Super Music Index

Circle Jerks "Group Sex "

2008-04-03T01:40:00.005-03:00

Circle Jerks "Group Sex"

1. Deny Everything
2. I Just Want Some Skank
3. Beverly Hills
4. Operation
5. Back Against The Wall
6. Wasted
7. Behind The Door
8. World Up My Ass
9. Paid Vacation
10. Don't Care
11. Live Fast Die Young
12. What's Your Problem
13. Group Sex
14. Red Tape

Este disco está -sin duda alguna- entre los mejores discos reseñados en esta selección por una serie de factores. Pero por encima de todo lo que hace grandioso a este disco resulta una obra poderosa, contundente e impactante. Lo que fue definido como "el declive de la civilización occidental" por la documentalista Penelope Spheeris tiene como protagonista a esta banda junto a contemporáneos como Black Flag, Germs y Fear entre otros. Este documental, al igual que otros como American Hardcore, muestran la contradicción de que lo que es considerado lo más bajo, al mismo tiempo puede ser una manifestación elevada del genio musical de una era.
En un Estados Unidos que se sumergía en una era conservadora impuesta por el gobierno de Reagan y un nuevo boom de crecimiento económico y de consumo, un reducido número de sujetos que no se integraban o eran excluidos de la promesa américana gestaban un movimiento que influenciaría profundamente la música y el espíritu de rebeldía de nuestro tiempo.
Al comienzo decíamos que existían muchas razones que hacían de este disco una gran obra de arte.
En primer lugar las canciones. Las 14 canciones son excelentes. El sonido es completamente original. Furioso. Bellamente desprolijo. Un sonido que a pesar de ser producido por jóvenes inexpertos en un campo aún sin explorar, se resuelve con mucha pericia.
Un disco con mucho rítmo. Donde todas las canciones tienen un enfoque rítmico ecléctico dentro del esquema clásico del genero. Hay cambios de rítmos interesantes. Cortes. Estribillos memorables. La música de Circle Jerks posee mucho rítmo, lo que invita a bailar el clásico pogo como es descrípto en muchas imágenes que presentaba la banda en el arte de sus discos y los bolantes y afiches de sus recitales. Acontecimientos legendarios en la California de comienzos de los 80. Un pequeño paraiso suburbano que entraba en una bonanza económica y una era conservodora impuesto por su ex-gobernador, el actor Ronald Reagan.
En una tierra de felecidad un grupo de inadaptados se reunía en los márgenes creando una comunidad con nuevos códigos. El código que aquí analizamos -la música- manifestaba todo el odio y rabia que sentian contra el sistema que se les era impuesto. En cierto sentido la música de Circle Jerks es la vanguardía, la primera línea de ataque en este movimiento de resistencia. La música de Circle Jerks -incluso en comparación con Black Flag- es más agresiva, que buscaba un efecto de levantamiento, rebelión contra la autoridad. En este sentido hay casi un aspecto práctico de esta música. Por ejemplo la canción "Deny Everything" puede ser interpretada como un consejo práctico. "Negá todo". "Soy inocente hasta que se pruebe lo contrario: Negá todo!" Un consejo muy útil.
Es muy curiosa la canción que le da nombre al disco: Group Sex. Básicamente es un comercial, un aviso radial, de un lugar para tener sexo grupal. Incluso dejan el teléfono para que llamen: 213-659-3756.
Por sobre todo, este disco es Conciso. En menos de 20 mínutos se extingue dejando la necesidad de escuchar más de este testimonio que revive la valentía que encierra la historia de David y Goliath. El pequeño se enfrenta sin miedo al gigante. En esta historia David no puede con Goliath, pero eso no logra aplacar su enojo.

The Police "Ghost in the machine"

2008-03-10T00:07:00.003-02:00

The Police "Ghost in the machine"

1. Spirits In The Material World
2. Every Little Thing She Does Is Magic
3. Invisible Sun
4. Hungry For You (J'Aurais Toujours Faim De Toi)
5. Demolition Man
6. Too Much Information
7. Rehumanize Yourself
8. One World (Not Three)
9. Omegaman
10. Secret Journey
11. Darkness

Lo que hace que este disco clasifique en esta lista se debe menos a la popularidad que ha tenido tanto the police como Sting -tampoco le resta- que la fusión musical que se estaba gestando prematuramente en este trío inglés. Esto se puede relatar así porque vemos la película desde el final, después de la vuelta de esta banda, después de los supershows, después de la campaña de medios para re-instalar a la banda.
A pesar de todo esto, dejando de lado el punto de vista particular desde el momento en que realizamos la retrospectiva, no podemos dejar de sorprendernos, al menos sentir algo -quitando la nostalgia (si fuera posible)- con la música de este disco.
La forma en que este trio ensambla su música, la manera en que llenan el silencio del vacío de forma mínima, con la ornamentación necesaria, trazos sugestivos, rítmos animados, melodías memorables, armonías complejas y accesibles. Convergencia es una palabra que nos puede servir para señalar el efecto de encuentro que se escucha en este disco. La convergencia de géneros, como el rock, el pop, el reagge y el jazz.
Todo esto presentado con mucha vehemencia, como si esto no fuera pura casualidad. Como si admitiaran que esto no es así por casualidad. Como si esto fuera algo premeditado. El mismo título "Ghost in the machine" es una categoría filosófica acuñada por Gilber Ryle. En este acto de acuñación Sting casi como resistencia -en sentido del psicoanálisis- se muestra parte como un maestro de literatura, parte como músico y como un ciudadano liberal preocupado de los asuntos de la política. Este elemento -liberal- simplemente señala el tono de la crítica, que es más bien reformista que revolucionaria. Tal vez esto propicio un alcance tan masivo para la música de esta banda.
Volviendo a la música, al aspecto interpretativo, cabe destacar la maestría de Sting, Andy Summers y Stewart Copeland para interpretar sus instrumentos. El abordaje tan particular que tienen para interpretar su instrumento, de la mano del genio compositivo de Sting hacen que esta música sea clásica en términos de su poder de trascendencia, ya sea en términos de la memoria auditiva, su popularidad, lo que sea.

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Frank Zappa "Joe's garage, Acts I, II & III"

2007-08-21T07:04:00.001-03:00

Frank Zappa "Joes garage, Acts I, II & III"

1. The Central Scrutinizer
2. Joe's Garage
3. Catholic Girls
4. Crew Slut
5. Fembot in a Wet T-Shirt
6. On the Bus
7. Why Does It Hurt When I Pee?
8. Lucille Has Messed My Mind Up
9. Scrutinizer Postlude
10. A Token of My Extreme
11. Stick It Out
12. Sy Borg

Este es más que un gran disco de rock. Es una epopeya dramática. Este disco tiene más forma de obra de teatro que de disco, algo que queda aclarado en el título. Joe's garage es una especie de West-side story del rock. En este disco la historia es contada como comic pornográfico. Frank Zappa logra caricaturizar las grandes amenazas de las sociedad norteamericana con una mirada profundamente crítica y con un música frenéticamente arreglada con un genio de dimensiones solo comparable al de pocos compositores contemporáneos.
El humor dramtúrgico es un vieja herencia de los Mothers of invention y con foco porsupuesto escenico.
En Joe's Garage Frank Zappa ha logrado una madurez que le permite ahora plasmar la obra de teatro en un disco. Uno, al escuchar este disco puede seguir la historia de Joe, un muchacho común y corriente que se encierra por las tardes con sus amigos en el garage de su casa para hacer música. Joe tiene una novia, una chica católica. Esto da pie a una grán satira del "tipo": "chica católica". Como siempre Zappa ataca a los esteriotipos de los roles que le asigna la sociedad a la mujer. Como siempre el ingenio de Zappa nos está desafiando. La melodía de esta canción es la misma de la canción "Jewish Princess", donde realiza la misma actividad crítica pero con otro estereotipo de mujer.
A Joe y sus amigos le va muy bien con la banda. Pero por alguna razón la sociedad necesita reprimir, a través de "scrutanaizer central" -una especie de robot volador que se asegura que se cumplan las buenas costumbres y que no se toque música.
En esta gran obra músical que tiene todo lo que hace caracteriza a Zappa, mucha improvisación, canciones con letras muy ocurrentes. Grandes arreglos de coros vocales.
Una gran historia contada con música muy bella.

Megadeth "Peace sells...but who's buying"

2007-08-03T01:20:00.001-03:00

Megadeth "Peace sells...but who's buying"

1. Wake Up Dead
2. The Conjuring
3. Peace Sells
4. Devil's Island
5. Good Mourning / Black Friday
6. Bad Omen
7. I Ain't Superstitious
8. My Last Words
9. Wake Up Dead (Randy Burns Mix) - previously unreleased
10. The Conjuring (Randy Burns Mix) - previously unreleased
11. Peace Sells (Randy Burns Mix) - previously unreleased
12. Good Mourning / Black Friday (Randy Burns Mix) - previously unreleased

Una de las bandas que ocupa el podio del metal junto a Metallica -banda en la que Dave Mustaine fue miembro integrante-, Slayer y Anthrax. Megadeth supo distinguirse en el mundo del metal con un sonido muy personal y un estilo de composición muy intrincado.
Una gran banda que debido a ciertos defectos de personalidad del gran líder Mustaine, como su debilidad por las drogas y el alcohol, ha tenido una discografía errática. La discografía de Megadeth es un tanto irregular, salvo la última etapa que logró cierta estabilidad.
A pesar de esto, Megadeth supo sacar discos épicos. Y si hay un disco épico de Megadeth es éste.
Con un estilo de composición que roza el barroco. Canciones intrincadas, con muchas partes, secciones, puentes y solos prodigiosos de la mano de dos grandes guitarristas como Chris Poland y Dave Mustaine.
Esta sofisticación compositiva es combinada con un terrible rabia que caracteriza al "colorado" Mustaine.
Un disco con grandes canciones. Y si hay grandes canciones esa es la que le da título a este disco. La canción "Peace sells...but who's buying" sigue erizándome la piel.
La letra lo dice todo.
A pesar que no podemos decir estríctamente que el metal sea música de protesta. Megadeth en este disco -aunque no lo podamos generalizar para todo el género- demuestra que el metal puede ser vehículo de cuestionamientos políticos importante.

What do you mean, "I don't believe in God"? / Que quieres decir con que "no creo en dios"
I talk to him every day. / Hablo con él todos los días.
What do you mean, "I don't support your system"? / Que quieres decir con que "no apoyo tu sistema"
I go to court when I have to. / Voy a la corte cuando tengo que hacerlo.
What do you mean, "I can't get to work on time"? /Que quieres decir con que "no puedo llegar al trabajo a tiempo"
I got nothing better to do / No tengo nada mejor que hacer
And, what do you mean, "I don't pay my bills"? Que quieres decir con que "no pago mis cuentas"
Why do you think I'm broke? Huh? / ¿Porque crees que estoy quebrado? ¿Eh?

If there's a new way, / Si hay un nuevo camino.
I'll be the first in line. / Voy a ser el primero en línea
But, it better work this time. / Pero mejor trabajar esta vez.

What do you mean, "I hurt your feelings"? / Que quieres decir con que "herí tus sentimientos"
I didn't know you had any feelings. / No sabía que tenías sentimientos.
What do you mean, "I ain't kind"? Que quieres decir con que "no soy bueno"
I'm just not your kind. /simplemente no soy tu clase de bueno.
What do you mean, "I couldn't be president, of the United States of America"? / Que quieres decir con que "no puedo ser el presidente de Estado Unidos"
Tell me something, it's still "We the people", right? / Decime algo, acaso todavía "nosotros la gente" ¿No es así?

Can you put a price on peace? / Le podés poner un precio a la paz.
Peace, / Paz

Peace sells..., / Paz en Venta.

En estos renovados tiempos de guerra una pregunta desesperada.
PAZ EN VENTA ¿PERO QUIEN COMPRA?

John Scofield "Groove elation"

2007-08-03T01:10:00.001-03:00

John Scofield "Groove elation"

1. Lazy
2. Peculiar
3. Let the Cat Out
4. Kool
5. Old Soul
6. Groove Elation
7. Carlos
8. Soft Shoe
9. Let it Shine
10. Bigtop

John Scofield forma parte de la realeza del Jazz. Este guitarrista que supo templar un estilo único nos presenta en este disco una muestra un rango muy variado de groove. Si hay algo que Scotfield tiene es rítmo. Fraseos únicos, que nos cambian la marca escurridísamente.
Scotfield sabe tocar blues, con groove, jazz, con groove, y funk con groove.
El partener de músicos como Miles Davis, Jaco Pastorius e incluso Medesky Martin & Wood, despliega en este disco de 1995 todo su arsenal de guitarra.
Música con mucha sustancia en claves standard. Pero si hay algo que no es el sonido de Scotfield es Standard. No puede tocar ni el blues derecho. Pero esto más que un defecto es una virtud.
La música de Scotfield es como la pintura de Picasso. Uno no tiene que intentar ver las formas de manera convencional, sino dejar volar la imaginación para que los silencios, las notas que nunca se tocan terminen de pintar la melodía.
Fraseos muy entrecortados. Pasos en fálsos. El canto embriagado.
La música de Scotfield encierra un espíritu dionisíaco. Y en esa fascinación, en esa intoxicación de la música que encontraremos la esencia de la verdad a través de lo sublime.
"Groove elation" es un disco que nos invita a leer el banquete de Platón para encontrar la esencia de la verdad de la música de Scotfield.
Descontamos el talento y virtuosismo de este guitarrista. Una originalidad que lo descubre a las pocas notas. Un sonido inconfundible y una gracia singular.
Un disco que puede tentar una escucha analítica. Una tentación ineludible en tan atractiva métrica.
Para saborer de forma más simple y plena esta música basta con encontrar el beat, el rítmo, el golpe donde toda la libertad anárquica se encuentra sincrónicamente. La escencia del groove.

Jamiroquai "Emergency On Planet Earth"

2007-07-28T19:00:00.002-03:00

1. When You Gonna Learn (Digeridoo)
2. Too Young To Die
3. Hooked Up
4. If I Like It, I Do It
5. Music Of the Mind
6. Emergency On Planet Earth
7. Whatever It Is, I Just Can't Stop
8. Blow Your Mind
9. Revolution 1993
10. Didgin' Out

Una verdadera sorpresa. No lo vimos venir. Simplemente apareció. Esta banda que hacía una especie de música disco, que era mucho más que eso. Que tenía mucho groove, como las verdaderas bandas de funk, casi te diría tanto como Parliament y James Brown. El tema es que eran blanquitos e ingleses. Un sonido muy contemporáneo, un personaje que usaba sombreros extravagantes y bailaba con mucha destreza, y un mensaje ecologista con una mirada muy singular.

Jamiroquai nos hizo bailar durante la década del 90 mientras que al mismo tiempo nos anunciaba que a este rítmo ibamos a destruir el planeta y nos llamaban a hacer algo al respecto. Nosotros solo nos quedamos bailando. De todas maneras aquí podemos reconocer como la música funciona como vehículo para mensajes. En este caso, salvemos la tierra.
Estos muchachos hablaban sobre la ecología antes de que se pusiera de moda "Unconvinient truth", además lo hacen con mucho más rítmo y con una visión que tal vez solo y apenas podíamos entreveer en los dibujitos animados (cartoons) donde los niños del mañana deberían habitar otros planetas. En este sentido, el discurso ecologista de Jamiroquai adquiere una dimensión cósmica.
Esta banda conjuga el espacio y lo primitivo del hombre, tal vez con una visión un poco Roussoneana al hacer referencia a los discos Iroquai en su nombre.
Jamiroquai, significa basicamente esto, un Jam de indios Iroquai, una zappada trivial, en la selva.

Corrosion of Conformity "Wiseblood"

2007-07-28T18:26:00.001-03:00

Corrosion of Conformity "Wiseblood"

1. King Of The Rotten
2. Long Whip / Big America
3. Wiseblood
4. Goodbye Windows
5. Born Again For The Last Time
6. Drowning In A Daydream
7. Snake Has No Head, The
8. Door, The
9. Man Or Ash - (with James Hetfield)
10. Redemption City
11. Wishbone (Some Tomorrow)
12. Fuel
13. Bottom Feeder

Aquí lo que predomina son dos cosas. La primera es la mística. La segunda el tema "Fuel" que es una de las cosas más grandiosas que escuché en mi vida.
Empecemos por la primera. Corrosion of Conformity (C.O.C) es una de las bandas iniciadoras del Hardcore en el medio oeste de los Estados Unidos. Estos muchachos son de Carolina del Norte y fueron la principal fuente de inspiración e influencia para el Hardcore dentro de su sona geográfica de influencia.
Esta banda siempre se destacó por su originalidad. Incluso en sú época de Hardcore, porque sin duda Corrosion of Conformity también tuvo y tiene un momento que es muy diferente a los comienzos a principios de los años 80. La música que hacían entonces era realmente especial. Si quieren entender la noción de acontecimiento en el sentido que le asigna Martin Heidegger, escuchar los primeros discos de C.O.C ayuda mucho. Sin duda un acontecimiento singular.
Ahora se podrán preguntar porque en vez de publicar aquí este disco no presento Animosity o Eye for an eye.
Sin duda este disco de 1996 asimila lo mejor de todos los discos anteriores. La música y el estilo han mutado a un HardRock, a un Heavy Metal muy roquero. Tal vez más cercano -y esto discho de manera muy precaria, porque todas estas bandas son únicas- a Rage Against the Machine y Audioslave. Sí, sin duda una acertación polémica. Pero una vez que escuchen los riffs entrecortados, el groove, el rítmo y la composición, a partir de riffs, que juegan con un simplicidad pero con una gracia y un estilo únicos.
Este disco presenta a un músico invitado, James Hetfield de Metallica en la canción "Man Or Ash". Esto ya de por sí dice algo sobre el virage de C.O.C.
Bottom feeder(El Que Come Abajo)también es una canción muy interesante con un mensage que revela el origen de la furia del espíritu (y por quintigésima vez, no soy hegeliano) de Corrosion of Conformity. Si tuviera que resumir en una oración de que se trata el mensaje de C.O.C, diría "Maten a la realeza". Ojo, no tenés que tener sangre real para que estos pibes quieran bajarte de un ondazo.

La segunda razón era la canción "Fuel". Cuando escuché esta canción (vale la pena la anécdota)en un complilado en el que había tirado a manotazos canciones de bandas pesadas que no escuchaba hace años, como Cro-Mags, Black Flag, Bad Brains, etc.; me estremecía. Estaba, digámos, en el colectivo, en algún lugar así, y de repente, sin que supiera que cargaba conmigo con una joya semejante como esta canción. Derrente, la cuenta de la batería, y después de una breve introducción arranca el más corrosivo Hardcore. De repente, vuelven al mismo rítmo de medio tiempo típico de C.O.C, aceleran un puco más, como en una canción de Metal, pero se desbocan y empiezan a correr como locos, como si estuviéramos de vuelta en los 80. Pero, hay un corte, muy sofisticado y entra un rítmo con un groove, en el que cada uno de los integrantes de la banda contribuye de una manera única. Pero el que marca la cancha, el que realmente se destaca como un gran músico es el baterista Stanton Moore. Stanton Moore es un excelente baterista. Si les gusta la batería este tipo les va a abrir los ojos. Cuidado, tal vez lo haga de un gancho a la mandibula. Pero el que quiere peces, que se moje el culo (Dicho Popular).

Señores, un disco de HardRock, Heavy Metal a lo sumo, que esconde un compendio de la música pesada en la canción "Fuel". El disco es muy bueno, pero esta canción es una pieza arqueológica en la que cristaliza buena parte de la música de protesta en una sola pieza.

Frank Sinatra & Antonio Carlos Jobim "Sinatra - Jobin"

2007-07-22T21:38:00.001-03:00

Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim "Sinatra - Jobin"

1. The Girl From Ipanema
2. Dindi
3. Change Partners
4. Quiet Nights Of Quiet Stars
5. Meditation
6. If You Never Come To Me
7. How Insensitive
8. I Concentrate On You

9. Baubles, Bangles And Beads
10. Once I Loved

Se me hace muy intimidante hablar sobre este disco. Este no es otro disco, un encuentro vanal, un hecho intrascendente. Esto no es joda. Este disco es pesuqui, pesuqui, pesuqui. Una obra clásica consagrada, indispensable y de un calibre y sustancia sobrecogedora.
Un disco despojado, donde con lo necesario se logra lo extraordinario. Sutileza, sofisticación, encanto. Estos son los atributos de la música de este disco.

Pero este disco es más que música. Es también grandes personalidades, tan grandes como Frank Sinatra y Antonio Carlos Jobim. Sin duda estos nombres pueden inscribirse en los grandes anales de los grandes músicos junto a Gershwin, Piazzolla, Frank Zappa, los Beatles y Jimi Hendrix. Y como podrán ver esta selección no reconoce el género. Esto significa que esta consideración va más allá del Jazz, la Bossa Nova, la balada, la canción. Estos son dos gigantes de la música que se encontraron dando lugar a un acontecimiento que pudo ser documentado en este disco que capta el encuentro.
Dos hombres que provenían de dos lugares diferentes, con una lengua diferente. Existe una gran brecha entre Brasil y Estados Unidos. Dos hombre que a pesar de la geografía hablaban un lenguaje común: la música.

Una conversación muy virtuosa, en la que predomina el respeto, donde hay una gran "escucha" del "otro".

Este disco no solo muestra la madurez de estos musicos, sino también cierta madurez "musical" de dos pueblos como el de Brasil y Estados Unidos. Está presente esta marca nacional, un pulso nativo que logra articularse manteniendo lo genuino de cada voz. De hecho esta cantado en inglés y portugués.
Es también un disco que puede despertar cierta nostalgia de un momento donde en el cono sur -y con mayor énfasis en los paises australes- se tenía una visión de porvenir y bienestar que el futuro supo pisotear.
Pero al menos nos queda la música y el espíritu (sin querer pecar en absoluto de hegueliano, ni "Nitszche-wagneriano") que ella transmite. Me puse un poco pretencioso ¿no?

En definitiva, un super disco, un discazo, una masa, grosso (grosísimo), un flash. Lo tenés que escuchar. Bah, digo.

Wayne Krantz "Live in Oslo 1998"

2007-07-18T03:19:00.001-03:00

Wayne Krantz "Live in Oslo 1998"

1. Track 1.
2. Track 2.
3. Track 3.
4. Track 4.
5. Track 5.
6. Track 6.
7. Track 7.
8. Track 8.

Ante todo empezar por aclarar que este disco no existe, en el sentido que nunca se lanzó por ningún sello discográfico. Y para ser honesto con Ustedes no se si incluso hay muchos discos de este muy original guitarrista que Wayne Krantz.
En principio diría que son dos los discos de este músico de gran trayectoria los que podemos conseguir. "Signals" y "Two drink minimal" título que pone al descubierto un sentido del humor muy cálido, cuando no hace otra cosa que reirse de su propia situación, de ser un músico relegado al circuito de los bares, donde la entrada al show es consumir por lo menos 2 tragos.
La música de Krantz tiene una gran personalidad y su enfoque muy singular. Su música siempre nos está desafiando, pero nunca de forma confrontativa, sino que lo hace mostrándonos nuevos rítmos, nuevas cadencias, dentro de progresiones convencionales de jazz fusion.
En este sentido Wayne Krantz lleva el jazz fuision a nuevos ámbitos rítmicos, que tampoco son étnicos.
Krantz logra desarticular el groove y presentarlo de una manera completamente innovadora.
Su música no guarda demasiados secretos. La formación de este trio con batería, bajo y guitarra lográn dar un importante volúmen.
Como dijímos anteriormente, este disco es una grabación en vivo que no intentaba ser lanzada como disco. A pesar de esto la calidad de audio nos permitirá tener una idea muy bien acabada de que se trata la música de este guitarrista tan excepcional como original.

Emerson Lake & Palmer "Trilogy"

2007-07-18T02:50:00.001-03:00

Emerson Lake & Palmer "Trilogy"

1. Endless Enigma (Part One),
2. Fugue Listen Listen
3. Endless Enigma (Part Two), The
4. From The Beginning
5. Sheriff, The
6. Hoedown
7. Trilogy
8. Living Sin
9. Abaddon's Bolero

Entiendo que puede ser un poco intimidante. Ante todo el nombre suena a epopeya. Emrson, Lake y Palmer, esos nombres suenan a próceres. Personas que hicieron algo más grande que ellos mismos y serán recordados e inmortalizarados en bronce. Tal vez esa imagen de fantasía se realice facticamente. Tal vez, mi amigo John Lire del Blog "el ladrón de links" insistirá en que otra vez estoy exagerando. Como siempre es posible que tenga razón.
Sin embargo esto no tiene nada que ver con la tremenda sustancia de la música de este trio.
Ya que estamos diciendo cualquier cosa, permítanme una metáfora desaforada. Emerson, Laque y Palmer es una especie de Return to Forever (la mítica banda formada por Chick Corea, Al DiMeola, Stanley Clark y Lenny White) pero pesada. Decir que este trio hace jazz fusión pesado es un poco exagerado e ilegítimo.
Emerson Lake y Palmer es una banda de Rock. La singularidad de su formación, piano, hammond y todo tipo de organo y sintetizador existente durante la década del 70, bajo y batería.
Aún así, aunque sigue siendo una banda de Rock, este género no logra encorsetar por completo una música tan meticulosamente y robusta como la de Emerson, Lake y Palmer.
En este fascinante disco exploran el bolero, la balada y el rock hiper kinético y los límites de la improvisación.
En muchos sentidos este disco arremete contra los límites. Su sonido es muy experimental. Pero aquí la experimentación tiene un importante y criterioso respaldo.
Un sonido más allá de nuestro actual tiempo contemporáneo.
Una selva de arreglos, rítmos muy ajustados, sobresaltos y tensiones al límite de la tolerancia del oído humano. Tanto es así que estos tres muchachos, Emerson, Lake y también Palmer son protagonistas de una muy singular historia. Al parecer en uno de sus conciertos uno de los integrantes notó que salía sangre de sus oídos. Si escuchan este disco se darán cuenta que esta es una historia muy verosimil.
Un trabajo magistral que muestra una destreza extrordinaria de estos tres grandes virtuosos.
Al mismo tiempo este disco logra encontrar un equilibrio entre la imrpovisación anárquica, las composiciones laberínticas y la forma canción.
Sin duda la mejor canción -en ese formato- sea Hoedown. Este disco trae dos versiones de esta canción, una de ellas en vivo.
Nota de color: En 1974 cuando Emerson, Lake y Palmer tocó en Buenos Aires, Emerson quien era un gran admirador del compositor argentino Alberto Ginastera le rindió un tributo tocando temas suyos. Tal vez lo más cómico sea que nadie de la audiencia -está bien, había un señor de sweater rojo que sí sabía- quien era Alberto Ginastera. El gran comopositor argentino fallecido en Suiza. Seguro que en Suiza lo conocén más que acá, quienes en 2002 realizaron en monumento al compositor en su honor en la ciudad de Ginebra.

Benny Carter & Oscar Peterson "Carter Meets Peterson"

2007-07-13T00:53:00.001-03:00

Benny Carter & Oscar Peterson "Carter Meets Peterson"

1. Just Friends
2. Sweet Lorraine
3. Baubles, Bangles And Beads
4. It's A Wonderful World
5. If I Had You
6. Whispering
7. Some Kind Of Blues

Este disco de dos personalidad clásicas del jazz esbastante reciente, si consideramos que se grabó en 1987. En este sentido es un disco donde estos grandes maestros están en total control de la situación en todo momento.
La madurez con la que está encarado este disco no es pormenorizado por los dedos pícaros de Peterson que imprimen un muy alegre y agradable encuadre.
"Alegre" es sin duda un adjetivo que podemos atribuir a este disco. Con un eufórica algría Oscar y Benny te van a estremecer.
Un dico que logra buenos ambientes. Aunque la mayor parte del tiempo es muy consistente con standards con beat up-tempo y medio-tempo. Canciones mayores, con rondas de improvisación que se vuelven más incisvas a lo largo de los compases.
Acompaña a estos grandes Joe Pass en guitarra, quien se hace notar muy bien, y encuentra buenos climax en sus solos.
Tal vez no sea uno de esos discos legendarios que puedas mencionar en voz alta en las reuniones sociales de manera snob. Pero si lo que te gusta es escuchar música, en especial formaciones que tengan esta particular formación de piano, saxo, bajo, guitarra y batería, sin duda alguna este es un gran exponente de un jazz limpio y vivaz.
Un disco que se escucha bien, una grabación moderna que demuestra la bienlogradada experiencia de grandes del jazz.

Bad Brains "Bad Brains"

2007-07-13T00:21:00.001-03:00

Bad Brains "Bad Brains"

1. Sailin' On Listen
2. Don't Need It
3. Attitude Listen
4. The Regulator
5. Banned In D.C.
6. Jah Calling
7. Supertouch/Shitfit
8. Leaving Babylon
9. Fearless Vampire Killers
10. I
11. Big Take Over
12. Pay To Cum
13. Right Brigade
14. I Luv I Jah
15. Intro
16. Bonus Track

Un disco que definitivamente sacudió con un golpe la música abriendo un puente de transición entre la tradición punk y todo lo que deveniría en el hardcore.
Una banda rabiosa que interpretan con exhuberante velocidad y mucha gracia canciones símples, cortas, directas, pero con un profundo insight "melódico".
Una especie de Ramones, pero virtuosos en la ejecución de sus instrumentos. Esta banda se convirtió en leyenda por una importante combinación de atributos que hacían que la banda se destaque prominentemente en la minúscula y clandestina escena punk de principios de los años 80 en Estados Unidos.
Estos cuatro chicos negros se internaron en un género habitado casi exclusivamente por blancos y lo hacían con mucho más talento que ninguna otra banda.
Tenemos que reconocer el aspecto de protesta de esta banda que está más que implícito en el género. Pero incluso dentro del mismo género Bad Brains siempre adoptó una posición crítica, nunca siendo demasiado doctrinarios, salvo durante algún breve período en el que se convirtieron a la religión Rasta Fari.
Así es, Bad Brains combina cuestiones tan antagónicas como el punk y el Rasta Fari, lo místico y lo pragmático, siendo siempre muy genuinos. Sin duda una banda única e irrepetible.
Cada uno de los miembros de la banda es un eximio instrumentista, empezando por H.R, cantante de la banda, quien tiene un alcance y un registro excepcional. Cambia raudamente de un alarido alto a un berso bajo y lento, trazando un dibujo bello en el medio. Dr. Know es sin duda un virtuoso de la guitarra. Que toque con mucha rabia no significa que lo que toca no sea bello.

Este disco grabado artesanalmente en 1982, el primero de Bad Brains a pesar de su sonido rudimentario rejuveneció el rock y creo el espacio para un aconecimiento social e histórico irrepetible.

Metallica "...and justice for all"

2007-07-08T08:27:00.001-03:00

Metallica "...and justice for all"

1. Blackened
2. ...And Justice For All
3. Eye Of The Beholder
4. One
5. The Shortest Straw
6. Harvester Of Sorrow
7. The Frayed Ends Of Sanity
8. To Live Is To Die
9. Dyers Eve

Una obra maestra de la música. Este disco de 1989 es sin duda un momento crucial de la historia de la música en occidente. Un acontecimiento trascendetal que volvería a sacudir la percepción musical del hombre. Aquí, en el Super Music Index, ya hemos publicado discos de bandas que tocan muy rápido, con mucha ferocidad, que componen con mucho ingenio. Pero este disco combina todo eso en un medida virtuosamente prudente, con un sofisticación de arreglos, una gracia en la forma y un sentido comprometido de las grandes cuestiones de la "polis" como es en este caso, la justicia.
Una obra de dimensiones magníficas. Este disco hay considerarlo como algo más importante que un mero disco. Aquí hay una gran obra épica. Esto es casi como una gran opera. Tiene su gran dramatismo, furia, impotencia, miedo, desolación, y sus grandes momentos de redención.
"...and justice for all" es un gran disco en muchos sentidos. Empecemos con el juego de palabras, que en definitiva, es lo más simple de este complejo disco. La traducción de "...and justice for all" y (fónéticamente /in/) justicia para todos. Básicamente es un juego de palabras con una frase del himno de los Estados Unidos que garanticia libertar ... y justicia para todos. Metallica intenta partir este enunciado por la mitad para dejar al desnudo con lo que en realidad se quedan, con injusticia.
En palabras de Metallica:

Justice Is Lost / La justicia está perdida
Justice Is Raped / La justicia ha sido violada
Justice Is Gone / La justicia se acabó
Pulling Your Strings / tirando de los hilos
Justice Is Done / La justicia se acabó
Seeking No Truth / No busca ninguna verdad
Winning Is All / Ganar lo es todo
Find it So Grim / encontrándolo tan severo
So True / tan verdadero
So Real / tan real

Dramátiso a lo largo de los 9 minutos y 45 segundos que dura la canción. Canción que además de ser muy larga tiene muchas partes y cortes. Pero lo más interesante de esta canción es el compás en el que es tocada. No puedo decir a ciencia cierta que compás, lo que sí se es que en el primer compás resuleven con un corchea, y en el siguiente con un corchea con puntillo. Esto hace que tenga un ritmo muy entrecortado.
Este disco no es al estilo Pantera en el sentido del "despliegue vulgar de poder". En este caso es un "despliegue compulsivamente ordenado de poder".
El primer disco con su nuevo bajista Jason Newsted (tal vez más conocido por el reality show "Rockstar supernova" en el que lo acompañan Tommy Lee y Gilby Clarck) tras la muerte de Cliff Burton en un trágico accidente de su autobus durante la gira del disco "Ride the lightning". En el medio hay un E.P. "Garage days..." que no es considerado un verdadero disco, en el que Newsted entraba en calor con la banda. Sin duda Jason tuvo que ocupar un lugar muy difícil de llenar.
Este disco de Thrash metal también creó una cuña ya es que el primer disco de Metallica en tener una power ballad como "one". El video de "One" fue el primer video de Heavy Metal transmitido por MTV. Esto significó el ingreso de Metallica a todo un nuevo público. También esto con el decline del metal alejaron a Metallica de esta senda por música mucho más convencional.
Este disco embarco a Metallica en su gira más extensas. Una empresa solo comparable con el tamaño de esta obra maestra del metal.
Un gran disco que invita a escucharlo íntimamente.

Wes Montgomery "SO Much Guitar!"

2007-07-08T08:04:00.001-03:00

1. Twisted Blues
2. Cotton Tail
3. I Wish I Knew
4. I'm Just A Lucky So And So
5. Repetition
6. Something Like Bags
7. While We're Young
8. One For My Baby (And One More For The Road)

Todos podemos nombrar con facilidad leyendas del jazz que se destacaron en el piano, la trompeta, el saxo, hasta la batería, pero cuando nos detenemos en la guitarra, claramente no son muchos los héroes de la guitarra en el jazz. Sin duda están primero Dyango e indiscutiblemente después Wes Montgmery.
El rasgo distintivo y técnica que desarrolló Montgomery eran las octavas. Wes Montgomery lograba su sonido característico tocando las melodías tocando una nota y su octava al mismo tiempo, arrástrándolas y deslizándose muy gentilmente por todo el diapasón.
Un guitarrista muy agrasiado que interpreta con mucha delicia un jazz con mucho rítmo.
En este dísco, como acusa el nómbre, se encontrarán con mucha guitarra. Un disco que tiene algunos matices blues. En otras palabras este es un gran disco de guitarra de jazz, pero aquellos que les guste el blues, encontrarán aquí un gran disco.
A pesar de que la firma característica de Wes Montgomery sean las octavas, en este disco de 1961 despliega un enorme arsenal técnico y una gran sensibilidad.
En este disco lo acompañan algunos grandes como Hank Jones en piano y otro miembro del salón de la fama del Super Music Index, Ron Carter.
En "While We're Young" encontramos una balada interpretada solo en guitarra.
Un disco muy variado. Baladas, blues, jazz, guitarra y mucho rítmo.
Más bien un disco tranquilo, con un guitarra muy dulce que acariciará tus oídos.
Wes, un tipo que dice las cosas claras. Nada de efectos. Lo que toca, lo toca ahí y ya.

Bud Shank (Junto a Chet Baker y Joe Pass) "Brazil Brazil Brazil"

2007-06-18T16:07:00.001-03:00

Bud Shank (Junto a Chet Baker y Joe Pass) "Brazil Brazil Brazil"

1. Summer Samba (So Nice) - 2:30
2. Elizete - 3:23
3. Nocturno - 3:01
4. Otem A Note - 2:41
5. Carnival - 2:22
6. Sausalito - 2:49
7. If I Should Lose You - 2:56
8. Carioca Hills - 2:35
9. Samba Do Aviao - 2:58
10. I Didn't Want To Know What Time It Was - 2:45
11. Quiet Nights (Corcovado) - 3:01
12. The Color Of Her Hair - 1:56

Este disco es indiscutidamente fenomenal. Conjuga un grupo sin igual de músicos muy sensibles que leen en clave de jazz el cancionero de la bossa nova. Canciones ya consagradas interpretadas con mucha gracias. Matices y atmósferas "lounge" que lograrán transportarlo en el tiempo y el espacio. cuando escuches este disco sentirá la brisa del mar acariciando su cara, verá una época de bienestar y progreso donde se cristalizó una nueva identidad popular de una Nación tan grande y bella como nuestra vecina Brasil.
En este disco participa un notorio grupo de músicos entre los que se destacan el trompetista y cantante Chet Baker (Ver), el guitarrista Joe Pass, Joao Donato y Clare Fischer en Piano, Bob Florence como Arreglador y conductor y por supuesto el mismo Bud Shank en saxo alto y flauta.
La anegdota de este disco es que es la primer grabación importante en la que participó Chet Baker después del incidente que en 1966 habría dañado su boca impdiéndole tocar su instrumento por un tiempo.
Este disco lo enamorará. Una grabación fascinante que le abrirá el corazón y lo deleiterá con una música muy bella.
Este es un disco que tiene que bajar independientemente del estilo de música que le guste escuchar.

Steve Vai "Flex-able"

2007-06-14T16:00:00.001-03:00

Steve Vai "Flex-able"

1. Little Green Men
2. Viv Woman
3. Lovers Are Crazy
4. Salamanders In The Sun
5. The Boy/Girl Song
6. The Attitude Song
7. Call It Sleep
8. Junkie
9. Bill's Private Parts
10. Next Stop Earth
11. There's Something Dead In Here
12. Leftovers (Bonus Tracks): So Happy
13. Leftovers (Bonus Tracks): Bledsoe Bluvd
14. Leftovers (Bonus Tracks): Burnin' Down The Mountain
15. Leftovers (Bonus Tracks): Chronic Insomnia

Un disco increible muy influenciado por Frank Zappa y extraterrestres. Este, el primer disco solista de Steve Vai presenta una forma de ejecutar la guitarra y de componer muy peculiar. A medio camino entre el Rock y el Folk, con elementos y sonidos extraños y estridentes. Tenemos desde una conversación de aliens reproducida con guitarra hasta voces pitcheadas, sin duda un trabajo muy interesante de experimentación y de cierre de un etapa para Steve Vai.
Recordemos que a principios de los años 80 Steve Vai tocaba la "Stunt Guitar" en la banda Frank Zappa. Existen anégdotas muy interesantes sobre la relación entre Zappa y Vai, como por ejemplo que Zappa realizaba prácticas de dictado rítmico jugando al ping-pong. Esto es, Vai tenía que escribir o solfear al rítmo de la pelota de ping-pong.
Independientemente si esto es cierto o no, lo que importa es tener bien presente el nivel interpretativo y de ejecución que encontraremos en este disco, en cuál por supuesto colaboran mucho más músicos, entre los cuales se encuetran varios sesionistas virtuosos que acompañarían a Vai en varios disco más, como Stuart Hamm , Chad Wackerman y Tommy Mars.
Un disco muy original y único. Con un sonido muy especial. Este estilo se perdería en detrimento del Rock a partir de 1986, cuando Steve Vai pasó a formar parte de la banda del ex-cantante de Van Halen, David Lee Roth. Después de esto Vai también formó parte de bandas como Whitesnake e incluso grabó jutno a PIL (Public Image Ltd.) un disco inolvidable. Es díficil determinar el nombre de este disco ya que se llama como el soporte en el que viene, por ejemplo, el disco de vinilo (todavía se editaban de esos cuando salió este disco de PIL) Album, en Casette, Casette, y en CD, adivinene: Compact Disc.
Recuerdo que entoses solía decir que mis dos guitarristas preferidos eran Steve Vai y el guitarrista de PIL. Hasta que claro, alguien me dijo que era la misma persona.
Volviendo al disco de este dicipulo de grandes como Zappa y Joe Satriani (que ahora que hemos mencionado los siete grados de separación entre todos estos músicos, llegamos a la conclusión que están todos publicados aquí) este es un disco que combina escenas de ET, con momentos intensos de Rock genuino, con canciones acusticas, con música que nos puede hacer meditar y elevarnos a otras constelaciones y comunicarnos con nuestros hermanos del universo, canciones que nos pueden hacer sentir amor, como la "Boy-Girl song". Temas que nos hacen ver cuestiones profundas como las adicciones con ojos redentores.
Sin duda un disco profundo, con mucho humor y por sobre todo muy original a pesar de que es un disco que ya casi cumple 30 años.
Como acusa el título, este es un disco muy flexible. Es un disco que se dobla pero no se quiebra.
Curiosos, amantes de Zappa y guitarristas no se lo pueden perder.

Parliament "Motor Booty Affair "

2007-06-13T10:09:00.001-03:00

Parliament "Motor Booty Affair"

1. Mr. Wiggles
2. Rumpofsteelskin
3. (You're A Fish & I'm A) Water Sign
4. Aqua Boogie (A Psychoalphadiscobetabioaquadoloop)
5. One Of Those Funky Things
6. Liquid Sunshine
7. The Motor-Booty Affair
8. Deep

Una odisea de Funk. Si te gusta el funk y nunca escuchaste este disco, todavía no sabés ni como se escribe "Funk". Tan contundente y determinante como esto. Este disco es un parlamento del funk en todo sentido. Este disco es una tribuna abierta para que todos participen en calidad de iguales. Por otro lado son tantos los que participan en este disco, que tranquilamente pueden establecer un parlamento. En este parlamento del funk habría una secretaría de rítmo, un ministerio de groove y comisiones especiales en síncopa, sonidos espaciales, voces estridentes y polirítmia avanzada.
Este disco es una locura. Esta gente está enferma de rítmo, y es contagioso. El sonido se va a apoderar de tu cuerpo y lo va estremecer.
Este disco presenta muchos excesos. Este disco muestra un funk muy barroco, saturado de arreglos, voces, cores, líneas melódicas, arreglos de todo tipo, hammonds, distorsionadores de voces, una selva tropical de sonidos.
El sonido muchas veces muy "aquoso", endeble y moldeable como un líquido. Un sonido con muchos matices experimentales, muy típicos de los años '70 y la introducción de la tecnología de sintetizadores. Un sonido atrevido como innovador.
Este disco es tan extrovertido como alegre. Se nota como esta música es producto de un estado anímico muy alterado, pudiendo contagiar esto de manera muy expresiva.
Hay que mencionar la propuesta detrás de la música. En la década del '70 cuando no había demasiadas expectativas para la comunidad negra, después de haber sufrido el asesinato de muchos de sus líderes, en un momento en el que Estados Unidos y el mundo se sumían en una nueva crísis económica. En ese contexto tan poco prometedor para mucha gente de color en Estados Unidos, aparecieron estos tipos con un espectáculo en el que bajaba en el escenario una nave espacial destellante de luces, que transportaba una fauna muy colorida. Una propuesta muy "loca" y por sobre todo una fiesta muy alegre.
Las personalidades que se destacan en este disco es a George Clinton, Bootsy Collins -quien venía de tocar con James Brown- y el saxofonista Maceo Parker. Hay que mencionar que participan como 30 músicos en este disco. Pero sin duda esta tres figuras se destacan y con justas razones.
Bootsy Collins es un individuo muy pintoresco, muy alto, flaco, viste de manera muy extravagante y toca un bajo en forma de estrella, y como toca ese bajo!!! Mamita!!! Como pela el mono!!! (Expresión alegorica muy utilizada por los músicos rioplatenses).
George Clinton es un mezcla entre lider religioso, embajador alienigena y cantante. En cada una de estas áreas se desempeña con gran habilidad.
Un disco que le acelerará el pulso cardíaco y hará que sus pies se muevan solos.

Miles Davis "Steamin' with the Miles Davis Quintet"

2007-06-12T12:45:00.001-03:00

1. Surrey With The Fringe On Top
2. Salt Peanuts
3. Something I Dreamed Last Night
4. Diane
5. Well, You Needn't
6. When I Fall In Love

Tal vez un poco redundante en la entrega un tanto sesgada, teniendo en cuenta la vastidad de la obra de Miles Davis. Este disco es otro de la serie realizados con el mismo quinteto formado por grandes figuras del jazz como el mismo John Coltrane, Philly Joe Jones en batería, Red Garland en Piano y Paul Chambers en bajo.
En este sentido podría simplificar el comentario y decir que si le gustó "Relaxin' with the Miles Davis Quintet", este disco le va a gustar más. Sin duda una selección de temas más constantes en su rítmo, tal vez alcanzando un pico un tanto estridente con "Salt Peanuts". El momento donde el Be-Bop esquizofrénico se apodera de la banda.
Salvo por este incidente, el resto del disco es bastante tranquilo, alcanzando picos de climax en las improvisaciones. Básicamente de eso se trata tanto este disco como los demás de la serie: destreza improvisando.
En este sentido veremos a estos virtuosos realizando figuras maravillosas, llenas de gracia, interpretadas con mucha sofisticación y delicadeza.
Un gran disco donde vemos un quinteto muy bien aceitado que consigue fluir con mucha naturalidad a través de los compaces, deleitándonos con un canto que proviene directamente del corazón.
El juego de palabras que aparece implícito en los discos de esta serie, verbos conjugados en presente continuo haciendo alusión al campo semántico de la cocina, como en este caso particular, donde Steamin' significa básicamente dos cosas. La primera: "hirviendo", haciendo referencia a la cocina. Hacer algo al vapor. Al mismo tiempo el "Vapor" es lo que hace mover a las máquinas.
En este sentido la metáfora está clara. Este es un disco que va a producir vapor. La trompeta de Miles va a dejar escapar un vapor que te va a movilizar como a una máquina y te va a poner en movimiento. Pero este movimiento y esta energía vendrán de manera tan delicada y paulatina, que como las ranas, no te vas a dar cuenta que estás siendo cocinado, al vapor claro.

Otro gran plato preparado por el chef Miles y su quinteto. Este disco es un banquete de melodías y solos bien condimentados.

SOD "Speak english or die" (Platinium Edition)

2007-06-12T10:58:00.001-03:00

SOD "Speak english or die" (Platinium Edition)

1. March Of The S.O.D.
2. Sargent "D" & The S.O.D.
3. Kill Yourself
4. Milano Mosh
5. Speak English Or Die
6. United Forces
7. Chromatic Death
8. Pi Alpha Nu
9. Anti-Procrastination Song
10. What's That Noise
11. Freddy Krueger
12. Milk
13. Pre-Menstrual Princess Blues
14. Pussy Whipped
15. Fist Banging Mania
16. No Turning Back
17. Fuck The Middle East
18. Douche Crew
19. Hey Gordy!
20. Ballad Of Jimi Hendrix, The
21. Diamonds And Rust - (extended version, bonus track)
22. Identity
23. Go S.O.D. Live In Tokyo 1999
24. March Of The S.O.D. / Sargent D
25. Kill Yourself
26. Milano Mosh
27. Speak English Or Die
28. Fuck The Middle East / Douche Crew
29. Not / Momo / Taint / The Camel Boy / Diamonds And Rust / Anti-Procrastination Song
30. Milk
31. United Forces
32.(untitled) - (hidden track)
33. (untitled) - (hidden track)

Este es un disco que despierta sentimiento encontradas. Un disco de una banda Stormtroopers Of Death por sus siglas SOD, lo que significa algo así como "Soldados-tormenta" de Muerte. Por un lado representa todo lo que detesto de forma abominal. Por el otro lado es una banda conformada por Scott Ian, un gran activista a favor de los derechos de libre expresión y el metal, además de ser el guitarrista de Anthrax; junto a Charlie Benante quien lo acampaña en la batería en la misma banda; Dan Lilker bajista y uno de los principales compositores de Nuclear Assault, una tremenda y muy original banda de metal de los 80as' y 90as'. La banda es completada -y al mismo tiempo coptada por la derecha más recalcitante- por el detestable fachista de Billy Milano.
Se preguntarán porque si detesto tanto este disco lo publico aquí y escribo algunas líneas sobre él.
A pesar de lo terrible que se me hace hacer mensión a este disco que se llama nada más ni nada menos que "Habla inglés o muere", haciendo referencia directa al problema de los inmigrantes en los Estados Unidos. ¿Te queda claro el mensaje de este disco? Básicamente es una invitación a nosotros los hispanoparlantes a quedarnos en nuestros paises. Pero claro que esto no es un odio específicamente dirigido a nosotros, sino también a otros como los arabes, cuestión que es expresada en la canción "Fuck The Middle East". Esto era en 1985, cuando la era Reagan empezaba y ya estaba este hijo de puta de Milano que quería, literalmete, "coger al medio oriente.
Pero tal vez uno de los puntos más álgidos de este disco es "United Forces", que si uno escucha esta canción descontexualizadamente, podría decir: -"Que linda canción!!! Un punk que llama a la unir fuerzas". La cuestión es que mete miedo solo pensar que es una convocatoria de fuerzas a las que uno no pertenece, ni con la que comparte valores, convicciones ni estilos de vida.
Básicamente veo los rallys y meetings políticos del partido nazy y este tema sonando cual himno, justo a continuación de "Deutschland Über Alles" y todos haciendo el saludo romano al ritmo del estribillo: United - Forces!!!
uuuuuuuuuuuyyyyyyyy, me da escalofríos solo pensarlo.
Sin duda que este es un disco confuso, porque quienes conocen Anthrax, saben que sus canciones hablan de cuestiones diametralmente opuestas a lo que escuchamos en estos discos. Queda muy claro que la impronta fachista de este disco está a cargo de Billy Milano, y quien siga su trayectoria ya sabrá de su controvencial postura racista, nacionalista y partisana. Algo lamentable porque hace muy buena música. Los discos de MOD -Method of destruction- son muy buenos y muy interesantes. A pesar, que al igual que en este disco, las canciones que se destacan en MOD llevan como títulos "True Colors" y hablan en términos muy racistas sobre los colores de la piel. Realmente aterrador.
Pero en este punto es crucial que lo rescatemos a Scott Ian y su cruzada por los derechos de libre expresión. Tengamos en cuenta que puntualmente bandas como Anthrax han sido objeto de formas de censura a través de lo que se llama "label records", esto es, sus discos deben tener una etiqueta con una advertencia que indique a los padres que el material que sus hijos van a escuchar contiene lenguaje explícito.
Alguno de Ustedes podrá pensar que esto es apropiado. Entonces, ¿porque detenernos con marcar los discos? ¿porque no hacemos lo mismo con la personas? Digamos que la gente que pertenece a una religión o minoría salga a la calle con una banda en el brazo que lo identifique.
Lo que intento ilustrar con esto es que, por mucho que nos pese, las libertades civiles, como la libertad de expresión, son para todos sin importar lo que digan. Ojalá fueramos tan afortunados para que las expresiones de la derecha al menos nos dejaran obras como esta.
y aquí me gustaría desprenderme de todo lo anterior para hablar de las razones por las cuales este disco está aquí: La música.
Lo que tiene de increible este disco es justamente esta dificultad de clasificarlo en un género musical específico. Está claro que es un disco de música "pesada", "rápida", "agresiva", sin embargo por momentos suena como un disco de hardcore, a veces como un disco de metal y en al menos dos ocasiones suena como grindcore.
Canciones muy cortas. Van al grano de inmediato. Como dirían los rioplatenses, ponene toda la carne en el asador desde el principio. Un estudio exhaustivo de las progresiones y riffs del metal y hard-core. Este es el caso paradigmático de la estructura de composición en estos géneros. En estas como treinta canciones no hay un solo riff que no sea increible. Muy equilibrados en sus métricas. Con un rítmo filoso y muy accidentado, pero contundentemente preciso y por sobre todo, rápido.
A pesar de todo lo dicho al principio y lo controversial de este disco, merece ser escuchado. Y a pesar de toda la antipatía que pueda generar escuchar esto, piénselo como Wagner, y veamos este aspecto ideológico como un elemento trágico de este fabuloso disco.

Cocteau Twins "Heaven or Las Vegas"

2007-06-04T12:55:00.001-03:00

Cocteau Twins "Heaven or Las Vegas"

1. Cherry-Coloured Funk
2. Pitch The Baby
3. Iceblink Luck
4. Fifty-Fifty Clown
5. Heaven Or Las Vegas
6. I Wear Your Ring
7. Fotzepolitic
8. Wolf In The Breast
9. Road, River And Rail
10. Frou-Frou Foxes In Midsummer Fires

Cuando escuches esto no vas a estar seguro si estás en el cielo o en las vegas. Esta muy peculiar banda rescata los aspectos más interesantes del movimiento pop, o new wave que surgía de las cenizas del Punk. La misma Elizabeth Fraser, cantante del grupo, en sus comienzos hacia 1982, admitía profesamente ser punk.
Cocteau Twins no es una banda punk, pero sí podemos rastrear en el común denominador de algunas bandas de su época como The Cure, Depeche Mode o New Order, ciertas texturas oscuras y sonidos de guitarras desauciadas y estridentes.
En este caso Cocteau Twins se destaca de entre estas bandas por tener la celestial voz de Liz Fraser.
Pero la voz -a pesar de ser un aspecto notable de la banda- no es el único elemento que hace a la música de Cocteau Twins tan especial. Progresiones simples, mayores y menores de cuatro acordes, estructuras símples con dominantes, subdominantes y resoluciones, estribillos conmovedores.
La música de esta banda puede ser tanto refrescante como agobiante. Debe administrarse en su sana medida.
Otro aspecto muy interesante de esta banda es la red de referencia que hay con el arte de vanguardia y la literatura. La misma referencia al fotógrafo surrealista en el nombre de la banda es muy sugerente.
Al mismo tiempo hay un prófundo enraizamiento en ciertas tradiciones poéticas modernas como la Joyce, Anaïn Nin y Stéphane Mallarmé.
Este disco de 1990 nos presenta el resurgimiento de Cocteau Twins con una propuesta y sonido para los amantes de la pintura y literatura.
Una propuesta romántica moderna muy interesante.

Sepultura "Beneath the remains"

2007-06-01T12:09:00.001-03:00

Sepultura "Beneath the remains"

1. Beneath The Remains
2. Inner Self
3. Stronger Than Hate
4. Mass Hypnosis
5. Sarcastic Existence
6. Slaves Of Pain
7. Lobotomy
8. Hungry
9. Primitive Future
10. A Hora E A Vez Do Cabelo Nascer
11. Inner Self
12. Mass Hypnosis

Una guitarra acústica en una alcantarilla. Una melodía oscura y un sonido de uultratumba. Un segundo apenas de silencio. Y Estalla el infierno. Beneath the remains de Sepultura es un disco poderoso, genuino, rápido, equilibrado, un gran disco. Fue como una revolución dentro de la revolución. Sepultura estableció una cuña entre el Trash metal y todos los subgéneros que vendrían desde el Black Metal, Death Metal y Grind-Core. Este disco es contemporáneo de "...And justice for all" de Metallica.
Beneth the remains estableció un nuevo standard sobre que debería ser considerado rápido, pesado y oscuro.
Un disco con una concepción rítmica muy interesante que solo se enriquecería con el tiempo cuando un nuevo sepultura comenzaría a incorporar sonidos y rítmos tribales de su tierra natal Brasil.
Riffs y estructuras de canciones muy originales en un universo mono-tónico. Interesantes juegos armónicos, lo que logran recrear una paleta de colores oscuros tan ricos y variados como las especies del amazonas.
Una cosa que sorprende mucho de este disco, además del poder, es la precisión: Un relojito Suizo. Esto por momentos nos eleva a momentos de trance provocados casi por los mantras violentos de estas guitarras estridentes.
Excelente trabajo melódico de Andreas, quien con un gusto muy sofisticado arregla las canciones casi iluminándolas con un haz de arco iris.
Una banda legendaria en la flor de su juventud, donde el principal interes estaba en la música.
Una gran química entre dos hermanos y sus amigos de la infancia en Minas da Gerais. Mucho talento por parte de los hermanos Calavera, en especial Max, guitarrista y cantante del grupo, y autor de buena parte del material. Igor, el hermano menor, un excelente baterista que soporta e impone un poder abasallador a la música de esta banda.
Desgraciadamente la banda creció mucho, se convirtió en el principal referente de su género, hubieron problemas de Egos, dinero y representaciones generando la ruptura de la banda y el alejamiento de Max.
Hoy sepultura continúa con un nuevo cantante y Max Calavera conformó una nueva banda llamada Soulfly.
Sepultura es el sonido de los suburbios de Minas da Gerais globalizado. Un fenómeno singular que nos permite poder apreciar el sonido sudamericano amplificado en un equipo yanki.
Un disco que muy poderoso que guarda mucha inocencia que más tarde se perdería para siempre. Un testimonio de los comienzos del diluvio neo-liberal en américa latina.

Stan Getz & Bill Evans: "Stan Gets and Bill Evans"

2007-06-01T09:31:00.001-03:00

Stan Getz & Bill Evans: "Stan Gets and Bill Evans"

1. Night and Day
2. But Beautiful
3. Funkallero
4. My Heart Stood
5. Melinda
6. Grandfather's Waltz
7. Carpetbagger's Theme
8. Wnew (Theme Song) (Previously Unreleased)
9. My Heart Stood Still (Alternate Take-Previously Unreleased)
10. Grandfather's Waltz (Alternate Take-Previously Unreleased)
11. Night and Day (Alternate Take-Previously Unreleased)

El disco se llama Evans y Getsz ¿Me entendés? El disco se trata de eso. Ese es el tema central del disco, estos dos monstruos. Una cuestión de egos. Un enfrentamientamiento, un contrapunto violento que se resuelve en una obra colaborativa. Es decir que los sentimientos antagónicos que puede crear "el otro" (y acá casi más en términos lacanianos que del otro en términos deícticos, pronominales) se transforman, más que un agravio, una forma de embellezar las frases del otro.
En el aspecto de los protagonistas la cuestión es muy dicotómica. Getz y Evans. Y acá mismo hay una anégdota. ¿el nombre de quien iba primero en el título? Y esta no es una decisión menor. A pesar de que aquí, de alguna manera se presentan como iguales, existen algunas tensiones en ese centro, ese equilibrio, que no existe.
Stan Getz va primero. Por allá en 1964 tanto Getz como Evans eran músicos en pleno ascenso que ya tenían establecidas sus bandas siendo ellos "front-mans" destacados.
Pero había algo de "apealling" en Stan Getz -que no tiene nada que ver con su música- que lo hace más una estrella. Ojo, destaquemos esto, "estrella" no músico. Tampoco digo que Stan Getz no sea un excelente músico, pero lo acompañan un excelente porte, una apariencia atractiva, algo de carisma, y excelentes desiciones de carrera dándole un tínte romántico a sus obras, haciéndose un músico muy popular tanto entre el el público masculino como el femenino.
De alguna manera eso es lo que está en juego en este disco. Si el orden de los nombres es correcto, si Stan Getz está a la altura de los grandes o si solamente es un artista seductor con algo de talento.
Ante todo reconozcamos el enorme talento y capacidad interpretativa de Bill Evans. Pero al mismo tiempo su popularidad frente al gran público es en cierta forma inversamente proporcional a su talento.
Bill Evans es el que toca descomunalmente, pero Stan Getz es de quien gustan las chicas. Pero Bill Evans no suele hace cosas para conformar a un público poco demandante -o por lo menos no cuando no está en la ruina y un hábito difícil de controlar. Pero en 1964 Bill Evans estaba más fresco que nunca y preparado para demostrar de que era capaz cuando se trataba del piano.
Stan Getz sin duda demostrar que no solo aportaba "carisma" al disco, sino que lleva anuevos extremos su ejecución del saxo. Logra solos de absoluta belleza y por sobre todo consigue establecer una conexión y química con el pianista que hace que la música fluya de una manera formidable.
El cemento en esta obra lo aporta nada más ni nada menos que Elvin Jones, quien aporta un Beat poco convencional, un poco afro-cubano, pero que no deja en definitiva borrar la marca del rítmo de jazz. El trabajo de Elvin Jones eleva por sobre lo posible el duelo de estos dos maestros del jazz.
En alguna de estas canciones también contribuye un muy joven Ron Carter.
Menciono todas estas anécdotas interpersonales porque creo que esto tiene un peso sobre la música. En la música se escucha este desafío, esta competencia, esta necesidad de demostrar algo.
Estos dos músicos entran en un juego de candados, un baile complejo, que a los ojos de quienes contemplan esta danza, observarán un Waltz (Vals) hermoso como poco protocolar.
Cautro grandes nombres. Dos figuras sobresalientes. Interpretaciones muy frescas de grandes clásicos del Jazz.

Al Jarreau "Look To The Rainbow"

2007-05-14T14:08:00.001-03:00

Al Jarreau "Look To The Rainbow"

1. Letter Perfect
2. Rainbow In Your Eyes
3. One Good Turn
4. Could You Believe
5. Burst In With The Dawn
6. Better Than Anything
7. So Long Girl
8. Look To The Rainbow
9. You Don't See Me
10. Take Five
11. Loving You
12. We Got By

Acá hay que reconocer dos cosas. La primera que hay grandes artistas con gran talento que en algún momento de sus carreras se desvían y comienzan una seguidilla de discos insignificantes que iran a engrosar las bateas de ofertas. La segunda, que muchas veces en esas bateas de discos insignificantes parecen grandes joyas de la música, como es en este caso "Look To The Rainbow", un disco de Al Jarreau en vivo en Berlin en 1977.
Este es un punto de inflexión a comienzos de la carrera de Al Jarreau. En este disco Jarreau presenta con magistral habilidad sus grandes éxitos fuera de los Estados Unidos. Y aquí, con algo de delicadeza y mucho respeto hay que asumir que la carrera de Al Jarreau ha sido muy constante y salvo algún salto no demasiado estrepitozo unos años después de este concierto, Jarreau empezó a ganar una popularidad que nunca consiguió consolidar muy a pesar de su gran talento.
Y digámoslo también con prudencia y respeto, muchos de los discos que realizó Jarreau los encontraremos efectivamente en las bateas de descuentos y en muchos casos con razón. No todos los discos de Jarreau son demasiados buenos, a pesar que en todos el demuestra una gran capacidad vocal.
Un cantante virtoso con un dominio excelente de su voz. Lo que tal vez no lo ayude es su indefinición por un género músical. Esto no quiere decir que cante canciones de distintos géneros, sino que logra establecerse en un rincón del Jazz sin ser efectivamente Jazz, ni música popular, ni ... la verdad, hasta me fallan las palabras para definir el estilo de Jarreau.
Lo que sí puedo decir muy en favor de este disco en vivo, es que debe haber sido un recital excelente y que contiene "los" grandes éxitos que pocos años después pasarían a ser los cortes de sus discos más famosos.
Lo que se destaca por sobre todo es el comienzo del show con la canción "letter perfect". El mismo nombre lo dice, una carta y una cacnion perfecta, más allá del pequeño error de la banda en uno de los primeros compases de la canción. El error es notable, pero resulta en favor del cantante.
Jarreau se integra a la banda como un instrumentista más. Él con su voz es un integrante más de los músicos, y por momentos su instrumento deja escapar canciones y por momento solo notas.
Grandes canciones de Jarreau, interpretadas a plena vos.
Un disco para revivir el romance.

Sublime "Sublime"

2007-05-10T18:59:00.001-03:00

Sublime "Sublime"

1. Garden Grove
2. What I Got
3. Wrong Way
4. Same In The End
5. April 29, 1992 (Miami)
6. Santeria
7. Seed
8. Jailhouse
9. Pawn Shop
10. Paddle Out
11. The Ballad Of Johnny Butt
12. Burritos
13. Under My Voodoo
14. Get Ready
15. Caress Me Down
16. What I Got (Reprise)
17. Doin' Time

El nombre lo dice todo: Sublime. Un disco sublime de una banda sublime. Una banda que logra fundir los estilos y géneros en un estofado (nosotros los riosplatenses decímos guiso, pero también guiso hace referencia a mezcla caótica, que no es el caso) que combina los sabores de cada estilo interpretado con mucha soltura. Esa relajación es transmitida todo el tiempo por la música de este disco. Hasta el más estridente scrtaching con bandejas tiene "Flow" muy relajado. Vemos como se combina el Reggae con Gershwing, Ska, y un toque de hip-hop. Esto, porsupuesto, tocado de las alturas de una nube de humo de marihuana. Sin duda este es un disco influenciado y apologético de la marihuana. En otras palabras, una prédica religiosa a la Marihuana. Esto de entrada establece el estado anímico y la vibración que busca y alcanza la música de este disco.
Un disco con mucho rítmo, interpretado en un tempo más bien lento a moderato. Un disco para ponerse de buen humor, fumarse uno o hacer las dos cosas, combinación altamente recomendable.
Esto es sublime porque nos permite ver la vida desde otra perspectiva, más relajada, donde nos tomamos el tiempo de deleitarnos con música.
Lo bello, lo sublime, no reside en la cantidad de pequeños arreglos que compoenen a partir de partes frases simples, grandes caudales armónicamente bellos.
Un disco con algunos sobresaltos, que en nungún momento hacen perder la integridad, que nunca se consustancia en esa travesía por el rock, el reggea, el Ska y el Rap.
Todo esto en un discurso muy consecuente, combativo y denunciador, que busca redención de una forma imposible.
Todo esto esto enmarcado en el genio creativo de Brad Nowell, cantente guitarrista y compositor de la banda. Semejante genio solo podía ser contenido por un infierno de drogas, alcohol y suicidio.
Si esto fuera pintura, este disco ya estaría cotizando. Sublime fue eso, algo tan escaso como la belleza misma.

Weezer "(Blue Album)"

2007-05-10T18:00:00.002-03:00

1. My Name Is Jonas
2. No One Else
3. The World Has Turned And Left Me Here
4. Buddy Holly
5. Undone-The Sweater Song
6. Surf Wax America
7. Say It Ain't So
8. In The Garage
9. Holiday
10. Only In Dreams

¿Que es esto? ¿Que significa la palabra Weezer? Weezer debe ser una entrada del legendario diccionario de Jorge Luis Borges "The Anglo-American Cyclopedia (New York, 1917), que el mismo Borges admite que es una reimpresión de la Encyclopedia Britannica de 1902. Pasando las páginas, la letra "T" Tm... y la entrada "Tlön". seguimos, la letra "U", Uqbar, seguimos pasando las páginas, "V", "W", "Wee", "Weener" ..."Weezer". Esta eciclopedia dice: -"Sust. Prop.Conjunto musical de Los Angeles, California, integrado por cuatro individuos que ejecutan, la guitarr, el bajo, la batería respectivamente. Dice un montón de cosas más ... adelantamos al "Blue Album", dice que es un album editado en 1994. El disco fue producido por el ex-cantante the la agrupación "The Cars", Ric Ric Ocasek. El Blue Album se grabó en los estudios Electric Lady Studios en New York City.
Lo curioso es una nota, agregada, que menciona extraños mensajes sublimales en sus canciones. Que su sonido -en sentido metáforico- es como obejas metaleras disfrasadas de lobos poperos. El sentido de la metáfora señala el aspecto "confuso" de esta banda.
Dejando de ya de lado la enciclopedia, Weezer es una gran banda que presenta una propuesta musical tan pecular, neutra, casi "net", que solo un público muy restringido le captó la onda.
Pero los de Weezer medio la pegaron cuando sacaron el video del corte de este disco, una canción hipnótica y sensacional que es "the sweater song". El video es muy bueno y no necesita más que a estos muñecos tocando, porque la canción es realmente excelente. Una base muy simple, un arpegio de guitarra que se desliza amónicamente manteniendo una base de notas compartidas a lo largo de toda la progresión. En otras palabras, cambia los acordes, pero básicamente toca lo mismo. No solo toca poco, sino que hasta uno juraría que lo hace sin ganas. Una interpretación muy "lazy", una batería que acompaña casi gracias a la gravedad que deja caer los palillos sobre la batería. Eh, pero hay una nota, en la base rítmica, que le da un sheite, solo eso, ese puntillo, esa pequeña pausa esa síncopa en el primer compás que lo toca completamente invertnido, para volver a la base más básica y monótona posible -que desde el comiezo quedó impregnada por esa síncopa. Pero la canción avanza hacia ningún lado, una conversación en una reunión, ¿querés que te alcance una birra? Corte, más bajo, una electroacustica, casi entrando en terreno del Folk, estos muchachos estallan: "Si quieres destruir mi sueter"!!!

If you want to destroy my sweater / Si quieres destruir mi sweater
Hold this thread as I walk away / Sostén este hebra mientras camino alejándome
Watch me unravel, I'll soon be naked / Obsérvame desenredarme, pronto estaré desnudo
Lying on the floor (lying on the floor) / Tirado en el piso (Enfatiza: Tirado en el piso).

Señores, el rincón de la poesía en el Super Music Index.

No solo the sweater song es genial sino que tiene otros grandes éxitos y por sobre todo la consistencia, la capacidad de mantenerse y vibrar solo en esa frecuencia. En algún sentido Weezer puede sorprenderte por primera vez, pero es muy constante en lo que hacen. Un sonido que puede ser considerado pesado y entregado con una potencia moderada. Una banda que puede hacer ruido pero sin apurarse, con estructuras de canciones muy claras, con sonido innovador, pero tampoco experimental al sentido Pixes o Sonic Youth. Pero al igual que estas bandas Weezer es única, una entrada de diccionario que solo encontraremos en la biblioteca de Borges.

Referencia: J.L. Borges "Tlön, Uqbar, Orbis Tertius" en Ficciones (Ed. Emecé 1997)