tecnobovarismo

COLLOQUE ECRITURE ET PSYCHOSE à l'Université de Perpignan

2015-10-15T06:02:00.000-03:00

UNIVERSITE DE PERPIGNAN-VIA DOMITIA (CRESEM), ASSOCIATION POUR LA FONDATION HENRI EY (APLFHEY - PERPIGNAN), ASM13 (PARIS)

COLLOQUE « ÉCRITURE ET PSYCHOSE - LIRE L’ILLISIBLE »

Vendredi 16 & Samedi 17 octobre 2015
Campus de l’UPVD, Amphi 1

La psychanalyse a mis l'accent sur l'écoute et la parole. Pourtant, des patients psychotiques semblent préférer l’écriture. Certains viennent en consultation avec, à la main, le canevas de ce qu'ils comptent dire. D'autres adressent à leur thérapeute ou au Président de la république des courriers insolites; d'autres enfin écrivent des textes qu'ils livrent à leur médecin ou qu'ils gardent par devers eux, à moins ne qu'ils cherchent à les faire éditer, ce parfois avec succès. La lecture des écrits des patients délirants ou schizophrènes est un exercice qui ne laisse pas indemne. Se sont mobilisés autour de ces écrits des linguistes, des hommes de lettres, des philosophes, des cliniciens et des analystes. Cependant le statut de l'écriture pour les psychotiques reste mystérieux. Pour certains, écrire est une hygiène, pour d'autres, un remède, d'autres enfin, cheminent sur le papier ou au clavier. Les soignants en psychiatrie explorent depuis longtemps la ressource thérapeutique que constitue l'écriture. Les recherches récentes autour des médiations, dans les lieux de soin les ateliers d'écriture aux modalités multiples, et d'autres initiatives encore, explorent les possibilités, les aléas et les impasses d'un tel mode d'expression et de communication. Ecrire soulage, décentre la réflexivité du regard sur soi et constitue un premier pas vers l'autre, cet autre si redouté dans la psychose. Ecrire arrime le sujet à la matérialité du langage. Ecrire, que ce soit sur le clavier ou au stylo, engage le corps. L'adoption généralisée de nouveaux supports constitue, après l'imprimerie, une seconde révolution par l'écriture. Aussi le moment nous semble bienvenu de reprendre ces questions en réunissant psychanalystes, littéraires, linguistes, philosophes, soignants, curieux…

Contacts
Inscriptions auprès de : aubry.l@free.fr
odierbernard@wanadoo.fr

pour plus d'information cliquez ici

Magnelli, Melotti, Miró: A dança das formas, na Galeria Marc Domènech #barcelonagalleryweekend

2015-10-11T10:00:00.000-03:00

A. Magnelli, "Pierres", c.1931 gouache on carton 47 x 62 cm.

F. Melotti, "Salomone", 1973 brass 36 x 24 x 11 cm.

J. Miró, "Sans titre I", 1964 ink, watercolor and crayon on paper 32,5...

"Si aceptamos el axioma estético que sugiere que en el arte no hay progreso, que las obras afirman con su compleja presencia plástica una estudiada conjunción formal sobre el lienzo o en el espacio, entenderemos bien el criterio que anima la selección de obras de arte que presentamos. Tres artistas europeos - Magnelli, Melotti y Miró - con una cronología cercana, casi compartida y me atrevería a suponer afin: la formación inicial en el momento difícil de la quiebra del realismo descriptivo y el desdibujado proyecto simbolista, con la emergencia callada de una renovación plástica irreprimible, manifestación artística de una sensibilidad negativa que justifica la eclosión vanguardista de las primeras décadas del siglo XX. Artistas, si bien se mira, educados todos en la crisis de responsibilidades estéticas pero también existenciales y morales del llamado fin de siècle. Unos artistas deslumbrados sin exageración por la potencia figurativa de las alternativas artísticas inesperadas y el fascinante tirón de los ismos."

J. F. Yvars

O catálogo da exposição está disponível para download gratuito aqui

Até 27 de novembro de 2015 na

Galeria Marc Domènech

Ptge Mercader 12, bxs - 08008 Barcelona

Dora García na Biblioteca do Campo Freudiano de Barcelona #barcelonagalleryweekend

2015-10-09T09:00:00.000-03:00

"Las colaboraciones y performances de Dora García (Valladolid, 1965) exploran el radicalismo, lo inadecuado y la marginalidad. Su contribución para la serie de intervenciones Composiciones consiste en señalar la abundancia de información y de actividades programadas por la Biblioteca del Campo Freudiano de Barcelona - organización fundada en 1977 por el argentino Oscar Masotta (1930-1979). La intervención de García considera la biblioteca como un nudo que une el arte, el psicoanálisis y la literatura. Durante tres días consecutivos el espacio se verá activado por tres conversaciones y un elenco de publicaciones seleccionadas por la artista provenientes del fondo de la biblioteca. La primera conversación [1 de octubre, 19h], un soliloquio de García, se centrará en la literatura de ficción de la biblioteca. En la segunda [2 de octubre, 19h], la artista moderará una conversación entre Miguel Bassols, Enric Berenguer, Rosa Calvet, Estela Paskvan y Montserrat Rodríguez acerca de la fundación de la biblioteca y su progresso en Barcelona. El último evento [3 de octubre, 10h] será un díalogo acerca del novelista irlandés James Joyce (1882-1941) y el psicoanalista y psiquiatra francés Jacques Lacan (1901-1981) entre la artista, el psicoanalista Xavier Esqué y el irlandés Patrick Johan, quien trabajó en el James Joyce Center en Dublin." mais...

Comisariado por Latitudes

www.artbarcelona.es

Jordi Mitjà no Barcelona Gallery Weekend

2015-10-07T18:55:00.000-03:00

"Jordi Mitjà (Figueres, 1970) se inspira en el Empordà y utiliza este territorio como recurso histórico y archivio natural, resultando en una obra fruto de una herencia fronteriza y de la contracultura local, donde podemos encontrar desechos los elementos relacionados con la historia del arte o de la política. La participación de Mitjà tiene lugar en el Museo Geológico del Seminario de Barcelona, una institución fundada en el 1874 dedicada principalmente a la paleontología y al estudio de fósiles invertebrados. Teniendo en cuenta la delimitación de la biología evolutiva y de la geología antigua en Cataluña, la instalación de Mitjà se centra en la relación primitiva entre materiales y morfología. Una serie de retroproyectores iluminan la sala principal del museo con un catálogo de imágenes, sombras y geometrías; capas que Mitjà ha desenterrado mediante su exploración de la taxonomia geoespacial de esta única colección de 80.000 especímenes. Finalmente, Mitjà ha llevado a cabo un ejercicio arqueológico personal desenterrando dibujos que ha estado haciendo en los últimos años, una selección de los cuales se exhibe aquí por primera vez."

Comisariado por Latitudes

www.artbarcelona.es

Como orientar-se no pensamento: Warburg e a Antropologia, palestra com Maurizio Ghelardi no Centro de Arte Hélio Oiticica

2015-05-18T08:29:00.002-03:00

Começa hoje o III SIMPÓSIO INTERNACIONAL LAVITS: Vigilância, Tecnopolíticas, Territórios

2015-05-13T04:50:00.000-03:00

Começa hoje III SIMPÓSIO INTERNACIONAL LAVITS: Vigilância, Tecnopolíticas, Territórios, que acontece até o dia 15 de maio na Casa da Ciência da UFRJ, Rio de Janeiro.

Confiram a programação abaixo. Haverá também transmissão ao vivo das mesas redondas em http://aovivonaweb.tv/lavits

Programa

MESAS REDONDAS

13 de maio de 2015 – 09h00-13h15

MESA 1 – POLÍTICAS CONTEMPORÂNEAS DE VIGILÂNCIA: OPACIDADE, TRANSPARÊNCIA, RESISTÊNCIA
Prof. Dr. David Lyon (Queen’s University)
Prof. Dr. Didier Bigo (Sciences Po e King’s College)
Prof. Dr. Sergio Amadeu (UFABC)
Mediação: Profa. Dra. Fernanda Bruno
MESA 2 – TERRITÓRIO, VIGILÂNCIA, DESAPARIÇÃO
Prof. Dr. Rogerio Haesbaert (UFF)
Prof. Dr. Tadeu Capistrano (UFRJ)
Mediação: Prof. Dr. Rodrigo Firmino (PUCPR)

14 de maio de 2015 – 09h00-12h30

MESA 3: SUBJETIVIDADE, FANTASIA E VIGILÂNCIA
Profa. Dra. Paula Sibilia
Profa. Dra. Silvia Viana (FGV-SP)
Mediação: Profa. Dra. Rosa Pedro (UFRJ)
MESA 4: ESTÉTICA, BIOPOLÍTICA, DIVIDUAL
Prof. Dr. Ricardo Basbaum (UERJ)
Prof. Dr. Pablo Rodriguez (UBA)
Mediação: Prof. Dra. Fernanda Bruno (UFRJ)

15 de maio de 2015 – 09h00-12h45

MESA 5: VIGILÂNCIA NA AMÉRICA LATINA
Prof. Dr. Nelson Arteaga Botello (FLACSO, México)
Prof. Dr Guiomar Rovira (Universidad Autónoma Metropolitana, México)
Katitza Rodriguez (EFF)
Mediação: Profa. Dra. Marta Kanashiro (UNICAMP)
MESA 6: TECNOPOLÍTICAS: PRIVACIDADE E CRIPTOGRAFIA
Prof. Dr. Marcio Moretto (USP)
Natalia Viana (Agência Pública)
Mediação: Prof. Dr. Henrique Parra (UNIFESP)

SEMINÁRIOS TEMÁTICOS

13 de maio de 2015
15h-17h

17h30-19h30

14 de maio de 2015
15h-17h

17h30-19h30

OFICINAS

INTERVENÇÃO AUDIOVISUAL

Video interrupción: Nuevas Fronteras del Control

SEMINÁRIO ABERTO LAVITS

15 de maio de 2015, de 15 às 18h

Rodada de apresentação da Rede Latino-Americana de Estudos em Vigilância, Tecnologia e Sociedade/LAVITS e de outros coletivos, redes e grupos que trabalham com temáticas afins. O objetivo deste seminário é abrir vias de diálogo e de cooperações futuras entre pesquisadores, ativistas, artistas, profissionais, coletivos e organizações interessados nas relações entre vigilância, tecnologia e sociedade na América Latina.

Oscar Murillo de marcha... Una rumba? No, solo un desfile con ética y estética

2015-04-26T16:00:00.000-03:00

Oscar Murillo (La Paila, Colombia, 1986) é uma figura chave na arte contemporânea mundial. Sua arte está inserida no contexto da globalização, explorando dinâmicas próprias do mundo contemporâneo, entre elas, migrações, multiculturalismo, identidades, diferenças sociais e mutações culturais; conceitos e situações próprias de sua experiência de vida.*

*tradução e edição do texto de apresentação da exposição "Oscar Murillo de marcha... Una rumba? No, solo un desfile con ética y estética", que ficou aberta à visitação de 24 de fevereiro a 20 de março de 2015 no Centro Cultural Daoíz y Velarde, em Madrid. A página do evento pode ser acessada aqui.

The Superstars of Contemporary Art: Globalization, Institutional Visibility and Economic Success on the Market #IMPERDÍVEL no #IFCS #UFRJ

2015-04-01T18:35:00.002-03:00

Prof. Alain Quemin (Université Paris-VIII)

07 de abril de 2015, 3ª feira, às 17:00 h

Local: sala 109 - Evaristo de Moraes Filho – térreo do IFCS UFRJ

(Largo de São Francisco, centro)

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The Superstars of Contemporary Art : Globalization, Institutional Visibility and Economic Success on the Market

Alain Quemin

Today, rankings have become major players of the contemporary art world and market. Everyone wants to know who is “hot”, what artists are important and rankings play a major role in objectivizing these positions occupied by the different artists – or even works!- or other players of the art world such as gallerists, collectors, curators, etc. In this presentation, we will briefly analyze two indigenous rankings of contemporary artists, the Kunstkompass and the Artfacts ranking, that try and objectivize the visibility of living contemporary artists. Then, both indicators will be used in order to illustrate the impact of nationality and country of residence on the success of contemporary artists. We will see that, apart from the fact that the Kunstkompass presents a bias that benefits German artists, those indicators, although their methodologies are very distinct, show very similar results in terms of national concentration of artists. Then, these first results will be compared to those that can be obtained when economic success on the market is considered, be it auctions in general through Artprice data or prestige auction sales organized by Christie’s and Sotheby’s.

Although for more than two decades the ideology of globalization through the mixing of different cultures and the alleged erasure of national borders has been very popular in the contemporary art world, our analysis tends to unveil a very different reality. The international contemporary art world remains very territorialized and hierarchized in terms of countries. Empirical survey shows that the contemporary art world mostly covers a very limited number of Western countries among which Germany and even more, the USA, play an absolutely central role.

A specialist of the sociology of contemporary art, Alain Quemin is a full professor (exceptional class) of sociology of art at université Paris-VIII in France and an honorary member of Institut Universitaire de France. He is a former president and a present vice-president of the sociology of art research committee of the International Sociological Association. He is a specialist on the sociology of art markets. His present work focuses on the impact of globalisation on art markets and institutions, and on the social construction of artistic success and consecration. He also works on the sociology of works of art, on the sociology of visitor studies, and on the sociology of fashion. Alain Quemin was an invited professor or researcher for several weeks or months at Columbia University and the New School for Social Research in New York, at UCLA (USA), at the London School of Economics (UK), at université de Montréal (Canada), at Bologna university (Italy), at universitat de Barcelona (Spain) and at Unicamp (Brazil). He published in several journals including Les Annales ESC, l’Année sociologique, International Sociology and European Societies. His most recent book is: Les stars de l’art contemporain. Notoriété et consécration artistiques dans les arts visuels, Paris, éditions du CNRS, 2013, 458 p.

A paixão segundo Carol Rama | Último dia para visitar a exposição no MACBA

2015-02-21T23:36:00.001-02:00

Em dezembro estive em Barcelona para participar da Art Matters Conference. Além de o evento ter sido acadêmica e artisticamente excelente, os organizadores disponibilizaram convites para os participantes visitarem os principais museus e centros culturais da cidade. Embora o tempo fosse curto, consegui ir ao Museu de Arte Contemporânea de Barcelona (MACBA), onde tive a oportunidade de ver uma grande exposição que ocupa todo o térreo do museu com a obra de Carol Rama, artista fascinante de Torino, crucial para a arte do século XX (e para a minha tese!).

Hoje, dia 22 de fevereiro, é o último dia para visitar a exposição (atenção que aos domingos o MACBA funciona somente das 10h às 15h).

Segue o take one da exposição (antes que eu perca!)- cuja curadoria é de Teresa Grandas, Beatriz Preciado e Anne Dressen

Carol Rama, Marta, 1940, aquarela sobre papel, coleção privada (Torino)

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La pasion según Carol Rama

Exposición

del 31 de octubre de 2014

a 22 de febrero de 2015

Ignorada durante décadas por el discurso oficial de la historia del arte, Carol Rama se afirma hoy como una de las artistas indispensables para entender la producción del siglo XX. A través de una selección de doscientas obras, esta exposición propone un itinerario por los distintos momentos creativos de la artista. Ni exhaustiva ni antológica, la exposición - un intento de reconocer y restituir una obra todavía desconocida, pero llamada a convertirse en clássica - constituye la muestra más amplia de esta artista hasta la fecha.

ANATOMÍA POLÍTICA

Nacida en 1918 en el seno de una familia de industriales de Turín, sin formación artistica académica, Carol Rama imprime en su obra temprana la huella de la experiencia del encierro institucional (se cree que su madre estuvo internada en un psiquiátrico) y de la muerte (el suicidio de su padre). Situada en el centro de la exposición, se encuentra una sala que reúne una amplia selección de sus acuarelas figurativas de los años treinta y cuarenta. Cuando estas obras - firmadas Olga Carolina Rama - se exponen por primera vez en 1945, son censuradas por "obscenidad" por el gobierno italiano. Los motivos figurativos de las acuarelas de Rama están lejos del ethos fascista que glorificaba el paisaje regional, la familia o la máquina como encarnaciones del progresso nacional o imperial. Frente a ellos, Carol Rama inventa un cuerpo político deseante que resiste a los ideales normativos de género, sexuales y de normalidad cognitiva y física impuestos por la Italia de Mussolini.

Durante el fascismo, el cuerpo de las mujeres - y también el de otras minorías como "razas inferiores", "locos", "homosexuales", "deficientes", "anormales" y "extranjeros" - se convierte en el espacio material sobre el que las distintas técnicas gubernamentales inscriben la violenta ley soberana del Estado-nación. Animales deseantes, Appassionatas y Dorinas con miembros amputados y lenguas erectas: esos son los cuerpos enfermos e institucionalizados a los que la obra de Carol Rama va a dar visibilidad, exaltándolos a través de una representación vitalista y sexualizada y reclamándolos como sujetos políticos y de placer.

Como la feminista Carla Lonzi esculpirá sobre el idealismo patriarcal de Hegel, Carol Rama escupe sobre el realismo plástico de L'origine du monde de Gustave Courbet e incluso de Étant donnés de Duchamp. Primero Rama abre el horizonte: el espectador ya no mira a través de una grieta, no hay límites, lo que está ahí está ahí para ser visto, frente a frente. En segundo lugar, dota al cuerpo sexualizado de Étant donnés e de L'origine du monde de rostro, mirada, boca y lengua. Ese cuerpo no es deseado. Ese cuerpo desea, actúa: es un agente político. Por último, Rama hace que la vagina o el ano ya no sean orificios abiertos a la penetración (material o visual de la mirada heteronormativa), sino orificios de donde salen culebras, trozos de mierda, tuberías.

Sin embargo, Rama entenderá la censura de su primera exposición como una advertencia: una "invitación" a abandonar el conflicto de los motivos figurativos y pasar a lo que podríamos llamar, utilizando sus propios términos, la "guerra abstracta". En la década de 1950, la artista se asocia al Movimiento de Arte Concreto (MAC) para - según su propia expresión - "dar un cierto orden" y "limitar el exceso de libertad". Su obra, a partir de entonces, será firmada Carol Rama. El nombre Olga, como la figuración que llevó a la censura, será eliminado.

A partir de mediados de los años cincuenta, Rama se deshace poco a poco de las convenciones geométricas del MAC y comienza a experimentar con nuevos materiales y nuevas técnicas. La energía corporal de la primera época resurge aquí transformada en una vibración que recorre los lienzos. Las variaciones verticales del trazo en Diagramma (1960) y en los numerosos Sin titulo de finales de los años cincuenta parecen ser el registro físico llevado a cabo por un aparato (el cuerpo al mismo tiempo fuerte y vulnerable de la artista) que, como el sismógrafo o el electroencefalógrafo, traduce el movimiento de la tierra o la actividade cerebral en inscripción material.

BRICOLAGES: LA ABSTRACCIÓN ORGÁNICA

En los años sesenta, Carol Rama se acerca al movimiento de experimentación lingüística y de poesía visual de los Novissimi y especialmente al escritor Edoardo Sanguineti. En 1962, Sanguineti denomina "bricolages" un nuevo conjunto de obras de Rama en las que una variedad de elementos orgánicos e inorgánicos se articulam, a través de una sorte de principio "Frankenstein" de Mary Shelley, para formar una nueva imagen. Los Bricolages podrían ser el equivalente, en el lenguaje sensorial de Rama, de los poemas de Sanguineti que mezclan una multiplicidad de lenguas (latín, alemán, francés, griego), pero también de registros lingüísticos (el lenguaje coloquial, la retórica política del marxismo, la pornografía, la publicidad o el lenguaje de los medios de comunicación) de forma no lineal, hasta constituir un único flujo textual. Resuenan también aquí los Cronogrammi de Nanni Balestrini y el cut-up de Brion Gysin y William Burroughs. Las obras de esta época reorganizam de manera aleatoria materiales orgánicos e inorgánicos, ecuaciones que provienen de la bomba nuclear, nombres como Mao Tse-Tung o Martin Luther King..., para integrar un artefacto al mismo tiempo vivo y desnaturalizado. Lo que se pone aquí en cuestión es la experiencia de lectura o de la visión como representación: estos textos y estas imágenes ya no están hechos para ser leídos o simplemente vistos, sino para ser "experimentados" con todos los sentidos.

En Sin título (1963), una masa de hilos metálicos (que recuerda las esculturas metálicas de Marisa Merz, Eva Hesse o Diane Itter) emerge tridimensionalmente desde una mancha negra en el lienzo. En Contessa (1963) y en Bricolage (1964), el lienzo está literalmente atravesado por una multitud de uñas animales. El cuadro, salpicado de rojos y negros, es al mismo tiempo abstracto y animal, composición estética y herida en la que es possible leer la huella de la agresión. La abstracción orgánica es llevada al límite cuando Carol Rama decide nombrar Pornografia y Pornografia II (probablemente burlándose de la caracterización habitual de su obra) los lienzos, de 1963 y 1965 respectivamente, en los que juega con la capacidad de la materia pictórica para solidificarse y constituir cuerpos disgregados sobre la tela. La pasión se ha vuelto abstracción. Carol Rama inventa el sensurrealismo, el arte visceral-concreto, el porno brut.

ARTE QUEER POVERA

Desde finales de los años sesenta, la escena artística italiana queda totalmente tomada por las figuras masculinas del arte povera (Alighiero Boetti, Giuseppe Penone, Giulio Paolini, Mario Merz, Pino Pascali, Michelangelo Pistoletto...), con la excepción de las escasas mujeres (de) como Marisa Merz. Mujer-sin-hombre, rodeada en su mayoría por amigos no vinculados al povera y/o homosexuales (el pintor Carlo Monzino, el artista y activista homosexual Corrado Levi, Guido Carbone, Gianni Vattimo, etc.), Carol Rama queda fuera de la escena artística italiana de 1960-1970. Aunque si miramos con detenimiento su obra de esta época, es impossible no ver paralelismos y recurrencias con lo que el crítico italiano Germano Celant denominará por primera vez en 1969 arte povera.

Para Celant el povera, en oposición al pop, se caracteriza por la transformación a través del proceso artístico de materiales industriales y de consumo ordinario sin referencia a las iconografias de la cultura de masas. Objetos usados y carentes de valor (papeles, platos rotos, maderas, cartuchos, escaleras, ruedas, sierras...) son recuperados como materiales nobles con los que el artista, en un encuentro inmediato y sensible, construye nuevas formas. La elaboración de formas orgánicas, el uso de materias primas o de materiales industriales, la atención a la relación entre arte y subjetividad, el privilegio de formas populares y artesanales de producción... Todos estos recursos, presentes en Carol Rama, son característicos del povera. ¿Acaso no podrían constituir los Bricolages y los Presagi di Birnam de Rama de esa misma época, hechos con tornillos, sacos o cámaras y neumáticos de bicicleta, un ejemplo paradigmático del povera? Celant no incluye ninguno de ellos.

Ciertamente no solo había neumáticos de caucho en las obras de Carol Rama, sino también prótesis de pies y piernas, ojos de taxidermista, pestañas, pelo, piel, uñas y dientes naturales, componentes eléctricos (fusibles, baterías), médicos (cánulas de lavatina anal, jeringas)... A medio camino entre el povera, el junk art y el Nouveau Réalisme, en Carol Rama la pintura se vuelve semen, sangre, leche... Y el lienzo, como en Le siringhe (1967), un cuerpo adicto a la transfusión de la pintura. Su obra es más visceral y más sucia que pobre. El povera de Rama era un queer povera. Carol Rama había entendido que no solo los objectos inorgánicos, absorbidos por el proceso alienante de la producción industrial, debían ser recuperados por el artista a través de un nuevo encontro utópico con la materia, sino que el cuerpo mismo, sus órganos y fluidos, objetos de la gestión política y del control social, debían ser también sometidos a una recuperación plástica. Excluida de la escena del povera, la obra de Rama permanece invisible.

ORGANISMOS TODAVÍA BIEN DEFINIDOS Y VULNERABLES

En los años setenta, Carol Rama conecta de nuevo con su biografía a través de la intensidad de los materiales. En esta época utiliza casi exclusivamente el caucho proveniente de neumáticos de bicicleta, un material que conoce bien porque su padre tuvo una pequeña fábrica de bicicletas en Turín. Rama trata el caucho como un taxidermista trabaja la piel: disecciona los neumáticos, los transforma en superfícies bidimensionales, crea formas a través del ensamblaje de distintos colores y texturas. Los neumáticos de Rama, de látex natural (también presente en las soft sculptures de Claes Oldenburg y Richard Serra), envejecidos por la luz y el tiempo, deshinchados, flácidos y en descomposición, son, como nuestros cuerpos, "organismos todavía bien definidos y vulnerables".

En 1980, la curadora italiana Lea Vergine "descubre" la obra de Carol Rama e incluye una selección de sus acuarelas tempranas en la exposición colectiva L'altra metà dell'avanguardia 1910-1940, en la que reúne obras de más de un centenar de artistas mujeres. Ese "descubrimiento" vuelve a invisibilizar la obra de Carol Rama de dos maneras: por una parte, la "reconoce" a condición de presentarla como "mujer". Por otra, prestando atención exclusivamente a sus acuarelas del periodo 1930-1940, eclipsa la obra posterior de la artista. En ese discurso historiográfico, Carol Rama (que tiene entonces 62 años) no puede ni siquiera ser contemporánea de si misma. Curiosamente la valoración retrospectiva de las acuarelas llevará a la propia Rama a recuperar la figuración y a "reproducir" los motivos temprados de las Dorinas y las Appassionatas, que fuera del contexto creativo que las hizo existir aparecen ahora como inscripciones fantasmáticas del trauma del borrado histórico.

"YO SOY LA VACA LOCA"

Durante los noventa, cuando Carol Rama busca un lugar de identificación, no recurre a figuras de la feminidad, sino a la figura del animal enfermo afectado por la encefalopatía espongiforme bovina: la mucca pazza (la vaca loca). Los elementos y motivos característicamente carolramianos (el caucho, las telas de saco de correos, los pechos, las lenguas, los penes, las dentaduras...) se reorganizan ahora para formar una anatomía dislocada que ya no puede constituir un corpo. Sin embargo, Rama llegará a calificar esos trabajos no figurativos de autorretratos: "Estos son extraordinarios autorretratos, extraordinarios, no porque sean bonitos, sino por la idea de estas tetas y pollas de toro, por la manera de ver la anatomía de todos en parte compartidas, extremas". "Yo soy la vaca loca", afirma. Y añade, de forma inesperada: "Y esto me ha hecho gozar, gozar de manera extraordinária".

La proximidad entre lo humano y lo animal que Carol Rama hace efectiva en su obra no es únicamente metafórica. La epidemia de las "vacas locas", transmisible al hombre, revelaba los vínculos bioculturales, rituales, económicos y sexuales con lo animal. La investigación científica determinó que el origen de la enfermedad estaba en la inclusión en los piensos que se daban a las vacas de harinas hechas con restos de carne ovina, caprina e incluso bovina. Esta conciencia de ser-animal-para-ser-consumido estaba ya presente en 1980 cuando Carol Rama retoma en La macelleria la figura de Dorina, pero esta vez convertida en carnicera. Representada con cara porcina, la Dorina-carnicera es al mismo tiempo una Saturno devorando a un hijo de Goya y una Medea de Pasolini en versión humano-animal. Eso es la pasión según Carol Rama. Ansia de devorar para poseer. Sabiendo que nos estamos devorando a nosotros mismos.

En Carol Rama, la vaca loca es una figura poshumana de la histeria, una variación humana del Holocausto, al mismo tiempo que una evocación de la epidemia de SIDA. Con un solo gesto, Carol Rama adelanta a Bataille y a Simone de Beauvoir por la izquierda animal. Riéndose de la impostura de los binomios humano/animal, masculino/feminino, sano/enfermo, la artista parece afirmar un animalismo radical frente a las ficciones normativas de lo humano, masculino, sano... El feminismo de Carol Rama no es un humanismo. Carol Rama afirma la universalidad y la preeminencia del animal, de lo femenino, de la enfermedad y de la muerte, encarnada en la figura moribunda de la vaca. El animalismo de Carol Rama es un feminismo expandido y no antropocéntrico.

El reconocimiento de Rama como artista no llega hasta que se le concede el León de Oro de la Bienal de Venecia por su carrera en 2003. Todas las predicciones de las Guerrilla Girls se han cumplido en el caso de Rama. Esas son las "ventajas de ser una mujer artista": "Saber que tu carrera podría despuntar cuando tengas ochenta años. Estar segura de que cualquier tipo de arte que hagas será etiquetado de 'femenino'. Ser incluida en las ediciones revisadas de las historias del arte".

Carol Rama reclama otra narración de la historia del arte y aparece hoy como una artista imprescindible para entender las mutaciones de la representación en el siglo XX y el trabajo posterior de artistas como Cindy Sherman, Kara Walker, Sue Williams, Kiki Smith o Elly Strik.

Comisariado: Teresa Grandas y Beatriz Preciado (MACBA, EMMA, IMMA y GAM); Anne Dressen (MAMVP)

Exposición concebida por el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) y el Musée d'Art moderne de la Ville de Paris (MAMVP), organizada por el MACBA y coproducida com PARIS MUSÉES / MAMVP, EMMA - Espoo Museum of Modern Art, Irish Museum of Modern Art, Dublín (IMMA) y GAM - Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea, Turín.

Estrutura mutável: Emanuela Fiorelli e Paolo Radi na Galleria Spazia (Bologna)

2015-02-03T08:43:00.002-02:00

No fim de semana da Feira de Arte de Bologna também aconteceu a Notte Bianca (uma espécie de virada cultural italiana), com isso algumas das galerias no centro da cidade abriram suas portas até tarde e tive a oportunidade de visitar a exposição Mutevole Struttura | Emanuela Fiorelli - Paolo Radi, na Galleria Spazia. Apesar de não ter sido a noite de abertura da exposição, havia bastante gente por lá e os artistas estavam presentes.

O diálogo pareceu-me extremamente interessante pela maneira complementar como os artistas criam suas formas. Ambos trabalham a partir da sobreposição de superfícies em suas composições. Os planos de Fiorelli são transparentes e funcionam como elementos estruturantes de seus traços, que saltam de uma superfície à outra, em composições de uma frágil solidez. Já Paolo Radi parece "esconder algo" sob superfícies liminares entre opacidade e transparência, criando zonas cromáticas cujos contornos são nuançados por membranas que capturam e frustram o olhar (frustração de grande potência em uma época na qual o voyeurismo é o regime escópico hegemônico).

Abaixo traduzo do italiano ao português o take one disponibilizado pela galeria

Estrutura Mutável

Emanuela Fiorelli - Paolo Radi

P. Radi, Origini parallele

E. Fiorelli, Box

A Galleria Spazia inaugura o ano com a "dupla individual" ("doppia personale") dos artistas Emanuela Fiorelli - Paolo Radi, a apenas dois anos da última mostra conjunta deles no Centro Culturale Wasi, em Lima, Peru.

A mostra propõe uma importante série de obras do percurso artístico recente deles, que "se encontra e se confronta" na superfície.

Radi é aquele da aparição, da emergência; Fiorelli aquela da estrutura e da construção. Fiorelli é racional, Radi sensibilista.

Em Fiorelli e em Radi o mundo é subdividido na superfície, como se o âmbito do visível tivesse se dividido de modo a não se preocupar e a ser feliz: é claro, no entanto, que esta divisão do mundo não foi uma decisão, mas uma simples constatação, um resultado de fato; mas não é criticamente indiferente (por tudo o que se disse sobre a contextualização da obra) que um casal na vida se encontre a compartilhar um mesmo mundo linguístico, mas ao mesmo tempo se limite - por assim dizer - a um lugar que não será mais - ou que pelo menos nunca foi até agora - o lugar do outro, embora sendo o lugar fundamental para quem enfrenta o tipo de pesquisa estética deles.

A exposição pode ser visitada até março na:

Galleria Spazia

Via dell'Inferno, 5

40126 Bologna

O centenário de Alberto Burri

2015-01-29T11:30:00.000-02:00

Sacco e Rosso, 1954

No último fim de semana visitei a Feira de Arte de Bologna que, dentre suas atividades paralelas, contava com uma bela homenagem ao centenário de Alberto Burri, um artista italiano que eu não conhecia bem (e ainda não conheço, claro!). Gosto das datas redondas por isso: é uma excelente oportunidade para as novas gerações prestarem atenção à produção de artistas que estão em grandes coleções, mas que são exibidos poucas vezes sozinhos.

A programação completa do centenário pode ser acessada aqui.

Grande Ferro M1, 1958

"Alberto Burri nasce a Città di Castello (Perugia) il 12 Marzo 1915. Si laurea in medicina nel 1940. Quale ufficiale medico è fatto prigioniero degli alleati in Tunisia nel 1943 e viene inviato nel campo di Hereford, Texas. Qui comincia a dipingere. Tornato in Italia nel 1946, si stabilisce a Roma e si dedica alla pittura.

Dal 1950 assumono rilievo i "Sacchi", fino a predominare nelle mostre personali che, dopo Roma, si tengono anche in varie città americane ed europee. Agli inizi degli anni ‘60 si segnalano in successione ravvicinata, a Parigi, Roma, L’Aquila, Livorno, e quindi a Houston, Minneapolis, Buffalo, Pasadena, le prime ricapitolazioni antologiche che, con il nuovo contributo delle "Plastiche", diverranno vere e proprie retrospettive storiche, a Darmstadt, Rotterdam, Torino e Parigi (1967-1972). Gli anni ‘70 registrano una progressiva rarefazione dei mezzi tecnici e formali verso soluzioni monumentali, dai "Cretti", ai "Cellotex" , mentre si susseguono le retrospettive storiche in Italia e all’estero. Negli ultimi venti anni della sua carriera Burri realizza complessi organismi ciclici a struttura "polifonica".

Nel 1978 Alberto Burri istituisce a Città di Castello la Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri che prende il nome dal monumentale palazzo che la ospita, le cui caratteristiche richiamano la sobria architettura rinascimentale fiorentina. Degli Albizzini si hanno notizie fino dal XIV secolo e i suoi componenti sono stati protagonisti di rilievo nelle vicende storiche della città: fu probabilmente un certo Ser Filippo di Lodovico a commissionare nel 1504 a Raffaello lo Sposalizio della Vergine per la Cappella di San Giuseppe nella vicina chiesa di San Francesco. Nel 1989 la Fondazione Palazzo Albizzini, per volontà dell’artista, acquisisce gli Ex Seccatoi del Tabacco. Queste architetture irripetibili, di insolita grandezza, completamente dipinte di nero all’esterno sono state trasformate in un’imponente "scultura", sede ideale per i grandi cicli pittorici e per le sculture in ferro esposte nello spazio antistante il complesso architettonico.

Alberto Burri muore a Nizza il 13 Febbraio 1995."

O modernismo e seu duplo: A experiência sulafricana 1914-2014 #freecatalogue

2015-01-27T13:36:00.002-02:00

Arrumando as malas, me deparei a papelada que peguei na Bienal de Arquitetura de Veneza de 2014. Abaixo, copio trecho do texto do catálogo do Pavilhão da África do Sul e o link para baixar um pdf da publicação.

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Il modernismo ed i suoi doppi: L'esperienza sudafricana 1914-2014

Curato da Lemaseya Khama & Jean-Pierre de la Porte
www.southafricanarchitecturebiennale.com

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"Between 1914 and 2014 South Africa experienced the most decisive events in its history. Beginning with the formation of the African National Congress and the Boer Republics antagonistic to the rule of the British Empire, South African people formed coherent visions and implementations of their collective future. A century of resistance and counter resistance ensued framed within the modernising terms of two irreconcilable nationalisms, contrasted visions of commonality and two mutually exclusive futures. These processes were imaginative as much as material, aesthetic as much as political and shared, despite their world famous antagonism, a set of commitments to the project of modernisation and with it, to the potentials, values and temporalities of Modernism. These opposed adventures within the modern project’s premises ensured that South Africa differed from most societies experiencing decolonisation and growing resistance to invasion, dispossession and Diasporas. It is the nature of this difference that is sought in the South African National Pavilion, and of the new aesthetic, cryptic, deliberately ephemeral but often monumentalising terms in which it was intensely played out. The viewer is invited to retrace the investment in modernism that made South Africa a global talking point twice in the last hundred years: through the highly modernistic social engineering of the 1961 mono-racial Republic and through the triumph and emergence into the post 1994 public realm of the dispersed, powerful imagination and capabilities that long opposed it, finally overcame it and now form its posterity. With the 1994 inauguration of the first democratically elected President and government after centuries of invasion, South Africa embarked on a path of reconciliation. This much celebrated event instantly blurred the boundaries between the forms and institutions of majority experience and the historically far more visible western derived outlines of the once minority rulers. The South African public realm and spatial imagination remains shaped by this recent alloying of once strategically opposed modernisms. South Africa 1914-2014: Modernism and its Doubles traces the paths of two distinctly conceived and realised modernisms that so often provided the momentum in South Africa’s defining century. Most strands of contemporary South African Experience still contend over the legacy of the modern, its ownership and denunciation and provide a laboratory for understanding what it meant and still could mean far from its place of birth in the northern hemisphere."

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Um pdf do catálogo completo pode ser baixado aqui

O machismo segundo Nick Darmstaedter

2015-01-14T08:00:00.000-02:00

Mais um take one pro meu arquivo público digital (risos)! Desta vez trata-se da exposição T2MamaTambien, de Nick Darmstaedter na galeria T293, em Roma. Darmstaedter é um jovem artista americano que, nesta exposição, trabalhou em torno da construção social da masculinidade a partir de uma perspectiva bastante particular. Adotando como ponto de partida o ano de 1972, as referências da cultura pop (música e cinema), da publicidade e do esporte da época são a matéria-prima da produção do artista, que já conta com um vasto currículo.

Nick Darmstaedter, My Name Is It Doens't Matter What Your Name Is, 2014, UV curable ink on concrete, 24x38 inches.

Nick Darmstaedter
T2MamaTambien
17 December 2014 - 31 January 2015
Opening 16 December 2014, 7pm
T293, Via G. M. Crescimbeni 11, Roma
T: +39 06 88980475
info@t293.it

T293 is pleased to present the first-ever solo exhibition in Italy by American artist Nick Darmstaedter. Entitled T2MamaTambien, the project takes inspiration from the spirit of masculinity that shaped American cultural production in the last quarter of the twentieth century. Darmstaedter has selected 1972, a pivotal year in America's social, economic, and political development, and the longest year in history according to the Coordinated Universal Time (UTC), as the focal point for a broader exploration of divergent and often competing associations and expectations for the male gender.

During the leap year 1972, while the scientific community was adding two extra leap seconds to the calendar in compensation for the slowing of the earth's rotation, men were undergoing their own critical reassessments as they faced a new array of influences from the media and the accelerated dissemination of mass culture. Presented with an expanding body of products and tastes, men were urged from all sides towards an ideal definition of manhood. Gathering and filtering his sources from advertising, popular music, films and magazines from 1972, Darmstaedter draws upon these archetypes to examine this deeper, and ultimately subjective, idea of "machismo".

A series of five oil paintings inspired by the album covers of groundbreaking musical artists Al Green, Black Sabbath, Ca, Lou Reed, and Neu! touch upon the impact that these musicians with their larger-than-life personalities had on a generation of men. Each album, released in 1972, contributed to a larger moment in which music, the most widely distributed art form, and the men responsible for its creation, played a significant role in informing the attitudes and behaviors of its male listeners.

The cinema of 1972 had an equally momentuous impact on the male psyche in that year and today. Darmstaedter borrows quotes from masculine classics like The God Father and Deliverance as titles for some of the exhibited work. His sculpture, I Could Dance Forever... Oh My Hemorrhoid!, featuring 72 sticks of locally-sourced Italian marble disguised in wax papper butter wrappers, pays homage to a legendary scene from the film Last Tango in Paris, in which famed American actor Marlon Brando sodomizes a young woman using butter as a lubrificant, in a theatrical gesture both intensely crude and virile.

Nick Darmstaedter, I Could Dance Forever! Oh, My Hemorrhoid, 2014, Italian marble, 72 salted sweet cream butter stick wrappers, dimensions variable

Meanwhile, a series of silkscreens derived from generically beautiful lanscapes featured in KOOLS cigarette advertisements from 1972 dissect the brand's marketing strategies of seducing male consumers to indulge in their unattainable desires. The independence and freedom associated with wilderness cater to the stereotypical male predisposition toward exploration and ingenuity. That these values can often mutate into selfshness, is addressed by several ultra violet curable ink prints on concrete, whose images are appropriated from articles about makeshift inventions and photos of stereotypically masculine men and desirable women born in 1972. In isolating these subjects, Darmstaedter sardonically underscores man's unsteady balance between personal pleasure and familial responsibility.

Nick Darmstaedter, I Could Dance Forever! Oh, My Hemorrhoid, 2014, UV curable ink on concrete, 48x36 inches

1972 also saw perhaps the greatest tragedy in sports history at the Olympic games held in Munich, where eleven Israeli athletes were taken hostage and murdered by Palestinian terrorists. Commuting All Death Sentences to Life in Prison, features a genuine 1972 Munich Olympic torch and an original issue of the first Ghost Rider comic book. The games, themselves a consummate forum for athletic achievement and masculine worth, occurred the same year in which the California Supreme Court declared the death penalty cruel, and constitutionally unjustifiable. In its new context, the torch becomes a poignant emblem for man's triumphs, his desire for a standard ideal, but also for his immeasurable failure and the rebirth of a new vision of perfection that, as Darmstaedter suggests, each man must determine for himself.

Nick Darmstaedter, Commuting All Death Sentences to Life in Prison, 2014, 1972 Olympic torch, Ghost Rider comic book, dimensions variable

Codalunga, o hard core de Nico Vascellari até o dia 17 de janeiro em #Roma | #Take1

2015-01-12T08:00:00.000-02:00

Na iminência de uma nova mudança, a necessidade de dar fim à papelada acumulada reaparece. Para não perder as referências marcantes, publico aqui o release da exposição de Nico Vascellari que visitei mês passado na Galeria Monitor, em Roma. A exposição vai até o dia 17 de janeiro, portanto quem estiver pela área, ainda dá tempo de ir lá conferir.

Nico Vascellari, Codalunga, 2014, installation view at Monitor, Rome

Nico Vascellari

Codalunga

Opening October 30th 2014 | 7-9 PM

The first collaboration between Nico Vascellari and MONITOR took place in 2005, with a performance aboard a coach carrying some fifty people that included curators, collectors and journalists from Rome's art scene at the time. The onboard screens of the vehicle showed one of the artist's best-known videos, the powerfully visionary A Great Circle. Dressed as in the video, Vascellari sang the soundtrack whilst striding over the startled passengers, as the coach sped from the Galleria Nazionale d'Arte Moderna to Porta Pinciana and down Via Veneto, pulling up once more at the steps of the Galleria Nazionale at precisely the moment in which the video ended.

Nico Vascellari, Autoritratto HCVV, 2014, neon, varnish, 120 x 160 cm, installation view at Monitor, Rome

That same year Vascellari decided to open part of his studio in Vittorio Veneto to the public, drawing up a programme of experimental visual and sound events. The space was named Codalunga, like this show of Vascellari's work.

Over the decade that was elapsed since its founding, CODALUNGA has become an international reference point, an experimental platform that has hosted , among others, artists such as Diego Perrone, Roberto Cuoghi, Bjorn Copeland, Ari Marcopulos, Dominique Fernow, Arto Lindsay, John Duncan, Charlemagne Palestine, Mat Brinckman and Phil Niblock.

Vascellari himself refers to Codalunga as "a constantly evolving sculpture", and in this sense the place is a 'fast lane' towards entering and understanding the complex stratifications that make up this artist's research. The works on display will in fact revolve around those cardinal concepts that encapsulate Codalunga, Monitor's specular exhibition space providing an equally shared stage, with on the one hand works whose genesis is closely tied up with the space he created in northern Italy and, on the other, pieces from his latest production that are of a more private and personal nature.

Vascellari's solo show is the pondered, mediated result of a decade of development brought about by constant and tenacious work on behalf of this artist, to whom Monitor is pleased to pay a throughly deserved tribute.

Nico Vascellari, Into the Infinity of Thoughts, 2014, two wooden elements, framed, 122 x 182 cm each,
installation view at Monitor, Rome

Nico Vascellari, Untitled, 2014, acrylic and pen on paper, 72 x 47 cm framed

Simultaneously with the exhibition by the artist at MONITOR, Codalunga will move to the Ex Aula Bunker presenting a series of events with the participation of, among the other, Marina Abramovic, Arto Lindsay, William Basinski, Andrea Lissoni, Prurient, Luca Lo Pinto, Vatican shadow, Ron Morelli, Fabio Quaranta, Antonio Grulli. Throughout the month Nico Vascellari will be followed by cameras of Sky Arts, that will dedicate a documentary to Nico Vascellari and Codalunga.

Until January 17th 2015

Nico Vascellari, Codalunga, 2014, installation view at Monitor, Rome

Nico Vascellari, 07-09.11.14 Invernomuto (con Marsèllerie)+Nico Vascellari+Von Archives,
collage on glass, wooden framed

Nico Vascellari, 10.5.14 Le Luci della Centrale Elettrica, collage on glass, wooden framed, 37 x 28 cm

Nico Vascellari

(Vittorio Veneto, 1976, lives and works between Vittorio Veneto and Madrid).

Solo shows (selected): Whitworth Art Gallery, Manchester (upcoming 2015); GNAM, Roma (upcoming 2015); Codalunga, Monitor Rome; Officina, Bruxelles (2014); Bugada & Cargnel, Parigi (2012); Monitor, Roma (2011); MAN, Nuoro (2007); Arratia Beer, Berlin (2007); Skuc, Lubljana (2006); Viafarini, Milano (2006); Spazio Lima, Milano (2005).

Group shows (selected): Beyeler Foundation, Basel (2014); Riga Art Space, Riga (2014); ZKM, Karlsruhe (2014); SongEun Artspace, Seul, Korea (2014); La Casa Encendida, Madrid (2013); Galeria Raquel Arnaud, São Paulo (2012); VW, Berlin (2011); Confort Moderne, Poitiers (2011); MAK, Vienna (2011); Hangar Bicocca, Milano (2011); Pinchuk Art Centre, Kiev (2010); Magasin, Grenoble (2010); EACC, Castellò (2010); 12a Biennale di Architettura, Venice (2010); Wysing Art Centre, Cambridgeshire (2010); Mart, Rovereto (2010); Gamec, Bergamo (2010); Fondazione Pomodoro, Milan (2010); Julia Stoschek Foundation, Dusseldorf (2009); Whitworth Art Gallery, Manchester (2009); Kunsthaus, Graz (2009); Manifesta7, Rovereto (2008); Mambo, Bologna (2008); 15ª Quadriennale di Roma, Rome (2008); Maxxi, Rome (2007); 52ª Biennale di Venezia, Venezia (2007); Galleria Civica di Trento, Trento (2005).

Monitor

Via Sforza Cesarini 43a-44 I - Rome Ph 0039.06.39378027

monitor@monitoronline.org

www.monitoronline.org

Último dia para conferir a exposição Pure Love, de Gabriele Porta, na Galeria Federica Schiavo, em Roma

2015-01-10T08:00:00.001-02:00

Dando prosseguimento ao compartilhamento da viagem à Roma, segue o material relativo à exposição "Pure Love", de Gabriele Porta, que acontece até hoje na Galeria Federica Schiavo, em Roma.

A exposição reúne oito trabalhos do artista italiano em torno dos temas amor, sexo e morte. Particularmente inquietante é o video Untitled (My Wedding Will Be A Funeral), de 2014, realizado a partir de um filme amador queniano, encontrado pelo artista nos arquivos da BBC, em Londres. O filme apresenta cruamente um ritual violento que o título do trabalho vincula ao tradicional regime matrimonial de conjugalidade.

Gabriele Porta. Untitled (My Wedding Will Be A Funeral), 2014
video low fi, loop, no sound, 5 min 55 sec

A tensão erótica entre a projeção e os demais trabalhos, indicada no press release abaixo, é extremamente bem construída pela montagem dos trabalhos nas três salas de exposição, no escritório e no corredor da galeria. A chegada à sala dois (a última que visitei), onde o vídeo citado está instalado, nos força a ressignificar tudo o que vimos nas demais salas (sobretudo a série de trabalhos sobre papel da sala 3, que leva o mesmo título do vídeo). No caminho de volta até a saída da galeria vemos os trabalhos diferentemente, o que parece indicar a potência plástica e significativa da produção deste jovem artista.

Gabriele Porta. The Long Impurification Has Begun, 2014
enamel on mdf board, walnut wood, 142,5 x 189 x 4 cm (142,5 x 92 x 4 cm each)

PURE LOVE
GABRIELE PORTA

21 November 2014 - 10 January 2015
Opening Reception, Friday 21 November, H 6:00-9:00 PM
Federica Schiavo Gallery, Piazza di Montevecchio 16, Rome

Federica Schiavo Gallery is delighted to present Pure Love, Gabriele Porta's first solo show in Rome. The exhibition is built around three main themes: love, sex and death, within the artist develops a wide range of shades such as tenderness, pornography, the cult of death.

In Porta's work these issues present the eternal dualism between opposites that however do not entail a real contrast but a mutual completion and it leads to a new territory where the visitor will experience a continuous oscillation between pleasure and disgust.

The exhibition includes a video on a monitor, a video projection, a new series of paintings on board, prints and drawings on sandpaper.

The cornerstone of the exhibition - even though decentralized in the gallery's space - is the connection of the video projection My Wedding Will Be A Funeral, a cruel amateur film shot in Kenya, to a series of works on paper whose lightness creates a powerful and disturbing contrast with the content of the video.

Gabriele Porta. Untitled (My Funeral Will Be A Wedding), 2014
spray paint on arches paper, glitter, 51 x 35,5 cm (framed: 60 x 44,5 x 4 cm each)

The show Pure Love is prohibited to minors under the age of 18.

Gabriele Porta. Untitled (The Last Thought In Kids Lives Is Love), 2014
print on aluminum pet, spray paint, 62 x 42 cm each (framed: 72,5 x 52,7 x 4 cm each)

Gabriele Porta. Untitled (The Amazing Love In Someone Who Does Not Believe In The Possibility Of Genocide), 2014
print on sandpaper, fluo enamel, 28 x 21cm each (framed: 35,5 x 28,5 x 3 cm each)

Gabriele Porta was born in Monza in 1981. He lives and works in Arcore, Italy. After his studies at the Brera Fine Arts Academy in Milan, 2004, he won a scholarship at the Slade School of Fine Art - UCL of London where he had his MA Master Degree in Fine Arts Media in 2007. The artist has participated in many group exhibitions in Italy including The Milky Way, Galleria Lia Rumma, Naple 2014 (promoted by Pianoterra Onlus); La fioritura del bambù, Viafarini DOCVA, Milan 2009; The Inner Emotion of Being Alive, Federica Schiavo Gallery, Rome 2009. His work was exhibited in many european cities: London, UK; Paris, France; Locarno, Switzerland; Reyjavik, Iceland.

SMALL Rome, curada por Adam Carr, na Galeria Frutta (Roma)

2015-01-08T14:22:00.002-02:00

Nas minhas andanças por Roma no mês passado, auxiliado pelo Artguide, visitei pela primeira vez a galeria Frutta, onde é possível, até o dia 24 de janeiro, ver a bela exposição Small Rome, curada pelo inglês Adam Carr.

SMALL Rome, 2014, Installation View, Frutta

A exposição, na contramão da monumental cidade de Roma e do imperativo espetacular que insiste em se instalar no mercado da arte contemporânea, é um elogio do pequeno, do menor. Lupas são disponibilizadas logo na entrada da galeria e são a metáfora perfeita do tipo de atenção que a exposição demandará do público (além de serem realmente úteis para a leitura dos créditos das obras, em tipologia minúscula).

SMALL Rome, 2014, Installation View, Frutta

Nada de maravilhamento com o monumental, nada que componha um bom selfie. É preciso chegar perto, abaixar-se, ter cuidado para não pisar nas obras que, por vezes, são quase invisíveis, como é o caso do trabalho de Amanda Ross-Ho, que consiste em quarenta taças de vinho de 1,6 cm cada espalhadas em pequenos conjuntos por toda a galeria.

Amanda Ross-Ho, Untitled Opening (NOIR AND BLANC), 2014,
Forty 1:12 Scale Glass Wine Glasses, Pigmented Resin, 1,6 cm

Mas Small Rome oferece mais do que a virtuose técnica da produção do minúsculo (uma nanoarte?). A exposição apresenta uma economia material e gestual que não corresponde a uma pobreza argumentativa e/ou plástica. Temos a oportunidade de experimentar uma reversão do consumo ligeiro da arte, na medida em que os trabalhos expostos nos demandam um tipo de atenção e cuidado que nos instala em uma temporalidade cada vez mais difícil de ser encontrada nos cenários urbanos contemporâneos.

A poucos minutos do Coliseum, pode-se experimentar essa outra Roma, menor sem dúvida, mas onde os paus de selfie dão lugar às lupas, e onde o reconhecimento da paisagem exaurida pelo turismo dá lugar às descobertas do investigador atento.

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SMALL Rome
curated by Adam Carr
17 December 2014 - 24 January 2015

Artistas: Jacqueline Bebb, Nina Beier, Adam Broomberg and Oliver Chanarin, Sol Calero, James Clarkson, Susan Collis, Gabriele De Santis, Jason Dodge, Sean Edwards, Tim Foxon, Ryan Gander, Ditte Gantriis, Mario Garcia Torres, Gareth Griffith, Brian Hubble, Dean Hughes, David Keating, Chosil Kil, Jonathan Monk, John Henry Newton, Alek O., Joe Orr, Wilfredo Prieto, Laura Reeves, Amanda Ross-Ho, Andreas Slominski, Mateo Tannatt, Mungo Thomson, Oliver Tirre, Santo Tolone, Brent Wadden, Bedwyr Williams, Jesse Wine

Frutta

Via Giovanni Pascoli, 21

00184 Roma

Italy

+39 06 68210988

info@fruttagallery.com

www.fruttagallery.com

Not Another Public Process - take one

2014-12-07T08:41:00.000-02:00

Essa semana inaugurou no Upper Lab, um espaço independente aqui de Bergamo, a exposição "Not Another Public Process", resultado de uma colaboração com a Rajatila Gallery (Finlândia).

Segue o texto do take one - como não posso acumular papel por aqui, vou compartilhando aqui e mandando a papelada pra reciclagem ;-):

Not Another Public Process
Upper Lab 4-20.12.2014
Open from monday to saturday between 4pm. to 6pm.

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Exhibition Not Another Public Process starts from a fictional quote that could have been stated by different fictional characters in the current political and societal climate. Contemporary forms of combinations of activist and visual art have challenged political processes and democratic societies. Art has changed how we understand public and media space and the limits of it. "Not Another Public Process" have been stated by a frustrated politician getting tired of artistic activism.

On the other hand, current parliamentary democratic institutions and the public space connected to them have been under heavy criticism. Problems occurring in democratic institutions caused for example the forming of the Occupy movement. "Not Another Public Process" have been stated on the Taksim square or on Occupy Wall street in frustration towards bourgeois and mainstream public space.

Exhibition sets a contexts trough this two-fold frustration for artistic and activist approaches to public space in Finland and contemporary ways of understanding gallery space as public space trough artistic practices. In core of the publicness is narratives mixing fact and fiction on how publicness and democratic process enables us to claim for better conditions for the future. Artistic practices and media tactics narrate and produce utopian and fictive possibilities to state and experience new ways of being in public with others.

Participant artists are Timo Bredenberg, JP Kaljonen & Johanna Raekallio, Anne Lehtelä, Heidi Saramäki, Jukka Silokunnas and Teemu Takatalo.

Exhibition is realized in the context of the collaboration between artist-run Rajatila Gallery at Tampere Finland and Upper Lab at Bergamo, Italy. It is curated by Jussi Koitela. As another part of the collaboration is exhibition organized by curator Emanuele Meschini and artists from Upper Lab at Gallery Rajatila June 2015. Exhibition is supported by Frame Visual Art Finland and Arts Promotion Centre Finland.

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Artists/Works

Open space

Timo Bredenberg
I, Cloud, video game, 2014

Anne Lehtelä
Untitled, installation, 2014

Jukka Silokunnas
Act of Playing, intervation, racket, tennis ball, chain, 2014

Gallery Space

Heidi Saramäki
Bergamo Addiction, installation, 2014

Middle Space

Teemu Takatalo
The Gospel of the Enlightened Consumer, video essay, 2012

JP Kaljonen & Johanna Raekallio
Dublin 2, experimental documentary, 2012-2014

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Screening & Discussion

Upper Lab 5.12. 8.30 pm.

Teemu Takatalo
The Gospel of the Enlightened Consumer

JP Kaljonen & Johanna Raekallio
Dublin 2
Discussion with artists

"Pensamentos e Práticas Curatoriais na Esfera Contemporânea", novo workshop no Largo das Artes

2014-10-30T09:00:00.000-02:00

O Largo das Artes tem o prazer de apresentar seu mais novo workshop: "Pensamentos e Práticas Curatoriais na Esfera Contemporânea". Ministrado e coordenado pelo curador Bernardo José de Souza, este workshop propõe a investigação do pensamento curatorial a partir de uma serie de debates sobre algumas das principais questões a se imporem no horizonte crítico contemporâneo e da discussão acerca de projetos expositivos específicos, tais quais bienais e mostras coletivas que ocorreram nos últimos anos.

Uma das características da contemporaneidade é a relativização do presente em decorrência, por um lado, do constante diálogo com o passado, mediante a revisão histórica, e, por outro, com o futuro, através da construção de cenários provisórios ou ficcionais . Alçad o à categoria de período histórico - especialmente no contexto da história da arte - o termo contemporâneo apresenta significativos desafios ao curador que pretende não apenas dar conta da produção artística atual , mas também lançar nova luz sobre a história da arte e das manifestações culturais e políticas transcorridas no passado. A inexistência de marcos absolutos na contemporaneidade , quer sejam ideológicos, programáticos ou econômicos, vis a vis o esfacelamento das utopias divisadas ao longo do século XX, faz do futuro plataforma ideal para a elucubração de novos mundos, estética e politicamente em constante mutação.

Partindo das leituras e debates promovidos pelo workshop, pro jetos de curadoria serão desenvolvid os mediante acompanhamento e orientação conceitual e técnica. Eixos temáticos apresentados preliminarmente pelo coordenador do curso, ou mesmo pelos próprios alunos, serão explorados de maneira crítica sob a perspectiva das práticas curatoriais em arte contemporânea . Orientações individuais ou em grupo serão realizadas visando a estrutura ção de projetos expositivos que ao final do workshop possam vir a ser executados.

Carga horária: 20 horas

Quando: de 6 de novembro a 9 de dezembro de 2014 (ver programação das aulas abaixo)

Valor: R$ 1.000 (em até 2 vezes)

Local: Largo das Artes (Rua Luis de Camões, 2 - Centro - Rio de Janeiro, RJ)

Inscrições: pelo telefone (+ 55 21 2224 2985) ou por email (largodasartes@gmail.com)

* Vagas limitadas *

PROGRAMA

Aula 1

Quinta dia 6/11, 19 hs

a) Introdução ao workshop e apresentação de breve histórico da prática curatorial e de exposições seminais realizadas no século XX .

b) Apresentação de algumas ideias norteadoras do pensamento curatorial contemporâneo.

c) Comentário sobre a bibliografia indicada, estruturação do seminário e apresentação do processo de desenvolvimento das propostas curatoriais a serem desenvolvidos individualmente ou em grupo.

Aula 2

Terça dia 11/11, 19 hs

a) Apresentação do projeto curatorial da 9 ° Bienal do Mercosul | Porto Alegre - "Se o clima for favorável".

b) Debate sobre o projeto apresentado e reflexão acerca dos textos recomendados.

Aula 3

Quinta dia 18/11, 19 hs

a) Apresentação do projeto curatorial da mostra "to see what is coming".

b) Debate sobre o projeto apresentado e reflexão acerca dos textos recomendados.

Aula 4

Terça dia 20/11, 19 hs

a) Seminário sobre pensamento curatorial contemporâneo a partir da bibliografia indicada + debates sobre as ideias apresentadas.

b) Conversa com o curador Bernardo Mosqueira.

Aula 5

Sábado dia 22/11, 10h30

a) Apresentação preliminar das ideias e projetos curatoriais a serem explorados conceitualmente e desenvolvidos, individualmente ou em grupo, durante o workshop.

b) Conversa com a curadora Sofia Hernandez Chong Cuy

Aula 6

Dias 26 ou 27/11, 19 hs

Orientação: encontros individuais com o curador para acompanhamento e discussão dos projetos expositivos (1 hora por projeto).

Aula 7

Dias 2 ou 3/12, 19 hs

Orientação: encontros individuais com o curador para acompanhamento e discussão dos projetos expositivos (1 hora por projeto).

Aula 8

Terça dia 9/12, 19 hs

a) Apresentação final das propostas curatoriais para o grande grupo.

b) Sessão comentada dos projetos finais.

BERNARDO JOSÉ DE SOUZA - BIO

Bernardo José de Souza é curador, professor universitário e colaborador de publicações sobre arte e cultura visual. Foi curador do espaço na 9º Bienal do Mercosul | Porto Alegre, em 2013, e coordenador de cinema, vídeo e fotografia da Secretaria de Cultura de Porto Alegre entre 2005 e 2013. Desde então, atua de forma independente, integrando o time de curadores do 19° Festival de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil e desenvolvendo projetos para o Largo das Artes, no Rio de Janeiro, e para o Instituto Ling, em Porto Alegre. Bacharel em Comunicação Social pela Pontifícia Universidade Católica do Rio Grande do Sul e especialista em fotografia e moda pel a University of the Arts London , é membro dos conselhos curadores do Museu de Arte Contemporânea do RS e da Fundação Vera Chaves Barcellos.

SOBRE OS CURADORES CONVIDADOS

Sofía Hernández Chong Cuy é curadora de arte contemporânea para a Coleção Patrícia Phelps de Cisneros (CPPC), cargo que ocupa desde 2011. Na última década, Sofia foi diretora do Museu Tamayo, na Cidade do México. Foi curadora de exposições para a Kadist Art Foundation, em Paris; MALBA, em Buenos Aires; Centro de Arte Contemporânea de Vilnius, na Lituânia; e MUSAC, em León. Sofía trabalhou como agente da dOCUMENTA (13), de 2012, em Kassel e foi diretora artística e curadora geral da 9ª Bienal do Mercosul | Porto Alegre, em 2013. Escreve regularmente para catálogos de exposições, revistas e publicações do gênero, além de manter um blog pessoal em: http://blog.sideshows.org/

Bernardo Mosqueira é membro da Comissão Curatorial da Galeria de Arte IBEU desde 2011; lecionou na Escola de Artes Visuais do Parque Lage; participou de residências no Brasil e no exterior; recebeu o prêmio-residência V::E::R, como crítico/curador, em Terra Una, MG (2011); foi premiado no 1º Laboratório Curatorial da SP-Arte; realiza de forma independente e anualmente o festival de performance “Vênus Terra” desde 2010. É escritor e foi responsável por mais de 40 curadorias, entre elas: “Liberdade é pouco. O que desejo ainda não tem nome” (RJ, 2010); “Quase Casais” (EIC Maus Hábitos, Porto, Portugal, 2010); “Sem Título # 1: experiências do pós-morte” (Galeria Oscar Cruz, SP, 2011); “E os Amigos Sinceros Também” (Galeria de Arte Ibeu, RJ, 2012); “Trepa-Trepa no Campo Expandido” (SP,2012); “Conexiones” (Hoy en el Arte, Buenos Aires, Argentina, 2013); “Tronco” (Casa França-Brasil, RJ,2013); e “primeiro estudo: sobre amor” (Galeria Luciana Caravello, RJ, 2014). Atualmente, entre outros, desenvolve projetos para MANA Contemporary (Jersey City, Estados Unidos) e Solyanka VPA (Moscou, Rússia) e é diretor do Prêmio FOCO Bradesco ArtRio.

Mais informações:

Frederico Pellachin

ou Consuelo Bassanesi

pelo telefone: (21) 2224-2985

ou pelo e-mail: largodasartes@gmail.com

Jornada "As Conferências de Foucault no IMS". O IMS, a Saúde Coletiva e o Brasil 40 Anos Depois

2014-10-29T03:15:00.000-02:00

Em 1974, em plena ditadura midiatica-empresarial-militar, o recém-nascido Instituto de Medicina Social convida Michel Foucault, um dos mais importantes intelectuais em atividade, para um conjunto de palestras.

A encomenda: comentar o bombástico livro de Ivan Illich, "Nêmesis da medicina - a expropriação da saúde".

Foucault foi além, esboçando a história da medicalização na Europa.

Hoje, 40 anos depois, continuamos lutando para democratizar nossa sociedade, para construir um sistema de bem-estar social, contra a medicalização e/ou mercadorização da saúde.

Convidamos todxs interessadxs para pensar criticamente as diferenças e semelhanças entre ontem e hoje, do IMS, da saúde coletiva e do Brasil, tendo os 40 anos das palestras de Foucault como ocasião.

* 4/11/2014

09h00 Conferência de Abertura

______Madel Luz

Mediador: Leandro Gonçalves

10h45 Mesa-Redonda:

Foucault, Reforma Psiquiátrica e o IMS

______Heliana Conde

______Joel Birman

______Martinho Braga

Mediadora: Gabriela Barreto

14h00 Mesa-Redonda:

Foucault, Direitos Sexuais e Saúde Coletiva

______Alain Giami

______Kenneth Camargo Jr.

______Maria Luiza Heilborn

Mediadora: Anacely Costa

16h15 Conferência:

______Vera Portocarrero

Mediador: Arthur Lobo Costa Mattos

18h00 Debate aberto:

Manifestações, conservadorismo:

relações de poder no Brasil de hoje, com ou sem Foucault

Esta atividade faz parte dos eventos de comemoração dos 40 anos do IMS, que culminará numa série de atividades na semana de 10 à 14 de novembro de 2014.

Instituto de Medicina Social

Rua São Francisco Xavier, 524, 6º e 7º andar, blocos D e E

3rd International LAVITS Symposium: Surveillance, Tecnopolitics, Territories | III Simpósio Internacional LAVITS: Vigilância, Tecnopolíticas, Territórios

2014-10-27T15:53:00.000-02:00

III Simpósio Internacional LAVITS: Vigilância, Tecnopolíticas, Territórios

13 – 15 de Maio, 2015. Rio de Janeiro, Brasil

Chamada de Trabalhos (PT/EN/ES):

http://lavitsrio2015.medialabufrj.net/normas-para-submissao/

Principais Datas:

Submissão de resumos
até 15 de novembro de 2014
Divulgação de resumos aprovados
10 de fevereiro de 2015
Envio dos artigos completos
até 30 de março de 2015

Site do evento:

http://medialabufrj.net/2014/10/midias-sociais-e-a-construcao-da-identidade-de-protestos/

Sobre o Simpósio:

As modulações da vigilância estão hoje atreladas a uma rede extremamente heterogênea de elementos atuantes em múltiplas escalas. Aparatos de vigilância de massa, como os revelados por Edward Snowden, conectam Estados e corporações; agências de segurança nacional e dados pessoais na Internet; espionagem de chefes de Estado e interesses de mercado; guerra ao terror e empresas do Big Data.

Tais dinâmicas da vigilância contemporânea nos levam a retomar a noção de território segundo diferentes níveis de questionamento. Discutir o território nesse contexto é também definir as condições de existência de indivíduos, instituições, corpos e subjetividades. Territórios informacionais, urbanos, subjetivos, da produção ampliada de valor, do comum, entre outros, são ora zona privilegiada, ora zona de resistência às estratégias da vigilância e do controle. Ao mesmo tempo, ações e reflexões no plano tecnopolítico vêm criando um campo fértil de táticas que contestam tais estratégias e exploram outros modos de habitar e agir coletivamente nas redes sociotécnicas contemporâneas.

Vigilância, Tecnopolíticas e Territórios constituem assim a tríade de problemas que compõem o III Simpósio Internacional da Rede Latino-americana de Estudos em vigilância, tecnologia e sociedade/LAVITS, a ser realizado entre 13 e 15 de maio de 2015 no Rio de Janeiro. Tríade que afeta especialmente esta cidade, no interstício de uma série de megaeventos que deixam como legado uma expressiva e renovada gama de tecnologias de segurança e vigilância. Além disso, o Brasil e outros países latino-americanos vivem um ciclo de lutas e protestos em que a cidade e as redes de comunicação distribuída ocupam um lugar decisivo, tornando fundamental a reflexão sobre vigilância, tecnopolíticas e territórios em escala global e local.

Convidamos pesquisadores, professores, ativistas e artistas a submeter resumos de trabalho ao III Simpósio Internacional LAVITS que, no âmbito de sua temática geral, propõe debater os seguintes temas-chave:

Big Data, vigilância e tecnopolítica
Vigilância, protestos políticos e manifestações urbanas
Megaeventos e vigilância
Web, Deep Web e Internet das Coisas: rastreamento e vigilância
Ativismo e contra-vigilância: criptografia, hacktivismo, tecnopolíticas
Práticas artísticas e estéticas da vigilância
Trabalho e Vigilância
Corpo, afeto e vigilância
Identificação, biometria e vigilância
Cidades inteligentes e vigilância algorítmica
Vigilância móvel e wearable: drones, GPS, smartphones, câmeras integradas etc.
Privacidade, dados pessoais e controle da informação
Vigilância e práticas de consumo
Tecnologias de auto-monitoramento e controle
Histórias, memórias e arquivos da vigilância
Regulação da vigilância e proteção de dados na América Latina
Snowden, NSA e vigilância de massa: impactos na América Latina
Vigilância e ditadura militar na América Latina
Mercado da vigilância na América Latina: conexões público-privado
Vigilância e Tecnopolítica na América Latina: conceitos, metodologias e estudos de caso
Controle social, território e vigilância na América Latina

Sophie Ko Chkheidze I - Tradução do texto de apresentação da exposição

2014-09-30T09:37:00.001-03:00

No último sábado, dia 27, estive em Brescia para conhecer a cidade e visitar a abertura da exposição de Sophie Ko Chkheidze, na A+B Contemporary Art. O trabalho de Sophie Ko é muito inspirador, pois repercute uma série de questões bastante contemporâneas, com destaque para a sobrevivência das imagens e os novos regimes cronotópicos agenciados pela arte contemporânea. Achei o texto disponibilizado pela galeria super bonito e bastante elucidativo da poética desenvolvida por Sophie Ko na série Geografie temporali. Enquanto não finalizo minha crítica da exposição, compartilho uma tradução ao português do take one (de autoria não identificada) da exposição.

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"Geografia Temporale (pala d'altare)" pigmento, 245x145cm, 2014.

Pela primeira vez, o espaço da Galeria A+B de Brescia é aberto para acolher uma exposição individual de Sophie Ko Chkheidze (Tbilisi, 1981), artista georgiana que vive e trabalha em Milão. A exposição é acompanhada do texto ad hoc “Finis initium”, do filósofo Federico Ferrari, em 100 impressões numeradas, com uma intervenção da artista sobre cada cópia.

Nesta individual de Sophie Ko apresenta-se a Pala d’altare composta de três painéis, a tetralogia Delle stelle fisse, além de duas obras de pequenas dimensões intituladas Titani e Grembo. Todas estas obras de Sophie Ko – exceto o Grembo, que é um resto não queimado – são Geografie temporali, ou seja, quadros feitos de cinzas de imagens queimadas ou de pigmento puro que constituem o resultado da reflexão da artista sobre as imagens. Há alguns anos, a obra de Sophie Ko centra-se no significado das imagens na nossa vida, no seu valor para o conhecimento, na relação entre imagem e tempo, entre imagem e memória, no valor da imagem do passado. A Geografie temporali, pela força expressiva e pela essencialidade da potencia figurativa, entra em diálogo com os grandes mestres do Renascimento.

A cinza como metamorfose da imagem

As imagens vivem no tempo, não são testemunhas silenciosas; as imagens desaparecem, retornando no tempo e sobrevivendo ao tempo. As imagens trazem consigo um tempo próprio: as imagens falam do tempo em que vivem, mostram-nos o seu desaparecimento, a sua resistência dura ou mesmo um glorioso renascimento na fúria destrutiva da história. No entanto o nosso tempo, como “sociedade do espetáculo”, impõe-se por uma produção hipertrofiada de imagens e é, ao mesmo tempo, o mais cego deles, incapaz de manter uma relação que possa ir além do mero consumo niilista de imagens. Como escreve Federico Ferrari em Finis initium “a cinza é o que resta, aquilo que nos resta” de toda a tradição de imagens do passado. E como observa Ferrari, Pala d’altare, Delle stelle fisse, Titani e Grembo são comparáveis à nossa relação comum com as imagens feitas de “niilismo passivo”, de incapacidade de “conservar as próprias cinzas”, uma forma de pietas.

Uma pietas pelas imagens

A Geografie temporali, portanto, é uma forma de pietas para com as imagens, em direção a nossa história, em direção ao nosso tempo. É a partir destas cinzas – a partir deste nada a que se destina a vida das imagens – que surgem no nosso tempo, que nasce a Geografie temporali, obra que toma forma a partir do resto não queimado das imagens, das cinzas das imagens queimadas. Fogo e cinzas testemunham a destruição das imagens e, ao mesmo tempo, são o que tornam possível a existência da própria imagem. Do fogo nascem as imagens, as cinzas das próprias imagens tornam-se o corpo e a alma de uma imagem ainda não vista, cuja história ainda não está escrita, mas apenas iniciada. A Geografie temporali tenta parar o instante em que a imagem do passado continua a arder, insiste em querer exprimir um sentido, continua a viver, não obstante o consumo em série das imagens, não obstante seu consumo sistemático. A queima da imagem é o que traz a vida passada ao presente, é o crescimento da vida além de qualquer destruição. O fogo é tanto a força destrutiva, quanto a capacidade de resistência que a imagem testemunha pelo preço da própria vida. Assim, a Geografie temporali são novas imagens, feitas de formas mutantes e móveis dos restos não queimados das imagens. As cinzas das imagens queimadas são o fim de uma imagem, mas também um novo começo: a matéria, a cor traça uma “iconografia do não visto” (F. Ferrari), mais uma vez uma imagem que tem um significado para a vida, um retorno à dimensão essencial e elementar da própria imagem. “Não há um fim possível, mas apenas metamorfose sem fim”, observa Federico Ferrari, no texto que acompanha a Geografie temporali.

Perder a durabilidade para ganhar peso

Esta metamorfose infinita das imagens vive na Geografie temporali, que está em contínua e imperceptível transformação. A Geografie temporali é relógio, é clepsidra, símbolos caros à primeira natureza morta, à própria Vanitas, ao próprio Memento mori. Com o passar do tempo a composição do quadro muda, as cinzas caem, o tempo marca sua passagem, mas o tempo que uma Geografie temporali mede com a própria força de sua queda não é apenas o tempo da destruição, do exaurir da vida. A simbologia a que a ampulheta remete, de fato, é dupla: de um lado indica o inexorável terminar da vida, de outro concede ao homem o tempo da meditação, da profundidade, da arte, do ócio; à medida que cresce a areia no fundo da ampola inferior, assim a vida toma forma no seu escorrer, no seu relacionar-se com as forças naturais sem se anular. A Geografia temporali mostra-nos como o tempo perde durabilidade para ganhar peso. Assim o sentido da imagem não se consome. A Geografie temporali coloca em cena essa relação entre tempo e imagem feita de pressão e de destruição do tempo sobre a imagem, mas também de formação, profundidade, renascimento com respeito à fúria destruidora do tempo. A Geografie temporali traz à luz que as imagens não apenas estão sujeitas ao tempo, mas marcam o tempo, dando a ele uma forma, conduzindo-o à visibilidade, dando uma direção ao nosso olhar. Federico Ferrari escreve: “Um espanto sem fim diante de um início que não para de iniciar, a cada instante, aqui e agora, no esplendor da cor, na minhas palavras, nos teus olhos”.

MNEMÓPOLIS: big data, imagens sobreviventes, memórias insurgentes | projeção de lançamento do Atlas #protestosBR, hoje às 19h, no MediaLab.UFRJ

2014-06-11T12:13:00.001-03:00

Hoje teremos a projeção de pré-lançamento do Atlas #protestosBR com as imagens enviadas via ChIPS (Chamada de Imagens Políticas Sobreviventes). Os que ainda não atenderam ao chamado, podem enviar suas imagens aqui e ajudar na montagem deste Atlas.

Abaixo, um brevíssimo texto que escrevi retomando algumas das inquietações que resultaram no projeto.

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No MediaLab.UFRJ, o ano de 2014 começou com um desafio: como pensar/organizar/ver as imagens dos protestos que tomaram as ruas deste país desde junho do ano passado? Em virtude da quantidade e da circulação em fluxos contínuos de tais imagens, inicialmente nos aproximamos das estratégias de visualização de big data (esta grande massa de informação proveniente do desenvolvimento da web, que excede os limites inerentes à cognição humana). Neste sentido, algoritmos são mobilizados para ajudar a visualizar um quadro destas imagens, organizadas a partir de certos padrões de cores ou composição dos quadros ou, ainda, de sua circulação na rede (retweets e compartilhamentos). Em parceria com o Labic, da UFES, realizamos encontros para discutir tais ferramentas e debatermos suas potencialidades e limitações.

Outra referência importante para pensarmos o projeto do Atlas #protestosBR foi o Atlas Mnémosyne, de Aby Warburg. A história da arte proposta por Warburg no começo do século passado foi anacronicamente organizada neste atlas (grandes pranchas nas quais as imagens heterogêneas - fotografias de esculturas, gravuras, selos postais etc - eram montadas a partir da sobrevivência de certos gestos). No dispositivo warburguiano, o intervalo entre as imagens ajudava a vislumbrar um regime de semelhança que sobrevivia ao tempo. Isto o ajudou na formulação de uma história da arte que excedia as noções de estilo e escolas artísticas, e o permitiu avançar com uma leitura das imagens da arte sobre o terreno mais amplo da cultura.

É na tensão entre o fluxo contínuo e o intervalo, que surge o projeto do Atlas #protestosBR, que é baseado na colaboração, através da submissão on-line por qualquer um que tenha interesse, de três imagens dos protestos. Assim, sem a pretensão totalizante de dar conta de todas as imagens dos protestos que circularam na internet, o Atlas #protestosBR configura-se como uma plataforma que constitui uma rede de atores-humanos e imagens (também elas actantes). Mobilizando a memória dos protestos e construindo esta rede colaborativa, a ser publicamente compartilhada na web, o atlas do MediaLab.UFRJ é uma experiência mobilizada por uma aparente insuficiência das ferramentas já disponíveis para lidar com a novidade das formas de mobilização política que atravessaram os protestos e com o estatuto privilegiado da imagem neste cenário

Hoje é o último dia do Dança em Foco: Festival Internacional de Vídeo & Dança | notas sobre dois programas

2014-06-08T13:51:00.001-03:00

Anualmente, o Dança em Foco: Festival Internacional de Vídeo & Dança ocupa uma série de espaços na cidade do Rio de Janeiro, promovendo conversas/debates e exibindo trabalhos de videodança. Este ano, o Festival começou na Maison de France, ocupou o Museu de Arte do Rio (MAR) por uma semana e se encerra hoje no Teatro Cacilda Becker. Ontem, finalmente, consegui ir ao festival e assisti a dois programas: Curtas internacionais e O legado de Merce Cunningham. Sobre o primeiro programa, cheguei no final do primeiro vídeo El asesinato de lo real (Chile, 2012), mas pude assistir integralmente a Restraint (Reino Unido, 2013) e ...I said you! (Eslováquia, 2013).

O que mais chama a atenção na produção, ainda pouco difundida (mesmo entre o público de dança ou de artes visuais), de videodança é o fato de que se trata de um processo de criação artística que é fundamentalmente "interartes" ou "transartes". Ou seja, não se trata de uma "dança filmada", mas de uma coreografia na qual, além dos corpos dos bailarinos, são contemplados movimentos de câmera, edição e sonoplastia. Nenhum privilégio é concedido à dança ou ao vídeo. A câmera é, também, corpo que dança; a edição é, também, coreografia. Como os diretores do Festival escrevem no texto de apresentação da programação deste ano, trata-se de uma "arte em que a dança é feita de vídeo, e o vídeo é feito de dança".

Restraint, dirigido por John Coombes e coreografado por Lucy Bourne & Antonia di Carlo, apresenta três bailarinas dando corpo a três diferentes personagens, cujos movimentos, embora não sejam sincronizados, parecem desdobrar-se de um "espreguiçar" e encontram limites à expansão infinita que, ora são cordas ou o próprio corpo das bailarinas, ora é a edição do vídeo. O que chama a atenção neste trabalho não é um suposto simbolismo dos gestos cuja leitura caberia ao espectador, mas a forma como a edição paralela, que apresenta as três personagens, constrói uma narrativa, a partir do puro movimento e de suas restrições.

Já ...I said you!, dirigido por Lubica Sopkova e coreografado por Jan Sevcik, é um videodança que se estrutura em dois blocos. No primeiro, em preto e branco, um grupo de homens dança, vestindo preto, sobre um fundo composto por quadrados pretos e brancos, o que promove temporariamente o apagamento dos bailarinos e, a depender da posição da câmera, transforma momentaneamente seus corpos em abstrações. A cuidada composição dos quadros deste primeiro bloco fez lembrar das composições geométricas abstratas que marcaram as artes gráficas modernas. Ao passo que a segunda parte do vídeo, em cores, gravada em um cenário natural, com os mesmos dançarinos usando as mesmas roupas pretas, cria uma atmosfera que remete ao impressionismo. Digo isto pois, neste segundo bloco, aos movimentos dos corpos e das câmeras soma-se uma luz que, menos contrastante do que a que marca a primeira parte do vídeo (preto e branco, quase sem sombras ou cinzas), compõe um quadro que tenta acompanhar o movimento dos bailarinos, à semelhança da relação que o pintor impressionista parece ter com as variações cromáticas provenientes da iluminação natural.

O programa O legado de Merce Cunningham consistiu na exibição de dois trabalhos de Cunningham que, pelas dinâmicas espaciais que apresentam, foram pensados ou recriados para o vídeo. Nos dois trabalhos, o som desempenha um papel crucial. O primeiro, uma comédia, faz uso de uma trilha que atribui um tom cômico aos movimentos, marcando-os, pontuando-os, um pouco como vemos no cinema de um Buster Keaton. O segundo captura e torna audível os sons produzidos pelos próprios movimentos dos dançarinos, as respirações ofegantes, os atritos, as quedas. Esta sonoridade incômoda é tensionada com as belas composições espaço-temporais produzidas pelo deslocamento da câmera de um grupo de bailarinos a outro, do interior ao exterior da locação - a coreografia da câmera redimensiona, divide em camadas, preenche a profundidade de campo lindamente. Além deste trabalho sobre o som e a profundidade de campo, a edição do vídeo intercala imagens de arquivo dos ensaios desta coreografia no desenrolar das imagens que viemos assistindo. Parece haver uma falsa tentativa de construção uma continuidade entre dois momentos de realização do movimento (o ensaio e a apresentação), já que as diferentes materialidades dos registros em vídeo, precária no ensaio e quase transparente na apresentação, curto-circuita e inviabiliza esta continuidade.

Transcritas e desdobradas as breves notas sobre o que vi ontem, desejo vida longa ao Festival e convido a todos que têm interesses artísticos, acadêmicos ou de qualquer ordem nas relações entre corpo e imagem, e aqueles que simplesmente queiram passar uma tarde/noite aproveitando a oportunidade de assistir belos trabalhos em confortáveis pufes, a darem uma conferida no último dia do festival, hoje, a partir das 14h. O Teatro Cacilda Becker fica na Rua do Catete, 338. A programação pode ser acessada aqui.

Chamada para publicação da Revista Eco.Pós | vol. 17.2. Transformações do visual e do visível

2014-05-23T20:56:00.002-03:00

Está aberta, até o dia 20 de junho, a submissão de trabalhos para o segundo número da revista ECO-PÓS, cujo tema é "Transformações do visual e do visível". O periódico aceita trabalhos com autoria de doutores ou em co-autoria com doutores. Mais abaixo, a ementa do dossiê.

Em fluxo contínuo, podem ser feitas submissões para a seção "Perspectivas", que abriga temas livres. A seção "Resenhas" não conta com a restrição de titulação, mas devem ser de títulos com até dois anos de publicação.

O link para submissões é o seguinte: http://www.revistas.ufrj.br/index.php/eco_pos/index

vol. 17.2. Transformações do visual e do visível

Contemplará estudos sobre as transformações da cultura visual e dos regimes de visibilidade nas sociedades moderna e contemporânea, especialmente aqueles que abordem tais dimensões: as mediações tecnológicas e as reconfigurações da experiência visual; o papel dos dispositivos audiovisuais na construção do olhar; os regimes de historicidade da visualidade; o fetichismo da imagem e a cultura do consumo; a crise do real e a espetacularização; as reconfigurações do público, do privado e do íntimo na sociedade da imagem; as articulações dos regimes de visibilidade midiática com modos contemporâneos de subjetivação; os simulacros, a simulação e a hiper-realidade; a impregnação da imagem na vida cotidiana e as possibilidades de transmutação do imaginário em imagens tangíveis; os hibridismos entre imagens e objetos; as narrativas visuais pós-fotográficas; as diferentes estratégias de produção de “efeitos de real” nos discursos imagéticos; o “ao vivo” e o “tempo real” no telejornalismo e em outras performances da imagem; as articulações e tensões entre o ficcional, o jornalístico e o documental; a cultura participativa e os novos produtores de imagens; as imagens da multidão, da massa e do povo; as disputas pela visibilidade na cultura das celebridades; a política de imagens e as imagens da política; os dispositivos midiáticos nos processos de constituição do visível e do invisível; e, também, as imagens de vigilância, seus dispositivos de controle e a constituição de um novo regime de visualidade.

7º Encontro Nacional do GT de Estética da ANPOF - de 27 a 29 de maio, na UFF

2014-05-22T19:20:00.000-03:00

Àqueles que estiverem pelo Rio/Niterói, recomendo vivamente o evento abaixo. Eu não estarei por aqui, mas vou averiguar se alguma publicação resultará do evento e, caso encontre alguma coisa, posto por aqui. A programação completa pode ser acessada aqui.