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Minhas Leituras Cotidianas - Anatólia Story [Vol 1-8]

2012-04-30T12:17:00.000-03:00

O mangá que nunca vai ser tão bom quanto poderia ser.

Anatólia Story (Onde o Céu e o Rio Vermelho se Encontram) é um mangá de Chie Shinohara, desenhado entre 1995 e 2002 e tem longos e velozes 28 volumes.
É um grande misto de romance, aventura, drama e a sempre atraente viagem no tempo que permite ao autor brincar com a história conhecida e mal contada. Em Anatólia somos apresentados a garota Yuuri, uma adolescente de 15 anos do japão que acabou ser aprovada na prova do colégio e logo na primeira página tem seu primeiro beijo com um amigo. Ela não tem tempo par aproveitar essa boa e feliz fase da vida dela porque logo estranhos fenômenos envolvendo água acontecem ao redor dela.
Por mais que ela perceba que alguma força desconhecida está tentando pegá-la e fique paranoica evitando se aproximar de qualquer acúmulo de água, logo ela acaba sendo capturada e transportada para um mundo distante.

É premissa básica já bastante manjada e conhecida, usada até mesmo quando você não percebe.
Não é necessário transportar o personagem para um mundo diferente, basta levá-lo para um ambiente que ele desconhece. A viagem temporal ou dimensional adiciona apenas a parte histórica da história, e este é o caso em Anatólia Story, a Yuuri é transportada para o passado, cerca de 3100 anos atrás para as vésperas do auge do império Hitita.
Qualquer um que tenha por hábito ler mangás já deve ter lido algum só por um ou outro detalhe que lhe pareceu interessante, no meu caso a história de Anatólia Story ser ambientada na antiga Turquia foi o que me fez ter vontade de ler, mesmo após conhecer essa série a tantos anos de ouvir a Tia Valéria comentar era algo que um dia eu tinha que ler.
Estou lendo, e é muito bom, mas de alguma forma muito bizarra é também muito falho.

Ui, cuidado meninas, temos um bishounen aqui.

Após ser transportada para o passado, Yuuri chega em um dos poços da capital Hitita, Hattusa.
Isso dá um baita susto em quem presencia a chegada dela e logo começa a correria com a Yuuri tentando descobrir onde está com gente gritando em uma língua desconhecida. Ela é perseguida pelos soldados da cidade e entrando em um beco topa com um homem que acaba dando cobertura para ela, e olhem só, lhe arranca um bejio e a partir daí ela começa a entender o que eles falam.
Por sorte o tal homem é um dos príncipes dos Hittitas, Kail Mursili II, e também um homem bem intencionado, um fato importante de mencionar. A partir daí ele passa a ser o protetor da Yuuri acolhendo-a como concubina - de fachada - para proteger Yuuri de ser morta pela pessoa que a levou até aquela época, a Rainha e Sacerdotisa máxima dos Hittinas, a "Tavanna" Nakia.
Tudo se trata a intrigas palacianas, o filho de Nakia é o mais jovem dos príncipes e último na linha de sucessão, e ela faz de tudo para que seu caçula seja imperador. Em meio as tramoias dela a Yuuri entrou na história de gaiato. Nakia fez uma magia pedindo aos deuses por uma oferenda que pudesse ser oferecida para ter a vida dos príncipes herdeiros e a pessoa indicada foi a Yuuri. Ela é a grande vilã do início e aparentemente até o fim da história, não medindo esforços para ter o sangue da Yuuri e para isso fazendo e acontecendo por baixo dos panos. Ela não se importa nem de destruir o próprio império para que o filho seja imperador.

No começo eu dei um pouco de crédito para Anatólia Story, afinal como eu poderia julgar toda uma série de 28 volumes lendo apenas 2? Eu li ao máximo para ter uma ideia de qual era a proposta, quais os objetivos dos personagens e da Yuuri.
Nos primeiros volumes a Yuuri só quer voltar para casa e isso é possível. Ela só precisa que um sacerdote poderoso desfaça a magia da Nakia, e descobre que o próprio Kail é um sacerdote e pode fazer isso. Eu cheguei a pensar que ela voltaria logo para casa e então por algum motivo seria levada de novo para lá, mas isso não aconteceu. Eles se preparam para fazer a magia para levar a Yuuri de volta para casa, que deve ser feita em um dos poços da cidade, o mesmo do qual ela veio, só que existem algumas condições, que são vestir as mesmas roupas com que estava quando chegou e o tempo. A magia só pode ser feita durante a estação as chuvas enquanto a Estrela da Manhã (Vênus) está no céu.
As roupas ela perde na confusão da chegada para a Nakia, que depois recupera as custas da vida de um servo do Kail, apesar disso a Nakia atrapalha e ela perde a janela de tempo para voltar para casa.
Então a Yuuri fica presa lá por pelo menos mais um ano, em parte por vontade de vingar o tal ajudante morto por achar que foi culpa dela (e foi mesmo).

Eu estava com sentimentos divididos sobre como a história prosseguira a partir dali e tenho que admitir que ainda estou. Acho que mais do que satisfeito ou decepcionado estou é resignado com a situação.

Anatólia Story não é um mangá de aventura, ação, de história, é apenas mais um romance qualquer.
Só isso.

Esse mangá tem MUITO potencial, não só pelo ambiente e todas as suas possibilidades, ele se sustenta sozinho pelos personagens que a Chie criou. Ela pegou referências de nomes da época e montou todo um elenco visivelmente carismático e que tem uma boa química em conjunto. Se você ler Anatólia Story por isso vai ficar muito satisfeito e também se divertir muito, acabei rindo diversas vezes nesses 8 volumes, há situações bem espertas entre os personagens.
Infelizmente para por aí, quanto mais ela puxa qualidade para um lado mais falta no outro.

Enquanto a Yuuri não está tentando se livrar as mãos habilidosas do mulherengo Kail ela está se metendo nos assuntos da política Hitita, tanto por ser enxerida quanto para escapar de mais uma das várias tramoias da Nakia, e naturalmente vislumbramos vários eventos históricos.
Contemporâneo ao reino Hitita estão seus rivais os Mitanni mais ao sul.
É um outro reino como outro qualquer, lutando para resistir as tentativas de conquista de territórios dos vizinhos e lutando para conquistar território dos vizinhos. Logo estoura uma guerra entre os dois reinos e a Yuuri acaba sendo envolvida.
Quando ela chegou em Hattusa era uma completa estranha, e nos eventos que se seguiram imediatamente após ela se envolveu em várias confusões com os primeiros assassinos enviados pela Nakia, com destaque para um mercenário chamado Zuwa. Ele tinha nome na região e era temido. Além de ter fugir dele a Nakia armou outros planos de assassinato e incriminou o tal ajudante, Tito, que morreu salvando a vida a Yuuri, em seguida incitando o desejo de vingança na família dele para que tentassem matá-la por raiva por mais que ela fosse protegida de um príncipe. Uma coisa levou a outra e ela se envolveu em uma luta de espadas contra o Zuwa e saiu vitoriosa. A partir desse momento por uma coincidência na situação os soldados Hititas passaram a chamá-la de Ishtar, a deusa da guerra dos Hittitas. Aproveitando essa popularidade Kail a leva para a guerra com os Mitanni, tanto para mantê-la longe da Nakia quanto para motivar os soldados.

Uma vez Yuuri ganha a alcunha de Ishtar e começa a participar das guerras junto com o Kail ela não para mais, sendo jogada de lá para cá, passando de mão em mão ao mesmo tempo como heroína de guerra e como princesa cativa.
Sim, as situações que a Chie cria são interessantes e criativas. Se você pegar registros históricos daquele período vai perceber que a história segue na medida do possível a cronologia real. O problema de Anatólia Story é esse, seguir fielmente a cronologia através das decisões dos personagens chave prejudicando alguns pequenos detalhes que fazem um mangá ser empolgante.
Por um lado você tem situações inspiradíssimas onde a Yuuri derrota desarmada um leão, criando uma cena envolvendo um cavalo e duas gêmeas que inspiram nas testemunhas a imagem da deusa Ishtar escoltada por suas deusas companheiras soberana da guerra e em seguida vencendo um príncipe experiente em discurso e lógica, e em outro momento você tem essa deusa da guerra, com uma escolta, passiva como um bebê permitindo ser morta sem nenhuma reação, somente para no capítulo seguinte voltar dos mortos praticamente como uma maldição do deserto e parar dois exércitos inteiros.
É ao mesmo tempo fantástico e ridículo.

A protagonista Yuuri é a melhor e pior personagem de Anatólia Story, ela é esquizofrênica.

Como um romance Anatólia Story satisfaz.
Como um fanservice histórico também satisfaz.
A única forma como Anatólia Story não me satisfaz, estranhamente é em ser um bom mangá (até agora).

Imaginem vocês na situação da Yuuri.
Vocês certamente seriam ignorantes sobre a história da Ásia Menor naquela época, isso é certo. Mesmo eu que gosto do Egito Antigo e já tinha lido sobre os Hittias e os Assírios sou um grande ignorante. Conhecer de nome é muito diferente de conhecer aqueles povos, saber quem eram, como eram, o que queriam. A Yuuri não sabe nada disso, isso é normal, o problema dela é que ela não tem o mínimo interesse nisso.
Vemos que em Anatólia Story os personagens sofrem choque cultural pela forma de pensar da Yuuri, mas ela não parece ser afetada por nada que vê naquela terra tão diferente. Tanto não vê como não procura. Esse desinteresse aliado as cenas de ação muito mentirosas é o maior problema da série, eles quase acabam com a diversão. Eu pensei que o problema das cenas de ação bobas de Anatólia fossem apenas por conveniência do roteiro nos primeiros volumes para estabelecer a situação da Yuuri, mas não, é fraco mesmo.
Desde o início, em todo o arco com o Zuwa tentando capturar e matar a Yuuri.
É absurdo como um criminoso tão famoso e de aparência tão chamativa consegue circular por dentro de Hattusa e outras cidades praticamente sem ser visto. Como ele consegue desaparecer e não ser ouvido por um bando de guardas que estão bem ali na esquina enquanto participa de uma gritaria? É ridículo como um exercito inteiro de soldados foge gritando de medo dele e como ele é derrotado por uma garotinha mirrada.
Apesar das formas absolutamente inacreditáveis como a Yuuri tinha conseguido escapar tantas vezes antes, é até aceitável a forma como a Yuuri consegue derrotar o Zuwa, quebrando a espada dele. Para lembrar, o Império Hitita existiu durante a chamada Idade do Bronze. As armas deles eram feitas de Bronze e outros metais semelhantes. A espada que Yuuri usou contra ele era feita de Ferro (apesar de como a cena dá a entender, Ferro não é nenhum metal mágico e não quebra pedras), uma metalurgia nova e superior. Essa luta dela foi aceitável porque era uma importante ferramenta do roteiro. A metalurgia de ferro era muito rara, não se sabia que era possível minerar o metal da própria terra como os outros metais, até então se pensava que era um metal provindo apenas de meteoritos. A Yuuri recebe essa espada do pai do Tito, um ferreiro e detentor da metalurgia do ferro, que diante do príncipe Kail em gratidão e compensação pelo filho morto oferece seus segredos para ele.
Isso dá de bandeja para os Hititas uma importante vantagem militar contra todos os povos da região, e em volumes seguintes é essa vantagem militar, que permite construir bigas com eixos mais resistentes, que determina a vitória dos Hititas na guerra contra os Mitannis. Seria perfeito, se não se limitasse apenas a isso, o pai do Tito oferecer seus conhecimentos sobre fabrico de ferro e volumes depois o Kail revelar e mostrar em umas duas páginas como venceu a guerra usando as bigas de três passageiros possibilitas pelo uso do ferro.
Qualquer um que tenha lido um pouco de Historie e de Otoyomegatari ficará EXTRAMENTE AGUADO lendo Anatólia Story. Esse mangá é apenas e somente um romance, ele se passar naquela época E naquela região é um mero detalhe de rodapé de página.

Em momento nenhum a Yuuri procura aprender mais sobre aquele lugar e gente, em momento nenhum. Sei que isso seria algo complicado de se fazer, exigiria uma desgastante pesquisa da autora, mas não custava nada um detalhe aqui e ali. Não é somente a metalurgia de ferro que perdemos, perdemos toda a cultura Hitita, Mitanni e Egípcia por causa desse desinteresse da Yuuri, e também, exige uma suspensão de descrença descomunal para aceitar que a Yuuri em nenhum momento compartilhe seus conhecimentos do mundo moderno. Quando o pai do Tito revelou que sabia como fabricar ferro ele mencionou que podia fazer isso somente durante a estação dos ventos, porque usava os fortes ventos para conseguir produzir no forno a temperatura necessária para derreter o metal. Não tem um único leitor que nesse momento deixe de pensar que a Yuuri poderia ajudar ali, poderia ajudar com um dispositivo para melhorar a temperatura dos fornos de fundição, como por exemplo um fole.
Seria pretensão ela começar a ser a responsável por vários progressos daquele povo?
Sim;
Seria mais interessante?
Sim;
Mesmo que não, não seria mais legal ao menos ver como era feito?
Sem dúvidas.

O desenrolar da histórias e das guerras é realmente admirável, não tem como não gostar dos personagens e seus destinos, mas sempre que se olha para os lados é somente tristeza que vemos, um grande descaso.
Esse exemplo da fundição de ferro é apenas um.
Um outro exemplo é quando a Yuuri está refém dos Mitanni. Ela tem liberdades para circular dentro da cidade onde está presa. Ela sai de dentro do palácio com a intenção de descobrir os pontos fracos da cidade e planejar com os soldados Hititas capturados uma forma de ajudar a tomar a cidade por dentro quando o exército Hitita chegar. Ela faz isso, mas também não pode deixar de notar o tratamento que os feridos recebem, que é basicamente nenhum. São apenas jogados em uma casa isolada para "descansar" e eventualmente morrer. Ela não consegue apenas ver isso e então incorpora a Madre Tereza. Limpa todo o lugar "porque todos sabem que higiene é importante" e cuida dos feridos. Isso trabalha bem em favor do roteiro, mostra que a Yuuri é uma mulher inteligente, no mínimo de pensamento diferenciado para a época, ganha popularidade até entre os inimigos (na verdade algo não raro de acontecer para pessoas carismáticas) e seu plano acaba de fato ajudando quando a hora chega. Só que além de vermos a Yuuri lavar roupa ela não faz mais nada pelo feridos e doentes.
Ela não tinha mais nenhum conhecimento do mundo moderno útil naquele momento? A Chie não poderia ter criado ótimas cenas mostrando o contraste entre o antigo e o atual? Poderia, mas ela não tem interesse nisso, lembre-se Anatólia Story é apenas um romance. Somente um romance e nada mais.
Essa "falha" é revisitada posteriormente no volume 8 onde é mostrada uma praga que vitimou parte do povo Hitita em Hattusa e algumas cidades próximas, inclusive o Imperador. Foi a Praga dos 7 dias, que em Anatólia Story é como chamaram a Leptospirose. Do pouco que eu sei da doença, sei que é um problema de higiene pública. A Yuuri também não saberia disso? Aposto que saberia. Dessa vez não é a Yuuri quem age pelos pobres e sofridos, é a Nakia que sabendo do que a Yuuri fez enquanto refém dos Mitanni a copia para ganhar popularidade. E novamente, nada é mostrado além de uma casinha varrida e cobertores limpos. A Yuuri apesar dos pesares até fica feliz por essa maquinação da Nakia porque ela está fazendo bem pelo povo, mas sendo assim, ela não poderia ajudar com seu conhecimento? E se é tão boazinha assim ela não poderia ter feito isso espontaneamente? Ela não poderia até mesmo ter evitado essa praga? Pensem bem, se ela volta para Hattusa e começa aplicar um pouco do cuidado com a higiene e bem estar social, o risco de contaminação e epidemia poderia ter sido diminuído ou até evitado. Se ela fizesse isso mudaria a história, o Imperador não morreria como ele morreu no mundo real e isso traria muitos problemas para a história. Mas ela não poderia ao menos perceber essa omissão e se sentir um pouco culpada?
Poderia, mas lembrem, Anatólia Story é apenas um romance, somente um romance e nada mais.

Esse triste padrão infelizmente não apenas tira essa curiosidade histórica, também afeta as cenas de ação.
Como pode em uma guerra tão grande as batalhas serem tão sem graça? Kail venceu os Mitanni de forma tão esmagadora apenas por um eixo de ferro? É sério mesmo que quer me convencer disso?
O pior é que Anatólia cria espectavas de ser um pouco diferente. No início a Yuuri ganha um cavalo selvagem que se dá bem com ela, e chama atenção por simplesmente cavalgá-lo. Para os Hititas os cavalos na guerra eram apenas para puxar carruagens. Nesse momento fica a impressão de que a Yuuri vai inspirar novas formas de usar um cavalo em batalha, mas isso se limita somente a aquela página mesmo, infelizmente.
A pé a situação é tão ou mais desanimadora.
Não tem uma luta sequer nesse mangá que empolgue ou convença. Em cada cena é decidido quem tem que vencer ou morrer, ou então empatar. É como aquelas lutas livre encenadas e bem cara de pau, não engana ninguém. As lutas e batalhas de Anatólia Story são tão interessantes quanto um comercial que você levanta, vai no banheiro e volta quando ele acaba para acompanhar o resto da história, que em 50% das vezes são seguidas do Kail apalpando o corpo da Yuuri. Nas outras 45% das vezes são outros homens apalpando o corpo dela.
Um metrô lotado é mais seguro para uma mulher.

Por vir, não tenho medo de você seu estuplador!

E isso quando durante a luta o Kail não está agarrado e beijando a Yuuri em um beco... o galego estupra menininhas com uma mão só.

Por pior que Anatólia Story seja ruim nesses aspectos, ele é especialmente irritante ao ofuscar esses pontos baixos com seus pontos fortes.
A batalha mais sem graça que você já viu em toda sua vida em um mangá pode ser seguida de uma peça de roteiro muito bem bolada e encantadora. Não existe exemplo melhor disso até agora do que a cena no final do volume 7 onde a Yuuri é quase morta.
Depois de tudo que ela passou durante uma guerra, sempre no calor do combate, junto com um fiel escudeiro, junto com uma escolta, meros 5 pulhas conseguem derrotar todos eles sem que ninguém apresente resistência. E lá vem Anatólia depois desse desdobramento ridículo te conquistar novamente com uma grande sequência de história, e a Yuuri que quase morreu quando estava sadia e sã, agora moribunda e delirando se mostra uma grande sábia.
Não dá para entender.
Afinal, esse mangá é bom ou não?
Ah, é, ele é um romance e nada mais, somente um romance.

Isso que me deixa louco, por mais que seja um romance, somente um romance e nada mais!, é que Anatólia Story é muito bom puta que pariu!
Dá raiva ser tratado dessa forma pelo mangá que te violenta brutalmente para brincar de tsundere. Você gosta dele, gosta muito, ele te pega pela cintura, te joga na cara e... mas TEM que desesperadamente resistir e ficar procurando defeitos para criticar e se fazer de difícil.
É uma situação muito complicada.

Algo que muito irrita em Anatólia Story é a Yuuri além de sua bipolaridade ser jogada de lá para cá o tempo todo.
Parece que a história só acontece por ela ser sequestrada por um alguém diferente a cada momento. Sobre isso, um pequeno detalhe interessante sobre como a Yuuri sobrevive com tanta sorte é que ela teve sorte de ser levada para o Hititas. Você não deve estranhar o pensamento de que o povo daquela época era mais "cruel", mas leis eram mais severas, e isso é verdade. Todavia daqueles povos vizinhos era dito que o Hititas eram quem tinham as leias mais brandas, não eram tão cruéis. Por isso tirando as tentativas de assassinato da Nakia a Yuuri não seria morta atoa, e também evita situações de horror com a forma como as pessoas são julgadas no local. Mesmo assim, a Yuuri tem mais utilidade do que ser uma eterna refém de príncipes e espero que isso vá mudar no futuro, ainda mais que depois disso os Hititas passaram por um período de paz externa que deve fazer o roteiro se concentrar em intrigas palacianas, e mais tarde já com o Kail como Imperador Mursili II deve haver um conflito com os Egípcios. Ramsés I já entrou para o elenco.

Não me incomodo tanto que Anatólia Story seja apenas um romance, somente um romance e nada mais, mas que seja então um bom romance para fazer valer a pena essa leitura.

Resenha - O Último Unicórnio

2012-04-29T15:08:00.000-03:00

Todo mundo tem aqueles filmes clássicos que conhece a vida toda e nunca assistiu, sempre teve interesse e foi deixando para depois e acabou não assistindo. Até ontem O Último Unicórnio me era um destes filmes.
Enquanto que não fico com nenhum sentimento de que deveria ter assistindo antes, fico contente de finalmente ter assistido ele e poder confirmar que é sim um clássico.

O Último Unicórnio é um filme de animação de 1982, adaptado do livro de mesmo nome Peter S. Beagle que também fez o roteiro do filme. É uma grande produção ocidental, apesar de ser animado por japoneses e russos, que se destaca por ter grandes atores no elenco dando suas vozes aos personagens e também por sua trilha sonora composta por Jimmy Webb com canções da banda America. Essas canções são mais famosas do que o próprio filme, várias se tornaram clássicos.

A história é sobre uma unicórnio que vive tranquilamente em sua floresta, onde com sua magia sempre é tempo bom em todas as estações e onde todos os animais da floresta podem viver seguros.
Enquanto um unicórnio protege a floresta nenhuma caçador terá nenhuma presa, quase todos os humanos são incapazes de ver os unicórnios e escaparem de sua magia, e os que conseguem ver são justamente aqueles que não tem interesse em causar nenhum mal.
Um dia a Unicórnio da história ouve caçadores de passagem pela floresta comentarem sobre não haver mais unicórnios pelo mundo, aquela floresta seria o último refúgio deles e a Unicórnio que vive lá seria então o último.
A Unicórnio não acredita que isso seja possível, mas pelo tempo que ela não vê mais nenhum deles começa a ficar preocupada e começa a investigar se a história é verdade, e através de uma borboleta bardo viajante fica sabendo de uma história sobre um Touro Vermelho em um reino distante que teria colocado os unicórnios para correr e aprisionado eles. Preocupada, considerando que saber da verdade tarde demais ficando escondida na floresta seria pior, ela decide sair de lá e ir atrás do Touro Vermelho, ou pelo menos descobrir se ele existe ou não.

A história é bem simples, a unicórnio simplesmente começa a andar a esmo, sempre seguindo em frente e perguntando no caminho se alguém sabe de algo sobre o Touro Vermelho.
No caminho ela é capturada por uma bruxa que tem um circo de horrores itinerante.

Algo simples e que satisfaz.
O filme tem um bom ritmo, não tem grandes cenas, mas igualmente não tem cenas desnecessárias. Durante a viagem alguns trechos mais parados são narrados com as cenas musicais, e o filme marcou na época por essas cenas serem bem diferentes de animações musicais com danças alegres. Ele é extremamente melancólico, a música título é triste, sobre a história do unicórnio sozinho no mundo vendo toda a glória do passado morrer sem nem ter percebido.
E o filme parece falar um pouco sobre isso, sobre a morte da magia, e talvez também como a magia pode matar.
Durante sua viagem a Unicórnio conhece o mago fajuto Schmendrick, que tem MUITA cara de ter sido a inspiração do personagens Presto de Caverna do Dragão, com sua aparência clássica, jeito desajeitado e trapalhadas mágicas.

Mas ao contrário do pupilo, Schmendrick tem mais dignidade e é quem liberta a Unicórnio do circo da velha bruxa. Essa bruxa Fortuna é até interessante, ela conhece a magia, sabe o quão fácil as pessoas são iludidas por ela, o quão fácil as pessoas criam a magia que querem ver e se aproveita disso. Ela é igual ao Rei Haggard que é introduzido mais a frente.

Entre ganhar a companhia do Schmendrick e de uma mulher chamada Molly não acontece realmente muita coisa nesse filme.
Eles descobrem que o Touro Vermelho está ligado ao Rei Haggard e vão até o reino dele, e ao chegar lá acabam se deparando com o Touro Vermelho. É como uma poderosa magia que todas as noites vaga pelo reino a procura de unicórnios, não para matá-los, para levá-los até seu mestre. O Touro Vermelho só persegue unicórnios e no desespero Schmendrick tenta transformar a Unicórnio em alguma outra criatura para se disfarçar e escapar do Touro e acaba transformando ela e uma humana.
Devo dizer que eu fiquei um pouco decepcionado com isso.
Ser transformada em humana para a Unicórnio, que a partir daí para a ser chamada de Amaltea, é algo pior do que a morte. Ela fica atormentada, cabreia, mas senti que poderia render mais. Sinto que ela se torna apenas mais uma pobre princesa atormentada. Como um unicórnio imortal o maior tormento dela era a morte, mas havia muito mais em jogo do que apenas a sua morte e a questão poderia render muito mais, porque com sua morte não acabaria somente sua vida, morreria com ela uma parte importante da magia do mundo condenando todos que dependem dela.

Sem saída o grupo só pode continuar seguindo viagem e entrar no castelo de Haggard para descobrir sobre o Touro Vermelho, o que aconteceu com os unicórnios capturados, aproveitando que Amaltea está disfarçada, pelo menos pelo tempo que ela resistir como humana sem esquecer quem ela é. Esse era um outro detalhe importante da história, ele ainda está lá, mas ao que parece apenas como uma interpretação minha ao invés de como um elemento do roteiro, porque ele não é citado.
A Unicórnio se transformar na humana Amaltea e com isso esquecer quem realmente é é algo simbólico bem fácil de notar. Ao se transformar em humana ela esquece da magia e isso é bem sugestivo de que os humanos são seres que não sabem lidar com a magia que eles próprios tem. Isso é desenvolvido com o Schmendrick, que apesar de ser um mago frustrado ele bem é capaz. Ele falha e acerta constantemente durante o filme e seu arco dramático é o de não apenas aprender a usar a magia, é principalmente de aceitar a magia como ela é, interagir com a magia ao invés de dobrá-la a sua vontade.

É quando ele permite que a magia aja através dele como um instrumento que suas magias dão certo, nunca quando ele tenta forçar um resultado específico.

E assim chegamos ao grande personagem de O Último Unicórnio, o Rei Haggard.

Desde o primeiro momento eu adorei esse personagem, ele é fascinante. Ajuda um bocado a arte e a animação do filme, ela é densa e sutil, os movimentos são contidos, cansados, mas parecem ter muitos sentimentos adormecidos por baixo dos personagens, e claro a voz do Christopher Lee.

O Rei Haggard é um rei decadente por vontade própria.
Seu maior desejo é ser feliz, e por não ser feliz com um reino de glórias se desfez dele, vivendo sozinho com poucos criados. Dessa forma ele não é mais infeliz do que era antes e está satisfeito com isso, ainda procurando pequenos agrados.
O mistério do Touro Vermelho é o mistério dele. O motivo dele caçar e aprisionar os unicórnios é sua vontade de ser feliz. Ele era tão encantado pelos unicórnios e sua magia que ficou obcecado por eles e os quis ter somente para ele. Foi por isso que disse que ele era igual a bruxa Fortuna, são pessoas doentes pela magia, que terem tê-la apenas para eles, mesmo que eles não vão usá-la para nada, querem apenas ter e a aprisionam ao invés de serem abençoados por ela.
A graça do filme é ver essa relação entre os personagens e a magia, a forma como as pessoas buscam a felicidade no que cativa seus corações e fazem as coisas mais absurdas para ter a atenção do objeto amado.
O príncipe Lir que se encanta pela Amaltea é apenas mais uma forma como esse desejo incontrolável se manifesta, fazendo atos heroicos para conquistar o amor da Amaltea, o que é a forma errada de se fazer isso. Foi uma crítica divertida de se ver, o Lir que desde o primeiro seguindo em tela vemos como o cortês herói clássico medieval, que caça dragões para presentear à donzela amada, se lamentando de seus feitos serem inúteis e sem ignificado.

Infelizmente o filme decepciona com a personagem principal, a Unicórnio.
É natural que ela fique confusa, só que ela acaba é ficando perdida e jogada no meio da história, sem nenhum objetivo, sem saber o que pensar, e acaba se rendendo ao amor barato. Poderia ser melhor, a relação do Schmendrick com a Molly era óbvia e esperada, mas pra mim foi bastante satisfatória, bem tranquila e humilde, o que talvez seja algo que merecia mais destaque porque poderia servir de exemplo para uma boa relação entre amor e desejo porque é uma relação que envolve troca, sem tirar nem impor nada a nenhum dos dois.

Apesar de não ser perfeito, O Último Unicórnio merece ser chamado de clássico.
Apesar de eu ter achado que o desenvolvimento da protagonista ficou devendo você pode discordar disso quando assistir e sem dúvidas é um filme muito gostoso de se assistir pelos seus diálogos afiados.
A forma como eles interagem, os comentários que fazem, você nem nota mas a qualidade dos diálogos e sutiliza deles é grande, e isso não se limita apenas como uma qualidade do Haggard, é uma qualidade presente também na bruxa Fortuna e até no bandido Cully. Isso não deveria ser uma surpresa aliais, é um filme com DNA britânico, bem aparente na cena da caveira.

Visualmente é um filme bastante bonito e bem feito mesmo levando em conta a idade que ele tem. Há um certo ar meio mágico por causa da arte e da graça dos movimentos. E por ter um bom ritmo e direção o tempo passa assustadoramente rápido e quando você percebe ele já acabou.

Sobre as músicas, são boas sim, e é um bom musical, pelo menos do tipo que eu gosto que não fica parando as cenas para colocar os personagens dançando na tela. Ao invés de números musicais com dança comuns em tantos filme, o que o filme tem são apenas canções, que são falas dos personagens transformadas em músicas para dar mais destaque. Tem mais um ar de poesia do que de número musical.
Por mais que essas canções tenham ficado famosas não subestime as músicas instrumentais que são de altíssima qualidade.

Um filme bem bacaninha e recomendo assistir.
Tem mais para falar sobre ele e seus personagens, mas para saber mais é melhor que você mesmo assista.

Interpretando Coríntios 13 com Nazo no Kanojo X

2012-04-28T20:24:00.001-03:00

Esse texto não é o que deveria ter sido.
Ontem mesmo eu estava comentando, "já consigo sentir o vento de outono". Eu gosto muito desse tempo, não gosto do calor e do sol escandante, e apesar de gostar do frio ele me incomoda um pouco por fazer minha pele ficar descascando. O tempo que eu gosto é tempo bom. Só que aqui, enquanto estamos no outono, no hemisfério norte é primavera, e tão bom quanto esse tempo agradável que está fazendo esses dias é a temporada de Abril de animes, como já dito, repetido e enfatizado, uma das melhores dos últimos anos.

Algo que ficou bem aparente nessa temporada é que ela é uma temporada de romances, especificamente romances estranhos. Não, não estou falando do suposto yaoi de Apollon.
Como eu acompanho poucos animes eu não estou sabendo dos outros romances comuns, os animes que eu estou acompanhando são justamente os romances excêntricos: Nazo no Kanojo X, Sankarea e Tasogare Otome X Amnesia.
Além de personagens agradáveis, coerentes - para um anime - e um desenvolvimento interessante do romance entre eles, um outro motivo para se assistir um romance pode ser a singularidade dos amantes e da situação deles. Estes três animes exploram justamente isso, e o melhor, todos eles são muito mais bons romances do que romances estranhos. A minha ideia inicial era escrever sobre isso, falar e comparar os três, comentar e até brincar sobre qual seria a melhor waifu da temporada, a babona, a morta ou a assombração.
Só que Sankarea tem poucos episódios e eu não quero ler o mangá. Tasogare eu acompanho o mangá e estou odiando o anime. O texto favoreceria muito Nazo no Kanojo, que aliais foi quem me fez ter a ideia e vontade de escrever aquele texto, então decidi, vou escrever somente sobre Nazo no Kanojo X.

Se eu quiser que as pessoas leiam meu texto esse pode ser um erro, afinal esse anime está dando o que falar, no meu entender pelos motivos errados.
Por mais que alguns teimem e se revoltem, Nazo no Kanojo X é um romance, e não apenas isso, simplesmente é um mangá e anime muito melhor do que querem aceitar. Até mesmo melhor do que eu acredito que ele é. A cada capítulo do mangá que eu leio mais me surpreendo e o anime nesses três episódios exibidos tem se mostrado uma das melhores adaptações que conheço.
Mas não é disso que eu quero escrever, eu quero escrever não COMO Nazo no Kanojo X é bom, eu quero escrever PORQUE ele é bom. Nazo no Kanojo X é talvez o melhor mangá sobre sentimentos já feito.

Me deixe começar primeiro com um exemplo aleatório, de um mangá que estou lendo no momento, "Onde o Céu e o Rio Vermelho se Encontram" - sempre quis digitar esse título - mais conhecido como Anatolia Story.
É uma daquelas histórias "tipo Inuyasha". A protagonista Yuuri, uma japonesa, é um dia transportada para um outro mundo, no caso para o passado, indo parar no meio da região conhecida como Anatólia que é a Turquia atual. Ela foi arrastada para lá pela rainha dos Hittitas para ser sacrificada em uma macumba nos planos dela de fazer com que seu filho caçula se tornasse o herdeiro do reino.
Com sorte a Yuuri é salva por um dos príncipes que passa a ser seu protetor, e como é esperado eles passam a ter um romance.
O que torna esse exemplo interessante para esse caso é que na primeira página do mangá a Yuuri é mostrada dando seu primeiro beijo no amigo Himuro. A existência do Himuro aguardando pela Yuuri em seu época de origem é um dos obstáculos para as mãos habilidosas do príncipe Kail enquanto protege a Yuuri até que ela possa voltar para casa, mas não tanto já que naturalmente a Yuuri não resiste ao chame de macho protetor dela e no segundo volume, poucos dias após chegar na cidade de Hattusa ela já está amando o príncipe, apesar de ainda estragar a diversão dele com seu charme tsundere.

Anatolia Story é um shoujo, e me faz lembrar que não importa quais sejam as circunstâncias todos esses romances tratam os sentimentos da mesma forma.
Por que a Yuuri se apaixona pelo Kail? Por que o Kail mulherengo se apaixona pela Yuuri?
Eles não entendem e dizem isso, afinal, o amor é algo que poucos conseguem expressar em palavras. Ao longo desses mangás podemos ver demonstrações de amor que variam de pequenos gestos, pequenas palavras até grandes atos capazes de colocar a própria vida em risco pelo bem da pessoa amada.
Mas palavras claras que expliquem o que sentem? Isso é muito raro.

Um outro exemplo é Tasogare Otome.
O Teiichi se apaixona por uma fantasma, não antes de ela se apaixonar por ele.
Durante a série e durante o mangá nós vemos o conflito que esse sentimento mútuo provoca, mas qual é esse sentimento afinal? Muitos dos problemas e confusões que eles causam são pelos personagens não entenderem o que sentem, isso acontece em vários momentos com a Yuuko e com o Teiichi, da mesma forma que vemos acontecer com a Yuuri de Anatólia Story.

E como deixar de mencionar a pérola que é After School Nightmare?

Dez volumes sobre os sentimentos confusos dos personagens.
Ao final de toda aquela saga eles finalmente entenderam, pelo menos parte, dos seus sentimentos. Pelo menos é o que eles dizem, eu estava tão confuso no final que duvido que eles tenham realmente entendido alguma coisa, se é que tinha algo para entender.

No geral os romances são assim, são sobre os efeitos desses sentimentos nos personagens e não tem nada de errado nisso, eu só usei Anatólia e Tasogare como exemplos porque é o que estou lendo no mento. Esses sentimentos misteriosos, discutir e entendê-los, este é o grande atrativo de Nazo no Kanojo X.

Afinal, o que estamos sentindo, como podemos explicar esse sentimento tão estranho?
Nazo no Kanozo X versa sobre isso como nenhum outro usando baba.

Realmente me surpreende tantas pessoas ficarem ofendidas com a premissa da história e com a baba.
É algo tão ultrajante assim? Não sabia.
O que é uma pena porque o mangá não é só sobre baba, e para quem quiser saber o episódio 3 está aí e mostra bem do que se trata Nazo no Kanojo X.
Nesse episódio Akira queria beijar a Mikoto, isso é algo natural de qualquer forma que você pense sobre a questão.

O ponto é este: naquele momento ele não queria beijar especificamente a Mikoto, a vontade dele era de apenas beijar. Exatamente como ela falou no sonho, ele apenas estava com inveja do amigo e queria apenas o beijo em si, não um beijo dela. E então mais uma vez entram os sentimentos sobre que a série fala.
Os dois podem até ser inexperientes no amor apesar de que a maior dificuldade é de comunicação. Por mais que a Mikoto tentasse falar diretamente com ele ela poderia se expressar mal e ele não conseguir entender exatamente o que ela queria dizer. Por isso ela usa a baba, que nada mais é que uma ferramenta para transmitir os sentimentos. Através da baba ela consegue fazer ele sentir os sentimentos dela e entender aquelas mensagens que não se consegue colocar em palavras.
No sonho que carrega os sentimentos dela a Mikoto rouba um beijo dele. O Akira teve o beijo que tanto queria, e não gostou. Por que?
A resposta é que o beijo era apenas um desejo passageiro, momentâneo. Já um beijo da Mikoto, a namorada dele e a garota que ele ama é algo além de um simples beijo, é algo a mais, mais importante e por isso ele fica chateado ao receber um beijo dela como se fosse um beijo qualquer sem importância. Ao dizer isso no sonho ele acorda.

Além dele entender os sentimento dela ele vê acontecer na prática e então tira aquela fixação da cabeça. Se ele quisesse ela daria o beijo que ele queria, mas ela fica mais feliz ao ver que o Akira vê um beijo entre os dois como algo mais do que um simples desejo físico, que deve acontecer por vontade deles, não por pressão dos outros.
É meio bobo, eu sei, mas a história é sobre isso, não é sobre fazer e acontecer, é sobre sentir. A segunda parte desse episódio é uma continuação dessa premissa, apesar de que alguns podem não ter percebido o propósito dessa parte do episódio. Nela um colega de classe dos dois chamado Ogata se mostra interessado na Mikoto e se confessa para ela, sem saber que ela e o Akira são namorados a pede em namoro.

Por que a Mikoto não rejeitou ele de cara? Qual a necessidade de "testar" o Ogata?

Vamos analisar a situação de outra forma, ao invés de pensarmos porque ela não rejeitou ele, vamos pensar por que ela não trocou o Akira por ele. Listando as qualidades do Ogata em comparação com o Akira ele parece ser mais bonito, mas alto, mais desinibido, tem notas melhores, é mais atlético, e talvez algo a mais. Se analisarmos de uma forma estritamente racional, o Ogata não é um melhor partido que o Akira? Então, qual motivo a Mikoto teria para continuar com o Akira? A resposta como não poderia deixar de ser são os sentimentos.
Não importa quem seja a pessoa, quando se trata de amor estamos falando de sentimentos.

Lembra no primeiro episódio quando no quarto do Akira a Mikoto perguntou se ele tinha provado a baba dela, e ela diz que quando ele a acordou e olhou para o rosto dela ele se apaixonou? A partir daí que a baba dela começou a fazer efeito nele. Não foi a baba que despertou os sentimentos que ele sente por ela, foram os sentimentos dele que fazem a baba dela afetar o seu corpo. Com ela acontece igual. Com um pouco de curiosidade ela testou o Ogata daquela forma, armou uma situação onde ela poderia mexer com os próprios sentimentos e viu se o Ogata reagiria a eles através da baba dela. Ele não sentiu nada, e por isso não importa quem ele seja, ela não pode ter um relacionamento amoroso com ele por não terem sentimentos verdadeiros um pelo outro. Ela está namorando o Akira por causa dos sentimentos que compartilham. Se para ela namoro é igual a amor\sentimentos e o Ogata não tem nenhum forte sentimento por ela, e ela não tem nenhuma por ele, a conclusão é óbvia.

Aqui você pode pensar, que por mais que isso que eu escrevi possa ser verdade ainda trem muita coisa estranha nessa história. Não vamos nem mencionar a insistência do Ueno em manter o namoro dele em segredo, seguido pelo Akira. Isso só acontece por vontade do autor, de criar suas namoradas misteriosas, então vamos pular para outras questões estranhas, como a estranheza geral da Mikoto, como quando ela sempre ataca o Akira quando ele tenta abraçar ela, até mesmo recusando dar as mãos no episódio anterior.
Se você achou isso errado, me desculpa, mas o errado é você.
E não, não estou brincando. É estranho? Muito. É algo errado no mangá? De forma nenhuma!
Essa que é a graça de Nazo no Kanojo X, você fica tão ocupado com seus sentimentos confusos com o que lê que acaba se esquecendo que os personagens também tem seus próprios sentimentos. Como não temos acesso aos pensamentos da Mikoto pode parecer que ela é daquele jeito todo torto, mas não é, e ela demonstra isso através da baba. Ela pode não dizer, mas pela baba o Akira pode saber como ela se sente. E o que acontece é isso, muitas coisas parecem estranhas porque cada personagem tem seus próprios sentimentos coordenando suas ações. Mais a frente você vai ver como o Mikoto não é tão estranha assim, como ela tem sentimentos que não entende e aprende a lidar com eles.
Nazo no Kano X vai abordar o nascimento e descoberta de cada novo sentimento do Akira e da Mikoto.
É um raro mangá de romance que não é sobre um casal, é sobre o próprio amor que eles sentem um pelo outro. O que foi mostrado nesse episódio é apenas um caso a mais na relação dos dois, a história ainda vai abordar muitas e muitas situações pertinentes e como seus sentimentos influenciam sua relação acima de qualquer abordagem racional sobre a situação.

Uma coisa eu não posso deixar de mencionar aqui.
O que eu achei mais nojento em Nazo no Kanojo X até o momento, algo realmente estranho e ultrajante, é a quantidade de pessoas que assistem ao episódio 3 e dizem algo como: "tem um namorado, e ainda testa o outro... PROSTITUTA!".
Não estou mentindo, tem um caminhão de gente por aí revoltada com isso.
É brincadeira viu.

A Lenda de Korra, episódio 4 - A Voz na Noite

2012-04-28T14:50:00.000-03:00

Novamente um ótimo episódio, de ritmo bem rápido e que acontecem várias coisas inesperadas para tão cedo

O encontro com Amon no episódio anterior deixou uma forte impressão na Korra.
Por mais que ela não tenha estado em cima daquele palco, por mais que não tenha se aproximado do Amon e tenha salvado o Bolin alertando a cidade da ameaça dos Igualistas, foi a Korra quem mais sofreu danos naquela noite.

Quando a Korra fugiu da sua terra para ir para a Cidade da República, ela pensava que teria vida fácil, pensava que sua vida apenas teria mais emoção e diversão. No início foi isso que ela viu ao conhecer o Mako e o Bolin. Mesmo quando ela viu que a cidade tinha problemas, pensou que não era com ela, pelo menos não ainda, ela ainda estava em treinamento e era responsabilidade de outras pessoas. Depois do encontro na noite anterior ela finalmente entendeu a gravidade do problema e que ele envolvia diretamente a ela, era tanto um problema dela, que ela tinha obrigação de resolver quanto uma ameaça direta a vida dela. Ela fica aterrorizada e paranoica e começa a ter pesadelos com o Amon indo atrás dela.
Inevitável.

Enquanto a Korra se esconde na ilha do Tempo do Ar, as autoridades da cidade discutem o que fazer.
No conselho da cidade, um novo personagem chamado Tarrlok apresenta sua ideia de reunir uma força tarefa com a liderança dele para caçar e prender os Igualistas e seu líder. Tenzin naturalmente é contra, o que eu acho a decisão certa, já que como ele diz colocar dobradores contra não dobradores pode agravar o conflito. Entretanto algo tem que ser feito, e por sua iniciativa e trazendo como exemplo uma outra ameaça que a cidade teve que enfrentar 42 anos atrás, por maioria dos votos o conselho aprova a iniciativa do Tarrlok.
Com pode-se dizer que a história finalmente começa a andar.
Tarrlok é um político proeminente da cidade e obviamente quer com essa força tarefa aumentar seu prestígio e para isso vai precisar da Korra ao lado dele. Ele conta que ela vai aceitar a oportunidade de se juntar ao grupo assim que ele lhe fizer a proposta, o que surpreendentemente se prova errado.
Tarrlok invade a casa do Tenzin para falar com a Korra e ela recusa.
Para nós isso é esperado, ela não tem mais força de vontade para sair correndo por aí, nem confiança para tentar. Ela recusa e continua se escondendo na ilha, faltando até mesmo aos treinos dos Furões de Fogo.

Enquanto isso, do outra lado da cidade...

Além do Tarrlok outros personagens são apresentados nesse episódio, junto com um lembrete para as crianças.
SEMPRE que for atravessar a rua, OLHE PARA OS DOIS LADOS!
Mako não faz isso e é atropelado, por sorte não é grave porque a motoqueira consegue frear a tempo e amenizar o impacto. Mas ele nem se importou, suspeito até que vai atravessar a rua novamente sem olhar para os lados para ver se é atropelado por outra beldade... quem diria, o Mako é gigolô!
A pessoa que atropela ele é a Asami Sato, uma grande fã de Dobra Profissional que naturalmente reconhece ele e como reparação pelo atropelamento o convida para um jantar e veja o meninão se dando bem. Não apenas ele tem um encontro em um restaurante chique, que ela paga, ela também veste ele para a ocasião. Serviço completo.
Agora reparem como o Mako não é nada bobo.
Primeiro o Mako com a sutiliza de uma mulher sangue-suga se lamenta de não ter dinheiro para continuar no torneiro de dobras, e no segundo seguinte que descobre que a Asami é filha de Hiroshi Sato, um personagem inspirado em Henry Ford, o criador dos veículos motorizados do mundo de Avatar e um dos homens mais ricos do mundo, ele trata de se convidar para conhecê-lo. Não dá outra, depois de fazer um discurso de pobre menino pobre o Hiroshi propõe patrocinar o time do Mako para agradar a filha.

Depois disso só melhora, com ele andando para lá e para cá com ela em festas e jantares de gala e em passeios de carruagem.
Muito malando, mas quer saber, o cara está certo. Qual o problema dele ser gigolô? Ninguém está reclamando, não está fazendo mal para ninguém, está aproveitando as oportunidades para garantir o dele. Desde que ele faça isso, apenas aproveite a oportunidade para fazer escada ele está mais do que certo.

Ao mesmo tempo que descobrimos esse lado do Mako também é engraçado ver o Bolin todo bobo jogando charme para a Korra.

Deixando a comédia romântica de lado, é o Tarrlok que não sai de cima da Korra, enviando diariamente presentes e agrados para ela.
Ela não se importa nada com eles, sabe muito bem qual a intenção dos presentes e também são todas coisas que não interessam a ela. Ela tenta se concentrar em seu treinamento e aqui foi muito bom ver como o Tenzin tratou ela. Ele é mesmo um bom mestre e pai, ele ainda não é velhinho, mas é tão sábio quanto um.
Ele não quer que a Korra se envolva na força tarefa do Tarrlok, é uma ideia idiota e perigosa, ela não vai ganhar nada com isso. Entretanto por mais que ele queira que ela fique afastada disso ele não quer que ela faça essa decisão pelos motivos errados. Ela tem que recusar porque é a melhor decisão que ela pode fazer, não porque ela está com medo e se sentindo incapaz. Ele percebe que é por isso motivo que ela recusou a proposta e conversa com ela sobre isso. Ele aponta o problema, lembra que não tem nada de errado em pelo menos sentir medo de toda a situação, mas que não pode deixar que esse medo destrua ela e que se ela sentir que precisa de ajuda para lutar com esse medo que ele está ali para ajudar ela a qualquer momento que ela pedir.

Foi realmente uma cena bonita e bem sutil.

Infelizmente a Korra tem cabeça fraca e cai em uma armadilha.
Ela comparece em um jantar de gala ela em nome do Tarrlok, e lá em meio a tantas pessoas ela vai perdendo a calma e quando o Tarrlok faz seu movimento usando a pressão da impressa ela acaba cedendo a pressão e caindo na armadilha.
Ela declara que vai participar da força tarefa do Tarrlok.
Novamente um boa surpresa ver como o roteiro caminha rápido, a participação da Korra nessa operação parece que vai durar apenas esses poucos minutos restantes do episódio.
Desde o início do episódio quando o Tarrlok propôs a força tarefa era claro que tudo não passava de confete. Ele não quer realmente encontrar o Amon, pelo menos não tão cedo, para ele é bom que o Amon continue amedrontando a cidade porque ele é um político e políticos vivem de lidar com problemas públicos. O Amon ser tão ameaçador é o melhor problema que ele poderia ter, porque permite ele explorar isso ao máximo para subir ainda mais de posição na hierarquia da cidade. Durante o jantar de gala a Lin faz uma aparição. Eu espero que ela não seja uma velha chata, ela dá a impressão de ser isso nessa cena, torço para estar certo de que ela está apenas estressada. É nítida a satisfação do Tarrlok vendo ela peitar a Korra. É fácil imaginar que os dois são rivais políticos da cidade, afinal a Lin é chefe da polícia, caçar o Amon é responsabilidade dela.

Colocar a Lin contra a Korra e ao mesmo tempo tendo ela ao seu lado na caça ao Amon é algo que deixa o Tarrlok em evidência na opinião pública e ofusca a Lin.
Quando vemos a força tarefa em ação isso fica nítido.
Tudo bem você começar por baixo e tentar aprender como o sistema dos Igualistas funciona por dentro, quais são as lideranças, suas atividades, planos. Isso não importa, na verdade o que o Tarrlok faz é somente capturar um gatos pingados para posar para as fotos dos jornais. Pelo menos a cena de ação nesse momento é excelente, é realmente uma ação de uma tropa de elite, um assalto preciso e rápido e o trabalho de animação da série mais uma vez se mostra o quanto é superior. Cada movimento foi minuciosamente planejado e desenhado. A cena toda é muito curta mas muito satisfatória.

Nesse meio a Korra está perdida, por mais que ela caia matando no calor do momento ela morre de medo de encontrar o Amon e perdida querendo a todo custo esconder isso das pessoas ela acaba cometendo o extremo de desafiar o Amon durante uma entrevista.
Se ele for homem suficiente de enfrentar ela, estará esperando na Ilha do Memorial do Aang a meia noite para resolverem a situação de uma vez.

É meio triste, nós sabemos que ela vai se dar mal, mesmo assim a forma como isso acontece pode surpreender.

O Tenzin não está nada feliz com isso mas não pode fazer nada, tem que esperar no pier da baia rezando para nada de ruim acontecer. O Tarrlok cercou a ilha e todos estão esperando de prontidão enquanto a Korra fica lá sozinha esperando o Amon aparecer, e ele não aparece. Um pouco aliviada, quando está indo embora da ilha ela é pega e arrastada para o templo escuro. Novamente é uma cena onde A Lenda de Korra mostra sua animação superior.

Tudo é muito bem desenhado e os detalhes de composição, de câmera, efeito de lente e iluminação tornam a cena soberba. É por isso que eu critico tanto o estilo Shaft de animação. Além de economizar animação, coloca o estilo do diretor na frente da boa narrativa visual. Não é preciso usar símbolos e recortes, basta apenas usar ANIMAÇÃO de verdade porra! Tasogare Otome x Amnésia está sendo destruído por isso, e sim, está sendo massacrado por aquele estilo shaftiano de animação doa a quem doer ouvir isso. Cortes forçados, música forçada... isso realmente agrada alguém? E os detalhes da história e personagens, e o roteiro, isso não deveria ser a prioridade? Por mais que tenha gente que goste desse estilo esquizofrênico de narrativa - agravado pela ordem os acontecimentos ter sido mudada - isso é algo difícil de fazer funcionar em uma obra que não foi pensada para ser narrada assim. Tasogare é uma história convencional, com roteiro convencional, não tem o que inventar. Agora peguem A Lenda de Korra ou Lenda de Aang e pensem e como ficaria se fosse animado nesse estilo do Shaft, ficaria bom?
Felizmente isso aqui não é anime, pelo menos não um anime ruim, e assim feliz do otaku que assistir essa série e puder presenciar sua boa animação.

Voltando ao episódio, depois de ser capturada adivinhem quem aparece para a festa? É claro que o convidado de honra, o Amon.

Primeiro a parte "ruim".
O Amon não retirar a dobra do Korra foi uma conveniência do roteiro? Claro que foi, mas isso não podia mesmo acontecer assim, ou pelo menos não tão cedo já que a série tem outros planos, então vamos aceitar.
Tirando isso o Amon ganhou mais pontos como um bom vilão ao fazer menininhas chorarem no escuro.

O Amon é um vilão soberbo, ele não é simplesmente mal, ele é um grande antagonista com muita personalidade, muita presença de cena, cada segundo dele em tela é valorizado pela série. Ele não é apenas ele, ele é o representante de toda uma ideia e ameaça para os personagens. Quando é anunciada a criação da força tarefa ele interrompe a transmissão de rápido para fazer uma declaração. Ele é direto, curto e grosso, não está nem aí para o que eles fazem para pegar ele, podem lutar a vontade ele não vai ser derrotado, podem ficar com medo mesmo que ele vai tocar o terror.

A Korra ouve isso e quase tem um ataque, uma ótima cena que nos mostra a dimensão da força do Amon. Ele não precisa aparecer para assustar e causar, somente a voz dele, somente a consciência de que ele está em algum lugar fazendo algo que não sabemos, sabemos apenas que será ruim, que está vigiando a cidade inteira de um local desconhecido, com aliados desconhecidos que podem estar em qualquer lugar da cidade fazendo o que quiserem a hora que quiserem, somente isso é o suficiente dele.
O Amon não é mais um homem mascarado, ele é o temor de toda cidade, ou talvez de todo aquele mundo. Não tem como ninguém escapar dele, cedo outra tarde todos terão que enfrentar o Amon ou serem vítimas dele.
E quem mais sofre com isso é a Korra, e nesse encontro com ele ele não precisa nem tirar as dobras dela. Como eu disse no episódio anterior a dobra de energia dele é um truque, ele não retira as dobras de verdade, é apenas uma forma poderosa de hipnotismo. Ontem a Flavia comentou na postagem do episódio anterior ter visto uma ilustração com os pontos de chi pelo corpo, e no pescoço próximo ao local onde o Amon toca para fazer seu truque tem um ponto chamado "amon". Se alguém ainda duvida de que tudo não passa de um truque esse é o momento para mudar de ideia.

Nesse momento o Amon poderia ter retirado a dobra da Korra que mesmo sendo truque acredito que o trauma seria tanto que ela não iria se recuperar, mas como ele diz ele só está ali para mostrar a ela o seu lugar.

Ele sabe que mesmo que ele se livre dela agora isso vai trazer alguns prejuízos junto com as vantagens, e ele é mais conveniente ela continuar viva e bem, ela tem utilidades para ele assim, e também um cuidadoso plano que ele não vai deixar ela interferir. Ele decidiu como vai fazer seu plano acontecer, qual o papel de cada um nele, e não vai deixar ela escapar do que ele tem preparado para ela. Ela não tem para onde correr, nem mesmo para ele.
Depois de dar essa lição para ela ele vai embora, e desmaiada a Korra tem uma visão. Ela vê um flashback do que parece ser uma lembrança da alma de Avatar dela, uma lembrança do Aang do que aparenta ser o que ameaçou a cidade 42 anos atrás, mencionado pelo Tarrlok no início do episódio.
Nesse flashback nós vemos, sem ter certeza de onde realmente é o local, o Sokka, adulto, a Toph adulta já com o uniforme policial, e o Aang adulto com o Rei da Terra atrás dele. Pelo visto parece ser um julgamento de uma pessoa mostrada em um close que não podemos identificar quem é, se é algum personagem antigo ou um novo, e pelo visto as coisas se complicaram e terminou em luta. Pelo que entendi da cena e dito pelo Tarrlok o Aang teve quer ser firme para acabar com o problema, talvez tendo matado essa pessoa.
Fica a dúvida, quem é essa pessoa? Agora eu duvido que possa ser o Zuko e o Aang estava cumprindo a "promessa" que fez para ele. Só entendo agora porque é que atrasaram tando os dois volumes restantes da HQ a promessa. Aparentemente ela contém muitos spoilers desse episódio da história que pode estar diretamente ligado a situação atual e ao Amon. Talvez, é uma possibilidade, o Aang tenha usado novamente seu poder retirar dobras naquela ocasião. E relembrando, há várias formas de retirar os poderes de um dobrador, na série original a Azula foi até mesmo capaz de bloquear o Estado Avatar do Aang, que para quem não conhece é algo como um "modo deus". Foi nesse estado que o Aang conseguiu derrotar o Senhor do Fogo na batalha final.

Se tem uma coisa que eu tenho certeza é que o Amon não é o Aang!
Estou cansado dos spoilers dessa série, estão passando dos limites. Esse episódio 4 vazou a alguns dias atrás, descobriram que a Nickelodeon estava usando os episódios no servidor do canal e algum espertinho estava hackeando e baixando os episódios. Daqui a pouco vaza o episódio 5 e talvez todo o resto.
E não bastasse os próximos trailers relevadores do canal, vazam também informações e imagens. Essa semana explodiu por aí uma imagem do Amon sem máscara, uma imagem autêntica. Vou deixar o link para a imagem aqui porque eu digo, não acredito nela.

Crédito do site Mundo Avatar.

A imagem é autêntica? Pode até ser, mas não é o Amon ali, é no máximo o delírio ou sonho de alguém.
Porra, olha aquele rosto, não faz sentido!
Deixo aqui só de curiosidade mesmo, porque isso é ridículo e por favor, vamos parar com os spoilers porque eles tiram metade da graça de assistir. Sabendo spoilers só podemos discutir sobre as decisões dos autores, quando poderíamos antes disso discutir também o que achamos que os autores decidiram. Essa é metade da graça de assistir uma série com bom roteiro.

E não posso deixar de mencionar, o humor continua, nesse episódio pelo menos com os filhos do Tenzin.
Nessa cena abaixo eu quase destruiu o notebook zumbi de tanto café que eu cuspi nele. :-D

A Lenda de Korra, episódio 3 - A Revelação [AT]

2012-04-21T22:57:00.001-03:00

Korra estreou de verdade e é chegada a hora de comentar os episódios.

Fico pensando, tenho a impressão de que quem só assiste anime pode estranhar esse episódio.
Em séries episódicas, é normal os primeiros episódios serem para apresentar o mundo e só a partir de algum tempo o roteiro começa a se desenvolver e desenrolar de fato. Em qualquer anime que tenha uma historinha você vê isso, mesmo que ele seja curto com 12 episódios. O primeiro episódio apresenta o protagonista e seu conflito junto com o ambiente e alguns personagens. Os próximos episódios vão apresentando outros locais e personagens, junto com sua relação com o protagonista. E os seguintes são geralmente episódios de transição onde esses personagens interagem para podermos ter uma ideia melhor de quem eles são. Costuma ser lá pela metade da série que as coisas começam a acontecer, os fatos que mudam a situação estabelecida pela história e o pé onde os relacionamentos estão.
Por isso de tanto assistir anime assim, que no final das contas mal tem história para contar, eu também estranhei esse terceiro episódio de Korra. A estreia com seus dois episódios seguiu direitinho a cartilha de como se apresentar todo um mundo como comentei no texto de apresentação da série. Ao invés de se apresentar o máximo possível eles só apresentaram o que era de fato importante para a história e então deixou a sensação de que as coisas iriam logo começar a acontecer a medida que aqueles detalhes fossem sendo melhor apresentados e junto com eles introduzidos novos detalhes e peças do roteiro, só que esse terceiro episódio, em medida de anime, seria o equivalente ao episódio 7, não o 3, ainda mais que Korra vai ter uns... 14 ou 20 episódios? Por aí.

Treino mais babaca esse, parece até mangá shounen.

O episódio começa com o Korra, Mako e Bolin treinando na arena para as próximas partidas da Liga de Dobra Profissional. Treinando de manhã, e essa é toda a informação que o episódio gasta nisso. Nada de um episódio inteiro apenas para vermos eles se adaptando a treinar e jogar juntos, para vermos eles se desentendendo e aprendendo a conviver com suas qualidades e defeitos. Não, isso já foi mostrado no episódio anterior e foi o suficiente. Logo entra em cena o agente do grupo para fazer o pagamento pelas vitórias e também cobrar as despesas, o que como é esperado de um explorador não deixa nada para os irmãos.

Pagando o aluguel.

Mako e Bolin são dois irmãos sem nenhuma família, eram garotos perdidos que tiveram que aprender a sobreviver sozinhos enquanto cresciam. Os dois participam da Liga de Dobra Profissional não como um hobby, com apenas um esporte, um esporte lucrativo. Eles estão ali pelo dinheiro e como eles não são astros ganham pouco e tem que fazer outros bicos.

Esse é o ponto de partida do episódio, a necessidade diária dos irmãos de conseguir sustento, a vontade do Bolin de ajudar o irmão mais velho que é responsável por ele e como isso os leva a ficar cara a cara com o Amon.

Não tivemos muito da Korra nesse episódio, ele foi do Mako.
É interessante ver as formas como se pode ganhar dinheiro em uma cidade moderna no mundo de Avatar. Há todo o tipo de trabalho normal do mundo real, mas também tem alguns únicos devido a existência das dobras. Interessante também ver como a tecnologia do mundo foi influenciada pelas dobras. Aparentemente não há energia elétrica tradicional naquele mundo, ou pelo menos ela não surgiu da mesma forma que no nosso mundo, através da pura ciência e experimentação e construção de máquinas geradoras de eletricidade. No mundo de Avatar a energia elétrica veio da Dobra de Raio dos dobradores de fogo. É provável que alguém tenha criado alguma máquina para gerar energia de forma "tradicional", mas muita da energia elétrica que eles usam vem dos dobradores de fogo. Um dos bicos que o Mako pega nesse episódio consiste nisso, abastecer de energia uma grande máquina junto com outros dobradores.

OOH! HERESIA! QUALQUER MEDÍOCRE DOBRA RAIO! LIXO! ESTRAGARAM AVATAR! ORKUTIZARAM A MITOLOGIA!

Menos pessoal, menos.
Veja o caso da Dobra de Sangue. A Hama tinha essa habilidade por ser "especial", "talentosa além dos outros"? Na minha opinião ela tinha essa habilidade graças unicamente por ter inventado ela, inventado pela necessidade, não por ser escolhida por uma força superior, pelo destino ou pelo roteirista. É claro que tem dobradores melhores do que outros, mas a Katara também era especial? Sendo especial ela iria desenvolver naturalmente a Dobra de Sangue, a Katara? Nunca. Ela aprendeu essa modalidade de dobra porque disseram a ela que existia, era possível e como fazer. Foi ensinada, simples assim.
Do mesmo modo para dobradores de fogo dobrarem o raio só basta que sejam ensinados. Nem todos conseguirão fazer isso bem, mas vejo apenas como uma evolução social, como uma espécie de mestrado em dobra. Alguns podem ter a oportunidade de estudar um pouco mais do que os outros e aprenderem conhecimentos mais avançados.
Todos os dobradores de fogo da Cidade República dobram raio? Impossível, mas certamente existe um bom número de dobradores especializados que aprenderam a técnica, por vários motivos, no caso do Mako foi igualmente necessidade. Ele não aprendeu a dobrar raio apenas para se destacar ou por vaidade, ele aprendeu porque era útil, poderia tirar dinheiro daquilo, como ele fez nesse episódio.
Me perdoem tietes, mas não fiquei ofendido por isso.

Tempos Modernos, até em mundos de fantasia.

E enquanto o Mako estava suando no trampo dele, o que o Bolin estava fazendo?
Vocês podem imaginar, o gordo estava naturalmente fazendo gordice.

Como disse, o Bolin é o caçula que quer ajudar o irmão mais velho, só que ele não tem muita noção, por ter sido criado e protegido ele é meio ingênuo, não tem as manhas, somado a isso a vontade de impressionar o irmão.
O que ele faz? Mendigar...
Ele pega o furão de estimação deles e vai ganhar um troco fácil em uma praça da cidade.
Nisso passa um conhecido que oferece dinheiro fácil para ele. Um cara que não tem vergonha de ganhar dinheiro daquela forma vai aceitar qualquer trabalho que pague bem, e realmente o pagamento era bom. Como é esperado, era um trabalho que nenhuma pessoa sensata aceitaria, no submundo.

Haveria um rolo de uma das Tríades da cidade e estavam precisando de seguranças. Eles precisavam de algum dobrador para aumentar o número de guarda-costas e em caso de necessidade distribuir uns sopapos, coisa fácil. E é aqui que a ação começa.
A mutreta onde a Tríade estava participando era na verdade uma armadilha os Equalistas.

Voltando aos outros personagens, o Mako logo se dá conta de que o Bolin está sumido e não demora vai procurar por ele, indo consequentemente até a casa da Korra ver se ele está por lá. A partir dai começamos a assistir ao show do casal com a melhor química da temporada.
"Makkora" é um casal bem óbvio mas funciona. É bom ver que os dois não estão simplesmente apaixonados um pelo outro, eles estão mais é interessados. É o tipico namorico adolescente, nada muito sério, e nenhum dos dois fica fingindo que não gosta do outro. A Lenda de Korra é bem direto nas piadinhas. Logo que o Mako chega as crianças começam a provocar a Korra.

É bom ver essas cenas.
Daí é o casal rodando a cidade atrás do Bolin na garupa da Naga e nós vemos uma outra parte da Cidade República, mais noturna, mas suja, mais pobre.

Nesses locais as coisas não acontecem e as pessoas não somem sem que ninguém note, muito pelo contrário, informação é valiosa. Como o Mako é acostumado a viver nas ruas ele sabe onde perguntar, rapidamente ele e Korra chegam na praça onde o Bolin estava mais cedo.

Um detalhe aqui, nessa praça há uma estátua do Zuko.
Eu poderia apostar que o Aang teria matado ele, mas pelo visto isso não aconteceu. Pelo visto ele também não se desviou do "caminho". É uma pena que a HQ A Promessa tenha demorado tanto, porque essa estátua é um grande spoiler e tira muito da graça de ler as HQs que estão para ser publicadas. Uma pena.

Ao custo de alguns trocados o Mako descobre não apenas que o Bolin aceitou pegar um trabalho perigoso, ele também se meteu um uma panela de pressão a ponto de explodir. Para ele pareceu ser apenas um trabalho fácil por estar desinformado, mas na verdade a clima entre os grupos da região está tenso e um confronto pode acontecer a qualquer momento.
Mais tarde Mako e Korra tem que esperar juntos pelo dia passar e a Korra aproveita para conversar e descobrir um pouco mais sobre ele. Já sabemos que os pais dos irmãos estão mortos, e nesse momento Mako conta para a Korra que o pai dele foi morto em uma briga com um dobrador de fogo. Esse é um pedaço de uma informação preciosa, que pode ou não ser usada para algo maior mais tarde. Uma das coisas que aprendemos nesse episódio sobre o Amon é que, segundo ele, seus pais foram mortos em uma agressão de dobradores de fogo e é por esse motivo que ele esconde seu rosto por trás de uma máscara, por ele não ter mais um rosto, ele foi totalmente queimado pelo dobrador de fogo. Esse é um ponto de identificação entre os dois personagens. O Amon pode ser o vilão, pode ser loucão, do que você quiser chamar ele, mas eu vejo ele fazendo sua revolução da forma certa. Ele está agindo de forma muito bem planejada, atacando os pontos certos, da forma certa, no momento certo. Além da imagem de salvador ele está construindo a imagem de líder, despertando a causa dele na população de forma que eles mesmos lutarão por ela por conta própria.

O Mako pode ser sensível a essa causa.
Veremos.

Uma nova informação que o Mako revela sobre ele e o irmão é que eles são "malandros". O Mako não é só aparências, ele é mesmo alguém que sabe se virar, improvisar, conhece as ruas. Em tempos passados eles venderam suas habilidades de dobra para as Tríades e cometeram pequenos crimes, por esse motivo que o Bolin foi convidado para aquele trabalho. Nem vamos questionar isso, eles fizeram o certo para eles, foi o jeito como encontraram. O que é bom lembrarmos sobre isso é que podemos esperar um bom dinamismo do Mako, que talvez não vamos vê-lo muito perdido na série sem saber o que fazer ou para onde ir. Se ele precisar de algo ele será capaz de pensar onde pode conseguir e como ir atrás.
Foi assim que eles chegaram até o local onde o Bolin estaria dando cobertura para o rolo da Tríade.
Ao chegar lá em cima da hora eles veem que foi uma armadilha dos Igualistas e os dobradores foram abduzidos por eles.

É a primeira cena de ação do episódio, enquanto parte do bando foge de carro os soldados dão cobertura e então entra em cena a linda coreografia que todos estávamos esperando. A pequena perseguição motorizada nas ruas escuras me lembrou de uma parte do jogo Metal Gear Solid 4, ajudou nisso a cena ter um bom uso de CG para permitir movimentos de câmera no meio da ação.
Até que os dobradores da série chutem o balde todas essas lutas devem ser bem interessantes. Mesmo não sendo dobradores os Igualistas são ótimos artistas marciais e cheios de cartas na manga. Uma dessas cartas é atingir partes específicas do corpo para bloquear o fluxo de energia e impedir que os dobrares usem suas dobras. É o que a Ty Lee azia, mas ela era só uma, os Igualistas tem um exército de Bloqueadores de Chi. Em um confronto direto eles podem levar vantagem, já que uma vez destituídos de suas dobras os dobradores não tem experiência de luta apenas na mão.
Mako e Korra não são páreos para o casal adversário e perdem, acabando sendo salvos pela Naga que protege eles.

Bolin foi sequestrado, os dois não sabem para onde devem correr e no momento estão impedidos de fazerem qualquer coisa enquanto seus corpos não se recuperam.
Só resta esperar, e então vemos aquele momento entre os dois que já descrevi acima.

Depois desse momento de intimidade da Korra com o Mako, onde eles até dormem apoiados um no outro esperando amanhecer de forma bem natural, essa versatilidade do Mako já começa a render.
A Korra vai atrás daquele evangelista dos igualistas no mesmo ponto onde ele estava pregando no primeiro episódio e tanta arrancar informações dele, se ele sabe para onde os dobradores sequestrados foram levados. Naturalmente é um peão que não sabe de nada importante, mas os panfletos que ele estava distribuindo mostram ser valiosos.
Os Igualistas estão distribuindo naquele dia um panfleto do Amon anunciando uma "Revelação" para aquela noite. Ninguém sabe do que se trata, nem onde será revelado. Porém o panfleto tem dicas apenas para os interessados e o Mako mata a charada. Juntando vários deles o seus versos formam um mapa indicando o local do encontro e é para lá que eles vão. É fácil entrarem disfarçados como irmãos, e então eles estão dentro de um grande galpão com um palco montado e uma plateia realmente grande de pessoas comuns esperando para ouvir a revolução do Amon.
O Amon conta a história dele, que é credível. Pode ser mentira, pode ser uma meia verdade, seja o que for muitas daqueles pessoas ali já ouviram ou presenciaram histórias semelhantes ou até piores. É como eu disse, o Amon está fazendo a revolução dele do jeito certo. Ele está apenas dando um empurrão em um sentimento reprimido daquela sociedade.

Qual será a verdade e a identidade dele? Será que o Amon é mesmo ele mesmo, ou outra pessoa que não quer ser identificada? Por mim não faz diferença, acredito que os objetivos dele são sinceros, e novamente ele está fazendo a revolução dele da forma certa. Como é que um poder paralelo tão grande e poderoso assim está livre em Cidade República? Sem que ninguém pareça se importar muito? Pelo visto por hora eles estão trazendo mais benefícios para a população do que malefícios. O ponto deles é que as dobras não trazem equilibro para o mundo como prega o Avatar, pelo contrário, elas trazem desequilíbrio dando para algumas pessoas um poder injusto e abusivo. As dobras não são mais tão especiais em um mundo com tecnologia avançada, o grupo do Amon tem muitas armas para lutar contra dobradores, o mundo cresce e se desenvolve cada vez menos dependente da "tecnologia" das dobras. Onde ela inda faz mais diferença no dia a dia é no desequilíbrio de forças entre as pessoas. Pelas dobras não serem mais tão necessárias em Cidade República elas encontraram um novo uso nas mãos de bandidos. As Tríades são organizações criminosas formadas por dobradores, e é a eles que os Igualistas atacam primariamente.
É muito fácil de imaginar os Igualistas crescendo em popularidade e números combatendo os criminosos dobradores. Assim eles se fazem úteis e ganham simpatizantes em troca.

Quem pode condenar todos aqueles populares de apoiarem os antidobradores apenas por eles serem partidários dos Igualistas por sua posição de combater os abusos dos dobradores? Crimes e criminosos existem em qualquer lugar, sendo dobradores ou não, mas naquele ambiente é aquela a realidade em que aquelas pessoas vivem, uma sociedade que enfrenta o problema do abuso de poder por criminosos dobradores.
Os Igualistas cresceram tanto que podem até matar o Amon agora, o movimento não vai parar. Várias camadas da sociedade devem apoiar eles em pelo menos alguns pontos. Dessa forma o Amon já é visto como um líder, com seus seguidores e um símbolo de uma causa, mas tem mais, ele quer ser o salvador.
Clichê? Como eu disse desde o primeiro texto, a causa dele é justa é tal, mas é natural que ele tem seus próprios interesses, ele não é um mártir. Quais seriam esses interesses particulares é algo que ainda teremos que esperar para saber, mas uma coisa que eu garanto é que um desses interesses é poder, apenas isso. É algo simples, que muita gente quer, então é fácil de entender.

Agora a tal revelação.
Eu avisei!

Rapetime.

Havia um boato e discussão rolando a tempos de que o Amon seria um Dobrador de Energia. Nesse episódio ele sequestra um pequeno grupo de uma Tríade para demonstrar isso - e o Bolin gordo entrou de gaiato.
O Amon anuncia que será o líder da revolução por ser o escolhido de qualquer que seja o deus daquele mundo para trazer uma nova Era para o mundo, uma Era sem dobras. Ele trará essa Era acabando com as dobras, com o poder divino que lhe foi concedido de retirar a dobra de um dobrador.
Ele faz uma demonstração desse poder com o líder e os capachos da Tríade.
Ele faz seu show, deixa eles tentarem se defender, derrota eles com sua habilidade superior de luta e então faz seu truque. Toca nos pontos certos, no momento certo, com os efeitos especiais certos e então o dobrador não consegue mais dobrar. Para sempre.

Na real... puro trolololololo!
Pode ter enganado algumas pessoas, mas eu não, eu não acredito até fazerem um teste científico irrefutável.

AMON NÃO DOBRA ENERGIA.

E TENHO DITO!

Até me convencerem do contrário o que ele fez ali não passa de ilusionismo.
Um grande palco montado, um poderoso discurso motivacional, medo, sugestão... Aquelas pessoas foram hipnotizadas. Uma forte hipinose, mas enquanto elas acreditarem que é real será real, e mesmo que eles descubram que foi um truque terão que se recuperar do choque.

Sobre a Dobra de Energia, sabemos apenas que é uma técnica secreta, uma técnica secreta conhecida por TODOS. Toda a história da saga do Aang na Guerra dos Cem Anos está muito bem documentada em primeira mão, incluindo como o Aang deu um fim a guerra com essa técnica.
Será que apenas o Avatar é capaz de executá-la? Disso eu não sei, pode ser possível, pode ser possível que possa ser criada uma exceção em um caso específico. O que eu acredito ser mais provável é que para executar a técnica a pessoa tenha que no mínimo ser um dobrador, de qualquer elemento que seja, mas tem que ter a habilidade de dobrar.

No final de A Lenda de Aang, no grande confronto contra o Senhor do Fogo Ozai, para conseguir se manter fiel a suas vontade de não matar o Aang usou a Dobra de Energia nele, e todos que viram vão se lembrar que não foi nada parecido ao que o Amon fez. Retirar a dobra de alguém é um evento apoteótico, é uma queima de fogos de virada de ano em Copacabana, não algo... xoxo como o Amon fez.

Quando se dobra energia para retirar a dobra de alguém, é necessário tocar em pontos específicos no peito e na cabeça e a dobra não é retirada, ela é "absorvida". A energia não se perde, ela é transferida.
Amon não fez nada disso, ele apenas tocou na cabeça e... olhou bem nos olhos da pessoa. Quando assistirem ao episódio reparem nisso, em como é mostrado um close no rosto de líder da Tríade, do olhar aterrorizado dele e especificamente de seus olhos arregalados e nele o reflexo do rosto do Amon.

É tudo sugestão aproveitando o folclore popular, um truque.

Querem apostar? Que tal?
Estou certo nessa minha teoria?
E outra, mesmo que o Amon não dobre energia, mesmo que ele faça apenas um truque, ouso dizer que só isso é o suficiente.
Um dos meus questionamentos sobre o avanço tecnológico no mundo de Avatar é sobre o quanto isso está afetando a espiritualidade do povo e influenciando no Ciclo do Avatar. Muitas técnicas avançadas de dobra se popularizaram como Raio e Metal, mas isso é fruto de um treinamento específico. E quanto a taxa de nascimento de novos dobradores? Tem se mantido estável ou está sofrendo variações? O quanto a mistura de sangue afeta o potencial de dobras? Isso pode ser algo não mostrado nem citado durante a séria, mas é um ponto para se considerar.

Chega de Otakiar e vamos voltar para a descrição do episódio.
Bolin está na fila para ter sua dobra retirada e Mako e Korra na plateia pensam em como salvar ele. Rapidamente armam para a Korra zonear com as máquinas do local - propulsão a vapor, nós te amamos - e aproveitando a confusão o Mako pula no palco para tirar ele de lá. Os três correm para fugir pelos fundos, Mako e Bolin a frente e são seguidos pelo tenente do Amon. Como esperado o cara é muito bom, sozinho ele dá conta de Mako e Bolin com muito estilo, sem apelar para bloquear o Chi, é na grosseria mesmo com a ajuda dos cassetetes de choque dele.

Novamente a animação dá um espetáculo. Lembram de Cowboy Bebop que tinha excelentes cenas de luta principalmente com o Spike? Os melhores momentos de Cowbe são as cenas básicas de ação de A Lenda de Korra. Não tem muito oba oba durante as lutas, a coreografia não tenta exagerar muito, apenas cada movimento ali é bem real seguindo a escola de luta de cada um e animadas com perfeição.
A existência das dobras torna a série de Avatar um animação de ação acima da média, porque os poderes das dobras não são exagerados e servem para adicionar variedade nas lutas, e como eu chamei atenção, existem dobradores e dobradores, por mais que muitos de pouco potencial possam aprender técnicas avanças. Mako e Bolin são atletas de dobra mas isso de pouco ajuda nesse momento, eles não tem as manhas para vencer uma luta contra alguém como o Tenente que aprendeu não a lutar, aprendeu a derrotar inimigos na raça. Veja o exemplo do Sokka na série original. O zé ninguém que depois de duas temporadas inteiras passando vergonha aprendeu a ser alguém útil e confiável em uma batalha. Mako, Bolin e Korra também tem um longo caminho para se tornarem guerreiros de verdade.

Dessa vez, depois de Mako e Bolin serem derrotados, quem salva os dois é a Korra que chega com uma ataque surpresa dando um combo breaker no Tenente. Junto com a Naga eles fogem e o Amon nem liga, acha melhor mesmo que eles fujam e comecem a espalhar o que a cidade aguarda.

No final, a Korra volta para a ilha onde mais uma vez o Tenzin está preocupado com o sumiço dela e conta o que aconteceu e nos deixa um clima de intriga no ar.
A Lenda de Korra está se mostrando uma série bem imprevisível. Tanto em tão pouco tempo, o que acontecerá agora? Ao mesmo tempo que desconhecemos detalhes daquele mundo sentimos que já conhecemos tanto dele, apesar de que ainda não o entendemos e por isso fazemos tantas teorias. Qual o próximo possado do Amon? Eu sei pelos trailers que logo logo ele vai invadir uma partida da liga de dobra profissional e declarar guerra aberta, inclusive que a Lin vai salvar a Korra lá. E depois? Não dobradores da cidade contra dobradores? Uma guerra civil? Somente em Cidade República? E quanto ao resto do mundo, como reagirá perante esse conflito, em cidades onde não há mistura de povos?
Palpito que em algum momento pelo menos a Korra vai ter que fazer uma pequena peregrinação por ajuda, e será nessa altura que ela conhecerá outros personagens que já sabemos que existem como os irmãos do Tenzin, outros originais e quem sabe velhos rostos ainda vivos? O que eu sinto que sei ao certo é que não vai acabar em pizza. O Amon vai morrer sim, só que como os produtores anunciam ele é apenas o vilão dessa temporada, a próxima terá um novo vilão, então por isso e pela situação que já se armou sabemos que somente prender ou matar o Amon e os seus homens não vai resolver a situação. Repito, Amon está fazendo a revolução dele do jeito certo, mesmo perdendo deixará sua marca no mundo e ninguém pode impedir.

E agora, até a próxima semana.
O episódio deve aparecer legendado no Mundo Avatar até amanhã, no máximo pela tarde - ou antes.
Quem quiser ver, pegue por lá. Esse pessoal vem legendando The Last Airbender desde 2007, não custa nada apoiar eles indo até a fonte pegar os episódios, eles nem cobram nada, nem tem propaganda.
Paralelamente a Anne Bione está oversubando a série, fiquem de olho no tuíter dela.

Atualização

Sobre a Mitologia da Série

Depois de ter postado esse texto ontem a noite pelo menos uma pessoa que leu se revoltou com a parte em que falo sobre a Dobra de Raio. Especificamente o Noots.
Eu sabia que ele reagiria daquela forma, pensava nele enquanto escrevia e estava esperando pelo que ele diria. O que eu vou escrever aqui não é uma resposta direta a ele, estou apenas usando como referência para o rage que a série vai sofrer por causa de supostos "fãs parvos" em suas palavras.

- A Lenda de Korra agride a mitologia original?
Sim, tem.
A Dobra de Rio é um exemplo disso, assim como também é um exemplo a Dobra de Metal.

É difícil de aceitar ver duas dobrar de elite popularizadas assim?
Inicialmente é, mas podemos nos acostumar. Ao invés de se atormentar gritando aos ventos por quê os roteiristas fizeram isso, não é melhor pensar em como eles fizeram? No texto sobre a estreia eu comentei como conseguia visualizar como Toph teria passado adiante a técnica de Dobra de Metal dela já que ela sempre fez questão de se gabar de suas habilidades e queria ser uma grande mestra, e um mestre tem discípulos. Como sua participação no conflito de Yu Dao teria levado ela a criar e liderar as forças policiais que hoje protegem Cidade República.
Vai contra a mitologia estabelecida no original? Vai sim, mas o mundo se adaptou, temos que nos adaptar também para acompanhar.

Nesse caso da Dobra de Metal eu não vi nenhuma grande revolta, o que lembro de ter visto foi gente dizendo que "se fizeram o mesmo com a Dobra de Raio vão ter que se ver comigo!", algo assim.
Então, veio esse terceiro episódio e se confirmou o que "temiam" sobre a Dobra de Raio ter se popularizado.
Para algumas pessoas, incluindo o Noots, isso foi imperdoável. Ele tem seus bom motivos todos válidos para dizer isso. No original foi construído todo um mito em torno da Dobra de Raio, sobre ela ser algo que só os dobradores superiores era capazes e especificamente, algo da realeza da Terra do Fogo. Eles usavam o Raio como um dos símbolos deles para se destacarem ainda mais.
Ok, entendo tudo isso, mas o que eu não entendo é, isso quer dizer que a Dobra de Raio era algo exclusivo deles, mas como? Algo que só quem tem o sangue real consegue fazer? Ou só quem tem o conhecimento real consegue? Eu aposto no segundo caso, conhecimento.
Eu não vejo como isso seja diferente da exclusividade da Dobra de Metal e Sangue. Em todos os casos onde essas dobras especiais apareceram as pessoas que as tinham não eram nada especiais - não muito pelo menos. Eles eram talentosos, mas não nasceram com aquilo, eles desenvolveram.
É duro ver a Dobra de Raio popularizada, tantas pessoas usando? É sim, porém é perfeitamente possível tentar entender como isso aconteceu, não por que os roteiristas fizeram isso, mas como eles fizeram isso. O Zuko pode muito bem ter revelado o segredo para outras pessoas que espalharam, ele pode ter querido dissociar a imagem da Família Real do Fogo da Dobra de Raio porque não queria que fossem vistos como uma nação de guerra. Ou a Azula pode também ter espalhado isso de uma forma ou de outra. Ao mesmo tempo o temor pela família real do fogo diminuiu e as pessoas podem ter se sentido encorajadas para arriscar possuir essa dobra.

- O que é um Fã?
Há muita coisa que podemos pensar sobre tudo isso, sobre a Dobra de Raio e tudo mais que parece estranho esse mundo, só que o principal é que devemos aproveitar o que temos.
Eu discordo 120% da revolta do Noots com os fãs.
Que fãs são esses de que ele fala, que deveriam fazer passeata contra as heresias de A Lenda de Korra? O que eu entendo por fã é aquela pessoa que gosta muito da série e sim, vê os defeitos, só que acima disso ela também tem a capacidade de perdoar eles. Um verdadeiro fã não é apenas aquele que é o primeiro a ver as falhas e condenar a série, é aquele que gosta da série acima de seus defeitos, não relegando todas as suas outras qualidades - e A Lenda de Korra tem muito mais qualidades além de qualquer mitologia - justamente defende a série contra as pessoas que estão reageando contra ela?

- O Meu Papel Como Fã.
Vamos supor que eu esteja errado nisso, o que eu devo fazer então?
Como fã eu fui um dos primeiros a odiar tudo isso. Eu passei DOIS ANOS odiando A Lenda de Korra, desde a primeira imagem! "Que absurdo eles estavam fazendo com o mundo! Tragam minha China Qing de volta!"
Eu estava assim até bem pouco antes da estreia e enquanto aguardava pelos primeiros episódios eu repensei tudo isso e decidi que não valia a pena continuar com aquela má vontade. A verdade é que a série está aí, dessa forma toda errada mas está aí, é fato, é imutável, reage nenhum vai mudar nada.
O que eu posso fazer além de ficar esperneando por aí e me revoltando por outras pessoas não quererem se jogar no chão para espernear junto? Podemos tentar ir atrás dos autores tentar uma entrevista, uma palavra deles, e para o quê? Colocar eles contra a parede e fazer admitirem que estão errados? Pedirem desculpas? Refazer a série? Isso é inútil, não vai levar a nada, não vai trazer nada de bom.
É uma pena para alguns que parte da mitologia de A Lenda de Aang tenha sido perdia e deturpada? Sim, é sim. E a vida segue.
Entretanto tenho que perguntar, por que eu ainda não vi ninguém se revoltar com o Amon ser um Dobrador de Energia? Isso é mais importante. Tudo bem que eu não acredito que ele seja um de verdade, mas é um exemplo de que uma nova mitologia está sendo construída nesse novo mundo, o que eu vejo em A Lenda de Korra é um mundo em transformação, a morte de muitas de suas partes e o nascimento de outras. Como fã eu lamento pela mitologia que se vai, e como fã eu abraço a nova mitologia.

Se eu estiver errado então me digam o que eu devo fazer, por favor.

Impressões da temporada de Abril-2012 [Parte 2]

2012-04-14T19:35:00.000-03:00

Mais dois animes da temporada, só por comentar.

Tsuritama

O novo anime de Kenji Nakamura, responsável por C, Mononoke e Trapézio mostra algo que eu tenho reparado a algum tempo. Não importa o quão ruim e mal falado seja o estúdio, grande parte da "culpa" por suas falhas é responsabilidade dos responsáveis pelo anime. Veja Sankarea por exemplo, que todos estão grandemente surpresos por sua qualidade sendo um anime feito pelo Deen. Parece até um anime do Brain's Base de tão bom, e tem gente desprezando a qualidade dele por ser do Deen, dizendo que isso não vai redimir o estúdio. Redimir? Quem se importa, o que interessa é continuar fazendo um bom trabalho e se o estúdio faz direito tem que elogiar, vai que eles gostam e passam a fazer mais animes caprichados assim?
Um dos estúdios que implicam muito é o Toei. Não entendo porquê. Podem dizer que ele não faz nada maravilhoso, mas também não vejo fazendo atrocidades e muitos dos animes mais interessantes que assisti nos últimos anos foram animados pelo Toei, animes de todos os gêneros e estilos. Por isso que quando Tsuritama foi anunciado eu reparei no estúdio. O invés de ser animado pelo Toei ele é animado pelo A-1.
É uma série claramente com o rebuscamento visual de Trapézio, então a pergunta é se o A-1 daria conta de fazer no mesmo nível. É aí que entra a questão de que os responsáveis pela direção e roteiro, o diretor de arte, importam mais do que o estúdio. O grosso da equipe apenas segue ordens.

Bem, é claro que nenhum estúdio faz igual ao outro, cada um tem suas características e marcas próprias, então quando o episódio de Tsuritama começou eu logo vi a diferença entre a aparência daquele mesmo estilo visual de Trapézio feito pelo A-1. As cores são mais claras, parece mais simples... no fundo é a mesma coisa, com uma pequena e importante diferença: é melhor animado.
Particularmente não admiro o traço meio largado do A-1, gostaria que eles desenhassem os personagens com a mão mais firme, todavia é inegável que se o traço não é mais firme ele é devidamente proporcional e caprichado a sua maneira e que essa simplificação tem um proposito prático claro. É exatamente a mesma coisa que o Madhouse tem feito com os filmes do Mamoru Hosada com traço de personagens do Yoshiyuki Sadamoto, simplificando cada vez mais. O traço de TokiKake já era simples, e foi ainda mais simplificado em Summers Wars, e a simplificação continua no vindouro Ame & Yuki. Ao mesmo tempo a animação vai ganhando mais e mais quadros.
Essa é a característica que importa nos animes do A-1, desde sempre, desde o "antigo" Birdy Decode sempre se destacou a boa animação. Naquela época por necessidade havia momentos em que os personagens se transformavam em rascunhos, fezlimente hoje em dia isso tem se tornado mais raro e parece que Tsuritama, um pouco ajudado por ser uma curta série de 11 episódios será o ápice visual do A-1, por mais que os shows de Idolmaster tenham sido um mérito.

Toda essa volta quis dizer que Tsuritama é um anime com o mesmo estilo visual de Trapézio, em um ambiente mais maluco e com uma animação mais caprichada, não apenas dos personagens, há uma boa quantidade de quadros de animação nos cenários e delírios visuais.
Existem algumas séries com visual bem caprichado nessa temporada - Fate Zero, não estou falando de você - mas se eu tiver que apostar em uma que vai se destacar pela animação, pelo movimento, coloco minhas fichas agora em Tsuritama.

Será um filho ilegítimo do Doutor Irabu?

Para quem nunca assistiu nada trazido até você pelo Kenji Nakamura, de uma forma simples e direta, é algo estanho, só que estranho no melhor sentido possível.
Ele é um daqueles aparentemente poucos realizadores - como Masaaki Yuasa de Youjo-han - que se aproveitam das vantagens do meio. Nas animações você não vê apenas boas histórias e situações, personagens interessantes, e você nem precisa assistir por esses elementos. A arte usada nas séries deles é um grande destaque, vale a pena assistir apenas por isso, e felizmente não é algo apenas para chamar atenção, tem um propósito. O tempo que rebobinava a cada episódio em Youjo-han do Yuasa não era apenas estilo, era uma ferramenta narrativa, era um elemento essencial para transmitir a mensagem da história que estava sendo contada. Em Trapézio do Nakamura seria impossível contar aquelas histórias sem as maluquices visuais que nos deixava ver como os personagens enxergavam o mundo mesmo que nós, e nem eles, entendessem.

Tsuritama é uma dessas séries.
É estranho? E daí? É lindo, é belamente executado e narrado, é algo que te diverte mesmo sem entender nadinha do que está acontecendo ali e se você parar para pensar em significados se torna bastante gratificante. Uma experiência para os sentidos e a mente.

Dizem que essa série não é só maluca, é uma ficção científica também, apesar de que parece ser daquele gênero de "doideira-científica".
É mais uma daqueles séries com um garoto comum que se sente deslocado na vida dele, com seus problemas pessoais e que se envolve com outros personagens estranhos que fazem esses problemas aflorarem e serem curados pelo enfrentamento. O garoto em questão é Yuki, que em teoria já deveria estar acostumado a mudar de escola, já que passou por isso várias e várias vezes, não ter amigos de quem sentir falta ao se despedir quando vai embora de sua escola atual significa que ele também não tem nenhum amigo para apoiar ele na despedia e isso o atormenta. Ele fica sem jeito, não sabe como se comportar, não sabe mais se expressar e como as pessoas vão entendê-lo. Ele se sente sufocado e aí já entra um dos temas da série junto com a doideira-científica, a pesca.
Aquela mesma que usa uma vária com uma corta de nylon e anzol.

É como diz aquele ditado, "Um peixe fora d'água" só que ao contrário, o Yuki é um "humano dentro d'água".

Apesar de o Yuki ter alguma dificuldade de se expressar da forma como gostaria essa primeira cena de Tsuritama já deixa claro qual será o estilo da série, de nos mostrar em imagens as emoções dos personagens. A sala de aula é inundada e o Yuki não consegue respirar restando a ele nadar desesperadamente para fora dela para poder respirar novamente. Entretanto, aqui começa um dos problemas da série, mais ou menos como comentei sobre Nazo no Kanojo X. Grande parte do público não entende ou não quer ver isso, se limita a achar estranho, fazer caretas, se entendiar e então abandonar a série. Acho isso lamentável, eu não vejo essas séries como histórias esquisitas apenas, eu vejo elas como histórias honestas. Ao contrário de reprimir os sentimentos dos personagens e história, ao mesmo tempo que respeita os personagens sem forçá-los e dizer abertamente o que sentem se não quiserem, tira proveito da fantasia da animação para nos mostrar em som e imagem o que não pode ser dito em palavras.
Vai, faço um esforço, mesmo que você não entenda porquê aquele detalhe maluco está lá, pelo menos é divertido, pelo menos é mais bonito de ser ver do que Trapézio pela animação mais fluída do A-1. Só esse primeiro episódio deve ter mais quadros de animação do que Trapézio inteiro, e seguramente no mínimo o dobro dos que tinha C.
E afinal, é uma série do Nakamura.
Não se tem muitas séries como as que ele faz.

Tsuritama começa assim junto com uma outra marca registrada em animes do Nakamura, uma ótima música de abertura. A cena da viagem de carro com a avó do norte do Japão até a ilha de Enoshima nos arredores de Tóquio é sensacional. A animação é bem simplezinha e extremamente simpática. Não entendi nada da música já que não tinha as letras mas isso não importa, é simplesmente uma música contagiante seja lá em qual língua forma.
O mesmo vale para o encerramento e também para todas as músicas que tocaram no episódio, foram muito simpáticas.

A partir daí começam as maluquices de verdade.
Aparentemente o mundo corre perigo e há alienígenas de aparência humana com parceiros animais rondando pela cidade. Antes de concluir que isso é bizarro eu tive que rir disso aqui:

Um alienígena indiano com um parceiro pato chamado... Tapioca.

Eu não disse que iria ser maluco e divertido?
Isso É divertido.

Um desses alienígenas se chama Haru e seu parceiro animal é um peixinho de aquário falante que ele carrega na cabeça. O Haru vê o Yuki de relance na rua, nota algo nele que o atrai fortemente e vai atrás. Em poucos minutos ele já está na nova casa do Yuki e dá avó a quem ele faz uma lavagem cerebral - aparentemente - com... uma pistola d'água? Foi isso mesmo, e então ele passa a morar lá.
Eu não gosto de ficar descrevendo episódios cena a cena então vou resumir informando que o Haru vai atrás do Yuki na nova turma dele na escola, faz ele dançar em plena aula e depois sai para pescar arrastando junto outro garoto da turma. Tudo com a pistolinha mágica dele.
É tudo bem inusitado e engraçadinho, mas o destaque é justamente o que não é inusitado.
Todas as invencionices são nada mais do que brincadeiras com coisas que acontecem no cotidiano e por mais que alienígenas como o Haru não existam, todo o resto sim, de acontecimentos a sentimentos.

O Kenji Nakamura costa de comentar comportamentos sociais, e várias cenas do episódio são somente sobre isso.
Quem nunca passou pela mesma situação do Yuki no ônibus a caminho da escola? De "viver" o dilema de dar lugar para uma pessoa mais velha sem ter certeza se é adequado no momento ou então você pensar demais e outra pessoa fazer o que você deveria ter feito antes de você?

Só essa cena já valeu o episódio inteiro, ver o Yuki se debatendo com seu conflito interno e as pessoas que em volta que percebem isso e riem. São esses detalhes assim que fazem uma série conquistar a simpatia do espectador.
E felizmente não foi a única.
Mesmo que você não esteja em uma situação como a do Yuki todo mundo já teve que se apresentar em sala de aula e quem nunca tentou dizer mais do que deveria, ou falar bonito para a turma para causar uma boa impressão? Sem um discurso ensaiado, a menos que você seja um orador nato você sempre fica com aquela mesma sensação de que poderia ter dito algo à mais.

Tudo isso me pareceu promissor.
Esse episódio mistura com primor temas e ideias fantasiosos e outros mais concretos, com por exemplo a pesca. Ela não está lá apenas pelos alienígenas poderem ter alguma coisa haver com o mar, ou apenas pelo hobby Natsuki.
A pesca no anime serve muito belamente como metáfora as relações humanas.
Quando o Yuki arremessa seu anzol no mar e luta contra um peixe, ele não está só pescando, ele está lutando para estabelecer uma relação. Fazer amizades é como pescar, você joga sua isca e espera os outros morderem e quando isso acontece é como o Natsuki vai falando na cena, você tem lutar batalhar por aquele peixe, aquela pessoa. Ela morde a isca por curiosidade e forme, mas se ver que é armadilha ela foge, você tem que saber como agir para não deixar aquela pessoa escapar e aos poucos trazer ela até você. Apenas deixar sua isca lá não vai fazer o peixe ir até você, se você quer que aquele peixe você tem que fazer ele ir até você.
Tem que merecer aquele peixe.

Não é por acaso que ao pescar Yuki se sente livre para respirar na superfície.

Mais tarde quando o Yuki chega em casa cansado, ele pensa que foi só mais um dia cheio de coisas desagradáveis que ele se arrepende de ter feito e começa a repassar os acontecimentos e tentar esquecê-los. Mas ele percebe que nem tudo foi ruim, e mesmo que alguns acontecimentos tenham sido ruins foram acontecimentos que ele não quer esquecer. Ele pode até não ter gostado na hora, mas pensando depois não foi ruim, ele quer lembrar daquilo. O Haru é estranho, mas o que isso importa? Ele é do jeito dele, e não lhe fez mal nenhuma. O Haru e a pescaria, a tentativa dele de estabelecer relações com os outros que a muito ele não tentava.
Nós próximos episódios se o Yuki for pescar ele não estará indo apenas atrás de peixes, ele estará indo tentar fisgar pessoas.

Come to the fishery side of animu.

Tsuritama já me fisgou, devo admitir que esse episódio me divertiu bem mais do que Apollon.

Acchi Kocchi

Eu assisti isso porque é bonitinho, e por terem desfeito o meu mal entendido de pensar que o personagens masculino era o professor da garota e não colega de turma. O traço é um pouco confuso, não é tão fácil identificar as idades aproximadas.

É um romance, e também comédia.
Como o original é no formato de tirinhas é bem simples, uma cena de cada vez e uma piadinha por minutos.
Depois de assistir não vou continuar, não é pra mim, por mais que a menininha realmente seja a criatura mais moe já vista na história dos animes.
Acchi Kocchi é como uma festa americana, em que o anfitrião cede a casa e os convidados ficam responsáveis por trazer a maior parte da comida e bebida.
Acchi Kocchi é assim, ele entra com os personagens e situações e você entra com o principal, a graça.

Resenha antecipada:

Eu admito, eu esbocei um sorriso em uma cena, mas foi somente por pena de ver o comediante se esforçar tanto.

COMO SEMPRE... TÓPICO OFICIAIS.

Primeiras Enfastias - Eureka Seven Astral Ocean [Bones]

2012-04-13T12:25:00.000-03:00

O mascote oficial de Eureka Seven, não poderia ser mais adequado.
Bones zombando na cara dura.

Estúdio Bones, todos conhecem, todos já assistiram um anime do estúdio.
Inicialmente funcionários do estúdio Sunrise, com o sucesso de Cowbe muita gente saiu do estúdio aproveitando que seus currículos estavam valorizados e fundaram/se uniram em um novo estúdio, que já começou sonhando alto com Rahxephon, um dos vários "clones" de Evangelion mas "melhorado".

De cara o estúdio ficou conhecido pela sua excelente qualidade de animação.
Rahxephon é até hoje, junto com Wolf's Rain, um anime de beleza plástica ímpar.
Essa qualidade continuou sendo um padrão mínimo de qualidade do estúdio, que ao longo dos anos também ficou conhecido por fazer animes originais e interessantes. Mesmo quando fazia algo adaptado de mangá tomava várias liberdades artísticas, como por exemplo o primeiro Fullmetal.
Hoje em dia o estúdio não tem mais o mesmo encanto de outrora, ainda assim tem um bom nome na praça a zelar, e talvez agora seja o momento em que a qualidade de seus animes é colocada em discussão, com o suspeito Eureka Seven AO.

AO é continuação de Eureka Seven, embora você não precise ter assistido ao original para entender.
Este é um anime do já longínquo ano de 2005. Foi um grande projeto do Bones, um de seus maiores. Um anime completamente original, de longa duração, com alta qualidade de animação. Deu certo.
Falando pelo meu lado, eu gostei bastante de Eureka Seven, a maioria das pessoas que assistiram na época gostaram e foi um anime que rendeu boas discussões. Normalmente render boas discussões é um elogio, só que no caso de Eureka Seven isso é um pouco diferente. Havia muito o que se discutir sobre a história e personagens, foi um daqueles animes que dá margem para interpretação. O problema é que o Bones exagerou.
Imagine você assistindo uma série de 50 longos episódios, em um mundo de fantasia cheio de segredos, existem pelo menos três segredos centrais sendo um deles a natureza de um dos protagonistas. Independente das explicações você criará suas próprias teorias sobre o que assistiu. Isso acontece em toda história que tenha mistérios e fantasia magicocientífica. Mas faça um teste, pesquise na internet sobre terias de Eureka Seven e tente encontrar os fatos. Não vai conseguir, pois eles não existem, tudo que há sobre Eureka Seven são as teorias, porque a série mesmo não deu nem uma única resposta. Nenhuma, zero.
É frustrante, você acompanhar tantos episódios e nesses tantos episódios existe apenas uma cena perto do final que dá alguma resposta para um dos mistérios centrais da história - a cena da Eureka na biblioteca - e mais, essa cena não é clara, ela é total e completamente interpretativa.

Eu não me arrependo de ter assistido Eureka Seven, de forma nenhuma, ainda hoje eu acho uma série bastante competente e divertida e a recomendo. Mesmo assim eu tenho um pouco de raiva dela.

Por isso foi muito bem vinda essa nova série de Eureka Seven.
Uma nova série com tudo que gostamos de assistir na original e que traria uma nova oportunidade de nos dar respostas claras e concretas. Isso só pode ser bom não é? Tem que ser no mínimo satisfatório, certo?
Estou MUITO descrente disso.
Essa nova série já veio com um mangá, que pelo que vimos nos primeiros capítulos não causou uma boa impressão, e agora temos o anime para ver mais do mesmo. Sendo bem direito, falando para você leitor: assista, você vai gostar.
Da minha parte, dispenso até me provarem o contrário tudo que escrevo aqui.

Vamos ao episódio, que começa como o mangá.
Aparentemente AO se passa em um mundo mais semelhante ao nosso do que o da série original, apesar dele ter aparecido no original. Quem assistiu sabe o que quero dizer com isso.
Usando um recurso de roteiro Fantasy Stariano, AO é protagonizado pelos filhos dos protagonistas anteriores, o garoto Ao é filho de Eureka e Renton, e Naru pelo visto é filha do Roland e Talho (ou não). Eles vivem em uma ilha na região de Okinawa e tem uma vida comum. Ao vive com um velho como se fosse seu avô que cuida dele depois da Eureka ter desaparecido - ninguém comenta sobre o pai. E é isso, Ao está andando pra lá e pra cá na ilha com a Naru enquanto as férias escolares não acabam, e um dia acaba sendo meio que atropelado por um trio que carrega uma maleta com objetos importantes que estão contrabandeando para a marinha japonesa que está de guarda na ilha. No mangá esse encontro era bem forçado, e no anime continuou igualmente forçado. Ver o cara que causou o próprio acidente com o veículo gritar e querer bater no Ao sem ele ter culpa de nada me trouxe tristes lembranças da série original.
Como não é nenhuma surpresa, antes de irem embora o trio acaba deixando cair um dos objetos importantes que o Ao trombadinha logo passa a mão, e olha, era o bracelete da mãe dele! Que coincidência!
A partir daí meu saco já encheu.

Momento de identificação com a personagem.

Estreias de animes que contém ação são normalmente episódios corridos, isso não é nenhuma novidade. O problema é que AO não é apenas corrido, ele é muito forçado, vai empurrando a força uma sequência de acontecimentos que não tem motivo aparente para acontecerem.
Para começar, um grande exemplo de como Eureka Seven consegue ser forçado e usar elementos se explicação. No início um dos veículos do trio dá pane no motor, que é o que faz eles sofrerem um acidente aterrissando forçadamente na praia e quase atropelando o Ao. E qual a causa desse acidente? O motor teve alguma falha. Qual falha? O que eu vi ali foi o condutor do veículo dizer que aquele carro era novo, com um novo e avançado motor, novinho, tinindo. Então ele encosta o dedo em um dispositivo que faz parte do motor e.. BUUM!
E ae? Qual a causa, motivo, razão ou circunstância que fez com que a ponta do dedo do personagem detonasse aquele dispositivo? E uma divagação curiosa... porque é que eles usam uma tecnologia tão perigosa como propulsão de veículos civis? Aquilo aparentemente é um dispositivo que gera "Trappar" para que o carro possa levitar, certo, e esse dispositivo usa uma substância instável que pode colapsar, causar uma explosão fenomenal seguida do crescimento de um coral explosivo que abre portais para o inferno.
Essa é uma tecnologia segura para ser usada de forma tão leviana, ou é algo para se cavar um buraco bem fundo e enterrar, ou se possível lançar ao espaço e rezar para que a gravidade leve para bem longe?

Dejetos de combustíveis fósseis em Astral Ocean.

Eureka Seven é assim, se é legal vamos colocar, se encenarmos a cena de uma forma "cool", com mais de 64 cores diferentes na tela ninguém vai ter tempo para reparar nos detalhes enquanto luta contra os ataques epiléticos.
É uma solução elegante para o "problema", eu achei bonito o monitor explodindo em tantas cores bonitas, só que depois disso o episódio continuou em um roteiro muito estranho. Quando tudo começa a explodir o Ao corre dali - depois de um dos personagens mandar ele correr porque é aquilo que ela deveria saber o que é e mais aquilo outro que ele aprendeu na escola - com metade da ilha explodindo atrás dele. Algumas pessoas até notam isso, mas mesmo que metade da ilha tenha explodido no meio da noite ao que parece é normal, já que na manhã seguinte ninguém parece se importar e segue a rotina. Até mesmo o Ao que quase foi pego naquilo, junto com a Naru que chegou a desmaiar, ao chegarem em casa já tinham se esquecido do susto.
Talvez seja uma inovação, o episódio começar primeiro em explosões, para depois ficar calmo. Apesar de que essa calmaria não dura muito, já que em poucas horas a outra metade da ilha começa a explodir.
Por que aquilo aconteceu? Foram os esporos do coral anterior? Mas se foi isso, não deveria primeiro gerar mais coral, para depois explodir e só depois abrir portais do inferno para os monstros passarem? Meio sem lógica, parece que tudo aquilo só aconteceu porque a ilha tinha que explodir de alguma forma para completar o círculo de órfão sobrevivente de guerra com uma causa para vingar do Ao.

"Algumas preguiças só querem ver o mundo virar purpurina".

É muito cedo para saber como será o resultado final de Eureka Seven Ao, mas eu não vou descobrir acompanhando a série, eu vou deixar para outros assistirem e depois tentarem me convencer se vale a pena.
O Bones tem uma qualidade de animação que se destaca, mas não pode viver só disso, não vai me convencer mais a assistir uma série só pelo visual bonito. Com Eureka Seven conseguiu me enganar e me deixar com Síndrome de Estocolmo, mas dessa vez não vai conseguir porque eu já me libertei deles com Bounen no Xamdou, que apenas para fins ilustrativos foi uma série que quase me fez quebrar no DVD na metade o episódio 23 e jurar com todas as minhas forças que eu nunca vou terminar de assistir.
Não deu, é embromação demais.
Quem não assistiu Eureka Seven deve gostar de Astral Ocean, é uma série bonita, cheia de cenas que impressionam, tem protagonista enfezado com frases de efeito, robôs surfistas, meninas cabeçudas com pouca roupa, e a vantagem de assistir sem nenhuma pergunta na mão clamando por uma resposta.
Sei que "posso", talvez, estar imaginando coisas, mas foi impossível deixar de associar esse mascote bicho preguiça com uma mensagem subliminar do Bones. Estão zombando da minha cara, dizendo ali bem na frente de todos que essa nova série será tão lenta e preguiçosa para dar respostas quanto a original. Isso não pode ser uma simples coincidência. Nada vai ser explicado, nada da série antiga nem da nova, a começar pelo motivo de ser a Naru quem tem visões e não o Ao que tem o sangue da Eureka. Como foi dito desde o início e na prévia do próximo episódio, é o destino.

Tudo vai acontecer da forma como acontecer porque o destino quer, não adianta questionar nem esperar por respostas, elas não existem.
Podem ser somente metade dos episódios, mas pra mim já deu, vou pedir a conta.

VENHA MORGAR NO TÓPICO OFICIAL

Primeiras Batucadas - Sakamichi no Apollon [MAPPA]

2012-04-12T20:02:00.000-03:00

Kaoru já preparou os ouvidos para ouvir minha ladainha. Está pronto?

O remédio da temporada.
O anime que mesmo que você não goste você tem que engolir pelo seu próprio bem.

Finalmente a contagem regressiva para a estreia de Apollon terminou e o anime estreou.
Dessa fantástica temporada cheia de grandes promessas Apollon era uma das maiores delas, talvez a mais aguardada estreia da temporada.
Para quem não sabe Apollon é um excelente mangá josei de qualidade certificada - vendedor do 57º Shogakukan Manga Award e finalista em mais um monte de premiações importantes - de autoria de Yuki Kodama. E como sempre acontece nesses casos, um josei, quanto melhor ele é, menos scans ele tem. A tempos que se tem notícia desse mangá, ele tem sua qualidade reconhecida desde sempre e até agora só podíamos ouvir as notícias a distância. Ler? Só para quem importasse e soubesse ler japonês.
Por isso foi com grande felicidade e repercussão que todos no ocidente receberam a notícia de que ele ganharia um anime - com poucos episódios provavelmente. Apollon vem para ocupar o espaço vago deixado pelo termino da exibição de Chihayafuru e também nos lembrar do saudoso Nodame Cantabile, pois afinal é um mangá envolto em jazz da melhor qualidade, com o extra de ser uma história de época - se passa em 1966.

Estranhamente tudo parecia bom demais para ser verdade.
Pouco antes do já lendário trailer da animação, foi anunciado o time de produção.
Sakamici no Apollon é animado em uma parceria entre o Tezuka Studio e o desconhecido MAPPA que é basicamente composto por uma penca dos melhores dissidentes da Madhouse insatisfeitos com os rumos da antiga casa nos últimos anos. Isso explica a excelência visual que as prévias prometiam.
E quem está liderando esse projeito? O renomado Shinichiro Watanabe, sempre e eternamente lembrado pelo clássico Cowbe. É bem verdade que ele não fez nada de extraordinário nos últimos anos mas pelo menos a probabilidade de fazer besteira é baixa. A liderança dele também era um promessa de que seria dado o devido valor a trilha sonora de Apollon, repleta do melhor jazz e olha só, melhora ainda mais. Junto com ele entrou no projeto a Yoko Kanno, aquela mesma compositora que é muito melhor que a Yuki Kajiura e trabalhou com o mesmo Watanabe compondo e selecionando toda a trilha sonora de Cowbe.
Entendem agora a desconfiança, apesar da confiança de que a série será boa?
É tudo perfeito demais para na prática dar certo. E realmente...

Afinal? Como foi a estreia?
Vocês podem ter ideia pelo vídeo abaixo.

Esse vídeo é o primeiro capítulo do mangá (apesar de ter também o segundo, alerta spoiler), com a trilha sonara do próprio mangá.
Sim, edições especiais vieram com um CD com a trilha sonora, que inclusive está a venda nos sites sobre cacarecos de lá.
Vocês podem ter ideia de como foi o episódio apenas por este vídeo. Não mudou praticamente nada, diferente das estreias de Tasogare Otome e Sankarea, Apollon é muito fiel ao mangá. Cena por cena está lá em sequência, as diferenças são praticamente irrelevantes, uma ceninha acrescentada aqui e ali para preencher o tempo.
E agora a pergunta: ficou bom assim? Melhor ou pior?

Não faço ideia.

Se me perguntarem se eu gostei, sim, então a resposta é sim.
No entanto se também me perguntarem se é verdade que o projeto do anime estava mesmo bom demais para ser verdade a resposta também terá que ser sim.
Sakamichi no Apollon é bom? De fato é, mas não é perfeito, não adianta se enganar, principalmente que metade dos seres humanos assistirá a este episódio, não vai gostar, vai comentar que é sem graça e alguns vão reclamar que é gay. Não, não é uma série gay, não tem yaoi ali, isso é paranoia de gente que ver o que quer, que não aceita que um homem possa encostar em outro sem ser viado. Isso não existe ali que fique bem claro, já que no fórum o tópico oficial da série atingiu incríveis 30 páginas antes da estreia só discutindo isso.

Como o vídeo ali em cima está em japonês vou explicar o contexto:
O protagonista/narrador é o carinha de óculos, Kaoru Nishimi. Ele acaba de se mudar para aquele colégio de cidade de interior em Kyushu. Isso é normal na vida dele, o pai é marinheiro e desde sempre eles se mudam de uma cidade para outra, de uma escola para outra. O Kaoru está acostumado com isso, mas não tanto quanto parece, é nítido que ele tem síndrome do pânico ou algo parecido. Nessa nova escola, logo no primeiro dia de aula ele está tendo dificuldades com os enjoos e vontade de vomitar que ataca sempre que se sente pressionado. Ele descobriu uma solução para isso, que é se isolar em um canto calmo, no caso o terraço da escola, só que nessa nova ele não tem a chave do terraço, ela é monopolizada pelos garotos que usam o espaço para fumar. É a caminho para lá que ele topa com Sentaro Kawabuchi, o delinquente da escola que aproveita a oportunidade para arrumar uma briga rápida e pegar a chave para ele.
Não gente, não há aqui nenhuma viadagem entre os dois, estou falando sério.
Toda essa controvérsia e lendas que surgiram sobre Apollon ter um clima yaoi é por causa da química entre esses dois personagens, que por acaso são homens.
O que acontece é que o Sentaro é um simples bobão. Ele não é mau, parece que ele não explora nem maltrata ninguém atoa, ele só gosta mesmo de um pouco de emoção. Por ele gostar de brigar e ser grande, é natural que os fracos da turma tenham medo dele, o que ele aproveita para se divertir, mas é só. Logo nesse primeiro dia a atenção dele é atraída pelo Kaoru, que é desconhecido, parece não ter medo dele, então é natural. Ele fica seguindo o garoto pela escola, e tem como não rir das maldades dele de ficar seguindo o Kaoru só para aporrinhar? Dele jogando fora o guarda-chuva para o garoto se molhar e depois fazendo aquela cara de idiota ao perceber a besteira que fez? Um personagem bastante simpático.
Sobre a relação dos dois o que as pessoas mais implicam é a reação do Kaoru, que fica "abalado" por causa do Sentaro. Sinceramente, eu não vi nada demais.
O problema do Kaoru é claro, por fica afastado de todos por acusa das constantes mudanças de escola ele não tem muito jeito para lidar com a parte "hipócrita" das relações sociais. Normalmente terão pessoas que não gostam dele, mas por ficar no seu canto alimentando aquele ar de intelectual ele atrai mais atenção e palavras maldosas, e ele era indefeso contra elas. A forma natural como o Sentaro age com ele, não só falando mas também agindo, tem grande impacto no Kaoru acabando por aliviar o estresse mental dele sem que precise vomitar nada. E no fundo, também tem um pouco de ar paternal no Sentaro, por ser daqueles tipos que enfrentam qualquer um pelos parceiros.

Sabem o que é isso?

Viadagem?

Não, é isso:

............./´¯/'...'/´¯¯`·¸
........../'/.../..../......./¨¯\
........('(...´...´.... ¯~/'...')
.........\.................'...../
..........''...\.......... _.·´
............\..............( PUNHO DOS BROTHERS!

Parceiro... as fujoshis estão shippando a gente!

Mulheres...

Eu gostei muito do que vi, era justamente o que eu esperava.
É apenas uma história descompromissada, com personagens sem grandes objetivos, ainda assim com uma linha de historia apesar de que meio vaga.
Temos personagens com seus talentos únicos, pequenos dramas, interesses amorosos. Precisa de mais?
Acho uma pena que muita gente não consegue gostar disso, daquelas interações mais simples entre os personagens e pé no chão, sem gritaria, sem explosões, se carteiras voando. Não espere nada disso aqui, apenas nostalgia.

Pelo menos algo que qualquer um pode esperar é um excelente áudio visual.
Sim, o visual é caprichado, os traços dos personagens são simples mas tem seu estilo - não, a Ristuko não tem cara homem suas mulheres mal comidas - e a animação é simpática. A cena da porrada foi estranha com a câmera girando, mas até entendo por não ser nenhuma anime de ação, pelo menos teve animação de verdade ali. O ponto alto do visual é quando os personagens pegam algum instrumento, realmente, muito bem animado. Eles não se movem de forma aleatória, é como se tivessem filmado alguém tocando e copiado os movimentos. Ficou perfeito, mais do que você imagina, e isso combinado com os efeitos sonoros realmente bons torna o conjunto acima de críticas.
Só fica o alerta para um ponto polêmico: plasticidade visual.
Acreditem em mim e sigam este conselho, só assistam essa série em episódios em alta resolução. 720p é o mínimo aqui. Por que eu digo isso? Por causa de uma mesma tendência que vocês viram ser usada em Fate Zero, sombras moles e bordas difusas.
As sombras aqui são um pouco diferentes, não é só uma camada de cor escura nos personagens. Elas estão mais para penumbra, são cinzas, e borradas nas bordas. É uma forma de sombreamento natural muito mais realista, só que em animação pode parecer estranho.

Um outro detalhe do visual, esse sim compartilhado com Fate Zero, é a técnica de fundir a borda do traço dos personagens com o resto do cenário.
Os personagens não ficam destacados do resto dos elementos, o que somado ao sombreamento natural faz com que a animação tenha essa aparência diferente. E por isso que eu digo para não assistir esse anime em baixa resolução nem com um encode mal feito cheio de "eyecancer", assim você vai perder a maior parte do trabalho que os animadores fizeram na série. Tudo vai parecer embaçado e de alguma forma estranho.
Apenas 1 episódio é exibido por semana, não vai doer nada você baixar uns 80mb a mais por episódio. Vai valer a pena, acredite em mim.

Então, foi uma boa estreia, eu gostei de como o capítulo foi animado.
Gostei do ritmo, gostei do clima geral da seria que a animação apresentou. Com o expectativa pelo anime começaram a traduzir o mangá, por isso eu já sei o que vai acontecer nos próximos episódios e em muito me agrada. E agora é hora de falar dos "supostos" problemas, do que eu não gostei, do que era bom demais para ser verdade.

Um verdadeiro homem, não desiste de um bom anime por causa de burradas de mulher.

Sakamichi no Apollon é um mangá sobre músicos.
Sentaro é um baterista, Kaoru um pianista e o elenco é composto de outros personagens que tocam outros instrumentos. A trilha sonora oficial é o Jazz cinquentista. A seleção de artistas é de altíssimo nível, não se limita apenas ao Miles Davis óbvio, podem ficar tranquilos quanto a isso. E é isso que mais me decepcionou de forma surpreendente nessa estreia, justamente a pessoa que deveria ter ficado responsável por fazer as músicas se destacarem. Se apenas seguirem o que já tem no original será ótimo, mas na animação, você realmente ouvindo as músicas é preciso tem um mínimo cuidado na forma como usá-las. O Watanabe como diretor, tendo participado de outros animes apenas para cuidar da trilha sonora, é a primeira pessoa que deverá responder por isso, só que ele foi além e convidou a Yoko Kanno. Com ele sozinho era impossível algo dar errado, junto com ela só poderíamos ter mais um trabalho memorável, certo? Pois foi exatamente isso que não aconteceu.

Lembram de Cowbe, com sua abertura Tank? Bem marcante não?
Era o que eu esperava aqui, uma abertura marcante, usando Jazz, pelo menos algo que fosse de acordo com o clima de todo o resto. Como o Sentaro diz, Jazz não é só Jazz, é sentimento, paixão, tudo que a abertura e encerramento não tem.
Tire o solo de trompete no final da música de abertura e o que você tem é um jpop bem comum e atual acompanhando uma sequência de imagens aleatórias. Como assim?
O encerramento é seguindo a tradição um clipe mais calmo, com uma música mais "tristinha" e bonitinha... mais que porra é essa?!

Fosse qualquer outro anime não seria nada demais, pois parece a abertura e encerramento de qualquer outro anime, menos a de Sakamichi no Apollon! Eu sei que é um mangá comum, como tantos outros, mas por que é que fez sucesso? Por que é que foi premiado? Foi por ser bom e ter algo a mais, justamente o Jazz. E cadê ele na abertura e encerramento que deveriam apresentar a série? Qualquer um que assistir esses clipes ficará sem saber do que se trata, nunca vai imaginar que a série é embalada em jazz clássico.
Não faz sentido... e quem foi a responsável por isso? Yoko Kanno.
Como foi que o elemento mais certo da equipe foi ser responsável pelo ponto mais baixo?
Não consigo entender, depois de tudo que eu defendi ela ultimamente ela comete esse vacilo? A vontade é de ir lá até o Japão, invadir o estúdio dela e dar um chute na bunda dessa mulher. E enquanto ela estiver no chão tentando enter o que aconteceu, vestir uma camisa com o nome e foto da Yuki Kajiura na frente dela e jogar um CD da Kajiura autografado nela.

Jpop? Isso não é música. Se fosse o Sentaro, metia "as" varas nela por trair o movimento...

Acham exagero?
Me permitam aprofundar na questão.
Josei não é como shounen, não vendo One Pieces. Isso vale tanto para mangá quando para anime.
Vide Chihayafuru, que é bom, tem seu público, mas veja as vendas do anime. Bastante baixas, tanto para impedir que ganhe uma nova temporada, por mais que os produtores e emissora lamentem em prantos - sim, eles estavam se lamentando na imprensa. Apesar disso é fato que o anime atingiu uma nova audiência, e o mesmo deve acontecer com o anime de Apollon. Entretanto, essa abertura e encerramento podem colocar tudo a perder.
Uma historinha de exemplo:
O fórum do Subete está repleto de otakus, pessoas que leem mangá e assistem anime. Como qualquer outro hobby as famílias das pessoas de lá implicam com isso. Casualmente você lê comentários sobre essa relação doméstica. Mas em alguns casos não há problema, há casos em que a família até compartilha desse hobby e me permitam aqui citar a anachan. Segundo a anachan ela não tem vergonha de assistir anime em casa e que ninguém a veja assistindo animes, sela lá ele qual for, tanto é que ela tenta até mesmo fazer alguns familiares assistir com ela, como o seu avô. Segundo ela convidou seu avô para assistir... Tiger and Bunny. O que ele achou? Adorou, porque nas palavras dele, "lembra os seriados que assistia quando era mais jovem".
Sakamichi no Apollon tem o potencial para inspirar o mesmo.
Pensem no caso hipotético de Apollon ser exibido em horário nobre na TV, seja japonesa ou brasileira, e quem está na sala é um senhor, ou senhora, de meia idade, mais de 40 anos, 50 anos, e começa a ser exibido o anime. O que ele verá primeiro? Justamente a abertura, e o que vai acontecer quando ele ouvir e ver aquele jpop bobo e imagens aleatórias?
Trocar de canal.
Pronto, Sakamichi no Apollon perdeu um espectador e justo um que poderia adorar assistir pelo clima nostálgico do anime com músicas que lembraria sua mocidade.

Pensando de forma radical, parece que tem vergonha de ser Josei.
Qual o sentido de ignorar sua base, seu verdadeiro público e todo o potencial público latente para ao invés de dar o que você tem para vender, você oferecer o que não tem para um público que não está interessado em seu produto? O que eles quem com esses clips? Atrair mocinhas com imaginação fértil para shippar os personagens? Eu disse que Apollon nos fazia lembrar de Nodame Cantalibe, mas infelizmente, pelo menos comercialmente parece muito longe dele. Nodame não tinha vergonha de ser Josei, não tinha vergonha do seu diferencial, a música clássica. Ao invés de se limitar a um simples jpop extremamente comum, apesar de não ter peças clássicas nos clips de abertura e encerramento, ele tinha músicas de muita qualidade - Sky High até hoje me dá arrepios de ouvir - e promovia cafés com orquestra ao vivo para depois da exibição dos episódios. Apollon por acaso vai ter algo parecido, algo pelo menos que faça sentido dentro de suas qualidades? Infelizmente isso é algo que eu só acredito vendo, e não acredito que vá acontecer.
E depois, vendas risíveis e esquecimento.

Estava bom demais para ser verdade.

VENHA DISCUTIR SE O KAORU É VIADO OU NÃO NO TÓPICO OFICIAL

Impressões da temporada de Abril-2012

2012-04-11T12:49:00.002-03:00

Finalmente a temporada do amor está entre nós.
Essa temporada certamente é uma das mais aguardadas que já se viu, já que é repleta de séries em teoria muito boas e também muito aguardadas. Tem até mais de um mangá do chartfake presente, era bom demais para ser verdade, e no final das contas ela é real.
Porém, quando as coisas estão boas demais é bom suspeitar, afinal, todas as aguardadas adaptações poderiam ser mal feitas não é? Infelizmente parece haver alguns casos assim, mas no geral não temos muito do que reclamar.

Eu não quero me desgastar escrevendo minhas impressões detalhadas sobre muitos animes, então pensei em fazer comentários curtos, o que me dá a oportunidade de assistir algumas estreias a mais que eu normalmente evitaria.

Então aqui está, e que fique claro, leiam com cuidado porque essas são as minhas opiniões pessoais sobre os animes comentados aqui e minhas recomendações, nada mais do que isso. Tem anime que eu odiei que teve gente que amou, e o contrário.

Usem isso apenas como referência, tudo bem?
Vamos lá.

Haiyore! Nyaruko-san

Eu nem tinha registrado a existência dessa série, mas como disseram que o Ketsura estava se gabando disso por aí - sempre ele... - e lá no fórum me recomendaram, não custava nada olhar. Seria mais um que eu poderia citar aqui e teria sua utilidade.
Muito bem, do que se trata?
A primeira vista parecia um anime sobre "anteninhas".

Como o Rapier comentou, a protagonista tem uma antena de tv na cabeça.
Infelizmente, nem isso é uma coisa boa, porque foi impossível reparar nas anteninhas dançando na tela.
Para entender o que é Haiyore vamos fazer uma brincadeira de "Suponha que..."

Suponha que... a protagonista é um monstro de Cthulhu, Nyarlathotep (O Caos Rastejante);
Suponha que... ele tem o corpo de uma adolescente;
Suponha que... ela é a Excel;
Suponha que... ela salva o protagonista de um gárgula alienígena traficante intergalático de escravos humanos;
Suponha que... dos mais de 6 bilhões de humanos no planeta os gárgulas alienígenas traficantes intergaláticos de escravos humanos só vão atrás do protagonista;
Suponha que... a Nyarlathotep se torna a guarda costas do garoto;
Suponha que... é um anime escolar e a Nyarlathotep entra para a turma do garoto como uma parente distante;
Suponha que... os pais do garoto estão viajando e os dois vão morar juntos;
Suponha que... a Nyarlathotep está apaixonada pelo protagonista e quer casar com ele;
Suponha que... ela adora hentai e gasta uma fortuna em doujin;
Suponha que... ela é muambeira;
Suponha que... há batalhas durante a 13º hora de Persona;
Suponha que... tem gore, mas sem ter gore;
Suponha que... é Pokemon;
Suponha que... o Charizard é trollado, tadinho dele;
Suponha que... tem referências nerds e a garota usa como arma o pé-de-cabra do Gordon Freeman;
Suponha que... em cada cenário possível existem posteres de outros animes e jogos;
Suponha que... é um grande produto de marketing e você pode comprar tudo que aparece ali;
Suponha que... você não mora no Japão, não tem dinheiro nem se importa em comprar nada disso;
Suponha que... de todo modo a animação é uma droga;
Suponha que... músicas? Quais músicas?
Suponha que... o que você puder supor a mais para colocar aqui, use sua criatividade.

Sabe o que isso significa?
O anime é o pináculo disso aqui:

Todas as boas ideias colocadas juntas não fazem a melhor ideia do mundo, nem uma ideia razoável... não funciona, falta personalidade, um enlatado sem alma que geralmente está condenado ao fracasso por não agradar a quase ninguém e atrair o ódio da maioria.

Bem Vindo à NHK tem um monte de estereótipos e fala sobre muitos deles. Mesmo assim no terceiro capítulo tem a consciência de explicar que só amontoar coisas não vai fazer a série funcionar.
Sempre vai ter gente para gostar e achar isso daí bonito, mas sinceramente, é uma besteira, e pessoalmente um grande lixo fedorento. Eu ainda fiz o favor de assistir até o fim, porque o tempo todo estava lutando para prestar atenção e resistir a vontade de parar, mas não, não daria para eu chegar aqui e só dizer que não gostei e porque não, eu tinha que dar motivos e o episódio não parava de me dar motivos.
Se gostaram, tudo bem, se divirtam bastante lambendoo pé-de-cabra do Freeman, que heresia ele aparecer nessa porcaria!

obs: o culpado apareceu, foi o Night que me trollou, mostrando que na internet amigo nenhum é amigo de verdade. Canalha.

Sengoku Collection

O novo anime do Brains Base... COMO?!
Sério, aposto as minhas unhas - das mãos e dos pés que estão na hora de cortar - que todos que assistiram isso foi só por ser animado pelo Brains Base e para acreditar que é mesmo real. O Brains Base não é um estúdio muito antigo, e tem um currículo bastante invejável, um histórico de muito bom gosto e praticamente sem falhas.
Citando o Night:

Spice and Wolf II, Natsume Yuujinchou, Kure-nai, Kuragehime, Durarara!!, Baccano!, Mawaru Penguindrum... Sengoku Collection.
Alguma coisa está errada, Brain's Base

Alguma coisa errada está.
Como assim? O estúdio está desesperado por dinheiro por seus últimos animes não estarem fazendo caixa para manter ele?
Sengoku Collection é baseado em um jogo de cartas para telefones.
Basicamente são vários grandes líderes e personalidades da história da humanidade transformados em menininhas moe - como esperado, Itália é a "melhor". Elas escorregaram para o presente, e para voltar para suas épocas elas tem que enfrentar umas as outras para conseguir algo que cada uma tem, e juntando tudo vai gerar um item mágico que vai levar a vencedora de volta. Basicamente isso, só que não é só isso, porque a série tem 26 episódios e vai passar uma temporada completa com um episódio dedicado a cada "menina" ao que aparenta. E isso é entediante...
A protagonista como não poderia deixar de ser é o "herói" Nobunaga Oda, acho que foi o cara que unificou, ou quase, o Japão e tinha principal inimigo o Ieyasu Tokugawa. Enfim, "ela" quando estava para morrer se jogando "com dignidade" em um vulcão acaba indo parar no futuro, em Tóquio, literalmente caindo do céu em cima de um cara que vai pegar ela, cuidar dela, alimentar ela...
E como o Night bem citou o resto do episódio é tão fantástico quanto essa cena de A Pantera Cor-de-Rosa:

E é isso aí.
Existe uma pequena chance de a série surpreender na segunda metade quando começar a matar as "meninas" em episódios bastante dramáticos, mas quem se importa até lá? E só vai se importar com a morte das "meninas" quem assistir a primeira metade e gostar delas, mas alguém vai?

Então, vamos apenas fingir que o Brain's Base saiu de férias.
Ah, e por falar nisso, parece que está na moda animes com Odas Nobunagas mulheres, vai ter mais uns 2 pelo menos somente este ano.

Medaka Box

Isso não é Haruhi cacete!

Eu assisti ao primeiro episódio e gostei. Faz alguns dias, por isso nem me lembro mais muito bem, não foi marcante.
O que vocês podem esperar dele?
Uma metade maçante sobre clubinho escolar meio inocente, com muita, muita fala, afinal é um mangá escrito pelo mesmo autor da série AlgumaCoisaMonogatari. No mangá tem página que tem tanto diálogo quanto um capítulo inteiro. Claro, essas páginas são exceções, o mangá não é todo assim, mas é bom saber que podem precisar se preparar para os excessos.

Desde quando você caiu na ilusão de que é você quem assiste e julga a Medaka?

Todos os personagens tem suas personalidades fortes aparentemente, como é de se esperar de algo do Oisin, suas histórias são muito baseadas no atrito de personalidades.
Porém, ao mesmo tempo isso é um ponto forte, também é um ponto fraco. Se você não achar um personagem carismático então vai acabar achando ele antipático. Se você não foi com a cara e busto da Medaka nesse episódio, não vai ser fácil gostar dela.
E então, vale a pena assistir?
Sem dúvidas vale, a Gainax está mostrando sua competência. O traço é perfeito, as cores são perfeitas, a direção foi excelente e as vozes combinam, o maior problema é apenas o original mesmo que muito fã de shounen formatado despreza. Vai ser duro aguentar a fase inicial tipo Sket Dance dos Infernos, e quando ela acaba entra o Shounen de Lutinha dos Infernos.
Pode não ser "bem" assim já que eu não tive saco para ler, mas já vi bastante de Medaka Box por aí. Acho que ele vale menos por ser uma boa série maluca e bom shounen e mais pelos Awesomenesesesesesesess mesmo.
As lutas são sem noção, cheias de técnicas, truques e explicações absurdas.
E o ponto forte é justamente esse, ver o Oisin pegar clichês e referências do gênero e moer tudo junto no mangá. Isso resulta em várias páginas bastante impressionantes, só que é algo meio pesado para alguns.
No fim das contas, fiquem pelo menos de olho na repercussão, pode acabar como um novo Evangelion, no mínimo um novo Panty and Stocking.

Folktales From Japan

Puro ouro esse anime.

Um bom desenho para crianças.
Sendo bom para crianças, também entretêm adultos.

Como o nome deixa bem claro, ele apresenta histórias folclóricas, desde mitos a histórias da vovozinha e como é algo educativo todas as histórias tem uma boa mensagem por trás.
É o melhor anime educativo que assisti desde Marie & Gali.

Por enquanto foram apenas dois episódios, todos no mesmo esquema de 3 pequenas histórias, bem simples e óbvias, mas que vão direito ao ponto. Por serem curtas, mesmo que você não goste de uma historia não há tempo para você se sentir incomodado.
No meu caso, eu gostei de todas as histórias, dá até para torcer por alguns personagens.
O maior problema para alguns será a simplicidade da produção, animação bem simples, de "flash" como dizem, mas precisava de mais? O público alvo não vai se incomodar.
Porém, se tem algo que se destaca bastante aqui é a abertura. Bem bonitinha e com uma música irresistível.
Infelizmente não encontrei nenhum vídeo no youtube, então vão ter que pegar algum episódio para poderem ouvir a música.

Sankarea

Quando as pessoas vão finalmente morrer quando forem mortas nos animes?
Até quando vão zombar da ordem natural das coisas?

Um romance entre um necrófilo e uma zumboa... e vocês se doendo por causa da baba de Nazo no Kanojo X, né? Né?!

Eu não iria assistir, pelo menos iria deixar para depois, mas o download era rápido então acabei aproveitando para assistir e comentar aqui. Foi melhor assim porque eu gostei, e foi um episódio muito oportuno para colocar ao lado da estreia de Tasogare Otome.
Eu também li o mangá de Sankarea, assim como o de Tasogare não muito e pelo menos motivo, muito mais do que falta de paciência foi por ele não ter me prendido. Animado, com uma melhor apresentação isso poderia mudar, no caso de Tasogare eu discordei fortemente das mudanças do anime como vocês podem ler na minha postagem sobre o mesmo. O que deu errado li que deu certo em Sankarea, já que ambos não seguem o mangá fielmente?
Acontece que os produtores sabem que nós, espectadores assistimos as estreias apenas para saber se vamos ter vontade de continuar assistindo e que acabamos por descartar a maioria das séries. Só que eles não podem se render a isso, eles querem que nós continuemos assistindo por isso a série tem que nos conquistar já no primeiro episódio se for possível. Foi o que o Silver Link tentou desesperadamente fazer em Tasogare, e fez errado. O que o Silver Link quis com aquele episódio foi apresentar ao espectador a dinâmica da série. Tem praticamente de tudo lá, e para isso desperdiçou o episódio. Aquele episódio é um recorte de partes praticamente do meio da série, trazendo forçadamente personagens que não deveriam estar ali para nos mostrar como eles interagem, só que ficou algo meio sem sentido porque de alguma forma vai ter que apresentar como aqueles personagens se conheceram e se uniram, e por quais motivos. Ao mesmo tempo que desperdiçou as brincadeiras com a Yuuko interagindo sem aparecer na tela, como também comentei.

A estreia de Sankarea foi muito mais feliz.

Ao invés de apresentar logo de uma vez a dinâmica da série, ela apresentou os personagens e o que podemos esperar deles. Ao invés de condensar os capítulos iniciais do mangá, Sankarea esticou. Foi uma introdução bem mais longa e mais detalhada, aprofundando melhor os personagens. O protagonista Chihiro Furuya é um necrófilo que vive em uma família saudável e que amava o gato de rua dele. No mangá isso não é mostrado de início, vemos apenas um garoto obcecado em criar um zumbi, ao contrário do pequeno drama Frankensteniano que o personagem vive no anime. Ela não queria só criar um zumbi, ele queria reviver seu gato, e vendo o ambiente em que ele vive e como vive nós espectadores podemos aceitar e simpatizar com ele.
Eu também gostei mais da Rea Sanka que vi no anime. No mangá ela me pareceu apenas uma personagem fetiche, tristemente apresentada, e como ela deveria ser o atrativo principal vocês podem entender porquê eu não continuei lendo o mangá. Porém Sankarea é uma série bacaninha, e ao tratar a Rea de forma mais digna e de uma forma muito bem vinda conseguindo fazer surgir uma química natural entre ela e o Chihiro, o estúdio alçou a série a um patamar superior ao do mangá. A história, as personagens, o roteiro, eles são os mesmos? Sim, mas a apresentação influência no resultado final, em quanto a série consegue ser boa. Se um estúdio adapta um mangá e consegue adicionar um pouco mais de qualidade isso deve ser elogiado.

Não resta muito mais a narrar sobre esse episódio de Sankarea, apenas faço uma recomendação de que a série tem alta qualidade - áudio-visual também - e dificilmente você não vai gostar, consegue realmente ser interessante.
Como comentário final, o episódio apresentou pouco, da parte da Rea apenas que ela é de uma família rica, cheia de boas maneiras, mas como sempre acontece na ficção por dentro essa família é mais podre do que um zumbi. A Rea não tem vida própria dentro da família e sobre abusos leves do pai, e provavelmente do resto da família, já que ela tem uma personalidade mais delicada, do tipo que não gosta de maltratar os outros, consequentemente se tornando a vítima.
Ao fim do episódio o estúdio dá a uma amostra de que ela vai morrer e se tornar um zumbi - caso o espectador ainda não tenha ligado os pontos.

Eu até sei como isso acontece mas vocês terão que descobrir isso nos próximos episódios.
Acho que vai mesmo valer a pena assistir, o anime parece ver um romance promissor entre os dois personagens, juntando os dois com seus conflitos afetivos. A Rea quer paz para ser do jeito dela, e ser aceita e amada pelo Chihiro mesmo depois de morta e toda despedaçada é algo que vai "fatalmente" derreter o coração dela, e ele literalmente "Vivendo o Sonho" de ter a mulher dos sonhos e idealizada que tanto queria. E vai realmente ser tão bom quanto ele imaginava?

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Primeiras Depressões - Tasogare Otome x Amnesia [Silver Link]

2012-04-09T13:52:00.000-03:00

Da nova temporada, de animes adaptados de mangás, Tasogare certamente "ERA" o mais esperado.
É um bom mangá.

Aparentemente ele é um anime do gênero de clubinhos escolares, mas isso é mais um pano de fundo para um romance pautado no mistério e suspense.
Tasogare se passa em uma escola bastante antiga e bastante reformada, com vários prédios abandonados e geografia confusa, com uma longa tradição de histórias que se transformaram em mistérios escolares e lendas urbanas. A história gira em torno de uma das maiores lendas dessa escola, Yuuko, o fantasma de uma antiga aluna assassinada que assombra a escola.
Devido a várias circunstâncias, o aluno Teiichi Niiya se vê entre um clube escolar de resolver mistérios e ajudar alunos com problemas e um triângulo amoroso formado por ele, a fantasma Yuuko e a colega Momoe Okonogi.

Eu não espero muito das atividades de resolver problemas de alunos e recomendo fazer o mesmo.
O principal não é isso, por mais que o autor Maybe se esforce em pelo menos escrever algumas histórias bacanas para compensar a necessidade desses casos. Os casos são simples, mas não tanto quanto parecem. Não é porque a Yuuko é um fantasma que ela é a única coisa por ali que não pode ser vista a luz do dia.
O principal é que esses casos preenchem a agenda dos personagens, fazem eles se moverem e as coisas importantes sobre eles acontecerem, que é o mistério da natureza da Yuuko, que ela mesma parece não compreender por lhe faltarem memórias de sua vida - Tasogare Otome X Amnesia.
Ela morreu, mas como? Ela foi morta? Por quem ela foi morta e por qual motivo? Por que ela está vagando pela escola? Ela é um fantasma ou assombração? Sua natureza é benigna ou maligna? O que é necessário para ela "partir"? E por aí vai...

Sobre a adaptação do Silver Link, deu gosto de ver o acabamento do visual.
Eles tentam usar alguns recursos menos convencionais para tornar as séries mais interessantes, algumas invencionices visuais, por isso sendo comparado ao Shaft, só que ao contrário deste sua animação não parece ser feita em flash, com vários objetivos feitos em computação cheios de serrilhado.
O visual tem uma plasticidade mais convencional, o que é bom, com excelente colorização sem ter cores "aguadas" e sem textura.
O roteiro também foi adaptado nesse episódio de forma muito interessante. Ao invés de começar pelo início do mangá, o anime muda a ordem dos acontecimentos já trazendo para o grupo uma das personagens para evitar a necessidade de usar um episódios para apresentá-la e já nos mostrando a dinâmica da série de uma vez. Seria uma excelente estreia se não fosse o problema de a série não apenas pensar que você é burro, muito burro, ela faz questão de deixar claro que você é burro, muito burro, e não tem capacidade de entender o que está te mostrando.

Estão vendo essa beldade ao lado?
É a Yuuko, o espírito zombeteiro da série.
No mangá nós vemos ela desde o início, o Teiichi conhece ela, e depois é dito que ela é um fantasma, que outras pessoas não podem vê-la. Com o tempo e com o crescimento do grupo e clube se forma a dinâmica da Yuuko interagir com o Teiichi e com os outros sem que seja vista ou sentida. O anime começa já brincando com essa situação, com a Momoe sozinha na sala do clube lendo os relatórios de possíveis casos de assombração da escola para nos mostrar o jeito tapado e crédulo ao mesmo tempo que cético dela. E a Yuuko está lá... invisível.

Para quem conhece o mangá estava muito divertido ver a Yuuko mexendo em objetos na cara da Momoe sem ela perceber e depois da chegada do Teiichi e da Kirie imaginar ela se movendo e falando com os dois na sala sem que a Momoe percebesse.
Para quem não conhece o mangá era ainda melhor por não conhecer a Yuuko e não estar familiarizado com aquela dinâmica e imaginar a aparência do fantasma em cena.
Logo todos saem da sala do clube e vão investigar um elevador de carga em uma parte do prédio da escola que a Momoe diz ser assombrado, e a Yuuko aproveita para aprontar e então... reboot.

Entra em cena o Silver Link em, "Quero ser hardcore, mas o Shaft não deixa".

Na minha postagem sobre a estreia de Nazo no Kanojo X eu disse que o Shaft, por mais que tenha suas qualidades também tem seus defeitos, grande defeitos. Quem leu ainda lembra?
Entretanto, se tem uma qualidade nos defeitos do Shaft é que eles pegam a decisão deles de como fazer o anime ou cena e vão com ela até as últimas consequências. Não dá para trás, se é para fazer loucura então eles piram na batatinha com gosto.
Entre controvérsias e controvérsias um novo estúdio de animação começou a chamar atenção e ser comparado com o Shaft.
Segundo dizem, o Silver Link faz animes com um estilo como o Shaft, só que sem o "fator Shinbo", e sem "enganar" tanto na animação. Seria algo "melhorado". Quem acompanhou Baka to Test à época de sua estreia deve se lembrar dessas discussões. Não gosto muito de ficar comparando fulanos, mas entendo os motivos nesse caso. E infelizmente por mais que eu torça para que o Silver Link não copie ninguém e tenha seu estilo próprio, uma coisa eles poderiam aprender com o Shaft como lição em Tasogare: VÁ ATÉ O FIM COM SUA IDEIA!

Eu não sei quem foi nem quando foi, o imbecil que achou que seria uma boa ideia mostrar dois recortes da abertura no meio da cena do elevador e voltar para o início do episódio, repetindo as cenas que acabamos de ver só que agora colando lá os keyframes da Yuuko.

Art of Troll.

Qual o objetivo disso, qual a lógica? Tirou todo o encanto, matou todo o mistério que estava se formando e estragou a piada. Uma piada só tem graça quando você entende o ponto dela, não quando te explicam. Quando você entende a piada e insistem em te explicar ela de forma didática é pior ainda!
Em 7 minutos Tasogare Otome x Amnesia passou de uma das melhores estreias da nova temporada para a piada da temporada.
Eu não entendo o que aconteceu aqui. O erro que cometeram é tão óbvio que só pode ter sido proposital, mas por que? Não seria perfeito se o episódio continuasse sem que a Yuuko fosse visível? Pense naquela cena do elevador, com o Teiichi espremido lá escuro com a Yuuko, só que dessa vez sem vermos nem ouvirmos ela, nós apenas ouviríamos o Teiichi responder sozinho sabendo que a Yuuko estava lá agarrada com ele. Não seria uma cena sensual fantástica construída apenas pela imaginação do espectador?

Depois eles continuariam andando pela escola até aquele túmulo improvisado e dali a Yuuko levaria o Teiichi para o alto do morro onde então à luz do por do sol, o crepúsculo do título, ela se faria visível. Seria perfeito, e isso era algo tão lógico que não consigo pensar em nada que explique o Silver Link não ter feito o episódio desse jeito.

E então, a partir de agora o quê?
A série vai ficar por meia dúzia de episódios mostrando casos toscos do clubinho para passar o tempo e só a partir da metade vai começar a explorar o mistério da Yuuko? Eu até reconheço que o roteirista e diretor conseguiram achar o tom certo da dinâmica entre os personagens, só que e como fica a progressão da história? Depois dessa atrocidade que cometeram nesse primeiro episódio não tem como eu não temer por outro erro comprometedor.
Desse jeito não dá para afirmar nada nem prever nada dessa série, um completo mistério.
Vai ser boa? Vai ser ruim? Vai ser frustrante?
Estou perdido.

Yamcha - "O segredo do fotógrafo já foi revelado".

Vamos ter que rezar muito pela salvação da alma da Yuuko, coitada.
Acha que estou exagerando? Não acho, acho que e uma preocupação razoável. Detalhes assim podem estragar um animes, vide o exemplo de Another que ainda sinto o gosto amargo das péssimas decisões do PA WORKS. Uma boa história destruída por alterações que arrumaram sua coerência. Cenas como o Kouchi dizer ser melhor esconder a existência da fita da Izumi, Teshigawara deixando para ouvir a fita no dia seguinte por ter compromisso e depois quase destruindo ela foram cenas que partiram meu coração ao ver a série ser destruída.
Detalhes assim são o que fazem uma série ser boa ou ruim e divertida ou não. Não quero passar por isso novamente com Tasobare.

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Segundas Impressões|Estudo - Nazo no Kanojo X [Hoods]

2012-04-08T18:04:00.001-03:00

Nazo no Kanojo X foi desde sempre o azarão da temporada. Uma premissa meio bizarra, ainda que não ofensiva, a cargo de um estúdio que só animou ecchi medíocre. Tinha tudo para dar errado assim como igualmente tudo para dar certo. Deveria apenas ser uma questão de gosto, se você gosta então você gosta, se não não gosta, independente da qualidade da série.
Para a felicidade de todos a sorte desta adaptação estava nas mãos de uma equipe competente.
Deko Akao, a roteirista, tem no currículo pelo menos Arakawa Under the Bridge.
Kenichi Konoshi, o responsável pelo traço dos personagens participou como animador de uma pancada de filme de alta qualidade.
E Ayumu Watanabe que dirigiu zilhões de Doraemons e o queridinho da temporada até aqui, Uchuu Kyoudai.
Liderados por esses três, os animadores do Hoods fizeram um belo trabalho visual em Nazo no Kanojo X. E para dar o toque final, Tomoki Hasegawa, compositor de Sayonara Sensei e mais alguns uniu tudo com músicas belíssimas. Eu normalmente não me importo com esses detalhes técnicos, mas dessa vez eu tive que ir ver quem foram os responsáveis pela joia que tinha acabado de assistir.

Nazo no Kanojo X começa como tantas outras comédias românticas, de forma simples, previsível, que você já viu tantas vezes.
Começa com a chegada da nova aluna Mikoto Urabe na turma de Akira Tsubaki. Ele é um garoto comum, como todos na sua classe, e ela é meio estranha o que chama a atenção de todos. Entretanto pelo jeito recluso dela logo todos perdem o interesse, até mesmo o Akira. Só que a série não é sobre nem ele nem ela, não é sobre os dois, a série é sobre o amor.
A premissa é que pelo "acidente" de ter provado da baba da Mikoto que ficou na mesa enquanto ela dormia, o Akira fica doente e depende de beber a saliva dela todos os dias, como se fosse um remédio. Mas como ela mesma faz questão de explicar para ele, não existe nenhum vírus ou substância escusa na saliva dela. O que o tornou dependente da saliva dela, tendo que bebê-la regularmente para evitar crises de abstinência é uma simples "doença de amor".

Essa história não é um romance estranho apenas para ter um diferencial, ela é especificamente sobre a estranheza que um romance é.
Akira e Mikoto são adolescentes que sabem o que é um romance, um namoro, amor, e tudo apenas através do conhecimento teórico. A prática eles desconhecem e tem todo tipo de fantasia sobre isso. Como é dito na abertura do episódio, uma vez que um adolescente descobre sobre sexo ele consequentemente pensa com quem ele irá fazer sexo pela primeira vez.
Nazo no Kanojo X é sobre esses mistérios e descobertas.

No original já existe esse subtexto, mas é bom ver que a equipe do anime percebeu e viu o valor disso e trouxe essa camada do mangá para a superfície como foco do anime, e neste momento eu chego a chorar de alegria com vontade de ir a missa rezar o terço completo em agradecimento pelo melhor chocolate que eu poderia degustar nessa páscoa por nenhum Shinbo Akiyuki ter pego essa série.
O Shinbo escolhe bem as suas séries para levar para a TV, funciona muito bem em animes como Sayonara Sensei e AlgumaCoisaMonogatari porque os estilos são semelhantes, combinam com harmonia, mas em vários casos o estilo dele só denigre a obra por ele não se preocupar em extrair o máximo do original. Mesmo quando ele se contém para não inventar muito e se sobrepor ao original ele não se esforça para criar algo novo a partir do que tem em mãos, parece apenas procurar onde encaixar suas marcas registradas.
Nas mãos dele Nazo no Kanojo X seria apenas mais uma série estranha, nas mãos da equipe do Hoods apenas este primeiro episódio fez valer toda a nova temporada.

Reparou no título "segundas impressões"? Parece estranho porque estou aqui abordando o primeiro episódio, mas escolhi este título porque esse é mesmo o meu segundo olhar para essa série.
Eu li parte do mangá o original, que começa com o conteúdo deste primeiro episódio como um oneshot, que pela boa recepção ganhou autorização para ser continuado em uma série. Não li muito à frente e acabou sendo mais um da dezena de mangás em aberto na minha lista. Isso é um problema, preciso dar ordem para os três HDs, 2 Pendrives e 1 MicroSD onde os mangás ficam espalhados.
O ponto é que o mangá não me "prendeu". Apesar das mesmas qualidades estarem ali elas não eram tão evidentes quanto no anime, mais cruas. Apesar de não saber como continua, mesmo que eu soubesse, para qualquer um que conhece o original o anime se tornou obrigatório para ver o quanto o Hoods vai conseguir extrair do restante da série. O maior problema que se apresenta para o estúdio no momento é que eles conseguiram tantos acertos em apenas um episódio, justamente sobre o oneshot onde o autor teve que obrigatoriamente mostrar serviço, que os outros episódios podem ser eclipsados e viverem à sombra da estreia.
Por isso não vou dizer que "já é a melhor série do ano e bla bla bla chupem", mas digo com segurança que é o melhor episódio do ano e vale ser assistido pelo menos ele.

Essa estreia não tem apenas toda essa qualidade de subtexto que já falei, tem toda uma execução primorosa que faz esse texto ter valor. Por trás daquele traço nostálgico de meados da década de 1990 há uma direção de arte bem inteligente. No início eu tinha gostado muito de ver as bonequinhas do Big O e da Dorothy no quarto do Akira, mas quando a Mikoto vai visitar ele eu não pude deixar de me impressionar com os posteres nas paredes.

Repare na sagacidade, lá no quarto do Akira tem posteres de filmes clássicos de ficção científica com... alienígenas. Não é atoa ao que parece, é aquela metáfora das mulheres (o sexo oposto em geral) parecer algo tão estranho como um ser de uma outra espécie única, estranha, incompreensível.
Não é difícil de associar o poster do filme "O Dia em Que a Terra Parou" com o momento em que você se apaixona. O mundo para, você fica em choque, não sabe o que fazer.
Ao lado o poster do filme "O Planeta Proibido", um clássico trash com alienígenas e uma gostosa. O Akira está literalmente entrando em um planeta antes proibido, um mundo estranho e ameaçador, cheio de criaturas estranhas que ele vai ter que enfrentar.
E como não poderia deixar de ser, "2001, uma Odisseia no Espaço", um filme clássico que tem como principal antagonista uma suposta inteligência superior.

Isso tudo vem apresentado em uma animação bem caprichadinha, com um traço bastante charmoso e músicas cheias de personalidade. Parece algo antiquado, meio desafino, um som tocado para divertir ao invés de se exibir e... noir. Não consigo deixar de sentir como a trilha sonora de um romance francês excêntrico da década de 1960. Seria por causa da referência a The Big O, talvez?
Essa sonoridade dá um ar mágico para o episódio e não podemos deixar de citar as vozes, principalmente da Mikoto, grave e suave. Irresistível.

Voltando ao subtexto, o foco da série não parece ser apenas as estranhezas dos personagens (e se preparem para ver coisas bizarras) para divertir o espectador, é mais como eles encaram isso e aprendem a gostar das características mais estranhas das pessoas queridas.
Suspeito que essa história da baba é um artifício para esse argumento. As pessoas mal assistiram ao episódio e já começaram a discutir no fórum sobre o Akira ter feito algo nojento. Afinal, pegar a baba de outra pessoa na mesa e colocar na boca não é apenas algo estranho e inusitado, é também nojento. Mas será mesmo? Em quê isso difere na prática de um beijo? Na minha opinião existe apenas uma barreira psicológica que faz parecer o que o personagem fez algo nojento e um beijo todo babado não. Mais para frente no episódio vejo detalhes que reforçam minha suspeita.
Quando o Akira pede a Mikoto em namoro ela diz para ele fazer algo que demonstre essa vontade dele de ter ela como namorada, mas um beijo não serve, é muito convencional. Ela pede pare ele fazer algo único que somente ele faria. Independente do que ele faz o que importa é a ideia por trás disso. Por que ele quer ela como namorada? E por que ela deveria aceitar? Assim como ele viu partes dela que o interessaram acima de outras garotas ela também precisa de algo que faça ela se interessar por ele e não por outro qualquer.
A resposta é a dinâmica da baba que une os dois.

Mais do que ele precisar da saliva dela para não ficar doente, ela precisa também dar a saliva para ele. Afinal, se cura um vício dando ao viciado mais da droga que o viciou? Não faz muito sentido não é? Minha teoria é que mais do que o Akira estar doente de amor e dependente da saliva da Mikoto para sobreviver, ela também se tornou refém dessa interação. Quando ela teve aquele pensamento safadinho sobre ele no primeiro dia de aula ele era só um garoto aleatório que estava por perto, por isso foi tão engraçado para ela. Mas no momento em que ele a acordou naquela tarde e gamou nela, ele se tornou de alguém qualquer para o garoto que se apaixonou por ela, talvez o primeiro, uma pessoa única. Pra mim o que ela quer é que o Akira continue dependente dela, ela não quer que ele se cure de gostar e amar ela.

O sol brilhando nos olhos...
É o amor.

E esse é ponto, o que as pessoas tem de diferente, não o que elas tem igual ou melhor. É isso que ela pediu para ele mostrar, o que ele tem de diferente dos outros? O Akira não abriu mão de seus sentimentos pela "melhor" garota da escola para ficar com os sentimentos pela mais diferente de todas? Nazo no Kanojo X é esse tipo de romance, é sobre nos amarmos uns aos outros pelas nossas particularidades e falhas.

É como uma das garotas do fórum disse, se está com um homem que de manhã fica reclamando da forma como ela acorda toda pelo avesso colocava pra rua.

Ano passado eu disse para vocês assistirem Chihayafuru e muitos de vocês não deram valor a recomendação. Até Papakiki que vocês devem ter rido quando eu disse que seria a surpresa da temporada foi melhor do que a encomenda.
Deixei passar... mas se isso se repetir eu nunca vou perdoar vocês. Defeitos tem limites, tomem jeito!

VENHAM BABAR NO TÓPICO OFICIAL

Goodbye Pork Pie Hat

2012-04-07T02:14:00.004-03:00

Eu gosto bastante de Bleach! Os poucos que me conhecem desde antes de meu ingresso aqui no Subete já estão cientes e, em sua maioria, me zoaram devido a este fato. Eu poderia ser descrito como um fã que anda no linear, discordando tanto daqueles que realizam, com prazer, o cansativo exercício que é ler/assistir a série com os olhos vendados, quanto dos que desempenham o certamente mais estafante papel de observar nuvens enquanto aprecia o título, deixando que formas imaginárias interfiram no concreto. Criticando ou defendendo, o fato é que gosto de Bleach. Mas do que eu gosto ali, afinal? Conceitos; personagens; narrativa; batalhas? Sim, tudo isso me agrada. Porém, há outro fator, certamente já captado por meus conhecidos mais longínquos, que faz de Bleach algo especial para mim: sua espantosa trilha sonora, diferencial presente apenas em sua versão animada, que há pouco se despediu de seus apreciadores.

Há quem não saiba, mas desde sua origem, Bleach, por ser escrito por um fã de Rock 'n' Roll, foi influenciado pelo universo musical. É fácil apanhar referências ao decorrer dos volumes; a máscara dos Gillians, por exemplo, é uma alusão à banda Slipknot, e se especula que o próprio título, Bleach, provenha do álbum de estreia do grupo Nirvana. Portanto, como fã da série, e, mais importante, como fã de música que sou, ainda que atrasado, presto aqui meus respeitos perante seu término abruptamente tardio.

Tite Kubo e Noriyuki Abe, entre grandes sacadas e ocasionais tropeços, conquistaram minha admiração no comando das mídias pelas quais respondem. Da mesma forma, o departamento de arte e a fração predominante dos diretores convidados pelo estúdio Pierrot devem ser creditados por esse esforço de oito anos. No entanto, este texto não abordará a série como um estudo ou ensaio, mas através de um apanhado de fragmentos do trabalho do homem que, a meu ver, moldou, ou melhor, compôs com maestria cada tom da atmosfera da animação: Shiro Sagisu.

Sagisu é um produtor musical veterano, que já nos anos 1970 galgava os degraus da indústria fonográfica. Também músico, não tardou a arriscar compor trilhas sonoras para filmes, animes e jogos. Após obter notoriedade com o famosíssimo Kimagure Orange Road, firmou vindoura parceria com o estúdio Gainax, para o qual entregou os acompanhamentos musicais de Nadia – The Secret of Blue Water, Kare Kano, Abenobashi Mahou Shoutengai e de todas as produções que carregam no título o peso da franquia Evangelion. Um curriculum invejável, farto em preciosidades que poderiam ser concebidas como “o trabalho da vida” de outros compositores. Não bastassem suas glórias passadas, Sagisu é hoje o encarregado por imprimir musicalmente as nuances da nova trilogia de filmes de Berserk; e, até o ultimo dia 27, coordenou a trilha sonora de Bleach, seu mais extenso trabalho.

Somando 207 faixas oficialmente lançadas, distribuídas em oito álbuns – quatro que correspondem à série televisiva, e quatro de seus respectivos filmes –, além de uma infinidade de composições de suporte jamais enviada às lojas, a OST dessa adaptação provou ser o derradeiro desafio ao talento de Shiro Sagisu, forçando-o a fazer uso de toda sua criatividade para enquadrar harmoniosamente, usando de tangos a longos solos de guitarra, cada sutil inclinação do roteiro.

Repito que não simulo aqui uma análise ou semelhante; o que se segue nada mais é que uma coletânea comentada das músicas que me levaram a escrever essa postagem, ou seja, que me levaram a crer que na música reside a alma de Bleach.

A névoa...

On the Precipice of Defeat, composição que emerge junto ao prólogo do anime, mostra já no primeiro momento que, mesmo se tratando da adaptação de um mangá de batalhas infantojuvenil, o Bleach visto e trabalhado por Shiro Sagisu é repleto de camadas; e, abaixo das poses e cores que retêm a maioria na superfície, habita o perturbador, o sombrio. Abrindo também o primeiro álbum da abrangente OST do título, o tema das borboletas negras – uma fusão de ruídos sintetizados, acordes de guitarra, sussurros distorcidos e notas extraviadas de órgão – marca uma carregada, nebulosa e recorrente linha-guia nos mais densos momentos da produção. Faixas como Creeping Shadows e Burden of the Past, ainda no primeiro álbum, seguem essa vertente niilista, desconcertante, e absolutamente necessária em momentos como o icônico Memories In The Rain, primeira e possivelmente mais árdua, ao menos no plano psicológico, das pelejas do protagonista.

No andamento de todo trabalho, músicas com o teor de On the Verge of Insanity e Soundscape to Ardor – entregando já no título suas funções, outra das características da animação – surgem da perspicaz mente do compositor, alinhando momentos notáveis com suas presenças. Mesmo como pano de fundo para os péssimos longas-metragens da obra, o trabalho de Sagisu é brilhante ao manter a soturnidade que, como sublinho ao iniciar essa divagação discorrendo sobre ela, pontua alguns de seus melhores momentos – que o digam Eerie Blank e Nightmare, não por acaso, embrulhos dos ápices dramáticos dos dois primeiros filmes.

O fervor...

Guitar Test sintetiza a quebra de amarras criativas, presenciada quando o produtor trabalha com aquele que, a julgar por seu uso ostensivo ao longo de sua carreira, é seu instrumento predileto: a guitarra. Seja na progressão simples, de poucos acordes, porém repleta de um furor contagiante de Battle Ignition; em faixas que, como Blaze of the Soul Reaper, mesclam uma base repetida a um e vívido e elaborado solo; ou quando a guitarra é apenas complemento para sobressaltar outro elemento da composição, como é o caso da bateria em Storm Center; Sagisu mostra-se absolutamente à vontade quando dela dispõe. Assim, ganham vida alguns dos mais importantes flagelos de uma trilha sonora que, sim, ostenta o propósito de calibrar intensas batalhas. Tarefa que, tal qual visto na derrocada de um Deicídio, é cumprida com louvor mesmo através de mixagens como 4BLM 101 Chokkaku.

Embora Dominio Del Chad, Showing Off e tantas outras possam ainda ser citadas para exemplificar a impecável galeria de battle songs a base de guitarras elaborada por Shiro, mais importante do que lista-las é frisar a maleabilidade do compositor, que não depende, de forma alguma, apenas delas para transmitir a atmosfera de um embate. Em La Distancia Para Un Duelo e Clavar Le Espada, por exemplo, somos tragados para as areias do Hueco Mundo, impelidos por belas músicas de influência hispânica. Diversidade também presente no dissonante caráter épico de Invasion e Tables Have Turned.

O...

Mysterious é, para mim, a mais admirável música da autoria de Shiro Sagisu, por transmitir, em seu desarranjo, algo que meu pífio conhecimento musical não é capaz de descrever. Algo que também encontro na contemplativa The One Path To Take – percebida discretamente ao fundo na entrada do protagonista para o Xcution, em uma ótima cena que marca o real início de um arco injustiçado –, na tristonha Here to Stay, na metodicamente conduzida Swan Song, na multifacetada Will Save You, na instigante Destiny Awaits.

Esse fator inominável, porém formidável, foi o que me arrebatou no mais aconchegante, empolgante, tenebroso, e, digo eu, expressivo trabalho de um dos maiores compositores da atual Indústria. Voltando ao princípio, reafirmo: Eu gosto bastante de Bleach! E gostei, portanto, de acompanhar sua série animada, que, melodicamente envolta pelo suntuoso acervo musical de Shiro Sagisu, encontrou um belo fim.

Conversa Fiada #7: O gótico e suas ironias

2012-04-05T21:00:00.002-03:00

“Aí está por toda a parte; de um lado, cria o disforme e o horrível; do outro, o cômico e o bufo. Põe a redor da religião mil superstições originais, ao redor da poesia, mil imaginações pitorescas. É nele que semeia, nas mancheias, no ar, na água na terra, no fogo, estas miríades de seres intermediários...; é ele que faz girar na sombra a ronda pavorosa do sabá, ele ainda que dá a Satã os cornos, os pés de bode, as asas de morcego. É ele, sempre ele, que ora lança no inferno cristão estas horrendas figuras que evocará o áspero gênio de Dante e de Milton, ora o povoa com estas formas ridículas no meio das quais se divertirá Callot, o Michelangelo burlesco.” – HUGO, 2002.

A linguagem é, segundo a corrente de estudos mais aceita, o que diferencia categoricamente o Homem dos demais seres vivos do planeta. A habilidade única de transmitir mensagens através de um sistema composto por unidades lógicas, cuja profusão não encontra limites, fez de nós a espécie dominante. Esta linguagem, no entanto, é inerente à cultura do povo que dela faz uso; assim sendo, sempre tivemos no mundo incontáveis variações disso que chamamos de linguagem humana ou falada, intituladas línguas. Estando ligadas a culturas em constante modificação, é notório que as línguas se transformam de forma igualmente constante, o que leva a modernização e, não raro, deturpação de termos que outrora detinham um sentido hoje ignorado pelos falantes. A expressão gótico é um divertido exemplo disso.

A bem da verdade, o gótico foi um estilo artístico fabricado – sim, fabricado; algo atípico e encomendado, tanto que ficou inicialmente conhecido como estilo, e não corrente ou movimento – na França medieval, camuflado até então por designações como francigenum opus, tendo como função exaltar o catolicismo e a monarquia. Justamente por isso, o bruto do legado gótico-medieval se encontra na arquitetura, cujos exemplos mais recordados, e certamente mais valiosos para posteridade, são suas catedrais e capelas. Em imensas torres, arcos mirabolantes e belíssimos vitrais, o clero encontrou a renovação estética adequada para semear seus novos valores doutrinais e simbólicos.

Embora o estilo date do século XIII, o adjetivo gótico só passou a ser empenhando no auge do Renascimento, em meados do século XVI, quando a diligência da igreja e os conceitos artísticos já haviam trilhado outros caminhos; nesse ponto, sob a crepitante luz do Humanismo, imperou o desprezo pelas sombrias e negativas obras da Idade Média, a Idade das Trevas, constantemente satirizadas como o aposto do desejado. Foi justamente em tom de escárnio que Giorgio Vasari, aclamado como patriarca da História da Arte, fez uso do termo gótico, em alusão aos Godos, antigo povo germânico que desencadeou a destruição da Roma antiga, romântica, onde os artistas renascentistas buscavam inspiração. Em suma, o gótico surgiu como termo pejorativo que faz referência à produção artística medieval como algo bárbaro, obscuro e injustificável, responsável por ofuscar o brilho dos “tempos áureos” da arte.

No entanto, por volta do século XIX, quando eclodiu uma revolta contra os valores clássicos, seguida de uma apropriação idealizada dos valores da Idade Média, o termo gótico ganhou nova roupagem, cunhando, desta vez, a atração pela noite, as invasões a cemitérios, a angústia, o sobrenatural, o grotesco e a morbidez que caracterizava a jovem corrente do período, e fez surgir o Ultrarromantismo em Portugal, e, em nosso pedaço de terra, emancipou o Mal-do-Século anos mais tarde. Grosso modo, Álvares de Azevedo, Augusto dos Anjos e alguns outros estão diretamente ligados ao goticismo do período, ou seja, a um modo de vida transgressor, e, portanto, obscuro, refletido na escrita. Horace Walpole, por seu romance “O castelo de Otranto”, é considerado o precursor dessa tradição, hoje conhecida como gothic novel, da qual “Notre-Dame de Paris”, obra de Victor Hugo que gerou um dos maiores sucessos dos estúdios Disney, é o mais célebre exemplo. Assim, em uma das muitas ironias observadas na linguística, o termo que surgiu para menosprezar uma arte grosseira passou, poucos séculos depois, a conotar o lirismo, o poético, ainda que desconcertante e sombrio.

A produção literária continuou de forma sazonal, sem que a remodelagem trazida por uma nova corrente de interlocutores modificasse os preceitos do gótico. Ainda que bem representado em alguns aspectos da “Geração Beat”, de 1940 a 1960, o estilo só voltou a ter voz ativa com a chegada dos anos 1970, quando a insatisfação inerente ao punk começou a dar espaço à melancolia e o niilismo do pós-punk, que, acrescido a certa carga literária e estética complementar – composta, essencialmente, por roupas pretas, cabelos desgrenhados, perfurações no corpo e crucifixos (não como símbolo religioso, e sim de tortura) – , deu origem a uma “nova” tribo urbana, que se apropriou do termo utilizado na antiguidade para denegrir os trabalhos de arquitetos, pintores, poetas e romancistas que os inspiravam: gótico.

O gótico contemporâneo nada mais é que um culto a todas as formas artísticas historicamente assoladas pelo enevoado, o enigmático, ou seja, um resgate as gerações perdidas do passado, com incremento da cultura rock'n'roll, cujo maior subproduto musical é o gothic metal. O movimento ganhou terreno nas artes plásticas, na literatura marginal (com ênfase nos quadrinhos norte-americanos, como os fundamentais “Sandman” e “The Books of Magic”) e em produções audiovisuais, cadenciando massas que, mesmo sem tomar conhecimento, são diariamente sondadas por elementos, sobretudo estéticos, que provêm dessa revisitação.

Subgêneros como a dark fantasy e até mesmo o cyberpunk, na literatura e no cinema, advêm da assimilação de noções estéticas desse movimento, e, pela longevidade de sua atuação, tais noções podem ser inseridas tanto em estórias seculares quanto em tramas futuristas. Filmes como O Corvo, Edward Mãos-de-Tesoura e o recente – e surpreendentemente louvável – A Mulher de Preto, ambientados em períodos discrepantes, mas rondados por elementos góticos evidentes, exemplificam essa atemporalidade. No âmbito das animações ocidentais, surgiram preciosas séries como Batman Beyond, e, além do Pacífico, a indústria dos animes acolheu também alguns de seus trejeitos.

Listar animes que fazem uso de elementos do goticismo seria uma cansativa e infrutífera tarefa, dada a vastidão de títulos. Há um intrigante e diferenciado mangá de fantasia infantojuvenil conhecido como D.Gray-man; uma sangrenta e desajeitada aventura de horror que atende por BLOOD +; um conto belíssimo, porém sem propósito, concebido como Cossette no Shouzou; etc. Os exemplos são infindáveis, e os métodos pelos quais se apropriam desses recursos são igualmente flexíveis: as vestes dos personagens, a arquitetura predominante nos cenários, a fotografia nebulosa, o clima estéreo, referências culturais. É essa maleabilidade de critérios que torna uma possível classificação amorfa, e permite que conceitos tão diferentes quanto os de Witch Hunter Robin (uma excelente série policial episódica, que mescla o sobrenatural e a investigação com destreza poucas vezes vista) e os de Ergo Proxy (magistral ficção-cientifica distópica, regada a referências anacrônicas) sejam postos lado a lado.

Não há, portanto, um método empírico para distinguir, entre as centenas de exemplos da pós-modernidade, aquilo que está ou não ligado de forma orgânica ao goticismo – a não ser, é claro, o referencial e a sensibilidade de cada indivíduo. Mas, nas ruas das metrópoles japonesas, surgiu, há não muito mais que uma década, uma moda urbana que, ao ser incorporada à cultura de massa e ser reproduzida em seus produtos, tornou tal seleção mais simples. Falo do advento das gothic lolitas, um termo carregado de uma ironia linguística tão aguda que levaria Benveniste ao riso.

GothLoli é, basicamente, um estilo de vestimenta que reproduz no cenário urbano a moda vitoriana e rococó, caracterizada por vestidos rendados e maquiagem que simula palidez, a fim de aproximar as figuras de seus adeptos a bonecas, um característico símbolo da infância. Assim, tragada pelo “modelo Akihabara”, essa moda ganhou o imaginário popular como um apelo a meiguice e a inocência – ao moe, de fato –, e não a sensualidade, como o termo, derivado da icônica personagem de Vladimir Nabokov eternizada por Stanley Kubrick, sugere. Logo adotada pelos otakus, o que pode ser presenciado, como recurso apelativo, em obras que vão desde o bom Paradise Kiss até o intragável Ore no Imouto ga Konna ni Kawaii Wake ga Nai, essa moda impulsionou uma desapropriação – observada apenas no Japão, em especial pela pouca familiaridade dos orientais com a cultura católica e germânica – do termo gótico em sua vertente contemporânea, restringindo seu empenho à moda crescente das lolitas góticas.

Em decorrência do fenômeno descrito, presenciamos, no último ano, uma fracassada tentativa de explorar de modo mais abrangente esse terreno, quando três animações protagonizadas por gothic lolis – a medíocre sucessão de aventuras cotidianas Kami-sama no Memo-chou; a imersiva, ainda que prejudicada por obviedades, ficção-vitoriana-alternativa GOSICK; e a ótima coletânea de rapsódias Dantalian no Shoka – foram ao ar. Concluímos, então que, em um processo exclusivamente nipônico, o termo gótico enfrenta hoje uma desapropriação conceitual, uma ironia linguística ímpar: a expressão historicamente utilizada para apontar o sombrio e o profano, denota agora o belo, e até mesmo o fofo, em um saliente arquipélago de nosso “admirável mundo novo que possui gente assim”.

10 Jmovies do gênero romance [Parte 1]

2012-04-02T16:56:00.000-03:00

Este post não trata-se dos melhores jmovies de romance que você deve assistir e nem um TOP 10 ou algo parecido, trata-se apenas de alguns filmes aleatórios que resolvi comentar. É claro que em sua maioria são bons filmes pois neste caso creio que é o que vale a pena escrever (levando em conta que este post é unicamente para convencer vocês de assistir eles, claro que devo alertando sobre o que é bom e ruim mas não um post critico (entenda que um post critica é diferente de uma análise/review) sobre pois estamos em um blog de animes onde o leitor em sua maioria não está familiarizado com o tema, logo, vale mais a pena recomendar algo bom do que um post critico sobre algo que poucos tem interesse).

Todos os filmes aqui são do mais puro romance, não há drama/romance nem slice/romance e muito menos horror/romance, procurei comentar de filmes que apenas tem foco no casal, por isso creio que muitos assim que baterem os olhos nos covers do filme terá um pré julgamento de que é tudo filme de menininha, "sou muito homem/adulto para essas coisas" e blá blá, enfim, é um gênero voltado principalmente para o público jovem que está na mesma fase dos personagens, buscando o amor eterno (o que no Japão costuma-se acontecer mais cedo do que no ocidente) e ali construir sua vida. Por hora não preciso defende-lo nem ressaltar o que á de bom no gênero romance, apenas comentar.

Também devo alertar que os filmes aqui encontrados são todos ótimos, melhores que os filmes da segunda parte (que sabe-se lá quando sai o post) e não vou enrolar mais, isso ficará para a parte dois que escrevi menos. E se esforcem para baixar tais filmes, nada vem fácil em épocas de fim do megaupload, mas posso garantir que se eu encontrei (com muito esforço) você também pode encontrar.

Hanamizuki

Trailer: Hanamizuki

Em Hanamizuki somos apresentado a Sae (Yui Aragaki) que está cursando o último ano do colégio e se preparando para ir estudar em Tokyo e posteriormente ir trabalhar em Nova York e, no lado masculino temos Kouhei (Toma Ikuta) que apenas quer terminar o colégio (estudante de pesca (!)) e seguir os passos de seu pai, um pescador. Ambos se apaixonam em um dia qualquer (naquela bonita e comum cena dentro do trem), porém estão condenados a se separarem devido a escolha de cada um dos personagens para o futuro, o que não inclui muito bem o amor eterno.

Hanamizuki é aquele típico filme que você sai do cinema com o colega e não sabe o que falar do filme ficando restrito apenas a atuações, parte técnica e semelhantes pois o próprio filme não deixa você falar muito dele, ele simplesmente não tem nenhuma história profunda, ou um sofrimento mais acentuado das personagens, é aquele romance onde quase nada ocorre, algo que percebi ser um tanto comum nos romances japoneses, não é simplesmnente uma história simples ou leve e sim uma história que não ocorre quase nada. Tem “piores” que Hanamizuki, mas é importante destacar e deixo claro que isso não é um desmérito tão elevado, alguns filmes, como Hanamizuki, podem ser ótimos mesmo tendo essa narrativa.

O filme conta a história do primeiro e único amor de forma muito linda e consegue passar muito bem a mensagem, cumpre seu papel ao menos, e como se trata do primeiro amor, deve-se ter grandes saltos temporais para mostrar que mesmo com o tempo, mesmo com a distância, obstáculos, escolhas dos personagens em focar em sua própria vida, o amor entre eles ainda existe desde aquele primeiro encontro, por mais que neguem um sempre está com a cabeça no outro e Hanamizuki faz isso muito bem sem que qualquer um dos arcos fique corrido: tudo começa quando as personagens tem lá seus 17 anos e só termina dez anos depois quando Sae já beirando os 28 anos.

Se você não gosta de romances (principalmente o japonês) pois acha chato como eles “enrolam” nos animes, doramas e semelhantes onde os personagens andam de mãos dadas durante o filme inteiro e o beijo não chega nunca (e isso por muitas das vezes não é coisa do entretenimento e sim está relacionado mais com o fator cultural) fica o aviso de que Hanazimuki apesar de ter aqueles típicos personagens em dúvida que não avançam é bem atrevido devido sua narrativa que vai dando saltos temporais relativamente grandes como já dito: aos vinte minutos já temos um beijo e aos quarenta e cinto tem aquele beijo mais impactante e importante, claro que nada brusco que me faça o comparar ao sexo e gemidos dos filmes americanos mas já é algo que possa por ventura agradar aos que não gostam desse tipo de narrativa oriental.

Lembrando que o filme tem seu roteiro baseado em uma canção com o mesmo nome do filme, Hanamizuki, cantada por YoHitoto em 2004 (e depois um álbum também com o mesmo nome lançado em 2010, mesma data do lançamento do filme). A Música é muito bonita, podem ver um live dela aqui (um pouco mal cantada, ok). Como dito no começo, aqui temos a presença, e talvez seu filme mais conhecido, de Yui Aragaki (ou Gakky), minha waifu ♥, just it.

Tada, Kimi wo Aishiteru

Trailer: Tada, kimi wo Aishiteru

Como esse filme é tão amado? Me recuso a dizer que ele é ruim, muito longe disso, mas nada justifica ele ser tão adorado assim, claro que não vou tentar julgar suas lágrimas, lacrimejasse fácil em Tada, Kimi wo Aishiteru, mas para os mais incomodados ele é um filme em que você pega mais as coisas ruins, seus grandes defeitos que por fim acaba se sobressaindo ao ótimo roteiro e cenas que deveriam ser marcantes.

Makoto (Tamaki Hirosh) é um amante de fotografia e agora calouro de uma faculdade onde em seu primeiro dia de aula encontra uma menina estranha, de corpo pequeno, meio infantilizada, Shizuki (Miyazaki Aoi) que apesar de suas características físicas é um pouco mais velha do que aparente, além do que ela está na mesma faculdade que a de Makoto e através dele acaba se apaixonando por fotografia. Makoto acaba se interessando por Shizuki mas logo a troca por outra menina de sua faculdade, mais madura que Shizuki que por sua vez apóia tal “relacionamento”. Entre uma coisa é outra, em um plot aparentemente comum, somos levados a situações e revelações que vai além deste simples inicio, mas que evidentemente não vale a pena espoliar. É o que eu digo, clichês e plots nunca querem dizer nada, pode ser algo muito genêrico mas quem sabe usar bem esses elementos é o cara que faz coisas boas.

No geral o filme é muito bom, tem mais história que Hanamizuki por exemplo, e seu romance tem uma ideia bem mais interessante, porém falha por ser muito mal executado, cheio de incoerência, por vezes forçado e por outras incompreensível, com a metade para o fim muito corrido o que acarentou em cenas sem explicações de uma forma convincente, pouco coerente com o filme, creio que se Tada, Kimi wo Aishiteru tivesse 3 horas ou se fosse melhor dirigido e casasse isso com umas modificações e outras no roteiro, poderia ser mais emocionante. Não vou culpar nem a direção nem o roteiro separadamente, mas um levou o outro a merdar.

O começo dele é muito bom por exemplo, com todos os problemas de saúde que o casal tem pareceu-me revelar-se uma tragedia e de fato é, mas a partir de um acontecimento em especifico ele desmorona para o "por que você fez isso sua personagem burra?" essas ações, burrar com a personagem -algo comum inclusive- até são explicadas mas não convence, o roteiro justamente no momento em que é acionado para que algo que leve de fato ao seu climax, onde ocorre algo que justifique todo filme, falha.

Eu como sou uma moça que chora até em comédia não “consegui” chorar neste filme até o momento final pois, quando chegou no climax eu só conseguia pensar nas escolhas de merda que os personagens fizeram, isso me tirou totalmente do clima. Repito, é explicito que o filme tinha tudo para ser um grande filme mas deveriam ter pensado melhor em tudo, é agradável e bem produzido no geral, e eu realmente recomendo pois sei que muitos ignoraram os erros e amaram o filme.

Logo que acabou o filme (acabou de vez mesmo) assim que sobe aquela tela preta dos créditos, o que acompanha dela? Renai Shashin, tema do filme que até então não tinha aparecido. Música lindíssima da Ai Otsuka que me pegou de surpresa. Está é sem dúvida uma das músicas mais bonitas da diva, evidentemente ela tem outras que prefiro como Daisuke da yo mas vale bem a ressalva de uma cantora que varia muito bem em músicas extremamente alegres assim como canta músicas muito românticas e tristes como Renai Shashin. Recomendo Ai Otsuka, uma das minhas cantoras preferidas.

Koizora

Trailer: Koizora

Koizora conta a história de quando Hiro (Miura Haruma) um adolescente rebelde (de cabelo pintado, o que significa muita coisa no Japão) encontra o celular de Mika (Yui Aragaki) uma garota comum, dedicada e quieta, perdido na biblioteca da escola. Sem Mika saber quem achou seu celular (e o devolveu com todos os números de sua agenda excluídos, exceto um número misterioso, o de Hiro) ambos trocam telefonemas durante as férias inteira conversando sobre coisas fúteis. As férias acabam, as aulas voltam e Mika finalmente conhece Hiro pessoalmente, fica frustada ao saber de sua identidade, mas mal sabe que em breve vai se apaixonar por ele.

A história desse filme é excelente, muito, muito, muito linda. Baseado em um livro e depois ganhou um dorama (este não tem a Gakky e nem o Miura) e por fim ganhou este filme. Well, livro, dorama e... filme. Sem dúvida essa história deve ter ficado melhor no dorama do que no filme pois este ficou extremamente corrido, não deu tempo de criar laços com os personagens, não deu tempo de sentir um pouco mais profundamente os sentimento deles.

Em Hanamizuki por exemplo, ele da saltos temporais bem grandes porém, é possível extrair bastante coisa de cada arco pelo fato de que, tanto em um ano da vida dos personagens como no outro ano, não há acontecimentos muito relevantes, grandes, que mude de fato o personagem, aqui não, é como se o personagem de um minuto para o outro ganhasse um novo sentimento, um novo poder e sem você saber ele está lá o utilizando, e isso atrapalha em muito.

Interessante é que Koizora começa como se não quisesse nada, aparentemente é um romance calmo e cheio de filosofias do amor entre dois colegiais, como você pode ler na sinopse, mas não é, em um momento em especifico do filme (o que me fez despertar) ele mostra suas verdadeiras garras: é um filme bem adulto. Posso sim considerar sexo como um ato adulto e apenas por isso classificá-lo como. Não só isso, como várias outras coisinhas que diferencia bem ele daqueles filmes onde só há um aperto de mão nos três minutos finais do filme, aqui ele larga tudo isso e trata tudo de forma bem agressiva lidando com temas muito interessantes, que em momentos tem um clima mais sério e outros muito (muito) trágicos, mas por ser corrido esses acontecimentos acabam por não ter tanto impacto.

O amor entre Hiro e Mika é muito interessante pelo fato dele ser um anti-herói, não sei se daria para encachá-lo ai, mas, ela lindinha, fofa, correta, ele um rebelde louco que logo no começo do filme já quer matar alguém. Revoltado protege a Mika como cabra macho. Por Hiro ser esse delinquente somente ele é o suficiente para levar a história para os pontos citados no parágrafo acima, de um modo adulto, sem contar com a excelente atuação de Miura, ele passa bem como o personagem foi construído, egoísta, não se importa com traição ao mesmo tempo que é delicado e sensível quando a cena pede, ele consegue interpretar tudo isso de forma bela, assim como Gakky que no começo é uma colegial qualquer e ela pega e transmite muito bem essa “coitada” mas que evolui bastante para uma mulher um pouco mais madura.

Falando em Gakky, este é o seu primeiro trabalho em uma música para dorama/filme ou qualquer outra coisa: Heavenly Days, que traduzindo para o japonês significa Koizora (o nome do filme/dorama, dã) é uma música bonita sem dúvida mas a Gakky tem melhores além do que ela sempre foi melhor como atriz, porém, está tentando setar e focar sua carreira para o meio musical. No PV tem cenas do filme, nenhum spoiler muito forte se você não prestar muita atenção e tentar deduzir as coisas, encare como um trailer.

Boku no Hatsukoi wo Kimi ni Sasagu (I give my first love to you)

Trailer: Boku no Tatsukoi wo kimi ni Sasagu

O casal mais lindo ever. Meu filme preferido entre todos esses que pude assistir do gênero.

Sério um casal digno de aplausos. O de Koizora era um casal mais interessante tanto por serem muito diferentes quanto a relação estranha de ambos que no fim deu certo, porém não era demostrado que ambos se amavam tanto como aqui, não só, é um casal extremamente carismático. Extremamente carismático. Leve o carisma desses dois até a décima quarta. O feeling deles é incrível.

História? Posso defini-la como cheio de situações alegres ao mesmo tempo que ela é muito cruel. Cruel. Boku no Tatsukoi wo kimi ni Sasagu (I give my first love to you ) começa mostrando o passado das personagens quando o pequeno Takuma ia constantemente para o hospital tratar de sua doença e ocasionalmente conheceu Mayu, filha de um doutor do mesmo hospital. Takuma acaba descobrindo que tem uma doença terminal que não o deixaria viver mais do que os vinte anos de idade e assim são os 25 minutos iniciais mais emocionantes de um filme muito bem dirigido inicialmente. Já grande, Takuma (Masaki Okada) e Mayu (Inou Mao) estão namorando e já prestes a se formarem no colégio devem lidar com essa doença de Takuma que está piorando ao passar dos dias, e assim começa a mais bela e triste história de um romance japonês que tive o prazer de assistir nesta minha breve maratona.

O foco principal aqui é como será a vida da namorada de Takuma depois que ele morrer, como ela ficará? será que vai viver na amargura chorando pelos cantos pelo resto de sua vida? falo isso pois este é o maior foco e a maior preocupação de Takuma que é acentuada quando conhecemos um personagem que está interessado na Mayu e quer tomá-la de qualquer jeito de Takuma, nem que tenha que usar dos meios mais cruéis: a verdade, a verdade explicita de que Mayu não pode ser feliz com Takuma.

Baseando-se na doença de Takuma, outros temas são explorados como a fragilidade do coração dele, do fato dele nem poder ver sua namorada pelada (se não ele tem um infarto, e isso é sério) ou coisas básicas do dia dia como comer doce ou praticar algum esporte no colégio. Uma das únicas coisas que ajuda a manter o casal ativo e muito bem é a Mayu que tem uma personalidade muito forte e que se recusa a largar de seu amado, é grudenta e pegajosa mas no filme isso não se torna chato por que você vê que Takuma a ama muito e não se importa com ela grudada em seus braços já que, ela é seu único amor que ele terá em sua curta mas intensa e alegre vida. Sim, o filme é muito alegre, personagens mesmo com um futuro tão tenso em sua frente fazem questão de rir. É aqui também que se encontra uma das melhores cerimonias de entrada na faculdade de todas as eras (só para quem já viu o filme vai entender como essa cena é maravilhosamente e épicamente muito bem construída). Inesquecível.

No meio disso também aparece um terceiro personagem (que já citei) que é fundamental para a história. Achei que teria até mais importância e que poderia até mesmo ser mais desenvolvido que deixaria tudo mais interessante, mas foi compreensivo ele chegar e apenas cumprir seu papel assim como uma outra personagem que aparece no meio do caminho. Fora que ele demostrou bastante alguns "problemas” que o casal irá enfrentar por continuar o romance que, teoricamente, não iria durar muito (pela morte precoce do protagonista). Ambos os personagens secundários que aparecem no filme ajuda bastante a desenvolver um pouco dos problemas do casal sem desvirtuar o tema principal.

Uma única ressalta sobre o filme é que tanto os roteiristas quanto os diretores tem bastante dificuldade em lhe dar com mortes. Um exemplo perfeito do que deu certo foi em 1 litro de lágrimas, é claro que a doença da Aya por si só o triste, mas nesses tipos de filmes é complicado matar um personagem que possui uma doença terminal e que não seja que nem o da Aya que piora gradualmente deixando sequelas. Boku no Hatsukoi wo Kimi ni Sasagu conta uma história muito boa com personagens e atores brilhantes, foi mais que satisfatório mas faltou um climax mais forte para um filme que se diz trágico, não teve muto disso, na verdade não forçaram (no sentido comum de forçar o drama) muito para isso, apenas se preocuparam em contar a história. Até onde isso é ruim ou bom fica a cargo do espectador, eu particularmente preferia algo mais trágico que forçasse um pouco a história.

Kimi Ni Todoke

Trailer: Kimi ni Todoke

Essa é uma discussão bem antiga mas quero retornar para iniciar essa analise: eu sempre defendi que se você conheceu uma obra pela primeira vez através de um determinado meio, migrar para uma outra mídia, querendo ou não você vai acaba perdendo um pouco da magia ao vê-la, principalmente se a obra for muito fiel ao qual foi baseada. É claro que há suas diferenças em por exemplo adaptar uma LN para um anime, ou no caso de Detroit Metal City que apesar de seguir a ideia central do anime modificou uma coisa e outra e ver aquilo na forma de filme foi uma experiência bem diferente em relação ao anime. No caso de Kimi ni Todoke em quem que vi o anime, li o mangá e agora parti para o movie ,logo, é fato que eu assisti ele de um modo diferente ao contrário de que se eu tivesse conhecido apenas o movie e começado pelo mesmo, principalmente se for levar em consideração de que se trata de um romance que não muda em relação a sua obra original e que pode ser facilmente assistida e recordada, sem muitos acontecimentos bruscos e história muito simples, de fácil capitação e atores agindo como o esperado.

Falei tudo isso pois não queria começar com um "a obra não me agradou", eu amei o filme de Kimi ni Todoke, mas é inegável que não foi tão bom quanto alguém que o assistiu sem ter conhecido a obra original. Eu em diversos momentos parei para olhar a parede de casa e pensar se já não estava na hora de uma pintura (anda com umas marcas que não da pra tirar com paninho) ou então se já não estava na hora de dar um upgrade no PC, pois, por mais que aqui temos atores reais com outros tipos de expressões em relação ao anime ou mangá, em vários momentos eu já tinha visto inúmeras vezes determinadas cenas o que acabou por ser um pouco repetitivo e sem absolutamente nenhuma surpresa.

Kimi ni Todoke conta a história de Sadako que não só por sua aparência sombria lembra bastante a protagonista do filme O Chamado, que se chama Sawako. Fora isso, Sawako (como ela é chamada na escola) é uma personagem muito tímida que tem dificuldade de se aproximar e conversar com as pessoas. Kazehaya, o cara mais descolado e popular da escola é o único que tenta se aproximar de Sawako e assim começa uma relação de amizade intensa entre ambos.

Perceba que eu realmente não tenho muito o que falar do filme pois já discuti tanto o anime e o mangá, seus acontecimentos, minhas conclusões e tudo relacionado que agora estou aqui, enrolando para não falar do filme e o quanto ele é bom mas que no final fiquei com a sensação de vazio, de que seria a mesma coisa se eu tivesse revisto o anime.

Enfim, eu achei os atores escolhidos o ponto mais forte do filme. Todos são muito fieis e conseguem passar bem o sentimentos de cada um dos personagens, desde as duas amigas que sempre esqueço o nome, agindo de modo direto com a Sawako até a Ume, lindíssima que conseguiu transmitir o melhor ponto da personagem, aquela que ama há muito tempo o protagonista mas que vê uma novata tomar o coração de seu amado. Sem muitas opções apronta com a Sawako, confessa seu amor para Kazehaya, é rejeitada mas mesmo assim ela compreende a situação e apenas se coloca em seu lugar. Eu amo a Ume (tipo, Aya Hirano é seiyuu dela no anime LOL) e a atriz é tão linda quanto, até aquele seu cabelinho como o da última moda de Paris estava presente.

A Sawako também está lindíssima. Para ser sincero, eu, como gosto muito da Ume, sempre acabo criando um pequeno rancor com a Sawako, mas impossível não torcer para que aquela menina, que também dispensa apresentações de sua personalidade, acabe dando certo com o protagonista.

O problema (sempre tem um problema) é que o filme foi fiel demais ao anime e ao mangá, tão fiel que deixou tudo aberto para um segundo filme, claro, o mangá vende absurdos e mais absurdos, é top de vendas, o anime foi mais ou menos e como ambos ainda não foram finalizados, é claro que na primeira oportunidade iriam deixar o final em aberto. Ele finaliza exatamente onde acabou a primeira temporada, e [spoiler] sem beijo, talvez essa seja a coisa broxante que ouvi por ai. Tantos minutos de duração e não tem um beijo se quer. E precisava sim do beijo, mas antes do beijo precisava construir melhor o território, uma relação mais intima e bem mais próxima do casal, o que não foi muito bem feito, o que nós leva a aceitar o por que não teve o dito cujo. [Fim do spoiler].

A calmaria da série, sua leveza, sua inocência, seu romance peculiar, sua protagonista única, tudo está lá. O ritmo não, ele por ser um filme de duas horas que foi adaptado de um anime de 24 episódios, não da tantas voltas assim indo direto ao ponto mas sem quebrar muitas paredes, isso deve agradar os haters que não gostaram da série por tal motivo.

Ultimas Impressões e Resenha - Another [PA Works]

2012-03-27T13:37:00.002-03:00

E agora quem morre somos nós, putos da vida, porque ao invés de vermos uma grande explosão emocional entre os personagens decidindo quem matar para viverem e criando justificativas para isso, tudo que vamos ter vai ser uma correria aleatória de gente gritando e morrendo pelos cantos.

Pois é, o episodio 11 foi tudo isso que eu tinha dito, uma besteira sem tamanho. Sem comentários para aquela velinha louca querendo matar todo mundo. Qual o motivo? Não existe, ser avó de um dos personagens e ele nem comentar sobre isso não é desculpa. Simples mortes aleatórios, correria sem sentido, corredores circulares, elenco surdo para toda a gritaria... de repente todos viram psicopatas com bordão para matar.
Eu realmente não quero me repetir, se alguém quiser mais detalhes do que achei daquele episódio leia no fórum.

O que mais posso dizer? Tudo que eu escrevi nas Décimas (e meia) Impressões é perfeitamente válido.
Depois daquele episódio até a espera pelo último eu estava muito desconfiado de que a série iria trollar.

Eu realmente estava acreditando e até desejando isso, já que afinal se vai mudar todos os detalhes para pior, faria sentido manter o mesmo final? Não faz, então eu estava desejando que no final pudesse surpreender com um final diferente, um final que fosse coerente com todas as besteiras que o roteiro do anime inventou, que fosse fiel com ele mesmo.
No fim, foi apenas ruim.
Fizeram questão de retirar todas as cenas boas, principalmente as da Izumi. No original ela acaba morrendo como mais uma naquela hospedaria, e no mangá dá um fim mais digno para ela criando uma cena muito boa entre ela e o olho postiço da Mei. E o que o anime nos dá? Uma morte ridícula que só escancara ainda mais o "Modo Deus" do Kouchi e da Mei e repete aquele flashback dela lembrando de onde conhece o Kouchi, com a cara de pau absurda de mudar o contexto! Na primeira vez o Kouchi estava com a roupa do hospital, nessa ele estava com o uniforme da escola e porque estava com o uniforme da escola de Tóquio ali?
É ultrajante.
E a Mei, que pensou que poderia ficar quieta quando viu a Mikami levar aquela vassourada e depois percebeu que ela não tinha morrido ao ver a garota que tentou matar ela morrer enforcada/eletrocutada? Qual o problema dela para se arrastar daquele jeito ridiculo por aquele prédio em chamas? E por que ficar rodando lá dentro, afinal, se a morta não estava jogada no chão no mesmo lugar alguém deveria ter levado ela para fora? E depois de tudo, como achou a morta lá, debaixo daquela árvore? Nem com um rastreador enviado no rabo, já que a maldição causaria interferência nele, né?

Então, Another começou da melhor forma possível e terminou a pior forma possível.
Não recomendo para ninguém, nem o visual bonitinho compensa.
Também fiquei decepcionado com o Ko Otani, achei muito fracas e óbvias das músicas dele, só serviu para piorar.

E parabéns para o Thanos pela magistral teoria sobre a identidade o morto, deve ter sido a pessoa que descobriu, ligando todos os pontos e pistas, mais rápido talvez no mundo inteiro.
Até o final da série em vários fóruns por aí as pessoas ainda não tinha chegado na mesma conclusão dele, foi algo tão revolucionário que quando eu comentei sobre a teoria no MAL ninguém acreditou e deu até briga. Eu até mesmo cheguei a ser temporariamente banido lá por causa disso, para vocês terem noção do tamanho do feito do Thanos.

Uma pena que no final a série foi tão besta, sem nenhum desenvolvimento psicológico dos personagens e sem explorar em momento nenhum seus dramas.
Another é tão zuado que até o MAL deu bug e não deixa mudar o status da série para finalizado. Pelo visto a maldição não acabou mesmo.

obs:
Nunca esquecerei você Sanae!
Você era a melhor das vadias e morreu tão jovem minha linda!

O melhor NÃO anime que você VAI assistir.

2012-03-25T16:48:00.000-03:00

Eu estava cético, até ontem.
Hoje, quero pegar o eu de ontem dar aquela boa surra de vara de goiaba corretiva.

Avatar: The Last Airbender é o mais célebre e bem sucedido exemplar de anime ocidental, que parece um anime, ao mesmo tempo que não é e está acima dessa comparação.
Criada e escrita em parceria por Michael Dante DiMartino e Bryan Konietzko, a série original estreou em 2005 no canal Nickelodeon como uma produção bancada pela casa. Vale comentar, a Nickelodeon se tornou e tomou o lugar do Cartoon Network, herdeira da Hanna Barbera, como uma casa de talentos e novas animações. O canal deu liberdade criativa para os dois autores fazerem a série que queriam, apostaram nela, apenas aparentemente com o pedido de fazer algo dentro da faixa etária do canal que é de 6 à 14 anos.
DiMartino e Konietzko conseguiram criar uma verdadeira joia animada, uma divertida e encantadora aventura em uma China mitológica.

No total a série teve 3 temporadas e 61 episódios terminando em 2008.
Devo dizer, a série não me conquistou de imediato. Ela só me pegou em 2007, antes disso eu apenas "gostei do que vi, mas nem tanto" da primeira temporada que tem mesmo um ar mais infantil, apesar de a série manter as mesmas características do início ao fim. Na segunda temporada ela encontrou o tom ideal, um pouco mais sério mantendo o bom humor e aí sim eu me tornei fã.
É aquela série descompromissada, que se preocupa em te divertir sem fazer feio, só que Avatar é um pouco mais que isso, é uma boa história com bons personagens.

Para quem não conhece, The Last Airbender se passa em um mundo culturalmente semelhante a China Ming/Qing, de fantasia.

Há uma certa magia nesse mundo chamada "Dobra". Algumas pessoas tem a habilidade de controlar os elementos, cada pessoa um só, e geralmente o elemento que eles conseguem dobrar varia de acordo com a região do mundo em que vivem. Assim sendo há 4 reinos e povos, o da Água, Terra, Fogo e Ar.
No meio disso há um equilíbrio chamado de O Avatar. Uma pessoa que nasce a cada geração, alternando entre os povos, com a capacidade de controlar os 4 elementos de forma além de qualquer outro. Esse Avatar tem o papel de líder espiritual e mediador entre os povos.
A Lenda de Aang começa com o grande ataque da Nação do Fogo contra as Tribos do Ar para matar o novo Avatar, Aang, enquanto ele ainda é criança e fraco para poder lançar uma campanha de dominação mundial. O ataque é parcialmente bem sucedido, com Aang conseguindo escapar para o sul, mas terminando congelado em um estado de hibernação no mar. 100 anos depois ele é encontrado por dois irmãos da Tribo da Água para encontrar o mundo ainda em guerra oprimido pela ditadura da nação do fogo.
A missão do Aang é masterizar sua habilidade com os ventos, e encontrar mestres de dobra dos outros três elementos que possam ensinar a ele.

A Lenda de Aang ao ser dividido em três temporadas, chamadas livros, se concentra cada uma em um dos reinos.
A primeira é a da Água, e a mais inocente. Eu tive problemas com essa temporada justamente pela inocência do Aang e a turminha dele, por mais que todo o resto indicasse que a série era maior que aquilo. Entretanto essa inocência inicial é natural, no final as coisas começam a ficar mais sérias e a partir da segunda temporada dentro do Reino da Terra, com a introdução de novos personagens e dos objetivos finais de cada um estabelecidos a série brilha. Não atoa ganhou vários prêmios de qualidade e execução.
Eu recomendo muito a todos assistirem a série original, mesmo que não venham a assistir A Lenda de Korra e também não é necessário assistir o original se você for assistir a nova série, porque colocando de uma forma simples é uma boa animação. Para quem só assiste anime, vindo do japão, será uma boa experiência variar um pouco e assistir algo bem planejado e principalmente animado.
Para quem gosta de cenas de ação é um espetáculo. Mesmo com poderes especiais as lutas de Avatar são puro Kung-fu, lindas, animadas quadro à quadro, sem apelar para câmera lenta desnecessariamente e efeitos de linhas de ação dramáticas. São muito empolgantes e variadas, porque cada nação do mundo de avatar reflete uma escola diferente de Kung-fu.
Os movimentos dos nômades do ar são baseados em Baguazhang, as tribos esquimós da água lutam Tai Chi Chuan, o reino da terra Hung Gar, e a nação do fogo Shaolin Clássico.
Tudo isso não é enfeite na série, é pesquisa da produção para fazer algo de qualidade.
Cada cultura tem seu estilo acima bem evidenciado e variado. Dá gosto ver as cenas de ação entre as diferentes escolas de luta.

Pense nos melhores momentos do Spike Spiegel de CowBe, em todo episódio.

Enfim, eu não comecei esse texto para falar de A Lenda de Aang, precisaria assistir novamente para poder comentar melhor, então vou parar por aqui (até apaguei o que tinha escrito) e deixar para um outra oportunidade para escrever sobre a série em mais detalhes.

O motivo de eu ter vindo aqui é para falar da nova série se passando no universo de Avatar, A Lenda de Korra. É uma continuação direta, se passando 70 após o final da série anterior.
Há um novo Avatar da Tribo da Água, que vai ter que aprender a dominar os 4 elementos, aprender sobre o mundo e encontrar seu lugar nele e fazer o que tiver que fazer.

Inicialmente a série está marcada para estrear dia 14 de Abril, só que foi vazado o foi primeiro episódio e como parte da campanha de marketing neste sábado 24 de Março foi vazado "oficialmente" o segundo episódio, e voz digo, apesar de alguns de vocês já estarem cansados de ler meus surtos no tuíter: é a melhor estreia do ano, de longe.
Melhor animação para a TV em todas as categorias, história, roteiro, direção, personagens, arte e som, até provarem o contrário.

Ao contrário de alguns Ozmas por aí, A Lenda de Korra estreou provando que é possível fazer um bom episódio inicial apresentando todo um mundo e personagens sem abrir mão da sua dinâmica divertida.

A série começa com a Lótus Branca no Polo Sul procurando pelo novo Avatar dentre as tribos da água, até que depois de vários alarmes falsos chega na casa da Korra, onde encontram ela ainda criancinha já dobrando água, terra e fogo. A partir daí é uma correria, a infância dela não é mostrada, afinal não é preciso correr atrás de nenhum mestre para ensinar ela e a série começa então quando ela vai inciar seu treinamento de Dobra de Ar com o filho do Aang, Tenzin.
Tenzin é obrigado a adiar sua mudança para o Polo Sul para treinar a Korra, e ela rebelde vai escondida atrás dele até a Cidade República.

O mundo de Avatar mudou muito, muito mesmo. Em apenas 70 anos saíram de uma China pré-revolução industrial para o Estados Unidos pré-depressão. Quando eu soube dessa mudança eu fiquei decepcionado, pensei que tinha perdido o chame, mas estava enganado felizmente.

De fato o que temos em Cidade República é Manhattan dos anos 1920, há até uma homenagem no terceiro episódio da Korra usando o chapéu da Fay Wray do filme King Kong, mas aquela China clássica ainda está lá, está apenas soterrada pela modernidade e é sobre isso que trata a nova série.
Após o fim da Guerra dos Cem Anos, os personagens da série anterior tiveram que lidar com o problema das colônias da Nação do Fogo em território do Reino da Terra, e inicialmente pensavam em simplesmente remover os colonos de volta para a terra natal. Obviamente não é tão simples assim e muita coisa deu errada. Sem entrar em spoilers, a solução do Aang foi fundar uma nova cidade que não seria território de nenhum povo em específico, seria a união de todos os povos em uma mesma terra, a Cidade República.
Deu certo, só que com o tempo naturalmente surgem novos problemas.

Pensem, se o Avatar existe para servir de mediador entre os 4 povos, cada um no seu canto, qual o papel dele se os 4 povos estiverem homogeneizados em um mesmo local, em uma cultura unificada, e sobre lideranças que não necessariamente tem o dom de dobra?
E esses não dobradores, fruto dessa nova ordem social, eles irão tolerar qualquer opressão de dobradores apenas por serem dobradores?
É por conflitos causados por essa discussão que o Tenzin adia sua mudança para o sul para treinar a Korra, e inicialmente não queria que ela fosse para lá.

O primeiro episódio fez um trabalho fantástico em apresentar metade do elenco relevante para a série, seu mundo, seu contexto, e seus temas. Todo esse tempo em que a série ficou sendo trabalhada aparentemente não foi atoa, é nítido como todos os personagens são muito bem definidos e decididos. É um início extramente promissor e cativante. Até o vilão da série, o Amon, quando ele aparece nos últimos segundos do primeiro episódio nada é preciso ser dito para sabermos exatamente o que ele quer. Podem faltar alguns detalhes mas automaticamente concluímos o que ele representa sem que nem mesmo fosse necessário dizer que o personagem existia.

Eu estou realmente contente com esse reinício, essa renovação foi a melhor coisa que fizeram pela série, ela tem um universo tão rico que permite extrair histórias variadas assim sem repetir a fórmula do anterior.
Como eu disse no início, até rio da minha desconfiança antes de assistir por terem mudado a cultura.
Não, ela não mudou, apenas evoluiu. Tudo é feito com tanto carinho que não tem como não gostar, o original já tinha uma excelente trilha sonora e nisso Korra também não decepcionou. O mundo de Avatar descobriu o Jazz!

E agora algo relevante.
A série estreia mês que vem, mas até pouquíssimo tempo a data era incerta, havia até mesmo a possibilidade de ela estrear ano que vem. Parte do motivo? Fazer bem feito.
Eu não consigo nem imaginar como ficaria o visual e animação de Korra se estreasse somente daqui a mais alguns meses, por que a qualidade que a série mostrou nesses dois episódios é inacreditável, é um nível de animação altíssimo, a par com os melhores animes da temporada ou até superior por não compartilhar de alguns vícios de animação.
O traço dos personagens é consistente, a animação deles dá atenção para cada detalha da movimentação corporal, quando eles lutam eles lutam de verdade, é como se fosse um live com mestres de kung-fu e o cenário ao redor faz diferença. Não é aquela enganação que é um Guilty Crown por exemplo que tem plasticidade mas o cenário é totalmente sem sentido. E tem CG, bastante, bem feito, bem integrado, usado com inteligência. Pelo que eu vi aqui eu ouso dizer que está até melhor que o filme de Berserk. Você pode até dizer que um detalhe aqui e outro ali é inferior, só que o resultado final é mais agradável.

Sério, assistir anime pra quê?

Vocês que adoram assistir shounen, dizem que anime é só fantasia e tem que somente divertir, aproveitem que Korra também é muito engraçado e assistam a série, não vão se arrepender.

Outro dia eu disse que desistia da experiência de fazer um "Episódio a Episódio" aqui, depois da tragédia de Another, mas eu disse que podia mudar de idia e querem saber, já mudei. Vou comentar sobre Korra por aqui até convencer todos vocês a assistirem a série, traírem o movimento e abandonarem essa vida de assistir anime.

Trailer do Episódio 3

Tópico Oficial de A Lenda de Korra.

[Estudo/Resenha] - Black Rock Shooter TV [Ordet]

2012-03-24T15:06:00.000-03:00

Eu não me canso de repetir, a ideia de Black Rock Shooter é boa, apenas a execução que é falha.
Desde a ideia original bastante coisa mudou, havia apenas a Mato e a Yomi, duas garotas normais que criavam uma amizade passageira entre elas e o drama começava quando a relação esfriava, as duas se separavam e ficavam apenas com os arrependimentos dos sonhos que tiveram juntas. O mundo da Black Rock Shooter ficava jogado nesse conceito, mas podíamos interpretar como um simbolismo da luta interna delas tentando resolver suas diferenças.
Com o tempo isso evoluiu até chegar no conceito de Black Rock Shooter TV.
O círculo de amizades foi expandido, as relações se tornaram mais complexas e um motivo foi dado para a existência do mundo das pretas.
E qual motivo seria melhor que este, o motivo real de tudo isso?

Escapismo.

Todo esse universo envolvendo o mundo da Black Rock Shooter gira em torno de escapismo do mundo real, seja na realidade ou na ficção. É um ponto muito positivo da nova série abordar essa questão como tema central. Se as meninas estão batalhando com seus dramas internos, através de um mundo de fantasia, elas não estão fazendo isso no mundo real, então elas não estão encarando seu problemas de fato, elas estão fugindo deles. Mesmo assim não é algo totalmente condenável, afinal, em algum momento não precisamos parar para refletir sobre nossos problemas e sobre nós mesmos?
Algo que todos refletem sobre o projeto Black Rock Shooter desde o OVA é se seria dada uma explicação para o mundo das pretas. Na série de TV foi dado um motivo, mas não uma explicação. Infelizmente ela repete o triste ciclo deste projeito, de ter boas ideias e desenvolvê-las da forma mais horrenda possível. Na série de TV o foco do mundo das pretas é a Yuu. Ela era uma garota que era judiada e humilhada na escola apenas por ter sido eleita como a vítima da turma e em casa era abandonada pela mãe e padastro. Ela não sabia como lidar com isso, não sabia a quem recorrer, afinal como fica aparente na série todos sabiam dos abusos que ela sofria e como é típico nas histórias japonesas ninguém se envolvia por "não ser problema deles". Por isso o espírito da Yuu simplesmente se fechou dentro do próprio corpo e entrou em estado de negação. Criou uma outra personalidade em um outro mundo que era a verdadeira culpada e vítima da violência que sofria. Depois disso ela não se importava com mais nada que fizessem com ela, assumia que não era com ela, era com a "outra", não por coincidência batizada de "Força\Fortaleza" (Strength).

Logo nos primeiro episódios eu tenho comentado que acho as lições da série muito erradas.
Não erradas dentro da história, dentro do anime, erradas no mundo real. Como sei que tem muita gente inocente que leva as ideias do anime muito a sério (oi, BRSxIgnition), e já discuti com vários defensores radicais da mesma internet a fora (tchau, BRSxIgnition), temo que muitas crianças de mente fraca serão influenciadas negativamente por BRS TV.
Em primeiro lugar, é uma série EMO no pior sentido e significado da palavra.
Todos os dramas são idiotas e exagerados. A maioria deles não são nem mesmo dramas, são simples pirraça. Emice é a arte de fazer tempestade em copo d'água.
O único drama mais legítimo que a série tinha era a relação obsessiva da Kagari com a Yomi, que infelizmente se tornou motivo de piada pelo desenvolvimento que teve, as atitudes absurdas de todos os envolvidos. Todo personagem e figurante que aparece naqueles episódios tiveram comportamentos sem sentido. Alguém consegue assistir a cena da mãe da Yomi pedindo para a Mato não se envolver porque a filha "tinha que ser putinha da Kagari" sem se revoltar?

Daria para criticar cada cena da série isoladamente, mas vamos resumir tudo a cena que serve como um símbolo do que é o drama e o desenvolvimento de BRS TV. Em um dos episódios a Mato convida a Yomi para assistir os fogos do festival de verão com ela (detalhe que ela convida uma semi desconhecida e nem pensa na melhor amiga). A Yomi não vai porque está "presa" pela Kagari e a Mato fica lá parada esperando no local onde combinou se encontrar. No final da noite ela vai para casa, descalça, porque os tamancos macucaram seus pés por causa das horas que ela ficou lá... parada.
BRS TV é isso, é dramatizar feridas causadas por problemas inexistentes.
Assim como o calçado da Mato não arranhou e machucou os pés dela por ela não ter andado, as personagens choram e se desesperam por problemas que não existem exceto na mente delas.

Não há problema nenhum.
Não há motivo para chorar.
Ainda assim, criam um escapismo para as dores delas.

"Mate essa outra 'eu' que abriga minhas dores e todos os meus problemas acabam."

Não acham isso estranho?
Os problemas realmente vão embora assim, magicamente, sem que as pessoas não precisam nem se dar conta de que eles existem? O mais próximo de alguém que possa vir te ajudar quando você está sofrendo são papai e mamãe, não uma fantasia que você criou para fingir que o problema não existe. Quando se tem algum problema você tem algumas alternativas sobre como lidar com ele. Enfrentar o problema, conviver com ele, ou se matar. BRS TV não escolhe nenhuma delas, prefere negar o problema.

Mas espere, PLOT TWIST!
Alguém com problemas reais!

Por um momento eu tive esperança de que a série poderia ser algo de bom, algo de agradável e até relevante quando a verdadeira Yuu entrou em cena. Naquele momento eu vi tudo mudar, ao invés de garotinhas bobas e suas desilusões, ao invés do escapismo irresponsável, a série introduz uma personagem, uma pessoa que foi usada como o escapismo da outras.
Interessante... até abrirem a boca.

Eu realmente achei a história da Yuu interessante, ela ser vítima de bullying sem motivo.
De todas as justificativas que poderiam dar para o sofrimento dela, essa foi a melhor, dar motivo nenhum. Isso existe, violência injustificada, e se é complicado entender uma agressão quando há um motivo, como uma menina indefesa lidaria com isso? Em casa abandonada pela própria mãe, e fora de casa agredida por um motivo que ela não compreende? Ela simplesmente enlouqueceu, e essa era a melhor forma de dar sentido ao mundo das pretas, poderia tanto ser o motivo de aquele mundo existir, a Yuu teria criado ele com sua loucura, quanto ele poderia existir por si mesmo e a loucura da Yuu apenas fez contato com ele e fez a ligação com o mundo onde as garotas vivem. Poderia até mesmo ter motivo diferente para casa uma.
Entretanto, a série escolhe dar um motivo sem explicação e sentido qualquer.

Alguém conseguiu entender e ver lógica no que aconteceu?
A ideia de a Yuu trocar de lugar com a Strength é excelente.
Ao mesmo tempo a Strength saia daquele lugar sem emoções para experimentá-las e a Yuu poderia ir para um mundo mais simples onde pudesse extravasar toda sua raiva acumulada, sem questionamento, sem reprimendas. Só que quando ela se revela, é para ter um ataque de vilã doida. Risível.
A partir daí nada faz sentido.
O que queria a Saya afinal? Em primeiro lugar, porque pensar que a Yuu tinha matado os pais era algo ruim? Era o pensamento natural e ele não era justificado? No fundo a Yuu queria aquilo mesmo, tanto que foi para o mundo das pretas lutar. E de quem a Saya iria proteger aquele mundo? E como? A Black Rock Shooter aparentemente era só mais uma preta qualquer, apenas bastante forte. Por que ela não faz a Gold Saw simplesmente lutar direto contra ela junto com a Yuu se representava o perigo de eventualmente tentar matar a Yuu? Isso se a Black Rock sequer tentasse porque sempre se mostrou neutra, e se as pretas só se enfrentam devido a interação das contrapartes do mundo real, por que deixar que a Strength fosse amiga da Mato por tanto tempo? E como isso não fez a Black Rock se encontrar com a Yuu antes? Qual o objetivo de a Strength provocar a Black Rock para depois de enlouquecer ela tentar pará-la? O que e quando fere a Black Rock Shooter? Seus ferimentos são totalmente aleatórios... Como pode a Saya usar a morte das pretas para resolver os problemas que ela mesmo causa nas garotas depois de tudo que passou com a Yuu e dizer proteger aquele mundo?

Nunca, por favor, seja totalmente retardado!

Ah, mas por que eu estou reclamando do ciclo vicioso de potencial desperdiçado dessa franquia? Desde o início eu já sabia que seria uma besteira, final o próprio presidente do estúdio diz em rede nacional que o que importa é vender e os animadores tem a coragem de dizer que gostam e ficam felizes de desenhar menininhas.

Os produtores de anime deveriam ter responsabilidade com os roteiros que vendem?
Um anime totalmente comercial deveria ter maturidade para lidar com seus temas?
Devemos mesmo relevar as retardadices mentais da série só porque ela é descartável?
Estamos pedindo demais dos animes japoneses?
Não, não estamos.

Inúmeros especialistas e mestres da narrativa em todas as mídias já repetiram em algum momento que o mais importante não é a história ou as ideias por trás da sua história, o que importa para o público é como você conta aquela história.
Histórias medíocres foram alçadas ao patamar de clássicos por causa de sua narrativa inovadora e contagiante, ao mesmo tempo que histórias maravilhosas foram completamente desprezadas por sua narrativa deficiente.
Tudo depende de quem é o responsável pela execução do projeto.

Nesse momento peço licença para comparar Black Rock Shooter TV com outro anime, ao contrário deste uma obra não comercial e autoral, Haibane Renmei.
Se você assistir aos dois animes e tentar comparar não terá trabalho em perceber a semelhança entre os temas dos dois animes: meninhas com dores de menininha.
E para por aí, ao contrário de Black Rock Shooter e das melhores ideias da argumentista Mari Okada, o criador e diretor de Haibane Renmei abordou a questão a sério e criou um clássico, algo que pode ser aproveitado e valorizado por pessoas de qualquer idade, de qualquer parte do mundo. Por mais que alguns dramas das personagens sejam bobos eles são desenvolvidos no "mundo real". Enquanto a Kagari fica falando irresponsavelmente que a Yomi "quebrou" durante metade da série, Haibane Renmei começa com o suicídio de sua protagonista. A Haibane Rakka se mata, morre, e vai para um purgatório.
Não há escapismo em Haibane Renmei, por mais que a Rakka tenha tentado fugir de seus problemas acabando com a vida, foi em vão, o ato extremo dela só a forçou a encarar seus problemas.

Ao longo da série vemos e descobrimos que a Rakka é uma menina com problemas de amadurecimento, ela não é mais uma criança, não é ainda uma adulta, é uma adolescente com a mente em formação. Como acontece com todos ela toma consciência de muitas coisas na sua vida, deveres, obrigações e expectativas, e fica atormentada com tudo isso. Ele tem dificuldades de relacionamento e entra em uma espiral de auto depreciação semelhante a da Yomi e de tantas outras personagens e pessoas de verdade.
Ele não faz nada errado de fato, assim como ninguém faz nada de errado com sua vida. Não há mistério nos eventos que levaram a sua morte, o único problema real dela era estar viva e não saber lidar com isso, de forma que a solução para acabar com seu problema foi acabar com a própria vida.
A Rakka entende isso, ela entende que não é culpa de ninguém.
Ela também entende qual o problema dela e como solucioná-lo.

Essa epifania é algo que não é mostrado de forma expositiva.
Nós entendemos assim como ela entende sem que alguém precise dizer em palavras claras, e o momento acontece justamente dessa forma, uma mensagem chega a ela sem palavras, apenas através de sentimentos. Ela sente e nós também sentimos o significado da mensagem que foi enviada. Através dos atos e palavras dela e dos outros personagens durante toda a série nós entendemos quem ela é e a mudança que ela sofre. Nenhum personagem em Haibane Renmei lamenta seus problemas explicitamente, pelo contrário, eles mantem eles para si e comentam apenas coisas positivas.
Em um grande momento da série, Kuu, a personagem mais animada e viva se despede.
Ela também tinha seus problemas e nunca deixou as outras pessoas ao redor saber deles, resolveu eles sozinha e deixou transparecer apenas coisas boas deixando para todos uma imagem inspiradora.

Black Rock Shooter TV é feito por uma geração e para a geração que assistiu Clube da Luta e acredita que o filme é sobre meter a porrada nos outros. Que acharam muito legais as regras do clube ditadas pelo Tyler Durden e não lembram picas do discurso dele.
Algo como Black Rock Shooter não trata de problemas, muito menos de soluções para estes problemas, pelo contrário ele é o próprio problema.

Eu fiquei surpreso e posso dizer que fui ofendido pela final da série, por essa cena:

Nunca uma mesma imagem esteve tão errada.

A letra da música "devemos tentar continuar a ser nós mesmas".
Isso não significa estagnar no estado que você está, que não é nada bom.

A fala "vamos aceitar todos e crescer".
Está se referindo as várias cores de pessoas que existem.
Não, não é sobre aceitar as cores dos outros, é sobre aceitar a sua própria cor em primeiro lugar, e crescer não significa ver apenas uma cor nas pessoas e em você mesmo, significa ser colorido, ver as VÁRIAS cores nos outros e em você, e as dos outros em você.
Esqueçam essa bobagem e assistam Colorful que fala sobre isso.

E também, essa imagem não lembra um outro anime?

Gakuen Utopia Manabi Straight!
Reconhecer isso me fez ficar com raiva, porque ao contrário de Black Rock Shooter Manabi Straight é bom e principalmente se passa no mundo real.
É até muito cínico fazer cosplay cena tão icônica de Manabi Straght que é uma série nem um pouco emo. A maior fantasia é o positivismo da Manabi, o total oposto da emice endêmica de Black Rock Shooter.
É sobre garotinhas na escola, com seus draminhas, seus obrigações estressantes e nenhuma fica chorando pelos cantos. O maior momento de drama da série? Quando as personagens assumem uma responsabilidade maior que elas e quase morrem para corresponder, com personagem acabando com a saúde para tentar levar as outras nas costas e personagem se libertando do próprio orgulho por conta própria. Nada de ficar encolhida até o fim do mundo em um canto escuro do quarto.

Como podem ver pelas comparações que fiz, Black Rock Shooter só é ruim e desprezível porque quer, ele não precisava ser assim tão imbecil e desprezível, poderia ser apenas uma série mal feita, tosca, mas não... ele tem que ser questionável, fuder com a mente de milhões de menininhas inocentes e traumatizar elas quando tiverem suas primeira menstruação, porque tem momentos que tudo parece acontecer por causa disso, TPM.
Afinal, pensem a sério sobre isso e tentem ver como um mero acaso a cena no último episódio quando a Mato vê o próprio sangue e diz surpresa "Oh, é vermelho".
Ou eu estou maluco ou vocês estão, qual dos dois?

Bem no fim, o que deve ser a maior surpresa que eu reconheço estupefato é que isso vende. Tem público, tem quem goste, e o pior: tem gente que acha lindo.
Pelamordedeus! Parem de destruir seus cérebros com essas drogas!
Assistir tudo bem, eu mesmo de vez em quando vou assistir ou ler alguma bobagem por conta própria, mas ficar encontrando justificativas para isso? Alguma lógica aproveitável?
No fórum agora a pouco a Aline_MC até conseguiu encontrar algo de positivo, que quando se está sofrendo não é solução ignorar os próprios sentimentos e abrir mão das coisas boas que você pode sentir, mas como? Dizendo isso ficam apenas palavras vazias, é até algo que você deve descobrir sozinho mas se não vai dar nenhuma dica que não atrapalhe. Ao invés de transmitir algo positivo sobre essa mensagem Black Rock Shooter não passa de uma má influência.
E enquanto isso tantas séries boas ficam ignoradas, porque são "cult", porque são "chatas".
Por favor, a vida também pode ser nada divertida e muitas séries tratam justamente disso, de uma forma muito responsável e engrandecedora. O que você aprendeu com Black Rock Shooter TV? Assistiu apenas peles vibes lésbicos subliminares? Entretenimento pode ser perda de tempo, mas também não vamos desperdiçar nosso tempo tanto assim né. Desperdice os minutos preciosos da sua vida com moderação.

Enfim, essa série é uma merda, quem aprecia essas bobagens não são boas pessoas, o japão pelo visto está perdido e ninguém quer saber dos poucos heróis que ainda resistem por lá... tudo errado nesse mundinho.

Antes de eu começar a assistir Black Rock Shooter TV eu estava pensando se valeria a pena, eu já sabia que ficaria decepcionado. Quer saber, foi bom ter assistido sim, para agora eu poder sentar e escrever tudo isso.
Muitas dessas imundices só existem porque dão liberdade, e se tem gente que deixa uma imundice dessas fazer sua cabeça, fico com a esperança de que pelo menos uma vá pensar um pouco sobre o que escrevi aqui.

Ciao.

Coluna: Curtas de animação Japonesa #1 - Koji Morimoto

2012-03-20T22:36:00.000-03:00

Nova coluna no Subete Animes (quem aqui escreve, Trucy, andou meio sumido por algumas semanas) gostaria de enrolar nesta introdução mas deixarei para o próximo post pois á muita coisa a ser dita sobre Koji Morimoto, é claro que tirando grandes exceções como Tezuka posso considerá-lo uma das grandes mentes famosas do Japão que fez uma quantidade relativamente grande de curtas, levando em consideração que o caminho natural é como visto em Makoto Shinkai, onde, começa-se a trabalhar em curtas e depois pula-se para projetos maiores como animes para TV e filmes, Koji também, tem muitos animes em seu currículo mas grande parte de seus projetos, depois de já consolidado no industria, são ainda os curtas.

Koji, co-fundador do grandioso Studio 4°C, responsável desde animes como Detroit Metal City, filmes muito bem recebidos pelo público em geral como Mind Game, First Squad e Memories até participações nas animações de diversos jogos como o recente Catherine, mas não só, Koji é idealizador, ao lado de Eiko Tanaka (que é o outro fundador do Studio 4°C) de uma grande pérola da animação, Genius Party, um projeto com diversos diretores e criadores para dois DVDs contendo alguns curtas animados (que não entrarei em detalhes) mas o importa é saber que daqui sai o que considerado a grande animação do ilustríssimo Koji Morimoto: Dimension Bomb.

Koji inicialmente, e antes de fundar o Studio 4°C, trabalhou em vários animes e filmes famosos como o anime para TV de ficção Cobra, isso no inicio dos anos 80 ou em um bico no amado Hokuto no Ken e em Macros. Em todos esses trabalhos Koji trabalhou apenas como animador, acredito que sem muita importância para o projeto como um todo, somente em 86 quando Koji e Eiko Tanaka fundam o Studio 4°C, é que ele começa a se dedicar apenas em direção, sendo chamado a trabalhar até mesmo como co-diretor de animação em Akira (sim, Akira) e também no mesmo cargo em Kiki's Delivery, filme do diretor Miyazaki Hayao (Studio Ghibli) e dai pra frente só vitória como diretor de Memories (onde o stúdio 4° esteve responsável) diversos vídeo clips de artistas, alguns famosos como Ayumi Hamasaki, até sua obra que acredito ser a mais mais popular entre o fandom de animação japonesa, The Animatrix de 2003, um projeto envolvendo diversos diretores (inclusive ocidentais), mas bem, aqui tratarei apenas de seus principais curtas.

Dimension Bomb (2008)

Dimension Bomb - Qualidade de vídeo um pouco ruim. Baixe em qualidade melhor se gostar (DImension Bomb está incluso no projeto Genius Party Beyond, encontrado no Meikai animes em PT-BR ) / Praticamente sem fala alguma / Inglês / 19 minutos.

Uma animação psicodélica, inicialmente muito nonsense, do inicio ao fim abstrata, imagens surreais brotam a todo momento na tela, mas bem diferente daquelas animações do gênero que só vem ao mundo para mostrar imagens aleatórias que não faz sentido algum do começo ao fim (deixando sua totalidade a cargo da imaginação do espectador), Dimension Bomb usando de brilhantes recursos visuais lhe conta uma história mostrando diversos fatos bem interessantes e tendo como diferencial a possibilidade de diversas interpretações sobre os 19 minutos de masturbação em tela, exigindo por vezes uma observação mais atenta e profunda em relação a cada cena para posteriormente você assistir novamente e começar a criar suas próprias teorias do que ocorre ali, do que se trata Dimension Bomb.

Se o espectador não liga para tais interpretações pode ficar apenas na punhetagem de belíssimas imagens com uma direção artística lindíssima indo desde robôs que definitivamente não combinam e não fazem sentido algum com os muitos -e diferentes- cenários e animações ali vistos, em um ambiente, um planeta, ou melhor, uma dimensão, uma viagem dentro da imaginação de um personagem que sabe-se lá como definir o que realmente é. A parte técnica é perfeita, muito detalhada –desde cenários até personagens ou simples movimentos que torna tudo muito encantador como a menina que dança ou ainda explosões e efeitos visuais- e um excelente uso de CGI espalhadas pelo curta, todo esse trabalho de excelência técnica mas sem deixar apenas por isso e evitar a criatividade, sem deixar que os efeitos sejam o suficiente para o agradável. As músicas também vale o ressalvo, por hora um silêncio absoluto combinado com imagens paradas, ou não, lindos movimentos que não precisam da sincronia da música para acontecer, simplesmente acontece e o resultado mesmo assim é excelente; barulhos estrondosos de batalhas ao som de um techno que casa muito bem com todo aquele ambiente criado. Definitivamente meu curta preferido de Koji.

Noise Sound Insect (1997)
Noise, se preferir legendado em espanhol veja aqui / Download em PT no Meikai / 15 minutos.

Noise se passa em uma cidade fictícia onde um cientista (louco evidentemente) cria um monstrinho chamado Noisman tendo como objetivo dominar o mundo fazendo lavagem cerebral nas pessoas ou pegando as mesmas e separando seu corpo da alma (de um modo bizarro, claro) até que um casal descobre que está sendo controlados por Noiseman e se vira contra ele. Uma história louca que envolve o poder do som, maquinas que transforma pessoas em peixes e... é uma história um pouco confusa inicialmente e bem apressada mas que brilha ao fazer bom uso de sua parte técnica. Devo destacar inicialmente o som frenético e sempre com um tipo de batida diferente, caindo mais para o techno deixando o espectador mais imersivo naquele ambiente do inicio ao fim.

A arte dessa animação é fantástica, desde a escolha de Noisman com um designer bem diferente, sendo um monstro grande, quase transparente, colorido, bonito e que possui uma ótima dublagem (que é ai que ocorre o “engraçado” onde encontramos uma voz infantil que quer dominar o mundo que combina perfeitamente com seu char) as casas, ruas e o céu da cidade são caóticas e lindíssimas, cheias de cores e com aspecto muto único, dizer que tudo é muito bem detalhado é muito pouco, além de ser uma cidade bem divertida e aparentemente alegre (por suas formas redondas e cores vivas) o que da um contraste legal com as maquinas que segue o padrão só que tem o poder de fazer lavagem cerebral nas pessoas, resumindo, um ambiente alegre e feliz só que guarda civis dominados por um monstro “maligno” e “engraçado” mas sem que se passe por bobo e infantil.

Attraction (2010)

Isso acima é apenas trailer. COMPLETO via navegador: aqui / Inglês (opção de áudio e legenda) / 10 minutos.

Já ouviram falar em filme interativo? Pois é, este é um anime interativo via navegador. Você pode assisti-lo entrando no site oficial (com suporte para a língua inglesa). Surgido de uma campanha antifumo, Attraction se passa em um Tokyo no futuro onde um menino mostra para seus dois outros colegas de classe um cristal mágico que acaba levando os três para o meio de uma rave onde são incentivados a experimentar um cigarro.

Koji entende muito de música, pode não ser o responsável pela maioria delas em seus trabalhos, inclusive neste, mas muitos de seus curtas vale ressaltar o bom uso das mesmas e aqui não é diferente: acompanhado de uma música eletrônica na maioria do curta, Koji soube muito bem sincronizar luz e câmera na animação com o ritmo frenético da música, que como consequência ajuda mais no processo de imersão do que na questão da interatividade. Se tratando desta tal interatividade, o curta não é tão ousado (apesar de ter interação até com sua webcam) não tem nada de outro mundo, não há poder de escolhas nem caminhos não lineares ou ainda cenas com interação pouco interessantes, é tudo muito básico somente para dizer que está ali, nada muito brilhante, poderia tirar toda a interação e upar o vídeo no Youtube que seria quase a mesma coisa. É interessante por ser algo diferente, e isso justifica, principalmente por ser uma campanha escolar.

Mix juice (2001)

Mix Juice / Em melhor qualidade: AQUI sem falas / 5 minutos.

Foi neste fatídico 2001 que Koji chegou ao ápice de seu vicio em uso de dorg... digo, é em Mix Juice que já podemos ver um pouquinho do que viria a ser Dimension Bomb, temos a mesma ideia de uma sinopse que não existe de fato, só coisas mal explicadas: um alien que aparece em cenas preto e branco andando inicialmente por uma cidade deserta e um menino –em outras cenas- com uma cabeça de peixe na cabeça e uma boia de praia na cintura. Fica o curta inteiro pulando em lugares aleatórios. Fim.

Mix Juice é algo ainda mais experimental do que qualquer coisa que você viu anteriormente de Koji, e como dito, é um pouco do que viria a ser Dimension Bomb porém, Mix Juice não passa muita informação para o espectador, nenhum enredo na verdade, ao contrário de Dimension Bomb que acaba por ser espetacular neste aspecto. Na verdade, Mix Juice acaba por ser engraçado por causa dessas situações sem noção, principalmente do alien interagindo com algumas raras pessoas e alguns lugares do cenário. Boas risadas, sério, sem contar a música calma com um ritmo estranho e ainda cantada ao fundo em boa parte do curta que deixa tudo com um ar ainda mais engraçado.

Tobira wo Akete (1995)

Tobira wo Akete Poucas falas / Inglês / 9 minutos.

Aqui já podemos ver que Koji gosta de mexer com sonhos e a imaginação das pessoas, como pode-se ver na maioria dos curtas em geral, já que é para ser experimental, vamos fazer algo com pouco pé no chão, é animação, vamos extrapolar por que podemos, e assim curtas como Tobira wo Akete sai em um mundo imaginário (ou não) por uma garotinha prestes a pegar no sono quando é jogada á algum lugar que não conta nada, não tem de fato uma situação, não é um lugar com significado, nada de muito expressivo aparentemente.

Porém, como a grande maioria dos curtas de Koji, temos novamente uma arte belíssima, os traços principalmente, exceto os de personagens, de fato ficaram bem abaixo do aceitável, porém, dentro do mundo em que a menina entra a partir dos quatro minutos, é tudo muito belo, é possível encontrar todas as cores que você consiga imaginar passando uma alegria contagiante, ou ainda cenários (o qual Koji trabalhou) que também são belos, sem contar que grande parte das coisas encontradas no começo do sonho foram desenhados sem profundidade e o resultado foi ótimo.

Jack to Mame no Ki (1989)

Jack to Mame no Ki: PART 1 - PART 2 / Inglês / 13 minutos.

Jack e sua mãe estão passando por dificuldades devido a um amontanhado de nuvens que estacionou sobre a fazenda, devido isto ele e sua mãe passam por dificuldades e Jack deve vender a vaca para o tio do mercado em troca de dinheiro (o qual seria utilizado na compra de comida) porém na metade do caminho ele é abordado por um estranho que lhe oferece 1 feijão mágico que iria acabar com os problemas da fazendo, tudo em troca da vaca, Jack aceita e planta o feijão, até que pela noite o feijoeiro cresce e... sim, está é uma releitura do conto clássico do João e o pé de feijão que á ganhou filme, desenho, jogo e por que não filme porno? Não há muito a ser dito sobre pois pouco conheço/lembro de João e o pé de feijão, mas posso dizer que gostei de Jack to Mame no Ki, manteve a infantilidade do conto assim como toda sua fantasia agradável, além de um começo meio e fim (e um climax) bem solido.

Jack to Mame no Ki deve receber seus méritos pelos personagens e pela história bem interessante e desenvolvida, mas também vale destacar a animação (principalmente a movimentação e gestos dos personagens) que está muito boa (por algum motivo me lembrou Spirited Away) sem contar a grande preocupação com o som, reparem em todas as dublagens e o som de cenário ou ainda a música de fundo, tudo muito perfeito.

Hustle!! Tokitama kun (1998)

Hustle!! Tokitama kun, em qualidade melhor no Youku (recomendo): AQUI / Entrevista / Somente em espanhol / 4 minutos

Sem dúvida a ideia mais louca vindo de Koji até então, mais louca do que todas as outras que você viu anteriormente, com personagens estranhos em uma situação bizarra. Um menino novo está de saco cheio de sua mãe e de seu pai que vivem lhe importunando (sub espanhol, perdoe se deixei passar algo) e como medida para castigá-los resolve prende-los no quarto e, brincando, diz que vai mantê-los lá por 300 anos, só que como seus pais não batem bem da cabeça acabam alucinando dentro do quarto e o resultado é algo que faz jus a toda esse ácido do curta.

No geral Hustle!! Tokitama kun não é tão bom mas vale apena entrar nesse enredo desvairado pelo curto tempo de 4 minutos. Assim, vale destacar também os personagens que são desenhados de formas bizarras, com cabeças, cabelos, rostos, pernas, barriga, nada aqui combina (e isso não é um desmérito) sem contar que os pais do garoto são grudados pelo coração, e falo que isso é bom por que boa parte da bizarrice desse curta vem dessa demência geral dos personagens, de toda a viagem feita em cima do char.

Eternal Family (1997)

Online legendado em inglês aqui / download em português no Sakura Animes / 28 min

Inicialmente pequenas situações de 30 segundos que no final resultou em um único OVA de 28 minutos, Eternal Family tem a proposta de nós levar a um reality show, porém, um pouco diferente do que visto normalmente onde no caso, uma grande emissora de TV pega pessoas aleatórias e fazem lavagem cerebral nelas e, em seguida, as jogam em uma "casa" fazendo-as pensam que todos fazem parte da mesma família. Tal reality show não é interessante apenas por essa proposta (e diga-se de passagem, que plot interessante) mas sim pelos membros da família que são loucos, cada um com sua doideira inicialmente passa-se alguns minutos do curta apenas mostrando um pouco de cada particularidade dos mesmos, depois concentra-se em mostrar a família -depois deles fugirem do confinamento- e o mundo real com pessoas reais e alienadas pela emissora de TV, não estaria exagerando se falasse que tal curta serve como uma boa critica tanto a família quanto aos reality show, os espectadores e os produtores.

O char dos personagens -o qual Koji também trabalhou- é bem estranho e combina muito bem com a obra, tanto ele quanto os cenários pouco reais mas que da uma boa ideia de um confinamento de fato, e, quando fora "da casa", somos presenteados com os espectadores gananciosos em um subúrbio onde as mesmas estão mais preocupados com a família do que com a sua própria vida . De fato, Eternal Family tem um plot muito bom, porém devo dizer que não foi tão bem dirigido, algumas cenas que serviriam para apresentar os personagens ou ainda as que tentam apenas mostrar a situação, são desperdiçados em loucuras desnecessárias que não ajudou muito no desenvolvimento da história em geral, preciosos minutos foram perdidos em um plot que tinha tudo para virar um bom filme com um bom dinheiro por trás.

Promotional Vídeo (PVs) e Comercial

PVs
Ayumi Hamasaki - Connected http://vimeo.com/18849224

Passion - 宇多田ヒカル –http://www.youtube.com/watch?v=kWoJLdXJt0E

MASTERLINK - SUPER SPEED http://www.youtube.com/watch?v=MM_X2bmjDEE

Ken Ishii – Extra! http://www.youtube.com/watch?v=8SfinT9UOXw

The Bluetones - 4-Day Weekend http://www.youtube.com/watch?v=kESgialbUfQ

Glay - Survival http://www.youtube.com/watch?v=T9uR48gcdZI&feature=related

Utada Hikaru - Fluximation http://www.youtube.com/watch?v=ZHuL6T6NkDY

Breeze（元気ロケッツ) http://www.youtube.com/watch?v=ItEr80-1tM4

Kiss & Cry http://www.youtube.com/watch?v=S3xIFtYF-b4

System 7 - 火の鳥（http://www.youtube.com/watch?v=fxAx63r7qgo

Comerciais/CMs
Kimiha Break http://www.youtube.com/watch?v=y-0BaNh4wQM

Marunouchi x Koji Morimoto (TVCM2) http://www.catsuka.com/videos/files/marunouchi_koji_morimoto_tvcm2.mp4
Jet TV (Koji Morimoto) http://www.catsuka.com/videos/files/jet_tv_koji_morimoto_tvcm.mp4
Uncredited TVCM http://www.catsuka.com/videos/files/uncredited_tvcm_koji_morimoto.mp4
Le Saunda http://www.catsuka.com/videos/files/le_saunda_koji_morimoto_tvcm.mp4
MTV Japan TOP20 http://www.catsuka.com/videos/files/mtv_japan_top20_koji_morimoto_tvcm.mp4
Tekkon Kinkurito Pilot. http://www.catsuka.com/videos/files/tekkon_kinkurito_pilot.mp4

O Melhor do Nosso Fórum - É o Mês da Fujoshi Louca

2012-03-19T01:31:00.000-03:00

Praticamente um mês depois, é hora de uma nova rodada sobre o que se passa no fórum.

Corrigindo uma Injustiça.

Por mais estranho que seja quando se pensa a respeito, o mangá da musa do nosso fórum - eu decidi que a Tomoko é a musa do fórum, algo contra? - ainda não tinha um tópico oficial.

Finalmente corrigi esse erro, e o último capítulo foi uma das coisas mais hilárias que já vi na minha vida e me fez ter uma epifania.

Ando pensando em comentar os capítulos por aqui de tão bom que essa série é, mas por hora vamos discutir no tópico oficial de "It's Not My Fault That I'm Not Popular".

Que a Tomoko "existe" eu não tenho dúvidas,
mas ver isso é mais que estranho.

Atendendo as Demandas

Express Yourself

Depois de alguma insistência foi criada uma nova sessão no fórum, a "Fanworks".

É um cantinha para vocês postarem suas criações, pode ser literária, gráfica ou áudio visual, tanto faz, desde que seja você tem tenha criado.

No momento, como era esperado a maioria do que foi publicado por lá são fanfics e histórias originais. Não vou opinar sobre nenhuma entre lá e veja se gosta de alguma, e se não gostar opine, o pessoal está compartilhando para isso mesmo.

Eu mesmo está divulgando lá uma fanfic baseada no mangá Dorothea publicado pela Panini. Só que ela não está pronta, eu estou colocando lá o progresso do trabalho, caso consiga terminar.

Avisando que a fic sobre Shin Megami Tensei do Shio é interativa e você pode participar do desenvolvimento dela.

Acesse: Fanworks

Novos Banners

Uma demanda que ainda precisa ser atendida é a de novos banners para o fórum.

Banner YAOI.

Nos últimos tempos o número de mulheres no fórum aumentou muito, e acredite quem quiser, elas estão participando ativamente, e em meio a várias conversas foi levantada a questão de banners de séries yoai.

Não precisa se revoltar, não é nada demais, coisa bem discreta, só que eles ainda precisam ser feitos, então estamos abertos a sugestões e colaborações.

Se puder ajudar com isso, deixe uma mensagem no tópico de SUGESTÕES.

Ou no tópico de Fap.

Sinal dos tempos

Por falar nessas mulheres, adivinha onde é que elas mais participam?

No tópico do Fapar ou não Fapar.

Incrível como ele foi invadido por mulheres sem pudores! Vários mitos caíram!

Melhor tópico de longe e muito engraçado. Vá lá de mente aberta e se divirta.

Ah, vai, é bonitinho seus frescos.

Certas Coisas não Mudam

Guilty Crown nunca será uma série tão ruim quanto tenta ser.

Na última postagem sobre o fórum eu forcei um pouco a polêmica, mas pra quê?

Basta eu entrar no tópico de GC de tempos em tempos e assistir as desesperadas tentativas de alguns de defender essa série. É muito engraçado.

Pode não ser a série do ano, nem da temporada, mas pelo menos já me rendeu a frase do ano:

De onde tiram forças e inspiração?

Estou "l-i-t-e-r-a-l-m-e-n-t-e" cagando para essa série, mas essas discussões precisam ser presenciadas ao vivo. A série é ruim, mas pelo menos consegue divertir bastante através da catarse coletiva depois dos episódios.

E não pense que é puro hate ou fanboyismo lá, na maior parte do tempo a discussão é bastante produtiva.

Última chamada.

Quem quiser discutir Guilty Crown é melhor andar rápido, a série está acabando, assim como também todas as outras das temporadas passadas. Ainda dá tempo de ler algumas páginas e compartilhar suas opiniões.

Os mais interessante são os tópicos de Another e de Black Rock Shooter.

O primeiro rendeu muito. Independente de você estar gostando ou não do andamento da série vale a pena ler o tópico. Foi fantástico o que foi feito lá pelo pessoal do fórum é muito completo em teorias e informações adicionais e comparações com o mangá que de fato tem bastante diferenças. Caso você ainda queria fazer suas apostas o momento é agora, a partir de amanhã os segredos serão revelados e saberemos quem acertou e quem errou.

Só não tente entender a confusão mental do Feer.

Caso você esteja passando pela mesma confusão mental dele, o DRA2849 fez um belo resumo do que reunimos por lá.

Sobre Black Rock Shooter TV, ainda lembram desse anime?

Vou confessar, no meio da série eu cheguei a acreditar que ficaria bom. Uma pena que isso não aconteceu.

Claro, tem quem gosto, mas é simplesmente ou retardado ou sem sentido demais.

Eu até entendo quem é que goste dessa série, eu mesmo estou assistindo, mas afinal todo o problema ali, o motivo de o outro mundo existir é tudo choque pela primeira menstruação das meninas?

Explicação mais plausível não há.

Claro que não há apenas estes dois tópicos.

Para os preguiçosos deixo links para alguns:

Amagami SS

Aquarion Evol

Ano Natsu de Matteru

Danshi Koukousei no Nichijou

Chihayafuru

Last Exile: Ginoku no Fam

Mirai Nikki

Moretsu Uchuu Kaizoku

Nisemonogatari

Papa no Iu Koto wo Kikinasai!

Rinne no Lagrange

Senki Zesshou Symphogear

Shakugan no Shana III

Também já tem discussões sobre os animes da próxima temporada.

Medaka Box

Saint Seiya Ω

Amar ou não amar, eis a questão.

Lá em cima eu escrevi que o último capítulo de I'm Not Popular me fez ter uma epifania, ainda se lembra?

Não foi brincadeira, esse capítulo veio no melhor momento possível e me fez impediu de fazer uma besteira.

A Tomoko é uma mentirosa, pelo menos com as pessoas com quem ainda fala, entre elas a Rii-chan que também é a única pessoa que admira ela. Ela admira a Tomoko porque é criança, ou era, já que agora é uma mocinha. Só que ela inda não descobriu que a Tomoko é um... um Tomoko, não tem nada semelhante a ela mesmo, e então a Tomoko tenta manter essa boa imagem e só pode fazer isso através de mentiras.

Uma das mentiras que ela sustenta para a Rii-chan é sobre ter um namorada, e quando acompanha ela na biblioteca e é vista falando com um garoto que já tinha topado com ela antes, a Tomoko inventa que aquele era o namorado de que tanto fala. Obviamente logo a mentira é revelada, só que até lá a Tomoko fica pensando em formas de sustentar a mentira e carente de afeto ela começa a divagar sobre criar uma amizade com o garoto e quem sabe até fazer dele namorado. Esse é o meu problema, não as mentiras, é precisamente o amor hipotético.

Tem uma certa pessoa que eu já conhece tem tempos, e recentemente eu tive uma relevação, de que poderia estar gostando dessa pessoa. Eu não gosto, ainda não, mas soou o alerta de que esse sentimento aparenta estar mudando, crescendo. Naturalmente eu comecei a pensar e pensar no assunto, e até imaginar, e é aqui que o capítulo do mangá entra: pouco antes eu já tinha começado a pensar em falar com essa pessoa, apenas para deixar ela saber.

Teria sido uma grande idiotice. "Só para saber"? Que ridículo, no caso eu iria falar justamente por não dar em nada mesmo, e justamente por isso que eu deveria ficar quieto!

Então eu posso dizer sobre It's Not My Fault That I'm Not Popular que... Esse Mangá Mudou Minha Vida.

Este é um título de um tópico que não é de hoje.

"Ok;
Esse anime me ensinou a nunca olhar para as coisas só por um ponto de vista, que todos tem um motivo para o que fazem, e ninguém é completamente mal.
Esse anime aqueceu meu coração, e o mangá foi ainda melhor... porque no manga, os caras bons na verdade não vencem, mas como o personagem principal sempre disse... pra tudo se da um jeito.
Ele me ensinou o que significa ter um sonho e fazer tudo a seu alcance para colocar ele para andar, que pessoas podem mudar e serem melhores pessoas;
Que você tem o poder de mudar o mundo se você tentar;
Ele me ensinou a ter esperança, e coloriu minha infância."

Vale mencionar

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Ajude a escolher um tablete
Discussão venda de anime: BD, DVD e CD de música
Finalmente legendas avançadas com estilo e fonte no celular!
Pensamento sobre a Teoria dos universos paralelos
Qual anime "clássico" você nunca assistiu?
Tex avery - O homem que enlouqueceu os desenhos

Décimas (e meia) Impressões - Another [PA Works]

2012-03-13T22:33:00.001-03:00

Peço desculpas para aqueles que se incomodaram por não ter impressões do episódio passado de Another na semana passada. Eu já estou de saco cheio de fazer isso toda semana, pelo visto essa será a primeira e última vez que escreverei impressões semanais por aqui, até mudar de ideia, o que é pouco provável.

Quem foi no tópico oficial do fórum acompanhar as discussões, quem não foi... tanto faz, eu decidi escrever sobre os dois episódios juntos hoje.

Na súmula do jogo: Another falhou.

Entenda lendo o que vou escrever abaixo.

O episódio 8 realmente me cansou, foi na minha opinião um desperdício de tempo.

O que ele acrescentou na história? A única coisa válida ali foi o Matsunaga dizer que deixou uma pista escondida na antiga sala de aula. Todo o resto foi redundante.

- mais uma pista sobre a Reiko ser o extra;

- colocou em dúvida qual a distância segura da maldição, reforçando que a Reiko é o extra.

A primeira é desnecessária, e como o passeio na praia é um filler (pelo menos comparado ao mangá), provavelmente ela está lá em lugar de uma outra pista que acabou ficando de fora pelos cortes do anime, como por exemplo uma que existe no mangá e que tem maior importância, sobre a qual falarei daqui a pouco.

A segunda foi derrubada logo no início do episódio 9 pelo Tatsuji. Ao sair de casa o garoto que foi atropelado pelo barco havia batido com a cabeça e sofreu um edema cerebral, que se revelou mais tarde, sendo o motivo de ele ter parado de nadar daquela forma tão estranha antes de ser atropelado pelo barco.

A cena onde o Tatsuji explica isso também é um outra pista de que o extra é a Mikami, pela forma como ele olha para ela e toma à frente na conversa.

A partir dali em diante no episódio 9 a série começa a mostrar que perdeu o rumo, não a história, a direção.

Lembram que no início eu gostei do clima dos episódios, aquela estranha calma , a descrença e introspecção dos personagens? Eu gostei porque parecia adequado, afinal, eles queriam se fazer de céticos da pior maneira, acreditando e fingindo não acreditar na maldição. Era melhor não tocar no assunto, e fingir que o problema não existia era a única forma de evitar a maldição que eles conheciam até aquele momento.

Ninguém revelava nada, sempre escondiam. O Kouchi era um exemplo disso, ele não era inerte, ele tinha curiosidade, investigava por conta própria, mas entrou no jogo do faz de conta e também escondeu informações dos outros, deu o troco. O problema da série é que nada desse clima e comportamento dos personagens mudou desde o início. Sim, a série é de mistério, e este é o erro, se preocupar muito com o mistério ao ponto de esquecer do suspense. O episódio 8 era o limite, a virada deveria ter acontecido no episódio 9 e ela não veio, permanecendo no episódio 10 e não tem mais volta.

Another falhou.

O problema da série como um todo é a falta de suspense.

Ao mesmo tempo que o roteiro adaptado do anime parece pensar que fazer mistério causa suspense no espectador, ele também parece desprezar nossa capacidade de raciocínio.

Ainda há alguém intrigado com o mistério dessa história? Alguém que não esteja ligando os pontos dos acontecimentos com dois episódios de antecedência? Acredito que não.

Por não sermos surpreendidos não temos mais expectativa, apenas fazemos uso de nossa paciência enquanto esperamos a série revelar alguma coisa, e ela insiste em fazer mistério, mistérios que não provocam suspense.

O episódio 9 escancara isso.

Era mesmo necessário mostrar o conteúdo da fita pela metade? Parece que estão querendo esticar a história, que ela poderia ser apresentada em apenas 10 episódios ou então cortaram demais e agora tem que tapar buraco. Só que fazer isso, prolongar o mistério, repito, não provoca suspense, muito menos tensão. É isso que estamos esperando da série, o momento para fazer mistério já passou, tanto nós espectadores quanto os personagens já solucionaram a maior parte do mistério, alguns personagens já solucionaram todo o mistério. Agora o que queremos ver agora é como os personagens lidam essas informações.

E isso também não acontece.

A introspecção do inicio se transforma em apatia crônica que atormenta a sério.

Não li o livro para sabe exatamente como é no original, mas independente de como ele seja o certo a se fazer aqui é óbvio, retratar os efeitos dos acontecimentos nos personagens, algo que o anime não faz e onde pelo menos o mangá acerta. Depois que o professor morre a Izumi comenta amigavelmente com o Kouchi que as pessoas vão culpar ele, que é para ele se preparar para isso como se não fosse com ela.

Em primeiro lugar, no anime nenhuma viva alma culpa o Kouchi, e em segundo lugar no mangá onde esse ponto parece ser mais fiel ao original ele é completamente diferente.

Logo após o professor se matar, enquanto o Kouchi e a Mei ainda estão saindo pelo corredor, a Izumi tem um ataque e grita que a culpa daqueles mortes é deles. Por isso a viagem para a praia do anime foi um grande erro! O objetivo era óbvio, criar um momento de descontração entre aqueles coadjuvantes principais e um clima de amistosidade entre eles para o inevitável Battle Royale que está por vir. Só que, pra que? Eles ficaram amiguinhos? O Teshigawara é intrometido e o Mochizuki é naturalmente amigável, mas e os outros? Kouchi nem lembra deles, e ainda faz as coisas as escondidas da Izumi. Tem lógica? No contexto do mangá faria sentido ele mesmo se sentindo culpado procurar pela pista do Matsunaga pelas costas dela, mas no anime não. O Kouchi pensar que é melhor ele levar o Teshigawara para ajudar em uma investigação no lugar da Izumi só não faz dele o retardado do mês porque esse título ninguém tira do próprio Teshigawara.

Vocês entendem o que aconteceu aqui?

Nesses dois últimos episódios Another apenas se sabotou.

Durante a viagem escolar a Izumi chegaria lá tensa, a ponto de explodir depois de ter visto a amiga morrer e todos os outros enquanto ela era a encarregada de evitar aquelas mortes, vendo os amigos morrerem sem ela poder fazer nada por não poder controlar as ações das outras pessoas, no caso o Kouchi e a Mei.

No episódio 10 ela deveria depois de tentar humilhar a Mei acusar o Kouchi de ser o morto. Lembra da primeira dica do episódio 8 de que o extra é a Reiko que eu disse lá no começo que falaria com mais detalhes? Pelo visto, dentre os cortes que o anime fez, está este sonho do Kouchi. Em um capítulo do mangá, depois do avô falar para ele que está cansado de funerais, deitado na cama ele tem flashs sobre um funeral que não consegue lembrar de quem é. Além do Kouchi começar a ficar paranoico sobre poder ser o extra, até a Mei garantir que ele não é e ele passar a ficar intrigado com isso, como vimos nesse episódio 10 a Izumi passa por algo semelhante. Ela sonha e se lembra do Kouchi, de onde havia visto ele antes e de haver apertado sua mão. Ela é inteligente o suficiente para entender que aquele sonho é uma lembrança reprimida e que o Kouchi mentiu para ela sobre não ter estado na cidade nos últimos anos. Ela lembra que ele esteve sim, falou com ela e lembra o dia exato em que isso aconteceu. Naquela cena na mesa de jantar, depois de dar uma dura na Mei ela deveria se voltar para o Kouchi e acusar ele de ser o extra, mas não, o anime prefere pela trilionésima vez nos lembrar que existe uma maldição e um morto lá ao fazer um figurante qualquer ter um ataque e interromper a acusação da Izumi. Pra que tanto mistério? O mistério já acabou a três episódios! Cadê o suspense, cadê o drama? Depois de ver mais um amigo morrer ninguém sofre por isso? Tantas mortes não deixam nenhuma sequela psicológica naquelas pessoas? Todos eles vão morrer e todos parecem aceitar?!

O Battle Royale vai acontecer, é inevitável como as imagens do próximo episódio revelam, mas e daí? Alguém se importa? Como vou me importar com o que acontece com os personagens se eles mesmos não se importam?

Another falha grandemente em não dar o mesmo valor para os detalhes psicológicos de cada personagem.

Por um lado as sutilizas de personagens chave como a Izumi são totalmente eliminadas. Por outro sutilezas como as da Mei não são aproveitadas.
Por que a Mei não usou o olho mágico dela antes? Os motivos são muitos como, ela já sabia que a maldição tinha começado em Abril, ela queria negar isso e pensava ser melhor se comportar para a maldição não atacar, depois não fazia diferença saber quem era o morto sem saber o que fazer com ele, e depois que descobriu essa incerteza se reforçou. Assumindo que depois de saber que poderia haver uma forma de parar a maldição a Mei procurou pelo morto na sala, supondo que o morto seja a Reiko como ela diria isso para o Kouchi, que teriam que matar a tia dele?

O problema desses motivos internos é que eles não são insinuados durante os episódios. A Mei apenas piscou duas vezes para indicar que ela sentia a morte dos colegas de turma. E aí? De que adianta os personagens terem opinião se elas não são demostradas?

Quando acontecer o Battle Royale o que eles farão com as opiniões deles sobre a situação se as tiverem?

Não faz diferença nenhuma, porque o idiota do Teshigawara fez questão de não deixar isso acontecer. Ninguém parou para discutir o que fazer com o morto, como descobrir quem ele é e como matar ele, antes, e também não farão depois. O episódio 10 acaba com o Teshigawara revelando que empurrou um colega da janela só para ver o que acontecia.

Sério, pelo menos nisso a Izumi é coerente e estava corretíssima, o Teshigawara é um grande imbecil, e ainda sambou no roteiro da série. Esse cara deveria ter sido o primeiro a morrer, e agora quem morre somos nós, putos da vida, porque ao invés de vermos uma grandes explosão emocional entre os personagens decidindo quem matar para viverem e criando justificativas para isso tudo que vamos ter vai ser uma correria aleatória de gente gritando e morrendo pelos cantos.

Ah, vão pra puta que pariu, morram logo todos para isso terminar.

Nota: Battle Royale se refere a um filme japonês, adaptado de um livro que também ganhou um mangá que foi publicado por aqui. Nesse filme o governo japonês implanta um programa especial para lidar com as classes de alunos vândalos que estavam saindo do controle, sem nenhum respeito pelos professores. Todo ano uma turma é escolhida para uma viajem escolar especial, onde os alunos são levados para uma ilha e recebem colares explosivos. Cada um recebe uma mochila base no centro da ilha com algum objeto aleatório, que pode ser tanto uma arma como um escorredor de macarrão. A partir daí eles estão a própria sorte. A base ilha é dividida em setores, e a cada tantas horas um deles é eliminado, se os alunos entrarem em um setor eliminado o colar explode. E quando todos os setores forem eliminados todos morrem. Quem quiser sobreviver tem que matar os outros e voltar para a base, somente o sobrevivente sairá vivo da ilhal.

Mais do que uma batalha física é uma batalha mental, onde a situação extrema faz com que os alunos se confrontem para resolver todas as suas diferenças e conflitos anteriores.
O filme é muito recomendado.

Conversa fiada #6: O hip hop e o Japão como berço da produção alternativa moderna

2012-03-11T17:29:00.002-03:00

“A formação e a ﬁrmação das cidades ‘grandes’ (metrópoles), enquanto habitat de grupos sociais trouxe inúmeros problemas inerentes às novas formas de sociabilidades. Entre eles a fragmentação dos grupos, convencionado a partir de 1970 de ‘tribos urbanas’, cujos indivíduos constantemente passam por uma crise de identidade.” (MAFESSOLI, 2006).

Mesmo invocando mal-entendidos, o empenho de crise de identidade na citação acima se refere não a um abandono espontâneo do individualismo em função da atuação nas tais tribos urbanas – embora esta seja uma possibilidade, como mostra o obrigatório A Onda, filme alemão de 2008 realizado por Dennis Gansel –, e sim à padronização exigida pelos aglomerados populacionais que são as metrópoles, um oceano de indivíduos que, reprimidos pelo constante frenesi e acirrada competição pela sobrevivência, acabam por abrir mão de ideologias, manifestações artísticas e demais “adornos” pouco relevantes a um produtor-consumidor padrão. Neste cenário, as tribos urbanas surgem como meio de resposta a sociedade pós-moderna; reunindo indivíduos com gostos e valores semelhantes, e também aqueles desprovidos de ideais próprios que encontram no grupo o que lhes falta, nascem essas tribos. Complementado pelas características vestimenta, linguajar e criação de um eventual código de conduta, movimentos artístico-sociais com base nas tribos proliferam-se pelos centros urbanos, sendo o hip hop um dos, senão o mais politizado, debatido e vívido dos exemplos.

“O Hip Hop é um movimento de cultura juvenil que surgiu nos Estados Unidos, nos últimos anos da década de 1970, unindo práticas culturais dos jovens negros e latino-americanos nos guetos e ruas dos grandes centros urbanos. O movimento é constituído pela linguagem artística da música (RAP-Rhythm and Poetry, e DJing, pelos rappers e DJ´s), da dança (o break) e da arte plástica (o graffiti)” (Rose, 1994).

Vociferando contra a segregação e violência policial, o hip hop é concebido e rapidamente se espalha por Nova Iorque, Chicago, Los Angeles e outras grandes cidades dos EUA, como instrumento de protesto da perseguida população periférica. Contando com porta-vozes da acidez e criatividade de Grandmaster Flash, Public Enemy e Run D.M.C, o movimento viveu os tempos áureos de sua vertente mais social do final dos anos 1970 até a metade da década seguinte, que corresponde ao que hoje chamamos de período clássicos dado o assustador distanciamento dos ideais primários. A partir daí, subgêneros dos mais variados, dentre os quais se destacou o Gangsta Rap, abafaram as vozes dos precursores do movimento.

Nos anos seguintes, uma mentalidade menos consciente, com certa glorificação do crime já há muito semeada por grupos como N.W.A (do qual saíram três nomes lendários do Rap: EazyE, Dr. Dre e Ice Cube) tomou conta do cenário e caiu nas graças de um público elitizado, fora dos guetos, incrementando vendas, investimento e produção. A primeira metade dos anos 1990 consiste no período mais frenético, e, segundo muitos, também mais criativo da história do hip-hop; a ascensão de titãs como o grupo Wu-Tang Clan, as duplas Gang Starr e Mobb Deep e dos talentos solo Jay-Z, Big L e dos insuperáveis Notorious B.I.G. e Tupac Shakur, que não raro alcançavam vendagem que acarretavam discos de ouro e platina, demonstram a maior expressividade do período. No entanto, uma mudança de paradigma tão brusca, beirando a violência, culminou no irracional embate de egos que foi a disputa entre artistas da Costa Oeste e da Costa Leste, que, devido a um sensacionalismo midiático próximo ao criminoso, encerrou prematuramente a carreira e a vida de alguns dos maiores rappers da História – ocorrido que, para uma parcela mais pessimista, levou consigo o verdadeiro hip hop.

Ainda que eu discorde dos pessimistas, como ficará evidente no restante do texto, enquanto verdadeiro fã de música – de qualquer período ou estilo – e, inerentemente, fã de hip hop, ou melhor, do bom hip hop, devo com eles concordar em uma verdade inexorável: o cenário estadunidense encontra-se em flagelos!

Nunca se ouviu tanto Rap e aquilo que alguns muitos imbecis, relevando totalmente a origem do termo e tudo o que ele representa para a música norte-americana, ousam chamar de R&B como nos dias atuais. Um passeio pelas rádios americanas evidencia que o movimento outrora subversivo com forte apelo à luta por direitos civis práticos, hoje nada mais é que um meio de autoafirmação para adolescentes que utilizam de seus maneirismos para exalar sua promiscuidade, através de pseudo-conquistadores e bandidos fabricados. Embora artistas virtuosos com Eminem e Kanye West ainda surjam de tempos em tempos, estes não tardam a cair em repetição, que, somada às eventuais letras tolas de espírito insosso, levam à mesma desgraça aparentemente intransponível que tragou Snoop Dogg. Salvo raras exceções como o espetacular grupo The Roots, que desde o período clássico traz o que há de melhor em questão de letras e bases rítmicas, o mainstream mostra-se patético, nem uma sombra do que já fora. E essa realidade dá força a uma afirmação que poderá ser encontrada nos comentários de praticamente todos os vídeos usados a partir daqui para embasar a postagem, sendo também meu principal argumento contra os citados pessimistas: “O hip hop não morreu, vive hoje no underground!”.

O underground, alternativo, sempre foi o refúgio daqueles que discordam das diretrizes massivas de um gênero ou movimento, ou ainda dos que não obtêm êxito em alcançar as massas. Durante o advento do Gangsta Rap, por exemplo, alguns poucos, como o espirituoso quarteto The Pharcyde, deram sequência à retratação de um cotidiano sofrido e injusto. É o nadar contra a corrente; fazer por si mesmo. Um comparativo regional é o sucesso do proeminente Emicida, que, apesar de não cair no meu gosto, é um exemplo inquestionável de sucesso e perseverança, tendo de forma totalmente independente alcançado um status quase impensável em nosso país, comparável somente ao da autoridade edificada do Rap nacional, Racionais Mc's.

O meio alternativo é onde hoje se encontram os verdadeiros talentos do hip hop norte-americanos, e, arrisco dizer, mundial. E estes novos artistas retêm uma característica vantajosa, impensável aos seus antecessores, que acresce à produção artística: troca instantânea de informações e composições, que podem ser gravadas e lançadas por qualquer um de modo prático e acessível. O mundo conectado tornou possível o maior alcance de músicos que, ao contrário das estrelas multimilionárias, tem algo a dizer, como o fenomenal Move.Meant ou o indescritível projeto francês Jazz Liberatorz – meu eleito como melhor grupo de hip hop em atividade. E mais do que isso, mesmo a formação de uma “comunidade” internacional de músicos que colaboram uns com os outros em esforço constante tornou-se possível, a exemplo de uma corrente que surgiu nesses moldes, tendo como epicentro o Japão.

Quando falamos de hip hop no Japão, tratamos um movimento forte, que desencadeou diversas subculturas e estilísticas, acompanhando a produção americana por um período e, não muito depois, seguindo seus próprios rumos e integrando características à música Pop regional. O J-hip hop é importantíssimo à cultura pop nipônica, porém, sempre ostentou um caráter mais visual, relacionado à atitude e vestimenta, que musical. Voltando ao início do texto, a repressão subconsciente exercida pelas metrópoles é vista como desencadeador do processo de formação das tribos urbanas; se o Ocidente foi fortemente afligido por essa consequência histórico-social, é fácil imaginar o impacto causado na controladora sociedade japonesa. Infelizmente, divergindo da bela produção urbana do grafite e das artes-plásticas, a música em si era vista apenas como um ritmo dançante, interpretada por grupos medíocres como Dragon Ash, RIP SLYME e TERIYAKI BOYZ que, flertado com o estilo americano, mas sem seu cunho social, pouco ou nada tinham de inédito. Entretanto, o caráter artístico do hip hop japonês é tão real quanto é o do atual estadunidense, porém, da mesma forma, este subsiste no meio alternativo. E existe um nome responsável por sublinhá-lo: Jun Seba, mas conhecido pelo acrônimo Nujabes.

Nujabes nasceu em 7 de Fevereiro de 1974, e, antes de compositor, DJ e produtor de talento inestimável, era um grande fã de música, sobretudo de jazz, e, é claro, hip hop. Seu amplo conhecimento refletiu-se em sua técnica: tocante e introspectiva, que o levou a compor bases que variam dos mais limpos arranjos de piano aos mais elaborados samples, do hard bop ao samba. Hoje visto como O grande nome do hip hop japonês por seus conhecedores mais profundos, Jun foi o elo primário da anteriormente citada corrente de artistas que movimentou o mercado com alguns dos melhores álbuns já lançados na vertente, deste ou do outro lado do oceano.

O DJ fundou em 2003 o selo independente Hydeout Productions, tendo como objetivo divulgar e produzir os verdadeiros talentos do hip hop de sua terra. Espelhado nele e em seus apoiadores e grandes amigos, tal qual Uyama Hiroto – a meu ver, um compositor ainda mais talentoso que o próprio Jun, mesmo que a importância de suas atuações sequer se compare –, Jemapur, Kenmochi Hidefumi, e mesmo em artistas fora de seu circulo de amizade, mas impelidos do mesmo sentimento, como Dj Okawari e Nomak, essa agora formada corrente prescreveu com exatidão musical o pranto de renovação que ecoava agora em alto-falantes e fones de ouvido privilegiados. Colaborando com muitos artistas, como os grupos norte-americanos CYNE – que originou uma parceria ainda mais vindoura com seu porta-voz, Cise Starr – e Five Deez – cujo membro Pase Rock teve o álbum solo Bullshit as Usual produzido por Nujabes –, o rapper nova-iorquino CL Smooth, o britânico Funky DL, ou ainda seu conterrâneo Shing02, Nujabes aprimorou-se por meio da troca de experiências, acumulando renome. E, tendo também como proposito a divulgação, a Hydeout Productions se dispôs a lançar álbuns compilatórios, reunindo artistas que inspiraram o surgimento desta corrente, nos quais se encontravam desde o preciosíssimo trio canadense Specifics, composto pelo MC GoldenBoy, o DJ Goser e seu formador e produtor ThinkTwice, até a estupenda banda de jazz SleepWalker.

Ao longo de 7 anos, esses e outros artistas apresentaram trabalhos inspirados por esta vertente mais instrumental e intimista do hip hop originada no Japão. No entanto, esses trabalhos teriam permanecido na obscuridade de nichos tão específicos, fechados, que mesmo a criação deste post teria sido impossibilitada; quadro este revertido pela ação de um produto de dimensões globais que os disseminou. O produto em questão provém da mente do genial diretor/roteirista Shinishiro Watanabe, na forma daquela que, não fosse a existência de Evangelion, seria certamente minha animação predileta: Samurai Champloo, do saudoso ano de 2004.

Brincando com os anacronismos que surgem ao se misturar elementos da cultura hip hop ao Japão do Período Edo, emerge um anime tão rico em sua trama, subtexto e personagem que é para mim ofensivo tentar retratá-lo de forma simplória – tanto que não o farei. Levado a uma vastidão de países ao redor do globo, inclusive ao Brasil (tendo, aliás, sido inteiramente exibido na TV aberta pelo finado bloco Otacraze da também finada Play TV), Samurai Champloo espalhou a cultura hip hop não só por referencia-la em seu texto, mas também, e, principalmente, por sua trilha sonora assombrosa, resultado de um esforço conjunto entre Fat Jon – DJ do já citado Five Deez –, Tsutchie, Force Of Nature e encabeçado por ninguém menos que Nujabes. Vital também foi a colaboração de diversos outros nomes, tal qual Shing02 – que canta a já lendária abertura da série, Battlecry –, a artista Pop MINMI – interprete da igualmente icônica Shiki no Uta –, o cantor Azuma Riki – cuja canção encerra o mais lembrado e hilariante dos episódios –, e o grupo Midicronica – que na belíssima San Francisco exibe a chave de ouro que fecha uma produção impecável. Totalizando mais de 80 faixas divididas em quatro álbuns, quatro obras-primas, a trilha sonora de Samurai Champloo, arriscado projeto de um diretor sempre movido por seu tato musical, acabou por divulgar o que estava sendo feito, impulsionando os idealizadores e trazendo novos talentos à tona.

Fatalmente, em 26 de Fevereiro de 2010, Jun Seba faleceu prematuramente em um acidente de carro, somando apenas 36 anos. Sua morte abalou a corrente por ele fundada, diluindo a produção e atuação da mesma. Porém, pouco depois, esta provou não estar morta ao lançar Modal Soul Classics II, dando sequência ao projeto de compilação iniciado por Nujabes anos antes, sendo este álbum uma tocante homenagem ao artista. Reunindo amigos, colaboradores e admiradores, Uyama Hiroto, Pase Rock, Calm, Specifics, Emancipator, Zack Austin e mesmo a reclusa Haruka Nakamura – a qual eu adoro, mas, como todos os seus fãs aqui do Ocidente, pouco conheço devido à dificuldade em encontrar material disponível na internet –, e outros nomes que o influenciaram e foram por ele influenciados prestaram seus respeitos. A comoção na rede foi também notável, e, devido à divulgação viral daqueles que já o acompanhavam, é seguro dizer que, irônica e tragicamente, Nujabes tornou-se mais conhecido após o falecimento.

A lembrança voltou a crepitou vorazmente nos últimos dias do ano passado, quando o álbum póstumo Spiritual State, assegurado como último trabalho a levar o nome de Jun Seba, foi lançado. Trata-se de um álbum finalizado pelos envolvidos em faixas não concluídas pelo artista, fragmentos que, agora completos, são capazes de levar seus fãs às lágrimas:

Desde a morte de seu precursor, o futuro dessa corrente inominada é incerto. E, embora haja o risco real da descontinuidade, há também a certeza de que os trabalhos a ela acometidos nos últimos anos contêm algumas das mais belas faixas da história do hip hop. Musicas que viverão para sempre.

Minhas Leituras Cotidianas - The Drops of God vol.1 [Vertical]

2012-03-10T23:32:00.003-03:00

Como vocês devem saber, o mangá não é especificamente um estilo de se contar histórias, é apenas um meio. (IMO)

O nome "mangá", na minha opinião serve apenas para identificar quadrinhos de origem japonesa, que tem alguma identidade cultural que os identifica, e cada um deles é único e diferente a sua maneira. Ele tem características marcantes, assim como também tem os quadrinhos europeus, americanos e latinos. Porém essas marcas individuais são apenas detalhes.

Quadrinhos americanos se resumem apenas a supers de mente fechada e estética dura? Não.

Quadrinhos europeus se resumem a Asterix e histórias "chatas" e Milo Manara? Não.

Quadrinhos japoneses se resumem a muleques de cabelo espetado? Também não.

Se tem uma característica que marca os mangás na minha opinião e é o que me atrai é a variedade de temas.

Não é apenas uma lenda urbana, essa variedade é real. Eles desenham de tudo e de todas as formas. A quantidade de produção deles é imensa e permite toda essa variedade, e nem toda ela é para todo leitor.

The Drops of God é uma história sobre vinhos, feita por fanáticos por vinho, sobre fanáticos por vinho, para fanáticos por vinhos.

Seria uma história com um público alvo muito limitado?

A princípio ele interessa mais a uma pequena quantidade de pessoas, apenas aparentemente, porque ele tem qualidade para entreter até os mais céticos.

A muito que eu vejo notícias sobre esse mangá, ele tem dado o que falar por anos. Elogiado, aclamado, premiado, desde que ele surgiu tem deixado sua marca na industria tanto dos mangás quanto dos vinhos. É um pequeno fenômeno que instigou o interesse por vinhos no japão impactando diretamente nas vendas.

Mas como ele é afinal? O que ele tem de bom? Apenas pegando para ler eu poderia descobrir? Eu que prefiro um bom Pérgola suave e que se arrependeu de ter comprado um dispendioso vinho chileno?


Filé Mignon, lichias, cerejas, guaraná antártica e o tal vinho chileno. Estou bem servido?

Para descobrir eu comprei a edição da Vertical e de cara ela tem um ar elitista.

É um volume grosso (2 em 1), de tamanho pequeno. A capa é bem discreta, destaca muito o próprio nome e os autores na frente e no verso uma boa sinopse dentre de uma taça de vinho. Nada de arte chamativa e bonitinha -eu gosto bastante das capas originais, uma pena -, algo chique mesmo, tanto que encoraja você a ler em público, algo que normalmente as pessoas não fazem. De fato eu me aventurei a ler no ônibus e a mulher ao lado olhou mais interessada do que enojada por eu estar lendo um quadrinho.

E o que mais me impressionou, as partes vermelhas onde as letras aparecem recortadas são plastificadas e lisas, mas todo o resto é áspero. Quando peguei em mãos pela primeira tomei um susto. Sei que é uma ilusão criada pela minha mente em consequência da situação e contexto, mas a impressão que eu tive foi de segurar um cacho de uvas, de pegar com as mãos as uvas direto do pé. Eu senti de verdade essa impressão da casca da fruta.

Um ponto a favor e ainda nem havia aberto o mangá.

Uma vez aberto e começada a leitura ele mostra rapidamente do que trata, é um início muito eficiente e calculado, em poucas páginas a história deixa bem claro como ela será.

Miyabi, a Sommelier de um restaurante chique está em dificuldades em agradar a um diretor de uma companhia de cerveja. Além de ele fazer um pedido errado por um vinho caro ele fica totalmente desagradado com a escolha dela que acaba sendo salva por um dos subordinados menores dele.

Nunca antes decantar um vinho foi algo tão legal de se ver.

Em poucas páginas vemos um espetáculo de conversa extremamente nerd sobre vinhos, suas características, suas origens, variedades, valor de mercado, o modo como deve ser servido, e todo um vocabulário de palavras complicadas e poesia para descrever a experiência de saborear um bom vinho.

Algo fica bem claro já nas três primeiras páginas de The Drops of God.

O vinho não é um detalhe da história, toda ela é construída ao redor de vinhos. Entrarei em detalhes sobre isso mais a frente.

Desse modo, por mais impreciso e invencionices que possa ter em alguns momentos, o leitor vai realmente aprender sobre vinhos, querendo ou não. Para o apreciador do vinho é uma excelente diversão, ler todas as discussões dos personagens sobre um tipo de vinho e testar seus próprios conhecimentos sobre eles, e para o ignorante ao assunto é um bom ponto de partida para entrar nesse mundo, uma arte milenar bastante complexa.

O que move a história de The Drops of God é a pegadinha que o famoso crítico Yutaka Kanzaki arma para seu filho pródigo Shizuku Kanzaki.

Como um obcecado por vinhos Yutaka treinou o filho desde cedo para ser um especialista capaz como ele, mas treinando seus sentidos de forma dura e bizarra, o que deixou Shizuku traumatizado e o fez se afastar do pai. Ao falecer ele deixa exigências e condições em seu testamento para que o filho possa herdar sua herança, de última hora adotando como filho um crítico em ascensão e deixará sua herança para aquele que conseguir identificar primeiro doze vinhos especiais apelidados de "Doze Apóstolos" (com precisão) em um teste cego e concluir qual é o décimo terceiro vinho que ele chama de "As Gotas de Deus".

Detalhe: nunca em toda sua vida Shizuku provou sequer uma gota de vinho.

É basicamente um linha tipicamente shounen, com uma busca por algo valioso que exigirá que o herói multiplique sua "força" e derrote o rival.

Zuckr-cof cof, perdão, The Drops of God tem um escancarado defeito também típico dos shounes: Shizuku é anormal.

É como um Naruto, que aparentemente é um bucha mas guarda um grande poder imbatível dentro de si. O treinamento do pai fez com que o Shizuku tenha uma sensibilidade e talento extraordinários para odores e paladares além de memória visual, fazendo com que ele consiga diferenciar facilmente e com precisão qualquer vinho. Ele apenas não vence a disputa de imediato por sua falta de conhecimento. Não tem como ele dizer nomes que não conhece.

Isso torna tudo muito fácil para ele, basta apenas ele experimentar o máximo de vinhos e ir identificar os 10 vinhos especiais. Essa sensibilidade entretanto parece ser seletiva, ele não demonstra de forma nenhuma ser sensível a qualquer outro odor e paladar que não o dos vinhos. Ele é como se fosse o super homem com o nariz tapado e a língua amarrada, e só os solta diante de uma taça de vinho. Além disso, ele também tem um dom natural com as palavras para conseguir descrever as sensações provocadas pelos vinhos, algo que é chave para o divertimento proporcionado pelo mangá, final, é apenas através das palavras e poesias que o leitor pode desfrutar dos vinhos da história.

Isso me decepcionou um pouco, porém ainda assim é algo que pode ser relavado porque o mangá é bom.

Não preciso dizer muito para o leitor perceber que a série nos fará acompanhar Shizuku pelo japão e pelo mundo junto com sua parceira Miyabi em busca de conhecimento sobre o mundo e indústria do vinho. É uma linha de roteiro bem simples. O destaque são os personagens e as histórias contadas pelos vinhos durante essa jornada.

No primeiro volume podemos perceber que os personagens são bem realistas, mesmo aqueles mais excêntricos. O mais estranho é o "mestre" da Miyabi, o dono de bar Fujieda que só falta distribuir vinhos caros para as criancinhas na rua, LOL.

O grande destaque são os personagens que deverão vir e ir, cada um deles com uma história de vida que em algum momento chave foi marcada pelo encontro com um vinho.

No primeiro grande caso é apresentado um casal que nunca se formou e suas memórias do ano que compartilharem na juventude, quando se separaram com uma garrafa de vinho oferecida por um deles que teve seu significado mal interpretado pelo outro. Esse vinho raro específico oferecido pela mulher era o Cros-Parantoux, do Deus da Borgonha Henri Jeyer. Ao beber esse vinho o homem tem a visão de um campo de flores com uma mulher que apenas olha para ele antes de se afastar e desaparecer. Ele interpreta isso como uma despedida dela. 15 anos depois eles se reencontram e à mesa está o mesmo vinho.

Como isso pode ser divertido?

Lá atrás em mencionei que as histórias são construídas ao redor do vinho e que ele não é apenas um detalhes. Isso começa a aparecer nesse primeiro caso em uma busca do Shizuku e da Miyabi por um substituto a altura deste vinho especial depois de terem acidentalmente quebrado a garrafa do original. É uma corrida contra o tempo de dois cupidos tentando reconciliar o casal de apaixonados. Isso é feito através de muita falação extremamente nerd sobre vinho. Uvas, produtores, classificações, categorias, modos de preparo, terrenos, safras... O que faz The Drops of God ser bom é que ele consegue ser um misto de shounen de luta e mangá de esporte milenas chinês. As vezes você não faz ideia do que está acontecendo, mas os personagens estão tão empolgados e imersos naquilo que é contagiante. Talvez sejam as descrições articuladas. Eu também disse lá atrás que o Shizuku tem uma habilidade anormal com as palavras, e isso é necessário para a história funcionar.

Na primeira vez que Shizuku prova um vinho é com um '01 Chateau Mont-Pérat que ele descreve dessa forma:

"É poderoso, mas também senti uma doçura derretendo na língua seguida de uma acidez cortante e repentina. Como se os macios vocais roucos do Fred estivessem envoltos em profundos sons de guitarra e bateria pesada. Parece de alguma forma clássico, mas não é. É algo moderno - isso mesmo, isso é o Queen."

Um bom vinho é como um show do Queen.

Tem como criticar uma coisa dessas?

A escolha de palavras e comparações nas poesias descritivas dos vinhos são criativas, ótimas.

Causa uma excelente impressão e me surpreendeu a sensibilidade do roteiro na construção dos personagens. A tal operação cupido do casal separado por um vinho e consequentemente unido pelo mesmo, é um belo cartão de visitas do quanto a série leva a sério seu tema e no que acredita que um bom vinho é capaz fazer por e com uma pessoa. Da mesma forma que o casal se separou por serem imaturos, 15 anos depois diante da mesma situação eles acabam finalmente unidos por terem a maturidade necessária para tirar uma conclusão diferente da situação e da relação dos dois.

Igualmente um bom vinho precisa de maturidade para ser apreciado como se deve.

The Drops of God, independente do assunto que trata é um daqueles casos de história boa por si só, por mérito próprio, sem que precise se apoiar em alguma muleta como diferencial. É claro que os vinhos são um diferencial de The Drops of God, é um tema raro, entretanto não é golpe de marketing, é simplesmente uma boa história ambientada no mundo real, que ao acaso tem personagens envolvidos com o assunto.

Devo perguntar, há alguma diferença aqui entre ele e um bom shounen?

Por que as pessoas que só leem shounens fazem isso, não leem outros gêneros e dizem que não chatos, não são divertidos? Entendo que seja divertido e o que querem dizer com isso, eu também gosto de shounens fantasiosos mas não consigo viver apenas na fantasia, o mundo real também é divertido. Infelizmente um mangá como este e muitos outros são desprezados por milhões justamente pelas suas qualidades.

Eu acabei gostando de The Drops of God mais do que imaginava possível, mais do que gostaria até e imagino que seus leitores passaram por experiência parecida. Esse mangá é queridinho dos enólogos e enófilos do mundo todo por sua precisão de dados e por popularizar o assunto entre os leigos e desinteressados. Ele realmente aumentou a procura e vendas de vinhos raros no Japão e foi naturalmente recebido com todo o amor na França onde é publicado pela Glenat.

Este não é o único exemplo, recentemente presenciamos outro caso parecido com K-ON! que a despeito das críticas aumentou as vendas de instrumentos musicais e a procura por cursos de música.

Eu gosto muito disso, dessas histórias passadas no mundo real que podem ter um impacto real nele, diferente de obras de fantasia onde estou limitado a discutir jutsus e bijus imaginários.

Não estou provocando para você se sentir culpado, apenas para ter certeza de que vai ler a parte de que mesmo essas histórias chatas podem ser muito divertidas.

Caso isso não te convenceu, tem romance também.

Moe Moe Miyabi.

Minhas Leituras Cotidianas - Teppu

2012-03-04T20:06:00.001-03:00

Em apenas uma imagem para ilustrar quem é a protagonista e do que trata Teppu:

Queriam uma história com protagonista bom, forte e de personalidade? Aí está, essa grande filha da puta.

Teppu começa como mais um daqueles mangás colegiais quaisquer, aparentemente, com a protagonista se lamentando da sua relação com seus colegas de escola, da forma como é incompreendida e não tem nenhum objetivo na vida no momento para aproveitar melhor sua fase de colegial. Com uma pequena diferença: ela se lamenta de ser boa demais.
Sim, a tristeza dela não é por ser fraca, é por ser forte demais, acima da média das pessoas comuns.
Ela não é daqueles tipos de ficar parada sem fazer nada, ela é bem ativa, quando dá vontade de fazer algo ela vai lá e faz e não fica se matando para poder fazer a atividade direito. Isso causa um grande conflito nos clubes esportivos do colégio por onde a Natsuo passa, onde há muita gente se esforçando bastante para melhorar sua habilidade no esporte que escolheu e se tornar competitivo para não fazer feio nas competições e enquanto isso veem a Natsuo bundeando por lá no maior estilo Mané Garrincha. Ficam de implicância pela falta de dedicação dela nos treinos mas quando ela entra em jogo ficam reclamando para pegar leve.
Isso acontece com a Natsuo por ela ter nascido com talento.
É exatamente isso, ela é naturalmente boa e os problemas que ela enfrenta por ser abençoada desse jeito é de adaptação para viver entre as pessoas normais que tem que pensar e se esforçar para fazer coisas que para ela são banais.

Teppu é um mangá interessante por dois motivos.
Primeiro pela Natsuo, pelos motivos que descrevi acima. É como se fosse uma história sobre aqueles personagens antagonistas que o protagonista padrão dos shounens sonha em superar, um daqueles de personalidade bem irritante.
Só que por mais irritante e revoltante que possa ser em alguns momentos é algo bastante interessante de se ver já que raramente acompanhamos a trajetória psicológica desses personagens. Por que só os mocinhos e "pessoas de bem" podem trucidar os antagonistas? Eles podem ter atitudes questionáveis, mas não são necessariamente "maus", por que ele não pode obliterar, varrer o chão, humilhar, sambar na cara e fazer piada com o guerreiro da justiça que vai desafiar ele em uma luta justa? E sim, a Natsuo faz literalmente isso mais de uma vez, dá muita pena das coitadas que ela destrói, ainda mais que elas também não são nada fracas.
Vendo essas cenas eu ficava pensando porque é que a Natsuo fazia aquilo, daquela forma, com tanta "crueldade"? Entendo que em alguns casos não seria correto ela pegar leve, mas passa a impressão de ela ter muita maldade no coração. O único motivo claro de ela fazer isso é um só: ela pode. São poucos os que são capazes de fazer o mesmo que ela e se ela pode então é um desperdício não fazer. E esse é justamente o conflito interno da Natsuo. Sendo sempre tão boa em tudo o que fazia ela não conhece a sensação de recompensa, pelas vitórias virem tão fácil. E por esse motivo ela também não tem a sensação de satisfação pelo reconhecimento, porque as pessoas ficam com inveja e ressentidas dela. Não é fácil perder, principalmente quando você se dedica tanto por alguma coisa, e toda a hostilidade que a Natsuo sentia por suas vitórias foram construindo para ela um altar de desprezo pelos mais fracos.
A verdade é que ela se acostumou e criou gosto por isso e agora não quer perder essa posição de prestígio indo atrás de qualquer um que ameace a hegemonia dela e a história tem início justamente quando aparece esse desafiante.

O segundo motivo de Teppu ser uma leitura interesse é o contexto onde essa competição ocorre:

MULHERES DANDO PORRADA!

A história de Teppu começa com a chegada da garota Ringi Cordeiro ao Japão [nota - Nome ridículo. Quem pensou nele? Sério, nem para dar um apelido decente para a personagem], para estudar e lutar na liga feminina de lá e também no grande torneio das mais fodonas que será realizado lá.
Ela vai estudar na mesma escola que a Natsuo por ter uma amiga que estuda lá, que também é sua companheira de lutas e discípula do seu pai, o lendário Mario Cordeiro. Essa amiga é Yuzuko aka Macaquinha que fica empolgada com a vinda da amiga e decide abrir um clube de MMA na escola e naturalmente ela convida a Natsuo para participar, afinal, não tem como não ver uma garota enorme de cara emburrada passando na frente dela. A partir daí começa a relação de amor e ódio das duas... tá, só da Natsuo que imediatamente não vai com a cara da Yuzuko.
A Yuzuko não tem nenhum talento em particular ao que parece mas a dedicação que tem pelo esporte dá resultados isso acorda o Pica Pau que a Natsuo tem no coração. Depois de muito tempo ela tem um objetivo para correr atrás que é quebrar os ossos da Yuzuko. E para isso ela se envolve com o MMA feminino profissional.

Até aonde o mangá está a Natsuo ainda não foi muito longe, ela é uma novata e está começando naturalmente de bem baixo.
É bacana ver o submundo do esporte, as regras, como funcionam os torneios e tal, e também a diferença entre a modalidade feminina e masculina. Na masculina é só espetáculo e rios de dinheiro, mas a feminina tristemente é bem pobre. Pode-se dizer que a série humaniza um pouco o esporte ao mostrar que por ser algo pequeno os lutadores todos se conhecem e costumam a maioria treinar junto, e também, a grande maioria principalmente no caso das mulheres são pessoas bem comuns. Muitas da lutadoras de Teppu são donas de cada e secretárias que nos finais de semana se divertem nos ginásios e se aventuram nos torneios.
Sobre as lutas eu posso dizer que são boas, eu pude sentir que o autor sabia o que estava desenhando, ele tem boas noções de como funciona uma luta de verdade, tanto o combate direto quanto o confronto no chão com agarramentos. Algumas horas é como ver um passo a passo daqueles agarramentos infinitos do King de Tekken. Dá para aprender algumas coisas ali.
Se ainda tudo isso vai levar, se vai ser um slice de mulheres se agarrando ou se tem um objetivo, a segunda opção é verdadeira, há um objetivo claro para as personagens de Teppu e não vai demorar muito para chegar nele. Caso não queira continuar lendo um mangá infinito, dá para acompanhar tranquilamente pelo menos até o fim dessa fase. O que mais pode impedir de ler são as ideias da Natsuo, não duvido que algumas pessoa cof cof Martec cof cof... vai se incomodar bastante e não será nenhuma surpresa.
As ideias da Natsuo são um pouco estranhas no início, não é algo que estejamos acostumados a ver sempre, mesmo que isso também seja um atrativo, objetivos tão egoístas como querer ser melhor que os outros e humilhá-los. Nas próprias palavras da Natsuo ela está feliz porque tem alguém que ela quer fazer lamber os pés dela.

O que mais deixa curioso sobre a Natsuo é que ela é mesmo uma boa personagem.
Ela tem um ar superior em torno dela e isso é planamente justificado porque ela de fato é superior. Geneticamente ela é privilegiada, uma japonesa mais alta que a média e de corpo forte, fortalecido pelo karate que praticou durante a infância. E não é apenas músculos, ela tem uma cabeça boa também, é calma, centrada, metódica. Algo que ela percebe quando entra no MMA é que lá o esforço importa. Ela pode ter talento mas sem a manha do esporte é difícil de ela vencer alguém que saiba o que faz no ringue. Isso transforma a vida dela, ao finalmente encontrar algo em que ela precise se esforçar para ser boa. Investindo nisso ela ainda consegue manter a calma que tem permitindo tirar proveito de seu talento natural, e ainda é sacana de esconder o jogo com resultados devastadores.
Sabe como acontece no final de um arco em que o herói todo acabado tira uma carta da manga e vira o jogo? É por aí.
Isso faz com que ela seja um pouco misteriosa, não dá para ter certeza do que ela vai fazer, ainda mais que sabemos que ela tem seus segredos, um em particular que parece ser todo o responsável por ela ser quem é hoje e o mais intrigante, sempre que esse segredo passa por perto dela ela se transforma em outra pessoa totalmente diferente. Quem é a Natsuo que aparece nessas horas? E como ela realmente é no fundo? Ou é só um trauma que ela tem para superar?

Uma incógnita são as outras personagens personagens da história, todas mulheres "fortes" como a Natsuo e cada vez mais putas com ela.
Muito sangue ainda será derramado nessa história.

JManga se expande para o mundo - Fodeu, o futuro chegou.

2012-02-29T12:15:00.001-03:00

Não vi muita gente comentar além de eu mesmo, ontem, a notícia do ano até agora.

O serviço de distribuição digital de mangás JManga iniciou a operar internacionalmente. Antes, acessível apenas por IPs da América do Norte, os servidores passaram a permitir que qualquer um em qualquer parte do mundo acesso o site. Clique na imagem e veja por si mesmo.

Hoje mais notícias: foram anunciamos muitos novos mangás disponíveis no catálogo, todos seguindo a ideia do serviço de oferecer mangás nunca antes disponibilizados em língua inglesa e restritos ao japão, e nada de apenas bizarrices, simplesmente mangás bons, que me diga meu querido Hoshi no Samidare que está entre eles (NÃO! Será que isso vai impedir ele se ser publicado por uma editora física? Por favor alguém me diga que não, por favor!)

Essas notícias parecem indicar uma tendência do mercado, não deve ser coincidência que essa abertura tenha vindo tão logo depois da ação da Viz contra o Mangastream. Finalmente o marcado acordou para a necessidade de os leitores serem supridos com novas séries em tempo hábil. As editoras estão parando de brigar para apenas matar os scans e estão se esforçando para tomar o lugar deles.

A representação oficial finalmente chegou.

A distribuição digital é uma realidade e agora também poderemos ter o privilégio de acompanhar o shounen semanal ao mesmo tempo que os japoneses.

Isso é bom? Sem dúvidas que sim, mas é bom que todos os interessados fiquem de olhos abertos porque essa nova fase exigirá mudanças de hábitos, dolorosas para alguns.

Assim como a edição, qualidade de acabamento, e distribuição dos mangás físicos varia de editora para editora, o mesmo acontece com a distribuição digital, cada serviço é diferente.
No caso do JManga posso dizer que não gostei muito. É menos um serviço onde você pode ler mangás e muito mais um serviço de venda de emangás. Ele funciona em um sistema de compra de pontos. Você paga uma mensalidade e ganha pontos mensais para gastar nos mangás oferecidos. Cada capítulo é vendido separadamente e você também tem a opção de comprar logo o volume inteiro. O problema é que o serviço é de leitura online, não encontrei em lugar nenhum opção de fazer o download dos mangás comprados para ler em um leitor externo. Quiser ler, entre no site e leia via internet. Obviamente isso vai desagradar a muita gente, muita. Ainda mais que ele ainda não tem nenhum aplicativo de leitura para aparelhos móveis. Some-se a isso os preços, 10 dólares por 1000 pontos, e cada volume custa 500 no mínimo. 5 dólares por volume que eu só posso ler pela internet? Quer dizer que eu pago 10 dólares por um serviço que só me permite ler dois volumes por mês? Insano.
Me corrijam se eu estiver errado nessas informações, por favor.

Viram como é algo complicado de avaliar?
É muito bom que finalmente muitos mangás que antes ficariam restritos ao japão se tornarão disponíveis para nós, só que pelo menos via JManga não temos nenhuma outra vantagem comparado o que os scans nos oferecem. Não é questão de preços, é questão de comodidade mesmo, mangá digital deveria ter uma leitura mais flexível, me prender a um site não é nenhuma vantagem. É como se eu alugasse um mangá físico e só tivesse permissão de ler sentado na poltrona da sala com a postura correta, durante o dia com as janelas abertas para iluminar bem o ambiente e só em um determinado horário em que eu pudesse ficar concentrado na leitura. Qual a vantagem disso? As vantagens do mangá digital que eu aprendi com os scans foram que eu tenho o conforto de ler na hora que quiser na situação que quiser na posição em que eu quiser. Quem aqui com um smartphone não lê mangá entre as viagens de um lugar para outro? Apenas abre um programinha, seleciona um volume dos vários que tem no cartão SD e começa a ler. Com o JManga eu poderei fazer isso?

Não tenho dúvidas que assim como o JManga tem pontos a favor ele também tem vários contra para muitos potenciais consumidores de seu conteúdo.
Esse é o futuro que nos espera?

Vários serviços dos que estão disponíveis hoje tem suas qualidades, como as já apontadas aqui, mas o ideal seria que todos tivessem e correspondessem a alguma qualidades e expectativas básicas.
Essas qualidades seriam:

Catálogo variado;
Preço atraente;
Acessibilidade do acervo comprado e conforto ao ler.

JManga só tem o primeiro.
Ele fica um meio termo entre ser um site de leitura e de venda de mangás.
Por mais boa vontade que eu tenha por um serviço que vai enviar parte da minha mensalidade para os autores das obras, eu não pagaria por isso a não ser em um momento de desespero por algum mangá muito raro. Ainda tem muito o que melhorar.

Desses novos serviços de distribuição digital, o primeiro que deverá chegar até nós é o Crunchyroll.
O produto dele é diferente, animes, e até onde vi ele tem correspondido satisfatoriamenente àqueles três itens acima.
O catálogo é mais variado do que se pensa, não tanto, mas temos algumas pérolas disponíveis.
O preço é bem mais justo, paga e assista o quanto quiser, além de liberarem o acesso ao acervo antigo para todos mesmo os não assinantes.
A acessibilidade é adequada. Catálogo organizado de forma simples, escolha o episódio e comece a assistir. No caso de vídeos é importante a velocidade de estabilidade do streaming e o serviço deles é excelente. Oferece desde qualidade de youtube carregando mais rápido do que ele até 1080p. Cabe a cada um escolher a qualidade que melhor se adapta a sua internet, mas digo que mesmo quem tem uma miserável 1mb não terá problemas lá. Quando ele estiver disponível por aqui não creio que o povo terá problemas para assistir aos episódios, eles irão carregar tão rápido quanto o tempo para baixar um rmvb safado.
E este é outro problema dos serviços de mangá online.
Como é um serviço sério e profissional, a qualidade oferecida é a melhor possível, afinal os mangás são escaneados dos arquivos originais. Isso significa páginas de melhor qualidade E de tamanho maior em kilobytes. No Crunchyroll, você inicia um episódio, pausa o vídeo e vai no banheiro ou pegar alguma coisa para beber. 5 minutos depois você começa a assistir e vai até o fim do episódio sem nenhuma travada nele, isso na pior conexão possível. Existe uma maior tolerância para lentidão por termos o senso comum de que um arquivo de vídeo é mais pesado para carregar, mas com um mangá não, ele tem que ser leve, carregar rápido. Assim que você clica em virar a página a próxima deve aparecer na sua tela em no máximo 1 segundo. Mais que isso você fica com a impressão de que o serviço é lento. Para entender do que estou falando, acesse o site do selo Ikki da Viz e leia algum capítulo aleatório lá: http://www.sigikki.com/
Caso sua conexão seja de apenas 1mb as páginas não carregam rápido o suficiente, mesmo que as próximas estejam sendo carregadas enquanto você lê, elas são pesadas, demoram. Em um leitor online de algum scan aleatório as páginas estão em uma menor qualidade e maior compactação fazendo com que o carregamento delas seja mais rápido. Se o serviço oficial não for tão rápido causará estranhamento.
Claro, isso é só um temor pessimista, mas é algo para se ficar de olho.

No final das contas fico satisfeito por ver o cenário mudando, crescendo e amadurecendo.
Mas daí para ficarmos satisfeitos vai ser muito chão ainda.

Eu ia fazer uma enquete, mas o Nisishima não deixa.
Então diga nos comentários: você assinaria o JManga nestes termos oferecidos por ele?

Minha resposta é não.
Eu preferia ter uma loja online onde eu pudesse ter acesso diretamente ao catálogo das editores onde eu pudesse escolher um mangá e fazer o download dele em forma digital que eu pudesse ler em vários aparelhos.

Oitavas Impressões - Another [PA Works]

2012-02-28T07:37:00.000-03:00

Minha reação com esse episódio.
Episódio da praia é o pior mal do animes, de longe, muito pior que o moe moe kyun.
Em Another foi pior porque:
não teve fanservice;
a Mei não tem peito;
não teve fanservice;
música chata de elevador;
não teve fanservice;
nenhuma vida marinha foi morta para fazer esse episódio;
não teve fanservice.

Só o início e final prestou e não tem mais dúvida que o morto é a Reiko, ou no mínimo a série faz de tudo para acreditar que é ela.
Se as evidências não te saltaram a vista e bateram no seus olhos, arranqueos, porque você é muito burro. Na dúvida pergunte nos comentários.

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