom padre: “Trabalhei com o Bergman e os americanos olharam para aquilo e disseram: Ah... Um diretor sueco... Sério... Religioso... E este ator... Dá um ótimo cruzado... O que aconteceu depois? Me convidara para fazer Jesus e assim foi em A MAIOR HISTÓRIA DE TODOS OS TEMPOS. E depois os produtores sem muita imaginação e preocupados em não perder dinheiro, optam sempre pelo seguro: Se precisarem de um padre, procuram atores que já fizeram padres, de preferência com algum sucesso, e encontram Max Von Sydow. E então o Max Von Sydow faz cruzado, Jesus, padre, bispo, papa e vigário. Tive de pôr um ponto final nisso. Há algum tempo que deixei de aceitar papéis desses". Há algum tempo, mesmo: Em 1982, já não quis ser o bispo de FANNY E ALEXANDER (e agora lamenta não ter aceitado).

Max Von Sydow esteve completamente "em casa" no cinema de mulheres que foi o cinema de Ingmar Bergman - tão completamente que Bergman o chamou para participar nos três filmes que rodou na ilha de Faro (A HORA DO LOBO, VERGONHA E A PAIXÃO DE ANA), onde foi viver a perfeita vida sueca depois de esvaziar o apartamento de Estocolmo.

E aconteciam coisas nessas filmagens que nem ele nem Bergman conseguiam explicar: "São matérias que se movimentam num nível muito irracional: Era uma relação de trabalho, mas também era uma relação de amizade. E também era uma questão de profunda admiração. É difícil falar sobre isso, foi demasiado importante para mim. Particularmente durante os 20 anos que passamos juntos, mas também agora, a esta distância. Eu me fiz ali”, explica.

Ainda hoje, meio ano depois da morte de Bergman, há coisas que parecem de fato carne da mesma carne e sangue do mesmo sangue. Bergman disse uma vez: “Nós Tínhamos uma relação enigmática. Ele foi tremendamente importante para mim. O exibicionismo que há agora nos filmes vai passar. Com o tempo, as pessoas voltarão a respeitar o desprendimento sutil que há entre Max e os meus loucos. Se esse desprendimento não existisse, os meus filmes teriam sido insuportáveis. Isto é cinema: um ator não tem de ser um louco, tem de agir como um louco". Agora, Max Von Sydow falou e voltamos a ouvir a voz de Bergman: “Tanto me faz ser o bom ou o vilão. Não temos de gostar das personagens que representamos: O ator não é aquela pessoa, apenas age como ela”.

Ser um homem naquele cinema de mulheres “não era assim tão diferente de ser um homem na vida real”: Estar naquele cinema é que era “diferente”: “Ele tinha uma extraordinária capacidade de conseguir que os atores e equipe fossem entusiastas do projeto. E tinha também uma disciplina de trabalho muito rígida, com a qual acho que todos aprendemos, e que é profundamente produtiva para este tipo de trabalho - e que era determinante do teatro”.

Max Von Sydow e Ingmar Bergman conheciam-se desde outro mundo mais radical e mais primitivo - Bergman o viu em A ROSA TATUADA, de Tennessee Williams, numa produção do Teatro Municipal de Helsinborg, e quis trabalhar com ele imediatamente. “Não sei porquê, mas por alguma razão eu não me via como ator de cinema. Já tinha feito dois ou três filmes (o primeiro em 1949), mas mantive-me nos teatros municipais por mais nove anos. Quando decidi ser ator, decidi ser ator de teatro". E foi, contra a ordem natural das coisas: “Cresci numa pequena cidade no Sul da Suécia onde havia um ou dois cinemas, mas nenhum teatro. Não era uma coisa que interessasse aos meus pais: eram muito antiquados. O meu pai tinha 50 anos quando eu nasci. Era um professor universitário, e tenho certeza de que tinham planejado para mim uma coisa dessas, uma carreira acadêmica. Mas quando eu tinha 14 anos, uma cidade vizinha abriu um grande e moderno teatro municipal e a escola onde estudava, levou os alunos para ver SONHOS DE UMA NOITE DE VERÃO. Para mim foi uma revelação total”.

Ainda prefere o teatro - já não tem é disciplina. “Sou demasiado preguiçoso. Não quero ficar preso a um projeto que me obrigue a estar no mesmo lugar meses a fio. Uma peça bem-sucedida pode ficar em palco para sempre. É tempo demais. Nessa fase prefiro estar dois dias num filme e depois reconquistar a liberdade”, admite.

E assim vai... Dois dias no Porto (sempre com a mulher, a francesa Catherine Brelet). Mais dois em Santiago de Compostela, mais dois em Nova Iorque onde Martin Scorsese tem planos para ele (Quais? “Ainda não posso falar sobre isso”). Amanhã, quando começar uma retrospectiva em sua homenagem no Festival Internacional de Cinema do Porto (Portugal), ele já estará do outro lado do mundo, já sabendo em que página morre no cinema de Scorsese.

>>>Leia a crítica dO SÉTIMO SELO aqui!
>>>Leia a crítica dO ESCAFANDRO E A BORBOLETA aqui!

A vida pulsante dos salões de baile

2008-02-27T08:10:00.006-03:00

Antes mesmo de CHEGA DE SAUDADE ser um projeto bem definido, uma coisa já era certa para a diretora Laís Bodanzky: O seu segundo longa-metragem se passaria num universo tão presente na narrativa que, de pano de fundo, se converteria em personagem.

Na entrevista abaixo, a cineasta conta como foi atraída pelos salões de baile e relata a complexidade enfrentada numa produção em que a dança e a música são elementos protagonistas. Laís também fala sobre o ângulo feminino predominante no filme, entre outros temas:

Spoiler: Quais são as principais características de CHEGA DE SAUDADE?
Laís Bodanzky: A meu ver este filme é feminino, e se relaciona muito com este público. Aborda questões universais, mas de um ângulo próprio das mulheres. Trata de situações alegres e dolorosas. Quem vai ao baile em busca de um par entra no jogo da vida, marcado por situações ambíguas e sentimentos conflitantes. Você ganha, você perde. E para ganhar, muitas vezes tem de ceder em algo. Neste contexto, existe a verdade da esposa, e a verdade da amante. A razão da casada, e a da solteira. A vantagem da arrojada e a da tímida. Sem certo e errado. O benefício desta aposta é que estas pessoas conquistam a chance de terem momentos felizes.

Spoiler: Que tipo de baile o filme mostra?
Bodanzky: O filme contém características de diversos salões de bailes. Há ingredientes tanto dos chamados bailes da terceira idade – que na verdade são freqüentados por pessoas dos 30 e 40 anos em diante – quanto de outras casas de forró, brega e samba-rock onde o público é mais jovem. Nosso salão é como a cidade de São Paulo, que é uma salada cultural, que tem representantes de várias regiões do país e do mundo convivendo em harmonia. Isso, pra mim, é lindo. Pode ter japonesa dançando com negro; ruivo europeu paquerando uma senhora de traços indígenas...

Spoiler: Você se identifica, em algum nível, com os freqüentadores dos bailes?
Bodanzky: Eu sou fruto desta mistura. Minha mãe nasceu na Bahia e meu pai em São Paulo. Mas ele aprendeu a falar alemão antes do português. Meus avós paternos vieram da Áustria um pouco antes da Segunda-Guerra. Além disso, sempre gostei de dançar. Fiz aula de bale clássico e jazz. Sou de uma geração que recuperou o gosto pelos bailes. Peguei uma boa fase do brega e forró. Freqüentei casas na Vila Madalena em que a gente dançava ao som ao vivo do Waldick Soriano. Nesta época sentia a mesmo frisson que descobri nos bailes tradicionais.

Spoiler: Foi aí que você notou um mundo pródigo em personagens?
Bodanzky: Pois é, este universo extremamente rico me deu a oportunidade de rodar numa locação-personagem, e fazer um filme de personagens. Eu tinha o desejo de filmar num ambiente que de tão característico é parte integrante, e talvez principal, dos acontecimentos. E que é determinante para o desenho das demais personagens.

Spoiler: Como foi trabalhar com um elenco que mistura nomes históricos e novas estrelas?
Bodanzky: Foi muito prazeroso, além de ser uma honra propiciar para parte do público a redescoberta de grandes atores. Todos atenderam ao convite com entusiasmo e se mostraram completamente disponíveis. Com a Tônia Carreiro e o Leonardo Villar fizemos várias leituras de roteiro. Com o Stepan Nercessian e a Cássia Kiss fomos a alguns bailes, para observar os dançarinos. Com o Paulo Vilhena e a Maria Flor houve mais espaço para experimentação e improviso. Foi um processo muito instigante.

Spoiler: E a convivência com os freqüentadores dos salões que participaram do filme?
Bodanzky: Foi sensacional. Trabalhamos com 150 pessoas que fizeram não apenas figuração. Nós o definimos como elenco de apoio porque eles foram essenciais para conferir ao filme a áurea e a alma dos salões de baile. Eles dançaram durante toda a filmagem, sem ler roteiro, se dedicando exclusivamente a bailar. Vestiram as próprias roupas que costumam usar nos salões. Demonstraram uma vitalidade impressionante!

Spoiler: Que impressões o universo dos salões lhe causa?
Bodanzky: O espírito dos bailes é carregado de uma mentalidade adolescente, só que sem a ansiedade da adolescência. Este é um estado de espírito muito legal. São pessoas que em geral têm problemas e sofrimentos da vida, mas não perderam a alegria, não entregaram os pontos. O ato do baile também é muito interessante porque é uma maneira de você se expressar na vida pela dança e pela música. Todos dançam muito bem. Quem freqüenta baile, adora dançar.

Spoiler: O baile é um ambiente transgressivo?
Bodanzky: Sim, mas uma transgressão madura. Eles não querem guerra, briga. Querem continuar conectados com a energia de vida. Com a libido pulsante. E uma libido sublimada pela música e pela dança. Muitas mulheres resolvem sua libido sem precisar ir para a cama com os homens. Na sensualidade da dança, na paquera, no olhar. Isso alimenta a libido, que está viva e com carga máxima, alimentada por meio de uma expressão artística.

>>>Leia a crítica no SPOILER MOVIES

Notas de uma Teerã Cult

2008-02-27T08:03:00.005-03:00

As autoridades iranianas dizem que é antiiraniano. Marjane Satrapi diz que é pró-iraniano e não é possível não gostar do Irã vendo PERSEPÓLIS. É hilariante: Tem um “cover” de “Eye of the Tiger”. É terrível: Tem execuções, guerra. A protagonista é valente e covarde, deprimida e eufórica.

Há uma semana, dia 12 de Fevereiro, cerca de 70 pessoas encheram o pequeno centro cultural Ressaneh, em Teerã. Dois dias depois, mais 70 pessoas “apertaram-se” – o verbo é da Agência France Press - para caber lá dentro. E foi assim que uns 140 iranianos assistiram à projeção de um DVD.

Esse DVD continha o que muita gente chama uma autobiografia, mas a autora, Marjane Satrapi, prefere chamar autoficção. Nascida em 1969 no Irã, é tetraneta de um príncipe Qajar (mas, como ela própria diz, francamente, os reis Qajar tinham centenas de mulheres e milhares de filhos, que multiplicados pelos filhos que tiveram devem ter dado uns 15 mil príncipes, um deles pai da bisavó da mãe de Marjane).

Esta autoficção não recua tanto no tempo. Concentra-se entre 1978 e 1994, ou seja, é Marjane dos 10 aos 24 anos, desde as vésperas da revolução islâmica até à ida para França. E foi em França que a sua biografia se transformou em autoficção. Recém-chegada a Paris, Marjane contava tantas aventuras da infância no Irã aos amigos desenhistas de HQ que eles lhe disseram para fazer uma própria HQ, para ver se ela ficava um pouco quieta (claro que esta é a versão dela). Marjane fez mesmo e PERSEPÓLIS, em quatro volumes, tornou-se um sucesso mundial (recentemente a revista “Les Inrockuptibles” colocou-o em 5º lugar no seu suplemento de 100 melhores Hqs de todos os tempos).

Depois lhe propuseram que transformasse os livros num filme de animação, e, com Vincent Paronnaud a co-dirigir, Marjane mergulhou de cabeça. Chiara Mastroianni e Catherine Deneuve, que no filme fazem as vozes de Marjane e da sua mãe, vêem-na como Marjane, a Brava. Deneuve já tinha lido os livros, admirava Satrapi, e aceitou logo, quando a iraniana lhe telefonou para fazer a mãe da personagem. Ao saber disto, Chiara, que também lera os livros e ficara fã da auto-ironia de Satrapi, telefonou-lhe a pedir para fazer um teste de voz.

Além dos seus outros talentos, Chiara ficará assim imortalizada pela mais humana “cover” do “Eye of the Tiger” - “tam! tam-tam-tam!… Risin´up, back on the street…” -, um esplendor de desafinação que não existe no livro. A propósito, quem leu os livros, talvez note que Deneuve está um pouco austera demais, mas Chiara - Marjane adolescente e adulta - é maravilhosa.

As vozes foram gravadas antes dos desenhos serem feitos, para adequar os desenhos às vozes, o que obrigou a um trabalho intenso entre Satrapi e os atores. Deneuve diz que Satrapi sabia o que queria, e ainda assim lhe deixou toda a liberdade. Chiara diz que Satrapi não tem medo de nada, é a liberdade sem convenções. A outra mulher do filme é Danièlle Darrieux, em quem Satrapi pensou logo para avó, e pensou bem.

A formidável avó - que também é protagonista de outra HQ de Satrapi, “Broideries” - é uma das grandes personagens de PERSEPÓLIS e só por ela vale toda uma imagem do Irã além do clichê, desde as flores de jasmim no sutiã para cheirar gostoso, a desdramatização do divórcio porque o primeiro casamento é um ensaio para o segundo, e de resto os homens que a fizerem sofrer, explica ela à neta, são uns parvalhões.

Em Teerã, o filme passou em DVD e não em película porque é improvável que seja autorizado a estrear nas salas. Quem lá estava, acredita que aquela foi à única oportunidade “legal” de ver PERSEPÓLIS. Antiirariano demais, citou algumas autoridades.

Um dos espectadores de Teerã, citados pela AFP, um estudante, corrigiu: “Antiiraniano, não, antigovernamental”, e vários outros elogiaram o filme. Mas não se pode dizer que tenham visto tudo o que os demais espectadores verão, dado que a versão exibida foi “censurada” em algumas cenas de conteúdo sexual “. Um Teerã-cut, portanto.

As notícias não referem cortes de outro tipo, sendo que os conteúdos políticos - os milhares de presos e executados pela revolução islâmica, o milhão de mortos na guerra Irã-Iraque, o constante vigiar e punir dos costumes e da liberdade de expressão - são mais significativos em PERSEPÓLIS do que o “conteúdo sexual” - uns beijos, conversas de mulheres sobre dormir com homens e palavras como “pinto” e “seios”, aliás ditas pela avó (que dá uma receita para manter o peito rijo mergulhando-o em água com gelo, dez minutos, todos os dias).

O centro cultural onde o filme passou faz parte de uma rede criada por um antigo presidente da câmara considerado um moderado, que nos anos 90 ajudou a divulgar cultura alternativa e hoje está menos dinâmico. Os responsáveis do centro explicaram que quiseram projetar PERSEPÓLIS porque “quando um filme não é mostrado, as pessoas imaginam todo o tipo de coisas”. Esteve lá um crítico de cinema considerado conservador, Hussein Moazzezinia, que por um lado elogiou as qualidades técnicas e o roteiro, mas por outro, criticou a “visão parcial” de Satrapi, considerando que ela “foi seletiva ao omitir certos fatos, tornando seu filme pouco fiável e desonesto”. E concretizou: “Não podemos ignorar que milhões de pessoas aprovaram o ”imam” [Khomeini]. Não é verdadeiro dizer que a revolução foi feita refém por uma minoria”.

Em Cannes, foi ovacionado em pé e conta-se que Stephen Frears, presidente do júri, ficou em lágrimas. De certo, também riu. Aí, entre o humor e a angústia, livro e filme estão quites. Marjane Satrapi vive na França desde 1994, e a última vez que esteve no Irã foi em 2000. Em 2004, numa entrevista, tentou expressar em palavras as saudades que tinha do país natal: “Tudo, tudo. A começar pelas montanhas que rodeiam Teerã. Mas do que sinto mais falta é do sentido de humor iraniano. As piadas que mais me fazem rir são as iranianas. O apocalipse pode acontecer no Irã que no dia a seguir há piadas acerca desse apocalipse. E as pessoas… têm uma generosidade que nunca, nunca vi em parte alguma do mundo”.

Os Spoilers 2008

2008-02-22T20:10:00.002-03:00

Melhor Filme
ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ | Paramount Classics

Melhor Diretor
Ethan & Joel Coen | ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ

Melhor Ator
Daniel Day-Lewis | SANGUE NEGRO

Melhor Atriz
Julie Christie | LONGE DELA

Melhor Ator Coadjuvante
Javier Bardem | ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ

Melhor Atriz Coadjuvante
Amy Ryan | MEDO DA VERDADE

Melhor Roteiro Original
JUNO

Melhor Roteiro Adaptado
SANGUE NEGRO

Melhor Direção de Arte
SANGUE NEGRO

Melhor Fotografia
SANGUE NEGRO

Melhor Figurino
DESEJO E REPARAÇÃO

Melhor Edição
ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ

Melhor Maquiagem
PIAF

Melhor Trilha Musical
DESEJO E REPARAÇÃO

Melhor Mixagem de Som
TRANSFORMERS

Melhor Edição de Som
TRANSFORMERS

Melhor Efeitos Visuais
TRANSFORMERS

Melhor Canção
"Falling Slowly" | ONCE

Melhor Filme de Animação
RATATOUILLE

Melhor Filme Estrangeiro
O ESCAFANDRO E A BORBOLETA | França

Melhor Documentário em Longa-Metragem
NO END IN SIGHT

Melhor Documentário em Curta-Metragem
FREEHELD

Melhor Animação em Curta-Metragem
MY LOVE | Aleksandr Petrov

Melhor Curta-Metragem
SALIVA | Emir Filho

Melhor Elenco
ANTES QUE O DIABO SAIBA QUE VOCÊ ESTÁ MORTO

Jovens astros que se tornaram ícones pela morte: James Dean, Kurt Cobain... e Heath Ledger?

2008-02-20T06:50:00.004-03:00

Viva intensamente, morra jovem, torne-se imortal.

Bem, talvez não.

Nesta era acelerada e de Internet global, a trajetória tradicional para alcançar o status de figura cult após a morte está mudando.

Enquanto os fãs em luto declaram o ator jovem Heath Ledger "o James Dean de sua geração", há questionamentos. Estaremos falando de Ledger no futuro como ainda falamos sobre Dean -que morreu há mais de 50 anos?

A morte de Ledger foi diferente da de Dean, apesar de não menos comovedora. O australiano de 28 anos foi encontrado no dia 22 de janeiro em seu apartamento em Nova York por sua faxineira e sua massagista. A causa não foi determinada.

Não há mistério sobre como Dean morreu. De fato, foi seu final fora de hora em 1955 que marcou o ponto de nascimento da cultura de celebridade americana, diz Chris Epting, autor de "James Dean Died Here" e de outros livros sobre os locais e artefatos da cultura popular americana.

Com apenas 24 anos e três papéis no cinema, Dean morreu em uma estrada solitária da Califórnia após uma colisão de frente em seu Porsche. Seis meses depois, seu terceiro filme, "Rebelde sem causa" foi lançado, causando sensação, especialmente entre os jovens. Dean ascendeu ao status de cult que perdura até hoje.

"Heath Ledger é uma das primeiras pessoas ao estilo Dean a morrer na era da Internet, então sua morte será um teste para ver quanto tempo a Net abanará esta chama", diz Epting. "Será interessante ver: será imortalizado ou a próxima grande coisa o suplantará totalmente em algumas semanas?"

Karal Ann Marling, por exemplo, acha que sim. Professora de estudos americanos e cultura popular da Universidade de Minnesota, Marling acredita que é natural todo mundo se sentir triste com a morte de um jovem, famoso ou não. Mas o grande interesse na morte de Ledger em breve esmaecerá, prevê.

"Eles não vão erguer um busto dele no Grifftih Park" em Los Angeles, diz Marling. "Isso é mais sobre celebridade e diversão -o país é tão louco por celebridades que quase qualquer coisa que uma celebridade faça vale uma notícia, e a maior parte 'disso' é uma forma de evitar a política."

Ser jovem, ter boa aparência e estar morto, apesar de trágico, não é sempre suficiente para garantir que a pessoa perdurará na consciência pública. Veja Brad Renfro, jovem ator encontrado morto com 25 anos em seu apartamento de Los Angeles uma semana antes de Ledger. Renfro (que começou quando criança), tinha mais filmes que Ledger, mas sua carreira estava empacada -e sua morte passou praticamente despercebida.

É um debate de bar argumentar quem pertence ao panteão da cultura popular permanente e quem não. A lista de "figuras do entretenimento" que inegavelmente pertencem ao panteão é relativamente curta: além de James Dean e Marilyn Monroe, inclui Elvis Presley, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Marley, Jim Morrison, John Belushi, John Lennon, Kurt Cobain.

"Há algo de místico, alguma magia sobre eles, porque nem todo mundo sabia tudo sobre eles quando eram vivos", diz Lynn Bartholome, do Colégio Comunitário Monroe em Rochester, Nova York, presidente da Associação de Cultura Popular -acadêmicos que estudam a cultura americana.

A lista daqueles sobre quem há dúvidas é maior: Freddie Prinze, Tupac Shakur, Buddy Holly, River Phoenix, Ritchie Valens, John Candy, Phil Hartman, Brandon Lee, Cass Elliot, Keith Moon, Brian Jones, Hank Williams, Selena.

Na Internet, as listas compiladas por várias pessoas que ligam para essas coisas são intermináveis. Uma equipe de pesquisadores no Reino Unido até fez um estudo sobre a fama e a morte prematura. Os pesquisadores da Universidade John Moores, em Liverpool, avaliaram 1.064 astros do rock e pop norte-americanos e britânicos -100 dos quais tinham morrido cedo- e concluíram que há mais do que o dobro de probabilidade da pessoa morrer cedo com a chegada da fama, segundo publicaram em uma revista de epidemiologia no ano passado.

Então quem fica entre os imortais, e por quê?

Ajuda ser um pouco excêntrico. Ajuda ter uma alma torturada, demônios pessoais, problemas com pílulas ou álcool ou comportamento ilegal. Principalmente, ajuda ter seguidores apaixonados "antes" da morte -como Dean e Monroe, diz Patrícia King Hanson, historiadora do Instituto de Cinema Americano. Ambos tinham forte conexão com o público, especialmente com os jovens, que respondiam às notas de vulnerabilidade e tragédia que mostravam em tela e em suas vidas pessoais.

"Nenhuma pessoa é lançada à grandeza só pela morte", diz Hanson. "É um certo tipo de pessoa que parece atrair seguidores e apenas por virtude de sua morte parece expandir. As pessoas ficam com uma imagem maquiada deles -sempre jovens e sempre vibrantes.

"O sujeito feliz sem problemas que morre cedo não vira cult."

A Internet apressa e espalha a reação a alguma coisa como a morte de Ledger, mas pode sumir igualmente de maneira rápida. "É um mini-cult e é muito temporário", diz ela. "Talvez em três meses não haverá tanto".

Epting acha que é cedo para dizer, mas se pergunta se a morte de Ledger terá o poder de perdurar. "Meu filho tem 14 anos e freqüenta uma escola pública no Sul da Califórnia. Ele me conta sobre os jovens afetados com isso. Eles captaram aquele sentimento solitário, que Ledger era torturado em sua vida pessoal, que era marginalizado, que fazia seus papéis com seriedade."

Há algumas similaridades entre Dean e Ledger.

Como Dean, Ledger era jovem e sensual, com meia dúzia de papéis no cinema, uma nomeação ao Oscar por um papel transcendental (BROKEBACK MOUNTAIN) e uma atuação potencialmente memorável como um Coringa especialmente maldoso no novo filme de Batman que ainda será lançado. (Dean recebeu duas nomeações, por seu primeiro papel em VIDAS AMARGAS [1955] e por ASSIM CAMINHA A HUMANIDADE [1956]; ele foi o primeiro a receber nomeações póstumas.)

Diferentemente de Dean, Ledger era pai há pouco tempo; sua filha tem dois anos. Ledger também morreu em uma era da mídia de cerco às celebridades. Minutos depois, a cobertura tornou-se global; o choque, palpável. Sua família na Austrália soube que estava morto junto com todo mundo; hoje em dia, não há tempo para a amenidade de notificar os parentes antes de a notícia chegar ao mundo.

Diante de seu apartamento no SoHo, multidões se reuniram, tributos fluíram pelos blogs e websites e buquês de flores e outras lembranças empilharam-se na porta do prédio após retirarem seu corpo.

"Sempre teremos orgulho de você, Heath. Descanse em paz, amigo", dizia uma mensagem em uma impressão da bandeira australiana.

Até hoje, as pessoas ocasionalmente deixam tributos diante da boate Viper Room, no Sunset Boulevard em West Hollywood, onde o jovem ator River Phoenix morreu de overdose aos 23, em 1993.

"Esses lugares vão se tornando templos, e acho que (a porta do prédio de Ledger) será um altar por um tempo", diz ele.

Será que O CAVALEIRO DAS TREVAS, último filme de Ledger, vai acabar sendo seu "Rebelde Sem Causa", levando-o à fama duradoura? Talvez, mas em uma era em que mais jovens freqüentadores de cinema vêem filmes em iPods e iPhones, será que poderão se conectar com aquelas imagens minúsculas da mesma forma que seus avós se ligaram a Dean em telas prateadas gigantes, questiona Epting.

É útil lembrar que a imortalidade não é assegurada mesmo quando há confrontos no funeral. Lembra-se de Rudolph Valentino? Antes de Dean, a morte mais memorável de Hollywood tinha sido a do astro do cinema mudo italiano, conhecido como "amante latino", que morreu em Nova York em 1926 aos 31, depois de uma operação de úlcera que deu errado.

A reação foi cataclísmica: uma multidão de 100.000 pessoas apareceu para o funeral carnavalesco em Nova York, tentando ver o corpo na capela Frank E. Campbell (mesmo lugar para o qual o corpo de Ledger foi levado antes da família levá-lo de volta para a Austrália). Quando o corpo de Valentino foi levado de trem para o enterro em Hollywood, milhares viram-no passar, e milhares estavam lá no Hollywood Memorial Park quando quilos de flores caíram de um avião.

Foi um show e tanto, amplamente coberto pela mídia na época. Ainda assim, quantas pessoas ainda falam de Valentino hoje?

Como diz Bartholome sobre o lugar de Ledger na mente pública: "Muito poucos chegariam ao panteão hoje, e isso é por causa da mídia e por causa da Internet -simplesmente sabemos demais sobre pessoas demais."

Por Maria Puente - USA Today

Foi Berlim

2008-02-20T06:49:00.000-03:00

Entre o fascista e o liberal, Berlim consagra todos...

2008-02-17T08:30:00.003-03:00

Berlim: TROPA DE ELITE, o controverso filme de José Padilha, venceu o Urso de Ouro, prêmio máximo do 58.º Berlinale. Se TROPA DE ELITE foi considerado "fascista" por alguns, o Urso de Prata, STANDARD OPERATING PROCEDURE, de Errol Morris (Primeiro documentário em concurso de Berlim nos 58 anos de existência da competição), foi denunciado por outros como “liberal” demais.

Também premiados, SANGUE NEGRO, de Paul Thomas Anderson (Único filme com dois ursos - melhor Diretor e Melhor Trilha Musical - Jonny Greenwood); a atriz inglesa Sally Hawkins (Melhor Atriz em HAPPY-GO-LUCK); o ator iraniano Reza Najie (Melhor Ator em THE SONG OF SPARROWS); e os diretores Wang Xiaoshuai (Melhor Roteiro por IN LOVE WE TRUST) e Fernando Eimbcke (Menção Honrosa por LAKE TAHOE).

OS prêmios concedidos pelo júri composto por Costa-Gavras, pelas atrizes Diane Kruger e Shu Qi, pelo editor Walter Murch, pelo cenógrafo Uli Hanisch e pelo produtor Aleksander Rodnianski manteve a habitual tendência de Berlim em evitar prêmios "óbvios" especulados pela critica e escolher um Urso de Ouro “fora do baralho”, ao mesmo tempo em que fragmentou os prêmios, premiando a maior parte do bom cinema exibido na capital alemã.

TROPA DE ELITE, primeiro longa de ficção do documentarista José Padilha, conta em moldes de filme de “ação americana” o cotidiano do grupo de operações especiais antidroga da polícia do Rio de Janeiro, e foi mal recebido pela crítica presente em Berlim (a "bíblia" da indústria que é a Variety chamou-lhe "um filme de recrutamento fascista").

O mesmo destino, embora por razões opostas, de STANDARD OPERATING PROCEDURE: A maior parte da imprensa apontou o dedo ao respeitadíssimo documentarista Errol Morris por o seu filme sobre soldados responsáveis pelos abusos de Abu Ghraib não trazer nada de novo ao debate sobre o Iraque, e até por intercalar reconstituições estilizadas dos fatos. Nenhum deles era considerado uma aposta para prêmios.

No entanto, se os prêmios principais desiludiram a crítica, ninguém protestou contra a "dobradinha" de SANGUE NEGRO, com Paul Thomas Anderson sagrado melhor diretor e Jonny Greenwood, do Radiohead, a sublinhar os lados barrocos, operativos, quase visionários do projeto.

Também razoavelmente unânime foi a atribuição do prêmio de melhor atriz à britânica Sally Hawkins pela sua interpretação de uma educadora de infância só aparentemente "cabeça-no-ar" em HAPPY-GO-LUCK. Hawkins era, a par de Tilda Swinton, a favorita da imprensa presente, ao contrário do iraniano Reza Najie, cuja vitória em Melhor Ator por THE SONG OF SPARROWS apanhou de surpresa aqueles que esperavam a coroação de Daniel Day-Lewis.

Dos grandes filmes vistos em Berlim este ano, os dois melhores partem infelizmente de mãos vazias, BALLAST, de Lance Hammer e SPARROW, de Johnnie To, mas os restantes acabaram contemplados de alguma forma, mesmo como consolação.

A cerimônia decorreu no Theater Potsdamer Platz a portas fechadas, perante 1600 convidados, com transmissão em simultâneo no canal de televisão ZDF/3sat e no site na Internet do festival.

Após a entrega dos prêmios, Berlim 2008 encerrou oficialmente com a projeção da comédia de Michel Gondry, BE KIND REWIND, com Jack Black, Mos Def e Danny Glover, sobre uma locadora de vídeos VHS que substitui os originais por versões caseiras.

Tão perto, tão longe

2008-02-16T07:49:00.004-02:00

Berlim (Dia 9): É preciso esperar pelo último filme exibido em competição oficial - e é mesmo, cronologicamente, o último - para encontrar um cineasta novo. Novo, no sentido de assinar o seu primeiro filme e de, ao fazê-lo, propor uma linguagem própria e uma identidade perfeitamente definida.

Mais: Lance Hammer é um cineasta americano formado no sistema de produção dos grandes estúdios (como diretor artístico) e "apadrinhado" por gente que fez carreira na indústria (o produtor Mark Johnson, durante muitos anos sócio de Barry Levinson, o realizador de RAIN MAN, e o diretor Andrew Adamson, autor do primeiro SHREK e de AS CRÔNICAS DE NÁRNIA). Mas o que faz um filme que recebeu o prêmio de "excelência em direção" em Sundance 2008 e que a crítica tem identificado com o realismo social dos irmãos Dardenne ou com a austeridade de Carlos Reygadas?

BALLAST é tecnicamente um filme independente americano e criativamente um filme europeu. Pega numa história que, contada no modo narrativo tradicional, daria para uma curta: depois da morte do pai, uma criança de 12 anos é apanhada no meio de uma guerra entre o tio (irmão gêmeo do pai) e a mãe (que já estava dele separada) pela casa e a loja da família.

Mas o que interessa a Lance Hammer não é a narrativa. Ou antes: o que lhe interessa é o que fica por dizer entre os (esparsos) diálogos. O modo como Lawrence (o irmão), Marlee (a esposa) e James (o filho) vivem longe, como a paisagem desolada, chuvosa, cinzenta, o isolamento rural, o “nada” são tantas prisões que os impedem de voar para outro longe.

Sobretudo: como os adultos podem dar cabo da vida dos filhos, como as pessoas tentam reconstruir as suas vidas depois de uma tragédia. E como é possível encontrar a esperança dentro de nós quando parece não haver nenhuma à vista; e como às vezes basta um pequeno passo aqui tão perto para fazer uma grande diferença.

Construído a partir de improvisações coletivas por um elenco de atores não profissionais da zona do Mississipi, onde foi rodado, substituindo qualquer tipo de música por um trabalho notável de mixagem de som (ecos de Gus van Sant), BALLAST é um objeto de singular liberdade criativa que revela uma vontade e uma postura estética absolutamente rara no atual cinema independente americano. É um filme que não faz concessões de espécie nenhuma: quem quiser que o siga.

(Não houve muita gente disposta a isso, na primeira projeção de imprensa, a julgar pela percentagem de abandonos; mas isso é mais uma conseqüência da sua programação tardia no festival e do tom autoral demasiado raro na seleção oficial deste ano).

BALLAST não é um filme perfeito, mas o que lhe falta em perfeição, se compensa em emoção, alma e crença no poder da imagem em movimento. É uma das melhores estréias em muito tempo e o sexto grande filme de Berlim 2008 - E o mais forte candidato outsider ao Urso de Ouro.

Caçada aos Ursos Dourados

2008-02-15T07:56:00.007-02:00

Berlim: Já é hábito chegarmos no fim da Berlinale e todos reclamarem que o festival deste ano foi fraco. Agora, na reta final - hoje será exibido os últimos filmes em concurso, e amanhã o júri de Costa-Gavras anuncia os premiados -, os primeiros balanços começam a aparecer na imprensa. E, como de costume, todos se queixam que Berlim caducou, que o Mercado Europeu se tornou maior que o próprio festival, que este ano há menos gente no Potsdamer Platz...

SANGUE NEGRO, de Paul Thomas Anderson, exibido no primeiro dia de competição, continua intocável como preferido da crítica local e internacional para abocanhar o Urso de Ouro. Seria uma "dobradinha" para o diretor americano, que já venceu Berlim com MAGNÓLIA. A exceção de HAPY-GO-LUCK, de Mike Leigh, ninguém vê outro filme em concurso com potencial para o prêmio máximo.

No entanto, esta foi uma das mais fortes seleções competitivas de Berlim nos últimos anos - embora a crítica levante muitas reservas ao excelente documentário de Errol Morris, STANDARD OPERATING PROCEDURE; considere LAKE TAHOE, de Fernando Eimbcke, como carta fora do baralho e o sublime SPARROW, de Johnnie To, o mais extraordinário filme exibido em Berlim, como um exercício de estilo inconseqüente.

Kirk Honeycutt, do Hollywood Repórter, apontou uma questão interessante: a equipe do curador Dieter Kosslick prefere jogar no seguro, convidando mais veteranos do que estreantes dispostos a inovar, o que torna Berlim um festival menos estimulante (Basta pensar que nunca um documentário tinha sido apresentado em concurso antes de STANDARD OPERATING PROCEDURE).

Quem olha para os últimos Ursos de Ouro, todavia, lê uma história diferente - em 2005 o filme sul-africano CARMEN E-KHAYELISTHA, de Mark Dornford-May; em 2006, EM SEGREDO, estréia do bósnio Jasmila Zbanic na direção; em 2007 O CASAMENTO DE TUYA, do chinês Wang Quan´an.

Quase todos foram surpresa na competição que, tal como agora, foram consideradas fraquinhas ou pouco inspiradas. SANGUE NEGRO é a escolha óbvia para o Urso de Ouro 2008 - e Berlim nunca gostou muito de confirmar o óbvio.

O que é verdade em 2008, no entanto, é que o ambiente na Potsdamer Platz é menos frenético; e que, este ano, o contingente crítico é claramente menos internacional e muito mais alemão.

Há menos produções americanas disputando uma carreiras européia (só mesmo SANGUE NEGRO, ao contrário de anos anteriores, em que V DE VINGANÇA, 300, NOTAS SOBRE UM ESCÂNDALO ou CARTAS DE IWO JIMA tiveram um lançamento europeu), o que contribui para a sensação de menos peso da seleção oficial. E as seções paralelas Fórum e Panorama, habitualmente "reservas estratégicas" que permitem preencher as lacunas da programação oficial, também não estão entusiasmantes. O que ajuda a explicar, por exemplo, por que é que a bilheteira de imprensa que precede muitas das sessões da programação paralela não têm as habituais filas intermináveis.

São, evidentemente, questões puramente circunstanciais - um festival está sempre dependente dos filmes que estão prontos a tempo da sua seleção, e nunca sabemos o que um filme vale realmente antes de o vermos. Mas cinco grandes filmes em Berlim - Anderson, Eimbcke, Leigh, Morris, To - não é nada fraco numa competição de 20 filmes.

E ainda falta ver BALLAST, de Lance Hammer, com a reputação de ser o melhor indie americano em muitos anos. Se chegarmos aos seis grandes filmes em Berlim, isso realmente não é nada mau...

Você confere a crítica de todos os filmes em competição no SPOILER MOVIES sob o label: BERLIM´08

Lugares Comuns

2008-02-15T07:11:00.003-02:00

Berlim (Dia 8): Afinal, havia outro filme alemão em competição em Berlim - mas a prova de que as nacionalidades já não são mais o que eram está em que HEART OF FIRE só é alemão no financiamento (partilhado com a Áustria e o Quênia). O documentarista italiano Luigi Falorni, um dos co-autores de CAMELOS NÃO CHORAM, ficciona aqui, a autobiografia de Senait Mehari, uma menina da Eritréia que foi retirada pelo pai do internato católico onde estudava e entregue a um grupo de guerrilheiros para ser doutrinada na luta pela independência da Etiópia. Mas, infelizmente, Falorni não consegue transcender o lugar-comum do melodrama bem-intencionado de infância desvalida.

O lugar-comum é problema também de RESTLESS, do israelita Amos Kollek - que, curiosamente, é também o filme mais multicultural em concurso. Uma co-produção entre Israel, Alemanha, Bélgica, Canadá e França. Tudo para contar a reconciliação de um pai que abandonou Israel e filho, depois da morte da mãe. Ironia: O pai, que vive em Nova York, é o "espírito livre" artístico, o filho é comandante do exército. O ajuste de contas é justamente o que mais interessa em RESTLESS, que de resto se contenta em perpetuar todas as regras gastas de um certo cinema independente com uma sisudez de mau gosto e muitas vezes canhestra.

Mal por mal, antes KABEI, do veterano japonês Yoji Yamada (A SOMBRA DO SAMURAI), que também pouco ou nada traz de novo, mas pelo menos tem o bom senso de não querer ser mais do que é: Um melodrama familiar clássico sobre uma mãe de Tóquio que, em plena II Guerra Mundial, enfrenta com as duas filhas a ausência do pai, professor universitário preso por delito de pensamento. Tudo bem feito, bem interpretado, muito certinho - mas "certinho" é coisa de filme para ver numa sessão da tarde, não de filme em concurso num festival de cinema tão renomado como Berlim.

No dia de Madonna

2008-02-14T15:48:00.001-02:00

Berlim (Dia 7): CAOS CALMO não seria o novo filme de Nanni Moretti. Foi dirigido por Antonello Grimaldi e adapta um romance de Sandro Varonesi, mas poderia ser. No entanto, os holofotes de Berlim não foram do ator e diretor italiano... Nem do japonês Yoji Yamada, que teve o azar de ver sua sessão de imprensa de KABEI (adaptação de uma antiga história de Kurosawa) coincidir com outra, muito mais disputada, que lotou a ponto de muita gente sentar no chão do Cinestar 3.

Trata-se de mais um momento punk-rock em Berlim, e tudo por causa de uma pergunta: Madonna é capaz de fazer um filme? Sim, ela é. Embora não signifique que seja bom... FILTH AND WISDOM, precede a arrogância de uma diva que acha que sabe fazer de tudo e a quem ninguém ousou dizer que seria uma péssima idéia. (Provavelmente, seu marido, o diretor Guy Ritchie, até a encorajou!).

Mas surpreendentemente, FILTH AND WISDOM não é uma catástrofe: É uma fita anônima e inconseqüente, com direito a tudo de produção barata, como filmagem digital, atores desconhecidos e roteiro “zen” básico sobre a necessidade de equilíbrio nas nossas vidas entre luz e escuridão, céu e inferno. Ou seja, o fetichismo S&M pode ser o caminho da sabedoria!

Para desespero de muitos, há filmes piores. O que salva FILTH AND WISDOM da irrelevância é a presença carismática do novo afilhado e cúmplice da cantora: Eugene Hutz, líder da banda Gogol Bordello, interpretando um personagem que por acaso é cantor e líder de uma banda chamada Gogol Bordello.

O filme gira à sua volta e sua performance de mafioso-gigolô recém fugido da Ucrânia carrega o filme nos ombros, mas não é suficiente para levar FILTH AND WISDOM além de uma mera curiosidade que nessa gelada Quarta-Feira tirou os holofotes de CAOS CALMO, o tal filme que não é de Nanni Moretti, mas poderia ser...

A fita de Antonello Grimaldi é uma espécie de "variação" sobre a matriz do luto e da dor dO QUARTO DO FILHO. Poderia se chamar O BANCO DO PAI, porque é num banco de jardim que Moretti passa o filme, como um executivo de televisão, cuja mulher morreu inesperadamente. Ele internaliza o vazio passando os dias sentado no tal banco de jardim. É uma espécie de "Moretti light", igualmente inteligente no modo como trabalha com sutileza a convenção do melodrama, mas um pouco convencional, mais enfabulado e menos inspirado - talvez seja injusto fazer a comparação, mas a presença do ator/diretor no papel principal (bem como sua colaboração no roteiro) a torna inevitável. E a verdade é que o filme de Antonello Grimaldi não desmerece os pergaminhos de seu ator, atento e generoso, impecável na placidez do seu homem que reage à maior dor da sua vida recolhendo-se para dentro de sua concha. É um filme que merece um olhar mais atento (e vai tê-lo) - mas teve o azar de ser mostrado no dia de Madonna.

Alegria! Alegria!

2008-02-13T07:40:00.004-02:00

Berlim (Dia 6): Tilda Swinton, chega para lá. Paul Thomas Anderson, da licença por favor... Chegou Mike Leigh e seu novo filme, HAPPY-GO-LUCKY, desde já um dos grandes favoritos ao Urso de Ouro. E dessa vez, o diretor resolve olhar o cotidiano com óculos cor-de-rosa...

Mike Leigh tem toda razão quando diz que nunca deixou de colocar um pouco de humor mesmo em seus dramas mais pesados, filmes como NU (NAKED), SEGREDOS E MENTIRAS e VERA DRAKE. Mas nunca fez uma comédia como HAPPY-GO-LUCKY. O filme, exibido ontem ao meio-dia, foi o mais aplaudido até agora nas sessões de imprensa. Leigh mirou no alvo e acertou.

Fala sobre Poppy, uma professora solteira em Londres que nunca se contagia pelo mau-humor dos outros. E Poppy é Sally Hawkins que brilha muito, muito, muito alto com uma interpretação extraordinária que escora todo o filme sem esforço. (Hello! Oscar!)

Seu filme é um suspiro numa seleção duvidosa e fraca, mas que começa a dar sinais de recuperação: Da China veio SPARROW. Um cinema raro com heróis e vilões e mulheres fatais. É Fred Astaire deixado à solta numa Hong Kong tão artificial como se tivesse sido reconstituída em Hollywood, filmada como Steven Soderbergh a homenagear Vincente Minnelli: Elegância, leveza, graça, agilidade, descontração. É uma sensação de permanente deslumbramento - como se Johnnie To estivesse a inventar o cinema à nossa frente. Não está, mas não faz mal: o que interessa é a imagem.

SANGUE NEGRO, LAKE TAHOE, SPARROW e SOP confirmam que Berlim não está tão fraca como se esperava. E dessa lista sai o Urso de Ouro. E Sim, TROPA DE ELITE está fora da disputa. Fascista demais.