Stereorama

Io so chi sono, lettera a Manuel Agnelli

2016-05-17T21:03:00.001+02:00

Villacidro, 17 maggio 2016

Colonna sonora mentre scrivo: Watching the wheels

Ciao Manuel,

ti scrivo perché in questi giorni ho letto la notizia che sarai il nuovo giudice di X Factor e sono sconvolta dai commenti che ho sentito in giro.

Ho letto tante di quelle cose vuotissime pro e contro di te da lasciarmi a bocca aperta, l'ultima diceva che sei l'erede di Malcolm McClaren e che stai letteralmente "raccogliendo i frutti del tuo culo" (articolo del Fatto quotidiano).

Ho visto gli Afterhours 9 volte, in tutte queste occasioni hai dimostrato chiaramente che non hai tempo da perdere e che le cose che fai, difficilmente, sono lasciate al caso (in particolare mi riferisco al Tora Tora a Cagliari -forse nel 2004- quando hanno abbassato senza senso il volume e hai spaccato la chitarra a terra prendendotela -giustamente- con l'amministrazione comunale). Un'altra cosa interessante sul tuo percorso artistico e non secondaria è che hai sempre cercato di portare avanti progetti di promozione culturale, cercando di fare emergere situazioni sonore ai più sconosciute, passando dal Tora Tora al Paese è Reale, dal Jack Daniels on Tour alle esperienze in teatro sino a X Factor. Ho avuto il piacere di intervistare Giorgio Prette due mesi fa e abbiamo parlato proprio dell'esperienza del Tora Tora, ti allego il link.

Da ascoltatrice credo che la tua carriera sia stata fin ora in crescendo e Padania a mio avviso sia uno dei migliori dischi italiani di sempre (assieme a Arbeith Macht Frei e Crack degli Area, Ut dei New Trolls, Amore non amore di Battisti e qualche altra perla): suona alle mie orecchie proprio come un atto di liberazione, è un'opera quasi dada in cui l'armonia si disintegra per riassemblarsi in qualcosa di stupefacente e incredibilmente mio: Io so chi sono, so qual è il mio nome.
Tra qualche giorno uscirà Folfiri o Folfox, il nuovo disco degli Afterhours che attendo con curiosità, l'ho pre-ordinato, chissà come sarà e se mi conquisterete ancora! Il singolo mi è piaciuto parecchio, là in mezzo ho colto un po' di diavolerie di Xabier e una genuina dose -massiccia- di veleno!

Veniamo al dunque...

Perché ti scrivo? Voglio difenderti o attaccarti? -forse ti domanderai-

La verità è che sono qui per dire a te e a pochi altri: "Io Sto con gli Artisti".

Io credo che in musica e in Arte vincano sempre gli Artisti, non quelli retorici e ripetitivi che accontentano sterilmente il pubblico (che non sono Artisti), ma coloro che, come diceva Battisti, lo "guidano". In Arte vincono quelli che osano dove il loro seguito non avrebbe mai immaginato perché hanno semplicemente curiosità di farlo, sperimentando nuove forme di comunicazione o rimanendo uguali se è ciò che ciò che realmente desiderano.
Sento di difendere la tua libertà di essere uguale o contraddirti, di spingerti avanti o da un'altra parte. Seguire il proprio istinto è l'unica cosa importante in questo momento complesso della nostra Storia.

Le persone in questi giorni giocano con te, la tua partecipazione a X Factor è stata per tanti troppo scioccante. Sei in una situazione di sovraesposizione con un disco in uscita, che a quanto pare sarà molto tosto, e alle porte una nuova avventura in un sistema mediatico tradizionale. I giudizi nei tuoi confronti non sono certo galanti e io, davvero, non capisco perché: nessuno ha sentito il disco o visto il programma! I giorni scorsi ho anche dibattuto amichevolmente con un'altra blogger sulla questione XFactor. Sai, mi viene in mente quella volta in cui a "Speciale per voi" il pubblico si scagliò contro Battisti giudicandolo pesantemente per le sue "canzonette". Quello stesso Battisti ha (qualche anno dopo), battuto strade artistiche ostiche, innovative e tutt'ora incomprese dal suo pubblico, con coraggio e voglia di sperimentare.
La gente ha sempre da ridire.

In attesa del disco e di vederti in Tv,

ti saluto

Martina

Ps: Potrei mica intervistarti?

Fotografia di Davide Visca

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Il Paese è reale: Manuel Agnelli, X Factor e noi

2016-05-16T21:00:00.001+02:00

Foto di Federica Travaglianti

Questi giorni ho letto un po' di cose relative alla partecipazione di Manuel Agnelli a X Factor. Le riflessioni sono state per il 90% offensive in cui gli aggettivi andavano dal venduto al fallito, il restante 10% tendeva a difendere a spada tratta il suo eroe, come se fosse una questione religiosa, un po' estremista. L'unico intervento che ho voluto commentare è quello di Borchie+Briciole, il Blog di Valentina Sedda, che seguo da un annetto con molto interesse. Il caso ha voluto che io e Valentina diventassimo amiche virtuali, di quelle che si avvisano quando esce un disco e cose così. Questa volta abbiamo discusso su questa cosa dell'Agnelli a X Factor, divergendo armonicamente in un discorso civile. Abbiamo quindi pensato di trascrivere la cosa sui nostri Blog. Curiosando nel suo troverete una copia di questa discussione.

Valentina: A distanza di giorni penso che forse stiamo tutti perdendo una buona occasione per starci zitti. Ma si sa, la lingua corre veloce quando c'è da criticare e quando c'è da difendere.

Per quanto l'argomento Agnelli mi stia sempre a cuore, devo dire che mi ci sono abbastanza stracciata le palle persino io con questa diatriba.

Quante, quante persone mi hanno detto la loro, chiesto cosa ne pensassi e pure presa con affetto un po' per il culo per le scelte di qualcun altro.

Dopo il primo momento di esitazione, dopo le 7 fanatiche fasi del lutto attraversate in un paio d'ore, dopo essermi indirettamente sentita dare della fascista reazionaria da chi non aveva intenzione di confrontarsi, ho letto questo articolo su Il Fatto Quotidiano. Manuel, fai parte e stai costruendo anche tu la grande truffa del rock'n'roll. Prendi i soldi e scappa, Manuel. Comprati un chiodo nuovo. Vai in tv, fottitene come sempre dell'opinione dei tuoi fan e guadagna ciò che puoi. Te lo meriti. È stata la prima opinione che ho trovato davvero condivisibile. Tu che ne pensi, Martina?

Martina Penso che se devo schierarmi con qualcuno, preferisco sia un artista. Difendo la sua curiosità, la libertà di sbagliare, di cambiare direzione. Devo assolutamente ripescare una bellissima intervista a Riccardo Tesio dei Marlene Kuntz in cui diceva qualcosa tipo 'potrei anche non azzeccarne più una, ma se nella mia carriera anche solo un pezzo ha reso migliore la vita di qualcuno, allora ho intrapreso il giusto cammino'. Credo ci siano troppi giudici in giro con il falso moralismo che dilaga qua e là. Non parlo di te, sia chiaro peró un live and let live or live and let die suona alle mie orecchie molto meglio di un 'ha raccolto i frutti del suo culo' (frase letta sul citato articolo de Il fatto Quotidiano).

Valentina Non saprei Marty, perché nel live and let live per me rientra anche il diritto alla critica verso le scelte di un artista da cui ti aspetti iniziative differenti. Sono portata a pensare che "prendi i soldi e scappa" sia molto più onesto e realistico del nobile scopo di cambiar le cose tramite ció che la tv è ora. Ma si sa, io sono cinica, innamorata e quantomeno sorpresa. Quindi molto molto poco obiettiva.

Per quanto mi riguarda è una questione "affettiva" della visione unilaterale che hai dei tuoi eroi. Nella maniera snobina di pensarsi migliori di un certo tipo di tv. E del diritto a una reazione che non sia difesa, critica o cinismo ma solo un infantile restarci di merda.

Martina La critica ci sta, è giusta, ma non credo sia questo il momento per farla. Insomma il programma non è iniziato, i motivi che spingono a un'azione sono tanti e di certo Manuel non è nuovo ad autentici slanci di promozione culturale, pensa al Tora Tora, al Paese è reale oltre alla sua attività di talent scout, in fondo tra i vari motivi questo è anche logico.

Valentina Ma qui ne si fa una questione abbastanza ottusa di principio e stupore, Marty, lo ammetto. Una questione della visione che si ha di certe dinamiche e di un certi ambienti. Non dico sia giusto, ma sarei ipocrita a negare che la cosa non mi piaccia tanto, anche prima che il programma inizi. In ogni caso è venuto fuori talmente un pieno da sta questione che lo scopo di far parlare è già in parte raggiunto.

Martina Sicuramente se ne parla abbastanza. Credo che un onesto stupore sia lecito, ma dare del venduto a un artista che s'è sempre fatto gli affari suoi, come tanti critichini in rete stanno facendo in questi giorni, mi da come al solito da pensare.

Io guardo X Factor dal 2010, quando il mio ragazzo mi ha detto Morgan parla come te. Non mi piaceva lui, invece ho scoperto un mondo bellissimo, intricato, pieno di sorprese e nonsense, tutte cose che ricerco in ogni talento artistico.

Sul fatto che i talent show uccidano la musica, ovviamente non sono d'accordo. In Italia abbiamo un casino di artisti inutili in vetta alle classifiche anche senza questi programmi TV. I ragazzi possono scegliere, come tutti, se partecipare al gioco o no. Se poi si sentono arrivati per una due mesi in TV probabilmente dovrebbero leggersi un po'di biografie, tipo quella di Sinatra, Elvis e tanti altri. I momenti bui arrivano per tutti, solo che gli artisti prima o poi tornano a galla. Gli altri no.

Valentina Sai che non smetterei mai di seguire gli After per una vicenda come questa e dare del venduto ad Agnelli mi sembra semplicistico. Cosí come difenderlo a prescindere - e non parlo di te, sia chiaro. Posso capire quello che dici per la fiducia che ho nelle tue opinioni, ma non conosco davvero i talent e mi sembra giusto non ribattere su questo. Visti dal di fuori mi sembrano l'ennesimo spreco di risorse e basta. Sicuramente il problema della musica in Italia non dipende solo da quel tipo di programmi, ma da una cultura che non è più cultura da un pezzo. Quindi preferirei mille programmi tipo Ghiaccio Bollente in prima serata, piuttosto che scuole di critica per persone che non vogliono fare musica ma solo avere successo. Ma sul fatto che solo gli artisti tornano a galla hai pienamente ragione. Anche dopo 20 anni, magari. Ma tornano.

Martina Io seguo X Factor dal 2010, come ti ho accennato prima (o 2011 ora mi è venuto il dubbio) e la cosa non ha minimamente influenzato il mio giudizio sulla qualità della musica, sull'idea che avevo e che maturo giorno per giorno sull'importanza dell'Arte in questa umanità. L'arte ci salvifica, la menzogna ci rende greggi e grezzi, nel senso più basso del termine. Le persone devono imparare a sviluppare un proprio senso critico e smetterla di dare le colpe ai Talent Show che anzi potrebbero fungere da spunto di riflessione su cosa vogliamo e cosa no. La verità è che sono ciò che sono: giochi a premi. Chi cerca la fama prima o poi morirà di fame. Chi ambisce al talento, chi cerca una strada per esprimersi, prima o poi la troverà. Manuel potrebbe fare la differenza in un contesto così preconfezionato, perché è dannatamente acido.

Valentina Hai perfettamente ragione sul fatto che l'arte salvifica e che le persone dovrebbero sviluppare un proprio senso critico. Ma alle persone conviene spesso non essere curiose, prendere come assoluto ció che passa in tv e dimenticare in fretta i pareri contrastanti. Ora diró una cosa che mi farà passare come l'ennesima indie radical chic de sto cazzo: io non ho la tv dal 2008, quindi non conosco più nulla di ciò che passano - se non per scelta di rivedere pochi programmi in streaming. Non conosco nulla e non voglio più che determinate cose mi infettino. Voglio scegliere di eliminarle dalla mia vita, non di subirle. Conoscendoti, credo che tu abbia decisamente scelto di guardare X-Factor negli anni passati, non di subirlo. Ma quanti fanno davvero come te? Questo discorso esula da Agnelli ormai, ma giustifica il mio rimanerci male e non sostenere la sua partecipazione. Non vuoi di certo che il tuo eroe contamini la sua e la tua filosofia in questo modo. Ma è solo perché mi tocca su una delle poche cose su cui sono assolutamente assolutista. Io con la tv italiana non voglio averci nulla a che fare. E niente. Amen.

Martina: Chiudo la mia riflessione dicendo che la Tv è un mezzo e che secondo me bisogna smettere di identificarla col messaggio.

Valentina:Il poeta ribelle, lo hanno definito. Ma tu ti rendi conto? Ma chi cazzo è, il Jim Morrison nel diario delle medie? Io voglio piangere. Me lo spolperanno di ogni profondità in tv. Banalizzeranno tutto. Voglio piangere.

Martina: Sai Vale questi giorni mi sono confrontata con un po’ di persone, alcune delle quali come noi seguono gli Afterhours con ardito interesse e la maggior parte come te sono preoccupate di questo esperimento. A me piace un casino il libero arbitrio, le cose inusuali e gli accostamenti assurdi, per questo mi vien su da chiudere, adesso per davvero -prometto-, con due frasi, una di Padania: “Se un sogno si attacca come una colla all'anima tutto diventa vero tu invece no”, l’altra da Io so chi sono “L'inferno è vivere da re, cercando solo prove intorno a te che quel che hai fatto è giusto [...] oggi ho avuto un dono, io so chi sono, so qual è il mio nome”. #iostoconmanuel!

PS: Se non conoscete Borchie+Briciole fateci un salto, è ricco di spunti interessanti!

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Quello che non c'è negli Afterhours

Spazio Guest. Antonio Caputo racconta il concerto di Bugo

2016-05-09T09:38:00.002+02:00

Antonio Caputo mi ha contattata qualche tempo fa per chiedermi uno spazio su Stereorama. Ha scritto per altri Blog ed è appassionato di musica. La settimana scorsa è stato al concerto di Bugo e questo è il suo resoconto!

Quando perdi il gel e trovi la coca-cola. Essersi assentati dai palcoscenici per ben quattro anni e ripresentarsi con il doppio delle energie, fisiche ed espressive, ti fa entrare di diritto nell'olimpo dei grandi artisti. Questa cosa la sta facendo Bugo che con uno dei suoi colpi da maestro sta mettendo un paio di cose a posto nella scena musicale italiana.

Clamoroso e allo stesso tempo entusiasmante fu il suo rientro, a fine 2015, con l’Ep Arrivano i Nostri che ha anticipato il suo nuovo album Nessuna scala da salire, messo su mercato anche in versione vinile che, guarda caso, è al primo posto nella classifica delle vendite.

Dati economici a parte è doveroso dire che Bugo il vizio di fare dei concerti spettacolari non l’ha perso. Nella sua dimensione preferita, il cosiddetto fantautore da il meglio di se, circondandosi, poi, di musicisti di primo livello. Vedere lui e la sua band esibirsi al Monk di Roma è stata davvero una gioia completa. L’inizio è stato di quelli folgoranti: rock puro, a tratti Me la godo è uno di quegli inni che si scrivono una volta sola nella vita e sembra essere la giusta canzone contemporanea in grado di raccogliere quella pesante eredità lasciata da Vado al massimo di un certo Vasco Rossi. Neanche a farlo a posta, quando arriva il momento di Ggell, Bugo si inventa un medley che lega il suo pezzo al celebre Bollicine del Vasco nazionale. Decisamente più intimo quando le versioni di quei due capolavori che rispondono al nome di Che diritti ho su di te e Comunque io voglio te, vengono eseguite voce e piano, lì era anche lecito commuoversi.

si è sentita anche qualche reminiscenza lo-fi e tanta, tanta energia sprigionata dai brani, vecchi e nuovi, ben amalgamati in questa soluzione speciale.

Il finale affidato a cavalli di battaglia come C’è crisi e Nel giro giusto, altri inni, a conferma del fatto che Cristian Bugatti (il suo vero nome) è l’artista italiano che più mantiene viva quella tradizione (se di tradizionale si può parlare) di cantautori del passato come, Gaetano, Celentano, anche Battisti e lo stesso Vasco Rossi, che hanno saputo mettere d’accordo il pubblico mainstream con quello alternativo (ora indie).

E allora, Vincenzo Mollica, cosa aspetti, corri a intervistare Bugo e portalo nelle tavole delle famiglie italiane!

Antonio C.
caputontonio@gmail.com

Intervista. Antonio Aiazzi dalle tastiere ai giochi da tavolo, dai Litfiba all'Opera rock

2016-05-02T18:20:00.001+02:00

Ho iniziato ad ascoltare i Litfiba nel 1989, in terza elementare. La mia prima cassetta originale della band è stata quella meraviglia di

Aprite i vostri occhi 12-5-87. Li ho anche visti nel tour Pirata a Cagliari, nell'estate del 1990 e ho rischiato d’essere schiacciata da un cancello sfondato dai loro fans. Fortunatamente mio padre si è accorto e mi ha scaraventata a distanza, così me la sono cavata con qualche livido. Il mio secondo concerto è avvenuto il 21 agosto del 1993: Terremoto. Questo è stato il primo vero Live della mia vita perché a quel punto conoscevo abbastanza bene i Litfiba per provare sia gioia sia consapevolezza. A mio parere le tastiere di Antonio Aiazzi sono state fondamentali per il sound creato dalla band, ho sempre rimarcato questa mia convinzione, senza di lui sarebbero stati un'altra cosa. Ecco l'intervista:

Quando ha iniziato a suonare?

A circa sette anni, entravo di nascosto in camera di mia sorella per suonare una pianola (una Frontalini accordion elettric) che doveva essere il primo passo per dei suoi studi di piano. Ma è andata in un altro modo...

Nel corso del tempo i Litfiba hanno cambiato stile. Da tastierista, che rapporti ha con la tecnologia -intesa come attrezzatura per fare musica-? Preferisce il vecchio sound o le novità?

Oggi mi piace mischiare, quindi posso suonare una fisarmonica un po’ scordata e calante e suonare MAIN STAGE dentro un Mac. Sto pensando di trovare anche strumenti elettrici un po’ vintage . Il suono è scoperta, ma tornare indietro a sentire anche suoni dimenticati può esserlo. In questo momento sono di nuovo attratto dal suono anni ’60.

C’è un’occasione particolare in cui avete capito che i Litfiba stavano diventando “grandi", conosciuti ovunque?

Ci sono stati degli avvenimenti che ci hanno fatto salire ogni volta uno scalino, ma la nostra gavetta ci ha insegnato che dovevamo lavorare molto. Comunque non mi sembra che abbiamo mai avuto l’impressione di avere fatto Bingo. Già essere indipendenti dai genitori era un bel risultato.

Secondo lei è cambiato il pubblico?

Sicuramente si, è cambiato nel senso che è scomparso! Ma comprendo quello che sta succedendo, siamo dentro la generazione della pigrizia tecnologica multitasking. Funzionano solo i grandissimi eventi da stadio.

A un certo punto ha messo da parte la musica, almeno ufficialmente, per dedicarsi ai giochi da tavolo. Come è nata l’idea di avventurarsi in questo settore?

L’idea non è mia ma di mia moglie, che un giorno nel 2007 ha pensato di fare un gioco sulla Toscana, un Trivial. Io sono sempre stato un appassionato di giochi (e scherzi) e le ho dato una mano. Poi è diventata una attività con altri prodotti, adesso stiamo preparando dei nuovi giochi sotto il nostro marchio Giochi Briosi.

A parte il tour con Gianni Maroccolo “Nulla è andato perso” ha altri progetti musicali -e non- in cantiere?

Musicali, un’ Opera Rock con degli amici, ci stiamo lavorando da un anno e adesso siamo alla fase “cerca il produttore." Poi ho anche iniziato a lavorare ad un' idea musicale/visiva sperimentale, ma adesso non ho tempo e testa.

Che musica le piace ascoltare? Mi suggerirebbe qualche disco?

Ormai non è più questione di quale musica, ma di cosa ti arriva o no. Suggerisco un’artista che mi ha sbalordito, sentendo una sera la sua voce in radio: Lianne La Havas. Ma questo genere di meraviglie spesso sono molto personali.

Grazie!

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Jim Morrison fuori dal mito

Lunga Attesa dei Marlene Kuntz, altro che ritorno al passato!

2016-04-28T22:46:00.004+02:00

Ormai è ufficiale, Lunga Attesa è una delle novità più interessanti del momento, l'ascolto a nastro continuo e mi ci perdo.

Questo disco non è un semplice album, no, è una fotografia. Lo accosto idealmente a Guernica in quel lontano 1937, giusto un attimo prima che le bombe arrivassero.

I colori usati sono già quelli di Picasso ma il momento è nostro, con piccole spaccature solari e intensi momenti immobili. Lunga attesa è stupendo e implacabile in tutta la sua autenticità.

Narrazione racconta pensieri comuni di persone comuni accomunate dall'assenza di un pensiero critico. Una realtà così non può che portare la noia in chi invalida il mucchio non buttandocisi dentro. Se la cosa non vi è chiara probabilmente è perché non c'è niente di nuovo in tutto questo.
Tutto è già stato assorbito e assimilato.

Modificato il DNA.

Questo pezzo mi ha assalita. L'ho riascoltato parecchie volte facendomi del male ma è così crudo, quanta insensibilità abbiamo accumulato?

Perché tutti continuano a dire che Lunga attesa è in linea con i primi dischi dei Marlene Kuntz? Per me è così contemporaneo che non ritrovo alcuna affinità concettuale con gli anni '90: questi Marlene parlano di altre cose. Mi rendo conto di dissentire da tutte le recensioni che ho letto ma pare queste si moltiplichino a dismisura ripetendo sempre la stessa filastrocca. Io colgo temi e strutture differenti rispetto ai dischi icona della band. Un nuovo logo. Un'attesa lunga in un percorso ostico.

Una strada lunga, attesa e battuta lentamente si divide in due rami: l'universale incomprensibile e il vuoto cosmico sociale. Un po' di requie è un amore distruttivo e intenso che si spera non finisca mai. Il sole è la libertà di chi estrae sostegno dall'unicità dei rapporti umani. Potrebbe anche essere una dichiarazione d'amore a un figlio. Potrebbe. E poi arriva Leda, l'unico pezzo che non amo o almeno così dovrebbe essere, se non fosse che al minuto 3,07, all'improvviso arriva una rovinosa caduta agli inferi: la batteria accelera il mio ritmo cardiaco accompagnata da quel basso che è un fucile.

Mi stende.

Ogni volta.

Mi stupisco e la riavvolgo.

Questo è talento.

Poi c'è città dormitorio. Un mostro che avanza lento, così l'ha descritta Godano. Concordiamo. Non so perché ma empaticamente mi ricorda Black Sabbath e War Pigs dei Black Sabbath. Non hanno nulla a che vedere se non quell'oscuro immobilismo che cammina deformato, deformante e senza luce. Ma non finisce qui. No. Perché questo disco è intriso di perle, di innovazioni repentine e disarmanti. Al minuto 4,25 c'è un coro incredibile. Sembra Chernobyl e quelle voci paiono bambini. Fa paura da quanto è struggente. Sulla strada dei ricordi il sentiero non è certo migliore, ascolto rimpianti e punti interrogativi, note che dilatano i pensieri. Un attimo divino spezza la catena, umano e arruffato, finalmente il cuore palpita di speranza. Il tempo di un respiro. Fecondità è un treno da prendere al volo, rapido e meraviglioso, una freccia rossa che chiede silenzio. E i toni non sono certo amichevoli.

Formidabile chiude il cerchio.

Ora servirebbe una chiusura ad effetto o forse no.
10 e infiniti +

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Intervista: Cristiano Godano parla di Lunga Attesa

Finalmente ho ritrovato il disco dei Black Sabbath

2016-04-25T12:38:00.004+02:00

Stamattina stavo riascoltando qualche mia vecchia puntata radio, tra cui l'intervista a Paolo Campana che qualche anno fa ha girato il mondo alla scoperta di vinili. Pensate che ha intervistato discografici, dj e artisti come Peter Saville, che ha creato le celebri copertine dei Joy Division o Winston Smith che si è invece dedicato ai Dead Kennedys, Ben Harper e tanti altri..

Ieri sono stato sotto

dove adesso c'è un enorme specchio

e finalmente ho ritrovato

il disco dei Black Sabbath

se lo guardi girare può ipnotizzare

etichetta a spirale diventa un cono che sale

(sale sale sale)

tridimensionale

Amore Assurdo, Morgan

Il moto centripeto dei miei pensieri ha riportato a galla un piacevole ricordo di quando ero piccina: i miei cugini compravano assiduamente LP e per il primissimo ascolto si stava tutti in silenzio ad ascoltarlo. Che meraviglia!
I miei amici sono passati molto presto al cd, già nel 1994 girava questo formato super mini. Io, che non avevo i soldi per comprarmi il lettore, ho continuato a rifornirmi di Lp che verso il 1995-97 costavano 2 lire. Li acquistavo sul Nannucci: Equipe 84, Joy Division e altre cose incompatibili tra loro ma vestibilissime per me.

Perché non ho mai smesso di comprare vinili?

Il Vinile permette di studiare al meglio le rifiniture della copertina, di leggere i testi e tenere tra le mani un'estensione ingombrante di ciò che è sul piatto. Non credo di essere una nostalgica perché io non ho mai smesso di ascoltarli e comprarli inoltre questo Blog ha il nome del mio giradischi, che fu di mio padre, lo Stereorama 2000 deluxe.

Non sono una purista del suono, una che va contro il progresso, no. Le cose cambiano. Qualche tempo fa parlavo con una ragazza che avrà avuto 19 anni e mi ha detto di non aver mai acquistato musica su un supporto, come dire, tangibile. I suoi primi dischi li ha avuti direttamente sull'Ipod che le è stato regalato quando era alle elementari.

Le band scrivono dischi che sono fruibili gratuitamente su spotify e quasi nessuno, se non i collezionisti, sono disposti a sganciare soldi e spazio per averli sottomano. Io stessa ne ho molti solo in formato digitale. Tuttavia, per quanto mi riguarda, l'LP non è una moda o un rincorrere qualcosa che non esiste più, anzi è un oggetto d'uso quotidiano.

Provate ad ascoltare Ummagumma dei Pink Floyd con la copertina del vinile tra le mani. Provate!

La differenza tra il formato liquido e il vecchio, antiquato vinile è tutta lì. Nella carta, nella bellezza di certe copertine che si fondono con la musica in esse contenute.

Bene, questa riflessione è come un cane che si morde la coda, piena zeppa di input, di riflessioni campate in aria ma io ho la febbre e sono a letto da due giorni.

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Intervista. Cristiano Godano racconta Lunga Attesa e i primi 25 anni dei Marlene Kuntz

2016-04-18T10:09:00.001+02:00

Venerdì scorso ho avuto il piacere di fare quattro chiacchiere con Cristiano Godano in relazione all'ultimo disco dei Marlene Kuntz, "Lunga Attesa" e ai primi 25 anni della band...

Questo è un LP estremamente tosto, contemporaneo e dinamico: oltre al tiro pauroso -un vero muro- le tematiche affrontate sono un lucido affresco del momento in cui viviamo. Non capita spesso ma in questo disco c’è davvero un intero periodo storico. Inoltre Lunga Attesa è in movimento: ogni traccia contiene al suo interno una variazione o qualcosa che, quando credevo di aver afferrato il senso, mi ha stupita. Complimenti.

Grazie (sorride)

Mi racconti un po’ della stesura?

La composizione è simile a quella degli altri dischi, di solito noi andiamo in studio e proviamo a fare musica che ci sorprenda, che non ci dia la sensazione di averla già eseguita. Cerchiamo di non avere consapevolezza, cioè non andiamo in studio dicendo “dobbiamo fare quella cosa in quel modo perché poi la produrremo in questo modo e funzionerà per un certo tipo di pubblico e per le radio”. Noi non siamo fatti così. Di solito ci incontriamo per suonare, in questo caso l’unico nostro presupposto è stato “impediamoci di essere soft”. Ogni volta che ci ammorbidivamo un po’, cercavamo poi di fare una roba tosta. Avevamo voglia di questo. Poi le cose venivano da sé, per esempio, il pezzo che hai sentito nel sound check (città dormitorio), è un brano lento.

Però che muro, secondo me è uno dei più potenti del disco, è un macigno!

Si certo, una cosa voluta è stato avere due o tre pezzi che “tirano indietro”, sempre con questo mood pesante ma più adagio. Città dormitorio è un mostro che avanza con lentezza e mi ricorda un po’ un certo tipo di doom metal. Volevo quel tipo di effetto lì. A un certo punto dicevamo “non facciamo roba molle finché ci riusciamo” ma per noi è impossibile abbandonarla completamente. In effetti il disco contiene due o tre pezzi così, pur cercando nel complesso un piglio più tirato.

Dopo aver fatto le mie riflessioni e stilato le domande ho letto, per curiosità, un po’ di recensioni. Io ti ho già fatto la mia ma ho notato che, spesso, Lunga Attesa è considerato un filo diretto col passato. Cosa pensi di questa affermazione?

Le letture sulle nostre cose molto spesso ci hanno spiazzato, deluso e tante volte non le avevamo messe in conto. Noi non abbiamo un animo provocatore, per esempio, quando abbiamo fatto Uno non volevamo andare controcorrente tipo “voi volete le chitarre distorte e noi facciamo questa cosa qua”. No. Per noi era un disco che poteva andare in quella direzione.

Tu sei un artista non devi farlo per me, principalmente chi deve godere del disco sei tu. No?

(Cristiano annuisce) Un po’, più vai avanti e più sei consapevole di quello che stai facendo e sarebbe veramente falso se io ti dicessi che faccio musica solo per me, la realizzo sperando che piaccia alla gente però mai per ottenere un certo tipo di effetto. Io so solo che cerco di fare buona musica e quindi spesso le reazioni mi, ci hanno dato dispiacere, così alla fine ci siam detti “Vabbè forse non capiscono un cazzo. Loro.” Questo tipo di reazione, su Lunga Attesa dico, era un po’ più prevedibile però (ride), ti pare che una band un minimo intelligente dica “andiamo a fare un disco che sappia di passato”, no? L’unica nostra remora era sul fatto che avremmo usato solo chitarre, quando i dischi così oggi sono pochi e non sono considerati la cosa più cool, anche nell’ambiente più underground eccetera eccetera. Ci siamo quindi preoccupati di farlo risultare moderno anche senza le tastiere che oggi vanno molto. Proprio l’esatto contrario delle cose che hai letto! (sorridiamo)

Io ho sempre inteso le dinamiche relazionali all’interno di un gruppo un po’ come i rapporti di coppia, quindi vorrei chiederti: come riuscite a mantenere la passione accesa dopo oltre 20 anni assieme?

Non c’è il sesso di mezzo. Noi siamo eterosessuali quindi tra di noi non c’è mai stato nessun interesse in questo senso. Il sesso spesso crea danni all’interno dei gruppi. Secondo me la maggior parte delle coppie scoppiano per problemi legati ad esso, la passione è difficile da mantenere quindi non avendo dinamiche di questo tipo è più facile portare avanti la band. Sorrido ma credo di non dire una stronzata. Poi i Marlene Kuntz stanno assieme ormai da 25 anni e per me questo è miracoloso e sicuramente rimarchevole: noi siamo realmente amici, realmente solidali e realmente stimolati a vicenda. Tutt’ora non ci siamo stufati l’uno dell’altro: ogni volta che andiamo in sala prove sappiamo cosa l’altro può dare ma siamo anche certi che proverà e riuscirà a sorprenderci. Non è da tutti questa cosa.

Torniamo al disco, i testi sono nati in contemporanea alla musica o in un secondo momento?

Io penso sempre i testi dopo che la musica mi ha dato un po’ di supporto anche perché cercano sempre di stare dietro al suo mood. L’80% della musica qui dentro è cattiva, sostenuta, acida, così i testi avevano bisogno di una chiave di lettura che fosse coerente. Alcuni mi hanno detto “Cristiano i testi stavolta son proprio incazzati”, io non credo che fosse quello il mio spirito ma ho senz’altro cercato una resa efficace trovando argomenti di discussione che mi prendessero, ovviamente. Non voglio certo scrivere di qualcosa che non sento! (sorride) In questo caso bisogna avere la calma per aspettare la cosa giusta che ti faccia sentire a casa in quel momento.

Mi è venuto in mente il testo di Niente di nuovo. Ricordo che nei primissimi ascolti è stato uno dei brani che mi ha maggiormente commosso. È particolarmente toccante, ho avuto il bisogno di riascoltarlo subito più volte.

Capisco, credo che sia il mio pezzo preferito del disco. (sorridiamo)

Un evento bellissimo legato a Lunga Attesa è il contest che avete creato lanciando questo testo nell’etere (i Marlene Kuntz hanno pubblicato il testo di Lunga Attesa prima dell’uscita del disco, invitando i fans a utilizzarlo per creare un proprio brano) ricevendo in cambio ben 200 versioni!

Sono 320 non 200! La cosa ultima che il pubblico ha ricevuto è arrivata in maniera sequenziale, molto lentamente. Preciso che noi non l’abbiamo pensata come contest perché non ci piacciono.

Però la ricompensa è stata molto bella (i video dei primi 30 pezzi finalisti sono stati postati sui canali social della band).

Si per carità, era un atto dovuto trovare un premio perché abbiamo chiesto alla gente di fare una cosa anche se non esattamente per noi ma più per la creatività. La cosa è nata in un certo modo: coi Marlene cerchiamo di rendere la nostra pagina facebook un po’ interessante e pubblichiamo ogni giorno la canzone del mattino e quella della sera.

A me è capitato spessissimo di imbattermi nell’una o nell’altra, è una buona idea!

Pubblichiamo alle 11 e alle 21 come se fosse un po’ una radio e a un certo punto abbiamo pensato di fare “il testo della settimana” a disposizione della gente dal punto di vista della sola lettura, così abbiamo iniziato a postare quelli vecchi sganciandoli dalla musica. In prossimità della chiusura del disco ho avuto il guizzo di postare un testo nuovo, di una canzone non ancora pubblicata, Lunga Attesa. Addirittura inizialmente, preso dall’entusiasmo, ho pensato di pubblicarli tutti, uno a settimana. Però poteva diventare una cosa un po’ pesante e forse sgradita al pubblico che avrebbe potuto dirci “preferisco leggermi i testi quando esce il disco.” Così ci siamo limitati a uno, da lì a farlo musicare il passo è stato molto breve, il risultato è stato sorprendente e davvero inaspettato. Pensavamo “la gente sentirà che il testo funziona” ma in tutta onestà nessuno di noi avrebbe mai immaginato di ricevere oltre 300 versioni. Le abbiamo ascoltate tutte eh!

Per correttezza e per curiosità immagino…

Si esatto, proprio per questo.

Oltre i primi 30 avete fatto altre piacevoli scoperte?

Si assolutamente, ci siamo posti un limite di 30 brani scegliendone 10 a testa. C’è un sacco di roba che mi ha davvero incantato. Realmente. Abbiamo tenuto fuori qualcosa che ci piaceva moltissimo. Figo.

Questa iniziativa è molto umana, nel senso che spezza un sacco di barriere

Si ma in maniera concreta, facendo cose! (sorride)

Esatto, mannaggia, se vi avessi mandato la mia… mi avreste cestinata! (Rido)

Non abbiamo cestinato nulla, tu l’hai fatta?

No, per fortuna vostra!

Magari saresti finita tra le prime 30, chissà! (ridiamo)

Ho poi chiesto a Cristiano di scattarsi una foto per supportare il mio sogno, #martinameetstones e ci siamo messi a chiacchierare di Mick Jagger.

Hey Cristiano, gli Stones stanno assieme 52 anni, vi hanno superati!

Martina, son molto più grandi di me, dacci il tempo di raggiungerli!

Bhe si in effetti! (risata generale)

Ci siamo infine salutati con un sorriso! Di Cristiano mi hanno colpita la semplicità come la sua simpatia e l’affabilità. Credo che da questa intervista traspaiano candidamente. Mi son anche avvicinata a Riccardo e ai due Luca per farmi autografare il vinile, con loro s’è parlato del disco e di quando li ho visti Live nel 1996. Andando via ho pensato “E se avessi avuto il coraggio di chiedergli un’intervista quando avevo 15 anni?” "Perché non ci ho pensato?" Chissà perché ho iniziato a fare ciò che amo, scrivere di musica, solo tanto tempo dopo…

Il concerto

La sera al Biggest di Samassi, una discoteca bellissima e assai vintage, ho assistito al concerto. Io stavo un po’ defilata accanto a Riccardo Tesio dove, inspiegabilmente si sentiva benissimo! Da quella posizione mi sono concentrata per parecchio tempo sulle chitarre e sui ping pong armonici tra lui e Cristiano, spettacolari, come la loro intesa fatta di gestualità rituali. Dall’altra parte c’era Luca Saporiti che -diciamocelo pure- ha un tiro pauroso. Il pezzo in cui mi ha emozionata di più è senz’altro Leda, esattamente nell’improvviso cambio in cui a ogni nota corrisponde un terremoto. Al centro Cristiano Godano, carismatico e passionale in tutta la sua esplosiva pacatezza. Ho osservato anche Luca Bergia che ha pompato il sangue alla band per tutto il concerto come un cuore in corsa: alla grande! Mi ero ripromessa di andare a salutare i Marlene dopo lo spettacolo poi ho pensato a quante persone sarebbero state lì a dire la loro, scattando foto tra baci e abbracci e sono andata via senza aggiungermi al carico umano ed emotivo che li avrà avvinghiati a sé nel post concerto.

Lunga Attesa è una bella storia che spazia e sorprende sia su disco sia dal vivo. Andate a vedere i Marlene Kuntz, spaccano!

Ringrazio mio fratello Guido per le foto.

Intervista. Massimiliano Casu, musica e urbanistica partecipativa

2016-03-21T12:13:00.006+01:00

Qualche tempo fa mi è capitato di venire a conoscenza di uno dei tanti progetti di Massimiliano Casu che, partendo dallo studio dell'architettura, ha esteso le sue ricerche alle dinamiche dell’incontro e della collaborazione attraverso le pratiche musicali. Dietro gli eventi e le performance che lui e il grupal crew collectiveorganizzano, c’è una ricerca dedita allo studio dell’urbanistica partecipativa in cui la musica è lo strumento che stimola l'incontro, il dialogo e la collaborazione nello spazio pubblico. Bell’idea, vero? Ho avuto il piacere di scambiare due chiacchiere con Massimiliano, ecco la trascrizione!

Massimo leggendo il tuo blog ho notato che ti occupi di moltissime cose, partiamo dal pricipio, qual è il percorso che ti ha portato in Spagna?

Io ho studiato Architettura a Cagliari e mi sono annoiato parecchio, credo sia una cosa comune a tanti studenti perché, almeno quando frequentavo io, non era la facoltà più stimolante del mondo. A un certo punto mi sono interessato di comunicazione e mi son traferito a Madrid per frequentare un master in comunicazione e architettura appassionandomi di urbanistica partecipativa, inizialmente in una direzione molto pratica e manuale. Ho poi voluto approfondire questa disciplina che non ha mai trovato cittadinanza nei dibattiti sull’architettura e per dirla tutta è stato più semplice organizzare alcuni progetti classificandoli come artistici. Tieni presente che gli interventi che facciamo negli spazi pubblici, come ristrutturare una piazza cercando di coinvolgere gli abitanti del quartiere, sono sempre stati finanziati da Centri d’Arte e affini. Mi sono poi interessato d’Arte pubblica e da lì è stato un cammino di estrazione degli elementi che mi interessavano: in tutte le pratiche partecipative di costruzione urbana la cosa più importante è come si genera il dialogo tra i partecipanti e tra tutti i linguaggi possibili per la comunicazione, uno dei più potenti è senz’altro la musica.

Il più immediato senza ombra di dubbio…

Si per varie questioni, la musica è un linguaggio non è verbale e coinvolge molte cose come il corpo e le emozioni ed è senz’altro molto efficace. Da profano, autodidatta e un po’ da impostore ho iniziato a usare questo strumento per cercare di raggiungere lo stesso obiettivo che si persegue con la costruzione urbana.

Sei in un limbo tra pratica artistica, musica e architettura pubblica, ho capito bene?

Esatto, la musica è lo strumento che utilizzo per costruire un ambiente urbano più partecipativo, collettivo.

Il tuo percorso è passato dalla realizzazione architettonica materiale, quella del “mattone” (uso questa parola con cognizione di causa) a un’idea di costruzione immateriale, intangibile; è come se tu costruissi una piazza e poi la animassi di persone

Si, però il cambio di prospettiva non è radicale. Quando studiavo architettura mi interessavo di semiotica e il mattone non è mai solamente un mattone…

Ovviamente, avendo studiato Storia dell’Arte mi sono approcciata all’architettura da un punto di vista storico, artistico e umano, sia chiaro!

L’elemento simbolico della musica è presente anche nella costruzione urbana per cui questo è solo un cambio di prospettiva. Per me la musica, in particolare la pratica della festa, sono un laboratorio architettonico dove la gente sperimenta nuovi modi di relazionarsi e usare il corpo; attorno a queste dinamiche si può costruire una città migliore.

È un ottimo punto di partenza e al contempo obiettivo per costruire una città diversa, partecipativa. Essendo molto appassionata di musica sono stata spesso a grandi concerti, penso a Paul McCartney ai fori imperiali nel 2003 con 500.000 persone o a Roger Waters con The Wall al Mediolanum e tanti altri. In quelle occasioni è assolutamente normale entrare in confidenza con perfetti sconosciuti magari mentre si fa la fila al botteghino o prima dell’inizio del concerto. In queste situazioni ci si sente avvolti da un senso comunitario familiare, si indossa una divisa e si innesca una comunicazione naturale di cameratismo. La pratica della festa è in una dimensione simile ma meno organizzata, penso al palco, alle strutture fisse che dividono la band dal pubblico o le zone all’interno di uno stadio. La festa abolisce queste sovrastrutture.

Ci sono due aspetti che mi interessano molto uno è l’universo del bass drop, momento più carico del pezzo che viene dopo una salita graduale. Ci sono degli studi sociologici su come la gente si comporta in situazioni collettive e proprio in quel momento si è individuata una totale pienezza individuale accompagnata a una identità di gruppo diffusa e diluita.

Il momento in cui si raggiunge il top sia come individui sia come collettività

Esatto. La tua pienezza individuale e al contempo la totale fusione con la collettività è ciò che cerco con le mie pratiche musicali.

Parliamo delle tue attività, spulciando sul tuo sito ho visto alcuni video molto interessanti il primo era all’interno di un bar. Tu eri in consolle e nei tavoli c’erano dei sensori che le persone potevano utilizzare per contribuire alla creazione del pezzo

Questo progetto cerca ancora la sua identità. I sensori rilevano le variazioni di capacità quando la gente mette la mano sopra, creando un suono mentre io organizzo l’architettura del set. A volte. Penso, per esempio, ai set di batteria riflettendo su come influenzino la partecipazione, poi controllo le dinamiche tra le persone e i volumi. Il video che hai visto è stato girato a Cagliari, al Bar Florio. Uso anche altri strumenti come il video tracking in cui una telecamera rileva i movimenti e da lì si attivano le note. Questo è fondamentale quando lavori con bambini perché sono un pericolo per i sensori fragili! Questa ricerca permette di osservare come le persone usano il corpo, lo spazio e gli oggetti per comunicare. E poi mi diverto molto. La cosa bella è l’aver trovato il modo per fare ricerca e lavorare su temi delicati in una maniera molto semplice.

Sicuramente è una struttura semplice ma non mi pare che il tuo approccio lo sia, anzi...

Ti ringrazio, ci sono molti punti di vista al riguardo a me piace riflettere bene, altri preferiscono l’improvvisazione, l’accesso immediato. Annualmente facciamo una festa al Matadero di Madrid in un centro d’Arte molto interessante, in cui ci sono dj set collettivi: la gente si scrive e può mettere su la sua playlist con 3 dischi e ha il suo momento di gloria con tanto di video proiettato sui maxi schermi. Gli facciamo vivere l’esperienza come quella dei grandi dj. La festa in sé è molto semplice e molti dei partecipanti la vivono come una serata divertente mentre per noi è una performance collettiva in cui si sperimentano le gerarchie liquide e come possiamo rendere compatibile l’essere il leader del gruppo mentre si è in consolle per poi tornare tra il pubblico. È un esperimento anche su come teatralizziamo le nostre azioni.

Devo aver letto qualcosa sul tuo sito e benché io non abbia scritto domande, tra gli appunti ho segnato “strade possibili”

Le cose di cui abbiamo parlato sono il cuore delle mie ricerche e al momento non so definirne il futuro ma ci sto lavorando (ride), però in termini di prospettive metterei l’accento sulle dinamiche dell’incontro e della collaborazione. Un’altra questione che mi appassiona molto è quella del laboratorio di idee, il laboratorio creativo. Per esempio qui a Madrid c’è un gruppo che balla Salsa, i Salsodromo, in spazi abbandonati o recuperando piazze, sempre negli spazi pubblici. Vorrei precisare che quando parlo di collaborazione e partecipazione la cosa non ha sempre una valenza positiva, non necessariamente l’incontro dev’essere una rimpatriata tra amici, può anche scaturirne un conflitto. La musica è una delle prime questioni di conflitto. Anche questa è una cosa molto interessante. Il dialogo non necessariamente deve mettere d’accordo ma è molto importante per riconoscere le posizioni dell’altro.

Un’altra delle tante cose che mi hanno incuriosito è il progetto Demos, mi spieghi cos'è?
Demos nasce dal concetto di identità narrative, in pratica è come se l’individuo non esistesse se non c’è un interlocutore. In questo senso la musica è molto importante, quando la ascolti o la crei ti colloca, mettendoti in relazione con gli altri.

Registrazione Demos, Cagliari

Se io avessi un pezzo nel cassetto, come potrei partecipare?

Lanciamo un bando nelle varie città quando abbiamo le risorse e le persone si iscrivono. In una sessione di tre ore si compone, produce e registra il pezzo. C’è chi ha una canzone, un sogno e chi non ha nessuna idea ma vuole partecipare. Produciamo i dischi in cicli compatti per cui ogni città ha il suo. Ci piace pensare che l’album sia un modo di raccontare i luoghi, le città in cui sono fatti. Il progetto va molto bene, l’anno scorso l’abbiamo portato in 4 Paesi del centro e Sud America. Al momento dovremmo avere all’attivo circa 10 dischi. Li trovi su www.demos.international.

Se passerete a Cagliari, vorrei partecipare!

L’abbiamo già fatto! Io vivo la mia dimensione da espatriato un po’ frustrato, quindi cerco sempre di portare lì i progetti che realizzo altrove. A Cagliari il progetto Demos è stato realizzato a Sa Domu, una scuola occupata appoggiandoci al laboratorio musicale di Danilo Casti, quel disco è venuto un po’ più rumoroso degli altri ma è molto bello e convive accanto ad altre 8 città del mondo tra cui Montevideo, San Salvador, Madrid, Bogotà...

Massimiliano ha in ballo molti altri progetti che vi stupiranno, a questo proposito vi consiglio vivamente di fare un salto sui suoi canali:

https://massimilianocasu.wordpress.com/

http://grupalcrewcollective.net/

Buona lettura!

Blue Note Jazz Collection

2016-03-20T11:03:00.004+01:00

Cari amanti del Jazz o curiosi che vogliono approfondirne la conoscenza, questa è per voi: ho scoperto una bellissima raccolta in 70 volumi corredati di cd per ripercorrere la storia del jazz moderno dagli albori ai giorni nostri attraverso le storie protagonisti e la loro sperimentazione che ha permesso alla musica di essere in continuo divenire.

La Blue note Jazz collection racconta la storia del Jazz moderno appoggiandosi al catalogo di una delle etichette più famose del settore, la Blue Note di Alfred Lion e Francis Wolff.

Se amate il jazz o volete approfondirne la conoscenza con questa raccolta avrete materiale a sufficienza per diventare veri esperti: avrete a disposizione 70 volumi e altrettanti cd che hanno contribuito a rendere prestigiosa l’etichetta Blue Note. Tra gli artisti presenti in collezione non possono mancare Miles Davis, John Coltrane, Art Blakey oltre a Herbie Hancock, Sonny Rollins e tanti altri per una raccolta completa, unica. Il prestigio della musica è corredato dall’altrettanta qualità editoriale curata da Riccardo Bertoncelli, famoso critico musicale ee scrittore italiano.

Scopri di più

La raccolta si può acquistare sia in edicola sia tramite abbonamento sul sito della De Agostini nel secondo caso si usufruirà dello sconto del 50% sul primo invio con 2 omaggi: un carica batterie portatile per cellulare e la tazza blue note.

Ho pensato di condividere questa notizia con voi perché amo la musica e credo che questa sia un'ottima raccolta, insomma la Blue Note è una garanzia! Poetete trovare maggiori info sul sito ufficiale.

Todo Modo. Intervista a Giorgio Prette e Paolo Saporiti

2016-03-14T10:01:00.002+01:00

Due settimane fa ho avuto il piacere e la fortuna di intervistare Giorgio Prette e Paolo Saporiti dei Todo Modo. Dopo aver visto 9 volte gli Afterhours posso affermare con certezza che adoro il piglio di Giorgio Prette alla batteria: con estrema naturalezza passa dalla suonata super tosta a quella elegante tipo Ringo in Something, avete presente? Altro artista a me noto e Xabier Iriondo, talentuosissimo chitarrista che oltre alla 6 corde, sul palco e in studio, si diletta con loop station e altre diavolerie per creare suggestioni incredibili! Il trio dei Todo Modo si completa con Paolo Saporiti, un cantautore che non conoscevo e che mi ha conquistato immediatamente... Ecco l'intervista:

Partiamo subito con il tasto dolente (Giorgio e Paolo fanno due facce perplesse), Giorgio in tanti continuano a chiederti perché sei andato via dagli Afterhours. Secondo me sei stato più che esaustivo nel comunicato stampa ufficiale quindi voglio avvertirti che non ti chiederò nulla.

(Paolo e Giorgio Scoppiano a ridere) Meno male, anche perché siamo qui con i Todo Modo…

Esatto! Ho però una domanda per entrambi (facce nuovamente serie e perplesse), come state, come è andato il viaggio? Paolo mi ha accennato al mare burrascoso… (risata generale)

Giorgio: C’è chi è navigato…

Paolo: e chi meno

Giorgio: Io ho dormito benissimo, in cuccetta si stava molto meglio che nel tragitto dal bar alla stanza, il mare era così agitato che quando stavamo in piedi sembrava avessimo bevuto assenzio...

Prima domanda per Giorgio, con Xabi vi lega una forte amicizia, c’è un momento particolare in cui sono nati i Todo Modo?

Si, nell’estate del 2013 in concomitanza con la mia decisione di lasciare gli Afterhours che è avvenuta un anno e mezzo prima che diventasse di dominio pubblico. All’epoca stavamo lavorando su Hai paura del Buio? che abbiamo fatto in tre io Manuel e Xabier e non si poteva realizzare senza me o Xabier e ovviamente nemmeno senza Manuel. Abbiamo perpetuato la cosa sino all’assolvimento degli impegni e siccome all’interno del gruppo la cosa già si sapeva io e Xabier abbiamo manifestato l’intenzione di continuare a suonare assieme. Le prime cose utilizzate coi Todo Modo le abbiamo buttate giù proprio in quel periodo senza ancora avere un progetto chiaro. A fine 2014 abbiamo deciso di fare sta’ cosa e avevamo bisogno di un capro espiatorio (ride), cioè qualcuno che scrivesse i testi e cantasse. Xabier collaborava già con Paolo e mi ha proposto il suo nome. Io non lo conoscevo, però se Xabier mi propone una nome gli do un certo peso, ecco. Poi detto questo, dalla settimana prossima me ne pentirò! (Risata generale) A parte gli scherzi lui ha risposto con entusiasmo, perché era inconsapevole e da lì è partito tutto.

Paolo, dove ti sei andato a cacciare?

In una cosa bellissima, perché, partendo dalle cose che loro avevano già fatto a tutto quello creato a partire da... subito, il progetto è partito davvero molto bene. Senza nessun freno, senza nessun retro pensiero, è stato tutto molto fresco e veloce. Tempi di registrazione: rapidissimi. Ogni cosa è stata masticata alla velocità della luce. Ho quasi la sensazione che sia già passata un’epoca. Per me anche essere qui in Sardegna a suonare non è una cosa piccola, nel senso che loro sono molto più “navigati” io molto meno e venir qua con un progetto così nuovo mi sembra un risultato enorme.

La foto più sfocata della storia: Giorgio Prette io e Paolo Saporiti

Parliamo del pubblico, quant’è cambiato nel corso degli anni? Secondo me parecchio e non in meglio…

Giorgio: Dipende molto dal contesto, inoltre il pubblico cambia geograficamente. Questo è innegabile. È una domanda molto difficile perché negli Afterhours, con 25 anni di storia alle spalle è più arduo valutare questo aspetto. Comunque si, il pubblico è stato più curioso negli anni ’90 e il discorso vale per tutta la scena italiana, non solo per gli Afterhours. Quando abbiamo cominciato, noi stavamo in un contesto sotterraneo e mancava un circuito di locali live nazionale, per cui era impensabile fare un tour italiano. I primi accenni organizzativi sono stati nel ’92. Per tornare alla tua domanda, in sintesi, quando il pubblico era quantitativamente più esiguo era molto più curioso. La gente ti veniva a vedere indipendentemente dal fatto di conoscerti e voleva scoprire cose nuove. Nel corso degli anni, crescendo l’audience, questa cosa è quasi totalmente scomparsa. I ragazzi oggi vanno a vedere i concerti solo di chi conoscono già.
Quando si è tentato di fare delle proposte per cercare di promuovere degli artisti, non dico che siamo miseramente falliti ma quasi.
Anche nei festival internazionali la gente va a vedere l’headliner e non gli frega niente di quello che c’è prima, questa è un’attitudine culturalmente sbagliata. Inoltre, nei festival europei, il cast è estremamente variegato, c’è di tutto e il pubblico vuole più l’evento che la musica. Soprattutto se fatto in un bel posto. Gli italiani vanno allo Sziget di Budapest, dove abbiamo suonato anche noi 3 anni fa e poi commentano “Ah che belli i festival all’estero!” In realtà si possono fare anche qua quel tipo di festival ma se si propongono in Italia le cose vengono sminuite.
Stiamo entrando nell’antropologia dell’italiano che dà poco peso a tutto quello che ha ed esalta ciò che viene da fuori indipendentemente dalla qualità…

Le uniche eccezioni sono forse i festival tematici, penso a quelli Blues, che frequento o al Gods of Metal in cui il genere comune stimola il pubblico a conoscere nuovi artisti.

Va benissimo, hai ragione. Nel mio discorso specifico pensavo al Tora Tora.

Sono stata a tutte le edizioni ed era stupendo…

La gente non entrava sino a quando suonavano gli headliners. Il paradosso è che quando eravamo noi gli il gruppo di punta facevamo meno pubblico di un nostro concerto da soli. Si è provato con Arezzo Wave e altri festival a mischiare le carte, facendo suonare i gruppi più grossi per primi ma niente. Speriamo che cambi. È anche una questione geografica: per la Sardegna chi organizza ha una maggiorazione dei costi legati ai trasporti ma c’è una fame di concerti come in tutto il meridione. In Puglia per esempio d’estate fanno all’opposto, c’è troppa roba in giro e il pubblico è troppo sparpagliato.

Una cosa positiva di questi tempi, anche se un po’ ambigua e troppo spesso usata male, sono i social network. Parlo per me che sono blogger e li trovo funzionali a ciò che voglio fare, senza sarebbe stato difficilissimo contattare voi come Fariselli, Finardi, Maroccolo e tutti gli altri artisti che ho avuto il piacere di conoscere… Negli anni ’90 questo era impensabile

Giorgio: se non avevi il telefono fisso... (ridiamo tutti) Indubbiamente ha eliminato dei filtri e si, il discorso è relativo al come si usano le cose…

Voi che rapporto avete con questi mezzi di comunicazione?

Paolo: Non fantastico, non siamo molto capaci, è come se venissimo da generazioni oni oni (ride) lontane

Giorgio: C’è un gap generazionale, con tutto il mio impegno non potrò mai avere la dimestichezza e l’automatismo di quelli che hanno anche solo 20 anni in meno di me.

Paolo: c’è anche una forma di sfiducia, almeno in noi non credo sia così spontaneo. È verissimo che a te permette di entrare in contatto diretto con alcuni artisti che altrimenti non avresti mai avvicinato ma è altrettanto vero che questo toglie ogni forma di scrematura e analisi qualitativa e meritocratica delle cose. Non parlo di te, ovviamente. Questo è il difetto più grosso di internet e non solo con gli artisti ma tra persone in generale. Non si è capito ancora dove andrà a finire e che cosa ha portato di reale nelle nostre vite. Credo i risultati si vedranno tra poco, come per tutte le innovazioni tecnologiche. Il discorso internet verrà scremato e tagliato a un certo punto. Come un’implosione naturale. Le innovazioni non è che poi devono rimanere, servono per fare passi avanti, creare delle ipotesi e le risposte arrivano da sole.

Paolo tu come scrivi, hai un metodo particolare?

C’è in me una sorta di disciplina legata al lavoro, nel senso che io tutte le mattine regolarmente ho delle ore dedicate alla musica. La scrittura è per me un gesto spontaneo che nasce quando mi metto in una determinata situazione. La cosa più semplice per me è imbracciare una chitarra perché tutto prende forma da una melodia. La bellezza di questo progetto con Giorgio e Xabier è stato spostare l’asse d questo mio metodo. Con loro ho potuto e dovuto scrivere in una situazione nuova. Per il gruppo ho preparato due o tre brani chitarra e voce, il resto sono state improvvisazioni loro sulle quali ho improvvisato testi e melodie. Altre cose sono nate dalla frequentazione in studio e dalle prove. Quindi i tre meccanismi sono questi. Mi sono abituato ad avere una sorta di riflesso naturale: quando mi metto in condizione di accettare quello che mi esce, esce. È una cosa che ho imparato a fare nel corso di 20 anni di lavoro.

Ultima domanda, una curiosità: qual è l’ultimo disco che avete ascoltato?

Giorgio: l’ultimo che ho comprato è Lunga Attesa dei Marlene Kuntz che mi è piaciuto moltissimo. Coi Marlene siamo amici da tanti anni ma musicalmente non sono mai stato un grande fan, pur apprezzandoli. Crescendo come persone e musicisti si impara ad andare al di là dei propri gusti quindi a riconoscere la qualità anche in contesti che non sono proprio i tuoi. È innegabile che i Marlene abbiano fatto dischi importanti, soprattutto i primi, e canzoni bellissime. Negli ultimi 10 anni, secondo me, si erano un po’ persi invece questo disco mi piace molto, ho mandato loro un sacco di messaggi. Sono uno stalker! (scoppiamo tutti a ridere) In realtà se c’è da fare dei complimenti a tutti ma soprattutto agli amici lo faccio stra-volentieri. Devo dire che è un bel disco.

Paolo: gli ultimi me li ha consigliati Xabier che mi ha dato un’infarinata generale su una scena post-punk che non conoscevo. Quindi ti dico subito Pere Ubu che hanno una concezione della musica più che moderna, spaventosi! Mi mancavano. Io arrivo dal cantautorato di stampo anglofono degli anni ’60 e ’70 e lì mi son fermato, parlo di Nick Drake, Tim Buckley, John Martin, Leonard Cohen, ecc... Questi artisti mi spostano il cuore. Poi per dovere e per coscienza a un certo punto bisogna allargare lo spettro. Razionalmente riesco ora a emozionarmi applicando l’intelletto e a star dietro all’emozione della conoscenza. Altra band nuova per me sono i Death Grips che hanno fatto un disco della madonna con un hip hop misto a noise e industrial. Una roba molto efficace e stimolante.

Grazie della chiacchierata, ci vediamo dopo sotto il palco!
Grazie, a dopo!

Parlare con Giorgio e Paolo è stato molto interessante, la nostra chiacchierata è volata via fluida e naturale lasciando spazio anche a qualche risata, poi ho visto il concerto. Fantastico. Sul palco c’era un’alchimia pazzesca, i tre sono andati dritti come un treno. Dopo aver visto Giorgio Prette live per la decima volta confermo quanto detto nell'intrudiozione, la varietà di registro con cui suona è incredibile! Xabier sta dentro il pezzo con ogni cellula del suo corpo: le espressioni del viso sono in perfetta sincronia con le note che sta o non sta suonando, se non fa nulla anche il corpo va in stand by diventando inespressivo per poi lanciarsi un attimo dopo nei suoi treni sonori. Grande performer!
Paolo Saporiti s'è perfettamente integrato nel datato sodalizio artistico che lega Giorgio e Xabi mettendoci del suo. Belli i testi, le melodie e i giochi vocali. Ho ascoltato anche il suo disco omonimo del 2014 e credo che andrò più a fondo nella scoperta di questo cantautore. I Todo Modo sono una nuova band italiana che merita attenzione. Ascoltateli e soprattutto andate a vederli live, SPACCANO!

PS: anche i Todo Modo sponsorizzano #martinameetstones!

Tutte le fotografie, tranne quella in cui ci sono io, sono state scattate da Emiliano Cocco.

Leggi anche Intervista: Cristiano Godano e le turbe speciali degli artisti

Intervista. Gianni Maroccolo e la ricerca degli incontri

2016-03-07T14:15:00.001+01:00

Nel 2014 ho cercato di intervistare Maroccolo ma preso da mille impegni non è mai riuscito a trovare il tempo. La vita però a volte offre nuove opportunità, così l’ho contattato per una chiacchierata al Fabrik, un club di Cagliari, in cui giovedì scorso ha suonato “Niente è andato perso”. Maroccolo è un uomo che ha vissuto tante esperienze musicali intense e importanti nel panorama musicale italiano degli ultimi 30 anni ma nonostante ciò la sua naturalezza, i suoi modi pacati e la sua gentilezza dimostrano che lui è davvero uno che bada alla sostanza e ben poco alla confezione delle cose. Ecco la trascrizione dell’intervista

Gianni sei un artista che ha fatto parte di molti progetti incredibili: Litfiba, CSI, CCCP, Marlene Kuntz senza contare le innumerevoli collaborazioni. Sei un artista in continua evoluzione…

Io credo che questa vita terrena sia fatta di cicli dove in qualche modo nascono delle cose che poi muoiono e ci fanno rinascere per andare altrove. Mi sento un po’ come un cagnaccio che girovaga da solo e ogni tanto ama unirsi a un branco o crearne uno per camminare assieme e condividere un pezzo di vita sia umanamente che artisticamente. È giusto che le cose finiscano portando sempre a una rinascita. Siccome mi piace suonare sono costantemente alla ricerca non tanto di nuovi progetti ma di nuovi incontri: nella vita mi piace viaggiare e incontrare persone. Viaggiare con loro.

Come è nato “Nulla è andato perso”?

Questo progetto è solista fra virgolette perché in realtà sono in compagnia di cari amici come Antonio Aiazzi, Andrea Chimenti, Beppe Brotto che suona una serie di strumenti indiani e nepalesi bellissimi e Simone che ha collaborato con me nei CSI. Questo concerto l’ho pensato da tanto e desideravo farlo.

Sembra che quella di oggi sul palco sia una serata tra amici

Bhe a un certo punto tutto torna anche se apparteniamo a generazioni diverse. Proprio per il discorso della ricerca degli incontri ho sempre cercato persone con cui condividere le cose importanti della vita prima di affrontare il problema o la gioia di fare musica assieme. Le alchimie devono funzionare poi la musica viene da sé. I progetti a tavolino secondo me non portano da nessuna parte.

Il flusso di energia tra persone è molto importante

È una vita che mi sento in dovere di suonare per smuovere qualcosa, non mi piace fare il Juke-box. Non mi è mai importato riempire i palazzetti, anche se mi è capitato. Ho vissuto anni della mia vita in cui i contesti erano quelli ma ogni progetto, anche i più grandi, li ho vissuti con serenità; quando è venuta a mancare me ne sono andato o i progetti son finiti naturalmente.

A casa ho un vecchio disco di mio padre che si chiama “Essenza” di Claudio Rocchi che ho amato molto. E in genere apprezzo i suoi lavori, decisamente unici. Mi parli un po’ del vostro rapporto e di come è nato il disco VDB23? L’ho trovato molto interessante, sotto molti aspetti, ricco di citazioni eppure “altro” rispetto ai vostri lavori precedenti.

Il presente è conseguenza naturale del nostro passato quindi le citazioni all’interno del disco sono molto probabili. Sai è accaduto per magia, frutto di uno di quegli incontri che cambiano la vita, speciali… L’intesa con Claudio va al di là dell'album. In VDB23 parole e musica sono in gran parte composte in Sardegna dove abitava lui, vicino a Oristano. Anche io ho vissuto in Sardegna quand’ero ragazzino per circa 12 o 13 anni. L’album è davvero frutto della magia di un incontro.

Adoro la struttura del disco, ha pezzi “fuori forma” che non rispettano lo standard dei 3 minuti…

Credo allora che il concerto di stasera ti piacerà parecchio… (ride) anche perché di cose da 3 minuti non c’è nemmeno una!

Abbiamo parlato del presente, com’eri invece ai tuoi esordi?

Quand’ero adolescente non ho mai sognato di fare il musicista. Le uniche scelte che avevo fatto poi la vita me le ha sconvolte: volevo fare il marinaio, studiavo al nautico di Cagliari e non vedevo l’ora di finire la scuola per imbarcarmi e girare il mondo. Per una serie di vicissitudini i miei son poi tornati in Toscana così il mio sogno è svanito e la mia seconda passione dopo il mare, la musica, ha preso il sopravvento. Casualmente o forse no, nulla avviene mai per caso. Però, vedi Martina, io non ho mai rincorso i sogni, mi è successo qualche volta di correrci dietro in maniera ossessiva e ho capito che più ti accanisci più i tuoi desideri si allontanano da te. Invece se vivi le cose mentre accadono, senza aspettative, la vita ti sorprende. Anche quando sembra che tutto per te vada male, alla fine la vita ti stupisce, o almeno a me è successo così. C’è anche da dire che tanti miei compagni di viaggio a un certo punto hanno cercato il successo, la popolarità e una certa sicurezza economica, giustamente, io però me ne sono sempre fregato.

Mi è venuta in mente una citazione di William Burroghs che disse a Patti Smith quando non era famosa “fatti un nome e mantienilo pulito, non scendere a compromessi e lui ti ripagherà”. Credo molto in questa attitudine alla vita, le aspettative sono spesso zavorre.

(Sorride) Non conoscevo questa citazione ma è esattamente ciò che stavo dicendo: forzare il karma o il destino (o ciò che si vuole in base alle proprie credenze) non serve a nulla. Ovviamente devi agevolare i tuoi desideri cioè se ti piace suonare devi far di tutto per farlo ma non perché questo abbia una finalità precisa se non quella che a te piaccia suonare ed esprimerti attraverso la musica.

Ti migliora la vita…

A me certamente ma anche a tutti quelli che la ascoltano. La funzione della musica è quella di arricchire le persone. Tutti i generi da quella leggera, alla classica, nessuno escluso. Fa compagnia, aiuta a staccare dalla quotidianità, rilassa!

In questo momento hai altri progetti in cantiere anche se il tour è appena iniziato?

Al momento no. Con la banda vogliamo dedicarci a questi concerti e sicuramente non ho più l’idea o il desiderio di ricreare un gruppo come i miei precedenti. A 55 anni farei fatica a ritrovarmi in un progetto di gruppo stabile ripartendo da zero. Tutti i gruppi passati dai Litfiba ai CSI ai Marlene Kuntz e via dicendo hanno in un certo senso, e lo dico con la massima modestia, lasciato un piccolo segno nel nostro cammino su questa vita. Ho anche il timore di non riuscire a costruire una storia altrettanto importante per me. Preferisco quindi ripartire da questi concerti per capire cosa farò in futuro. A breve ci sarà una collaborazione abbastanza tosta a Firenze con Io sono un Cane.

Grazie per il tempo che mi hai dedicato. Buon concerto

(sorride) anche a te Martina.

Ho infine accennato a Gianni Maroccolo del mio hashtag #martinameetstones e mi ha detto con un gran sorriso “certo che ti aiuto però fai la foto con me e aiutami a reggere il foglio”.

Che altro aggiungere?

Quello che non c'è negli Afterhours

2016-03-02T20:02:00.003+01:00

Stamattina, in convalescenza post influenzale, ho lavorato da casa. Mi è venuta in mente Quello che non c'è, la canzone degli Afterhours e ho pensato di mettere su il loro disco.

L'album è stato colonna sonora del mio secondo anno di Università e ricordo bene un sabato del giugno 2003 quando, affacciata alla finestra della casa dello studente, ascoltavo proprio questo pezzo. Ero sola, tutti erano tornati a casa ma io no, dovevo prepararmi per un esame e preferii non perder tempo. Quella sera, completamente immersa in questo brano, mentre osservavo il traffico dall'alto del mio undicesimo piano, all'improvviso il cielo si riempì di lanterne cinesi.

Mi commossi sino alle lacrime.

Ricordo ancora quella leggera brezza serale, tipica delle giornate estive, i colori tersi e le cose, ognuna perfettamente collocata al suo posto. Stavo bene in quegli strascichi post adolescenziali e in quello che non c'è.

Salutai il giorno alla finestra.

Lo ricorderò per sempre anche se non è per sempre.

Il disco è uscito nel 2002 dopo la diserzione di Xabier Iriondo alla quale seguì l'arruolamento di Giorgio Ciccarelli. Come cambiano le cose.

Quello che non c'è è fortemente ispirato a un viaggio in India fatto da Manuel in compagnia dell'amico Emidio Clementi dei Massimo Volume. Le chitarre, con la ripetizione dei riff quasi ipnotica, sono meravigliose e pezzi come Bye bye bombay ne sono un chiaro esempio. Una forte introspezione rende l'esperienza un viaggio. Giorgio Prette, uno dei batteristi che ammiro di più, come al solito non ha sbagliato un colpo. Superlativo in Bunjee Jumping. Il disco sembra creato con un'inedita formula magica che ha vestito la band di abiti nuovi. L'esperienza è raccontata come un monologo allo specchio dove l'urgenza sfuma in meditazione. Sensazione rarefatta. Le parole, pericolose come lame, dolci come zucchero raggiungono l'apice in ogni pezzo ma è in Ritorno a casa che esplodono.
Nel ricordo sfumato in sogno.
Meraviglioso Agnelli. Un piacere poterlo sentire.

La verità è che quello che c'è negli Afterhours non c'è da nessun'altra parte.

The day the music died

2016-02-15T20:09:00.002+01:00

Stamattina appena sveglia ho letto la tragica notizia relativa alla scomparsa dei Viola Beach, una band emergente che assieme al manager è stata vittima di un brutto incidente automobilistico che non ha lasciato nessun superstite. Dopo aver urtato il guardrail, la vettura dei 5 ragazzi ha fatto un volo di 20 metri per finire la sua corsa in un fiume. Non conoscevo la loro musica ma erano poco più che ventenni e la notizia mi ha lasciato un senso di nausea, il cuore stritolato e quel senso di impotenza che si prova solo in queste dannate circostanze. Ora è da un po' che non scrivevo ma oggi voglio ricordare con loro anche alcuni altri artisti scomparsi...

Nel corso del tempo ci sono state numerose tragedie di questo tipo, me ne vengono in mente almeno altre due, la prima risale al 3 febbraio 1959: un terribile disastro aereo avvenuto nell'Iowa in cui persero la vita alcuni dei nomi più importanti del panorama Rock'n'Roll dell'epoca: Buddy Holly, The Big Bopper e Ritchie Valens. La scena del disastro sembra quella di un film, era una notte buia e tempestosa quando il giovane e inesperto pilota volle comunque decollare nonostante il tempo instabile. I tre artisti impegnati in una tournée nel Midwest avevano appena terminato un'esibizione e la sera dopo sarebbero dovuti esibire nel Nord Dakota. La bufera di neve che investì il velivolo lo fece schiantare poco più in là, in un campo di granturco. Pensate che Ritchie Valens non aveva mai volato in un aereo da turismo e sorteggiò il suo posto con Tommy Allsup tramite il lancio di una monetina. Il tragico incidente fu ricordato in una canzone del 1970 del cantautore Don McLean, intitolata American Pie ritornata in auge negli anni '90 con la cover di Madonna.

La seconda tragedia che mi viene in mente è quella che colpì la rockband in ascesa Lynyrd Skynyrd il 20 ottobre 1977. Tre giorni dopo l'uscita di Street Survivors la band prese un volo per dirigersi a Baton Rouge, in Louisiana ma a causa di problemi tecnici l'aereo si chiantò in una palude nel Mississippi.

Morirono sul colpo il chitarrista e cantante Steve Gaines, la corista, sua sorella Cassie, il tour manager Dean Kilpatrick, e i due piloti Walter McCreary e William Gray. Il cantante Ronnie Van Zant morì poco dopo. Gli altri membri della band restarono feriti rischiando la paralisi amputazioni e numerose lesioni interne ma per miracolo si salvarono.

A long, long time ago
I can still remember how that music used to make me smile
And I knew if I had my chance
That I could make those people dance
And maybe they'd be happy for a while

But February made me shiver
With every paper I'd deliver
Bad news on the doorstep
I couldn't take one more step

I can't remember if I cried
When I read about his widowed bride
But something touched me deep inside
The day the music died

So bye, bye, Miss American Pie
Drove my Chevy to the levee but the levee was dry
And them good ole boys were drinking whiskey 'n rye
Singin' this'll be the day that I die
This'll be the day that I die

Did you write the book of love
And do you have faith in God above
If the Bible tells you so?
Now do you believe in rock and roll?
Can music save your mortal soul?
And can you teach me how to dance real slow?

Well, I know that you're in love with him
'Cause I saw you dancin' in the gym
You both kicked off your shoes
Man, I dig those rhythm and blues

I was a lonely teenage broncin' buck
With a pink carnation and a pickup truck
But I knew I was out of luck
The day the music died

I started singing bye, bye, Miss American Pie
Drove my Chevy to the levee but the levee was dry
Them good ole boys were drinking whiskey 'n rye
Singin' this'll be the day that I die
This'll be the day that I die

Now for ten years we've been on our own
And moss grows fat on a rollin' stone
But that's not how it used to be
When the jester sang for the king and queen
In a coat he borrowed from James Dean
And a voice that came from you and me

Oh, and while the king was looking down
The jester stole his thorny crown
The courtroom was adjourned
No verdict was returned

And while Lenin read a book on Marx
The quartet practiced in the park
And we sang dirges in the dark
The day the music died

We were singing bye, bye, Miss American Pie
Drove my Chevy to the levee but the levee was dry
Them good ole boys were drinking whiskey 'n rye
Singin' this'll be the day that I die
This'll be the day that I die

Helter skelter in a summer swelter
The birds flew off with a fallout shelter
Eight miles high and falling fast
It landed foul on the grass
The players tried for a forward pass
With the jester on the sidelines in a cast

Now the halftime air was sweet perfume
While the sergeants played a marching tune
We all got up to dance
Oh, but we never got the chance

'Cause the players tried to take the field
The marching band refused to yield
Do you recall what was revealed
The day the music died?

We started singing bye, bye, Miss American Pie
Drove my Chevy to the levee but the levee was dry
Them good ole boys were drinking whiskey 'n rye
And singin' this'll be the day that I die
This'll be the day that I die

Oh, and there we were all in one place
A generation lost in space
With no time left to start again
So come on, Jack be nimble, Jack be quick
Jack Flash sat on a candlestick
'Cause fire is the devil's only friend

Oh, and as I watched him on the stage
My hands were clenched in fists of rage
No angel born in Hell
Could break that Satan's spell

And as the flames climbed high into the night
To light the sacrificial rite
I saw Satan laughing with delight
The day the music died

He was singing bye, bye, Miss American Pie
Drove my Chevy to the levee but the levee was dry
Them good ole boys were drinking whiskey 'n rye
And singin' this'll be the day that I die
This'll be the day that I die

I met a girl who sang the blues
And I asked her for some happy news
But she just smiled and turned away
I went down to the sacred store
Where I'd heard the music years before
But the man there said the music wouldn't play

And in the streets, the children screamed
The lovers cried and the poets dreamed
But not a word was spoken
The church bells all were broken

And the three men I admire most
The Father, Son and the Holy Ghost
They caught the last train for the coast
The day the music died

And they were singing bye, bye, Miss American Pie
Drove my Chevy to the levee but the levee was dry
And them good ole boys were drinking whiskey 'n rye
Singin' this'll be the day that I die
This'll be the day that I die

The golden Age. Riflessione sulla tv musicale che non esiste più

2016-01-10T20:47:00.003+01:00

Quel sabato sono rimasta a casa. Era il 2000 o 2001. Videomusic passava il testimone a MtV e Red Ronnie con le braccia a mezz'aria diceva: ragazzi è finita, è finita davvero e poi partí l'Unplugged dei Nirvana che segnava l'ingresso di MTV in Italia. Ero cosí triste perché videomusic aveva avuto molti programmi di qualità come Rock Revolution con Mixo, Zona Mito della biondina carina con la frangia, Segnali si fumo con Cingoli e la piccola Maugeri dai capelli blu. Oggi peró è tutto liquido, a portata di click e la tv non tv è in rete da tempo. Poi ci sono Netflix e ste robe affini da 3.99 al mese, la tv sta perdendo davvero il suo senso, non vi eravate ancora accorti? Per essere nostalgica posso guardare le mie vhs con i programmi di videomusic anni '90 registrati, non certo un ex tubo catodico, oggi a led, che trasmette non cultura musicale. Questo è il mio parere, di certo i più piccoli la penseranno diversamente.

Così ho commentato un post dal titolo "Non dite addio a MTV, sono i canali che cambiano". La cosa che inizialmente mi ha lasciato perplessa in questo articolo sono stati i commenti poi mi è venuto in mente il film di Woody Allen, Midnight in Paris e mi sono chiesta: qual è l'età d'oro della musica?

Io e tanti altri concorderemo sul fatto che negli anni '60 e '70 c'è stato un fermento pazzesco ma come potrei lasciarmi alle spalle i dorati anni '50 o gli anni '20, culla dei più grandi bluesman e che dire del mio adorato Bach? Poi ho ripensato a quando ragazzina videoregistravo i miei programmi preferiti su videomusic. Ah Videomusic!

Ridendo e scherzando questo è stato il primo canale televisivo musicale d'Europa e io ero una vera appassionata, tra i miei programmi preferiti c'erano Segnali di Fumo con Paola Maugeri e Claudio Cingoli, Rock Revolution di Mixo, Zona Mito e poi gli immancabili video in rotazione: pin-up e della settimana. I tempi erano favorevoli il Rock nella prima metà degli anni '90 proponeva nomi incredibili, dai Guns N'Roses ai Nirvana, Pearl Jam e Red Hot Chili Peppers.

Oggi è tutto diverso, le tv sono ultra piatte e fungono da schermi per i nostri pc. In effetti la televisione come mia madre l'ha conosciuta, quella del Carosello o la mia, fatta di Super Car e Videomusic è andata da tempo.
Dell'idea tradizionale sopravvivono alcuni programmi e canali ma il futuro non è certo nel tubo catodico. Non c'è malinconia nelle mie parole, il passato è certamente interessante e soprattutto non va dimenticato ma infinite canzoni devono ancora essere scritte, come dice il mio "guru musicale" Keith Richards: non stiamo invecchiando, ci stiamo solo evolvendo.

Revolution, quando i Beatles fecero infuriare Nina Simone

2016-01-05T12:30:00.001+01:00

C'era una volta un mondo culturalmente impegnato in cui gli artisti non se la mandavano a dire e si sparavano addosso note e cotronote in una vera battaglia sonora. In Italia un caso eclatante, dai contorni decisamente scanzonati, è quello dei due amici Celentano/Gaber che si son fatti la "guerra" con due pezzi quali il ragazzo della Via Gluck e la risposta al ragazzo della via Gluck.

Bene.

Tutti conosciamo i Beatles, uno dei loro album più impegnati e impegnativi è senz'altro l'album bianco uscito nel novembre 1968 e comunemente chiamato "il doppio". Tra tutti i brani del White album uno dei più famosi e discussi è senz'altro il pezzo Revolution di John Lennon (anche se per questioni discografiche è considerato un Lennon McCartney).

La canzone è ispirata al fermento rivoluzionario di quegli anni, in particolare le lotte studentesche europee. Il brano esplica il cambio di interesse di Lennon che lo porterà, lontano dai fab four, a scrivere moltissime canzoni dal contenuto socio politico. John, pacifista convinto, si è fatto portavoce del movimento non violento e in un certo senso "reazionario" in un momento storico molto delicato in cui la violenza sembrava essere l'unica chiave di svolta. Il brano ha avuto grande impatto, l'obiettivo dell'autore è rassicurante "vedrai che si aggiusterà tutto" il che ha fatto insorgere alcune polemiche, soprattutto fra gli artisti rivoluzionari impegnati sul fronte delle battaglie razziali.

You say you want a revolution
Well, you know We all want to change the world
You tell me that it's evolution
Well, you know We all want to change the world
But when you talk about destruction
Don't you know that you can count me out
Don't you know it's gonna be all right?
All right, all right
You say you got a real solution
Well, you know
We'd all love to see the plan
You ask me for a contribution
Well, you know
We're all doing what we can
But if you want money
For people with minds that hate
All I can tell is brother you have to wait
Don't you know it's gonna be all right?
All right, all right
You say you'll change the constitution
Well, you know
We all want to change your head
You tell me it's the institution
Well, you know
You better free you mind instead
But if you go carrying pictures of chairman Mao
You ain't going to make it with anyone anyhow
Don't you know it's gonna be all right?
All right, all right!

"Volevo dire la mia sul movimento rivoluzionario, era il momento giusto e i tempi erano maturi anche per dare risposte sulla guerra in Vietnam. Volevo che le persone sapessero che anche io pensavo in termini rivoluzionari, iniziai a rifletterci su quando ero in India. Continuo ad avere la sensazione che tutto andrà bene e che Dio ci salverà, per questo ho scritto Revolution, sono convinto che le cose si metteranno a posto. Volevo parlarne, prendere parte alla rivoluzione, volevo dire a te e a tutti gli ascoltatori "tu cosa ne pensi? Io penso questo!"

John Lennon, Rolling Stone 1970

Il pezzo non passò certo inosservato e fece andare su tutte le furie un'artista rivoluzionaria, per nulla pacifista, Nina Simone che prese la base del pezzo, riadattandola e ribaltandola e ci scrisse sopra la sua risposta, la sua Revolution.

And now we got a Revolution
Cause i see the face of things to come
Yeah, your Constitution
Well, my friend, its gonna have to bend
Im here to tell you about destruction
Of all the evil that will have to end.

Some folks are gonna get the notion
I know theyll say im preachin hate
but if i have to swim the ocean
well i would just to communicate
its not as simple as talkin jive
the daily struggle just to stay alive

Singin about a Revolution
because were talkin about a change
its more than just evolution
well you know you got to clean your brain
the only way that we can stand in fact
is when you get your foot off our back

Nina Simone, pianista classica è diventata un'artista Jazz e Blues per caso mentre cercava di sbarcare il lunario. Il suo impegno civile la ha portata a misurarsi con i più grandi intellettuali dell'epoca. La morte di Martin Luther King e la censura dei media nei suoi confronti la hanno devastata a tal punto che a un certo punto ha lasciato gli Stati Uniti per trasferirsi in Liberia smettendo di cantare. Il pezzo Revolution non ha avuto il successo che Nina si aspettava ed è stato boicottato dalle radio che rimandavano il 45 giri al mittente rotto in mille pezzi.

Mi son sempre piaciuti i Beatles come band, anche oggi ma, Cristo, è stato spiacevole essere una giovane rivoluzionaria negli anni '60 e sentirli uscir con un pezzo contro il movimento rivoluzionario. Chiaramente il pezzo dei Beatles è stato scritto dal punto di vista dell' establishment. Frasi come "minds that hate" e "Chairman Mao" non avevano alcun senso per le persone che stavano cercando di sopravvivere lottando per la libertà nel terzo mondo, senza menzionare le lotte razziali degli Stati Uniti.

Nina Simone

Credo che sia stata interessante la risposta di Nina Simone. La sua Revolution aveva una musica molto bella e simile, ma non troppo, alla nostra. Mi sono emozionato perché qualcuno del suo calibro ha reagito immediatamente alle mie parole.

John Lennon, 1971

Esempi come questo sono la dimostrazione di quanto l'arte sia importante e fondamentale in tutta la storia dell'Uomo. Siamo animali artistici e la musica è un qualcosa di così ancestrale e allo stesso modo contemporanea. Abbiamo bisogno di Artisti, di menti brillanti e soprattutto non dobbiamo dimenticare il passato.

Dischi e traguardi del 2015

2015-12-29T14:43:00.003+01:00

Tutti parlano dei migliori dischi del 2015 e io non voglio essere da meno, ma quest'anno è stato importante da molti altri punti di vista.

Se penso a quest'anno il primo disco che mi viene in mente è Classe A di Dan Solo, celebre super ex-bassista dei Marlene Kuntz. Dopo aver sentito l'album ho contattato Dan per un'intervista se volete rileggerla eccola!

L'ep di River of Gennargentu, Taloro è stata un'altra preziosa conquista del 2015, la voce calda di Lorenzo porta in una dimensione magica.

Andando avanti nei mesi un altro disco che ho ascoltato parecchio è Mississippi to Sahara dell'artista Faris Amine che oggi posso definire un amico. L'album è un viaggio unico nel suo genere che, partendo dalla reinterpretazione di pezzi tradizionali del Delta, sfocia in qualcos'altro. Se non conoscete il disco vi consiglio di concedergli un ascolto, sono certa vi entusiasmerà! Dopo l'intervista ho avuto il piacere di ospitare a casa mia Faris che ha allietato un piccolo gruppo di amici con chitarra e voce sino all'alba, che abbiamo osservato dalla montagna che incornicia il mio paesello del medio campidano.

Il terzo disco del 2015 non è un'uscita recente ma risale al 1974 ed è Ron Wood, I've got my own album to do. Non conoscevo questo album solista di Ronnie Wood ma da quando l'ho scoperto mi accompagna soprattutto quando scrivo. Non sapendo nulla ho voluto ascoltarlo cercando di coglierne le sfumature e con mia grande soddisfazione quando sono andata a verificare gran parte delle mie intuizioni erano vere. I've got... è stato scritto in collaborazione con George Harrison e Mick Jagger che all'epoca avevano letteralmente occupato casa di Ronnie, è un ascolto caldo, spensierato, ricco di vibrazioni buone. Ve lo consiglio!

In questi giorni sto ascoltando anche Crosseyedheart di Keith Richards ma devo lavorarci ancora su per poter scrivere qualcosa!

Sempre parlando di musica quest'anno è stato per me davvero speciale, ho intervistato davvero molti artisti:

Diego Mancino grande artista che ho scoperto quando si è iscritto alla mia pagina twitter

Edda che dopo l'intervista e il concerto mia ha salutato con un grande abbraccio

Pussy Stomp orgoglio del mio paesello, amici che stimo e artisti dal taglio interessante

Cristiano Godano con il quale ho parlato delle turbe speciali degli artisti

Giorgio Ciccarelli che dopo gli Afterhours s'è lanciato in nuove sfide. Devo ancora ascoltare il suo nuovo album solista, le cose cambiano, intanto leggete la recensione di Borchie+Briciole!

Dan Solo è uscito con un disco vario e intenso che merita d'essere ascoltato e assimilato per bene.

Faris Amine parte 1 e parte 2 che mi ha raccontato del deserto e della musica che ama

I 15 artisti presenti all'Abarra Festival, dei quali ancora non mi sono arrivati i video e non posso mostrarli!

Xavi Lozano Palay l'artista spagnolo che crea strumenti musicali da materiali di riciclo

Patrizio Fariselli tastierista degli Area, uno dei miei gruppi preferiti che in realtà si occupa di tantissime cose. La nostra chiacchierata è scivolata via piacevolmente, dandoci del tu e scambiandoci opinioni. Intervistare Fariselli è per me è stato un traguardo importante, gli Area li amo davvero. Fariselli ha parlato di molte cose, della musica per l'infanzia, delle colonne sonore e della società.

Eugenio Finardi è un altro faro importante. Un Maestro di musica e vita. Lo rincorrevo da un anno e dopo una mancata intervista al Sardegna Chiama causa telefono (mio) morto, Finardi è venuto a Villacidro, casa mia.

Teresa de Sio con la quale ho parlato di Arte, quella importante che "surfa i secoli"

Quat'anno è stato musicalmente importantissimo. Ho potuto discorrere con Artisti diversi eppure Unici, con uomini e donne che vivono d'Arte e che da sempre sono colonna sonora della mia vita.

Chiudo il 2015 felice con una nuova sfida-sogno: i Rolling Stones!

Auguro a tutti di trascorrere un 2016 in musica, quella giusta.

Claudio Rocchi diceva

"Il viaggio più lungo comincia col muovere un passo

coltivala dentro la voglia di dare,

questo è il passo da fare!

AUGURI!

Quando ho deciso di inseguire un sogno: #martinameetstones

2015-12-19T17:44:00.001+01:00

Dopo 2 settimane finalmente torno a scrivere, questo è un periodo particolarmente pieno di impegni, durante la mia assenza però è successo qualcosa...

Ho fatto un sogno...

Circa 3 settimane fa ho fatto un sogno che vi racconto brevemente, grazie a un hashtag #martinameetstones ho incontrato, in uno spazio e luogo indefiniti, i Rolling Stones! Sapete come sono i sogni, surreali eppure realtà.

La mattina ho raccontato la cosa ai miei colleghi e in famiglia mentre continuava a ronzarmi per la testa l'hashtag #martinameetstones; nel giro di poche ore ho deciso di aprire un canale instagram e inviare un videomessaggio ai Rolling Stones in persona. Detto, fatto.

Nello stesso momento ho pensato di chiedere al web di darmi una mano, l'idea è che più persone usano l'hashtag #martinameetstones più le possibilità che gli Stones vedano il mio videomessaggio aumentano.

Ora, la vita è strana, avrei potuto aprire un canale per chiedere un'auto nuova, che la mia cade a pezzi ma questo sogno di incontrare gli Stones mi è sembrato così semplice, leggero e al contempo profondo che ho deciso di inseguirlo.

Alcune persone mi hanno chiesto quale sia il mio scopo

La risposta è semplice mi piacerebbe stringere la mano a queste leggende viventi, i Rolling Stones, e farci due chiacchiere. Mi occupo di musica e parlare con loro sarebbe una cosa meravigliosa, vorrei davvero incontrarli ma se ciò non dovesse accadere almeno ci avrò provato.

Il discorso dell'inseguire i sogni può essere applicato a qualsiasi cosa, penso al ciclista Fabio Aru, mio compaesano che con tanti sacrifici ha deciso di investire la sua vita in un sogno molto importante rendendolo un lavoro.
Esistono sogni importantissimi, veri progetti di vita come il suo e altri più leggeri e spensierati, one shot, come il mio. Due cose diverse, certo, che in ogni caso non si realizzano da sole.

In questi giorni mi hanno scritto da tutto il mondo, Filippine, Cile, Canada, Inghilterra, Massachussett, Brasile, Ohio, Italia, Irlanda, Svizzera, New York, un ragazzo che mi segue su facebook vive nello stesso paese di Ronnie Wood, altri mi hanno raccontato di come li hanno conosciuti o della loro passione.

Ci si lamenta sempre, dei soldi, del luogo in cui si vive, delle tasse, dei vicini di casa o delle campane che suonano a festa la domenica mattina, concentrate le vostre energie sulle cose positive che vi circondano e se non ne avete createle, concedetevi un po' di leggerezza mentre faticate per le cose importanti, date una chance ai vostri sogni.

Se volete aiutarmi a inseguire il mio sogno scattatevi una foto o un video usando gli hashtag #martinameetstones e #therollingstones

Ps: mi trovate su instagram, facebook e Google+

Leggi anche Patti Smith, come realizzare i propri sogni

Robert Fripp, i King Crimson e la Frippertronics

2015-11-23T19:41:00.001+01:00

I King Krimson sono comparsi nella mia vita durante la prima settimana di scuola della quarta ginnasio quando, parlando della mia stupenda cassettina Aqualung dei Jethro Tull, scoprii che la mia compagna di classe aveva una collezione di vinili Prog. Mi disse "tra tutti i gruppi il preferito di mio padre sono i King Crismson" e io con entusiasmo infantile tirai fuori una cassettina dalla borsa e le chiesi di registrarmelo. L'album era in The Court of ... Ma chi è Robert Fripp, acclamato da tanti come il Beethoven del '900?

Nato nel 1946 nel Dorset, Robert ha iniziato a suonare praticamente in fasce e da subito si è contraddistinto per due cose, il gusto e l'attitudine. In pratica in un mondo in cui in tanti arrivano a 30 anni senza conoscere il loro obiettivo, Robert ci ha lavorato su dall' età di 10 anni, investendo tutte le sue energie nel suo progetto musicale. Robert desiderava ardentemente riscrivere la storia del rock su basi prettamente razionali, nel 1969 dichiarò:

Il rock può far capo alla testa oltre che ai piedi.

Questa semplice affermazione l'ha marchiato a fuoco "relegandolo", come se la cosa fosse un'eresia, nella schiera degli artisti intellettuali. Rock e intelletto, le due cose dovevano suonare proprio male! Il Maestro Fripp ha letteralmente inventato alcuni metodi per chitarra basando il suo approccio allo strumento sulla sperimentazione: le sue architetture sonore sono costruite sempre in chiave personalissima portandolo a spaziare nelle scale poco battute dai suoi colleghi della sei corde. Volendo generalizzare, parlando per luoghi comuni, Fripp si è approcciato alla musica rock con fare jazzistico, spazzando via il fare classico; ha creato anche la Frippertronics, un'accordatura, un metodo tutto suo. Famoso per la sua ironia inglese e per le citazioni, Robert Fripp è universalmente riconosciuto come un Genio, il Beethoven dei nostri giorni, al quale moltissimi musicisti ancora si ispirano.

Ho cominciato a suonare la chitarra a undici anni, nel 1957, pochi giorni prima di Natale. Non avevo né orecchio musicale né senso del ritmo. Non sarebbe stato possibile immaginare qualcuno musicalmente meno dotato di me. Quando sei così a secco di doti naturali, devi per forza cominciare a riflettere e a farti delle domande sulla natura del suono. Che cos'è che non ti permette di avvertire la differenza tra una nota e l'altra? Quali sono le parti dell'organismo che reagiscono alle diversi componenti della musica? Dove sono le barriere e i blocchi? Che cosa puoi fare per eliminarli?

In molte interviste vien fuori il lato analitico dell'artista, l'anti Hendrix per eccellenza. Se l'uno è stato uno studente diligente, celebrale, l'altro ha fatto dell'improvvisazione e dell'istinto il suo punto di forza.

È strano, irrazionale ma dopo due o tre mesi soltanto che mi avevano regalato per Natale la prima chitarra io già sapevo che sarei diventato un chitarrista di professione. A diciasette anni ho detto a mia madre che desideravo diventare un musicista professionista. Lei è scoppiata a piangere. e ho dovuto rimandare di qualche anno.

Fu nel 1967, leggendo un annuncio su un giornale, che conobbe i fratelli Giles, il batterista Micheal e il bassista Pete con i quali fondò i "Giles, Giles and Fripp". Il trio si trasferì a Londra in cerca di fortuna raccattando qualche serata in alcuni night club. Nel 1968 i Giles, Giles and Fripp registrarono The Cheerful Insanity Of Giles, Giles and Fripp, un disco di maniera un po' surreale che si rivelò un fiasco. Si aggiunsero Ian McDonald e il visionario Pete Sinfield, con il suo rudimentale light-show, una manciata di canzoni e un nuovo nome, King Crimson. Pete Giles abbandonò lasciando spazio a Greg Lake. La band si fece subito notare nella Londra psichedelica di quegli anni. Entusiasta del suo progetto musicale Robert scrisse comunicati stampa come questo:

Scopo fondamentale dei King Crimson è organizzare l'anarchia, utilizzare il potere latente del caos e permettere a svariate influenze d'interagire e trovare il proprio equilibrio. Di qui la musica si evolve naturalmente, piuttosto che svilupparsi per linee predeterminate. Il repertorio, ampiamente variabile, ha come tema comune il rappresentare gli umori mutevoli delle stesse cinque persone.

La tecnica sviluppata negli anni settanta, la frippertronics, si evolve negli Soundscapes degli anni '90. Tra il 1984 e il 1991 Robert Fripp fondò e fu attivo come docente nella scuola la Guitar Grafty per insegnare tecnica musicale, facendo numerosi seminari in giro per il mondo. Nel corso degli anni ha suonato con moltissimi musicisti del calibro di David Bowie e David Sylvian.

Io non tremo

2015-11-16T10:44:00.001+01:00

Questa è la prima volta che scrivo il titolo del post prima di mettermi a scrivere.

L'arte e in generale la musica sono degli importanti catalizzatori della verità, della storia, quella vera e la descrivono offrendo spunti di riflessione autentici. In questi giorni l'attentato a Parigi durante il concerto degli Eagles of Death Metal ha scosso e diviso le persone tra quelle che si sentono vicine a Parigi e altre che guardano più in là e si sentono coinvolti anche da tragedie che distano più km dalla loro casa, cosa giustissima e lecita.

Vi racconto una storia...

Qualche tempo fa parlavo con due amici che amano moltissimo Parigi e ho pensato di regalare un weekend in questa città a me e al mio compagno, così ho vagliato i concerti in città sino a dicembre e mi son soffermata su quello degli Eagles of Death Metal, che a dirla tutta non sono uno dei gruppi che ascolto di più ma sarebbero stati perfetti per una tre giorni fuori casa. Alla fine non s'è fatto nulla perché quando arriva il momento di prendere il biglietto aereo per Parigi, puntualmente, non acquisto o ne compro uno per l'Inghilterra, luogo in cui ho vissuto e che sento molto mio. Non c'è una ragione specifica per cui io non sia mai stata a Parigi, fatto sta che in quel concerto potevo esserci anche io. La cosa che sconvolge tante persone è proprio questa, alcuni amici che ascoltano gli EODM potevano essere lì quella sera, lo scenario era assolutamente calzante per il tipo di viaggi che io e gran parte delle mie conoscenze facciamo. Il concerto rock, unico sfizio per chi come me sbarca a stento il lunario, è uno di quegli svaghi ancora concessi, ogni tanto, insomma in quel teatro potevo esserci io o mio fratello. Era uno scenario vicino al mio stile di vita.

La morte è brutta ovunque accada, ma purtroppo le ragioni politiche sporcano il lutto e fanno sembrare quasi nulle le centinaia di morti avvenute dal'altra parte del mondo. Poi discutere dei morti come fossero pedine del Risiko fa davvero pena. Non to facendo questo. Io ho massimo rispetto per tutte le vittime della guerra, ovunque nel mondo.

Ho scelto per voi 5 pezzi i cui titoli compongono un concetto compiuto:

PLAY

"Imagine,

Wake up.

Power to the people.

Talking about revolution

People have the power!"

Il primo pezzo, Imagine, lo conosciamo tutti, è un brano di John Lennon, estratto dall'omonimo album del 1971, racconta di come il mondo dovrebbe essere.

Imagine there’s no countries
It isn’t hard to do
Nothing to kill or die for
And no religion too
Imagine all the people
Living life in peace

Il secondo, Wake Up è un potentissimo pezzo dei Rage Against The Machine in cui si parla di quelli che girano e rigirano, di quelli che giustificano. il brano è contenuto nell'omonimo disco del 1992.

Movements come and movements go
Leaders speak, movements cease
When their heads are flown
'Cause all these punks
Got bullets in their heads
Departments of police, the judges, the feds
Networks at work, keepin' people calm
You know they went after King
When he spoke out on Vietnam
He turned the power to the have-nots
And then came the shot

Power to the People è un altro brano di Lennon sempre del 1971 ed è un'affermazione importante, seguita a importanti conquiste popolari contro la discriminazione razziale.

A million workers working for nothing
You better give 'em what they really own
We got to put you down
When we come into town
Singing power to the people
Power to the people
Power to the people
Power to the people, right on

Talking about a Revolution è un pezzo del 1988 scritto dall'allora ventiquatrenne Tracy Chapman. Questo è un brano molto molto potente e la parola Revolution è quasi sussurrata. L'album tutto è uno dei migliori pezzi di cantautorato. Tracy descrive l'illusione del sogno americano e la realtà.

Don't you know
They're talkin' bout a revolution
It sounds like a whisper
Don't you know
They're talkin' about a revolution
It sounds like a whisper

While they're standing in the welfare lines
Crying at the doorsteps of those armies of salvation
Wasting time in the unemployment lines
Sitting around waiting for a promotion

Poor people gonna rise up
And get their share
Poor people gonna rise up
And take what's theirs

Don't you know
You better run, run, run...
Oh I said you better Run, run, run...
Finally the tables are starting to turn
Talkin' bout a revolution

People have the power è un altro pezzo del 1988 estratto dall'album Dream of Life ed è scritto da uno dei miei artisti preferiti, Patti Smith.

I was dreaming in my dreaming
of an aspect bright and fair
and my sleeping it was broken
but my dream it lingered near
in the form of shining valleys
where the pure air recognized
and my senses newly opened
I awakened to the cry
that the people have the power
to redeem the work of fools
upon the meek the graces shower
it's decreed the people rule

The people have the power
The people have the power
The people have the power
The people have the power

Vengeful aspects became suspect
and bending low as if to hear
and the armies ceased advancing
because the people had their ear
and the shepherds and the soldiers
lay beneath the stars
exchanging visions
and laying arms
to waste in the dust
in the form of shining valleys
where the pure air recognized
and my senses newly opened
I awakened to the cry

Where there were deserts
I saw fountains
like cream the waters rise
and we strolled there together
with none to laugh or criticize
and the leopard
and the lamb
lay together truly bound
I was hoping in my hoping
to recall what I had found
I was dreaming in my dreaming
god knows a purer view
as I surrender to my sleeping
I commit my dream to you

The power to dream, to rule
to wrestle the world from fools
it's decreed the people rule
it's decreed the people rule

LISTEN
I believe everything we dream
can come to pass through our union
we can turn the world around
we can turn the earth's revolution
we have the power
People have the power ...

La verità è che non bisogna aver paura.

Quando e dove è nata la chitarra Hawaiana?

2015-11-04T12:24:00.002+01:00

Ben Harper con una rara Lyon & Healy Bell shaped Hawaiian del 1926

Perchè la chitarra Slide è chiamata anche Hawaiana? Me lo sono sempre chiesto... I primi prototipi della chitarra slide, chiamata spesso Hawaiana, hanno origini remote e provengono dall'area medio orientale e dal nord Africa. Uno dei primi strumenti a corde suonato con tecnica vicina alla chitarra slide si chiama Vichitra Vina e ha origini indiane, è dotato di un manico e di una cassa di risonanza ricavata da una zucca. Lo strumento ha 7 corde e si suona senza l'ausilio del plettro ma con una sfera di vetro che funge da Slide. Lo strumento di grandi dimensioni si suona sulle ginocchia in senso orizzontale.

Perché chitarra hawaiana?

Gli abitanti delle Isole Hawaii sono da sempre famosi per la passione per il canto, danza e le arti. Per caso o per gioco, come spesso accade quando si fanno le cose importanti, un oggetto scivolò sulla chitarra incuriosendo l'esecutore che in compagnia di altri musicisti elaborò una tecnica, detta hawaiana, che ha fatto il giro del mondo. Pochi anni dopo Myrtle Stumpf realizzò il primo metodo per questa tecnica dal titolo "Original Hawaiian method for the steel guitar". La maniera hawaiana si praticava nelle prime chitarre acustiche con corde in metallo opportunamente rialzate. Artisti come Sol Hoopii e The Genial Hawaiians nel 1930 registrarono alcuni programmi per la radio di Chicago e tanti altri nomi furono molto apprezzati negli USA.

La Weissenborn

La chitarra hawaiana più famosa al mondo è la Weissenborn, ma i primi prototipi furono creati da Chris Knutsen, liutaio di origine norvegese; la sua chitarra fu presentata per la prima volta alla fiera di Seattle nel 1909.
Nei primi anni del '900 un emigrato di origine Norvegese residente a Seattle, un certo Chris Knusten, creò uno strumento che favorisse la suonata hawaiana. Knusten capì che il manico della chitarra spagnola limitava l'esecuzione dello stile hawaiano così ne creò una con cassa sovradimensionata e manico che attaccava al settimo tasto e non al dodicesimo la "Convertible guitar" che poteva essere suonata anche con tecnica tradizionale. Nella lap guitar le corde furono sollevate ulteriormente in modo che la pressione dello slide non urtasse la tastiera, le accordature erano solitamente aperte.
La sua chitarra Convertibile diventò poi Kona Style e New Hawaiian Family. Lo strumento è stato tuttavia reso celebre da Herrman Weissenborn che con opportune modifiche segnò lo standard e tra il 1915 e il '36 ne curò la produzione. La Weissenborn ha un suono molto caldo ed è di solito costruita in mogano, abete e acero; ha la cassa di risonanza che si prolunga sino alla paletta, in pratica privandola del manico si acquisisce una maggiore intensità del suono, soprattutto sulle caratteristiche note lunghe tipiche di questa chitarra.

Per approfondimenti leggi Bottleneck, come è nato lo slide?

Quali sono i 10 dischi più venduti della storia?

2015-10-27T14:40:00.001+01:00

Ci sono certi album che sono immortali, non importa quando sono stati fatti, la gente continua a comprarli e ad ascoltarli perchè sono delle autentiche perle. Ho pensato di fare questo post dopo aver rivisto un documentario sul Making Of dell album Dark Side of the Moon dei Pink Floyd che appena uscito è diventato subito una leggenda, vendendo, ancora oggi moltissime copie in tutto il pianeta. Spinta dalla curiosità ho cercato quali sono i campioni di incassi, ecco la Top 10:

In posizione numero 10 si piazzano i Bee Gees con un album del 1976, dal titolo Their Greatest Hits (1971-1975) che ha venduto la modica cifra di 42 milioni di dischi ed è in cima alle classifche di quelli più venduti negli Stati Uniti. All’epoca astri nascenti della Disco Music i Bee Gees continuano ad essere molto amati e suonati nelle discoteche di tutto il mondo.

Al nono posto si piazza la colonna sonora del celebre film Dirty Dancing, con autori vari pubblicata nel 1987. La celebre colonna sonora ha venduto “solo” 42 milioni di dischi. Il pezzo (I’ve Had) The Time of My Life vinse l’Oscar e i due interpreti, Bill Medley e Jennifer Warnes, vinsero un grammy.

In posizione number 8 si piazza un album del 1977 dei Metal Loaf, Bat Out of Hell con 43 milioni di copie vendute. L’album non fu immediatamente un successo planetario ma divenne dopo non troppo tempo uno dei più importanti successi commerciali di tutti i tempi.

Al numero 7 troviamo un bellissimo disco del 1987 del leggendario Michael Jackson, Bad. Il disco con 46 milioni di copie vendute comprende moltissime tracce rimaste nella storia, come il pezzo Bad, The way you make me feel, Speed Damon, Dirty Diana, Man in the Mirror e tante altre. Pensiamo che Michael compose oltre 60 pezzi per poi sceglierne solo 11!

In posizione numero 6 c’è la colonna sonora di un bellissimo film The Bodyguard: Original Soundtrack, interpretato da Witney Houston e Kevin Costner che ha venduto 46 milioni di dischi. Tra tutti pezzi proprio quello interpretato da Witney Houston, I will Always love youscalò le classifiche planetarie per molto tempo.

Apre la Top 5 Michael Jackson che dopo il successo del 1987 è entrato dritto al Top conDangerous, disco del 1991. L’album contiene la meravigliosa Black or White, Heal the Worlde altri pezzi di successo.

Music Box del 1993 di Mariah Carey con le sue 48 milioni di copie vendute nel mondo si piazza dritto al quarto posto. Appena uscito nel mercato il disco è rimasto in prima posizione nella Billboard of 200 Usa per ben 8 settimane!

In Top 3 si classifica l’album che ha destato la mia curiosità, Dark Side of the Moon dei Pink Floyd uscito nel 1973 e con all’attivo 50 milioni di copie vendute! Il disco frutto di un lavoro di sperimentazione pura contiene alcuni dei pezzi migliori della storia del Rock, tra questi il celebre singolo Money, apripista del disco nel mercato americano e pezzi come Breathe, The great gig in the Sky, Eclipse, Time che sono subito entrati nella leggenda.

Al secondo posto si posiziona un Masterpiece dell’Hard Rock, con ben 52 milioni di copie vendute Back in Black degli Ac/Dc, il secondo disco più venduto della storia. Dopo la morte del frontman Bon Scott e con l’arrivo di Brian Johnson s’è deciso di celebrare l’artista scomparso con un disco di lutto. Campane da morto e la chitarra di Angus Young hanno portato l’omonimo pezzo e poi il disco al successo planetario!

In prima posizione torna Michael Jackson con Thriller del 1982 che ha letteralmente spazzato via tutti i concorrenti con… 115 milioni di copie vendute! Pezzi geniali come Beat it e Billy Jean sono tra le tracce presenti nel disco.

Altri dischi sono fuori dalla top ten come The immaculate collection di Madonna con 40 milioni di copie vendute, Led Zeppelin IV con 37 milioni di copie vendute, Appetite for Destruction dei Guns’n’Roses con 36 milioni, One dei Beatles con 30 milioni e tanti altri!

Ho scritto originariamente questo articolo per il sito blog.eventa.it

Cos'è il Theremin?

2015-10-17T16:01:00.001+02:00

Certamente avrete guardato e ascoltato centinaia di volte film e musiche in cui compare il Theremin ma non lo sapete. Avete presente l'ulato dei fantasmi nei film horror? Quelli che si trovano di solito nelle scene dei film girate nei cimiteri o nelle vecchie case abbandonate? Bene, quel suono lì è prodotto o sintetizzato da questo strumento musicale, il Theremin.

Chi è il suo inventore?

Il Theremin è uno dei primi strumenti elettronici della storia ed è stato inventato nel lontano 1919 dal genio Lev Teremen, uno scienziato russo. Al momento della scoperta Lev stava lavorando a un progetto sulla condensazione dei gas e accorgendosi del suono prodotto dal macchinario decise di cambiarne l'uso. Nel corso degli anni seguenti perfezionó il Theremin esibendolo come una sua interessante scoperta! Premetto che non ho mai visto un Theremin dal vivo ma sono estremamente affascinata da questo strumento, dicono che sia difficilissimo suonarlo. PLAY

Cos'è il Theremin?

Il Theremin è uno strumento assai particolare perché è l'unico al mondo ad essere suonato senza essere toccato ma com'è possibile? Esistono molti modelli di Theremin, diciamo che quello originale si avvicina per sound a un violoncello. Quelli più quotati sono di tipo valvolare e i primi sono stati messi in commercio dalla RCA verso gli anni '30 e sono oggi introvabili. I theremin odierni utilizzano circuiti moderni con transistor e altri aggeggi che negli anni '20 non esistevano ancora.

Come funziona il Theremin?

Lo strumento è essenzialmente composto da due antenne una verticale che controlla l'intonazione e una orizzontale che ne controlla il volume; entrambe sono fissate su una scatola, cabinet, che contiene il circuito elettrico. Essendo uno strumento elettronico deve essere alimentato e collegato a un amplificatore. Si suona con una "danza" delle mani che non lo toccano mai; lo strumento è davvero molto affascinante, pensate che quando lo si sta utilizzando, il pubblico non può stare accanto allo strumento e non devono esserci oggetti in movimento. Anche chi sta suonando deve limitare al minimo i movimenti del corpo perché potrebbero interferire sfasando il suono. Per maggiori info leggete questo sito interamente dedicato al Theremin!

Chi suona il theremin?

Tra gli artisti ricordiamo Jimmy Page, Skin e Clara Rockmore, quest'ultima considerata una delle migliori suonatrici di Theremin al mondo. PLAY

Kula Shaker, Pilgrims Progress

2015-10-05T19:46:00.002+02:00

C'era una volta la psichedelia degli anni '60 alimentata da una serie di innovazioni tecnologiche che l'hanno cibata per tutto il decennio. Il mellotron, il sintetizzatore, il wah wah e non solo sono stati fondamentali per forgiare un determinato tipo di musica che spaziando dalla musica folk a quella rock ci ha regalato un prezioso compendio musicale. Tra i dischi più importanti non posso non citare Revolver dei Beatles, Meddle dei Pink Floyd, Sweet Child dei Pentagle e tutte quelle band che son diventate progressive, aggiungendo elementi classici e virtuosismi su virtuosismi tipo Emerson, Lake and Palmer e i Genesis. La psichedelia degli anni '60 ha di fatto lasciato spazio a qualcos'altro che negli anni '70 ha poi generato anche l'hard rock e le basi per l'Heavy Metal, genere diffusissimo negli anni '80.

Negli anni '90 c'è stato un revival di suoni pop quello che in tanti chiamano BritPop, reso celebre Oasis, Supegrass, Blur e i Kula Shaker. Questi ultimi hanno tratto ispirazione dalla parte più psichedelica degli anni '60 utilizzando il Sitar e le armonie vocali tipiche della musica indiana. Questa miscela alchemica, un vero viaggio, è stata però attualizzata con un sound corposo tipico della musica anni '90 di qualità.

Pilgrims Progress è un disco del 2010; leggendo recensioni qua e là è stato definito un 6.5, ottimo lavoro di maniera ma poco originale. Io non sono d'accordo altrimenti adesso starei ascoltando i 13 floor Evevators o i Moody Blues. Gli arrangiamenti, nonostante i chiari riferimenti revivalisti sono un vero gioiellino, un'attualizzazione fresca e abbastanza contemporanea. Che poi il 2010 non è così vicino. Parliamo di 5 anni fa ma io tendo a ritenere recenti anche i dischi del 2003. Il discorso si amplia e si distorce ma la cosa chiara è che la band produce materiale originale e sempre interessante. Sento spesso giudizi che danno poco valore al talento e poi cos'è l'originalità? Se penso a quante canzoni diverse tra loro son state fatte con il giro di Sol quasi stento a crederci. Potremmo fare centinaia, migliaia di ore di pezzi meravigliosi tutti creati ed eseguiti con questi accordi. L'originalità sta nel talento, nella capacità di trasformare le intuizioni e le suggestioni in qualcosa di nuovo e quindi originale. A breve uscirà Eclipse, ultimo disco dei Kula Shaker. Arriveranno anche in Italia per due date.

Giovanni Lindo Ferretti. Divagazioni su coerenza e instabilità

2015-09-28T10:50:00.001+02:00

La settimana scorsa, sempre all'interno del XXX Premio letterario Giuseppe Dessì ho visto Giovanni Lindo Ferretti esibirsi in un reading in cui raccontava la sua vita, lo sfacelo delle sue credenze e di come queste l'abbiano riportato a casa. Con alcuni amici in circostanze diverse m'è capitato di parlare di lui e del ruolo dell'artista, espandendo gli orizzonti del discorso.

Mi piace pensare che l'arte sia un'urgenza interiore e che il volerla comunicare al mondo non debba essere implicito nell'atto della creazione. Il messaggio, il tanto caro messaggio, se c'è arriva comunque perché l'artista è una persona che esprime se stessa e le sue idee in maniera speciale; se poi parliamo di musica c'è la post produzione che si fa carico di equalizzare le idee. Osservando la storia, la rottura con la logica è avvenuta ciclicamente nel campo delle arti figurative, penso al Medioevo e alla sua negazione dell'apollineo o ai dadaisti che mettono il creatore innanzi alla creazione come a porre fine a un discorso millenario.

Proprio da qui vorrei iniziare a parlare di Giovanni Lindo Ferretti. Non ho mai sentito i suoi lavori attraverso un filtro idealista, non mi rispecchiavo nell'ideologia che ha fatto nascere i CCCP né mi sono sentita influenzata politicamente da questa band o da altre, in quello stesso periodo ascoltavo anche i Dead Kennedys, giusto per dire. Penso a canzoni come "Per me lo so", "Tu menti", "Io sto bene" che sono così vere e potenti che banalizzarle con la bandiera rossa è davvero un peccato. Poi i CCCP si son sfaldati come un muretto. Le persone cambiano, il tempo e le idee sono in movimento, camminano. Io stessa mi percepisco in perenne mutazione e quindi soggetta a un'altalena naturale, "è l'instabilità che ci fa saldi negli sgretolamenti quotidiani" diceva Ferretti. CSI, PGR e altri progetti son seguiti alla caduta e qualcosa nell'artista è cambiato lasciando intatta la sua urgenza di comunicarsi.

L'altro giorno ho affrontato questo discorso con un amico che è anche un artista; lui poneva l'accento sull'importanza del messaggio e ha premuto sull'idea che la volontà di comunicare agli altri è implicita nell'Arte. Tutti, compresi i proprietari del luogo in cui stavamo cenando hanno dato ragione a lui; qualche giorno prima ho affrontato una discussione simile con un'altra amica incassando gli stessi risultati.
Ho in questi giorni continuato a riflettere su Ferretti e sull'Artista e la mia conclusione è che nell'imprevidibilità sia contemplata anche la coerenza come alfa e omega di una vita, tipo in Mondrian. L'incoerenza racchiude coerenza ma non il contrario. Sempre al Premio Dessì, non ricordo in quale circostanza uno scrittore, forse la De Sio, ha detto che la coerenza è l'antitesi dell'Arte, che la volontà di progresso porta alla contraddizione. Insomma questo pare un rompicapo insoluto. Chi ha ragione? Chi ha torto? La meravigliosa risposta è: nessuno.

A questo punto ringrazio Ferretti perché è stimolante, genera dibattiti interessanti e questa è una dote non comune. Chiunque può riscrivere la storia se i suoi ideali d'incanto diventano obsoleti, non c'è una regola scritta che vieti di passare dal collettivismo più estremo alla volontà di barricarsi nel proprio orticello.

Sei tu, sei tu chi può darti di più, in un eterno presente che capire non sai l'ultima volta non arriva mai, sei tu, sei tu, chi può darti di più.

Se volete dire la vostra non esitate!
Leggi anche: Indie? Epopea di una parola senza senso

Intervista. Teresa de Sio e l'Arte che surfa i secoli

2015-09-25T13:40:00.004+02:00

Nel mio paese si è appena concluso il XXX premio letterario Giuseppe Dessì in cui una serie di scrittori e musicisti hanno abbellito la vita cittadina con i loro versi, musiche e racconti. Tra gli ospiti c'era anche Teresa de Sio che ha presentato il suo ultimo romanzo, l'attentissima e con la quale son riuscita a scambiare quattro chiacchiere. Ricordo quando da bambina la vedevo in Tv con quel tamburello e i capelli ricci, lunghissimi e quella voce con un timbro così particolare, mi affascinava sempre.

Devo assolutamente fumarmi una sigaretta!

Io non fumo

e fai bene! -sorride-

Così abbiamo iniziato a chiacchierare io e la brigantessa, mentre terminava di scrivere una dedica su un libro; accanto a lei c'era il vinile di Diamanda Galas, You must be certain to the devil, a quel punto mi sono emozionata "anch'io ho questo disco in vinile", "è di Giacomo Serreli!" -dice lei- poi ci siam sedute l'una accanto all'altra e...

Lei ha iniziato la sua carriera agganciandosi alla musica folk per poi sperimentare avvalendosi di varie collaborazioni tra cui Brian Eno, Fabrizio de André, Paul Buckmaster. Secondo lei è importante conoscere le tradizioni?

È importante come conoscere la storia. La tradizione musicale va mantenuta perché racchiude gran parte dello spirito di un popolo però oltre ai musicisti a lei fedeli devono esistere anche quelli, tra i quali cerco di posizionarmi, che cercano di diventare loro stessi tradizione portando innovazione al suo interno. Se ci pensi in musica il folclore non è altro che una serie di sperimentazioni che si sono affermate nel tempo.

In effetti la tradizione nasce come innovazione, come una rivoluzione all'interno di uno status quo per poi diventare anch'essa parte della storia

Esatto, non penso mai al folclore come a un qualcosa di statico e di fermo che sta alle mie spalle, dietro di me; lo sento presente e mi piace esserne interprete aggiungendo qualcosa di nuovo, di mio.

In che modo la tecnologia può, in musica, contribuire a questa fusione e tendersi in questo senso anche al futuro?

La tecnologia è sempre esistita, oggi la intendiamo in senso informatico ma se pensi agli scalpelli di Michelangelo erano all'epoca molto tecnologici, all'avanguardia. Pensa alla potenza innovativa della ruota o alla quantità infinita di strumenti musicali che nei vari popoli e culture sono stati creati adoperando materiali tipici di quella zona ed epoca. Per esempio, una volta ho fatto una serie di concerti con l'orchestra nazionale della mongolia e tra i loro strumenti c'è il Morincur, un violino interamente creato utilizzando solo esclusivamente parti del cavallo, animale da loro considerato sacro e molto importante all'interno della loro società.

Secondo lei perché, soprattutto tra i giovanissimi, si sta perdendo l'interesse per il passato? Le spiego meglio, credo che voi artisti viviate in una posizione privilegiata perché esprimendo voi stessi raccontate un epoca, siete quasi chiaroveggenti; al contempo credo che oggi dilaghi (più tra i giovani) un forte disinteresse per la tradizione/storia/arte, palesemente veicolato con lo scopo di allontanare dalla bellezza e dalla verità.

Ci sono due risposte una positiva e una meno. La prima risposta è: si possono avvicinare i più giovani all'Arte solo continuando il proprio cammino, facendo ciò in cui si crede senza lasciarsi condizionare. Questo è importantissimo. Altra cosa fondamentale è trasmettere loro il nostro sapere che è ciò che noi siamo, come musicisti e persone. È importante trasferire contenuti attraverso la nostra musica, canzoni, libri o qualsiasi cosa facciamo. Spesso tra generazioni c'è una lotta ma in particolare oggi c'è un aspetto negativo: tutta la macchina produttiva in questo momento fa in modo che avvenga un taglio con il passato. A dominare il mondo non sono più la bellezza, l'arte, la cultura o la politica ma il mercato; l'antagonista più acerrimo al mantenimento della bellezza e della cultura è il mercantilismo. In tutti i campi. I giovani nascono già dentro questo sistema. La battaglia va affrontata su più fronti non solo con l'arma della musica o dell'arte.

In fondo il buon esempio è l'unica cosa che permette di trasmettere il sapere

Esatto, la cultura non è qualcosa di scolastico, noioso e pedante, è anzi divertente. I modelli imposti dai media, anche quelli su internet che spesso vengono ammantati di un senso di libertà, sono veicolati dal mercato. Solo con le relazioni umane di qualità può nascere l'arte che fa il surf sulle onde dei secoli. Scegliendo i rapporti umani reali e non veicolati dal denaro si fa non solo un lavoro su se stessi ma sulla realtà oggettiva, visto che il mondo mercantile produce scorie. Se ci pensi siamo nel momento storico in cui gli oggetti vengono consumati di meno, un vestito che indossi oggi domani è obsoleto, diventando parte di un enorme cumulo di cose che ci seppelliranno. Toro seduto diceva già nell'800 "l'uomo bianco morirà sepolto dai suoi rifiuti" e guarda quant'è vero.

Di Teresa de Sio mi colpisce sempre l'attaccamento alla sua terra e la volontà di fare cose slegate e legatissime alle sue origini. Ha fatto un sacco di meraviglie artistiche la De Sio. Ora m'attende l'attentissima, suo romanzo, lì, sul comodino.