The Manager Experience

"Profondo rosso" di Dario Argento

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Tue, 28 Jun 2016 11:47:00 +0000

Aveva quasi trentacinque anni quando il maestro del brivido firmò il film che, di lì a poco, lo avrebbe consacrato nell’universo cinematografico mondiale. Il successo, sia di pubblico sia di critica, fu incredibile. Argento fu soprannominato l’Hitchcock italiano entrando, di diritto e in pochissimo tempo, nella stratosfera del Cinema mondiale.

Ladies and Gentlemen, per la regia di Dario Argento, “Profondo Rosso”.

Parlare di “Profondo Rosso” significa discutere di molte cose.

Significa, innanzitutto, parlare del giallo all’italiana per antonomasia. Significa parlare del film più famoso di Dario Argento. Significa parlare del monumento mondiale per eccellenza del genere thriller/horror. Significa, soprattutto, parlare dell’opera che ha segnato, all’interno del percorso artistico del maestro del brivido, il passaggio fondamentale tra la fase thriller, alla quale appartiene la trilogia degli animali (“L’uccello dalle piume di cristallo”, “Il gatto a nove code”, “4 mosche di velluto grigio”), e quella puramente horror cominciata con quel Capolavoro artistico che prende il nome di “Suspiria”.

È, stilisticamente, un film “di passaggio”, ed essendo tale riesce ad essere meravigliosamente unico e perfettamente dualista in ogni sua singola sfaccettatura. Il maestro del brivido dirige un film con due anime ben distinte che s’incastrano, si alternano e si fondono in maniera magistrale, proprio come lo yin e lo yang: c’è l’horror e c’è il thriller; c’è il rock progressive (i Goblin) e c’è il jazz (Giorgio Gaslini); c’è il protagonista Marc e c’è il suo miglior amico Carlo, con la loro visione dell’arte diametralmente opposta; c’è eleganza e raffinatezza, ma c’è anche il marcio e lo sporco; c’è il fantastico (la medium, i fantasmi della villa) e c’è l’orrore tangibile, fisico e terreno legato ad un contesto realistico.

Con “Profondo rosso”, Argento è alla piena maturità registica ed è perfettamente conscio del proprio smisurato talento. Usa la macchina da presa in maniera indiscutibilmente perfetta, alternando delle artistiche inquadrature fisse a movimenti di macchina incredibilmente eleganti con un montaggio a dir poco meraviglioso.

Le scene degli omicidi sono incredibili, uniche e particolari. Non seguono e non vogliono seguire una logica realistica vivendo in una dimensione propria, tanto macabra quanto splendida. Lo svolgimento è irreale con questa lunghissima preparazione a quello che sarà l’omicidio vero e proprio, grazie ad un montaggio, man mano sempre più serrato, e a un accompagnamento musicale che aumentano la tensione in maniera lenta ma inesorabilmente costante fino ad arrivare al climax, all’omicidio, al festival della ferocia: splatter, sangue, gore e cattiveria allo stato puro.

Argento, riprendendo lo stile dilatato dei duelli western leoniani, aggiunge arte all’omicidio e Refn prende minuziosi appunti che userà diligentemente nelle sue future opere.

La messa in scena in ogni singolo dettaglio è PERFETTA.

È talmente perfetta che riesce a distogliere l’attenzione dello spettatore sia da cose che non tornano per pura scelta registica (il bagno lercio nel magnifico teatro dove la medium tiene il congresso di parapsicologia), sia dalla “soluzione del caso” che il regista mette di fronte agli occhi di tutti. Come ne “L’uccello dalle piume di cristallo” Argento mette la soluzione in una manciata di frame rendendola un qualcosa di puramente visivo, in netta contrapposizione ai classici gialli alla Agatha Christie.

La storia e la risoluzione del mistero gira proprio intorno a questi pochissimi frame.

Marc sa di aver visto qualcosa d’importante eppure non riesce a ricordarlo. Argento la mette quasi sul piano meta-cinematografico: Marc non è altro che lo spettatore che per mezzo secondo “ha visto qualcosa di talmente importante da non rendersene conto” e che per tutto l’intero film cerca in tutti i modi di ricordare, tanto da diventare una vera e propria sfida… vitale.

Marc (David Hemmings), il protagonista, è un londinese, pianista jazz, che vive in Italia da diversi anni insegnando al conservatorio. Lui, che considera il genere maschile quello forte e predominante, è una persona impaurita e principalmente introversa, a differenza della controparte femminile Gianna (Daria Nicolodi), una giornalista determinata, estroversa e piena di spirito che va in giro con una simpatica 500 scassata.

Sono loro due i veri detective giacché Argento aggiunge quella sua flebile ed immancabile ironia scrivendo un commissario-macchietta, con al seguito un corpo di polizia che assomiglia ad una banda di smandrappati, cui non interessa minimamente cercare delle prove per chiudere definitivamente il caso.

Tutto questo grandissimo comparto registico, di messa in scena e di semplice ma ben fatta scrittura dei personaggi è ulteriormente elevato dai superbi effetti speciali, cui mise mano il grandissimo Carlo Rambaldi, e dalla famosissima colonna sonora firmata dai Goblin e da Giorgio Gaslini.

E proprio riguardo al sonoro, Argento fa qualcosa di sensazionale.

Il maestro del brivido inventa un sottogenere che diventerà il suo marchio di fabbrica: il thriller assordante.

Le sonorità progressive dei Goblin, che picchiano costantemente sui timpani, unite al montaggio sempre più volutamente frenetico entrano in perfetta sintonia, generando un microgenere del thrilling davvero interessante ed incredibilmente accattivante, che verrà completamente sviluppato e portato al suo picco massimo nella sua opera successiva, “Suspiria”.

Dario Argento prende i suoi primi tre thriller, li eleva al massimo, li unisce, aggiunge un pizzico di gore e crea, oltre che un Capolavoro del genere e un monumento del cinema mondiale, un geniale trait d’union tra il classico thriller argentiano e l’horror più folle e schizzato.

"The Neon Demon" di Nicolas Winding Refn

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Wed, 15 Jun 2016 11:20:00 +0000

“Beauty isn’t everything. It’s the only thing.”

“La bellezza non è tutto. È l’unica cosa”.

Una delle frasi più potenti e che più caratterizzano l’ultima opera di Nicolas Winding Refn. Il mondo della moda, a un livello particolarmente elevato, è malato, talmente malato da fagocitare qualsiasi cosa gli si pari davanti... anche un essere candido e puro come la protagonista dell’ultimo film del regista danese.

Ladies and Gentlemen, per la regia di Nicolas Winding Refn, “The Neon Demon”.

Cosa potrebbe accadere se alcune donne, belle ma talmente finte da renderle quasi dei cyborg, e che, inoltre, si trovano alla fine del percorso della loro bellezza, ne incontrano una più giovane e dalla bellezza purissima? È questa la domanda che il regista ci vuole porre descrivendo, con il suo taglio inconfondibile, un mondo allucinante, straniante, alienante e particolarmente malato come quello dell’alta moda losangelina.

A Refn non interessa diventare il volto del cinema commerciale europeo, anzi, questa prospettiva lo sconvolge, esattamente come successe dopo il grandissimo successo di “Drive”. Decide, quindi, di sbattersene e di mettere in scena, prima, una revenge-story ermetica e implicita come quella raccontata in “SoloDio perdona” e poi, mutare ulteriormente dirigendo una specie di teen horror movie sulla bellezza e sull’ossessione della bellezza come “The Neon Demon”.
Il risultato, a livello di critica, è il medesimo: fischi tanto assordanti, quanto immeritati, al festival di Cannes. Obiettivo riuscito per l’occhialuto regista danese.
“È lui la reazione”.

Refn sposta, completamente, la sua attenzione: il ruolo trasversale, affidato sempre a delle affascinanti e perverse donne, in questo film viene dato ai personaggi maschili di un Keanu Reeves particolarmente badass, di un Desmond Harrington freddo e distaccato e di un Alessandro Nivola insensibile alla, ormai, consueta bellezza finta e costruita che gira a Los Angeles; si passa dagli uomini, come fulcro della storia, a delle donne, delle giovanissime e bellissime donne come punto focale; dalla vendetta, si passa al cannibalismo mentale e conseguentemente fisico; dalla morbosità eterosessuale maschile, si passa ad una morbosità omosessuale, esclusivamente femminile, che finisce per declinare nella necrofilia.

Refn gioca. Refn gioca con gli opposti:
Impurità – Purità;
Oscurità – Luminosità;
Corruzione – Verginità.

Jessie (interpretata da una bellissima e virginale Elle Fanning), incarna perfettamente l’ingenuità in tutte le sue sfaccettature. Jessie non ha alcun talento particolare, ma piace a tutti. Jessie è vergine. Jessie ha sedici anni ma deve mentire dicendo di averne diciannove, “perché diciotto darebbe troppo nell’occhio”. Jessie è luce, Jessie è carne fresca, Jessie è il sangue nuovo che eccita il mondo dell’alta moda di Los Angeles. Una Los Angeles vuota, scarna, minimalista e tutta da riempire (un po’ come tutto il film), ma soprattutto una Los Angeles corrotta. È corrotta, proprio come le tre ragazze che circondano la vita di Jessie fin dal primo istante in cui mette piede sul terreno della metropoli californiana. L’ossessione primordiale che queste ragazze (interpretate da Jena Malone, Bella Heathcote e Abbey Lee) hanno nei suoi confronti, che sia pulsione sessuale, invidia o paura, è incredibilmente raggelante. Ognuna di queste ragazze vedrà i propri sogni, le proprie passioni e i propri desideri infrangersi in mille pezzi, mentre la biondina proveniente da una piccola cittadina della Georgia, pura ed ingenua, scalerà le gerarchie in pochissimo tempo, corrompendo, in questo modo, quella bellissima e brillante luce che aveva portato con sé a Los Angeles.

“The Neon Demon” lancia un messaggio duro, crudo e cattivo, con una messa in scena assolutamente particolare: un dramma scandito con dei ritmi da horror e con un finale, amarissimo, che è un pugno allo stomaco. Diretto con un’estrema lucidità e chiarezza, Refn rende questo film ai limiti del blasfemo, il tutto caratterizzato da due elementi incredibilmente ispirati che trasformano questo film in un'esperienza audiovisiva: la fotografia e la colonna sonora.

La fotografia, che attinge a piene mani a quella di “Suspiria”, e in parte minore ad "Inferno", di Argento (cui Refn si è ispirato non solo a livello visivo), con dei fortissimi contrasti tra questi neon spraflashati rossi e blu che danno alla pellicola un tocco di neopsichedelia in un mondo iper-minimalista, contemplativo e carico di simbolismi forti e intensi.

La colonna sonora, invece, è davvero un pezzo da novanta.
Ormai, Martinez sta diventando per Refn, quello che Badalamenti è per Lynch: FONDAMENTALE per lo stile e la poetica del regista.
Sonorità che spaziano dalla disco music anni ’70 ad altre che ricordano il sound of the future del nostro Giorgio Moroder, passando per dei beat più techno fino a giungere ai titoli di coda (tra l’altro bellissimi) accompagnati dal pezzo synthpop “Waving Goodbye” dell’australiana Sia.
Un tourbillon audiovisivo dal glamour particolarmente spiccato, in pieno contrasto con la durezza e la crudezza di questa Los Angeles silenziosa e pungente.

Un po’ come il nostro Sorrentino, Nicolas Winding Refn sta diventando un regista-icona (non è stato messo a caso il marchio NWR a inizio film) costruendo delle opere che hanno un loro assetto estetico e stilistico ben preciso. Refn confeziona un film difficile, molto difficile che, quasi sicuramente, ai più non piacerà, ma che oggettivamente è una pellicola di altissimo spessore dove il livello artistico di Refn raggiunge il suo picco massimo e dove il messaggio lanciato s’insinua nelle menti degli spettatori come un felino affamato di carne fresca.

"Solo Dio perdona" di Nicolas Winding Refn

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Fri, 10 Jun 2016 11:00:00 +0000

La violenza e Nicolas Winding Refn.

Una storia d’amore con un legame incredibilmente profondo.

L’occhialuto regista danese riesce a dirigere la violenza con un’eleganza sopraffina, ma soprattutto riesce a dirigerla in tantissimi modi diversi: la racconta tramite dei pusher danesi nella trilogia cult, omonima; la racconta tramite un personaggio fuori dalle righe come Charles Bronson; la può raccontare con delle atmosfere noir romanzate come fatto in “Drive”.

Nel 2013 Refn decide di raccontare la violenza in un modo più implicito… e gli snob di Cannes, a fine visione, criticarono pesantemente il regista con dei fischi tanto assordanti quanto immeritati.

Ladies and Gentlemen, per la regia di Nicolas Winding Refn, “Solo Dio perdona”.

Refn se ne frega di tutto e di tutti e, dopo il successo di critica (proprio a Cannes due anni prima) e di pubblico, decide di fare qualcosa di completamente diverso prendendo tutte le idee più intriganti nelle sue precendenti opere, sviluppandole e trasformandole in un’idea puramente underground.

Se in “Bronson”, la violenza è il veicolo che usa per giungere all’arte, qui, in “Solo Dio perdona”, Refn prende la violenza e la tratta come un’arte con delle regole proprie e cinematograficamente anticonvenzionali.

Estremizza all’inverosimile le scelte stilistiche che c’erano in “Drive” e prosciuga la narrazione e i dialoghi in maniera ancor più radicale di quanto già fatto in “Valhalla Rising”.

Refn cambia completamente prospettiva e sceglie di intraprendere la strada di un cinema che vive in un suo mondo ben preciso e che va aldilà del bene e del male, dirigendo un film che se ne sbatte delle idee esplicative del mondo del cinema mainstream (soprattutto Hollywoodiano) mettendo in scena una storia di vendetta puramente implicita ed incredibilmente ermetica: la recitazione degli attori e, specialmente di uno degli attori più in voga del momento come Ryan Gosling, costretto a comunicare esclusivamente con il corpo, con una o massimo due espressioni facciali; l’incredibile simbolismo, il tutto appesantito da diversi riferimenti alla psicanalisi (la scena in cui il personaggio di Gosling lacera l’addome della madre e inserisce la mano nel profondo taglio è di una potenza evocativa pazzesca); l’ossessivo gioco di luci (già intravisto nella seconda e, purtroppo, sconclusionata parte di “Fear X”), che immerge tutto il revenge-movie con dei continui e fortissimi contrasti rendendo la pellicola quasi un quadro in movimento impressionista; la colonna sonora, composta da Cliff Martinez, è incredibilmente azzeccata con queste sonorità dark-ambient che raggiungono il picco massimo con il pezzo “Wanna fight”, che accompagna una delle scene d’azione meno spettacolari di sempre, ma, paradossalmente, una delle più artistiche di sempre.

Capisco che, specialmente dopo il grande successo di “Drive”, gran parte del pubblico si aspettava un suo seguito ideologico, mentre il regista ha scelto tutt'altra strada, realizzando un film fatto di pochi dialoghi e di molti, moltissimi sguardi.

Non è un film facile e di diretta lettura, anzi, è un film molto crudo e difficilmente fruibile nella sua ingegnosa ricercatezza ma d’impatto artistico incredibilmente notevole che rende la violenza, un’arte meravigliosamente contemplativa.

“Chi si aspetta un film di facile visione che eviti pure il mio cinema. O con me o contro di me.” – Nicolas Winding Refn

"The Tree of Life" di Terrence Malick

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Wed, 25 May 2016 11:36:00 +0000

Parlare di un Capolavoro è sempre un compito arduo e difficile. Non si sa mai da dove iniziare, cosa dire e soprattutto si ha sempre il costante timore di dimenticarsi qualcosa. Già il fatto di introdurre questa pellicola come un “semplice” Capolavoro è, fondamentalmente, sbagliato perché in realtà stiamo parlando di un’esperienza… incredibilmente unica e semplicemente meravigliosa.

Ladies and Gentlemen, per la regia di Terrence Malick, “The Tree of Life”.

Nel 2011, dopo un’attesa di quasi due anni (la sua uscita era inizialmente prevista nel 2009) Terrence Malick, ormai arrivato alla sua quinta opera cinematografica, con una piena coscienza di sé e delle proprie capacità registiche esce nelle sale con il suo “The Tree of Life”. La pellicola in questione è probabilmente, a livello stilistico, il punto più alto della sua breve ma intensissima carriera perché ogni singola sfaccettatura di Malick è visibilmente tangibile in ogni singolo frame… o forse, sarebbe meglio dire “quadro”.

In tanti si chiederanno di cosa parli questo film e le risposte possono essere molteplici e tutte ugualmente valide e corrette: la storia di una famiglia che, purtroppo, ha dovuto fare i conti con un gravissimo lutto; il conflittuale rapporto tra un figlio ed un padre; il meraviglioso rapporto d’amore tra un figlio ed una madre; la differenza tra “Natura” e “Grazia” e il complicato rapporto tra i due stili d’esistenza; la storia della nascita dell’Universo; la storia di Dio, del Creato e del suo modo di operare nella vita quotidiana dei suoi figli.

Tutto il film è, realmente, un grandissimo, gigantesco, robustissimo, plurimillenario Albero della Vita con molteplici rami e radici, proprio come le risposte a questo meraviglioso quadro in movimento.

Malick attinge al Capolavoro, senza tempo, Kubrickiano “2001: Odissea nello Spazio” e si nota non solo da determinate inquadrature scelte, ma anche dai meravigliosi viaggi nello spazio siderale, dove il regista ci trasporta nella prima parte del film. Vedere la nascita dell’Universo, così come lo conosciamo, con un incredibile flashback di miliardi di anni, il tutto accompagnato da questa colonna sonora così evocativa, è, letteralmente, da brividi.

E poi dal macro-cosmo (l’Universo), Malick decide di fare un perfetto parallelismo con un micro-cosmo (la Famiglia) raccontando, senza dare alcuna spiegazione ma facendo parlare le immagini e le sue caratteristiche voci fuori campo, che anche una cosa infinitamente piccola rispetto alla Creazione ha tanti di quegli ostacoli, di quelle difficoltà, di quei misteri e di quelle gioie che, paradossalmente, possono essere messi sullo stesso piano trasformando, in questo modo, un “semplice” film in un’esperienza che ogni spettatore può fare, sia che esso sia un non-credente sia che esso sia un credente.

Una pellicola "assoluta", girata con una maestria tale da poter esser paragonata al Capolavoro di “2001”: in entrambi i casi, ogni singola inquadratura è poesia allo stato puro; entrambi inseriscono una vicenda umana particolare all’interno dell’infinito affresco dell’evoluzione dell'Universo; entrambi si giovano di una fotografia e un impatto visivo gigantesco accompagnati da un commento musicale particolarmente accurato ed evocativo (“Lacrimosa” di Zbigniew Preisner è SUBLIME); entrambi si caratterizzano per la prevalenza della suggestione visiva e sonora rispetto a dialoghi e trama.

Eppure c’è una differenza sostanziale che definisce questa pellicola, l’altra faccia della stessa medaglia di “2001: Odissea nello Spazio”.

Mentre l'opera di Kubrick appare concentrata sull'aspetto dell’evoluzione tecnologica, in una prospettiva puramente nichilista, il film di Malick è prevalentemente incentrato sulla dimensione delle emozioni lasciando nel cuore dello spettatore molte più speranze e, soprattutto, lasciando aperta la porta della metafisica.

Altro tema evidente e centrale del film è il complesso di Edipo, con il legame quasi simbiotico tra Jack e la madre e il fortissimo contrasto con il padre, tanto da spingerlo a pregarne la morte. Per Jack, le due figure genitoriali rappresentano i due poli della Vita. Da un lato c’è quella secondo la “Natura” (il padre) e dall’altro quella secondo la “Grazia” (la madre). La prima è una Vita dedita alla sopravvivenza e all’ambizione materiale, l’altra dedita ai sentimenti e all’Amore disinteressato. Il padre vuole far capire ai figli che le maniere forti sono le uniche soluzioni per andare avanti e per avere un posto di rilievo in un mondo cattivo e senza scrupoli, mentre la madre cerca di insegnare a vivere ogni momento della vita quotidiana cogliendo, il più possibile, la bellezza di ogni singolo attimo.

Per tutta la durata del film si cerca una riconciliazione tra le due concezioni di vedere l’Esistenza e che avviene, solamente, nella seconda parte della pellicola: il padre, dopo essersi scontrato con il macigno del lutto, ammette a Jack di aver sbagliato, nella sua vita, a disprezzare sempre la Bellezza, sedotto dalla ricerca della soddisfazione puramente materiale, desiderando costantemente di essere amato perché uomo importante, invece che vivere lo splendore che la Vita riserba.

E poi c’è il finale… onirico, elegantissimo, sontuoso, contemplativo ed evocativo, come tutto il cinema di Malick.

La completa armonizzazione di tutto il Creato e di tutte le varie individualità che compongono il Creato stesso. C’è la riconciliazione della “Natura” del padre con la “Grazia” della madre, c’è la riconciliazione interna di Jack con l’elaborazione del lutto del fratello e c’è la riconciliazione tra Natura e Tecnologia, simboleggiate proprio dalle tre immagini nella sequenza finale della pellicola: i girasoli nel silenzio che citano Van Gogh, le vetrate dei grattacieli di Houston che riflettono il cielo e un ponte che proietta lo spettatore verso questo tramonto pieno di luce e speranza.

E prima dei titoli di coda arriva un’ultima immagine: una “semplice” fiammella che però, può essere interpretata in infiniti modi diversi, proprio com’è infinito l’Universo che ci circonda. Meraviglioso, spettacolare, introspettivo, poetico, sublime.

“The Tree of Life” verrà ricordato negli anni a venire come qualcosa di difficilmente avvicinabile, cinematograficamente parlando e non. Dirigere un film su Dio, sul Creato e su ogni singola individualità che abitano questo meraviglioso Universo non è semplice, eppure Malick lo ha fatto nel miglior modo possibile con il suo stile che si lega in maniera divina ad una narrazione di tale portata.

“The Tree of Life” è un film MONUMENTALE e Terrence Malick è un regista VITALE.

Cannes 2016 - I vincitori della 69ª edizione

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Sun, 22 May 2016 23:16:00 +0000

Ecco qui la lista completa dei vincitori della 69ª edizione del festival di Cannes:

MIGLIOR CORTOMETRAGGIO – PREMIO SPECIALE DELLA GIURIA

“A Moça Que Dançou com o Diabo” di Joao Paulo Miranda Maria

MIGLIOR CORTOMETRAGGIO – PALMA D'ORO

“Timecode” di Juanjo Gimenez

CAMERA D'OR (miglior opera prima)

“Divines” di Houda Benyamina

PALMA D'ONORE

Jean-Pierre Léaud

MIGLIOR SCENEGGIATURA

Asghar Farhadi per “Forushande / The Salesman”

MIGLIOR ATTRICE

Jaclyn Jose per “Ma’ Rosa”

PREMIO DELLA GIURIA

“American Honey” di Andrea Arnold

MIGLIOR ATTORE

Shahab Hosseini per “Forushande / The Salesman”

MIGLIOR REGISTA

Cristian Mungiu per “Bacalaureat / Graduation” EX AEQUO Olivier Assayas per “Personal Shopper”

GRAND PRIX

“Juste la Fin du Monde” di Xavier Dolan

PALMA D'ORO

“I, Daniel Blake” di Ken Loach

"Bone Tomahawk" di S. Craig Zahler

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Fri, 20 May 2016 11:59:00 +0000

A quanto pare il Western è tornato alla ribalta. Quentin Tarantino è riuscito nell’impresa di far tornare nelle sale cinematografiche un genere ormai morto e sepolto da anni. Ennesimo esempio del fatto che il caro Tarantino non è uno che segue le mode ma le fa tornare dall’oltretomba più nuove che mai.

Ladies and Gentlemen, per la regia di S. Craig Zahler, “Bone Tomahawk”.

Come dicevo, il caro Quentin è riuscito a far risorgere un genere che aveva, praticamente, detto tutto e che già al tempo si era riciclato dando nuova linfa al genere, grazie a Leone con lo “Spaghetti-Western”. Se una decina di anni fa Tarantino era riuscito, in parte, a portare in occidente la cultura dei film orientali, possiamo affermare che, ora, sia riuscito a riportare in auge anche il Western.

Dopo quei due mezzi capolavori di Tarantino, un regista sconosciuto come S. Craig Zahler, alla sua opera prima, decide di intraprendere una strada tortuosa e complicata dirigendo proprio un western.

L’idea alla base è molto interessante: un western puro al 100% (e non un thriller con ambientazioni western alla “The Hateful Eight”) con delle tinte horror alla “Cannibal Holocaust”.

La macchina da presa viene usata bene da Zahler, specialmente in campo aperto dove riesce a dare un tocco davvero molto elegante con delle inquadrature a queste vallate sterminate e questi canyon impervi che accompagnano i protagonisti della storia per gran parte del film.

Quattro personaggi interessanti, misteriosi, che il regista riesce a farceli inquadrare abbastanza velocemente presentandoceli in una 20ina di minuti.

Abbiamo il fu’ Boia di “The Hateful Eight”, Kurt Russel, che qui invece è lo sceriffo di questa cittadina molto polverosa dal nome speranzoso Bright Hope; poi c’è il suo vice, interpretato da un bravissimo Richard Jenkins, un po’ svitato con qualche anno sul groppone; c’è un misteriosissimo pistolero caratterizzato da quest’aplomb british, interpretato dal buon Matthew Fox, che ricorderemo nei panni di Jack Shephard sull’isolapiù amata del mondo; e per finire c’è Patrick Wilson, che qualche anno fa andava a fare il “ghostbuster” più professionale insieme a sua moglie, e soprattutto con delle tinte molto più dark e meno comedy in “The Conjuring” e che qui interpreta il marito, zoppo, di una donna rapita da questa tribù indiana dedita al cannibalismo.

Con questi quattro personaggi così variegati è difficile sbagliare il colpo in canna, ed infatti Zahler non l’ha fatto... però avrebbe potuto fare meglio.

Belle le inquadrature panoramiche di queste vallate e di questi sontuosissimi canyon che diventeranno fin da subito i compagni silenziosi dei quattro sparvieri.

Carina la fotografia con pochissima saturazione e, in alcuni casi, forse molto, troppo, pulita per il tipo di film che è stato girato, con tutta questa polvere, questa terra arida, e questo sangue, soprattutto nel finale pulp.

Molto meno bene il timing. Un film di due ore che se fosse stato tagliato di una mezz’oretta avrebbe guadagnato almeno un voto in più. A metà film ci sono state scene troppo lente, troppo dilatate che annoiano a dismisura aggiungendo poco o nulla alla pellicola, facendo scendere il ritmo in maniera impressionante molto più del dovuto.

Ed è, alla fine, questo il vero ed unico neo della pellicola, che però si sente molto nell’economia generale del film: la dilatazione inutile e superflua del tempo. Peccato perché la suspence, in generale e soprattutto nel finale, c’è ed è dosata veramente bene, come anche lo stesso gore che non è per niente eccessivo e gratuito ma ben giustificato ed i cannibali tutti impolverati, sporchi, selvaggi, sono rappresentati assolutamente bene.

Un film che comunque sia consiglio, soprattutto agli amanti del genere, ma che con qualche accortezza in più sarebbe potuto diventare una piccola perla e non un film che molto probabilmente ci scorderemo in tempi molto brevi se non per qualche piccola trovata.

"Il Racconto dei Racconti - Tale of Tales" di Matteo Garrone

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Fri, 13 May 2016 12:00:00 +0000

Mi sembrava più che doveroso fare una piccola rubrica a puntate a proposito dell'incredibile e inaspettata rinascita cinematografica che sta avvenendo in Italia, ed è per questo che dopo aver ampliamente parlato del cinecomic nostrano, “Lo chiamavano Jeeg Robot”, e aver analizzato il film più duro di questo ricco periodo, ovvero “Non essere cattivo”, è giunto il momento di parlare del terzo film italiano che oltre ad aver sbancato i David di Donatello, insieme al film di Mainetti, è diventato una piccola perla del genere… fantasy!

Ladies and Gentlemen, per la regia di Matteo Garrone, “Il Racconto dei Racconti – Tale of Tales”.

Si diceva che non era nel DNA del nostro cinema il genere fantasy, così come si diceva anche del cinecomic, eppure Matteo Garrone, così come Gabriele Mainetti, ha deciso di andare contro corrente (e già solo per questo è un grande) decidendo di dirigere proprio un fantasy, e più precisamente quello più fiabesco: il fantasy con ambientazioni medievali.

Garrone prende spunto da 3 fiabe (“La Cerva fatata”, “La Pulce”, “La vecchia scorticata”) che compongono parte della raccolta di fiabe “Lo cunto de li cunti” di Giambattista Basile pubblicata postuma tra il 1634 e il 1636.

Non è un caso, infatti, che Garrone crea una struttura, fondamentalmente, ad episodi, narrando tre storyline ben differenti che per tutto il film si svilupperanno in maniera alternata, dando, quindi, uno stile più dinamico, e che si ricongiungeranno solamente nel finale di pellicola.

Il punto veramente forte del film è la crescita, esponenziale, di ogni storyline. Si ha, ogni volta che c’è uno stacco da una storyline all’altra, una voglia matta di sapere come va a finire quel determinato episodio, perché è vero che stiamo parlando di semplici fiabe, ma sono sviluppate talmente bene che cresce nello spettatore una voglia ai limiti della morbosità di sapere come va a finire quella storyline.

Il comparto tecnico è incredibile.

La regia funziona alla grande.

La scelta di dare al film quasi nessun filtro fotografico ma usando, spesso, la luce effettiva di scena è azzeccatissima.

Le scenografie sono meravigliose e tutte reali (il castello di Altomonte è il Castel del Monte che si trova ad Andria, in Puglia).

La computer grafica viene usata con parsimonia e quando succede è mixata perfettamente con l’ambientazione circostante.

I costumi usati sono MERAVIGLIOSI!

Il cast è eccellente: Salma Hayek, Vincent Cassell, Toby Jones e John C. Really, tutti insieme appassionatamente, in un film italiano. Non si poteva chiedere di meglio.

È un fantasy molto particolare che si discosta di molto dai fantasy epici come “Il Signore degli Anelli” o “Narnia”, e per questo motivo ad alcuni spettatori potrebbe non piacere. Non ci sono scontri giganteschi, non ci sono viaggi incredibilmente epici. Sono semplicemente tre piccole storie ambientate in un mondo medievale dove la magia c’è ma non è iper presente, anzi, è molto ben nascosta pur permeando ogni singolo frame del film.

Sono tre storie, delicate perché hanno una struttura che ricordano le fiabe, ma non sono per niente delicate per i toni utilizzati. Ed infatti, troviamo la violenza, lo splatter, l’horror, il sesso. Sono tre storie, popolari, dove appunto non ci sono spiegoni giganteschi. Quello che si vede sullo schermo sono le passioni, le ambizioni, le volontà dei personaggi nella maniera più veritiera possibile e senza alcun filtro. È proprio per questo motivo che sembra un fantasy più terreno e meno... fantastico.

Garrone fa un po’ quello che ha fatto Mainetti, con proporzioni diverse. Ha preso un genere non tipicamente italiano e l’ha fatto diventare tale. La scelta di usare delle fiabe popolari Campane invece dell’epic fantasy Norreno è una scelta più che azzeccata.

Come Mainetti, Garrone osa, con mezzi economici, alle spalle, maggiori, e stupisce.

“Il Racconto dei Racconti”, come la sua controparte Mainettiana, conquista 7 David ed entra di diritto nella stratosfera del cinema italiano. La rinascita continua, anche e soprattutto, rivoluzionando i preconcetti del cinema nostrano.

"Non essere cattivo" di Claudio Caligari

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Wed, 04 May 2016 11:59:00 +0000

Se “Lo chiamavano Jeeg Robot” è stato il mattatore incontrastato della serata dei 60° David di Donatello con i suoi 7 premi, non si può dire lo stesso per il film postumo di Claudio Caligari conquistando solamente un premio, e neanche troppo di rilievo (Miglior fonico in presa diretta). Nonostante ciò, il film di cui parlerò oggi è probabilmente il film più duro, devastante e nauseante di questa meravigliosa rinascita della cinematografia nostrana.

Ladies and Gentlemen, per la regia di Claudio Caligari, “Non essere cattivo”.

Ostia, 1995. Il film si apre con un gelato (citazione molto carina al primo film del regista piemontese, “Amore tossico”) e due amici d’infanzia: Cesare, interpretato dall’ormai più che consolidato ed incredibile Luca Marinelli (sì, sono diventato un suo fan sfegatato), e Vittorio, interpretato da un bravissimo Alessandro Borghi (“Suburra”). La realtà dove ci troviamo è quella di una borgata dove delinquenza, crimine e droga è all’ordine del giorno. Questi due ragazzi, insieme ad altri quattro sempre del litorale romano sono ragazzi che il caro Caligari chiama “ragazzi di vita”, sopravvivono in questa realtà con piccole truffe, piccoli crimini e piccoli spacci di cocaina ed altre droghe sintetiche, che a quei tempi erano particolarmente in voga.

Non è un film facilmente digeribile. Non è un film buonista. È un film duro, crudo e che narra i fatti nella maniera più veritiera possibile.

In “Amore tossico”, Caligari ha un cast di attori non professionisti ma ragazzi presi per la strada e realmente dipendenti dall’eroina; con “L’odore della notte”, con un cast, questa volta, di attori professionisti come Giorgio Tirabassi, viene raccontata una storia di criminalità di una banda che ricorda la “Banda dell’arancia meccanica”; mentre qui, in “Non essere cattivo”, che conclude questa trilogia ideale, il regista unisce le due tematiche dei precedenti film, aggiungendo i drammi familiari rispettivi ai due protagonisti.

Vittorio, che cerca in ogni modo di mettere la testa apposto, ha una compagna assennata, ragazza-madre di un figlio adolescente, mentre Cesare, quello più sregolato ed iracondo dei due, è un tossico che odia e schifa gli altri tossici, vive con la madre e con la nipotina, purtroppo affetta da AIDS trasmessale dalla madre, ormai defunta.

Questi due protagonisti, borgatari, tossicodipendenti, alcolizzati, sono in realtà due anime fragili e figli delle condizioni degradanti di queste borgate, legati l’uno all’altro da un’indissolubile amicizia che li accompagna da quando erano due ragazzini fino al finale del film, incredibilmente triste, commovente ma con un piccolo barlume di speranza.

Film semplice ma con una messa in scena incredibilmente efficace. La nausea che trasmette il film in ogni singolo secondo, il disgusto in determinate scene, la tristezza e la dolcezza di alcune inquadrature accompagnate da una fotografia spettacolare e da una prova magistrale degli attori è palpabile. Non esagero dicendo che alcune scene e alcune frasi sono dei pugni allo stomaco devastanti.

È un film che non si può non apprezzare ma che in fondo non si può e non si potrà mai amare, perché è un film che colpisce troppo l’anima, stringe troppo lo stomaco in una morsa dolorosa e fa scendere sulle guance delle lacrime amare come poche altre pellicole riescono a fare.

La rinascita del cinema italiano passa, e deve passare, anche da questi film tosti e crudi come questo qui che raccontano il lato oscuro del nostro paese.

"Lo chiamavano Jeeg Robot" di Gabriele Mainetti

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Thu, 28 Apr 2016 12:00:00 +0000

FINALMENTE IL CINEMA ITALIANO E’ RESUSCITATO!

Mai come quest’anno il cinema di genere è tornato alla ribalta nel Bel Paese grazie a film come “Veloce come il vento” di Matteo Rovere o al vincitore dei David di Donatello “Perfetti sconosciuti” di Paolo Genovese. Ma se c’è un film che ha davvero fatto il botto, e non solo ai David (7 premi signori!), ma che possiamo davvero considerarlo il manifesto della rinascita effettiva, è proprio il film di cui parlerò quest’oggi.

Ladies and gentlemen, per la regia di Gabriele Mainetti, “Lo chiamavano Jeeg Robot”.

“Finalmente!” E’ la prima cosa, sinceramente liberatoria, che ho pensato quando sono uscito dalla sala cinematografica per vedere “Lo chiamavano Jeeg Robot”.

Finalmente, in Italia, abbiamo deciso di osare e, soprattutto, con un risultato grandioso e non mediocre come “Il ragazzo invisibile”.

Gabriele Mainetti ha fatto delle scelte incredibili decidendo di fare una specie di Drama/Gangster-movie che mi ha ricordato “Léon” di Luc Besson ibridandolo alla commedia e infilandoci dentro i super-poteri da cinecomics hollywoodiani.

Il risultato è INCREDIBILE: il miglior mix di generi degli ultimi anni e probabilmente il migliore che si sia mai visto nel cinema italiano.

La scelta di dare i super-poteri ad una persona sbagliata, in una città sbagliata, dentro a delle acque, ahinoi, maleodoranti del caro e vecchio Tevere, è perfetta e di una potenza, anche e soprattutto metanarrativa, impressionante.

La storia in fin dei conti è abbastanza lineare e serve quasi da pretesto per far agire insieme dei personaggi meravigliosi, che sono come piccole finestre che si affacciano sulla nostra penisola.

Eh sì, perché il vero punto forte di questo film sono i personaggi. Scritti magistralmente ed interpretati anche meglio.

Il protagonista Enzo Ceccotti, interpretato da un bravissimo Claudio Santamaria, è un ladruncolo che vive, anzi, sopravvive con qualche furtarello qui e li. Una persona sbagliata, che per un puro caso ottiene i poteri da un Tevere sporco e degradato. Un personaggio introverso che per tutta la sua vita si è creato una corazza attorno a sé, usando frasi fatte fin da quando era un ragazzino, per difendersi dall’”esterno”. Enzo non ha mai voluto i super-poteri. Enzo non ha mai voluto il mondo sulle spalle. Enzo non vuole apparire, al contrario della sua nemesi: Lo Zingaro.

E arriviamo proprio a lui.

Lo Zingaro è Il Personaggio, oltre ad essere il villain della pellicola. Probabilmente il personaggio in cui ognuno di noi si è immedesimato. Un personaggio macchiettistico ma al tempo stesso machiavellico. Un simil-Joker alla Ledger, fanatico delle icone canore femminili italiane (la scena in cui canta “Un’emozione da poco” di Anna Oxa è già un cult del cinema italiano). Un personaggio che pur di uscire dalla merda in cui vive usa ogni sua possibile arma a disposizione. L’interpretazione è incredibile. Luca Marinelli (nominato ai David di quest’anno anche come miglior attore protagonista per “Non essere cattivo”) è un Attore della Madonna. E’ riuscito a dare una caratterizzazione enorme ad un personaggio che per tre quarti di film è quasi una macchietta a cui ogni cosa va male, mentre nell’ultima parte, dove la trasformazione in villain puro e duro è completa, si mangia e si ricaga almeno il 95% dei villain di casa Marvel e DC. Puro Carisma.

E poi c’è Alessia. Un personaggio che mi ha toccato e coinvolto particolarmente. Ilenia Pastorelli (alla sua prima esperienza come attrice) è stata bravissima ad interpretare una giovane donna che è ancora bloccata all’infanzia. La storia del suo personaggio è dolcissima e tristissima allo stesso tempo. Con la perdita della madre quand’era piccola e con un padre sporco e delinquente, si rifugia nel cartone animato giapponese “Jeeg Robot d’acciaio”. Tutto il suo mondo è visto con gli occhi di una principessa intergalattica sempre in pericolo. E sarà proprio il suo esser dolce, ingenua e bambinesca a far aprire Enzo e a fargli conoscere l’amore.

E anche qui Mainetti ci stupisce, perché riesce a narrare una storia d’amore all’interno di questo meraviglioso pur purr rid di generi. Una storia d’amore tra una principessa intergalattica ed un anti-eroe chiamato Jeeg Robot che proprio per amore fa girare una ruota panoramica un po’ sgangherata grazie ai suoi super-poteri. Poesia metacinematografica.

Voglio ringraziare, davvero di cuore, Mainetti per questa meravigliosa pellicola. Voglio ringraziare Mainetti per aver osato al suo primo lungometraggio e per aver creato un super-eroe del nostro cinema, perché il cinema italiano ha un bisogno quasi disperato di super-eroi affinchè questa beneamata rinascita continui.

"Hardcore!" di Ilya Naishuller

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Wed, 20 Apr 2016 12:00:00 +0000

Prendete uno stuntman, aggiungete a ciò un regista che nel 2013 faceva parte del writing team del videogame “Payday 2”, un pizzico di GoPro, e avrete un film che sarà intrattenimento action allo stato puro... ed in prima persona.

Ladies and Gentlemen, per la regia di Ilya Naishuller, “Hardcore!”.

Risorto senza alcun ricordo del suo passato, nell'arco di una giornata, un cyborg di nome Henry con l'alleato Jimmy deve combattere per le strade di Mosca alla ricerca della moglie rapita, finita nelle mani del tiranno psicopatico Akan.

Ok, sì, il film in soggettiva non è una cosa originale, ma un film così pieno d’azione tutto, e ripeto, tutto integralmente in soggettiva non si era mai visto.

Pronti, partenza e… il film inizia con gli Stranglers con la loro “Let me down easy”che accompagna questi titoli di testa spettacolari: un tourbillon di corpi che in super slow-motion vengono penetrati da questi coltelli, vengono trafitti da questi bullets, questi proiettili, vengono devastati da questi blocchetti di cemento, il tutto con un filtro fotografico meravigliosamente rosso sangue.

E saranno gli unici momenti di apparente rilassatezza, di apparente calma che quasi ricordano l'eleganza dei noir.

Henry, il protagonista, la nostra soggettiva, si risveglia dal coma e dopo pochi minuti la distruzione prenderà il sopravvento come non mai, un continuum temporale incredibile di azione allo stato puro, esplosioni, accoltellate, proiettili che volano di qua e di la in una danza di puro sadismo europeo. Sì, perché si sente nell’aria che non è la classica americanata alla Michael Bay, si sente che c’è odore di Europa, odore di Russia più precisamente e non solo perchè è ambientato a Mosca.

E poi c’è Akan, il villain, che è qualcosa di meraviglioso. La più grande trasposizione cinematografica di un boss di fine videogame, con questi poteri telecinetici che rimandano alla mente i boss alla Metal Gear Solid.

Il Mixinig audio è incredibile con i già citati Stranglers, passando per i Temptations con “My Girl”, attraversando corridoi con dei bei drop stile dubstep, fino ad arrivare negli ultimi 15 minuti finali con una sequenza action e parkour di livello estremo accompagnati dalla mitica “Don’t stop me now” dei Queen. Pazzesco.

Non è sicuramente un film esente da errori. La caratterizzazione dei personaggi, per esempio, non esiste praticamente, ma io dico chissenefrega! Il film non si prende sul serio, è pieno zeppo di autoironia, e il suo unico intento è di divertire ed intrattenere dall’inizio alla fine lo spettatore, riuscendoci alla grande.

Sono andato al cinema aspettandomi un semplice film d’azione e mi sono ritrovato un film d’azione all’ennesima potenza. Una sequenza dietro l’altra di pura azione senza alcun minuto di tregua. Un film che, proababilmente, gli amanti degli FPS (First Person Shooter) ameranno alla follia.

“Hardcore!” è una bomba a tutti gli effetti, pieno di sangue, pieno di violenza (a volte gratuita) e pieno di erotismo perché si sa, il POV deve esserlo.

Ilya Naishuller ha vinto la sua scommessa, il cinema action ha guadagnato una piccola perla, le GoPro Hero 3 funzionano alla grande, il divertimento è assicurato.

"The Truman Show" di Peter Weir

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Fri, 15 Apr 2016 12:30:00 +0000

Si può aggiungere qualcos’altro a un’opera letteraria come “1984” di George Orwell? La risposta a questo dilemma è stata data nel 1998 da un australiano in collaborazione con un neozelandese, che appena l’anno prima uscì nelle sale con un noir fantascientifico come “Gattaca – La porta dell’Universo”.

Ladies and Gentlemen, “The Truman Show”, diretto da Peter Weir e scritto da Andrew Niccol… Dall’Oceania con furore.

Ogni secondo di ogni giorno che passa Truman è, a sua insaputa, il protagonista della soap opera documentaristica più lunga e seguita della televisione. Seaheaven, la cittadina dove Truman abita è in realtà un gigantesco teatro di posa dove amici e parenti sono tutti attori pagati che recitano la loro parte. Tutto va avanti fino al giorno in cui Truman comincia a sospettare qualcosa.

Senza minimi termini, è uno dei film più geniali di fine millennio. Proporre la distopia alla “1984”, ormai abbastanza abusata, ma in salsa indivisuale/particolare è l’evoluzione naturale all’opera letteraria di Orwell. Qui, la vittima diretta del Grande Fratello non è l’intera popolazione, ma un unico individuo, un’unica persona: Truman Burbank.

Il film è innanzitutto una lucida e amara visione, profetica per l'epoca in cui il film è uscito, del potere incontrollato del medium televisivo, del notevole impatto che da lì a breve avrebbero avuto i reality show e della crescente invadenza del mezzo televisivo nell’intimità delle persone, poiché sempre più ormai a fare spettacolo sono le vicende private di gente qualunque, del sempre più labile confine che ormai divide il mondo della finzione televisiva dalla realtà umana.

Christof, il creatore del programma, prende questo neonato e crea attorno a sé un reality sulla sua vita. Lui è Dio. E non è un caso che il suo nome ricordi quello di Cristo…

E questo è uno dei tanti esempi di citazioni e incredibile cura per i dettagli che non vengono trascurati da parte di Weir e Niccol.

Proprio sulla scelta dei particolari e dei dettagli mi vorrei un attimo soffermare. Ogni singola cosa non è lasciata al caso. Ogni nome, via, piazza non è per niente lasciata al caso. Ogni inquadratura non è mai superflua, buttata o inutile.

Il nome della “moglie” di Truman, Maryl, e il nome del suo “migliore amico”, Marlon, sono chiari riferimenti a Maryl Streep e Marlon Brando, che non a caso sono degli attori.

Le vie e le piazze hanno nomi di attori esistenti, il nome della barca con la quale Truman decide di lasciare Seaheaven, la stessa Seaheaven, letteralmente “porto sicuro”, quindi un luogo ameno, ideale e utopico, sono tutte piccole citazioni che non lasciano nulla al caso.

E poi c’è lui: Truman Burbank. Mentre il cognome richiama la città Californiana di Burbank, sede di vari studi televisivi e cinematografici, il nome è un gioco di parole che sta proprio a significare che lui è l’unica verità e l’unica persona reale in questo mondo puramente fittizio e superficiale.

Truman Burbank, interpretato da un FENOMENALE Jim Carrey (l’attore perfetto per interpretare un personaggio simile), che riesce a emozionarci ed emozionarsi con il suo famosissimo sorriso (amaro) a 72 denti.

Truman Burbank, un personaggio, che durante tutto il film, percorre ed attraversa le quattro fasi della teoria della linea del mito della caverna Platoniano: Immaginazione, Fede, Discorso Intellettivo, Intellezione….. ed infine c’è lei, perché c’è sempre lei, la cosa più pura nella quale l’uomo cade ogni volta, dimenticandosi sistematicamente delle volte precedenti: l’Amore. E sarà proprio questo sentimento a far cadere tutte le sue paure e a far breccia nel cielo fittizio creato da Christof. Poesia pura.

E a livello registico cosa posso dire? Inquadrature stravolte e distorte con dei grandangolari da paura, i colori iper saturati e l’impatto visivo dei loghi sono i tre elementi con cui Peter Weir è riuscito a compiere un’impresa gigantesca: raccontare con un taglio cinematografico una storia e allo stesso tempo distruggerla usando inquadrature soggettive e realistiche che ricordano la Televisione. Chapeau!

Questo film rappresenta una società, la nostra società, praticamente autistica e passiva che continua a fare lo stesso errore: fermarsi costantemente a guardare e non prendere l’iniziativa decidendo di vivere. E nel preciso momento in cui Truman decide di vivere diventa l’eroe comune di tutte quelle persone che sono lì davanti la TV che fanno finta di amare la loro routine, impaurite di scegliere, impaurite di prendere l’iniziativa ed impaurite di vivere.

Vi saluto, vi abbraccio e… Caso mai non vi rivedessi… Buon pomeriggio, buona sera e buona notte.

"Another Earth" di Mike Cahill

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Thu, 07 Apr 2016 12:00:00 +0000

E poi capita che qualcuno ti consigli un film (indipendente) che nessuno si è cagato di striscio, pur nonostante avesse vinto due premi al Sundance Film Festival del 2011. Tra le altre cose è, sulla carta, il film indipendente con la ricetta perfetta: prendiamo la fantascienza, aggiungiamo il dramma di due persone, che non hanno nulla in comune e che per puro caso, per un’impensabile sliding-door, i loro destini saranno per sempre legati indissolubilmente, e infine condiamo il tutto con un pizzico di romanticismo amarognolo per non farci mancare proprio nulla.

Ladies and Gentlemen, per la regia di Mike Cahill, “Another Earth”.

Rhoda Williams, una giovane donna entrata a far parte del programma spaziale, sogna di esplorare il cosmo. Il brillante compositore John Burroughs ha già raggiunto l'apice della carriera e sta per diventare padre per la seconda volta. Alla vigilia della scoperta di un secondo Pianeta Terra (Terra-2), la tragedia colpisce inesorabilmente le vite dei due sconosciuti, che si trovano improvvisamente legate l'una all'altra.

Non è semplice approcciarsi alla fantascienza intimista, quella più introspettiva e filosofica, soprattutto dopo che determinati registi quali Tarkovskij con “Solaris”, Niccol col noir fantascientifico “Gattaca – La porta dell’Universo” e il promettente Jones con il contemplativo “Moon”, hanno già affrontato il genere in maniera completa ed esaustiva. È un campo molto interessante, ma è altrettanto un campo molto difficile e pericoloso, dove si rischia davvero di fare un gran bel buco nell’acqua rischiando di esser troppo prolissi con inutili filosofismi senza badar al concreto e alla sostanza. Fortunatamente, non è questo il caso e, effettivamente, se c’è una cosa che il cinema indipendente riesce a fare è proprio continuare a sfornare grandi pellicole riguardo questo particolare sottogenere (insieme all’horror, ovviamente).

La decisione di Cahill di dare la precedenza non alla comparsa improvvisa di Terra-2, ma ai sentimenti che provano i due protagonisti Rhonda e John, interpretati rispettivamente da una bravissima Brit Marling e da William Mapother, viso già noto per gli amanti della serie TV “Lost”, è stata la decisione perfetta. Così facendo, lasciando sullo sfondo (per la prima metà del film) l’evento incredibile, ovvero la comparsa improvvisa di questo “pianeta-clone”, ha permesso di concetrarsi sui sentimenti e le emozioni provate dai due protagonisti, ricordando in parte la scelta fatta da Lindelof nella seconda stagione di “The Leftovers”.

Il regista, riesce a creare quest’alone di tristezza, angoscia e solitudine che permea tutto il film grazie a tre fattori principali: la regia (anche se ha qualche difettuccio di stile), la fotografia e la colonna sonora.

La fotografia con filtri particolarmente freddi e con colori sbiaditi abbinata alla bellissima colonna sonora (firmata dai Fall on your Sword insieme al compositore Phil Mossman), che in alcuni frangenti ha ricordato le sonorità di “Her”, rendono le emozioni provate da Rhonda e John molto più vivide creando un’empatia ulteriore tra lo spettatore e i protagonisti, complici anche i meravigliosi dialoghi tra i due (una su tutte, la storia del cosmonauta russo).

La questione un po’ più spinosa riguarda la regia. Se da un lato, la scelta di usare una regia “realistica”, riesce a dare molto pathos a determinate sequenze, c’è da dire che a volte il troppo traballamento di macchina e gli improvvisi zoom risultano inutili, invadenti e talvolta anche fastidiosi.

Invece, una gran bella nota positiva su cui vorrei porre l’accento è il montaggio usato. Cahill, in maniera molto intelligente, riesce a combinare delle sequenze molto calme e tranquille con altre più dinamiche e schizzate senza dare alcun fastidio ma anzi, aggiungendo ritmo alla narrazione la quale è scandita dai monologhi interiori (fuori campo) di Rhonda alternati alle teorie filosofiche/scientifiche di un astrofisico riguardanti la comparsa di Terra-2.

In questo senso, il montaggio della sequenza iniziale è la summa maxima, sia a livello puramente tecnico, sia a livello stilistico.

E’ un film che, secondo me, va assolutamente visto, un’ottima science fiction intimista che pur con qualche piccolo abuso registico riesce ad essere un film interessantissimo e molto profondo, con alcuni picchi emotivi non indifferenti.

Infine faccio un piccolo ringraziamento a Gaia, che consigliandomi questo film mi ha fatto scoprire una piccola perla del cinema fantascientifico degli ultimi anni.

"Source Code" di Duncan Jones

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Thu, 24 Mar 2016 13:00:00 +0000

Ormai lo dico sempre. Mettete insieme un regista di talento, uno script interessante ed una produzione solida e si ottiene il meglio da Hollywood. Le alternative sarebbero o fare dei progetti troppo autoriali o fare delle commercialate o ai limiti del trash o senza alcuna anima (Michael Bay coff coff).

Ovviamente non è questo il caso.

Ladies and Gentlemen, per la regia di Duncan Jones, “Source Code”.

Si era già visto in “Moon”, progetto sicuramente più piccolo rispetto a questo, che i geni di David Bowie erano ben radicati nel corpo e soprattutto nella mente di Duncan Jones. Con questo “Source Code”, Jones si dimostra essere non una semplice meteora nel cielo Hollywoodiano, ma un regista con grande talento che riesce a gestire bene anche una produzione più grande, riuscendo a fare compromessi, tenendo la qualità su un certo standard.

Se “Moon” era un sci-fi intimista, “Source Code” è un thriller fantascientifico con una bella dose di azione che riesce però a rimanere su quei livelli narrativi senza scadere nel banale. E’ per certi versi un prolungamento naturale di “Moon”. Pur avendo un budget più elevato a disposizione si respira lo stesso messaggio: l’identità dell’individuo e l’importanza dell’individualità.

In realtà, il thriller è solo uno scaltro trucco, e lo dimostra che basterebbero già i primi cinque minuti per trovare ed individuare l’attentatore. Proprio come per Lindelof in “The Leftovers”, a Jones non interessa scoprire chi è quest’attentatore, ma vuole andare più a fondo e parlare di altro.

L’ottima sceneggiatura di Ben Ripley ha la sola pecca di essere troppo melodrammatica in alcuni punti come nel finale, lasciandolo aperto ma rendendolo troppo romantico senza avere però quella potenza emotiva che ha il finale di un “Interstellar” o di un “Her”.

A livello narrativo ricorda tanto le vicende vissute da Bill Murray in “Ricomincio da capo”, ma anche ad altri modelli recenti come “Le morti di Ian Stone” o al meraviglioso “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (“Se mi lasci ti cancello” ndr).

A differenza del quasi coetaneo Richard Kelly (“Donnie Darko”, “The Box”), le riflessioni di Jones non si perdono per strada con intellettualismi troppo esagerati e filosofismi vari, ma sono caratterizzati dalla loro incredibile cinicità e da una forte potenza visiva.

“Source Code”, opera seconda di Jones, dimostra ulteriormente le sue grandi doti di regista regalando agli spettatori un’altra ottima pellicola sci-fi. Ora non resta che aspettare la vera prova del nove: “Warcraft”.

"The Gift" di Joel Edgerton

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Tue, 15 Mar 2016 12:59:00 +0000

L’Australia, negli ultimi anni, si sta rivelando esser un grandissimo catino di talento cinematografico. Abbiamo il veterano George Miller, un po’ sulla bocca di tutti di questi tempi grazie all’incredibile prestazione del suo “Mad Max: Fury Road” agli Oscars, abbiamo l'interessante Jennifer Kent, che con la sua opera prima, “Babadook”, ha alzato di netto l’asticella del thriller psicologico/horror moderno, ed infine abbiamo l’attore/regista Joel Edgerton, che decide di mettersi, per la prima volta, dietro la macchina da presa e dirigere “The Gift”.

La trama è abbastanza semplice:

Simon e Robyn sono, all’apparenza, una coppia felice da poco trasferiti da Chicago ad un sobborgo di Los Angeles. Qui, i due incontrano un vecchio compagno di liceo di Simon, Gordon “Gordo” Mosley. Da quel momento Gordo inizia a recapitare una serie di regali alla casa dei due coniugi, cercando di entrare a far parte sempre più del loro nucleo familiare.

Il concept iniziale è qualcosa di già visto e poco originale, ma fin dalla prima inquadratura c’è come una sensazione che aleggia facendo capire allo spettatore che sotto c’è qualcosa di più grande e misterioso rispetto alla classica storia dello stalker che importuna la famiglia di turno. Pian piano si rivela esser qualcosa di completamente diverso e che, almeno per me, ha stupito e non poco.

I punti forti di questo thriller sono due: la sceneggiatura e i personaggi.

La sceneggiatura è scritta davvero bene, portandoti inizialmente sulla strada dello stalker ma che con il passare dei vari eventi ti allontana da quella strada facendoti completamente perdere la bussola.

Tutto questo è stato possibile grazie all’ottima scrittura dei tre personaggi principali.

Ho trovato interessante il fatto che la presenza di Gordo sia in realtà una “presenza non presente”. E’ stato caratterizzato e scritto talmente bene e talmente in modo così strambo che poi tutto si basa sulle paranoie della protagonista, interpretata da una bravissima Rebecca Hall, dando come l’impressione che anche quando Gordo non è realmente con i due coniugi, sia lì a spiarli.

Il personaggio di Simon, invece, pur dovendo essere all'apparenza un personaggio positivo, ha attorno a sé un’aura molto strana che lo rende un personaggio non facilmente collocabile. Sembra che nasconda qualcosa e con il passare degli eventi ha una metamorfosi incredibile dalla classica persona buona ed apprensiva ad una persona molto scaltra e menefreghista.

E infine c’è Robyn, che sulla carta era il personaggio con il rischio più alto di “passività” durante tutto l’arco del lungometraggio, e invece anche qui è stato fatto un lavoro certosino, rendendola un personaggio che cresce pian piano e che è parte, completamente attiva, durante i vari eventi.

A livello puramente tecnico ci troviamo di fronte ad un grande film. La regia si difende bene senza voler strafare, con delle buone inquadrature e con movimenti di macchina, che seppur basilari, son stati diretti molto bene rendendo il tutto più gradevole. La suspense è alimentata da una fotografia fredda e da una meravigliosa colonna sonora. La tensione, inizialmente solo accennata, aumenta dalla metà del film in poi grazie ad un montaggio, che fino allora era stato abbastanza lineare, molto dinamico, specialmente negli ultimi 15/20 minuti dove Edgerton scrive e dirige un finale davvero ben fatto e costruito magistralmente.

Sparse durante il film, troviamo anche delle piccole citazioni che rendono il film, per i cinefili che adorano queste chicche, molto interessante. Per esempio, il nome del dottore sull'etichetta delle pillole che Robyn ruba alla vicina è Dr. Sapperstein, lo stesso di “Rosemary's Baby” di Polanski. Vi sono inoltre molteplici cenni a “Shining” di Stanley Kubrick; il logo su una bottiglia di vino, all'inizio del film, ha lo stesso schema del labirinto di siepi, inoltre il personaggio di Rebecca Hall, quando si trova in ospedale, è ricoverata nella stanza 237, lo stesso numero della stanza dell’Overlook Hotel.

Se devo trovare una pecca in questo film, la possiamo riscontrare nel fatto che Edgerton abbia dato tanta importanza alla presentazione dei personaggi tardando un po’ troppo il loro sviluppo, rendendo il film più lungo del dovuto di una decina/quindicina di minuti. E’ comunque una sbavatura che si lascia assolutamente perdonare nel complesso, ricordando che ci troviamo al suo primo lungometraggio.

Un film solido, un interessante thriller, un'ottima opera prima che consiglio assolutamente, e che lascia ben sperare per la futura carriera da regista per Edgerton.

Oscars 2016 - I vincitori dell'88ª edizione

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Mon, 29 Feb 2016 11:10:00 +0000

Ecco qui la lista completa dei vincitori dell'88ª edizione degli Academy Awards.

MIGLIOR FILM

“Il caso Spotlight”

MIGLIOR REGIA

Alejandro González Iñárritu per “Revenant – Redivivo”

MIGLIOR ATTORE PROTAGONISTA

Leonardo DiCaprio per “Revenant – Redivivo”

MIGLIORE ATTRICE PROTAGONISTA

Brie Larson per “Room”

MIGLIORE ATTORE NON PROTAGONISTA

Mark Rylance per “Il ponte delle spie”

MIGLIORE ATTRICE NON PROTAGONISTA

Alicia Vikander per “The Danish Girl”

MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE

Josh Singer e Thomas McCarthy per “Il caso Spotlight”

MIGLIORE SCENEGGIATURA NON ORIGINALE

Charles Randolph e Adam McKay per “La grande scommessa”

MIGLIOR FOTOGRAFIA

Emmanuel Lubezki per “Revenant – Redivivo”

MIGLIOR MONTAGGIO

Margaret Sixel per “Mad Max: Fury Road”

MIGLIOR SCENOGRAFIA

Colin Gibson e Lisa Thompson per “Mad Max: Fury Road”

MIGLIORI COSTUMI

Jenny Beavan per “Mad Max: Fury Road”

MIGLIOR COLONNA SONORA

Ennio Morricone per “The Hateful Eight”

MIGLIOR CANZONE ORIGINALE

Sam Smith per “007 Spectre”

MIGLIOR TRUCCO E ACCONCIATURE

“Mad Max: Fury Road”

MIGLIOR SONORO

“Mad Max: Fury Road”

MIGLIOR MONTAGGIO SONORO

“Mad Max: Fury Road”

MIGLIORI EFFETTI SPECIALI

“Ex Machina”

MIGLIOR FILM D’ANIMAZIONE

“Inside Out”

MIGLIOR FILM STRANIERO

“Il figlio di Saul”

MIGLIOR DOCUMENTARIO

“Amy – The Girl Behind the Name”

PREMIO ALLA CARRIERA

Spike Lee

Gena Rowlands

HUMANITARIAN AWARD

Debbie Reynolds

***

Mad Max (6)

Revenant - Redivivo (3)

Il Caso Spotlight (2)

Room (1)

Il Ponte delle Spie (1)

The Danish Girl (1)

La Grande Scommessa (1)

The Hateful Eight (1)

007 Spectre (1)

Ex Machina (1)

Inside Out (1)

Il figlio di Saul (1)

Amy - The Girl Behind the Name (1)

X-Files Stagione 10: Revival

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Thu, 25 Feb 2016 12:59:00 +0000

Sono passati 13 lunghi anni da “The Truth”, l’ultima puntata della nona stagione di X-Files. La serie cult degli anni 90, una delle serie che ha contribuito in maniera sostanziale a rendere la TV un qualcosa di moderno e più vicino allo schermo cinematografico, si era conclusa. O meglio, così sembrava. Il 24 marzo 2015 l’annuncio shock: Mulder, Scully, Skinner e gli X-Files torneranno nel 2016. La domanda, ora che si è conclusa questa 10° stagione, è d’obbligo: “E’ stata all’altezza questo revival oppure era meglio lasciar tutto come nel 2002?”

Da grandissimo fan della serie, all’annuncio del revival ero parecchio scettico poiché il distruggere tutto quanto fatto di buono tra il 1993 e il 2002 poteva davvero essere dietro l’angolo. Puntata dopo puntata, mi son ricreduto perché mi son ritrovato di fronte a qualcosa di altissimo livello che non solo riusciva a rimanere sullo stesso livello delle puntate delle passate stagioni, strizzando qua e là l’occhio ai fan di lunga data, ma che riusciva ad aggiungere qualcosa in più alla serie avvicinando, allo stesso tempo, nuovi spettatori alla saga.

Inizialmente pensai che Chris Carter e soci avessero in mente di sfruttare le sei puntate esclusivamente per la trama orizzontale e invece hanno fatto qualcosa di più complesso ma che è riuscito alla grande. Nella prima e nell’ultima puntata hanno scritturato la sceneggiatura orizzontale, mentre nelle centrali quattro puntate hanno messo tutto il meglio della serialità verticale cercando di ricreare quella versatilità e varietà che gli X-Files hanno sempre regalato, proprio come una delle classiche stagioni dello show di Carter. La scelta, e con essa la messa in scena, è stata letteralmente perfetta, perché in questo modo ci siamo potuti godere questa event series proprio come ci siamo sempre goduti gli X-Files, con appunto una prima puntata (“La verità è ancora là fuori”) che apre lo show con il tema principale della serie, passando poi all’emozionante “Evoluzione della specie”, al capolavoro comedy-citazionista di “La lucertola mannara”, all’horror/gore di “Di nuovo a casa”, passando per l’episodio “Babilonia” con una tematica molto più attuale (il terrorismo islamico) ma condito sempre con la classica autoironia dei Files, fino ad arrivare al season finale, “Ossessione”. Ed è proprio di questo finale di stagione che vorrei fare una piccola digressione.

La puntata finale si potrebbe riassumere con una parola: BOOM!

Magnifica per com’è stata scritta e diretta. La suspence accompagna l’episodio dal primo all’ultimo minuto con un ritmo costante che non cala mai, ma anzi, negli ultimi dieci minuti la tensione e l’adrenalina crescono sempre di più fino alla scena finale… Sì, la scena finale… Che scena!

Probabilmente stiamo parlando di uno dei migliori, se non il migliore, cliffhanger della storia della TV.

Eh sì, ho detto cliffhanger… quindi significa che ci sarà un’ulteriore stagione? Sì, no, non si sa, è ancora presto per dirlo, ma penso (e lo spero, dato che potrei anche uccidere se non succedesse) che Chris Carter, forte anche grazie a dei ratings che la FOX non vedeva da qualche tempo, abbia già in pugno il contratto per la stagione successiva perché chiudere e lasciare una serie cult di questo livello con un finale tanto potente quanto rischioso come questo è realmente paragonabile a un coito interrotto.

Ora non ci rimane che aspettare e come hanno fatto per tutti questi anni gli adorati Mulder e Scully anche io... Voglio crederci!

"Inception" di Christopher Nolan

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Fri, 12 Feb 2016 13:00:00 +0000

Si dice che il primo amore non si scorda mai. Si dice che il primo amore, ogni volta che si rincontra, faccia battere sempre il cuore e faccia venire i brividi. Se tutto questo è vero, allora questo film è il mio primo amore ed è la pellicola che mi ha trasformato da semplice spettatore cinematografico occasionale a vero e proprio cinefilo. Sarà difficile parlare di questo film in maniera distaccata e fredda, ma ci proverò lo stesso.

Ladies and Gentlemen, per la regia di Christopher Nolan, “Inception”.

“Qual è il parassita più resistente? Un batterio? Un virus? Una tenia intestinale?”. E’ in questo modo che ci viene presentato il personaggio di Dom Cobb, interpretato da un tormentosissimo Leonardo DiCaprio.

La risposta alla domanda precedente, ormai dopo quasi sei anni dalla release del film di Nolan, si dovrebbe conoscere: un’idea. Ma come fa un individuo a credere fermamente a un’idea che non è stata concepita dalla propria mente? Grazie all’innesto. Quello che deve fare Cobb è proprio questo: innestare un’idea nel subconscio di un potente uomo d’affari e per fare ciò userà il mondo dei sogni.

Inception non è semplicemente un film, è un film dentro il film, è un film meta cinematografico, è un film allegorico. Il tema del sogno è rappresentato come una spirale in cui il mondo reale e quello onirico s’intrecciano su più livelli, e il sistema su cui si basa l’universo creato da Nolan non è nient’altro che un’allegoria sul cinema. Cobb (il regista), che con l’aiuto della sua squadra (direttore della fotografia, del montaggio, cast ecc.), deve innestare un’idea (il film) nella mente di un’altra persona (lo spettatore), e per fare ciò ha bisogno di un mezzo: il sogno (lo schermo cinematografico). Lo schermo della sala cinematografica non è altro che la proiezione del sogno stesso. Tutto ciò viene ulteriormente confermato dal fatto che un film, a differenza di un sogno, può essere condiviso, e proprio per questo motivo Nolan decide di cambiare le regole del gioco, creando un universo in cui i sogni possono essere condivisi con altre persone, proprio come un film.

Il tipo di cinema di Nolan, si sa, disorienta con intelligenza e originalità lo spettatore, accompagnandolo a mano a mano da una parte per poi spiazzarlo nel finale. Per fare ciò impiega un montaggio pazzesco, anche estremo in alcuni casi (“Memento”), rendendo la concentrazione, elemento fondamentale per guardare i suoi film. "Inception" non è da meno.

Nonostante nella prima parte i fatti sono raccontati con un montaggio lineare, si viene, tuttavia, sballottati in questo mondo in cui sogno e realtà si fondono e non conoscendo ancora le leggi che costituiscono il mondo onirico, saremmo, almeno inizialmente, molto storditi. Nella seconda parte (non appena si raggiunge il secondo livello di sogno) iniziamo a farci una prima idea di come funziona il sogno e le sue leggi, ma è proprio in quel momento che Nolan caccia dal suo arsenale il montaggio: i vari “piani onirici” si iniziano ad intersecare tra loro, rendendo il tutto più dinamico e meno statico. Il montaggio diventerà sempre più veloce, con una tensione crescente alimentata sempre più da due fattori principali: il montaggio stesso (non a caso Premio Oscar 2011) e la colonna sonora composta da Hans Zimmer, che dimostra ogni volta di essere il Beethoven del cinema.

La sceneggiatura, ideata e sviluppata dallo stesso Nolan per quasi dieci anni (dai tempi di “Following”), funziona in maniera impeccabile. Unisce il classico heist movie con il sci-fi facendo risultare il tutto credibile e mai scontato. I dialoghi sono scritti davvero bene e ben dosati, e anche quelle due-tre battute comedy condiscono il film senza risultare sgradevoli.

Tutte queste componenti vengono abbracciate da una fotografia semplicemente perfetta (anche qui Premio Oscar 2011). Fotografia per lo più fredda che da, alle scene che dovrebbero essere in teoria più “calde”, quel tocco di malinconia e rimorso che accompagnerà Cobb per tutto il film.

Infine, il cast che Nolan mette in piedi è di prim’ordine. Ognuno perfetto per il ruolo scelto. Leonardo DiCaprio, che meriterebbe l’Oscar (oh che novità), interpreta un personaggio difficile, tormentato e che ha perso in pratica tutto. Ellen Page interpreta il personaggio di Arianna, al quale è stato affidato il compito di progettare i vari scenari in cui il team verrà catapultato, che tra le altre cose è una fantastica citazione all'Arianna mitologica che aiutò Teseo ad uscire dal labirinto. Joseph Gordon-Levitt, Tom Hardy e Ken Watanabe formano delle ottime spalle per il protagonista. C’è, come in ogni film di Nolan, il cameo del grandissimo Michael Caine e infine c’è lei, l’affascinante e sensualissima Marillon Cotillard, che interpreta Mal (in francese significa “male”, mentre in ebraico “angelo”), la quale rappresenta la personificazione del dualismo che permea quasi tutta la cinematografia Nolaniana, e non a caso è sia la dolce metà di Cobb che la sua antagonista principale.

Che altro si può aggiungere? Forse c’è da dire ancora tanto o forse no, ma una cosa è sicura: con questo film Nolan è, di fatto, entrato con prepotenza nell’Olimpo della cinematografia mondiale. Con Inception, Nolan ci ha regalato momenti adrenalinici come la scena d’azione iniziale girata in maniera impeccabile, o momenti “WTF” come la scena finale con la trottola che è ormai un cult del cinema moderno, o momenti emozionanti come il ritorno a casa di Cobb che riabbraccia i propri figli accompagnato dalle sonorità di Zimmer.

“The dream is real” dice la locandina, ed infatti Nolan ci ha regalato un sogno che ammiriamo ad occhi aperti, una magnifica esperienza onirica, un Capolavoro reale.

"Chiedimi se sono felice" di Aldo, Giovanni, Giacomo e Massimo Venier

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Wed, 03 Feb 2016 12:59:00 +0000

Aldo, Giovanni e Giacomo sono probabilmente i più grandi comici che l’Italia abbia avuto negli ultimi 20 anni. Cabarettisti, attori teatrali, attori cinematografici, hanno sempre avuto un grandissimo successo, in qualsiasi contesto abbiano lavorato. Purtroppo è da qualche anno, invece, che li vediamo in parabola discendente, almeno sul fronte cinematografico, dovuto non tanto a mancanza d’idee interessanti, ma dalla loro gestione o troppo superficiale o troppo banale. Per esempio, il film “Il cosmo sul comò” aveva alla base un’idea davvero interessante (fare un film a episodi) rendendo omaggio ai film italiani degli anni 70 e 80, ma gestita molto male.

Fondamentalmente i film del trio si sono fermati, qualitativamente, a “Tu la conosci Claudia?” del 2004, raggiungendo l’apice massimo proprio con “Chiedimi se sono felice”.

Dopo “Tre uomini e una gamba” e “Così è la vita”, due road movie bellissimi e completamente diversi tra loro, il trio, con l’aiuto del fidato Massimo Venier, decide di eliminare l’automobile e dar vita ad una commedia romantica.

“Chiedimi se sono felice”, è la storia di tre amiconi che per colpa di una cazzata fatta da uno di loro, non si vedranno e non si sentiranno per tre lunghissimi anni fino a quando uno di loro ha avuto un brutto incidente.

Il film è gestito davvero bene, diviso in due piani temporali ben distinti (presente e passato) e allo stesso tempo raccontati contemporaneamente, rendendo il tutto molto più dinamico e interessante, tutto condito con la voce fuori campo di Aldo che fa da narratore onnisciente. La questione dei due piani temporali è davvero molto interessante, perché alternandosi, creano questo contrasto di felicità e spensieratezza (nel passato) e tensione e rabbia (nel presente) che non riusciremo mai a capire fino a quando non vedremo la tanto decantata cazzata di Giacomo.

A livello tecnico, nulla da dire. Le inquadrature sono ben fatte e ci sono dei movimenti di macchina davvero molto interessanti, soprattutto per una commedia, che pur sembrando dei semplici esercizi di stile, rendono il tutto molto più piacevole.

La fotografia è ben dosata. Nel passato abbiamo colori più caldi e più saturi, mentre nel presente, soprattutto nella prima parte, abbiamo una fotografia con colori più freddi e desaturati rendendo le relazioni tra i personaggi molto più tese.

La colonna sonora, come in tutti i film di Aldo, Giovanni e Giacomo è sempre un elemento presente e mai banale. Qui abbiamo una colonna sonora composta per lo più da brani di Samuele Bersani, che si sposano perfettamente con tutto il film e che si alternano con altri brani quali “Il Teorema” di Ferradini.

Come detto, il film, è una bella commedia girata e gestita molto bene, senza alcun punto morto. Aldo, Giovanni e Giacomo si mostrano in forma strabiliante con dialoghi e tempi comici perfetti, rendendo una commedia che sulla carta poteva risultar banale qualcosa che invece non lo è affatto. Molto interessante anche la parte di Marina Massironi, che l’ho trovata molto carina nella parte dell’hostess.

Insomma un film godibilissimo che consiglio, a chi (ancora) non l’ha visto, di recuperarlo assolutamente.

Una commedia girata e scritta così bene che pur avendo 15 anni sul groppone, riesce a lasciarsi vedere alla grandissima, pisciando in testa al 95% della produzione italiana degli ultimi anni.

"Her" di Spike Jonze

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Tue, 26 Jan 2016 13:01:00 +0000

"Her" di Spike Jonze è una storia d'amore. Una bellissima storia d'amore. Per quanto mi riguarda la più bella storia d'amore che il cinema abbia mai raccontato. E tutto ciò è paradossale considerando il fatto che abbiamo di fronte un essere umano ed un'intelligenza artificiale.
Ladies and Gentlemen, "Her", una storia d'amore diretta da Spike Jonze.

"Her" è uno dei più bei film sentimentali di tutti i tempi, una love-story leggera ma allo stesso tempo profonda come solo il grande cinema riesce a raccontare... ed è un film di fantascienza, del filone "intelligenza artificiale".
Fin qui, per quanto l'accoppiata possa sembrare strana, niente di particolarmente originale, anche perchè la Los Angeles in cui Theodore (uno Joaquin Phoenix SUPERBO) si muove è molto simile ad una qualsiasi città del nostro presente, in cui gli individui, sempre più soli, si isolano con i loro smartphone e con i loro auricolari senza accorgersi delle bellezze che li circondano.
Jonze, autore molto empatico, fa una sorte di upgrade al nostro presente, in cui i videogiochi diventano ologrammi e i computer vengono usati con la semplice digitazione vocale.
A questo punto viene aggiunto un terzo elemento: l'OS 1 (riferimenti ad Apple sono puramente casuali). L'OS 1 è questo nuovo sistema operativo con intelligenza artificiale dinamica. Theodore lo installa sul suo PC e in quel preciso istante decide di darle una voce femminile. Nasce Samantha (consiglio di vederlo in lingua originale perchè la voce di Scarlett Johansson è davvero puro sesso), una mente artificiale avente una coscienza propria che cambia e cresce con i vari scambi inter-personali e con l'esperienza.
"Her" è la storia d'amore tra questi due personaggi: Theodore, un uomo introverso che ha un lavoro particolare (scrive accorate lettere per conto di altri), e Samantha, un sistema operativo che cresce con l'aumento della sua esperienza.
Per la prima volta un uomo ed una coscienza artificiale non solo vengono messi sullo stesso piano, ma fanno amicizia, si conoscono, simpatizzano, si confidano, si cercano come due persone qualsiasi; poi si frequentano, ridono, piangono, si innamorano e fanno l'amore come due persone qualsiasi; infine vanno in crisi, fanno nuove esperienze, conoscono altre persone, si distaccano, come due amanti qualsiasi;

La bravura di Jonze sta nell'aver normalizzato qualcosa che non lo è per niente. Un film che fa riflettere senza dover farti scervellare troppo. Il modo in cui Jonze racconta questa storia è qualcosa che va oltre alla semplice narrazione. Riesce con inquadrature perfette e con il giusto timing a darti emozioni meravigliose senza essere per niente smielato; una fotografia bellissima e con una palette di colori calda ma allo stesso tempo fredda dandoti quella sensazione di agro-dolce che notiamo durante tutta la pellicola; ed abbiamo una colonna sonora davvero perfetta che accompagna questa meravigliosa storia d'amore in maniera così delicata ed elegante da far venire i brividi ogni volta che la riascoltiamo.

In definitiva, "Her" è un film malinconico, triste, amaro in cui ognuno di noi può ritrovarsi, ma allo stesso tempo è un film ottimistico che ti fa davvero credere nell'amore, quello vero.

"Birdman" di Alejandro González Iñárritu

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Fri, 15 Jan 2016 13:00:00 +0000

Siamo ufficialmente entrati nel periodo pre-Oscar. Ieri, 14 gennaio, sono uscite le nominations e come ogni anno ci sono state delle sorprese (in positivo ed in negativo) ma soprattutto c'è stata una vera e propria conferma: Alejandro González Iñárritu.
Eh si, perchè se quest'anno si poteva immaginare facilmente che il suo film, "The Revenant", avrebbe preso tante nominations (ben 12), l'anno scorso era quasi impossibile pronosticare che un film così fuori dagli schemi e controcorrente come "Birdman" ne avrebbe avute 9, ma soprattutto che avrebbe vinto 4 premi tra cui "Miglior Film", "Miglior Regia", "Miglior Sceneggiatura Originale" e "Miglior Fotografia".
Ladies and Gentlemen, per la regia di Alejandro González Iñárritu, "Birdman".

Sinceramente sono stato molto sorpreso che un film che attacca in maniera così violenta e allo stesso tempo in maniera così ironica e tagliente il Cinema, in particolar modo quello hollywoodiano, e tutto quello che lo circonda abbia avuto i riconoscimenti principali da parte dell'Academy.
Si, perchè questo non è solamente un film girato in maniera PERFETTA, con un'idea certamente non originale (il "finto" piano-sequenza dall'inizio alla fine), con un comparto tecnico che accompagna il film magistralmente e con dei tempi gestiti alla perfezione. Il vero punto focale è la tematica generale che permea questa pellicola: il sistema cinematografico nella sua interezza.
E' un film meta-cinematografico e di critica allo stato puro.
E' un film che critica aspramente i cinecomics che stanno monopolizzando la produzione cinematografica hollywodiana, e non a caso la scelta di Keaton nei panni di Riggan che per tutta la sua vita ha impersonificato il supereroe Birdman è perfetta, strizzando l'occhio ai Batman di Burton. Allo stesso tempo critica in maniera aspra lo star-system, ed infatti abbiamo un Edward Norton, attore primadonna ossessionato dall'idea che sul palco debba trionfare la vera verità e che si possa recitare nella vita vera e Naomi Watts, invece, che è ossessionata all'inverosimile dal successo. Critica, in maniera molto tagliente, la Critica stessa con Lindsay Duncan, che fa la parte di una critica teatrale il cui unico scopo è quello di stroncare lo spettacolo di Riggan senza neanche averlo mai visto, vivendo di preconcetti sul fatto che un attore, anche se molto meritevole oggettivamente, che ha fatto per una vita la parte di un supereroe non può fare uno spettacolo teatrale di alto livello.

"Birdman" fondamentalmente è un calderone di personaggi che sono in cerca di spettatori ancor di più che di un autore, e che sono pronti a vendere la propria anima per il proprio ruolo. E non è un caso che Riggan si distingue da questa massa, proprio perchè non si vuole (s)vendere, ma vuole entrare in questo cosmo per com'è lui, realmente. Gli interessi dei personaggi di Norton e della Watts non sono interessi personali, ma esplicite aspirazioni del pubblico, perchè fondamentalmente viviamo in un mondo in cui la cosa che conta di più sono i likes su Facebook o i followers su Twitter.
E alla fine, Riggan vola, e volerà, e questa volta non cadrà, accettandosi completamente per quello che è, e contemporaneamente riuscendo ad avere la stima da parte del mondo. Un finale magnifico che rivela la più profonda riconciliazione tra persona vera ed identità fittizia, tutto condito con un'inquadratura sul volto della figlia (una Emma Stone bravissima).
Chiaramente, niente di tutto ciò potrebbe essere vero, proprio come quell'interminabile piano-sequenza.

"Moon" di Duncan Jones

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Tue, 12 Jan 2016 13:26:00 +0000

Il 10 gennaio 2016, dopo due giorni dal suo sessantanovesimo compleanno, David Bowie ci lascia a causa di un cancro con cui ha combattuto per 18 mesi. Uno dei più grandi geni della musica e della Pop-Art ci lascia dopo averci regalato il suo ultimo album, il suo testamento: "Blackstar".
Che Bowie fosse sempre stato affascinato dallo spazio penso che sia chiaro a tutti ("Starman", "Space Oddity", il Major Tom), ma a quanto pare questa sua passione viscerale l'ha anche ereditata suo figlio, Duncan Jones.
E' il 2009 e il figlio di David Bowie esordisce sul grande schermo con una pellicola semplicemente magnifica (dopo "Interstellar" di Sua Maestà Nolan, uno dei migliori Sci-Fi degli ultimi anni). Stiamo parlando di "Moon".

TRAMA:
Sam Bell è vicino al termine del suo contratto con la Lunar dopo essere stato suo impiegato fedele per tre lunghi anni passati alla Selene, una base lunare in cui ha vissuto da solo, estraendo l'elio 3(HE3), un prezioso gas che potrebbe risolvere il problema energetico della terra. Isolato, determinato e costante, Sam ha seguito le regole della base con rigore e il tempo è passato lentamente e senza eventi; inoltre, la solitudine gli ha offerto tempo per riflettere sul suo passato e per lavorare sul suo temperamento irascibile. Ma due settimane prima della partenza Sam comincia a vedere e sentire delle "cose" e ad avvertire strani sentimenti, un'operazione di routine va storta e Sam comincia a sospettare che la Lunar abbia dei piani molto originali per la sua sostituzione e per il suo imminente rientro.

Trama semplice, non originale, ma dentro questo film low-budget (5 milioni di dollari) c'è tutto quello che la fantascienza, quella più intimista, deve avere.
Jones regala al genere una perla di rara bellezza.
Capiamo fin dai primi istanti di trovarci davanti a qualcosa di straordinario, a qualcosa che un regista normale non potrebbe girare. Capiamo subito che Jones ha delle potenzialità pazzesche. Conosce il mezzo alla perfezione e usa la macchina da presa come se fosse un veterano, con un tocco delicatissimo e governando i tempi alla perfezione, gestendo il pathos senza mai strafare. Ricrea le atmosfere lunari ispirandosi alle immagini della missione spaziale giapponese "SELENE" e al libro fotografico "Full Moon" di Michael Light, riproducendo immagini dai colori ovattati.
Interessanti e per niente banali le tematiche quali la clonazione, la mancanza di etica e la solitudine. Oltre a tutto ciò, Jones aggiunge citazioni a "2001: Odissea nello Spazio", le atmosfere e le ambientazioni ricordano quelle di "Solaris" ed "Atmosfera Zero", alcune inquadrature assomigliano ad "Alien" fino ad arrivare a degli intelligenti rimandi al capolavoro della fantascienza "Blade Runner".
Infine, sul lato interpretativo abbiamo una prestazione solista maiuscola da parte di un Rockwell particolarmente ispirato.

Personalmente credo che non poteva avere un debutto migliore il figlio del Duca Bianco e se uniamo questo lavoro con il suo successivo lungometraggio "Source Code" possiamo quasi dire con certezza che abbiamo di fronte uno dei migliori prospetti del cinema mondiale. Ora, aspetto con ansia di vedere il suo prossimo film "Warcraft - L'Inizio", in uscita quest'anno, che sarà una bella ed ardua prova del nove per Jones.

Vorrei dedicare questo articolo a David Bowie, che ho sempre ammirato per la sua grandissima passione con la quale ha condito la sua vita. Un grandissimo artista che non può essere rilegato ad un singolo genere musicale e che è riuscito in 50 anni di carriera a rimanere sempre al vertice anticipando sistematicamente le mode.
Addio David.

"Lost" e il boom delle Serie TV

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Tue, 05 Jan 2016 13:02:00 +0000

Il 22 settembre 2004 andava in onda il "Pilot" che avrebbe cambiato completamente l'universo delle serie TV e con esso il medium televisivo. Il 22 settembre 2004 è La Data delle serie TV, è l'anno zero delle fiction seriali, è la messa in onda del primo episodio delLa serie TV per eccellenza: Lost.

Siamo appena entrati nel 2016 e le serie TV hanno avuto un boom allucinante negli ultimi anni, sia dal punto di vista qualitativo, sia dal punto di vista popolare. Sono entrate nella nostra cultura pop in maniera dirompente, ma qual'è stato l'evento scatenante?

Partiamo dall'inizio.

La nascita del mondo della serialità televisiva (di qualità) non coincide con il primo episodio di Lost, ma con la creazione di un'altra serie TV.
E' l'8 aprile 1990 e negli Stati Uniti andava in onda il "Pilot" de I Segreti di Twin Peaks.
Una delle più belle serie TV di tutti i tempi, creata da quella mente geniale e folle di David Lynch con l'aiuto di Mark Frost. Twin Peaks fu la prima serie che riuscì a staccarsi da quella triade di "avvocati-poliziotti-medici" di cui la TV di quegli anni era piena. Lynch era riuscito a creare un mondo completamente originale ma soprattutto alienante all'inverosimile con un giallo che sfociava nel metafisico. Il pubblico di quegli anni, però, non era abituato a una serie così fuori dalla norma, e, infatti, dopo due sole stagioni la serie fu terminata.
Il motivo era semplice: Twin Peaks era una serie TV avanti di 30 anni e Lynch, d'altra parte, è sempre stato un visionario.
Con il tempo è diventata (ovviamente, aggiungerei) una serie cult, tanto che il network Showtime ha annunciato una terza stagione a distanza di 25 anni (ci vediamo nel 2017 per il revival).

Tra le due serie TV, ovvero tra il '90 ed il 2004 ci sono state solo poche produzioni che hanno lasciato il segno in maniera indelebile: X-Files, Buffy e Friends.
Per il resto, vuoto cosmico.

Poi nel 2004, il 22 Settembre, l'ABC decide di mandar in onda Lost, per la prima volta. Succede qualcosa che nessuno avrebbe mai immaginato. Fa degli ascolti allucinanti, con un'audience di più di 16 milioni di telespettatori alle prime messe in onda di ciascun episodio della prima stagione. Lost, in quegli anni, cannibalizza letteralmente tutte le altre serie dei palinsesti televisivi, anche le prime due stagioni dell'amatissimo Breaking Bad (mica pizza e fichi...).
Non esiste, effettivamente, altra serie al di fuori di Lost.
L'ABC si rende conto di avere tra le mani qualcosa fuori dal comune, qualcosa che non si era mai visto prima, qualcosa che aveva una produzione costosissima (il solo episodio pilota costò 12 milioni) ma con una qualità elevatissima ed un potenziale infinito. Ma probabilmente non immaginava di avere la serie che avrebbe rivoluzionato il mondo della televisione.

J.J. Abrams (c'è sempre il suo zampino...), Damon Lindelof e Jeffrey Lieber hanno avuto un timing perfetto. La serie TV perfetta(scritta, sviluppata e diretta in maniera impeccabile) nel momento perfetto.
Abrams e soci hanno creato qualcosa di difficilmente replicabile e difficilmente collocabile a livello di genere. Non a caso molte serie in questi anni hanno provato a ricreare questa sua natura polimorfa ma sempre con fallimenti rovinosi come FlashForward.
Se c'è una cosa in cui Lost ancora oggi resta imbattuta e la costruzione della storia su diversi piani temporali: prima i famosissimi flashback per approfondire i personaggi, per poi osare con i flashforward fino ad arrivare ai flashsideways. Questi strumenti narrativi uniti a dei cliffhanger di estrema suspance hanno reso possibili alcuni momenti da brivido.
Un'altra particolarità della serie è l'uso quasi eccessivo di citazioni e riferimenti culturali. Un esempio evidente sono i nomi dei personaggi: Locke, Austin, Sawyer, Shepard, Hume, Rousseau e così via.

Citazioni, dicevamo...

Lost è il vero anno zero delle serie per un semplice motivo, che va oltre il lato tecnico effettivo: Lost crea un precedente nella serialità televisiva.
L'internet va di matto per Lost e i fan in quegli anni iniziano a creare forum e blog per la serie stessa, dove i vari utenti discutono tra loro riguardo alle varie puntate che vanno in onda e riguardo alle varie teorie e misteri della serie. Tutto ciò non era MAI successo prima, tutto ciò è nato con Lost. Se abbiamo serie TV trasmesse in contemporanea (o quasi) con la messa in onda originale lo dobbiamo soprattutto a Lost. Se abbiamo serie TV di grandissima qualità come Game of Thrones, The Leftovers, True Detective etc. lo dobbiamo soprattutto alla popolarità che ha avuto Lost, che ha alzato l'asticella qualitativa e produttiva delle fiction seriali e ha "costretto" gli altri network a dare dei prodotti sempre migliori.

Lost è e sarà sempre la serie TV più importante di tutte perchè è colei che ha creato il business delle serie TV stesse alzando al contempo la qualità del prodotto.
Lost è semplicemente la Serie TV.

"Star Wars: Il Risveglio della Forza" di J.J. Abrams

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Thu, 24 Dec 2015 09:13:00 +0000

*** SPOILER ALERT ***

Star Wars: Il Risveglio della Forza mi è piaciuto e non poco. J.J. Abrams è riuscito nell'impresa ove la trilogia a cavallo degli anni 2000 ha fatto un clamoroso buco nell'acqua. Con questo episodio, Abrams, è riuscito a creare un mix perfetto tra vecchio e nuovo in maniera lucida ed intelligente senza scadere nella pecca più grande della trilogia prequel: l'assenza di atmosfera Lucassiana.

Parlare di Star Wars è sempre molto difficile, almeno per me, che fin dall'età di 5 anni ho adorato alla follia questa saga guardando all'infinito le 3 VHS della collector's edition di mio zio della trilogia originale. Quando vidi i tre prequel, invece, rimasi parecchio deluso come la maggior parte dei fan. Più specificatamente, "La minaccia fantasma" e "L'Attacco dei cloni" avevano un problema ai limiti dell'inspiegabile: si chiamavano Star Wars ma non avevano nulla della saga.
J.J. Abrams aveva sulle spalle un fardello incredibilmente pesante, un compito decisamente arduo. Era più facile sbagliare che azzeccare la formula vincente... ma J.J. ha una facilità nell'azzeccare formule difficili ("Lost" su tutte) che pochi altri hanno.

Il primo pensiero che affiora nella mente di chi guarda "Il Risveglio della Forza" è quella sensazione di familiarità, quella sensazione di deja vù come quel Pianeta Jakku che assomiglia in maniera così incredibile a Tatooine o quel castello di Maz Kanata che ricorda (e non poco) la taverna del quarto episodio. Questo pensiero, in poco tempo, diventa una domanda: "Non è che per caso hanno fatto un remake del quarto episodio?" La risposta è si e no. Il grande pregio di questo film è l'aver attinto a piene mani alla trilogia originale facendo con citazioni qua e là alla Tarantino ma, al contempo, aggiungendo e cambiando alcune cose che nei precedenti capitoli della saga non si erano mai viste.

I personaggi principali sono proprio l'emblema di questo mix:

REY: La protagonista-prescelta. Un personaggio davvero intrigante, circondata da un alone di mistero molto fitto, che sono sicuro piano piano verrà dissipato nel proseguo della trilogia. A differenza di Luke, riesce a sfoggiare la Forza con una ingenua facilità senza ALCUN (che comunque è abbastanza esagerato...) addestramento, come a far vedere alla galassia intera la sua indipendenza. Complimenti a Daisy Ridley, oltre che per la sua bellezza da ragazza normale, soprattutto per la sua bravura nell'interpretare un personaggio così centrale in maniera così perfetta e complimenti ad Abrams per aver vinto una scommessa per niente facile.
FINN: Un tipo di personaggio che non si era MAI visto in uno Star Wars. Per la prima volta una persona che nasce dal lato oscuro e che decide di passare al lato chiaro dopo aver visto sulla sua pelle il disgusto e le atrocità che il Primo Ordine crea. Già solo per questo da amare. Sembra avere il ruolo di "spalla comica" ma non sono del tutto convinto che sarà così per tutta la trilogia.
KYLO REN: Arriviamo al "Sith" di turno. Si lo so, l'ho messo tra le virgolette di proposito, perchè in questo episodio non lo è ancora del tutto. Lo vediamo nella prima fase di un Jedi che passa al lato oscuro, vediamo le prime due emozioni che un Sith prova: la Paura e la Rabbia. Ricorda in molti tratti quell'Anakin visto nell'ultima parte della "Vendetta dei Sith" con quella rabbia nei confronti dei senatori e quella paura per la sua famiglia che lo hanno convinto a passare al lato oscuro. Nel caso di Ren non sappiamo ancora i motivi che lo hanno convinto ad abbracciare l'oscurità, forse come dice Han Solo: "C'è troppo Vader in lui." E si perchè per quello che Abrams ci ha fatto capire, Ren o chiamandolo con il suo vero nome Ben, non è solo ammaliato da quello che ha fatto suo nonno, ma è completamente stregato. Porta una maschera non per una qualche utilità, ma per emulare il suo idolo e quando è solo, parla con la maschera che apparteneva a suo nonno, ormai tutta distrutta. Kylo Ren VUOLE essere come Vader ed ha Paura di non poterlo mai eguagliare. Sarà, molto probabilmente, il personaggio che avrà il miglior sviluppo durante la trilogia fino ad arrivare nella fase finale di Sith, quella dell'odio puro. Segnatevi questa: Kylo Ren sarà uno dei villain più iconografici dei prossimi 25/30 anni.
POE DAMERON: Questa è, secondo me, la vera pecca di questo settimo episodio. Un personaggio che ha tutto per diventare il vero "showstealer" della trilogia, il nuovo Solo. Il problema è che è stato fatto vedere davvero poco, anche se è stata, probabilmente, una scelta voluta per non rischiare di far diventare l'episodio un pur purr rid di sviluppi e storyline. Nei capitoli successivi, spero vivamente, che abbia un ruolo più centrale.

Passiamo al lato tecnico. Bisogna fare dei grandissimi applausi a J.J. Abrams che ha fatto un lavoro coi fiocchi. Ha diretto un film di questa portata in maniera impeccabile, un blockbusterone che fa quello che promette: intrattiene senza perdere quelle atmosfere che solo uno Star Wars può regalare. Ci sono 2/3 scene girate in maniera magistrale come l'attacco della resistenza al castello di Maz Kanata con un piccolissimo piano sequenza con soggetto l'X-Wing di Poe Dameron, o soprattutto la scena che avrà fatto gridare tutti i fan della saga: la morte di Han Solo per mano di suo figlio, Kylo Ren. Una scena diretta in maniera perfetta, con patos crescendo grazie ad un silenzio assordante e con un gioco di luci ed una fotografia ai livelli del Dario Argento di "Suspiria".

Cos'altro dire... quando si gareggia con un peso mediatico lungo anni e con un'icona che ha sfidato il tempo, diventa ancora più difficile dare un giudizio; dal mio punto di vista c'è stato tutto il rispetto del caso e sembra proprio che si sia lavorato molto bene all'interno di un parterre di personaggi ampio.
Si poteva spiegare meglio e in maniera più approfondita cosa è successo nei 30 anni che separano "Il Ritorno dello Jedi" con questo episodio, ma ragazzi, siamo solo all'inizio della trilogia.
E' anche vero che la trama assomiglia incredibilmente al quarto capitolo, ma allo stesso tempo, per quanto mi riguarda, è una delle trovate migliori per ripartire con una saga che dopo i prequel era scaduta rovinosamente con un'atmosfera completamente estranea agli Star Wars.
Non possiamo ancora parlar di miracoloso revival di un franchise leggendario essendo solo all'inizio della trilogia. Ci sarà tanto da vedere, ci sarà tanto da dire, ci sarà tanto da discutere, ma una cosa è certa: la Forza, questa volta, si è risvegliata per davvero.

R2-D2 è un figo da paura ma BB-8 spacca veramente di brutto! Il miglior passaggio del testimone possibile per l'amatissimo robottino.

The Leftovers 2 - La miglior serie del 2015

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Thu, 17 Dec 2015 13:01:00 +0000

Che Damon Lindelof sia uno che abbia sempre esagerato, penso che sia risaputo, soprattutto dopo il finale di Lost che ha scatenato reazioni negative da parte dei fan della serie da ogni dove (non da parte mia che l’ho adorato follemente). E, infatti, solo uno come lui poteva scrivere una serie TV come The Leftovers, che diciamocelo francamente, è una serie che se sbatte di tutto e di tutti.

Era così già nella prima stagione con quel tempo scandito in maniera talmente dilatato all’inverosimile che ai più poteva essere considerata una serie TV noiosa, e con quell’evento così grande che però è lasciato lì, in “sala d’attesa”, dichiarando in pratica ad ogni spettatore: “Cosa c’è? Volete anche sapere perché questi qui sono spariti? Mi prendete per il culo, vero?”.

Infatti, la prima stagione di The Leftovers si basava tutto su questo giochino appena citato, sull’avere un evento gigantesco e sul volerlo lasciar lì sullo sfondo. Oltre a questo bisogna dire che le varie storyline dei personaggi erano raccontate in maniera stilizzate senza entrare effettivamente nel vivo. A parte qualche evento, tutto quello che sapevamo di loro, era la loro rabbia, delusione e tristezza. Punto. Insomma un approccio molto ostico e davvero troppo elusivo che non mi ha fatto mai apprezzare la prima stagione a pieno, riconoscendo, comunque, un potenziale che nessun’altra serie di questo genere aveva.

Ed è proprio per questo IMMENSO potenziale che decido di darle una seconda opportunità rimandando il giudizio alla stagione successiva.

La seconda stagione arriva e si porta via tutto da me. Teoricamente potrei anche chiudere qui quest’articolo ma non lo farò perché non me ne sbatto di tutto come The Leftovers.

Come dicevamo, questa serie se ne sbatte di tutto ed è per questo suo modo di essere che decide di stravolgere tutto, e spiazza tutti con un cambio di passo, estremizzando tutto. Cambio di scenografia (non più Mapleton, ma Jarden/Miracle) ma soprattutto il modo in cui vengono raccontate le varie storie dei personaggi. La dipartita del 2% della popolazione è rilegata ulteriormente come sfondo e le storyline dei personaggi diventano il vero cuore della serie. E non più come un vago sguardo da lontano ma come un’immersione totale che toglie il fiato a ogni scena, e che ti distoglie completamente dalla dipartita e non perché non se ne parli, ma perché non te ne frega nulla. Quello che allo spettatore interessa in questa stagione sono i personaggi e le loro storie, scritte e, soprattutto, raccontate in maniera sublime.

E’ bastato pazientare una stagione per veder affiorare tutto quel potenziale che si era solo intravisto in precedenza. Qui Lindelof non è stato solo capace di metter in piedi un racconto in maniera perfetta, ha fatto di più: è riuscito a prendere l’ambizione teologica/filosofica del finale di Lost e di espanderla. In The Leftovers, Lindelof ha dimostrato a tutti che ha due palle che gli fumano scrivendo una serie TV che molto probabilmente non sarà una di quelle serie mainstream, ma una di quelle perle che pochi conosceranno e che saranno gli unici ad apprezzarla a pieno.

(Vi lascio con due pezzi che compongono la colonna sonora di questa stagione, l’ennesimo punto forte di questa serie).

True Detective 2: TOP e FLOP

noreply@blogger.com (Giovanni Berardi) — Wed, 25 Nov 2015 13:08:00 +0000

E’ autunno inoltrato e sono passati diversi mesi dal finale della tanto criticata seconda stagione di True Detective, franchise creato da Nic Pizzolatto. Sono stati otto episodi ricchi di speranza, delusioni, alcune cose molto buone, altre meno (molto meno). La precedente stagione di True Detective era una serie oscura per i più che puntata dopo puntata ha fatto breccia nei cuori del pubblico, divenendo in poco tempo un serie mainstream. Questa seconda stagione invece ha avuto un andamento opposto, partendo con una grande attenzione da parte del pubblico e stampa e con il passare delle settimane è stata oggetto di critiche dalle più varie e disparate.

Premetto che io sono uno di quelli cui non ha fatto impazzire questa stagione ma va dato atto che comunque ha molte cose davvero ben fatte. Quello che cercherò di fare in quest’articolo è analizzare proprio questi punti focali che hanno composto (in bene e in male) questa seconda stagione di True Detective.

COSA HA FUNZIONATO

MUSICHE E CANZONI

Tra le tante preoccupazioni dei più affezionati alla prima serie c’era la paura di non ritrovare quel sound che hanno caratterizzato le avventure di McConaughey e Harrelson, ma come abbiamo potuto ascoltare fin dalla prima puntata è stato uno dei punti migliori, se non il migliore, superando anche le magnifiche sonorità della prima stagione. Bellissima la sigla iniziale con un Leonard Cohen magistrale con un ritmo così lento da noir anni 70-80. La vera marcia in più, però, l’ha data una semisconosciuta ai più: Lera Lynn. La giovanissima cantautrice americana che con le sue canzoni e la sua presenza quasi spettrale (al bar) contribuisce in maniera fondamentale all’atmosfera della serie. E la scena finale con la sua "Lately" è semplicemente sublime.

NUOVE AMBIENTAZIONI

Un’altra cosa che va dato atto a Pizzolatto è l’aver avuto il coraggio e conseguentemente l’esser riuscito a cambiare e distinguere in maniera radicale le ambientazioni di questa stagione da quella precedente. Ed è una cosa che non sempre riesce a tutti, anzi.

FINALE

Semplicemente perfetto sia come conclusione, ma soprattutto per com’è stato strutturato e gestito. Le menti dietro “Dexter” dovrebbero prendere esempio.

COSA HA FUNZIONATO IN PARTE

I PERSONAGGI

Se con le ambientazioni il cambio è riuscito in maniera perfetta, non si può dire ugualmente per i personaggi. Il problema personaggi è un qualcosa di più complesso. In se, i personaggi sono anche abbastanza belli e ben caratterizzati ed è difficile che ci scorderemo facilmente di personaggi come Velcoro, Frank (il mio preferito avendo un debole ai limiti del feticismo per Vince Vaughn), Bezzarides, (di Woodrough quasi sicuramente si, invece) ma non hanno dato tutto quello che avrebbero potuto dare per colpa di dialoghi non sempre all’altezza.

DIALOGHI

Dicevamo dei dialoghi, appunto. I dialoghi in questa seconda serie hanno, a mio modo di vedere, un’importanza maggiore rispetto alla precedente. Una serie TV che cerca di avere un mood noir come questa deve avere dei dialoghi perfetti, sia nei monologhi più interiori ed emotivi, sia nei botta e risposta più cazzoni. Ci sono stati momenti di elevata fattura e frasi a effetto magnifiche come la pluricitata “We get the world we deserve.” ma ci sono stati anche punti molto bassi. Per esempio, un personaggio come Frank (che dovrebbe essere un personaggio che straborda di carisma) ti caccia una frase magnifica come “Never do anything out of hunger, not even eating.” a battute assolutamente ridicole come “it’s like blue balls… in your heart.”

CAMBIO DI REGIA

Uno dei punti di maggior forza nella prima stagione era la scelta di affidare la regia di tutti gli episodi ad un unico regista: il sorprendente(e chi se lo aspettava?) Cary Fukunaga. Fukunaga riesce a dare un’impronta molto autoriale a tutta la serie (il fantastico piano-sequenza di “Who goes there?” è l’esempio lampante) tenendo il ritmo sempre elevato e costante senza esagerare troppo con l’azione. Purtroppo tra Pizzolatto e Fukunaga non scorre più buon sangue (ed infatti l’autore si è anche vendicato a suo modo nei confronti del regista come abbiamo visto in una delle puntate di questa seconda serie) e la collaborazione non è più potuta proseguire. Da qui la scelta di Pizzolatto di affidare gli episodi a più registi come si suole fare nella maggior parte delle serie TV. Tutto ciò, cosa ha portato in questa stagione? A dei picchi elevati tecnicamente (come la sparatoria di “Down Will Come” o agli ultimi momenti di Velcoro e Frank nel finale di stagione) ma senza quella costanza che eravamo abituati a vedere nella precedente stagione.

COSA NON HA FUNZIONATO

L’INTRECCIO

Arriviamo alle note dolenti, e più precisamente alla più dolente di tutte: l’intreccio inutilmente complicato. Non si può avere un intreccio così complicato, per di più sbrogliato in una puntata e mezzo in maniera semplice e superficiale, in una serie TV da 8 ore e mezzo complessive facendo, in questo modo, calare l’attenzione da parte dello spettatore. In questo caso, Pizzolatto ha voluto esagerare peccando, secondo me, di troppa autostima e troppa sicurezza nei suoi mezzi.

IL GENERE

Sembra abbastanza ovvio che Pizzolatto, con questo intreccio così complicato, voglia cercar di seguire la strada del noir, ma il problema reale è che questa seconda stagione non è neppure un noir puro al 100%. Infatti, ha voluto comunque aggiungere quelle caratteristiche del thriller che avevano fatto la fortuna della prima serie aggiungendo in più un pizzico di poliziesco iper-realistico alla “The Wire” e quella “corruzione poliziesca” stile “The Shield”. Insomma, un mix che però non è stato assemblato a dovere e in alcuni punti sembra davvero che siano pezzi di puzzle diversi senza esser amalgamati decentemente.

In conclusione, quest’accanimento esagerato e in alcuni casi immotivato, secondo me, ha una radice comune: questa seconda serie ha la “sfortuna” di chiamarsi “True Detective”. Se non si fosse chiamata così, sono assolutamente convinto che molto probabilmente molti critici e la maggior parte del pubblico non si sarebbe indignata in maniera così aspra, ma molto probabilmente adesso stavamo parlando di un’altra ottima e godibilissima serie TV. Se fossi in Pizzolatto prenderei una pausa da tutto e da tutti e cercherei di capire i vari sbagli commessi in questa seconda stagione, cercherei di essere un tantino più umile e cercherei di scrivere una storia che abbia una strada dritta, precisa e delineata e non una serie di molteplici incroci.