Josephine et Dana Baikom, Inde © Points-Coeur

Avec De rouille et d’os, présenté en sélection officielle à Cannes, le cinéaste Jacques Audiard nous fait vivre une nouvelle fois l’histoire d’une rencontre insolite, celle entre un père de famille qui survit grâce à des boulots physiques et plus ou moins légaux, et une éleveuse d’orques du Marineland, petite princesse orgueilleuse déchue après la perte de ses jambes. Une rencontre loin des histoires de prince charmant, sans grand discours ni complaisance, qui pourtant vient illuminer, dans la douleur, une réalité brutale.

Des vies qui émergent de l’obscurité

Fils du célèbre dialoguiste Michel Audiard, Jacques Audiard a l’art de faire se rencontrer des personnages que rien ne prédestinaient à vivre quelque chose ensemble et de nous laisser en contempler les effets. C’est le cas d’Emmanuelle Devos et Vincent Cassel dans Sur mes lèvres (2001), entre une assistante de direction sourde et un petit truand, ou Romain Duris et Linh-Dan Pham dans De battre mon cœur s’est arrêté (2005) où un magouilleur dans l’immobilier se laisse toucher par sa prof de piano. A chaque fois, il les place dans des univers filmés avec réalisme, souvent sombres.
Réalisateur, scénariste, dialoguiste, Jacques Audiard prend son temps pour faire un film et est attentif aux moindres détails. Cela donne une image soignée, des lumières maitrisées, pas de dialogue inutile et une place de choix accordée à ses personnages secondaires.
Cette capacité à filmer des atmosphères, atteint un sommet dans le carcéral Un prophète en 2009. Le film, porté par la prestation de son acteur principal Tahar Rahim, remporte le Grand Prix au festival de Cannes 2009 et récolte neuf Césars dont celui du Meilleur film, du Meilleur réalisateur, du Meilleur scénario et du Meilleur acteur en 2010, ainsi qu'une nomination aux Oscars pour le Meilleur film étranger.

Après ce film obscur, Jacques Audiard voulait « une histoire d’amour lumineuse ». Elle prend vie dans De rouille et d'os, son 6^ème film, où il dirige Marion Cotillard et l’acteur belge Matthias Schoenaerts. On y retrouve les axes forts de son cinéma : une réalité brute et actuelle, des rôles  ambigus et authentiques, un souci du détail et un attachement à ses personnages, qui pousse le spectateur à les accompagner et remettre en cause toute tentation de préjugé.

Renaissance(s)

Le film commence sur Ali, père sans le sou, qui débarque de Belgique avec son fils Sam chez sa sœur dans le sud de la France. Elle-même est caissière et finit difficilement le mois avec son mari livreur, en ramenant de son travail des yaourts périmés. Il rencontre Stéphanie, éleveuse d’orques au Marineland, alors qu’il est videur dans une boîte de nuit. Une rencontre éphémère, presque anecdotique tant les deux univers qui se confrontent sont différents. Puis un accident survient et Stéphanie perd ses jambes. Elle rappelle Ali.

Il y a plusieurs grilles de lecture : on peut y voir la rencontre de la Belle et la Bête, de l’handicapée et du pauvre type… Ou l’on peut se glisser dans le regard des personnages et y voir simplement comment une rencontre peut nous transformer quand on se laisse toucher.

Chez Stéphanie, la transformation est évidente. Elle renaît après avoir plongée dans les eaux, portée par Ali. Simplicité de la proposition. Ali devient cette présence qu’elle peut siffler ou « textoter » en cas de besoin. Sa pauvreté, son manque de vocabulaire, sa sincérité maladroite pourrait dérouter. En fait, elle lui sert de point d’appui. En lui rendant son corps, en la regardant comme une femme, Ali lui redonne sa dignité, sans fausse compassion. Simplement.

La transformation semble moins visible chez Ali, dont la brutalité semble partir dans tous les sens. Cette violence omniprésente, dont on voit bien qu’elle est le fruit d’une misère presque ordinaire, sera au final la mesure de la mutation. La question ne sera jamais de la refouler mais comment la mettre au service de de son humanité naissante. Car il y a un moment déterminant pour lui : celui où Stéphanie à son tour, lui renvoie une beauté qu’il ignorait. « Tu sais ce que c’est la délicatesse, tu n’as pas arrêté d’en avoir avec moi ». Tout d’un coup, Ali n’est plus simplement un corps. De là toutes ses relations semblent transformées et sa manière de regarder autour de lui aussi. La réalité prend sens, son monde devient vraiment habité, il ne peut plus se contenter d’y survivre. Le regard de sa sœur se met à compter, sa paternité prend une toute autre dimension. A sa manière, lui aussi se remet debout. Et il faudra attendre la fin du film pour savoir à quel point.

Une réflexion sans détour sur l’homme

L’histoire pourrait s’arrêter là mais Jacques Audiard nous emmène beaucoup plus loin qu’une simple histoire d’amour. Si la question du corps traverse tout le film, c’est bien l’intériorité des personnages qui est centrale.

Comme Stéphanie doit se réinventer sans jambes, Ali doit lui aussi renaître. En découvrant qu’il a de la valeur à ses yeux, il devient frère, père, homme. Mais être un homme implique une conscience des choses toute nouvelle.
Ali se retrouve face aux conséquences de ses actes et la gifle qu’il prend alors est tout un symbole. Elle est sûrement moins douloureuse que tous les coups qu’il peut recevoir lors des combats de boxe illégaux qu’il fait, mais c’est celle-là qui le fera pleurer pour la première fois. Des larmes tout en retenue, que l’on voit furtivement, et qui ouvrent la dernière partie du film, un épilogue surprenant et poétique, où Ali se cassera les poings sur la glace pour sauver son fils.
En creusant le côté obscur de ses personnages, en filmant tout crûment, Jacques Audiard ne tombe jamais dans un sentimentalisme mièvre. Il nous pose bien la question du sens : de quoi ai-je besoin pour vivre ? D’argent ? De mes poings ? De mes jambes ? Et il n’y apporte pas une réponse par la facilité mais par la dignité de ses personnages et, contre toute apparence, par leur profondeur. C’est bien la rencontre de deux réalités que Jacques Audiard parvient à nous montrer. De manière authentique, sans nous épargner. La rencontre de deux pauvretés qui se heurtent, s’apprivoisent, se fuient puis se retrouvent.
C’est sûr, il y des facilités de scénario mais au fond, peu importe. Si Stéphanie se retrouve si vite debout, ce n’est pas seulement un manque de cohérence. Si la vie gagne, ce n’est pas juste pour la happy end. Jacques Audiard force peut être un peu le trait pour que nous ne puissions pas douter.

Les personnages, faits d’ombres et de lumière, comme les images parfois surexposées du film, nous parlent des profondeurs de l’être humain, de la violence du monde et de ce qui peut nous permettre de rester debout. Avec ou sans jambes. Avec ou sans poings. Mais toujours grâce au regard de l’Autre.

Bande annonce

Pour la septième année consécutive, la Fondation Gloria de Kriete organise un concours intitulé : « Ayudando a quienes ayuden ». Autrement dit : « Aider ceux qui aident ». Le projet est d'instituer une prime pour encourager les associations, les faire connaître et les soutenir. Le projet de la fondation est de récompenser une association à but non lucratif qui travaille auprès de la population salvadorienne.

© Fondation Gloria de Kriete

La Fondation Gloria de Kriete a été créée en décembre 2004 à l'initiative des enfants de Mme Gloria Kriete. Elle perpétue la mémoire et l'esprit altruiste de Mme Gloria Kriete. Son œuvre est de venir en aide aux personnes les plus démunies du El Salvador.

« Notre Fondation a été pionnière en reconnaissant que les associations existantes ont montré leur efficacité et leur pérennité, et que celles-ci méritent d’être soutenues pour obtenir des ressources et bénéficier d'une reconnaissance publique. Ainsi, nous avons commencé cette aventure qui nous a permis de partager les rêves de milliers de concitoyens à travers le pays, en soutenant les exemples de solidarité, l'effort et l'engagement qui caractérisent des centaines d'organisations humanitaires dans tous les domaines », explique Roberto Kriete, président de la Fondation.

Le plus marquant de cette initiative est de voir combien chaque membre de la Fondation se met au service de chaque association à travers la communication, le financement et l’écoute. Lors des étapes préalables au concours, l'attention est entièrement centrée sur l’autre. L’objectif de chaque membre de la Fondation est de se rendre disponible, de soutenir les projets associatifs petits ou grands afin que chacun puisse donner et transmettre le meilleur d'eux-mêmes et pourquoi pas gagner le prix du concours. L'esprit de disponibilité de chacun donne le ton à l’esprit de compétitivité, ce qui transparait finalement, c'est cette volonté d'être avant tout au service des bénéficiaires des associations présentes. Un rappel pour chaque association de la finalité et du fondement de l' existence de chacune : être auprès de ceux qui en ont besoin.

« En tant que fondation, nous savons qu’au Salvador les besoins sont nombreux et nous le constatons jour après jour, mais ils ne sont pas infinis. Ce qui est réellement infini, c’est l’esprit de service et la capacité de 'donner' et de 'se donner' qui caractérise tous les Salvadoriens » conclue le président de la Fondation.

De quoi saluer cette surenchère de don, comme un regard posé sur la réalité qui au vu de sa beauté, provoque encore plus de beauté et de don !

A l'occasion de l’anniversaire de Bono, fondateur de U2, a lieu à Dublin depuis le 10 mai dernier une exposition de photos consacrées au groupe irlandais.

CC BY-NC-ND 2.0 U2005.com

En regardant de plus près la vie du chanteur Paul Hewson alias Bono, on peut être émerveillé devant sa personne et son œuvre artistique.

A 14 ans, Bono perdit sa mère. Cette perte fut pour lui un moment insupportable. Beaucoup de questions sur Dieu et sur le sens de la vie jaillirent : « Dès mon jeune âge, j’ai cru en Dieu instinctivement mais sans savoir si Dieu croyait en moi ou en n’importe qui d’autre. Pourquoi ? Comment ? Où ? Toutes ces questions devenaient de plus en plus intenses… Les grandes questions allaient en crescendo… Je me sentais désespéré. J’ai pensé au suicide. Mais quelque chose devait se passer, et passa. Car dans la désespérance j’ai prié Dieu, et j’ai découvert que même dans le silence Dieu répond. Sa réponse peut être quelque chose que tu n’as pas envie d’entendre mais il y a toujours une réponse si tu es sérieux, si tu es prêt à te laisser faire». [1]

Cette expérience marquera toute l’œuvre artistique de Bono et tout son être. De là se révélèrent le désir d’un idéal toujours plus grand et la quête passionnée de l’Infini et de l’Absolu. Dans l’une de ses interviews[1] Bono dit : « … l’Amour surpasse les conséquences de tes actes ; ce qui dans mon cas est une très bonne nouvelle parce que j’ai fait beaucoup de bêtises dans ma vie… Le sens de la mort du Christ, c’est qu’Il a pris sur Lui les péchés du monde, de manière que ce que nous faisons ne se retourne pas contre nous, et que notre nature pécheresse ne conduise pas à une mort inévitable. Ce ne sont pas nos bonnes œuvres qui nous ouvrent les portes du Ciel. »

« Je fais parti d’un groupe. J’écris, je bois du vin et je lis la Bible. Je suis un mari et un père. Je suis un ami des pauvres et parfois des riches. Je crois en la Grâce… Je ne la cherchais pas, mais Elle est venue à moi. » Quelques chansons composées par Bono portent bien le sceau de cet Amour comme par exemple « Grace », « Magnificent », « I still haven’t find what I’m looking for », ou « I’ll go crazy », etc…

La beauté de l’œuvre artistique et musicale de U2 prend aussi sa source dans l’amitié entre Bono, Adam, Edge et Clayton : « L’amitié est la clé la plus importante de ma vie. Que ce soit dans la bande, dans ma vie de couple, ou en communauté. C’est comme si les deux types de sacrements étaient la musique et l’amitié». « Nous sommes avant tout une communauté et la musique jaillit de cette communauté. Quand  l’un de nous souffre, nous souffrons tous. Nous sommes différents avec des personnalités diverses. Nous sommes un mais sans doute nous ne sommes pas les mêmes. »[1]

« La plus belle chose qui puisse t’arriver, c’est que la joie te surprenne, qu’un ami se souvienne de toi, […]  que tu aies les yeux ouverts sur le monde, sur ce qui t’arrive, et rende grâce. » [1]

Luiz Gonzaga est venu au monde il y a cent ans, partagé entre la bêche et l’accordéon, dans une petite ville du Pernambuco (Etat du nord-est du Brésil). C’est en observant son père animer des bals et réparer des accordéons qu’il se passionne pour la musique et la « sanfona » (accordéon). Il grandit en aidant son père aux champs et sa mère aux marchés, jouant de l’accordéon et rendant de petits services à droite et à gauche.

Retirantes nordestinos Aecio

Luiz Gonzaga devient célèbre et le genre musical du Baião vient au jour : il utilise des cellules rythmiques issues du crépitement du feu et les mélodies du chant ludique et religieux de sa terre, le Sertão Nordestino. Il incorpore aussi le talent poétique de quelques artistes émigrés du Nordeste comme lui.

Il montre l’épopée des « retirantes » (habitants du Sertão devant fuir la sécheresse et la famine), la vie du vacher, des « repentistas » (troubadours actuels du Nordeste, improvisateurs), la richesse des marchés, la beauté des plages, les oiseaux, la végétation…

Il compose Vira e Mexe (1941) pour son premier contrat avec la Radio National à Rio. Depuis, le Roi du Baião n’a eu de cesse de parcourir les villes du Brésil, vêtu des vêtements typiques du vacher du Sertão, avec son accordéon blanc en bandoulière.

Vira e Mexe (1941)

Sa vie durant, Luiz Gonzaga va à la rencontre des retirantes venus chercher une vie meilleure au Sud : « Ces gens sont plein d’espérance, c’est pour cela qu’ils vont chercher une vie meilleure dans le Sud » confie Luiz Gonzaga. « C’est pour cela que je viens chanter pour eux : c’est l’unique joie et espérance de ce peuple exilé ».

Les grands chanteurs actuels comme Caetano Veloso affirment l’influence incontestée de ce maître dans leur vie artistique. A l’approche des fêtes de la Saint Jean, les radios diffusent à nouveau les forrós (autre genre musical) et le baião de Luiz Gonzaga, annonçant ainsi les danses typiques du mois de juin.

Engabelando

« …Cette joie qui m’habite est la même que celle d’antan. On n’abandonne pas ce qui est bon ! On ne l’abandonne pas. Qui donc ne se mélange pas les doigts sur les touches d’un accordéon ? C’est pour cela que je l’aime cet accordéon qui m’accompagne où que j’aille… On ne s’abandonne jamais… »

Interviewé quelques mois avant sa mort, le roi du Baião est amené à parler de ses 50 ans de carrière : « Je crois que j’ai couru, couru, couru et ai fini en m’arrêtant à la maison ». Comme si, sa mission accomplie, il pouvait retourner à la maison. Et cet amour pour sa terre, il l’a toujours manifesté en demandant à chaque personne rencontrée : « Você é de onde ? » (littéralement « tu es d’où ? »)

Le 9 mai dernier ouvrait à Athènes, au musée Benaki, DORIC, la toute première exposition sur le sol grec, de Sean Scully. A l'heure où le monde se tourne vers la Grèce avec les sourcils froncés, le peintre de renommée internationale porte sur ce pays et sa culture un regard admiratif et reconnaissant, dans une série de peintures monumentales et poétiques, qu'il décrit lui-même comme un "hommage au peuple grec."

© Sean Scully

"C'est un travail qui a mûri en moi pendant de longues années, mais il semble que son heure soit venue, car la Grèce est un pays qui est loin d'être apprécié à sa juste valeur", confie Sean Scully.

Pourtant, le peintre d'origine irlandaise, né en 1945, entretient avec la terre de Socrate et d'Homère une relation qui ne date pas d'hier. Ses canevas ont des allures de murs, et déclinent sur un registre toujours nouveau les deux éléments qui sont à la base de toute architecture : l'horizontale et la verticale.

"J'aime penser à l'artiste comme à un constructeur, un artisan, avec toute l'idée de modestie que cette profession implique. La serie DORIC fait référence à l'architecture, elle a donc rapport à la pierre."

Mais ce qui intéresse l'artiste, ce ne sont pas les pierres en tant que telles, fussent-elles millénaires. C'est ce qui se trouve derrière elles. Ce qu'elles cachent, et qu'elles protègent. D'ailleurs, regardez bien ces peintures, ces murs, et vous observerez que, pour solides qu'ils paraissent, les pierres qui les composent sont toujours légèrement descellées, et laissent filtrer la lumière.

Ce que Sean Scully cherche dans les pierres des temples grecs, ce sont les valeurs spirituelles, immortelles, dont elles furent le berceau. Ces valeurs dont aujourd'hui encore nous vivons.

"DORIC est inspiré par la forme architecturale qui a accompagné la naissance de la démocratie. Je voulais rendre hommage au fait qu' Athènes soit à l'origine de la démocratie, et de tout ce qui en a découlé en occident. Je voulais exprimer ces valeurs d'ordre et d'humanisme."

A l'heure où le monde se tourne vers la Grèce avec un regard réprobateur, Sean Scully se tourne vers elle avec un regard admiratif, reconnaissant.

"Mon travail est un hommage à la Grèce, mais il est aussi inspiré par les batailles contre Cyrus et Xerxès, et par tous les sacrifices qui ont été faits pour ces valeurs."

Sean Scully, Doric Angel, 2011

Si le rapport entre cette exposition et la crise grecque ne saurait être ignoré, ce serait une erreur de la penser avant tout comme un acte politique. Dans le climat d'austérité et d'incertitude qui pèse aujourd'hui sur la Grèce, l'enthousiasme qu'a réveillé cette exposition manifeste au contraire qu'elle a ouvert une fenêtre vers quelque chose d'autre.

Avec la puissance et la poésie qui caractérisent son oeuvre, Sean Scully nous rappelle que le travail de l'artiste n'est pas seulement de refléter les désarrois de son temps : il est aussi, et de façon aujourd'hui plus nécessaire que jamais, de raviver la nostalgie de l'idéal, de rebâtir les bâtiments en ruine, et de rendre ainsi un peuple à ses origines.

Robert Rambush a participé à la restauration de vingt-quatre cathédrales en Amérique du Nord ainsi que de centaines d’églises et monastères. Quelle est sa vision de l'art sacré ?

© Gonzague Leroux

Robert Rambush a travaillé plus de 36 ans pour la société Rambush, fondée en 1898 par son grand-père danois qui immigra aux Etats-Unis à la fin du XIXème siècle. Aujourd’hui il a sa propre entreprise, E. Rambusch Associates. Il est aussi consultant pour la conception d'espaces liturgiques. Malgré son âge, il travaille en ce moment à la restauration de l’église de la Sainte-Famille à New York et de la chapelle de Sainte-Catherine-de Sienne à Greenwich tout proche de New York en lien avec Renovata Studios.

Après un engagement au front durant la Seconde Guerre Mondiale et quelques années d’études aux Etats-Unis, Robert Rambusch revient à Paris entre 1947 et 1948. Il suit alors des cours à côté de la rue Saint-Jacques, au Centre de l’Art Sacré fondé par le père Marie-Alain Couturier (1897-1954). Ce dernier, dominicain, proche d'artistes comme Henri Matisse ou Fernand Léger, est associé avec un autre dominicain, le père Pie-Raymond Régamey (1900-1996).

Tous deux considèrent l’art religieux comme un ensemble organique. L'art qui se veut « sacré » – surtout s’il est destiné au lieu du culte – doit être pensé dans son rapport au tout et en accord avec la spiritualité du lieu. Ces deux pères dominicains enseignent à cette époque leur nouvelle approche de l'art des lieux de culte ainsi :
- l'art religieux constitue la « face visible » de l'Eglise ; sa qualité informe sur l'état de sa spiritualité
- être authentiquement « religieux » ; cet art ne peut se développer en-dehors de la vie artistique de son temps. Il doit y puiser, en s'efforçant de discerner les œuvres et les artistes susceptibles d'exprimer la spiritualité chrétienne (catholique).[1]

De retour à New York, Robert Rambusch travaille pour l’entreprise familiale et s’engage au côté de Dorothy Day dans le « Catholic Worker Movement » (Mouvement des Travailleurs Catholiques) très présent dans l’aide aux pauvres, avec de nombreux foyers où des repas sont distribués.

Au niveau de son travail, Robert connait l’élan artistique des années 50 et 60 et le renouveau d’après Vatican II : la chapelle Henri Matisse à Vence est érigée entre 1949 et 1951, Notre-Dame d’Assy est consacrée en 1950, ou encore la chapelle Notre-Dame-du-Haut de Ronchamp est dessinée par Le Corbusier et terminée en 1955.

Une de ses maximes pour la philosophie de son travail de création lui vient de Fra Angelico : "pour peindre le Christ, il faut connaître le Christ". Il nous raconte aussi que Jacques Maritain, qu’il a eu comme professeur quand il était au Canada, lui a appris "qu’il faut permettre à l’art de parler aux personnes, qu’il faut lui laisser un espace pour entrer avec l'oeuvre dans une attitude d’écoute silencieuse, en quelque sorte dans un dialogue".

Aujourd'hui, Robert Rambusch s’inquiète de l’évolution de l’art dans les lieux de culte qui manquent, à son avis, d’un regard prophétique, se tournant davantage vers le passé que vers le futur. Peut-être le père Couturier nous demanderait-il aujourd'hui d'identifier les artistes contemporains susceptibles de transmettre le message du Christ à l'homme du XXI^ème siècle ?

Quentin Dor, diplômé en Sciences Politiques et en Photographie, vit et travaille à Bruxelles. Il a exposé une série de photos ayant pour thème "Voyage en Wallonie". Il nous partage ici son périple et sa recherche de l'image.

© Quentin Dor
 

Quelle est l'origine du projet sur la Wallonie ?

Il s'agissait d'aller à la rencontre de paysages et d'une région qui m'attiraient. Mais aussi de sortir, de quitter la ville, d'aller prendre l'air, de chercher le silence. J'avais besoin d'une retraite - au sens religieux - et en même temps d'être dans un rapport actif avec l'environnement. Alors je me suis engagé dans ce projet comme dans une respiration. Aller en Wallonie, c'est prendre l'air c'est évident, que ce soit à Liège ou à Namur ! Car une retraite, ce sont aussi des lieux où se trouvent une cabane, une caravane… Oui, c'est le retrait, l'attente… Il y a une attente chez moi aussi et le fait de me dépayser ainsi m'a amené à travers la marche et la rencontre de personnes, à mieux me connaître moi-même. Ainsi le travail m'a permis à la fois de m'échapper mais aussi de me retrouver, c'est-à-dire de comprendre mes intentions dans la vie, ce que je veux.

Pourquoi avoir choisi cette région ?

La question est aussi : « Connaît-on vraiment son pays ? ». Moi, je comprends grâce à mes photos qu'il y a quelque chose de propre à la Wallonie. Peut-être qu'avant je le présageais, mais sans savoir exactement. Aujourd'hui, je peux dire qu'il y a une chaleur différente de celle des autres régions. Et c'est aussi cela mon pays ! Avec ce travail, je découvre ce territoire que j'ai exploré et qui m'a donné beaucoup de plaisir au fur et à mesure que je l'ai parcouru. La Wallonie, c'est la mobylette ! De ces découvertes est née une forme d'attachement…

© Quentin Dor

Les photos ont l'air d'avoir été faites comme si tu n'étais jamais très loin d'une route ?

J'aime bien ce que tu en dis, en effet cela correspond bien à mon travail. Au sens propre aussi, j'ai fait beaucoup de route en voiture. Les images sont alors comme un prétexte, lorsqu'une fois arrivé quelque part je cherche à rentrer en contact. Pour trouver les images qui m'intéressent, je me laisse guider par mon intuition, par une vision.

Et lorsqu'une rencontre se produit ?

Depuis toujours, je cherche à photographier les gens, comme si chaque jour j'avais besoin de voir un visage. Les Wallons m'ont permis de les prendres en photo facilement, naturellement. Ils étaient quasi flattés, voire « ravis » en règle générale. Ils n'avaient pas de problème avec leur image, mais plutôt un rapport aux choses assez simple : ils sont contents de ce qu'ils ont. Ils s'échappent facilement de leur quotidien pour profiter simplement. « On fait avec », sans être gêné d'être là.

Le site de Quentin Dor : Images Volantes

© Quentin Dor