THE JAMAA FANAKA EXPERIENCE

ROBERT CLOUSE QUARTET

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Wed, 25 Jan 2012 10:06:00 +0000

Director vinculado a la explosión internacional del cine de artes marciales, Robert Byron Clouse cuenta en su filmografía títulos singulares, de calidad quizás menguante pero que deberían en algunos casos, ser rescatados. Fue el único director que quería realizar Enter the Dragon (1973) y aunque siempre se han querido relativizar sus logros en la cinta, los que trabajaron a su lado señalaron que sin él, la película hubiera sido distinta. Pasamos a comentar cuatro de sus títulos setenteros, ideales para una de esas tardes de vindicación de la sesión doble:

1.- Más Oscuro que el Ambar (1970)

Adaptación de una novela de John B. MacDonald, este curioso y violento policiaco presenta en sociedad a Travis McGee, un curioso investigador-aventurero que mete sus narices en un extraño caso donde una joven es lanzada al mar atada a un bloque de cemento. Salvada in extremis por McGee la joven vive un affair con su salvador aunque es finalmente asesinada. McGee busca venganza y de paso esclarecer los hechos de la muerte.

Este film noir de ambiente marítimo y caribeño, es posiblemente uno de los mejores trabajos de Clouse y una de sus piezas más olvidadas. Con reminiscencias de la obra de Charles Williams y algún guiño a Hitchcock, Más oscuro que el ambar (1970) opta por un estilo conciso, discreto y funcional siempre supeditado a las escenas de acción que superan en intensidad a los momentos de intriga. El film acaba en una contundente pelea portuaria entre nuestro investigador (encarnado por el peculiar Rod Taylor) y el villano de turno (encarnado por el genialmente odioso William Smith). Suzy Kendall es la víctima rubia y morena en un doble papel.

2.- Organización Amsterdam (1977)

Diversos cadáveres van apareciendo tanto en HK como en Amsterdam vinculados al tráfico de drogas. Un mafioso oriental contrata a un ex-agente de la DEA para ayudarle a salir del negocio y de paso a aclarar los citados asesinatos.

Una coproducción entre USA y Hong Kong, de ambiente cosmopolita y con actores reconocidos dignificando el producto. No excesivamente lograda y algo envejecida, al menos se puede disfrutar en gran parte por el comentado reparto (Mitchum, Nielsen, Egan, Dillman, Keye Luke). Las escenas de acción se suceden de manera dosificada si bien el ritmo de la pelicula se somete al protagonismo de Mitchum aunque realmente lo que sucede en pantalla no tenga excesivo interés.

3.- The Pack (1977)

Poco conocido e incluso olvidado filme de amenaza animal, The Pack (1977) es uno de los títulos más curiosos de la filmografía de Clouse. Un grupo de perros abandonados empieza a atacar a los habitantes de una isla incapaces de detener las acometidas de los dingos. Los responsables son los propios habitantes y turistas de la isla que por comodidad han ido abandonando a los citados canes.

Un filme menor de indudable encanto B, y que plantea una situación real sin recurrir a exageradas tramoyas terroríficas. Buenas escenas de acción, acotación del espacio en pos de dar una cierta sensación de claustrofobia y variado reparto que en general cubre bien su condición de elemento florero. Quizás le falte algo de intensidad en su desarrollo pero es una pieza equiparable a títulos del momento como El Día de los Animales, Grizzly, Profecía Maldita, Dogs o Alas en la noche. Protagoniza el siempre vindicable Joe Don Baker.

4.- Juego con la muerte (1978)

Entre la psicotronía, la zombie-movie o ghost story (como se prefiera), y la desvergüenza se mueve el regreso a las pantallas del mítico Bruce Lee, cinco años después de su muerte. Para aprovechar parte del material que Lee dejó inconcluso en su proyectada Game of Death, Raymond Chow contrató a Clouse para sacar algo decente del embolado. El resultado, conocido por todos es una de las piezas más demenciales pero también más disfrutables de la historia del cine.

Bruce Lee es sustituido por Yuen Biao y Tao Chung Kim que entre sombras, escorzos, gafas de sol, y caretas insertadas, suplen como pueden al pequeño dragón. La trama ideada tiene muy poco que ver con lo que quería Bruce Lee. Billy Lo es un exitoso actor marcial que es chantajeado por el sindicato del crimen. Tras intentar asesinarle, Lo volverá de entre los muertos (sellando de manera macabra el destino real de los Lee) y acabará uno por uno con todos los villanos de la función.

Juego Con la Muerte (1978) cuenta con estimables secuencias de acción y todo tipo de insertos que sin embargo acaban dando a la trama su propia lógica (?). A retener la secuencia de las motos, los niveles que va superando Lee en la parte final y el absurdo asalto de Billy Lo a casa del villano con el fin de esgrimir su arte marcial. El guión incluso integra en su argumento las leyendas urbanas entorno a la muerte del actor oriental.

Para necrófilos reseñar la inserción de imágenes del funeral de Lee y comentar la existencia de al menos dos versiones: la occidental (donde la venganza no es castigada) y la oriental (en la que Lo es detenido al final de la película y que cuenta de añadido con una secuencia marcial en un invernadero). Un filme disfrutable para cinéfagos desvergonzados o amantes de los extinguidos cines de barrio.

HOT POTATO (1976): "STRANGE" GALLERY

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Mon, 23 Jan 2012 14:45:00 +0000

HOT POTATO (1976)

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Sat, 21 Jan 2012 21:44:00 +0000

La segunda y última producción que Fred Weintraub dedicó a Jim Kelly en solitario es una de las peores películas vistas recientemente. A priori se podía esperar un dinámico film de aventuras ambientado en Tailandia con dosificadas escenas de acción y el toque comic habitual en los títulos protagonizados por el Samurai Negro. El resultado sin embargo no puede ser más desolador. Una comedia de aventuras, sin ninguna gracia y completamente arrítmica, algo inconcebible en un film que tan solo aspira a ser un entretenimiento. ¡La película de aventuras que acabó con todas las demás! Pues ciertamente lo consiguieron aunque no como ellos esperaban.

La hija de un diplomático norteamericano es secuestrada por un hampón oriental que pretende chantajear al gobierno USA. Para rescatar a la infortunada víctima, se contactará con Jones un experto en artes marciales que reunirá un variopinto grupo que se internará en la selva para cumplir su ardua misión. Entre tortas, elefantes, bromas, romances y turismo transcurrirá la aventura.

Oscar Williams, que había escrito la popular Black Belt Jones (1974), guionizó y dirigió esta secuela más o menos oficial del simpático personaje interpretado por Kelly. Por el camino se perdió el aire cool urbanita y se optó por un tono abiertamente cómico que echa a perder completamente la película. En Black Belt Jones se apreciaba un tono paródico pero que estaba bien dosificado en el filme y en ningún momento restaba intensidad a las secuencias de acción. En Hot Potato (1976), sin embargo, todos los elementos parecen girar hacia un humor tortillero y despreocupado que rara vez logra el efecto deseado. Los chistes ni siquiera superarían el corte en un guión del Chapulín colorado.

Desafortunadamente, Hot Potato (1976) tampoco funciona como pieza psicotrónica y momentos para ello no le faltan. Nuestro grupo campero es atacado en cierto momento por una banda de ridículos monos-ninja que serían aprovechables en futuras aventuras almodovarianas pero que aquí superan los límites del ridículo. Incluso cuando el villano les cita como "amazing warriors", uno se pregunta si realmente se refiere a los citados atacantes.

En otra secuencia de acción, terriblemente larga y mal planificada, nuestro grupo heroico asalta una población con elefantes incluidos y un estilo marcial que es arruinado en todo momento por la dirección de Williams. Los chistes y las explosiones que la acompañan parecen recogidos de alguna producción oriental que se estaba rodando en los alrededores.

Y el culmen es la secuencia de flirteo colectivo, donde Williams detiene la película para que nuestros protagonistas se abracen un poco, se quiten algo de ropa y aprovechen el idilico paisaje con el que conviven (¿no estaban en una peligrosa misión de rescate?).

Para ser una producción al servicio de Jim Kelly, la acumulación de personajes le hacen pasar por un secundario más, solo distinguido por su peinado afro y su colorida vestimenta. El resto de personajes que reciben nombres tan pulp como Johnny Chicago, Carter Rangoon o White Rhino, van apareciendo en pantalla llenando minutos sin el mayor interés posible. En el caso del citado Rhino y sus chistes acaba provocando en el espectador un odio cercano a lo psicopático. Las coreografías ideadas por el propio Kelly pasan completamente desaparcibidas dada la impericia de Williams a la hora de rodarlas.

Hot Potato (1976) parece una de esas películas que los productores realizan aprovechando suculentos acuerdos foráneos sin que el resultado final parezca importarle a nadie. Una buena escusa para disfrutar de unas vacaciones pagadas en Tailandia pero que a las postre, le costó la carrera a Jim Kelly.

Por salvar algo de la película (ni siquiera su banda sonora cumple) destacar su espectacular poster y una secuencia de acción en un cementerio, unico momento bizarro e interesante de la misma. Una última curiosidad: Hot Potato compartió programa doble en algunas sesiones con Operación Dragón. Sería interesante comprobar el efecto de ambas producciones juntas.

ETTA JAMES. PEACE...AT LAST!

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Sat, 21 Jan 2012 09:42:00 +0000

Etta James (1938-2012): The Queen of R & B

ALFILERES DE ORO (1974): GALLERY

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Fri, 20 Jan 2012 12:02:00 +0000

Jim Kelly indicando el camino.

ALFILERES DE ORO (1974)

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Thu, 19 Jan 2012 09:44:00 +0000

Lo primero es obligado resaltarlo. Esta no es una película protagonizada por Jim Kelly aunque en diversos posters su figura se resalte en primer plano y a tamaño mastodóntico. Tampoco estamos ante un film propiamente de artes marciales aunque no faltan algunas escenas de la modalidad y tampoco la película ande coja de escenas de acción ¿Que es entonces Golden Needles (1974)? Una producción de Fred Weintraub para la A.I.P. al servicio del gran Joe Don Baker en la cima de su popularidad.

Una serie de variopintos personajes se ven envueltos en la busqueda de una misteriosa estatua ritual cuyos alfileres dorados tienen propiedades milagrosas. Entre Hong Kong y Los Angeles, mafiosos chinos, aventureros de medio pelo, ricachones en horas bajas y ninfómanas con complejo de femme fatale andan a la captura de todo ello.

Hay que esperar cerca de 45 minutos para que Jim Kelly haga su aparición con mostacho y su reconocible pelambrera afro. Como buen amigo del protagonista, su papel evidentemente florero, adquiere las formas de guía angelino bien provisto para el combate y para lo que se tercie. Hasta ese momento el film ha tenido un evidente regusto retro a film de aventuras ambientado en un Hong Kong exótico y plenamente pulp. Ese tugurio que regenta la magnífica Ann Sothern parece surgido de otra época pero añade a la película un aspecto demode muy conseguido. La relación de la Sothern con el orondo Baker (llamado aquí Dan) es típica de las ficciones de los 40, lealtades aparte y de evidentes resonancias románticas.

Otro personaje aparece como detonador de la ficción, Felicity (interpretado con estilo muy cool por Elizabeth Ashley), ninfómana a tiempo parcial, ladrona y estafadora, con el suficiente encamto para atrapar y enredar a nuestro protagomista y de paso, al resto de espectadores. Los mafiosos chinos y algunos miembros orientales de no-se-sabe-muy-bien-qué aparecen de vez en cuando para animar las visicitudes de nuestro duo particular. La aparición de Burguess Meredith ensombrece para variar las prestancias del resto de personajes. Le basta simplemente una secuencia para quedarse con la película y demostrar la valía de los actores clásicos incluso en cometidos terciarios como el que le ocupa.

Alfileres de Oro (1974) es un film simpático, ligero, entretenido, repleto de giros argumentales y variadas escenas de acción para que el espectador no mire al reloj mientras lo visiona pero que se olvida rapidamente una vez acabado su visionado. Un entonado entretenimiento dirigido con eficacia por Robert Clouse (cineasta que por cierto era sordo). Fans acérrimos de Jim Kelly encontrarán mejores momentos de su ídolo en otras de sus películas. Para completistas destacar que el soundtrack corresponde a Lalo Schifrin y que el montaje corre a cargo al luego reconocidísimo Michael Kahn.

GALLERY OF THE DEAD (2011)

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Sun, 15 Jan 2012 10:00:00 +0000

THE DEAD (2010)

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Sat, 14 Jan 2012 09:57:00 +0000

Que una película de muertos vivientes actual evite convertirse en el reiterativo recurso de los "sanfermines zombie" o la parodia al uso del subgénero es todo un logro. Si además opta por situar su acción en un entorno distinto y arriesgado, la convierte cuanto menos en una rara-avis. Añadamos casi como una provocación, una vuelta a los orígenes del mito, a las primeras cintas de Romero y los primeros sucedáneos italianos y tendremos como resultado una de las aportaciones más interesantes al universo zombie. Todo eso lo reune The Dead (2010), una producción británica independiente de arduo rodaje en tierras africanas (Ghana y Burkina Fasso para más señas).

La epidemia ha alcanzado el continente africano. Los muertos vivientes pueblan todos los lugares acosando a los vivos. Los extranjeros sufren los mismos problemas que en las urbes occidentales. Sin embargo, la jungla y los territorios desérticos ofrecen pocos lugares donde ocultarse. Un ingeniero norteamericano y un soldado desertor de la zona inician una aventura por la supervivencia en medio del nuevo infierno desatado. Las consecuencias serán inesperadas y no siempre las deseadas.

The Dead (2010) dirigida a cuatro manos por los hermanos Ford (Howard y Jonathan) intenta en todo momento recuperar la dignidad de los primeros esfuerzos de Romero pero sin obviar algunos de los logros estéticos de sus primeras imitaciones italianas. Así, su fotografía desprende y coloca a la narración en una atmósfera muy similar a las epopeyas setenteras de la modalidad, algo conseguido por otra parte sin excesivos artificios. La historia se desarrolla desde sus inicios como una aventura de supervivencia pero que no elude su carácter de parábola. Los cadáveres que andan sigilosamente hacia ninguna parte y los que se desperdigan tirados por los campos y caminos ofrecen una imagen muy oscura y no muy alejada de algunos escenarios bélicos del Africa actual.

Lejos de plantear una historia claustrofóbica, los Ford abren su película al siempre agradecido territorio de las road-movies. Las carreteras pobladas por muertos, los poblados abandonados, el desierto, los inutilizados aeródromos....todo ello ofrece una geografía muy particular que incide sobremanera en el desolador retrato ofrecido. La ausencia de lugares donde abastecerse, la inoperante busqueda de agua, comida o armas, el vital recurso a aprovechar lo poco que se tiene convierten a esta película en un singular mosaico sobre la debilidad humana.

The Dead (2010) opta por narrar una historia directa, sin concesiones, con escasos flashbacks para concretar los anhelos de sus protagonistas o simplemente para situarles en el entorno descrito. Su rodaje africano ofrece además una mixtura muy realista, en ocasiones casi documental lo que redunda en la veracidad de lo mostrado. Incluso le hace perder su propia identidad de película occidental algo francamente envidiable para una producción de estas características.

The Dead (2010) busca también una comunión con la cultura en la que se desarrolla la historia. No solo en las huellas y objetos que nuestros protagonistas van encontrado sino en el simbolismo que acaba alcanzando su protagonista WASP. Un logro que aunque pueda parecer forzado no lo es tanto a la luz de los resultados.

Presentada con cierta repercusión en diversos festivales The Dead (2010) es una de las películas de terror más interesantes y desoladoras que hemos visto en los últimos tiempos. Abstenerse fans de las dead-movies de la última década.

HAPPY NEW YEAR 2012!

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Sat, 31 Dec 2011 10:45:00 +0000

LOVELY PAINTINGS BY ERNIE BARNES

Gracias a todos los que habeis visitado "The JFE" y espero que tengais un esperanzador nuevo año 2012.

SOUL CHRISTMAS !

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Sat, 24 Dec 2011 10:36:00 +0000

BLACK BELT JONES AROUND THE WORLD

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Fri, 23 Dec 2011 10:29:00 +0000

BLACK BELT JONES (1974)

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Thu, 22 Dec 2011 16:02:00 +0000

Colocar a Scatman Crothers como dueño de una escuela de artes marciales puede parecer una locura o siendo suaves, un tanto paradójico. Sin embargo, es un buen termómetro para saber por donde fluyen las ideas de Cinturón Negro (1974), primer vehículo creado por los productores Fred Weintraub y Paul Heller para explotar la popularidad de Jim Kelly.

El fallecimiento de Bruce Lee obligó a buscar alternativas validas para un mercado donde crecía el interés en todo lo relacionado a patadas, saltos, chillidos y demás parafernalias marciales. En Hong Kong pronto se pusieron las pilas para vender gato por liebre y dar a Occidente lo que andaban buscando. Clones y réplicas del finado Lee llenaron las pantallas para sonrojo de los amantes del cine más clasico cuya integridad mental vieron perturbada por estea multitud de enloquecidos freaks. Por otro lado, en América se buscaba algo dentro de la nueva moda que los identificase y a ser posible de pura cepa, preferiblemtente wasp, y así surgen los primeros intentos del bueno e imperturbable Chuck Norris delante de las cámaras. Pero en los primeros 70, el negro era el color más bello y más rentable, y Jim Kelly fue un intento en principio sólido para conseguir el objetivo: la primera estrella del cine de artes marciales negra.

Unos mafiosos italianos quieren hacerse de todas las maneras posibles con el edificio que ocupa la escuela de Karate de Papa Byrd (Scatman Crothers). Para ello y no ensuciarse mucho las manos, utilizan a la banda de Pinky, unos maleantes afroamericanos que controlan la zona. Byrd es asesinado de manera accidental y los muchachos de la escuela llaman a Jones, un experto en artes marciales que vive en la playa y suponemos que trabaja para el gobierno. Para animar el asunto llega Sidney (Gloria Hendry), la hija de Pop Byrd que decide ocuparse del negocio. Entre ambos y algunas incorporaciones deciden enfrentarse a todos los maleantes que van contra ellos.

Black Belt Jones sigue el esquema habitual en el soja western del enfrentamiento de escuelas: aquí la escuela de karate afroamericana y los delincuentes de la zona liderados por Pinky que ocupan unos billares. El tono como en las citadas epopeyas orientales es lúdico, ligero y altamente festivo. La trama es una pequeña excusa para engarzar las escenas de acción que se van dosificando a lo largo del metraje sin excesivos contratiempos. Prima el tono infantil e ingenuo, una violencia cercana a los dibujos animados, un trazo caricaturesco en el retrato de personajes y un dinamismo en las escenas de acción que sobresalen sobre el conjunto. El dramatismo de las situaciones más extremas es rapidamente estirpado. Se destaca ante todo el hecho superficial e instintivo sobre el gesto emotivo e introspectivo.

Black Belt Jones juega sus mejores bazas en las citadas set pieces marciales: el asalto a la finca de los mafiosos italianos, el combate desarrollado en el almacén y a continuación en un vagón, y el conocido climax final entre camiones y espuma. Kelly y Hendry tienen química y aunque sus personajes funcionan sobre estereotipos ya conocidos rapidamente provocan la empatía en el espectador. Kelly personifica un personaje de indiscutible atractivo físico, resuelto, abiertamente cool y muy cercano a los protagonistas del mundo del comic de la época. Por su parte, Gloria Hendry empieza como mujer dura y de armas tomar pero acaba seducida y limpiando la basura que va amontonando su compañero en el citado parking.

Dirige con eficacia y sin problemas todo un especialista en cine de acción como Robert Clouse, cineasta al que habitualmente se le suelen restar todo tipo de meritos al hablar de sus epopeyas marciales (la mejor de las películas de Lee la dirigió Clouse, por más que siempre se deleguen los logros en los técnicos chinos). Del guión se ocupó Oscar Williams que posteriormente se ocupó de la desastrosa continuación de las aventuras de Black Belt Jones y en el montaje nos encontramos con una de las grandes figuras de la modalidad: Michael Kahn.

No olvidamos el apartado musical aquí a cargo de Luchi de Jesus que compone una juguetona banda sonora de ritmos afro y que se beneficia además de la colaboración de Dennis Coffey, mítico guitarrista de los Funk Brothers, que nos regaló para la posteridad unos de los grandes hits de la música blaxploiter. Cinturón Negro (1974) es una perfecta excusa para rememorar las sesiones matinales de los desaparecidos cines de sesión continua.

BLACK BELT JONES (1974): BEACH & SOAP

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Wed, 21 Dec 2011 16:24:00 +0000

Dos buenas maneras de lucirse físicamente: adiestrando en la playa y repartiendo entre espuma.

Black Belt Jones (1974)

BLACK BELT JONES (1974): OPENING CREDITS

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Tue, 20 Dec 2011 11:16:00 +0000

Los títulos de crédito de Black Belt Jones (1974) sirven de presentación marcial al personaje de Jim Kelly acompañado musicalmente por el excelente tema de Dennis Coffey.

Lo podeis ver aquí.

THE BLACK SAMURAI (1977)

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Mon, 19 Dec 2011 10:09:00 +0000

Para Vincent Castro, El Samurai Argentino

El finado Al Adamson, impenitente perpetrador de todo tipo de despropósitos fílmicos, alistó en las filas de su particular imperio cinematográfico a Jim Kelly cuya trayectoria profesional iba bajando peldaños en lo presupuestario aunque al menos se mantenía como black action hero. El año en que apareció esta película es un momento en el que el mercado empezaba a pedír otras cosas. Hollywood y aledaños se habían cansado de dar coba al público y starsystem afroamericano y los restos del naufragio pululaban o encontraban su asiento en los drive-ins, grindhouses o sitios mucho peores en espera de la pequeña revolución que supuso el mercado del video. Sin embargo, este último aspecto no le sentó nada bien a ninguno de los implicados en este filme. Kelly & Adamson abandonarían las pantallas a comienzos de los 80, buscando nuevos pastos donde poder demostrar sus habilidades. El primero en el deporte profesional y el segundo en el mercado inmobiliario.

Ya comentamos al tratar la serie de novelas del Samurai Negro (escritas por Marc Olden) que la elegida a la hora de ser llevada a la pantalla, fue la más delirante y rocambolesca de todas ellas: The Warlock. En ella, un personaje poco frecuentable llamado Janicot, esconde su entramado criminal bajo las hechuras de la magia negra, el vudú y todo tipo de rituales heterodoxos. Para deleite de paladares poco exquisitos, el brujo lidera una banda de facinerosos ciertamente peculiar: Synne (una salvaje black woman), Chavez (un gangster hispano con un look a medio camino de Dali y Lee van Cleef), enanos luchadores, hombres-leon, karatecas uniformados de negro riguroso, serpientes...

El tal Janicot secuestra a Toki la hija de un diplomático oriental, la cual tuvo un romance con Robert Sand, nuestro samurai negro, y aunque el villano planea chantajes y demás truculencias, la desaparición de la chica es lo único que motiva al agente especial de D.R.A.G.O.N.

Aunque la trama daba para un filme de presupuesto medio-alto, Black Samurai (1977) se mueve en la escala monetaria más baja y utiliza los recursos habituales del cine de explotación. En este caso, aunque no lo parezca estamos ante una spy-movie de efecto internacional, en la que no faltan persecuciones con olor a asfalto y textura terrosa, algo de variedad geográfica (Hong Kong filmado al estilo cine guerrilla, Haiti y la costa (o)este aunque el espectador no sabe muy bien donde transcurre la acción), escenas de acción de andar por casa, un villano cuyos planes son más intuidos que mostrados, mugrientos delincuentes que reciben lo que se merecen y sobre todo, despliegue marcial a cargo de Jim Kelly que coreografía y realiza casi todas las escenas pelígrosas.

Al Adamson imprime su estilo cuartelero/desaliñado y la habitual arritmia narrativa que preside sus películas aunque aquí al menos se ve aderezada de detalles pintorescos francamente inexplicables. Sand se mueve constantemente pero sin motivo aparente ya que el cuarteado guión (?) juega al despiste constantemente (este aspecto sucede también en las mucho más ampulosas correrías de 007 y familia). Los villanos hablan por los "codos" y hacen muchas cosas pero la duración de los planos no lo justifica.

Para animar el tramo central, el "samurai negro" acude por tierra, mar y aire a un islote con el fin de buscar a la femina secuestrada (aunque de antemano sabemos que no está allí) y en su defecto, Sand se ejercita con unos cuantos hombres-león (que no sabemos muy bien que pintan allí) y un enano con latigo llamado Rheinhard cuya muerte es bastante ridícula.

Los flashbacks que reconstruyen el romance de Sand y Toki son de un infantilismo digno de Barrio Sesamo y la fiesta montada por Janicot (buitre incluido) a la que acude invitado Sand es de lo menos animado que se ha visto en pantalla (una exotic dancer provoca con sus repetidos movimientos la hilaridad del respetable). El apartado musical lo delego para una próxima entrada.

Lo mejor de la función transcurre en el tercio final: un absurdo ritual nocturno tan decorativo como inane da pie al posterior combate final en el cubil de Janicot (previa captura de nuestros héroes) donde la particular arquitectura escheriana del mismo anticipa sin pretenderlo la estructura de muchos videojuegos de lucha, sucediéndose combates de todo a cien, lo que permite moverse al gran Jim Kelly. Por otro lado, se tiene la sensación de que el villano de la función tiene alquilado el antro en el que habita (una hermosa villa de formas latinas): corre sin saber a donde ir y acaba escondido en las oscuras mazmorras donde encontrará su merecido final. Entetenimiento asegurado para sus largos ochenta y tantos minutos.

Black Samurai (1977) con sus evidentes torpezas es un clásico de eso que en USA llaman ultracrappy (por estos lares, cine basura), y una nueva demostración del tipo de comic movies que desplegó nuestro añorado Jim Kelly. El fim no fue producido por la compañía de Sam Sherman (productora habitual de Al Adamson), sino por la desconocida e invisible BJLJ International Corp. y junto a Kelly destaca la presencia de la neumática Marilyn Joi cuyos modelitos ocultan sus conocidas y ya retratadas curvas.

BLACK SAMURAI (1977): COVERS

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Sun, 18 Dec 2011 10:44:00 +0000

Defense Reserve Agency Guardian Of Nations

BLACK SAMURAI (1977): ROBERT SAND

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Sat, 17 Dec 2011 09:10:00 +0000

ROBERT SAND: AGENT FOR DRAGON

BLACK SAMURAI (1977): OPENING CREDITS

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Fri, 16 Dec 2011 13:34:00 +0000

NIGHTMARE IN WAX (1969): PICTURES

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Wed, 14 Dec 2011 13:21:00 +0000

NIGHTMARE IN WAX (1969)

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Sun, 11 Dec 2011 10:26:00 +0000

En la filmografía de ciertos actores, cuya obra con el tiempo va adquiriendo contornos extraños, extravagantes e incluso misteriosos, el cinefago curioso puede encontrar títulos cuanto menos peculiares. Cameron Mitchell es uno de esos casos. Un actor que trabajó con directores de la talla de Raoul Walsh, Sam Fuller, Andre de Toth, Mario Bava, Monte Hellman, Martin Ritt, y que pasa por ser uno de los rostros más reconocibles del cinema B a ambos lados del Atlántico.

Sobrio cuando tenía que serlo, excesivo cuando la película estaba por debajo de sus posibilidades, Mitchell es uno de esos actores que provocan empatía hagan lo que hagan. Su extensa filmografía superior a los 200 títulos, desarrollada en todos los continentes, en películas que ostentan todas las letras del abecedario presupuestario, abarcable en todo tipo de géneros, es rica en psicotronías y cult movies variadas. Como el caso que nos ocupa: Nightmare in Wax (1969).

Vincent Renard, un experto y reputado técnico en maquillaje cinematográfico, inicia una venganza contra el dueño de un estudio cinematográfico que le desfiguró y de paso contra algunas personas de la babilonia hollywoodiense. Su método: un museo de cera poblado por figuras humanas inmovilizadas por un fórmula de su invención.

Temática menor dentro del cine fantástico, los museos de cera siempre han conseguido retrotraer al espectador a épocas anteriores. En este caso, aunque se actualiza la historia e incluso la época, siempre parece chocar ese mundo grandguiñolesco y netamente pulp de los waxworks con otras atracciones contemporáneas más populares y reconfortantes. Sin llegar a las miserias circenses, un museo de cera en pleno Hollywood constituye sin pretenderlo un monumento sepulcral, al cual su protagonista va añadiendo nuevas adquisiciones.

Aparte de una eficaz distante e incluso divertida interpretación de Cameron Mitchell, su personaje y su venganza parecen pertenecer a otra período. Quizás conscientes de ello, los responsables del filme intentan animar la función con una trama detectivesca (Scott Brady que parece surgido de una producción B de los 40 investiga el caso) y alguna aparición de Renard en ambientes y guateques de colorido abiertamente pop. La truculencia en los efectos o el despliegue nudie están curiosamente ausentes.

Los mejores momentos del filme transcurren en la morada de Renard, ese laboratorio repleto de artilugios y figuras, donde el personaje traza sus maliciosos planes en pos de lograr su buscada justicia poética. Hay como no, un personaje femenino que en otro tiempo estuvo de su lado y que es el verdadero motivo de su desfiguración. Pero el halo dramático que desprende es más intuido que desarrollado.

Dirige Bud Townsend, director que tuvo sus mayores logros en películas eróticas como Alicia en el país de las pornomaravillas (1976), Coach (1978) o The Beach Girls (1982). Su estilo anodino y gris, incluso le sienta bien a una película como esta. En el fondo, el auténtico protagonista no es el museo, ni los asesinatos, ni una puesta en escena preciosista, ni una atmósfera malsana...sino Cameron Mitchell, auténtico one man show.

JOSEPH NAZEL BOOK COVERS

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Sat, 10 Dec 2011 11:08:00 +0000

Una selección de portadas de algunos de los libros del escritor afroamericano Joseph Nazel, al que ya tratamos hace unos meses con su serie sobre The Iceman. Acción, violencia racial, drogas, corrupción...un cocktail explosivo desafortunadamente inéditos por estos pastos.

"PORNO" PARA MATAR (1978)

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Sat, 03 Dec 2011 09:53:00 +0000

CUIDADO...¡NO APTO PARA SENSIBLES!

¿Sabía usted que existen en Norteamérica realizadores de cine pornográfico, capaces de ofrecer versiones de muertes auténticas en plena orgía...? ¿Ha oido usted hablar alguna vez de los "kiddie pornos" (pornografía de niños, literalmente)...? Tiene usted en sus manos un libro cuyo argumento hunde sus raices en la más atroz y vergonzosa lacra americana...¡Un relato-denuncia basado en un hecho real!

Divertida propaganda que acompaña a este bolsilibro de finales de los 70, dentro de la colección "Sexy Thriller" (chorretón de sangre incluido). Que nadie espere periodismo sensacionalista ni investigaciones de élite. Los puntos suspensivos de la promoción son desarrollados pero hasta cierto punto. Escabrosidades las justas. La censura funcionaba hasta hace muy poco. Y Bruguera es ante todo una casa "muy seria"...(ahora soy yo el que pone los puntos suspensivos).
Curtis Garland factura un pulp de evidente clasicismo noir en el argumento protagonizado por un boxeador con problemas (llamado Sonny) que conoce a una chica que muere en extrañas circunstancias y donde él, parece ser el único culpable. Logicamente nuestro protagonista que es un "tipo duro" intenta destapar el meollo y entre los descubrimientos varios se encuentra que la misteriosa víctima es la hija díscola de un potentado millonario. Y no cuento más.
Ambiente neoyorquino contemporáneo, tema mórbido para atraer a despistados y curiosos, sentimentalismo naif, segundas oportunidades, polis tocanarices, pornomafia metida en territorios snuff, y desenlace feliz para casi todos. Animado, distentido y de simpática lectura.

Garland contribuyó a esta colección con otros títulos impactantes: El asesino del sexo, la hembra y el fuego, Orgía sangrienta, Desnuda en la morgue, En carne viva o Morbosa telaraña. Y las portadas de todos los títulos tiene ese encanto putero de muchas publicaciones setenteras para adultos.

SANGRIENTO CARNAVAL (1983)

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Thu, 01 Dec 2011 10:40:00 +0000

Tardío bolsilibro, con buenos engranajes pero algo desilusionante en conjunto. Veamos. Ambientación contemporánea, concretamente una Nueva Orleans dos decadas antes del diluvio, y en pleno mardi gras. Una serie de asesinatos que siguen un patrón pero que mantienen a la policía algo confusa. Nuestra protagonista Yvonne, una joven de la calle que se encuentra de sopetón con el terror...y con un grupo chiripitiflaútico de artistas bohemios que la ayudan y la alojan en su morada. Los crímenes siguen y quizas el asesin@ se encuentre entre su circulo más cercano.
Curtis Garland tiene mejores relatos que el que nos ocupa pero al menos en Sangriento Carnaval hay un cambio espacio/temporal que es lo mejor del conjunto. El resto como siempre fluctua en la estimable creación de atmósferas (el ambiente carnavalesco es lo más destacable) y el tono naif en la representación del conjunto juvenil. Diálogos irregulares, momentos aislados de tenue misterio pero ciertamente logrados y una curiosa conexión con el giallo y sus sucedáneos. Menos es más es la norma pero aquí pesa demasiado el deja vu. Otra vez será.
*Curiosamente, en esa época Garland estaba publicando algunos de sus bolsilibros de ciencia ficción más recordados, entre ellos el reconocido Perseo.

LAS RATAS ESTAN LOCAS (1976)

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Sun, 27 Nov 2011 13:32:00 +0000

Regreso a Curtis Garland. En este caso con un bolsilibro más cercano a la ciencia ficción que al terror pero con un giro final que quizá sirvió a los editores para su inclusión en la colección Terror.
Dividido en dos partes bien diferenciadas: Monstruos Científicos y Ratas. Ambas podrían formar parte de un programa doble dado las diferencias entre ambas. La primera desarrolla la reunión de un grupo de personajes relacionados con la ciencia invitados a su aislada mansión por un misterioso personaje, Aristides Markiewicz, premio nobel de Química en el futuro cercano de 1986. Lo que parece ser una reunión aburrida de congresistas deseosos de descubrir la última novedad del enigmático científico esconde realmete un plan para conquistar la tierra utilizando a los roedores del título.
La segunda parte de la novela pone la amenaza en funcionamiento con millones de ratas controladas psiquicamente por los peones del mad doctor. Como héroe de la función, un periodista al que han invitado a la reunión inicial y que ejercera de improvisado investigador.
Un ameno bolsilibro, algo forzado en personajes (no falta la obligada femme fatale), soluciones y situaciones pero que se lee con agrado aunque vaya de más a menos. Prefiero el Garland decimonónico y de ambientación británica, pero Las Ratas están locas es un buen ejemplo de la ductilidad del escritor.
Selección Terror
Editorial Bruguera
Nº 181
Ilustración de cubierta: Desilo
96pgs

RRM: FLYERS

noreply@blogger.com (FERNANDO RODRIGUEZ) — Fri, 18 Nov 2011 09:28:00 +0000

Unos cuantos carteles de actuaciones de RRM para ir cerrando nuestro especial. Queda abierto para el futuro un comentario más extenso de las películas que protagonizó.