Ma partiamo dall’inizio: che cos’è Google Art Project?

Per chi non si fosse ancora fatto un giro su http://bit.ly/10eF7Of, consiglio di andarci immediatamente.
I giganti di Google, in collaborazione con più di 200 musei sparsi nel mondo, hanno costruito una vera e propria enciclopedia interattiva sull’arte.
La base sono le diverse funzioni che conosciamo già.

In breve:

• quasi tutte le opere sono digitalizzate in gigapixel, la risoluzione è eccezionale e ci dà la possibilità di studiare un quadro come se fossimo proprio lì davanti.
• ogni opera ha una sezione di approfondimento con schede e video.
• con la tecnologia di GOOGLE STREET VIEW si può vedere il posizionamento dell’opera all’interno del museo e si può fare una visita virtuale del piano e delle altre opere.

Ma Google Art Project offre un’altra funzione interessante: l’utilizzatore può creare la propria Gallery, riordinando le opere presenti a suo modo, costruire uno SlideShow corredato da un file Audio o Video (YouTube) e dalla propria descrizione. In ultimo può condividerlo sia via e-mail, sia sui principali social network.
Questa possibilità è eccezionale per chiunque abbia voglia di condividere contenuti a scopo educativo, dagli insegnanti, agli studiosi in generale o semplicemente appassionati d’arte.

Nonostante lo scopo educativo sia il primo che salta all’occhio, nessuno può non accorgersi della forte influenza avrà nel marketing culturale, sia come modello sul quale si svilupperanno i nuovi progetti, sia come base tecnica da arricchire e personalizzare.

Inoltre, chi possiede un account Google+ non aspetti a unirsi alla pagina di Google Art Project, dove ogni giorno si può partecipare agli “Art Talks”, conversazioni organizzate con esperti di arte di importanti musei di tutto il mondo.
https://plus.google.com/u/0/s/google%20art%20project

Ma chiudiamo con le cifre tanto agognate (fonte: http://www.huffingtonpost.fr/2013/04/12/infographie-le-google-art-project_n_3070720.html):

• 40.000 opere
• 200 musei
• 43 paesi coinvolti
• “La notte stellata” di Van Gogh è l’opera più apprezzata dagli utenti di Google Art Project e la più cliccata
• ogni persona passa in media 60 secondi a guardare un opera in linea contro i 20 secondi dal vivo in un museo

Post gentilmente offerto da:

Sveva Wiquel

www.spaghettitransmedia.com

E’ di oggi l’articolo di Luca Nannipieri, per il Giornale, in cui sostanzialmente si contrappongono due testi di recente edizione, Le pietre e il popolo di Tomaso Montanari e La cultura si mangia! di Bruno Arpaia e Pietro Greco.
L’autore, con il suo La cultura si mangia Però i politici non la digeriscono, prende atto della tardiva presa di coscienza da parte dei media e degli intellettuali dello stato attuale della cultura nel nostro paese.

Benché i due libri espongano due posizioni quasi agli antipodi, il primo che insiste sulla necessità del rafforzamento degli investimenti pubblici nel settore, il secondo che illustra l’immenso potenziale del patrimonio in termini economici – sottolineandone la capacità di autoalimentarsi anche senza intervento statale- , l’autore osserva come i due testi si trovino tutto sommato a schierarsi su due fronti che più che in contrapposizione sono complementari l’uno con l’altro.
Sono vere, dunque, entrambe le tesi.

Quello di cui si preoccupa chi scrive l’articolo è la sostanziale sordità da parte di chi dovrebbe prenderne atto: i presenti – e in periodo post elettorale – futuri amministratori dello Stato.

La politica non digerisce la cultura perché non ha gli strumenti per capirne la complessità. Mentre in altri paesi non si taglia, da noi si taglia e non si assume.

In Italia chi ha davvero gli strumenti – e la voglia, la tenacia, la speranza, l’energia, la creatività, l’umiltà – quelli che sono capaci di masticare la cultura,
sono i ragazzi che hanno studiato, dai 18 ai 25 anni – chi più chi meno – in corsi di laurea creati negli ultimi vent’anni: Economia dei beni culturali (e affini).
Sono anche quelli che non vedono riconosciuto il proprio ruolo, perché in Italia il Manager dei beni culturali non esiste ufficialmente. Sembra una bestemmia, o un personaggio di fantascienza.
Lo scienziato pazzo, l’inventore dell’acqua calda, il manager dei beni culturali.

Perché quando un giovane laureato si avvicina, speranzoso ed entusiasta all’ambientuccio chiuso ed autoreferenziale degli operatori culturali, ha a che fare con collaborazioni non retribuite, collaborazioni occasionali, timidi e ridicoli rimborsi spese.
La scusa è sempre la stessa, in salse diverse:
“Non è previsto un budget”
“Non possiamo permetterci di assumere”
“Non hai sufficiente esperienza per entrare nell’organico”
“E’ un lavoro di elevata responsabilità ma i soldi non ci sono, te la senti?”

Lavorare pro bono è tutto quello a cui le centinaia e centinaia di ragazzi laureati nel settore dei beni culturali possono aspirare, ed è piuttosto scontato che a pochi mesi dalla laurea i più dotati gettino la spugna per cambiare settore (o paese). Quelli che possono permettersi il lusso di lavorare gratis sono anche quelli che, nella maggior parte dei casi, hanno una situazione familiare che consente loro di farlo.

E probabilmente da qui a dieci/vent’anni – prima o poi i dirigenti attuali andranno in pensione o, alla lunga, passeranno a miglior vita – i fortunati di cui sopra prenderanno il posto degli attuali incompetenti.

Lo scenario che ci viene svelato è il seguente: dobbiamo aspettare vent’anni prima che un ragazzo – che non ha mai ricevuto compensi, non ha mai ricevuto retribuzione tale da sentirsi motivato, non conosce il valore economico del lavoro in cui si è buttato con passione – diventi un dirigente del settore culturale.

E saremo, nuovamente, punto e da capo. Con nuove emergenze, nuovi crolli, nuove chiusure, nuove figuracce.

È passato circa un mese dalla pubblicazione delle Minicifre 2012 del MiBAC ed è ora di qualche considerazione.

Il circuito Colosseo, Palatino e Foro Romano è ancora al primo posto con 5.391.978 visite: il dato non è pessimo e in qualche modo regge al confronto col le 8.800.000 di visite del solo Louvre.

Preoccupante è invece il valore dei servizi aggiuntivi, a dimostrazione dell’arretratezza che ancora sconta il nostro Paese rispetto ad una nuova idea di fruizione del patrimonio. Sfogliando i dati Sistan 2011[1] scopriamo che i ricavi da servizi aggiuntivi ammontano a € 7.151.402,75 – per intenderci il fatturato di una piccola-media impresa, che 5.000.000 di clienti non li ha mai visti.

Si prova vergogna di fronte ai 53 milioni del Metropolitan di New York[2], che si attesta su circa 6.000.000 di visite. Facendo un rapido conto, la spesa media è di € 1,33 per il Colosseo e di € 8,33 per il Met.

A prescindere dal pessimo stato delle caffetterie nostrane – fatta eccezione per il Museo del Cinema di Torino e sorvolando sul fatto che il Colosseo non ne abbia una – quale può essere la soluzione per l’Italia? Rannicchiarsi ancora nella torre d’avorio del più importante patrimonio del mondo? E’ impensabile, anche perché le classifiche funzionano meglio nel calcio o nelle gare centimetriche adolescenziali.

È necessario comprendere che il museo – e si può estendere la definizione al bene culturale in genere – deve  innanzitutto “finds ways of measuring its success. It will have to discover, as a continuous process, what its customers think about the goods that are offered to them. The use of the word ‘customer’ in connection with museums would have been unthinkable fifty years ago but it causes little or no surprise today. Museums are competing in a leisure market and every market has customers”[3].

E queste, sono parole del 1998.

La partecipazione culturale è diventato il punto debole su cui intervenire a tutti i costi – con notevole ritardo in Italia, of course – nel settore culturale.
Quando il MIBAC punta sulle Giornate europee del Patrimonio e i Martedì in arte per coinvolgere il pubblico, e collabora con Italia.it – il portale del turismo in Italia – con iniziative come questa

Non fa che esporsi timidamente, dimostrando chiaramente di non aver ben chiaro il concetto di utilizzo dei social media per il coinvolgimento del pubblico.
Non basta, insomma, l’ingresso gratuito nei musei in un giorno prestabilito, nè un concorso fotografico del luogo più suggestivo del nostro sconfinato patrimonio culturale e paesaggistico.

L’idea che rischia – e ce lo auguriamo – di diventare la prima iniziativa seriamente social, è Invasioni Digitali, nata da una brillante intuizione di Fabrizio Todisco.

E’ lo stesso layout del sito che invita a partecipare: campeggia in home page una mappa (grazie Google!) su cui sono pinnati tutti i luoghi che gli utenti hanno deciso di invadere.

L’idea è buona e può funzionare, per tre motivi:

1. Il tempo
I giorni scelti per le invasioni vanno dal 20 al 28 aprile, un intervallo di tempo sufficientemente ampio da permettere a tutti (studenti, lavoratori, pensionati, famiglie) di trovare tempo per partecipare, e sufficientemente distante (l’iniziativa nasce a fine Marzo) da permettere all’ideatore dell’invasione di coinvolgere tutti.

2. Gli strumenti
Sono coinvolti tutti i social principali: gli Instagramers sono una comunità attiva già in altre iniziative simili (anche con Italia.it) e sono tra gli enti organizzatori di Invasioni Digitali, ma ovviamente non esiste soltanto Instagram. Facebook, Twitter Youtube e Pinterest – Pinterest ha appena un anno di vita ma è diventato rapidamente il modo più semplice per condividere immagini dal web senza violarne i diritti –
completano il quadro per un effetto di coinvolgimento massiccio nella produzione di contenuti.
Ancora, <<Tutti i contenuti video oltre ad essere caricati sul canale youtube ufficiale del progetto, saranno utilizzati per la realizzazione di un video rivolto alla promozione del nostro patrimonio artistico.>>
Come si premia la partecipazione? Così.

3. I luoghi
La vera rivoluzione è che la scelta del luogo e l’organizzazione dell’invasione sono delegate totalmente agli utenti. Non è “Invadiamo Castel sant’Ugo”. Non è “Pubblica una foto del tuo luogo preferito”.
Non si può chiamare partecipazione vera e propria finché un utente non si sente l’host dell’evento.

Infine, non potevano mancare i Meme.
Keep calm and Invadi

NB

Che si fa, si chiude? E’ la domanda che qualunque operatore culturale si pone quotidianamente.
L’autore dell’articolo pone l’attenzione su una categoria di operatori culturali che avrebbe il dovere di prendere le redini della situazione: gli artisti.

Il riscatto deve partire – se ne prendano la loro responsabilità, visto che è una locuzione oggi in voga – dagli artisti. Da loro! In un periodo del genere ci si aspetterebbe qualcosa di diverso dal sostanziale immobilismo attendista che pervade la nostra classe creativa. La crisi economica può essere qualcosa di duro e poco piacevole, ma può essere anche qualcosa di stimolante. Può rappresentare una sfida che deve essere colta. Si può e si deve rispondere con la produzione. La pro-du-zio-ne.

La produzione è la leva che può salvare lo stato attuale? Forse dovremmo capire che la produzione non ha alcuna responsabilità.
In un’ottica di marketing puro, Colbert insegna, il prodotto culturale, ch’è il cuore dell’offerta culturale nel suo complesso, è la leva attorno cui ruotano le altre tre: Promozione, Distribuzione, Prezzo.
(A chi vendere il prodotto/servizio culturale? Come farlo? Quali servizi integrati offrire? Come ripensare i luoghi fisici? Quanto insistere sul bisogno di tempo libero? Ci aspettiamo un feedback dal nostro pubblico?)

Questi, e tanti altri, sono gli interrogativi da porsi in un’ottica di gestione rinnovata, non cosa produrre di innovativo.

Il marketing culturale ha il compito di lavorare su Chi, Come, Quando, Dove.

Cosa è l’unica variabile su cui, in un momento come questo, non ha alcun senso lavorare.

NB