Super Music Index

CHON "Grow"

2020-07-09T01:07:00.001-03:00

CHON "Grow" (2015)

1. Drift

2. Story

3. Fall

4. Book

5. Can’t Wait

6. Suda

7. Knot

8. Moon

9. Splash

10. Perfect Pillow

11. Echo

12. But

En este momento comienzan a hacerse balances de lo más destacado de la década anterior. Este disco podría estar entre los mejores discos de la última década. 

Hay algo de conceptual ya desde el nombre de la banda CHON o el acrónimo de los elementos fundamentales para la vida: carbono, hidrógeno, oxígeno y nitrógeno. Hay en este grupo una pretensión de lograr lo más complejo desde lo sencillo.

La banda fundada por el guitarrista Mario Camarena a mediados de 2008. La alineación de la banda para este, su primer disco, era Mario Camarena, Erick Hansel en guitarra, Drew Pelisek en bajo y guitarra y el hermano menor de los Camarena, Nathan. Esta formación hace de este disco una obra única de CHON que siguió otra dirección creativa. En este disco colisionan los talentos de Mario Camarena y Pelisek quien canta en este disco pero dejaría más tarde la banda para volverse puramente instrumental.

La música que hace esta banda se clasifica en el género de Math Rock. Esta expresión se refiere a un estilo desprovisto pero muy intrincado rítmica y armónicamente hibridizando sonidos de distintos estilos.

Se puede pensar CHON y el math rock como una actualización del proyecto de guitar craft de Robert Fripp.

Pero el sonido y música de este disco presenta algunas similitudes con el album "Bright size life" de Pat Metheny con Jaco Pastorius de 1976.

Podríamos decir que Grow es la versión millennial de esa música.

Este disco es un testimonio de una banda en pleno proceso que puede llevarla al estrellato o mantenerla en los espacios circuitos de los músicos especializados.

Escuchar CHON "Grow" (2015) completo en Youtube

Echo - Uno de los cortes del disco.

Brand New “The Devil and God Are Raging Inside Me” (2006)

2020-06-28T21:15:00.001-03:00

Brand New, “The Devil and God Are Raging Inside Me” (2006)

1. Sowing Season 4:31

2. Millstone 4:16

3. Jesus Christ 5:18

4. Degausser 5:32

5. Limousine 7:42

6. You Won't Know 5:42

7. Welcome to Bangkok 3:05

8. Not the Sun 3:09

9. Luca 5:08

10. – 2:04

11. The Archers' Bows Have Broken 4:14

12. Handcuffs 4:10

Por Diego Labra @omnivorcultural

En el relato de la historia del rock, está instalado que este murió en los noventa de dos estocadas, primero, el suicidio de Kurt Cobain, y segundo, con la invasión del pop ready-made de Meamiiii de artistas prefabricados como los Backstreet Boys y Britney que invadió las ondas catódicas del globo. Para la crítica especializada que antes vivía en revistas de papel, que prefiere ignorar por prurito artístico el arco que va del post grunge comercial de Staind y Puddle of Mud al nü-metal de Linkin Park y Korn, la música de guitarras “revivió” en New York en el siglo XXI de la mano del garaje rock de The Strokes y The Yeah Yeah Yeahs. Para el rockero argentino, incluso aquellos que escuchan algunas de las bandas citadas arriba, el rock bien muerto quedó, enterrado en una tumba en algún lugar de Washington State. Sin embargo, no hace falta revolver mucho en la Wiki para encontrar que al mismo tiempo que las discográficas multinacionales perdían interés en el grunge, en un circuito más independiente comenzaba a tomar forma una nueva generación de lo que se etiqueta como post-hardcore, tras los pasos de bandas pioneras de los ochenta y noventa como Minor Threat, Hüsker Dü, Fugazi, Unwound, Slint y siguen las firmas. Los destacados de esta generación, tras la incandecente y efímera carrera de At the Drive-In, son a mi gusto Thrice, Thursday y Brand New. Me animo a decir que The Devil and God Are Raging Inside Me, tercer disco de Brand New, su debut en una discográfica grande, es el Ok Computer, el White Pony del post-hardcore de los 2000. Atrás de esta tapa sencilla y alucinante, encontramos canciones que conjugan un sonido de linaje alternativo con letras de angustia grunge y gritos de viseralidad hardcore. Sowing Season Jesus Christ y Degausser son hits, pero todo el disco está a la altura, hasta impasses instrumentales como Welcome to Bangkok. En definitiva, lo que quiero decir en esta reseña es que el rock no dejo de inventar y avanzar después de 1994, no murió, sino que solamente no lo estaban pasando en el canal que la mayoría de la gente estaba mirando.

Escuchar Album Completo en Youtube Brand New, “The Devil and God Are Raging Inside Me”

The Dillinger Scape Plan "Calculating infinity"

2020-06-26T20:27:00.004-03:00

The Dillinger Scape Plan - Calculating infinity (1999).

. Sugar Coated Sour 2:24

2. 43% Burnt 4:31

3. Jim Fear 2:22

4. *#.. 2:41

5. Destro's Secret 1:57

6. The Running Board 3:22

7.Clip The Apex... Accept Instruction 3:29

8. Calculating Infinity 2:02

8. 4th Grade Dropout 3:36

9. Weekend Sex Change 3:11

10. Variations On A Cocktail Dress

Por Diego Labra @rickyesteves

La música de este disco es monstruosa desde el comienzo hasta el final. Un verdadero horror. Pero al mismo tiempo de Dillinger scape plan es una banda tan original como Mr. Bungle o Naked City. A Ben Weinman, fundador de la banda, hay que reconocerle cierto genio a lo John Zorn. Esto en el sentido que The Dillinger scape plan más que una música han creado una sonoridad. Sin duda no es un disco nada fácil de escuchar. Por otro lado el disco puede pasar de los matices más asperos a las melodías más delicadas. Desde ritmos al estilo Drum & Bass hasta atmósferas oscuras donde el free jazz y la música circense se confunden. Eso combinado con riffs demoníacos y secuencias armónicas hipnóticas.

Este disco tal vez fué la última genialidad que nos dio el siglo XX. Un estilo único que no llegó a cristalizarse en un género al menos supo estimular la imaginación de lo nuevo en la era del fin de la historia.

Lo defino como una obra Avant-garde que requiere cierto esnobismo admitir que no es inescuchable. Expresionismo abstracto como la pintura de Pollock: Una explosión emocional de gritos y sonidos estridentes.

Este disco me permitió entender lo que dice Adorno sobre Schoemberg. No es música agradable para escuchar. Su objeto no es agradar sino mostrar que algo nuevo es posible.

Aunque no está en este disco, la canción Hiway Robbery, es la mejor canción de la banda.

Escuchar album completo "Calculating Infinity" de Dillinger scape plan en Youtube

"Highway Robbery" The Dillinger Scape Plan

Jeff Buckley “Grace”

2020-06-24T15:56:00.004-03:00

Jeff Buckley, “Grace” (1994)

1. "Mojo Pin" 5:42

2. "Grace" 5:22

3. "Last Goodbye" 4:35

4. "Lilac Wine" 4:32

5. "So Real" 4:43

6. "Hallelujah" 6:53

7. "Lover, You Should've Come Over" 6:43

8. "Corpus Christi Carol" 2:56

9. "Eternal Life" 4:52

10. "Dream Brother" 5:26

Por Diego Labra @omnivorcultural

Quien me conoce, sabe que lloro fácil con películas (Pixar me deshidrata). Me pasa mucho menos otros medios, como literatura o comics, y prácticamente nunca con música. Salvo por este disco, Grace, el único de estudio que llegó a terminar Jeff Buckley antes de morir joven. Otro de 1994, que pedazo de año.

Lo descubrí gracias a Last.FM mientras trabajaba de 11 a 7 de la mañana frente a una PC, y fue como desenterrar un tesoro ¿Cómo puede ser que este disco no esté en cada batea personal (o ahora lista de Spotify)? Especialmente todos los rockeros noventosos y grungeros, que en Argentina se venden por docena, lo tendría que llevar en una estampita.

Para ser justos, la última década vio una corrección de la tibia recepción inicial de Grace, y de la obra de Buckley en general, gracias a que su cover de Hallelujah se disparó en los rankings en 2008 luego de ser cantada por un participante en American Idol. Sería luego usado en la película Watchmen al año siguiente.

Aparecieron EPs, DVDs, ediciones especiales y limitadas, y hasta una biopic que aprovecha a exprimir lo más jugoso de su biografía (Jeff era el hijo distanciado de un cantante folk, Tim Buckley)

Pero todo esto es al pedo, porque si bien toda la música habla por sí sola, esta lo hace más que otra.

La primera línea en So Real, el estribillo de Lover, You Should Come Over, el crescendo de Eternal Life, el gorgoreo sin fin de Grace. Me conmueven hasta mojarme el rabillo del ojo. Hallelujah, como todos los hits que trascienden al mainstream, un poco me cansó (Si escucho De Música Ligera una vez más, voy a gritar)

Está todo acá, desde sensibilidad de trovador gen X a enojo grunge, con una garganta que hasta Robert Plant envidiaría. Que la historia de la música no haya puesto a este tipo en el lugar que le corresponde es una de las grandes injusticas de la ídem. Todo porque se ahogó a los 31 en lugar de los 27. Hágase un favor y escuche este disco hoy.

Escuchar Jeff Buckey "Grace" completo en Youtube

Public, Image, Ltd. (PIL) "Album"

2020-06-21T17:00:00.001-03:00

Public, Image, Ltd. (PIL) "Album" (1986)

1.	"F.F.F."	John Lydon, Bill Laswell	5:32
2.	"Rise"	Lydon, Laswell	6:04
3.	"Fishing"	Lydon, Jebin Bruni, Mark Schulz	5:20
4.	"Round"	Lydon, Schulz	4:24
5.	"Bags"	Lydon, Bruni, Schulz	5:28
6.	"Home"	Lydon, Laswell	5:49
7.	"Ease"

Album de Pil estaba titulado como el soporte del medio en el que eran editado. Por ejemplo Casette, Compact Disc, y Album para el vinilo.

En este disco tocan músicos como Ginger Baker (de Cream) Jonas Hellborg, bajista con una gran trayectoria en el jazz fusión, Steve Vai (el guitarrista de Frank Zappa, David Lee Roth y Whitesnake) y el cantante de los Sex Pistols.
Una combinación singular irrepetible que brindó un disco exótico, intrincado, agresivo y con algún himno memorable.
"El enojo es una energía" es el mantra del hit Rise (Elevarse o elévate). Más allá de este tema el resto del disco tiene joyas para el deleite del oído sensible.
Este dream team de músicos de estudio con la leyenda del punk crearon una obra de arte.

Circle Jerks "Group Sex "

2008-04-03T01:40:00.005-03:00

Circle Jerks "Group Sex"

1. Deny Everything

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2. I Just Want Some Skank -->
3. Beverly Hills -->
4. Operation -->
5. Back Against The Wall -->
6. Wasted -->
7. Behind The Door -->
8. World Up My Ass -->
9. Paid Vacation -->
10. Don't Care -->
11. Live Fast Die Young -->
12. What's Your Problem -->
13. Group Sex -->
14. Red Tape

Este disco está -sin duda alguna- entre los mejores discos reseñados en esta selección por una serie de factores. Pero por encima de todo lo que hace grandioso a este disco resulta una obra poderosa, contundente e impactante. Lo que fue definido como "el declive de la civilización occidental" por la documentalista Penelope Spheeris tiene como protagonista a esta banda junto a contemporáneos como Black Flag, Germs y Fear entre otros. Este documental, al igual que otros como American Hardcore, muestran la contradicción de que lo que es considerado lo más bajo, al mismo tiempo puede ser una manifestación elevada del genio musical de una era.
En un Estados Unidos que se sumergía en una era conservadora impuesta por el gobierno de Reagan y un nuevo boom de crecimiento económico y de consumo, un reducido número de sujetos que no se integraban o eran excluidos de la promesa américana gestaban un movimiento que influenciaría profundamente la música y el espíritu de rebeldía de nuestro tiempo.
Al comienzo decíamos que existían muchas razones que hacían de este disco una gran obra de arte.
En primer lugar las canciones. Las 14 canciones son excelentes. El sonido es completamente original. Furioso. Bellamente desprolijo. Un sonido que a pesar de ser producido por jóvenes inexpertos en un campo aún sin explorar, se resuelve con mucha pericia.
Un disco con mucho rítmo. Donde todas las canciones tienen un enfoque rítmico ecléctico dentro del esquema clásico del genero. Hay cambios de rítmos interesantes. Cortes. Estribillos memorables. La música de Circle Jerks posee mucho rítmo, lo que invita a bailar el clásico pogo como es descrípto en muchas imágenes que presentaba la banda en el arte de sus discos y los bolantes y afiches de sus recitales. Acontecimientos legendarios en la California de comienzos de los 80. Un pequeño paraiso suburbano que entraba en una bonanza económica y una era conservodora impuesto por su ex-gobernador, el actor Ronald Reagan.
En una tierra de felecidad un grupo de inadaptados se reunía en los márgenes creando una comunidad con nuevos códigos. El código que aquí analizamos -la música- manifestaba todo el odio y rabia que sentian contra el sistema que se les era impuesto. En cierto sentido la música de Circle Jerks es la vanguardía, la primera línea de ataque en este movimiento de resistencia. La música de Circle Jerks -incluso en comparación con Black Flag- es más agresiva, que buscaba un efecto de levantamiento, rebelión contra la autoridad. En este sentido hay casi un aspecto práctico de esta música. Por ejemplo la canción "Deny Everything" puede ser interpretada como un consejo práctico. "Negá todo". "Soy inocente hasta que se pruebe lo contrario: Negá todo!" Un consejo muy útil.
Es muy curiosa la canción que le da nombre al disco: Group Sex. Básicamente es un comercial, un aviso radial, de un lugar para tener sexo grupal. Incluso dejan el teléfono para que llamen: 213-659-3756.
Por sobre todo, este disco es Conciso. En menos de 20 mínutos se extingue dejando la necesidad de escuchar más de este testimonio que revive la valentía que encierra la historia de David y Goliath. El pequeño se enfrenta sin miedo al gigante. En esta historia David no puede con Goliath, pero eso no logra aplacar su enojo.

The Police "Ghost in the machine"

2008-03-10T00:07:00.003-02:00

The Police "Ghost in the machine"

1. Spirits In The Material World

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2. Every Little Thing She Does Is Magic -->

3. Invisible Sun -->

4. Hungry For You (J'Aurais Toujours Faim De Toi) -->

5. Demolition Man -->

6. Too Much Information -->

7. Rehumanize Yourself -->

8. One World (Not Three) -->

9. Omegaman -->

10. Secret Journey -->

11. Darkness

Lo que hace que este disco clasifique en esta lista se debe menos a la popularidad que ha tenido tanto the police como Sting -tampoco le resta- que la fusión musical que se estaba gestando prematuramente en este trío inglés. Esto se puede relatar así porque vemos la película desde el final, después de la vuelta de esta banda, después de los supershows, después de la campaña de medios para re-instalar a la banda.
A pesar de todo esto, dejando de lado el punto de vista particular desde el momento en que realizamos la retrospectiva, no podemos dejar de sorprendernos, al menos sentir algo -quitando la nostalgia (si fuera posible)- con la música de este disco.
La forma en que este trio ensambla su música, la manera en que llenan el silencio del vacío de forma mínima, con la ornamentación necesaria, trazos sugestivos, rítmos animados, melodías memorables, armonías complejas y accesibles. Convergencia es una palabra que nos puede servir para señalar el efecto de encuentro que se escucha en este disco. La convergencia de géneros, como el rock, el pop, el reagge y el jazz.
Todo esto presentado con mucha vehemencia, como si esto no fuera pura casualidad. Como si admitiaran que esto no es así por casualidad. Como si esto fuera algo premeditado. El mismo título "Ghost in the machine" es una categoría filosófica acuñada por Gilber Ryle. En este acto de acuñación Sting casi como resistencia -en sentido del psicoanálisis- se muestra parte como un maestro de literatura, parte como músico y como un ciudadano liberal preocupado de los asuntos de la política. Este elemento -liberal- simplemente señala el tono de la crítica, que es más bien reformista que revolucionaria. Tal vez esto propicio un alcance tan masivo para la música de esta banda.
Volviendo a la música, al aspecto interpretativo, cabe destacar la maestría de Sting, Andy Summers y Stewart Copeland para interpretar sus instrumentos. El abordaje tan particular que tienen para interpretar su instrumento, de la mano del genio compositivo de Sting hacen que esta música sea clásica en términos de su poder de trascendencia, ya sea en términos de la memoria auditiva, su popularidad, lo que sea.

Frank Zappa "Joe's garage, Acts I, II & III"

2007-08-21T07:04:00.001-03:00

Frank Zappa "Joes garage, Acts I, II & III"

1. The Central Scrutinizer
2. Joe's Garage
3. Catholic Girls
4. Crew Slut
5. Fembot in a Wet T-Shirt
6. On the Bus
7. Why Does It Hurt When I Pee?
8. Lucille Has Messed My Mind Up
9. Scrutinizer Postlude
10. A Token of My Extreme
11. Stick It Out
12. Sy Borg

Este es más que un gran disco de rock. Es una epopeya dramática. Este disco tiene más forma de obra de teatro que de disco, algo que queda aclarado en el título. Joe's garage es una especie de West-side story del rock. En este disco la historia es contada como comic pornográfico. Frank Zappa logra caricaturizar las grandes amenazas de las sociedad norteamericana con una mirada profundamente crítica y con un música frenéticamente arreglada con un genio de dimensiones solo comparable al de pocos compositores contemporáneos.
El humor dramtúrgico es un vieja herencia de los Mothers of invention y con foco porsupuesto escenico.
En Joe's Garage Frank Zappa ha logrado una madurez que le permite ahora plasmar la obra de teatro en un disco. Uno, al escuchar este disco puede seguir la historia de Joe, un muchacho común y corriente que se encierra por las tardes con sus amigos en el garage de su casa para hacer música. Joe tiene una novia, una chica católica. Esto da pie a una grán satira del "tipo": "chica católica". Como siempre Zappa ataca a los esteriotipos de los roles que le asigna la sociedad a la mujer. Como siempre el ingenio de Zappa nos está desafiando. La melodía de esta canción es la misma de la canción "Jewish Princess", donde realiza la misma actividad crítica pero con otro estereotipo de mujer.
A Joe y sus amigos le va muy bien con la banda. Pero por alguna razón la sociedad necesita reprimir, a través de "scrutanaizer central" -una especie de robot volador que se asegura que se cumplan las buenas costumbres y que no se toque música.
En esta gran obra músical que tiene todo lo que hace caracteriza a Zappa, mucha improvisación, canciones con letras muy ocurrentes. Grandes arreglos de coros vocales.
Una gran historia contada con música muy bella.

Megadeth "Peace sells...but who's buying"

2007-08-03T01:20:00.001-03:00

Megadeth "Peace sells...but who's buying"

1. Wake Up Dead
2. The Conjuring
3. Peace Sells
4. Devil's Island
5. Good Mourning / Black Friday
6. Bad Omen
7. I Ain't Superstitious
8. My Last Words
9. Wake Up Dead (Randy Burns Mix) - previously unreleased
10. The Conjuring (Randy Burns Mix) - previously unreleased
11. Peace Sells (Randy Burns Mix) - previously unreleased
12. Good Mourning / Black Friday (Randy Burns Mix) - previously unreleased

Una de las bandas que ocupa el podio del metal junto a Metallica -banda en la que Dave Mustaine fue miembro integrante-, Slayer y Anthrax. Megadeth supo distinguirse en el mundo del metal con un sonido muy personal y un estilo de composición muy intrincado.
Una gran banda que debido a ciertos defectos de personalidad del gran líder Mustaine, como su debilidad por las drogas y el alcohol, ha tenido una discografía errática. La discografía de Megadeth es un tanto irregular, salvo la última etapa que logró cierta estabilidad.
A pesar de esto, Megadeth supo sacar discos épicos. Y si hay un disco épico de Megadeth es éste.
Con un estilo de composición que roza el barroco. Canciones intrincadas, con muchas partes, secciones, puentes y solos prodigiosos de la mano de dos grandes guitarristas como Chris Poland y Dave Mustaine.
Esta sofisticación compositiva es combinada con un terrible rabia que caracteriza al "colorado" Mustaine.
Un disco con grandes canciones. Y si hay grandes canciones esa es la que le da título a este disco. La canción "Peace sells...but who's buying" sigue erizándome la piel.
La letra lo dice todo.
A pesar que no podemos decir estríctamente que el metal sea música de protesta. Megadeth en este disco -aunque no lo podamos generalizar para todo el género- demuestra que el metal puede ser vehículo de cuestionamientos políticos importante.

What do you mean, "I don't believe in God"? / Que quieres decir con que "no creo en dios"
I talk to him every day. / Hablo con él todos los días.
What do you mean, "I don't support your system"? / Que quieres decir con que "no apoyo tu sistema"
I go to court when I have to. / Voy a la corte cuando tengo que hacerlo.
What do you mean, "I can't get to work on time"? /Que quieres decir con que "no puedo llegar al trabajo a tiempo"
I got nothing better to do / No tengo nada mejor que hacer
And, what do you mean, "I don't pay my bills"? Que quieres decir con que "no pago mis cuentas"
Why do you think I'm broke? Huh? / ¿Porque crees que estoy quebrado? ¿Eh?

If there's a new way, / Si hay un nuevo camino.
I'll be the first in line. / Voy a ser el primero en línea
But, it better work this time. / Pero mejor trabajar esta vez.

What do you mean, "I hurt your feelings"? / Que quieres decir con que "herí tus sentimientos"
I didn't know you had any feelings. / No sabía que tenías sentimientos.
What do you mean, "I ain't kind"? Que quieres decir con que "no soy bueno"
I'm just not your kind. /simplemente no soy tu clase de bueno.
What do you mean, "I couldn't be president, of the United States of America"? / Que quieres decir con que "no puedo ser el presidente de Estado Unidos"
Tell me something, it's still "We the people", right? / Decime algo, acaso todavía "nosotros la gente" ¿No es así?

Can you put a price on peace? / Le podés poner un precio a la paz.
Peace, / Paz

Peace sells..., / Paz en Venta.

En estos renovados tiempos de guerra una pregunta desesperada.
PAZ EN VENTA ¿PERO QUIEN COMPRA?

John Scofield "Groove elation"

2007-08-03T01:10:00.001-03:00

John Scofield "Groove elation"

1. Lazy
2. Peculiar
3. Let the Cat Out
4. Kool
5. Old Soul
6. Groove Elation
7. Carlos
8. Soft Shoe
9. Let it Shine
10. Bigtop

John Scofield forma parte de la realeza del Jazz. Este guitarrista que supo templar un estilo único nos presenta en este disco una muestra un rango muy variado de groove. Si hay algo que Scotfield tiene es rítmo. Fraseos únicos, que nos cambian la marca escurridísamente.
Scotfield sabe tocar blues, con groove, jazz, con groove, y funk con groove.
El partener de músicos como Miles Davis, Jaco Pastorius e incluso Medesky Martin & Wood, despliega en este disco de 1995 todo su arsenal de guitarra.
Música con mucha sustancia en claves standard. Pero si hay algo que no es el sonido de Scotfield es Standard. No puede tocar ni el blues derecho. Pero esto más que un defecto es una virtud.
La música de Scotfield es como la pintura de Picasso. Uno no tiene que intentar ver las formas de manera convencional, sino dejar volar la imaginación para que los silencios, las notas que nunca se tocan terminen de pintar la melodía.
Fraseos muy entrecortados. Pasos en fálsos. El canto embriagado.
La música de Scotfield encierra un espíritu dionisíaco. Y en esa fascinación, en esa intoxicación de la música que encontraremos la esencia de la verdad a través de lo sublime.
"Groove elation" es un disco que nos invita a leer el banquete de Platón para encontrar la esencia de la verdad de la música de Scotfield.
Descontamos el talento y virtuosismo de este guitarrista. Una originalidad que lo descubre a las pocas notas. Un sonido inconfundible y una gracia singular.
Un disco que puede tentar una escucha analítica. Una tentación ineludible en tan atractiva métrica.
Para saborer de forma más simple y plena esta música basta con encontrar el beat, el rítmo, el golpe donde toda la libertad anárquica se encuentra sincrónicamente. La escencia del groove.

Jamiroquai "Emergency On Planet Earth"

2007-07-28T19:00:00.002-03:00

1. When You Gonna Learn (Digeridoo) 2. Too Young To Die 3. Hooked Up 4. If I Like It, I Do It 5. Music Of the Mind 6. Emergency On Planet Earth 7. Whatever It Is, I Just Can't Stop 8. Blow Your Mind 9. Revolution 1993 10. Didgin' Out

Una verdadera sorpresa. No lo vimos venir. Simplemente apareció. Esta banda que hacía una especie de música disco, que era mucho más que eso. Que tenía mucho groove, como las verdaderas bandas de funk, casi te diría tanto como Parliament y James Brown. El tema es que eran blanquitos e ingleses. Un sonido muy contemporáneo, un personaje que usaba sombreros extravagantes y bailaba con mucha destreza, y un mensaje ecologista con una mirada muy singular.

Jamiroquai nos hizo bailar durante la década del 90 mientras que al mismo tiempo nos anunciaba que a este rítmo ibamos a destruir el planeta y nos llamaban a hacer algo al respecto. Nosotros solo nos quedamos bailando. De todas maneras aquí podemos reconocer como la música funciona como vehículo para mensajes. En este caso, salvemos la tierra. Estos muchachos hablaban sobre la ecología antes de que se pusiera de moda "Unconvinient truth", además lo hacen con mucho más rítmo y con una visión que tal vez solo y apenas podíamos entreveer en los dibujitos animados (cartoons) donde los niños del mañana deberían habitar otros planetas. En este sentido, el discurso ecologista de Jamiroquai adquiere una dimensión cósmica. Esta banda conjuga el espacio y lo primitivo del hombre, tal vez con una visión un poco Roussoneana al hacer referencia a los discos Iroquai en su nombre. Jamiroquai, significa basicamente esto, un Jam de indios Iroquai, una zappada trivial, en la selva.

Corrosion of Conformity "Wiseblood"

2007-07-28T18:26:00.001-03:00

Corrosion of Conformity "Wiseblood"

1. King Of The Rotten
2. Long Whip / Big America
3. Wiseblood
4. Goodbye Windows
5. Born Again For The Last Time
6. Drowning In A Daydream
7. Snake Has No Head, The
8. Door, The
9. Man Or Ash - (with James Hetfield)
10. Redemption City
11. Wishbone (Some Tomorrow)
12. Fuel
13. Bottom Feeder

Aquí lo que predomina son dos cosas. La primera es la mística. La segunda el tema "Fuel" que es una de las cosas más grandiosas que escuché en mi vida.
Empecemos por la primera. Corrosion of Conformity (C.O.C) es una de las bandas iniciadoras del Hardcore en el medio oeste de los Estados Unidos. Estos muchachos son de Carolina del Norte y fueron la principal fuente de inspiración e influencia para el Hardcore dentro de su sona geográfica de influencia.
Esta banda siempre se destacó por su originalidad. Incluso en sú época de Hardcore, porque sin duda Corrosion of Conformity también tuvo y tiene un momento que es muy diferente a los comienzos a principios de los años 80. La música que hacían entonces era realmente especial. Si quieren entender la noción de acontecimiento en el sentido que le asigna Martin Heidegger, escuchar los primeros discos de C.O.C ayuda mucho. Sin duda un acontecimiento singular.
Ahora se podrán preguntar porque en vez de publicar aquí este disco no presento Animosity o Eye for an eye.
Sin duda este disco de 1996 asimila lo mejor de todos los discos anteriores. La música y el estilo han mutado a un HardRock, a un Heavy Metal muy roquero. Tal vez más cercano -y esto discho de manera muy precaria, porque todas estas bandas son únicas- a Rage Against the Machine y Audioslave. Sí, sin duda una acertación polémica. Pero una vez que escuchen los riffs entrecortados, el groove, el rítmo y la composición, a partir de riffs, que juegan con un simplicidad pero con una gracia y un estilo únicos.
Este disco presenta a un músico invitado, James Hetfield de Metallica en la canción "Man Or Ash". Esto ya de por sí dice algo sobre el virage de C.O.C.
Bottom feeder(El Que Come Abajo)también es una canción muy interesante con un mensage que revela el origen de la furia del espíritu (y por quintigésima vez, no soy hegeliano) de Corrosion of Conformity. Si tuviera que resumir en una oración de que se trata el mensaje de C.O.C, diría "Maten a la realeza". Ojo, no tenés que tener sangre real para que estos pibes quieran bajarte de un ondazo.

La segunda razón era la canción "Fuel". Cuando escuché esta canción (vale la pena la anécdota)en un complilado en el que había tirado a manotazos canciones de bandas pesadas que no escuchaba hace años, como Cro-Mags, Black Flag, Bad Brains, etc.; me estremecía. Estaba, digámos, en el colectivo, en algún lugar así, y de repente, sin que supiera que cargaba conmigo con una joya semejante como esta canción. Derrente, la cuenta de la batería, y después de una breve introducción arranca el más corrosivo Hardcore. De repente, vuelven al mismo rítmo de medio tiempo típico de C.O.C, aceleran un puco más, como en una canción de Metal, pero se desbocan y empiezan a correr como locos, como si estuviéramos de vuelta en los 80. Pero, hay un corte, muy sofisticado y entra un rítmo con un groove, en el que cada uno de los integrantes de la banda contribuye de una manera única. Pero el que marca la cancha, el que realmente se destaca como un gran músico es el baterista Stanton Moore. Stanton Moore es un excelente baterista. Si les gusta la batería este tipo les va a abrir los ojos. Cuidado, tal vez lo haga de un gancho a la mandibula. Pero el que quiere peces, que se moje el culo (Dicho Popular).

Señores, un disco de HardRock, Heavy Metal a lo sumo, que esconde un compendio de la música pesada en la canción "Fuel". El disco es muy bueno, pero esta canción es una pieza arqueológica en la que cristaliza buena parte de la música de protesta en una sola pieza.

Frank Sinatra & Antonio Carlos Jobim "Sinatra - Jobin"

2007-07-22T21:38:00.001-03:00

Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim "Sinatra - Jobin"

1. The Girl From Ipanema
2. Dindi
3. Change Partners
4. Quiet Nights Of Quiet Stars
5. Meditation
6. If You Never Come To Me
7. How Insensitive
8. I Concentrate On You

9. Baubles, Bangles And Beads
10. Once I Loved

Se me hace muy intimidante hablar sobre este disco. Este no es otro disco, un encuentro vanal, un hecho intrascendente. Esto no es joda. Este disco es pesuqui, pesuqui, pesuqui. Una obra clásica consagrada, indispensable y de un calibre y sustancia sobrecogedora.
Un disco despojado, donde con lo necesario se logra lo extraordinario. Sutileza, sofisticación, encanto. Estos son los atributos de la música de este disco.

Pero este disco es más que música. Es también grandes personalidades, tan grandes como Frank Sinatra y Antonio Carlos Jobim. Sin duda estos nombres pueden inscribirse en los grandes anales de los grandes músicos junto a Gershwin, Piazzolla, Frank Zappa, los Beatles y Jimi Hendrix. Y como podrán ver esta selección no reconoce el género. Esto significa que esta consideración va más allá del Jazz, la Bossa Nova, la balada, la canción. Estos son dos gigantes de la música que se encontraron dando lugar a un acontecimiento que pudo ser documentado en este disco que capta el encuentro.
Dos hombres que provenían de dos lugares diferentes, con una lengua diferente. Existe una gran brecha entre Brasil y Estados Unidos. Dos hombre que a pesar de la geografía hablaban un lenguaje común: la música.

Una conversación muy virtuosa, en la que predomina el respeto, donde hay una gran "escucha" del "otro".

Este disco no solo muestra la madurez de estos musicos, sino también cierta madurez "musical" de dos pueblos como el de Brasil y Estados Unidos. Está presente esta marca nacional, un pulso nativo que logra articularse manteniendo lo genuino de cada voz. De hecho esta cantado en inglés y portugués.
Es también un disco que puede despertar cierta nostalgia de un momento donde en el cono sur -y con mayor énfasis en los paises australes- se tenía una visión de porvenir y bienestar que el futuro supo pisotear.
Pero al menos nos queda la música y el espíritu (sin querer pecar en absoluto de hegueliano, ni "Nitszche-wagneriano") que ella transmite. Me puse un poco pretencioso ¿no?

En definitiva, un super disco, un discazo, una masa, grosso (grosísimo), un flash. Lo tenés que escuchar. Bah, digo.

Wayne Krantz "Live in Oslo 1998"

2007-07-18T03:19:00.001-03:00

Wayne Krantz "Live in Oslo 1998"

1. Track 1.
2. Track 2.
3. Track 3.
4. Track 4.
5. Track 5.
6. Track 6.
7. Track 7.
8. Track 8.

Ante todo empezar por aclarar que este disco no existe, en el sentido que nunca se lanzó por ningún sello discográfico. Y para ser honesto con Ustedes no se si incluso hay muchos discos de este muy original guitarrista que Wayne Krantz.
En principio diría que son dos los discos de este músico de gran trayectoria los que podemos conseguir. "Signals" y "Two drink minimal" título que pone al descubierto un sentido del humor muy cálido, cuando no hace otra cosa que reirse de su propia situación, de ser un músico relegado al circuito de los bares, donde la entrada al show es consumir por lo menos 2 tragos.
La música de Krantz tiene una gran personalidad y su enfoque muy singular. Su música siempre nos está desafiando, pero nunca de forma confrontativa, sino que lo hace mostrándonos nuevos rítmos, nuevas cadencias, dentro de progresiones convencionales de jazz fusion.
En este sentido Wayne Krantz lleva el jazz fuision a nuevos ámbitos rítmicos, que tampoco son étnicos.
Krantz logra desarticular el groove y presentarlo de una manera completamente innovadora.
Su música no guarda demasiados secretos. La formación de este trio con batería, bajo y guitarra lográn dar un importante volúmen.
Como dijímos anteriormente, este disco es una grabación en vivo que no intentaba ser lanzada como disco. A pesar de esto la calidad de audio nos permitirá tener una idea muy bien acabada de que se trata la música de este guitarrista tan excepcional como original.

Emerson Lake & Palmer "Trilogy"

2007-07-18T02:50:00.001-03:00

Emerson Lake & Palmer "Trilogy"

1. Endless Enigma (Part One),
2. Fugue Listen Listen
3. Endless Enigma (Part Two), The
4. From The Beginning
5. Sheriff, The
6. Hoedown
7. Trilogy
8. Living Sin
9. Abaddon's Bolero

Entiendo que puede ser un poco intimidante. Ante todo el nombre suena a epopeya. Emrson, Lake y Palmer, esos nombres suenan a próceres. Personas que hicieron algo más grande que ellos mismos y serán recordados e inmortalizarados en bronce. Tal vez esa imagen de fantasía se realice facticamente. Tal vez, mi amigo John Lire del Blog "el ladrón de links" insistirá en que otra vez estoy exagerando. Como siempre es posible que tenga razón.
Sin embargo esto no tiene nada que ver con la tremenda sustancia de la música de este trio.
Ya que estamos diciendo cualquier cosa, permítanme una metáfora desaforada. Emerson, Laque y Palmer es una especie de Return to Forever (la mítica banda formada por Chick Corea, Al DiMeola, Stanley Clark y Lenny White) pero pesada. Decir que este trio hace jazz fusión pesado es un poco exagerado e ilegítimo.
Emerson Lake y Palmer es una banda de Rock. La singularidad de su formación, piano, hammond y todo tipo de organo y sintetizador existente durante la década del 70, bajo y batería.
Aún así, aunque sigue siendo una banda de Rock, este género no logra encorsetar por completo una música tan meticulosamente y robusta como la de Emerson, Lake y Palmer.
En este fascinante disco exploran el bolero, la balada y el rock hiper kinético y los límites de la improvisación.
En muchos sentidos este disco arremete contra los límites. Su sonido es muy experimental. Pero aquí la experimentación tiene un importante y criterioso respaldo.
Un sonido más allá de nuestro actual tiempo contemporáneo.
Una selva de arreglos, rítmos muy ajustados, sobresaltos y tensiones al límite de la tolerancia del oído humano. Tanto es así que estos tres muchachos, Emerson, Lake y también Palmer son protagonistas de una muy singular historia. Al parecer en uno de sus conciertos uno de los integrantes notó que salía sangre de sus oídos. Si escuchan este disco se darán cuenta que esta es una historia muy verosimil.
Un trabajo magistral que muestra una destreza extrordinaria de estos tres grandes virtuosos.
Al mismo tiempo este disco logra encontrar un equilibrio entre la imrpovisación anárquica, las composiciones laberínticas y la forma canción.
Sin duda la mejor canción -en ese formato- sea Hoedown. Este disco trae dos versiones de esta canción, una de ellas en vivo.
Nota de color: En 1974 cuando Emerson, Lake y Palmer tocó en Buenos Aires, Emerson quien era un gran admirador del compositor argentino Alberto Ginastera le rindió un tributo tocando temas suyos. Tal vez lo más cómico sea que nadie de la audiencia -está bien, había un señor de sweater rojo que sí sabía- quien era Alberto Ginastera. El gran comopositor argentino fallecido en Suiza. Seguro que en Suiza lo conocén más que acá, quienes en 2002 realizaron en monumento al compositor en su honor en la ciudad de Ginebra.

Benny Carter & Oscar Peterson "Carter Meets Peterson"

2007-07-13T00:53:00.001-03:00

Benny Carter & Oscar Peterson "Carter Meets Peterson"

1. Just Friends
2. Sweet Lorraine
3. Baubles, Bangles And Beads
4. It's A Wonderful World
5. If I Had You
6. Whispering
7. Some Kind Of Blues

Este disco de dos personalidad clásicas del jazz esbastante reciente, si consideramos que se grabó en 1987. En este sentido es un disco donde estos grandes maestros están en total control de la situación en todo momento.
La madurez con la que está encarado este disco no es pormenorizado por los dedos pícaros de Peterson que imprimen un muy alegre y agradable encuadre.
"Alegre" es sin duda un adjetivo que podemos atribuir a este disco. Con un eufórica algría Oscar y Benny te van a estremecer.
Un dico que logra buenos ambientes. Aunque la mayor parte del tiempo es muy consistente con standards con beat up-tempo y medio-tempo. Canciones mayores, con rondas de improvisación que se vuelven más incisvas a lo largo de los compases.
Acompaña a estos grandes Joe Pass en guitarra, quien se hace notar muy bien, y encuentra buenos climax en sus solos.
Tal vez no sea uno de esos discos legendarios que puedas mencionar en voz alta en las reuniones sociales de manera snob. Pero si lo que te gusta es escuchar música, en especial formaciones que tengan esta particular formación de piano, saxo, bajo, guitarra y batería, sin duda alguna este es un gran exponente de un jazz limpio y vivaz.
Un disco que se escucha bien, una grabación moderna que demuestra la bienlogradada experiencia de grandes del jazz.

Bad Brains "Bad Brains"

2007-07-13T00:21:00.001-03:00

Bad Brains "Bad Brains"

1. Sailin' On Listen
2. Don't Need It
3. Attitude Listen
4. The Regulator
5. Banned In D.C.
6. Jah Calling
7. Supertouch/Shitfit
8. Leaving Babylon
9. Fearless Vampire Killers
10. I
11. Big Take Over
12. Pay To Cum
13. Right Brigade
14. I Luv I Jah
15. Intro
16. Bonus Track

Un disco que definitivamente sacudió con un golpe la música abriendo un puente de transición entre la tradición punk y todo lo que deveniría en el hardcore.
Una banda rabiosa que interpretan con exhuberante velocidad y mucha gracia canciones símples, cortas, directas, pero con un profundo insight "melódico".
Una especie de Ramones, pero virtuosos en la ejecución de sus instrumentos. Esta banda se convirtió en leyenda por una importante combinación de atributos que hacían que la banda se destaque prominentemente en la minúscula y clandestina escena punk de principios de los años 80 en Estados Unidos.
Estos cuatro chicos negros se internaron en un género habitado casi exclusivamente por blancos y lo hacían con mucho más talento que ninguna otra banda.
Tenemos que reconocer el aspecto de protesta de esta banda que está más que implícito en el género. Pero incluso dentro del mismo género Bad Brains siempre adoptó una posición crítica, nunca siendo demasiado doctrinarios, salvo durante algún breve período en el que se convirtieron a la religión Rasta Fari.
Así es, Bad Brains combina cuestiones tan antagónicas como el punk y el Rasta Fari, lo místico y lo pragmático, siendo siempre muy genuinos. Sin duda una banda única e irrepetible.
Cada uno de los miembros de la banda es un eximio instrumentista, empezando por H.R, cantante de la banda, quien tiene un alcance y un registro excepcional. Cambia raudamente de un alarido alto a un berso bajo y lento, trazando un dibujo bello en el medio. Dr. Know es sin duda un virtuoso de la guitarra. Que toque con mucha rabia no significa que lo que toca no sea bello.

Este disco grabado artesanalmente en 1982, el primero de Bad Brains a pesar de su sonido rudimentario rejuveneció el rock y creo el espacio para un aconecimiento social e histórico irrepetible.

Metallica "...and justice for all"

2007-07-08T08:27:00.001-03:00

Metallica "...and justice for all"

1. Blackened
2. ...And Justice For All
3. Eye Of The Beholder
4. One
5. The Shortest Straw
6. Harvester Of Sorrow
7. The Frayed Ends Of Sanity
8. To Live Is To Die
9. Dyers Eve

Una obra maestra de la música. Este disco de 1989 es sin duda un momento crucial de la historia de la música en occidente. Un acontecimiento trascendetal que volvería a sacudir la percepción musical del hombre. Aquí, en el Super Music Index, ya hemos publicado discos de bandas que tocan muy rápido, con mucha ferocidad, que componen con mucho ingenio. Pero este disco combina todo eso en un medida virtuosamente prudente, con un sofisticación de arreglos, una gracia en la forma y un sentido comprometido de las grandes cuestiones de la "polis" como es en este caso, la justicia.
Una obra de dimensiones magníficas. Este disco hay considerarlo como algo más importante que un mero disco. Aquí hay una gran obra épica. Esto es casi como una gran opera. Tiene su gran dramatismo, furia, impotencia, miedo, desolación, y sus grandes momentos de redención.
"...and justice for all" es un gran disco en muchos sentidos. Empecemos con el juego de palabras, que en definitiva, es lo más simple de este complejo disco. La traducción de "...and justice for all" y (fónéticamente /in/) justicia para todos. Básicamente es un juego de palabras con una frase del himno de los Estados Unidos que garanticia libertar ... y justicia para todos. Metallica intenta partir este enunciado por la mitad para dejar al desnudo con lo que en realidad se quedan, con injusticia.
En palabras de Metallica:

Justice Is Lost / La justicia está perdida
Justice Is Raped / La justicia ha sido violada
Justice Is Gone / La justicia se acabó
Pulling Your Strings / tirando de los hilos
Justice Is Done / La justicia se acabó
Seeking No Truth / No busca ninguna verdad
Winning Is All / Ganar lo es todo
Find it So Grim / encontrándolo tan severo
So True / tan verdadero
So Real / tan real

Dramátiso a lo largo de los 9 minutos y 45 segundos que dura la canción. Canción que además de ser muy larga tiene muchas partes y cortes. Pero lo más interesante de esta canción es el compás en el que es tocada. No puedo decir a ciencia cierta que compás, lo que sí se es que en el primer compás resuleven con un corchea, y en el siguiente con un corchea con puntillo. Esto hace que tenga un ritmo muy entrecortado.
Este disco no es al estilo Pantera en el sentido del "despliegue vulgar de poder". En este caso es un "despliegue compulsivamente ordenado de poder".
El primer disco con su nuevo bajista Jason Newsted (tal vez más conocido por el reality show "Rockstar supernova" en el que lo acompañan Tommy Lee y Gilby Clarck) tras la muerte de Cliff Burton en un trágico accidente de su autobus durante la gira del disco "Ride the lightning". En el medio hay un E.P. "Garage days..." que no es considerado un verdadero disco, en el que Newsted entraba en calor con la banda. Sin duda Jason tuvo que ocupar un lugar muy difícil de llenar.
Este disco de Thrash metal también creó una cuña ya es que el primer disco de Metallica en tener una power ballad como "one". El video de "One" fue el primer video de Heavy Metal transmitido por MTV. Esto significó el ingreso de Metallica a todo un nuevo público. También esto con el decline del metal alejaron a Metallica de esta senda por música mucho más convencional.
Este disco embarco a Metallica en su gira más extensas. Una empresa solo comparable con el tamaño de esta obra maestra del metal.
Un gran disco que invita a escucharlo íntimamente.

Wes Montgomery "SO Much Guitar!"

2007-07-08T08:04:00.001-03:00

Wes Montgomery "SO Much Guitar!"

1. Twisted Blues

2. Cotton Tail

3. I Wish I Knew

4. I'm Just A Lucky So And So

5. Repetition 6. Something Like Bags

7. While We're Young

8. One For My Baby (And One More For The Road)

Todos podemos nombrar con facilidad leyendas del jazz que se destacaron en el piano, la trompeta, el saxo, hasta la batería, pero cuando nos detenemos en la guitarra, claramente no son muchos los héroes de la guitarra en el jazz. Sin duda están primero Dyango e indiscutiblemente después Wes Montgmery. El rasgo distintivo y técnica que desarrolló Montgomery eran las octavas. Wes Montgomery lograba su sonido característico tocando las melodías tocando una nota y su octava al mismo tiempo, arrástrándolas y deslizándose muy gentilmente por todo el diapasón. Un guitarrista muy agrasiado que interpreta con mucha delicia un jazz con mucho rítmo. En este dísco, como acusa el nómbre, se encontrarán con mucha guitarra. Un disco que tiene algunos matices blues. En otras palabras este es un gran disco de guitarra de jazz, pero aquellos que les guste el blues, encontrarán aquí un gran disco. A pesar de que la firma característica de Wes Montgomery sean las octavas, en este disco de 1961 despliega un enorme arsenal técnico y una gran sensibilidad. En este disco lo acompañan algunos grandes como Hank Jones en piano y otro miembro del salón de la fama del Super Music Index, Ron Carter. En "While We're Young" encontramos una balada interpretada solo en guitarra. Un disco muy variado. Baladas, blues, jazz, guitarra y mucho rítmo. Más bien un disco tranquilo, con un guitarra muy dulce que acariciará tus oídos. Wes, un tipo que dice las cosas claras. Nada de efectos. Lo que toca, lo toca ahí y ya.

Bud Shank (Junto a Chet Baker y Joe Pass) "Brazil Brazil Brazil"

2007-06-18T16:07:00.001-03:00

Bud Shank (Junto a Chet Baker y Joe Pass) "Brazil Brazil Brazil"

1. Summer Samba (So Nice) - 2:30
2. Elizete - 3:23
3. Nocturno - 3:01
4. Otem A Note - 2:41
5. Carnival - 2:22
6. Sausalito - 2:49
7. If I Should Lose You - 2:56
8. Carioca Hills - 2:35
9. Samba Do Aviao - 2:58
10. I Didn't Want To Know What Time It Was - 2:45
11. Quiet Nights (Corcovado) - 3:01
12. The Color Of Her Hair - 1:56

Este disco es indiscutidamente fenomenal. Conjuga un grupo sin igual de músicos muy sensibles que leen en clave de jazz el cancionero de la bossa nova. Canciones ya consagradas interpretadas con mucha gracias. Matices y atmósferas "lounge" que lograrán transportarlo en el tiempo y el espacio. cuando escuches este disco sentirá la brisa del mar acariciando su cara, verá una época de bienestar y progreso donde se cristalizó una nueva identidad popular de una Nación tan grande y bella como nuestra vecina Brasil.
En este disco participa un notorio grupo de músicos entre los que se destacan el trompetista y cantante Chet Baker (Ver), el guitarrista Joe Pass, Joao Donato y Clare Fischer en Piano, Bob Florence como Arreglador y conductor y por supuesto el mismo Bud Shank en saxo alto y flauta.
La anegdota de este disco es que es la primer grabación importante en la que participó Chet Baker después del incidente que en 1966 habría dañado su boca impdiéndole tocar su instrumento por un tiempo.
Este disco lo enamorará. Una grabación fascinante que le abrirá el corazón y lo deleiterá con una música muy bella.
Este es un disco que tiene que bajar independientemente del estilo de música que le guste escuchar.

Steve Vai "Flex-able"

2007-06-14T16:00:00.001-03:00

Steve Vai "Flex-able"

1. Little Green Men
2. Viv Woman
3. Lovers Are Crazy
4. Salamanders In The Sun
5. The Boy/Girl Song
6. The Attitude Song
7. Call It Sleep
8. Junkie
9. Bill's Private Parts
10. Next Stop Earth
11. There's Something Dead In Here
12. Leftovers (Bonus Tracks): So Happy
13. Leftovers (Bonus Tracks): Bledsoe Bluvd
14. Leftovers (Bonus Tracks): Burnin' Down The Mountain
15. Leftovers (Bonus Tracks): Chronic Insomnia

Un disco increible muy influenciado por Frank Zappa y extraterrestres. Este, el primer disco solista de Steve Vai presenta una forma de ejecutar la guitarra y de componer muy peculiar. A medio camino entre el Rock y el Folk, con elementos y sonidos extraños y estridentes. Tenemos desde una conversación de aliens reproducida con guitarra hasta voces pitcheadas, sin duda un trabajo muy interesante de experimentación y de cierre de un etapa para Steve Vai.
Recordemos que a principios de los años 80 Steve Vai tocaba la "Stunt Guitar" en la banda Frank Zappa. Existen anégdotas muy interesantes sobre la relación entre Zappa y Vai, como por ejemplo que Zappa realizaba prácticas de dictado rítmico jugando al ping-pong. Esto es, Vai tenía que escribir o solfear al rítmo de la pelota de ping-pong.
Independientemente si esto es cierto o no, lo que importa es tener bien presente el nivel interpretativo y de ejecución que encontraremos en este disco, en cuál por supuesto colaboran mucho más músicos, entre los cuales se encuetran varios sesionistas virtuosos que acompañarían a Vai en varios disco más, como Stuart Hamm , Chad Wackerman y Tommy Mars.
Un disco muy original y único. Con un sonido muy especial. Este estilo se perdería en detrimento del Rock a partir de 1986, cuando Steve Vai pasó a formar parte de la banda del ex-cantante de Van Halen, David Lee Roth. Después de esto Vai también formó parte de bandas como Whitesnake e incluso grabó jutno a PIL (Public Image Ltd.) un disco inolvidable. Es díficil determinar el nombre de este disco ya que se llama como el soporte en el que viene, por ejemplo, el disco de vinilo (todavía se editaban de esos cuando salió este disco de PIL) Album, en Casette, Casette, y en CD, adivinene: Compact Disc.
Recuerdo que entoses solía decir que mis dos guitarristas preferidos eran Steve Vai y el guitarrista de PIL. Hasta que claro, alguien me dijo que era la misma persona.
Volviendo al disco de este dicipulo de grandes como Zappa y Joe Satriani (que ahora que hemos mencionado los siete grados de separación entre todos estos músicos, llegamos a la conclusión que están todos publicados aquí) este es un disco que combina escenas de ET, con momentos intensos de Rock genuino, con canciones acusticas, con música que nos puede hacer meditar y elevarnos a otras constelaciones y comunicarnos con nuestros hermanos del universo, canciones que nos pueden hacer sentir amor, como la "Boy-Girl song". Temas que nos hacen ver cuestiones profundas como las adicciones con ojos redentores.
Sin duda un disco profundo, con mucho humor y por sobre todo muy original a pesar de que es un disco que ya casi cumple 30 años.
Como acusa el título, este es un disco muy flexible. Es un disco que se dobla pero no se quiebra.
Curiosos, amantes de Zappa y guitarristas no se lo pueden perder.

Parliament "Motor Booty Affair "

2007-06-13T10:09:00.001-03:00

Parliament "Motor Booty Affair"

1. Mr. Wiggles
2. Rumpofsteelskin
3. (You're A Fish & I'm A) Water Sign
4. Aqua Boogie (A Psychoalphadiscobetabioaquadoloop)
5. One Of Those Funky Things
6. Liquid Sunshine
7. The Motor-Booty Affair
8. Deep

Una odisea de Funk. Si te gusta el funk y nunca escuchaste este disco, todavía no sabés ni como se escribe "Funk". Tan contundente y determinante como esto. Este disco es un parlamento del funk en todo sentido. Este disco es una tribuna abierta para que todos participen en calidad de iguales. Por otro lado son tantos los que participan en este disco, que tranquilamente pueden establecer un parlamento. En este parlamento del funk habría una secretaría de rítmo, un ministerio de groove y comisiones especiales en síncopa, sonidos espaciales, voces estridentes y polirítmia avanzada.
Este disco es una locura. Esta gente está enferma de rítmo, y es contagioso. El sonido se va a apoderar de tu cuerpo y lo va estremecer.
Este disco presenta muchos excesos. Este disco muestra un funk muy barroco, saturado de arreglos, voces, cores, líneas melódicas, arreglos de todo tipo, hammonds, distorsionadores de voces, una selva tropical de sonidos.
El sonido muchas veces muy "aquoso", endeble y moldeable como un líquido. Un sonido con muchos matices experimentales, muy típicos de los años '70 y la introducción de la tecnología de sintetizadores. Un sonido atrevido como innovador.
Este disco es tan extrovertido como alegre. Se nota como esta música es producto de un estado anímico muy alterado, pudiendo contagiar esto de manera muy expresiva.
Hay que mencionar la propuesta detrás de la música. En la década del '70 cuando no había demasiadas expectativas para la comunidad negra, después de haber sufrido el asesinato de muchos de sus líderes, en un momento en el que Estados Unidos y el mundo se sumían en una nueva crísis económica. En ese contexto tan poco prometedor para mucha gente de color en Estados Unidos, aparecieron estos tipos con un espectáculo en el que bajaba en el escenario una nave espacial destellante de luces, que transportaba una fauna muy colorida. Una propuesta muy "loca" y por sobre todo una fiesta muy alegre.
Las personalidades que se destacan en este disco es a George Clinton, Bootsy Collins -quien venía de tocar con James Brown- y el saxofonista Maceo Parker. Hay que mencionar que participan como 30 músicos en este disco. Pero sin duda esta tres figuras se destacan y con justas razones.
Bootsy Collins es un individuo muy pintoresco, muy alto, flaco, viste de manera muy extravagante y toca un bajo en forma de estrella, y como toca ese bajo!!! Mamita!!! Como pela el mono!!! (Expresión alegorica muy utilizada por los músicos rioplatenses).
George Clinton es un mezcla entre lider religioso, embajador alienigena y cantante. En cada una de estas áreas se desempeña con gran habilidad.
Un disco que le acelerará el pulso cardíaco y hará que sus pies se muevan solos.

Miles Davis "Steamin' with the Miles Davis Quintet"

2007-06-12T12:45:00.001-03:00

1. Surrey With The Fringe On Top
2. Salt Peanuts
3. Something I Dreamed Last Night
4. Diane
5. Well, You Needn't
6. When I Fall In Love

Tal vez un poco redundante en la entrega un tanto sesgada, teniendo en cuenta la vastidad de la obra de Miles Davis. Este disco es otro de la serie realizados con el mismo quinteto formado por grandes figuras del jazz como el mismo John Coltrane, Philly Joe Jones en batería, Red Garland en Piano y Paul Chambers en bajo.
En este sentido podría simplificar el comentario y decir que si le gustó "Relaxin' with the Miles Davis Quintet", este disco le va a gustar más. Sin duda una selección de temas más constantes en su rítmo, tal vez alcanzando un pico un tanto estridente con "Salt Peanuts". El momento donde el Be-Bop esquizofrénico se apodera de la banda.
Salvo por este incidente, el resto del disco es bastante tranquilo, alcanzando picos de climax en las improvisaciones. Básicamente de eso se trata tanto este disco como los demás de la serie: destreza improvisando.
En este sentido veremos a estos virtuosos realizando figuras maravillosas, llenas de gracia, interpretadas con mucha sofisticación y delicadeza.
Un gran disco donde vemos un quinteto muy bien aceitado que consigue fluir con mucha naturalidad a través de los compaces, deleitándonos con un canto que proviene directamente del corazón.
El juego de palabras que aparece implícito en los discos de esta serie, verbos conjugados en presente continuo haciendo alusión al campo semántico de la cocina, como en este caso particular, donde Steamin' significa básicamente dos cosas. La primera: "hirviendo", haciendo referencia a la cocina. Hacer algo al vapor. Al mismo tiempo el "Vapor" es lo que hace mover a las máquinas.
En este sentido la metáfora está clara. Este es un disco que va a producir vapor. La trompeta de Miles va a dejar escapar un vapor que te va a movilizar como a una máquina y te va a poner en movimiento. Pero este movimiento y esta energía vendrán de manera tan delicada y paulatina, que como las ranas, no te vas a dar cuenta que estás siendo cocinado, al vapor claro.

Otro gran plato preparado por el chef Miles y su quinteto. Este disco es un banquete de melodías y solos bien condimentados.

SOD "Speak english or die" (Platinium Edition)

2007-06-12T10:58:00.001-03:00

SOD "Speak english or die" (Platinium Edition)

1. March Of The S.O.D.
2. Sargent "D" & The S.O.D.
3. Kill Yourself
4. Milano Mosh
5. Speak English Or Die
6. United Forces
7. Chromatic Death
8. Pi Alpha Nu
9. Anti-Procrastination Song
10. What's That Noise
11. Freddy Krueger
12. Milk
13. Pre-Menstrual Princess Blues
14. Pussy Whipped
15. Fist Banging Mania
16. No Turning Back
17. Fuck The Middle East
18. Douche Crew
19. Hey Gordy!
20. Ballad Of Jimi Hendrix, The
21. Diamonds And Rust - (extended version, bonus track)
22. Identity
23. Go S.O.D. Live In Tokyo 1999
24. March Of The S.O.D. / Sargent D
25. Kill Yourself
26. Milano Mosh
27. Speak English Or Die
28. Fuck The Middle East / Douche Crew
29. Not / Momo / Taint / The Camel Boy / Diamonds And Rust / Anti-Procrastination Song
30. Milk
31. United Forces
32.(untitled) - (hidden track)
33. (untitled) - (hidden track)

Este es un disco que despierta sentimiento encontradas. Un disco de una banda Stormtroopers Of Death por sus siglas SOD, lo que significa algo así como "Soldados-tormenta" de Muerte. Por un lado representa todo lo que detesto de forma abominal. Por el otro lado es una banda conformada por Scott Ian, un gran activista a favor de los derechos de libre expresión y el metal, además de ser el guitarrista de Anthrax; junto a Charlie Benante quien lo acampaña en la batería en la misma banda; Dan Lilker bajista y uno de los principales compositores de Nuclear Assault, una tremenda y muy original banda de metal de los 80as' y 90as'. La banda es completada -y al mismo tiempo coptada por la derecha más recalcitante- por el detestable fachista de Billy Milano.
Se preguntarán porque si detesto tanto este disco lo publico aquí y escribo algunas líneas sobre él.
A pesar de lo terrible que se me hace hacer mensión a este disco que se llama nada más ni nada menos que "Habla inglés o muere", haciendo referencia directa al problema de los inmigrantes en los Estados Unidos. ¿Te queda claro el mensaje de este disco? Básicamente es una invitación a nosotros los hispanoparlantes a quedarnos en nuestros paises. Pero claro que esto no es un odio específicamente dirigido a nosotros, sino también a otros como los arabes, cuestión que es expresada en la canción "Fuck The Middle East". Esto era en 1985, cuando la era Reagan empezaba y ya estaba este hijo de puta de Milano que quería, literalmete, "coger al medio oriente.
Pero tal vez uno de los puntos más álgidos de este disco es "United Forces", que si uno escucha esta canción descontexualizadamente, podría decir: -"Que linda canción!!! Un punk que llama a la unir fuerzas". La cuestión es que mete miedo solo pensar que es una convocatoria de fuerzas a las que uno no pertenece, ni con la que comparte valores, convicciones ni estilos de vida.
Básicamente veo los rallys y meetings políticos del partido nazy y este tema sonando cual himno, justo a continuación de "Deutschland Über Alles" y todos haciendo el saludo romano al ritmo del estribillo: United - Forces!!!
uuuuuuuuuuuyyyyyyyy, me da escalofríos solo pensarlo.
Sin duda que este es un disco confuso, porque quienes conocen Anthrax, saben que sus canciones hablan de cuestiones diametralmente opuestas a lo que escuchamos en estos discos. Queda muy claro que la impronta fachista de este disco está a cargo de Billy Milano, y quien siga su trayectoria ya sabrá de su controvencial postura racista, nacionalista y partisana. Algo lamentable porque hace muy buena música. Los discos de MOD -Method of destruction- son muy buenos y muy interesantes. A pesar, que al igual que en este disco, las canciones que se destacan en MOD llevan como títulos "True Colors" y hablan en términos muy racistas sobre los colores de la piel. Realmente aterrador.
Pero en este punto es crucial que lo rescatemos a Scott Ian y su cruzada por los derechos de libre expresión. Tengamos en cuenta que puntualmente bandas como Anthrax han sido objeto de formas de censura a través de lo que se llama "label records", esto es, sus discos deben tener una etiqueta con una advertencia que indique a los padres que el material que sus hijos van a escuchar contiene lenguaje explícito.
Alguno de Ustedes podrá pensar que esto es apropiado. Entonces, ¿porque detenernos con marcar los discos? ¿porque no hacemos lo mismo con la personas? Digamos que la gente que pertenece a una religión o minoría salga a la calle con una banda en el brazo que lo identifique.
Lo que intento ilustrar con esto es que, por mucho que nos pese, las libertades civiles, como la libertad de expresión, son para todos sin importar lo que digan. Ojalá fueramos tan afortunados para que las expresiones de la derecha al menos nos dejaran obras como esta.
y aquí me gustaría desprenderme de todo lo anterior para hablar de las razones por las cuales este disco está aquí: La música.
Lo que tiene de increible este disco es justamente esta dificultad de clasificarlo en un género musical específico. Está claro que es un disco de música "pesada", "rápida", "agresiva", sin embargo por momentos suena como un disco de hardcore, a veces como un disco de metal y en al menos dos ocasiones suena como grindcore.
Canciones muy cortas. Van al grano de inmediato. Como dirían los rioplatenses, ponene toda la carne en el asador desde el principio. Un estudio exhaustivo de las progresiones y riffs del metal y hard-core. Este es el caso paradigmático de la estructura de composición en estos géneros. En estas como treinta canciones no hay un solo riff que no sea increible. Muy equilibrados en sus métricas. Con un rítmo filoso y muy accidentado, pero contundentemente preciso y por sobre todo, rápido.
A pesar de todo lo dicho al principio y lo controversial de este disco, merece ser escuchado. Y a pesar de toda la antipatía que pueda generar escuchar esto, piénselo como Wagner, y veamos este aspecto ideológico como un elemento trágico de este fabuloso disco.

Cocteau Twins "Heaven or Las Vegas"

2007-06-04T12:55:00.001-03:00

Cocteau Twins "Heaven or Las Vegas"

1. Cherry-Coloured Funk

2. Pitch The Baby 3. Iceblink Luck

4. Fifty-Fifty Clown

5. Heaven Or Las Vegas

6. I Wear Your Ring

7. Fotzepolitic

8. Wolf In The Breast

9. Road, River And Rail

10. Frou-Frou Foxes In Midsummer Fires

Cuando escuches esto no vas a estar seguro si estás en el cielo o en las vegas. Esta muy peculiar banda rescata los aspectos más interesantes del movimiento pop, o new wave que surgía de las cenizas del Punk. La misma Elizabeth Fraser, cantante del grupo, en sus comienzos hacia 1982, admitía profesamente ser punk. Cocteau Twins no es una banda punk, pero sí podemos rastrear en el común denominador de algunas bandas de su época como The Cure, Depeche Mode o New Order, ciertas texturas oscuras y sonidos de guitarras desauciadas y estridentes. En este caso Cocteau Twins se destaca de entre estas bandas por tener la celestial voz de Liz Fraser. Pero la voz -a pesar de ser un aspecto notable de la banda- no es el único elemento que hace a la música de Cocteau Twins tan especial. Progresiones simples, mayores y menores de cuatro acordes, estructuras símples con dominantes, subdominantes y resoluciones, estribillos conmovedores. La música de esta banda puede ser tanto refrescante como agobiante. Debe administrarse en su sana medida. Otro aspecto muy interesante de esta banda es la red de referencia que hay con el arte de vanguardia y la literatura. La misma referencia al fotógrafo surrealista en el nombre de la banda es muy sugerente. Al mismo tiempo hay un prófundo enraizamiento en ciertas tradiciones poéticas modernas como la Joyce, Anaïn Nin y Stéphane Mallarmé. Este disco de 1990 nos presenta el resurgimiento de Cocteau Twins con una propuesta y sonido para los amantes de la pintura y literatura. Una propuesta romántica moderna muy interesante.

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