The All Movie Blog

Reaparición y Respuesta a "¿Estudiar cine en México?"

2018-03-03T07:53:00.002-08:00

Hay una frase trillada de Facebook que dice así:

Curiosamente esta frase será crucial en el desarrollo de este post, para todos aquellos que alguna vez visitarán por casualidad o coincidencia este blog abandonado por casi 4 años que hoy trata de condensar lo que le pasó a su humilde autora.

Después de una aparición en CNN (deplorable), una carrera (Psicología), colaboraciones en Revistas, algunos cortos y videoclips, tres intentos fallidos de ingreso al CUEC y dos al CCC, muchos cursos sobre cine, mucha gente, y mucho, pero muchísimo aprendizaje; aquí me encuentro, casi 10 años después de haber escrito aquél post con más de 8,000 visitas (que para mí es un montón) con contenido desesperanzador acerca de la perspectiva del estudio cinematográfico en México.

Y es que aunque sé que mi historia con el cine apenas si se está construyendo, no quería desaprovechar la oportunidad para documentar en algún lugar (más para mí que para todos los lectores ya inexistentes de este blog) la actualización de mi psique alrededor de una pasión con la que llevo una constante relación amor/odio.

A quien no le cueste la decisión de dedicarse al cine, le pido que de una vez cierre la página porque va a ser imposible que entienda lo que hasta ahora me ha pasado a mí y a algunas personas de las que he estado rodeada a lo largo de la vida. Pero es verdad que a pesar de considerar al cine una de mis más profundas pasiones, también la considero uno de mis mayores miedos; el cine y estudiarlo ha sido en este último año un tema recurrente cuando voy al psicólogo, es la razón por la que a veces no puedo dormir, pero sobretodo también la más grande de las alegrías que he tenido y por eso que me gustaría resumir en algunos puntos el aprendizaje que en los párrafos anteriores he presumido (no va a ser fácil, pero aquí les va):

1. El cine es una carrera de pasión. A diferencia de las vidas de otros que a veces siento envidiar, la carrera de cine no es de las que se lleva flotando y consiguiendo un trabajo para después irse a la casa a ver Netflix, salir con los amigos e irse a dormir tranquila. No, no y otra vez no. Si uno piensa que con el cine, su vida se transformará en algo tranquilo para despertarse los domingos temprano y salir a correr, está completamente equivocado. Al cine lo alimenta la pasión antes que cualquier otra cosa, a pesar de que muchos presuman que es una carrera de contactos, estos contactos se consiguen con pasión; la creatividad, la inteligencia y el trabajo se tienen forzosamente que alimentar de eso y no de las ganas de otra cosa. No me malinterpreten pensando que la pasión es un pasiva porque no lo es, la pasión en el cine tiene que ser siempre activa.

2. En el cine no hay camino certero. Y no lo digo en forma pesimista, sino todo lo contrario y es por eso que el cine es tan surreal, pues absolutamente nada garantiza el "éxito" de un cineasta que recién empieza más que su absoluta y sincera condición humana. Si nos dedicáramos a hacer encuestas de cómo fue que cada cineasta icónico se convirtió en lo que es, nos haríamos más bolas que antes.

Cada persona tiene su camino, así como ese post de motivación personal que sale ahora sobre los tiempos de cada persona, así es en el cine; cada uno de los aspirantes a cineastas tiene su propio camino y puede ser dentro o fuera de una escuela de cine, dependiendo de lo que convenga más a su personalidad. Yo por mis miedos, prefiero sufrirla acompañada y con alguien empujándome, por eso la escuela me hace bien, pero sé también de mucha gente que nunca en su vida supo qué era un Polarizador y hace cosas hermosas.

3. El cine es una insaciable adicción a la vida. Sí, suena a frase de telenovela, pero la escribí mientras veía la ventana pensando en lo que hablaban los dos hombres afuera de un restaurante cerrado.

No sólo es la vida una de las mejores escuelas de cine, sino que también es un rasgo particular de los raritos del cine ser chismosos y adictos a las historias de otros, ya sea en la pantalla, en la calle, en un libro o sentados en un bar hablando con alguien. Esto no excluye la vida propia, pero parece que nunca es suficiente sólo una dosis de vida, sino que siempre hay algo más que saber, que aprender de la vida. Un consejo, o muy trillado o muy oportuno que me dieron hace muchos años, fue el de que si no entraba al CUEC me fuera de viaje, a vivir otras experiencias en otros países y con otras personas y así se me abriría la mente para contar algo.

4. El miedo es una condición obligatoria del ejercicio cinematográfico. Queridos todos, si ustedes no han sentido alguna vez un miedo irracional y exagerado a aventarse a hacer cine o a aplicar a una escuela de cine, o si quiera a mostrar su trabajo consentido a un salón de clases, entonces definitivamente el cine no es para ustedes. O quizás y sí, pero yo soy ultra miedosa de regarla y por eso digo esto, pero la realidad es que acompañado de una gran pasión, también vienen grandes miedos.

El cuatrimestre pasado, en la clase de Guión en la que había que entregar nuestro primer borrador de de cortometraje, habíamos sólo tres personas: una amiga con guión, yo sin guión pero con ganas de escuchar uno y el Profesor. Después de leer y hacer devoluciones al guión de mi amiga, el profesor se pregunta por qué nadie ha venido a la clase y a mí se me sale del alma decirle: "Porque escribir un guión es quizá una de las actividades más perturbadoras que hay", él me mira un poco indignado y otro tanto intrigado mientras yo le agrego a mi comentario inicial, "Escribir un guión y leerlo en frente de un montón de gente implica una actividad psíquica tan grande como la de ir al psicólogo por primera vez; es abrirte y exponer tus ideas, tus inseguridades, frustraciones y deseos más profundos para que la gente te diga si le parece bien o no, es casi como preguntarle directamente a una multitud que sale del metro si piensan que eres una persona digna de seguir viviendo, pero más fuerte." El profesor se queda meditando mi comentario y agrega: "Es por eso que existen tantas historias malas, porque son en las que uno no se mostró a sí mismo".

Me encantaría agregar a este post toda la conversación que tuvimos en torno al miedo esa vez, pero a lo que voy con esto es que cualquier arte es irremplazable por el hecho de que contiene subjetividad, algo que no se puede robar a nadie por más plagiado que sea el trabajo cinematográfico, y también es por eso que tampoco se le pueden robar a otros, los mecanismos para defenderse de la vulnerabilidad de ser y de ser rechazado que, inevitablemente se presenta en algunos momentos de nuestras vidas.

5. Paciencia, que todo llega. (Es más un autoconsejo que me cuesta mucho seguir). Una característica inherente del millenial (palabra que no existía hace 10 años) es querer ser reconocido por absolutamente todo lo que hace, pero la realidad sigue siendo otra. El cine no es Instagram, Facebook o si quiera Youtube, el cine es un trabajo artístico, subjetivo que lleva tiempo para consolidarse y que, como dije anteriormente, no siempre va a ser aclamado por otros, es más, su finalidad inicial no debería de estar ligada a ser reconocido, sino a expresarse por más que nunca se reciba un sólo aplauso.

La paciencia también viene para la creación y el "trabajar en cine" que muchos tanto anhelamos, pero, relacionándolo con el punto 2., a veces esto no sucede de las formas que esperábamos o de las que más nos gustaría; a veces el cine se logra como "side project", o en los tiempos libres que uno se hace mientras trata de mantenerse y es por eso que lleva más tiempo concretarlos, pero eso no quita de ninguna manera la vocación ni el título de ser o no ser un cineasta.

Sabemos todos que por su poco reconocimiento como actividad indispensable para la humanidad, el cine en ningún lugar del mundo es tan bien pagado (si es que se paga por hacerlo) como la Ingeniería, la Medicina o las Finanzas, y es por eso que pocos son los que se pueden dedicar de lleno al cine y, es por eso mismo que, los títulos de ser o no un cineasta no dependen del trabajo que nos da dinero, sino de la pasión y la dedicación que le demos a esto.

Para concluir, les cuento un poco de lo que pasó conmigo durante este tiempo y en dónde estoy ahora. Como ya anticipé, me gradué como Psicóloga hace un par de años, estuve como colaboradora en revistas hablando de cine, lo cual me daba más insatisfacción porque pensav que hacer cine y verlo/criticarlo, eran incompatibles, así que fue por eso en parte que dejé de escribir aquí y en todas las otras revistas. Después de terminar la carrera, mis familiares pensaron que el tema del cine ya estaba olvidado pero se equivocaron.

Lo único que había cambiado era mi perspectiva sobre hacer cine, y sí, no abandoné nunca la idea de estudiarlo pero sí renuncié a que alguien calificara mi aptitud para hacerlo. Hace un año y medio que estoy en otro país estudiando Cine, lo cual tuvo que más que ver con otras decisiones profesionales respecto a la Psicología y también, porque viniendo de visita a este extravagante país hace algunos años, me enamoré de él, prometiéndome regresar.

Ha sido difícil continuar en el cine, no voy a mentir, pero también ha sido una de las mejores decisiones que he tomado en mi vida.

Así es como concuerdo y concluyo con la frasecita esa (de Chavela Vargas o Mercedes Sosa, según) que puse inicialmente, pues, si uno quiere, nunca es tarde para regresar a eso que lo hizo vivir. En mi caso no sólo fue al cine a lo que regresé, sino también al país del que me enamoré y por supuesto, a este blog que ha sido para mí una reiteración constante de lo que soy y de lo que amo.

Gracias.

(Espero no volver a abandonarlo pero me gustaría mejor no comprometerme).

her (No es otra tonta película hipster)

2014-04-19T14:37:00.000-07:00

Primero que nada, respeto a Spike Jonze y quiero agradecerle plena y concienzudamente a su Director de Arte o 'Production Designer', K.K. Barrett que ya ha trabajado con este aclamado director en otras películas como 'Adaptation' y 'Being John Malkovitch', por su enormísimo trabajo en esta cinta. El problema de esta cinta no radica en el trabajo como director de Spike Jonze, quien hizo un gran trabajo narrativo, sino más bien en su trabajo como guionista que terminó haciendo que me durmiera fácil unas cuatro veces en el arduo intento por ver su más reciente producción.

Pero no puedo empezar a desmenuzar este trabajo sin antes hablarles un poco de qué va. Theodore, un hombre recién divorciado en una era posmoderna de un futuro no muy lejano, con ganas de coger pero no de comprometerse, encuentra en su sistema operativo, Samantha, una extraña y refrescante visión sobre la vida que lo lleva poco a poco a enamorarse del mismo. Al no estar hechos del mismo material físico e intelectual, no tardarán en surgir los problemas entre dos almas que se aman en universo tan lleno de limitaciones y de posibilidades.

Suena bien y pinta bien. Cuando yo vi el trailer, me enfrenté con una maravilla; creía que esta película llegaba justo en el momento correcto para nuestra nueva manera de relacionarnos. Otra (gran) crítica de la poca cercanía que tenemos ya con nuestros sentimientos y relaciones personales, con el contacto físico y la intimidad y cada vez nos retraemos más (cual esquizoides) en un cuarto con una pantalla brillante y nos dejamos hipnotizar por su belleza (de la cual me declaro completamente culpable). Pero no, el mensaje de esta película se refiere más a una oportunidad de amar a lo que sea que se nos ponga enfrente, aunque hace mención muy sutil y satírica, de la automatización de nuestros sentimientos; esta película se centra más en la resiliencia que tenemos para volver a amar y amar a cosas diferentes, que nos permitan volver a maravillarnos por la vida y todo lo que tenemos a nuestro alrededor.

Sigue sonando bien, y más si les menciono que de actores principales tenemos nada más y nada menos que a Joaquin Phoenix quien funge un papel maravilloso como Theodore y a Scarlett Johansson, a pesar de que los hombres no tendrán oportunidad de apreciar sus curvas durante toda la película, tendrán mucho de su ronca y sexy voz (que yo ya terminé por alucinar). Suena aún mejor...

Pero... imaginen la complejidad narrativa a la hora de hacer una película, algo audiovisual, entre un sistema operativo, sin imagen física y una persona. No sólo eso, traten de visualizar que el 80% del filme son conversaciones largas y existenciales entre estos dos personajes.

A pesar de los arduos intentos de Jonze por no aburrir con esto, no lo logro. Por más interesante que sea lo que Scarlett Johansson tiene que decir sobre la vida y su significado, si no recibimos estimulación física de su parte, en la que podamos ver su reacción emocional, no podemos conectar por completo con ella, no podemos creérnosla del todo; y es realmente una pena porque toda la trama y toda la idea de Jonze se pierde al ignorar nuestra conexión emocional con un sistema operativo que a fin de cuentas, intenta volverse humano.

Plausible, como todo en este blog, el intento de Jonze. Gran obra cinematográfica para aquellos que la consideren como tal y no por nada terminó nominada al Oscar... Vale la pena aprender algo de ella y dejarse llevar por el amor virtual.

¡Feliz Año Nuevo! (¿?)

2013-12-31T16:46:00.001-08:00

Hace años que no ponía un mensaje así en este blog, pero, no sé, siento que alguien lo leerá algún día y se sentirá bien...

Bueno, a quienes quiera que lean esto, gracias por leer este humilde y grotesco blog que sigue en pie por gente que lo lee, sea una o cien personas. Muchas gracias, en serio.

Esperemos que este año sea bueno para ustedes y sobre todo para el cine, de esa manera podré seguir escribiendo jeje.

Los quiere su servidora, Luisa.

Soltera y llorando por eso, ¿un documental?

2013-12-25T21:12:00.001-08:00

Con esto de la desesperación femenina por conseguir a un sujeto, sobre todo en estas fechas, sin lograrlo. La mercadotecnia, la Navidad, la televisión y hasta el cine se enfocan en informarle a esta mujer que necesita encontrar a un hombre para poder ser feliz... pero... no, no siempre, ¿o sí?

Pero, no se vayan tan rápido, que, detrás de este mensaje que casi le llega como una revelación a la mujer, durante un día de compras navideñas, viendo a las parejas pasar, se encuentra una gran producción que logró meterle a la mujer toda esta serie de ideas, para que se levante y crea que necesita un hombre, que lo único que le puede hacer bien a su vida en esos momentos es la cálida compañía de un individuo de sexo masculino.

Como finalmente la mujer no consigue pareja, siente que ella, de todas las mujeres en el mundo, es la única soltera que además, no lo merece, empieza a ser fachosa, a dejar sus zapatos y cosméticos por todo el hogar, a faltar a las reuniones con sus amigas, aburrida de que siempre hablen de sus novios y hasta esposos mientras se pregunta a sí misma, ¿por qué chingados yo no me consigo uno así, que me lleve flores y a cenar? Y así, alrededor del mundo, unas 40 mil mujeres se lo preguntan cada minuto, siendo esta una gran GRAN población.

En términos monetarios, esto representa para las empresas e industrias un sector creciente a cada minuto, las parejas se vuelven más efímeras, las mujeres más necesitadas, los hombres más inestables y los matrimonios disminuyen en el mundo y si no me creen, chéquense este artículo. Desde hace años, el perfil de Bridget Jones ha hecho a industrias cinematográficas millonarias y el caso de este año le corresponde a la 'cineasta' argentina Paula Schargorodsky a quien yo consideraría una de las mujeres más astutas del universo, quien decidió subir a la red un 'documental' que se volvió viral en unos días.

Y si todavía no captan de qué hablo porque su nombre es bastante enrededado, quizá recuerden su terrible pronunciación al inglés en un video llamado '35 años y soltera' que seguramente sus amiguis en Facebook ya se dedicaron a compartir (y hasta etiquetarlas [qué oso]) en el que muestra su vida como una mujer fracasada, al igual que muchas, en las cuestiones amorosas. El 'documental' transcurre con su infancia, sus relaciones fallidas, sus papás regañándola y ella finalmente dándose cuenta de que no necesita de nadie para ser feliz. Y no sé si yo fui a la única mujer que, aparte, amante del cine, a la que cuentan el cuento chino de que la mujer es cineasta y de que ese video es un 'documental', me pregunté a mí misma: ¿Así de huevos?
Así de huevos hago un 'documental' sobre lo absurda y patética que es mi vida sin una línea dramática definida como es el caso de un documental, en el que es preferible que se retrate desde la visión de otra persona para que la información no se sesgue, así de huevos... Pues al parecer sí, no basta más que poner un tema en boga para que yo me vuelva reconocida y triunfe en el New York Times por tener una vida patética.

El punto aquí no era tanto el cinematográfico porque realmente no hay nada de cinematográfico en este video, sin embargo, esta mujer le dio en el clavo a la necesidad de la mujer, que, quedada a los 35 años necesita que le sigan recordando que no necesita de nadie para hacer lo que quiera, y sobre todo, para quererse (perdón por la autoayuda). Y es por eso que, aunque no me pareció su acto de fungir como algo que no es, oséase directora de cine, respeto su estrategia para escalar la cima.

Perdón, me emocioné poquito.
Véanlo si no me creen...

'No Sé Si Cortarme las Venas o Dejármelas Largas', ya tenemos al Almodóvar Mexicano

2013-09-16T18:49:00.000-07:00

Después de la arrasada que puso 'Nosotros los Nobles' y que incluso, hace unos dos meses todavía estaba en cartelera, la incertidumbre invadía al cine mexicano, y como yo misma les expuse a ustedes, estamos en una especie de incógnita por los próximos años para ver qué rumbo tomamos: O hacer cine mexicano agradable e inteligente para el público, o sólo cine hipster, o cine de denuncia, o un poco de todos o un poco de ninguno.

Después sucede 'Heli' y su premiación en Cannes y otra vez el retroceso en el cine, porque perdón pero esa película ya rebasa los límites de lo transgresor y se convierte en una porquería.

Pero en fin, no estamos para hablar de eso, sino que, regresa a México el cine inteligente. Aunque sea a través de la adoptación de una obra dramática que tuvo mucho éxito hace unos años, resulta bastante interesante ver en la pantalla grande a los vecinos de un edificio que muestran ante nosotros una serie de conflictos, todos entrelazados y enredados para dejar ver depresiones, intentos suicidas, sueños frustrados, amores imposibles, etc.

Resulta ser, que además de recurrir a la actuación del mirrey Luis Gerardo Méndez, también acude a muchos de los recursos (bien) utilizados tan característicos del director español Pedro Almodóvar como una buena dirección de arte (kitsch) y una fotografía llena de planos completamente estéticos además de una excelente línea dramática divertida y llena de buenos gags mexicanos, por lo que la película ya se convierte en un elemento plausible e importante de la cinematografía nacional.

Podrá no recaudar tanto dinero como Los Nobles, pero seguramente deja mucho más huella emocional y empática al espectador que la anterior. La pieza de Manolo Caro, definitivamente deja ese sabor de boca de '¡la tengo que volver a ver!', o al menos tengo que llevar a todos los que conozco a que la vean.

No estamos tan perdidos... Ahí la llevamos, nada más nos falta alentar a nuestro público a que efectivamente, tenemos muy buenas historias que contar.

El trailer y córranle porque sigue en cartelera

'Man of Steel': mejor que Superman ya no regrese...

2013-07-12T12:03:00.001-07:00

¿Superman esposado? FAIL

Aunque mi corazón le pertenece a Marvel desde hace muchos años, me dio mucha curiosidad ver la resolución de DC ante un personaje tan polémico como Superman; el cual ha causado muertes, parapléjicos y un aberrante regreso en los 2000's. Muchos le apostaron bastante a esta nueva versión del hombre de acero, sin embargo, ¿realmente logró compensar su pasado?

Las opiniones son diversas, pero en lo personal, no he escuchado ninguna opinión que la califique de 'excelente', sino simplemente de 'estuvo decente' o 'buena', y aunque mi círculo de amigos y conocidos es realmente una muy pequeña parte del universo, creo que representan a la mayoría de la población que logró ver esta película.

Por más que el director haya sido Zack Snyder, que la película haya sido producida por Christopher Nolan y que Superman haya sido interpretado por el guapérrimo Henry Cavill, la mayoría de los errores cruciales de esta película no son compensados (y eso es muuuuuuy grave).

Entre las opiniones que he escuchado a favor de Superman, está la de 'Superman es una película de acción', sí, lo entiendo, pero ¿qué acaso cualquiera de las películas incluidas en la nueva saga de Batman excluyen por completo la emoción, una línea narrativa coherente, personajes parecidos al público que los mira debido a sus emociones por ser una película de acción? Es quizá este el principal error de Superman; Zack Snyder no encontró sinónimos de acción en la emoción y los vínculos afectivos y por más que quiso este director no logró una conexión íntima emocional entre Superman y el espectador.

En esta película Superman simplemente parece torpe, robotizado y por ende, malo para las relaciones de pareja. El villano Zod, por otra parte, me pareció un villano igualmente estúpido y poco intimidante, que igualmente presenta poco ingenio y por mucho, es comido por su secuaz Faora-Ul, interpretada por Antje Traue, quien se muestra mucho mejor como una villana intimidante y temible que tiene que seguir las órdenes de un imbécil, una lástima.

Para mencionar a Lois Lane, me he reservado para el final de esta triada actoral porque aunque Amy Adams me parece una actriz fenomenal en películas como 'Doubt', 'Leap Year', 'The Muppets' e incluso en 'Encantada', se me hace que es una pésima, pero en serio PÉSIMA Lois Lane, quien se supone que tiene agallas, es curiosa y le interesa conocer la verdad, pero aquí se muestra, de nuevo, torpe y poco empática como figura femenina, es por eso que su relación con Superman simplemente se me hace, muy en lo personal, humillante y para dar pena ajena. Es más, en los momentos cumbre de esta relación, me sentí más forzada a sentir algo 'bonito' por esta pareja más que en cualquier otra película. Esto último fue lo que más me decepcionó de la película, ya que, no importa qué tan mala pueda ser el resto de una película, pero si un vínculo amoroso entre dos personajes está bien construido, todo lo demás no importa... Seamos sinceros, vamos al cine a ver golpes, sí sí, ¡pero también vamos a ver besos y buenos besos!

Lo único rescatable de esta cinta: El prólogo, presentando acerca de los orígenes de Superman, oséase, el principio de la cinta, es quizá el momento más emocionante y elaborado con la que cuenta la película. Sin mencionar que nos adentra al mundo de Superman, lo cual no fue hecho en 'Superman Returns', sin mencionar que aparece un grande de la actuación, quien, sin importar quien lo dirija siempre lo hará bien; Russell Crowe.

En mi más humilde opinión, la fórmula Snyderiana falló por completo en todos los sentidos, sus flashbacks también son deplorables y aunque aquí fue donde quiso implementar la emoción y el drama, le salió mal. No es por mi odio a DC, porque sinceramente Batman y su trilogía fueron muy de mi agrado, sino por el mal manejo de uno de los super héroes más emblemáticos del mundo al que, otra vez lograron hacer trizas. Y si por mí fuera, de verdad que me evitaba una caótica secuela a menos de que:
a) Zack Snyder regrese a la escuela de cine
b) Cambien al director y dirija bien a Henry Cavill, Amy Adams y el villano, quien quiera que sea
c) Consigan actores que se dirijan a sí mismos

Por su atención, gracias.

¿Adaptarse a Hollywood o Morir? 'Un Mundo Secreto' vs. 'Nosotros Los Nobles'

2013-04-03T20:17:00.001-07:00

En los últimos dos días me he dado cuenta de la gran batalla por la que pasa ahora el cine mexicano, esto es, que siga códigos Hollywoodenses y adopte de una vez por todas su fórmula y se fusione con éste o experimente con fórmulas, que, a menos de que mejoren, por ahora quedan como fallidas. A continuación, experimentemos esta batalla en el cuadrilátero cinematográfico, aplausos por favor.

Round 1: Línea Narrativa

Primero que nada definamos las sinopsis de ambas (las cuales no serán juzgadas) y posteriormente las líneas narrativas de ambos filmes...

Una adolescente introvertida, la cual está harta de su madre, decide realizar un viaje a ver a las ballenas, a lo largo del camino, conocerá a gente que la hará cambiar su perspectiva sobre la vida.

Suena interesante para una adolescente que está harta de su madre porque le dice que se vista bien y se preocupa por ella cuando no regresa temprano a casa y quizá esta película hubiera sido la revelación teen mexicana de este año, la 'Juno' mexicana (Diablo Cody: amsory)... PERO NO. Con una línea narrativa de vergüenza, hasta esta trama se puede echar a perder, y es que, el director, como muchos otros mexicanos, olvidó introducirnos a un personaje humano, que tenga intereses, que se alegre, que esté motivado, que se ponga triste y en vez de esto nos muestra a un personaje antipático, que no se parece ni a la más introvertida de las niñas de su preparatoria de preferencia, esto parece un marciano que encuentra personajes 'valiosos' pero irrelevantes al final, descartados fácilmente y sin un fin dramático. Además, un guión flojo y lleno de clichés (los cuales seguro el director estaba tratando de evitar) en el que los diálogos resultan redundantes y hasta absurdos al punto en que el público reía por la torpeza de éstos.

A continuación, un diagrama mostrando la línea dramática de 'Un Mundo Secreto'

INICIO_____________-___________________________________________-____FIN

Refiriéndose __ a momentos irrelevantes y -- a momentos interesantes.

Mientras esto sucede en Indie-landia, Simón Bross y sus amigos Alazraki se cagan de risa al ritmo que diseñan una línea narrativa de molde hollywoodense con una historia de moda en México:

3 hermanos mirreyes desplifarran el dinero de papi a su gusto, éste último cae en la cuenta de que sus cuentas bancarias no pueden ser vaciadas así y decide jugarles sucio a sus hijos, los cuales tendrán ahora que vivir en una zona de poco dinero, aprender a trabajar y mantenerse no sólo a sí mismos, sino también a su padre, todo esto por un supuesto fraude.

Aunque la historia parece poco prometedora y sólo para clase popis, su línea narrativa, es sorprendentemente buena... sigue la fórmula americana de los plot points y nos hace sensibilizarnos con los que al principio sólo eran un trío de mirreyes insoportables, ya que estos muestran sentimientos, motivaciones, alegrías y tristezas, tal y como lo hace cualquiera de nosotros. Su guión, ni hablar, recurre descaradamente al cliché, introduciendo en el diálogo gags conocidos pero que sabemos, nunca fallan, esta cinta no es la excepción, funcionan y lo hacen de maravilla.

A continuación su línea dramática:

INICIO____-_____-_____----_____-______-______----_____------------____FIN

No basta hacer una comparación dramática, la ganadora de este round por default es 'Nosotros los Nobles'

Round 2: Elementos Narrativos

'Un Mundo Secreto': Fotografía pictórica

Está bien que los cuadros simétricos estén de moda, que el fuera de foco sea el elemento más hipster y sofisticado del momento, que la fotografía pictórica haya descartado por pura pseudo-estética a la cámara orgánica y en movimiento, pero ¡NO MAMEN! La cinefotografía tiene un porqué, ésta es la visión del director, a través de ésta, se guía al espectador a ver los elementos importantes dentro del filme, cosa que el director de 'Un Mundo Secreto' fue incapaz de concebir. Además de cuadros poco estéticos, éste fotógrafo y director utilizaron de manera desmedida el fuera de foco sin ningún propósito narrativo, además de una mala utilización de close-ups para momentos y detalles irrelevantes. Su fotografía pictórica al principio es un detalle 'artístico', después es desesperante ver secuencias en las que se necesitan planos más cerrados y el director no acude a ellos. En cuanto a la música, además de mal empleada, se utiliza una o dos veces en todo el filme, lo cual le quita importancia y relevancia a muchas secuencias que el director debió de enfatizar a través de este elemento narrativo. En pocas palabras, los elementos narrativos fotográficos y musicales en esta película son nulos, carece de intimidad, sensibilización y le sobra hipsterismo y redundancia.

Buena toma al espejo, papawh.

Del otro lado del ring, tenemos una joya en la narrativa hollywoodense, planos perfectamente bien utilizados, fotografía de calidad, pocas transiciones y (estoy casi segura de que no hubo) ningún fuera de foco, y si lo hubo, encajó perfecto para transmitir el mensaje narrativo que el director se propuso. En cuanto a la música, es utilizada para sustentar el drama de manera correcta, aparece cuando es necesaria y no más, 'Nosotros los Nobles' definitivamente hizo bien la tarea de realización.

En este round, cae noqueada 'Un Mundo Secreto' y su distante y frívola fotografía, la cual podrá ser muy artística y se cuece aparte, pero dentro de la película no ayuda ni trasmite de manera exitosa casi ningún mensaje narrativo. Por el otro lado, 'Nosotros los Nobles' podrá no tener una fotografía grandiosa y la verdad es que ni me fijé, y ése es justo el chiste; la fotografía sólo es un medio para ayudar al director a contar una historia, si de aquí también se puede agarrar para hacer el mensaje 'bonito', buenísimo, pero si cumple su función primordial, con eso basta.

Round 3: Los Actores

Mari Pily y Miguel... ¡ah, no! Barbie y Javi Noble

Hace poco salió al aire por Cadena 3 una serie llamada 'La Clínica', en la que la participación actoral era simplemente catastrófica. Algunos de los protagonistas de ésta se repiten en 'Nosotros los Nobles' lo cual me hizo dudar de la calidad actoral de la misma, sin embargo, me he llevado una gran sorpresa con la mayoría de los actores de esta película, que resultan adaptarse a un papel que seguro viven cotidianamente de manera bastante creíble y empática, como dije en el primer round, los personajes resultan empáticos y humanos, lo cual produce una sensibilidad natural en el espectador. Aunque algunas actuaciones pueden generar gran impacto, también hay algunas que debilitan el impacto dramático. Entre las actuaciones notables se encuentran la de Gonzalo Vega, Karla Souza, Luis Gerardo Méndez y Juan Carlos Gascón y las actuaciones débiles Ianis Guerrero y Juan Pablo Gil.

Lucía Uribe y sus círculos de confusión

En la otra esquina se prepara una chamaca sacada de la esquina de un antro en la Condechi: Lucía Uribe, quien, o seguramente no tenía/tiene el más mínimo conocimiento actoral o su director debería dedicarse a ser contador. La niña no tiene un comportamiento de una niña introvertida, tiene el comportamiento de un robot, sus emociones son nulas, incluso cuando se le pide seriedad, tristeza, indiferencia ésta se presenta de igual manera, no hay reacciones corporales adecuadas... Señores y señoras, he aquí la Kristen Stewart mexicana. Quizá la única actuación que podría salvar un poco y reitero, poco esta película, sería la de Olivia Lagunas, quien tiene un personaje al cual le pudieron haber sacado un potencial enorme y sólo sirvió de comodín narrativo, un desperdicio grande de talento. El otro chamaco, Roberto Mares, no se diga más que... no es buen actor, punto.

En este round se prueba ese dicho de 'Más vale malo por conocido que bueno por conocer', al tiempo que a 'Un Mundo Secreto' se le cae otro diente después del golpe actoral que le pusieron... Ni modo.

Round Final: Camino y Expectativas

Generalmente yo siempre soy la primera en defender al cine independiente, hippieoso y 'contemplativo', me gusta ese cine, me gusta la calidad fotográfica, los no actores y que se rompan las reglas, sin embargo, bien me dijo un profesor hace ya unos ayeres: 'Está bien si quieres romper las reglas, pero primero, conócelas'. Es cierto, como realizador, uno tiene que entender, conocer y aprenderse de memoria las reglas y después decidir qué es lo que no te gusta de éstas y romperlas, pero de esa manera las rompes correctamente y no al aventón.

Berlinale, porque soy muy profundo

El camino actual del cine mexicano, es preocupante. Aún no se encuentra una estructura narrativa propia, siempre se carga hacia un lado, como es el caso de estas dos películas. Por un lado la película independiente filmada sin estímulos económicos gubernamentales sobre un evento desafortunado (narcotráfico, delincuencia, adolescencia rebelde, etc) de un personaje completamente apático al cual te termina valiendo madres si le sacan los intestinos o logra escapar, este camino generalmente sigue un esquema fotográfico muy estético pero sin sentido, recurre poco al diálogo pero cuando los hay son redudantes o torpes y su golpe de impacto casi siempre es el sexo o una violencia desmedida. En este camino se encuentra 'Un Mundo Secreto', 'Miss Bala', 'Fuera del Cielo', e incluso una mitad de 'Después de Lucía'.

Alfombra roja de Whiskas y éxito comercial, Papawhlord.

Del otro lado, la mafia popis del cine Mexicano (Bross y compañía) pagada con patrocinios y el famosísimo '226' sobre un conflicto más hollywoodense casi de chic-flick que generalmente se exhibe en todas las salas de Cinépolis durante meses y termina con trabajo, siendo recordada y recomendada sobre algunos hits gringos, pero sin trascendencia cinematográfica. Sus fuertes se encuentran en su similitud con las películas gringas, alejando por completo el mensaje y realidad mexicana sin caer en clichés (ej. ricos - pobres), actores popis de Televisa (generalmente malos) y su finalidad es sacar dinero, por lo menos para cubrir los gastos de producción. Aquí cae 'Nosotros los Pobres', 'El Estudiante' y 'No Eres Tú, Soy Yo'

En mi opinión, en este round ninguno de los dos caminos gana, porque como en todo, existen excepciones y son esas excepciones las que podrían salvar al cine mexicano en convertirse en una extensión del cine gringo (ya nada más eso nos faltaba) o caer en la destrucción del cine mexicano gracias a la invasión hipster-Tarkovskiana (perdone usted, gran Tarkovski). Se encuentra en este limbo una narrativa inteligente, que roba elementos de ambos caminos y los combina de maravilla, tomando una propuesta de conciencia inteligente, con buenos actores que provocan empatía, elementos narrativos y fotografía impresionante (porque México tiene MUY buenos cinefotógrafos). Seguramente reconocerán algunas de las películas que se encuentran en nuestra esperanza y salvación: 'Y Tu Mamá También', 'El Infierno', 'Temporada de Patos'

(Reygadas, mi amor: tú eres muuuy aparte).

Si es que futuros realizadores leen este artículo, me encantaría que creara en ustedes una conciencia y criterio sobre el cine mexicano actual, no descarten los elementos de la escuela pero tampoco dejen del lado sus raíces y su creatividad. Y como espectadores, no nos dejemos llevar por las apariencias, no descartemos en primera instancia el cine mexicano, mejor, analicemos nuestro cine, tanto para admirarlo como para criticarlo, encontremos maneras de apoyarlo y mejorarlo.

Si llegaron hasta aquí, gracias.

(No me linchen)

'Después de Lucía', 'Chalán' y 'Post Tenebras Lux': La Tríada Fantástica del 2012

2013-01-02T16:11:00.001-08:00

Creo que está de más decir que estamos hablando de Cine Mexicano.

En fin, aunque los informes del IMCINE no dan pronósticos muy buenos al cine nacional, yo orgullosamente les puedo presentar la Triada Fantástica y este nombre se les da porque cada una posee características que si se combinaran en una sola película, podrían impulsar de manera impresionante nuestro cine.

'Después de Lucía', la nueva apuesta

Del Director Michel Franco, aunque no fue la cinta más taquillera del 2012, ciertamente ganó en Cannes el premio 'Un Certain Regard', y propuso un nuevo tema de igual importancia en México que el narcotráfico, sólo que esto se manifiesta en las escuelas y casi siempre se le resta importancia hasta hacerlo 'invisible', hablamos de el bullying, el cual ha tomado fuerza en las escuelas mexicanas después de estar en boga en las instituciones estadounidenses. Esta película narra la mudanza de Alejandra, una adolescente y su papá después de la muerte de su madre, al venirse a vivir al Distrito Federal, Alejandra por consecuente, ingresa a una nueva escuela donde al principio todos parecen ser sus amigos, hasta que incidente gira por completo su situación.

Este filme, no sólo muestra un tema nuevo, sino también talentos nuevos como lo es Tessa Ía, la protagonista, y el mismo director Michel Franco. La mirada que ofrece esta película es lejana a la complejidad y la pretensión narrativa, y por el contrario ofrece una reflexión explícita e insultante de cómo se vive este fenómeno en las escuelas actuales, e invita (por puro coraje) al espectador a tomar acción en la vida real. Aunque mucha gente la tome de absurda, yo considero de esta una de las joyas actuales del cine mexicano, ofrece el grado exacto de violencia y abuso como para actuar sin ser grotesca o aburrida.

'Chalán', la aspiración en el marketing y exhibición

Del director Jorge Michel Grau, quien anteriormente ha sido aclamado por 'Somos Lo Que Hay' esta vez presenta otra película sobre la corrupción entre las autoridades de este país, y como es bien sabido que este año cambiamos de presidente, esta película no podría quedar mejor. Aunque su temática es simple, la cual se centra en un chalán de diputado, el cual lo explota y amenaza constantemente, y al mismo tiempo éste es testigo de la corrupción y el abuso de poder al que el diputado recurre, la película ciertamente tuvo un impacto mediático impresionantemente bueno. Unos días antes de que ésta saliera al aire tanto en Nuflick como en el Canal 22, una cuenta de Twitter de un supuesto 'Diputado Aldape' (@Dip_Aldape) empieza a causar controversia al protestar, querer impedir y hasta amenazar a los patrocinadores por el estreno de esta película y aunque, este Diputado era administrado por los mismos productores de la película, en el mundo mediático creó tal impacto que hasta salió en los periódicos. Todo esto acompañado de una excelente alternativa de distribución conocida como NuFlick, la cual impulsa proyectos mexicanos independientes a los cuales les es imposible financiar una distribución en las salas de cine y cobra $25 pesitos por película, los cuales (en su mayoría) le llegan al director y a su equipo sanos y salvos, en el caso de 'Chalán', el día del estreno la reproducción de la película fue gratuita, a lo que siguió una exhibición en el Canal 22.

No puedo quedar más sorprendida; muchos productores mexicanos quedan decepcionados de las condiciones de exhibición que existen en este país, y aunque es una triste realidad, 'Chalán' desafió por completo estos parámetros y ofreció e inculcó una nueva alternativa: barata, inteligente y eficaz.

Post Tenebras Lux, otra huella en la historia

Uno ya sabe que en cuanto Carlos Reygadas anuncia su próximo proyecto, éste SEGURO va a causar polémica, es un director atrevido que siempre sigue los deseos de su mente y le vale madres todo lo demás...

Este año, fue invitado a quedarse más días en el Festival de Cannes, lo cual es sinónimo de premio y tras abucheada y abucheada, finalmente se llevó el Premio a Mejor Director y es que, su cine es tan complejo y hasta puede ser clasificado rotundamente de 'pretencioso' que la gente le quita su valor a este espléndido director mexicano. Otro de sus grandes trabajos ha sido el cortometraje compilado en 'Revolución' llamado 'Este es mi Reino'. Este y todos sus trabajos se muestran como un proyecto espontáneo y puro, retratando a la sociedad mexicana en su salvajismo y crueldad y a la vez en su belleza y maravilla.

Este filme retrata la vida de una familia de clase alta que decide irse vivir al campo, en donde trata de inmiscuirse con los habitantes nativos del lugar, y aunque al principio este vínculo parece establecerse de manera armónica, las sorpresas se van revelando a lo largo de la película. Ciertamente es una película onírica y con una belleza única que sólo encontramos en las películas de este realizador, y hasta podría afirmarles que los primeros minutos se convertirán en una joya de nuestro cine.

A esta película se le aclama su autenticidad, su belleza y por supuesto, su trascendencia en la historia del Cine Mexicano.

Después de leer esto, espero que entiendan mi mensaje, queridos lectores: ¡No os decepcionéis! El cine mexicano ofrece cada día un millón de alternativas, de mensajes, de historias, personajes, milagros, propuestas, etc... que provienen de creadores con deseos puros de hacer trascender e impulsar a nuestro cine, hay que darles su valor y reconocer sus logros, reconocer que no sólo la industria yankee puede triunfar, es más, nosotros hemos encontrado otros medios de distribución y exhibición en los que ellos están en pañales, ojalá este año nos depare más sorpresas y aplausos.

'Hecho en México', el mensaje de unidad nacional producido por Emilio Azcárraga

2012-09-24T18:07:00.000-07:00

Sinceramente, no me pudo quedar peor sabor de boca que cuando descubrí que esta película, que prometía ser un mensaje de unidad, identidad, optimismo y cultura mexicana era producido por Emilio Azcárraga, el gran monopolizador de medios de comunicación en México y más cuando durante la película se hizo crítica a los medios que no hacían libre la información que llega a los mexicanos.

En fin, fuera de esta inmensa frustración, 'Hecho en México' no es más que otro retrato lejano de la vida en México, claramente tenía que ser dirigida por un extranjero. Lo interesante es que, cuando uno ve el trailer, le entra un gusto, una emoción de ver reflejada su cultura por una inmensidad de personajes mexicanos de gran valor sólo para descubrir que 'esto' es sólo un retrato pop del mexicano nice.

Queridos lectores, no es mi intención denigrar a mi país, al cual amo más que a mí misma, sin embargo, me molestan las formas en las que a los extranjeros se les hace fácil retratar un México bien reducido a 'nopal', 'música Indie' o 'banda', no más... No somos eso, describir a México es una responsabilidad inmensa, en la que si no se hace bien, serás seguramente víctima de una crítica durísima.

Aunque las intenciones parecen ser buenas, como lograr la unidad, la identidad (tan perdida) nacional, y fomentar el orgullo por ser mexicano, el mensaje no está bien estructurado y mucho menos bien dirigido, la película debe de ser para CUALQUIER mexicano, si es que por eso se está exhibiendo en abundantes salas del país y sin embargo, al parecer del director, seguimos siendo una cultura de nopal, que, siendo inglés, nos ve con una admiración/lástima que no necesitamos.
La película se subdivide en categorías tales como 'Libertad', 'Vicios' (¿?), 'La Vírgen de Guadalupe' etc.. etc... que si bien son temas de importancia (o algo así), no existe una cohesión y unidad (irónicamente) entre ellos, simplemente son temas para excusar que Chavela Vargas nos cante una canción... o que salga Carla Morrison. Desde mi punto de vista, una película no se hace para presumir a quien sale, sino para que ese 'alguien' entregue un mensaje importante sobre algo.

No me queda claro ni siquiera si esto es un documental, un musical, o una burla hacia el mexicano, tampoco me queda claro qué es lo que se sugiere, y cuál es el concepto del creador del mexicano, lo que sí me queda claro es que México tiene mucho de qué hablar y sus figuras más importantes no se reducen a músicos (aunque es bueno mencionarlos), artistas pop como Diego Luna y unas cuantas culturas indígenas... México es su comida, sus paisajes, la gente que trabaja a diario para sacar el país adelante, desde el tortillero hasta el empresario, sin importar que sea un 'güerito', un emo, un reggaetonero, porque si sólo se va a presentar a México parcialmente, entonces no se presume la película como un extenso análisis de México, sino sólo del sector que se quiere abarcar.

'Melancolía' arrasará con el mundo

2012-08-04T19:29:00.000-07:00

'Life on Earth is evil'

...O así nos lo hace ver Lars Von Trier en su nueva y polémica cinta acerca del fin del mundo.
Todo esto se sitúa después de la catastrófica boda de Justine en la hermosa residencia de su hermana Claire, en la que la aparición de su madre arruina por completo el momento más importante de toda mujer, de ahí se viene una catástrofe mayor, en la que cada personaje sacará sus peores impulsos para lograr salvarse en el fin del mundo.

Cada vez estoy más convencida de que Lars Von Trier ha enloquecido, pero curiosamente, lo ha hecho de una manera hermosa, en la que nos deja ver que como cineasta se ha consagrado, pasando con su filmografía actual a la sala de los inmortales del cine. Sus temáticas cada vez se vuelven más avanzadas, sobre todo, en el subtexto de la película, en la que nos acerca a la desesperanza, que resulta ser el mayor miedo de todo ser humano y cómo éste reacciona ante ello.

La película en un principio podrá parecer absurda, aburrida y ridícula, pero ésta se nos va revelando no sólo como una posible teoría del Apocalipsis, sino también como la pérdida de la esperanza, de la fe, todo esto acompañado de una de las mejores musicalizaciones que he tenido el privilegio de escuchar en mi vida.

Ayer en tumblr, me encontré una clave para atender esta película que les pondré a continuación:

Podemos ver en la imagen de la izquierda una pintura que aparece en 'Melancolía', la segunda imagen, que pertenece a la película 'Solaris' del director Andrei Tarkovski, la cual trata de un planeta que puede ver los deseos más profundos de cualquiera que esté cerca de él y lo hace presente ante la persona. En ambas películas se explora y cuestiona a la raza humana y su pureza, sus sentimientos, sus deseos y lo que esperamos del mundo. Interesante observación...

Así es como Von Trier, en una película un tanto larga y tediosa, procura restregarnos en la cara que no todo tiene un final feliz, que no todo está hecho para complacer al humano. Trata de hacernos ver la otra cara de la moneda, en la que efectivamente somos víctimas día a día del sufrimiento que nos provocan los demás y no sólo lo dice en esta frase Justine, protagonizada por Kirsten Dunst: 'Nadie extrañará a la Tierra, porque la vida en ella es terrible', sino que en la primera parte nos da una probadita de lo odiosos y malos que podemos llegar a ser, incluso en los momentos que más anhelamos.

Un gran maestro narrador, que en vez de quedarse estancado, decide ascender y mostrarle al humano lo que es, mostrarle la decepción que a veces podemos ser, tanto a la nivel sociedad como individual y como planeta... al final, la melancolía puede ser letal.

The All Movie Blog Lamenta la muerte del cineasta Alfredo Joskowicz

2012-07-20T18:03:00.003-07:00

Uno de los gallos de la enseñanza cinematográfica en México falleció el pasado 5 de julio del presente. Para todos aquellos que aspiramos al ejercicio cinematográfico representa una gran pérdida.

Descanse en paz.

"Los Descendientes" El viaje épico de papá de bar de Hotel

2012-02-12T14:27:00.000-08:00

¿Papá de bar? Deberían de meter este término al urbandictionary pero por ahora yo se los explico: típico papá que está de vacaciones y casualmente se pelea con su esposa, su único refugio es el bar del Lobby de su hotel predilecto, en el cual pide un vodka tonic/whisky en las rocas y reflexiona sobre su vida de manera introspectiva mientras observa cautelosamente a la gente a su alrededor y se dice a sí mismo: 'Dios mío, estoy jodido'. Sí, una descripción un tanto extensa y no es exactamente la situación de George Clooney en esta película, sin embargo encontrarán muchas semejanzas.

En fin, un viaje épico moderno no necesariamente incluye héroes, (estamos en la época de los anti-héroes, ¡por dios!) y éste es otro de los muchos ejemplos que encontraremos este tipo de tramas, en la que, un papá de bar de Hotel alejado de su familia, se enfrenta ante el estado de coma de su esposa y cuando se entera de que ésta va a morir, se decide a unirse a su familia para dar la terrible noticia pero en medio de esto se da cuenta de que su esposa le puso el cuerno, en lo cual empieza su gran viaje épico junto a sus dos hijas y a un sujeto bastante peculiar. Todo esto transcurre al mismo tiempo que el terreno de sus tatarabuelos Hawaiianos está a punto de ser vendido a una importante cadena de hoteles.

Sabemos que esta historia la hemos visto en millones de escenarios diferentes, sin embargo, después de ver "J. Edgar", esto parece un verdadero alivio cinematográfico, en el cual los elementos narrativos convencionales aparecen de nuevo, sin embargo, eso no le quita que sea una película digna de verse, de preferencia en familia y volteando a ver a su respectivo padre de Bar de Hotel, que seguramente se sentirá identificado con Clooney.

Hablando de las actuaciones de Clooney, creo que es pertinente decir que esta no es la mejor actuación del mismo, en primera, porque a pesar de que ya se le notan sus años, siempre será un seductor ermitaño e irresistible; y segunda, por su llanto de cocodrilo de persona sin piedad no nos conmueve lo suficiente. Prefiero mil veces su actuación en 'Up in the Air'. Esto no significa que no haya desarrollado un buen personaje dentro de lo que a Clooney corresponde.

Elementos como la hija menor (Amara Miller), la abuela/suegra de Clooney: 'Tutu' (Barbara Southern) y el sujeto que mencionaba anteriormente: Sid (Nick Krause), son los que realmente impulsan y conmueven durante toda la película, lamento decir que la actuación de Shailene Woodley (hija mayor) me parece indiferente. Por los elementos necesarios mencionados anteriormente, parecen tener un futuro prometedor.

Una tragicomedia moderna y convencional que trae como nuevo atractivo el destino turístico de Hawaii, no más, sin embargo una de las opciones más recomendables de la cartelera actual, una felicitación moderada al señor Alexander Payne.

'Tenemos que hablar de (lo buena que está) Kevin'

2012-02-02T16:15:00.000-08:00

Como alguna vez dijo Tarkovski: 'Una película puede, muy bien, prescindir de sus actores', estoy en completo acuerdo con él, sin embargo, creo que los actores poseen una magia inexplicable, su trabajo frente a la cámara es de una entrega que no cualquiera posee, es como si se dijeran 'ey, director X, ante esta cámara, te entrego todo lo que soy (y lo que no también)' y si uno le rinde cuentas a estas palabras, su actuación resulta ser una joya irreemplazable, perfecta e inmortal.

Tal es el caso de la actriz Tilda Swinton, a quien en lo personal admiro de sobremanera, en este filme, ella literalmente entrega sus emociones ante la cámara para representar a la madre de Kevin, un niño problema que siempre ha tenido empeño en hacer sufrir a su madre, sea la manera en que sea. Suena fácil representar este papel, cualquiera puede gritarle a su hijo y despreciarlo de a ratos. Lo eternamente sorprendente de Tilda, es su desprecio por el chico, ojalá y los que no la hayan visto puedan admirar la mirada de ella desde el principio, desde que Kevin es un hermoso y chillón bebé. Hay cosas en las malas actuaciones que por más que perfeccionemos nunca podremos corregir y es ciertamente, nuestra creencia en el papel que desarrollamos y esto únicamente se refleja en la mirada. ¿Cómo es que Tilda logra despreciar a su propio hijo?

En fin, no estamos aquí simplemente para alagar a Tilda, la película en sí es un regalo al cine actual, lleno de metáforas, de miradas de odio y de una línea narrativa excepcional.
Al principio nos parecerá el típico cine indie de reflexión existencial, pero su trama nos lleva a un tema silenciado y cada vez más común: el horror de vivir con un hijo que te odia, ¿cómo se vive con eso? ¿se puede vivir? Una historia perturbadora en la que mayoritariamente se le hecha la culpa al hijo y es el punto de la directora declarar a Tilda inocente.

Psicológicamente podemos analizar a un niño de esta índole como una persona rechazada por su madre a la hora del nacimiento, el bebé se comunica con su madre a través de la mirada y si ésta tiene una mirada vacía o ambivalente, posiblemente nunca se formará ese vínculo de amor y conexión entre los dos, que probablemente no dará cabida a un apego. Tilda es una mujer excepcional y durante las primeras escenas de Kevin siendo bebé logró captar esa mirada de rechazo y casualmente, la conserva hasta el final de la película. No hay una pizca de amor en ese rostro frío pero sonriente. Así que pensemos seriamente si la culpa es de Kevin.

Me molesta que no se enfatice esta cuestión y ciertamente no se haga completamente explícito el rechazo de la madre ante su hijo, para hacerlo quedar mal a él. Es un punto ambiguo de la película que deja muchas dudas sin resolver, lo que en mi opinión, no puede ser en el cine.

A fin de cuentas una película fatalista y con un encanto fotográfico único, expresa a la perfección gracias a las actuaciones y situaciones planteadas, una sensación de inseguridad y desesperanza que pocos podemos concebir. Para los corazones de pollo esto puede culminar en un trauma.

Sin embargo, el trabajo de Lynne Ramsay es muy sensitivo y perturbador, definitivamente la película merecedora de una nominación a los cada vez más ciegos Oscares (aunque estar en la Selección Oficial de Cannes tampoco es cualquier cosa), pocas películas conservan esta genuidad y subjetividad objetiva ante una cámara, una sinceridad y un fatalismo totalmente plausibles.

Totalmente recomendable.

Lolita vs. Lolita

2012-01-08T18:47:00.000-08:00

¿Coincidencia que se parezcan tanto?

Adaptar una obra literaria a la pantalla grande siempre resulta en una decepción para aquellos que leyeron el libro, la realidad es que no concebimos que una adaptación es muy diferente a una réplica página por página de la novela. En el caso de esta obra literaria del escritor Vladimir Nabokov, no se salva, es más, tenemos hasta dos adaptaciones de su obra cumbre, las cuales aun al guiarse por el mismo libro, tienen puntos de vista y de entendimiento completamente diferentes, los cuales enlistaremos a continuación.

Pero no podemos continuar sin antes saber qué hace a esta obra una exquisita presa de la cinematografía, la cual se basa en la estancia de Humbert Humbert, un escritor europeo, en los Estados Unidos, quien llega a alquilar un cuarto en la casa de la viuda Charlotte Haze, que por sí misma no atrae a Humbert, pero en cuanto éste descubre a su hija preadolescente Dolores, se enamora perdidamente de ella. Eventos desafortunados nos conducen a la muerte de Charlotte, siendo arrollada por un auto afuera de su casa, lo cual Humbert aprovecha inmediatamente para conquistar a la pequeña Lolita, quien a fin de cuentas, resulta muy precoz e igual de enamorada que Humbert. El pecaminoso camino al que nos lleva esta obra escrita en 1955 también nos conducen a problemas morales a la hora de querer adaptarla a la pantalla, siendo coscientes de que un romance entre un cuarentón y una niña de doce no es muy bien aceptado y visto ante la sociedad, y menos cuando se asume que el romance no es precisamente caricias y besos en la mejilla.

El libro por sí mismo tiene un grado elegante y muy bien dosificado de erotismo, el cual, desde mi punto de vista, es esencial en el desarrollo de la trama y la curiosidad e imaginación de cualquier lector (suponiendo que uno se acerca a este libro libre de prejuicios morales), pero es entendible, que al llevarlo a la pantalla surge un conflicto mayor, ya que, no cualquier adolescente va a permitir que un cuarentón, incluso siendo actor, la toque y mucho menos, la bese. Así que la primera adaptación, hecha apenas unos 7 años después de la publicación del libro, está restringida de todos esos recursos eróticos del libro y en su lugar, se vuelve una película de misterio y persecución de estos dos amantes que atentan contra la ley, esto quiere decir que el director Stanley Kubrick y el guionista que afortunadamente fue Vladimir Nabokov, llegaron a un acuerdo de reemplazar todo esa tensión erótica con suspenso criminal, de no poner tanto énfasis en el romance y la tentación que esta pareja sufre, sino en esquivar al enemigo, en huir. Aún así, no hay que descartar el ingenio que Kubrick tiene para mostrar sin embargo, todo el encanto y sensualidad de esta niña, haciéndola evidente pero sin despertar ningún tipo de deseo hacia esta Lolita, interpretada por Sue Lyon.

La relación se ve realmente afectada por problemas morales
lo cual la hace ver más como una relación padre-hija y
no de amantes.

El paso de los años y nuevas tendencias cinematográficas, al igual que la libertad moral que empieza a expanderse, permiten a Lyne crear una versión más parecida a lo que se quería lograr con Lolita desde un principio, esto es, enfatizar la relación entre Lolita y Humbert Humbert, evocar (y no precisamente con sexo) un deseo más obvio y que precisamente dan lugar a una emoción dentro del espectador. Los constantes jugueteos que hace Lolita alrededor de Humbert crean una tensión sexual muy evidente, y vemos en Lolita, interpretada podentes en el libro. El color por otra parte, le dan igualmente otra perspectiva a la película, el constante uso de rojos y colores vivos, incrementan en Lolita la sensualidad. No olvidemos a Humbert Humbert, interpret interpretado por Jeremy Irons, quien refleja aunque de la misma manera una paternidad hacia la nínfula, no olvida también ser presa del encanto y de la pasión que ésta le inyecta como un veneno. Esta segunda adaptación, al librarse de restricciones morales, se permite expresar mejor la idea que muchos lectores teníamos de esta novela, tanto de desarrollar mejor la trama, permitirse algunos gags y juegos sexuales entre estos dos per Esta vez, no se descuida ninguno de los dos aspectos primordiales, que son, la relación entre ellos dos y la persecución que sufren, de hecho es increíble cómo Lolita nunca pierde esa inocencia y esa astucia tan evidentes en el libro. El color por otra parte, le dan igualmente otra perspectiva a la película, el constante uso de rojos y colores vivos, incrementan en Lolita la sensualidad. No olvidemos a Humbert Humbert, interpretado por Jeremy Irons, quien refleja aunque de la misma manera una paternidad hacia la nínfula, no olvida también ser presa del encanto y de la pasión que ésta le inyecta como un veneno. Esta segunda adaptación, al librarse de restricciones morales, se permite expresar mejor la idea que muchos lectores teníamos de esta novela, tanto de desarrollar mejor la trama, permitirse algunos gags y juegos sexuales entre estos dos personajes que la hacen, aclaro, desde mi punto de vista, la más cercana a la novela y la de mi preferencia, porque como he mencionado, da mayor forma a la relación primordial en el libro y la hace más genuina, no existe ese miedo a sobrepasar algún límite, tal y como Nabokov no lo tuvo al contarlo en el libro.

Aun cuando la primera adaptación es la más conocida y aceptada por la mayoría, permítanse ver esta segunda adaptación, que parece ser como la venganza de todo lo que no se pudo expresar en la primera, las dos a su manera son excelentes archivos cinematográficos, pero creo que el libre albedrío siempre le dará un plus a la segunda, por más que Kubrick se las haya ingeniado para presentar el erotismo, éste no se compara con la carga erótica que la segunda tiene, las dos se complementan y las dos merecen el mismo aplauso.

"Vírgenes Suicidas" la salvación de las teen antes de "Twilight"

2011-11-29T09:39:00.001-08:00

Sofia Coppola es de las pocas directoras conocidas alrededor del mundo, sobre todo porque su padre es el famoso creador de la saga de "El Padrino", que resulta ser una de las películas más respetadas del cine. En fin, en cuanto a lo que su hija ha aportado al cine es un lado rosa, y por esto no me refiero a cursilerias ni nada por el estilo; me refiero más bien, a una sensibilidad que pocos hombres (o ninguno) saben retratar en los personajes femeninos de sus historias. Sofia Coppola, al ser una de las pocas directoras conocidas y aceptadas, se convierte instantáneamente en una de las "mejores". Desde mi punto de vista, como mujer, Sofia Coppola es una de las mujeres más ordinarias en cuanto a su forma de contar historias y una de las cineastas más sobrevaloradas.

En "Vírgenes Suicidas" se gana el aplauso del público por contar una realidad de las adolescentes, al entrar en la vida de la familia Lisbon conformada por un padre y madre y cinco adorables jovencitas que, como cualquier adolescente, quieren experimentar con su sexualidad, pero una increíble represión de parte de sus padres las va ahuyentando de todas esas posibilidades. Probablemente este tema hoy en día se nos haga tan normal como cualquier western, pero esta película inició todo un movimiento basado en la incomprensión de las señoritas que continuó con películas como "A Los Trece" y la más recientemente alabada "Twilight".

Mercadológicamente hablando, los adolescentes son un público muy complicado y hasta hace poco tiempo, muy desatendido; siempre se han definido las películas para adultos y las películas para niños, pero los adolescentes son como la canción de Britney Spears que dice "I'm Not a Girl, not Yet a Woman", así que para este público resulta aburrido ir a ver dibujos animados y a la vez, no los dejan entrar a ver películas de adultos, por lo que los 90's se basaron en este hecho para hacerlo la generación de los jóvenes incomprendidos, de las jovencitas reprimidas y de una gran curiosidad por lo prohibido. Así pues, la señorita Coppola fue bastante inteligente al comprender COMO MUJER esta necesidad y proyectarla en una película con la que las teen se identificaran. Y de hecho, cuando la más chica de las hermanas trata de suicidarse y es llevada al hospital, el Doctor le pregunta el porqué de acabar con su vida a temprana edad, si todavía le quedan muchas cosas por vivir, y ésta responde con la frase a la que se le debe el 70% del éxito de esta película: "Usted nunca ha sido una chica de 13 años"

Ahora que he explicado el rotundo éxito de este film, les comparto mi punto de vista y les digo que esto es una prueba de lo vulnerables que somos a la mercadotecnia cuando nos sentimos incomprendidos. Al analizar con cuidado la forma de contar historias de Sofia Coppola, siempre choco con ella al sentir que no es capaz de transmitir sentimientos, es más, como mujer, su sensibilidad es poquísima cosa. En esta película, no me gusta siquiera la manera en la que construye su línea dramática, pero cabe mencionar que en "Perdidos en Tokio" es muy respetable, sin embargo, en esta película le falta tensión, le falta empatía con los personajes, le falta ser universal. A la hora del clímax le falta pasión y muchísima tragedia, es un tema catastrófico y muy triste y ella lo demuestra como poca cosa, cuando pudo haber explotado al máximo ese sentimiento que todos teníamos atorado en el estómago, pero no. Y esto no lo logró gracias a una mala utilización de recursos dramáticos, por ejemplo, al principio uno piensa que la fotografía es más azul que un Avatar porque tiene un significado dramático, pero después utiliza este azul en escenas que no tienen nada que ver con el sentimiento que proyectan, se pierde el significado y se pierde la mera transmisión de ese sentimiento.

Analicen bien, ésta mujer saca sólo el 60% de lo que pudo haber hecho con esta película, una visión aún más sensible pudo haber concedido a esta mujer ser una cineasta de culto desde el principio.

Será irónico que les diga esto pero, definitivamente vale la pena verla
Aquí les dejo el trailer.

"Les Amours Imaginaires": El Triángulo Amoroso Idealístico

2011-11-06T16:27:00.000-08:00

¿Cuántas veces hemos visto triángulos amorosos? Incluso si prendemos la televisión y ponemos esas novelas tipo "El Privilegio de Amar" y esas cosas, nos encontraremos uno de seguro. Y es que, una historia de amor no ofrece tal conflicto como lo ofrecen las palabras: "Es que hay alguien más".

Lo chistoso y lo original de estas tres líneas que representan lazos, es que se pueden presentar en infinitas combinaciones, como vimos con "Crepúsculo": una humana, un vampiro y un hombre lobo o como en "Teorema" que ya parecía más un pentágono que un triángulo que se construía a través del amor completo de una familia hacia una especie de Adonis, y así nos podemos seguir hasta el fin de los tiempos averiguando todas posibilidades...

Pero hay uno que en lo personal me gusta muchísimo, y es el que este film ofrece, el de la idealización; de pronto llega un ser de sexo indiferente a nuestras vidas, que parece ser Afrodita, Psique, David, en fin, cualquier símbolo de la belleza universal y nos mueve el mundo, pero es obvio que al encontrar esta perfección no nos encontraremos solos en nuestra admiración y amor hacia ellos, y lo peor viene cuando nuestro mejor amigo/ amiga resulta ser ése tercero.

Xavier Dolan, el director de esta cinta, quien apenas tiene 22 años de edad, nos ofrece una visión fresca, lírica, melódica, chic y simple de este conflicto tan común en el arte, aparte de que nos ofrece un trabajo complicado de dualidad al ser él mismo uno de los actores.

Si recuerdan aquella hermosa película de Wong Kar Wai llamada "Deseando Amar" encontraremos que Dolan aspira de la misma manera que Kar Wai, a crear a través de la música muchas de sus funciones líricas y recurre al color para mostrarnos las escenas líricas sexuales. Es una visión que recurre al cliché y a la vez nos muestra la gran pasión y aprehensión que Dolan le tiene al arte, no sólo en la composición óptica de sus cuadros, sino también a través de sus diálogos, vestuario, locaciones y personajes.

Probablemente esta película se vuelva de las favoritas de los hipsters, sin embargo, esta película no es pretenciosa y abstracta como para que "nadie le entienda", sino todo lo contrario, es simple, es musical y es cómica, no pretende mas bien transmite, no se enreda, se aligera.

Ampliamente recomendable y por lo mientras Dolan ya se gana su distinción como director.

"Los 400 Golpes", Truffaut se consagra como director

2011-10-21T19:21:00.000-07:00

Cuando la gente llega y te dice, "¡tienes que ver 'Los 400 Golpes'!" les puedo garantizar que lo dicen con toda la intención del universo, y es una esas películas de las que se desconoce su magnitud hasta que uno mismo presencia su grandeza. Imposible ver algo parecido y comparable, ciertamente una obra maestra.

¿Qué se sentirá entrar a la pubertad sabiendo que eres incomprendido? Fácil... ¿Qué se sentirá entrar a la pubertad sabiendo que eres incomprendido y que tu madre le es infiel a tu padre? La rebeldía te consume al ver que eres sólo un criado de tus padres, al ver que no comprenden que te suspenden en el colegio por escribir poemas en las paredes, de pronto estás tú y sólo tú en este mundo, en la etapa en que más apoyo necesitas, te das cuenta de que es mejor que estés contigo mismo a volver a un hogar en donde ni siquiera intentan escucharte. Bienvenidos a la vida de Antoine Doinel.

¿Qué? ¿Se sintieron identificados? Pues será difícil no sentirlo, ya que el tema que toca el genio Truffaut siempre será vigente, es decir, toca un tema que nunca pasará de moda; la incomprensión del adolescente es y siempre será de gran utilidad para el cine. Ahora que, pasando de una de sus genialidades a otra, encontramos que ahora todos sacan su película con Ellen Page sobre la adolescente incomprendida que disfruta de escuchar a Iggy Pop en su diván, y será que eso se parece a lo que hizo Truffaut...

Desgraciadamente, no encontraremos a estos adolescentes superficiales en esta película. Encontraremos en su lugar un viaje introspectivo de la mente de un adolescente tan bien planteado en una realidad, y a la vez tan heróico, nos quedaremos pasmados al ver que pudimos ser los héroes de nuestra adolescencia así como Antoine Doinel lo fue.

Una exquisita mezcla entre un personaje tremendamente bien estructurado y estudiado que nos hará caer en su simpatía de chico rebelde y una inmensa tristeza a la par de ver cómo este chico sufre los acontecimientos que para otros pasaron desapercibidos. Un manejo de la narrativa más que increíble, y se ve que Truffaut fue este personaje alguna vez en su vida, ya que no hay otra manera en la que este filme le hubiera salido tan bien.

Y así, sólo por entregarse a un pedazo de papel y luego una infinidad de imágenes que proyectaban claramente la tristeza y la incomprensión de un chico solo en el mundo, es que Truffaut se inmortaliza y ciertamente, puede llamarse uno de los Grandes Directores de Cine.

AN 2012, la Aventura sigue

2011-10-15T18:38:00.000-07:00

Y va a seguir hasta que se logre el objetivo, hasta hacer cine. Una gran parte de nosotros nos nutrimos de una pasión, si tan sólo el dinero estuviera de sobra, ya tendríamos increíbles obras de arte paseando por todo el mundo. Realmente no podemos decir quién sí y quién no merece que le den el dinero par financiar su proyecto, lo que sí es injusto es que se de preferencia a amigos y a conocidos que pensamos que merecen mejor la oportunidad de realizar algo. Algunas veces nos sentimos abatidos cuando nos rechazan y más cuando se trata de algún proyecto porque entonces empezamos a sentirnos como basura, como que realmente no "somos buenos para el cine", pero... luego aparece AN 2012 y nos dice: ¡NO! No eres una basura, SÍ sirves para el cine, y aquí está la prueba, gente con amor a hacer las cosas, sobra, hacerlas es diferente, hay que casarnos con el proyecto, vivir de tener un "Like" en Facebook y agarrarnos de eso para seguir adelante, para hacer lo que más queremos hacer en la vida, que en este caso es el cine.

En estos últimos capítulos, se muestra cómo crece el equipo con Catalina, una blogger y ayudante general, sedienta de este magnífico proyecto y Rubén, el postproductor de sonido quienes ven al proyecto como algo más que dinero y ganancias, más bien, una manera de ayudar, de involucrarnos y hacer posible el sueño de otros. Pero hasta ahora el proyecto está consumido por la serie, no se ha hecho nada de la película por estar rodando la serie, es hora de empezar el verdadero sueño y el verdadero reto: La película.

Aquí les dejo los dos últimos capítulos de esto que se ha vuelto mi coraje para seguir adelante.

"AN 2012: QUIERO CINE" - CAPITULO 8 - CATALINA from The Film AN 2012
"AN 2012: QUIERO CINE" - CAPITULO 9 - RUBEN from The Film AN 2012

Denle Like y sean productores de este hermoso proyecto: lapelicula-an2012.com

¿Hasta qué punto es aceptable la violencia en el cine?

2011-10-12T23:47:00.000-07:00

La Violencia como elemento dramático

Danny Trejo enseñando sus Machetes

Es verdad que cada vez se vuelve más común encontrarnos con películas que utilizan la violencia para impresionar y capturar la atención del espectador, pero... ¿hasta qué punto es aceptable usar este recurso?

¿Qué es un elemento dramático? Se refiere a algún evento, plano, función, angulación, movimiento, sonido, etc que sea usado para provocar alguna tensión en el espectador, así como cuando nos hacen un acercamiento a una mano con un cuchillo, nos provoca miedo, o cuando nos muestran un emplazamiento de alguien a punto de darle un beso a su pareja, nos provoca exaltación. Por esto no necesariamente nos referimos a una tensión inclinada hacia el miedo o el suspenso, también puede ser hacia la alegría, exaltación, sorpresa, etc. Pero es importante saber que todo elemento dramático debe de tener una justificación y no precisamente 'porque me gusta la sangre', no, no y no... tiene que tener una intención de provocar, de emocionar o de comunicar algo, lo que sea, pero no se pueden poner sólo porque sí.

La violencia es un elemento dramático utilizado a menudo para provocar polémica, angustia, asco u horror en el espectador y hasta estos tiempos no ha dejado de generar estos sentimientos en el espectador, ya que reflejan crudeza e inhumanidad. Como seres humanos, no estamos acostumbrados a ver ese líquido rojo y espeso salir de nuestras venas con mucha frecuencia, y mucho menos pensamos en ser atacados con una pistola o cuchillo muy seguido, y quizá es por eso, que al verlo, nos provoca tanta sorpresa y angustia.

Se supone que para esta parte del artículo debemos de tener bien claro el propósito de utilizar la violencia como elemento dramático en el cine.

Violación y saturación

Al igual que el sexo, la utilización de la violencia se vuelve cada vez más y más común en nuestra pantalla grande, y al igual que el sexo, la violencia se usa para mostrarnos polémica y al ser planos, escenas e incluso secuencias de gran carga dramática, por un momento pueden distraer nuestra atención incluso cuando hayan terminado y un poco más si fueron muy explícitas.

Hay grandes ejemplos de violencia bien utilizada, como es el caso de la mayoría de las películas de Quentin Tarantino, quien suaviza estas escenas con su gran ingenio y rapidez, las muestra dosificadamente y no sólo por ponerlas. Otro ejemplo de una buena utilización de la violencia es el caso de Funny Games, que se basa más en una violencia verbal que causa un mayor impacto a través de gestos y reacciones que mostrando chorros de sangre.

Pero, ¿qué pasa cuando usamos la violencia desmesuradamente?

A todos nos puede pasar, el público se vuelve cada vez más exigente y escéptico y a veces esto orilla a directores a creer que esa es la solución; si el público me pide el doble de sangre, pues se la doy sin más ni más. Tal es el caso de las recientes películas de Gaspar Noé, un fanático de lo explícito a morir, prefiere mostrarnos todo cruelmente a dejarnos un espacio a la imaginación, en "Irreversible" se usa un claro ejemplo de esto, su violencia es tan grave y cruel que en vez de ayudar a la línea dramática de su película, nos distrae de ella y en cierta manera nos trauma y nos aleja de la película.

La violencia, es un elemento dramático de gran dificultad, porque al parecer, los directores se dejan llevar pensando en que siempre los ayudará, el ser polémicos siempre les traerá grandes aplausos, cuando lo único que hacen es distraer, traumar y distanciar a su público de su verdadero propósito y mensaje.

"Anticristo" de Lars Von Trier, otra que se deja consumir por su
violencia

Ahora, hay que entender que hay una gran diferencia entre las películas de mensaje a las películas al estilo "Hostal" en las que precisamente, no les importa tratar un tema mediocre mientras se muestre mucha violencia desmesurada. Estas películas están hechas para distraer y alejar al espectador porque su propósito no va más allá de eso, de hecho, no hay nada de lo que se pueda distraer al espectador, porque no hay un mensaje más allá de una mancha de sangre y un ojo salido.

En mi opinión, es más importante mostrar otros tipos de violencia, ya que ésta está estereotipada al ser sólo sangre y golpes, cuando una violencia mucho más impactante a niveles psicológicos puede ser a través del gesto frío de algún personaje, como es el caso de Michael Haneke, quien a pesar de ser explícito, logra sus mejores impactos a través de gestos y otras situaciones que no necesitan de una imagen manchada y saturada de rojos, simplemente es su naturaleza dramática el desenvolver un caos construído en la mente del espectador. También es importante recalcar al maestro del suspenso Alfred Hitchcock, quien no casi no necesitó de la violencia explícita para causar horror en los videntes, usaba cosas más ambiguas, dejaba que el espectador echara a volar su imaginación, y de esa manera causaba un mayor y más elegante impacto, uno que no se depura, uno que no distrae y al contrario, construye.

"Miss Bala", continúa la moda del narco

2011-10-11T22:01:00.000-07:00

¿Cuál será la razón principal por la que el cine mexicano no será bien aceptado por su gente? ¿Será una negación de sus raíces? o ¿Será que estamos hipnotizados por el cine norteamericano y sus fórmulas? o... ¿Será que el cine mexicano nos presenta un realismo y una crudeza a la hora de contar sus historias que afectan directamente al espectador? ¿Cuál es la correcta?

Desde principios de milenio, el cine mexicano se ha aferrado a retratar una situación cotidiana en nuestra sociedad, en la mayoría de sus casos, abarca situaciones relacionadas con la impunidad, ya sea asaltos, corrupción, secuestros o narcotráfico. "Miss Bala" no es la excepción a esta corriente, sin embargo, representa una excepción en cuanto a su forma de narrar. Cada vez está más de moda (mundialmente) ser más crudo y explícito en las narraciones, sobre todo con estas, que tienen que ver con situaciones reales y su propósito es crear conciencia, que nos demos cuenta de lo que pasa en nuestro país.

Las fórmulas Hollywoodenses demuestran lo contrario, el escapismo es lo que vende y llama a las masas, es más probable que una película venda siendo de fantasía que un documental. La mayoría de la gente prefiere ver algo que no sepa, la mayoría de la gente 'cree' estar consciente de la situación actual y prefiere que le muestren algo que lo aleje de esta crudeza, quiere que le muestren un escape.

"Miss Bala" simplemente sigue una larga línea de películas que nos habla de lo mismo, lo que cambia es la forma, trata de hacerla más cercana a la realidad combinándola con la historia de una joven que quiere ganar un concurso de belleza en el estado de Baja California llamado "Miss Baja", un azaroso evento desencadena su encuentro directo con narcotraficantes que no pararán de seguirla hasta que haga lo que ellos quieren. El desenlace se los dejo de tarea, por ahora sólo puedo decirles que a veces es difícil contar y que nos cuenten una realidad, ya que no siempre estamos dispuestos a aceptarla y curiosamente en México, este fenómeno se vuelve irónico, ya que este tipo de películas venden muchísimo y son premiadas internacionalmente pero a la vez, la gente se enoja porque esto sólo 'deplora la imagen del país'.

Es un debate eterno el hacer cine de protesta, si se hace de la manera correcta se gana el aplauso del público como fue el caso de "El Infierno" de Luis Estrada, pero también tenemos muchos terrenos inexplorados en el cine mexicano, nos hemos empeñado en hacer sólo cine de protesta y descuidan otros géneros y campos que en estos momentos pueden florecer y expandir nuestra visión. Sin embargo, aquí seguimos, "Miss Bala" es otro claro ejemplo de que la gente no se cansa de ver esta realidad y aparte está sedienta de crudeza, cada vez nos exige ser más explícitos, mostrar sangre y sexo a lo loco, olvidándose de que es cine lo que se está haciendo y confundiéndolo con una nota roja grabada en video de una duración excesiva y con una narrativa que se vuelve repetitiva en los últimos treinta minutos.

Aquí les dejo el trailer:

"Creo profundamente en las personas, no todo se hace por dinero." AN 2012: Quiero cine

2011-09-19T12:37:00.000-07:00

Esto de hacer cine pone nuestras emociones en malabares, en simples pelotas que se intercambian unas por otras, un día nos toca todo espectacular, al día siguiente todos renuncian, ya no confían en ti y tu película no es más que un guión, con deseos de transformar las palabras en acciones.

En todos los países se sufre igual, no se crean que en México es el único país en donde nunca hay dinero para hacer cine, y aquí es cuando les presento este magnífico producto del sueño de un director, AN 2012.

Es impresionante lo ingenioso que puede llegar a ser uno para lograr lo que se quiere, el director Federico Eines empieza este proyecto con su guión y sus ilusiones, de pronto un productor lo lee y le fascina la idea, sin embargo ¿De dónde demonios sacan el dinero para la producción?

Hay algo llamado 'Crowfunding' que sirve para que la gente done dinero a diferentes causas, entre otras, este proyecto el cual ofrece a cambio de un pequeño donativo o un 'Like' en Facebook hacer aparecer a sus donadores en los créditos de las películas, tener una frase propia e incluso aparecer en ella.

En parte es esto, por otra parte se trata de captar la atención de inversionistas poderosos a través de una cautivadora serie, la cual relata el desarrollo de este proyecto en cápsulas de no más de diez minutos.

A todos aquellos cinéfilos, aspirantes a cineastas o cineastas, o gente amante de la cultura les encantará ver esta increíble serie que muestra las trabas y los logros de hacer este proyecto que muestran no más que la realidad y la complejidad de hacer cine universalmente, pero en lo personal me resulta altamente inspirador ver cómo la gente efectivamente hace las cosas por amor a algo, ya que todos los involucrados en este proyecto comen de las ganas de que este proyecto se convierta en realidad y no piden ni un centavo a cambio. Esta serie definitivamente, se ha vuelto mi Gossip Girl o cualquiera que a ustedes les resulte igual de sorprendente, shockeante, admirable, etc.

En fin, lleva sólo 7 capítulos y la próxima entrega es este domingo y así cada dos domingos sabremos qué ocurre en esta hermosa aventura que es el hacer cine. ¿Qué esperan para seguirla y apoyarla ustedes también?

Yo por lo pronto voy juntando mis centavitos para donar a este maravilloso proyecto.
Les dejo aquí el link para dar el 'Like' que les ganará un crédito en una película:
http://www.lapelicula-an2012.com/
He aquí los episodios y el trailer de AN 2012:
(También hay versiones subtituladas para otros países)

"AN 2012: QUIERO CINE" - CAPITULO 1 from The Film AN 2012

"AN 2012: QUIERO CINE" - CAPITULO 2 (c/previo) from The Film AN 2012

"AN 2012: QUIERO CINE" - CAPITULO 3 from The Film AN 2012

"AN 2012: QUIERO CINE" - CAPITULO 4 - PATRICIA from The Film AN 2012

"AN 2012: QUIERO CINE" - CAPITULO 5 - OMAR from The Film AN 2012

"AN 2012: QUIERO CINE" - CAPITULO 6 - TXEMA from The Film AN 2012

"AN 2012: QUIERO CINE" - CAPITULO 7 - JOSE from The Film AN 2012

Enter The Void, la tragedia en su máxima expresión

2011-06-26T22:15:00.000-07:00

When is this acid gonna be hitting me?

Hace tiempo que le traía ganas a esta ricura visual, una historia de ácidos, más drogas y sexo, mucho sexo. Uno se imagina un viaje normal y colorido como para transmitir eso de lo que nos perdemos los que no consumimos drogas y hasta animarnos a probarlas. Bueno, al menos eso pensaba yo de este largometraje y ¿qué creen? Que no.

Efectivamente se trata de un viaje extenso y fumado que se apreciaría mejor si uno consumiera drogas durante el proceso, pero esta película trata de ser explícita como lo es Gaspar Noé, mostrándonos el Vacío, ése hueco humano que nos destroza, nos expone nuestra miseria de la forma más cruda y más ficticia que se pueda.

Recordemos "Irreversible" la otra famosa película de este polémico director argentino, que, todos aquellos que la vimos, nunca olvidaremos esas paredes rojas del Metro francés en donde se muestra una crueldad infinita, una cachetada de la humanidad para preguntarnos si vivimos en el mejor o el peor tiempo, si nuestros insitintos vuelven a ser los que nos rigen. Una película exquisitamente bien realizada que causa un impacto inmenso sin abuso.

Pero esta entrada no va dirigida a "Irreversible", esta va dirigida a la pérdida del más mínimo hilo de cordura del director, en la que no sólo se muestra un gran impacto que nos deja boquiabiertos desde el minuto 20, la película tiene un comienzo hermoso, un gran gancho para cualquier público, un planteamiento del conflicto de lo mejor que van a poder encontrar en el cine actual. A parte de que el director nos cuenta la película desde los ojos parpadeantes de Oscar y lo hace con gran maestría, nos muestra la vida nocturna de Tokio, una ciudad de colores, de extravagancia noctámbula erótica e invitadora que nos dejará atónitos ante la pantalla.

Ahora espectador, no espere ver un viaje normal de marihuana, porque no lo encontrará, esta película es un viaje de todas las drogas que nunca en su vida llegará a consumir sin morir antes, esta película es sólo una prueba de que la torcida imaginación de Noé puede más que cualquier cantidad de alucinógenos ingeridos.

Pero la imaginación torcida de un director a veces puede también cegarlo, y llevarlo a creer que un montón de escenas de gran impacto seguidas pueden continuar creando polémica y sorpresa; desgraciadamente los momentos grotescos y explícitos se usan con gotero, porque si uno se excede, dejan de ser traumáticos y empiezan incluso a volverse predecibles y aburridos.

Esto sucede en esta película que, además de ser más larga que su filme anterior, explota de manera negativa toda esa polémica, desgracia y miseria que cargan los momentos grotescos y sumamente explícitos. No sé si a ustedes les pase pero llegó incluso un momento en el que tuve que apagar el televisor y dejar la película inconclusa, ya que su repetición constante de escenas controvertibles se vuelve bastante tediosa por algún tiempo.

A pesar de esto, el director logra llegar al final y darnos ese K.O. en donde las imágenes quedarán por siempre en nuestras cabezas; justo cuando pensamos que ya no había cosa que nos pudiera perturbar, Noé encuentra la manera y nos la restrega en la cara como diciendo: "Tómenla, putos" literalmente. El final es distinguidamente asqueroso y súbito, valdrá la pena esperar del hermoso principio a un desarrollo bastante fumado y aburrido que brinca a un final delicioso.

Disfrútenla, queridísimos lectores.

¿Los Oscars realmente representan a la "Cultura"?

2011-03-02T12:09:00.000-08:00

Mmmm, no, gracias

Debido a mis últimos encuentros cercanos con este nuevo fenómeno llamado Twitter, he tenido la oportunidad de informarme de mejor y mayor manera de los acontecimientos de "moda" en el mundo, sin mencionar que mi cultura ha aumentado de manera notable y todo eso. El pasado domingo, me encontré con muchísimos tweets en los que se mencionaba que no era posible que hubiera más gente mirando el final de la aclamada "Teresa" que mirando los Oscars... y de ahí se deriva la pregunta que hago en el título de esta entrada.

Voy a tratar de escribir de la manera más neutral, pero no les prometo nada ya que los Oscars no me parecen una autoridad de ningún tipo ante la industria cinematográfica MUNDIAL, pero esto ya se los explicaré en esta ocasión.

Hoy, me dirijo a la gente del mundo, especialmente a los Latinos, y les pregunto ¿cuánto es que saben de su cine? ¿Cuántas veces se han dirigido en los últimos seis meses a ver una película que no sea de Hollywood? Si es que contestaron de manera positiva, no es necesario que sigan leyendo, ahora si se quedaron callados sin hallar una respuesta, les pido, continuen su lectura.

Estamos malacostumbrados a pensar que el cine Hollywood representa la cultura, y ¿cómo es que podemos mirar a otros sin haber mirado antes dentro de nosotros mismos? Con esto me refiero a que desde mi punto de vista hay tanta riqueza en la cultura de nuestros países, que una vez mirándola detenidamente nos daremos cuenta que Hollywood no es más que una constante réplica de parámetros establecidos hace fácil 50 años y se repiten y repiten y repiten, ¿entonces por qué admiramos tanto esto?

No porque uno dedique uno de sus domingos a ver estos premios se va a hacer más culto, más refinado, más inteligente y mucho menos más consciente. Porque lo que pasa en Hollywood no pasa en ningún país de Latinoamérica, no vivimos la misma situación. Mientras que allá cada película que se hace se entrega a las salas no sólo de E.U. sino de casi todo el mundo, las películas nacionales difícilmente se entregan a otros países.

No dejemos que un sueño lejano y proyectado nos nuble la visión, volteemos hacia otro lado y veamos la situación que vive nuestro país en cuestiones culturales, especialmente en cine. Veremos que las películas Latinas son mucho más originales, realistas y en las que nos sentimos identificados no sólo por el idioma, sino por las situaciones que viven sus personajes y que incluso podemos estar en desacuerdo, salir enojados pidiendo justicia social, pero al menos es NUESTRO, es nuestra cultura y nuestras vivencias, NUESTRO CINE, nuestro patrimonio cultural.

Una vez que hayamos reflexionado esto detalladamente veremos que las películas de Hollywood son mediocres y lejanas a nuestra realidad, no digo que no sean buenos ejercicios de entretenimiento, por supuesto que lo son, pero sería bonito ver en algún momento no muy lejano (espero) a otros países formando su identidad cinematográfica y dejar de ver los Oscars como cultura porque son premios con vista pequeña, no ven las riquezas de otros países a pesar de que tengan su categoría de Mejor Película Extranjera cinco pinches películas no son todo, tantas voces que quieren ser escuchadas y nosotros tenemos la posibilidad de hacerlo, no la desperdiciemos. Unámonos por encontrar nuestro lugar en nuestro país y no mirar a una pinche industria como el TODO, porque no está cerca de serlo.

Y espero que al menos en mi país, la gente se emocione y platique sobre los Arieles como platican de los Oscars.

Amen.

"La Pianista" mil y un veces más perturbadora que "Black Swan"

2011-02-10T20:16:00.000-08:00

Los que leyeron la entrada anterior probablemente vieron que me atreví a comparar a las protagonistas de las dos películas, pero ahora me arrepiento, y es por eso que les pongo esta revisión, para aclarar sus dudas mis queridos lectores.

Al prender el reproductor DVD, vemos una serie de imágenes que indican algo así como una relación entre una maestra de piano y un alumno, al menos así parece. Es más, Haneke, lo plantea de tal manera que no haya ni una pisca del retorcimiento, que lamento adelantarles, verán después. Es cierto que trata de una relación entre un alumno y su maestra de piano, pero eso es sólo un pretexto para mirar a fondo a un personaje que parece tan distante a nosotros, pero miren otra vez y díganme si en serio es tan distinta.

Esta obra adaptada de la ganadora del Nobel Elfriede Jelinek, es tan vívida y cruel que es recomendable verse con criterio, porque déjenme decirles que la primera vez que la vi tenía 15 años y aunque fue fuerte, no entendí muchas cosas que al verla de nuevo me resultan mucho más perturbadoras, no precisamente lo que muchos pensarían que es la parte "fuerte" de la película, si no cómo vamos descubriendo en el personaje a través de sus gestos y miradas una locura tan grave que hay instantes en los que uno desearía no estar viendo eso.

Obvio que si una crudeza es tan bien reflejada en una película, esta tiene que ser buena, pues efectivamente, esto es una obra de arte. Una película con una planeación tan estricta y una actuación de la señorita Isabelle Huppert insuperable, no hay comparación a la hora de verla en la pantalla con una mirada tan fría que a uno le dan unos escalofríos que bueno, pa´ que les cuento. Mejor lo dejo a sus ojos para apreciar una belleza que no precisamente nos causa felicidad, si no que se lleva una parte de nosotros, deja su vacío y un frío nos invade al final de esta obra maestra.

Ahora que no me equivoqué del todo al decir que "Black Swan" y "La Pianista" se parecen, ya verán que hay similitudes en la psicología de ambos personajes, ambas se dedican a las artes y creo que cualquier arte bien hecho, consume y por ende termina en lo mismo si estamos bajo las circunstancias de estas dos señoritas, una tan fría que de sólo verla uno se congela y otra tan sumisa que uno se ríe ante la torpeza de verse a sí mismo en pantalla.

Les advierto de nuevo que esta película no es para cualquiera, se necesita un criterio y un cierto retorcimiento la mente o al menos comprenderlo y respetarlo para poder apreciar esta joya del director Michael Haneke.

P.D. No les dejo el trailer porque es una reverenda mierda, véanla en caliente.

La perturbadora historia del "Cisne Negro"

2011-02-02T15:25:00.000-08:00

"I just want to be perfect"

Creo que ya son demasiadas las críticas de esta película en estos momentos, pero ahí les va otra para que en verdad se animen a ver este experimento visual que ejerce en sus espectadores una fuerza que los mantendrá desde el principio hasta el fin al borde de la butaca.

No sé si a alguno de los lectores les suena "La Pianista" una película francesa que de sólo recordarla me dan escalofríos... Pues durante toda mi hermosamente perturbadora estancia en la butaca viendo "Black Swan" recordé la escalofriante historia de "La Pianista" y no es realmente una comparación porque claro que las dos películas son obras maestras, pero es una de esas sensaciones tan extrañas de parentesco en el personaje de Nina y Erika que me dejan en duda de si tengan algo que ver.

Por si acaso, les reitero la historia de la película que trata de una bailarina que vive en un ambiente de muchas presiones, especialmente porque su madre es una bailarina frsutrada y ella, una bailarina estrella. Cuando el director de la compañía decide montar una nueva versión de "El Lago de los Cisnes", ella se ve angustiada por conseguir el papel de El Cisne, pero conforme esto pasa, las presiones entre compañeras, madre, director de la compañía van creciendo a un ritmo acelerado.

Esto no es una película de bailarinas normales que se rompen el tobillo y su carrera termina. Este filme nos toma por sorpresa a todos porque sabemos perfecto de lo que habla, alguna vez nos hemos sentido como ella se siente (aunque no a ese nivel) y creo que es por eso que esta película ha tenido gran impacto, porque a diferencia de la otra favorita "La Red Social" que habla de una persona con problemas de lujo y lo trata desde un punto en el que sólo un nerd se identifica, "Black Swan" parece tan similar a nuestras situaciones, que en algún punto de la película todo espectador debe sentirse identificado.

Es cierto que la historia está narrada con una maestría que claro, el director nunca nos ha hecho dudar de sus capacidades a la hora de conducir algo tan bello como esto. Hasta me atrevo a decir que Aronofsky acaba de filmar su obra maestra, sí, más que Requiem porque lo creo identificado de igual manera con la historia, se siente tan tangible su dedicación y acuerdo con el argumento que está más que claro que lo hizo con más motivos que el ganarse miles de premios.

Si hay alguna emoción que cabe mencionar, perdura en la película, es la angustia. El pasaje a través de esta historia nos presentará imágenes tan vívidas y exaltantes que llamarán mucho la atención, planos y movimientos que aumentarán poco a poco nuestra tensión y esta vez felicito al sonidista porque simplemente hizo un trabajo excelente que creo que gran parte de esa intriga que se crea en nuestros estómagos es parte por la combinación tan excitante de sonidos. Y bueno, esta vez tengo que decir que la música es fantástica pero distrae por lo hermosa que es, háganme caso y verán que en algún punto de la película se empezaran a guiar por el maravilloso score y las composiciones del maestro Tchaikovsky.

¿Qué más puedo decir, si para mí es perfecta?
Esta vez, no pido aplausos, sino el hincarnos ante Portman y Aronofsky incluso ante Kunis que tiene un papel exquisito en la película y hasta se propone el ser muy deseable la mujer.
Y en sonido nominaron a SALT en vez de a Black Swan, qué mamada...