Taller de Arte Rivas

Jackson Pollock

2021-02-14T16:23:00.002+01:00

Paul Jackson Pollock (Cody, Estados Unidos, 1912 - Springs, id., 1956) Pintor estadounidense. Durante su infancia y su adolescencia vivió en Arizona y California, y en 1929 se trasladó a Nueva York para estudiar pintura con Benton en el Art Students League. Durante su período de formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos (Rivera, Siqueiros, Orozco), que le impresionó hondamente.

Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos.

El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que fue cuando adoptó la peculiar técnica del dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la adición de arena o fragmentos de vidrio.

Gracias al apoyo de algunos críticos como Harold Rosenberg, su nombre, asociado a las obras realizadas con la técnica del dripping, se convirtió en uno de los más significativos del expresionismo abstracto y de la action painting, tendencia de la que, con Willem de Kooning, es el representante más típico y destacado. Fue además uno de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos.

Convergencia (1952), de Jackson Pollock

A partir de la década de 1950, Jackson Pollock simultaneó la pintura abstracta con obras figurativas o semifigurativas en blanco y negro, pero su nombre ha pasado a la posteridad, sobre todo, en relación con los grandes lienzos abstractos de vivo colorido, donde los trazos se entrelazan hasta formar una trama densa y compacta (una especie de maraña) de gran impacto. Murió prematuramente en un accidente de automóvil, cuando era ya un pintor de enorme influencia en las jóvenes generaciones.

Obras[fuente: Wikipedia]

(1942) Male and Female Philadelphia Museum of Art
(1942) Stenographic Figure Museum of Modern Art
(1943) Mural University of Iowa Museum of Art.
(1943) Moon-Woman Cuts the Circle
(1943) The She-Wolf Museum of Modern Art, New York
(1943) Blue (Moby Dick) Ohara Museum of Art
(1945) Troubled Queen Museum of Fine Arts, Boston
(1946) Eyes in the Heat Peggy Guggenheim Collection, Venice
(1946) The KeyThe Sounds In The Grass Museum of Modern Art.
(1947) Portrait of H.M. University of Iowa Museum of Art.
(1947) Full Fathom Five Museum of Modern Art
(1947) Cathedral
(1947) Enchanted Forest, Peggy Guggenheim Collection
(1947) Lucifer, San Francisco Museum of Modern Art
(1948) Painting
(1948) Number 5 (4 ft x 8 ft) Private collection
(1948) Number 8
(1948) Composition (White, Black, Blue and Red on White) New Orleans Museum of Art
(1948) Number 19
(1948) Summertime: Number 9A Tate Modern
(1949) Number 1 Museum of Contemporary Art, Los Ángeles
(1949) Number 3
(1949) Number 10 Museum of Fine Arts, Boston
(1950) Number 1, 1950 (Lavender Mist) National Gallery of Art
(1950) Mural on indian red ground, 1950 Tehran's Museum of Contemporary Art (TMOCA)
(1950) Number 29, 1950 National Gallery of Canada
(1950) One: Number 31, 1950 Museum of Modern Art
(1950) No. 32
(1951) Number 7 National Gallery of Art
(1951) Black& White
(1951) Marrón y plata I , Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
(1952) Convergence Albright-Knox Art Gallery
(1952) Blue Poles: No. 11, 1952 National Gallery of Australia
(1953) Portrait and a Dream Dallas Museum of Art
(1953) Easter and the Totem The Museum of Modern Art
(1953) Ocean Greyness, Museo Salomon R. Guggenheim, Nueva York
(1953) The Deep, Musée National d'Art Modern, París.

Fuentes: Obras: Wikipedia | Vídeo: cineCAV | Texto Biografía: Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Jackson Pollock. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/pollock.htm el 10 de marzo de 2020.

Henri Matisse

2021-02-13T13:43:00.003+01:00

Henri Matisse (Cateau Cambrésis, 1869 - Niza, 1954)

Pintor francés, máximo representante del fauvismo. El 20 de marzo de 1906 se inauguraba en los grandes invernaderos de Cours-la-Reine, en París, una nueva edición del Salón de la Sociedad de Artistas Independientes. Aquella exposición supuso el primer gran éxito de Matisse y su consagración como pintor y como cabeza visible de un nuevo movimiento. Los lienzos del artista causaron sensación: de gesto espontáneo y color puro, su obra daba las pautas de un estilo nuevo, lleno de vigor expresivo y que se negaba a ser una mera imitación de la naturaleza. Destacaba entre sus pinturas la ensoñación simbolista Lujo, calma y voluptuosidad, cuadro adquirido por el también pintor francés Paul Signac, y cuyas gruesas y cortas pinceladas de intenso color recuerdan precisamente la técnica divisionista propia del mismo Signac; la tela estaba inspirada en los cuadros del que había sido uno de los maestros de Matisse, Gustave Moreau.

Junto a los demás expositores, Matisse formaba parte de un movimiento pictórico bautizado como fauves (fieras). El nombre del movimiento se debe a Louis Vauxcelles, que en una de sus críticas al Salón de Otoño de 1905 había definido una escultura de Albert Marquet como "Donatello entre las fieras". La reacción de los fauvistas fue la más violenta que se producía contra el arte académico desde los impresionistas. Influidos por Gauguin y Van Gogh, concibieron los cuadros de un modo muy distinto del tradicional, tal como hicieron ya los impresionistas. Mediante el empleo agresivo de los colores puros querían poner de manifiesto que la superficie de tela impregnada de pintura es una realidad autónoma e independiente.

Henri Matisse cursó estudios de jurisprudencia entre 1887 y 1888 en la Universidad de París, que se vieron interrumpidos por una larga y grave enfermedad que lo retuvo en cama hacia 1890. Durante su convalecencia empezó a pintar, y en 1891, ya recuperado, venció la oposición de sus padres y abandonó la carrera de leyes para entrar en la Escuela Julian, donde se formó bajo la dirección de Bouguereau. En 1892 ingresó en el estudio de Gustave Moreau, en la Escuela de Bellas Artes, en el que permanecería cinco años y donde conoció a Georges Rouault y a Henri Manguin. Asistió también a los cursos nocturnos de la Escuela de Artes Decorativas, en la que entabló amistad con Albert Marquet.

En 1898 viajó a Londres, animado por Camille Pissarro, y descubrió la obra de Joseph Turner. Las obras producidas durante esos años, en los que interesó vivamente por la pintura impresionista, son las conocidas como protofauvistas, por la riqueza de su colorido y el grueso empaste; son fundamentalmente paisajes. De vuelta a París, asiste durante algunos meses a las clases de Eugène Carrière, en cuyo taller conoce a André Derain y a Jean Puy. Son años de apertura a nuevos horizontes: descubre en estos momentos a Cézanne (le compra a Vollard las Tres Bañistas), expone en el Salón de los Independientes de 1901 y conoce a Maurice de Vlaminck. Matisse reconoció la obra de Vlaminck y Derain como cercana a la suya y en 1903 participó en el Salón de Otoño junto a Camoin, Derain y Manguin. En Lujo, calma y voluptuosidad, cuadro que sería adquirido por Paul Signac, mostró su interés por las teorías y técnicas del divisionismo, que muy pronto abandonaría en favor de la exaltación del color y del sentimiento propios del fauvismo.

Madame Matisse (también llamada Retrato de la raya verde)

Su obra Madame Matisse causó, a pesar de sus reducidas dimensiones, un gran impacto en el Salón de 1905 por la sabia saturación de los colores chillones. Matisse utilizó aquí el color en todas sus posibilidades expresivas. En 1906 expuso de nuevo con el grupo de los Fauves (Manguin, Marquet, Puy, Derain, Van Dongen, Rouault) en el Salón de Otoño y realizó su primer viaje a África, donde le impresionaron los trabajos de arte popular, sobre todo los tejidos y las cerámicas. De ese año es su Naturaleza muerta con tapete rojo. En 1907, por medio de Gertrude Stein, conoció al español Pablo Picasso y realizó su primer viaje a Italia.

En 1908, ilusionado por transmitir sus ideas a los artistas más jóvenes, abrió una academia que sólo mantendría hasta 1911 y realizó su primera exposición individual en Nueva York, en la galería de Alfred Stieglitz. También en 1908 pintó su famosa obra Armonía en rojo. También conocido como Mesa de postres, Mesa servida o La habitación roja, el lienzo presenta un comedor burgués con una mesa en la que una camarera ultima los detalles previos de un ágape. El pintor ya había realizado una obra sobre el mismo tema una década antes, pero con resultados muy diferentes.

Alejada de composiciones convencionales, Armonía en rojo, que debe su título al color imperante en la escena, ofrece un aspecto más cercano al decorativismo de los tapices. El interés por la perspectiva y la sensación de realidad han dado paso a una imagen plana, colmada de arabescos orientalizantes; el interior está decorado con un arabesco que se refleja en las formas del paisaje visto a través de la ventana. Sin embargo, la mesa (que se confunde al fusionarse cromáticamente con la pared) conserva los mismos fruteros e idénticas botellas de obras anteriores. Esta escena doméstica, alegremente intimista, es uno de los iconos más difundidos del fauvismo.

En 1909 recibe del coleccionista ruso Schukin el encargo de pintar dos grandes paneles: La danza y La música. La primera versión de La danza (1909) preanuncia el que sería su gran trabajo ya en plena madurez (los grandes murales del mismo título realizados hacia 1932-33) y puede ser interpretada como una demostración anticubista de cómo las figuras pueden unirse a través del arabesco y de los intensos contrastes de color contra el fondo abstracto. Las fuentes de este mural son variadas, desde las figuras de los vasos griegos a las imágenes greco-romanas de las Tres Gracias. Los colores puros y llamativos de tonos oscuros cubren las zonas nítidamente dibujadas, aspecto este último que Matisse toma de la pintura de Cézanne.

La danza, de Henri Matisse

La composición posee un ritmo vivo, al servicio del cual se han deformado artificiosamente las figuras, se ha sacrificado la descripción espacial y se han reducido a tres los colores presentes. A pesar de su inequívoco figurativismo, la imagen parece querer desprenderse de todo aquello que juzga superfluo para la representación del movimiento. Los cinco personajes representados forman, según Matisse, "un corro que parece volar sobre la colina", mientras bailan una danza provenzal. La versión definitiva de La danza (realizada al año siguiente, en 1910) presenta una viveza cromática muy superior a la de la primera versión.

En 1910 realizó una amplia muestra individual en París, en la galería Bernheim-Jeune, y viajó con Marquet a Munich para visitar la exposición de arte islámico. En 1911 se trasladó a Moscú para instalar los paneles en casa de Schukin y conoció los iconos y las artes decorativas bizantinas, que pasarían a ser un elemento esencial en su repertorio estilístico. Es claro ejemplo de ello El estudio rojo, en el que destaca la simplicidad del colorido. La superficie del cuadro es mate y plana y representa el estudio del artista, esta vez sin el artista y sin modelo, solamente con cuadros y algunos otros objetos.

Poco después viajó a Marruecos con Camoin y Marquet; pasó en el Norte de África los veranos de 1911-12 y 1912-13. Del primer verano data Jardín marroquí, una composición casi abstracta de verdes y rosas. El estallido de la Primera Guerra Mundial provocó el traslado del pintor y su familia (se había casado en 1898 con Amélie Parayre, con quien tenía dos hijos) a Collioure, donde conoció a Juan Gris. En 1916 pasó el invierno en Niza por primera vez. La placidez y el lujo de la Costa Azul resultaron ser muy de su agrado y decidió pasar allí la mayor parte del tiempo. Comenzó así en su obra una etapa de intimismo, con interiores, desnudos, odaliscas y naturalezas muertas como temas predominantes.

Odalisca amarilla, de Matisse

En 1925 realiza un nuevo viaje a Italia; su estilo se hace mas robusto, como muestra Figura decorativa sobre un fondo ornamental (1926), que es considerada la obra culminante de la preocupación de Matisse por el desnudo en un decorado oriental: la figura se presenta esquemática y monumental. Por esos años su prestigio y su éxito eran ya universales: en 1927 obtuvo el premio del Carnegie International de Pittsburg, vendió prácticamente todos los cuadros de su exposición en la Dudensing Gallery en Nueva York, y entre 1929 y 1933 se organizaron exposiciones retrospectivas de su obra en Berlín, Basilea, Nueva York y París. Data de estos años Odalisca con pantalones grises, donde retoma la temática orientalista fuera del lugar de origen, en el estudio de París.

En 1940, tras la derrota francesa, Matisse pensó en emigrar a Brasil, pero finalmente retornó a Niza; en 1941 sufrió una grave enfermedad intestinal; tras su recuperación, retomó el trabajo con renovadas fuerzas. En 1944 su mujer fue arrestada y su hija deportada; Matisse se volcó en su arte. Finalizar la Segunda Guerra Mundial, expuso con Picasso en el Victoria and Albert Museum de Londres; después presentó una gran retrospectiva en el Salón de Otoño de París. Entre 1948 y 1950 trabajó en la decoración de la Capilla del Rosario de Vence (donde residía desde 1944). Se publicó luego Jazz, una colección de reproducciones de los famosos papiers découpés (papeles recortados), acompañados de un texto poético del propio Matisse. La obra más ambiciosa hecha con papeles recortados es La piscina (1952), donde las figuras están distorsionadas para crear el efecto de hallarse bajo el agua.

En los últimos años de su vida, que pasó en Niza, los reconocimientos a su trabajo fueron incesantes: el Museo de Lucerna organiza su primera gran exposición antológica, con más de trescientas obras; recibe el premio de la Bienal de Venecia (1950); se inaugura una retrospectiva en el Museo Nacional de Tokio (1951) y en el Museo de Arte de San Francisco (1952), y se abre un museo dedicado a su obra en su ciudad natal. Murió el 3 de Noviembre de 1954 en Niza, a la edad de ochenta y cinco años.

Aunque Matisse sea conocido fundamentalmente como pintor, fue también un excelente escultor y dibujante. A lo largo de su dilatada carrera recibió las influencias de las sucesivas corrientes (Neoclasicismo, Realismo, Impresionismo y Neoimpresionismo), que supo transformar en un lenguaje moderno. Los maestros a los que más estudió fueron Nicolas Poussin, Jean Siméon Chardin, Antoine Watteau, Gustave Courbet, Édouard Manet y Paul Cézanne. Su posición histórica como iniciador del Fauvismo no debe oscurecer sus logros personales al margen de un movimiento que, en realidad, duró poco y no tuvo programa. Su rival en magnitud e influencia fue Picasso, con quien mantuvo una distanciada relación de amistad y respeto durante muchos años. Los temas principales de su pintura fueron la naturaleza muerta, el paisaje, el desnudo femenino y su propio entorno (el estudio).

Fuente: Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Henri Matisse. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/matisse.htm el 13 de febrero de 2021.

Snoopy | Canal Datos de Personajes

2020-08-31T00:28:00.003+02:00

Snoopy (creado en 1950 por el historietista Charles Schulz) es junto a Charlie Brown, el personaje principal de la tira cómica Peanuts, conocida en castellano bajo los títulos Carlitos, Charlie Brown y Snoopy o Rabanitos. Snoopy es un perro de la raza Beagle. El dueño de Snoopy es Charlie Brown.

Dentro de la banda de amigos que componían los personajes de Charles Schulz, Snoopy era el epicentro del desquiciamiento que se representaba dentro del grupo. Como reflejo de nosotros mismos, Snoopy soñaba sobre su caseta con horizontes diferentes a los que la vida nos va diseñando y en los que la fantasía puede convertirlos en realidad. Aunque sólo fuese por unos instantes era un as de aviación de la Primera Guerra Mundial, un escritor o un músico.

No duerme dentro de la casita por razones claustrofóbicas. Por eso siempre se le ve arriba de la misma junto a Woodstock su compañero fiel con el cual mantiene largas conversaciones. Pero lo que sí no podemos olvidar es que esta casita para Snoopy es el medio de sus más grandes sueños…

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Canal | Datos de Personajes, con... Alonso

2020-08-29T22:01:00.006+02:00

Estos son algunos de los personajes publicados, sígueme en YouTube para ver todos los personajes

Datos de personajes | Alonso Muñiz Rivas

Snoopy | Canal Datos de Personajes

Snoopy (creado en 1950 por el historietista Charles Schulz) es junto a Charlie Brown, el personaje principal de la tira cómica Peanuts, conocida en castellano bajo los títulos Carlitos, Charlie Brown y Snoopy o Rabanitos. Sno… Continuar

Horario de clases (actualización agosto de 2020)

2020-08-26T01:02:00.002+02:00

HORARIO DE CLASES EN LA TARDE

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Sábado

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10:00 - 12:00

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Taller de Arte Rivas les ofrece un plan práctico del ver y hacer con diferentes técnicas de dibujo semanales. Es una alternativa creativa con el fin de activar la motricidad fina de cada niño.

Mario Bros | Canal Datos de Personajes

2020-08-12T22:01:00.000+02:00

Mario Bros es un personaje ficticio de la franquicia de videojuegos homónima diseñado por el japonés Shigeru Miyamoto para la compañía Nintendo. Actuando como la mascota de la compañía, con su aparición en videojuegos, series televisivas y películas, se ha posicionado como el ícono emblemático de Nintendo, llegando a ser uno de los personajes más famosos y conocidos de videojuegos de todos los tiempos, junto a su hermano menor Luigi, quien es su compañero ícono en diversos juegos y lo ayuda a cumplir su misión.

Originalmente, Mario fue bautizado con el nombre de Jumpman (hombre saltarín en inglés) y apareció por primera vez en el videojuego Donkey Kong del año 1981, pero en 1983 su nombre cambió al conocido actualmente como Mario, en homenaje al nombre del propietario de las primeras oficinas de Nintendo of América, Mario Segale en ese tiempo, y de su singular parecido al personaje.

Mario fue creado para ser un personaje de videojuegos de plataforma de dos dimensiones (2D), como Super Mario Bros., Super Mario Land, Super Mario World, etc; pero también tiene videojuegos tridimensionales (3D), como por ejemplo Super Mario 64, Super Mario Sunshine, Super Mario Galaxy, Super Mario Odyssey, etc. También aparece en juegos que no son del género de plataformas, como en las series Mario Kart, Mario Party, Paper Mario, Super Smash Bros., Mario Tennis. Nintendo festeja el 10 de marzo como el Día de Mario o Mario Day.

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Baymax | Canal Datos de Personajes

2020-07-14T05:23:00.000+02:00

Baymax es un personaje de ficción, un superhéroe que aparece en cómics estadounidenses publicados por Marvel Comics. Creado por Steven T. Seagle y Duncan Rouleau, Baymax apareció por primera vez en Sunfire & Big Hero 6 # 1.

Baymax comienza su existencia como el Proyecto de ciencia de Hiro Takachiho. Originalmente diseñado para ser un sintetizador robótico hidroeléctrico programado para servir como el guardaespaldas personal, mayordomo y chofer de Hiro, Baymax se convierte en el mejor amigo y padre de Hiro cuando el joven inventor programa los engramas del cerebro de su padre fallecido en la inteligencia artificial de Baymax.

Cuando el Giri recluta a Hiro para formar parte del novato Big Hero 6, Baymax también se une al equipo, donde su fuerza fenomenal, increíble vigilancia y capacidades de análisis de datos han demostrado ser útiles.

Baymax es un sintetizador artificial capaz de sintetizar su cuerpo en varias formas: un macho humanoide grande, "Battle-Dragon" y "Action-Mecha".

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Mafalda | Canal Datos de Personajes

2020-07-09T03:04:00.000+02:00

Mafalda es el nombre de una tira de prensa argentina desarrollada por el humorista gráfico Quino de 1964 a 1973, protagonizada por la niña homónima, espejo de la clase media argentina y de la juventud progresista, que se muestra preocupada por la humanidad y la paz mundial y se rebela contra el mundo legado por sus mayores.
Mafalda es muy popular en Latinoamérica en general, así como en algunos países europeos: España, Francia, Grecia e Italia. Ha sido traducida a más de treinta idiomas.
Umberto Eco, quien ha escrito la introducción a la primera edición italiana de Mafalda, ha dicho amarla "muchísimo" y considera muy importante leer la tira para entender a la Argentina.

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Mickey Mouse | Canal Datos de Personajes

2020-07-09T02:18:00.000+02:00

Mickey Mouse es un personaje ficticio de la serie del mismo nombre, emblema de la compañía Disney. Creado el 18 de noviembre de 1928, este ratón tiene un origen disputado. La leyenda oficial explica que fue creado por Walt Disney durante un viaje en tren y que su nombre inicial fue Mortimer, pero que cambió a Mickey a petición de su esposa, Lillian. Según Bob Thomas, la leyenda del nombre es ficticia, y cita el caso de un personaje llamado Mortimer Mouse, que nació en 1936, tío de Minnie Mouse. La versión más verosímil es que el personaje fue creado por el dibujante Ub Iwerks, a petición de Disney, para compensar la pérdida de los derechos de Oswald, el conejo afortunado, a manos de Universal.
Lo cierto es que Mickey no es más que una variación del personaje Oswald. A Walt Disney hay que atribuirle tanto la voz del personaje, como la personalidad y el carácter del ratón.

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Plan vacacional verano 2020

2020-05-07T13:26:00.001+02:00

Elige tu semana favorita a partir del 25 de mayo

Comenzado las vacaciones de verano, para afrontar el tiempo libre de sus hijos, Taller de Arte Rivas les ofrece un plan práctico del ver y hacer con diferentes técnicas de dibujo semanales. Es una alternativa creativa con el fin de activar la motricidad fina de cada niño.

Avenida Isaac Peral Nº 32, Alhaurín de la Torre (al lado de Correos), Málaga

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2020-03-08T21:05:00.000+01:00

Entrevista a Alexis Rivas, el pintor del Ávila | Globovisión 01/03/2020

2020-03-01T23:34:00.002+01:00

El espacio matutino "Entre Noticias" de la televisión Venezolana Globovisión, en el programa del domingo 1 de Marzo de 2019, entrevistó al "pintor del Ávila" Alexis Enrique Rivas Martínez, padre de Marien Rivas profesora de dibujo y pintura en el Taller de Arte Rivas.

En el minuto 10:30 hace mención a sus hijos y nieta, sintiéndose orgulloso de su legado, pues todos sus hijos son artistas plásticos, pero... mejor ver la entrevista (que contarla), en el siguiente vídeo:

¿Que es El Ávila?

Parque nacional El Ávila, es un parque nacional conocido por los habitantes originarios del valle de Caracas (de etnia caribe) como Waraira Repano, que significa "Sierra Grande" y está localizado en la Cadena del Litoral dentro de la cordillera de la Costa, en el centro-norte de Venezuela extendiéndose desde Caracas por todo el norte del estado Miranda.

El Parque nacional El Ávila fue declarado parque nacional en 1958, es una formación montañosa conocida como el pulmón vegetal de la ciudad de Caracas que la separa al norte del mar, con unas latitudes que varían desde los 120msnm hasta 2765 msnm. Ésta formación montañosa es considerada emblema y pulmón vegetal de la ciudad y dentro de él pueden realizarse diferentes actividades por ser uno de los principales atractivos de la capital de Venezuela. Goza de una flora donde abundan especies de las familias de las orquídeas, los helechos, las bromeliáceas, las aráceas, los helechos arborescentes y las palmeras.

Pequeñas capillas a lo largo del camino sirven incluso hoy de paradas para las procesiones que se realizan anualmente desde la población de La Pastora al oeste de la ciudad, una de las más tradicionales. Además de capillas, también se pueden encontrar diversos fortines, como el Fortín de El Salto construido en 1650 y el el Fortín de El Medio y el de La Cuchilla, ambos de 1770. Igualmente hay castillos como el castillo Blanco, el castillo de San Joaquín y el castillo Negro, todos ellos de la misma época del siglo XVIII.

El Camino de los Españoles fue también el camino de los exploradores y fue alabado por Alejandro de Humboldt quien lo colocó entre los más importantes de sus exploraciones por las regiones equinocciales. Ello habla, por supuesto de su flora selvática y de su fauna salvaje y semi salvaje que incluye venados, serpientes, arañas y pequeños tigres o cunaguaros.

Clic en imagen para ver pinturas de Alexis Rivas

Creando Alhaurito

2020-03-01T18:19:00.000+01:00

Alhaurito, nace con el compromiso de mi próxima exposición en el Centro Cultural la Platea, al estudiar imágenes de Alhaurín de la Torre, recopile información que me ayudó a darme cuenta que el emblema más usado en eventos y en esta localidad es una Torre. El Alhaurito es una imagen animada de la Torre de Alhaurín, diseñada para identificar a los aprendices del dibujo artístico en esta localidad.

Alexis Rivas

2020-03-01T12:06:00.002+01:00

Me llamo Alexis Enrique Rivas Martínez, nací en Caracas (Venezuela) el 10 de septiembre de 1962. Desde muy temprana edad, mi inclinación hacia el dibujo era lo que realmente quería en la vida, en el año 1977 gracias a mi tío el pintor Meliton Rivas (San Antonio de los altos), por primera vez conocí lo que era la pintura al óleo y desde entonces, no he dejado de trabajar en algo que realmente me satisface y me gusta.
En mi etapa de Artista plástico he tenido muchas experiencias en el desarrollo de técnicas y habilidades de igual manera como profesor de dibujo y pintura en mi propia academia R. Alexis Academia en San Diego, Valencia, en el estado de Carabobo.

Rasgos

1977 Academia Melitón Rivas. (Edo. Miranda)
Como dibujante publicitario en el [-]. Instituto arquitectónico y publicitario (Caracas)
1886 - 1988 graduado como dibujo publicitario en la [-]. Francisco Pimentel.- (Caracas)
Me gusta mucho la naturaleza y ese motivo tan especial como lo es el pulmón de Caracas me llevo a satisfacer parte de mi inspiración, así como lo tuvo el maestro Manuel Cabré en su momento.
Mi estilo es tan real como lo que vemos (realista paisajista)
Poder entran en un mercado tan exigente no es fácil, solo la disciplina, amar lo que haces, perseverancia sobre todo de no darse por vencido, mucha fe y creer que puedes es el resultado de parte del éxito en lo que hagas.
Soy Alexis Rivas pero mi gran estudio se lo debo a muchos como lo fueron esos grandes artistas, entre uno de ellos está mi preferido maestro Manuel Cabré.
Mi locación favorita en su esplendor diría que todo, desde el este al oeste es pura belleza sus amaneceres y atardeceres.
Mis temas favoritos son las marinas, avilas y paisajes de mi país Venezuela.
Mi futuro es dar siempre lo mejor, poder satisfacer al máximo el placer que tiene la naturaleza revelándolo para que todo el mundo lo sepa y que el destino decida.

Alexis Enrique Rivas Martínez

Clic en imagen para ver pinturas de Alexis Rivas

Objetivo y misión del Taller de Arte Rivas

2020-02-28T15:55:00.000+01:00

Antiguos alumnos del Taller de Artes Rivas

Objetivo

Fomentar la creatividad y la destreza para los niños en sus diferentes etapas. El dibujo es un medio de expresión que aporta grandes beneficios a su desarrollo. El dibujo y la pintura, facilitan y permiten que el niño mejore su psicomotricidad fina, su escritura, desarrolla su creatividad y aumenta la confianza en sí mismo. Además es un excelente medio para que exprese sus sentimientos, emociones y sensaciones y por si fuera poco, contribuye notablemente a la formación de su personalidad y madurez psicológica.
Con tantos beneficios que nos aporta el arte y el dibujo, se convierte en un pasatiempo educativo para nuestros niños.

Misión del Taller

Nuestra misión es desarrollar la capacidad creadora, cultivando su espíritu en las "Bellas Artes", con creatividad y emociones.
El proceso del dibujo se aprende y se perfecciona con el tiempo, el cuál evoluciona a base de práctica, proporciona al estudiante un estilo propio y personal. No obstante, le enseñamos a conocer los principios básicos del dibujo.

Aprender

Aprender a dibujar desde muy pequeño
Un niño hace sus primeros garabatos hacia el año y medio. Su determinación con el lápiz es tal que si los progenitores se descuidan es capaz de pintar toda una pared de casa. Para los pequeños dibujar es una actividad motora espontánea y a la vez compleja, que forma parte intrínseca de su desarrollo personal.

Creatividad

Las artes plásticas son una buena herramienta para estimular el desarrollo de la creatividad infantil. A través de sus dibujos, los niños expresan sus deseos, emociones o temores. También plasman sus fantasías. Con estas actividades, los niños crean sus propias obras, imaginan algo y lo materializan sobre un papel. Este tipo de expresión artística contribuye al desarrollo de la psicomotricidad fina de los niños y de su inteligencia.

Retos

Hoy en día, resulta muy valiosa la creatividad en todos los ámbitos de la vida: laboral, académico, familiar y personal. Si ayudamos a estimular la creatividad en los niños, fomentaremos su capacidad adaptativa para enfrentar la suerte de retos que le esperan en la vida.

Maestros de la pintura

2020-02-24T23:09:00.002+01:00

Taller de Arte Rivas, presentación en PTV Málaga

2020-02-14T12:01:00.001+01:00

Quienes somos y como nace la idea hasta hacerla realidad

Presentación de Taller de Arte Rivas en el canal local de Televisión PTV Málaga.

Taller de Arte Rivas

* E-mail: tallerarterivas@gmail.com

* Tfno: 667 884 864

Dirección: avda. Isaac Peral Nº 32, Alhaurín de la Torre, Málaga

(al lado de Correos)

Taller de Arte Rivas en PTV Málaga

VÍDEO

Original: PTV Málaga2019
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Web: http://ptvtelecom.com/tv/
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Que es Taller de Arte Rivas

2020-02-13T13:53:00.001+01:00

El Taller de Arte Rivas, es una escuela de dibujo que desarrolla y fomenta, la concentración y la motricidad fina, el estudiante elige por intuición y gusto, su forma de expresar, dibujando lo que le atrae e interesa, luego de manera práctica y divertida se les entregaran “herramientas”, con las que empezaran a dominar técnicas esenciales que faciliten el aprendizaje de niños, adolescentes y adulto en el dibujo artístico; edad fundamental para comenzar, 5 años.

Es una alternativa que desarrolla la capacidad creadora y la potencialidad del ser humano, cultivando su espíritu, pensamiento creativo y emociones. El proceso de dibujo se aprende y se perfecciona con el tiempo. Es una evolución a base de práctica, proporciona al artista un estilo propio y personal. No obstante, se tiene que conocer los principios básicos, aptos para poder empezar un dibujo.

Aprenderán los siguientes temas prácticos:

· Inicio del dibujo
· Dibujo a lápiz y color
· Teoría del color
· Distintas técnicas de dibujo
· Entrega final dibujo artístico

Conceptos Básicos a tratar en el Proceso del dibujo artístico

· Apunte
· Boceto
· Encajado
· Línea
· Sombreado
· Color
· Correcciones

Quienes somos

2020-02-07T12:19:00.001+01:00

Taller Arte Rivas en Torrevisión Alhaurín de la Torre ( 25 10 19)

Taller de Arte Rivas

* E-mail: tallerarterivas@gmail.com

* Tfno: 667 884 864

* Dirección: avda. Isaac Peral Nº 32, Alhaurín de la Torre (al lado de Correos)

Málaga

Taller Arte Rivas en Torrevisión Alhaurín de la Torre

VÍDEO

Título original: PGM 28 El Lavaero Abierto al Publico 'Taller Arte Rivas' 25 10 19
Canal Torrevisión Alhaurín de la Torre:
Web: http://www.torrevisiontelevision.es/
YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCB7Vlh1XsCI7ofPRACTpJJA

Hola

2020-02-05T23:37:00.001+01:00

"Taller de Arte Rivas desarrolla la concentración y la motricidad fina, con ayuda de diferentes técnicas de dibujo, el alumno tendrá libre elección sobre el tema a dibujar, esta libertad refuerza, su personalidad, carácter y sensibilidad, haciendo que los jóvenes se sientan libres de expresarse, completando su enseñanza con teoría del color, grandes figuras del arte e incluyendo a los jóvenes en el ejercicio del ver y hacer."

Fotos

2020-02-05T23:29:00.010+01:00

Fotografías realizadas en el aula taller de Arte Rivas

Haz clic en la foto para ampliar

Dibujando a Alhaurito
Marien Rivas

Aula Taller

Fachada del Taller de Arte Rivas

Escuela de Dibujo | Dirección:
Avenida Isaac Peral Nº 32 | 29130 Alhurín de la Torre, (al lado de Correos) | Málaga
Tfno.: 667 884 864 | e-mail: tallerarterivas@gmail.com

Salvador Dalí

2020-02-05T09:09:00.000+01:00

(Figueres, Gerona, 1904 - 1989) Pintor español. Si bien parte del inmenso prestigio y popularidad de que gozó ya en vida se debió a sus estrafalarias e impostadas excentricidades, Salvador Dalí acertó a insuflar nueva vida al surrealismo europeo hasta convertirse en su más conocido representante; sus confusas ideas estéticas (el llamado método paranoico-crítico) fueron mucho menos decisivas que sus impactantes composiciones, a las que trasladó con magistral precisión técnica un personalísimo universo onírico y simbólico, tan nítido y luminoso como profundamente inquietante y perturbador.

Salvador Dalí nació en una madrugada de la primavera de 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Muchos años más tarde escribiría en su autobiografía La vida secreta de Salvador Dalí (1942): "A los tres años quería ser cocinero. A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí".

Puesto que la persecución sería incesante y el objetivo no habría de alcanzarse nunca, y dado que en ningún recodo de su biografía estaba previsto que hallara el equilibrio y la paz, Dalí decidió ser excesivo en todo, interpretar numerosos personajes y sublimar su angustia en una pluralidad de delirios humorísticos y sórdidos. Se definió a sí mismo como "perverso polimorfo, rezagado y anarquizante", o "blando, débil y repulsivo", aunque para conquistar esta laboriosa imagen publicitaria antes hubo de salvar algunas pruebas iniciáticas, y si el juego favorito de su primera infancia era vestir el traje de rey, ya a los diez años, cuando se autorretrata como El niño enfermo, explora las ventajas de aparentar una constitución frágil y nerviosa.

Su precocidad es sorprendente: a los doce años descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista; a los catorce ya ha trabado conocimiento con el arte de Picasso y se ha hecho cubista, y a los quince se ha convertido en editor de la revista Studium, donde dibuja brillantes pastiches para la sección titulada "Los grandes maestros de la Pintura".

La Residencia de Estudiantes

En 1921 abandona su Cataluña natal y se traslada a Madrid, donde ingresa en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Instalado en la Residencia de Estudiantes, se hace amigo del gran poeta granadino Federico García Lorca y del futuro cineasta surrealista Luis Buñuel, de quien sin embargo se distanciará irreversiblemente en 1930. En la capital adopta un extraordinario atuendo: lleva los cabellos largos, una corbata desproporcionadamente grande y una capa que arrastra hasta los pies. A veces luce una camisa azul cielo adornada con gemelos de zafiro, se sujeta el pelo con una redecilla y lo lustra con barniz para óleo. Es difícil que su presencia pase desapercibida.

En los revueltos y conflictivos meses de 1923 sufre un desafortunado contratiempo. En la Academia de Bellas Artes a la que está adscrito se producen manifestaciones en contra de un profesor, y antes de que dé comienzo el discurso oficial y se desate la violenta polémica, Salvador abandona la sala. Las autoridades creen que este gesto suyo ha sido la señal de ataque y rebelión y deciden expulsarlo durante un año. Después, de nuevo en Figueres, los guardias vienen a detenerlo y pasa una temporada en la cárcel.

La persistencia de la memoria (1931)

A la salida de prisión recibirá dos alegrías. La primera, una prensa para grabado que su padre le regala, y la segunda, la visita de su excelente compañero de la Residencia de Estudiantes de Madrid, Federico García Lorca, quien en las calurosas noches del verano de Cadaqués lee a toda la familia Dalí sus versos y dramas recién compuestos. Es allí, junto al Mediterráneo, donde García Lorca redacta la célebre "Oda a Salvador Dalí", publicada unos años después, en 1929, en la Revista de Occidente. Pronto será también Luis Buñuel quien llegue a Cadaqués para trabajar con su amigo Salvador en un guión cinematográfico absolutamente atípico y del que surgirá una película tan extraña como es Un perro andaluz (1929).

En París

En 1927 Dalí viaja por primera vez a París, pero es al año siguiente cuando se establece en la capital francesa. Se relaciona con Pablo Picasso y Joan Miró y, con la ayuda de este último, se une al grupo surrealista que lidera el poeta André Breton. En 1929 expone en la Galería Goemans y obtiene ya un gran éxito; las originales imágenes de sus cuadros, en las que los objetos se muestran con irritante precisión, parecen adentrarse en unas profundidades psíquicas anormales y revelar un inconsciente alucinatorio y cruel. Pero Breton terminará expulsándolo del movimiento algunos años después, en una memorable sesión de enjuiciamiento a la que Dalí compareció cubierto con una manta y con un termómetro en la boca, aparentando ficticiamente estar aquejado de fiebre y convirtiendo así el opresivo juicio en una ridícula farsa.

La triple acusación a la que tuvo entonces que enfrentarse Dalí fue coquetear con los fascismos, hacer gala de un catolicismo delirante y sentir una pasión desmedida e irrefrenable por el dinero. A esto precisamente alude el célebre apodo anagramático con que sería motejado por Breton, Avida dolars, acusación que, lejos de desagradar al pintor, le proporcionaba un secreto e irónico placer. De hecho, después de conocer a la que sería su musa y compañera durante toda su vida, Gala, entonces todavía esposa de otro surrealista, el poeta Paul Éluard, Dalí declaró románticamente: "Amo a Gala más que a mi madre, más que a mi padre, más que a Picasso y más, incluso, que al dinero."

Salvador Dalí se enamoró de Gala en el verano de 1929 y con ella gozó por primera vez de las mieles del erotismo. Es la época en que pinta Adecuación del deseo, Placeres iluminados y El gran masturbador, pintura esta última que fue atacada y desgarrada por el fanático grupo puritano los Camelots du Roy. Mientras tiene lugar la exposición de sus obras en la Galería Goemans de París, la joven y apasionada pareja se refugia y aísla en la Costa Azul, pasando los días y las noches encerrados en una pequeña habitación de un hotel con los postigos cerrados.

Enterado de la vida disoluta de su hijo por un artículo de Eugenio d'Ors aparecido en La Gaceta Literaria, el padre de Dalí rompe relaciones con su vástago; pero ello no debió afectarlo demasiado, o quizás sí, puesto que es en esa época cuando el artista realiza lo mejor de su obra, como el célebre cuadro La persistencia de la memoria (1931), donde blandos relojes cuelgan de la rama de un árbol, del borde de un pedestal y sobre una misteriosa forma tendida en la vasta extensión de la playa.

El surrealismo daliniano

Antes de llegar a París, el artista había realizado su primera exposición en las Galerías Dalmau de Barcelona, en 1925, y su obra había transitado por el cubismo y las corrientes realistas, como en Muchacha en la ventana (1925) o su primera Cesta de pan (1926). Cuando Dalí se incorporó al grupo surrealista, el movimiento atravesaba momentos de fuertes contradicciones internas. La vitalidad y extravagancia de aquella joven promesa española resultó decisiva para la renovación y proyección del grupo, del que también por su parte absorbió energías que resultaron en la etapa más apreciada de su obra. En teoría, sus mejores cuadros fueron el fruto de la aplicación del llamado "método paranoico-crítico", que Dalí definió como un sistema espontáneo de conocimiento irracional "basado en la asociación interpretativo-crítica de los fenómenos delirantes".

Tal metodología propugna un alejamiento de la realidad física en favor de la realidad mental: gracias a un uso controlado de la alucinación y del sueño (lo paranoico o irracional debe someterse a la lucidez interpretativa o crítica), los objetos de la vida cotidiana se convierten en iconos de los deseos y temores del ser humano. A través de sus obras y siguiendo los dictados de las teorías freudianas, el artista saca a la luz los aspectos más ocultos de su vida erótica, sus fantasías y sus deseos. Dalí pretendía que sus telas fueran contempladas como sueños pintados; sus imágenes de relojes blandos, miembros hipertróficos sostenidos por muletas y elefantes de patas zancudas, por citar algunas de las más conocidas, son a la vez expresión y liberación de las obsesiones sexuales y de la angustia ante la muerte.

El gran masturbador (1929)

Probablemente para Dalí eran menos relevantes su teorizaciones que el tono provocador e irónico con que las exponía. En cualquier caso, la plasmación de sus obsesiones personales es el motivo que aglutina la mayor parte de sus telas en esta etapa, en la que se sirvió de las técnicas del realismo ilusionista más convencional para impactar al público con sus insólitas e inquietantes visiones, que a menudo aluden directamente a la sexualidad. El gran masturbador (1929, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid) es en este sentido una obra paradigmática de este periodo.

Una magnífica ilustración del método es el cuadro titulado Mercado de esclavos con el busto evanescente de Voltaire (1940, Fundación Reynolds-Morse, Cleveland), en el que el rostro del filósofo está constituido por dos figuras que, simultáneamente, forman parte del grupo humano del segundo término. A la izquierda, contempla la escena una mujer que se apoya en una mesa; el contenido de los fruteros sobre la mesa es a su vez parte del conjunto de figuras que participan en el mercado que da título a la tela.

Mercado de esclavos con el busto evanescente de Voltaire (1940)

El enigma sin fin (1938, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid) o las múltiples reinterpretaciones delirantes del famoso Ángelus de Millet constituyen otros excelentes ejemplos de ese reiterado juego de perversión significativa de la imagen. La obsesión paranoica de que bajo el aparente misticismo de la escena campesina latía la presencia de la muerte llevó a Dalí a pedir al Louvre que realizara una radiografía del cuadro, lo que permitió ver en el lugar que ocupa la carretilla el contorno de un ataúd que Millet había pintado originalmente, confirmando así su propia intuición paranoica.

La consagración internacional

Unos pocos años en el grupo bastaron para que Dalí se convirtiese en la gran figura del surrealismo y su obra alcanzase una considerable resonancia internacional. En 1934 viaja con su ya inseparable Gala a Estados Unidos, donde desembarca y se presenta ante los periodistas con un enorme pan cocido por el cocinero del trasatlántico que les ha transportado. En sus erráticas manifestaciones no duda en asociar el mito hitleriano con el teléfono y a Lenin con el béisbol. Son todas bromas absurdas que tratan de quitar hierro a una situación política amenazante. Dos años después se desata la atroz guerra civil en España y una de las primeras muestras de la probidad de los militares insurrectos es el infame asesinato de su amigo Federico García Lorca, crimen que conmocionó a la opinión pública mundial. Dalí escribió: "Lorca tenía personalidad para dar y vender, la suficiente para ser fusilado, antes que cualquier otro, por cualquier español."

En 1938 conoce por fin, gracias al escritor vienés Stefan Zweig, a Sigmund Freud, quien había sido el gran inspirador de la estética surrealista, de la que Dalí no se siente marginado pese a las bravatas de Breton; por el contrario, se considera el único y más genuino exponente del movimiento. El padre del psicoanálisis había dado pábulo a la nueva indagación del inconsciente con su libro La interpretación de los sueños (1900), pero nunca se había tomado demasiado en serio a sus jóvenes admiradores de París. No obstante, el 20 de julio de 1938, tras el encuentro, Freud anotó en su diario: "Hasta entonces me sentía tentado de considerar a los surrealistas, que aparentemente me han elegido como santo patrón, como locos integrales (digamos al 95%, como el alcohol puro). Aquel joven español, con sus espléndidos ojos de fanático e innegable dominio técnico, me movió a reconsiderar mi opinión". Por su parte, el artista realizó asombrosos y alucinantes retratos del "santo patrón" de los surrealistas.

Premonición de la Guerra Civil (1936)

Instalado otra vez en Nueva York en 1939, Dalí acepta un encargo para decorar unos escaparates comerciales. El tema que elige es el del Día y la Noche, el primero evocado por un maniquí que se mete en una bañera peluda y la segunda por medio de brasas y paños negros extendidos, pero la dirección modifica el decorado sin consultar al autor. Dalí, iracundo, vuelca la bañera de astracán llena de agua y la lanza contra los cristales del escaparate produciendo un gran estrépito y un notable destrozo. Pese a que la opinión pública norteamericana le aplaude el vigor con que ha sabido defender la propiedad intelectual, es juzgado por los tribunales y condenado a pagar los desperfectos. Tampoco consigue concluir su siguiente proyecto para decorar un pabellón de la Feria Internacional de Nueva York, el cual debía llevar el significativo título de Sueño de Venus.

El desarrollo de la Guerra Civil española (cuyo estallido había intuido en Construcción blanda con judías hervidas, luego titulado Premonición de la Guerra Civil, 1936) y el presagio de la Segunda Guerra Mundial habían provocado en Dalí el deseo de refugiarse en un mundo sin conflictos, y sublimó su experiencia surrealista retomando la iconografía renacentista e interesándose, sobre todo, por el valor económico de sus cuadros; esto le convirtió en el Avida dolars con que Breton, reordenando las letras de su nombre, le había bautizado.

De particular relevancia en cuanto a la evolución de su obra resulta el viaje que realizó a Italia en 1937; tras el contacto directo con los clásicos, adquirió cierto gusto por los temas religiosos y por una técnica más academicista, que durante mucho tiempo seguiría aplicando, no obstante, a lo onírico y extraño; pueden destacarse, entre otros muchos ejemplos, lienzos como Madonna de Port Lligat (1950, Museo Minami, Tokio), Crucifixión (1954, Museo Metropolitano, Nueva York) y La última cena (1955, National Gallery, Washington). Al mismo tiempo, el pintor producía una enorme cantidad de objetos decorativos carentes de la fuerza transgresora de sus primeras obras surrealistas.

Detalle de La última cena (1955)

Detalle de La última cena (1955)

Últimos años

En 1948 regresó a España, fijando su residencia de nuevo en Port Lligat y hallando en el régimen del general Francisco Franco toda suerte de facilidades. El gobierno incluso declaró aquel rincón catalán que tanto fascinaba al pintor "Paraje pintoresco de interés nacional". Para muchos historiadores del arte lo mejor de su obra ya había sido realizado y, sin embargo, aún le quedaban cuarenta años de caprichosa producción y de irreductible endiosamiento y exhibicionismo, con apariciones públicas del estilo de la que protagonizó en diciembre de 1955, cuando se personó en la Universidad de la Sorbona de París para dar una conferencia en un Rolls Royce repleto de coliflores. En vida del artista incluso se fundó un Museo Dalí en Figueres; ese escenográfico, abigarrado y extraño monumento a su proverbial egolatría es uno de los museos más visitados de España.

Durante los años setenta, Dalí, que había declarado que la pintura era "una fotografía hecha a mano", fue el avalador del estilo hiperrealista internacional que, saliendo de su paleta, no resultó menos inquietante que su prolija indagación anterior sobre el ilimitado y equívoco universo onírico. Pero quien más y quien menos recuerda mejor que sus cuadros su repulsivo bigote engominado, y no falta quien afirme haberlo visto en el Liceo, el lujoso teatro de la ópera de Barcelona, elegantemente ataviado con frac y luciendo en el bolsillo de la pechera, a guisa de vistoso pañuelo, una fláccida tortilla a la francesa.

En su testamento, el controvertido artista legaba gran parte de su patrimonio al Estado español, provocando de ese modo incluso después de su muerte (acaecida en 1989, tras una larga agonía) nuevas y enconadas polémicas. El novelista Italo Calvino escribió que "nada es más falsificable que el inconsciente"; acaso esta verdad paradójica y antifreudiana sea la gran lección del creador del método paranoico-crítico, de ese maestro del histrionismo y la propaganda, de ese pintor desaforado y perfeccionista, de ese eximio prestidigitador y extravagante ciudadano que fue Salvador Dalí. El chiflado prolífico del Ampurdán, la llanura catalana barrida por el vertiginoso viento del norte que recoge las suaves olas del mar Mediterráneo en una costa tortuosa y arriscada, descubrió el arte de la mixtificación y el simulacro, de la mentira, el disimulo y el disfraz antes incluso de aprender a reproducir los sueños con la exactitud de su lápiz.

Su longeva existencia, tercamente consagrada a torturar la materia y los lienzos con los frutos más perversos de su feraz imaginación, se mantuvo igualmente fiel a un paisaje deslumbrante de su infancia: Port Lligat, una bahía abrazada de rocas donde el espíritu se remansa, ora para elevarse hacia los misterios más sublimes, ora para corromperse como las aguas quietas. Místico y narcisista, impúdico exhibidor de todas las circunstancias íntimas de su vida y quizás uno de los mayores pintores del siglo XX, Salvador Dalí convirtió la irresponsabilidad provocativa no en una ética, pero sí en una estética, una lúgubre estética donde lo bello ya no se concibe sin que contenga el inquietante fulgor de lo siniestro.

Fuente: Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Salvador Dalí. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/dali.htm el 5 de febrero de 2020.

Gustav Klimt

2020-02-05T09:08:00.000+01:00

(Viena, 1862 - id., 1918) Pintor austriaco. Fue la figura más representativa del modernismo pictórico (Jugendstil) en el mundo de habla alemana. Se formó en la escuela de artes aplicadas de su ciudad natal y triunfó como autor de grandes pinturas decorativas en un estilo de corte academicista, del que constituyen un buen exponente las pinturas de la escalera del Museo de Historia del Arte de Viena.

En 1897, su interés por el arte de vanguardia lo llevó a abandonar la Asociación de Artistas Vieneses y a fundar, con algunos amigos, la famosa Secesión Vienesa, de la que fue el primer presidente y máximo exponente. Las pinturas murales alegóricas para la Universidad de Viena, en las que se advierte ya un evidente cambio de estilo, suscitaron duras críticas, por lo que el artista abandonó el encargo antes de finalizarlo (las que había concluido las destruyó un incendio en 1945).

Como consecuencia de este episodio, ya no volvió a recibir encargos oficiales, pese a lo cual realizó gran cantidad de telas, en primer lugar paisajes plasmados con una concepción muy peculiar de la perspectiva y en los que predominan las tonalidades verdes, y después, sobre todo, figuras femeninas, que constituyen lo más conocido y valorado de su producción.

En estas obras supo combinar el realismo del retrato con un decorativismo extremo en los fondos y los vestidos, en los que predominan los tonos amarillos y dorados y los motivos inspirados en las alas de mariposa o las colas de pavo real. Destacan, entre otras muchas obras, El beso, Salomé y Judith I, imbuidas todas ellas de una sensualidad palpable. El Osterreichische Museum de Viena conserva una excelente colección de su pintura.

Fuente texto: Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Gustav Klimt. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/klimt.htm el 5 de febrero de 2020.

Umberto Boccioni

2020-02-05T09:07:00.001+01:00

Umberto Boccioni - Autorretrato, óleo sobre lienzo, 1905, Metropolitan Museum of Art

(Reggio de Calabria, Italia, 1882 - Verona, id., 1916) Pintor y escultor italiano. Figura clave del movimiento futurista italiano, fue también uno de sus más destacados teóricos. Se inició en el divisionismo de la mano de Giacomo Balla. Después de pasar algún tiempo en París, Rusia, Padua y Venecia, se instaló definitivamente en Milán y se interesó por todo lo referente a la sociedad industrial moderna.

Influido por el simbolismo y por el expresionismo de Munch, y tras varios encuentros con Filippo Tommaso Marinetti, Carlo Carrà y Luigi Russolo, la obra de Boccioni se desarrolló a partir de 1910 alrededor de dos conceptos clave: dinamismo y simultaneidad. Entre sus obras cabe destacar La ciudad que surge (1910) y La calle ante la casa (1911), pinturas que, aun siendo formalmente distintas, hacen referencia al mismo tema, la ciudad, que para los futuristas simbolizaba la modernidad, el movimiento y la velocidad.

En cuanto a su actividad escultórica, que desarrolló paralelamente a la pictórica, fue pionero en el uso de nuevos materiales, como el cristal, el cemento o el hierro, así como en el aprovechamiento de la luz eléctrica. Falleció en Sorte (Verona) el 16 de agosto de 1916, durante la Primera Guerra Mundial (se había alistado como voluntario), a causa de una caída de caballo.

Notable teórico además de pintor y escultor, Boccioni desarrolló conceptos clave para el desarrollo formal del futurismo como el de líneas-fuerza, simultaneidad, compenetración de planos y expansión de los cuerpos en la superficie. Conceptos todos ellos que reiteran una idea fundamental: la reciprocidad de relaciones entre los objetos y entre éstos y el ambiente que los circunda.

La ciudad que surge

Pinturas como las ya citadas La ciudad que surge y La calle ante la casa son encarnaciones de un mismo tema: la ciudad como síntesis de un movimiento vibrante y luminoso. En ambas, el dinamismo está generado por una red de líneas de fuerza que estructuran la composición. La primera está conformada por una tupida red de pinceladas enérgicas, cuyos cambios direccionales enfatizan la sensación dinámica del conjunto. La segunda, sin embargo, es una asimilación de las formas y el espacio a la fragmentación del cubismo analítico. Y es que para el futurismo, el tema es mucho más importante que la forma.

Pero donde más se percibe la singular personalidad del trabajo de Boccioni es en el campo de la escultura. A pesar de la escasísima obra que dejó, al morir prematuramente en la guerra, su valor innovador, apoyado por sus escritos teóricos, le coloca entre los grandes padres de la escultura contemporánea.

En 1910 escribió el Manifiesto de la escultura futurista, donde puede leerse: "Hay que destruir la nobleza totalmente literaria del mármol y del bronce... el escultor debe utilizar veinte materias diferentes o más aún en una sola obra, con tal que la emoción plástica lo exija." El listado de materiales que a continuación propone incluye no sólo madera, cartón o vidrio, sino otros como crin, cuero, espejos o luz.

Para lograr en escultura esa interrelación de formas entre el objeto y lo que le rodea, sobre la que Boccioni funda la representación dinámica, es necesario materializar la atmósfera. Y, efectivamente, él logra literalmente corporeizarla, como puede comprobarse en Desarrollo de una botella en el espacio (1912) y Formas únicas de la continuidad del espacio (1913), ambas en el Museo Cívico de Arte Contemporáneo de Milán.

Formas únicas de la continuidad del espacio no pretende representar un cuerpo según una concepción realista, sino transmitir la acción de dicho cuerpo a partir del estudio de la musculatura y el movimiento humanos. La extensión de las extremidades de este prototipo crea en el espectador la sensación de encontrarse ante una obra dinámica. Otra fuente del artista fue el cubismo de Picasso y Braque, del que aprovechó la representación simultánea de diversos lados de un mismo elemento para conseguir la deseada sensación de desplazamiento. La pasión de los futuristas por el movimiento llevó a Filippo Tommaso Marinetti, ideólogo del grupo, a declarar que un coche de carreras es más bello que la Victoria de Samotracia, escultura con la que, paradójicamente, se compara hoy esta obra.

Fuente: Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Umberto Boccioni. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/boccioni.htm el 5 de febrero de 2020.

Paul Klee

2020-02-05T09:06:00.001+01:00

(Münchenbuchsee, 1879 - Muralto, 1940) Pintor suizo. Hijo de un profesor de música, realizó estudios clásicos en Berna. Se inscribió en la Academia de Munich, donde tuvo como profesor a Franz von Stuck (1898-1900) y se familiarizó con las teorías del Jugendstil, que más tarde pondría en práctica en obras como Cabeza amenazadora (1905).

De regreso a Berna, prosiguió su período formativo centrándose en la música, las artes plásticas, la lectura de clásicos y en la observación de las obras de Blake, Klimt, Goya y, en París, de Leonardo y Rembrandt. Posteriormente realizó una serie de dibujos inspirados en Van Gogh, Cézanne, Matisse y otros representantes de la escuela francesa. En 1911 entró en contacto con el grupo del Blaue Reiter (El caballero azul), lo que le permitió conocer a sus creadores, Vasili Kandinski y Franz Marc, así como a Alfred Kubin y a August Macke, con quienes expuso al año siguiente en Berlín.

En París se relacionó con Robert Delaunay y el clima cubista y centró definitivamente su interés en el movimiento y el tiempo, la luz y el color (en los que influyó notablemente su viaje a Tunicia, en 1914, con Louis Moilliet y Macke), con primacía sobre los valores psicológicos de las formas. Su vida de recogimiento espiritual dio como resultado una prolífica obra.

En 1920 ingresó en la Bauhaus de Weimar, donde fortaleció su método de análisis, y en 1924, junto con Kandinski, Feininger y Jawlensky, formó el grupo de los Blaue Vier (Los cuatro azules). Las obras realizadas durante este período están repletas de imágenes misteriosas y de zonas cromáticas acompañadas de tenues signos gráficos (Teatro botánico).

Título original: Katze und Vogel - Museo: MoMA, Nueva York (Estados Unidos) - Técnica: Óleo (38 x 53 cm)

Tras ser profesor de la nueva Bauhaus de Dessau (1921-1930) y de la Academia de Düsseldorf (1931-1933), la condena nazi de su obra le obligó, en 1933, a exiliarse a Berna, donde, en claro paralelismo con la esclerodermia que contrajo, su producción adquirió un tono simbólico y dramático con elementos temáticos esquematizados progresivamente hasta convertirse en ideogramas (Un rostro y también el de un cuerpo, Tañedor de tímpanos, Muerte y fuego, Demonio, etc.).

Además de Diarios, Klee escribió artículos acerca del arte, que pueden considerarse como una teoría del arte moderno. En la actualidad, la mayor parte de su obra se halla depositada en el Museo de Bellas Artes de Berna (fundación Klee).

Fuente: Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Paul Klee. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/klee.htm el 5 de febrero de 2020.