Hoje deparei-me com um cabo óptico partido no meu WD TV (que me levou a um bom bocado a tentar retirar o encaixe de dentro do conector) e visto que não tinha por cá outro cabo para o substituir decidi meter antes um cabo analógico a substitui-lo. Ora com isto tive de reprogramar ligeiramente o Harmony para utilizar o input certo (e já agora acertar uns timings que nunca ficaram bem).

No entanto tive um pequeno problema: estava com o PC ligado em Linux e não tinha pachorra para arrancar em windows só para o programar. E foi assim que meti mãos à obra e descobri como se fazia a coisa no lado negro da força.

1. Instalar o software

Primeiro que tudo verifiquem se o vosso modelo é correctamente suportado indo à pagina do projecto Concordance.

Se for suportado então sigam adiante e instalem o Congruity (um UI para a biblioteca que vai falar com o comando):

yum install congruity

Se não for suportado é a hora de irem ao sistema operativo de Redmond ou de se aventurarem com o Wine.

2. Programar o comando

Para programar o comando dirigam-se à pagina de membros Harmony da Logitech, passem à frente quando o site teimar que têm uma versão desactualizada do software e façam login. O site consegue ser ainda menos acessível do que o “software” da versão windows mas ao menos funciona.

Assim que tiverem tudo pronto carreguem na opção de actualizar o comando e eventualmente o browser há de vos pedir para abrir uns ficheiros com extensões EZHex, EZUp ou EZTut. Escolham para abrir o ficheiro com o Congruity em vez de o guardar.

Sigam as instruções no ecrã e repitam estes passos até terem o vosso comando programado.

No fim e vistas bem as coisas até nem é uma operação de todo complicada mas espero que este pequeno artigo venha a ajudar pelo menos uma pessoa no futuro.

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Guilty Crown

Num futuro próximo, um meteorito com um vírus extraterrestre despenha-se no Japão causando uma infecção devastadora a nível nacional e um estado total de anarquia. Uma organização internacional conhecida como GHQ intervém com lei marcial e restaura a ordem no país a troco da sua independência. Este acidente torna-se conhecido como o Natal Perdido.

Dez anos mais tarde, em 2039, Ouma Shuu – um adolescente com um poder especial acordado pelo vírus Apocalipse – encontra Yuzuiha Inori, uma estranha rapariga que o leva a juntar-se à luta contra as forças robóticas da organização governamental e uma sociedade secreta cujos objectivos continuam envoltos em mistério.

Na temporada outonal de 2011 o estúdio Production I.G. decidiu apostar forte numa historia de ficção cientifica original. Essa historia é este Guilty Crown e em termos de investimento foi dos fortes: banda sonora de altíssima qualidade, animação capaz de fazer inveja a muitos outros estúdios, designs que praticamente asseguram popularidade, jogos e tudo o que de mais se pode fazer para promover uma série.

A premissa da série é muito promissora e tem todos os componentes para ser um forte candidato a entrar nos anais da historia do meio mas será que o conseguiu?

Yuzuriha Inori

Guilty Crown conta a historia de Ouma Shuu: um simples estudante introvertido que sempre procurou não causar ondas mas que se vê subitamente arrastado para uma situação complicada quando a misteriosa vocalista da banda underground EGOIST, Yuzuiha Inori, aparece ferida no armazém abandonado que ele utiliza como esconderijo. Devido a ela Shuu vai obter o poder de extrair armas e outras ferramentas, chamadas Voids, usando a sua mão direita dos corações das pessoas e devido a isso juntar-se-a aos Undertakers, um grupo que luta contra a organização (GHQ) que tomou as rédeas do Japão na sequela do surto do misterioso vírus Apocalipse aquando da data apelidada de Natal Perdido.

A premissa é boa e em cima disso a própria historia é também ela promissora porém a coisa mais simpática que posso dizer sobre a execução destes dois factores é que foi simplesmente feita à pressa. É que é mesmo a justificação mais simpática que consigo encontrar para o resultado que saiu desta serie. Num esforço em que todos os elementos parecem ser uma aposta sem risco é difícil compreender como é que se chegou a este resultado. Mas deixem-me elaborar.

A primeira metade da série é um desastre! Após a introdução com o personagem principal a receber o seu poder somos presenteados com 3 ou 4 pequenos arcos em que vemos vários elementos dos rebeldes entrarem na escola de Shuu para as já obrigatórias cenas do dia a dia escolar, somos brindados com os obrigatórios episódios de ida à praia e afins sempre lado a lado com missões que pouco ou nada contribuem para o enredo global mas que levantam questões atrás de questões que tardam em ser resolvidas.

Mas o irritante é que mesmo pelo meio destes episódios de suposto desenvolvimento dos personagens existe um ou outro que são praticamente geniais enquanto os restantes parecem ter sido escritos cada qual pelo seu guionista sem qualquer tipo de coordenação global causando autênticos flip-flops no que toca às atitudes do elenco.

E depois tudo rebenta a meio da série com o tradicional mundo em colapso, novos vilões introduzidos do nada e junta-se a isso a obrigatória morte heróica depois de um falso alarme alguns episódios antes. A partir daqui a série sobe um pouco de qualidade mas os problemas mantêm-se os mesmos.

Souta & Yahiro

O grande problema é mesmo o facto de os argumentistas não fazerem ideia sobre como desenvolver os personagens e o enredo: somos constantemente bombardeados com plot devices e mudanças súbitas de caracterização que no limite nos fazem questionar se não faltou um qualquer episódio pelo meio… ou dez. Mortes marcantes são menosprezadas com personagens a voltarem dos mortos inexplicavelmente e certos episódios limitam-se simplesmente a descarregar informação em cima do telespectador na expectativa de que isso disfarce a incapacidade dos guionistas de efectuar as transições. E o pior disto tudo é que, mesmo com estas descargas de informação, ficam coisas mal explicadas!

É por demais óbvio que alguém escreveu os pontos chave da historia e depois se limitou a pedir aos guionistas para preencher os buracos da forma que melhor entendessem sem qualquer orientação ou direcção e isso é pura e simplesmente imperdoável!

A banda sonora tem muitíssima qualidade mesmo que fique ligeiramente aquém do genial mas sempre somos brindados com a nova vocalista dos Supercell, Chelly, e a sua voz absolutamente espectacular particularmente nas faixas Departures e Euterpe. É só uma pena que essas faixas sejam repetidas ad-eternum sempre que alguém decide que dava jeito a suposta personagem vocalista cantar. Não que o facto de ela fazer parte de uma banda alguma vez volte a ser mencionado fora a primeira meia dúzia de episódios tirando aquele momento em que isso se torna aparentemente importante para o enredo num único episódio no meio da temporada.

A animação e a arte, como já disse, fazem inveja a muitos estúdios e mostram aquilo que de melhor a Production I.G. consegue fazer em televisão enquanto que o trabalho dos actores que dão voz aos personagens é também ele de louvar nem que seja pelo raro facto de não existir uma única personagem que se torne irritante ou cansativa de ouvir. É até digno de menção o facto do personagem principal ter uma evolução muito positiva desde um puto introvertido e covarde até se tornar uma pessoa forte e assertiva mesmo que os passos intermédios sejam lamentavelmente atabalhoados.

É mesmo muito triste ver o resultado desta série: clichés, plot devices e uma incapacidade generalizada de conseguir pegar numa boa premissa e criar uma historia que entretenha em seu redor deitam por terra aquela que podia ser uma série notável de ficção cientifica e quiçá uma das séries do ano.

Veredicto: Guilty Crown é muita parra e pouca uva. Um orçamento grande e uma boa premissa não bastam quando a concretização é assim tão atabalhoada. Não é que seja uma má série uma vez que até é bastante agradável porém os seus defeitos são duplamente graves numa série tão apregoada como esta foi.

• Imagem: 8/10
• Som: 6/10
• História: 5/10
• Personagens: 6/10
• Nota Final: 5/10

Guilty Crown acabou recentemente a sua emissão no Japão porém não existem quaisquer noticias quanto a possiveis edições DVD/BR fora do país. Guilty Crown @ TV Wall

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Bleach

Kurosaki Ichigo é um adolescente com a capacidade de ver espíritos. A sua vida é subitamente virada do avesso com o aparecimento de uma Shinigami (literalmente Deus da morte, aquele que governa a transição de almas entre o mundo humano e a vida após a morte) de nome Kuchiki Rukia que chega em perseguição de um Hollow, uma perigosa alma penada.

Quando Rukia fica gravemente ferida ao tentar derrotar o Hollow ela tenta transferir metade do seu Reiatsu (“pressão espiritual”) para Ichigo para que este derrote o Hollow. No entanto Ichigo acaba por levar quase todo o Reiatsu transformando-se num Shinigami capaz de derrotar o Hollow com bastante à vontade.

Com os seus poderes diminuidos, Rukia fica presa no mundo dos humanos até poder recuperar a sua força. Entretanto Ichigou tem de ocupar o lugar de Rukia como Shinigami combatendo com Hollows e guiando almas para o mundo após a morte, a Soul Society.

Quando escrevi aqui no blog um artigo a falar de Fairy Tail, na altura a mais recente adaptação televisiva de uma das grandes manga shounen do Japão, disse que não faltaria muito até essa série suplantar Bleach nas minhas prioridades semanais. Estava claramente totalmente correcto mas não fazia ideia do quanto.

Bleach terminou neste passado Março depois de quase 8 anos de emissão ininterrupta. Existe agora toda uma geração que cresceu com o “morango” de cabelo laranja a passar na televisão todas as semanas tal como eu cresci a acompanhar séries como Dragon Ball. Mas tudo o que tem um inicio tem de ter um fim e um dos “intermináveis” shounens acabou de terminar e cabe-me agora fazer a complicada analise dos 366 episódios com que nos deixou.

Bleach conta-nos a historia de um aluno de secundaria chamado Kurosaki Ichigo. Um rapaz peculiar que para além do seu cabelo marcante e laranja tem a capacidade de ver e comunicar com as almas que se mantêm no nosso mundo após a morte. Certo dia ele encontra a Shinigami Rukia e esta vê-se forçada a “emprestar” a sua força espiritual (Reiatsu) a Ichigo para que este salve a sua família. Esta foi a premissa que no ano de 2004 deu o arranque da adaptação televisiva de Bleach.

Kurosaki Ichigo

A historia de Bleach começa num ritmo muito ao estilo do monstro da semana em que somos apresentado aos amigos de Ichigo e à sua familia mas rapidamente a historia muda de ritmo para colocar o protagonista e os seus amigos (Sado Yasutora, Inoue Orihime e Uryuu Ishida) a enfrentar os 13 capitães das esquadras da Soul Society para salvar Rukia de ser executada pelo crime de ter partilhado o seu Reiatsu com Ichigo. Este é o primeiro e indiscutivelmente o melhor arco de Bleach. As batalhas são interessantes e variadas, um sem numero de personagens é apresentado cada um com os seus interesses e motivações e as revelações do enredo são realmente interessantes e capazes de nos colar ao ecrã.

Porém nem tudo é um mar de rosas. Findo o primeiro grande arco de Bleach a historia muda-se para o primeiro grande arco de Filler e entram em cena os Bounts. Nem tudo é mau no arco dos Bounts e na realidade até se pode dizer exactamente o oposto: o arco é bastante aceitável tendo sido feito com a colaboração do autor da manga e servido como interregno entre os dois grandes arcos da manga. A historia no entanto prolonga-se demais e no fim admito ter começado a desesperar um pouco para descobrir o que se passa afinal com aquele que foi apresentado como o grande vilão da historia no final do arco da Soul Society.

Com a entrada no arco dos Arrancars Bleach volta finalmente a andar para a frente mas o ritmo nunca mais volta a ser o mesmo: as batalhas arrastam-se fazendo DragonBall Z por vezes parecer uma série rápida e chega-se ao cumulo de se ver o arco parar a meio para introduzir meses de filler de maneira a evitar ultrapassar a manga.

Naruto sofreu muito pelos seus 2 anos consecutivos de filler mas o arrastar de Bleach e os seus fillers com qualidade em queda constante sofreu ainda mais. O golpe final foi quando o arco dos Arrancars, já de si relativamente fraco, atinge a sua anti-climática conclusão com uma batalha final que expõe as fracas motivações daquele que foi apresentado como o maior dos vilões da historia.

Mas com todos os defeitos do arco dos arrancars, com todas as questões levantadas que ficaram por responder, o arco não deixava de ter sido um bom sitio para terminar a adaptação. Não havia nenhum vilão no horizonte e o personagem principal atinge um bom ponto final na sua historia.

Kuchiki Rukia

E é aqui que Bleach dá o seu tiro no pé e em vez de terminar a adaptação televisiva entra-se em mais um arco de fillers que, vou admitir, nem sequer me dei ao trabalho de ver. No fim e acabados os fillers ficam coisa de 20 episódios para reintroduzir uma historia. O problema é que as audiências por esta altura já batiam em mínimos históricos perdendo nas tabelas até para reposições de outras séries. É neste clima que a série é obviamente cancelada deixando os últimos episódios para uma conclusão claramente apressada do ultimo arco da série: os fullbringers.

Bleach pode não vir a ser lembrado pela sua historia porém é preciso lembrar que a série sempre marcou pela sua selecção musical nas musicas de entrada e pelo muito estilo que conferiu a essas mesmas entradas sem nunca esquecer que todos os ecrãs a indicar o numero do episódio foram sempre distintos uns dos outros ao longo destes quase 8 anos e 366 episódios.

As vozes hão de ficar para sempre associadas a estes personagens e não seria justo criticar a animação pois sofreu de todos os problemas inerentes a uma série que corre ano após ano, semana após semana, sempre sem descanso.

No fim de tudo Bleach pode não ser perfeito mas, na minha modesta opinião, o seu primeiro arco foi melhor do que o seu principal concorrente (Naruto) e feitas as contas marcou mesmo uma geração de fãs.

Veredicto: Não recomendaria Bleach na sua totalidade mas os primeiros 63 episódios merecem ser vistos por qualquer fã de shounen. Sem sombra de duvidas um anime histórico ao lado de outros como Rurounin Kenshin (Samurai X) ou Naruto.

• Imagem: 6/10
• Som: 7/10
• História: 5/10
• Personagens: 7/10
• Nota Final: 6/10

Bleach acabou recentemente a sua longa emissão no Japão e para além de ser transmitido por cá é também relativamente fácil de obter importando do reino unido. Para além disso a manga está disponível em inglês nas grandes livrarias nacionais (Fnac, Bertrand). Bleach @ TV Wall

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Nisemonogatari

Situadando-se no rescaldo de Bakemonogatari, esta historia segue as aventuras de Araragi Karen e Tsukihi, as duas irmãs do personagem principal Koyomi. As duas são auto-apelidadas heroínas e conhecidas pela alcunha de Fire-Sisters entre os estudantes da 2nd Escola Preparatória de Tsuganoki.

Lamentava eu aquando da minha analise a Bakemonogatari que o anuncio da adaptação ao cinema da sua prequela era uma noticia agridoce devido à ausência de Senjogahara na sua historia e a Shaft faz o favor de nos brindar durante a transacta temporada de inverno 2012 com a adaptação televisiva de Nisemonogatari, a sequela directa daquela que foi para mim a série do ano de 2009.

Nisemonogatari é mais, muito mais do mesmo que tornou Bakemonogatari um autentico festival para os sentidos fruto não só do discurso saído da caneta de Nisio Isin como também do sempre inigualável estilo surreal e marcante da realização de Shinbou Akiyuki. Mas será que foi desta que um ou ambos ultrapassaram os limites?

O titulo desta segunda adaptação a animação da série de Nisio Isin traduz-se aproximadamente para “fals’história” e no fundo foca-se sobre os mais diversos tipos de falsidade que existem nas relações entre nós seres-humanos e, no contexto da historia, outros seres não necessariamente humanos como vampiros e outras anomalias. O mote de partida para a exploração destes temas é dado com o nosso protagonista, Araragi Koyiomi, a questionar-se sobre a sua condição de meio-vampiro e sobre a sua relação com a sua família: deve ou não ele revelar a sua condição aos seus pais e ás suas irmãs?

Araragi Tsukihi

Mas são precisamente as suas irmãs que são as co-protagonistas desta temporada ainda que as 5 heroínas da temporada anterior tenham também os seus momentos mais ou menos importantes. Poderia escrever aqui largos parágrafos a falar sobre a forma como o arco de Senjogahara, ponto de partida a Bakemonogatari, vê aqui a sua conclusão ou como os avanços de Sengoku Nadeko sobre Koyiomi roubam praticamente a ribalta mas mais vale cingir-nos ao essencial.

A historia divide-se em duas partes com a primeira a focar-se no duelo entre a Karen e o aldrabão Kaiki Deishuu e a segunda na historia de Tsukihi e como isso atraí problemas sob a forma do par de exorcistas composto por Kagenui Yozuru e Ononoki Yotsugi. A solução de ambos estes problemas cabe, como seria de esperar, ao nosso protagonista Araragi e pelo caminho somos brindados com níveis de fanservice nunca antes visto na série que culminam no marcante oitavo episódio dos 11 que conseguiu dividir acerrimamente a opinião dos fãs bem como dar um novo significado ao acto de lavar os dentes.

Araragi Karen

A cena em questão é tão forte que por mais do que uma vez dei por mim a confirmar que não estava a ver uma série pornográfica por engano. A tensão criada nesse singelo momento é digna dos melhores filmes eróticos mesmo que tecnicamente nada de incorrecto alguma vez surja no ecrã à excepção do grande elefante na sala: a cena ocorre entre dois irmãos e as insinuações de incesto, ainda que sem nunca chegar a vias de facto, deixaram muita gente incomodada e eu não posso de boa fé dizer que não compreenda essa posição. Não deixa no entanto de ser um episódio brilhante que, para bem ou para mal, vai deixar Nisemonogatari na memoria colectiva dos fãs da animação nipónica.

A arte da série é novamente brilhante como seria de esperar quando se oferece uma historia recheada de simbolismo como são aquelas escritas por Nisio Isin à combinação Shaft + Shinbou Akiyuki e todo o experimentalismo que isso implica. Ao contrario de Bakemonogatari no entanto não fomos brindados com slideshows ou meses de espera para concluir a historia limitando-se os habituais “problemas” a um ou outro momento em que a animação baixa ligeiramente de qualidade. Por outro lado as pequenas referencias à mais variada cultura pop japonesa (ex: Mahou Shoujo Madoka Magica ou Evangelion) polvilham a série e dão-lhe um charme que os fãs do género sabem certamente apreciar. É importante também mencionar que o desenho arquitectónico dos cenários volta a ser capaz de me deixar totalmente de boca aberta mesmo que por vezes me interrogue se Araragi vive mesmo numa casa normal ou dentro de uma Tardis.

Oshino Shinobu

O campo do áudio volta a brilhar com actuações dignas de menção de Kitamura Eri no papel de Araragi Karen bem como a deliciosamente cativante vampira Oshino Shinobu cujo discurso ligeiramente antiquado com a voz de Sakamoto Maaya fazem a audiência rapidamente esboçar sorrisos quando a mesma entra inesperadamente em cena. No campo da musica temos o regresso das musicas dedicadas às heroínas da série seguidas da musica final que ficou a cargo das ClariS que já tinham trabalhado com a Shaft na entrada de Mahou Shoujo Madoka Magica.

Posto tudo isto voltamos à pergunta inicial: será que foi desta que um ou ambos ultrapassaram os limites? Dado que Nisio Isin afirma que escreveu Nise para si próprio sem intenção de alguma vez o publicar é fácil colocar a questão e a verdade é que para uma não irrelevante porção da audiência a resposta é sim, Nisemonogatari por vezes ultrapassa a linha e passa do aceitável ao abuso. Isto é especialmente notório em cenas como a do episódio 8 referida acima que para muitos atingiram o limite do desconfortável porém para muitos outros o valor artístico da generalidade da série e até mesmo dessa cena sobrepor-se-ão a essas questões e tornaram Nisemonogatari como uma importante entrada não só nesta série como quiçá também na animação niponica em geral.

Veredicto: Nisemonogatari não mudará a opinião daqueles que não gostaram do seu antecessor (Bakemonogatari) mas para aqueles que já estavam investidos na série e gostam da mesma é uma entrada essencial.

• Imagem: 9/10
• Som: 8/10
• História: 7/10
• Personagens: 8/10
• Nota Final: 8/10

Nisemonogatari terminou recentemente a sua emissão no Japão porém não se encontra ainda licenciado para edição em DVD/BR fora do país. Nisemonogatari @ TV Wall

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Posto isto vamos lá dar uma vista de olhos a uma temporada que marcou o regresso da Gonzo e o final de um dos chamados “três grandes” da bonecada da terra do sol nascente.

Nisemonogatari

Nisemonogatari

Começemos pela bomba da temporada, a série que foi tema de conversa de grande parte dos fãs durante a maior fatia destes últimos 4 meses. A Shaft passou novamente para as mãos do seu icónico realizador Shinbo Akiyuki uma fatia da saga monogatari de Nisio Isin com este Nisemonogatari (que traduz para algo como “fals’história” numa junção de falso com história). O resultado foi o expectável: o visual marcante do realizador aliado ao dialogo tenaz da caneta do autor e desta feita com o fanservice levado ao extremo!

Porém desta feita não posso recomendar a série sem deixar fortes reservas. A qualidade está lá e não ocorreram problemas de tempo/orçamento como aconteceu à serie anterior (Bakemonogatari) mas a historia em si é claramente mais apontada para quem já é fã da série e ao mesmo tempo adepto do lado mais… digamos que é para quem não tende a julgar negativamente cenas mais arrojadas.

Mas para mais detalhes fica desde já prometida uma analise mais aprofundada à série ainda esta semana.

Bleach

Bleach

Vamos tirar já isto do caminho: uma série que acompanhou muito boa gente desde o já bem distante ano de 2004 atingiu finalmente a sua conclusão. Falo de Bleach, aquela que foi durante muito tempo considerada uma das “três grandes” da animação nipónica ao lado de Naruto ou One Piece.

A série teve pontos altos e baixos mas a verdade é que estes últimos têm vindo a ser maioritários desde que terminou o primeiro grande arco da série. Como qualquer série que se prolonga ao longo de anos a qualidade do enredo, da animação e da arte teve variações brutais e os fillers (vulgar: enchimento de chouriço para não passar à frente do original) em nada ajudaram. Claro que a manga também não está de muito melhor saúde com a qualidade da historia escrita por Tito Kube à muito num ponto baixo que a levou a sair até do Top 5 das mangas mais lidas no Japão.

Resta-nos então dizer adeus para já à adaptação televisiva que agora acaba. Pode ser que um dia vejamos aquele que parece ser o ultimo arco da manga animado quer numa nova série (a-la-Naruto Shippuuden) quer sob a forma de OVA (a-la-Inuyasha).

Black Rock Shooter

Black Rock Shooter (2012)

Black Rock Shooter voltou com uma série de 8 episódios que decidiu reescrever a historia já utilizada para a OVA com o mesmo nome. Trazida até nós pela caneta de Mari Okada (Toradora, True Tears, Gosick) esta série conta a historia de Kuroi Mato, uma rapariga alegre que acaba de entrar na escola secundária onde vai conhecer os problemas de raparigas como Takanashi Yomi ou Koutari Yuu. Claro que a historia não acaba por aqui pois paralelamente aos eventos do “mundo real” decorrem os eventos do mundo de Black Rock Shooter onde decorrem lutas intermináveis entre a titular da série e as mais diversas inimigas.

Não me vou meter aqui com paninhos quentes: A animação e arte 2D da série é má! A OVA não era nada de especial, sendo perfeitamente média, mas esta série de TV tem momentos em que a qualidade se torna quase desconfortável de ver. E como se não bastasse a má qualidade da arte da série ainda temos o guião onde o drama é levado ao exagero, a historia é atirada de um lado para o outro à procura do twist que dá jeito para introduzir a personagem seguinte e do momento dramático que deixa toda a gente lavada em lágrimas: as personagens porque a historia assim o dita e nós, espectadores, sem saber se choramos por aquele enredo ser tão mão ou se nos choramos a rir precisamente pela mesma razão.

Mas nem tudo é de se deitar fora: a banda sonora deve no mínimo apelar aos fãs da licença e o 3D está muito bem encaminhado para passar despercebido no meio da animação tradicional… ou pelo menos da boa animação tradicional.

Como podem notar não é propriamente uma série que recomende e o pior é que ainda não acabei, esperem só pela próxima.

Guilty Crown

Guilty Crown

Aqui vamos outra vez. Com uma equipa que contava com o realizador de Death Note e composição pela mesma pessoa que compôs Code Geass sem esquecer a musica a cargo dos Supercell e tudo isto debaixo do tecto que nos deu séries como Ghost in the Shell ou Eden of the East, a Productions I.G. As expectativas eram altas mas poucos esperavam o que saiu dali.

Ouma Shuu é um rapaz tímido que sempre procurou não se meter em problemas. Vai à escola num Japão que sofre ainda os efeitos do “Natal Perdido”, um evento que causou um surto viral que levou ao controlo do país por uma organização chamada GHQ e à introdução de lei marcial. Tudo muda quando ele conhece Yuzuriha Inori, a vocalista de uma banda underground, e ao mesmo tempo adquire o poder do rei que lhe dá a capacidade de extrair voids do coração das pessoas.

A pior parte de Guilty Crown é que a premissa até parece bastante sólida e, pior ainda, o próprio outline do enredo idem porém a execução devia tornar-se num caso-estudo sobre o que não fazer: desde o inicio excessivamente parado numa tentativa de enfiar um dia a dia escolar à força na historia até à segunda parte que, apesar de melhor, parece ver-se aflita para conseguir fechar os muitos pontos que foi deixando em aberto pelo caminho.

Guilty Crown não é uma boa série mas custa-me bem mais dizê-lo do que Black Rock Shooter. É que ao contrario dessa, esta consegue ter excelente animação e arte, boa música e acima de tudo um enredo que mesmo no seu pior nunca atinge o melodramático ridículo da série de Mari Okada.

Mas para mais fica prometida uma analise mais detalhada em breve.

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Mais uma vez espera-nos uma temporada recheada de coisas que muito parecem prometer apesar que desta vez estou pessoalmente muito mais pessimista no que toca ao resultado final. Mas vamos então ás séries propriamente ditas.

Sakamichi no Apollon

Sakamichi no Apollon

Comecemos por aquela que promete ser a principal bomba desta temporada: Sakamichi no Apollon apresenta-se como uma historia situada nos anos 60 sobre o crescer de um aluno de secundaria que está constantemente a mudar de residência. Com muito Jazz à mistura e uma premissa que habitualmente não me faria ponderar seguir a série Sakamichi no Apollon é uma série a ter em conta pelo simples facto de marcar o regresso de Shinichirou Watanabe à realização ao mesmo tempo que Yokko Kanno fica encarregue do lado musical da equação.

Para quem não faz ideia de quem são estes dois nomes vale a pena mencionar que duas das ultimas vezes que estes dois nomes sonantes da industria se juntaram os resultados foram séries como Macross Plus ou o muito aclamado Cowboy Bebop. Com um historial destes não há como não ficar entusiasmado e no que me toca só espero não sair desapontado.

Hyouka

E já que falamos em hype vamos ao segundo candidato a titulo de série com o mais elevado hype da temporada: Hyouka é a mais recente série do inigualável estúdio Kyoto Animation (Clannad, Haruhi). O famoso estúdio de animação está de volta depois do flop que foi Nichijou com a adaptação de uma série de light novels sobre “mistérios do dia a dia”.

Com um guião está a cargo de Gatou Shouji (Full Metal Panic!), a dupla de vozes que fez de Tomoya e Sunohara em Clannad de volta para papeis praticamente idênticos e um trailer que demonstra uma qualidade de animação que faz novamente inveja a muitos filmes há pelo menos qualquer coisa aqui para me deixa no mínimo curioso mas tudo indica que esta série pode confirmar que o mito de que tudo em que a KyoAni toca se transforma em ouro está morto e enterrado.

Medaka Box

Medaka Box

Nisio Isin está de volta com mais uma da suas obras adaptadas ao pequeno ecrã. Desta feita é a manga de que é autor na Shounen Jump e que conta a historia de uma rapariga, Kurokami Medaka, que é em tudo perfeita e que decide concorrer a presidente da associação de estudantes. Na eleição ela promete responder a todos os pedidos que coloquem na sua caixa de sugestões enquanto o seu amigo de infância e personagem principal, Hitoyoshi Zenkichi, é arrastado para o meio desta confusão.

Apesar da adaptação televisiva estar a cargo de um estúdio que dispensa apresentações, a Gainax, é preciso ter em atenção que nos últimos anos tem existido um êxodo de talento da companhia que significa que a Gainax de hoje não é a mesma Gainax que ainda há sensivelmente 2 anos nos brindou com o irreverente Panty & Stocking with Garterbelt. Alia-se a esse facto uma historia que, apesar de todo o brilhantismo de Nisio, é amplamente considerada como tendo um inicio fraco que leva demasiado tempo a ser ultrapassado e temos a receita para uma série que carece de um pouco de sal no seu consumo. O problema não é tanto que a adaptação possa falhar mas sim que a adaptação falhe matando as hipóteses de se vir a adaptar no futuro as partes mais interessantes da manga. Mas tudo isto são apenas receios e por agora resta-nos apenas esperar para ver como é que a Gainax descalça esta bota.

Eureka Seven AO

Eureka Seven: Astral Ocean

Falando em receios aqui temos mais um: a Bones está de volta à carga com uma sequela aquela que é uma das suas mais aclamadas séries. Eureka Seven: Astral Ocean é a sequela à aclamada serie de 2005 e parece colocar como protagonista o filho dos dois protagonistas da série original. Isto não seria grande problema não fosse o final da série original colocar praticamente de lado a possibilidade dos dois protagonistas alguma vez conseguirem tal proeza sem utilizar um qualquer deus ex machina ou reescrever o final da série original. Como se isso não bastasse a série diz que se vai situar em Okinawa num futuro próximo, algo que entra em conflito com o posicionamento temporal da série original que se situava num futuro longínquo num planeta que pouco se assemelhava à terra actual.

Com tudo isto é normal estar apreensivo e ver esta sequela como uma forma de explorar um nome popular para fazer dinheiro mas como sempre darei o beneficio da dúvida e tentarei ser espectador desta nova série da Bones. É que com todos os defeitos as séries deste estúdio têm sido pelo menos quase sempre interessantes (fora excepções como No. 6, a primeira série que abandonei a meio em anos).

Jormungand

Fate/Zero, Zetman, Jormungand e Ozuma

É importante mencionar também que Fate/Zero está de volta com a segunda metade dos seus 12 episódios a ser transmitida nesta temporada primaveril. Desfrutei bastante da primeira metade e espero ansiosamente pela conclusão desta adaptação televisiva da Ufotable da historia de Urobuchi Gen no universo de Fate.

No campo da séries menos sonantes que estou a planear dar uma vista de olhos temos como cabeça de cartaz Zetman pela TMS Entertainment que parece possuir um estilo mais escuro e adulto infelizmente incomum nos dias de hoje, Jormungand pelas mãos da White Fox e com uma premissa aparentemente interessante e por fim Ozuma que à primeira vista parece ser um perfeito exemplar de ficção cientifica clássica e cujos parcos 6 episódios fazem com que dar uma vista de olhos não ocupe muito do meu tempo.

Quanto ao que vem da temporada anterior tenho ainda Moretsu Pirates e Gundam AGE para além dos Shounen habituais: Naruto Shippuuden, Fairy Tail e Hunter x Hunter. Bleach por outro lado parece estar prestes a terminar e Rinne no Lagrange optou por dividir a sua temporada a meio à semelhança de Fate/Zero reduzindo ainda mais o numero de séries que transitam de uma temporada para outra.

Esta temporada que se avizinha promete ter muitas séries dignas de uma vista de olhos mas poucas que me deixam confiante de vir a ser efectivamente interessantes. Só espero que a tradição se mantenha e as minhas previsões se tornem a verificar erradas.

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Time of Eve

Num futuro próximo, provavelmente no Japão, muito tempo depois dos robots terem sido introduzidos no dia a dia e não muito tempo depois dos robots estilo humanos, ou andróides, terem aparecido.

Devido ao Comité de Ética Robot as pessoas acham natural tratar os robots como electrodomésticos. No entanto e devido à sua aparência humana, excepção feita aos aros sobre as suas cabeças, alguns humanos (apelidados de dori-kei/android-style) estão a ficar demasiado atraídos aos androides causando problemas sociais.

Rikuo foi ensinado a tratar os androides da forma que trata desde criança. Ele não pensa nos androides como seres humanos e usa-os apenas como ferramentas. Um dia ele descobre que palavras estranhas apareceram no registo de actividade do seu robot de casa Sammy:

“Estás a gostar do tempo de EVE?”

Refazendo os passos dela com o seu amigo Masaki, ele chega a um estranho café com o slogan de não discriminar entre seres humanos e androides.

Time of Eve é uma série originalmente transmitida online nos idos de 2008 mas que foi posteriormente editada e exibida nos cinemas, conta-nos a historia de um potencial futuro próximo em que robots de aspecto humano são um facto da vida quotidiana e explora um cenário de discriminação quando dos seres humanos aos robots.

As expectativas são muitas e o universo parece promissor mas será que este filme tem os argumentos certos que me fizeram desfrutar do tempo que passei a vê-lo?

Sammy

Time of Eve abre em força com as 3 leis da robótica de Asimov a serem apresentadas logo nos primeiros 5 minutos do filme:

1. Um robot não pode aleijar um ser humano ou, por inacção, permitir que um ser humano seja magoado.
2. Um robot deve obedecer ás ordens que lhe forem dadas por um ser humano excepto quando essas ordens entram em conflicto com a primeira lei.
3. Um robot deve proteger a sua própria existência desde que essa protecção não entre em conflicto com a primeira ou segunda regra.

Isto marca o ponto de partida para uma historia que vê o nosso personagem principal, Rikuo, ser confrontado com os diversos clientes do Time of EVE e os seus problemas enquanto que ao mesmo tempo vê o seu próprio preconceito para com os androides ser lentamente exorcizado. Esse quebrar do preconceito vai leva-lo a aproximar-se da sua própria android Sammy que apenas deseja que o seu dono desfrute do café que faz ou que volte a tocar piano. É uma historia simples sobre o dia a dia desta sociedade futurista claramente inspirada nos trabalhos de Asimov com tudo o que de bom que isso acarreta.

Em termos de arte e animação a qualidade dos cenários é digna de menção com bastante recurso a animação 3D de muitíssima qualidade e o design das personagens é sem sombra de duvidas muito agradável. Por vezes, no entanto, nota-se que a qualidade da animação está ligeiramente abaixo do que é normal num filme de animação mas isso não coloca em causa a qualidade global muito acima da normal numa qualquer série televisiva. Quanto à banda sonora raramente se nota cumprindo o seu papel sem nada de negativo a assinalar mas também sem grandes rasgos de genialidade.

Veredicto: Time of Eve proporcionou-me com um serão bem passado na sua companhia. Tem um universo promissor que só peca pelo âmbito tão curto do filme porém está recheado de charme e é fortemente indicado a qualquer fã de ficção cientifica ou pelo menos àquelas que unem essa paixão à paixão pela animação.

• Imagem: 7/10
• Som: 6/10
• História: 6/10
• Personagens: 7/10
• Nota Final: 7/10

Time of Eve pode ser actualmente visualizado online em Portugal por cerca de 5€/mês através do serviço online Crunchyroll. Quando a edição em DVD/BR fora do japão nada se sabe ainda. Time of Eve @ TV Wall

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The IDOLM@STER

O jogo segue a carreira de um produtor que trabalha no fictício estúdio 765 Productions com um grupo de potenciais idolos pop.

Quando comecei a trabalhar nesta review pensei para mim mesmo “Caraças! Isto tem tantas personagens que eu já nem me lembro do nome de metade delas.” mas ao recolher os screencaps percebi que isso não era estritamente verdade: lembrava-me ainda do nome de cada uma daquelas personagens. The iDOLM@STER foi uma série que me apanhou de surpresa: esperava um produto destinado aos fãs, recheado de fanservice das mais diversas formas e com um enredo praticamente esvaziado de conteúdo porém o que a A-1 Pictures acabou por apresentar foi uma série Slice-of-Life sobre raparigas que aspiram a ser ídolos pop com bom drama à mistura.

The iDOLM@STER apresenta-nos o trabalho de um produtor novato (e curiosamente sem nome) acabado de chegar ao estúdio 765Pro para orientar o nosso role de 12 personagens principais: Amami Haruka, Futami Ami e a sua irmã Mami, Ganaha Hibiki, Hagiwara Yukiho, Hoshii Miki, Kikuchi Makoto, Kisaragi Chihaya, Minase Iori, Miura Azusa, Shijou Takane, Takatsuki Yayoi. Para o ajudar vai estar o Presidente da pequena companhia, a secretaria Otonashi Kotori e a ex-ídolo virada produtora Akizuki Ritsuko.

Produtor

A historia em si é relativamente fácil de resumir consistindo do caminho das nossas protagonistas de desconhecidas a populares ídolos com todos os problemas que isso acarretam aliados a um ou outro problema pessoal que por vezes serve como percalço a ultrapassar. Como seria de esperar os 25 episódios da série não servem para dar igual tempo de antena a todas as personagens porém todas elas são brindadas com os seus momentos na ribalta. Nota em particular para duas: Kisaragi Chihaya cujos problemas pessoais começam desde cedo a ser lentamente introduzidos como principal fonte de drama e Amami Haruka que por momentos parece quase assumir um papel de protagonista principal numa série que consegue manter um raro equilíbrio no que toca ao seu vasto elenco. E é mesmo este vasto elenco que suporta e leva a série até à conclusão: as raparigas da série são sem sombra de duvidas o cerne da historia e o desfrutar da série está intimamente ligado ao seu dia-a-dia.

Pessoalmente tenho que dizer que como minha favorita escolheria a já acima mencionada Kisaragi Chihaya. A voz de Chihaya é assegurada pela mesma actriz (Imai Asami) que deu a voz a uma das minhas personagens favoritas do ano que passou (Makise Kurisu, Steins;Gate) que tem aqui mais uma actuação excelente culminada pela extremamente emocional faixa Yakusoku que serve como ponto final ao arco da sua personagem. Isto não invalida outras brilhantes actuações como foi o caso das vozes de Miki ou Takane sem esquecer as gémeas Mami e Ami que muitos momentos de diversão asseguraram ao longo da série.

Ídolos

Curiosamente no campo da música a minha opinião já não é tão positiva: as faixas originam do jogo como seria de esperar e cumprem o seu trabalho sem quaisquer problemas a apontar. O meu problema prende-se mais com as faixas vocais interpretadas pelas actrizes encarregues de cada uma das personagens: a maioria das faixas são do mais típico jpop que existe e são na generalidade tão recheadas de açúcar que apenas serão indicadas aos mais acérrimos adeptos do género. Excepção feita às duas musicas de entrada Ready!! e Change!!!! que colocam todas as personagens em coro e que, apesar do seu elevado conteúdo de açúcar, marcam perfeitamente o tom da série. No entanto ainda alguém me há de explicar o sentido da letra da primeira musica e o seu “Are you ready? I’m lady!”.

No entanto e apesar do forte cariz musical da série seria de esperar que fosse comum a existência de momentos musicais e respectivas coreografias à semelhança do que acontece no jogo original porém, e dada a óbvia sobrecarga que esses momentos colocam no orçamento, estes são relativamente escassos ficando a parte musical da série a cargo das diferentes musicas de fim, cada uma dedicada a uma ou mais das personagens principais e acompanhadas de uma montagem a condizer. Infelizmente mesmo os momentos em que efectivamente somos brindados com coreografias estas recorrem repetidas vezes a repetições e fundos 3D que quebram um pouco a imersão apesar da qualidade e fluidez da animação das mesmas.

Já agora e a titulo de curiosidade o nome da produtora (765Pro) lê-se “Namco Pro” com os números do nome escolhidos a dedo para permitir esta pequena brincadeira com a editora do jogo.

Veredicto: No fim de tudo isto e feitas as contas, The IDOLM@STER foi uma agradável surpresa que me deixou durante 25 semanas na companhia destas simpáticas raparigas, das suas aventuras e desventuras. Que mais pode um fã de slice-of-life como eu desejar?

• Imagem: 7/10
• Som: 7/10
• História: 8/10
• Personagens: 9/10
• Nota Final: 8/10

The iDOLM@STER terminou recentemente a sua emissão no Japão porém não se encontra licenciado para edição em DVD/BR fora do Japão. The iDOLM@STER @ TV Wall

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Un-Go

Uma historia de detectives à séria sobre a combinação de um detective e um rapaz que, por motivos pessoais, atacam juntos os mais difíceis mistérios criminais do mundo. A profissão de detective deixou de ser glamorosa há muito porém é assim que o jovem Yuuki Shinjuurou se identifica a si mesmo. Com a sua elevada capacidade de dedução, Shinjuurou resolve vários complicados casos. Entretanto, Inga, uma atraente jovem rapariga, serve de parceira de Shinjuurou. Porém, e ao contrario do seu aspecto atraente, ele é um tenaz e arrogante rebelde. A razão pela qual Inga se mantém ao lado de Shinjuurou é ainda desconhecida.

A historia situa-se numa futura Tóquio ainda com mazelas de uma recente guerra. Quem domina a terra é o rei dos media Kaishou Rinroku que através da política e industria tem a infraestrutura de telecomunicações sob o seu controlo. Kaishou usou a sua mente tenaz e a quantidade massiva de informação à sua disposição para chegar à solução de um elevado numero de casos. No entanto existe um lado negro nas brilhantes deduções de Kaishou: que Yuuki Shinjuurou, o Último Grande Detective, é na realidade o responsável por extrair a verdade desses casos. Porém o publico não sabe disto e refere-se a Shinjuurou como o Detective Derrotado. Mesmo assim Shinjuurou, acompanhado por Inga, não deixa a sua busca pela verdade.

O ano de 2011 em termos de animação nipónica não foi nada de se deitar fora com séries como Madoka Magica, Steins;Gate ou Fate/Zero a dominarem completamente as atenções mas não só de grandes produções é feito o meio e por vezes compensa dar uma vista de olhos a outras séries mais modestas que por vezes surpreendem. Un-Go, trazido até nós pelas mãos da Bones, é uma dessas séries.

Esta série do espaço NoitaminA trata-se de uma adaptação de um livro de Sakaguchi Ango situado no Japão do pós 2ª guerra mundial que se vê aqui transformado num futuro próximo em que o Japão lida com as consequências de uma violenta guerra contra o terrorismo que deixou uma boa parte da cidade de Tóquio (pelo menos) em ruínas. A informação é estritamente controlada graças à tecnologia de um tal de Kaishou Rinroku, um magnata e detective que usa e controla tanto quando possível a web lado a lado com o governo. Shinjuurou é o seu rival: o Detective Derrotado tanto quanto o grande público sabe já que os seus feitos são constantemente encobridos pela teia de Kaishou. Mas a impressionante capacidade de desvendar mistérios de Shinjuurou não é tudo e ele conta com o auxilio de Inga: uma misteriosa mulher com o poder de forçar qualquer pessoa a responder sem mentiras ou omissões a uma das suas perguntas.

Un-Go conta-nos a historia de Shinjuurou neste universo que mistura um futuro próximo com possíveis mazelas da paranóia terrorista dos últimos 10 anos com pequenos toques de sobrenatural numa mistura que primeiro se estranha mas depois se entranha. Na verdade o começo da série pode-se apelidar de pouco cativante: episódio após episódio somos brindados com pequenos casos que nos levam a pensar que a série se resume ao “monstro” da semana. Porém, e ao contrario do que aconteceu com Dantalian no Shoka, Un-Go aproveita a segunda metade dos seus parcos 11 episódios para explorar o seu universo sobrenatural para proporcionar dois grandes mistérios finais que colocam à prova a capacidade tanto do protagonista como de nós telespectadores de desvendar situações ao bom e velho estilo de sala fechada.

Yuuki Shinjuurou

E por mais estranho que pareça isto leva-nos à qualidade da animação. Un-Go não é brilhante nesse campo mas, como é tradicional nas produções da Bones, a animação tem qualidade e a arte é boa mesmo que se notem por vezes alguns cortes de custos relativamente óbvios mas que nunca comprometem o desfrutar da historia. Na realidade aquilo que por vezes parecem ser erros relativamente graves de animação são na realidade pistas não tão subtis que podem ajudar o espectador a desvendar parte do mistério.

Em termos de banda sonora não há muito a indicar com as faixas a cumprirem os seus papéis e as musicas de entrada e dos créditos (respectivamente pelos School Food Punshiment e Lama) a vincarem bem o aspecto moderno da arte utilizada. Nota particular para a musica que marca o ponto da historia em que o protagonista faz as suas grandes revelações que não deixa de ditar perfeitamente o correcto sentimento da cena com um estilo muito reminiscente de uma qualquer adaptação de Zorro. Por seu lado o trabalho dos actores que dão a vós aos personagens cumpre o esperado sem grandes pontos a destacar quer negativa quer positivamente.

No fim o único ponto fraco de Un-Go é mesmo aquele que é ao mesmo tempo um dos seus pontos mais fortes: o sobrenatural, utilizado com grande mestria como peça fundamental da segunda metade da série, fica um pouco por explicar nos 11 episódios transmitidos porém parece que o episódio 0 exibido em alguns cinemas nipónicos corrige a situação pelo que actualizarei este paragrafo quando tiver possibilidade de o visualizar.

Veredicto: Un-Go é foi uma excelente forma de passar o tempo e deixou-me na antecipação durante grande parte da sua emissão pelo que é altamente recomendável para quem gostar de mistérios com toques de sobrenatural.

• Imagem: 8/10
• Som: 8/10
• História: 8/10
• Personagens: 6/10
• Nota Final: 7/10

Un-Go terminou recentemente a sua emissão no Japão e encontra-se ainda disponível para visualização online em diversos sites (porém nenhum deles com direitos para Portugal). Encontra-se também licenciado para distribuição nos EUA e Reino Unido porém sem nenhuma data anunciada para o lançamento. Un-Go @ TV Wall

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Como tinha mencionado há uns tempos nas redes sociais vou adoptar uma política diferente nestes reports a partir de agora: vou esforçar-me para que sejam mais curtos e concisos para os poder completar com um artigo dedicado a cada uma das séries abordadas. Quem corre por gosto não cansa e é fácil demais alongar-me nas séries que mais gostei tornando os artigos demasiado maçudos e deixando-me sem material para os artigos dedicados a séries individuais.

E posto isto vamos aos bonecos!

Un-Go

Começamos pela série que mais me surpreendeu na temporada: Un-Go foi-nos trazida com mestria pelas mãos da Bones e foi com gosto que esperei semana após semana pelos novos episódios da série, em particular na segunda metade quando a historia atinge o seu pico e o enredo global começa a revelar-se cada vez mais ao invés das pequenas historias semanais do inicio.

Em termos de arte e animação não há grandes defeitos a apontar e a sonorização da série também cumpre sem nunca deslumbrar porém o enredo é particularmente interessante e merece pelo menos uma breve vista de olhos. A série peca no entanto por ter uma parte importantíssima da backstory dos personagens principais contada apenas no episódio 0 que não chegou a ser emitido estando relegado a uma exibição em apenas alguns cinemas nipónicos. Resta então esperar pela edição em DVD/Blu-Ray para ver essa falha colmatada.

 
The iDOLM@STER

Nota importante também para The iDOLM@STER, a adaptação televisiva do popular jogo que coloca o jogador no lugar de um produtor de ídolos japoneses na empresa 765-Pro (lido como Namco-Pro num trocadilho com a editora do jogo).

Entrei nesta série à espera de um simples debitar de fanservice dirigido aos adeptos do jogo mas a A-1 Pictures conseguiu dar a voltar e apresentar não só uma série relativamente competente a explorar o dia a dia das ídolos que a licença lhe confere como também até uma boa dose de drama para completar o ramalhete.

The iDOLM@STER

Com uma equipa recheada de veteranos do meio se calhar foi culpa minha por não ter esperado mais mas a verdade é que fui agradavelmente surpreendido pelo resultado final e pode-se dizer que fiquei altamente tentado em experimentar o jogo (que infelizmente tem uma probabilidade próxima de zero de alguma vez vir a ser exportado).

No campo da arte não há grandes queixas a acrescentar mas já na animação foram notórias as limitações orçamentais, algo mais do que notório no uso de 3D e reciclagem de animações nas já de si pouco frequentes actuações musicais das protagonistas. Já no campo do áudio apenas posso dizer que cumpriu o que se esperava de um jogo focado em cantoras pop japonesas pelo que o desfrutar desse campo da serie dependerá sempre do gosto do espectador pelo género musical em questão.

Working’!!

A segunda temporada de Working! foi uma série que eu antecipava bastante depois da agradável surpresa que a primeira temporada me proporcionou em meados de 2010 no entanto as mudanças em posições tão importantes como o Som e a Direcção. Fiquem no entanto descansados pois as mudanças pouco se fizeram notar e esta segunda temporada é uma digna sucessora do nome que enverga.

Working'!!

Takanashi-kun e demais empregados do restaurante Wagnaria estão de volta para mais aventuras no dia a dia do restaurante e os momentos de comédia voltam a mostrar-se extremamente eficazes. É verdade que a série adoptou tons ligeiramente mais escuros na segunda temporada porém é apenas uma ligeira diferença que depressa passa despercebida. Na realidade a qualidade técnica da adaptação até tende a aumentar nesta segunda temporada.

No entanto o que não passa assim tão despercebido é a falta de um grande fio condutor nesta segunda iteração ao contrario da primeira que alterou ligeiramente a ordem dos eventos do trabalho original para dar um maior foco à relação entre o protagonista e a androfóbica Inami.

Mas mesmo assim e no fim de contas Working´!! não deixa de ser uma das séries mais fortes da temporada mas fica ligeiramente abaixo da sua antecessora. Por mim a série funcionou tão bem que fico ansiosamente à espera de uma terceira temporada.

Tamayura: Hitotose

Se Working’!! cumpriu o que se esperava já Tamayura: Hitotose infelizmente não. Apesar da qualidade dos fundos maioritariamente estáticos esta adaptação ao pequeno ecrã de Tamayura não consegui atingir as expectativas que tinha para ela. O orçamento mostra-se claramente contido e a banda sonora apesar de adequada nunca atinge o brilhantismo exibido por séries como Aria, aquela que é para mim o benchmark do género e também ela fruto da direcção de Satou Jun`ichi.

Tamayura: Hitotose

Podíamos dizer que o parco numero de 13 episódios da temporada não chega para criar uma ligação emocional ás protagonistas mas eu discordo já que a primeira temporada de Aria possui exactamente esse numero de episódios e não deixa de o conseguir. E é mesmo com as personagens que eu tenho mais problemas: a personagem principal é uma rapariga doce e torna-se impossível uma pessoa não deixar de gostar dela porém o mesmo já não pode ser dito de todas as suas companheiras. A personalidade de Okazaki Norie em particular e especialmente o seu constante exagero depressa se tornam mais irritante do que engraçada e as tentativas de colocar a pacata e serena Sakurada Maon num papel de rapariga indecisa nos seus sonhos de futuro não foram, na minha opinião, particularmente bem conseguidas o que prejudica fortemente uma série que se quer suportar apenas nas suas personagens.

Mas o pecado capital e aquele que dita a grande diferença entre Tamayura e Aria para mim é o facto de no ultimo a cidade em si ser a principal personagem ao contrario do que acontece com a primeira. Por muito que eu tenha ficado emocionalmente investido nas historias das raparigas de Aria foi a cidade em si, conforme explorada por Akari-chan em substituição do espectador, que me fez voltar aquele mundo dia após dia. Tamayura tinha tudo para explorar a mesma química mas nunca ou raramente o fez e isso fez com que certas partes da série pudessem facilmente recair em puro aborrecimento.

Tamayura: Hitotose não é uma má série mas podia ser muito mais e como fã do género doí-me chegar a esta conclusão.

Hidamari Sketch X SP

Das mãos da Shaft temos um pequeno conjunto de 2 episódios especiais de Hidamari Sketch para matar as saudades enquanto não é emitida a anunciada quarta temporada.

Não há muito a dizer sobre estes episódios sendo que o segundo está claramente melhor conseguido do que o primeiro que pela primeira vez conseguiu cansar-me durante os seus cerca de 25 minutos do estilo típico do estúdio e do experimentalismo de Shinbou Akiyuki.

No fim de contas é meramente mais Hidamari Sketch com todos os defeitos e qualidades que isso acarreta mas sobre isso falarei mais num futuro artigo dedicado à série em geral.

Carnival Phantasm

Por fim falta mencionar Carnival Phantasm, a série comemorativa do 10º aniversario do estúdio Type-Moon executada pelas mãos do estúdio de animação Lerche.

Esta série é pura e simplesmente insana. Não a níveis de Excel Saga mas perto. Carnival Phantasm é apenas indicado a fãs das obras do estúdio em questão pois deixará certamente os outros demasiado desenquadrados de várias das piadas e paródias apresentadas no curto espaço de 14 minutos por episódio mas para aqueles que se incluem nesse grupo é uma obra imperdível.

Começando pelas mortes constantes do Lancer referenciado a sua triste sorte e sempre acompanhadas por referencias ao South Park que culminam numa parodia aos filmes Final Destination até às desventuras de Shirou e Shiki ao tentarem conciliar um encontro simultâneo com todas as heroínas das suas respectivas Visual Novels sem esquecer as muitas parodias à guerra do cálice.

Carnival Phantasm é sem sombra de duvidas essencial aos conhecedores da obra da Type-Moon e como tal eu pessoalmente desfrutei bastante mas tenho perfeita noção que é apontado a um nicho e isso é importante deixar aqui realçado.

 
Feitas as contas até foi uma temporada relativamente positiva mas com Fate/Zero e Horizon parados devido à adopção de um formato split-cour que adiou as respectivas conclusões para a temporada Primaveril de 2012 não há mais para dizer.

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