The Praxis Journal

Simone van Es

Cecilia — Wed, 20 May 2026 17:34:41 +0000

Su curiosidad por los materiales y las soluciones regenerativas la llevó a impulsar y co-crear proyectos que buscan inspirar cambios, muchas veces comenzando desde el suelo que pisamos. En 2025 y 2026 presentó en la Semana de Diseño de Milán la instalación The Last Supper, From a Different Perspective. Dispuesta alrededor de una mesa comunitaria, la obra evoca temas de transformación, alimento y esperanza en tiempos de urgencia ecológica. Invita a los visitantes a replantearse no solo qué diseñamos, sino también por qué y para quién. Tu trabajo explora la intersección entre diseño, naturaleza y sistemas regenerativos. ¿Cómo llegaste a este territorio y cuándo te diste cuenta de que podía convertirse en el eje de tu práctica? Ese cambio comenzó hace algunos años, cuando empecé a cuestionar mi propio rol como diseñadora dentro de la industria de alta gama. Estábamos creando complejos de lujo, de esos que aparecen en revistas y, aunque estaba orgullosa de ese trabajo también tomé conciencia del impacto que había detrás. Los materiales, los sistemas de los que formábamos parte: todo empezó a sentirse desalineado. Y eso me llevó a replantear mi huella profesional. ¿Entonces cambiaste de ejes materiales? Sí, empecé a trabajar con materiales locales y biobasados para diseñar de manera circular y cuestionar no solo cómo diseñamos, sino por qué. También impulsó reflexiones sobre mi red de vínculos. ¿Podía introducir una visión distinta y otro sistema de valores a través del diseño? ¿Cómo se materializó el cambio? Desarrollé mi propio material biobasado en placas Silphy, a partir del cultivo de Silphium Perfoliatum, un biomaterial elaborado con fibras naturales. Resistente al agua, sólido, no tóxico y compostable, el material representa un nuevo paso en innovación circular aplicada a materiales. Me permitió trabajar de cerca con agricultores, estar en el campo, ver el estado del suelo, entender el rol de la biodiversidad. Entendí que no estamos cuidando nuestros suelos y que el diseño tiene la responsabilidad de responder a esta problemática. Después de las instalaciones The Last Supper, From a Different Perspective, premiado en Masterly Milano en 2025, esta línea de pensamiento siguió evolucionando. Con Sleeping Beauty: A Symbiotic Symphony, se volvió todavía más central. Para mí, el diseño trata de restaurar relaciones entre las personas, los materiales y el entorno vivo. ¿Qué potencial ves en estos materiales biobasados para redefinir los interiores y el diseño de objetos? En Sleeping Beauty, los materiales biobasados no aparecen como alternativas, sino como punto de partida. Nos permiten repensar los interiores como un organismo que respira, evoluciona y se conecta con los ciclos naturales. Lo que los vuelve tan potentes es que contienen una historia de origen. Vienen del suelo, de las plantas, de microorganismos, y regresan a ellos. Eso crea una relación completamente distinta con los objetos y los espacios. Nos ofrece la experiencia de la responsabilidad compartida. Si realmente queremos un cambio, esa responsabilidad debe asumirse colectivamente. Al mismo tiempo, es importante mostrar que este giro, lejos de limitarnos, nos brinda oportunidad y belleza. Presentamos un desarrollo de alta gama, cultivado de manera biodinámica y moldeado a través del tiempo y la dedicación. Al redefinir qué significa el lujo, generamos deseo por otro sistema cuyo potencial está en que el interiorismo pueda convertirse en ecosistemas: espacios que promuevan bienestar, biodiversidad y conciencia. Ese pasaje, del consumo a la participación consciente, es esencial si queremos avanzar hacia una cultura del diseño verdaderamente regenerativa.

“Creo que el diseño necesita ir más allá de minimizar daños y empezar a contribuir activamente. Por eso me interesa explorar la idea de simbiosis: cómo los materiales, las personas y los entornos pueden sostenerse mutuamente. Los materiales con los que diseñamos están directamente conectados con los sistemas agrícolas, la salud del suelo y las decisiones que tomamos todos los días.”

En tus proyectos hay una tensión interesante entre investigación material y una fuerte dimensión sensorial. ¿Cómo dialogan innovación y sentidos en tu proceso? Ese equilibrio es muy importante en mi trabajo. En Sleeping Beauty creamos un entorno que está impulsado tanto por la investigación y la experiencia sensorial. La bioinnovación es crucial. La trabajamos en revestimientos resistentes al agua derivados de hongos, investigaciones sobre cómo capturar y estabilizar procesos fúngicos, y mejoras de pigmentos vegetales resistentes a los rayos UV mediante tratamientos biológicos. Cuando tocás una superficie, te sentás en un espacio o percibís una atmósfera, entendés su origen, comportamiento e integridad. ¿Con qué colaboradores trabajás en este desarrollo? Marcos Luengo (España), Claudy Jongstra, Piet Hein Eek (Países Bajos) y Francisco Gómez Paz (Argentina), entre otros diseñadores destacados que participaron en la muestra ROOTS, en el Palazzo Giuereconsulti de Milán en abril de 2026. Gómez Paz llevó su silla Eutopía, alineada a nuestra misión porque demuestra cómo el diseño, la tecnología y la ecología van de la mano en un mismo objeto. ¿Qué conversaciones o debates sentís que todavía faltan en el discurso global sobre materiales y sustentabilidad? Siento que todavía falta una conversación más profunda sobre el origen: sobre el suelo, la agricultura y los ecosistemas detrás de los materiales. Solemos enfocarnos en la circularidad al final del ciclo de vida, pero no lo suficiente en donde comienza todo. El monocultivo es un buen ejemplo. Sí, podemos cultivar fibras como el cáñamo, pero no debemos olvidar cuidar el suelo de manera responsable, idealmente a través de una agricultura biodinámica. Otro aspecto importante es la relación emocional y cultural que tenemos con los materiales. Se trata de generar conciencia no solo de forma intelectual, sino también sensorial y emocional. Necesitamos ir más allá de las soluciones técnicas y volver a conectar a las personas con los sistemas naturales que nos sostienen. Ahí es donde empieza el cambio real. Tu práctica se mueve entre el diseño, la curaduría y el pensamiento circular. ¿Qué referencias del diseño y la arquitectura y también de otras disciplinas moldearon esa mirada? Mi perspectiva está formada por una combinación de diseño, investigación material y ecología. Trabajar con profesionales y artistas como Claudy Jongstra, Herman de Vries y Diana Scherer, influyó en mi comprensión de la integridad material y la conexión con el paisaje. Con ROOTS, la curaduría se convierte en una forma de reunir estas disciplinas. Se trata de crear un espacio compartido donde diseño, naturaleza e innovación puedan encontrarse y potenciarse mutuamente. Muchos diseñadores están replanteando el rol de la disciplina frente a la crisis climática. ¿Cómo imaginás el pasaje de un diseño que reduce impacto a uno que genera nuevas ecologías? A veces digo en broma: quizá todos deberíamos volvernos veganos. Pero detrás de ese chiste hay una reflexión seria sobre el impacto de nuestro sistema alimentario. Creo que el diseño necesita ir más allá de minimizar daños y empezar a contribuir activamente. Por eso me interesa explorar la idea de simbiosis: cómo los materiales, las personas y los entornos pueden sostenerse mutuamente. Los materiales con los que diseñamos están directamente conectados con los sistemas agrícolas, la salud del suelo y las decisiones que tomamos todos los días. Ahí está el futuro: en diseñar sistemas restaurativos, biodiversos y que creen conexiones entre lo que comemos, lo que producimos y cómo vivimos. Por cierto, me hice vegana el año pasado y realmente lo recomiendo.

Todas las fotos de esta entrevista son gentileza de Simone van Es, curadora e impulsora de la iniciativa ROOTS.

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Giacomo Moor: Diseñador - artesano

Cecilia — Fri, 10 Apr 2026 16:39:07 +0000

Giacomo Moor (Italia, 1981),es hijo de una diseñadora gráfica y un cirujano, él intuye que heredó de su madre la sensibilidad por las proporciones y el funcionalismo, y de su padre cierta destreza manual y precisión; y explica que decidió estudiar diseño porque le fascinan los aspectos mecánicos y de ingeniería de los objetos: cómo funcionan y cómo están construidos y añade que crecer en Milán también tuvo una gran influencia: la ciudad tiene una inclinación innata hacia el diseño de muebles, la cultura interior y la arquitectura modernista, y este entorno moldeó naturalmente mis intereses. En 2016 fue nominado Mejor Diseñador Joven por Elle Decor Italia y ese mismo año ganó el premio Mejor Diseñador Joven del Salone del Mobile Award, a una década de estos hitos, Giacomo continúa participado en exposiciones en París, Londres, Nueva York, Singapur, Oporto por mencionar algunas ciudades y entre sus clientes se encuentran Cappellini, Desalto, LiveinSlums, Living Divani, Memphis Milano, QuadroDesign, SEM, Triennale Milano, Wallpaper y Yoox.

Izquierda: THUMB, diseñado para Quadro Design “La familia de griferías y manijas Thumb, diseñada para Quadro Design, se caracteriza por una serie de volúmenes puros en acero de los cuales se elimina una pequeña porción de material, obteniendo una marca que se convierte en una sugerencia de uso. Crédito fotográfico: Luca Caizzi / Derecha: Retrato de Giacomo Moor Crédito fotográfico: Omar Sartor. Gentileza Estudio Giacomo Moor.

Mientras te formabas como diseñador trabajaste en una carpintería ¿Qué capitalizas de la experiencia al proyectar como diseñador un espacio o una línea de muebles? ¿Aún haces algún proceso con tus propias manos? ¿Trabajas con maderas locales? Cuando diseño, suelo empezar por las propiedades físicas de los materiales o por una técnica de producción específica, me interesa mucho explorar nuevos procesos y poner a prueba sus límites. Tener un taller me da la oportunidad de trabajar en estrecha colaboración con carpinteros altamente calificados; intercambiamos ideas constantemente y discutimos soluciones técnicas. Aunque ya no trabajo directamente con la madera como antes, todavía hay partes del proceso de diseño que manejo personalmente, en particular la selección de la madera y el desarrollo de maquetas. Siempre que es posible, prefiero trabajar con maderas locales, sin embargo hay casos, por ejemplo en proyectos de exterior, que debido a los requisitos de rendimiento, debemos recurrir a maderas procedentes del extranjero.

FILLET Living Divani “Fillet es el resultado de un continuo proceso de sustracción; el calandrado del metal, con sus reglas precisas y sus limitaciones, ha sustituido al lápiz, dando forma a un sillón en el que cada elemento está concebido únicamente para crear estructura.” Gentileza Estudio Giacomo Moor.

En tu página web los proyectos se dividen en tres campos: colección, instalación y colaboración, ¿cómo se articulan las diferentes dinámicas de trabajo? Cada una de estas áreas implica dinámicas diferentes, una diferencia clave radica en la relación con el cliente. Con los clientes privados, la relación suele ser muy directa y personal: básicamente, un diseñador trabaja en estrecha colaboración con el cliente, este puede visitar el estudio y seguir el proceso de producción paso a paso. Por otro lado, los proyectos propios permiten una investigación más profunda, le dedicamos mucho tiempo a estudiar referencias, consultar libros e investigar precedentes históricos; nos tomamos más tiempo para perfeccionar el concepto y para el trabajo en equipo. En cambio, cuando hacemos desarrollos para empresas o clientes institucionales, tenemos en cuenta factores adicionales: la identidad de la marca, el posicionamiento en el mercado y la coherencia de la colección existente. No obstante, en todos los tipos de encargos, nos esforzamos por desarrollar y avanzar en los temas que nos interesan en un momento dado. Por ejemplo, si estamos investigando técnicas específicas de producción de madera, intentamos integrar esa investigación en todos los proyectos. De esta manera, expresamos de forma coherente nuestra filosofía de diseño, independientemente de la naturaleza del encargo.

Un casale en Anghiari. La decisión de utilizar, para la realización del mobiliario, un único material —un semielaborado compuesto por un núcleo central de multilaminado de abedul revestido en ambas caras con madera maciza de roble— tiene como objetivo crear una línea de continuidad entre los distintos ambientes. Proyecto de Giacomo Moor. Crédito fotográfico: Omar Sartor. Gentileza Estudio Giacomo Moor.

¿Qué ventajas y qué desventajas tiene tener un taller de producción propio? Las ventajas superan a las desventajas, trabajar junto a nuestros carpinteros nos permite aprender algo nuevo cada día, especialmente a la hora de resolver retos tecno-productivos, también podemos experimentar y ver los resultados de inmediato, lo que fomenta la innovación. Lo más estresante en general se da durante las fases de instalación, hay que estar preparado para cualquier situación: paredes desalineadas, suelos irregulares o problemas estructurales inesperados.

Apartamento milanés de mediados de la década de 1940, ubicado en la zona de Brera, en Milán. La cocina, con mesada de trabajo y canales integrados en acero inoxidable, forma parte de la colección K.01. Créditos fotográficos: Omar Sartor. Gentileza Estudio Giacomo Moor.

Además de trabajar la madera, incorporas otros materiales: hormigón, vidrio o acero inoxidable, ¿cómo es la articulación con la producción propia? Colaboramos con proveedores locales de confianza cercanos a nuestro estudio en Brianza. A lo largo de los años, hemos establecido relaciones duraderas con artesanos cualificados, y la continuidad es muy importante para nosotros. Estas colaboraciones se integran a la perfección con nuestra producción interna, lo que nos permite mantener el control sobre la calidad y beneficiarnos al mismo tiempo de conocimientos especializados. A nivel teórico proyectual, ¿que lugar ocupa la historia en tus procesos creativos? ¿Es posible proyectar formas de habitar desconociendo el pasado? Es fundamental comprender el pasado, no solo la obra de los grandes maestros, sino también las dimensiones antropológicas y sociológicas de las comunidades en contextos geográficos específicos, así como los hábitos compartidos por la humanidad en general. Antes del diseño industrial existía la artesanía, una forma anónima de diseño que respondía a necesidades específicas mediante técnicas moldeadas por la evolución humana. Algunas técnicas se han mantenido notablemente constantes a lo largo del tiempo, como la alfarería; otras han sufrido transformaciones radicales. Es esencial comprender las dimensiones antropológicas y sociológicas del contexto y el mercado al que se dirige, porque el diseño, al igual que otros artefactos humanos, es ante todo funcional y contemplativo. Sin esta conciencia, resulta difícil responder de manera significativa a las necesidades humanas reales. ¿Qué haces en tu tiempo libre? Juego muchísimo al tenis, realmente mucho, ¡es mejor no decir exactamente cuánto!

Portada: secuencia fotográfica de la familia de griferías y manijas Thumb, diseñada para Quadro Design, una serie de volúmenes puros en acero de los cuales se elimina una pequeña porción de material, obteniendo una marca que se convierte en una sugerencia de uso. Este gesto de sustracción genera una geometría suave que acoge los dedos y reaparece allí donde se requiere una interacción con el producto. Crédito fotográfico: Luca Caizzi. Gentileza Estudio Giacomo Moor.

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Entrar en el juego: Deporte, Arte y Cultura

Cecilia — Mon, 30 Mar 2026 19:36:03 +0000

El PAMM (Pérez Art Museum Miami) inicia su programación para este 2026 con una ambiciosa muestra grupal, que reúne más de 100 obras de artistas de distintas partes del mundo y pone el foco en el deporte y la dinámica que se genera entre la interacción del desempeño atlético y las expresiones artísticas contemporáneas. Una exposición que también se piensa como una experiencia para la gente y que se alinea a algunos de los grandes eventos que tendrán lugar en Miami, entre los que se encuentran el Torneo Abierto de Tenis, el Fórmula 1 y por supuesto, el mundial de fútbol. De esta manera Get in the game, Sports, Art, Culture, se convierte en una apertura y una excusa para transformar al PAMM, que busca acercar a un público acostumbrado a vincularse con el mundo cultural con aquellos que no suelen hacerlo, para que convergan y analicen el enorme impacto que el deporte ha tenido desde el principio de los tiempos en nuestras vidas, entendiendo también que arte y deporte no son universos antagónicos sino que se han mantenido estrechamente cercanos en muchos momentos de la historia de la humanidad, por ejemplo en la Antigua Grecia.

Derek Fordjour, Open Swim, 2021; gentileza Rennie Collection, Vancouver; © Derek Fordjour; foto: Daniel Greer, cortesía David Kordansky Gallery

Para los griegos, el deporte no era solo una forma de mantenerse físicamente activos, sino una manera de cultivar el espíritu, una expresión de la belleza y una vía para alcanzar la excelencia moral. Buscaban la armonía del cuerpo y la mente, así como la unión entre el arte y la filosofía, transformando al deporte en una parte central de la cotidianeidad que marcara la identidad del pueblo, una visión que hasta el día de hoy se mantiene firme, ya que de una manera u otra casi todos consumen, practican o siguen algún deporte. Es una excusa para reunirse, distraerse y descargar, por lo que es imposible negar que es una gran pasión de multitudes. ¿Sucede lo mismo con el arte?

Betsy Odom, Bulldog 30 shoulder pads 2009. Foto © Betsy Odom; Cortesía de la artista

Hoy el deporte completa muchos casilleros vinculados con la unión, el fanatismo (incluso desmedido), la admiración y la potencia del cuerpo. Ya sea como profesión, hobby e incluso negocio, está instalada y no va a irse a ninguna parte. "Esta exposición pone de relieve el modo en que los juegos y las competencias generan puntos comunes que trascienden tradiciones, identidades y rivalidades” comparten desde el PAMM acerca de esta muestra que se presentó originalmente en el 2025 en el SFMoMA y que nuclea a 76 artistas bajo un extenso abanico de técnicas y miradas, entre los que se encuentran el argentino radicado en Viedma, Martín Kazanietz, que desde hace muchos años enfoca su trabajo en torno al fútbol y el deporte amateur con una impronta muy nacional, por lo que resulta interesante saber cuál será la recepción del público extranjero. Lo mismo podría decirse de Alexandre Arrechea, artista cubano nacido en Trinidad o Thenjiwe Niki Nkosi, una artista sudafricana que por medio de pinturas en tonos pasteles y rostros sin facciones individuales simboliza la unión en el deporte. Frente a esta propuesta se asoma la pregunta: ¿puede traducirse la pasión que genera el deporte en el mundo del arte? donde si bien no faltan sentimientos de conexión y entendimiento, no se suele llegar a estadíos de desenfreno colectivo —a excepción de la música— como los que vemos por ejemplo en la final de un mundial. Sin embargo, sería genial poder ver como cada espectador encuentra entre estas obras, muchas de ellas participativas, representaciones del fervor, el trabajo en equipo, el drama y el entusiasmo que genera cualquier práctica que se desarrolla con verdadera pasión. Crear vínculos con el arte a partir de otras miradas y estrategias parece ser una de las características que encajan a la perfección con un museo como el PAMM, que abrió sus puertas en 1984, tuvo diferentes nombres y vivió muchas transformaciones hasta llegar a su versión actual en el 2013, gracias a la donación e iniciativa del empresario Jorge Pérez, nacido en Argentina e hijo de una familia española-cubana. Después de haber pasado su infancia en Colombia, a los 19 años llegó a Estados Unidos sin un centavo y logró convertirse en uno de los empresarios más importantes de Miami. Una institución precursora y el primer museo de arte contemporáneo concebido en y para esta área de Florida, con una heterogénea y plural población, que en su momento buscó llenar el vacío cultural que percibieron en cuanto a cómo se mostraba el arte del siglo XX y XXI posteriormente. “Creemos que el arte y las ideas tienen el poder de enriquecer la vida de todas las personas y que son una parte integral de la creación de un mundo más humano y justo”, afirman en su misión, que con el paso del tiempo se reconfiguró, respetando los rápidos cambios sociales que detectan a su alrededor. Es decir, que el PAMM se percibe como una institución activa y abierta al servicio de su comunidad. Un “foro público para el pueblo”, que busca promover el arte latinoamericano, africano, asiático y la experiencia cultural en general desde una ciudad que consideran una encrucijada entre las Américas.

Izquierda:Hugh Hayden. Nubian Queen, 2022. Cabello sintético, aro de básquet y tablero. Colección del Pérez Art Museum Miami, adquirido por el museo con fondos provistos por el Collectors Council de PAMM. Foto © Hugh Hayden; Cortesía Lisson Gallery./ Derecha: Sam Fresquez, NASCAR Nation, 2022; gentileza de la artista y Lisa Sette Gallery, Phoenix, AZ; Foto © Sam Fresquez; gentileza de la artista.

Se puede visitar hasta el 23 de agosto de 2026 en el PAMM
Horarios
Lunes: 11 a 18 h
Martes y miércoles: cerrado
Jueves: 11 a 21 h
Viernes a domingo: 11 a 18 h

Tel: +1 305 375 3000
Dirección: 1103 Biscayne Blvd., Miami, FL 33132

Portada: Ping Pong Table de Gabriel Orozco Get in the Game (vista de la instalación SFMOMA). Foto de Matthew Millman, Gentileza SFMOMA.

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Andrea Mancuso: La fricción entre mundos

Cecilia — Mon, 30 Mar 2026 13:44:13 +0000

En un contexto marcado por la circulación constante de imágenes, Andrea Mancuso se detiene. Vuelve a la materia, al tiempo, a los procesos que no se resuelven de inmediato. Su práctica se sostiene en la exploración y en la experimentación constante. La fricción entre artesanía e innovación, entre permanencia y fugacidad, entre naturaleza y lo artificial, no se plantea como conflicto, sino como un impulso para investigar, probar y dejar que el material revele algo propio.

Fringes, instalación permanente, Waldorf Astoria, Nueva York. Miles de cadenas suspendidas reinterpretan el perfil del edificio desde la cercanía y la distancia, convirtiendo la arquitectura en experiencia táctil y perceptiva.

Para él, el diseño no comienza en la técnica sino en la curiosidad: observar cómo envejecen los materiales, cómo se transmiten los gestos, cómo se superponen historias y tecnologías. Viajes, lecturas, conversaciones, cine, exposiciones e incluso el error en el taller alimentan un trabajo que se despliega como una forma de investigación. “El proceso creativo suele empezar a partir de una pregunta”, dice, y esa pregunta rara vez busca una respuesta rápida: funciona más bien como un método para sostener la duda el tiempo suficiente como para que la materia revele algo propio.

Booming Vases, en colaboración con Alessio Sarri. Formas cerámicas fracturadas cuando aún eran maleables, fijando en la materia el instante de la explosión. Un trabajo donde aire y arcilla colisionan y el proceso queda expuesto como huella

Esa forma de sostener la pregunta encuentra una expresión concreta en Booming Vases, la serie en la que bloques cerámicos son sometidos a explosiones controladas para capturar, en un instante, el momento exacto de transformación. “Es como un fotograma que captura la materia en un momento preciso”, explica. No se trata de ilustrar una idea, sino de exponer el instante de un proceso. Su manera de trabajar se acerca más a lo pictórico que al diseño entendido como respuesta eficiente: agrega, quita, ajusta, vuelve atrás. Nunca acepta la primera idea. El proyecto debe empujarse más allá de lo evidente hasta que, en algún punto, se sabe instintivamente cuándo detenerse. En sus clases suele decirles a sus alumnos que un proyecto lleva exactamente el tiempo disponible. El plazo no elimina la experimentación, pero la vuelve consciente; funciona como marco.

Acquario para Ferragamo, Milán, 2024. Miles de discos cerámicos aplicados manualmente conforman una topografía orgánica donde la repetición se vuelve construcción y la superficie concentra una energía colectiva que condensa tiempo.

Hoy, reconoce, no habitamos un movimiento unificado, sino un campo de miradas personales. Esa libertad se percibe con mayor intensidad en el diseño coleccionable, donde la experimentación material encuentra menos restricciones que en el mercado industrial. No se trata de una falta de dirección, sino de una pluralidad de voces. En ese contexto, un proyecto debe proponer una dirección sin clausurar la interpretación. La claridad no implica simplificación. Una obra puede ser inmediata y, al mismo tiempo, dejar espacio para la ambigüedad y la contradicción. “Cuando todo busca transmitir un mensaje claro, corremos el riesgo de perder matices”. Su temor es directo: “A la ignorancia y a la pérdida de cultura”. No habla de un concepto abstracto, sino de diseñar sin conciencia de lo que vino antes. “No se puede empezar desde cero ignorando lo que ya se hizo”. La lectura y el conocimiento del contexto no son adornos intelectuales, sino responsabilidades del oficio. En una sociedad cada vez más tecnológica, Mancuso vuelve la mirada hacia lo primitivo: seguimos valorando oro, piedra, piel, tierra. La sofisticación digital no ha desplazado nuestra atracción por la materia. En su trabajo, el tiempo se hace visible en superficies grabadas línea por línea, en piezas compuestas por miles de elementos, en procesos repetidos que acumulan sentido.

Sgraffito (2024). Mesas en mármol de Carrara grabadas a mano con miles de incisiones que registran el tiempo del proceso. Una exploración de la piedra como superficie viva.

La referencia al cine tampoco es decorativa. Antes de dedicarse al diseño quiso ser cineasta, y esa sensibilidad permanece. Sus objetos funcionan como películas mudas: transmiten significado sin necesidad de explicarlo. El silencio no es ausencia, sino densidad narrativa. Con el Salone del Mobile acercándose, el ritmo se intensifica. Para Mancuso, no es un evento más: “probablemente es el más importante del año” en términos de diseño. Lo describe como un momento a la vez mágico y agotador, donde se encuentran galerías, diseñadores, marcas, coleccionistas e instituciones. En esos días, Milán se vuelve un espacio de circulación intensa, intercambio y conversaciones que condensan, en pocas jornadas, el pulso de un año entero.

Silva Chair, 2023. Madera maciza y ramas injertadas mediante técnicas tradicionales alpinas. Una pieza que explora la continuidad entre bosque y objeto, entre oficio heredado y gesto contemporáneo.

Sin embargo, su mirada sobre el diseño es más llana. No lo concibe como un espacio para grandes declaraciones sociales; ese tipo de reflexión, dice, le resulta más verdadera en instancias íntimas, en conversaciones tranquilas. El diseño puede cuestionar y reflejar su tiempo, pero no necesariamente transformarlo. Cuando se le pregunta qué espera que cambie en diez años en relación con el diseño, responde con serenidad: espera que no cambie demasiado. Le interesa, especialmente, este momento. La inteligencia artificial influirá, pero no desplazará nuestra relación con la materia. Al contrario: cuanto más abstractas sean las herramientas, más valoraremos lo físico, lo hecho con gesto y con tiempo. En la obra de Andrea Mancuso, la fricción entre mundos no impone un mensaje; abre una experiencia. La cultura no es nostalgia sino responsabilidad. Y el objeto, lejos de ser una respuesta cerrada, queda como un lugar donde la materia y el tiempo se encuentran, y la memoria todavía nos permite reflexionar.

Woven Tales, Hermès, 2025. Escenografía tejida que transforma la vidriera en relato tridimensional, donde artesanía, memoria y narración visual se entrelazan.

Foto de portada: Andres Mancuso por Delfino Sisto Legnani. Todas las imágenes de esta nota son gentileza de Andrea Mancuso Studio.

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Alberto Greco: Viva el arte vivo

Cecilia — Mon, 30 Mar 2026 13:39:13 +0000

La muestra lleva un título que apela a las emociones: Alberto Greco. Viva el arte vivo, un circuito que recorre la trayectoria del artista entre 1949 y 1965 y ubica su producción en diálogo con las vanguardias de su tiempo y con debates actuales. Con curaduría de Fernando Davis, la exposición propone conocer de cerca las prácticas experimentales y transdisciplinarias de Greco —que abarcaron pintura, escritura, dibujo, collage y acciones de arte vivo— poniendo el foco en su cuestionamiento de los límites entre arte y vida. Hasta junio de 2026 el emblemático museo madrileño le dedica ocho salas a Greco, con más de 200 obras y documentos que reconstruyen el derrotero creativo: desde la poesía al arte vivo, un concepto que formuló en 1962, tres años antes de su muerte. En la exposición figuran obras del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, una colaboración que incluye dos collages y una pintura de Alberto Greco junto con tres fotografías de Juan Dolcet que documentan la producción del artista.

Acto vivo-dito de Alberto Greco en Piedralaves, 1963 Colección / Archivo Galería del Infinito © Montserrat Santamaría © Gentileza derechohabiente de Alberto Greco

Greco nació en Buenos Aires en 1931 y murió en Barcelona, en 1965. En línea de tiempo, el despliegue expositivo se inicia con una primera sala que funciona como prólogo. Incluye poemas y relatos tempranos como Fiesta (1950) y Ni tonto ni holgazán (1956), donde aparecen gestos ligados a lo fantástico y lo pueril. La presentación de Fiesta fue interrumpida por la policía bajo acusaciones de comunismo, episodio que luego fue leído como un antecedente performático. El período parisino (1954-1956) toma forma marcado por la precariedad y la deriva urbana. Greco construyó una figura pública atravesada por el desvío. La inscripción “GRECO PUTO” en baños públicos sintetiza la identidad como gesto artístico. Una arquitectura de la provocación que en esta muestra se subraya en otra de las salas, donde se aborda su etapa informalista en Buenos Aires. Greco impulsó un estilo definido por él mismo como “terrible, fuerte y agresivo”. Utilizó brea, esmalte, arena y aserrín, sometió los lienzos a la intemperie e incluso promovió intervenciones orgánicas sobre las superficies. El cuadro dejó de ser representación para convertirse en materia en proceso. Esa saturación fue la que anticipó su pasaje hacia situaciones urbanas, a la calle. El quiebre, en este sentido, se dio cuando el artista empapeló la ciudad con afiches que gritaban desde su gráfica: “¡¡QUÉ GRANDE SOS!!” y “El pintor informalista más importante de América”. La operación, pionera en el auto marketing, puso en blanco sobre negro el lenguaje de la publicidad y habilitó la circulación masiva.

Vista de sala de Alberto Greco. Viva el arte vivo. Archivo fotográfico del Museo Reina Sofía

En marzo de 1962, en París, finalmente, impulsó el arte vivo. Su misión consistió en señalar con un círculo de tiza personas u objetos y declararlos obra de arte. En el Manifesto Dito dell’Arte Vivo, publicado en Génova, Greco planteaba que el artista ya no debía mostrar con el cuadro sino “enseñar a ver con el dedo”. A diferencia del ready-made, no trasladaba el objeto al museo: lo señalaba en su día a día, en el acontecer cotidiano. La cuarta sala, en tanto, está centrada en su etapa española. En Madrid, en 1963, organizó un viaje colectivo en metro, desde Sol a Lavapiés, que terminó a pura performance: la quema de una tela pintada. En Piedralaves, por su parte, desplegó el Gran manifiesto-rollo arte vivo-dito, una tira de casi 300 metros que integra dibujos, cartas, recortes y aportes de vecinos. El pueblo entero se transforma –y Greco lo declara-- una obra de arte. En Madrid produjo collages y dibujos atravesados por lo que llamó “mala letra”: escrituras superpuestas, referencias a tangos, publicidad, prensa y grafitis. En 1964 presentó sus objets vivants: siluetas de personajes reales trazadas sobre tela en vivo, frente al público. La inauguración fue precursora en instalaciones performáticas, ya que incluyó música y participación de niños, alterando el protocolo expositivo. Por otra parte, la obra Crucifixiones y asesinatos sobre la muerte, con motivo del asesinato de J. F. Kennedy combina imaginería religiosa y referencias al magnicidio de Dallas, subrayando una de sus pasiones: el cruce entre medios masivos, política y ritual.

Vista de sala de Alberto Greco. Viva el arte vivo. Archivo fotográfico Museo Reina Sofía

El tramo final del recorrido expositivo incluye los collages de “autopropaganda”, donde reemplazaba marcas comerciales por su nombre, y el vivo-dito Mi Madrid querido en Buenos Aires. En 1965 escribió en Ibiza la novela Besos brujos, relato atravesado por canciones populares, dibujos y fragmentos autobiográficos. La exposición termina con el collage Todo de todo (1964), que condensa su impulso acumulativo y apela a un arte “para todo el mundo”. El catálogo reúne textos del artista, entre ellos el manifiesto y fragmentos de sus cuadernos, junto a ensayos de Fernando Davis, María Amalia García y Sandra Santana. A más de seis décadas de su muerte, el Museo Reina Sofía propone una lectura integral de una obra provocadora, que hizo de la vida un territorio de intervenciones estéticas. Greco no buscó estabilizar una forma sino activar situaciones. Su gesto de señalar con el dedo continúa interpelando los modos de ver y de exhibir.

Foto de portada: Alberto Greco, ¡¡Qué grande sos!!, Buenos Aires 1916. Fotografía de Sameer Makarius. Las fotos de esta nota son gentileza del Museo Reina Sofía

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Valerio Sommella: unidad en la diversidad

Cecilia — Tue, 24 Feb 2026 15:35:15 +0000

Diseña una amplia gama de productos para múltiples industrias. El corazón de su práctica está ligado a la investigación y demuestra un interés profuso que abarca el lenguaje, la forma, la materialidad y la tecnología de los objetos. Su portfolio es un muy buen ejemplo de unidad en la diversidad, un concepto que representa la armonía y cohesión, valorando las diferencias que propone cada comitente. ¿Tenés algún recuerdo que esté relacionado de alguna manera con el diseño? Nací en Cortona, que es un pequeño pueblo de la Toscana, al que mi familia se mudó desde Milán. Mi madre estudió literatura y mi padre economía, pero quisieron dejarlo todo y mudarse a las colinas, a una casa rodeada de olivos, para abrir un restaurante. El primer recuerdo que me acerca a la idea de crear algo es estar en el estudio de mi abuelo, que era ingeniero de la construcción. Allí era habitual ver maquetas de edificios, me llamaban la atención los detalles: los arbolitos del jardín, las personitas. En ese momento, quería ser ingeniero. Con el tiempo, mantuve mi interés por las materias científicas, pero poco a poco me alejé del enfoque rígido de la ingeniería y me acerqué a las artes. Cuando llegó el momento, tuve la suerte de estudiar diseño en el Politecnico di Milano. Probablemente la mejor anécdota de mis años de estudiante surgió cuando mi abuela me preguntó si conocía a Vico Magistretti. Ella me dijo que solía venir a nuestra casa cuando era joven porque era pariente de mi tío Carlo. Lo conocí en persona cuando tenía veinte años.

Sufrido, pelador de frutas y verduras, para Alessi (2015), el tamaño compacto busca acortar la distancia entre el alimento y la mano. Asistente de proyecto: Pedro Rodriguez. Ph: Bea de Giacomo

Tu portfolio es muy variado, ¿cómo es un día normal en el estudio? La posibilidad de trabajar en temas diferentes mantiene viva mi curiosidad. Cada nuevo proyecto es una nueva historia que a menudo requiere empezar desde cero: estudiar, aprender y aplicar nuevas tecnologías, herramientas y reglas. No creo que haya un día típico en mi estudio; depende de la época del año y de los proyectos que tengamos entre manos. Hay una gran pizarra en donde colgamos los bocetos de los proyectos actuales y también enchinchamos referencias y cosas que nos llaman la atención, suele haber maquetas a escala impresas en 3D por todas partes. Lo único constante en mi rutina, es que a la hora del almuerzo salgo de la oficina para ir a nadar, de 13:00 a 14:30 nunca estoy disponible. ¿Qué significa para vos el diseño? ¿Creés que el diseño le da forma a los lugares que habitamos? El diseño es una herramienta para aportar belleza a nuestra vida cotidiana. Vivimos en un mundo en el que las funciones básicas ya están cubiertas (tenemos sofás y luces), pero creo que la lectura se vuelve más agradable cuando el sofá en el que nos recostamos y la luz que ilumina el espacio están cuidadosamente planificadas. El diseño transforma una situación cotidiana en una experiencia memorable. Cuando un objeto es verdaderamente bello, no solo en su aspecto, sino también en su tacto y su funcionalidad, aporta calidez a las rutinas más sencillas, esto puede ser una taza de cerámica con el peso perfecto o un pomo de puerta que se adapta a la palma de la mano con naturalidad, convirtiendo una tarea miscelánea en una actividad placentera.

Octave, para Ichendorf (2026), es una colección de recipientes de vidrio facetados. Su nombre hace referencia de manera más obvia a la geometría del objeto, y de forma subyacente trabaja sobre la progresión de octavas usadas en música para definir al intervalo entre las diferentes medidas de los recipientes que componen la colección. Ph: Giovanni E. Galanello

¿Podrías explicarme tu proceso de investigación? ¿Qué importancia tiene la historia en un proyecto? Para mi la investigación es un viaje fluido, que comienza con una conversación profunda con el cliente, de esa charla surgen indicios que me permiten explorar el contexto que rodea al producto; a partir de ahí también busco inspiración en el exterior, el objetivo es lograr una mirada singular para abordar el proyecto. Te pongo dos ejemplos, con procesos opuestos: por un lado está el sistema de audio Px2.1, para Herao, diseñado hace 25 años, fue un proceso guiado por el instinto; mientras que la colección Octave (2025), para Ichendorf, está compuesta por diversos recipientes de vidrio, y requirió una investigación de mercado precisa; la simplicidad en 2025 es difícil de alcanzar, especialmente en tipologías de productos que se han explorado durante décadas. La historia es esencial, ya que nada existe en el vacío; comprender lo que vino antes me permite construir algo que perdure. La línea temporal es elástica, para generar una lluvia de ideas, la investigación puede durar segundos; mientras que para una construcción estratégica compleja, puede llevar días de síntesis iterativa. ¿Cómo surgió el proyecto Matrioska? Pasaron 15 años, ¿hay algo que cambiarías? Matrioska, para Rianne S, fue el primer proyecto que hice tras abrir mi estudio, acababa de regresar de Ámsterdam y lo consideré una oportunidad desafiante, en ese momento diseñar juguetes sexuales fue revolucionario, muy pocas empresas aplicaban el diseño a ese tipo de productos. Tuvimos que empezar desde cero, desde los bocetos iniciales hasta visitar a los proveedores en Hong Kong y Shenzhen, fue increíblemente divertido. Mirando atrás, por supuesto que cambiaría cosas, es raro que esté 100 % satisfecho, creo que siempre hay margen de mejora, en el diseño y en la vida misma.

Tama, para Ethimo. Colección de mesas (Ø39 y Ø70) bajas en cerámica de fabricación artesanal.

¿Qué te gustaría diseñar próximamente? Siempre me alegra abordar nuevas tipologías, estoy deseando ampliar mi ámbito de trabajo a nuevas áreas: me gustaría diseñar una cocina, trabajar para una galería en piezas únicas y seguir explorando para ¡no aburrirme nunca! ¿Qué estás leyendo y escuchando? Tengo varios libros en mi mesita de noche; muchos los empecé y aún no los he terminado, lo cual no me enorgullece. Actualmente, hay algunas novelas, un cómic de un autor italiano que me encanta y un ensayo que espero terminar algún día, El cisne negro: el impacto de lo altamente improbable de Nassim Taleb.

Foto de portada: Izquierda: Portofino, lámpara de mesa portátil y super delgada en aluminio y mármol, para Nemo (2023). Ph: Alberto Strada. Derecha: Valerio Sommella.

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Victoria Liendo: La observación minuciosa de lo cotidiano

Cecilia — Tue, 24 Feb 2026 12:52:00 +0000

Hay en los nombres de esas heroínas de Alberto Migré —Mónica Helguera, Clara Romero, Micaela Manzi— una cacofonía vital: sintagmas que tropiezan, se desbordan y avanzan entre el deseo, el amor y el desorden; repetición de acentos, choques consonánticos, una música irregular. De ese ruido parece florecer el nombre Victoria Liendo, sostenido como una fuerza continua. Al pronunciarlo, algo se pone en marcha: Victoria yendo, Victoria lento. Es un nombre que, como los que mencioné, avanza mientras se dice. “Besos, no” es un relato que no se parece a nada, en el que el amor, la amistad y el matrimonio se narran como una práctica de desgaste. La narración es una bomba fragmentaria que, a diferencia de otras obras —pienso en Los daños materiales, de Matilde Sánchez—, no estalla como un ajuste de cuentas ni como un castigo furtivo hacia la pareja. Lo que se pone en juego es el intento de desarmar un mundo, hacerlo saltar en pedazos para ver qué queda en pie. Ese (des)montaje no se traduce en una épica del derrumbe, ni en una teoría del derrape, sino en una observación minuciosa de lo cotidiano. Liendo trabaja con escenas breves, vínculos en tensión y silencios que pesan más que los estallidos, como si la narración avanzara a fuerza de pequeños corrimientos. —El relato está completamente centrado en la protagonista, cuyo nombre nunca se revela. ¿Ese foco fue una decisión para decir más de ella que del mundo que la rodea? ¿En algún momento sentiste que podías bandearte? —Interesante esta idea del bandearse, irse demasiado para un lado, morder banquina, irse al pasto, hay algo de todo eso en la novela, ¿no? Mi preocupación constante mientras escribía fue no opacar a Lucien, el personaje del marido. Quería darle espacio, dejarlo desplegarse en todo su esplendor (es un hombre esplendoroso). Por eso Williams (el amante), Buenos Aires e incluso el hijo (que, como ella, no tiene nombre) están borroneados. En ese sentido, sí traté de no bandearme. —¿Buscaste con eso retratar la dificultad de mostrar lo que, de manera brutal, se llama auténtico o frontal? —Bueno, ¡claramente te pareció que la novela está bandeadísima! La protagonista te parece excesiva, prácticamente una degenerada, ya no sé qué otra palabra usar. Me venís insinuando que ella está demasiado… ¿Está demasiado qué? Un periodista de izquierda me compartió (además de su felicitación y de lo que disfrutó leerla) cierta irritación por su ir y venir. Otros hombres manifestaron abiertamente ganas de pegarle. Yo ahora, después de esas críticas masculinas, releo esos capítulos justo antes del final, que es donde la duda se profundiza, y pienso: sí, ¡la duda es agotadora! Las histéricas no son criaturas que despierten empatía, más bien todo lo contrario.

Entre París y Buenos Aires, una joven argentina recién casada descubre cómo su vida amorosa se convierte poco a poco en un sacrificio. El matrimonio, aquel sueño que la acompañaba desde la infancia, resulta un fracaso, y no puede culpar a nadie más que a sí misma. “Besos, no” de Victoria Liendo, Emecé Editores.

—“El casamiento fue una gran pérdida. De plata para empezar. Los fotógrafos, el catering, el DJ, mi vestido de tul de seda inglés, los violines y el campo de golf, todo guardado en una nube que creía eterna y era al final tan efímera como cualquier nube que pasa por el cielo. No quedó un solo video. Una sola foto. Nada”. Con este extracto uno piensa: Acá hay una novela. ¿Descubriste que tenías una novela cuando salieron estas primeras líneas? —Vos sabés que dos amigos varones me aconsejaron sacar ese comienzo. Pocos lugares más importantes en esta vida que el incipit, esa primera frase que abre un libro y puede con el tiempo ir tomando una forma autónoma que lo condensa, como una cifra. Le doy, de hecho, demasiada importancia. Juzgo libros por sus comienzos. Es el primer filtro. Me decían sacalo, no va esa enumeración, ya contaste todo ahí, no va. Yo la dejé. ¿Por qué? La encontré en un cuaderno viejo (siempre ando con uno encima) y me pareció ajena, escrita por alguien más. Me sorprendió que el registro de esa anotación cruda, sin pretensiones, tan brutal que habla de plata en la segunda oración hubiese podido captar un tono, una voz entre la expectativa, la exigencia, la ilusión y el desastre. Para contestar a tu pregunta, entonces: sabía que ahí había una historia (las veo por todos lados) pero no, no me di cuenta de que tenía una novela, ni siquiera estaba escribiendo cuando la escribí. Fue un desahogo, notas que suelen perderse. Vivió sin lectores durante años, más de un lustro perdido en un cuaderno Moleskine, ignorando su destino de incipit. ¿Fue un error dejarla? ¿Debería haber empezado de otra manera? No te imaginás la alegría que me da pensar: ya no importa. El dulce aroma del éxito Liendo fue una de las grandes editoras de la revista digital Seúl, además de publicar un newsletter quincenal (La aventura interior), artículos y entrevistas. La autora se mueve por fuera del centro, con una tenacidad que prefiere filtrarse por las grietas de la cultura nacional antes que aceptar la comodidad de una consagración previsible. Liendo avanza desde la colectora de la literatura: divertida, ocurrente, filosa. Basada —en el sentido neológico que el habla juvenil y las redes sociales le han dado al término, usado para describir a quienes opinan sin miedo a la polémica ni al impacto que esas opiniones puedan tener sobre su imagen—, su escritura asume esa posición con una lucidez desarmante. No hay pose ni solemnidad, sino una ética del desmarque que ella misma resume con una frase reveladora: “Disfruto demasiado de no tomarme en serio”, una declaración que funciona menos como gesto liviano que como programa estético. —Viviste y estudiaste en Francia, editabas Seúl y reivindicás a Victoria Ocampo. Todo eso va a contrapelo de ciertos lugares comunes del escritor argentino contemporáneo ¿Te interesa entrar a los círculos literarios argentinos o preferís cascotearlos? —Con lo de cascotear me tocás una fibra íntima. En una de mis últimas entrevistas, fui chismosa y hablé mal de un par. ¡Qué no debería yo osar llamar de tal manera! Un grande, el mejor. Igual yo me puedo enojar, ¿o no puede una enojarse? En mis fantasías paranoicas, todos los escritores se conocen y son amigos entre sí y me critican y hacen fiestas a las que nunca me dejarían entrar, en las que, si me cruzaran, me harían el vacío. ¿Existirán?

Victoria Liendo (Buenos Aires, 1981) es escritora y editora. Se doctoró en Letras por la Université Paris 8 Vincennes–Saint-Denis, con una tesis sobre las obras de Victoria Ocampo y Witold Gombrowicz. Entre 2011 y 2020, enseñó lengua y cultura latinoamericanas en la Université Paris-Est Créteil. Fue editora de Revista Seúl y autora del newsletter La Aventura Interior. “Besos, no” es su primera novela.

—Amigos argentinos suelen decir que los franceses son los reyes de la moral pero nunca leí lo que cuenta la narradora sobre ellos ¿no es demasiado castigo? —Sabía que me estaba pasando un poco con el castigo a los franceses, pero (como es sabido y Borges dijo tan bien) un poco siempre se lo merecen (“uno siempre quiere matar a los franceses que tiene a mano, pero a Francia la quiere”). —En la novela hay un modo de decir muy seco, casi mecánico, que puede leerse como frialdad. ¿Te interesaba trabajar esa ambigüedad en la voz de los personajes, especialmente en la protagonista? —Ok, también te pareció robótica. ¡Veo que no le creés nada a la pobre chica! Yo creo que ella y el primo y la abuela y andá a saber quién más, cultivan un estilo de decir las cosas brusco, demasiado preciso, lo que le imprime, por más neutro, cierta violencia. Como cuando en la novela una amiguita le cuenta a otra de dónde vienen los bebés y usa una frase brutal, fría, estricta en su descripción, pero que convierte al sexo en algo más, algo que no se parece al sexo y es perturbador de otra manera. No termino de entender si la novela te pareció muy auténtica o muy brutal, pero ambas opciones son buenas. — Me corro del eje: ¿en qué actividad, por mínima que sea, te mostrás como ejemplo y lo transmitís sin pudor? —Soy valiente. Es algo que me sale y que me cuesta (en términos de costo) mucho más de lo que me doy cuenta, pero como dijeron Borges y el manager de Luis Miguel en la serie de Netflix: “Nadie se arrepiente de haber sido valiente”.

Todas las fotos de esta nota son gentileza de Victoria Liendo y María del Carril.

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Alexander Lotersztain: la audacia de pensar sin fronteras

Cecilia — Mon, 12 Jan 2026 19:19:54 +0000

Alexander Lotersztain (Buenos Aires, 1977) es uno de esos diseñadores que entienden el mundo como un territorio en expansión. A los 19 años dejó Argentina para estudiar Diseño Industrial en Australia, impulsado por el deseo de ampliar sus fronteras. Vivió y trabajó en Japón y España, experiencias que ampliaron su mirada, pero hoy tiene su base en Brisbane, Australia, desde donde dirige su estudio homónimo y Derlot, la firma de mobiliario y diseño contemporáneo con la que consolidó una trayectoria de proyección internacional.

Canadian Academy, Kobe, Japón. Diseño como coreografía social: geometrías orgánicas y modularidad inteligente para espacios dinámicos y profundamente humano. Gentileza Estudios ALS.

Su obra, que combina precisión industrial, intuición latinoamericana y una sensibilidad que él mismo define como “audacia sutil”, alcanza uno de sus puntos más altos en el diseño de experiencias para aeropuertos, un territorio donde confluyen las dinámicas más complejas del tránsito contemporáneo. Allí se manifiesta con claridad una evolución coherente y visionaria: sistemas modulares que nacieron en entornos de oficina, se expandieron hacia espacios educativos y alcanzaron su madurez en proyectos como el Aeropuerto de Adelaide, en Australia, y la terminal de American Airlines en el aeropuerto de Dallas–Fort Worth, en Estados Unidos.

El aeropuerto como ciudad en tránsito: formas que contienen la vida entre un destino y otro. Izquierda: Aeropuertos de San Diego (USA), gentileza Estudio ALS Derecha: Adelaide (Australia) Foto: Florian Groehn.

En esos escenarios, sus diseños responden a nuevas formas de habitar, esperar y circular, acompañando no sólo la transformación de las tipologías arquitectónicas, sino también la de las conductas humanas que las atraviesan. En un contexto donde trabajar, aprender, descansar o viajar ya no sucede en espacios estancos, Lotersztain piensa el mobiliario como un organismo vivo: adaptable, reconfigurable y profundamente conectado a la experiencia del usuario. Con proyectos desarrollados en Australia, Europa, Estados Unidos y Asia y piezas incorporadas en colecciones como la del Centre Pompidou, encarna una mirada global capaz de leer el presente y proyectar infraestructuras sensibles para el futuro. El arco de trabajo de su estudio es amplio y profundamente transversal. Derlot articula diseño industrial, mobiliario, interiorismo, dirección de arte, identidad de marca y desarrollo de productos para espacios públicos de gran escala. Esa diversidad no responde a una lógica de dispersión, sino a una visión integral: comprender las necesidades contemporáneas desde múltiples ángulos y traducirlas en sistemas coherentes, dónde función, experiencia y lenguaje visual se enlazan con naturalidad. Esa flexibilidad conceptual le permite moverse con la misma solvencia entre piezas de mobiliario y proyectos urbanos complejos, integrando tecnología, estética y uso en una única narrativa de diseño.

By Artisans. Diseño de interiores y producto.Cuando el proceso es parte de la experiencia: la destilería se vuelve escenario y el producto, relato. Fotos: Florian Groehn.

Otro de los pilares de su trabajo es la relación entre materialidad y tecnología, motores silenciosos del diseño contemporáneo. Para Lotersztain, la innovación no se manifiesta como un gesto espectacular, sino como una herramienta precisa que mejora la experiencia, optimiza el uso y expande las posibilidades estéticas. En ese marco, el textil emerge como un ejemplo elocuente. Los avances en fibras técnicas, tratamientos antimanchas y superficies de alta resistencia hicieron posible lo que antes parecía impensado: introducir colores claros en espacios de alto tránsito sin resignar durabilidad. Gracias a estos desarrollos, aeropuertos, universidades y entornos corporativos pueden hoy adoptar paletas más luminosas, serenas y sofisticadas, incluso bajo condiciones de uso intensivo.

Flinders University, Adelaide, Australia. Paleta clara y textiles técnicos para nuevos modos de aprender. Gentileza Estudios ALS.

Pero la tecnología en su obra va más allá del universo textil. Se manifiesta en el uso de materiales compuestos, en métodos de ensamblaje cada vez más precisos, en sistemas pensados para crecer, adaptarse o reconfigurarse, y en una ingeniería del detalle que acompaña nuevas formas de habitar. Para Lotersztain, innovar implica anticipar cómo un objeto puede ajustarse a los ritmos del presente y responder a funciones en permanente transformación.

Longueville Hotel, Sydney, Australia. Mobiliario que equilibra estética y funcionalidad en espacios de hospitalidad contemporánea. Gentileza Paul Kelly Design.

Esa mirada se complementa con una lógica de producción distribuida, flexible y estratégica. Derlot trabaja con distintos centros manufactureros alrededor del mundo, seleccionados según la tipología del proyecto, la escala, las exigencias técnicas y la cercanía al contexto de uso. No se trata de producir siempre en un mismo lugar, sino de activar una red global capaz de fabricar lo más cerca posible del destino final, reduciendo traslados, optimizando recursos y respondiendo con agilidad a cada mercado. Este enfoque, además de eficiente, plantea una forma concreta de sustentabilidad: menos transporte, menor huella de carbono, materiales adecuados a cada región y procesos más trazables. Una sostenibilidad entendida como práctica y decisión de diseño, más que como declaración.

+81 Interiores, Brisbane, Australia. Diseño de interiores, gráfico y de mobiliario que, con un tono oriental contemporáneo, propone una atmósfera construida a partir del color, la luz y la materialidad. Fotos: Florian Groehn

En consonancia con esta búsqueda de coherencia productiva, Lotersztain decidió dejar de fabricar en China, a partir de experiencias en las que los procesos y estándares no dialogaban con la filosofía de Derlot. Su postura es clara: calidad, trazabilidad y responsabilidad son dimensiones inseparables del diseño, tan centrales como la estética.

HappyCo, Adelaide, Australia. Mobiliario que combina funcionalidad y una paleta amable para entornos laborales en evolución. Fotos: Brad Griffin.

Su paso reciente por Buenos Aires fue breve, pero suficiente para dejar una huella. Una tarde, en el lobby del nuevo edificio Mirabilia 851, ofreció una charla distendida ante un grupo de arquitectos, diseñadores y profesionales de la ciudad. No fue una conferencia formal, sino una conversación abierta y cercana, casi íntima, sostenida por un tono amable y accesible. Frente a él, acompañando la escena, estaba una de las piezas que diseñó especialmente para el edificio. Su presencia silenciosa parecía condensar todo lo que se había dicho: modularidad, tecnología, nuevas tipologías y esa forma de diseñar para un mundo en permanente movimiento.

Mirabilia 851, Buenos Aires, Argentina. Única huella material del diseñador en la ciudad, nacida de un encuentro digital entre los arquitectos del proyecto y su estudio. Mobiliario escultórico, testigo y contexto ideal para esa conversación durante su visita que inspiró tanto y recuerda que el diseño también es encuentro. Gentileza Derlot Group.

A medida que avanzaba la charla, los presentes se sumaron con preguntas, comentarios y reflexiones. Se generó un clima de proximidad: el de una comunidad creativa que se reconoce en el otro, se inspira, se entiende y se respeta. Muchos lo escuchaban por primera vez, pero la sensación era la de estar frente a alguien cercano, transparente y profundamente conectado con su oficio. De ese encuentro quedó resonando una idea compartida: la enorme cantidad de talento argentino que hoy deja huella en el mundo y la necesidad —cada vez más urgente— de seguir expandiendo fronteras.

Foto de portada, gentileza Estudio ALS

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Valentina Luppino: Contar historias visuales de manera contemporánea

Cecilia — Thu, 08 Jan 2026 18:13:41 +0000

“La música es el arte de combinar los horarios”. La frase, cuya autoría se reparte entre quienes creen que es de Robert Fripp y aquellos que aseguran que fue dicha por Horacio Malvicino, bien puede ser aplicada a las entrevistas. A los desencuentros posibles se le pueden sumar viajes inesperados, cuestiones de salud y, para empeorar todo, el inaguantable stress que traen todos los fines de año en Buenos Aires. Todo esto se aplicó a la charla con Valentina Luppino. Pero la buena onda mata todo, y con la ayuda de la virtualidad las distancias se acotaron y el diálogo fluyó. Para quienes no la conocen, Valentina es la directora de arte detrás de videoclips como Delito y Grasa de Nathy Peluso, “Los años salvajes” de Fito Páez y, más que nada, Baño María de Catriel Guerreiro y Ulises Guerriero, más conocidos por sus alias de Ca7riel y Paco Amoroso, entre otros trabajos. Y también incursionó en el mundo de la publicidad: el aviso Historias argentinas de Renault, filmado por todo el país y dirigido por el colectivo de realizadores Pantera, obtuvo numerosos premios en el Festival de Cannes, entre ellos el de Production Design Craft, el área que le compete a ella.

Vista panorámica de la puesta del video de Nathy Peluso “Grasa”, Valentina es su directora de arte. Dirección de Agustín Puente, productora The Movement. Gentileza Valentina Luppino.

Estimulada por unos padres aficionados a las artes visuales, que de chica la llevaban a muestras y museos, Valentina estudió en la Universidad del Cine la carrera de Escenografía y Vestuario, “ya que en su momento no existía la especialización en Dirección de Arte”. Y enseguida, un pedido para un trabajo de la facultad a Coty Larguía, reconocida Directora de Arte, hizo que se afianzara en su vocación. “Cuando entré a la FUC tenía 17 años y acababa de salir del colegio. No tenía ni un solo contacto, ni tenía idea de nada. Al poco tiempo de estar en la facultad leí en una revista una entrevista a Coty. Conseguí su mail, me tiré el lance y le mandé un cuestionario. Pasaron las semanas, los meses, y tuve que entregar el trabajo sin la parte de la entrevista. Coty finalmente me respondió de manera divina a todas mis preguntas. Y me puso ‘Espero que te sirva para tu trabajo de la facultad’. Le conté la verdad: que ya había entregado el trabajo, pero que esas respuestas me servían para mi vida. Y le dije que si necesitaba un asistente, aunque sea para servirle el café, que me llame. Creo que ahí mi curiosidad y mi afán por aprender le generaron empatía, y después de un par de meses, en los que de vez en cuando le mandaba algún mail, un día me llamó. Le voy a agradecer a Coty de acá a la eternidad por haber sido mi primera mentora, y también a Rafa Olarra, que en su momento era su mano derecha, que después se convirtió en director de arte, y a quien también asistí durante muchos años”, cuenta, emocionada por el recuerdo.

Algunos de los videos en los que se destacó como directora de arte. Izquierda: ¨Baño María“ Ca7riel & Paco Amoroso, dir. Pantera, prod. Obra,. “En este caso particular, muchas de las fotos que saqué se terminaron usando en el BTS para toda la promo del disco. Estuve en la presentación en el Lollapalooza y en otras instancias”, recuerda Valentina. Centro: Trueno ft. J Balvin, dir. Lucas Vignales. Derecha: Ateph Elidja, “Burn October” Dir: Wacho, Prod Pantera. Gentileza Valentina Luppino

El vínculo con Brian Kazez, una de las cabezas de Pantera, hizo que en una conversación ambos pensaran en “hacer algo que nos diera más libertad creativa, como un clip. Así surgió Baño María de Ca7riel y Paco Amoroso, que fue un long form que pudimos hacer en fílmico”, cuenta Valentina, quien colaboraba con el dúo “desde antes de su salto meteórico a la fama. Hice la tapa del disco solista de Paco y de su primer single, y videos de ellos como ‘En el after’ o ‘Tu sombra’”. Al ser, por aquel entonces, pareja de Paco Amoroso, Valentina le guarda especial cariño a Baño María. “En este caso particular, muchas de las fotos que saqué se terminaron usando en el BTS para toda la promo del disco. Estuve en la presentación en el Lollapalooza y en otras instancias”, recuerda. Pero hay otro longform al que le tiene un aprecio similar: Grasa, de Nathy Peluso. “La admiro muchísimo: me parece una performer y una cantante increíble. Grasa ganó un Latin Grammy, fue dirigido por Agustín Puente, y fue un proyecto para el que le pusimos muchísimo tiempo, cabeza y corazón. Con él también hicimos Delito de Nathy, que es uno de mis clips favoritos. Es muy gratificante formar parte de una expresión cultural, de un movimiento y de algo contemporáneo que ayuda a contar una historia desde el lado visual”.

Moodboard realizado para el video “Grasa” de Naty Peluso. Gentileza Valentina Luppino.

Entonces, ¿cuál sería el estilo de Valentina Luppino? “Me hago muy seguido la pregunta de cómo definiría mi estética. Quizás esta sea una pregunta que la pueda contestar mejor en el futuro, viendo en retrospectiva mi trabajo, o quizás sea algo que puede contestar otra persona viendo mi trabajo desde afuera. Lo que sí creo que se ven reflejados son mis gustos y mis influencias, como por ejemplo las películas que admiro, o los fotógrafos que fueron y siguen siendo mis referentes. En general trato de inspirarme no en el trabajo de otros sino también, muchas veces, de lo que pasa en la calle: me la paso con el teléfono sacando fotos de cosas que veo o que me llaman la atención, recortes de la realidad, diferentes porciones del mundo. Me cuesta definir mi estética porque me pasa tanto en el trabajo como en la vida: puedo estar en una esquina comiendo un choripan o estar en un penthouse comiendo caviar”, cuenta. Pero, como ya se ha dicho, Valentina tiene un constado bien marcado en el fabuloso universo de la publicidad. ¿Cómo se lleva con esa inmediatez y rapidez laboral constante, muchas veces insoportable? “Me llevo muy bien. No sólo con el hecho de cambiar de proyectos, equipos de trabajo y enfoque, sino también con algo que pasa con mi profesión que es que con cada trabajo tenés que aprender sobre el tema en cuestión, por ejemplo sobre autos o sobre gente que es convicta. Si hay algo que rescato de mi profesión es la diversidad, el gusto tan variado y la sed de conocimiento por cosas tan diferentes. Que todo sea tan heterogéneo me encanta, y alimenta mi curiosidad y mi alma geminiana. Por otro lado, la publicidad es un medio donde todavía hay inversión económica y hace sustentable poder hacer otras cosas más artísticas. Es un poco una de cal y una de arena, un balance entre el amor al arte y el amor a pagar el alquiler. Por suerte en estos últimos años pude elegir muy bien los proyectos en los que estuve, y los comerciales en los que fui parte son piezas de directores que se preocupan por contar historias de una manera muy linda. Hace poco pensaba que la brecha entre publicidades y videoclips cada vez es más corta, ya que estamos en una época de tanto contenido y tanto video y tanto consumo que la publicidad busca ser cada vez más cinematográfica y el arte se vuelve cada vez más mainstream. Creo que yo estoy justo en el medio”.

Izquierda: Retrato de Valentina Luppino tomado por Úrsula Corberó. Derecha: arte del video de Naty Peluso. Ambas imágenes son gentileza de Valentina Luppino.

Para el futuro, sin sacar los pies de la tierra, Valentina se permite soñar. “Me gustaría seguir trabajando con músicos de la escena tanto nacional como internacional. Tratar de formar parte del imaginario visual no sólo de una forma estética sino de una manera que refuerce lo conceptual. Corriendo el riesgo de sonar ridícula, e irme muy a lo global con las fantasías, me encantaría trabajar con directores como Paul Thomas Anderson o Luca Guadagnino. Me encantaría seguir acompañando artistas, pero también me encantaría explorar el mundo de la ficción. Y ya que estamos soñando, ellos dos son mis máximos exponentes de la actualidad. También me gustaría tener la libertad de acción que tienen: Guadagnino trabaja su música con Trent Reznor de Nine Inch Nails, y Anderson aborda en su última película (Una batalla tras otra) la política de una manera que nadie está haciendo”. A seguir soñando que, muchas veces, los sueños se transforman en realidad. Algo que Valentina Luppino sabe de sobra.

Portada: Algunos de los videos en los que se destacó como directora de arte. Derecha: Nathy Peluso “Delito”, dirección de Agustín Puente, productora The Movement. Centro: Fito Paéz “Los años Salvajes”, dirección de Wacho, productora Pantera Co. Izquierda: Nathy PeluSso “Grasa”, dirección de Agustin Puente, productora The Movement. Gentileza Valentina Luppino.

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Sinergia y diseño con propósito

Cecilia — Thu, 08 Jan 2026 13:00:56 +0000

Cuando tres gigantes del diseño se sientan en la misma mesa las probabilidades de que surja un desarrollo que genere impacto son muy altas. Es el caso de los talentos detrás del Salone Raritas, la iniciativa creativa que funcionará como gran apertura del Salone del Mobile.Milano, cuya fecha ya está marcada en el calendario 2026: Entre el 21 y el 26 de abril la comunidad del diseño, el interiorismo y la arquitectura tienen una cita con lo mejor de la disciplina. La edición limitada de alta gama será el hilo conductor del Salone Raritas, una plataforma con piezas únicas que cuenta con el sello de Formafantasma, reconocido estudio de los diseñadores italianos Andrea Trimarchi y Simone Farresin. La curaduría, en tanto, la lleva adelante Annalisa Rosso, directora editorial y asesora de eventos culturales del Salone del Mobile, la tercera pata de este hito que por primera vez desembarca en la mega exposición del diseño, que visitaron más de 300 mil personas de 160 países en la última edición, en abril de 2025.

Izquierda: María Porro, presidente del Salone.Mobile.©Guido Stazzoni. Centro: Los diseñadores italianos Andrea Trimarchi y Simone Farresin del reconocido estudio Formafantasma©GregorioGonella. Derecha: Annalisa Rosso, directora editorial y asesora de eventos culturales del Salone del Mobile. Milano.

La novedad implica una apertura del Salone de cara al diseño coleccionable que, hasta ahora, se había mantenido un tanto al margen de la feria que va por su 64° edición. “Hemos trabajado para construir un nuevo ecosistema de diseño, cultural y comercial que represente una oportunidad concreta para expositores y visitantes, generando conexiones y posibilidades de mercado”, afirma Rosso, que también está al frente de Euroluce International Lighting Forum y desarrolló para el Salone la obra monumental cinética Library of Light, de Es Devlin en la Pinacoteca de Brera (2025), A Thinking Room, de David Lynch, en Fiera Milano (2024) y la instalación performática The Orbit's Orbit de Matilde Cassani en Shanghái (2024). Para Rosso, el nuevo Salone Raritas cumplirá la función de “abrir canales de diálogo entre ámbitos que hasta hace poco parecían distantes y ahora les permite encontrarse por primera vez”. Es que la misión de esta nueva plataforma buscará asumir el rol de puente entre la producción creativa altamente especializada y el mercado contemporáneo del diseño. El espacio reunirá piezas únicas, antigüedades y objetos que ponen en valor los oficios artesanales. Además, según el Salone, reforzará su misión: “No solo como propuesta comercial, sino también como una infraestructura cultural: un lugar donde la rareza deja de ser una excepción y se convierte en un lenguaje compartido”. La presidenta del Salone, María Porro, agrega: “Salone Raritas nace de una conciencia que también es una responsabilidad: leer la evolución del mercado internacional y dar una respuesta coherente con la identidad del Salone del Mobile.Milano”. A través del diseño expositivo de Formafantasma, esta incorporación se proyecta como una gran “linterna arquitectónica”, permeable y modular. El boceto de Simone Farresin y Andrea Trimarchi busca lograr conexiones entre galerías especializadas, arquitectos, interioristas, desarrolladores y profesionales del sector. El planteo está pensado para visibilizar piezas excepcionales sin perder legibilidad ni identidad, de acuerdo al “paisaje poroso” que ya están definidos por los autores. Este espacio que se conocerá en abril plantea que la luz y el ritmo curatorial estén al servicio de las piezas. “A partir de un diseño modular cada galería expresará su identidad y, al mismo tiempo, mantendrá una narrativa conjunta orientada a la experiencia del visitante y a la eficacia comercial”, señalan los directores del estudio que nació en Ámsterdam en 2009 como un laboratorio de investigación experimental de materiales en la relación a la artesanía y la industria, y un enfoque crítico hacia la sostenibilidad.

Salone Raritas será una plataforma curatorial con lectura de mercado, capaz de captar la demanda creciente de piezas raras e icónicas por parte de arquitectos, desarrolladores, marcas e inversores, que reconocen este tipo de diseño como un activo estratégico para afirmar identidad y visión. Salone Raritas. Curated icons, unique objects, and outsider pieces Project visuals Salone del Mobile.Milano 2026 ©Formafantasma.

Así, Salone Raritas. Curated icons, unique objects, and outsider pieces será el primer punto de contacto directo entre el diseño de ediciones especiales, las antigüedades y la manufactura premium con el mercado profesional del diseño. Antes de que se corra el telón de Milán, esta plataforma se presentó en Londres, frente a representantes del ecosistema internacional del diseño —arquitectos, interioristas, desarrolladores y profesionales del sector hotelero y contract—, quienes reconocieron el valor cultural de las piezas que dialogarán con las escalas de los grandes encargos contemporáneos. “Nuestro rol siempre ha sido anticipar escenarios. Hoy lo hacemos abriendo un capítulo dedicado al diseño de autor, la investigación y las antigüedades, un territorio fértil que dialoga de manera directa con el sistema profesional del diseño. Salone Raritas será una plataforma curatorial con lectura de mercado, capaz de captar la demanda creciente de piezas raras e icónicas por parte de arquitectos, desarrolladores, marcas e inversores, que reconocen este tipo de diseño como un activo estratégico para afirmar identidad y visión. En un momento en que el mundo profesional se concentra en singularidad, contenido y calidad, Salone Raritas interpreta el papel del Salone como activador de conexiones, visiones y lenguajes internacionales”, dijo Maria Porro. Diseño para coleccionar, piezas únicas que perduran en el tiempo, canales que se abren entre la arquitectura y artistas destacados: el Salone del Mobile se reinventa para ofrecer alternativas que reafirman la expresión de la cultura del diseño. De la pequeña escala en adelante.

Todas las fotos de esta nota son gentileza del Salone del Mobile. Milano

La entrada Sinergia y diseño con propósito se publicó primero en The Praxis Journal.