The Freewheelin' Groover

The Holy Mackerel - S/t

noreply@blogger.com (Tonypop) — Mon, 23 Jan 2017 21:51:00 +0100

Reprise Records RS6311 - 11/68

The Secret Of Pleasure
Scorpio Red
The Lady Is Waiting
Wildflowers
The Somewhere In Arizona At 4:30 A.M. Restaurant Song (And Now I Am Alone)
Prinderella
Bitter Honey
Nothin' Short Of Misery
The Golden Ghost Of Love
The Wild Side Of Life
10,000 Men
1984

Il primo (e unico) Lp omonimo degli Holy Mackerel è un grandissimo disco di popsike o pop psichedelico che dir si voglia.

Dimenticato e trascurato nel novembre del 1968, venne a posteriori riconsiderato perchè gli Holy Mackerel ( americani, esistono anche altre band con lo stesso nome) erano il gruppo di Paul Williams, il futuro e geniale autore del "Fantasma del Palcoscenico (Phantom of the Paradise).

Nel Lp troviamo psychedelia pop, country, folk, sperimentazione, tecnica musicale il tutto coordinato da Paul Williams voce principale e autore della quasi totalità dei brani.

La band nasce quando Paul Williams nel 1967 (già autore di Canzoni per Tiny Tim e altri), insieme alla flautista Cynthia Fritzpatrick al polistrumentista George Hiller decidono di formare una band.

A loro si unisce il fratello di Williams (Mentor futuro cantante Country di successo e autore della Hit "Drift Away"lanciata da Dobie Grey) Jerry Sheff al basso e Don Murray alla batteria.

I sei personaggi con il loro look poco hippie e molto da studenti di college della middle class pubblicano un disco davvero notevole.
Il talento di Williams è già ad altissimo livello , e troviamo ottimi brani Popsike ("The Secret Of Pleasure", "Bitter Honey"), Country - tutti cantati da Mentor - in stile Flying Burrito Brothers "The Somewhere In Arizona At 4:30 A.M. Restaurant Song (And Now I Am Alone)",The Wild Side Of Life", folk come la stupenda "Lady is Waiting" o "1984" o blues pop come "10000 men".

Le capacità tecniche dei musicisti e il flauto della Fritpatrick danno una marcia in più a tutto il disco e un tocco psychedelico.

L'Album contiene tre veri e propri capolavori : "Scorpio Red" un gioiellino di puro popsike , la psychedelica e sperimentale - piena di effetti e con un giro di basso stupendo- "Wildflower" e la country pscyh ,con tanto di banjo e flauto, "The Golden Ghot of Love" .
Tra le cose migliori dei sixties.

Il disco non vendette quasi nulla, la band si sciolse rapidamente, Mentor proseguì con una carriera solista nel country, Williams dopo un disco solista continuò la carriera da autore e iniziò a comporre colonne sonore, nel 1975 scisse il "Fantasma del Palcoscenico" vero e proprio capolavoro.

Curiosità: Holy Mackerel (meckerel è lo sgombro) è un espressione in slang che indica stupore, sorpresa. Leggendo su internet ho scoperto che probabilmente veniva usata nel passato come imprecazione al posto di Holy Mary.

Foto della label della mia copia in vinile di RS633, copia originale

Glen Glenn - Rockabilly Legend

noreply@blogger.com (Tonypop) — Mon, 16 Jan 2017 21:45:00 +0100

SunJay Records -SJLP 572- ?/87

Everybody's Movin'
One Cup Of Coffee
Kathleen
I'm Glad My Baby's Gone
Would Ya
Laurie Ann
I'll Never Stop Loving You
Blue Jeans & A Boy's Shirt
I Didn't Have The Sense To Go
I Saw My Castles Fall Today
Alone With You
Crazy Arms
It Rains Rain
Johnny Cash Medley
Baby I Don't Care
Mean Woman Blues

Glen Glenn è un grande cantante di Rockabilly, autore ed interprete di brani selvaggi e super trascinanti che grazie agli immensi Cramps, che coverizzarono la sua “Everybody’s Movin”, e alle successive raccolte di rockabilly ispirate ai Cramps ( es la serie Born Bad) è, oggi, conosciuto non solo dagli appassionati di Rockabilly.
In questa raccolta della svedese Sunjay del 1987 dimostra le capacità Glen Glenn al secolo Orin Glen Troutman.
Nato in Missouri nel 1934, e secondo quanto riportato nelle note di copertina di Rockabilly Rebel, cugino di Porter Wagoner, inizia a suonare country in diversi Jamobree Show, conosce anche Elvis e poi con Gary Lambert suona come Glen & Gary The Missouri Mountain Boys.
Nel 1958 pubblica come Glen Glenn tre singoli su etichetta ERA tra cui "Everybody’s movin’”/I’m Glad my baby’s gone”, nel corso dell' anno seguiranno altri due singoli con la ERA.
Nel 1959 passa al etichetta Dore dove incide un altro singolo (“Goofin’ Around/Susie Green Form Abilene”) per poi abbandonare momentaneamente l'attività musicale a causa del arruolamento nel esercito.
Incide nel 1964 un ulteriore singolo sempre per la Dore.
Questo lp raccoglie tutti i suoi singoli (tranne il primo del 1959 per la Dore) , alcuni in versioni leggermente diverse e alcuni brani live.
Si comincia con la spettacolare “Everybody’s Movin’” (pura essenza rockabilly, brano coverizzato anche da Neil Young e Stray Cats):

Well it's a Saturday night at the ol' dance hall
We're ballin' a jack and we're havin' a ball
The cats they pick ‘em up and they lay ‘em down
The music starts, I really dig that sound
Everybody's movin' yes an' everybody's groovin' tonight
Everybody's movin' yes an' everybody's feelin' just right
Everybody's movin' yes an' everybody's groovin' tonight

Troviamo poi selvaggi Rockabilly – “One Cup Of Coffee”, “I'm Glad My Baby's Gone” o brani più lenti come “Laurie Ann” o “Kathleen”.
Nel lato B brani anche live , un medley di successi di Johnny Cash e classici del rock come “Baby I dont’care” o “Mean Woman Blues” che ribadisco il livello di classe di Glen.
Un disco importante per iniziare a conoscere un grande musicista rockabilly come Glen Glenn, autore di una hit ormai immortale, come "Everybody's Movin'".

Martha Reeves & The Vandellas - Natural Resources

noreply@blogger.com (Tonypop) — Mon, 9 Jan 2017 22:57:00 +0100

Gordy Records - GLPS -952 - 9/70

Something
Easily Persuaded
Didn't We
I'm in Love
Love, Guess Who
Everybody's Talkin'
Put a Little Love in Your Heart
The Hurt Is Over
Take a Look
Won't It Be So Wonderful
I Should Be Proud
People Got to Be Free

Martha Reeves & The Vandellas sono stati un gruppo fondamentale e storico per la Motown, per la Soul music, per il Rock (decine le versioni dei loro brani rifatti da band rock) e per il 20° secolo.
Ovviamente i loro singoli e i loro lp di metà anni sessanta sono di una qualità e di una importanza immense, ma questo loro lp (il penultimo) merita di essere riscoperto.
Ultimamente adoro andare alla ricerca degli album meno conosciuti di grandi artisti o band perchè spesso si trovano ottimi dischi. "Natural Resources" è un tipico esempio di ciò. Ovvio non siamo al livello dei capolavori di Martha Reeves & The Vandellas ma è un buon disco di soul.
Uscito nel 1970 - dopo che sia le gravidanze che i problemi di crisi di panico avevano lasciato Martha Reeves fuori dal "giro" per un po - è un disco che mette insieme soul, ballate e brani di protesta in perfetto stile anni sessanta inizio anni settanta.
Il disco è stato penalizzato anche dal fatto che il boss della Motown al epoca puntava forte sulla carriera da star di Diana Ross trascurando molti altri gruppi come le Vandellas.
Cosi oltre a una serie di cover ben riuscite - una bella versione di "Something" e una di "People got to be free" dei Young Rascals, qualcuna meno ("Everybody 's Talking) troviamo degli ottimi brani in perfetto stile Motown "I'm in love", "The hurt is over" ,"Love Guess Who" una fantastica "Easily Persuaded" dove l'attacco iniziale dei piatti è qualcosa a metà tra la disco e il funk, anzi tutto il brano prosegue in questa direzione ed è la vera chicca del disco.
Nel disco si trova anche la famosa ballad anti vietnam "I should be proud", dove una ragazza grida di dolore per la morte del fidanzato in Vietnam, dicendo che a lei non frega nulla della guerra e del fatto che sia morto per la patria.
Curiosità :tra gli autori del brano c'è anche Pam sawyer autrice anche di "I Ain't Gonna Eat Out My Heart Anymore"
Martha Reeves & The Vandellas in "Natural Resources sono Martha Reeves, Lois Reeves e Sandra tilley, e sono accompagnate dalla band di casa Motown : i Funk Brothers.
Disco da riascoltare.

Foto della label della mia copia originale G952, label Purple e Gold della Gordy, usata a partire dal 1968

Okkervil River - Away

noreply@blogger.com (Tonypop) — Wed, 4 Jan 2017 14:47:00 +0100

ATO Records -ATO0334 -9/2016

Okkervil River R.I.P.
Call Yourself Renee
The Industry
Comes Indiana Through The Smoke
Judey On A Street
She Would Look For Me
Mary On A Wave
Frontman In Heaven
Days Spent Floating (In The Halfbetween)
Away

Il primo post di The Freewheelin’ Groover del 2017 riguarda uno dei miei dischi preferiti del 2016!
“Away “ degli Okkervil River.
In realtà “Away” è un disco degli Okkervil River senza gli Okkervil River, è praticamente un progetto del fondatore Will Shaff coadiuvato da musicisti tra cui anche Jonathan Meiburg degli Shearwater, una sezione archi e ottoni e la vocalist Melissa Nadler.
Il disco viene fuori dopo una pausa di riflessione lunga tre anni (l’ultimo lavoro della band era del 2013) passata tra le montagne Catskill, dopo la morte del nonno e il quasi scioglimento della band.
E’ un disco che mi affascina moltissimo e mi è davvero piaciuto molto e anche se al primo ascolto può sembrare un disco cupo non lo è . Certo i brani sono lenti, fanno riflettere, ma sono brani che nascono da una voglia di Will Sheff nuova di sperimentare e di provare a trovare una nuova strada.
Ma tutto questo e molto altro ancora lo si legge nelle diverse recensioni in rete e nelle riviste specializzate più competenti di questo blog. Per me è semplicemente un gran bel disco.
Quattro facciate, nove brani (in realtà otto ,visto che l’ultima facciata è dedicata ad una registrazione diciamo agreste) che personalmente ritengo la vetta della carriera artistica di Sheff (e degli Okkervil River) iniziata ormai nel 1998.
Folk, brani acustici, ma anche tanto pop e qualche brano movimentato.

Okkervil River "Okervil river RIP"- Live in Studio,2016

Tra i nove brani spiccano le ballate folk di Overkill River RIP (vero manifesto del Lp) con il suo cantato che per Pitchfork –e anche per me ovvio- ricorda il primo Dylan e di “Comes indiana through the smoke” o di “Call yourself Renee” semplicemete perfetta.
Citiamo anche la più movimentata e “indie” “Judey on a Street” o la ballad (con un giro di basso semplice ma che mi rimbomba in testa) di “Mary on a Wave” o il pop che a me ricorda il Lennon solista di “The Industry”.
Ovviamente come tutti gli Lp recenti ha anche un “packaging” accattivante con una copertina del pittore Tom Uttech.
Ottimo disco.

Holly and The Italians -The Right to be Italian

noreply@blogger.com (Tonypop) — Thu, 29 Dec 2016 00:16:00 +0100

Virgin V2186 - ?/81

I Wanna Go Home
Baby Gets It All
Youth Coup
Just Young
Miles Away
Tell That Girl To Shut Up
Just For Tonight
Do You Say Love
Means To A Den
Rock Against Romance

Holly and The Italians sono/erano la creatura di Holly Beth Vincent nata a Chicago che sul finire degli anni settanta grazie all' esplosione del punk si avvicinò al mondo del rock e formò Holly and The Italians a Londra con il batterista Steve Young e il bassista Mark Sidwick.

Tra la fine anni settanta e l'inizio anni ottanta la band fautrice di un punk molto vicino al punk più pop dei Ramones, al pop dei Sixties e ad alcuni accenni di new wave, riuscì ad inserirsi - seppure in modo marginale - nella nuova scena musicale sia londinese che americana, facendo di spalla ai Clash, agli stessi Ramone e ai Selecters.

Avere una donna cantante fece si che la stampa li avvicinò a band come Blondie, Go-go's e Bangles, facendogli avere una seppur minima notorietà.

Holly and The Italians -"Youth coup" live at OGWT, 1981 ca

L'esordio su vinile avvenne però solo nel 1981 : "The Right to be italian" registrato a NYC (con Jerry Harrison alle tastiere) è un bel disco di power pop punk con influenze sixties ma anche con un occhio ai suoni del epoca (tastiere e synth come si diceva). Disco con una vita tribolata - cambio di batterista in corsa da Young a Mike Osborn e liti con il produttore - ma che è davvero trascinante e divertente perfetto esempio del power pop inizio anni ottanta con brani davvero azzeccati come "I wanna go home" che sembra una outtake di "Road to Ruin" a "Tell the girl to shut up" (chi se la ricorda coverizzata dai Transvition vamp? forse solo io perchè attratto irresistibilmente da Wendy James) o "Youth coup" o "Do you say Love".
Troviamo anche ballad più sixties come "Just for tonight" o brani più "wave dance" come la bella "Just Young", il tutto condito con una dose di umorismo (The Right to be italian è grandioso) per un buon disco di inizio anni ottanta.

Da riascoltare.

Record Collector Magazine #461

noreply@blogger.com (Tonypop) — Tue, 27 Dec 2016 22:45:00 +0100

Record Collector è dal 1979 la bibbia del collezionismo di dischi, almeno in Europa non ha rivali (a livello di Magazine sul collezionismo di vinile (forse) è la migliore del mondo), i suoi servizi sono fenomenali, le sue retrospettive fondamentali e le sue quotazioni dei dischi (sopratutto delle stampa UK) sono quasi legge.

Insomma uno strumento fondamentale, per appassionati, collezionisti di vinile e addetti ai lavori.

Nel numero 461 Christmas 2016 prosegue la tradizione del calendario in omaggio.

Questo anno (dopo il calendari dedicati alle rare alternative cover e ai generi musicali) in omaggio il calendario Rock Icons 2017 con stupende foto di Stones, Black Sabbath, Patti Smith, Slade, Elvis e molti altri e con avvenimenti fondamentali per la storia del rock riportati ogni giorno.

Al interno : un bellissimo articolo sulle persone e le band che crearono il punk rock "minore", Frank Zappa, Vanda & Young - sempre con discografie e quotazioni UK- un bel servizio sui giradischi nuovi consigliati in base alla fascia di prezzo e i 101 dischi che varranno qualcosa nel 2017...e credetemi se lo dice Record Collector saranno DI SICURO dischi di valore.

In più recensioni, storie, occhi puntati su eBay, fiere, annunci di vendita e interviste ai collezionisti.

Insomma per chi conosce Record Collector niente di nuovo, per chi non lo conosce un suggerimento per avvicinanris ad una rivista FONDAMENTALE.

The Moby Grape - Moby Grape '69

noreply@blogger.com (Tonypop) — Wed, 21 Dec 2016 22:05:00 +0100

Columbia Records - CS 9696 - 1/69

Ooh Mama Ooh
Ain't That A Shame
I Am Not Willing
It's A Beautiful Day Today
Hoochie
Trucking Man
If You Can't Learn From My Mistakes
Captain Nemo
What's To Choose
Going Nowhere
Seeing

Il primo disco dei Moby Grape è un capolavoro.Uno dei migliori dischi della storia del rock.

Capolavoro creato da questa band nata nel 1966 grazie a quel genio di Skip Spence.

Un Lp che miscelava rock, psych, folk, acid e tutto quello che aveva prodotto la musica rock nel 1967; Spence, Jerry Miller e Peter Lewis alle chitarre ,Bob Mosley al basso e Don Stevenson alla batteria tutti con precedenti esperienze musicali alle spalle, dai Jefferson di Spence ai Cornells di Lewis al Bobby Fuller e ai Frantics di Jerry Miller.

Dopo che i demoni della droga della pazzia e del alcolismo iniziarono a portarsi via Spence, i Moby Grape si ritrovarono in 4 ed incisero , nella attesa di un ritorno mai avvenuto di Spence, "moby Grape '69", loro terzo Lp che al epoca raggiunse solo un 113 posto nelle classifiche e che venne visto dai fan come uno scialbo disco country.

Invece è un ottimo disco (sia chiaro lontano dalle vette del primo capolavoro) che sotto la guida di Mosley e Lewis forse rendeva più convenzionali i Moby Grape, ma che comunque si mantenevano a livelli tecnici altissimi e compositivi oltre la media.

Tanto country, con dei pezzi che io personalmente adoro come "Ain't that a shame" o la ballad "If You van't learn from my mistake", ma anche molto rock stradaiolo come "Hoochie" o "Trucking man".

Moby Grape "It's A Beautiful Day Today" , 1968

"Captain Nemo" e "Goin' nowhere" (con chitarre fuzzate in sottofondo) sono molto vicine ad alcune sonorità dei Byrds del periodo post Crosby, mentre "I am not a willing" è un brano che trovo avanti di circa 40 anni, molto vicino a certe sonorità indie di inizio millennio.

Poi discrete canzoni sempre in vena country come "What's to choose", ma sopratutto la meravigliosa "It's A Beautiful Day Today", puro sunshine pop, fantastica uno dei brani migliori dei Moby Grape.
Un gran bel disco con molto country ma anche tanto rock e canzoni davvero stupende,
Da riscoprire.

Foto della label della mia copia di CS9696, originale Columbia label "Two Eyes"

Hound Dog Taylor and the Houserockers - Natural Boogie

noreply@blogger.com (Tonypop) — Sat, 10 Dec 2016 22:38:00 +0100

Alligator Records - AL4704 -?/74

Take Five
Hawaiian Boogie
See Me In The Evening
You Can't Sit Down
Sitting At Home Alone
One More Time
Roll Your Moneymaker
Buster's Boogie
Sadie
Talk To My Baby
Goodnight Boogie

Ad inizio anni novanta sui cataloghi dei distributori o etichette discografiche più "cool" d'america come Crypt, Midnight, Norton (RIP Billy Miller) tra tantissimi dischi di band fantastiche e sconosciute trovai anche i dischi di Hound Dog Taylor.

Con "Natural Boogie" (suo secondo e ultimo disco e forse tecnicamente anche inferiore al primo) fu subito amore dal primo sguardo alla copertina: il colore, il look di Hound Dog Taylor, la sua chitarra pazzesca (ancora oggi a distanza di anni non ho capito che chitarra sia, forse una Teisco come leggo su Wikipedia?) mi fecero subito comprare per corrispondenza - grazie ad un amico che si occupava del ordine - prima il Cd e poi anni dopo il vinile, ovviamente ristampa.

Nato in Mississippi nel 1915 Theodore Taylor inizia a suonare la chitarra da giovane e ad inizio anni 40 si trasferisce a Chicago dove suona il blues elettrificato che iniziava ad imperversare e rimane sempre ai margini della scena musicale, incidendo qualche 45 giri e suonando abbastanza in giro.

Ad inizio anni settanta (ultra cinquantenne ) con Brewer Phillips alla seconda chitarra e Ted Harvey alla batteria inizia a suonare Blues nei club di Chicago.

Il loro trio atipico per l' epoca, senza basso, rumoroso , ballabile, sporco, selvaggio, (quasi venti anni prima del low fi e di Jon Spencer) attira l'attenzione di Bruce Iglauer fondatore della neo etichetta Alligator che li mette sotto contratto e con il quale incidono due lp, "Natural Boogie" e il primo omonimo. Come detto, quest' ultimo forse ad un livello superiore, ma in "Natural Boogie" c'è "Take Five" che ritengo uno dei migliori brani della storia della musica, un blues devastante con un ronzio elettrico della chitarra di Taylor, ballabile, grezzo e quasi punk che da solo vale il prezzo del disco.

Si passa poi al boogie elettrico di "Hawaiaan Boogie" e di "Roll your money maker" o al blues "classico" di "See me in the evening" o "Sitting at Home alone" o di "Sadie" al rock and roll di "One more time".

Hound Dog Taylor - Roll your moneymaker live circa 1973

Niente di nuovo sotto il sole, ma super innovativo per l'attitudine e lo stile almeno nel 1974.

Due chitarre, una batteria, ritmo , blues, boogie ... mettete la puntina sul disco, chiudete gli occhi e il boogie selvaggio di Hound Dog Taylor vi travolgerà.

I due dischi su Alligator gli diedero una piccola notorietà, suonò anche in Australia, ma mori nel 1975, diventando uno dei tanti miti misteriosi e sfortunati del blues.

R.E.M. - Green

noreply@blogger.com (Tonypop) — Tue, 11 Oct 2016 22:27:00 +0200

Warner Bros Records 25795 - 11/88

Pop Song 89
Get Up
You Are The Everything
Stand
World Leader Pretend
The Wrong Child
Orange Crush
Turn You Inside Out
Hairshirt
I Remember California
Untitled

“Green” è stato l’ lp che mi fece conoscere i Rem alla fine degli anni ottanta, uno dei loro dischi più riusciti pubblicato nel momento migliore della band quando erano ancora una realtà sconosciuta al grande pubblico ma apprezzata dagli appassionati e da parecchia critica musicale. Un momento prima di spiccare il volo per diventare rockstar cosa che avverrà nel 1991 con lp ’ “Out of Time” che conteneva a il successo planetario di “Losing my religion”.
Nonostante il livello della carriera dei Rem anche dopo l’essere diventati famosi sia rimasto di ottimo “Green” è forse il loro ultimo album “genuino” ed è sicuramente uno spartiacque della loro carriera.
In realtà, almeno negli States, anche i dischi precedenti vendettero bene ( “Document” in Usa centrò il decimo posto in classifica) e lo stesso “Green” arrivò al 12, ma il successo mondiale e le vette di tutte le classifiche arrivarono solo con ”Out of time”.
I Rem arrivano nel 1988 con lo status di band di culto e con 5 lp in studio pubblicati tra cui il meraviglioso “Document” ; Stipe, Buck, Mills e Berry sono nel loro momento massimo di ispirazione e “Green” si dimostra un album compatto e davvero ottimo, anche se forse non ha i super brani presenti in “Document” come “The one I love” o “It’s the end…”.
Fu il primo Lp dei REM pubblicato per una major (la Warner Bros) dalla quale la band ottenne carta bianca e parecchi dollari. Il titolo del lp è riferito alle problematiche ecologiche. A fine anni ottanta l’ecologia era “the next big thing” della sinistra americana e non, e i REM, da sempre fautori di battaglie civili, sono in prima linea come testimonia anche il testo di”Orange Crush” dove si parla del “Agent Orange” composto chimico usato dal esercito degli USA per distruggere le foreste durante la guerra del Vietnam.

R.E.M. - Video di "Stand"

Probabilmente “Green” allude anche al colore dei dollari ricevuti dalla Warner bros.
Si parte con un trittico da paura : Il nome della open track dice tutto: “Pop song 89” è per me la canzone pop definitiva di fine anni ottanta che cerca di scardinare le charts mondiali (il clappin’ durante il break di basso è davvero trascinante), “Get up” è perfetta con le chitarre potenti, i cori e la melodia, uno dei migliori brani del catalogo REM e la bellissima “You are the everything” tra folk e psychedelia e melodia è un piccolo gioellino acustico; Buck qui utilizza il mandolino –lo farà anche in altri due brani del disco “Hairshirt “ e “The Wrong Child” - creando un brano fantastico.
Qualche anno dopo in “Losing my religion” il mondo intero si accorgerà che si può fare rock con il mandolino.
“Stand” (mi innamorai del video e fu forse la prima cosa che ascoltai dei REM) è un pop con influenze sixties (adesso lo si definirebbe sunshine pop) trascinante e ballabile con il cambio di tonalità in perfetto stile bubblegum music.
“World Leather Pretend” è il brano che miscela meglio il jingle jangle dei Byrds e la “Post wave” .
“Orange Crush” è il pezzo forte del lato B con un ritornello e un riff di chitarra immediati.
In “Turn Your Inside out” si cerca di riassumere un po’ di storia del rock con un ritmo black alla Sly Stone e tanto alternative anni ottanta.
Infine due brani davvero ottimi “Untitled” dove sotto una batteria rock e ritmica c’è un gioco di cori leggermente differiti (in puro stile rem già utilizzato in Fall on me) e melodici, un brano molto valido, infine la cupa (con tanto di ottimo arpeggi odi chitarra e linea di basso ottimi) “I remember California” , a me ha sempre ricordato un omaggio alla West Coast del passato che durante il decennio reaganiano stava scomparendo.
“Green” è davvero un gran bel disco, registrato nei mitici studi Ardent di Memphis fu giudicato uno dei migliori dischi del 1988.
Tre anni dopo i REM erano delle rockstar da milioni di copie.

Dick Porter - Viaggio al centro dei Cramps (Book)

noreply@blogger.com (Tonypop) — Mon, 3 Oct 2016 22:37:00 +0200

Goodfellas Edizioni - Viaggio al centro dei Cramps
Dick Porter
2016, 320 p., ill., brossura

Goodfellas , etichetta discografica e distributore diventa anche casa editrice e come prima uscita del catalogo pubblica “Viaggio al centro dei Cramps” di Dick Porter, facendo subito centro.
A mia memoria credo sia il promo libro in lingua italiana su una band fondamentale come i Cramps.
Il gruppo di Poison Ivy e Lux Interior oltre ad aver e il merito di aver fatto riscoprire tutta una (sotto) cultura dimenticata - quella del r’n’r’degli anni 50 - è stato anche capace di sporcare il rock’ n’ roll con la“cultura” punk della new york di fine anni settanta.
Una band storica, senza di loro lo psychobilly non ci sarebbe e molte band validissime sarebbero ancora nel dimenticatoio.
Il libro racconta la storia della band anche con aneddoti divertenti. La prima parte, sulla gioventù di Lux e sui primi anni settanta della coppia Ivy e Lux, è la più affascinante e divertente. Dal racconto del loro primo incontro (Lux dice di aver visto Ivy in pantaloncini che faceva autostop e di aver avuto subito una erezione) ai primi anni passati a girare i rigattieri d’america per trovare 45 giri di r’n’r , alle difficoltà a New York nel primo periodo nel cercare di pubblicare un disco.
Poi i tour, l’amore dei fans e il loro primo tour in Europa di spalla ai Police, i difficili rapporti con le case discografiche, i continui cambi di formazione dovuti sia alla totale devozione che Lux e Ivy richiedevano per i Cramps sia a problemi personali degli altri membri della band.
Quindi le storie di Brian Gregory, Miriam Linna, Kid Congo Powers, Candy Del Mar e tutti quelli che hanno suonato nelle formazioni dei Cramps.
Nel libro si parla della loro passione per la musica del passato, per le auto, per l’horror, i B-Movies ed i fumetti anni 50, l’amicizia con le altre band rock (i Ramones su tutti) l’impegno e la professionalità dei Cramps spesso sottovalutati anche da molta critica specializzata
La seconda parte del libro è forse un pochino troppo “rapida” concentrando troppo l’ultima parte di carriera della band da inizio anni novanta fino alla prematura morte di Lux Interior nel 2006.
Un bel libro fondamentale per i fan dei Cramps ma anche per chi si vuole avvicinare alla band o chi vuole scoprire cosa c’era dietro la passione di due grandi amanti del r’n’r’. Completano il libro delle bellissime foto - ottime quelle di inizio anni settanta con Lux capellone - e nella versione italiana, oltre ad una discografia completa, una serie di interventi di musicisti italiani fans dei Cramps.
Da leggere tutto di un fiato.

Ray Barretto - Acid

noreply@blogger.com (Tonypop) — Thu, 29 Sep 2016 00:49:00 +0200

Fania Records - SLP 346 - ?/68

El Nuevo Barretto
Mercy Mercy Baby
Acid
A Deeper Shade Of Soul
The Soul Drummers
Sola Te Dejare
Teacher Of Love
Espiritu Libre

Un grandissimo disco datato 1968, uno dei primi (se non il primo) esempi di Lp dove la musica latina, intesa come salsa e latin jazz, si sposa con il soul e con la psychedelia.

Psychedelia molto meno presente di quanto il titolo (supercool) lasci intendere ma che si fa piacevolmente sentire.

Barretto pubblica “Acid” nel 1968 ed è il suo primo Lp per la Fania Records (leggendaria etichetta creatrice della Salsa fondata da Jerry Masucci e Johnny Pacheco a NYC nel 1964) con la quale firmò nel 1967.

Probabilmente fu il suo periodo creativo migliore durante il quale gestì anche la grande orchestra Fania All Star e lavorò con leggende della musica latin come Willlie Colon, Eddie Palmieri, Hector Lavoe e molti altri.

La Fania Records sta alla musica latina come Motown o la Stax stanno alla musica soul e black, un etichetta fondamentale per lo sviluppo di questo genere musicale.

Ray Barretto nacque nel 1929 a New York da genitori portoricani, subito dopo il congedo dall’ esercito nel 1949 inizia a suonare le Congas avvicinandosi al mondo del jazz e iniziando a frequentare i club.

Suona con Art Blakey e Dizzy Gillespie e entra nella scuderia delle Prestige e collabora con Gene Ammons e Lou Donaldson tra gli altri e si avvicina al mondo del pop suonando con Bobby Rydell.

Nel 1957 entra nella orchestra di Tito Puente, e nel 1962 centra il primo hit con “El Watusi” singolo che raggiunge la posizione numero 17 delle classifiche e per tutti gli anni sessanta produce brani a metà tra il pop e la salsa. Come detto nel 1967 firma per la Fania Record e pubblica una pietra miliare come “Acid” l’anno successivo.
Titolo e copertina stupendi (il colore e la faccia spiritata di Barretto con la grafica del titolo sono davvero una bomba) per un disco davvero ottimo.

La open track “El nuevo Barretto” è una salsa molto ballabile che vira sul genere Boogaloo, “Mercy Mercy Baby” è ancora molto stile boogaloo ma con i fiati in stile Stax e soprattutto con un basso (di Bobby Rodriguez) molto groove quasi funk.

La title track “Acid” è grandiosa, basso ipnotico, tromba percussioni e timbales di Orestes Vilato che girano alla grande.

Il lato A si chiude con il soul pop di “Deeper shade of soul”, travolgente e ballabilissima.

Altri quattro brani nella B side con la soul “Soul Drumming” con tanto di break di percussioni molto molto groove.

“Sola Te dare” brano cantato in spagnolo è forse troppo latina per i miei gusti ma nel complesso si lascia ascoltare.

Altro brano cantato ma che è una bella miscela di Latin e funk è “Teacher of Love”.

Chiude la super super psychedelica e, insieme ad "Acid", brano di punta del disco “Espiritu Libre”. Brano strumentale che si apre con tromba e percussioni, super ipnotico e super acido pare di essere ad una festa di giovani hippie portoricani di fine anni sessanta nella grande mela, con tanto di odore di mariujana!

Gli strumentisti che affiancano Ray Barretto in questo lp sono Louis Cruz al piano, Timbales Orestes Vilato, René López alla tromba Adalberto Santiago voce e Pete Bonet voce e Guiro

Lp è prodotto da Hervey Averne e dal boss della Fania Jerry Masucci.

Barretto per tutti gli anni sessanta e settanta è stato una istituzione nella musica Latin e per la scuderia Fania, ha diffuso la musica salsa e latin (attenzione non il latino americano che si balla oggi nei locali, ma un genere molto legato al jazz ed alla tradizione ballabile dei caraibi e al soul) toccando la vetta forse nel 1973 con il concerto allo Yankee Stadium dei Fania All Star.

Nel 1975 abbandona la Fania per l’ Atlantic e la CTI, ritornerà nella scuderia di Masucci nel 1979.

Per tutti gli anni ottanta e novanta ha continuato a suonare salsa e jazz, nel ultimo periodo della sua vita si è concentrato sul jazz abbandonando la salsa . E’ scomparso nel 2006.

E’ una istituzione del Latin Jazz e della musica latina.

"Acid" è un piccolo capolavoro.

Foto della label della mia copia di SLP346

Ray Barretto - "Acid" - (sample)

Steve Miller Band - Children of the future

noreply@blogger.com (Tonypop) — Wed, 21 Sep 2016 00:13:00 +0200

Capitol Records - SKAO2920- 6/68

Children of the Future
Pushed Me to It
You've Got the Power
In My First Mind
The Beauty of Time Is That It's Snowing (Psychedelic B.B.)
Baby's Callin' Me Home
Steppin' Stone
Roll with It
Junior Saw It Happen
Fanny Mae
Key to the Highway

Steve Miller è stato durante gli anni settanta uno dei campioni del rock da classifica americano.
Nel 1970 raggiunse la posizione numero 5 con il singolo “Number 5” arrivò al numero 1 con “The Joker” (1973) e con Fly like an Eagle” (1976) sia singolo che album raggiunse la seconda e la terza posizione delle charts, e fu campione di vendite con Lp “Book of Dreams” nel 1977.
L’esordio della band “Children of the future” è però un ottimo esempio di sperimentazione e di psychedelia californiana di fine anni sessanta con anche ottimi brani di blues acidizzato.
“Children of the future” è il primo lp della Steve Miller Band che nasce a metà anni sessanta, quando Steve Miller lascia Chicago dove suona con Barry Goldberg nella blues band Goldberg-Miller per approdare a San Francisco.
Qui forma la Steve Miller Blues Band che diventa subito la Steve Miller Band e che dopo l’esibizione a Monterrey, e l’ingresso del chitarrista Boz Scaggs, è formata da Steve Miller voce e chitarra ed armonica, Jim Petterson mellotron e organo hammond B3, Tim Davis batteria e Lonnie Turner basso.
Grazie ad un buon contratto con la Capitol nel giugno del 1968 pubblicano “Children of the future” che è un bel album diviso praticamente a metà: il lato A (quasi tutto composto da Steve Miller), più sperimentale e psychedelico a partire dalla (come è stata definita) apertura cacofonica di “Children of the future” e il lato B (con due brani composti da Scaggs) più blues e “convenzionale”.
Il brano che dà il titolo all’ album è un bel esempio di Psychedelia e sperimentazione davvero notevole, il testo è in perfetta sintonia con gli umori dell’ epoca:

We are children of the future…wonder what in the world we are going to do…When they get high, they can see for miles and miles/When we get high, I can see myself for miles

"In my first mind" è un lungo brano melodico caratterizzato da un suono dell' organo potente e con tanto di parte strumentale tra il prog e l'acid trip.
"The Beauty of Time Is That It's Snowing (Psychedelic B.B.)" è vera psychedlia intesa nel senso originale del termine : sperimentazione pura, cinque minuti tra effetti, jazzy, cori e pop.

Steve Miller Band 1968

Il lato B si apre con la bellissima ballad acustica “Baby's Callin' Me Home” per poi proseguire con grandissimi brani tra blues e acid rock, il primo brano è la trascinante (con una ritmica ed un hammond davvero grandi) “Steppin Stone” brano originale di Scaggs .Un brano tra rock classico e blues è invece “Roll with it”, mentre “Junior Saw It Happen” è trascinantissima e mi ricorda molto “American Ruse “ dei MC5 in versione leggermente più soul.“Fanny Mae” è un classico brano blues con armonica di Steve Miller .
Chiusura del disco con il classico blues (cover di Bill Bronzy) di "Keys to the Highway".
Prodotto da Glys Johns "Children of the future" raggiunse la posizione 134 delle classifiche.
Già a fine del 1968 con l’uscita di “Sailor” ,con il singolo “Livin’ in The Usa” l’orientamento era già cambiato pur essendo ancora un ottimo lavoro e diede il via alla la scalata alle classifiche da parte della band.
Con diversi cambi di formazione, Boz Scaggs abbandonerà nel 1969, la Steve Miller Band ha suona tuttora e ha pubblicato l'ultimo lp "Let Your Hair Down" nel 2011.
“Children of the Future” è un bel disco che sintetizza l’amore per la pyschedelia e il blues rock.

Foto della mia label di SKAO -2920.

David Crosby - If I could only remember my name

noreply@blogger.com (Tonypop) — Thu, 15 Sep 2016 23:06:00 +0200

Atlantic Records- SD 7203 - 2/71

Music Is Love
Cowboy Movie
Tamalpais High (At About 3)
Laughing
What Are Their Names
Traction In The Rain
Song With No Words (Tree With No Leaves)
Orleans
I'd Swear There Was Somebody Here

Quando Dave inizia ad incidere le prime note di “If i could..” ha già sul groppone cinque fantastici anni con i Byrds dove folk e space rock sono andati a braccetto, poi l'ego non permetterà di continuare e l'uscita dalla band coinciderà con l'incontro con altri personaggi di una scena ormai in espansione sia mentale che fisica. Con Still, Nash e poi Young altri grandi momenti non solo musicali come a Woodstock, con una perfezione di intenti riusciti molto rari quando forti personalità si incontrano.
Il trenta settembre del 1969 esce l'esordio di C,S & N che contiene “Guinnevere”, la canzone dedicata all'allora fidanzata di David, Christine Hinton, lo stesso giorno lei rimane vittima di un incidente stradale. Da questa tragedia David ne uscirà totalmente distrutto ed incapace di relazionarsi con il mondo per molto tempo tanto che dopo l'uscita di “Four Way Street” si parlerà di un ritiro definitivo dalla scena musicale. Questo significherà per Crosby una discesa, oltre che nella depressione, in uno stato di uso di droghe a profusione che non lo lasceranno mai neanche in tempi più recenti. Ma alla fine del '70 coadiuvato dall'aiuto di numerosi amici della scena west coastiana, dalla ex fidanzata, Joni Mitchell ai J. Airplane dai Dead di Jerry Garcia a Still, Nash e Young ovviamente qualcosa succede. Il risultato è una sorta di testamento sonoro di una stagione e di un fenomeno incredibile come quello del decennio da poco terminato e culminato con gli eventi di Monterrey prima, il Vietnam, la morte di Bob Kennedy, Malcom X e Martin Luther King e il festival di Woodstock ovviamente. Crosby risente di tutti questi eventi , compresa la morte della compagna, da non ricordare più chi è, il mondo ha perso una guida per trovare una strada vedi “Laughing” con la scomparsa dei personaggi citati poc'anzi sembra non esservi più una speranza

“I thought I met a man,
Who said he knew a man,
Who knew what was going on.
I was mistaken
Only another stranger that I knew”

Forse ci salva l'assolo di Steel Guitar di Jerry Garcia alla fine del brano uno dei più intensi e visionari di tutta la discografia di Crosby.

Garcia, Lesh e Crosby

Il disco continua in un tifone psichedelico di atmosfere suggestive dove sono i soli gorgheggi di Dave in “What are theire Names” e “ I'd Swear There Was Somebody Here” a trascinare l'ascoltatore nei fumi della marijuana, o la strumentale “Songs With No Name (Tree With No Leaves)” quasi a voler ancora affondare la lama nel finale di stagione ancora non definito dei sogni e delle speranze dei sixties.
In tutto ciò “Music Is Love” apre l'album con un sapore di buonismo che tra l'altro tanto è piaciuto all'”Osservatore Romano” che ha inserito questo album al secondo posto dei migliori dischi rock di sempre. Ci vorranno quasi vent'anni perché Dave possa dire “Oh Yes i Can” “oh si..posso ricordare” quando pubblicherà un dignitoso sequel di quel capolavoro della West Coast, ma certe magie sono ancora perse tra le note di questo gioiello che mi ricorda piacevoli e fumose nottate in mansarde del centro cittadino a inizio anni '80 e che ancora oggi mi commuove ed emoziona come pochi altri dischi.

Autore:

Gabriele Lele Roma

Mitch Ryder and The Detroit Wheels - Sock it to Me, Baby!

noreply@blogger.com (Tonypop) — Sat, 10 Sep 2016 10:53:00 +0200

New voice Records - NV2003 -3/67

Sock It To Me - Baby
I Can't Hide It
Takin' All I Can Get
Slow Fizz (Instrumental)
Walk On By
I Never Had It Better
Shakedown
A Face In The Crowd
I'd Rather Go To Jail
Wild Child

Detroit è stata una città fondamentale per la musica rock degli anni settanta e settanta (e non solo), è la citta della Motown e del primo punk rock di band immense come Stooges, MC5, Rationals o SRC.
Mitch Ryder and the Detroit Wheels sono esattamente l’anello di congiunzione tra i due fenomeni musicali di una città che a fine anni sessanta era il fulcro dell’ industria automobilistica americana e della musica.
La band suonava del soul r’n’b ispirato alle band nere dei concittadini della Motown ma suonato con uno stile, ovviamente portato all’eccesso da Iggy e compagni, che aveva in sè i germi del punk e del wild garage rock.
Autori tra il 1966 ed il 1967 di tre album e ben 4 singoli in classifica nascono nel 1964 come Billy Lee and the Rivieras formati da Willie Levine (che diventerà Mitch Ryder), Earl Elliott basso, Jim McCarthy chitarra,, John Badanjek batteria, Joey Kubert alla chitarra ritmica, incidono un 45 per la locale etichetta Hyland (“You Know/Won’t you Dance with me” ristampato poi negli anni novanta dalla Sundazed) e attirano un sacco di pubblico per le loro esibizioni live piene di soul, r’n'b e wild garage, ragazzi bianchi che rendono selvaggio il soul!.
Si muove da New York il produttore Bob Crewe (già con i 4 Seasons) che ingaggia la band per la sua etichetta New Voice ed impone un cambio di nome. Levine diventa Mitch Ryder e the Rivieras (anche per evitare problemi con omonima band surf autori di “California Sun”) diventano, in omaggio alla Motor City, i Detroit Wheels.
Dopo un primo singolo inosservato “I Need Help”, centrano il 10 posto in classifica con “Jenny take a ride”, poi con “Little Latin lupe Lu” e con “Devil with a Blue Dress On"/"Good Golly Miss Molly” che arriva nel 1966 al numero 4 delle classifiche. Ovviamente insieme ai singolo escono anche gli album “Take a ride” e “Breakout” entrambi del 1966.
“Sock it to me!” è il loro terzo album ,Crewe punta di più Mitch Ryder (che inizierà subito dopo una carriera solista che si fermerà subito viste le poche vendite) ma il disco è un bellissimo esempio di wild white garage soul!!

Mitch Ryder dal vivo nel 1967 in "Sock it to me baby", senza i Detroit Wheels

La open track (censurata anche per le allusione sessuali del titolo) è una bomba (numero 6 in classifica nel 1967) un soul ritmico ma selvaggio, cosi come l’altro grandissimo brano del disco (che da solo vale l’acquisto): “I’d raher go to jail” : una meraviglia, chitarre fuzzate, un riff ossessivo, un basso supergroove ed un cantato duro ma melodico allo stesso tempo).
Sullo stesso piano –sempre ottimi wild soul brani venati di sporco garage- troviamo “I Can’ t hide” e “Shakedown” che con il riff iniziale in stile “Paint it black” e il suo ritmo soul.
Bellissima la ballad tra Stones, blues e country “I never had it better” che apre il lato B, mentre leggermente sottotono il pop un troppo complicato di “A face in the crowd” cosi come la cover di "walk on by" è forse troppo pop ma ben eseguita. Con lo strumentale “Slow fizz” si torna a ballare in perfetto stile mid-sixties, basso e batteria viaggiano che è un piacere
Un bel disco con alcuni brani davvero ottimi.
Come accennato subito dopo Bob Crewe iniziò a spingere per una carriera solista di Mitch Ryder che incise un singolo ed un Lp solista nel 1967 non trovando i favori del pubblico suonando un genere forse troppo retrò per i gusti dell’ epoca che si stavano spostando su psychedlia e rock blues.
Mitch Ryder pubblico anche un Lp da solista su etichetta Dynavoice di Bob Crewe “What now my love” uscito nel 1967. Anche questo disco non vendette molto. Ad inizio anni settanta formò con Badajenek e Steve Hunter i Detroit.
Prodotti da Crooper fecero uscire un Lp “Memphis Experiment” su DOT.
Mitch Ryder ha pubblicato parecchi dischi nel corso degli anni, negli anni ottanta grazie anche alla produzione di John Cougar Mellencamp (allora nel suo momento di massima celebrità) torno per poco tempo alla ribalta, ma i successi di vendita non furono cosi rilevanti.
Mitch Ryder è stato uno dei migliori cantanti della scena di Detroit.

Foto della mia copia di NVS 2003, copia originale Strero

AC/DC - Highway To Hell

noreply@blogger.com (Tonypop) — Mon, 5 Sep 2016 00:32:00 +0200

Atlantic Records -K50628 - 7/79

Highway To Hell
Girls Got Rhythm
Walk All Over You
Touch Too Much
Beating Around The Bush
Shot Down In Flames
Get It Hot
If You Want Blood (You've Got It)
Love Hungry Man
Night Prowler

Un Classico del Rock .Un disco cazzuto, duro, puro r’n’r con un titolo strafigo : “Highway to hell”.
Forse non è il migliore disco degli AC/DC, molti considerano “Back In Black" il miglior lp della band ma io ho una forte preferenza per gli AC/DC con Bon Scott, forse "Highway to hell" non è cosi compatto e grezzo come “Powerage” o “Let there be Rock”, forse non è selvaggiamente r’n’r come “High Voltage” o “Dirty Deeds done Dirt Cheap”, ma è l’ultimo disco con Bon Scott, il disco che ha di fatto lanciato gli AC/DC nella olimpo del rock vendendo in poco tempo quasi un milione di copie e raggiungendo la vetta delle classifiche (posizione numero 17 in USA) ed è un disco gli AC/DC ,anche dalla immagine di copertina, diventano di fatto una versione hard rock degli Stones di inizio decennio.
Uscito nel Agosto del 1979, tra il punk che stava finendo e la new wave che imperav,a fu per gli amanti dell suono chitarristico una manna dal cielo una bomba firmata AC/DC
Il disco -primo con Cliff Williams al basso - contiene brani che sono ormai dei classici della discografia degli AC/DC a partire dalla title track : alzi la mano chi non ha mai sentito e non ha mai battuto il tempo al riff iniziale di Highway to hell?
Un'altra bomba hard rock ‘n’roll è la potente “Girls Got Rhythm” hard e ballabile.
Un momento di calma con la non azzeccatissima “Walk Over You” e poi con la stupenda e lenta “Too much too much”. Il lato A si chiude con la r’n’b quasi funk “Beating around the bush”.

AC/DC - "Girls got Rhytmn" live , Paris 1979

Il lato B si apre in tono minore con “Shot Down in Flames” per poi sparare decibel, chitarra e potenza in due brani grandiosi la’ hard blues di “Get it hot” e l’altro grande classico “If You Want Blood (You've Got It)”, stupenda.
Il disco si chiude con la mid tempo (ma con sferragliate chitarristiche potentissime) :"Love hungry Man" e con la "lenta" "night prowler".
Come detto il disco apri le porte del gotha del rock agli AC/DC che purtroppo persero l'anno successivo tragicamente Bon Scott dopo una notte di alcool ed eccessi.
Il grande cantante venne sostituito da Brian Johnson già nei Geordie e per gli AC/DC si apri una nuova storia che dura tutto oggi con i million seller di “Back in Black” e e “For those about to rock” fino ad arrivare ai giorni nostri.
“Highway to hell” è un classico del rock.

Foto della label della mia copia (originale??) di K50628

Kim Gordon - Girl in a Band (Book)

noreply@blogger.com (Tonypop) — Thu, 1 Sep 2016 23:18:00 +0200

Kim Gordon - Girl in a Band - Minimum Fax Editore
2016- 306 pp

Esce anche in Italia l’ autobiografia di Kim Gordon bassista dei Sonic Youth band storica degli anni ottanta- novanta.

I Sonic Youth sono stati una band incredibile : dura, sperimentale, alternativa, rispettata da quasi tutti i musicisti delle diverse scene musicali degli anni ottanta (l’hardcore californiano, la scena di Washington, la scena di Seattle...) e soprattutto sempre in prima fila per promuovere e supportare le nuove band emergenti.

I membri principali, oltre a Lee Ranaldo, erano Thurston Moore e Kim Gordon marito e moglie.
In questo libro Kim Gordon racconta - a volte non dando un senso cronologico preciso ed è forse l’unica pecca del libro - la sua storia.
La storia di una ragazzina borghese in California tra la metà dei sixties e l’inizio degli anni settanta, il college ed il trasferimento a fine anni settanta a New York ,i suoi contatti con il mondo dell’ arte e la musica, l’incontro con Thurston e poi la vita di una donna nella scena musicale underground e in una delle band più alternative ed importanti del rock americano.
E ancora la vita in tour ed in studio con i Sonic Youth, la vita reale con Thurston , la gravidanza e la vita da madre e musicista rock, l’ascesa della band da gruppo underground ad icona del rock, i rapporti con i musicisti (Kobain, Julie Cafriz , Neil Yount tra gli altri) e il lavoro nel mondo del arte e della moda fino al racconto del divorzio e della fine della relazione con Thurston e subito dopo la fine dei Sonic Youth.
Un bel libro che si legge facilmente con tanti aneddoti curiosi ed interessanti, un must per tutti i fan della musica alternative e dei Sonic Youth.

Hearts and Flowers - Now Is The Time For Hearts And Flowers

noreply@blogger.com (Tonypop) — Mon, 29 Aug 2016 00:03:00 +0200

Capitol Records - ST2762 - 6/67

Now Is The Time
Save Some Time
Try For The Sun
Rain, Rain
The View From Ward 3
Rock & Roll Gypsies
Reason To Believe
Please
1-2-3 Rhyme In Carnivour Thyme
I'm A Lonesome Fugitive
Road To Nowhere
10,000 Sunsets

“Now It’s Time for Hearts and Flowers” è il primo (dei due dischi) degli Hearts & Flowers band di culto per gli amanti del country rock e blue grass e per i fan di Byrds, Flying Burrito Brothers, Gene Clark e Dillards.
La band formata da Larry Murray, Dave Dawson e Rick Cunha, tutti e tre chitarristi e cantanti, crea un sound che oltre alle basi country e bluegrass mette insieme pop, folk e beat creando un disco davvero ottimo e suonato ad altissimo livello, con cover di Donovan, Kaleidoscope, Goffin and King, Hoyt Axton, Tim Hardin e Merle Haggard.
I tre componenti della band arrivano dal giro del folk revival californiano di inizio anni sessanta, Larry Murray ha suonato con Chris Hillman nei leggendari Scottsville Squirrel Barkers e nei Green Grass Groups.
Dawson e Cuhna suonavano nelle Hawaii come duo folk e si trasferirono a Los Angeles a metà anni sessanta, conoscono Murray ed iniziano a suonare in trio attirando l’attenzione sia della Elektra che della Capitol per la quale, grazie all' A&R Nick Venet, firmano.
Entrano in studio ed il risultato è “Now it’s time for hearts and flower” disco forse non tra primi che dischi dove il rock e il country sono insieme, ma un lavoro importante dove il folk della metà degli anni sessanta si sposa con il rock californiano .
In studio ovviamente ci sono anche basso e batteria (non in tutti i brani) e i 12 pezzi sono perfettamente assortiti tra gli originali e le cover .
Il disco parte con un intro parlato e poi l'originale "Save some Time" brano folk che a me (ma anche all' immenso Julian Cope nel suo blog (https://www.headheritage.co.uk)) ricorda sopratutto nel modo di cantare i Beau Brummels.
Una bella cover di Donovan "Try for the sun" a cui segue la stupenda "Rain Rain" melodie vocali e folk, bellissima.
Gli ultimi due brani passano dal potenziale hit country rock "Rock & Roll Gypsies" e al singolo estratto (che purtroppo vendette pochissimo) "The View From Ward 3 " esempio di acid folk con l'auto harp di Dave Dawson, piccolo gioellino di folk acido.
Il lato B inizia con due brani ottimi, la cover di Tim Hardin di “Reason To Believe” e la stupenda versione di “Please” dei Kaleidoscope americani; armonie vocali, folk, accenni di beat e di blue grass, bellissime entrambe.
L’originale “1-2-3 Rhyme In Carnivour Thyme” mi ricorda nell’ intro la meravigliosa “San Franciscan night” di Eric Burdon (o forse il contrario visto che il brano del ex Animals è uscito nel agosto 1967 due mesi dopo questo Lp).
Una quasi classica cover di Merle Haggard “I’m a lonesome jubilee” e con la cover di Goffin –King “road to nowhere” forse abbiamo un esempio più unico che raro di popsike folk.
Chiude la cover di Hoyt Axton (l’autore di The pusher) “10000 Sunset” vero pezzo acid folk del disco.
L’anno successivo gli Hearts and Flowers pubblicarono sempre con la Capitol il loro secondo ottimo lp “Of Horses,Kids and forgotten Woman” dove il grande Bernie Leadon già con Clark e Byrds e futuro Eagles) prese il posto di Rick Cunha.
Purtroppo il poco seguito ottenuto fece sì che la band si sciolse in tempi brevi , Murray dopo un album solista iniziò a lavorare per la televisone e Laadon formò gli Eagles per poi abbandonarli nel 1975.
Un disco da ascoltare per gli amanti del folk,del Country e del rock.
La versione originale del disco su popsike ha una quotazione media di 36 euro con picchi di 96 euro. Un disco non raro, ma non facile da trovare.

Foto della label della mia copia originale (Capitol color label) di ST2762

Hearts and Flowers - "Rain Rain" - (sample)

CineGroover#9 - Supervixens - Regia/Direct by Russ Meyer

noreply@blogger.com (Tonypop) — Mon, 22 Aug 2016 00:07:00 +0200

Supervixens - 1975 - USA - Regia Russ Meyer con Shari Eubanks, Charles Napier, Charles Pitt, Christy Hartburg,Ushi Digard, Haji, Stuart Lancaster

In questa “torrida” estate torna Cinegroover e lo fa con un film di culto, il miglior film di quel genio dei B-movies che era Russ Meyer: Supervixens.

“SuperVixen” del 1975 contiene tutte le caratteristiche dei film di Meyer, ed è la sua opera migliore. Qui troverete sesso, umorismo, fumetti,citazioni cinematografiche, splatter, violenza, e ovviamente essendo un film di Russ Meyer tante (e grosse) tette!!

In "Supervixens" sono presenti molti degli attori feticcio di Meyer da Ushi Digard a Charles Napier (ve lo ricordate nei Blues Brothers come leader dei Good Ole Boys?) a Stuart Lancaster e Haji.

La trama è semplice tra thriller e parodia con ovviamente tanto sesso e le immancabili tettone : Clint è un benzinaio (le stazione di servizi dove lavora è di Martin Boorman nome di un gerarca nazista da sempre utilizzato da Meyer) ossessionato dalla moglie sempre vogliosa di sesso Superangelica interpretata da Shari Eubanks. Il cattivo poliziotto Clint (Charlers Napier) uccide in modo super splatter Superangelica.
Dell’ omicidio viene ingiustamente incolpato Clint che scappa attraverso gli States (citazione della serie Tv "Il Fuggitivo") fuggendo dalla polizia e incontrando donne super formose e super vogliose.

Arriverà ad incontrare Supervixen uguale alla sue ex moglie, ma più dolce e comprensiva e proprietaria di una stazione di servizio. Tutto andrà liscio fino allo scontro finale con il cattivo Clint.

Divertente e parodisco film di Meyer da guardare per divertirsi e per capire i B-movie sexy degli anni settanta.

Il film prodotto con un budget ridotto incassò all’ epoca 17 milioni di dollari venendo proiettato per un sacco di tempo nei drive –in di tutti gli States.
Un film di Culto!!!

Kiss - S/t

noreply@blogger.com (Tonypop) — Sat, 13 Aug 2016 00:15:00 +0200

Casablanca Records -NB9001 - 2/74

Strutter
Nothin' To Lose
Firehouse
Cold Gin
Let Me Know
Kissin' Time
Deuce
Love Theme From Kiss
100,000 Years
Black Diamond

Finalmente i Kiss su The Freewheelin’ Groover con il loro omonimo primo album ,quello che ha dato inizio alla Kissmania.
Diciamo che adoro i Kiss del periodo mascherato , i loro eccessi, la loro tamarraggine, il trucco e la loro musica che per tutti gli anni settanta è stato del gran buon hard rock. Scegliere un disco loro di quel periodo è abbastanza difficile , le mie preferenze vanno appunto al primo a “Dressed to Kill” o al ormai mitico "Alive”.
Ci concentriamo con l’inizio di tutto: “Kiss”.
Uscito nel febbraio del 1974 con una copertina per l’epoca davvero intrigante dove i quattro membri della band con il loro trucco rendono omaggio a “Meet The Beatles” (versione americana di “With the Beatles”) è un disco che mette insieme tutto quello che saranno i Kiss almeno per tutti gli anni settanta : hard rock, glam , e tutto ciò che oggi come allora fa impazzire i teenager (e non solo) : look, musica ad alto volume, machismo e (tanto) sesso.
Il disco contiene alcuni brani che ritengo tra i migliori dei Kiss, la mia versione è una seconda stampa con la cover di Elvis “Kissin Time” registrato qualche mese dopo per cercare di aumentar le vendite. Questo espediente non funzionerà molto il disco si fermerà alla 82 posizione delle charts.
“Strutter” e "Nothin' to Lose (su un ragazzo che cerca di introdurre la sua fidanzata al sesso anale) sono dei grandissimi r'n'r boogie suonate in uno stile che caretterizzerà la band per anni..
Più lenta la potente ed Hard rock "Firehose" e il lato A è chiuso da un altro grandissimo brano r'n'r "Let Me Know" che diciamo si trasformerà in "Dressed to Kill" nel mega hit "Rock 'n roll all Nite".
Il lato B è leggermente inferiore ma l'hard rock di "Deuce" , il' R'n'r di "Kissing Time" e l'heavy metal di "100.000 years" sono ottimi brani
Sottotono lo strumentale (primo ed unico) "Love Theme from Kiss" e l'hard rock da FM con tanto di intro acustico di "Black Diamond"
La band arrivava dai Wicked Lester dove suonavano Simmons e Stanley, a loro nel 1973 si aggiungono Ace Frehely e il batterista Peter Criss Il primo live è nel gennaio del 1973, mentre firmano per la neonata Casablanca (di Neil Bogart) e vanno in tour nel Febbraio del 1974.

Un aneddoto curioso riguarda la prima parte della carriera dei Kiss, il 29 aprile del 1974 Gene Simmons è ospite del Michael Douglas Show insieme alla attrice Totie Fields (una caratterista molto famosa all’ epoca negli States), come si vede dal video allegato, l’ingresso di Simmons, allora sconosciuto , truccato di tutto punto è impressionante. Il suo atteggiamento e la sua dichiarazione di essere il male creano un alone di mistero, al chè la Fields dice al pubblico, probabilmente per smorzare la tensione e metterla sul ridere “...non sarebbe divertente se fosse soltanto un bravo ragazzo Ebreo?”, non sapendo che Simmons (vero nome Chain Wiz) è nato in Israele e si è trasferito in Usa all’ età di otto anni. Alla risposta di Gene la Fields (anche essa ebrea,) ribadisce di sapere delle sue origini e che comunque non può nascondere il naso da ebreo!!!
Nonostante le prime difficoltà i Kiss continuarono a sfornare ottimi album e ad aumentare i fans grazie soprattutto ai concerti dal vivo e il successo arriverà con "Dressed to kill" (1975) e poi con il live "Alive" facendo diventare la band un fenomeno commerciale della seconda metà degli anni settanta.
”Kiss” è un esordio davvero ottimo che permette di capire la direzione e lo stile della band, ovviamente più genuino e più vicino alla mia idea di r'n'r degli altri dischi del gruppo

Foto della label della mia copia di NBLP 7001 ,seconda stampa con "Kissin Time"

Michael Kiwanuka - Love & Hate

noreply@blogger.com (Tonypop) — Tue, 9 Aug 2016 20:50:00 +0200

Cold Little Heart
Black Man in a White World
Falling
Place I Belong
Love & Hate
One More Night
I'll Never Love
Rule the World
Father's Child
The Final Frame

Uscito il 15 luglio del 2016 “Love and Hate” di Micheal Kiwanuka è,a mio parere,e fino a questo momento uno dei migliori dischi del 2016.

Solitamente su The Freewheelin’ Groover si parla poco delle novità (anche se ci sono molti nuovi dischi ottimi e che ci piacciono) esistono riviste e blog migliori di questo che possono raccontare tutte le novità in uscita meglio di noi.

Ma questo è un disco che ritengo davvero “importante”, un disco di Black music che mi ricorda i dischi dei grandi interpreti di inizio anni settanta, quando gente come Isaac Hayes, Curtis Mayfield, Marvin Gaye sapevano, evolvendosi musicalmente, creare dei grandissimi capolavori.

Forse Kiwanuka non inventa niente di nuovo, ma riesce a recuperare quella atmosfera di inizio anni settanta fine anni sessanta quando la black music si stava evolvendo e riesce a metterci dentro il soul, il funk, accenni di psychedelia , pop ed anche impegno sociale, recitando la lezione dei già citati sopra e di Bill Withers ,Terry Callier, di Sly Stone .

Il disco è prodotto da Dangermouse (vedi post), ormai marchio di garanzia assicurata ed è il secondo Lp di Kiwanuka, artista britannico figlio di rifugiati ugandesi che scappavano dal regime di Amin.

Inizia a suonare come sessionmen (anche con Adele)e a soli 29 anni è ormai un artista completo che suona, aggiornandolo leggermente, quello con cui è cresciuto.
La versione in vinile è un doppio lp con ormai essenziale codice per il free download digitale, è ovviamente perfetta, e risalta alla perfezione il lavoro di Kiwanuka.
Il lato A è composto da soli due brani davvero davvero ottimi, l'iniziale "Cold Little Heat" (grandissimo titolo) dove un lungo intro strumentale a metà tra morricone la prima psychedelia e archi di Spector a cui segue un cantato in perfetto stile soul primi anni sessanta.

"Black Man in a White World" un ritmo quasi tribale accompagna la melodia della voce con un sottofondo che rimanda a Sly and the Family Stone sia per i sound psych funk che per le tematiche del brano.

Nel lato B troviamo tre brani che vanno in crescendo dalla iniziale "Falling" soul in stile Mayfield o Withers e che ricorda anche band della scena inglese cool pop di inizio anni ottanta a "Place I belong" dove il blue eyed pop (echi di "groovin' degli Young Rascal edi "Spooky nella ritmica) si fonde con il soul in perfetto stile Mayfield o di nuovo Bill Withers.
Il singolo "Love & Hate" è perfetta, l'intro pop ve la farà entrare in testa in 10 secondi, pop,soul e un perfetto arrangiamento.
La C side si apre con il r'n'b ballabile e supergroove di "One more night" tra Barbara Lynn e la mai troppo compianta Amy Winehouse con un basso meraviglioso.
La ballad soul (ancore Withers) "I'll never love" e il più arrangiato con tanto di archi e solo di chitarra che a me ricorda alcuni brani di Hayes "Rule the world" sono anche qui di un livello altissimo.
Infine l'ultimo lato del doppio Lp con la bellissima ballad soul di "The Final Frame" e la ottima pop con intermezzi quasi lounge di "Father's Child" chiudono un disco bellissimo.
"Love & Hate" uno dei migliori dischi del 2016|||

Barrence Whitfield & The Savages - Dig Yourself

noreply@blogger.com (Tonypop) — Wed, 3 Aug 2016 00:10:00 +0200

Rounder Records -9007 -?/85

Bloody Mary
Big Mamou
Juicy Fruit
Dig Yourself
Hug Me Squeeze Me
Geronimo's Rock
Shame Shame Shame
Breadbox
Wild Cherry
Frieda Frieda
Sadie Green

Comprai questo disco circa 20 anni fa, ad una Fiera del disco della mia città su consiglio di un mio caro amico che mi disse :"Questo disco spacca!! è puro R'n'b!!",il suo consiglio ed il fatto che ci suonassero Peter Greenberg già chitarrista dei DMZ e dei Lyres e Howie Ferguson dei Real Kids hanno fatto si che il disco finisse nella mia collezione.

Che dire? Per parecchio tempo l'Lp ha girato in continuazione sul mio giradischi.

In pieni anni ottanta, Barrence Whitfield and the Savages garantivano del selvaggio r'n'b intinto nel r'n'r e prima che compilation i volumi della serie "Stompin'" facessero riaccendere una piccola fiammella .

"Dig yourself" è il secondo lp della band tra l'altro inciso e prodotto con una buona qualità ed è un esplosione di selvaggio R'n'r -R'n'b.

La band nasce a Boston quando Peter Greenberg (già come detto con i fantastici DMZ e con i Lyres) incontra Barry White (si omonimo con il cantante di disco music), cantante di Gospel e r'n'b che dalla nativa Florida si trasferì prima in New Jersey e poi a Boston.

White cambia nome in Barrence Whitfield e The Savages sono Peter Greenberg, Howie Ferguson , Phil Lenker al basso e Steve Lagrega al sax.

Iniziano a suonare cover di Don Covay, Solomon Burke, Pickett nei locali della zona di Boston.

Per la Mamou Records registranp l' lp d'esordio e nel 1985 per la Rounder "Dig Yourself".

Il disco è pieno di cover di piccole perle minori della storia del r'n'b e di brani propri e si ascolta (ballando) tutto di un fiato, un pieno di anni cinquanta suonato con la selvaggia vena del punk e del garage rock.

La copertina con Barrence con tanto di turbante omaggia il grandissimo Sam The Sham.

Si parte con brani originali come il voodo stomp di "Bloody Mary"o il R'n'b quasi rockabilly di "Hug me Squeeze me" o "Breadbox" troviamo tradizional arrangiati in perfetto stile errebi come "Big Mamaou" o "frieda Frieda".

Le cover sono la selvaggia "Geronimo's Rock" di Jerry McCain (ascoltate l'originale, credo di fine anni cinquanta, che è un blues boogie potente che neanche i Black Keys),"Wild Cherry" di Leroy Washington (1958), e "Dig Yoruself" dei Les Cooper del 1963,

Oltre a suonare del ottimo r'n'b/r'n'r il disco ha fatto riscoprire dei piccoli classici perduti.

Un grandissimo lp di metà anni ottanta,

La band suonò con continuità fino a metà anni 90, per poi riformarsi nel 2011 e continuare a pubblicare dischi (l'ultimo ottimo lp è del 2015) e suonare dal vivo.

Dig Yourself!!!

Foto della label della mia copia di "Dig Yourself",stampa su Demon versione per mercato europeo

Barrence Whitfield & The Savages -"Bloody Mary" -(sample)

Touch me I'm Sick - I Mudhoney,un brano capolavoro ed il Grunge Rock

noreply@blogger.com (Tonypop) — Fri, 29 Jul 2016 00:08:00 +0200

Il 1 Agosto saranno trascorsi 28 (!!??) anni dalla pubblicazione del singolo "Touch me I'm Sick" dei Mudhoney brano simbolo del grunge rock pubblicato da quella che è ancora oggi personalmente ritengo la più importante band della scena di Seattle di fine anni ottanta, nonostante i Nirvana, gli Screaming Trees e molte altre valide band.

"Touch me I'm Sick" è stato il primo pezzo (o uno dei primi) Grunge ed è stato il punto più alto del genere, nessun altra song è riuscita a racchiudere in 2 minuti e 23 secondi l'essenza del Grunge : testo "ironico" e violento al tempo stesso, tonnellate di fuzz, potenza hard rock, Black Sabbath, garage punk, Stooges, MC5, Blue Cheer, noise, drumming devastante, in una parola tutto quello che il Grunge doveva essere e che purtroppo , almeno in molti casi, non è stato.
Personalmente lo ritengo anche il punto artisticamente più alto dei Mudhoney (a pari merito con l 'EP "Superfuzz Big Muff " che contiene anche il singolo); nè l'lp d' esordio (ottimo disco, intendiamoci) nè i successivi hanno la freschezza e la violenza del singolo e non riescono a ripetere l'atmosfera magica di quel giorno in sala di registrazione con i Mudhoney e Jack Endino.
In realtà il brano di punta doveva essere la più lenta e distorta"Sweet Young Thing Ain't Sweet No More" storia di una madre che capisce che la figlia è una tossicodipendente.
I Mudhoney non furono i primi, Seattle aveva già una piccola scena resa famosa poi dell' esplosione del grunge ,formata da Skin Yard, Melvins (anche se di Aberdeen), i Green River (ex band di Turner e Arm dei Mudhoney) ed altri, ma furono li al momento giusto e al posto giusto.
Paragono l' impatto storico ed artistico di "Touch I'm Sick" a quello di "Anarchy in the UK " dei Sex Pistols.
Dopo di allora il grunge da Seattle iniziò a diffondersi lentamente prima negli States, poi in UK ed infine in Europa e nel mondo, diffondendo anche il look dei ragazzi di della cittadina del Northwest: capelli lunghi arruffati, camicioni a quadrettoni e tanta birra.
Seattle divenne di moda (film girati in città ispirati o al grunge come "Clerks" o "Giovani carini e disoccupati o "Singles" con una colonna sonora basata sulla nuova musica) e la Sub Pop divenne l'etichetta "cool" per eccellenza
Forse sono in un posto cosi poco "trendy" (nel 1988, ovvio) e lontano dalle mode poteva sul finire del decennio nascere un genere musicale che miscelava hard rock e punk con riferimenti sixties, un genere che ha rinvigorito il rock anche se venne nel giro di poco fagocitato da major e Tv facendolo diventare una moda .I Mudhoney aprirono poi la strada a grandi gruppi come Nirvana, Pearl Jam ,Alice in Chain e tanti altri rigenerando il Rock che a fine anni ottanta (se non per generi di nicchia come punk o il garage ) era preda di sintetizzatori e musica elettronica, e dando vita ad una generazione di giovani musicisti che nel corso degli anni diventeranno le nuove icone del rock .
Mark Arm chitarra e voce, Steve Turner chitarra, Matt Lukin basso, Dan Peters batteria hanno con
"Touch me I'm sick" inciso un capolavoro , la nascita e la vetta del Grunge rock.

Touch Me I'm sick Lyrics

(one, two)
ooh
wow
ooh
I feel bad, and I've felt worse
I'm a creep, yeah, I'm a jerk

Come on
Touch me, I'm sick

wow
I won't live long, and I'm full of rot
Gonna give you - girl - everything I got

Touch me, I'm sick, yeah
Touch me, I'm sick

Come on baby, now come with me
If you don't come
If you don't come
If you don't come
You'll die alone

wow
ooh

I'm diseased, I don't mind
I'll make you love me 'till the day you die

Come on
Touch me, I'm sick
ahhh
Fuck me, I'm sick

Come on baby, now come with me
If you don't come
If you don't come
If you don't come
You'll die alone

PS: Il 4 Agosto i Mudhoney suoneranno a Laspezia, il 5 Agosto a Castelbuono (PA)

The Hombres - Let it out (let it all hang out)

noreply@blogger.com (Tonypop) — Mon, 25 Jul 2016 00:04:00 +0200

Verve Forecast - FT/FTS- 3036 - ?/68

Let It Out (Let It All Hang Out)
Little 2 + 2
So Sad
Gloria
Am I High
Mau Mau Mau
This Little Girl
Sorry 'Bout That
Ya Ya
Hey Little Girl
It's A Gas

The Hombres erano la garage Band per eccellenza, ma seppur idolatrati dal grande Lester Bangs, presenti nella compilations Nuggets di Lenny Keye con il loro singolo “Let It Out (Let It All Hang Out)”, stranamente non hanno mai avuto un grosso seguito nel movimento neo garage degli anni ottanta, pur rispettando tutti i canoni della tipica garage band.: ragazzi bianchi del Sud degli States che si cimentavano con chitarra, basso, batteria ed organo con riff ed accordi rubati alla Brititsh invasion.

Forse i loro testi erano troppo legati alla cultura del Sud degli States e questo ha impedito una riscoperta da parte del pubblico europeo sia negli anni ottanta che attualmente.

The Hombres nascono a Memphis, il chitarrista Gary McEwan , l’organista B.B. Cunningham (fratello di Bill Cunningham dei Box Tops) e John Hunter alla batteria si conoscono perché suonano dal vivo insieme in una line up durante un tour di Ronny and the Daytonas band di Memphis autrice di ottimi brani surf ed hot rod e di due Lp oggi molto ricercati dai collezionisti.

Quando conoscono il bassista Jerry Lee Masters iniziano a comporre pezzi propri e suonano prima come Bandits e poi come Hombres e grazie al produttore Huey P. Meaux firmano per la Verve Forecast Records e nell’ estate del 1967 sbancano le classifiche con il garage punk non sense “Let It Out (Let It All Hang Out)".

Costruito sul giro di “Gloria” ed ispirato (o forse una parodia) da "Subterranean Homesick Blues” di Dylan il brano è davvero trascinante. Dal suo intro vocal (tratto da un romanzo del 1947 di Red Ingle) alla sua ritmica ossessiva...puro garage americano!!!

Sulla scia del successo del singolo pubblicarono anche l’lp “Let It Out (Let It All Hang Out)” registrato nel 1967, ma forse pubblicato fuori tempo massimo (il garage stava già finendo) l’anno successivo.

Il disco è un buon lp in cui The Hombres sintetizzano la loro carriera con garage, hot rod, novelty song e pop.

Sul lato A troviamo lotre alla già citata title track, la hot rod song (in stile Ronnie and the Daytonas) “Little 2+2”, la cover degli Everly Brothers “So sad” e ovviamente una cover di “Gloria” con tanto di intermezzo ( non accreditato) di “Eight Miles High” dei Byrds.

"Am I High" è un diverte novelty e nella B side troviamo oltre alla lenta e bella ballad "Mau Mau Mau" "This Little girl" bel garage pop con un organo notevole in sottofondo e break beat di batteria, molto valida.

Due cover "Ya Ya" di Lee Dorsey (qui in versione meno groove ,ma abbastanza accettabile) e "Sorry 'bout that" di Sam the Sham molto molto garage con riferimenti frat e tanto di voce baritonale negli stacchi.

Il disco si chiude con la bella beat pop "Hey little girl" che sembra arrivare dall estate del 1964 e "It's a gas" quasi un talking garage .

L’album, come detto, non riuscì a ripetere il successo del singolo, i gusti musicali del pubblico stavano cambiano e piano piano (nonostante come già accennato l’adorazione di Lester Bangs) i The Hombres sparirono.

Bb Cunnigham suono anche con Jerry Lee Lewis, venne ucciso durante una sparatoria nel 2012. Anche Hunter morì nel 1976 per una ferita da arma da fuoco

“Let It Out (Let It All Hang Out)” è un buon Lp di Garage punk.

Foto della label della mia copia originale di FTS 3036, versione Stereo

The Hombres - "Let It Out (Let It All Hang Out)" - (sample)

Ike and Tina Turner - The Hunter

noreply@blogger.com (Tonypop) — Tue, 19 Jul 2016 09:28:00 +0200

Blue Thumb Records -BTS 11 - ?/69

The Hunter
You Don't Love Me
You Got Me Running
Bold Soul Sister
I Smell Trouble
The Things I Used To Do
Early In The Morning
You're Still My Baby
I Know

"The Hunter" è uno dei due dischi di Ike and Tina Turner pubblicati dalla Blue Thumb, per la precisione il secondo ed è stato pubblicato nel 1969 nel periodo in cui Ike e Tina iniziavano a farsi conoscere anche al grande pubblico bianco soprattutto grazie ai tour di spalla ai Rolling Stones.

Ike Turner, nato nel 1931 in Mississippi, con un infanzia difficile alle spalle, suona praticamente dalla fine degli anni quaranta, chitarrista compositore ed esecutore di ottimo soul e r'nb.

Nel 1958 conosce la diciannovenne Anne Mae Bullock che diventerà cantante della sua band e poi sua moglie con il nome di Tina. Da allora con ottime band di spalla e le coriste ( le famose Ikettes che vivranno anche di vita propria vedi post sulle Mirettes) girano gli States producendo e suonando dell' ottimo soul, prime per etichette proprie come la Sue Records, poi per la Kent e tante altre.

Il sound è davvero ottimo, e riescono ad avere anche qualche delle hit ("It's gonna work out fine " del 1965 ad esempio raggiunse la 14° posizione di Billboard), ma soprattutto facendo quello che ogni appassionato desidera: ottima musica con passione e con "onestà".

Verso la fine degli anni sessanta dopo l’incontro con Phil Spector e il successo, del secondo me troppo “prodotto”, di “River Deep Mountain high”, complice anche l'aiuto degli Stones (Jagger era/è un fan di Ike Turner), il loro nome inizia ad essere conosciuto anche dal grande pubblico e ed incidono per la neonata etichetta Blue Thumb di Bob Krasnow due Lp.

“The Hunter “ è l’ lp migliore dei due ed è un ottimo disco di r'n'b e blues, suonato alla grande (Ike Turner era un grandissimo chitarrista e la voce della Turner qui è al massimo senza arrivare agli eccessi autoreferenziali degli anni ottanta), niente di nuovo ma dell' ottimo blues e r'n'b.

L'originalità non si trova in questo disco, (molti brani sono quasi delle copie, ad esempio "Bold Soul Sister" ricorda molto "Single a simple Song" di Sly Stone e "You got me running"" è quasi un plagio di Jimmy Reed) ma il disco è davvero bello.

L'open track "The Hunter" (cover di Alber King) è un grandissimo brano dancefloor di r'n'b cosi come "You don't love me" o come la finale "I know" singolo tratto dal disco e grandissimo brano.

Ci sono parecchi brani blues con una grande voce e una grande chitarra come "You Got me running", "Smell Trouble" e "The Things I Used to do" o la super ballad da brividi, con Tina davvero insuperabile, "Early in the Morning".

Infine "Bold Soul Sister" un funk -soul pieno di groove e stupendo, il video qui presente è tratto da una esibizione televisiva del 1970 dove Ike and Tina , le Ikettes e la band di supporto suonano una versione di "Bold Soul Sister" pazzesca e super sexy grazie al balletto di Tina e delle Ikettes.

Il successo di Ike and Tina proseguì per tutti i primi anni settanta, incidendo ottimi dischi per la Liberty e per la United Artist fra le altre raggiungendo grandissimi successi commerciali (in vetta alle classifiche con la loro cover di "Proud Mary) riproponendo successi della musica rock.

Il sodalizio terminò, ufficialmente, nel 1976 quando Tina Turner abbandonò il violento Ike.

Tina Turner divenne negli anni ottanta una superstar , Ike Turner è morto nel 2007.

"The Hunter" è un grandissimo disco, da (ri)ascoltare.

Foto della label della mia copia di BTS 11

Anila Wilms - La strada del Nord (Romanzo)

noreply@blogger.com (Tonypop) — Fri, 15 Jul 2016 00:15:00 +0200

La strada del Nord -Anila WilmsKeller Editore2016 pp 192

Titolo originale; Das albanische Öl oder Mord auf der Straße des Nordens

La Casa editrice Keller di Rovereto, nata nel 2005, sta facendo un lavoro fantastico pubblicando una serie di libri - sia saggi che romanzi - di grande qualità, con una veste grafica curatissima e accattivante, di autori nuovi o poco conosciuti e dando importanza ai contenuti e alle storie. Complimenti davvero!

Tra i romanzi che ho letto della Keller merita di sicuro una lettura ed un acquisto "La strada del Nord" romanzo della scrittrice albanese ( ma residente a Berlino) Anila Wilms. Pubblicato in Germania nel 2013 ha vinto diversi premi. La prima versione del libro pare essere uscita in Albania nel 2007 con un titolo leggermente differente.

Un gran bel romanzo (ispirato da un fatto realmente accaduto) che riesce a coniugare alla perfezione il thriller con il romanzo storico e con una scrittura davvero notevole.

Albania ,1924: due turisti americani vengono assassinati su una strada del Nord del paese. Il neonato Stato albanese e la sua giovane e fragile democrazia si trovano sull' orlo di una crisi internazionale - . ci sono il petrolio, gli stati occidentali e le multinazionali dietro l'omicidio? chi erano in realtà i due turisti? - ed interna, con le opposizioni e il governo. legato alla tradizione feudale di origine turca e gestito energicamente dal duro Fuad Herri (personaggio ispirato credo ad Ahmet Zogu). in lotta tra loro e con la popolazione di Tirana preoccupata ed allarmata per il gravissimo fatto di sangue avvenuto.

Nel libro troviamo, raccontate stupendamente, le paure e le speranze degli Americani (nella persona dell' ambasciatore Grant vero protagonista del romanzo), il codice Kanun degli abitanti del Nord, i Caffè di Tirana, i contadini, i signorotti Bey (titolo di origine turca) e la loro paura di perdere il potere, gli albanesi di ritorno dall' America e la loro voglia di democrazia, le chiese ortodosse, cattoliche e musulmane, la Società delle Nazioni, l'Albania che cerca di modernizzarsi e l' Albania che non vuole modernizzarsi, l'ingombrante presenza dell' Italia mussoliniana, della Serbia e della Grecia sempre pronte a spartirsi lo stato dell' aquila con due teste,

Il romanzo è pieno anche di notizie storiche ed è fondamentale per chi volesse avvicinarsi e conoscere un periodo storico, gli anni venti del novecento, ed un paese vicinissimo a noi, ma poco conosciuto.

Da leggere tutto di un fiato.

Consigliatissimo!!!