I Fantastici Quattro – Gli inizi è probabilmente il miglior film Marvel dedicato al quartetto. Non che ci volesse molto a raggiungere questo obiettivo, viste la mediocrità e i flop delle versioni precedenti. Tuttavia, siamo ancora lontani dai fasti e dall’intrattenimento delle prime fasi del Marvel Cinematic Universe e, se vogliamo azzardare un paragone con Superman di James Gunn – che segna un nuovo inizio per la DC – qui di coraggioso c’è ben poco: si sceglie, come sempre, la strada più sicura e meno rischiosa.

L’ambientazione retro futuristica e le interpretazioni del cast

Vale però la pena partire da ciò che funziona in questo reboot dei Fantastici 4. Come nel film di Gunn, viene saltata – fortunatamente – tutta la parte della genesi: chi erano, come hanno ottenuto i poteri, ecc. Questo aspetto viene saggiamente condensato nei primi dieci minuti, lasciando subito spazio a una famiglia già unita e a personaggi ben caratterizzati. La narrazione si concentra quindi sui legami e sulle dinamiche interne, più che sulla semplice esposizione.
L’ambientazione retrofuturista della New York dei primi anni ’60 è realizzata con grande cura e ben intrecciata alla storia, mentre la regia di Matt Shakman, se pur semplice nell’esequzione, offre sequenze visivamente affascinanti, soprattutto quelle ambientate nello spazio.

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Il cast è uno dei punti di forza del film

Vanessa Kirby e Pedro Pascal funzionano alla perfezione e regalano le scene più intense. Il loro litigio, pur restando in superficie purtoppo, tratteggia quasi un ritratto di neurodivergenza di Reed, rendendolo non solo umano, ma anche fallibile nelle sue scelte, spesso in contrasto con la morale comune. Funziona bene anche la scena finale, emotivamente coinvolgente, in cui Reed, Johnny e Ben sembrano arrendersi di fronte alla morte di Sue.

Joseph Quinn ed Ebon Moss-Bachrach si inseriscono senza difficoltà nella trama, ma è proprio nelle loro storyline che emergono i limiti più evidenti della scrittura. Ben Grimm è innamorato di un’insegnante locale (Natasha Lyonne), che sembra disposta a guardare oltre il suo aspetto granitico, mentre Johnny sviluppa una certa attrazione per Silver Surfer (Julia Garner), giunta sulla Terra come emissaria di Galactus. Purtroppo, queste sottotrame finiscono per frammentare la narrazione principale senza aggiungere reale profondità, rimanendo troppo abbozzate. Silver Surfer e il personaggio interpretato da Natasha Lyonne spariscono a lungo dallo schermo, generando nello spettatore una sensazione di caos e incertezza su ciò che sia davvero rilevante ai fini della storia.

La sceneggiatura: il vero tallone d’Achille

Il problema principale del film è la sceneggiatura. La trama appare caotica, slegata e poco fluida, oltre che eccessivamente semplicistica, anche nello sviluppo del conflitto centrale – lo scontro con Galactus e il salvataggio di Franklin. Tutto scivola via troppo in fretta e in superficie: anche quando l’intensità cresce, il ritmo viene subito spezzato da un cambio di scena brusco che vanifica l’emozione, rendendo la visione a tratti frustrante.

Inoltre, il film risulta poco coraggioso nelle scelte narrative. Considerando che è stato scelto un cast composto principalmente da attori drammatici, sarebbe stato saggio affidare loro più materiale in questa direzione: proprio nei momenti di maggiore intensità emotiva il film raggiunge le sue parti più riuscite.
È noto che Matt Shakman avesse girato oltre quattro ore di materiale, ridotto poi a meno di due nella versione finale. Vanessa Kirby stessa ha dichiarato più volte che alcune scene fondamentali, a cui teneva molto, sono state eliminate. Lasciando il dubbio che il cut finale abbia confezionato un’opera piuttosto diversa dal director’s cut. Questa è solo un’impressione, ma resta difficile ignorarla, visto che durante il press tour, questo concetto è stato ripetuto varie volte.

In conclusione, I Fantastici Quattro – Gli inizi è comunque un film piacevole da vedere: un intrattenimento leggero che beneficia di buone interpretazioni e di una scenografia molto curata. Resta la voglia di un sequel che possa approfondire maggiormente i personaggi e le loro psicologie. Certo, con un po’ di coraggio in più avremmo potuto avere non solo un film gradevole, ma un vero buon film.

I Fantastici Quattro – Gli inizi: un film piacevole, ma poco coraggioso. La recensione
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Emmy Awards 2025 nomination: trionfa Scissione, boom di candidature per The Penguin e The White Lotus. Ma non mancano gli snobbati eccellenti

Sono state annunciate le attesissime nomination per la 77ª edizione degli Emmy Awards, il riconoscimento più prestigioso della televisione statunitense. La cerimonia, organizzata come sempre dalla Television Academy, è stata presentata in diretta dal Wolf Theatre di North Hollywood, a Los Angeles, e ha subito acceso il dibattito tra fan e addetti ai lavori.

HBO domina le nomination

A dominare la scena è Scissione (Severance), serie distopica targata Apple TV+, che guida la classifica con ben 27 candidature, confermando l’alto livello artistico e tecnico già premiato nel 2022. Dietro di lei, con 24 nomination, si posiziona The Penguin, spin-off noir ambientato nell’universo di Batman firmato HBO Max. A pari merito sul gradino più basso del podio troviamo The Studio e la terza stagione di The White Lotus, entrambe con 23 candidature.

Se The White Lotus, firmata da Mike White, continua ad accumulare riconoscimenti nonostante una terza stagione accolta in modo meno entusiasta dalla critica. Personalmente stupisce il boom di Paradise (Hulu), che ottiene numerose nomination, tra cui quella per miglior serie drammatica e miglior attore protagonista (Sterling K. Brown), nonostante l’accoglienza tiepida da parte del pubblico e stampa, la serie, infatti, è derivativa di tante altre serie di genere già viste.

Tra le piattaforme, HBO Max si conferma regina indiscussa, con 142 nomination complessive, grazie ai suoi titoli di punta come The Last of Us, The White Lotus, The Pitt e Hacks.

Apple TV+ tiene il passo con produzioni di alto livello, mentre Netflix si fa notare soprattutto nella categoria miniserie con Adolescence, Monsters e l’ormai affermato Black Mirror.

Tra le curiosità, spiccano due nomination dal sapore storico: Kathy Bates, a 77 anni, diventa la donna più anziana mai nominata come miglior attrice protagonista in una serie drammatica (Matlock), mentre Harrison Ford, appena 83enne, conquista una nomination come non protagonista per la sua performance in Shrinking.

Gli snobbati (eccellenti)

Non mancano, però, le grandi assenze. Su tutte, Intervista col vampiro, serie amata dalla critica internazionale ma ancora inspiegabilmente inedita in Italia, viene completamente ignorata nelle categorie principali, ottenendo solo qualche riconoscimento tecnico. Sorprende anche l’assenza di Diego Luna e degli altri interpreti di Andor, nonostante la serie abbia raccolto un buon numero di candidature per regia e sceneggiatura. Al contrario, alcune nomination di Paradise e The White Lotus risultano eccessive rispetto alla qualità delle stagioni proposte.

Quando e dove vedere la cerimonia

La cerimonia della 77ª edizione degli Emmy Awards si terrà nella notte tra il 13 e il 14 settembre 2025, in diretta su Sky e Now, e sarà presentata dal comico statunitense Nate Bargatze.

Sarà una serata all’insegna delle grandi produzioni, delle star internazionali e — come sempre — delle polemiche. Ma per conoscere i vincitori, non resta che attendere il verdetto finale.

Miglior serie drammatica

Scissione (Apple TV+)
Paradise (Hulu)
The Pitt (HBO Max)
The White Lotus (HBO Max)
Andor (Disney+)
The Diplomat (Netflix)
The Last of Us (HBO Max)
Slow Horses (Apple TV+)

Miglior serie comedy

The Studio (Apple TV+)
Hacks (HBO Max)
The Bear (FX)
Abbott Elementary (ABC)
Only Murders in the Building (Hulu)
Nobody Wants This (Netflix)
Shrinking (Apple TV+)
What We Do in the Shadows (FX)

Miglior regia per una serie drammatica

Ben Stiller – Scissione
Mike White – The White Lotus
Jessica Lee Gagné – Scissione
Janus Metz – Andor
John Wells – The Pitt
Amanda Marsalis – The Pitt
Adam Randall – Slow Horses

Miglior regia per una serie comedy

Seth Rogen, Evan Goldberg – The Studio
Lucia Aniello – Hacks
Ayo Edebiri – The Bear
James Burrows – Mid-Century Modern
Nathan Fielder – The Rehearsal

Miglior attore protagonista in una serie drammatica

Noah Wyle – The Pitt
Gary Oldman – Slow Horses
Adam Scott – Scissione
Pedro Pascal – The Last of Us
Sterling K. Brown – Paradise

Miglior attore non protagonista in una serie drammatica

Tramell Tillman – Scissione
Walton Goggins – The White Lotus
Jason Isaacs – The White Lotus
John Turturro – Scissione
Giacomo Marsden – Paradise
Sam Rockwell – The White Lotus
Zach Cherry – Scissione

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Miglior attrice protagonista in una serie drammatica

Kathy Bates – Matlock
Sharon Horgan – Bad Sisters
Bella Ramsey – The Last of Us
Keri Russell – The Diplomat
Britt Lower – Scissione

Miglior attrice non protagonista in una serie drammatica

Katherine LaNasa – The Pitt
Carrie Coon – The White Lotus
Parker Posey – The White Lotus
Patricia Arquette – Scissione
Aimee Lou Wood – The White Lotus
Julianne Nicholson – Paradise
Natasha Rothwell – The White Lotus

Miglior attore protagonista in una serie comedy

Seth Rogen – The Studio
Jeremy Allen White – The Bear
Martin Short – Only Murders in the Building
Adam Brody – Nobody Wants This
Jason Segel – Shrinking

Miglior attore non protagonista in una serie comedy

Ike Barinholtz – The Studio
Ebon Moss-Bachrach – The Bear
Harrison Ford – Shrinking
Bowen Yang – Saturday Night Live
Colman Domingo – The Four Seasons
Jeff Hiller – Somebody Somewhere
Michael Urie – Shrinking

Miglior attrice protagonista in una serie comedy

Jean Smart – Hacks
Quinta Brunson – Abbott Elementary
Kristen Bell – Nobody Wants This
Ayo Edebiri – The Bear
Uzo Aduba – The Residence

Miglior attrice non protagonista in una serie comedy

Janelle James – Abbott Elementary
Catherine O’Hara – The Studio
Hannah Einbinder – Hacks
Liza Colón-Zayas – The Bear
Sheryl Lee Ralph – Abbott Elementary
Jessica Williams – Shrinking
Kathryn Hahn – The Studio

Miglior miniserie o serie antologica

Adolescence (Netflix)
The Penguin (HBO Max)
Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story (Netflix)
Dying for Sex (FX)
Black Mirror (Netflix)

Miglior film per la televisione

Rebel Ridge (Netflix)
Bridget Jones: Mad About the Boy (Peacock)
Mountainhead (HBO Max)
Nonnas (Netflix)
The Gorge (Apple TV+)

Miglior regia per miniserie/film tv

Philip Barantini – Adolescence
Helen Shaver – The Penguin
Jennifer Getzinger – The Penguin
Shannon Murphy – Dying for Sex
Nicole Kassell – Sirens
Lesli Linka Glatter – Zero Day

Miglior attore protagonista in miniserie/film tv

Stephen Graham – Adolescence
Colin Farrell – The Penguin
Cooper Koch – Monsters
Jake Gyllenhaal – Presumed Innocent
Brian Tyree Henry – Dope Thief

Miglior attore non protagonista in miniserie/film tv

Owen Cooper – Adolescence
Javier Bardem – Monsters
Bill Camp – Presumed Innocent
Ashley Walters – Adolescence
Rob Delaney – Dying for Sex
Peter Sarsgaard – Presumed Innocent

Miglior attrice protagonista in miniserie/film tv

Michelle Williams – Dying for Sex
Cristin Milioti – The Penguin
Cate Blanchett – Disclaimer
Meghan Fahy – Sirens
Rashida Jones – Black Mirror

Miglior attrice non protagonista in miniserie/film tv

Erin Doherty – Adolescence
Christine Tremarco – Adolescence
Ruth Negga – Presumed Innocent
Deirdre O’Connell – The Penguin
Jenny Slate – Dying for Sex
Chloë Sevigny – Monsters

Miglior sceneggiatura per una serie drammatica

The White Lotus – Mike White
Scissione – Dan Erickson
The Pitt – R. Scott Gemmill
Andor – Dan Gilroy
Slow Horses – Will Smith
The Pitt – Joe Sachs

Miglior sceneggiatura per una serie comedy

The Studio – Seth Rogen, Evan Goldberg, Peter Huyck, Alex Gregory, Frida Perez
Hacks – Lucia Aniello, Paul W. Downs, Jen Statsky
Abbott Elementary – Quinta Brunson
What We Do in the Shadows – Sam Johnson, Sarah Naftalis, Paul Simms
The Rehearsal – Nathan Fielder e team
Somebody Somewhere – Hannah Bos, Paul Thureen, Bridget Everett

Miglior sceneggiatura per miniserie/film tv

Adolescence – Stephen Graham, Jack Thorne
The Penguin – Lauren LeFranc
Black Mirror – Charlie Brooker, Ella Road
Dying for Sex – Kim Rosenstock, Elizabeth Meriwether
Say Nothing – Joshua Zetumer

Miglior attore guest star in una serie drammatica

Scott Glenn – The White Lotus
Jeffrey Wright – The Last of Us
Shawn Hatosy – The Pitt
Giancarlo Esposito – The Boys
Joe Pantoliano – The Last of Us
Forest Whitaker – Andor

Miglior attrice guest star in una serie drammatica

Jane Alexander – Scissione
Gwendoline Christie – Scissione
Kaitlyn Dever – The Last of Us
Cherry Jones – The Handmaid’s Tale
Catherine O’Hara – The Last of Us
Merritt Wever – Scissione

Miglior attore guest star in una serie comedy

Jon Bernthal – The Bear
Bryan Cranston – The Studio
Dave Franco – The Studio
Ron Howard – The Studio
Anthony Mackie – The Studio
Martin Scorsese – The Studio

Miglior attrice guest star in una serie comedy

Julianne Nicholson – Hacks
Jamie Lee Curtis – The Bear
Cynthia Erivo – Poker Face
Olivia Colman – The Bear
Zoe Kravitz – The Studio
Robby Hoffman – Hacks (HBO Max)

Miglior programma animato

The Simpsons – episodio “Bart’s Birthday”
Bob’s Burgers – episodio “They Slug Horses, Don’t They?”
Arcane – episodio “The Dirt Under Your Nails”
Common Side Effects – episodio “Cliff’s Edge”
Love, Death + Robots – episodio “Spider Rose”

Miglior talk show

The Daily Show (Comedy Central)
The Late Show with Stephen Colbert (CBS)
Jimmy Kimmel Live! (ABC)

Miglior variety show (scripted)

Saturday Night Live (NBC)
Last Week Tonight with John Oliver (HBO Max)

Emmy Awards 2025: Tutte le nomination e gli snobbati
Telefilm Central

La seconda stagione di The Last of Us si è ufficialmente conclusa, e ora che l’emotività ha lasciato spazio alla riflessione, possiamo provare a valutarla nel suo insieme.
È stata una stagione complessa, coraggiosa nelle scelte narrative, ma anche profondamente divisiva.

Per chi non aveva mai giocato al videogioco — e parliamo di una fetta consistente del pubblico televisivo, ben più trasversale rispetto a quello videoludico — l’esperienza è stata particolarmente disorientante.
Il colpo emotivo inferto dalla morte di Joel, già nel secondo episodio, ha rappresentato un brusco cambio di rotta rispetto alla prima stagione, che aveva costruito la sua forza proprio sul legame profondo tra Joel ed Ellie.

È fondamentale fare questa premessa, perché la percezione della stagione cambia radicalmente a seconda del punto di vista: chi conosceva già la storia del gioco sapeva che quel momento sarebbe arrivato — si tratta, di fatto, del fulcro e del motore delle vicende successive.
Chi invece si è avvicinato solo alla serie ha vissuto quella morte come un tradimento, uno shock non annunciato (basta guardare le reaction online per capire di cosa parliamo!).
E questa differenza di prospettiva ha inevitabilmente influenzato anche il modo in cui la stagione è stata accolta e giudicata. C’è da ricordare che accadde qualcosa di molto simile anche all’uscita del secondo gioco.

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La morte di Joel e il vuoto narrativo

Con la scomparsa brutale del protagonista, The Last of Us ha perso, almeno temporaneamente, il suo baricentro emotivo.
Joel ed Ellie erano il cuore pulsante del racconto. Il loro rapporto era cresciuto episodio dopo episodio, generando empatia e coinvolgimento nello spettatore.

Nella seconda stagione, invece, l’effetto è stato l’opposto: anziché un crescendo emotivo, abbiamo assistito a una frammentazione.
Gli episodi centrali — il 3, 4 e 5, eccezion fatta per il flashback finale (guarda caso, con Joel) — non sono riusciti a replicare l’intensità della stagione precedente.
L’elaborazione del lutto è apparsa affrettata, e l’introduzione della relazione con Dina, pur importante, è sembrata stonata nei tempi e nei modi.

Un cortocircuito emotivo e narrativo

Non è colpa di Bella Ramsey né di Isabela Merced: entrambe offrono interpretazioni intense e credibili.
Il problema risiede nella scrittura: la sceneggiatura ha generato un vero cortocircuito.
Mentre lo spettatore cercava di metabolizzare la perdita di Joel, la narrazione spingeva in avanti — troppo in fretta — con nuove storyline, relazioni e tematiche, tutte però affrontate in modo troppo superficiale. Il risultato?
Molti spettatori sono rimasti emotivamente distaccati, aspettando con impazienza solo i flashback con Joel (compresa la stampa, che puntualmente titolava “quando tornerà Joel?” ” in quanti episodi tornerà Pedro Pascal”!).

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Un cammino verso la vendetta… o verso l’incertezza?

The Last of Us che avevamo conosciuto è cessato di esistere dopo il secondo episodio: la serie ha cambiato forma, tono e direzione.
Da racconto di sopravvivenza e redenzione, si è trasformata in un viaggio nel dolore e nella vendetta.

Ma il sentimento di vendetta, che avrebbe dovuto muovere la narrazione, non è detto che venga condiviso dal pubblico.
Alcune scelte narrative, perfette per un videogioco in cui il giocatore è parte attiva, possono risultare meno efficaci in un medium passivo come la TV.

Non è un caso che il sesto episodio — bellissimo e carico di emozione — ci abbia ricordato perché ci siamo innamorati della serie.

Il Joel di Pedro Pascal: un vuoto impossibile da colmare?

Il problema non è solo narrativo.
Pedro Pascal ha reso Joel un personaggio iconico: complesso, umano, vulnerabile e profondamente coinvolgente.
La sua assenza ha lasciato un vuoto difficilmente colmabile — sia dal punto di vista emotivo, sia per altre ragioni.

Grazie a questo ruolo, Pascal ha visto esplodere la sua popolarità, diventando una vera star del panorama seriale.
Per molti, The Last of Us è anche (e soprattutto) lui.
La sua uscita di scena così repentina ha avuto un impatto forse sottovalutato dagli showrunner.

Posticipare la sua morte — magari verso il terzo atto della stagione — avrebbe permesso una transizione più graduale, dando tempo al pubblico di elaborare il lutto e agli autori di costruire con più equilibrio le nuove dinamiche.
Anche in ottica premi: avrebbe garantito a Pascal una candidatura come protagonista, come accaduto nella prima stagione che invece potrebbe non essere certa avendo partecipato a soli 3 episodi su 7.

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Il futuro è Abby-centrico: funzionerà?

La terza stagione sarà incentrata su Abby e sul tentativo (coraggioso, ma rischioso) di farci empatizzare con le sue motivazioni.
Ma il pubblico sa già perché Abby ha ucciso Joel.
E anche se può comprenderne razionalmente le ragioni, l’impatto emotivo resta: nessuna vendetta potrà riportare Joel indietro, né restituirci le stesse vibes della prima stagione.

Dati e reazioni: un segnale d’allarme?

Gli ascolti della seconda stagione hanno mostrato un calo, dal primo all’ultimo episodio — sebbene si tratti ancora di dati parziali.
Ma il vero termometro è il sentiment sui social: un malcontento diffuso, diviso tra gamer puristi (a volte troppo rigidi) e spettatori che si sono sentiti traditi da una svolta narrativa percepita come troppo brusca, dopo due anni di attesa.

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Conclusione: si può amare The Last of Us senza Joel?

The Last of Us resta una delle serie più belle, raffinate e coraggiose degli ultimi anni.
Ma la domanda resta: può davvero sopravvivere senza Joel?

La risposta — almeno per ora — è un “forse” pieno di incognite.
L’ombra di Joel è ancora troppo presente. E lo sanno bene anche gli autori, che hanno già lasciato intendere un possibile ritorno in qualche flashback.
Scenario difficile, però, visto che il materiale del gap temporale dei 5 anni è stato praticamente esaurito in un solo episodio.

Nel frattempo, Kaitlyn Dever sarà la protagonista della terza stagione, che presumibilmente arriverà nel 2027.
Due anni saranno sufficienti per riconquistare il pubblico?

The Last of Us 2: può davvero sopravvivere senza Joel?
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Titolo: Il Gladiatore II (Gladiator 2)
Genere: azione, drammatico
Anno: 2024
Durata: 2h 28min
Regista: Ridley Scott
Sceneggiatura: David Scarpa
Musiche: Harry Gregson-Williams
Cast: Paul Mescal, Pedro Pascal, Denzel Washington, Connie Nielsen, Josephi Quinn, Fred Hechinger

Dove finisce il genio ed inizia la follia? Ma, soprattutto cosa può definirsi follia?

Dal latino follis, l’etimologia del termine si riferisce a recipienti pieni d’aria. Nulla a che vedere con l’attribuzione del termine odierna, anche se si può supporre che si riferisse alla leggerezza di pensiero. Forse una testa “vuota”, appunto, in cui raziocinio e pensieri possano essere sostituiti da aria, risultando in minor concretezza. Per quanto mi riguarda, Il Gladiatore II è stata una follia in tutti i sensi e non fatico a pensare che Ridley Scott avesse una testa piena d’aria quando è arrivato a partorire il secondogenito del suo lavoro più noto. Ma andiamo per gradi.

Un sequel atteso da un regista che non ha più nulla da dimostrare

Ero tra le prime ad attendere con ansia il ritorno di Ridley Scott alla regia del sequel di uno dei miei film preferiti. Il Gladiatore del 2001 con Russell Crowe è un simbolo di perfezione e genio, che ha reso iconici tanto il suo interprete quanto la produzione, capitanata da Ridley Scott con le musiche di un immenso Hans Zimmer. Curioso come alla richiesta di tornare per il secondo film, proprio Hans Zimmer si sia rifiutato, ammettendo di non avere voglia di competere con uno dei suoi lavori più iconici. Harry Gregson-Williams, suo allievo e amico, ha ereditato il non semplice compito, riuscendo in una colonna sonora degna ma non dissimile da altri colossal storici.

E’ questo il primo grande tradimento del sequel di Ridley Scott: il film è un colossal spoglio. Non ha storia, ha solo scenografica epicità spogliata del suo significato. L’Antica Roma non ha bisogno di bugie o inesattezze storiche, pur dipingendola nella sua semplicità risulta già complessa e perfetta così. La vana speranza di vedere un film storicamente degno dopo quelli che (almeno per quanto mi riguarda) avevano rappresentato il declino del regista americano, si è dimostrata vana.

Prima il lunghissimo The Last Duel, storicamente impeccabile ma con una sceneggiatura da sbadiglio facile, poi House of Gucci e la discutibile prova di Lady Gaga, fino a Napoleon e agli schiaffi alla povera Giuseppina di Vanessa Kirby. O qualcuno ha dimenticato i cannoni dagli angoli improbabili che hanno fatto saltare in aria le piramidi?

Questa doverosa premessa per dire che Ridley Scott è sempre stato un regista titanico ma che in questo momento della sua carriera si sente di non aver bisogno di dimostrare più nulla. Si è guadagnato quello che desiderava, un posto nell’olimpo dei registi del XX secolo, e ora sente di avere il diritto di fare quello che ”gli pare”. Anche se si tratta di qualcosa che non ha assolutamente senso alcuno.

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Gladiatore II: Dove eravamo rimasti e di cosa parliamo oggi

Grazie ad una scena di apertura drammatica, sulle note della celeberrima We Are Free, spolveriamo il cassetto della memoria e ricordiamo quello che era accaduto del primo film. Per noi quasi 25 anni fa, per la trama circa 15 anni prima. Massimo Decimo Meridio (Russell Crowe) muore dopo aver ucciso l’Imperatore Commodo (Joaquin Phoenix), davanti ad una disperata Lucilla (Connie Nielsen) e uno sconvolto Lucio.

Il film inizia quindi con un flashforward in Numidia (oggi punta settentrionale del continente Africano, a cavallo tra Algeria e Tunisia), attaccata da un esercito romano preparato e implacabile, che insegue la conquista del prestigio dell’Impero. A guidare una flotta che poteva benissimo essere stata noleggiata dal Troy di Wolfgang Petersen, troviamo il generale Acaio (Pedro Pascal), che si scontra con i barbari numidi senza paura o reticenza. Nelle fila dell’esercito avversario c’è un giovane uomo (Paul Mescal), pronto a difendere la propria patria fino alla morte. Come prevedibile, Roma vince. Annone, questo il nome dell’uomo, finisce tra gli schiavi portati a Roma per combattere da gladiatori, diventando proprietà dell’ambizioso e spietato Macrino (Denzel Washington) che sfrutta il ragazzo per la propria ascesa al potere.

Sullo sfondo c’è una Roma decadente, spietata, un’ombra della perfetta macchina da guerra e politica che l’avevano portata a conquistare tutto il Mediterraneo. Non a caso i personaggi degli Imperatori gemelli Geta (Joseph Quinn) e Caracalla (Fred Hechinger) sono più interessati più al fasto della loro città che ai consigli e alla guida di personaggi più razionali di loro. La stessa Lucilla, moglie di Acacio, non ha una collocazione in questo contesto che ormai non ha nulla della Roma di suo padre Marco Aurelio.

Cosa non funziona del sequel de Il Gladiatore

Nonostante un successo schiacciante al botteghino – oltre 320 milioni a fronte di un investimento di 250 milioni, ho trovato il Gladiatore II un’occasione sprecata. Non solo per l’accuratezza storica inesistente, ma per una generale sciatteria che avrebbe potuto essere evitata facilmente.

L’indubbia bravura del cast si scontra con una banalità dei dialoghi che non è in grado di reggere il pathos delle scene. Ci sono navi da guerra che ricordano quelle greche di più di 500 anni prima, catapulte con più forza di fuoco di quelle viste ne Le Crociate (altro grandissimo capolavoro di Scott) – si vede che dopo le Piramidi vale il detto “basta che salti in aria e va bene tutto”. Che importa se la polvere da sparo non esisterà ancora per almeno 1000 anni? Domus romane piene di scale e merlature nei palazzi che fronteggiano il Colosseo – cosa siamo, nel Medioevo? Non accenno neppure agli squali nel Colosseo, seppure visivamente la naumakia nell’Anfiteatro più grande dell’Impero avesse un suo perché.

Qualcuno ha scritto che il primo film era bello perché non parlava di storia ma di un ideale di libertà e aspirazione, inserito in un contesto storico. Ma accurato, sottolineerei io. Al netto di qualche sbavatura, non si può dire che ci fossero troppe evidenti libertà che Ridley Scott si fosse concesso nel 2001. Non a caso, l’Oscar come Miglior Film, insieme a quello per Miglior Attore per Russell Crowe, per i miglior Effetti Visivi, Miglior Montaggio Sonoro e Migliori Costumi, se l’era portato a casa. Sarebbe accaduto se al suo posto ci fosse stata una versione di Roma kitch e riscaldata al microonde? Non credo.

Ultima ma non meno importante: la scritta in inglese sul muro del Colosseo? Credo che la risata in sala fosse la cose più condivisibile a cui io abbia mai assistito, seconda solo al boato in Avengers: Endgame all’apparizione di Sam nella battaglia finale.

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Cosa ha funzionato nel film di Ridley Scott (e continuerà a funzionare nel potenziale sequel)

Ma quindi, se è tutto così brutto, perché questo successo per Il Gladiatore II? Sicuramente l’hype per il sequel di una delle pellicole più importanti degli ultimi 50 anni non poteva passare inosservato. Ridley Scott, Hans Zimmer e Russell Crowe sono la triade per eccellenza di un grandissimo colossal. Cercare di imitare la perfezione di quel successo è corretto quanto umano, ma farlo in maniera dignitosa sarebbe stato il meno che avrebbe potuto inseguire Scott. Al contrario, ha scelto la via più “facile”.

Visivamente Il Gladiatore II è un grandissimo film. Al netto di evidenti scene eccessivamente violente, come la battaglia iniziale o quella contro scimmie non del tutto realistiche, c’è epicità nella narrazione. Le scene di battaglia dentro e fuori dall’arena sono orchestrate con maestria, con effetti visivi e coreografie ammalianti. Le scenografie sono ricche, colorate, sfarzose e piene. I costumi, seppur assomiglino più a sfarzi rinascimentali che al rigore romano, saltano all’occhio.

Il ritmo del film è incalzante, difficilmente ci si potrebbe annoiare. La trama purtroppo regge poco, forse anche per cancellazioni di personaggi all’ultimo minuto, ma le scene d’azione compensano benissimo per un pubblico che, abbandonata ogni speranza di un film storicamente interessante, si arrendono al godersi una rappresentazione titanica nei modi ma non nel contenuto.

Un cast stellare che ha sollevato notevolmente l’asticella del film

Se c’è una cosa che è impossibile contestare a Ridley Scott e senza dubbio la scelta del cast principale. Al netto dei ritorni, come quello della Lucilla di Connie Nielsen, eterea nella sua figura ma decisamente meno impattante rispetto al film del 2001, hanno spaccato lo schermo Paul Mescal, Pedro Pascal e Denzel Washington.

Annone/Lucio è cresciuto e Paul Mescal, con molti più muscoli di quelli che aveva quando ci eravamo innamorati di lui in Normal People, si cala bene nei panni del protagonista. Un figlio cresciuto scappando da una realtà politica e familiare in cui non si ritrovata, sottratto alla propria famiglia adottiva e di nuovo ributtato in pasto al Colosseo e ad una Roma che divora sogni e devozione. Mescal è a tratti esagerato nei modi, ma la sua interpretazione non lascia dubbi. La sceneggiatura non è degna, come già detto, ma non è una colpa che si può imputare a lui.

Quasi dolorosa la somiglianza del personaggio di Pedro Pascal, il Generale Acacio, con quel figlio adottivo che non ha mai conosciuto. I due condividono ideali e qualità, ma il modo in cui si incontrano e scontrano fino dalla primissima battaglia fa sì che, per un crudele scherzo del destino, capiscano la propria affinità troppo tardi. Pedro Pascal, reduce di prove recitative brillanti, tra cui la più recente in The Last of Us, non ne sbaglia una. Anche con l’armatura di un centurione romano è esattamente quello di cui il film aveva bisogno.

Mentre è corretto menzionare gli interpreti degli imperatori gemelli, in particolare l’ammaliante crudeltà dell’imperatore Gela, è Denzel Washington il vero pilastro de Il Gladiatore II. Spietato, diretto, sanguinario, nulla sembra in grado di tenderlo separato da quello che desidera davvero: il potere. Chiunque sia sul suo cammino è una pedina, non ha né scrupoli né dubbi. L’attore premio Oscar abbraccia a pieno il personaggio di Macrino, lo fa suo e lo rende iconico. Dagli abiti sventolanti e ricchissimi alle battute e risate sagaci. Sebbene sia lui il villain della pellicola, riesce a fare la trama sua più di quanto riescano a farlo tutti gli altri personaggi. Non è un caso che lo stesso attore abbia deciso di prendersi una pausa dalla recitazione, dopo aver completato questo e un altro film nella sua agenda.

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Il Gladiatore II: provarci è umano, non riuscirci è un crimine

Per concludere, cosa ci resta della pellicola di Ridley Scott? Qualcuno dirà un film storicamente inaccurato ma spettacolare nel contenuto, che giustamente mira a stupire lo spettatore senza preoccuparsi troppo che sia fatto tramite bugie o battute spicciole. Altri diranno un sequel di uno dei più grandi film della storia del cinema moderno, con un cast straordinario, una colonna sonora coinvolgente e una scenografia spettacoli.

Per me, Il Gladiatore II è una pellicola di uno dei registi più grandi e stimati della nostra era, che purtroppo si prefigge un compito fin troppo difficile e complesso. In quella stessa sfida contro se stesso di 24 anni fa, fallisce. Non è semplice gareggiare contro se stessi – non a caso, Hans Zimmer ha scelto di non farlo – ma se si sceglie di farlo, bisognerebbe essere certi di vincere. Forse annunciare un potenziale film numero 3 è la vittoria a cui Ridley Scott stava puntando, ma per me non c’è vittoria in questo film. Occasione sprecata senz’altro – ed è un peccato!

Il Gladiatore II: Provarci è umano, non riuscirci è un crimine. Recensione del sequel di Ridley Scott con Paul Mescal e Denzel Washington
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Prendi un regista da sempre in fissa con i temi della nostalgia e in particolare gli anni Ottanta – Novanta e aggiungi una canzone iconica di quel periodo come Hanno Ucciso l’Uomo Ragno. Il Sidney Sibilia di Mixed by Erry e L’incredibile storia dell’Isola delle Rose e i primissimi 883 di Max Pezzali e Mauro Repetto. Un cast di attori giovani e perfettamente in parte. Una colonna sonora evergreen con pezzi pronti a tornare in vetta alle classifiche degli ascolti dopo anni di fisiologico oblio. E poi la provincia italiana incubatrice di sogni da difendere a tutti i costi o da rimpiangere tra la noia quotidiana di lavori accettati per necessità e non per convinzione. Un mix di ingredienti che una scrittura frizzante, una fotografia vivace e una regia spensierata riescono a imbrigliare in una storia che cattura e ipnotizza lo spettatore.

Tutto questo è Hanno Ucciso l’Uomo Ragno. O anche: tutto questo è la migliore serie italiana dell’anno.

L’arma per nulla segreta

Hanno Ucciso l’Uomo Ragno non ha mai giocato a nascondino. Fin dalle prime voci sul coinvolgimento di Sidney Sibilia in un progetto dedicato agli inizi degli 883 e poi sempre più durante la campagna promozionale e le clip tra un episodio e l’altro. In nessuno di questi momenti la serie di Sky ha mai voluto negare che la sua arma per nulla segreta sarebbe stata la nostalgia. Rivolgersi ai cinquantenni di oggi offrendogli quello che più hanno amato. Quegli anni Novanta che per loro sono indimenticabili come solo possono esserlo gli anni della giovinezza spensierata a cavallo tra le superiori appena concluse e un domani ancora tutto da scrivere.

Il momento in cui sognare è un felice obbligo e la realtà è solo il terreno dove piantare i semi per far germogliare qualunque progetto per quanto astratto e utopico possa sembrare. Ché tanto i cassetti dell’armadio servono solo a tirar fuori gli abiti per andare in discoteca e non per riporre i sogni impossibili che a quell’età non esistono.

Sidney Sibilia, in quegli anni, ci è nato (1981 recita la sua carta di identità) per cui il suo ricordo è quello ovattato e sfumato di un bambino. Ma deve averli studiati per bene perché nulla manca in Hanno Ucciso l’Uomo Ragno. Non solo i due ovvi protagonisti Max Pezzali e Mauro Repetto, ma anche la coorte di personaggi che all’epoca cavalcavano l’onda della popolarità prima di diventare i divi di oggi o le meteore di un’estate e nulla più. Il guru Claudio Cecchetto con la sua capacità di scoprire talenti da mandare in orbita sulla spinta della popolarità. Un Fiorello astro nascente e un Jovanotti ancora interessato solo a fare casino.

Ma anche una comparsata degli immortali Metallica e un cameo di un Sandy Marton pronto a tornare in una Ibiza da cui non era mai veramente venuto. Tutto il festante zoo di Radio Deejay con Fargetta e Albertino. Quei produttori che in quegli anni creavano la musica che faceva da colonna sonora costante di ogni giornata. E, perché no, anche le ragazze di Non è la Rai, appuntamento tanto immancabile quanto inconfessabile di ogni pomeriggio.

In Hanno Ucciso l’Uomo Ragno rivivono quei luoghi che erano iconici e che oggi sono al più ricordi che sembrano più belli perché visti con gli occhiali della malinconia. Le discoteche ancora non ammorbate dalle mortali esalazioni delle letali droghe chimiche attuali. L’Aquafan di Riccione come simbolo agognato del divertimento più spensierato. I fast food che i paninari degli anni Ottanta avevano trasformato in chiese dove celebrare la liturgia del sabato sera. Le sale giochi dove perdersi in mille chiacchiere quando i videogiochi erano esperienze da vivere nel in comune e non nella propria cameretta.

Hanno Ucciso l’Uomo Ragno è una full immersion negli anni che il pubblico che paga gli abbonamenti a Sky ama di più. Una manovra di marketing perfettamente compiuta.

Un presente inevitabile

I dati di ascolto dicono che Hanno Ucciso l’Uomo Ragno è andata ovviamente benissimo proprio in quella fascia di pubblico che era il suo primo obiettivo. Ma dicono anche di più. Ossia che la serie ha catturato l’interesse entusiasmato anche dei figli di quel target primario. Di quei ragazzi che hanno ora l’età che i loro genitori avevano allora. A indicare che la serie aveva un’arma in più rispetto alla sola nostalgia. E quell’arma, stavolta davvero tenuta nascosta, è la capacità di parlare di un presente inevitabile. Quello di ogni ragazzo che si trova ad avere gli anni della giovinezza spensierata a cavallo tra le superiori appena concluse e un domani ancora tutto da scrivere. E, si, è volutamente la stessa identica frase scritta poco sopra.

Perché è questo il segreto del successo di Hanno Ucciso l’Uomo Ragno. Parla di un passato che è invece una fase immancabile della vita di ognuno. Non è la storia degli 883, un gruppo pop che ha iniziato da avere successo nell’estate del 1992. Ma è la storia di Max e Mauro, due ragazzi di una provincia italiana come tante che sognano di evadere. Dalla monotonia dei pomeriggi sempre uguali. Dalle litigate con i genitori che non li capiscono. Dal grigiore di un percorso già stabilito da altri. L’avventura straordinaria di due amici che non si sono arresi nonostante a momenti neanche loro credessero in sé stessi. Un racconto fatto di mille piccole e grandi difficoltà superate grazie alla fiducia reciproca e a una sana dose di ingenua follia.

Da questo punto di vista, Hanno Ucciso l’Uomo Ragno è un passo in più su una strada che Sidney Sibilia ha da sempre percorso. Prima con l’umorismo irresistibile dei suoi ricercatori di Smetto quando voglio trasformatisi in improbabili criminali per reagire orgogliosamente ad uno svilente precariato. Poi con la passione irrefrenabile del Giorgio Rosa di Elio Germano disposto a costruirsi un proprio stato indipendente in L’incredibile storia dell’Isola delle Rose pur di reclamare il diritto alla propria autonomia. Ed, infine, l’Enrico Frattasio di Mixed by Erry che con i fratelli inventa senza saperlo la pirateria musicale solo perché non gli hanno lasciato fare il deejay.

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Hanno Ucciso l’Uomo Ragno è, quindi, un attestato di coerenza da parte di un regista che fa della nostalgia una lente di ingrandimento per esaltare quello che c’è di comune tra ogni ieri e ogni oggi.

La perfezione in pochi volti

Le buone idee della serie sarebbero, però, restate solo buone intenzioni se Hanno Ucciso l’Uomo Ragno non avesse trovato in Elia Nuzzolo e Matteo Oscar Giuggioli i due protagonisti perfetti. Entrambi praticamente al debutto, ma già in grado di caricarsi sulle spalle una serie la cui riuscita dipendeva quasi completamente dalle loro performance. Invece, i due esordienti riescono a dare vita a due personaggi complementari quanto universali. Max: il ragazzo timido e imbranato, ma con tante doti nascoste che aspettano di essere tirate fuori. Mauro: quello incontenibile e irruento con mille idee e nessuna intenzione di rinunciare a metterle in pratica fino all’ultima. Un duo che si integra a perfezione grazie ad una chimica spontanea che dona una vivida naturalezza a quella che è una simbiosi inscindibile.

È, comunque, tutto il cast di Hanno Ucciso l’Uomo Ragno a girare con la precisione proverbiale di un prezioso cronografo svizzero. Altra quasi debuttante è Ludovica Barbarito. A lei il compito di essere quella scintilla necessaria ad accendere quel timido sfigato che è Max. E di accettare anche che diventerà un auto in corsa a cui è difficile restare in scia. Altrettanto bravi sono sia i più esperti ma ancora giovani Davide Calgaro e Angelo Spagnoletti. Entrambi sono i deus ex machina che in modi e tempi diversi daranno a Max e Mauro le idee per uscire dai momenti di pericolosa stasi. Un parterre di volti freschi che si guadagnano tutti una patente di credibilità da spendere in futuro.

A supportarli un insieme di attori che condividono l’essere dei volti noti che non hanno mai però raggiunto un vero successo di pubblico e critica. Non perché non siano dotati, ma perché spesso limitati in ruoli secondari o coinvolti in lavori su altri media. Che siano i corti su YouTube per Alberto Astorri spesso parte del gruppo Il Terzo Segreto di Satira. O il successo televisivo come comico per Edoardo Ferrario (l’irresistibile Maicol Pirozzi del Gialappa Show). Un cast che comunque contribuisce a creare quel mondo in cui muoveva i primi passi quella coppia di amici che sarebbero poi diventati campioni di incassi con il nome 883.

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Hanno Ucciso l’Uomo Ragno è una ventata di aria fresca e profumata nel panorama usualmente asfittico della seralità italiana (che comunque ci sta provando a migliorare). Un prodotto capace di giocare su più piani per piacere sia ai genitori nostalgici che ai figli sognatori. Migliore serie italiana del 2024? Difficile non rispondere si.

Hanno Ucciso l’Uomo Ragno: la nostalgia come arma e il presente inevitabile – Recensione della serie di Sidney Sibilia
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Titolo: I morti non soffrono (The dead don’t hurt)
Genere: western
Anno: 2024
Durata: 2h 9m
Regia: Viggo Mortensen
Sceneggiatura: Viggo Mortensen
Cast principale: Viggo Mortensen, Vicky Krieps, Solly McLeod, Garret Dillhaunt, W. Earl Brown, Danny Huston

Leggere la sinossi di I morti non soffrono (The dead don’t hurt) e trovarsi come prima scena un cavaliere medievale che cavalca affannando nei boschi è decisamente spiazzante. Ma è solo un attimo (il cui senso si capirà più avanti) perché il film di Viggo Mortensen, presentato alla Festa del Cinema di Roma in occasione del premio alla carriera all’attore americano, si mostra subito per quello che è. Un western ambientato negli anni Sessanta dell’800 tra sconfinate distese aride punteggiate da sparute cittadine dove la legge è a discrezione del più ricco.

Un’ambientazione classica per un western che di classico ha, in verità, solo la forma esteriore.

Sposare un genere per rinnegarlo

I morti non soffrono è un film fortemente voluto da Viggo Mortensen che vi compare come attore protagonista, regista e sceneggiatore unico. Un progetto in cui, quindi, ha creduto fortemente per questa che è sua seconda prova dietro la macchina da presa. E probabilmente solo avere il controllo totale di scrittura e messa in scena era l’unico modo per realizzare senza fraintendimenti un’opera che riesce ad essere una ricercata convivenza di armoniose contraddizioni. Perché Mortensen sposa un genere iconico della cultura americana per poterlo rinnegare nelle sue fondamenta ideali.

I morti non soffrono ha del western classico tutti i personaggi immancabili. Il cowboy solitario di poche parole e molte buone azioni. Il villain arrogante e violento protetto dai potentati locali. Lo sceriffo corrotto al servizio del ricco magnate invece che della legge. I soldati in giubba blu in cerca di volontari da arruolare per la guerra civile. E del genere per antonomasia del cinema americano ha anche i paesaggi assolati, la natura selvaggia, i deserti aridi. Il tutto messo in scena con una fotografia e uno stile registico che sono debitori dei maestri del genere con un particolare riguardo al Clint Eastwood di Gli Spietati.

Ma, in I morti non soffrono, questa adesione al canone è puramente formale. Il desiderio manifesto di realizzare un contenitore quanto più simile possibile a ciò che lo spettatore si aspetta per poi sorprenderlo con un contenuto profondamente diverso. E così l’Holger Olsen interpretato da Viggo Mortensen è un cowboy che ama fermarsi a leggere libri. Invece della pistola preferisce impugnare gli strumenti per coltivare l’orto. Costruisce granai piuttosto che cercare ricompense. Sogna soltanto di vivere nella quiete isolata di una casa circondata da fiori e piante purché in compagnia della sua amata moglie.

Dopo aver interpretato per anni personaggi che, seppur positivi, recavano le stimmate del lupo alpha, il Mortensen regista si ritaglia ruoli che di quel machismo si sono spogliati come a volersi lavare di dosso la sporcizia del maschio tossico.

Riempire un vuoto

La distruzione dell’archetipo ideale del cowboy priverebbe I morti non soffrono della necessaria figura dell’eroe che porti avanti lo scontro che è alla base di ogni western. Ma, in verità, il conflitto immancabile viene qui stemperato e diluito in quella che è prima di tutto una storia di resilienza. Un ideale duello che non si consuma nel tempo di uno sparo e nemmeno vive di una successione di uno contro uno o uno contro molti. Ma piuttosto dura negli anni restando silente perché vincere non significa ammazzare l’avversario, ma renderlo insignificante. Fargli, cioè, capire che nessun suo gesto, neanche il più crudele, può piegare la volontà di resistere e realizzare il proprio domani così come lo si era sognato.

Di questa vittoria non può vantarsi Holger, ma piuttosto Vivienne. È proprio il personaggio a cui da voce Vicky Krieps la maggiore innovazione di I morti non soffrono. Una donna che non si piega al ruolo di compagna indifesa dell’eroe di turno. Ma che neanche si snatura in una parodia al femminile della figura maschile. Accettando anche di essere anacronistico, Mortensen fa di Vivienne una donna forte che non accetta di essere inerte. All’assenza del suo uomo reagisce rifiutando di dedicarsi completamente all’attesa del suo ritorno per impegnarsi invece in prima persona a costruire il loro futuro. Alla violenza del villain di turno oppone la consapevolezza della propria indipendenza. Al silenzio a cui una società patriarcale vorrebbe ridurla risponde con la voce ferma delle proprie certezze.

Acquista, quindi, un senso la scena iniziale di I morti non soffrono. Il cavaliere medievale che sicuro cavalca nel bosco è proprio Vivienne. Perché ne ha la stessa indomita tenacia ed evidente resistenza. Ed, infatti, la sua stessa identità (che sveleremo onde evitare spoiler) non è casualmente legata direttamente proprio alla stessa Vivienne. E perché è un elemento fuori contesto allo stesso modo in cui lei appare completamente diversa dalle figure femminili che in passato hanno fatto la loro comparsa nei film western.

I morti non soffrono accetta di violare le regole del genere a cui aderisce esteriormente per poter riempire un vuoto legato alla mancanza di donne con una propria autonomia.

Un film fin troppo frenato

I morti non soffrono si propone una doppia operazione coraggiosa. Riscrivere il ruolo della donna e sgrossare degli eccessi machisti quella dell’uomo. Una rilettura che affrettatamente si potrebbe definire femminista. Ma che non è comunque completamente nuova. Basti pensare al recente Horizon di Kevin Costner, ma anche a Godless, miniserie andata in onda nel 2017 su Netflix. Prodotti che hanno provato ad avventurarsi su questa strada pur con esiti alterni e non pienamente riusciti.

I morti non soffrono riesce nel suo intento, ma deve pagare un costo non indifferente. Il film non è privo di momenti stilisticamente affascinanti e di scene magneticamente attraenti. Lo sono soprattutto i dialoghi tra Holger e Vivienne per la capacità di mostrare il crescere di un sentimento e la sincerità della relazione. Altrettanto buone sono anche le scene che mostrano una quotidianità diversa fatta di piccole cose da cui trarre comunque lezioni importanti. Gran parte del merito va all’ottima chimica tra Viggo Mortensen e Vicky Krieps. In particolare, l’attrice lussemburghese è capace di reggere il peso del film mostrando la forza della sua Vivienne quando resta da sola senza snaturarne la delicatezza quando è in coppia con Holger.

Dove I morti non soffrono paga pegno è nella gestione dei tempi. La volontà di esaltare le caratteristiche innovative dei personaggi e dell’intreccio porta ad un ritmo eccessivamente lento. Molte fasi sembrano dilatarsi in una non necessaria prolissità che finisce per rendere difficile mantenere desta l’attenzione. Si ha l’impressione che Mortensen abbia quasi paura che il messaggio che intende veicolare non sia compreso e freni perciò l’andatura del suo film inserendo pause troppo lunghe tra gli eventi principali come a voler concedere allo spettatore il tempo di metabolizzare quello che ha visto. Senza accorgersi così di rischiare che scenda prima di arrivare alla fermata giusta.

I morti non soffrono è, infine, un film che si prende in spalla un genere consolidato per portarlo verso nuove sponde. Solo che arrivarci attraversa il guado con fin troppo prudente lentezza.

I morti non soffrono: un western così classico eppure così diverso – Recensione del film di Viggo Mortensen con Vicky Krieps
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Titolo: The Return
Genere: drammatico
Anno: 2024
Durata: 1h 56m
Regia: Uberto Pasolini
Sceneggiatura: Edward Bond, John Collee, Uberto Pasolini
Cast principale: Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Charlie Plummer, Claudio Santamaria, Marwan Kenzari

Nel libro XIX dell’Odissea, a cui The Return di Uberto Pasolini è ispirato, Omero collega il nome greco del suo protagonista ad un verbo che significa essere odiato. Il nome dell’eroe omonimo starebbe, quindi, ad indicare colui che odia e che è odiato. Una interpretazione parziale perché altre assonanze sono state proposte con altri significati. E neanche del tutto affidabile dato che sembra essere introdotta ad hoc per stabilire un legame con l’odio che Odisseo prova per i Proci che in sua assenza hanno preso possesso del suo palazzo reale.

Ma una interpretazione che torna utile nel parlare di questa rilettura dell’eroe omerico che diventa protagonista del film presentato alla Festa del Cinema di Roma.

Il trauma dell’eroe

The Return dell’Odissea di Omero non intende seguire l’intera storia, ma solo la parte finale. Il ritorno ad Itaca di Odisseo come viene chiamato più filologicamente corretta il protagonista di questo film e del poema omerico. Una Itaca che porta i segni sofferti del lungo dominio dei Proci che hanno spogliato l’isola delle sue ricchezze dimorando da anni nel palazzo reale. Un luogo un tempo idilliaco rassegnato alla decadenza perché da troppo tempo privo del suo re protettore. Con la sola regina Penelope a rimandare l’inevitabile e il debole figlio Telemaco a doversi difendere da chi non gli permetterebbe mai di assumere il ruolo che fu del padre mai conosciuto e ormai dato per morto.

È in questa isola ormai in attesa del suo ultimo giorno che torna Odisseo. L’eroe che da tanto era atteso per scacciare i Proci usurpatori. Una sorta di messia laico che vendicherà gli oppressi e farà risorgere i fasti perduti. Il re vincitore che renderà grazie alla regina fedele. È però qui che The Return si discosta dal testo omerico riscrivendo la figura del suo protagonista. Perché l’Odisseo che dalla spiaggia dove approda come naufrago si trascina verso l’umile dimora di Eumeo è nudo non solo letteralmente, ma soprattutto figurativamente. Non è ammantato dalla leggenda che come un mantello regale altri hanno appoggiato sulle sue spalle guerriere. Non ha il capo cinto dall’aureola santificatrice che il mito ha posto sul suo capo. È, invece, spogliato di ogni trionfo e fiaccato nello spirito più che nel gracile e martoriato corpo invecchiato.

L’Odisseo di The Return è un eroe che non riesce a trovare in sé stesso la forza che quella parola sottintende. Troppi sono gli anni in cui è rimasto lontano da casa perché nella guerra aveva trovato la sua dimora. Un luogo dove isolarsi per non dover affrontare i fallimenti nascosti nell’abbagliante fulgore che circonda chi usurpa il nome di vincitore. Un esilio volontario come punizione per espiare il peccato di essere l’unico sopravvissuto del gruppo che da lui si fece guidare verso un’impresa il cui senso ormai non esiste.

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In The Return non c’è paradossalmente alcun ritorno perché l’Odisseo che sbarca sull’isola è un’altra persona rispetto a quello che ne è partito. Il re che partì per la guerra di Troia è scomparso per sempre ormai.

Dimenticare per trovare la pace

L’Odisseo di The Return potrebbe quasi essere paragonato ad un reduce alla prese con una sindrome da stress post – traumatico. Solo che a questo reduce tocca l’improbo compito di convivere e sopravvivere alle sue fragilità per poter portare la pace nella sua Itaca. Ma, scriveva Cicerone nelle sue Filippiche, si pace frui volumus, bellum gerendum est. Se vogliamo godere della pace, bisogna fare la guerra. Esattamente quello che deve fare Odisseo per liberarsi dei Proci e premiare la fedeltà incrollabile di Penelope, lenire la rabbia repressa di Telemaco, ringraziare la devozione sicura di Eumeo.

Colui che odia e che sarà odiato. Che odia i Proci e la loro inesauribile sete di potere. Che sarà odiato da sé stesso perché altro sangue e altra violenza dovrà portare quando invece cercava solo la pace. Un pace che per Odisseo può nascere solo dal dimenticare. Cancellare il ricordo di ogni guerra. Ricoprire con il rilassante candore dell’oblio il vivido rossore di sangue e morte. Ed, in fondo, dimenticare per trovare la pace è quello che lo stesso Antinoo, capo dei Proci, suggerisce proprio a Penelope. Scordarsi di Odisseo per sposare lui e così porre fine ad ogni conflitto. Cancellare un passato che non può tornare per disegnare un futuro sereno. The Return dimostra così di voler rileggere non solo la figura dell’eroe, ma anche dell’antagonista in nome di una filosofia pacifista basata sul non ricordare i torti.

Lezione la cui correttezza è, però, negata proprio da Penelope. Perché per dimenticare bisogna prima ricordare. Leggere il passato per trovare gli errori che hanno generato quegli orrori che si vuole scordare. Ascoltare i racconti di chi ha conosciuto la guerra per conoscere il male che non si vuole far tornare. The Return si mantiene in bilico tra queste due apparenti antinomie, tra questi due concetti opposti alla ricerca di una sintesi risolutiva.

Ricordare e dimenticare. Ricordare per dimenticare. Dimenticare per non dover avere più alcuna guerra da ricordare.

Il medium sbagliato per una giusta ambizione

L’operazione intellettuale che The Return vuole fare in questa riscrittura dei personaggi omerici dell’Odissea è sicuramente degna di nota. Persino ambiziosa. Ma proprio questa ambizione finisce per appesantire il film che non è forse il mezzo più adatto per raggiungere un siffatto scopo. Conseguenza è una certa lentezza che si scontra poi con la necessità di accelerare quando la storia deve raggiungere il suo già scritto finale. L’andamento del film risulta perciò discontinuo mettendo a dura prova la pazienza di uno spettatore che sa dove i mille silenzi e i sofferti discorsi andranno a finire.

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The Return prova a tenere desta l’attenzione di chi è in sala affidandosi al magnetismo ipnotico dei suoi attori principali. Ralph Fiennes mette a disposizione il suo fisico asciutto ma invecchiato per dare corpo all’animo esausto del suo Odisseo. Anche la voce stanca e i silenzi intensi aiutato a rendere immediatamente visibile l’invisibile sofferenza di un personaggio che vorrebbe solo dimenticare ed essere dimenticato. Di diverso tenore è, invece, la risolutezza di Juliette Binoche e della sua Penelope. Nella fierezza dello sguardo brilla la forza morale di una donna che gli anni hanno costretto a farsi baluardo contro la fine di un sogno. Di fronte a questo ottimo duo svaniscono sullo sfondo le pur convincenti prove recitative di Charlie Plummer e Marwan Kenzari, mentre il nostro Claudio Santamaria sembra limitato da un ruolo monocorde.

The Return chiede molto al suo spettatore e, forse, restituisce meno di quello che promette. Non perché non abbia molto da dire, ma piuttosto perché ogni messaggio va spiegato con il mezzo più adatto. Ed un film non è quello giusto per riscrivere il mito di Odisseo.

The Return: il ritorno di un eroe che rinnega sé stesso – Recensione del film di Uberto Pasolini con Ralph Fiennes e Juliette Binoche
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Ryan Murphy è senza dubbio uno degli showrunner più prolifici e influenti della televisione moderna. Nel corso degli anni è stato capace di spaziare dal musical al thriller psicologico, dall’horror all’esplorazione di temi sociali e politici.
Tutte le serie TV create da Ryan Murphy coprono un’ampia gamma di generi, con uno stile inconfondibile che combina audacia visiva, tematiche provocatorie e controverse e una narrazione potente. Le scelte a volte grottesche e al limite, di quello che potremmo definire, trash ( ma nell’eccezione positiva) hanno fatto il successo di questo poliedrico Showrunner.

Il cast ricorrente

Una delle caratteristiche distintive delle serie di Ryan Murphy riguarda il cast ricorrente. Lo showrunner ha creato un “ensemble” di attori di talento che tornano in molti dei suoi progetti, contribuendo a costruire un’identità riconoscibile alle sue serie. Questi attori sono ormai sinonimo del suo stile unico, e le loro versatili interpretazioni aggiungono profondità ai personaggi che interpretano, rendendo le sue produzioni ancora più coinvolgenti e iconiche. Sarah Paulson, Evan Peters e Jessica Lange, Kathy Bates,Emma Roberts, Lily Rabe sono i principali.

Tutte le serie tv di Ryan Murphy

Se hai scoperto recentemente qualche serie creata di Ryan Murphy e ti ha colpito è molto probabile che anche altre serie create dallo showrunner potrebbero piacerti. Per questo abbiamo creato un elenco completo delle serie TV create da Ryan Murphy; una guida esaustiva che copre tutte le sue creazioni.

Popular (1999-2001)

Una delle prime serie TV di Ryan Murphy, Popular è una commedia che racconta la vita di due ragazze del liceo, Brooke McQueen e Sam McPherson, che si trovano improvvisamente a vivere sotto lo stesso tetto quando i loro genitori, il padre di Brooke e la madre di Sam, si sposano. La serie esplora le dinamiche sociali tra il gruppo dei “popular” e dei “looser”, ( tematica che tornerà anche in Glee) con un tocco satirico che anticipa lo stile di narrazione che caratterizzerà i lavori successivi di Murphy.

Al momento non è disponibile in Italia

Nip/Tuck (2003-2010)

Prima di diventare uno showrunner famoso con Glee e American Horror Story, Ryan Murphy ha ottenuto il suo primo grande successo con Nip/Tuck. La serie segue la vita di due chirurghi plastici a Miami, Christian Troy e Sean McNamara, e affronta temi come la bellezza, la vanità, la moralità e il desiderio umano di perfezione. Con il suo tono provocatorio e spesso scioccante, Nip/Tuck è stata una delle serie più discusse quando è andata in onda.

Lo puoi vedere su Prime Video

Glee (2009-2015)

Forse il progetto più popolare di Murphy, Glee ha ridefinito il genere delle serie musicali, combinando performance canore di successo con temi importanti come il bullismo, la discriminazione e l’identità sessuale. Il Glee Club del liceo McKinley è stato il palcoscenico per storie emotivamente coinvolgenti, mentre le cover musicali di celebre canzoni del passato interpretate dal cast sono diventate vere e proprie Hit.

Lo puoi vedere su Disney+ e Disney plus

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American Horror Story (2011 – presente)

La serie antologica horror che ha ridefinito il genere in TV. Ogni stagione ( siamo giunti alla dodicesima) di American Horror Story esplora un nuovo tema horror: case infestate, asili psichiatrici, stregoneria, circhi di freak, hotel infestati e molto altro. La capacità di Murphy di costruire tensione e paura è supportata da un cast ricorrente che include star come Sarah Paulson, Evan Peters e Jessica Lange.

La puoi vedere su Disney +

The New Normal (2012-2013)

The New Normal è una commedia che segue una coppia gay, Bryan e David, mentre cercano di avere un figlio con l’aiuto della gestazione per altri. Con temi di inclusione e diversità, la serie ha offerto un ritratto della famiglia moderna e ha cercato di normalizzare i cambiamenti sociali riguardanti le dinamiche familiari.

La puoi vedere su Prime Video

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Scream Queens (2015-2016)

Scream Queens è una dark comedy che unisce elementi di horror e satira. Ambientata in una confraternita universitaria dove iniziano una serie di omicidi, la serie è caratterizzata da un mix di umorismo e gore. Si tratta di una vera parodia del genere horror e di tutti i suoi cliché. Con un cast di star, tra cui Emma Roberts, Jamie Lee Curtis e Lea Michele, Scream Queens ha rapidamente guadagnato un culto di fan.

Lo puoi vedere su Disney+

American Crime Story (2016 – presente)

Questa serie antologica si concentra su famosi casi giudiziari americani.
Le stagioni includono:

• The People v. O.J. Simpson (2016), che ha esaminato uno dei processi più famosi della storia moderna
• The Assassination of Gianni Versace (2018), incentrata sull’omicidio dello stilista italiano.
• Impeachment (2021), che racconta lo scandalo sessuale che ha coinvolto Bill Clinton e Monica Lewinsky.

Lo puoi vedere su Disney+

Feud (2017 – presente)

La terza serie antologica di Ryan Murphy, questa volta lo showrunner si concentra sull’esplorare rivalità celebri.

• La prima stagione, Feud: Bette and Joan, ha esaminato la faida tra le attrici Bette Davis e Joan Crawford durante le riprese del film Che fine ha fatto Baby Jane? La prima stagione ha ricevuto grandi elogi per le interpretazioni di Jessica Lange e Susan Sarandon.
• La seconda stagione Feud: Capote vs. The Swans  è incentrata sulla fine dell’amicizia tra Truman Capote e un gruppo di amiche, dopo la scelta dello scrittore di pubblicare un racconto La Côte Basque. I personaggi della storia erano infatti versioni delle amiche e delle confidenti dell’autore. Nel cast: Naomi Watts, Diane Lane, Chloë Sevigny, Calista Flockhart, Demi Moore.

Lo puoi vedere su Disney+

Pose (2018-2021)

Una delle serie più acclamate di Ryan Murphy, Pose racconta la vita nella scena ballroom LGBTQ+ di New York negli anni ’80 e ’90. Con un cast prevalentemente composto da persone transgender e queer, Pose è tra tutte le serie tv di Ryan Murphy una delle più lodate per la sua rappresentazione autentica della comunità e per il suo impatto sociale.

Lo puoi vedere su Disney +

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9-1-1 (2018 – presente)

Procedurale drammatico che segue i primi soccorritori (poliziotti, pompieri e paramedici) mentre affrontano situazioni di emergenza.
Il successo di 9-1-1 sopravvisuto anche a una cancellazione di Fox e salvataggio del network ABC ha portato alla creazione dello spin-off 9-1-1: Lone Star, ambientato in Texas e con protagonista Rob Lowe.
Recentemente Ryan Murphy ha annunciato di avere in lavorazione un nuovo spin-off di 9-1-1.

La puoi vedere su Disney+

The Politician (2019-2020)

Satira politica che segue le ambizioni di Payton Hobart, un giovane determinato a diventare Presidente degli Stati Uniti. La serie esplora le dinamiche di potere, privilegi e le campagne elettorali, utilizzando un tono oscuro e umoristico.

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La puoi vedere su Netflix

Hollywood (2020)

Miniserie che offre una versione alternativa della Hollywood degli anni ’40, immaginando come sarebbe stata se le barriere razziali, sessuali e di genere fossero state abbattute prima. Nonostante le recensioni contrastanti, Hollywood ha sollevato riflessioni importanti sull’inclusività e la rappresentazione nell’industria cinematografica.

La puoi vedere su Netflix

Ratched (2020

Serie prequel di Qualcuno volò sul nido del cuculo in questo caso la serie è stata creata da Evan Romansky e diretta da Ryan Murphy. Ratched esplora le origini di Mildred Ratched, l’infermiera sadica del famoso romanzo. Con Sarah Paulson nel ruolo principale, la serie è caratterizzata da una forte estetica visiva e da una narrazione che mescola orrore e psicologia.

La puoi vedere su Netflix

Halston (2021)

Halston è una miniserie biografica che racconta la vita e la carriera dello stilista americano Roy Halston Frowick. Interpretato da Ewan McGregor, la serie esplora l’ascesa e la caduta del famoso designer e la sua influenza nel mondo della moda negli anni ’70 e ’80.

La puoi vedere su Netflix

Monster (2022 – presente)

Un’altra serie antologica che ha ottenuto un grande successo di pubblico e critica.

• La prima stagione Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story, racconta la vita e i crimini di uno dei serial killer più famosi d’America, Jeffrey Dahmer, interpretato da Evan Peters. La serie è stata al centro di polemiche per il modo in cui ha rappresentato le vittime di Dahmer, ma ha anche ottenuto un enorme successo di pubblico.
• La seconda stagione Monster: The Lyle and Erik Menéndez Story e narra la storia di cronaca dei fratelli Menéndez artefici dell’omicidio efferato dei loro genitori.

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The Watcher (2022)

Basata su una storia vera, The Watcher segue una coppia che si trasferisce in una casa dei sogni per poi essere tormentata da lettere minacciose firmate da un misterioso “Osservatore”. Con un cast che include Naomi Watts e Bobby Cannavale, la serie mescola suspense e mistero.

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Titolo: U.S. Palmese
Genere: commedia
Anno: 2024
Durata: 2h
Regia: Manetti Bros
Sceneggiatura: Luna Gualano, Antonio Manetti, Marco Manetti, Emiliano Rubbi
Cast principale: Rocco Papaleo, Blaise Alfonso, Giulia Maenza, Lisa Do Couto Texeira, Aurora Calabresi, Claudia Gerini, Massimo De Lorenzo, Gianfelice Imparato, Massimiliano Bruno, Guglielmo Favilla, Claudio Futia

Chi ha avuto la fortuna di vedere U.S. Palmese in anteprima alla Festa del Cinema di Roma avrà magari anche ascoltato la breve introduzione che gli stessi Manetti Bros, registi e sceneggiatori di questo film, hanno fatto. Una presentazione tesa a sottolineare il proprio orgoglio di essere palmisani. E, d’altra parte, questa stessa frase compare prima dei titoli di coda sotto forma di ringraziamento che di Palmi è originaria e che la cittadina calabrese ha fatto vivere ai due fratelli nati a Roma.

Dedica non da poco dato che, a ben vedere, c’è poco più di questo tra le motivazioni per cui un film del genere è stato realizzato. E non è un complimento a due figli grati alla propria madre.

Niente di nuovo sotto il sole di Palmi

U.S. Palmese parte da una premessa assurda nella sua genialità. C’è il solito attaccante tanto giovane e talentuoso quanto svogliato e viziato. Qualcuno ha detto Balotelli? Probabilmente tutti (anche perché gioca inizialmente nel Milan) tranne i Manetti Bros che giurano sia solo una ispirazione tra tante per il loro Etienne Morville. E poi c’è una squadra che milita in Eccellenza tra alti e bassi e con il tifo costante di un intero paese tanto piccolo quanto appassionato.

La squadra ha bisogno di un attaccante per provare il salto nella serie superiore e l’attaccante è in cerca di una squadra dopo essere stato scaricato dopo le ennesime intemperanze. E se i due problemi avessero la stessa soluzione? Ne è convinto il vecchio don Vincenzo (Rocco Papaleo) che con incrollabile caparbietà convincerà i suoi concittadini a mettere insieme il denaro per ingaggiare il fuoriclasse in disgrazia. Che serve molto più dell’ospedale cittadino chiuso per mancanza di fondi.

Le buone idee in U.S. Palmese purtroppo finiscono qui. Perché da questo momento tutto scorre lungo binari talmente ovvi che si potrebbe mandare avanti fino ad un punto a caso e capire lo stesso cosa è avvenuto fino ad allora e cosa succederà dopo. Niente è davvero originale. Dagli sketch tra don Vincenzo e vari donatori più o meno inattesi alla abulia del campione svogliato. Dall’entusiasmo iniziale dei tifosi locali alla ostilità verso il deludente acquisto fino all’adorazione fedele quando i successi cominceranno ad arrivare.

Ed altrettanto percorsa col pilota automatico è la strada che porta Etienne prima dalle stalle della banlieu parigina alle stelle della scala del calcio e poi di nuovo giù tra i campi spelacchiati delle serie minori prima di tornare alle luci della ribalta che spettano inesorabilmente ai fuoriclasse. Idem dicasi per la squadra calabrese e il suo campionato alla ricerca di una troppo a lungo attesa cavalcata trionfale verso la promozione in serie D.

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Discorso analogo si può fare per i personaggi di U.S. Palmese che vanno a riempire le caselle obbligatorie per una commedia sportiva. Il tifoso visionario che non si arrende all’impossible e realizza il sogno di riscatto di una città? Vedi alla voce don Vincenzo. L’allenatore di periferia abituato a lavorare con quel poco o nulla che ha, ma capace di tirare fuori il meglio dal peggio che gli hanno affidato? C’è. Il campione che ha dimenticato gli affetti veri e si è perso per poi ritrovarsi grazie all’incontro con un mondo diverso dal suo? Qui si chiama Etienne Morville (il debuttante Blaise Alfonso). Gli ultras di varia estrazione sociale più folkloristici che pericolosi? Eccome se ci sono. I giocatori dilettanti che sacrificano il proprio tempo libero per passione e non denaro? Hanno la maglia neroverde della Palmese.

U.S. Palmese è un film dove c’è tutto quello che ci si aspetterebbe da un film di questo genere. Solo che è tutto talmente già visto che si fatica a trovare un motivo per vederlo ancora.

Giocare per non piangersi addosso

Potrebbe sembrare, da quanto detto sopra, che quella di U.S. Palmese sia un’operazione fallimentare. Non è esattamente così perché il giudizio non può prescindere dalle intenzioni che gli autori avevano al momento di scrivere la sceneggiatura. E non è certo rinnovare un genere ormai collaudato l’obiettivo che i Manetti Bros si pongono con questo film. È piuttosto quello di dare uno sguardo diverso ad un sud che non chiude gli occhi davanti ai problemi, ma decide di non lasciarsi annegare da essi.

Così a Palmi mancherà l’ospedale. La cittadina sarà pure spopolata e persa in una piana riarsa con scarse prospettive di sviluppo. I giovani avranno anche solo un bar dove incontrarsi in sere sempre uguali. La povertà potrà pure essere la compagna indesiderata di troppe famiglie. Ma tutti questi problemi non riusciranno a togliere ai palmisani la fiducia testarda in un domani che potrà essere migliore. Fosse anche solo perché si è finalmente vinto il derby con la Gioiese. O perché un campione strapagato ha deciso di lasciare la metropoli dorata per giocare a calcio tra compagni di squadra che gli unici dribbling li fanno per arrivare in tempo agli allenamenti dopo il lavoro di ogni giorno. È questo quell’orgoglio di essere palmisani che i Manetti Bros volevano mostrare in U.S. Palmese.

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Da questo punto di vista il film non può, quindi, essere giudicato un deludente fallimento. Perché appunto riesce ad esaltare la resilienza di un paese che sa convivere con le proprie difficolta senza perdere la volontà di giocare. E che sa anche aprirsi a nuovi rapporti affettivi senza dimenticare le tradizioni e fa niente se lo zito tanto atteso si rivela essere una zita. Quel che conta sono i sentimenti e quelli sono uguali sempre e comunque.

U.S. Palmese voleva essere una lettera a Palmi da parte di due figli distanti. E questo riesce ad essere con leggiadra convinzione.

Il calcio che c’è ancora a saperlo trovare

Meno convincente è, invece, l’altra operazione che il film si pone. È innegabile, infatti, che U.S. Palmese voglia anche essere un’apologia a favore del calcio delle serie minori. Un calcio che non è spettacolare e ricco come quello che inonda le tv e i giornali. Che non è fatto di campioni strapagati e stadi trasformati in centri commerciali. Così lontano dal marketing milionario delle squadre blasonate dei maggiori campionati europei da poter essere quasi considerato un relitto di un’era antidiluviana. Eppure, è proprio questo il calcio che i Manetti Bros intendono esaltare. Perché ha conservato quella dimensione perduta fatta di allegria e passione. Ciò che fa sì che basti un pallone e degli zaini a fare da pali per avviare interminabili partite in piazza.

Tutto molto vero, ma anche molto scontato. Si potrà obiettare che la verità non ha l’obbligo di non essere banale. Ma U.S. Palmese è un film e non un trattato di sociologia del calcio. E da un film si può pretendere che dica qualcosa che non si sia già letto con cadenza periodica ogni volta che cifre astronomiche vengono spese per questa o quella operazione di calciomercato. Per quello bastano gli editoriali variamente e spesso fintamente scandalizzati dei moralisti di turno. Non c’è bisogno dell’Ape car guidata dal don Vincenzo.

U.S. Palmese è, infine, un film che scorre piacevolmente grazie anche alla rodata bravura di Rocco Papaleo e di tutta una serie di caratteristi visti spesso in ruoli minori. Buona è anche la chimica con il cast più giovane che annovera un numero di volti nuovi (Blaise Alfonso, Giulia Maenza, Aurora Calabresi, Claudio Futia) che ben figurano in attesa di essere messi alla prova su test più impegnativi. Ma è anche un’operazione non strettamente necessaria di cui si poteva fare a meno. Se non ci fosse stata la necessità dei Manetti Bros di omaggiare la città materna, ovviamente.

Una commedia dopotutto gradevole da vedere in una domenica senza campionato dopo il classico pranzo abbondante. Perché, dovesse scapparci un sonnellino causa picco glicemico, ci si risveglierebbe senza necessità di far tornare indietro il film per vedere cosa si è persi. Tanto questo film non ha bisogno di essere vivisezionato con il VAR.

U.S. Palmese: uno (scontato) atto d’amore verso il calcio minore del piccolo mondo – Recensione del film dei Manetti Bros con Rocco Papaleo
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Titolo: L’Orchestra Stonata (En fanfare)
Genere: commedia
Anno: 2024
Durata: 1h 42m
Regia: Emmanuel Courcol
Sceneggiatura: Khaled Amara, Oriene Bonduel, Emmanuel Courcol
Cast principale: Benjamin Lavernhe, Pierre Lottin, Sarah Suco

Non si parlerà mai male abbastanza di come vengono tradotti in italiano i titoli dei film stranieri e L’Orchestra Stonata è solo l’ultimo esempio. Non il più scorretto, a dire il vero, perché l’originale En fanfare almeno ha dentro una parola che, in effetti, si può tradurre anche come orchestra anche se fanfara o banda sarebbe più corretto. Ma è quell’aggettivo stonata ad essere inutilmente superfluo e profondamente bugiardo.

Perché di stonato nel film di Emmanuel Courcol e nella storia che racconta non c’è nulla.

Fratelli per sangue e per musica

Non corre mai il rischio di stonare Thibaut, famoso direttore d’orchestra, invitato a dirigere le migliori filarmoniche su ambo i lati dell’Oceano Atlantico e avidamente atteso per l’opera che sta componendo. Una composizione che rischia di essere il suo lascito quando scopre di essere malato di leucemia e destinato a morire in assenza di un donatore compatibile. Sarà proprio questa ricerca a fargli scoprire di essere stato adottato e di avere un fratello che non ha pescato il biglietto giusto alla lotteria dell’adozione. Questa la scintilla che accende il motore di L’Orchestra Stonata, film che poi procede intrecciando la storia di due fratelli. Thibaut e Jimmy, che devono imparare a parlarsi con quelle dei mondi diversi in cui si trovano a vivere.

Realtà totalmente opposte, quelle che L’Orchestra Stonata porta sullo schermo. Per Thibaut, l’alta società raffinata ed elitaria del mondo dei concerti e delle orchestre di virtuosi che per tutta la vita si sono dedicati solo alla ricerca della perfezione. Per Jimmy, la quotidianità complicata di lavoratori sempre a rischio di essere sacrificati sull’altare del profitto. La solitudine di chi ha speso ogni suo giorno a fare di una passione una virtù ineguagliabile nel caso di Thibaut. La lunga lista di fallimenti con cui rassegnarsi a convivere cercando di evitarne altri nel caso di Jimmy. Una serie di contrasti che è inevitabilmente anche figlia di quella separazione iniziale che ha cambiato la vita di entrambi quando nessuno dei due era abbastanza grande per poter dire la sua.

L’Orchestra Stonata si affida ad una trita frase fatta per unire questi due mondi. Un banale “quello ha la musica nel sangue” che diventa il modo in cui i due sconosciuti scoprono di avere qualcosa in comune. Perché, nonostante la formazione classica, Thibaut adora quella stessa musica jazz che Jimmy suona con la sua scalcinata banda. E perché, nonostante le difficoltà che ha dovuto affrontare, a Jimmy non dispiacerebbe suonare il suo trombone in una di quelle orchestre che Thibaut tanto elegantemente dirige.

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Uno stratagemma banale, ma che L’Orchestra Stonata, presentato in anteprima alla Festa del Cinema di Roma, sa come far fruttare dimostrando che la musica può diventare il linguaggio comune tra mondi che non hanno neanche mai pensato di poter parlare l’uno con l’altro.

Imparare a sognare

Nonostante i propositi iniziali, L’Orchestra Stonata non pone i due fratelli sullo stesso piano. A contrario, dopo una comprensibile diffidenza in partenza, la relazione tra i due diventa rapidamente un rapporto maestro – allievo. Se è vero che Thibaut può imparare da Jimmy come relazionarsi agli altri, è comunque Jimmy quello che finirà per imparare di più. E non solo le nozioni tecniche su come dirigere una banda piuttosto che un’orchestra e come mettere a frutto le sue innati doti per la musica.

Jimmy, piuttosto, imparerà a sognare senza illudersi. A puntare in alto senza volare troppo vicino al Sole. A non avere paura del fallimento perché cadere è solo un inciampare sulla via del successo. Una serie di lezioni che sarà Thibaut a impartire a Jimmy facendogli capire come anche i sogni non devono dimenticare di confrontarsi con la realtà. Che non riuscire a realizzarli non è sempre colpa di errori o incapacità personali, ma solo di non aver visto il confine che separa i sogni dall’impossibile. Da questo punto L’Orchestra Stonata non è un film che non cede ad un facile buonismo. Non si illude di cambiare il mondo, ma piuttosto insegna a vivere nel modo migliore in quel mondo in cui, volenti o nolenti, ci è toccato stare.

Non a caso, le trame che si seguono o scorrono parallele in L’Orchestra Stonata raggiungono ognuna un finale realistico indipendentemente da quanto spiacevole o duro possa essere. Ad attendere ognuno dei personaggi è un happy ending che di felice ha solo la ritrovata fiducia nel domani per quanto difficile possa apparire. Un invito a non arrendersi anche quando si è stati sconfitti perché magari si è imparato quali errori non fare più. O soltanto perché strada facendo si sono trovati nuovi compagni con cui camminare verso un altro giorno ancora.

Magari suonando tutti insieme appassionatamente in un inno alla gioia sempre e comunque.

Una commedia multiforme

A rendere ancora più inadatto l’aggettivo stonata aggiunto al titolo italiano, c’è che il film di Emmanuel Courcol scorre, invece, proprio come un’orchestra perfettamente intonata. Va dato merito al regista francese e ai suo due co-sceneggiatori di aver realizzato un’opera che mette insieme diversi generi facendoli suonare armoniosamente e gestendo con cura gli inattesi passaggi tra di loro. Così L’Orchestra Stonata può iniziare come commedia degli equivoci. Proseguire come un film tutto dedicato alla musica. Darsi una spruzzata di dramma familiare e critica sociale. Planare verso il dramma medicale. E tutti questi generi possono cedere l’uno il posto all’altro in momenti differenti come strumenti che suonino insieme pur lasciando ad ogni suonatore lo spazio per un proprio assolo.

La regia di Courcol comprende che deve farsi da parte riducendosi a mero mezzo di servizio per un film dove è inevitabilmente la musica a legare le varie fasi e dettarne l’andamento. A garantire la coesione narrativa de L’Orchestra Stonata sono le performance attoriali del cast. Benjamin Lavernhe e Pierre Lottin hanno modi opposti di recitare. Compassato e coinvolgente il primo. Nervoso e respingente il secondo. Modalità coerenti con i caratteri differenti dei personaggi che interpretano (rispettivamente, Thibaut e Jimmy). Ma a contare è soprattutto la chimica immediata che dimostrano di avere e che permette di rendere credibile l’evoluzione del rapporto tra i due fratelli.

L’Orchestra Stonata è come una bella canzone che passa improvvisa alla radio mentre si stanno girando i tasti a caso cercando la stazione preferita. Non è destinata a restare nella storia della musica, ma per il tempo che dura non penseremmo di cambiare stazione neanche per un attimo. Come quando si è in sala a vedere questo film.

L’Orchestra Stonata: imparare a conoscersi e sognare grazie alla musica – Recensione del film di Emmanuel Courcol
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