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Desidero che l’osservatore si avvicini il più possibile alla mia fotografia, che oltrepassi quella linea di confine oltre la quale un rapporto diventa intimo, che entri in sintonia con essa senza essere distratto da tutto quello che la circonda. www.marcellofranchin.altervista.org

Modena – Galleria Civica
Nam June Paik in Italia
Fino al 2 giugno 2013
www.galleriacivicadimodena.it

Roma – Palazzo delle Esposizioni
Helmut Newton – White Women, Sleepless Nights, Big Nudes
Fino al 21 luglio 2013
www.palazzoesposizioni.it

Rovereto – Mart
Rudolf Steiner. L’alchimia del quotidiano
Fino al 02 giugno 2013
www.mart.trento.it

Milano – Pinacoteca di Brera, Sala XV
A tutti i pittori ho chiesto l’autoritratto. Zavattini e i Maestri del Novecento
7 maggio – 8 settembre 2013
www.brera.beniculturali.it

Domodossola – Centro Esposizioni d’Arte e Cultura Antoni Gaudí
Pietre d’Infinito
Fino al 14 aprile
www.cedac.info

Chieti – Palazzo de’ Mayo, S.E.T. Spazio Esposizioni Temporanee
Francis Bacon. La visione della condizione umana
Fino al 5 maggio 2013
www.fondazionecarichieti.it

Cagliari – Palazzo di Città
Gli Spazi dell’Arte. Dall’Arte Programmata all’Arte Minimal
Fino al 19 gennaio 2014
www.museicivicicagliari.it

Bologna – MAMbo
Autoritratti. Iscrizioni del femminile nell’arte italiana contemporanea
12 maggio – 1 settembre 2013.
www.mambo-bologna.org

Catania – Museo Palazzo Biscari
Marella Ferrera
re opening Maggio 2013
www.marellaferrera.com

EXHIBIT

Milano – BRAND NEW GALLERY
Gabriel Hartley, Splays
Fino all’ 11 Maggio 2013
www.brandnew-gallery.com

Teramo – L’ARCA
Ettore Frani. Attrazione Celeste
Fino al 14 aprile 2013
www.larcalab.it

Bologna – Galleria d’Arte Maggiore
SAM FRANCIS. La libertà del colore
Fino al 31 Maggio 2013
www.maggioregam.com

Berlino – Paolo Erbetta Gallery
Pietro Capogrosso. SCHNEE – SEHNSUCHT
Fino al 13 Aprile 2013
WWW.PAOLOERBETTAGALLERY. COM

Milano – Officine Saffi Ceramic Arts Gallery
CLAUDI CASANOVAS. Terra molecolare – sculture
Fino al 28 Aprile 2013
www.officinesaffi.com

Napoli – Zeta Studio
Divieto di affissione. Giovani avanguardie del sud del mondo
Fino al 3 maggio 2013
www.numen.it

Gradisca d’Isonzo (GO) – Galleria d’Arte Contemporanea Luigi Spazzapan
Werther Toffoloni. Per sedersi
Fino al 14 aprile
www.museifriuliveneziagiulia.it

Acri – MACA (Museo Arte Contemporanea Acri)
Pino Chimenti. Una gioiosa macchina da guerra
Dal 20 aprile al 16 giugno 2013
www.museomaca.it

Torino – Galleria opere scelte
Urs Lüthi
Fino al 5 aprile 2013
www.operescelte.com

Bologna – Galleria OltreDimore
Filippo Berta | Enrica Borghi | Alberto Di Fabio | Michele Giangrande | Roberta Grasso | Alessandro Moreschini | ZUP – Zuppa Urban Project. //:(TT)+U=Think The Unthinkable
Fino al 25 maggio 2013
www.oltredimore.it

Ragusa – Galleria Clou
Aleksandra Jarosz Laszlo. Aestethic as Identity
Fino al 4 maggio
www.galleriaclou.it

Roma – Howtan Space
Bendetta Borrometi. HOPE
9-14 Aprile 2013
www.howtanspace.com

Lucca – Centro studi sull’Arte Licia e Carlo Ludovico Ragghianti
La Forza Della Modernità. Arti in Italia 1920-1950
20 aprile – 6 ottobre 2013
www.fondazioneragghianti.it

ALTERNATIVE VISIONS

Venezia – A+A Centro Espositivo Sloveno
Toolkit Festival 03
9-10-11 Maggio 2013
www.toolkitfestival.com

Ferrara – Torrione Art Gallery
Michele Giotto. Il Respiro del Jazz
Fino al 30 aprile 2013
in collaborazione con Padova Jazz Festival
www.jazzclubferrara.com

Venezia – Museo Correr
I Mestieri Della Moda. Agatha Ruiz de la Prada
Fino al 5 maggio 2013
www.museiciviciveneziani.it

OPEN CALL

ROMA
St’art Play – Cam-Arte
Deadline – 30 aprile
Premi: Esposizione
WWW.NAMIR.IT

GENOVA
Shot – Sala Dogana Hands-On Transformation
Deadline – 29 aprile
Premi: esposizione
www.genovacreativa.it; www.palazzoducale.genova.it

FIRENZE
Designwinmake
Deadline – 29 aprile
Premi: esposizione
www.designwinmake.it

TORINO
View Conference
Deadline – 15 settembre
Premi monetari

http://viewconference.it

SIRACUSA
“Ares – International Film & Media Festival” – Bando di concorso 2013
Deadline – 18 maggio
Premi: proiezioni pubbliche
www.aresfestival.it

MANDURIA
“A spasso tra le nuvole”, premio Stefano Contessa per cortometraggi
Deadline – 31 maggio
Premi: monetari
www.angele.it

ROMA
MarteLive
Deadline – 1 maggio
Premi : esposizione
www.martelive.it

LIVORNO
Combat Prize 2013
Deadline – 20 aprile
Premi: monetari

http://www.premiocombat.it

Gema Ruperez Alonso

Con un tema molto attuale (il corpo) e con una scelta spaziale ben definita (il sud d’Europa), la giovane curatrice, Giuliana Ippolito (giornalista e direttrice della Gallerie Numen, che patrocina l’omonimo progetto  Numen Arti Contemporanee) disegna la traccia prospettica di fruizione del soggetto, indagato dai giovani artisti secondo coordinate spesso distanti, evocato, smaterializzato, ingabbiato con il fil di ferro.

Un gioco dell’arte che fonda sul temperamento degli artisti la propria espressività, ponendo come base teorica la considerazione che la provenienza geografica sia non solo un fattore oggettivo ma favorisca uno stile di vita che inevitabilmente permea le opere, sviluppando un linguaggio quasi carnale e diretto (il corpo come tela di Dario De Cristofaro o quello negativo del duo Monticelli & Pagone) o viceversa delicato e soffuso come la primavera (nei rimandi eburnei di Francesca Manetta).

Un progetto – questo della galleria Numen – itinerante, che si appoggia a luoghi non canonicamente deputati all’arte (come uno studio legale) o a spazi di lavoro, distanti da quell’aura chirurgica dei musei cui il contemporaneo spesso abitua.

Luoghi che condividono con questa mostra l’aspirazione a spingere fuori dai cube l’arte, rendendola versatile e diversamente fruibile, passeggiando tra le donne dai tratti definiti di Gema Ruperez Alonso o quelle da belle époque di Barbara Bonfilio, l’espressività a trama di Antonella Romano o quella fantasy e onirica di Stella Tasca contribuendo così a creare un vero e proprio corpo dell’arte in movimento.

Ada Distefano. Sarà stata la favola di Cenerentola a condizionarci sin da bambine o magari sarà qualcosa che fa parte del nostro DNA ma, di fatto, ogni donna s’ incanta e sogna alla vista di un bel paio di scarpe.

Oggetto del desiderio di ogni donna le scarpe rappresentano l’accessorio femminile per eccellenza.

A Firenze esiste un luogo dove sono custodite alcune tra le scarpe italiane più preziose, creazioni calzaturiere uniche di un uomo che aveva un sogno: fare il calzolaio.

Salvatore Ferragamo nasce nel 1898 a Bonito, paesino vicino Napoli. Non ancora adolescente si fa già viva in lui la passione per l’arte calzaturiera. A soli 14 anni emigra in America dove raggiunge in un primo momento uno dei fratelli a Boston. Agli inizi degli anni Venti si sposta in California, a Santa Barbara, e lì apre una sua bottega di riparazioni per calzature.

In America, Ferragamo, è affascinato dalla modernità delle macchine da lavoro ma, da artigiano, ne vede i limiti e ciò alimenta la sua smania volta a realizzare calzature migliori, che calzino alla perfezione; inizia quindi a studiare anatomia umana, ingegneria chimica e matematica all’Università di Los Angeles.

In una California in cui l’industria cinematografica prospera feconda, Ferragamo inizia a disegnare e realizzare calzature per il cinema. L’ambiente e la cultura della California gli offrono in quegli anni importanti spunti creativi e  ispirazione per la lavorazione e le decorazioni delle sue creazioni.

Nelle creazioni per il cinema Ferragamo dà vita a  tutto il suo estro e quando l’industria del cinema si sposta ad Hollywood egli non può fare a meno di seguirla.

Le creazioni di Ferragamo sono ai piedi di attrici e attori per i quali realizza scarpe uniche su misura.

La sua creatività e la sua grande capacità artigianale fanno si che ben presto le richieste, il successo e la sua fama crescono senza eguali, diviene il “calzolaio delle stelle.

Ben presto Ferragamo, da sempre fedele alla tradizione artigianale italiana, si rende conto che la manodopera americana non è in grado di fornire la perfezione che lui desidera per le sue calzature, decide quindi, nel 1927, di far ritorno in Italia, a Firenze, città nota per la sua arte e per la fecondità di abili artigiani.

A Firenze Ferragamo apre un suo laboratorio dal quale avvia un flusso di esportazioni verso l’America  che subisce un arresto nella 1929 a causa della crisi economica.

Ferragamo si rivolge con successo al mercato italiano e nel 1936 affitta due laboratori ed un negozio nello storico Palazzo Spini Feroni nel cuore di Firenze.

Sono gli anni in cui gli studi sull’anatomia del piede e sui materiali svolti da Ferragamo producono in lui grande creatività; realizza alcune tra le sue più importanti creazioni, inventa forme nuove e porta grandi innovazioni nel settore calzaturiero partendo dall’esigenza di rendere la scarpa comoda oltre che bella ed originale.

Nel 1931 brevetta il “cambrione”, un sostegno interno in lamina metallica che permette di rendere le scarpe più leggere e resistenti,

comincia poi a lavorare la rafia, il legno, le resine sintetiche ed i pezzi di sughero sardo che pressa, incolla, rifinisce sino a creare, nel 1937,  la famosa zeppa di sughero che diviene una tra le più celebri scarpe della moda di quell’epoca. La superficie della zeppa permette a Ferragamo di dar spazio al suo estro artistico e realizza varianti dipinte, decorate con pietre, con perline, con specchietti di vetro e con motivi floreali.

La sua creatività attinge dal mondo dell’arte, trae fonte di ispirazione dalle avanguardie artistiche contemporanee e dal futurismo, predilige i colori forti e vivi che usa assecondando la dinamica e la forma della scarpa.

Il dopoguerra sono gli anni in cui le creazioni di Salvatore Ferragamo conquistano successo e grande approvazione, diventono il simbolo di un’ Italia che ritorna a creare ed a vivere con grandi invenzioni come  i sandali in oro, il kimo del 1951, il fiosso fasciato del 1952, il tacco a gabbia del 1955, la suola a conchiglia, i tacchi a spillo rinforzati in metallo, resi celebri da Marilyn Monroe, ed il famoso i sandalo invisibile con tomaia in filo di nylon grazie al quale Ferragamo nel 1947 riceve il prestigioso Oscar della Moda, ‘Neiman Marcus Award’, per la prima volta assegnato ad un creatore di calzature.

“Fabbricai le mie forme rivoluzionarie che, dando appoggio all’arco, permettono al piede di muoversi come un pendolo all’inverso”
(Il calzolaio dei sogni. L’autobiografia di Salvatore Ferragamo, Londra 1957. ed. italiana 1971

Palazzo Spini Feroni negli anni Cinquanta diviene meta di tutte le attrici e gli attori del periodo, che desiderano indossare le creazioni realizzate appositamente su misura per loro da Ferragamo, e così  Audrey Hepburn , Sofia Loren, Greta Garbo, Anna Magnani, Ava Gardner, Marilyn Monroe, Katharine Hepburn e tanti altri si affidano alle mani e all’arte del “calzolaio delle dive”.

Quando Salvatore Ferragamo muore nel 1960 lascia alla moglie ed ai figli il compito di portare avanti la sua opera, realizzare scarpe comode e preziose, capaci di far sognare.

L’attività di quel giovane calzolaio, che seppe sperimentare, continua attraverso le creazioni proposte da quella che oggi è divenuta una delle più importanti case di moda italiane, la Maison Ferragamo, che con il tempo ha saputo mantener viva l’opera e la tradizione artigianale del suo fondatore.

Le creazioni originali dell’artista calzaturiero rivivono dal 1995 all’interno di uno spazio espositivo all’interno di Palazzo Spini Feroni, dal 1938 di proprietà  Ferragamo ed attualmente sede dell’azienda e del “Museo Salvatore Ferragamo”.

Il “Museo Salvatore Ferragamo”, realizzato per volontà della famiglia Ferragamo nel maggio 1995, custodisce al suo interno le preziose creazioni realizzate da Ferragamo dagli anni ‘20  sino alla sua morte nel 1960 e si dispiega in un percorso che conduce a modelli prodotti successivamente sino a giungere ai più recenti e attuali.

All’interno del museo, che espone a rotazione i modelli della collezione permanente selezionati tra oltre 10.000 pezzi, custoditi in archivio, le prime due sale sono dedicate alla storia di Salvatore Ferragamo e alla sua creatività; vi sono esposte le creazioni più rappresentative ed importanti dell’artista, le scarpe che hanno fatto la storia della maison, i modelli che dimostrano le ricerche e le innovazioni nei materiali e nella forma, quelli che testimoniano il rapporto di Ferragamo con gli artisti dell’epoca e con l’arte e l’influenza di questa nelle sue creazioni, le scarpe e le forme di legno dei piedi di clienti famose, i disegni, i documenti, i filmati e le foto di Ferragamo con le sue creazioni e di dive con ai piedi le scarpe realizzate per loro dal calzolaio.

Le altre sale del museo sono invece destinate ad esposizioni temporane, sempre connesse alle creazioni dell’artista calzaturiero, come quella attualmente in corso dedicata a Marilyn Monroe.

La mostra. Con una grande mostra intitolata“Marilyn”,  inaugurata il 20 giugno 2012 ed aperta sino al 1 aprile 2013, il “Museo Salvatore Ferragamo” rende omaggio all’indimenticabile Marilyn Monroe a cinquant’anni dalla sua scomparsa.

La mostra“Marilyn”, curata dalla direttrice del museo Stefania Ricci e dal critico d’arte Sergio Risalti é il risultato di un lungo e accurato lavoro di ricerche volte a ripercorrere il mito senza tempo di Marilyn Monroe, icona di stile e femminilità.

Occasione della mostra sono le scarpe create da Salvatore Ferragamo per Marilyn Monroe; oltre 15 paia di modelli tra cui le decolleté con tacco a spillo di 11cm, tanto amate dall’attrice e capaci di esaltare la sensualità del corpo e del portamento della diva paragonata dallo stesso Ferragamo alla dea greca Venere.

La mostra che vuole raccontare la diva non solo sotto i riflettori ma anche nel quotidiano ripercorrendone la vita, lo stile e l’essenza, si snoda partendo da una prima sala in cui sono esposti alcuni tra i preziosi abiti indossati dalla diva in film come “Quando la moglie è in vacanza”, “A qualcuno piace caldo”, “Gli spostati” e“Niagara”.

Una parte dell’esposizione è poi esclusivamente dedicata alle scarpe della diva, circa 30 stupendi modelli tra i quali quelli creati, con cura e maestria artigianale, appositamente per lei da Salvatore Ferragamo. La mostra si snoda in un percorso in cui l’immagine dell’attrice si intreccia con il mondo dell’arte; i curatori hanno voluto creare un confronto ed un legame tra gli scatti fotografici che immortalano la diva ed i capolavori del passato; ecco quindi uno scatto di Marilyn accostato al gesso della “Ninfa dormiente” del Canova ,  a quello di “l’Alessandro Morente”  o ad altri busti di età classica e ad altre opere d’arte come le “Quattro Marilyn” in bianco e nero di Andy Warhol , concesso in prestito dal The Andy Wahrol Museum di Pittsburg.  

Il Museo Salvatore Ferragamo con la sua storia, le sue collezioni preziose di scarpe uniche che han fatto la storia della moda, con le sue mostre temporanee, dedicate a grandi dive come Marilyn, è sicuramente uno di quei luoghi in cui per le odierne Cenerentole è sempre possibile sognare.

Pasquale Fameli

I frammenti di mobilio e gli oggetti coinvolti vengono privati della loro funzione ordinaria e dati come “arredi celibi”, non troppo dissimili da quelli già visti presso Haim Steinbach, John Armleder o Marco Samorè, nello spirito più mondano dell’oggettualismo tardonovecentesco, capace di offrire ancora interessanti soluzioni estetiche, soprattutto nelle possibilità, attuate da Mirza, di vivificanti coniugazioni con il video e con il sonoro. Negli ambienti di Mirza, infatti, vecchi mobili e antiquate tecnologie audiovisive di sapore vintage, ormai reperibili solo presso nostalgici negozietti di modernariato, vengono riscattati dalla veloce obsolescenza cui sono soggetti e posti in dialogo con più attuali apparecchiature elettroniche, come computer, lettori CD e videoproiettori. Ma nelle installazioni del giovane artista britannico, il vuoto sembra sempre prevalere sul pieno, in un’inevitabile necessità di alleggerimento che trova nel suono il suo massimo compimento: questa quotidianità alterata, traslata e “sottratta”, viene, infatti, dotata di ossessive sonorità elettroniche, di una micro-musica scarna e ripetitiva che entra in relazione con lo spazio, ritmandolo. Insieme a mobili, sedie e televisori troviamo implicati infatti strumenti per audiofili come giradischi, amplificatori, monitor, spugne fonoassorbenti e radio, che ben dispongono all’assemblaggio di coinvolgenti mix sinestetici. Emblematici di tutto ciò sono opere come Backfade_5, una discoteca minimale fatta di un perimetro di led luminosi riempito da un goffo e ripetitivo motivetto dance che fuoriesce da un paio di altoparlanti “ubriachi”, riversi sul pavimento, oppure Sanctuary, una discoteca “esplosa” in cui un ritmo distorto e maldestro accompagna il girotondo di una radiolina su un piatto da dj, o ancora Evolution of a Revolution, un’altra discoteca deflagrata in cui la rotazione dei giradischi viene sonorizzata dallo strofinio di un dito sull’orlo di un bicchiere.

Più sommessa è invece l’atmosfera di Adhan, un soggiorno letteralmente devastato e musicato dal reiterato frammento di un brano country con tanto di abat-jour intermittente. A ben guardare, si tratta di veri e propri “concerti di oggetti”, di riqualificazioni musicali del banale che scaturiscono da uno spirito di matrice Fluxus, non troppo diverso da quello che aleggia intorno ai violinisti meccanici di Joe Jones o ai collage vinilici di Milan Knížák. Ma il lavoro di Haroon Mirza offre anche un interessante spunto per una riflessione sulla logica di fruizione delle installazioni sonore più in generale. In molte di esse, infatti, a prescindere dalle singole differenze, si può notare che la presenza degli altoparlanti è spesso ridotta a una subordinazione funzionale: in quanto oggetti, essi non entrano mai nel circuito della fruizione, limitandosi a restare meri supporti. Nelle opere di Mirza però, la cassa che suona, che veicola la riproduzione di un brano musicale, si impone alla fruizione con tutta la sua materialità, in tutta la sua valenza di oggetto che connota e caratterizza la nostra quotidianità. È questo, forse, retaggio di una delle più importanti lezioni lasciate da Cage e da Fluxus, e cioè la possibilità di trovare la musica nel quotidiano, di rintracciarla nella vita di tutti i giorni, inseparabilmente dal caotico pullulare degli oggetti che la generano e che la producono.

 Ieri ho sofferto il dolore,

  non sapevo che avesse una faccia sanguigna,
le labbra di metallo dure,
una mancanza netta d’orizzonti.
Il dolore è senza domani,
è un muso di cavallo che blocca
i garretti possenti,
ma ieri sono caduta in basso,
le mie labbra si sono chiuse
e lo spavento è entrato nel mio petto
con un sibilo fondo
e le fontane hanno cessato di fiorire,
la loro tenera acqua
era soltanto un mare di dolore
in cui naufragavo dormendo,
ma anche allora avevo paura
degli angeli eterni.
Ma se sono così dolci e costanti,
perchè l’immobilità mi fa terrore?

(Alda Merini)

Federica Fiumelli. Poi un’immagine di donna dai capelli rossi, i capelli rossi delle muse preraffaellite, e una Leica al collo, al posto degli occhiali, ma è quella macchina fotografica la vera estensione di quello sguardo.

Lo sguardo di Letizia Battaglia.

Facendo zapping televisivo dettato dalla noia che probabilmente i palinsesti della tv di tanto in tanto propinano mi sono imbattuta in uno speciale di Rai Educational dedicato alla fotografa siciliana.

E’ stato impossibile distogliere l’attenzione fin da subito, il fascino che emanava la voce ruvida di quella donna dall’energico caschetto rosso, la passione con la quale faceva vibrare le parole dei suoi racconti, racconti alternati da fascinosi tiri di sigaretta, racconti di dolore, il dolore legato all’amore amaro (non a caso il titolo dell’ultimo speciale dedicatole su SKYarte) per la sua Palermo.

Classe 1935 Letizia Battaglia iniziò a collaborare per il giornale l’Ora e altre riviste, fotoreporter di una Palermo di piombo, i suoi scatti riportano immagini terribili e agghiaccianti, delitti, vittime e fiumi di sangue versati dalla cicatrice del volto siciliano, la mafia.

La patria di arte importante come il teatro dei pupi, le vastasate, Pirandello e Sciascia, negli anni Settanta divenne teatro degli orrori assurdi, di stragi umani dettate dall’impossibilità di comunicazione e dalla sola voglia di potere.

Davanti a tutto ciò la Battaglia soffrì il dolore, lo stesso dolore chela Merini diceva di essere mancanza di orizzonti, perché non si può scorgere un bel futuro davanti a tanto orrore ed ingiustizia, a tanta morte e assurdità.

Gli scatti della fotogiornalista siciliana sono elusivamente in bianco e nero, in un’intervista dice di non amare i colori nelle foto, e così la dicotomia tra bene e male, tra luce e oscurità si trova protagonista di una resa narrativa interessante. Gli scatti diventano pagine di storia di un’Italia che sta male, pagine in bianco e nero, gli sguardi dell’artista che tutt’ora ci parlano e ci costringono a una dolorosa riflessione, in silenzio. Bambini dagli occhi tristi, donne disperate, delitti, corpi senza vita, stradine caratteristiche, mercati, i mille volti di Palermo.

Molte volte la stessa Battaglia ha affermato in alcune interviste di aver voluto bruciare, di aver voluto disfarsi di tutte quelle immagini martorianti, di quelle visioni entrate nella sua mente e nel suo cuore con prepotenza, la volontà di cancellare il suo esser stata lì, testimone di un continuo teatro di morte e scandali.

Nonostante sia stata pluripremiata in tutto il mondo dall’Europa all’America con riconoscimenti molto importanti come il premio Eugene Smith, il suo cuore, i suoi occhi sono legati a Palermo, a quella città complessa e delicata, piena di contraddizioni e debolezze, semplice e umile, come una bella donna da essere amata. Quelle strade, quella gente, quei bambini, quelle donne, i mercati, il mare, leganola Battaglia alla terra siciliana.

E’ un amore difficile, amaro, aspro come i limoni di Sicilia, che bruciano gusti e visioni, ma un amore che se levigato da uno sguardo poetico acquista valore nella memoria del domani.

Negli ultimi anni, i lavori che rubano definitivamente il mio interesse, sono opere di mescolamento, la Battagliainserisci splendidi corpi di nudi femminili nelle foto antecedenti, nelle foto dove protagonista era la morte, la mafia. Ed ecco spostare il punctum dallo ieri, all’oggi, l’artista vuole porre l’accento su una femminilità genitrice di vita, pura, sull’eros, sulla bellezza, sulla vita.Un amore nonostante tutto. I suoi scatti sono importanti per non dimenticare l’orrore, la violenza, la brutalità, la povertà delle scaltre intenzioni, per non essere indifferenti alla società; che non si può far finta di niente, non si può non riflettere, non si può non sapere, non si può non pensare, non si può non fermarsi davanti a un realtà che ci appartiene, perché la realtà come la storia è un bene di condivisione.

Francesca Salvi

Il percorso tematico della mostra L’École de Shanghai  si apre con la presentazione delle personalità più riformatrici nel campo della ritrattistica; come Ren Bonian (1840-1895) e Hu Gongshou (1823-1886), i quali collaborarono per la realizzazione del ritratto del mecenate Gao Yong.
Vi è una chiara dimostrazione della conoscenza della pittura realista occidentale; una linea pulita indugia il profilo del viso e delicate macchie d’inchiostro delineano le forme interne.
Tuttavia il ritratto di Gao Yong non si risolve in un mero esercizio di verosimiglianza, bensì emerge tutta la placidità espressiva e il raccoglimento interiore.
In questa prima sezione ritroviamo un’altra personalità eminente nel campo del ritratto; Ren Xiong.
La sua pennellata è decisa e le sue figure hanno forme volutamente esagerate, tutto per enfatizzare il carattere e l’emozione del soggetto.
Chi libererà la rappresentazione del paesaggio dalla tradizione, fu per certo Xugu (1823-1896).
Il tratto e le tecniche canoniche dei pittori della tradizione, sono utilizzati senza remore proprio perché l’artista riuscì ad infondergli nuovi ritmi e timbri, tanto da enfatizzare il soggetto e allo stesso tempo rafforzare l’immediatezza visiva e la bellezza formale. Nel rinnovamento della pittura tradizionale, comparve a Shanghai una maniera completamente nuova; la fusione di pittura e calligrafia. Zhao Zhiqian (1829-1884), iniziatore di questa nuova maniera, creò una pittura di fiori e uccelli più espressionistica e tesa a sfruttare al massimo le pennellate libere, lunghe e morbide e ad accentuare la fluidità del tratto.

Dopo di lui, a continuare questo stile, fu Wu Changshuo (1844-1927); le sue rappresentazioni della natura sono come composizioni astratte, tant’è che le vigorose linee d’inchiostro e le macchie di colore brillante, più che a descrivere il soggetto, servono a rendere la sua essenza estetica.
La pennellata vigorosa e spontanea e l’estrema semplificazione dell’immagine si mescolano perfettamente all’esplosione di colori forti e acidi, ai quali la composizione è ridotta, tanto da far risultare una pura forza della forma.

Abbiamo pensato a opere che coinvolgessero a livello emotivo lo spettatore, come la spettacolare installazione di Stefano Scheda, realizzata grazie alla collaborazione della Banca di Romagna: una coltre mobile di migliaia di monetine da un centesimo ricopriva l’intero pavimento dello spazio espositivo. Il visitatore, entrando nello stand, diventava parte interattiva nella modificazione fisica e sonora prodotta dallo spostamento e dal calpestio delle monete nel suo camminamento, creando continue traiettorie variate durante l’osservazione delle opere esposte sul tema del terremoto. Un riferimento ai fondi destinati ai terremotati che faticano ad arrivare a destinazione? Una metafora della esiguità del risarcimento rispetto ai danni subiti?L’accumulo di monete alludeva anche ai calcinacci prodotti dallo sfaldarsi delle  costruzioni ed ai fenomeni di liquefazione e crepe dei terreni post sisma: una  zona dello stesso colore della terra, mobile come le macerie del terremoto, quantificazione aleatoria del valore, ossessione del denaro compensata dal nulla. Le altre opere esposte dall’artista bolognese a parete erano invece fotografie, declinazioni  non ovvie sul terremoto. Tra queste, una fotografia che ritrae gambe e braccia di bambini che fuoriescono da un accumulo di mattoni da costruzione: un tentativo di addomesticare  la paura gicato sulll’ambivalenza fra casa rifugio e casa prigione-morte.

Di grande impatto anche le sculture concettuali di Stefano Bombardieri: le quattro tabelle optometriche realizzate dall’artista bresciano si rifanno come forme e dimensioni alle classiche tabelle utilizzate per la misurazione della vista, ma accostate tra di loro compongono la parola “HELP”. La ripetizione delle quattro lettere (H E L P) trasforma così la parola in urlo. In sostanza si tratta di una richiesta d’aiuto urlata che l’ambiente lancia all’uomo: il riferimento al terremoto in Emilia consiste nello scarso rispetto per l’ambiente nelle zone del ferrarese e del modenese sottoposte a trivellazione per l’estrazione del gas metano, possibile causa dell’aggravamento degli effetti del sisma. Invece in Natura morta/viva, grazie a un dispositivo elettronico, piatti, bicchieri e posate si muovevano sul tavolo tintinnando con modalità differenti, come a evocare le vibrazioni del sottosuolo; a volte il ritmo è concitato, in altri momenti si fa più pacato.

Silvia Camporesi ha realizzato invece una serie di fotografie tridimensionali di edifici e luoghi abbandonati. Attraverso la tecnica giapponese kirigami  (taglio e piegatura della carta fotografica) le immagini acquistano tridimensionalità, evidenziando inedite spaccature, mentre al contempo la delicatezza della carta è metafora della fragilità delle architetture. Altre immagini, realizzate all’interno di un edificio in disuso, raccontano i dettagli di un abbandono improvviso: crepe, polvere, frammenti di intonaco.

Ha poi lasciato senza fiato i visitatori un’enorme opera di Ketty Tagliatti, di circa tre metri: una camelia realizzata con una tecnica stupefacente per un’opera così grande, perché ogni petalo è formato da centinaia di spilli che, sapientemente affiancati e direzionati, creano le morbide volute tipiche di questo fiore. La fitta trama di spilli lucenti si presenta come un raffinato ricamo d’argento, ma evoca anche il lento e meticoloso processo di ricostruzione delle terre colpite dal sisma. Un processo materiale, ma anche psicologico, che implica un costante impegno quotidiano, oltre che una infinita pazienza: come quelli che, simbolicamente, l’artista ha dedicato per la realizzazione di quest’opera.

E infine ha riscosso grande successo il ferrarese Marcello Carrà, giovane artista autore di sorprendenti disegni a penna biro di grande formato: nel trittico La festa è finita ha rivisitato tre capolavori di Pieter Brueghel il Vecchio, immaginando gli stessi spazi, festosamente affollati nelle opere del pittore fiammingo, in uno stato di abbandono e “inagibilità” dovuto al sisma. L’artista ha arricchito le opere con paziente minuziosità tramite l’inserimento degli inevitabili danneggiamenti che il terremoto provoca sul paesaggio e sugli edifici, soprattutto se di carattere storico. Una metafora delle sofferenze che anche l’arte patisce a seguito di queste drammatiche calamità naturali.

Oserò 

Turbare l’universo? 

(T. S. Eliot, The Love Song of J. Alfred Prufrock)

Francis Bacon non ha mai avuto bisogno di presentazioni. Conosciuto dal grande pubblico per i suoi trittici e le sue figure perversamente oniriche, è un artista fondamentale capace di segnare una profonda cesura con i linguaggi delle avanguardie storiche. I suoi lavori, disseminati nei più importanti musei del mondo (Tate Gallery di Londra, Peggy Guggenheim di Venezia, Centre Pompidou di Parigi, Moma di New York), provocano angoscia e profonda introspezione.

Un linguaggio immediatamente riconoscibile capace di suscitare nello spettatore un magnetismo che va oltre la rappresentazione, che genera una riflessione che delega al corpo l’espressione di istanze tutte interiori. Un corpo trapassato quello Bacon, che si contorce sulla tela, si trasfigura, pervaso com’è da un’angoscia esistenziale che è punto esatto dell’impossibilità di una liberazione.

Dopo la grande mostra fiorentina, Francis Bacon e la condizione esistenziale nell’arte contemporanea, è la volta di approfondire una parte meno conosciuta del lavoro di questo artista (come le litografie frutto del rapporto con editori parigini e newyorkesi): il chietino Palazzo de’ Mayo (alto esempio di barocco abruzzese, inaugurato lo scorso 2 giugno dopo otto anni di restauro), ospita fino al 5 maggio la mostra Francis Bacon. La visione della condizione umana  ideata da Alfredo Paglione, curata da Sandro Parmiggiani e promossa e organizzata dalla Fondazione Carichieti.

L’esposizione è accompagnata da un catalogo, edito da Allemandi, con testi di Achille Bonito Oliva, Sandro Parmiggiani e brani tratti dal testo introduttivo al Catalogue raisonné de l’oeuvre graphique di Bruno Sabatier, pubblicato nel 2012.

Paola Pluchino. Paul Roorda, giovane artista canadese poliedrico ed estremamente interessante. Dallo stile riconoscibile, Paul Roorda interroga la religione fin nelle sue più profonde ambiguità, inscenando un simbolismo sensuale e arcano.  Reduce dalla permanenza presso la berlinese GlogauAIR, le sue opere sono adesso in mostra alla Dadian Gallery di Washington DC. Nell’intervista 

che segue, egli racconta il suo percorso artistico, le sue ambizioni e le sue speranze, svelando infine anche parte dei suoi progetti futuri

What would you say to a gallery that wants to take you under his wing?

This is an interesting question.  I know that galleries, like artists, are concerned with discovering and promoting good art, but in the end must have “the market” in mind as well.  I often think of both of these things too.  But in the end, even when I am tempted to make

art that may be seen as more marketable, I follow my creative inclinations.  The result is work that I think is more intriguing, challenging, and conceptually sound than work that is done with a possible sale in mind.  I think the viewer is more drawn to creatively honest work as well, even when it might not be as practical.  I also like the freedom to try out new techniques and materials when the subject calls for it rather than sticking with what has been successful in the past.

What are the key features of your research?

I deal with ideas of belief, ritual and the construction of truth in religion, but also within the fields of medicine, environmentalism and science more generally. I’m interested in examining the religious qualities of those science-based institutions by juxtaposing scientific and medical instruments and texts with those of the Christian tradition.  I’m suspicious of absolute certainty whatever the context and often examine the inclination towards black and white thinking.  I create art that exposes the grey areas and poses layered questions rather than providing answers.  I’m also very interested in looking at the tension between traditional ways of understanding and new ideas that challenge those traditions.  Much of my work is meant to challenge people to really deal with some of the troubling aspects of religion while at the same time acknowledging that religious behaviour is very much ingrained in our culture.  In my art I transform found objects and use natural materials, and often religious texts, including the Bible.  I love exploring the story and symbolism that each object brings to my art and the layers of meaning the manipulation of these materials can create in the sculpture and two-dimensional work that I do.

What do you admire in your peer artists?

I admire work that has a strong visual appeal with an equally strong conceptual foundation.  Work that draws me in visually is important.  I really enjoy art that provides a rich initial experience in the viewing, work that provides an element of surprise or emotional impact.  But I also like there to be ideas to discover beyond that.  I like to be challenged by a complex layering of ideas and associations that I can explore with further examination.

What are your cultural models of reference?

I find that I skim the surface in a lot of different historical, social and art-related traditions, without going into depth in a way that I know some artists do.  Perhaps that is a fault, but I find that that, for my art, I prefer to take in a broad set of related and unrelated cultural references and information and make connections between them.  I take this approach instead of doing in-depth research into a smaller set of traditions.  If you ask me who are the artists or schools of thought that have had most influence on my work, I find I can never answer in a way that satisfies me.  I feel like I take in a lot and pick and choose elements from many sources and traditions to create my art.  In that way I don’t feel boxed in by ideas or techniques or traditions.

When is the next show?

I’ve just installed a solo exhibition at the Dadian Art Gallery, which is part of the Henry Luce III Center for the Arts and Religion in Washington DC, USA.  That show runs until May 24, 2013.  My next solo exhibition will be at the Doug Adams Gallery, in Berkeley, California, in February 2014.  That art gallery is located in the Badè Museum of Biblical Archaeology, so I plan to exhibit work that explores the use of ritual and artifact in the construction of theological truth.

Why did you choose to be an artist?

I didn’t initially choose to be an artist.  Perhaps art chose me.  In university I completed degrees in psychology, sociology and education, without taking a single art course.  It was only in the years after leaving university that I began to enjoy making art as a spare time interest.  Much later I discovered the possibility of using art to ask powerful questions and examine complex and contradictory ideas and emotions in a way that I couldn’t do in academic writing.  It was because of this that I felt a strong need to pursue my artwork seriously as a profession, and when I really felt I could call myself an artist.

Below is a summary of recent research and new explorations in my art.  This is from an artist statement I wrote just a month ago to explain what my work is all about (Paul Roorda)

By transforming found objects and discarded books into sculpture, installation and mixed media collage I investigate changing belief systems, the construction of knowledge and the practice of ritual in religion, science, medicine and environmentalism.   Amid overlapping narratives of personal disaster and scientific warnings of global climate change, I explore an apocalyptiphilia which has reached biblical proportions.  Recent projects looks at the way this kind of narrative has been created and propagated in various forms of text from illustrations and photos to books and public notices.  Using a collection of vintage objects the art features images that repeat and reflect, are magnified, or suffer damage and distortion thus exposing the undercurrents of a societal need for disaster and the accompanying fatigue and cynicism with our most recent warnings of catastrophe. 

 Another persistent theme in my work is the tension associated with the collapse of traditional religious belief.  While it continues to thrive, for many, traditional religion is something for scrutiny and often faith is abandoned in skepticism.  Using fire, gold leaf, ashes and elements of discarded books, this work transforms traditional Christian art by creating ceremonial vessels, reliquaries and icons which reflect a post-devotional, neo-liturgical approach to the disposal of aged and damaged sacred texts.  The art recalls religious acts of devotion yet, at the same time, points to the loss of what is held as sacred. Each creative work is also an act of destruction.  Beauty embraces its shadow.  Each sincere moment is betrayed by duplicity.   This art draws attention to the absence of an authoritative ritualized tradition for the disposal of sacred text in Christianity and in creating new rituals it fills a liturgical void with uneasy possibility.

 In examining both religious and scientific institutions with the same kind of critical lens, I create work that questions the certainties and assumptions of each and the strong mutual influence between seemingly separate worldviews.  Recently, I have begun to add kinetic elements to my art, with a particular interest in “slow” sculpture.  In these works, ice melts or water drips slowly and mechanical devices unwind to create sculpture whose gradual movements create a sense of anticipation in viewers.  At the same time, these works test the viewer’s patience as “events” in the sculpture take hours if not days to unfold.  Using the element of time in my art, I’m able to explore the sense of urgency about environmental issues as well as the opposing complacency about a global climate change which is occurring so gradually it is almost impossible to perceive.

Vincenzo B. Conti

Tra le sale allestite, dove lo scarto tra interno ed esterno è reso minimo dalle grandi vetrate con affaccio sul giardino, varrebbe la pena sorseggiare un ottimo calice di Torcolato del 2009 prodotto dalla casa vinicola Ca´ Biasi di Innocente Della Valle. Un vicentino eccellente ottenuto con le migliori qualità di uva vespaiola (e in minor parte Tocai) che conquista per il ricco bouquet dai toni del miele e della frutta matura. Un intenso giallo dorato e una composizione fresca, seducono il palato, conferendo a questo vino, nato sulle colline di Breganze interessanti proprietà organolettiche. Uno sposalizio da considerare, per ritrovare accanto al piacere della visione, quello altrettanto spirituale del gusto.  (18 euro la bottiglia + 8 euro ingresso al Museo Canova).

Se invece avete voglia di un rosso complesso e di tradizione,  la scelta cade sulla Tre Monti di Imola, azienda eccellente che, grazie a una tradizione di famiglia tramandata dai primi anni Settanta, propone negli anni una linea di vini di altissimo livello, premiati dalle più importanti guide enogastronomiche, e che rinnova, attraverso un’instancabile ricerca, la sua produzione sempre più al passo con i tempi ma soprattutto rispettosa verso la natura grazie al metodo di concimazione dei vitigni con letame naturale, diserbo solo meccanico e uve di proprietà al 100% della produzione che garantiscono la qualità biologica di ogni bottiglia. La famiglia Navacchia, titolare dell’azienda romagnola, presenta una vasta gamma di etichette che coprono quasi la totalità delle varietà presenti nella zona, dal trebbiano all’Albana di Romagna passando per il Colli di Imola da uve sauvignon, ma come da sempre per questa regione l’uvaggio principe, che riesce ad esprimersi al meglio sulle colline di questa regione, è il sangiovese, che nelle mani di Vittorio Navacchia si trasforma nel Thea Riserva Sangiovese di Romagna DOC. Vino impeccabile, come dimostrano i suoi innumerevoli riconoscimenti tra i quali i 5 Grappoli della guida Duemiliavini dell’ Associazione Italiana Sommelier per le annate degli anni 1997, 1999, 2000, 2001, 2002, 2003, 2004, 2005, 2006,2007, 2008 e 2009, ma soprattutto vino che non si fa pagare molto, lasciando così la possibilità a tanti di deliziarsi del suo bouquet aristocratico e complesso con note di bacche nere, spezie dolci, ginepro e cenni balsamici donati dall’affinamento in barrique per 9 mesi, il colore rubino e molto carico ci prepara ad un tannino fitto ma molto fine e ben equilibrato con l’acidità e la sapidità.

Così il tempo presente.

Leonardo da Vinci, Codice Trivulziano, 1487-90

Federica Fiumelli. L’acqua come sinonimo di tempo, l’acqua come rinascita, come purificazione, come catarsi, come riflesso e specchio di Narciso.

L’acqua è da sempre stata fonte di ispirazione per l’uomo dall’antichità ad oggi, dal mito ai lavori contemporanei, le installazioni-video di Bill Viola.

Se avete qualche post-it vuoto sulla scrivania e siete capitati tra queste righe, appuntatevi il nome di Christy Lee Rogers.

Fotografo autodidatta hawaiano, lavora soprattutto in America dove vive, ma le sue fotografie hanno letteralmente fatto il giro del mondo, finendo anche in alcune collezioni private.

Scoperti per puro caso, sono inciampata negli scatti di Lee Rogers e non ho potuto fare a meno di apprezzare questo interessante artista che fotografa esclusivamente in acqua e di notte.

Guardando di primo impatto le foto, non si può non pensare ai grandi maestri del Rinascimento.

Le forme, le muscolature, le luci, l’evanescenza dei panneggi, la composizione strutturale e l’impatto fortemente teatrale ci prendono per mano e ci riconducono nella galleria della memoria della storia dell’arte, ed ecco apparirci come costellazioni i nomi dei grandi come Caravaggio, Michelangelo o Pontormo.

Le fotografie dalla resa sicuramente contemporanea anche per la tecnica utilizzata diventano splendidi innesti che ci riportano al passato.

Reckless Unbound, Odyssey, Siren, i titoli delle collezioni.

Figure anonime, penitenti con le braccia aperte e libere, grovigli di corpi dai fisici pallidi e scultorei, panneggi serpentini dai colori tenui e caramellati, zuccherati, manieristi, in cui dominano astrattezza e fantasia; le figure di Lee Rogers si confondono, nascono e finiscono, fluttuano senza peso e senza memoria come dopo un naufragio shakespeariano, riemergono dalle loro stesse tragedie, rinascendo nell’acqua, come segno primordiale, corpi che ritornano alla fase di pre-nascita, in liquido embrionale. La fenice rinasce dalle proprie ceneri.

Tutto è fuori tempo e fuori spazio, la non dimensione, il non luogo, il non esserci, l’altrove di Lee Rogers si propone al nostro sguardo con astrazione delle forme ma con elegante e sapiente teatralità del gesto che sembra perdersi per sempre nelle acque dell’universo.

Come Bonami scrisse nel suo libro “Lo potevo fare anch’io”, l’astrazione è all’origine della nascita delle cose, la confusione, il groviglio il caos materico e formale che si intreccia in un morboso atto d’amore nelle opere di Lee Rogers, è  posto prima di tutto, prima della definizione, e prima della creazione stessa.

Splendidi seni, rotondità, gambe e toraci, sono sospensioni di corpi dell’altrove, di semi-dei maledetti, carni nude bianche e rosee, degne della Venere di Urbino di Tiziano.

Veneri erranti e contemporanee quelle di Lee Rogers.

Nella serie Siren, i corpi femminili diventano un tutt’uno di trasparenze medusine, nello scatto Argetina, per esempio, il corpo e il velo si intrecciano formando una scia di fumo, quasi ul alga grigia e preziosa. I corpi danzano nel liquido, riemergendo e scomparendo, celandosi dietro l’apparenza. E poi gli insiemi dei corpi, gruppi di anime che si intersecano come schemi, tra veli bianchi, blu, rossi, che fanno quasi eco alla bandiera gloriosa della Libertà che guida il popolo a seno di nudo di Delacroix.

Gli scatti di Lee Rogers, diventano dei tableaux-vivant senza posa, sbiaditi dalle onde centrifughe e inarrestabili dell’acqua, dove il caso strappa al definito.

Le presenze diventano comparse, sono i qualunque senza contorni certi; i colori pastello acquerellati gravitano nell’assenza, e rassicurano lo sguardo confondendo le forme. Le muscolature e la passione irruenta di Caravaggio viene prosciolta e liberata in fredde acque gelide o in calde acque tropicali, a seconda dei vostri gusti.

I panneggi filanti ripescano nella memoria anche le movenze farfalline dell’attrice teatrale e ballerina statunitense Loie Fuller, le danze serpentine vengono congelate anche esse nell’attimo del fotografico.

Tutto è movimento, tutto è caduco, tutto svanisce nella bellezza della forma che ritorna astrazione.

Tutto è un grido soffocato nel grande acquario della vita, note sorde e mute, il silenzio come nei 4.33 minuti di John Cage. Il rumore della vita è forse quello del movimento acquatico.

E chissà se i protagonisti di Lee Rogers, riemergeranno delle acque come il volto nel video No Surprises dei Radiohead, rovesceranno il Governo che non parla per noi e per loro, guariranno le loro ferite, e supereranno il naufragio. Silenzio.

A heart that’s full up like a landfill
A job that slowly kills you
Bruises that won’t heal

You look so tired and unhappy
Bring down the government
They don’t, they don’t speak for us
I’ll take a quiet life
A handshake of carbon monoxide

No alarms and no surprises
No alarms and no surprises
No alarms and no surprises
Silent, silent

Andrea M. Campo

“Grazie dottore, dica trentatrè” rispose Aristide Pallimbeni, archicembalo e filosofo incauto.

“Si ricordi Aristide, sono io il dottore, deve metterselo bene in testa, sotto il panama. La malattia è in stadio avanzato, prenda questo-  consegnò una boccetta ad Aristide – la usi solo in casi estremi, non ne ho altre”.

Aristide era in ritardo, i suoi spartiti erano ancora bianchi e il concerto si avvicinava. Con lo strumento sotto al braccio scese le scale curandosi di non saltare neanche uno scalino. Un octopodo entrò nell’androne e si orientò in verso e direzione opposti a quelli di Aristide. Il poveretto, ancora sotto effetto dell’Imitolecose andò dietro l’uomo, che accortosi dello strano individuo accelerò per le scale. “Sono malato” si scusò Aristide stanco per l’arrampicata. Con una mano cosparse sul suo capo il contenuto della boccetta e uscì dall’edificio e si diresse al centro città per un caffè.

Diceva Aristide, in serate mondane tra lo stupore della folla “C’è un volere dietro al futuro, cioè l’oggi, e non può che realizzarsi prima di conoscere il domani, altrimenti non sarebbe più volere del destino ma volere nostro” e qui imbarazzato s’interrompeva turbato. Nonostante il filosofeggiare di Aristide il destino volle, e lo volle “oggi”, che sulla strada incrociasse una mano stretta su un cappello, in posa di ossequio. Centro metri più in là l’uomo dalle braccia lunghissime urlò un rispettoso buongiorno. Il furore della malattia spinse nelle viscere di Aristide che iniziò a muovere le braccia in avanti, sempre di più, fin quando non raggiunsero la lunghezza delle braccia dell’uomo dalle braccia lunghissime. Soddisfatto l’invitò al bar con il bancone più largo del mondo, dove mai nessuno era riuscito a prendere un caffè. Con quelle braccia, i due, non solo presero il caffè ma riuscirono a gustarselo imboccandosi a vicenda, posti di fronte da un lato all’altro della strada. Aristide era spossato e usò nuovamente l’unguento della boccetta. Le braccia si accorciarono ma dopo pochi passi la malattia sferrò un altro attacco. Macchine ferme, il semaforo dondolò sulle luci intermittenti e il rombo dei motori sfidò quei rettangoli che confidavano di poter sfrecciare come fosse loro possibile farlo. Fu il rosso ad averla vinta e ad attirare l’attenzione di Aristide. Cominciò a pizzicarsi le guance ripetutamente e non appena raggiunse un carminio livido guardò verso la luce più alta del semaforo, che per beffa divenne verde. Allora Aristide si picchiò con forza sul fegato e sullo stomaco senza alcun risultato. Il semaforo diede il giallo e Aristide illuminato, non come avrebbe desiderato, pensò a ciò che di più ripugnante conosceva. Pensò a un si bemolle, a un angolo piegato di una pagina, ai pomelli delle porte di legno e perfino alla storia della fontana in via Aurora ma nulla servì, non diventava abbastanza giallo. Aristide, a capo chino, si allontanò profondamente risentito e l’eco lentamente scemò depositando una strana insoddisfazione sul suo timpano.

Fu allora che per ripicca Dora Maar, tanto amata da Picasso, tanto odiata da sé stessa, giunta lì per caso guardò dritto negli occhi Aristide. E lui, corrotto dalla malattia, provò a giocare a dadi col proprio viso. Perdendo. Mise l’occhio sotto un altro, il naso vicino l’orecchio, la bocca, per fortuna e per mancanza di spazio, decise di lasciarla lì dov’era, ma Dora era ancora tanto diversa. Allora Aristide arrabbiato si mischiò la faccia per una seconda volta. La bocca parlava all’orecchio destro mentre la fronte buttava un occhio al naso, che si arricciava e si srotolava tra una guancia all’altra: ma nulla ancora. Aristide intuì che era necessario riflettersi e controllare ogni spostamento componendo un viso geometricamente confuso. E che confuso doveva restare nella soluzione.

Le ultime gocce del rimedio per la Imitolecose, che con tanta cura il dottore aveva distillato da una mente saggia, rimbalzarono sui capelli di Aristide regalandogli gli ultimi baleni di indipendenza. Aristide camminava lungo la Granvia quando, ormai domato dalla malattia, vide il negozio di specchi. Entrò e per diversi giorni non uscì.

Giunse il giorno del concerto e tutti attesero a lungo l’assolo dell’archicembalo che non arrivò mai. Il primo violino, il secondo flauto e un terzo tra i due lo cercarono a lungo. E lo trovarono nel negozio degli specchi. Aristide immobile, ormai sconfitto dalla malattia, era ancora in attesa che la sua immagine facesse la prima mossa.

Di Raffaella Iannetti

Domattina,                                                  

nel meriggio delle mie sensazioni,

mi domanderò del mio corpo

e di dove abbia assaggiato sconosciute esistenze

quando la coltre chiudeva i miei occhi

e quando il sole brillava tra le mie pupille ….

dormiente,

adagiato

in un’emozione prigioniera di vuoto……

 Io,

blindata tra gli angoli del mio sguardo

e spigoli pigri delle mie ossa,

informe..

eppure rimarrò attaccata

alle radici del mio petto

bucando il cemento ,

respirando ad ogni foro delle mie pelli,

 e una e due e più volte

inspirando ed espirando l’intera rosa dei venti…d’un fiato

e all’improvviso,

ricoperta di una eloquente faccia di bronzo,

danzante

tra muscoli e pensieri svestiti

abbracciati nel tempo ,

contratta

in libertà

e senza peso nel ventre e nella fronte

e senza piombo nell’anima,

elastica

sarò al mio posto

e senza piedistallo

in una qualunque terra promessa …

di fronte a nuovi soli!

Tra i vari siti internet si possono scoprire varie soluzioni, spesso, soprattutto per chi viaggia in gruppo molto più economici degli hotel. È questo il caso di oh Berlin che propone appartamenti nei quartieri più ricercati della capitale, Alexanderplaz o la Mitte ma soprattutto eleganti dimore in Friedrichshain, luogo preferito dei cosmopoliti intellettuali d’Europa, soluzioni alternative a Kreuzberg fervente polo multiculturale, o a Shonberg, meta sicuramente tra le più open – minded di Berlino.

Se invece la vostra bussola indica la Francia, homelidays vi offre la possibilità di respirare i profumi della Borgogna, lasciandovi trasognanti tra le offerte di casali, dimore d’epoca, o di case private che ospitano per brevi periodi.

I più cool possono invece dirigersi verso locasun che propone una vasta gamma di appartamenti, soprattutto per biovacanzieri e designer, meta d’obbligo, la Danimarca.

Per chi invece ha attraversato con la fantasia mezza Europa ed è alfine giunto in Polonia, a Varsavia, la scelta migliore ricade sui confortevoli locali di capitalapart, specializzata nell’affitto di dimore situate nella Old Town.

Ovviamente per gli avventurieri il miglior modo di viaggiare cheap rimane sempre il couchsurfing, che permette di scegliere da chi andare e dove il tutto completamente gratis. Magari potreste ritrovarvi nello splendido loft di un architetto londinese o nell’ala di un castello a San Pietroburgo, o forse a casa con degli spagnoli amanti della movida, ma che importa, ogni casa ha la sua bellezza e la sua storia, ed è sempre meglio rischiare una fregatura che cullarsi comodi in hotel con ciabbattine incluse, abbandonando del tutto la bellezza di un viaggio vissuto dentro la città, partendo dalla propria (temporanea) casa.

Redorer le blason de Marseille

« Renouveau de la cité », « transformer durablement la ville », « Marseille qui lutte, Marseille qui change, Marseille qui va gagner », voici quelques phrases parmi tant d’autres que l’on pouvait entendre en boucle dans les médias au moment de l’inauguration de Marseille-Provence 2013. Le message est clair, l’année 2013 est décisive pour la cité phocéenne. Elle doit saisir l’occasion d’être devenue capitale européenne de la culture pour redorer son blason, faire oublier les règlements de compte à la kalachnikov, la violence sociale, politique et économique qui parcourt ses rues. Se racheter une conduite en somme, rentrer dans le moule, un peu trop peut-être…

Il faut dire que la ville doit être à la hauteur de la comparaison inévitable avec Lille qui fut capitale européenne de la culture en 2004. Le succès indéniable de Lille  a permis une transformation de la ville et de son agglomération ainsi que l’organisation d’événements culturels pérennes comme par exemple Lille 3000 qui rythment la vie lilloise depuis 2006.

Dans cette optique de profondes mutations, Marseille-Provence2013 aaffiché lors de sa candidature « la volonté de transformer durablement la ville, de mettre en œuvre un vrai projet de territoire » et de voir au-delà de l’année 2013. Pour cela Marseille a entrepris des travaux colossaux, en concentrant les nouvelles infrastructures culturelles sur le front de mer. Un choix séduisant, voire évident même, mais qui ne fait que renforcer les contrastes économiques et socioculturels entre le centre touristique et les quartiers défavorisés.

De l’archi-culturelle à la marseillaise

La grande star de ce Marseille-Provence 2013 est sans conteste le MuCEM (musée national de civilisations d’Europe et de Méditerranée) qui ouvrira ses portes (tardivement) en juin 2013. Le bâtiment ayant coûté 160 millions d’euro est un énorme volume de béton et de verre horizontal, recouvert d’une résille de béton fibré et de façades brise-vent. Une passerelle relie le musée au sublime Fort Saint-Jean. Si le résultat est agréable à l’oeil, n’allons pas crier au génie. Il semblerait en effet que le devenir des nouveaux musées soit établi sur un même schéma architectural. La physionomie du  MuCEM ressemble en effet à s’y méprendre à celle du Louvre Lens, conjuguant volume horizontal afin de ne pas dénaturer l’environnement proche et une architecture de béton, d’acier et de verre.

Non loin du MuCEM, on retrouve la curieuse Villa Méditerranée conçue par l’italien Stefano Boeri. Il s’agit d’un  bâtiment amphibie (certains espaces se trouvent sous l’eau) qui ressemble à un immense plongeoir. La présence de ces deux monstres architecturaux à proximité l’un de l’autre intrigue. Lors de l’inauguration du MuCEM, le maire de la ville, Jean-Claude Gaudin, offre la démonstration de ce que les Inrocks qualifient de « véritable scène politique marseillaise » : «  Monsieur Vauzelle (président de la région) voulait marquer la présence culturelle de la région Paca dans Marseille à l’occasion de cette année 2013 exceptionnelle. Mais de notre côté, nous avions à faire le tunnel de la Joliette. Je lui ai dit : vous mettez trente millions dans le tunnel, et nous aussi on met trente millions dans le tunnel. Et voilà, affaire conclue. » Belle manière de justifier un projet architectural estimé à 70 millions d’euros. Mais Marseille-Provence 2013 n’est pas à une situation pagnolesque près au grand damne des marseillais.

Un autre bâtiment, le J1, révèle en effet les approximations de l’organisation du MP 2013. Cet énorme géant d’acier et de béton construit en 1930, servant de gare maritime et dont le second étage de 6000m2 a été réaménagé en espace culturel, bât des records d’affluence. La restructuration particulièrement réussie offre une vue imprenable sur la mer et  la ville. En ce sens le projet offre la possibilité aux marseillais de se réapproprier la ville. Problème : les organisateurs de Marseille-Provence 2013, n’ont pas jugé bon de climatiser le lieu. Bien que l’on puisse lire sur le site de la ville au sujet du J1 que « l’expérience des capitales européennes antérieures a révélé l’importance d’un lieu de rendez-vous majeur et dynamique (…) conjuguant expositions, accueil des artistes, information des publics et soirées populaires, comme le Tri postal à Lille en 2004. », ce dernier sera donc fermé entre le 18 mai et le 11 octobre 2013, en pleine saison touristique. Dommage que les organisateurs aient fait de ce « lieu éphémère, sur lequel il n’y a pas de visibilité pour l’après 2013 » le centre névralgique de Marseille-Provence 2013. Autres aberrations urbanistiques : l’aménagement piétonnier du vieux port. Certes, l’espace est ample, dégagé mais trop aseptisé. Aux arbres pour protéger du soleil et qui auraient apportés un peu de verdure, il a été préféré des ombrières modernes qui aux dires de certains marseillais dénaturent le port.

Les oubliés de Marseille-Provence 2013

Chaque grande manifestation culturelle révèle son lot de désaccords, de mécontents et de désillusions. Marseille-Provence 2013 ne fait pas exception à la règle. Depuis son inauguration diverses critiques affleurent. Ainsi depuis le 8 février 2013, la polémique enfle au sujet des concerts de David Guetta dans le parc du château Borely prévus pour cet été. La ville de Marseille a en effet alloué 400 000 euros de subventions à Adam Production pour l’organisation de concerts payants. Si Marseille Provence 2013 n’a pas déboursé un centime, l’événement a en revanche pignon sur rue dans sa programmation. Le mécontentement des marseillais et du milieu culturel est palpable. L’utilisation de fonds publics destinés au soutien de l’art pour un concert payant est en effet vue d’un très mauvais œil dans une ville qui connaît des difficultés économiques importantes. Par ailleurs, Le journal de l’After Off 2013, dévoilait ce mois-ci que l’architecte des bâtiments de France, Gilles Bouillon n’avait reçu aucune demande d’autorisation temporaire d’utilisation du parc. Hors, cette démarche est obligatoire lorsqu’un événement est organisé à proximité d’un monument historique classé comme le château Borely. Une pétition, comptant près de 70 000 signatures est actuellement en ligne sur le net.

Les quartiers défavorisés grands perdants de l’année de la culture à Marseille

Malgré les promesses du projet initial, de nombreux mécontentements s’expriment également dans les quartiers défavorisés de Marseille. A la mi-novembre plusieurs associations du quartier Saint-Bartélémy décident de se retirer « des jardins possibles », important projet de Marseille-Provence 2013 qui associe artistes et habitants autours d’ateliers de jardinage. Le recul de ces associations est dû au sentiment latent que Marseille-Provence 2013 est un cache-misère. En effet, le terrain proposé est en zone inondable et destiné à recevoir en 2017 les gravats de la rocade autoroutière de l’avenue Arnavon.  Autre maladresse, fin décembre les mairies des 13^e, 14^e, 15^e et 16^e arrondissements n’avaient toujours pas reçu de programmation. Ce genre d’attitude, à la limite du dédain ne peut qu’engendrer de la frustration et empêche également toute « mise en œuvre d’un vrai projet de territoire et de préparation de l’après 2013 », pourtant défendu par le projet initial. On remarque en effet qu’aucun équipement culturel pérenne n’a été construit dans les quartiers Nord. Pire encore on tire littéralement sur l’ambulance.

Depuis le 25 février, deux associations culturelles, les Pas Perdus et l’Art de vivre installées au comptoir de la Victorine sont menacées d’expulsion. Dans un appel à soutien, que l’on peut retrouver sur le site de l’association l’Art de vivre, les deux associations expliquent leur situation : « Le 14 décembre 2006, le jour même de l’annonce de la candidature de la Ville comme capitale européenne de la Culture 2013, la mairie de Marseille annonçait le rachat du comptoir Toussaint-Victorine. Une délibération du conseil municipal en date du 1er octobre 2007 entérinait l’engagement de la ville et réaffirmait la nécessité de travaux d’urgence « afin de permettre aux artistes de poursuivre leurs activités sur le site ». En février 2008, la Mairie en faisait l’acquisition ». Cependant aucuns travaux ne sont entrepris et les structures alertent régulièrement les services du patrimoine et de la culture sur les réparations indispensables à la sécurité et au bon déroulement de leurs activités et sur l’urgence de travaux de mise en conformité des locaux. Les deux associations affirment que depuis 5 ans  « aucune initiative sérieuse n’a été prise par ces services pour répondre leurs demandes et que d’autres résidents du bâtiment ont rencontré et dénoncé les mêmes difficultés. » Des démarches collectives sont alors entreprises : constat d’huissier, demande de rendez-vous avec les services de la ville, signalements systématiques des actes de vandalisme et des dégradations, déclarations de sinistres aux assurances, demandes d’interventions, demandes de travaux d’urgence et de mise en conformité… La ville semble faire la sourde oreille. Les deux associations décident alors, l’an dernier, de suspendre le paiement du loyer, afin d’attirer l’attention de la mairie de Marseille. L’unique réponse reçue en retour est la menace d’expulsion sous un mois. La situation tourne à l’absurde lorsque l’on apprend que l’une des associations, Les Pas perdus, participe activement à Marseille-Provence 2013 dans le cadre du programme Quartiers Créatifs[1].

Face à cette multiplication de couacs et de bévues en pleine année de la culture on peut s’interroger sur les finalités de Marseille-Provence2013. Aqui va réellement profiter cet événement ? Le risque étant de faire du tourisme culturel plutôt que d’insuffler une dynamique culturelle durable.  Il est évident que de l’argent a été jeté par les fenêtres et que Marseille aurait pu mieux jouer de ses difficultés et de ses particularités. Marseille-Provence 2013 donne l’impression à certains moments que la ville s’est travestie en capitale de la culture avec des projets colossaux, en oubliant parfois l’essentiel : les infrastructures culturelles déjà existantes qui souffrent de l’absence de moyens, ses quartiers…On peut seulement espérer que l’indomptable Marseille trouvera la parade et que ses habitants s’approprieront leur ville, faisant vivre l’art en dehors des espaces préétablis de l’expression artistique. Car, pour paraphraser une citation reprise par le mouvement Macao de Milan :

« L’Art et la Culture ne s’administrent pas mais se laissent vivre ».

Alessandro Cochetti

Dagli incontri si è potuto constatare il grande lavoro di ricerca che occupa la maggior parte dell’attività di questo grande autore: la ricca documentazione, che dura anche anni, per trovare ogni singolo dettaglio, spesso a suo proprio dire persino irrilevante, che poi andrà ad inserirsi come un tassello nel mosaico delle storie da lui create. Chi ha letto i volumi di Max Fridman o quelli di Jonas Fink può accorgersi di questo facendo attenzione a uno qualsiasi degli elementi presenti in scena: da un orologio a cucù ad un’automobile, dai palazzi alle strade fino anche agli abiti stessi indossati dai protagonisti. Ci si trova di fronte cioè ad un campionario di oggetti che catapultano il lettore immediatamente in un determinato tempo e luogo, e che sono perciò narrativi. Tanto per fare un esempio: durante le videoproiezioni Giardino ha mostrato come, in No pasaràn, compaia un aereo da guerra (la storia è ambientata durante la Guerra Civile Spagnola) che ha nella fusoliera un disegno di Mickey Mouse, escamotage che ha usato per renderlo riconoscibile poiché ricompare più avanti nella storia. Dunque quel marchio sulla fusoliera è solo di riconoscimento, e assolve ad una semplice funzione narrativa utile al lettore. Ebbene quell’aereo Giardino ci dice che esistette davvero, e ci mostra una foto (se ricordo bene di Robert Capa) dove lo si può vedere benissimo mentre è “posteggiato” in una base militare spagnola negli anni 30. Ora, questo è chiaramente irrilevante ai fini della storia che Giardino racconta in No pasaràn, ma ci dà l’idea di quale gigantesca mole di ricerca ci sia dietro il suo lavoro: per rendere riconoscibile quell’aereo avrebbe potuto benissimo inventarsi un segno qualsiasi, magari una “X” o altro, eppure anche per questo piccolo dettaglio c’è una cura incredibile, quasi maniacale, considerando quanti album fotografici di guerra dovrà aver sfogliato nel suo studio per trovare un’immagine utilizzabile. Di questi esempi se ne potrebbero fare migliaia, cercando corrispondenze e citazioni in film, fotografie, romanzi, etc, ricercando oggetti, capi d’abbigliamento e persino strade, piazze e insegne di negozi (come in Rapsodia Ungherese, dove le strade di Budapest sono assolutamente riconoscibili in foto d’epoca).
Dopo il fascino del disegno e della citazione poi si subisce però anche quello delle trame, che hanno tutte come filo rosso l’intrico, l’intreccio complicato e mai banale, cosa che ben si sposa con le ambientazioni hard-boiled del detective Sam Pezzo o con le complesse spy-story di Fridman, finanche alle storie brevi ambientate nell’Italia “da bere” degli anni 80, dove c’è sempre un omicidio, un tradimento o un mistero celati dietro l’angolo. In ognuno di questi racconti emergono così personaggi complessi, di cui lo stesso autore ci dice che ne conosce anche il passato ed il futuro, nonostante la storia in questione si focalizzi su un punto preciso della loro vita: questo meccanismo creativo Giardino dice che è indispensabile per lui, utile a creare delle personalità realistiche e convincenti, piene di quelle stesse contraddizioni che caratterizzano ogni individuo, in modo che anche l’ultimo dei comprimari possa così assolvere nel modo più verosimile alla sua funzione narrativa all’interno della storia. Giardino ci dice infatti che se un personaggio, in una determinata circostanza, agisce come agirebbe lui stesso, allora c’è qualcosa che non va, la caratterizzazione è sbagliata. Di Fridman Giardino dice di conoscere tutto infatti, dall’infanzia fino alla morte, anche se questi periodi della sua vita probabilmente non vedranno mai la luce in una storia a fumetti. C’è dunque un gioco di immedesimazione e di studio che solo i grandi scrittori sanno fare. Durante gli incontri l’autore ha tirato fuori a questo proposito un concetto molto importante e utile per capire la sua poetica, e cioè l’essere “qui” e “ora”: Giardino dice questo in risposta ad una ragazza che gli chiede, e la domanda in realtà non è banale, se lui avrebbe realizzato le stesse storie se fosse stato un disegnatore giovane oggi. È qui che l’autore inserisce questi due concetti, dicendo che probabilmente oggigiorno avrebbe forse utilizzato tecniche di disegno diverse, ma che per quanto riguarda le storie il concetto di tempo e spazio sono imprescindibili. Questo è interessante perché mostra come per la caratterizzazione dei personaggi e lo sviluppo delle trame la dimensione della Storia (quella con “S” maiuscola) sia sempre un elemento da controllare e padroneggiare per ottenere migliori risultati: il giovane Jonas Fink è un ragazzino ebreo confinato nel ghetto di Praga durante il periodo delle purghe di Stalin, Fridman è una spia francese che si ritrova nel nord-est europeo e in Spagna negli anni trenta. Sono dunque personaggi immersi in un contesto ben preciso, dove la personalità stessa dell’autore non deve entrare per non modificarne la verosimiglianza: per scrivere una storia ambientata tra le due guerre mondiali Giardino deve perciò documentarsi per sapere come era la vita durante quel periodo e far “comportare” i suoi personaggi in un modo che possa essere veritiero per l’epoca.
In definitiva entrambe queste componenti, lo studio degli ambienti e quello dei personaggi, unite ad un’attenzione maniacale, sono indispensabili alla creazione di quell’atmosfera che Giardino riesce sempre ad evocare con efficacia. L’autore si chiede infatti se questo suo lavoro passi o meno attraverso i suoi fumetti (lui dice che questa parte di studio è per lui un divertimento prima che una necessità), poiché nessuno andrà mai a controllare effettivamente se una strada o una piazza siano quelle reali o no, ma io credo che in qualche modo questo venga percepito dal lettore e la mostra dedicatagli è, oltre ad un omaggio alla sua carriera, una prova che non sono il solo a pensarlo.
La mostra al Museo Civico Archeologico di Bologna (dal 22 febbraio al 1 aprile) cerca infatti di mettere in luce tutti questi aspetti. Già dal titolo “La quinta verità” che, oltre a richiamare il titolo di un suo racconto breve (La terza verità), focalizza l’attenzione su come, nell’opera di questo autore, niente sia mai scontato, che la realtà dei suoi fumetti è qualcosa di complesso esattamente come complesso è il mondo reale che ci circonda.
Su queste pagine si era già parlato, a proposito della mostra di Enki Bilal al Louvre e di quella di Robert Crumb al MAM di Parigi, dell’importanza che il medium fumetto assume oggi nel panorama più complesso dell’arte contemporanea: Bologna, città natale dello stesso Giardino, si rivela così sensibile a questo problema, dedicando una mostra e degli incontri che realmente scavano a fondo nella poetica di un grande narratore imperdibile anche per i non appassionati del fumetto.

Dopo Piero Manzoni è la volta di Lucio Fontana ospitato al Museo Pecci di Prato (il 12 marzo dalle 18.00).

Per questa seconda lezione il regista e drammaturgo Giancarlo Cauteruccio, coadiuvato dell’ideatore del progetto Sergio Risaliti, si occuperanno di avvicinare due arti spesso considerate dissimili, poste ai due capi delle arti visive: l’arte propriamente detta e il teatro contemporaneo.

Non nuovo a questo format ibrido (per approfondimenti si legga l’articolo Cinque atti teatrali verso una nuova percezione dell’opera d’arte di Elena Scalia)  il Teatro pone una rappresentazione fresca ed originale, intervenendo nel verso di un’opera d’arte che può dirsi totale. Sulla scena le opere sembrano prender vita ed espressività con gli attori posti a fulcro del magma creativo che allo spettatore si rivolge.

Una lezione-teatro che rientra nel ciclo di appuntamenti Teatro dell’opera, che ospita oltre al già citato Piero Manzoni le opere di due artisti contemporanei, i toscani Daniela De Lorenzo e Francesco Carone.

L’ingresso è gratuito.

http://issuu.com/theartship/docs/evapora

http://issuu.com/theartship/docs/_12_web

Ossia diurne considerazioni intorno all’arte contemporanea

Paola Pluchino. Esprimersi nel mondo dell’arte oggi è certamente un istinto che accomuna sempre più larghe fasce della popolazione giovanile (ma anche non).  Fin dalle epoche più remote gli esseri umani hanno sentito l’istinto di eternizzarsi, in qualche modo, di lasciare una traccia del loro passaggio su questa terra. Dai graffiti delle grotte di Lascaux di tempo e di tecniche ne sono passate, come le effigi egizie, le costruzioni maya, le trovate urbanistiche dei romani. Fino a noi, ai nostri tempi caotici e interessanti.

Proprio qui, le cose hanno cominciato a complicarsi. L’idea della serialità, insieme alle opportunità sempre più a portata di mano e on demand hanno consentito la produzione spasmodica di qualunque tipo di materialità, oggetto funzione e uso immaginabile. Una quantità di oggetti hanno cominciato ad affollare dapprima le nostre abitazioni, moderni contenitori di confort estetico, poi i nostri pc, infine il nostro gusto estetico.

Parimenti, e più specificamente nel mondo dell’arte si è assistito ad un esponenziale sovraffollamento di arte e pseudo artisti, di rumori sempre più intensi. Questo ha portato una certa sofisticata élite, una certa intelligencija a virare la propria espressività nel verso della smaterializzazione (a volte completa, totale ed estrema) dei contenuti, imponendo alla critica uno sforzo ulteriore di categorizzazione del risultato o a volte, dell’ammissione della non possibilità di discernere il confine tra arte e scienze naturali, arte e storia, arte e sociologia.

Pur ammirando apertamente questa tipologia di artisti (spesso a cavallo tra il Minimal e la sound art), non posso redimermi dal constatare molteplici altri filoni d’indagine, altra arte che continua stancamente ad esistere, cercando di emergere.

Nel mare vasto della compenetrazione dei generi è tuttavia obbligatorio serbare una sorta di lucidità, dei cardini sicuri cui agganciare le coordinate del nostro discorso.

Come primo termine si prenda il principio dell’universale singolare: un’opera d’arte per dirsi tale deve assolvere un duplice godimento estetico: il proprio (ossia di chi lo ha prodotto e non necessariamente intendendolo come piacere positivo) e quello di chi lo osserva (come sopra).

Secondo: deve superare se stesso: ossia spingere talmente in avanti la propria idea da ritrovarsi a testa in giù nel suo senso.

Terzo: non spiegare la propria vanità diluendone il senso (lo spettatore non è stupido ma capisce a modo suo).

Quarto: colpirci, nostro malgrado.

Quinto: un critico potrà dire che quell’opera è interessante perché nel suo compiersi riesce ad esprimere con veemenza l’ardore primigenio della natura nella sua follia, ma se non ha valore per voi allora fa schifo, punto.

Sesto: essere filosofici, ossia avere bene in mente una domanda, l’opera d’arte, se è buona, saprà darvi una risposta (per gli artisti questo discorso è inutile in suo luogo si osservi come la bravura di un’artista sia inversamente proporzionale all’altezza al quale tiene il mento mentre vi sta parlando o guardando).

Settimo: Coraggio.