The Evil Monkey's Records

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Thu, 23 Feb 2012 00:00:00 PST

Art Ensemble of Chicago – Tutti i luoghi di un palco
Please take this music as far inside yourselves as the musicians have gone inside themselves to present it to you, and we can begin then to complete the term the music has established for itself. Let it be a BAPTIZUM,

Art Ensemble of Chicago – Tutti i luoghi di un palco

noreply@blogger.com (79deadman) — Wed, 22 Feb 2012 06:43:07 PST

Chi sono quelle figure sacerdotali eppure metropolitane, che invadono il palco con i loro attrezzi musicali? Che cosa suonano? Cosa recitano? Perché il loro spettacolo sembra più un’evocazione che un concerto jazz? Perché questa loro bizzarra proposta appare più moderna e provocatoria oggi rispetto ai primi anni ’70?

Perché ascoltare ancora l’Art Ensemble of Chicago?

Perché non è solo musica; è pensiero libero, mai prevaricatore, mai passivo, con un seme di primordiale universalità africana che ci ricorda da dove veniamo.

E’ ancora vergine, come la foresta. Lo era nel 1970, lo è in gran parte ancora oggi. Perché è “free-bop” o meglio “be-free” un’espressione che anche semanticamente coincide con la filosofia di fondo del gruppo. Un gruppo che sente la necessità di rendere esplicita sin dal nome la sua provenienza, Chicago, salvo poi dimostrare ben altro con una musica che è “del Mondo” e si espande come nella radiazione evolutiva dell’Homo Erectus dalle valli del rift al Medio-oriente. E ritorno. Una musica che suona di casa tanto in Maxwell Street quanto al riparo della falaise de Bandiagara tra la gente Dogon del Mali. Una timbrica sconfinata che va dalle piogge tropicali dei vibrafoni, ai clacson scortesi di una metropoli (post)moderna, fino ai flauti pastorali di tribù nomadi su grandi pianure. E allora forse è vero che “space is the place”, o meglio: gli spazi sono il luogo: tanti spazi diversi su un unico palco.

Ma chi su quel palco amministra e percorre questa moltitudine di spazi?

C’è Joseph Jarman, alto, in dashiki bianco, una sorta di Lester Young delle origini, con quel suo timbro profondo, il riverbero spesso flemmatico, echi addirittura cool. C’è Roscoe Mitchell, che veste dallo stesso sarto di Ornette Coleman, con tonalità sgargianti nella giacca e atonalità continue riversate su sheets of sounds in legato perpetuo, biscrome che ululano sui rami più alti dei una jungla urbana antica eppure moderna, allo stesso tempo. C’è la tromba melodrammatica e parlante di Lester Bowie che ci ricorda l’alienazione di comunità metropolitane che vanno disgregandosi e lancia l’assalto alle trincee oscurantiste della lotta di razza.

Poi c’è la meraviglia della sezione ritmica di Malachi Favors e Don Moye, meravigliosa proprio perché non è una sezione ritmica. All’ Art Ensemble non interessa la costruzione di prospetti verticali con fondamenta armoniche e pilastri ritmici. Il gruppo disegna al contrario ampi paesaggi di spazi aperti, estesi, wide. Don e Malachi definiscono semplicemente dei campi d’intervento, come due coordinate geometriche sul piano; funzionano come le linee scure in un quadro di Mondrian: delimitano settori cromatici pur essendo parte integrante dell’opera. Determinano un “ritmo” pur essendo parte integrante della melodia e mai sottoposti ad essa.

Poi c’è il leader; che in realtà manca. Ognuno conta uno, nessuno conduce, nessuno è condotto. E nonostante tutto l’Art Ensemble non è solo un anarchico collettivo free. Suona musica “scritta”, composta, nel senso stretto del termine, ma che si sviluppa su di un copione che è anche, esplicitamente teatrale. La scena è importante come la proposta sonora: ed è una scena ricolma e ridondante di oggetti musicali, di “piccoli strumenti”, in cui i cavi dei microfoni e le spie degli amplificatori si intrecciano a strumenti antichi e improbabili; centinaia di percussioni che sono come giochi di costruzione per bambini curiosi, che nelle mani dei componenti del gruppo diventano mediatori musicali per elaborare tappeti percussivi ad libitum, tessuti poliritmici sgargianti che fanno dei cinque musicisti non solo dei performer ma veramente degli officianti.

Con loro si conclude il lungo viaggio di ritorno alle origini che il jazz intraprese dalla fine degli anni ’50. Figli di coloro che furono schiavi, ritornano nella terra degli antenati: i volti dipinti, i costumi, i nomi da battaglia: il tutto reso in modo così esplicito da essere a volte un espressionismo formale addirittura esagerato.

Perché considerare questa musica moderna e non il relitto di addirittura due distinti passati? Uno lontanissimo, che inizia con l’istituzione della musica percussiva come elemento fondante per il “rito”; l’altro più recente, che riconduce agli anni ’70 del jazz con tutta la crisi dei generi classici e la controversa adozione dell’elettrificazione in una fusion di generi assai differenti.

A ben guardare, in un momento di frenetica innovazione, l’ Art Ensemble non è poi tanto diversa da un combo be-bop mischiato ad una festante marching band con coscienza di razza, il tutto aggiornato agli anni delle Black Panther e del long playing a 33 giri. Senza occhiali in corno e baschi neri, ma con una inconfondibile esteriorità equatoriale, si concedono, rispetto al jazz degli anni ’40, una maggiore elasticità armonica, una sconfinata fantasia timbrica e una evidente propensione al brano esteso, alla suite, al flusso continuo. Restii al 45 giri quanto, si direbbe, alla sala d’incisione (molti dei loro grandi capolavori su disco sono dei live), la loro musica può essere ruggente, lungamente percussiva, con battiti che non sono beat ma un vero e proprio linguaggio comunicativo. Può essere anche spaventosa e cacofonica. Ma mai superficiale né banalmente improvvisata o disordinatamente caotica. Rimane sempre educata, in fondo, non volgare, forse meno di rottura rispetto a Coleman o Cecil Taylor, spoglia dell’astro-filosofia di Sun Ra; non si fa mancare neppure un certo gusto retrò nelle parti d’assieme, come una vecchia big band in crociera su oceani caldi. Ma è sempre solida, addirittura rigorosa.

Recuperando tanta tradizione antica e “religiosa”, il loro spettacolo diventa rito. Giorno di festa. E come ogni giorno di festa la loro performance comporta la “sospensione del tempo” come flusso. Nel giorno di festa, tutto si ferma. Durante le loro esibizioni le lancette non battono. Esiste solamente quell’ampia, enorme dimensione spaziale che i cinque sacerdoti riescono ad evocare. Un afflato di intensa spiritualità in tempi fin troppo materiali.

E se la loro musica è figlia di un momento sociale e culturale talmente peculiare che, ad un primo ascolto, si faticano ad immaginare Jarman, Mitchell & Co. attori, anche solo su disco, degli anni 2000, la loro idea è così creativa e multiforme da essere ancora vergine. Vergine per l’ascoltatore, vergine ancora per il critico. Vergine sopratutto per il grande pubblico.

Così da essere riproponibile ora con la stessa freschezza e la stessa originalità di un tempo.

"Please take this music as far inside yourselves as the musicians have gone inside themselves to present it to you, and we can begin then to complete the term the music has established for itself. Let it be a BAPTIZUM, as it was for the people who got it direct that afternoon in Ann Arbor, September 9th. 1972, sitting under the music of the Art Enesemble of Chicago in the sun. Let it be whatever it wants to be, let it do whatever it wants to do to you - let it wash over you and be your BAPTIZUM too, as it was that say for so many of us, and rise up and out of it as far as you can go."

John Sinclair – Note all’edizione originale di BAPTIZUM

IMMAGINI

The Art Ensemble of Chicago - The Third Decade - 1984

Mondrian - Composition A - 1920

Max Ernst - La Foresta Imbalsamata - 1933

Riletture Americane - La Rapidità - Parte 6

noreply@blogger.com (79deadman) — Wed, 22 Feb 2012 07:07:12 PST

“Categorie calviniane” applicate alla Popular Music - La Rapidità - Pt. 6
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Per concludere, ritornando in tema, due ultimi riferimenti che da soli riassumono buona parte l’essenza della rapidità nella musica commerciale; una canzone, It's The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine) dei R.E.M. e un intero album, Highway 61 Revisited di Bob Dylan.

It's The End Of The World, da Document (1987), è un tour de force di Micheal Stipe che in quattro minuti galoppa tra immagini disparate, libere associazioni, dissolvenze oniriche: la velocità del pensiero che arriva rapidamente alla fine del mondo così come lo conosciamo; nessun trauma, è un’Apocalisse morbida che si può anzi rilassare e distendere nell’immortale chorus della canzone.

Six o'clock - TV hour. Don't get caught in foreign towers.

Slash and burn, return, listen to yourself churn.

Locking in, uniforming, book burning, blood letting.

Every motive escalate. Automotive incinerate.

Light a candle, light a votive. Step down, step down.

Watch your heel crush, crushed. Uh-oh, this means no fear cavalier.

Renegade steer clear! A tournament, a tournament, a tournament of lies.

Offer me solutions, offer me alternatives and I decline.

Highway 61 Revisited rappresenta di per sé un’accelerazione imponente rispetto alla maggior parte della musica pop del suo tempo: rock-blues elettrico, aspro, brani anche lunghissimi, una forma-canzone che si imbastardisce sempre di più con la poesia simbolista di Verlaine, l’autobiografismo e il surrealismo: il primo vero Rock d’Autore. I testi ne sono la testimonianza, a partire da quella Highway 61 Revisited con le sue scorribande autostradali a metà tra vecchio west, blues d’epoca e poliziesco:

Sam said tell me quick man I got to run

Ol’ Howard just pointed with his gun

And said that way down on Highway 61

Su di un blues galoppante le domande si susseguono ma la risposta è sempre quella: “sull’autostrada”, la nuova highway, elettrica, veloce dove si rincorrono senza sosta i molteplici personaggi della canzone e differenti esperienze di vita.

From Buick 6 poi, in cui l’allegoria popolare di Robert Johnson diventa simbolismo intellettualista.

Well, when the pipeline gets broken and I'm lost on the river bridge

I'm all cracked up on the highway and in the water's edge

Here she comes down the thruway ready to sew me up with a thread

Well, if I go down dyin', you know she's bound to put a blanket on my bed

Ancora grandi visioni stradali che sono poi le stesse di Kerouac, aggiornate ad un tempo più modernista ed elettrico che ha finalmente eletto la città ad unico habitat possibile per la razza umana.

Tombstone Blues infine, che è una sciarada continua e mozzafiato di immagini che si susseguono per associazioni mentali o semantiche immediate, realmente generate da un “automatismo psichico” come un corto di Luis Buñuel o un collage di Ernst: 12 strofe, altrettante micro-storie ognuna ermeticamente coerente in sé ma totalmente avulsa, rispetto ad una comune esigenza di “verticalità”, dalle altre: ma la necessità di una trama coerente e unitaria è solo una pigra abitudine dell’ascoltatore non certo una regola per l’artista. La ritmica serratissima, la prima vera batteria consciamente minimalista (Bobby Gregg non cambia MAI il battito, né nella strofa, né nel ritornello nè nell’assolo) e le tirate di Bloomfield che sembrano deragliare da un istante all’altro: tutto congiura per riprodurre la stessa carica di un treno lanciato in corsa e senza freni. La migliore rappresentazione in musica della velocità del pensiero, una quantità evidentemente non misurabile.

Pare incredibile, e qui sta il fascino del LP nel suo intero: che questo stesso album naufraghi alla fine nella sonnolenta depressione di Desolation Row, un moto perpetuo e immutabile in cui le chitarre acustiche e i personaggi della canzone sono sospesi in frammento di Limbo in cui è il tempo ad essersi annullato, lasciandoli vagare nell’angusto spazio di una strada senza uscita.

Per tentare un’evasione dallo strapotere dell’orologio.

Wild sounds in the night

Angel siren voices.

The baying of great hounds.

Cars screaming thru gears

& shrieks

on the wild road

Where the tires skip & slide

into dangerous curves.

J. Morrison – Anatomy of Rock

NOTA: Negli ultimi 60 anni, la musica popolare ha prodotto un’infinità di canzoni, album, artisti e gruppi. Un oceano sterminato impossibile da censire in modo esauriente. Quella qui proposta è una delle infinite rotte possibili in quest’oceano, tracciata sulla base di una categoria, la rapidità, che sarà filo conduttore all’articolo. Una delle migliaia di varianti possibili di questo percorso che a sua volta è solo uno delle migliaia di percorsi possibili.

IMMAGINI

REM – Document (1987)

Bob Dylan - Positively 4th Street (1965)

Salvator Dalì - Orologio molle al momento della prima esplosione (1954)

Don Van Vliet - Art Gallery

noreply@blogger.com (79deadman) — Tue, 21 Feb 2012 07:33:49 PST

L’opera di Van Vliet è un’ode al deserto, all’antropomorfismo di animali e oggetti; forse un atto di accusa alla Società degli Uomini, con cui l’artista ha sempre incontrato insormontabili difficoltà di comunicazione. Perfetta sintonia esiste invece tra i quadri e i testi di molte canzoni, sempre caratterizzati da precise aggettivazioni riguardanti colori, forme e movimenti.

Don Van Vliet

Ghost Red Wire (1967)

Olio su masonite

61 x 61 cm

Don Van Vliet

Senza Titolo (1967)

Olio su legno

110 x 56cm

Around the corner the wind blew back follow the yellow brick road

It ended up in black on black

I was taught the gift of love

Smiling children painted joy sunshine bright girl and boy

bag of trick s and candy sticks peppermint kite for my toy

Yellow brick black on black

Keep on walking and don't look back

(Yellow Brick Road, Safe as Milk, 1967)

Don Van Vliet

When She Dropped The Flower (1969)

Acrilico e pastello su vetro

157 x 55.5cm

Un aspetto interessante dell’opera di Van Vliet è il rapporto con lo spazio vuoto dello sfondo, ritenuto dall’artista ancora più interessante del primo piano, in quanto ognuno può immaginarvi i propri colori e le proprie forme.

There's ole Gray with 'er dove-winged hat

Threre's ole Green with her sewing machine

Where's the bobbin at?

Tote'n old grain in uh printed sack

The dust blows forward 'n dust blows back

And the wind blows black thru the sky

And the smokestack blows up in suns eye

What am I gonna die?

Uh white flake riverboat just flew by

Bubbles popped big

'n uh lipstick Kleenex hung on uh pointed forked twig

Reminds of the bobby girls

Never was my hobby girls

Hand full uh worms and uh pole fishin'

Cork bobbin' like uh hot red bulb

'n uh blue jay squeaks

His beak open an inch above uh creek

Gone fishin' for a week

Well I put down my bush

'n I took of my pants 'n felt free

The breeze blowin' up me 'n up the canyon

Far as I could see

It's night now and the moon looks like uh dandelion

It's black now 'n the blackbird's feedin' on rice

'n his red wings look diamonds 'n lice

I can hear the mice toes scamperin'

Gophers rumblin' in pile crater rock hole

One red bean stuck in the bottom of uh tin bowl

Hot coffee from uh krimpt up can

Me 'n my girl named Bimbo Limbo Spam

(Van Vliet - The Dust Blows Forward And The Dust Blows Back, Trout Mask Replica, 1969)

Don Van Vliet

Ming Move (1985)

Olio e inchiostro su tela

213.4 x 152.4 cm

A Tin Peened Reindeer

A tin peened reindeer

Metalically hoofed on glass

Scorched cotton snowmen edged the corners

Flesh coloured powder mountains

Yellow lights melts cobwebbed articles

Vague wire tunnels resembling

Peeled flesh caterpillers

Housing very tiny red Christmas tree lights

The Nativity scene

Re-enacted in Ivory soap

A bone shade from age complete

With tiny straw manger

The Christ child its face replaced by an elephant's head

Intricate lace cups each ear and bands the trunk

(Van Vliet, 1987)

Don Van Vliet

Dry Morning Wind That Jingle Like Fish Bones (1987)

Olio su tela

213 x 152 cm

Don Van Vliet

China Pig (1986-‘87)

Olio su tela

260 x 193cm

China Pig, prima del quadro, è il titolo di una canzone di Trout Mask Replica: un blues asfittico ispirato alla tradizione acustica del delta del Mississippi.