the ricky esteves experience

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Wed, 07 Jan 2026 11:40:00 +0000

El arco narrativo del progresismo en el cine y series: Emilia Perez, Mountainhead y Pluribus

“Never go full retarded”

Tropical thunder (2008)

Por: Ricky Esteves

Recientemente en el VIII Simposio de teoría política de la UNLaM presenté un trabajo titulado “Emilia Pérez Y el fracaso del proyecto político de la democracia progresista”. Era una presentación cerrada de un borrador que hablaba de dos cuestiones teóricas y dos prácticas sobre la realidad actual de la democracia y el progresismo. Ante todo es más fácil hablar sobre una película que sobre la realidad, por algo existen los encuentros de ficción cómo este.

Las dos cuestiones teóricas tenían que ver con el fenómeno de la recepción y la estructura narrativa de la película. Las dos cuestiones prácticas tenían que ver con abordar temas de actualidad y hacer una crítica al discurso progresista.

Emilia Pérez fue la película con más nominaciones al Oscar 2025 aunque no ganó ninguno. Su recepción fue variada con buen reconocimiento en el circuito de los festivales como los Golden Globes, donde ganaron en dos categorías importantes y en Cannes, donde recibieron el premio del Jurado.

Las audiencias internacionales y la prensa especializada fue crítica con la película. La calificó de “Musical narco-queer”. El mismo progresismo acusó a Emilia Perez caricaturizar la violencia colonial y perpetuar las desigualdades que supuestamente denuncia.

Las principales conclusiones que se planteaban era la falta de autenticidad. Los personajes no hablan en castellano nativo. El género musical no ayuda a crear situaciones realistas. Los personajes no tienen profundidad. Sabemos muy poco sobre su historia y sus verdaderas motivaciones. No hay redención en su arco narrativo. No muestran una verdadera transformación.

En esta historia el personaje se muestra como víctima de las circunstancias. Una mezcla de Rousseau y Foucault: -”La sociedad me corrompió y las instituciones me hicieron un criminal”.

Juan “Manitas” del Monte, en realidad, siempre quiso ser una mujer. Pero el entorno en el que se crió le enseñó a ser duro para sobrevivir. Y así se convirtió en capo del cartel. Por alguna razón, tal vez porque era verdad y deseaba ser una mujer, o porque quería zafar de que lo asesinaran de otro cartel, por lo menos a mi siempre me quedó la sospecha.

Manitas estaba dispuesto a dejar todo atrás y comenzar una nueva vida. Todo nuevo salvo varios millones que se transfirió a su nueva identidad. Para que no le falte nada en su nueva vida y poder vivir cómo un capo narco … con su mujer y sus hijos: Vaya nueva vida!

La nueva vida de Manitas, ahora Emilia Perez, consistía en mentirle a su esposa (que creía estar viuda) y ocuparse de sus hijos cómo una tía.

Ya realizada cómo mujer, para darle sentido a su vida, y sensibilizada por un nuevo fenómeno que resulta que recién descubrió -la violencia narco- se dedica a hacer algo al respecto, pero tampoco demasiado.

Con sus recursos y tiempo comenzó una causa social con su ONG para que los perpetradores de crímenes violentos pudieran arrepentirse de sus actos y darle cierre al ciclo de dolor. Básicamente hacer algo para no cambiar nada.

A nivel retórico hay cierta ironía, cómo en la película “Casa de mi padre” (2012) que era una parodia a un relato auténtico de una familia mexicana. Protagonizada por Will Ferrel y rodada completamente en castellano, la clave del dispositivo cómico, consiste en que el actor no habla la lengua. Justamente eso, la evidencia de que el actor, no entiende lo que está diciendo.

Podemos encontrar una estructura narrativa similar en “Hay una chica en mi cuerpo” (1984) en el que una dama con una gran fortuna (siempre es alguien con mucho dinero) que se encuentra muy enferma convoca a un curandero que deposita su alma en envase que por error cae sobre Steve Martin. En esta comedia se explora lo que es habitar otro cuerpo y al final el personaje experimenta una transformación que lo dota de una nueva sensibilidad.

No es que la Academia no se haya interesado por la cuestión. Hillary Swank recibió un Oscar por su actuación en “Boys don´t cry” (1999). En 2003 Charlize Theron obtuvo también el Oscar a Mejor Actriz por Monster (2003). Incluso en esta película, la protagonista, que es una delincuente violenta, conmueve al público al mostrar de dónde proviene ese dolor.

En el relato de Emilia Perez encontramos elementos de la estructura narrativa de Shakespeare. Parece una de sus fábulas donde los personajes mágicamente se transforman y caprichosamente se enamoran. Hay algo de Puck de “Sueño de una noche de verano”. Incluso del mismo Hamlet: un personaje que no sabe quién es y tiene un destino trágico.

También encontramos elementos de “víctima de la sociedad” al estilo de “Memorias del subsuelo” de Dostoyevski.

Es curioso tratar de identificar el villano en Emilia Perez. Porque originalmente, el villano, era “Manitas”, que se transforma en la heroína. Aún así no puede escapar de su destino trágico.

En esta historia el verdadero villano es la sociedad.

De esto se puede concluir el análisis con tres cuestiones. La principal es la banalización de la discusión. Hay una sobresimplificación de los temas. Se abordan sin profundidad.

La segunda: La cantidad de cuestiones abordadas. Narcotráfico, cambio de sexo, perdón, redención. Esta saturación de temas no permite abordar seriamente ninguno.

Tercera: Todo da lo mismo. Todo es manipulable. Se puede utilizar cualquier cosa para contar una historia. Esto termina banalizando cualquier relato.

Ahí terminaba la primera parte de la presentación sobre las dos cuestiones teóricas de Emilia Perez. Lo que nos permitía pasar a las dos cuestiones prácticas, que tienen que ver con la realidad.

En la pantalla del Aula Magna de la Universidad Nacional de la Matanza apareció proyectada la cara de Pequeño P, uno de los presuntos perpetradores del triple crimen de Florencio Varela.

El 19 de septiembre de 2025 tres jóvenes fueron asesinadas y descuartizadas. El caso cautivó la atención de los medios y la opinión pública. Los perpetradores transmitieron en vivo el crimen. No había precedente de algo así.

¿Si pequeño P fuera un hombre atrapado en el cuerpo de una mujere y quisiera cambiar de sexo … Usted sentiría más compasión por él?

Porque aunque Emilia Perez haya descubierto tarde la violencia narco, Manitas la conocía desde hace mucho tiempo.

La próxima filmina era una imagen de las víctimas: Brenda Loreley del Castillo (20 años), Morena Verdi (20 años) y Lara Morena Gutiérrez (15 años).

La historia de las causas, las circunstancias y las razones de tan atroz crimen, es mejor conocerla por otros medios. Si cortáramos y pegáramos los peores momentos de Taxi Driver (1976) no obtendríamos un relato más aterrador.

Cuando uno escucha la historia, casi instantáneamente, cómo en un momento pre-moral, uno tiene una idea prejuiciosa, que tras el tamiz de la conciencia social, se vuelve discurso.

En ese momento, cuando los elementos se ordenan en un relato: ¿Díganme que piensan sobre las víctimas?

¿Ahora entienden a que me refiero con falta de autenticidad?

Pasemos a la segunda parte de Emilia Perez, cuando comienza su proyecto social. El narco transformado en emprendedor social. ¿Que paralelismo con la realidad tiene esto?

En ese mismo momento Espert se bajaba de su candidatura a diputado nacional por la provincial de Buenos Aires por sus vínculos con Fred Machado, aportante a su campaña con presuntos vínculos narco.

Eso mismo que Emilia Perez presenta cómo una reivindicación pareciera ser algo reprochable y hasta cancelable.

Ese aspecto de la ficción se puede ver y está muy presente en la política actual cómo el caso de Lorena Villaverde, senadora electa de Río Negro. Podríamos sobresimplificar el tema y decir que es un problema de “la derecha”.

Podríamos ignorar a Durkheim, no creer en los “hechos sociales” y no aceptar que esto ya es un fenómeno político.

Casi cómo una excusa: -Ya que estamos hablando de banalización

La presentación exhibía una imagen de un acto feminista (realizado en Tucuman en septiembre de 2025) donde quemaron las fotos de Elon Musk, Donald Trump, Mark Zuckerberg y … Pedro Rosenblat.

Esta ironía es parte del mismo nudo de la historia de Emilia Perez. La moraleja: “No es fácil apoyar la causa”

Esos mismos días el presidente Milei realizaba su acto en el Movistar Arena de Buenos Aires cómo una parodia de Emilia Perez.

La presentación, apresurando el cierre, plantea la siguiente pregunta: ¿Quien escribe un texto cómo esto?

En referencia al título de la presentación: “el fracaso del proyecto político de la democracia progresista” - ¿Quien habla así?

La próxima filmina mostraba una imagen de Agustín Laje.

Esto intentaba plantear el interrogante sobre ¿desde donde criticar al progresismo … sin quedar cómo un reaccionario?

Las preguntas que planteaba Emilia Perez eran: ¿Es este el relato de la identidad sexual del progresismo? Si no es así: Entonces ¿Cuáles son las posiciones del progresismo sobre las cuestiones que trata el progresismo?

Las conclusiones recapitulaban la falta de autenticidad y la banalización de las cuestiones. Da lo mismo ser un narco que un activista social, da lo mismo ser Mark Zuckerberg que Pedro Rosenblat.

La arbitrariedad de la articulación de las luchas sociales hace muy difícil mantenerse alineado en todas.

Ahí fué donde, en un giro inesperado de la trama, confesé la trampa que había hecho trampa: ¿Como llegamos aquí?

No había respetado ningún procedimiento. Elegí arbitrariamente una película y hablé de lo que quería. Metí cosas que no tenían nada que ver porque quería decir algo sobre eso.

Sin los procedimientos no somos nada. La ciencia es un procedimiento.

La democracia (uno de los temas del coloquio) es un procedimiento y no un resultado

Esto plantea una meta-reflexión: Ya no sobre lo que digo sino sobre lo que hago. Cómo e un acto performativo o en un truco de magia, había contado una historia para distraer a mi público mientras ponía todos los elementos en su lugar para conseguir ese efecto pragmático.

La deriva en torno a Emilia Perez me había servido para hablar de otra cuestión relacionada a la democracia.

Cómo muy bien plantea Curtis Yarvin (el filósofo de referencia del vicepresidente de EEUU J.D Vance) que la política debería funcionar cómo una start-up. Los presidentes deberían asumir sus mandatos cómo si estuvieran dirigiendo una compañía. Para ellos lo que importa son los resultados no los procedimientos. Si fallan, las compañías quiebran y dejan de existir.

Lo opuesto a lo que afirmaba Alfonsin al decir: “Con la democracia se cura, se educa y se come”. La realidad ha puesto en evidencia que esto no es así.

Yarvin tiene un punto: Hay algo de la democracia que no estaría funcionando.

Hasta ahí fué mi presentación en el VIII Coloquio de Teoría Política de la Universidad de la Matanza.

Porsupuesto cuando terminé me di cuenta que había elegido la película equivocado. Debería haber que tenido seleccionado una película cómo Mountainhead (2025) porque nos permite abordar desde otro lugar, la democracia y el nacionalismo, el otro tema por el que convocaba el encuentro.

Mountainhead permite delinear un nuevo political compass: esa matriz que establece cuadrantes de posicionamiento político. Ya no sería derecha-izquierda, público privado lo que establecería los campos de identificación y acción política.

Una corriente del realismo especulativo utiliza el cine para ilustrar una mirada sobre la autonomía de los objetos y su existencia en el mundo más allá de la percepción humana. Desde Steven Shaviro, Selmin Kara a Chelsea Briks plantean cómo el cine puede manipular la percepción para simular situaciones reales.

La serie Succesion (2018-2023) propone este tipo de mirada. ¿Serán la familia Murdoch? En cualquier caso, la realidad de Succesion puede que sea más real que la propia realidad de los Murdoch o de cualquier otra fortuna familiar.

Jesse Armstrong, el creador de Succesion y director de Mountainhead, intenta retratar esa realidad de los tecno-oligarcas que dominan al mundo, o por lo menos en la película, adquieren Argentina.

Eso daría una idea de cuál es la realidad de la democracia y el nacionalismo que propone la película. Además de como sus fortunas están vinculadas a cómo sus tecnologías estan debilitando al Estado nación.

El nuevo polítical compass que se puede plantear a partir de Mountainhead está dispuesto a partir de dos ejes. El primero: aceleracionismo, desaceleracionismo. Podríamos asociarlos con los extremos del tecnoutopismo y los movimientos folks. El segundo eje es la dimensión nacional, global.

Podríamos clasificar en los distintos cuadrantes pensadores, políticos, obras de arte, películas, en tanto si plantean un relato aceleracionista o folk y global o nacional.

El relato de Mountainhead justamente traza este mapa, este polítical compass, en el que se dan las disputas por el establecimiento de una nueva hegemonía. El camino que marcan es un porvenir aceleracionista y no se si global pero claramente opuesto al Estado nacional o mostrando un declive.

Por último está Pluribus (2025), el reciente estreno de Vince Gilligan (el creador de Breaking Bad) en Apple TV para terminar de completar el comentario sobre la democracia, el progresismo y si por alguna razón cabe, el nacionalismo.

Lamento tener que revelar la premisa de la serie. El resto son situaciones que se desarrollan en torno a esta. Al mismo tiempo revela algunas cuestiones que tocamos al hablar sobre la democracia, progresismo y nacionalismo en las películas Mountainhead y Emilia Perez.

La historia es muy parecida a la de Invasion of the body snatchers (1956). Un virus alienígena usurpa el cuerpo y la mente de todos los seres humanos a nivel planetario. Solo una docena de personas se mantienen inmunes a estos parásitos espaciales.

La diferencia entre los body snatchers y estos seres humanos favocitados es que en vez de querer destruir a estos sobrevivientes, se pone a su completa disposición y pueden pedir cualquier cosa del planeta.

Por ejemplo podría pedir que me dejen conducir un BMW M5 Competition en Nürburgring y estos seres, este ente espacial, lo concedería en un instante.

El caso de la serie es mucho más modesto. Uno de los personajes pide viajar en el avión presidencial Air Force One con un séquito de señoritas para complacerlo en todos sus deseos.

Carol Sturka, la protagonista de Pluribus, convoca al resto de los humanos para discutir que hacer con esta situación. Aparentemente es la única que quiere hacer algo al respecto. El resto parecería estar bastante conforme con la situación. Hasta consideran que no podría ser tan malo terminar favocitado por esta entidad alienígena.

Carol se resiste obstinadamente a esta nueva realidad planetaria que se le impone. Y en vez de relajarse por un momento y pedir Martini preparado con el mejor vodka y por el barman más diestro del mundo, se enfrenta a esta situación.

Habiendo solo una docena de personas en el mundo -de las cuales sólo cinco hablan inglés (con las que se puede comunicar)- la protagonista despliega la ontología del romanticismo alemán del siglo XIX, este universo trágico, que sólo se despliega hasta los márgenes de su propia conciencia.

Hay algo del acto en el que quemaban las fotos de Rosenblat y Mark Zuckerberg en Carol. Del estilo: - “Solo tú estás de acuerdo con esto”. Podríamos cambiar en el relato a Carol por Julia Mengolini y se entendería mejor.

Hay una idea de una conciencia ética universal trascendente que resulta coincide con la propia y hay una necesidad de imponerla a los demás. Cómo si la conciencia liberal progresista consistiera en regular las mentes de los demás. Cómo los body snatchers pero completamente al revés. Por lo menos ellos están dispuestos a complacerte.

Un poco la clave se encuentra en esto. ¿Porque la gente se pone del lado de los body snatchers, de los tecno-oligarcas, de los capos narcos, de las nuevas derechas, de las redes sociales?

En el relato actual pareciera que un día vino la derecha y tomó al mundo por asalto. Un grupito de influencers liderado por Milei y el “colorado masivo” hipnotizaron a la juventud con su voodoo tecnológico.

Les prohibí los dispositivos a mis hijos: Problema resuelto.

El problema es que ni nosotros mismos queremos soltar los dispositivos. Y no porque alguien nos obligue, o porque lo hagamos sin darnos cuenta, porque somos ignorantes y preferimos estar cómodos en nuestras casas en vez de con Greta Thumberg y flotilla que lleva ayuda humanitaria a Gaza.

¿Quien en su sano juicio preferiría estar seguro disfrutando en su casa o cualquier otro lugar?

Somos las peores personas del mundo!

Me parece que deberíamos aprender algo de Emilia Perez, de los tecno-oligarcas y de Carol Sturka.

La meta-conclusión de este trabajo no se desprende de lo que digo sino de lo que hago, especialmente, considerando que es para un encuentro de ficción.

Esto se refiere al dispositivo narrativo. Hay que llegar al final para descubrir que el asesino es el mayordomo.

Los giros inesperados de la trama.

Cómo diría Curtis Yarvin: El resultado más allá del procedimiento.

Yo tengo razón y Ustedes están equivocados: Despiértese !

El polémico resultado de los premios Street Art Cities 2024

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Tue, 11 Feb 2025 13:02:00 +0000

Street Art Cities comenzó en 2016 como un pequeño proyecto para crear un mapa en línea que ayudara a dos cazadores de arte urbano a encontrar murales de manera más efectiva en sus ciudades. Un año después del lanzamiento de una versión inicial del sitio web había evolucionado en una plataforma para la comunidad del Street Art a nivel mundial.

La semana pasada concluyó la cuarta edición de los premios ‘Best of the Year’ donde el público selecciona los mejores murales del año. Esta fué la más exitosas hasta la fecha en términos de alcance y cobertura mediática. Cuando se comunicaron los resultados el ganador a mejor mural del mundo 2024 hubo un pequeño inconveniente.

Entre los nominados a mejor mural del mundo habían tres participantes. David Petroni con "Colores Amia" una trama geométrica que ornamenta el nuevo edificio de la mutual en la ciudad de Buenos Aires. También estaba nominado el mural "Mensajeras" del dúo Grupo Sismo realizado en la ciudad de Mar del Plata.

También se encontraba "Crepúsculo" de Martin Ron realizado en San Nicolás, Provincia de Buenos Aires. De entre estas y otras obras de todo el mundo, se podía votar por el favorito del público. Cuando se contaron los votos el ganador se declaró a "Ornamental Oncelot" de Bubble Gum, ubicado en Valencia España.

Unos días más tarde se rectificó el resultado señalando que se había detectado que los fans del artista habían vulnerado el sistema de votación agregándole votos a él.

El equipo del Street Art Cities al notar esto rectificó el resultado del certamen dándole el primer puesto al Artista chileno Cristobal Persona con su mural "Charanguista andino ubicado en Crouña, España. Esta nueva distribución de los puestos le dió el tercer premio al Artista argentino Martín Ron.

La vanguardia neoreaccionaria

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Fri, 06 Dec 2024 20:04:00 +0000

La vanguardia neoreaccionaria

Por: Ricky Esteves
@rickyesteves

Tiempo de lectura: 7 minutos

Los giros culturales se pueden apreciar a través de las vanguardias. Generalmente las vanguardias anticipan un movimiento estético-político-cultural. Este término es difícil de desasociarlo de su significado militar de estar al frente, ser los primeros de entrar en combate, ir en busca de este encuentro, propiciar el enfrentamiento. Las vanguardias siempre buscaron eso: polemizar, provocar, romper las convenciones establecidas, y crear un nuevo sentido de lo bueno, lo bello y lo necesario.

Hoy en el arte, más allá de los movimientos, se considera vanguardia a lo novedoso, la ejecución magistral, algo que se destaca por sobre lo demás. Todo lo que no sea genérico, parte de una franquicia, incluso el cine de autor es considerado de vanguardia. Steven Spielberg fué considerado un director de avanzada en sus inicios y de hecho su grupo de camaradas cercanos como George Lucas, Francis Ford Coppola, Brian De Palma y Robert Zemekis entre otros se establecieron propiamente como vanguardia.

XX el concepto de vanguardia estuvo estrechamente ligado a la idea de revolución tanto en el campo de la política como el arte. En la política esto se manifestó en el partido bolchevique y la revolución rusa. En el campo de arte el "Manifiesto modernista" de Marinetti exclamaba:

"¡Es necesario abatir forzadamente las puertas de la vida para probar sus goznes y sus cerrojos! ¡Partamos! He aquí el primer sol elevándose sobre la tierra... Nada iguala el esplendor de su roja espada, esgrimida por primera vez en nuestras tinieblas milenarias."

Existía una idea emancipatoria de ruptura radical con un orden inmanente. De crear algo nuevo. Generar un cambio capaz de afectar nuestra forma de ser.

"Ni una menos" (2018) Mariano Antedómenico

Tras la finalización de la segunda guerra mundial se "moderó" esta noción de vanguardia especialmente en la política para ser un término casi exclusivo del mundo del arte que generalmente se utiliza para nombrar o distinguir a un movimiento o grupo de artistas que comparten un estilo , una temática o un concepto. Cabe señalar que también se ha romantizado en el arte y en general esta idea de vanguardia como un fenómeno progresista, vinculado a los movimientos sociales y las luchas por reivindicaciones identitarias.

El colectivo del movimiento Ni una menos ilustra esta idea de las vanguardias asociadas a los movimientos sociales y a la protesta social en demanda de reconocimiento en general. Siendo todo este arco mayormente progresista y por tanto asociando las vanguardias con el progresismo.

Señalo esta romantización de las vanguardias porque el manifiesto de Marinetti también sostenía:

"(...) nosotros vamos a glorificar el movimiento agresivo, el insomnio febriciente, el paso gimnástico, el salto arriesgado, las bofetadas y el puñetazo."

Y continúa:

"Queremos glorificar la guerra—única higiene del mundo—el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer. Queremos demoler los museos, las bibliotecas, combatir el moralismo, el feminismo y todas las cobardías oportunistas y utilitarias."

"El Ciclista" (1909) Filippo Tommaso Marinetti

Eso no suena muy progre hoy. Ni de vanguardia. Por el contrario: diríamos que es reaccionario. Al mismo tiempo, lo que resulta irónico, esa misma retórica se parece a la del discurso neoreacionario que disputa hoy un espacio hegemónico en nuestra política y (la del mundo) cultura.

Esta cuestión es relevante y actual porque es muy evidente que se está estableciendo una vanguardia neoreaccionaria cuyo mayor exponente cinematográfico es la dupla de Mariano Cohn y Gastón Duprat, guinistas y director de películas como "El vecino de al lado" (2009) "El ciudadano ilustre" (2016) nominada al Oscar, "Mi gran obra maestra" (2018) y más recientemente las series en la plataforma de Disney "El encargado" (2022-), "Nada" (2023), "Bellas artes" (2024-).

Aunque la serie El encargado ha captado toda la discusión, Bellas artes es donde se encuentra la verdadera crítica a la cultura "woke" y al progresismo en general. Esta última situada en el mundo del arte y dirigido a un público más "global" o "europeo" quizás no nos interpela tanto.

Hubo una gran polémica con el estreno de El encargado en 2022. Llegó al escándalo. El gremio de encargados de edificio se expresó de esta manera:

"(...) Queremos expresar nuestro total repudio tanto a él (en referencia a Francella) como a la producción de esta ficción producida por la plataforma Star+ que nos ha provocado un enorme malestar."

Recuerdo cuando sucedió esto. En el momento que sucedió me recodó un poco a Zizek por los sintomático de la reacción. Nadie reaccionaria de esa manera a una ficción, sobre una profesión, a menos que sea verdad. Digo: Una cosa que hagan una ficción sobre un profesor, un investigar de CONICET, un psicoanalista, que abusa de ayudante, becario, paciente. No por eso debería salir la AGD, o la Asociación psicoanalítica argentina a pedir que cancelen el programa.

A menos -si como dice Zizek- ... sea verdad. No importa si es verdad o no. Eso es irrelevante. Lo que es elocuente es la declaración del gremio, que ante lo más razonable -guardar silencia- declaró publicamente los siguiente:

"(...) No nos representa en lo más mínimo su violenta corrupción y es por eso que junto a la agrupación que conformamos hemos decidido salir a dar la cara para que la gente no se deje llevar por esta oscura historia que tan mal nos deja parados"

Esta polémica es anegdótica. Lo significativo es la relevancia pública que adquirió esta serie que llegó a instalar esta polémica en el debate público. El encargado ya no es un fenómeno de recepción, sino que en su función de reconocimiento su efecto es el de una obra de arte, en el sentido que provoca una reacción. En este caso lo suficientemente contundente para generar estas repercusiones. Esto hace referencia directa a las vanguardias y lo que hacen: en un sentido "original".

En 2022 todavía no se había dado este giro neoreaccionario en la política. Nadie imaginaba que Milei y Trump podían ser presidentes. Como suelen decir: Las vanguardias artísticas anticipan los cambios políticos. En este sentido podríamos decir que hay algo premonitorio en estas series de Cohn y Duprat.

Aquello que resultaba tan polémico entonces de a poco hoy se vuelve de a poco cada vez más parte del sentido común. El encargado esta produciendo su quinta temporada para 2025 es muy probable que sea un éxito. Lo que en sus comienzos parecía ir en contra del canon del discurso "políticamente correcto" hoy se lo reconoce como entretenimiento. Lo que en algún momento podía resultar un relato sobre la crueldad hoy se ha vuelto una historia cotidiana.

Con esto no quiero decir que las series de Cohn y Duprat hayan cambiado al mundo. Pero sí que forman parte de este cambio en tanto y como vanguardia artística, identificada con todo lo mencionado al comienzo.

Para cerrar a forma de conclusión: En términos concretos y con fines prácticos ¿Que implica, que significa este giro neoreaccionario?

No es necesario conocer el enfoque de análisis sociológico de la obra literaria de Pierre Bourdieu para darse cuenta que esto no es el realismo social de Emile Zola. Se discutió mucho en política durante la última década sobre el relato.

Lo que podemos apreciar aquí es ese cambio de relato que se caracteriza por un giro neoreacionario que se puede identificar con una vanguardia artística.

Hollywood in Cambodia: La meca del StreetArt cumple 18 años

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Sat, 23 Nov 2024 13:42:00 +0000

Hollywood in Cambodia: La meca del StreetArt cumple 18 años

En el corazón de Palermo Soho -Thames 188 - se esconde la "meca del streetart". Este espacio que sirve tanto de galería de arte como sala de exhibición tras 18 años de actividad ininterrumpida se ha establecido como referente de esta vanguardia.

Desde el 2006 este espacio ha sido sede de numerables muestras de arte legendarias. Muchos Artistas comenzaron sus trayectorias artísticas exhibiendo en Hollywood in Cambodia. En su mayoría artistas de Street Art pero no necesariamente todos provienen de esa vanguardia.

Referentes del movimiento como Buenos Aires Stencil, Pum Pum, Chu, Defi, Tec Fase, entre muchos Otros fueron los incursores de este espacio y de la vanguardia del Street Art dentro del Arte Contemporáneo.

Con motivo de este 18 aniversario, el colectivo de Hollywood in Cambadia formado principalmente por Darío "Malatesta" Suarez, Tester, Fede "Run dont walk" Minujin, Gonzalo "Dogberg" Gil, entre Otros, realizaron una instalación con material de archivo de las muestras realizadas en ese espacio.

La exhibición se titula "Mecenas del Crimen" y consiste en una instalación que simula una escena de crimen acompañada de un pizarra de investigación.

En Hollywood in Cambodia han dejado su sello gran cantidad de artistas en sus pinturas en las paredes del lugar. En la terraza del Post-Bar, donde se emplaza este espacio, se pueden encontrar Obras de Artistas como El Marian, Nazza, Pedro Perelman, MPC, Cabaio Espirito, entre Otros.

Mecenas del crimen compila el archivo proponiendo un testimonio de la memoria del lugar manteniendo una propuesta artística alternativa a la del circuito del Arte establecido. Allí se pueden encontrar recuerdos, reliquias, de los momentos y personas que pasaron por allí dejando su marca.

Un line-up impresionantes de Artistas se pueden contar entre los expositores de este lugar. Elian Chali, NASA, NERF, y muchos otros artistas geométricos y abstractos procedentes de distintas escuelas.

Artistas consagrados como Gordo Pelota o Tec tuvieron su paso por Hollywood in Cambodia. También otros artistas fenómenos de recepción como Cartooneros participaron con sus muestras en este lugar.

La actual exhibición está abierta al público. La instalación no constituye una obra física apropiable. Es una Obra efímera que existirá lo que dure la muestra. Esta es un posibilidad para conocer un poco de la historia de Hollywood in Cambodia y del Street Art en Argentina.

Los mejores momentos para visitar el lugar es de miércoles a sábado por la tarde. Consultar en Google Maps los horarios de Post-Bar.

El giro retórico: de Dr. House a Ted Lasso.

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Tue, 19 Nov 2024 16:24:00 +0000

El giro retórico: de Dr. House a Ted Lasso. Ricardo Esteves (UBA-IIGG) Fragmento del Capítulo del Libro: El sueño de lo real: Nuevos realismos y tecnología digital

Graham Harman indica la existencia de distintas clases de objetos cómo ladrillos, átomos o monstruos. Su existencia como entidades no siempre se hace evidente ante su presencia. Cuando utilizamos un martillo, por ejemplo, tal vez lo hacemos teniendo más presente la finalidad del objeto o construcción que estamos realizando. Harman propone invertir los términos de los objetos reales y sus cualidades sensuales lo que plantea un orden no-correlacionista entre objetos y realidad.

Harman se refiere a una estructura de seducción para señalar el vínculo más allá de cualquier relación de efecto con entidades existentes en el mundo real. De alguna la OOO propone una autonomía de los objetos contraria al actual holismo trascendental del pensamiento de las redes, las relaciones, interacciones y dinámicas.

Steven Shaviro señala el lugar de la estética en la propuesta de la OOO de Harman.

La estética es la clave de la causalidad. En lugar de explicar la influencia estética como una forma disminuida y distanciada de causa y efecto físico, y mucho menos como una representación simbólica de procesos físicos, Harman invierte los términos. Busca explicar la causalidad misma como un retoño, o una extrapolación, de un proceso más primordial de influencia estética.

Christopher Peterson y Chelsea Birks reflexionar sobre el realismo especulativo a partir del cine considerando este planteo de Harman. A partir de sus análisis de películas como Melancholia (2011), Gravity (2013) y Jauja (2014) desarrollan lo que se puede llamar una estética realista especulativa. Kara utiliza el término antropocinema para referirse a películas que permiten contemplar una realidad desde una perspectiva más allá de la percepción humana.

La serie Ted Lasso fue la sensación de la entrega de premios Emmys de 2022. Obtuvo veinticinco nominaciones y cuatro premios. Un resultado modesto si lo comparamos con los siete premios del año anterior. Tal vez no tan notable cómo este caso, en 2004 la serie Dr. House también fue un suceso televisivo. House obtuvo cuatro nominaciones y un premio Emmy en 2005.

Estas series nos permiten abordar la cuestión de la entidad de los objetos –como puede ser la realidad humana– y las distintas formas de interactuar y relacionarse con ella. En estas series podemos ver miradas muy distintas de la realidad y en consecuencia perspectivas diferentes de vinculación humana con estos objetos.

La concepción de realidad del Dr. Gregory House es cínica: todo el mundo miente. Él sabe más que los demás. Siempre tiene la razón. Su inteligencia y conocimiento lo hace una persona insensible y arrogante. House considera que las instituciones y convenciones sociales son un obstáculo y por eso las transgrede continuamente. No tiene problema en manipular a los demás, lo que le genera muchos conflictos con sus jefes, colegas, pacientes, y amigos. Trata las enfermedades como un objeto cualquiera, más que como una práctica médica. Esto plantea la existencia de una realidad y una forma no-humana de vincularse con ella..

Ted Lasso no conoce el deporte que tiene que entrenar, la realidad del lugar en el que está, ni las circunstancias que lo llevaron allí. A diferencia de House, Ted Lasso no sabe nada. Él desconoce que en realidad Rebecca, la dueña del equipo, lo asignó como entrenador para fracasar y así vengarse de su ex-marido.

En esta serie existe una realidad pero Ted la desconoce. Sin embargo demuestra que hay algo de este objeto que comprende en la manera de vincularse con su realidad. Uno de los gestos más humanos de Ted Lasso es su resignación. Él sabe que poco puede hacer para transformar esa realidad exterior. En consecuencia no se interpone entre los objetos y permite que mantengan su curso.

Ted Lasso es una versión contemporánea de El hombre del jardín (1979). Lo que hace tan popular a Ted no es su competencia como entrenador. Por el contrario, su ignorancia total de la situación en la que se encuentra, lo hace actuar de manera ingenua y hasta complaciente. Existe una positividad, falta de resistencia, cómo las texturas pulidas que describe Byung-Chul Han en relación con lo bello. Ted Lasso es terso como “aquello que ofrece deleite al tacto” y “carente de negatividad de la sensación del dolor”.

La comparación de Ted Lasso y Dr. House muestra cosas como la transformación de la realidad que se ha dado en la última década y las diferentes formas de vincularse con este objeto. La aparición del movimiento Me too y la cultura de la cancelación tuvo un impacto sobre lo que es socialmente aceptable. Este cambio indica una inversión del eje saber-poder en relación con la realidad. Para House la realidad es un objeto que se puede conocer y sobre el que se puede intervenir. Para Ted la realidad existe, sin embargo es un objeto opaco que no puede cambiar por voluntad del sujeto.

Más relevante son las formas de vinculación con este objeto que vemos en estas series. En este sentido House vive más en el mundo de los objetos que en la realidad humana. El no trata a los pacientes sino a las enfermedades. Trata las enfermedades como lo que son: entidades no humanas. House se vincula con la realidad de una manera no-humana. Podríamos decir que el enfoque de House es el contrario de Patch Adams (1998), por mencionar otro ejemplo médico del cine.

El caso de Ted Lasso es muy distinto. Su desconocimiento de objetos como el fútbol y la cultura británica lo llevan a vincularse de otra manera con la realidad. Entiende que en esa estructura de seducción, a la que se refiere Harman, él no tiene efecto sobre las cualidades sensuales de estos objetos. Por esa razón interactúa con su realidad de una manera humana.
Aquí se puede apreciar un giro retórico en el que se invierte el relato del héroe. La manera en que House se enfrenta a su realidad para salvar vidas no sería visto cómo un acto heroico. Hoy House sería un villano. Por el contrario, Ted Lasso, quien evita intervenir sobre los objetos, es un héroe.

Por último, este análisis permite una reflexión final en torno al debate sobre los nuevos realismos. En Dr. House y Ted Lasso también podemos apreciar y comparar las miradas de la realidad que podríamos identificar con el correlacionismo de Meillassoux y la OOO de Harman.

House plantea una mirada de la realidad correlacional. Las enfermedades que trata no son objetos que se revelan por sí mismos. Las descubre a través de una serie de procedimientos que confirman un conjunto de condiciones. El acceso a esa realidad no es directa sino a través de una correlación.

La propuesta no-correlacional de la OOO propone los objetos como sustancias individuales pero no autónomas. La realidad existe como ensamble de objetos de distintos registros en constante cambio. No es accesible para un observador privilegiado como House. Por el contrario, es siempre alusiva y su acceso es oblicuo.

Yellowstone: El giro neoreaccionario

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Tue, 19 Nov 2024 15:54:00 +0000

Yellowstone: El giro neoreaccionarioa en las series

Ricardo Esteves (UBA-IIGG) @rickyesteves

Es necesario aclara que la series Yellowstone (2018-) es realmente buena, en términos de relato y valor de producción. También ya conocen mi "tesis" sobre las series. No es crítica de cine lo que hago: bueno, tal vez. En realidad utilizo las series para hacer una lectura de las narrativas en las cuales estas historias pueden ser recibidas y reconocidas. En otras palabras: Cuáles son las narrativas que circulan que hacen que estos relatos sean aceptables y hasta atractivos para el público. La serie Yellowstone (2018-) manifiesta la narrativa neoreaccionaria que reivindica la tradición. Ilustra imagen clara de un orden establecido por la familia, la tierra, subordinación, lealtad y trabajo. Un orden donde las jerarquías sociales son rígidas y simples. De la misma manera que las formas de vida. Estas son las formas de vida del mito del retorno a la naturaleza y la filosofía de Henry David Thoreau. Una variante muy singular de este pensamiento que se enfrenta al mundo para preservar el mundo natural en el que habitan.
Yellowstone es ese lugar donde se superponen y disputan el poder del Estado y el Estate (la propiedad familiar) tan típico de los grandes territorios con poblaciones pequeñas, rurales, y actividades tradicionales que les permite vivir de los frutos de la tierra.

El orden social del Rancho (cómo la Estancia u otro establecimiento similar) es muy sencillo y está encabezado por el Caudillo, el propietario de la tierra, jefe de familia, líder y referente entre otros hacendados y autoridades del Estado de Montana. Después están los cowboys, los vaqueros -una forma de romantizar a los peones- que viven y trabajan en el Rancho. Una suerte de ciervos seculares que establecen un contrato singular con el Patrón por el cual ofrecen trabajo duro y lealtad a cambio lugar donde vivir, protección y resguardo propio de un señor feudal.
Esta serie -en algún sentido y de alguna manera- hace una referencia a la formas de vida y la Fortuna cómo en la novela de Díaz que mencionamos anteriormente. Pero en este caso la fortuna no se encuentra en la finanzas o la industria sino en la tierra. La tierra y las formas de vida modestas del orden tradicional rancho.

El patrón no es sujeto delicado o rodeado de lujos. Puede montar y acampar junto a sus hombres y viste de manera común. Aunque vive en la edificación más importante -de las pocas- en la propiedad, su casa es rústica, no tiene decoración ostentosa, ni atesora objetos de lujo. La imágen de una persona próspera y austera.
Resulta difícil estimar el patrimonio de esta persona y más difícil aún permitirnos entender la noción de fortuna. En este caso, la fortuna cómo fruto de la familia, la propiedad y la tradición. En las primeras cuatro temporadas se detallan estos aspectos, sobre validar y ejercer la propiedad de la tierra a lo largo del tiempo, influir sobre las autoridades e instituciones y poder ordenar (o disuadir) a sus pares y posibles adversarios.
En este caso la fortuna se encuentra muy asociada a este orden social (cómo cualquier fortuna corresponde a un sistema de explotación) singular. En Yellowstone la fortuna se sustenta en la tradición. En el mantenimiento de las formas de vida basadas en las costumbres pre-modernas donde las familias funcionaban cómo unidades productivas de subsistencia a base de la tierra. La versión capitalista del campesino. Un relato romántico a lo Thoreau. Un lugar donde convergen la virtud de la vida en la naturaleza y el vínculo con la cultura, la sociedad, el mercado.

En cada temporada se pueden destacar distintos aspectos particulares de este relato. Aquí nos interesa señalar un acontecimiento puntual que sucede en el episodio 7 de la cuarta temporada, titulado: “Mantén a los lobos cerca”.

En ese episodio John Dutton -el protagonista interpretado por Kevin Kostner- sorpresivamente anuncia su candidatura a gobernador del estado de Montana. Lo realmente significativo de este episodio es el discurso que pronuncia cuando revela esta noticia públicamente.

“Hay una guerra en contra de nuestra forma de vida. (...) Si es progreso lo que buscan no voten por mi. Soy lo opuesto al progreso. Soy cómo una pared de ladrillos que se le opone y no se rompe”

Aquí el progreso constituye la figura de un adversario que viene a poner en peligro el orden de las formas de vida tradicionales y la fortuna de Yellowstone y la familia Dutton.

Uno de los argumentos de su discurso es que “un sujeto que no puede cultivar su propio alimento y asegurarse el sustento (de la tierra) no puede venir a decirnos cómo debemos vivir.“ planteando un antagonismo entre las formas de vida progresistas de los centros urbanos y las fortunas familiares tradicionales de los ranchos o haciendas.

Existe una falacia entre esta oposición entre tradición y progreso cómo si vivir en un rancho excluyera -por ejemplo- acceso a internet o cualquier otro bien producto del progreso. Más allá de las contradicciones de la lógica argumentativa de esta identidad que preserva una esencia vinculado a la tradición y la tierra, la relevancia se encuentra en la disputa a la hegemonía identitaria a cierta élite urbana ilustrada.

No es tan difícil imaginar los atractivos de Yellowstone para las audiencias asegurándose la renovación para una nueva temporada. Michel Onfray caracteriza a Henry David Thoreau con una de las radicalidades existenciales que dieron forma al liberalismo cómo aspiración a la perfecta felicidad a través de una vida tranquila.

En esa fascinación por la historia de Yellowstone y las múltiples identificaciones posibles con sus personajes se pueden entender estas aspiraciones existenciales radicales del liberalismo actual que reivindica la tradición.

Emprendedores de sí en el cine y las series

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Tue, 19 Nov 2024 15:19:00 +0000

Emprendedores de sí en el cine y las series Ricardo Esteves (UBA - IIGG)

Los relatos populares cuentan los mitos en los que se legitiman las instituciones. Estos relatos permiten definir los criterios de competencia que permiten la valoración de los actos en una sociedad. La forma narrativa admite una pluralidad de juegos de lenguaje y modalidades enunciativas que permiten establecer una forma de saber en el intrincado tejido del relato. El saber narrativo tiene la función de establecer los criterios de regulación social. El relato establece la materia del lazo social. La narrativa cumple una función de legitimación del saber que moldea los vínculos que configuran lo social.

El cine y las series cumplen una versión secular de la función de los mitos antiguos. Son los relatos que orientan la forma en que entendemos nuestra realidad. Algo que allí expresaba era que las series “Invisten de realidad” una ficción a través de un juego de percepción. Intentan proyectar una reproducción convincente de la vida. La obra de ficción se experimenta como una historia real.” El cine y en particular las series permitirían experimentar aspectos narrativos de la realidad. Las series pueden imitar nuestros modos de percepción y presentar una escena realista que penetre en aspectos de la realidad que normalmente están ocultos para nosotros, o que no podemos ver sino es a través de un relato ficcional, que como en el cuento de Borges “Del rigor de la ciencia” se pliegue como un mapa del tamaño del territorio. Este artículo lo podemos considerar como continuación del "Giro narrativo: El nuevo realismo en las series" publicado en la Revista Panamá.

En el corpus de las producciones recientes del cine, las series (y la literatura) se aprecia una figura de la ficción singular. Los planteos surgidos del CCRU de la Universidad de Warwick en el que participaba Fisher con Nick Land y Sadie Plant proponen que el cine y las series funcionan cómo hiperstisiones. Hiperstisión combina “híper”, exceso o exageración con superstición. Las hipersticiones son ficciones cuyas condiciones de existencia son posteriores a ellas. Son ficciones que buscan hacerse realidad. La exageración busca un efecto de aceleración los ciclos reproductivos de esa realidad. Según Nick Land, la hiperstición es

“una retroalimentación positiva circuito que incluye la cultura como componente. Se puede definir como la (tecno)ciencia experimental. de profecías autocumplidas. Las supersticiones son simplemente creencias falsas, pero las hipersticiones, por su existencia misma como ideas—funcionan causalmente para generar su propia realidad. Economía capitalista es extremadamente sensible a la hiperstición, donde la confianza actúa como un tónico eficaz, y inversamente(Srnicek y Williams 2015)

La hiperstisión está asociada a la idea de realismo capitalista que plantea Mark Fisher en términos que “(...) adquiere la forma de sobreidentificación con el capital en su aspecto predatorio más despiadado” (Fisher 2016:35). Es cómo la imagen que moldea -desde distintos sistemas cómo el arte, la ciencia y la industria- esa misma realidad.

La ficción contemporánea que encarna esta figura de la hiperstisión es el de un relato que se convierte en realidad, porque crea esa misma realidad. Básicamente el relato de la moraleja de “El gato con botas” o el de la estafa piramidal de Generación Zoe de Cositorto. Podríamos decir: en algunos casos este acto de habla performativo es feliz. En otro, no.

Justamente eso podemos apreciar en el corpus cinematográfico, de las series, y literatura (un caso que está en proceso de ser producida cómo serie) propuesto, que presenta esta ficción capaz de hacerse realidad.

El argumento está planteado en tres partes en las que se desarrollan cada una de estas hiperstisiones. La propuesta es que estas tres ficciones están teniendo un efecto transformador sobre la realidad: aunque sea en términos de las formas en el que el “sentido común” comienza a percibir el mundo.

La primer parte sintetiza en las figuras del tonto y el bandido las formas soberanas, en sentido negativo, de alguien que dispone de su vida, porqué está abandonado a su suerte, que “ya ha sido sacrificado”. La fortuna, la suerte, y un poco de si uno es tonto o bandido, pueden tener giros inesperados.

El segundo punto trata de la ficción de “La era dorada”. Una ficción muy actual, presente en MAGA (Make America Great Again). Allí mostramos lo que hay detrás de esa fascinación por la era dorada del capital, cuando grande hombres construían sus propios trenes, puentes, fábricas, clubes, óperas, modales, y otros aspectos de la vida cotidiana de una sociedad. La fábula libertaria que gobierna el discurso político del gobierno.

El tercer punto trata sobre la romantización del orden tradicional. La ficción de una “vida más simple”, en contacto con la naturaleza, en contra del orden urbano. Una analogía entre la alienación y la cultura woke y la restauración de un orden reaccionario.

Estas tres narrativas componen el relato contemporáneo de las hiperstisiones que están transformando el mundo.

Emancipaciones en Emily la criminal y El poder de los centavos

Hiperstisiones -cómo las supersticiones, relatos que hacen posible que algo fantástico finalmente se haga realidad (cómo la Obra de Julio Verne). Particularmente relatos emancipatorios. Cómo los que encontramos en películas cómo Espartaco (1960), La guerra de la galaxias (1977), Footloose (1984), The breakfast club (1985), Suban el volúmen (1990), Fight Club (1999), V de vendetta (2005), entre otras. Estas historias cuestionan o desafían un orden establecido con la finalidad de alcanzar libertad y una independencia soberana.

En el caso de Emily la criminal (2022) y El poder de los centavos (2023) quien realiza su arco narrativo cómo héroe es el sujeto que en la mayoría de las historias pierde.

Estas historias ofrecen relatos emancipatorios que encuentran su camino mediante el capitalismo y los mercados. Lo más notable es que la historia de El poder de los centavos es real: Sucedió de verdad.

La particularidad de estas películas es que sus protagonistas no aspiran a una fuga del sistema, estilo deleuziana-guatariana. En estos casos no buscan rebelarse al capitalismo. Hasta en algún caso buscan reforzarlo.

En este razonamiento hay algo de la tipología de la acción de Robert K. Merton. Claramente Emily sería una “innovadora”. En el caso de El poder de los centavos, Keith Gill acepta los fines y las normas que le impone la sociedad sin embargo también es un innovador. En un caso la acción social tiene un provecho individual restringido, mientras que en el otro el provecho máximo es colectivo. Uno requiere una banda. El otro una multitud.

En cualquier caso no cuestionan querer dinero y están dispuestos a asumir enormes riesgos para obtenerlos. Esto caracterizaría una manifestación racional del “empresario de sí mismo” cómo refiere Lazzarato. Pero un “empresario de sí para sí”. Su éxito y el del capitalismo están enlazados.

Los dos son casos en algún sentido “parasitarios”. Ya que no buscan hacerlo por vías convencionales. En una película este medio es ilícito, en la otra legítimo. De cualquier forma el capitalismo no ofrece estas formas de enriquecimiento ordinariamente.

En cualquier caso, tanto Gill cómo Emily insistieron y se esforzaron en seguir ese camino, el de la promesa de tener un empleo, trabajar duro para pagar las deudas, las cuentas, en definitiva, poder vivir. Para Emily esto era una aspiración. Salir de la “gig economy” y poder entrar al mundo del trabajo. Este giro a la delincuencia -en el caso de Emily- sucede cuando ella reconoce que ese mundo también es una “estafa”. Que allí hay explotación, precarización, y ejercicio discrecional del poder.

En una escena, llega el momento esperado, en el que una amiga le consigue una entrevista para trabajar con una mujer importante en una empresa. Le ofrecen un empleo sin paga.

-No al principio. Esto funciona así -explica el personaje interpretado por Gina Gershon-

-“Los primeros cinco o seis meses, aprendes el oficio. Y si haces un gran trabajo, me encantaría discutirlo”

Emily pregunta los horarios. -Jornada completa -contesta Gershon.

Allí la empresaria, al ver a Emily vacilar:

-¿Te das cuenta de que hablamos de un puesto muy solicitado?

-Lo entiendo -contesta Emily -Lo que no entiendo es cómo se siente bien al pedirle a alguien que trabaje sin paga.

-Sabés, cuando tenía tu edad, me decían que lo único que podía aspirar era ser secretaria.

-Sí -Interrumpe Emily -Pero a las secretarias les pagan.

-Ese no es el punto -retoma el personaje de Gershon

-¿Usted a mi edad tenía una deuda de 60 mil dólares? -interviene Emily

-A tu edad era la única mujer en este trabajo.

-Pero por lo menos le pagaban - Insiste Emily.

Esto resume un episodio realista capitalista o especulativo. La escena sintetiza las condiciones en las que los jóvenes tienen que aspirar a desarrollar una actividad profesional, o al menos laboral.

Es cómo una casta: se tiene que contar con ciertos aspectos para pertenecer a esa clase, para poder trabajar en esos lugares. Para poder no tener “shit jobs”.

Sólo entonces, cuando entiende que no tiene futuro en ese mundo. Que jamás ganará dinero trabajando en una compañía. Emily decide emprender su carrera delictiva.

Un oficio, que en principio, no involucra violencia. Simplemente aprovecha los defectos de seguridad de las tarjetas de crédito. Una externalidad negativa, un defecto del sistema, del que se puede sacar provecho, si se está dispuesto a hacer fraude.

Emily puede ganar 200 dólares por día haciendo un solo trabajo de 20 minutos. Pero puede ganar hasta 2000 dólares por día. Pero tiene que asumir mayores riesgos. Ese es un mundo de bandidos. Allí no hay Estado. O mejor dicho es un mundo que se desarrolla en los márgenes, los umbrales, del fraude y el mercado negro. Un mundo lleno de peligros sin amparo de la ley. De alguna manera se ha vuelto un “homo sacer”.

En su nueva carrera Emily tal vez no tiene el reconocimiento, prestigio, seguridad del mundo laboral. En su condición de homo sacer es sacrificable pero también soberana. Fuera de ese orden legal ella es dueña de su destino.

Emily encarna una historia de emancipación. Escapó de la explotación de las plataformas para ser la jefa de su propia banda. Ya no tiene que hacer fraude. Tiene gente que hace fraude por ella. Emily la criminal (2022) no cuestiona el capitalismo. Reconoce que en ese sistema la única manera de que sujetos cómo ella puedan prosperar es a través de este tipo de actividades.

Dumb money (2023) o El Poder de los centavos está basada en una historia real. Los personajes, cómo Keith Gill, existen de verdad. Esta historia vincula fondos de inversión, mercados de capitales y personas corrientes, o las multitudes, para ser más precisos.

Keith Gill tenía un empleo cómo analista financiero en una compañía prestigiosa. Era streamer en su tiempo libre. Tenía una gran obsesión. Sostenía que una acción podría subir mucho. Se trataba de una compañía ignota. Una cadena de tiendas de videojuegos ya pasada de moda. Además de que esta marca revestía un valor identitario de nostalgia con los jóvenes que compraban sus videojuegos allí de niños, durante la pandemia, cómo vendían accesorios cómo mouses, fueron declarados servicios esenciales, lo que les permitió mantenerse abiertos.

La película presenta los relatos de los protagonistas de la historia. Gabe Plotkin y Kenneth Griffin, los directivos de los fondos de inversión, Keith Gill, el analista y straemer, Marcos Barcia un empleado de una tienda de esa cadena que compró acciones de la compañía, Jennifer, una enfermera que lucha para mantenerse y otras personas “comunes”.

En 2020, en plena pandemia, predijo que el precio de la acción de GameStop

subiría y sería una gran oportunidad de inversión. Él mismo invirtió 52 mil dólares de sus propios ahorros. Entonces era una broma de internet. Otro tonto de las redes tirando su dinero en la bolsa.

El caso de Keith Gill sirve un poco de ejemplo para ilustrar el concepto de hiperstisión. Su relato creó las condiciones de posibilidad de existencia de esa realidad.

Su canal de streaming y sus consejos de inversión se hicieron virales y una multitud de jóvenes compraron compulsivamente esta acción. Esto tuvo en efecto de aceleración que potenció la subida del precio de GameStop en un 1.500 % en enero de 2021.

Allí es donde toman protagonismo Gabe Plotkin, Steven Cohen y Kenneth Griffin, los dueños e inversionistas que vendían estas acciones. Que respaldaron esta venta con una cobertura que asumía que con el volúmen de acciones que arrojarían al mercado su precio bajaría. El precio, por el contrario, subió y mucho.

El caso de GameStop es una anomalía financiera en el pequeño inversionista ganó y los grandes fondos de inversión perdieron. Para esto fué necesario que interviniera la justicia. En su relato, en el que básicamente cuenta quien es y de dónde vine, hay muchos puntos de contacto con la historia de Emily. En su alegato frente al tribunal, Keith Gill, es muy elocuente.

Mucha gente siente que el sistema está roto. La simple idea del mercado es ser un campo de juego medianamente justo, donde si eres listo y con un poco de suerte puedes hacer una fortuna. Pero ahora ciertamente no es así. Las grandes firmas tienen tantas ventajas en términos de tecnología, información e infinidad de riqueza, que ya no hay esperanza para el hombre común. O tal vez nunca la hubo. Quizás ahora la haya.Personalmente, me gustan las acciones. No planeo venderlas pronto.

En esta declaración existe una demanda común con el caso de Emily. La falta de oportunidades para los jóvenes. Están de acuerdo con los fines, tienen una profunda creencia que el sistema capitalista funciona. Simplemente no funciona para personas cómo ellos.

En esto hay algo de esa expresión atribuida a Jameson acuñada por Zizek y establecida por Fisher: “Podemos pensar el fin de la especie pero no del

capitalismo”. La imaginación no está puesta más allá del capitalismo. Sino en maneras de ganar dinero dentro del capitalismo, siendo una persona que no tiene capital y tiene que trabajar para vivir.

En estos relatos podemos observar aspectos del sujeto endeudado (Lazzarato 2012, 2014), del empresario de sí (2010) y una salida que si no es individual es en multitud pero en ningún caso política. Es decir, tanto Keith cómo Emily buscan restituir una situación de injusticia para sí mismos, no para todos los jóvenes cómo ellos, o ningún universal.

Esto nos permite volver a la tipología de la acción de Parsons para -a la luz de estos relatos- revisar los tipos del conformista y el innovador poniendo la atención en los medios. Aunque Gill sea un conformista y Emily una innovadora, no representan los casos “típicos” de estas categorías. Estos casos se diferencian en Gill actúa cómo un tonto y Emily cómo una emprendedora.
La conclusión más relevante en relación al giro neoreaccionario y (en menor medida) las hiperstisiones es que estas historias representan una suerte de relato emancipatorio. Es decir, un relato donde el personaje, al final, se redime. Y en menor medida, establece el tipo sociológico, del tonto y el bandido, cómo justamente eso: una condiciones de existencia en una serie de repetición y diferencias.

Películas que vi en 2023

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Sun, 12 Nov 2023 22:56:00 +0000

Aunque 2023 todavía no terminó estas son básicamente las películas que vi en 2023. Esta lista tiene como finalidad en parte llevar el registro de los films vistos, sino también, como siempre, difundir, y promover las Artes en general, el cine en particular.

No están ordenadas por ningún criterio en particular, están presentadas en forma aleatoria y apenas están acompañadas de un comentario o reseña mínima.

The Whale (2022)

Dir: Darren Aronofsky Reparto: Brendan Fraser, Sadie Sink, H. Chau

Extravagante como todas las películas de Aronofsky. Sin duda una película oscura con una historia trágica. Una puesta en escena mínima como obra teatral. Toda la acción se desarrolla en un espacio en un tiempo acotado. Magistral dominio de la narración y uso de los personajes para desplegar esta trama dramática. Un juego de apariencias donde no todo es lo que parece y el punto de vista puede cambiar el sentido de la historia.
Una película "aspera", poco complaciente, y que exige cierto compromiso del público para llegar al final.
Cómo toda Obra de Arte: mientras más difícil es admirarla mayor es su valor artístico.

Puan (2023)

Dir: María Alché & Benjamín Naishtat Reparto: Marcelo Subiotto & Leonardo Sbaraglia

Quien conoce Puán (transité una maestría durante 10 años allí) se puede sentir interpelado. Como en un cuento de Borges un universo contenido en ese espacio, en esa Facultad, donde el mismo Borges dió clases. Una película que desmitifica ese universo y sacraliza ese mito de la torre de marfil de la filosofía. Describe y al menos cuestiona cierto sujeto intelectual que queda "cautivado" (en sentido que propone von Uexküll) ante el entorno, medio ambiente, del universo de Puán. Una película que nos permite hacernos algunos cuestionamientos.

La uruguaya (2023)

Dir. Ana María Blaya Reparto Fiorella Bottaioli y Sebastián Arzeno Una historia sobre un episodio desafortunado de un escritor argentino que viaja a Montevideo en busca de aventura. Una historia común con la que cualquiera se puede identificar. Una versión lacaniana de la alegoría del "amo y el esclavo" de Hegel: La pregunta de quien realmente está en poder.

Blondie (2023)

Dir Dolores Fonzi Reparto Dolores Fonzi y Toto Rovito

Una historia entre madre e hijo de una "oveja negra" de la familia. Un espíritu libre que busca su lugar en su familia, con su madre y con su hijo. Personajes entrañables. El triángulo de la trsiteza (2023)

Dir Ruben Östlund

Dos o tres episodios que ponen en evidencia de los enfrentamientos interclase y raciales de la sociedad contemporánea Pone en debate el progresismo y las ideas de mercado. Ingeniosa y polémica. Espectacular reparto. Una conjunción de figuras y nuevos y variados talentos. Enfrenta todos los prejuicios de la sociedad liberal y los expone a situaciones donde tiene que dirimir dilemas fuera de las zonas de confort. Todas nuestras nociones son expuestas al estado de excepción permanente del ´nomos de occidente`.0 Spiderman across the spider verse (2023)

Dir Varios

Esta travesía a través de los multiversos de spiderman muestran la diversidad cultural y estética de la narrativa contemporánea. Una experiencia que ofrece la transposición de géneros y soportes en un relato cuántico. Lleve a mis hijos a verla al cine. Para su desgracia no me di cuenta que saqué entradas para la versión ingles con subtítulos Uno se durmió y roncaba. Al otro le encantó En mi opinión la película tiene algún multiverso de más. Como si los productores le hubieran querido "sobrefacturar" a Disney. Oppenheimer (2023)

Dir Christopher Nolan Reparto Cillian Murphy, Emily Blunt, Matt Damon, Robert Downey Jr Una película monumental que reivindica al responsable del proyecto Manhattan. El hombre que cambiaría el curso de la historia. Una producción monumental como toda película de Nolan. Reparto de lujo con una interpretación magistral de Murphy y Robert Dowbey Jr.

Detonaron una bomba atómica real para la toma de Trinity. Un ejercicio de realismo especulativo en el cine. Misantropo (2023)

Dir Damián Szifron Reparto Shailene Woodley Ben Mendelsohn y Lammark Jovan Adepo

La primer gran producción de Hollywood del director de Relatos salvajes. Un policial con una trama compleja e intrincada. Personajes complejos y bien desarrollados. Se esperaba demasiado de esta película por Szifrón, alguna señal, guiño oculto de los Simuladores. Un thriller que mantendrá a la audiencia atrapada.

Aproximaciones a lo político y la política: Neoliberalismo, Hegemonía y Biopolítica

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Sun, 24 Nov 2019 04:11:00 +0000

Aproximaciones a lo político y la política: Neoliberalismo, Hegemonía y Biopolítica

Por Ricardo Esteves

UBA – IIGG

Descargar artículo completo (pdf 250 KB)

Resumen

Este trabajo trata la cuestión de lo político y su distinción de la política en su disputa entre neoliberalismo, hegemonía y biopolítica. Planteamos lo político como principio que establece los fundamentos del funcionamiento de lo social y la política como formas concretas de su realización.
Exploramos estas nociones en las corrientes del neoliberalismo, la hegemonía y la biopolítica. Lo político para el neoliberalismo se puede identificar con la libertad individual y su realización en el mercado. Para la teoría de la hegemonía lo político se vincula con el antagonismo y la articulación. Para la biopolítica la vida es el objeto de lo político.
Por su lado la política para el neoliberalismo es lo que se opone a la libertad individual y está en contra de cualquier intervención del Estado sin embargo requiere y utiliza los instrumentos del gobierno para su expansión y mantenimiento. La política para el populismo es la capacidad de establecer una noción de sentido compartida y aceptada que permita presentar una particularidad bajo la forma de una totalidad mediante una relación singular entre distintos movimientos sociales y la figura del líder para la reivindicación de demandas populares. El autonomismo propone una política emancipatoria a través de la multitud como forma de existencia común que permite preservar las singularidades individuales.

Publicado en Revista Pensamiento Al Margen - 1 DICIEMBRE, 2018. La política y lo político - ISSN: 2386-6098

Las narrativas del neoliberalismo en el relato de las series: Billions y The Walking Dead

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Wed, 06 Nov 2019 00:56:00 +0000

Las narrativas del neoliberalismo en el relato de las series: Billions y The Walking Dead by Debates Actuales de la Teoría Política Contemporánea on Scribd

¿Cuáles son las mejores 5 guitarristas de 2019?

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Tue, 06 Aug 2019 03:59:00 +0000

Cuando nos hacemos esta pregunta nos referimos a las mejores guitarristas mujeres que toquen con virtuosismo y su carrera sea muy reciente. En este caso estas guitarristas se desempeñan en distintos genéros y estilos musicales lo que no permite que la comparación sea del todo justa en los criterios de apreciación de estas instrumentistas.

Lo que todas estas guitarristas tienen en común es un dominio absoluto de su instrumento y expresar su música con su propio sonido original. Todas estas guitarristas son las nuevas virtuosas de la guitarra y tienen una trayectoria prominente por delante.

1. Lari Basilio

Lari Basilio es una guitarrista brasilera. Produjo su primer disco en 2011. Acaba de lanzar su último disco "Far More" en 2019 donde colaboran Vinnie Colaiuta (Sting y Frank Zappa), Nathan East, Greg Phillinganes y la aparición especial de Joe Satriani y Siedah Garrett.

Lari toca un rock melódico con un sonido muy limpio que logra grandes intensidades. Una virtuosa que está destinada a ser una de las grandes guitarristas de los próximos años.

2. Sarah Longfield

Sarah Longfield es una guitarrista de Madison, Wisconsin que toca y compone música progresiva explorando en unevos campos músicales como el Djent tocando con guitarras de siete y ocho cuerdas. El enfoque de Sarah al instrumento es peculiar. Ejecuta las melodías y armonías sobre el mismo diapason haciendo tapping como si fuera un piano que orquesta sus complejas y barrocas composiciones. Sarah es una estrella de internet y se pueden ver sus videos interpretando música en las redes sociales. Es tan tambien y sobre todo una gran guitarrista y principal exponente del Djent.

3. Sophie Lloyd

Sophie Lloyd rescata el sonido salvaje del rock como guitarristas del estilo de Slash y
Zakk Wild. Pueden ver su música en su canal de Youtube.

4. Jess Lewis

Jess Lewis es una prominente promesa. Una guitarrista muy joven que domina tanto el bajo como la guitarra. Se dedica a realizar piezas en las que improvisa en una estilo jazz fusión con mucho ritmo. Aquí interpreta una canción con la contribución de Alex Hutchins. Jess Stone es una artista con una carrera abierta. Va a brillar en lo que haga.

5. Yvette Young

Yvette Young comparte muchos elementos estilísticos con Sarah Longfield. Toca guitarras de 7 y 8 cuerdas y hace tappings con melodia y armonía con distorsiones en afinaciones ultrabajas.

Estas cinco mujeres podrían formar un ranking de las mejores guitarristas actuales.
¿Que opinas de la lista? ¿Quien deberíamos incluir? ¿Cual es tu sugerencia?

Starship troopers o el futuro distópico de la democracia en la era de la hipermedialidad

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Mon, 05 Aug 2019 14:28:00 +0000

Starship troopers o el futuro distópico de la democracia en la era de la hipermedialidad

Hay algunas excusas para escribir sobre la película de Starship troopers, primero porque es #AgostoDeVerhoeven en twitter, segundo porque sus protagonistas son de Buenos Aires, es de alguna manera una película de culto, y porque nos dice algo de como veíamos la relación entre la democracia y los medios de comunicación que nos puede servir para pensar nuestro presente.

Staship troopers es una película de ciencia ficción de 1997 dirigida por Paul Verhoveen basada en el libro del mismo nombre. El libro de Heinlein explora otros mundos y ahonda en otras tecnologías que son las que podemos ver en películas como Al Filo del Mañana (2014) en la invasión a Normandía. Se criticó mucho la adaptación de Verhoveen y aunque es cierto que hay cosas que distan mucho en el libro la película es una verdadera obra maestra del cine de ciencia ficción. Y esa película puede resultar interesante a una audiencia -como nosotros- porque a diferencia de la Guerra de las Galaxias esta historia no sucede en una galaxia lejana sino en Buenos Aires en un futuro no tan distante. Y si Star Wars intenta ser más alegórico respecto a sus posturas políticas en Starship troopers son más explícitas.

La película muestra un futuro donde rige un sistema semi-autoritario sostenido por un sistema de propaganda de hipermedios. Mejor dicho se muestra desde dentro de esa hipermedia, como un espectador de la realidad hipermediática de una guerra estelar interespecie.

Más allá del triángulo amoroso imposible entre tres compañeros de la escuela que entran al ejército encegecidos por el amor (que tiene su mérito narrativo) la película relata un mundo más autoritario y estratificado en relación a la condición de ciudadano. Los ciudadanos eran aquellos que servían en algún servicio público especialmente un enorme ejército de una armada espacial y una numerosa infantería. Los ciudadanos tenían una serie de derechos y reconocimientos que los no ciudadanos no gozan. En esta sociedad futurista conviven un aspecto de libertad de mercado con exclusión de la vida pública.

Un no ciudadano puede gozar de todas las libertades de consumo de una sociedad opulenta y una educación (al parecer pública) pero no puede desempeñarse como ciudadano.

La cuestión que esta desigualdad social constitutiva no sea el foco del conflicto del relato es justamente una cuestión particularmente interesante. La gente no está preocupada entre las diferencias entre los ciudadanos y los no ciudadanos porque hay un aparato de hipermedia transmitiendo información constante sobre la guerra en el espacio con otra especie alienígena.

Esto intenta mostrar un sistema hegemónico cerrado a nivel planetario donde la frontera exterior la constituyen los alienígenas.

Si uno sigue el relato de lo que transmiten los medios -y no el enredo amoroso con final dramático- uno puede ver la propaganda, las “fake news” (si se quiere), la ridiculización de los científicos, y la banalización del discurso político en las esfera del debate público.

No podemos dejar de reconocer todos los rasgos de ficción en este relato y que ciertas transposiciones no son del todo válidas.

Verhoveer utiliza ese recurso, el de los medios, la televisión, los comerciales, como pedazos de relato que narran la historia. En Robocop vemos los comerciales del sistema que electrocuta a los ladrones de autos y las cremas protectoras solares que cubren espesamente los cuerpos. Esos comerciales nos muestran un mundo con miedo a la delincuencia y despreocupada de la vida humana.

Esos planos de la televisión, los comerciales, la hipermedia, nos cuentan que creen y como piensan las personas de ese mundo, que en términos alegóricos podría ser nuestro mundo.

Podemos pensar esto a partir de Fisher y como la cultura popular ajustan los parametros de la percepción de la realidad como un “realismo capitalista”.

La mirada de los medios en Robocop y Starship troopers relatan esta dimensión de la percepción de la realidad de esas sociedad, que cosas les parecen aceptables, reconocibles, receptibles. Un comercial dirigido a niños para estimular el odio contra los insectos para alimentar el espíritu de la especie de los primates muestra algunos indicios de las pasiones que alimenta esa sociedad.

En el caso de Starship troopers se trata de una sociedad autoritaria y militarizada. Ese es un aspecto que Verhoveen logró capturar bien del libro. Como el gobierno y los medios pueden encauzar los peores temores y odios de las multitudes de un pueblo ya globalizado.

En la hipermedia hay mucho contenido pero el que prevalece es la vanalización y sobresimplificación propagadñistica. Cuando tras el cambio de liderazgo se comienza a aceptar más el discurso científico en el debate público se aprecia una nueva retórica en los medios pero con los mismos fines.

Allí también muestran un sutil giro en el balance del poder dentro de las fuezas armadas del ejercito a la inteligencia militar. Como diría Weber, la dominación está en la burocracia.

Si nuestra realidad está construida y es contingente ya solo queda preguntarnos por la trama. ¿Quien es el héroe que se sacrifica? ¿Cual es la moraleja? ¿Y Cual es el final abierto?

Empecemos por la moraleja. Uno de los nudos dramáticos de la historia es cuando Diaz muere en manos de Johnny Ricco confesándole que solo había entrado al ejercito porque lo amaba. Estan los que creen en las causas y los que mueren por amor a aquellos que creen en esas causas. Esa es en parte una de las tragedias de Starship troopers.

La sociedad de Starship troopers es muy rígida. Pero hubo un cambio de conducción en un momento. Después de la batalla de Klendathu que fue un fracaso y una derrota brutal hay cambio de liderazgo que propone un enfoque de comprender al enemigo. Una especie de “aprovechar el intelecto humano” más que “sacrificar” el capital biológico.

En ese sentido Starship troopers sugeriría que los cambios se dan después de batallas decisivas no de empates técnicos o resultados inconcluyentes. Tal vez nuestra Klendathu todavía no sucedió.

Porque un poco lo que muestra esta película es la banalidad del mal al gobernar. La película comienza con la cobertura en vivo del desembarco de Klendathu, un acontecimiento promocionado como una gran victoria que termina en una trágica derrota.

Nos quedamos con la desilusión de Johnny Ricco que se unió al ejercito con la ilusión de encontrarse con su amor no correspondido y descubrir que la vida militar no era lo que se había imaginado. Ser un ciudadano no era una tarea tan simple. El sacrificio era real. Y además hay veces que hasta hay gente que te sigue a vos de la misma manera que vos perseguías ese amor inalcanzable. Seguir ese destino trágico que lleva al personaje a su perdición.

Sobre los medios y la democracia podríamos decir que la película se adelante mucho a una realidad actual y nos hace pensar en el trabajo de Mark Fisher. Justamente esa distancia nos permite cuestionarnos como este exceso de disponibilidad de información refuerza el sesgo de la mirada. Mientras se quiere “saber más”, más se adoctrina en ese relato.

En Robocop y Starship troopers Verhoveer se adelanta -con cierta parodia- a la “brutalización” de los medios. Como la imagen se utiliza para evocar sentimientos patrióticos, para generar deseo a luchar por la especie, sacrificarse para ser ciudadano.

Lejos de cualquier utopía habermasena Verhoveen propone que los medios están allí como instrumento de apropiación de las mentes para dirigir sus voluntades para servir en la lucha interplanetaria.

La estética y los jucios sumarios retratan una atmósfera dictatorial. Las imágenes de los juicios evocaban a las filmaciones de las purgas de Stalin. Esta vez son un espectáculo para las audiencias.

Starship troopers es ya una película vieja, 1997, básicamente siglo XX. Es cierto que es muy gracioso que transcurra y sus protagonistas provengan de Buenos Aires. Pero también trata sobre política muestra un régimen semi-dictatorial y señala sobre la centralidad de los medios en la imagen de realidad que tenemos.

Me atrevería a decir que tiene algún valor narrativo, estético y temático, que no solo amerite mirar esta película, sino a escribir y reflexionar sobre la democracia en la era de la hipermedialidad a partir de ella.

Las mejores series del 2019 ...hasta ahora.

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Mon, 29 Jul 2019 00:08:00 +0000

Así como el acontecimiento televisivo del año fue el final de Game of thrones, 2019 también es el año de varios estrenos que prometen establecer hitos en la historia de la series.

Una de las más prominentes del año es la serie inglesa Years and Years de la BBC distribuida por HBO. Un relato que nos enfrenta a todos los temores sobre nuestro futuro. Nos trae un retrato muy nítido de como lo que está ocurriendo ahora nos puede llevar al peor de nuestros destinos. Una serie con muchas reminiscencias a Black Mirror.
Protagonizada por Emma Thompson y con una producción magistral muestran como la banalización de la política nos puede conducir a la muerte de la democracia.

La reciente miniserie de HBO testimonial sobre la tragedia de la central nuclear Chernobyl obtuvo reacciones muy positivas tanto de la crítica como las audiencias. Algunas reacciones y comentarios señalaban la problemática de la seguridad de la energía atómica o elogiaban aspectos estilísticos y la pericia técnica para recrear aquel acontecimiento. Sin embargo, para mi, el accidente de Chernobyl no es la historia principal del relato. Chernobyl no se trata de la central nuclear, o mejor dicho, esta es una circunstancia para desarrollar la narración central que es una denuncia al régimen soviético. La tragedia de la central nuclear cumple una función alegórica de todo lo que estaba mal en la unión soviética. Esta miniserie muestra la razón del fracaso del comunismo. Básicamente la falta de libertad de expresión, el secreto y la censura. El núcleo dramático del primer episodio es la completa negación de los funcionarios y burócratas de la catástrofe que se desenvolvía frente a ellos. La idea de que en la Unión Soviética podían suceder accidentes era simplemente inaceptable para ellos. Como si el régimen hubiera acostumbrado al sujeto a negar los problemas haciendo imposible la disidencia de un apoyo total al sistema. Chernobyl trata sobre otra tragedia. La tragedia que permitió que sucediera el accidente. El interrogante que esto puede plantear es ¿Qué hay detrás de esta crítica del comunismo? ¿Cuál sería la excusa para plantearla en este momento? ¿En que podemos ver reflejado esto en nuestra realidad cotidiana? ¿Cuál es la actualidad de esta crítica? ¿Por qué la audiencia mostró tanta interés en esta cuestión? Puedo entender cierta curiosidad etnográfica de los historiadores o cientistas sociales por observar como era la vida en la Unión Soviética. Sin embargo Chernobyl tuvo recepción en el gran público. ¿Cuál es la relevancia de mostrar las contradicciones del sistema soviético? ¿Acaso no es más actual mostrar las contradicciones del neoliberalismo? Han pasado más de treinta años desde la tragedia de Chernobyl y una generación de centenials no conocieron el mundo de la cortina de hierro. Tal vez ese sea el miedo detrás de Chernobyl. Que las ideas del comunismo resulten atractivas para una nueva generación.

The Loudest Voice es un testimonial sobre la creación de la cadena de noticias Fox News. Cuenta la histortia de Roger Ailes el verdadero mentor de esa cadena el asenso de la política conservadora, la polarización del electorado de los Estados Unidos, y la aparición de las Fake News.

Ailes es el padre de una nueva clase de periodismo que marca un formato de comunicación televisiva que cambio la arena política en los Estados Unidos y más allá.

Protagonizada por Russell Crowe y Seth MacFarland (el creador de Padre y Familia y American Dad) interpretando un drama del nivel de cualquier producción de Hollywood.

Perpetual Grace Ltd. es una comedia negra. Trata sobre un engaño para robar a una pareja de estafadores que dirigen un templo religioso en Nuevo México. Un engaño y una identidad falsa desenvuelve una trama de enredos y situaciones absurdas. La acción transcurre entre la frontera entre Mexico y el estado de Nuevo México en los Estados Unidos y permite disfrutar de un marco transcultural.

El reparto cuenta con la actuación de Ben Kingsley y Luis Guzman. Se destaca mucho el guión y la escritura. Tiene algún trazo de la narrativa del cine de los hermanos Coen.

Estos son, tal vez, los mejores estrenos televisivos de 2019.

La Pintura en el Cine Contemporáneo

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Sat, 27 Jul 2019 14:58:00 +0000

El cine contemporáneo ha utilizado la pintura como un recurso para crear ambientes, situaciones y recursos expresivos. Aquí podemos apreciar como funcionan las pinturas en algunas películas.

Grand Hotel Budapest (2014) - Wes Anderson. Una pintura esta en el nudo de toda la trama de este relato. Pero toda la estética de Grand Hotel Budapest y de Wes Anderson en general evoca el lenguaje de la pintura. Los planos proponen un enfoque y composición simétricos como en el marco de un cuadro.
La película utiliza los recursos expresivos de la pintura haciendo de esta pieza de cine una obra de arte.

El Gran Gatsby (2013). Dir. Baz Luhrmann

Para recrear la atmósfera de los 20 en el clásico de Fitzgerald esta versión cinematográfica del Gran Gatsby utiliza pinturas en gran formato para reflejar la pujante opulencia de los años locos. La aristocracia americana, moderna, a diferencia de la realeza inglesa. El mito del magnate norteamericano de las fortunas que se podían crear con la especulación.

La migliore offerta (2013). Dir. Giuseppe Tornatore.

La historia de un comerciante de arte excéntrico en una situación y circunstancia singulares. Esas paredes saturadas de obras de artes reflejan un interior que acumula angustias que debe desatar en el nudo del relato.

Wall Street (1987) - Dir. Oliver Stone

El auge del neoliberalismo del capital financiero y la especulación económica. La obra de arte aparece como objeto de ostentación en el boom de la desregulación de los 80.

Children of men (2006). Dir. Alfonso Cuarón.

Mark Fisher escribe sobre esta escena y como opera el Guernica en la lógica del Realismo Capitalista en el libro homónimo publicado en Caja Negra Editores.

Terry Rodgers: Las dimensiones de la ambigüedad

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Sun, 23 Sep 2018 01:21:00 +0000

Terry Rodgers: Las dimensiones de la ambigüedad

The Dimensions of Ambiguity | 2005 | 60" x 70" | óleo sobre lienzo de lino

El artista: Terry Rodgers

Terry Rodgers es un artista norteamericano nacido en 1947 que vive en Ohio. Se graduó con honores en bellas artes en el Amherst College en 1969. Ha desarrollado intereses en la fotografía, el cine y la pintura realista. Realizó su primera muestra individual en 1989 pero comenzó a ganar notoriedad a partir del año 2000. Su primera muestra individual en Europa en 2009 en el Scheringa Museum of Realist Art de Spanbroek (Holanda) le valió un importante reconocimiento en ese continente donde su obra ha tenido mejor recepción que en Estados Unidos.

La obra: “The dimensions of ambiguity”

Rodgers es catalogado como artista contemporáneo(1) a pesar de que su pintura se dedique al retrato y algunos señalen su estilo barroco. Su lenguaje (narrativa) mimético, más característico de la pintura renacentista (Groys 2008: 3, Danto 1964: 572), a contrapelo de las experiencias conceptuales contemporáneas (Genette , Smith 2012), no impugnan esta clasificación.

La temática de la obra retrata escenas contemporáneas que evidencian situaciones, problemáticas, fantasías, y dilemas existenciales propios de esta época (2). Las figuras, -personajes, objetos, lugares y acciones- representados en la obra hacen una referencia explícita al presente. Como señala Smith en relación a las coexistencias temporales (2012:17), según la cual una obra puede pertenecer a un período histórico y su lenguaje artístico a otro, esta actualidad temática no garantizaría su pertenencia al arte contemporaneo. Sin embargo Danto sostiene que “(...) lo que define al arte contemporáneo es que dispone del arte del pasado para el uso que los artistas le quieran dar” (2014:27). En este sentido la contraposición de la temática contemporánea con el lenguaje artístico figurativo (mimético) indicará en su ambigüedad un signo de contemporaneidad.

El título de la obra sugiere un juego contemporáneo de indeterminación que se despliega en distintos niveles, tanto temáticos como estilísticos. Temáticos, en el sentido que la obra plantea el vacío existencial que la juventud, belleza y el dinero no pueden llenar (3). El tema no se agota en los personajes, también aborda el malestar contemporáneo de la abundancia y la infelicidad representadolo con gran expresión y realismo (4).

Esta referencia tan concreta a un tema exterior a la propia obra sugeriría, que más que reflexionar sobre sus condiciones expresivas -que define lo contemporáneo-, plantea un gesto anacrónico en relación al arte. Detrás de la banalidad superficial de la situación representada se esconde una crítica a la vida, valores, y aspiraciones de nuestro tiempo. En este sentido la obra provoca un efecto polémico característico del arte contemporáneo.

Esta combina técnicas de la pintura realista renacentista con procedimientos de montaje y composición asistida por la fotografía y el diseño por computadora. Rodgers describe su proceso creativo en el cual recolecta imágenes fotográficas de situaciones de su vida cotidiana que luego trabaja en su computadora para bocetar la obra antes de plasmarla en enormes lienzos con el pincel y óleo (5). De esta manera combina la pintura “clásica” con otros

recursos tecnológicos propios de esta era.

El estilo hiper-realista de Rodgers imita la fotografía sin abandonar la textura propia de la pintura. A diferencia de otros artistas contemporáneos de este estilo, como Chuck Close, la ]pintura de Rodgers revela el trazo del pincel, imperceptible a cierta distancia. No pretende simular la fidelidad fotográfica sino reivindicar la pericia del dibujo y la pintura.

También dialoga con el cine proponiendo una imagen dinámica de movimiento en las acciones que se desarrollan (6). La obra, como el fotograma de una película en pausa, pone en permanente suspenso la consumación del encuentro de los cuerpos como en la alegoría lacaniana. Esta singular alusión a distintos medios -la pintura, el cine, la fotografía-, aunque todos contenidos en el espacio tradicional de la figura en el plano bidimencional, plantea un gesto artístico de experimentación contemporánea.

El género y el estilo contribuyen a la ambigüedad del carácter contemporáneo de esta obra. Su estilo figurativo y su género contenido dentro del retrato la asemejan tanto a una imagen capturada de una película reciente -como podría ser “Eyes wide shut” (1999) de Stanley Kubrick- como a “Las meninas”. En su emplazamiento espacial, dimensiones, género, estilo, como técnica, “Las dimensiones de la ambigüedad” guarda muchos rasgos en común con la pintura de Velázquez (7). Desde un punto de vista inmanentista del arte las dos son pinturas que retratan personas en un espacio. Esto es, si un punto de vista pudiera ignorar quiénes son los autores y protagonistas de estas obras, que uno es un retrato del rey Felipe II y su esposa Mariana en la corte de Holanda, y el otro una escena inventada que nunca tuvo lugar, podrían entrar en la misma categoría. A pesar de las semejanzas, las condiciones de producción y circulación estas obras presentan grandes diferencias.

Foucault en “Las palabras y las cosas” se refiere a “Las meninas” para ilustrar el régimen de visibilidad de la episteme del renacimiento (8). En ese caso la obra de Velázquez se hace visible a través del espejo que refleja la imagen que está siendo observada por el artista y capturada en la pintura. Esta sería una alusión a la lógica del lenguaje establecida por la gramática de la Port-Royale durante los siglos XVI y XVII (Foucault 1998).

En “Las dimensiones de la ambigüedad” el punto de vista del espectador de la obra de se encuentra fuera de la situación (que solo existe en la imaginación del artista) y es invisible a sus protagonistas. La obra de Velázquez reproduce la imagen desde el interior mismo de la situación real que se retrata invisibilizando el lugar del espectador (Ibid:14-17). En estas dos obras se involucra al público de maneras muy diferentes. Aunque “Las dimensiones de la ambigüedad” presenta rasgos comunes con la pintura del renacimiento opera bajo un régimen de visibilidad muy distinto al de la representación clásica.

No habría ambigüedad en “Las meninas” respecto a su estatuto y recepción como obra de arte y su función estética. La obra de Rodgers provocaría cierta polémica sobre si debe ser recibida como obra de arte y ser expuesta como tal en sus espacios de emplazamiento, como galerías y especialmente museos. Uno se podría preguntar sobre la recepción en grandes museos de Estados Unidos, incluso Argentina. Podríamos especular sobre las reacciones del público y la prensa ante una obra potencialmente pornografica, y resultar explícita en vez de sugerente (9).

Sería un “porno sin porno” (10). Las pinturas de Rodgers no muestran mucho más de lo que se puede ver en cualquier espectáculo televisivo de variedad. Lo que resulta polémico o pornográfico en la obra no sería su contenido sexual explícito. Lo pornografico sería mostrar tan obscenamente el reflejo de lo que oculta el exceso y vacío detrás de las relaciones de poder (11). Con la ambigüedad de lo sutil y lo frontal expone un tema abyecto que produce atracción y rechazo.

Otra mirada analítica podría sugerir que la recepción de esta obra es de tipo contemporánea en relación a un estilo “retro-sensacionalistas” con aspectos barrocos, caracterizados por la hiper-realización de artistas como Jeff Koons, Takashi Murakami, Damien Hirst, Julian Schnabel, entre otros (Smith 2012: 22). Esto situaría esta obra dentro del tan anunciado “retorno de la pintura” señalado por Smith (Ibid: 303-4). Esta consideración de lo contemporáneo se define por el contraste de una sobre-ejecución refinada de un objeto vulgar característico del estilo kitsch. Esto sugeriría cierto gesto frívolo que agota la interpretación de la obra en su propia materialidad. Es decir, reducir la obra a la escena de insinuación sexual que presenta expresando su carácter contemporáneo en su propia degradación. Algo que acerca la obra a géneros menores como el poster, el afiche, y temáticas como la juventud y la sexualidad en un registro entre la telenovela y la película erótica (12).

Aunque la pintura de Rodgers se inscribe en una corriente lejana a la del arte conceptual (que habría dominado el concepto contemporáneo) se podría sostener que comparten este atributo.

Agamben plantea que ser contemporáneo implica cierto anacronismo (2014) como el que propone el estilo de la pintura realista de Rodgers. como señalaría Danto, el gesto contemporáneo sería la reapropiación de esos elementos del pasado. El aspecto innovador de la obra sería la dirección a contrapelo (del arte conceptual) de la experimentación artística de Rodgers de volver a la pintura sobre lienzo y los estilos figurativos y barroco. El artista parecería poder sacar algo nuevo de ese tipo de pintura. Ha hecho hablar a nuestro tiempo en la en la lengua del renacimiento como Ezra Pound en su traducción de los cantos de Cavalcanti. Pero estos cantos no nos revelaron la fuerza del optimismo pujante que compartieron el renacimiento y el comienzo del siglo XX, sino la decadencia de los viejos imperios.

La revista Art News publicó en 2005 un artículo sobre el aumento del precio de la obra de Rodgers. Sus pinturas pasaron de un valor promedio de 7.500 dólares en el año 2000 a 17.000 cinco años más tarde (13). En 2012 Christie's remató “The artificial boundaries of illusion” en 98.909 dólares y fue adquirida por un museo (14). Esto podría considerarse un indicador de aceptación tanto por el mercado como las instituciones del arte.

La obra de Rodgers parece haber capturado el “espíritu de época”. Como señalaría Zizek respecto del cine, la pintura de Rodgers ha revelado algo de las fantasías, identidades e ideología de nuestro tiempo. Denuncia con un gemido, en vez que con un grito, la lógica neoliberal de nuestro tiempo. Sublima la desigualdad social en el deleite de la fantasía producto de esa relación de dominación.

La evidencia para-textual presentada fundamenta el carácter contemporáneo de la obra por las siguientes razones. La experimentación con los medios expresivos del arte de la época actual (la fotografía, el cine y el diseño por computadora), y pasadas, como el renacimiento y la modernidad. Combinar lenguajes y estilos artísticos que pueden parecer incompatibles. Poseer un aspecto polémico y provocar cierta ambigüedad en su recepción. Abordar una temática específicamente contemporánea. Su circulación (aunque reducida) y aceptación en ciertos espacios artísticos cómo museos, galerías, y el mercado del arte, validan su recepción cómo obra contemporánea.

Conclusión: La fuerza performativa de “Las dimensiones de la ambigüedad”

Cuando el profesor de Problemáticas contemporáneas del arte contestó: -”¿Que?” al escuchar el nombre Terry Rodgers tuve la certeza que “no lo conocía nadie”. Generalmente eso sería una señal alarmante, especialmente si se quiere analizar su recepción. Otra cosa es que lo conozca todo el mundo pero a nadie le guste. Pero que el gran público, y hasta el público especializado, nunca lo haya oído nombrar, lleva a uno cuestionarse su valor y relevancia artística. La obra de Rodgers es difundida en una cantidad de blogs, muchos de ellos no especializados, reproduciendo sus pinturas acompañadas de comentarios y apreciaciones personales.

Representa un verdadero desafío afirmar que una obra que no haya obtenido gran notoriedad y trascendencia es contemporánea. Más aún en este caso donde la obra en cuestión se asemeja a la pintura mimética clásica.

Sin embargo el aspecto contemporáneo es una propiedad cualitativa no cuantitativa (en un sentido no inmanentista). Con esto me refiero que ser contemporáneo no significa reconocer el artista, la obra, o considerarla estéticamente deleitante o bella. Si pudiéramos -digamos: porque las dimensiones de las obra ya dificultarían su emplazamiento- exponer esta pintura en un taller mecánico o gomería junto a un calendario de Pirelli, o un afiche de “mal gusto” con mujeres en trajes de baño en poses sugestivas, ¿Que reacciones esperaríamos obtener? ¿Pasaría desapercibido? ¿La gente se detendría a apreciarlo? ¿Provocaría algo?

Esto sería un gesto subversivo inverso al del urinal de Duchamp. En vez de exponer un objeto readymade en un espacio de circulación de arte, hacerlo en otro espacio, como un taller, un supermercado chino, una estación de ómnibus. El arte contemporáneo -en especial el conceptual- ha llevado la recepción al límite de conspirar contra sí mismo. Dos acontecimientos recientes ponen en evidencia esta situación límite que vive hoy el arte. En 2015 el personal de limpieza del Museo Bolzano de Milán limpió y tiró a la basura por error una instalación de arte conceptual titulada “final de fiesta” de las artistas Sara Goldschmied y Eleonora Chiari que constaba de botellas de champagne vacías y cotillón (simulando lo que queda cuando termina una fiesta). Este año alguien dejó unas gafas en el Museo de Arte Moderno de San Francisco y el público comenzó a admirarlos como una obra de arte. La película “Untitled” (2009) de Jonathan Parker trata esta cuestión en la música performativa y las artes plásticas casi apoyando la tesis del “complot del arte” de Jean Baudrillard (2007). La reacción en el arte al “relativismo absoluto” del postestructuralismo y la filosofía analítica de Wittgenstein fue un giro al esencialismo hegeliano que vaticinó el final de la historia y del arte (15). El esencialismo (16) se opuso a la noción relacional del arte clausurando las posibilidades nuevas formas de experimentación artística. La culminación post-histórica representa la superación de la búsqueda constante de lo nuevo. Pero incluso el aforismo hegeliano de la repetición de la historia afirma que se da como paródia de la tragedia.

La obra de Rodgers se ajusta con bastante precisión a las definiciones del retorno de la pintura en caballete en el arte contemporáneo de Terry Smith y del arte post-historico de Danto. Grandes pinturas que rescataran lo mejor del pasado. La alegoría del arte monocromo de Danto comparte algo de la “defensa de los ismos” de Adorno: la posibilidad de poder colaborar en una obra colectivamente y establecer parámetros de destreza artística enmarcada en un estilo. Desde esa perspectiva la clasificación de Rodgers como contemporáneo es categórica.

Genette se refiere a los “modos de existencia” y “estatutos ontológicos” de tipo autográficos, alográficos, e hiperalográficos, trazando un espacio de propiedad que se extiende a través de la oposición entre materialidad e idealidad de la obra en tanto “artefacto con función estética” (Genette). La materialidad de la obra de arte no es autónoma a su recepción. La recepción del objeto con intención es la que determina su estatuto artístico. El reconocimiento cierra el circuito de la circulación de la obra de arte.

En ese sentido presentamos material para-textual que sustancia el reconocimiento de la obra de Rodgers como obra de arte contemporánea. La principal objeción a este planteo es la trascendencia de la obra. Aunque es reconocido, Terry Rodgers está muy lejos de ser un artista consagrado. A pesar del aspecto polémico de la obra de este artista su recepción no fue escandalosa (al menos no encontramos evidencia para-textual de ello). Sin embargo esa misma ambigüedad también definiría la obra de arte contemporánea.
Sin una respuesta más definitiva que los mismos modos de existencia, por todo lo expuesto, sostenemos que “Las dimensiones de la ambigüedad” de Terry Rodgers es una obra de arte contemporánea a pesar de utilizar recursos estilísticos y genéricos de otros regímenes.

Notas:

Así lo definen las presentaciones de Torch y Aeroplastics (galerías que lo representa en Europa), los programas de sus muestras, como “Dimension of Ambiguity” en el Scheringa Museum (2009), y reseñas en medios especializados como Art News (2005) y Widewalls.
“Rodgers' works underline the complexity of human relations in contemporary society, with all its contradictions and mediated influences.” Torch. "I can say that a real source for the work is noticing our ever-present vulnerability. We do so much to disguise it, and yet, it is always evident." Juxtapoz Magazine. “Rodgers makes clear that this 21st century jet-set notion of success is but a metaphor. It is the various modes of language and perception of every era or culture that are the inevitable roots of illusion, and often disenchantment.” Widewalls
“His very realistic and dynamic figurative pieces depict a world in which the 'young and beautiful' occupy a prominent place. However, the wealth, beauty and promiscuity cannot conceal the emptiness of their lives.” (Scheringa Museum 2009) en Yatzer.
“Of course, there's graphic intensity in the subject matter. Rodgers creates in paint the spector of new money, gone terrible and out of control, careering towards extreme, with debaucherous scenes featuring upper-class blasé about sex, drugs, and politics. The powerful and the powerless, exercising their demons for different reasons, unite in one canvas. It's dirty and desperate, haunted by the truth.” (Showstopper 2010) en Aeroplastics
NY Arts Magazine 2009
“On display at Aeroplastics will be utopian canvases nearing 11-feet, making the concept of dream-fictions feel like a movie screen left on pause.” (Yustapoz Magazine 2010)
En una entrevista Rodgers reconoce cierta influencia de Velazquez “M: How much is your painting influenced by ancient Masters such as Velasquez and the Impressionists too? TR: Very much. I’m very interested in how Velasquez and Rubens render figures and construct space. It’s only the peripheral Impressionists that have been interesting to me...especially Toulouse Lautrec and Degas with their amazing use of line”. Revista Matrix, N4, Abril 2008 Italia.
“Quizá haya, en este cuadro de Velázquez, una representación de la representación clásica y la definición del espacio que ella abre.” (Foucault 1998:25).
Ciertos aspectos de esta idea se pueden encontrar en: “That said, what at first sight primarily differentiates Terry's work from present-day pornographic productions is the lack of graphic references to the sexual act. Today, surrender, physical perfection and equivocal situations characterize not only pornography, but permeate the world of media and advertising” Lodown Magazine #63 — Octubre/Noviembre 2008, Alemania.
“Terry Rodgers: Le porno sans porno” Boubagan Magazine, 2012, Francia.
“There is something pornographic about the experience of human relationships governed by the laws of market economy and about contemporary manners that turn sexuality and the private sphere out into the public realm so as to better profit from them. According to the French historian and philosopher Michel Foucault, the survival and control of modern Resting On Her Laurelssociety depend on a politics of individualized pleasures and on the valorization of an exhibitionist behavior.” Lodown Magazine
Como una versión refinada y virtuosa de las fotografías de la Cicciolina de Jeff Koons.
“Prices Are Rising for Terry Rodgers’ Figurative Art”, Art News, 2005.
Christie’s, Septiembre 2012.
Cómo el pensamiento neo-conservador de Francis Fukuyama que buscaba clausurar la historia postulando el liberalismo como culminación de ese proceso tras la caída de la Unión Soviética. Danto (2014) se suma a ese movimiento anunciando un arte post-histórico para una época post-histórica.
“Esencialismo implica llegar a una definición en el modelo canónico de la filosofía mediante condiciones necesarias y suficientes” (Ibid:220)

Bibliografía citada:

Agamben, G. (2008) “¿Que es ser contemporáneo?” en La desnudez. Buenos Aires: Adriana Hidalgo Eds.

Baudrillard (2007) “El complot del arte: Ilusión y desilusión estéticas”. Buenos Aires: Amorrortu.

Bourriaud, N. (2008) “Altermodern”. En catálogo TateTriennial. Londres

Danto, A. (2014) “Después del fin del arte: El arte contemporáneo y el linde de la historia” Buenos Aires: Paidós.

(1964) “The artworld” en Journal of Philosphy Vol. 61 Issue 19

Foucault, M. (1998) “Las palabras y las cosas: Una arqueología del conocimiento”. México D.F: Siglo XXI

Fukuyama, F. () “The end of history”

Groys, B. (2008) “La topografía del arte contemporáneo”. en Anatomies of Art and Culture. Modernity , Postmodernity, Contemporaneity. Duke University Press.

Genette, G. () “La obra de arte I”: Introducción y Capítulo 9.

Smith, T. (2012) “¿Qué es el arte contemporáneo?” Buenos Aires: Siglo XXI.

Artículos y Fuentes citadas de Internet:

Foulatier, j. (2012) “Terry Rodgers: Le porno sans porno”. En revista Boum!Bang. Francia

Grant, D. (2005) “Prices Are Rising for Terry Rodgers’ Figurative Art” en Revista Art News. EEUU

Somzé, C. (2008) “Terry Rodgers: cocaine dreams of the hypermaterialistic society?” En LODOWN MAGAZINE #63 — October/November. Alemania: Reproducido en terryrodgers.com

Pricco, E. (2010) “Showstopper Terry Rodgers”. En revista Juxtapoz. EEUU: Reproducido ee terryrodgers.com

Entrevista a Terry Rodgers Revista Matrix, N4, Abril 2008 Italia.

Christie’s: Subasta de obras

Bibliografía complementaria:

Adorno, Th. “Teoría Estética”. Buenos Aires.

Benjamin: “La obra de arte en la era de la reproducción técnica” en Estética y Política Buenos Aires:

Fleck, R. (2014) “El sistema del arte en el siglo XXI”. Buenos Aires: Mardulce.

Zizek, S. (1998) “El sublime objeto de la ideología”. Buenos Aires: SXXI.

El desaceleramiento del futuro

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Thu, 17 May 2018 16:56:00 +0000

Año 2000 según Villemard en 1910

Cien años atrás se pensaba que en el año 2000 existirían automóviles voladores y que los viajes a la luna serían algo común. En vez de eso tenemos 280 caracteres.

La realidad del presente dista mucho de la imagen que se tenía de ese futuro a fines del siglo XIX. Esa mirada era (tal vez) demasiado optimista en algunas cuestiones e ignorante de otras áreas donde se producirían enormes avances tecnológicos a lo largo de ese período.

El siglo XX nos brindó grandes adelantos e introdujo inventos como el vuelo, las telecomunicaciones (la televisión y radio), procedimientos médicos como la cirugía, transplantes, medicinas, antibióticos, vacunas, así como los viajes espaciales. Pero tal vez los dos inventos más importantes propios de ese siglo puedan ser la electrónica (la invención del transistor, circuitos integrados, y los microprocesadores) que hizo posible el desarrollo de la informática; y en segundo lugar la energía atómica, que está directamente relacionada con el descubrimiento del ADN y surgimiento de la genética.

World's Columbian Exposition, Chicago,1893

Muchos adelantos que se hicieron posibles y popularizaron en el siglo XX provienen de ideas del siglo XIX. El automóvil se inventó en 1885, la luz eléctrica en 1881, y el telégrafo en 1884. El primer submarino data de 1775 (y fue utilizado en la guerra de independencia de los Estados Unidos) pero su invento -así como los viajes a la luna- se le podrían atribuir a la obra literaria de Julio Verne. Incluso, siendo excesivamente meticulosos, hasta podríamos atribuir la máquina de calcular (precursora de la computadora) a Schickard y Leibniz en siglo XVIII.

La imaginación del siglo XIX fue muy prolifera haciendo posible las grandes transformaciones sociales y tecnológicas del siglo XX.

Liberalismo, socialismo, comunismo, anarquismo, y capitalismo fueron

Villa cooperativa New Harmony, Indiana 1825

términos acuñados en el siglo XIX. Entonces existía otra esperanza e interés en crear un nuevo porvenir. El siglo XIX tenía aspiraciones utópicas y optimismo revolucionario de crear nuevos horizontes para la humanidad.

El siglo XX perdió esos ánimos desde sus comienzos aferrándose desesperadamente al antiguo régimen en lo que fué la primera guerra mundial. Esa catástrofe, en vez de apaciguar el espíritu conservador del siglo, produjo una reacción que constituyó su verdadera innovación política. El fascismo fue el intento del siglo de enterrar en el olvido la ilusión del progreso del siglo XIX.

Muchos consideran el fin del comunismo en 1989 como el acontecimiento político más importante del siglo XX, sin embargo, la caída del fascismo en 1945 (en buena medida posible gracias a la Unión Soviética) tal vez tenga una relevancia significativa. [Incluso aunque se critique el comunismo soviético, en sus comienzos consiguió alcanzar índices de crecimiento económico mucho más alto que el régimen zarista que se mantuvieron durante la década del 30 mientras los países capitalistas enfrentaban la gran depresión. La Unión Soviética también fué la primer nación en poner el primer satélite en órbita y llevar al hombre al espacio.]

1945 marca la aparición de la energía atómica y el fin del fascismo. El desenlace de la segunda guerra mundial entierra la fuerza reaccionaria del siglo XX enfrentando liberalismo y comunismo, dos ideologías del siglo anterior. La democracia, otro invento de finales del siglo XVIII, introducido por la declaración de independencia de los Estados Unidos, es la forma de gobierno que prevaleció en el mundo, salvo en China.

El siglo XX propuso terminar las guerras. Sin embargo produjo dos enfrentamientos mundiales en su primer mitad. El final de la segunda guerra inició la guerra fría. Una modalidad que trasladó los conflictos bélicos a la periferia mientas las potencias de Estados Unidos y la Unión Soviética se medían en una carrera armamentista manteniendo los límites de sus bloques a través de la disuasión nuclear.

El siglo XXI comenzó con la "guerra contra el terror". Una guerra que paradójicamente propagó el poder territorial del terrorismo en medio oriente, intensificó sus atentados en Europa, y creó una crisis de refugiados a gran escala. Pero las verdaderas novedades de este siglo son la guerra de la información y la cyber guerra. Mark Zuckerberg afirmó en su testimonio ante un comité del senado que agencias extranjeras utilizaron Facebook para intervenir en las elecciones presidenciales de 2017. La información se ha convertido en la sustancia que alimenta el funcionamiento del mundo. Los ataques informáticos constituyen un acto de guerra cibernética. La simetría en el acceso a la tecnología permite a distintos actores -desde agencias gubernamentales, organizaciones delictivas, y hasta grupos activistas- desarrollar estas nuevas capacidades bélicas.

Aunque nos encontremos alejados de zonas de conflicto como Siria, Crimea, o el mar de China septentrional, estamos expuestos a este tipo de ataques.

Los intentos restauradores del siglo XX de interrumpir el futuro no pudieron detener los adelantos, crecimiento, y bienestar que benefició a gran parte del planeta. La automatización de la producción alivianó el trabajo industrial. La informática provocó una revolución tecnológica que transformó el mundo. El descubrimiento del ADN reveló el secreto de la vida. Y el viaje espacial estableció una nueva frontera para el hombre.

Sin embargo el siglo XX deliberadamente postergó el desarrollo de muchas tecnologías. Los automóviles que manejamos hoy son mucho más sofisticados que los que se inventaron hace más de un siglo, sin embargo los principios mecánicos de su funcionamiento no han cambiado demasiado.
El fracaso de Tucker demuestra las resistencias a la innovación de la industria automotriz. Francis Ford Coppola cuenta la historia del hombre y el automóvil en su película de 1988, Tucker. Aunque en su relato tal vez idealiza un poco la figura del protagonista (Tucker) pone en evidencia que las grandes industrias son capaces de sabotear la innovación.

Thomas Edison con auto eléctrico en 1913

El automóvil eléctrico tal vez sea uno de los mejores ejemplos del desaceleramiento del futuro. Aunque existen desde 1913 su adopción es muy reciente y paulatina. En 1997 Toyota introdujo al mercado el Prius, el primer vehículo híbrido. El resto de la industria automotriz tardaría más de una década para lentamente comenzar a introducir el motor eléctrico. La gran innovación del automóvil eléctrico no provino de los grandes fabricantes. En 2003 la compañía Tesla, lanzó un nuevo concepto. Esto transformó la percepción del automóvil eléctrico. El Toyota Prius refleja una imagen aburrida de conciencia, responsabilidad, y compromiso con el medio ambiente. El Tesla es un bien suntuario que ostenta fortuna y privilegio. El capricho de los ricos parecería acelerar el futuro con más intensidad que las necesidades de los demás.
De todas maneras -y aunque dentro de cien años todavía encontremos algunos automóviles de combustión- el auto eléctrico estará disponible para todos en un futuro cercano, aunque no inmediato. Este cambio dependerá más de las regulaciones de emisiones que del público.

La obsolescencia programada es otro ejemplo de una modalidad para retrasar las innovaciones. La bombilla de luz y las medias de nylon ilustran claramente esta cuestión. Las primeras bombillas que se fabricaron estaban producidas para durar indefinidamente. La bombilla en funcionamiento más antigua que se conoce se encuentra en una estación de bomberos en California. Ha estado en funcionamiento ininterrumpidamente desde 1906 salvo en 1976 que fue apagada por única vez.

Aunque ahora comenzamos a utilizar la tecnología Led para iluminación, nadie esperaría que las bombillas de luz que todavía empleamos duren más de unos pocos años.

Cuando en los años 40 DuPont lanzó al mercado las medias de nylon eran irrompibles. Esto las hacía un excelente producto pero no generaba demasiadas ventas. Por eso las medias ahora son más frágiles y su duración es mucho más corta.

Hoy muchos productos electrónicos son fabricados para ser descartados en cinco años, o menos.

El vuelo aéreo supersónico para pasajeros es un ejemplo de retroceso tecnológico. La innovación en la aviación comercial tomó el camino de la eficiencia y reducción del impacto ambiental en vez de la velocidad. Incluso el Airbus A380 -tal vez el avión comercial más avanzado (capaz de transportar hasta 853 pasajeros)- tal vez se deje de fabricar. El negocio de la aviación precisa aviones más pequeños y económicos para cubrir rutas más cortas.

El sueño de aeronaves que transporten más gente más lejos y más rápido ha sido reemplazado por el sentido práctico de hacer más económico y accesible el vuelo, incluso compitiendo con el transporte terrestres en trayectos no tan largos. En ese sentido, aunque los aviones de pasajeros del futuro tal vez luzcan como los de ahora, mucha más gente utilizará el transporte aereo.

La tecnología no es un factor suficiente para la aparición de nuevos inventos. El mercado, el interés de la industria, y los marcos regulatorios estatales influyen sobre ello. Por ejemplo, hoy contamos con la tecnología para que exista un automóvil volador, pero nadie espera o imagina esa posibilidad (salvo la película Volver al futuro de 1985). El auto volador no ha logrado captar la atención ni del público ni de los fabricantes. Pero sobre todo, los marcos regulatorios jamás aprobarían un vehículo con esas características. Por mencionar un caso: La política inmigratoria adoptada por Estados Unidos y la controversial propuesta de construir un muro en su frontera con México dificultaría mucho el desarrollo de automóvil volador.

La alternativa al auto volador son los túneles subterráneos que promete The Boring Company. El hyperloop de Elon Musk permitiría evitar los embotellamientos urbanos transportando a alta velocidad automóviles por una red de túneles.

Aunque los trenes subterraneos existen desde hace un siglo el hyperloop introduciría innovaciones en los campos de la construcción de túneles, como la propulsión y desplazamiento de vehículos. Este sistema de transporte constituye un avance que requiere la realización de una gran obra de ingeniería civil. El hyperloop no estará disponible en todos lados y su desarrollo dependerá del planeamiento de transporte urbano de ciudades con alto tránsito. Se estima que se construirá el primer tramo de este sistema de transporte en la ciudad de Los Angeles conectándola con su aeropuerto.

El hyperloop -a diferencia del tren subterraneo- no ataca la principal causa de los problemas de tránsito que son los automóviles. Esto indica que algunos adelantos del futuro no ofrecerán mejores soluciones que las que ya contamos.

El siglo XIX tuvo gran imaginación para idear nuevas invenciones. El siglo XX parecería haber compensado la falta de esa imaginación con el ingenio técnico. Como si el sigo XIX hubiera soñado el futuro que el siglo XX se tomó el trabajo de construir. Sin embargo el siglo XX también introdujo algunas ideas originales.

Computadora Manchester Mark 1, 1949

La revolución informática generó lo que podríamos considerar la verdadera utopía propia del siglo XX. La introducción de la información como principio que gobierna el funcionamiento de las máquinas y animales transformó las consideraciones de la vida orgánica y sintética.
El paradigma cibernético de la información está asociado a otro gran descubrimento del siglo XX. El funcionamiento de la molécula de ADN replica la lógica del sistema informático. La vida ya no se considera e partir del organismo biológico sino como un proceso de transmisión de información a nivel molecular.
La cibernética y la informática permitieron a la genética comprender la información como algo que se puede copiar, almacenar, y modificar. La biotecnología permitiría replicar, modificar, y crear nuevas formas de vida.
La gran narrativa del siglo XX es que la vida puede ser programada como una máquina. Tanto la genética como la informática han reducido todo a la lógica de la información con la fantasía de gobernar el funcionamiento de la vida como una máquina.

La posibilidad de observar la vida a nivel microscópico estimuló las narrativas de la biología. El gran relato tecnoutópico del siglo XX se basó en la idea de ejercer el dominio sobre la población por medio del control de su funcionamiento a nivel molecular.

La genética, más allá de su originalidad, reverbera narrativas del sigo XIX, como la teoría de la evolución,

Estructura del ADN

el modelo panóptico, y hasta el relato religioso ("el santo grial", "el libro sagrado") del principio de la vida.

El descubrimiento del ADN consagra a Darwin como héroe de la ciencia. La genética moderna actualiza el discurso de la evolución de las especies. La biotecnología -el procedimiento técnico de la genética- también presenta rasgos de la utopía del modelo panóptico de Bentham. La idea de un instrumento técnico que logre ordenar a la sociedad.

La novedad de la genética en relación a la idea panóptica -que es analógica y funciona a nivel orgánica- es que opera a nivel molecular y de manera digital. Podemos ilustrar esta diferencia a través de la literatura haciendo referencia a 1984 de Orwell y Un mundo feliz de Huxley. 1984 presenta un modelo panóptico que basa su control en la vigilancia del cuerpo a través de la mirada. El tipo de control que describe Huxley en Un mundo feliz no requiere un dispositivo de disciplina sobre el cuerpo para conseguir su obediencia, sino que la manipulación genética la hace voluntaria. Como si el organismo biológico solo pudiese sentirse libre (realizarse plenamente) si obedece a una función ya programada en él.

Hablamos de las postales del futuro de hace cien años atrás y las imágenes del progreso que imaginaban. Ahora la pregunta es: ¿Como imaginamos nuestro futuro dentro de cien años?

La mayoría podría coincidir en dos predicciones. La primera sería afirmar que el mundo en cien años enfrentará una catástrofe ambiental provocada por el cambio climático. La segunda es que el capitalismo -lo que provocó esa misma catástrofe- seguirá siendo el único modo de producción.

Trump ha retirado a los Estados Unidos del tratado de Paris para reducir las emisiones. Por su lado, aunque China todavía se mantiene dentro de este tratado y ha reducido substancialmente la polución por utilización de carbón, su economía ha crecido a un ritmo que ha aumentado los niveles de contaminación.

Otra mirada apocalíptica reciente sobre el futuro ha surgido de la discusión sobre la inteligencia artificial y como eventualmente la especie humana deberá competir contra las máquinas por la supervivencia.

Dos series recientes abordan la temática del futuro desde distintos géneros (una es una comedia, la otra una serie de suspenso y ciencia ficción). "Futureman" (Hulu) y "Viajeros" (Netflix) proponen una narrativa similar. La premisa es conocida -es la misma de la película Terminator de James Cameron- donde viajan en el tiempo desde el futuro para alterar el pasado.

La aceptación de esta narrativa en cultura popular revela algo sobre lo que inconcientemente pensamos sobre nuestro futuro y las fantasías que tenemos de cómo resolveremos los problemas inminentes que nos acechan.

Secretamente no esperamos que se revierta el deterioramiento del medio ambiente y el cambio climático. Nadie estaría dispuesto a privarse de los productos chinos como medida para reducir la contaminación que provocan. Aunque nos entusiasman las energías renovables y todavía existen compromisos para lograr un mundo sustentable, nuestro compulsivo apetito capitalista continúa alimentando una crisis ambiental inminente. Lo mismo podríamos decir de los posibles peligros del desarrollo de la inteligencia artificial que aceptamos asumir.

Como en las series Futureman y Viajeros (o la película Terminator) sabemos que la catástrofe es inevitable. En esa fantasía resolvemos este problema no haciendo nada para evitarlo, y solo después de que sucede decidimos enviar alguien del futuro para cambiar en el pasado lo que no estuvimos dispuestos a hacer en el presente en primer lugar.
[Al momento de escribir esto se estrenó el piloto de la serie "The crossing" que utiliza estas mismas narrativas combinándolas con una temática actual como los refugiados. En The crossing recibimos refugiados que viajan en el tiempo desde el futuro huyendo de la aniquilación de la especie.]

Mark Fisher en su libro "Realismo capitalista" propone una mirada del futuro a través de dos películas. Una de ellas es “Wall E” (2008) la película de animación de Disney y Pixar que muestra un futuro donde la tierra es inhabitable. No obstante esto, la humanidad -recluida en una vida adormecedora en una nave espacial- espera la recuperación del planeta para repoblarlo para así volver a destruirlo.

La otra película que menciona Fisher para describir su noción de realismo capitalista es “Hijo del hombre” (2006) de Cueron que narra un futuro cercano en el que la humanidad se vuelve estéril y hace dos décadas que no hay nacimientos. La película muestra un mundo que lentamente se sumerge en decadencia en un inevitable camino a la extinción. La escena que más destaca Fisher (y que mejor refleja el realismo capitalista) es cuando el protagonista se encuentra con un amigo que pertenece a la elite dominante mostrando como es su vida en un edificio de patrimonio histórico donde preserva en su colección privada obras como el David de Miguel Angel, el Guernica de Picasso y el cerdo inflable de Pink Floyd. El protagonista le pregunta a su amigo privilegiado que sentido tiene acaparar todas estas cosas si dentro de poco ya no habrá nadie para verlas. El amigo responde: "Trato de no pensar en eso".

El problema no es tanto que nos dirijimos hacia una catástrofe sino que no nos importa. Sabemos que muchos de nuestros consumos contribuyen a la contaminación, pero "tratamos de no pensar en eso".

Se pronostica un futuro lleno de grandes novedades, sin embargo, el modo de producción sigue siendo el mismo que existe desde el siglo XIX. La discusión sobre el "aceleracionismo" rescata una lectura de Marx en relación a las máquinas y la automatización de la producción (en fragmentos de los Grundrisses y el capítulo 13 del Capital sobre la maquinaria y la gran industria). La mecanización y automatización reduce al mínimo el valor del trabajador, sin embargo, participa de otra manera en el proceso social de producción participando del general intelect.

Pero lo más interesante que dice Marx sobre las máquinas y la automatización es que en otro modo de producción podría liberar del trabajo al sujeto.
Una posición opuesta a esto puede ser la tecnofóbia que describe el artista visual y documentarista Frank Theys en su trilogía TechnoCalyps del 2006.

Bill Gates declaró recientemente que los robots deberían pagar impuestos. Existe una noción interesante en esta idea absurda. Si la producción quedara en manos de las máquinas se podría distribuir socialmente el valor que generan. Jeremy Rifkin ya en 1985 anunciaba el fin del trabajo y la aparición de una nueva economía como consecuencia del desarrollo tecnológico.

El trabajo aún no ha desaparecido pero efectivamente hemos experimentado un cambio y surgimiento de una nueva economía. Nick Srnicek plantea un nuevo capitalismo de "plataforma" que describe el nuevo modelo de la economía de las redes sociales. Chris Anderson en su libro "Free: The Future of a Radical Price" describe los nuevos modelos de negocios donde los servicios que se ofrecen son gratuitos. El éxito del negocio de gigantes como Google o Facebook se basa en brindar servicios gratuitos.

El capitalismo de plataforma está transformando no solo la economía sino también el trabajo. El impacto de Uber no solo ha tenido efecto sobre la industria del transporte urbano sino también comienza a replantear las condiciones del trabajo autónomo. La plataforma Airbnb -de alquiler de alojamiento eventual- no solo rivaliza con la industria hotelera sino que también esta generando una crisis de viviendo (en ciudades como Barcelona) donde el aumento del valor del alquiler afecta a sus propios habitantes.

Pero tal vez la plataforma que producirá el cambio más radical -específicamente en el mundo del trabajo- puede que sea Glovo. El modelo de esta aplicación es similar a la de Uber pero el servicio que ofrece es trabajo eventual. Esto implica un problema para el trabajo, el empleo, y el salario. Para quienes ya están integrados al mundo del trabajo esto representa una amenaza para la seguridad y estabilidad que ofrecen los derechos laborales del empleo. Para aquellos que aún no han ingresado al mundo del trabajo -los millennials- que no buscan compromisos, odian la monotonía y la rutina, valoran su independencia, y sienten que estas plataformas ofrecen la libertad de elegir las tareas o trabajos que desean realizar, consideran más atractiva esta modalidad de trabajo que los empleos tradicionales.

Un informe de la publicación Vice titulado "Utilicé un Uber humano sustituto para hacer mi trabajo por mi" muestra como estas plataformas permiten delegar muchas de nuestras tareas. Aunque muchos trabajos -en especial los que requieren mayor especialización y ofrecen mejor remuneración (ingenieros, técnicos, médicos, científicos, artistas, atletas, etc.)- mantendrán la modalidad tradicional del empleo, mientras que aquellos menos calificados puede que adopten esta nueva modalidad eventual.

Marx planteaba que en la sociedad comunista las personas serían libres para "por la mañana cazar, por la tarde pescar y por la noche apacentar el ganado, y después de comer, si me place, dedicarme a criticar, sin necesidad de ser exclusivamente cazador". Esto parecería describir mejor el futuro del trabajo en el capitalismo de plataforma. Como si por la mañana podríamos ser recepcionistas, vendedores en comercios, brindar servicio telefónico de atención al cliente, por la tarde archivar documentos, limpiar casas u oficinas, para por la noche conducir un automóvil para transportar pasajeros.

En los años 90 ya se anticipaba un cambio en relación al trabajo como profesión -en el sentido de actividad que se desempeña a lo largo de la vida laboral- que requeriría una transformación permanente (a través de la capacitación y educación continua) para adaptarse a las nuevas necesidades del desarrollo de nuevas tecnologías. Esto sugería que el futuro exigiría tener que desempeñar distintas profesiones y trabajos en la vida. Pero el capitalismo de plataforma sugeriría que podríamos llegar a realizar diferentes trabajos al mismo tiempo sin la necesidad de tener que desarrollar una profesión específica.

El arte y la cultura en el siglo XX experimenta grandes cambios provocando importantes transformaciones sociales.

La música de comienzos de siglo pasado es muy distinta a la que escuchamos hoy en día. Su reproducción ha sido

el objeto de muchas tecnologías de almacenamiento y transmisión de datos que contribuyó a la revolución digital. En el siglo XX se produjeron y vendieron millones de discos (primero de pasta y luego vinilo), casettes, y compact discs conteniendo la música más diversa. Esta clase de soportes físicos se fué extinguiendo hacia comienzos de este siglo provocando el colapso de la industria discográfica. Esto prometía que ya nadie mediaría a las audiencias y que estas no necesitarían de las discográficas para seleccionar o decidir por el púbico. Los formatos de música digital y las plataformas sociales permiten a cualquier músico difundir su obra y al público a acceder a ellas.

Músicos como Frank Zappa -quien también tenía una mirada desencantada del futuro (como refleja en su disco de 1979 Joe's Garage)- sostenía una crítica a las discográficas y como interfieren en el proceso creativo de la música en base a lo que consideraban podía ser un éxito comercial.

The artic monkeys son un ejemplo de una banda que se popularizó por internet. Pero esta no pasó a ser la regla. Los grandes éxitos por lo general son producto de la asociación de compañías de medios con estrellas del entretenimiento. Acontecimiento de grandes audiencias espontáneas en las plataformas sociales -como el Gandam style- son menos un suceso musical que el interés en la curiosidad de internet.

Algunos críticos sostienen que no ha surgido nada realmente nuevo en la música desde hace varias décadas. Mark Fisher afirma que la última novedad de la música sucedió en 1995 y era un pastiche de los Beatles y los Sex Pistols.

La música electrónica -como ideal de música tecnológicamente avanzada- se desarrolló a finales del siglo XX y sus géneros y estilos se mantienen regulares en el presente. Un disco de Kraftwerk de los años setenta puede sonar completamente actual hoy en día. Algo que ilustra un retorno del pasado en la música electrónica son los discos más recientes de Daft Punk donde participan Nile Rodgers (guitarrista responsable del sonido disco de los años 70) y Giorgio Moroder (productor de grandes éxitos tecno en los 80).

La música había tenido un papel muy importante en la cultura pop y las transformaciones sociales. Desde la Beatles y los Rolling Stones en los años 60, la música psicodélica y el movimiento hippie en los 70, punk rock y la protesta de finales de los 70 y comienzos de los 80, el heavy metal como desconformidad del neoconservadurismo de los 80 y comienzos de los 90, para finalizar con el desinterés y nihilismo suicida.

Tal vez lo que más haya cambiado de la mirada del futuro de hace un siglo sea la concepción del tiempo. No podemos hacernos la pregunta sobre un futuro dentro de cien años porque para nosotros el futuro "es ahora". Vivimos en un tiempo donde no tenemos que esperar un siglo para ver cambios. Por otro lado tampoco haya un sujeto trascendental como la humanidad que se podría beneficiar de la misma manera de ese futuro. El futuro está fracturado geográficamente y por clase. Por ejemplo el futuro de la película "Looper" (2012) se traslada de occidente. Ni Francia -o los Estados Unidos- sino China, es un país rico y avanzado. En la película "Elysum" (2013) el futuro ha posibilitado a un grupo una vida de bienestar nunca antes visto en una plataforma en órbita en el espacio y a otro a una vida de explotación y miseria en un planeta tierra inhabitable. Esto significa que nuestra mirada del futuro ya entendería que sus adelantos no estarán disponibles en todos lados ni para todo el mundo.
No todos los sectores de la industria y la economía asimilan la innovación y la tecnología al mismo ritmo. La construcción es una actividad que en muchos lugares sigue utilizando las mismas herramientas, materiales, y procedimientos que varias décadas atrás.

La automatización de entregas mediante drones iniciada por Amazon -y que otros, como el servicio postal ruso, intentan replicar- es tal vez una innovación que esté disponible masivamente en el futuro. El próximo paso del automóvil es que se conduzcan solos. Aunque la fisión nuclear es tecnológicamente más avanzada vemos el futuro en las energías renovables. Dinamarca produce el 42% de su energía por fuentes eólicas.
Aunque se espera un gran avance de la energía eléctrica no se espera que reemplace por completo los combustibles fósiles. En los países más periféricos se puede esperar una hibridación de energía eléctrica y el motor de combustión. El petróleo continuará presente -aunque los autos ya no utilicen ese combustible- como fuente para generación de electricidad.

Las verdaderas innovaciones de nuestro futuro provendrán de la tecnología de la información, la genética, y el viaje espacial. La inteligencia artificial, los procedimientos biomédicos, y la colonización espacial marcan el horizonte de nuestro futuro. Estos tres campos marcarán un devenir que trascenderá lo humano.
La inteligencia artificial plantea varias cuestiones como la consideración de la vida sintética y las especulaciones (apocalípticas) de ser reemplazados o exterminados por las máquinas, y las fantasías (integradas) de preservar digitalmente la "conciencia" o memoria alcanzando la "inmortalidad". La biomedicina propone la optimización de la vida -como incremento del valor genético futuro (reduciendo los riesgos de exposición a enfermedades contagiosas, males hereditarios, y conductas peligrosas)- que puede establecer patrones de salud que tengan efectos sobre nuestra especie. Y por último, el viaje y la colonización espacial -aunque sin asumirlo de manera manifiesta- también implica que eventualmente puedan existir "humanos" que no se consideren "terrícolas". Tal vez así aparezcan los primeros marcianos.

Para recapitular todo esto es una conclusión, lo primero que podemos decir sobre el futuro que imaginamos es que algunas cosas se mantendrán. El capitalismo seguirá existiendo como principal modo de producción, el (neo)liberalismo será la lógica hegemónica, la democracia precarizada- persistirá como forma de gobierno (coexistiendo con el comunismo chino). Los vehículos y artefactos domésticos se parecerán bastante a los que ya tenemos -y aunque todavía se emplearán combustibles fósiles- utilizarán electricidad generada por fuentes renovables. Esto no evitará las consecuencias del cambio climático y un planeta más contaminado y hostil a la vida.
El paisaje en algunos lugares no habrá cambiado demasiado mientras que en otros sitios se erigirán nuevas ciudades futuristas. Las desigualdades, geográficas, de clase social, y acceso al consumo indican que continuarán siendo más marcadas. Las ciudades con mayores innovaciones urbanas, edificios futuristas, y rascacielos sorprendentes no se encuentran en Estados Unidos ni Europa sino en países árabes y China. En algunos lugares el futuro va llegar antes y con más energía. Sin embargo algunas tecnologías como la automatización del transporte y las entregas a través de drones llegue de forma más pareja.
Las transformaciones más radicales se darán en los tres campos que ya señalamos: inteligencia artificial, biomedicina, colonización espacial. En relación a la tecnología de la información y la inteligencia artificial el futuro del dominio de las máquinas tal vez se parezca más a "Nosedive" (2016) al primer episodio de la tercera temporada

de Black Mirror", que a "Terminator". El gobierno de las máquinas ejercerá el encanto del control más que (en algunos casos) la fuerza disciplinaria. Tal vez la humanidad reemplace la complejidad por el confort de los algoritmos, y como en la película Wall E obedezcámos las órdenes de los procesos automatizados de las máquinas aunque no entendamos lo que nos hacen hacer.
La biomedicina promete la cura para los grandes males de la salud. Sin embargo esto también amenaza con crear nuevas esferas de discriminación independientes del sujeto basadas en su condición genética. Si la biomedicina pudiera terminar con el cáncer, los males y enfermedades mentales hereditarias, hasta incluso la propensión al comportamiento violento y peligroso, la pregunta que quedaría sería: ¿Y que después? Las personas ya no resolverían sus problemas con psicoanálisis sino con una aplicación (algoritmo) que diagnostique la molestia y recete un medicamento -desarrollado con ingeniería genética- para alterar la química del cuerpo a nivel molecular. La manipulación genética a través de la biotecnología y control biofarmológico representan la realización de la gran utopía de ingeniería social del panóptico de Bentham. En este caso se ejerce a nivel molecular -lo que lo hace imperceptible- y su alcance es mucho más global.

La gran innovación del viaje espacial -además de nuevas formas de combustible propulsión- debería ser la capacidad de sostener vida en el espacio y otros planetas. El viaje espacial encarna el antiguo mito bíblico del arca de Noé. Representa la salvación para la especie humana ante un cataclismo global. Esto significa que la persecusión del proyecto puede hasta adquirir una finalidad religiosa o espiritual. Sin embargo la colonización espacial plantea una cuestión de soberanía y la posibilidad del surgimiento de nuevas culturas y civilizaciones en el espacio u otros planetas.

En definitiva nuestro futuro promete grandes cambios conservando los principios de las ideas del siglo XIX que las corrientes reaccionarias del siglo XX no lograron erradicar. Hoy el humanismo liberal disputa su relato con la narrativa del sujeto virtual descorporizado y las redes informáticas como sistema nervioso de una nueva conciencia planetaria. La biomedicina propone un hombre nuevo a través de la optimización de la salud por medio de tratamientos genéticos y biofármacos. Colisionan las narrativas tradicionalistas sobre la herencia (genética) con las liberales del sujeto como voluntad y causa. En cualquier caso estos relatos convergen en el ideal social de la eficiencia maquínica. Y aunque el viaje espacial pueda brindarnos grandes adelantos hoy en día cumple la función religiosa de darnos esperanza en la salvación si el planeta colapsa.

Discurso y narrativas de la democracia actual

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Sat, 28 Apr 2018 21:44:00 +0000

IX Jornadas Debates Actuales de la Teoría Política Contemporánea “Resistencias y alternativas políticas en el capitalismo neoliberal” 23 y 24 de Noviembre de 2018. Rosario, Argentina.

Eje Temático: Discurso y narrativas de la democracia actual.

Coordinador: Ricardo Esteves (UBA-IIGG / UNA)

Adrian Veláquez Ramirez

La democracia se suele resumir en el gobierno del pueblo para el pueblo. Desde allí se pueden distinguir las distintas variantes de la democracia desde su versión clásica griega, moderna republicana y liberal, la democracia de masas de comienzos de siglo XX, las de la segunda y tercera ola de democratización, hasta su forma actual, contemporánea, de un mundo hiperconectado gobernado por la postverdad.

Asumiendo estos distintos momentos y configuraciones de la democracia planteamos tres cuestiones. La primera, sobre si existe una naturaleza esencial o trascendental de la democracia y si alguna vez logró alcanzarla. Es decir ¿La democracia es un valor, un fin, una aspiración, o un mero procedimiento? La segunda trata sobre la situación y función específica que cumplió la democracia a partir y durante la existencia de la Unión Soviética. La división del mundo en dos bloques generó una competencia por demostrar que sistema era mejor, de manera que la democracia necesitaba demostrar su superioridad para producir bienestar. La tercera es sobre la situación actual donde la democracia se ha vuelto una amenaza para la misma democracia. Aquí intervienen dos cuestiones, el problema de la ampliación permanente de derechos, y la colonización de la política por la economía y su adopción del principio de eficiencia.

El primer punto propone una discusión sobre democracia como lógica política del diálogo, acuerdo, el consenso, ó antagonismo, desacuerdo, y reivindicación popular. Esto debería conducirnos a reflexionar si en algún momento algunas de estas concepciones funcionó de manera plena.

Lo que nos lleva al punto sobre la relación (enfrentamiento) entre democracia y socialismo en el siglo XX. La “superioridad” de la democracia no siempre fue tan evidente, en especial en los años 30 durante la gran crisis financiera. La democracia de bienestar es en parte una respuesta al socialismo.

En la actualidad la democracia ya no tiene que competir para demostrar su éxito. Se ha llegado a afirmar que la democracia ha sellado el fin de la historia. En cierta medida esto ha obturado la idea de pensar otras formas de gobierno. Esto supone que aunque no estemos del todo conformes con la democracia es la única forma de gobierno.

Esta aceptación categórica de la democracia impugna cualquier crítica hacia ella incluso cuando no logra alcanzar con sus promesas.

El establecimiento de la racionalidad económica (por sobre la política) como lógica hegemónica ha sometido a la democracia a la eficiencia. Esto es contrario al principio de expansión de derechos por parte del Estado.

El neoliberalismo pone en crisis y conflicto a la democracia en el sentido que considera que el mercado es un dispositivo distributivo más eficiente que el Estado. La narrativa neoliberal presenta la ampliación de derechos cómo una amenaza que atenta contra la propia democracia.

El ascenso del neoliberalismo es también un proceso de establecimiento de nuevos discursos y narrativas sobre la democracia. La libertad se ha vuelto algo sacrificable en favor de la seguridad, el orden, y el control. El desmantelamiento del Estado y la eliminación de prestaciones públicas aparecen como la redención de la opresión de la política. La finalidad del gobierno es estimular la economía eliminando obstáculos para el mercado.

La superposición de la política es tal que asistimos a una era del gobierno de los millonarios cómo Trump, Macri, Macron. Cómo en un relato donde los más capacitados para gobernar son aquellos que tienen fortuna y saben administrar la vida social con la eficiencia de una empresa.

Si las reformas de esta nueva democracia apuntan a garantizar las condiciones para beneficiar a las empresas y corporaciones, ¿Que queda de la democracia cómo gobierno del pueblo para el pueblo?

El neoliberalismo despliega una discurso de la necesariedad sin agente donde los hechos suceden (no son provocados por nadie) como consecuencias sin causas: “se produjo un accidente”, “se murió un manifestante”, “la deuda se salió de control”.

La postverdad y las nuevas modalidades de comunicación política a través de las redes sociales han propiciado una proliferación de relatos alejados de la realidad que producen enfrentamientos, división, y polarización política entre los ciudadanos.

A partir de esto invitamos a reflexionar sobre estas nuevas narrativas sobre la democracia a partir de los discursos de actores políticos, organizaciones sociales, instituciones públicas, así como su circulación en los medios, la cultura popular, y el sentido común.

Nos interesa la descripción de estos discursos y relatos, tanto de la realidad política cómo de la ficción (literatura, cine, series, arte en general), pero por sobre todo poder encontrar y elaborar una nueva narrativa para la democracia de nuestro tiempo.

A.P. Bio: Una comedia superficial con profundidad

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Tue, 27 Mar 2018 06:16:00 +0000

Cuando afirmo que una serie va a ser la mejor del año generalmente la suspenden después de su primer temporada. Esto sucedió recientemente con The young pope y también con Vinyl (producida por Martin Scorsesse para HBO). Pareciera que desde Lost o Breaking Bad no hemos podido coincidir con las audiencias.

Habiendo dicho esto voy a hablar de la mejor comedia del año que hasta posiblemente trascienda como un acontecimiento televisivo.

AP. Bio es una comedia sobre un profesor de filosofía de Harvard -que tras un escándalo- debe renunciar a su cargo en la universidad y es remplazado por su nemesis, otro filósofo con fama, fortuna, y un pensamiento opuesto al suyo.

El protagonista, Jack (interpretado por Glenn Howerton) se ve obligado a dar clases en un escuela secundaria de la ciudad de Toledo. Jack es muy arrogante y narcisista, enceguecido por la venganza contra Miles, el popular y carismático filósofo que ocupa su antiguo cargo en Harvard.

Jack aprovecha sus clases como maestro de escuela secundaria para tramar su venganza desatendiendo por completo el curso y sus estudiantes, quienes son expuestos a sus problemas, obsesiones, y oscuras especulaciones.

La comicidad de A.P. Bio proviene del narcisimo de Jack que impide establecer un vínculo con sus estudiantes (y el resto del mundo) a quienes trata con mucho cinismo y desprecio. Sin ninguna paciencia destruye las aspiraciones de sus alumnos -quienes de a poco se convierten en su cómplice-revelándoles complejas verdades filosóficas.

Jack es un completo imbécil. Pero no por eso deja de tener el talento como filósofo y competencia como profesor (de una universidad de elite). Sin embargo emplea todos estos recursos en planes absurdos para desprestigiar a su enemigo y volver a su antiguo cargo.

La vida de Jack es miserable mientras que Miles, su contrincante es una estrella de la filosofía que tiene una relación con la cantante Lisa Loeb, y vive rodeado de celebridades como Bill Nye, Steve Jones (de los Sex Pistols), y Chris Angel.

A.P Bio posee un valor de producción bastante bajo. La mayor parte de la acción transcurre en el salón de clase. El reparto es aceptable con algunas figuras menores de las cuales la más prominente es el protagonista. La trayectoria de Glenn Howerton no cuenta con mucho más que el éxito televisivo de la serie It's allways sunny in Phladelphia de donde rescata muchos rasgos de su personaje Jack.

Todas lo que carece esta serie lo compensa con su guión, el genio, y la experiencia de sus productores ejecutivos Lorne Michaels (creador de el legendario Saturday Night live y la galardonada 30 Rock) y el comediante Seth Myers.

Tal vez no sea un humor para todo público ni haya tenido una gran recepción entre la crítica. Sin embargo cuenta con algunos elementos ya probados, como el personaje de Jack que demostró aceptación en It's allways sunny in Philladelphia, y el sello de genialidad de Lorne Michaels.

No podemos conocer el destino de esta serie ni su recepción por parte de la audiencia. Mi apreciación personal de A.P. Bio es que es una serie muy entretenida. Su humor puede ser un poco snob como The New Yorker (más culto que inteligente) lo que puede producir el rechazo de algunas audiencias.

Aseguraría que este puede ser el próximo gran éxito de Lorne Michaels como 30 Rock. Pero no descartaría que sucediera lo mismo que con mis dos últimas predicciones y que A.P Bio pase al olvido después de su primer temporada.

The Looming Tower: Más allá de las conspiraciones del 11 de septiembre

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Tue, 27 Mar 2018 04:12:00 +0000

Netflix no es la única plataforma que produce y ofrece contenido de películas y series. Hulu recientemente ha desarrollado proyectos interesantes.

La miniserie The Looming Tower es uno de los mejores estrenos de esta temporada. Propone otro relato sobre el atentado del 11 de septiembre. Uno que comienza antes de su ejecución, en su planeamiento. La historia muestra la trayectoria de Al Qaeda desde su establecimiento, sus primeros atentados, hasta la ejecución de su plan maestro. Paralelamente cuenta la historia de las personas y agencias de seguridad e inteligencia de los Estados Unidos dedicadas a la búsqueda de Osama Bin Laden.

Más allá de cualquier teoría conspirativa The Looming Tower muestra los distintos puntos de vista, conflictos de intereses y competencia entre agencias que permitieron que este atentado terrorista no pudiera ser prevenido.

Esta miniserie propone una mirada testimonial de los hechos y las personas involucradas. Tiene la decencia de mostrar distintas caras del islam sin idealizar ni demonizar ninguna. No es una historia de buenos y malos sino de hombres (de ambos bandos) comprometidos obsesivamente con sus convicciones y su misión.

La temática del 11 de septiembre todavía puede ser interesante, sin embargo, y más allá de esto, el relato se sumerge mucho en las historias de sus protagonistas, que presentan facetas complejas, de su actividad profesional, el funcionamiento de las instituciones y sus burocracias.

La trama se centra en el agente del FBI (protagonizado magistralmente por Jeff Daniels) que comienza una investigación contra Osama Bin Laden tras el atentado a las torres gemelas de 1993. Esto colisiona con la operación de Alex Station -la oficina de la CIA dedicada a rastrear a Osama Bin Laden- a cargo del profesor Martin Schmitt (Peter Sarsgaard) un hombre sin escrúpulos dispuesto a todo para cumplir con su misión.

Esta es una gran producción filmada en distintas locaciones que logra capturar los matices de las paletas de colores de estos lugares, creando distintos tonos que marcan los diferentes espacios donde se desarrolla la acción, ofreciendo una experiencia visual rica y atractiva.

El desempeño actoral de este gran elenco de Hollywood (hasta Alec Baldwin interpreta un papel secundario) son un atractivo que dan fuerza dramática a la narración.

The looming tower -ya como buena parte de las series- cuenta con una producción de nivel cinematográfica que garantizan una realización de calidad.

Con una mirada microscópica sobre los atractivos que puede llegar a tener esta serie más allá de su temática y el desempeño actoral del elenco, The looming tower ofrece una mirada al funcionamiento de las burocracias de las agencias de seguridad y la mentalidad de las personas dedicadas al trabajo de inteligencia.

Esta serie muestra como a pesar de perseguir con dedicación un fin como el de atrapar a Osama Bin Laden, los egos personales, los defectos de carácter, y la competencia entre agencias, permitieron que se ejecutara el atentado terrorista más espectacular de la historia.

The Orville: El fracaso de la narrativa liberal

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Tue, 27 Mar 2018 02:36:00 +0000

The Orville es una serie cómica y ciencia ficción estrenada en 2017 que en principio no ameritaría crítica ni reseña y se puede considerar un caso menor y poco relevante para el público en general y las audiencias locales en particular. Pero esta crítica no se focaliza tanto en la serie en sí misma sino como estos productos de la cultura popular abonan con sus narrativas los discursos sociales.

Hay series o películas que se pueden clasificar de "propaganda". Es decir que, más que contar una historia, buscan enaltecer una causa, idea, proyecto, o discurso. Se podría pensar que la propaganda es una modalidad comunicativa exclusiva de los gobiernos (en especial autoritarios). Sin embargo en los Estados Unidos (mayormente) el aparato de propaganda es principalmente privado. Hollywood es una gran usina de propaganda tanto doméstica como global.

Hay propaganda más explícita y sutil. Un ejemplo que ya tiene unas décadas, la serie 24 (2001) que promovía las doctrinas de seguridad nacional, la suspensión de las garantías constitucionales, y fomentaba la tortura. Más recientemente la serie de acción Seal Team (2017) muestra las intervenciones militares en territorios extranjeros como medida para preservar la paz, y a las fuerzas especiales que ejecutan esas acciones, como héroes con un alto sentido de la moral.

The Orville plantea otro tipo de propaganda. No una propaganda (en principio) conservadora de derecha que refuerza el ideal del excepcionalismo estadounidense.

Esta comedia de ciencia ficción propone una narrativa distinta a esta mirada dominante. Por el contrario tiene una narrativa liberal (de "izquierda" si se quiere) basada en el respeto, tolerancia, y los derechos de autodeterminación de los pueblos.

La serie se desarrolla en el futuro del siglo XXV. The Orville es una nave de exploración espacial que recorre el universo desconocido. Su tripulación está compuesta por humanos e individuos de distintas especies provenientes de diferentes planetas. En cada episodio la nave y su tripulación descubren nuevos mundos donde enfrentan a dilemas -que funcionan alegóricamente como problemas actuales- que deben resolver con la lógica de un futuro que ha resuelto los conflictos de clase y discriminación.

La premisa de la serie es aborda problemas actuales tomando distancia ubicándolos en el futuro y en otras galaxias. Al tratarlos con humor logran parodiar cuestiones polémicas atenuando su contenido dramático.

The Orville está protagonizada por Seth McFarlane uno de los productores y guionistas más provocadores de Hollywood. Creador de las series de animación Family Guy y American Dad donde presentan unas de las críticas más osadas al modelo de vida norteamericano.

La participación de McFarlane genera una expectativa sobre el tono atrevido con el que tratarán las temáticas de la serie y sus repercusiones sociales.

La serie propone un discurso multiculturalista que busca establecer armonía en un universo habitado por lo diverso donde la razón y el diálogo pueden evitar el enfrentamiento con la diferencia. The Orville intenta contraponer o criticar las narrativas del discurso del excepcionalismo norteamericanao proponiendo una posición distinta. Promueve la colaboración, el entendimiento, el diálogo, el respeto y aceptación de lo diferente.

Sin embargo, la serie no solo no es entretenida, sino que también esta narrativa de tolerancia y aceptación multicultural presenta varias falacias y mantiene una mirada paternalista de un universalismo norteamericano light.

The Orville no deja de ser una serie de propaganda -y aunque no promueva valores militaristas- difunde un discurso de la superioridad moral de los Estados Unidos (ya convertida en una federación planetaria). Su fundamento es que cualquier conflicto se puede evitar si se entiende el punto de vista del otro, y que la razón y la tecnología permiten reducir cualquier cosa a una verdad científica como base para el acuerdo.

Esta mirada sencilla del universo sintetiza una posición ingenua donde todo conflicto se puede resolver mediante el diálogo, conocer el punto de vista del otro evita el enfrentamiento, y que la verdad científica brinda un conocimiento que libra de toda ambiguedad cualquier disputa.

Esto nos permite una reflexión que pueda ir más allá de como la cultura popular -en particular las series- son un medio de difusión de propaganda, ya sea de derecha (como 24 o Team Seal) o liberal de "izquierda" como en el caso de The Orville.

Más allá de poder identificar en estos discursos las distintas modulaciones de lo mismo -el derecho a intervenir militarmente en otros países (como la serie Team Seal) o la superioridad moral de arbitrar en todas las situaciones ofreciendo un fundamento de verdad último basado en la ciencia- existen algunas diferencias.

Slavoj Zizek en su libro "En defensa de las causas perdidas" realiza una crítica del discurso de la izquierda liberal y el fracaso de su programa político. Mediante una apología a Robespierre sostiene que el costo revolucionario de obtener el bien común es la violencia. Una condición de desigualdad naturalizada no se resuelve a través del diálogo y el acuerdo voluntario de las partes (en especial la privilegiada).

Zizek asocia la virtud revolucionaria al terror. Lo que reestablece la justicia es la violencia. En el caso del discurso de The Orville si la tolerancia fuera un valor universal esto implicaría establecerlo incondicionalmente en todos los casos (incluso en aquellos que no la acepten) por cualquier medio, incluso la violencia.

La serie muestra como creencias y costumbres (de planetas tecnológicamente "inferiores": porsupuesto!) que generan hostilidad ante el encuentro con otras civilizaciones, pueden reformularse a través de la verdad evidente de la ciencia. Esto más que proponer una narrativa de la tolerancia multicultural reproduce un relato colonial con ecos roussoneanos del buen salvaje.

En un episodio, el capitán de la nave y su primer oficial son capturados como ejemplares para un zoológico (con todas las especies del universo) por una civilización tecnológicamente más avanzada . La tripulación intenta rescatar a su capitán negociando con estos extraterrestres. Pero nada de lo que ofrecieran resultaba interesante para esta especie tan avanzada. El desenlace comienza al acordar que la finalidad de los zoológicos es mostrar los hábitos y comportamientos de los animales. La tripulación del Orville logra convencer a los captores que el mejor medio para conocer la especie humana son los reality shows y consiguen intercambiar al capitán y el primer oficial por estos programas televisivos, los que se vuelven una nueva atracción del zoológico.

Nuevamente esta narrativa descansa en el supuesto de que todos están dispuestos a considerar el punto de vista de otro y que todo argumento tiene una solución que conviene a todos. Esta es una lógica donde la posición dominante reconoce cierta igualdad en la asimetría aceptando sus términos. En otras palabras, en esa situación lo más probable sería que la especie tecnológicamente superior no llegara a registrar las demandas de una especie que es considerada inferior (como para utilizarlos como atracción en un zoológico). En el caso de poder establecer ese diálogo y ofrecer algo a cambio de los prisioneros no hay nada que detenga a estos seres superiores de quedarse con todo (ya que no existen medios cohersitivos para garantizar el intercambio).

Otro argumento de la crítica del libro de Zizek discute el argumento de que comprender el punto de vista (ponerse en el lugar) del otro evita el conflicto. Zizek propone el ejemplo del neonazi. Como si sentarse con él, escuchar las razones de su frustración, las causas de su odio, y entender su situación, consiguieran resolver los problemas del antisemitismo y enfrentamientos con otras minorías raciales y religiosas.

La tolerancia no funciona de forma simétrica. La tolerancia a una posición hostil más que garantizar la paz propicia violencia entre las partes.

Un ejemplo más extremo y actual puede ser el del terrorismo promovido por ISIS. Es evidente que esta no es una situación que se pueda resolver entendiendo el punto de vista del otro. Nadie consideraría que deberíamos adoptar una actitud tolerante con un califato del Estado Islámico desde donde se prepare un Yihad a escala global.

Es difícil encontrar una salida pacífica a esta situación. Pero tampoco podemos olvidar que es consecuencia de la invasión colonialista de Irak y posterior abandono. Y que la intervención en Siria responde a intereses geopolíticos rusos que han contribuido con la retirada de ISIS y una crisis humanitaria muy grave.

En definitiva esta reseña de la serie The Orville sirvió de excusa para hablar de las narrativas liberales de izquierda en los medios y la cultura pop. The Orville aparece como alternativa a los discursos conservadores de derecha que promueven el excepcionalismo nortamericano. Sin embargo muestra, no solo las falencias para que esta serie desarrolle una narrativa "alternativa", sino los problemas en general que tiene la izquierda liberal para establecer un discurso que impulse un programa político.

Rogue One: Shakespeare va al espacio

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Tue, 27 Dec 2016 11:07:00 +0000

Tal vez sea una exageración comparar Rogue One con la obra de Shakespeare. la guerra de las galaxias de una forma particular. Está presentada como un "spin-off" -una derivación independiente- de esta "franquicia" (así es como las llaman ahora: como si fuera un negocio) que cuenta ya con siete films; aunque funciona perfectamente como otro episodio más de la serie. Sin duda la decisión de excluir Rogue One de la secuencia de la guerra de las galaxias se debe a motivos comerciales. Recientemente los estudios Disney adquirieron los derechos de la historia y esta es su nueva forma de explotarla.

Sin embargo esta película de acción y aventuras presenta algunos rasgos de tragedias como la de Hamlet. Esta historia se inscribe en la saga épica de

La película mantiene una fiel continuidad con la guerra de las galaxias con algunas sutiles diferencias que buscan distinguirla como una historia independiente de la saga, aunque al final de cuentas, lo único que cambia es la música y la omisión del texto inicial que introduce la narración. Incluso es más consistente con la película original de 1977 y sus secuelas, que la segunda trilogía realizada por George Lukas entre 1999 y 2005. Sin embargo los Skywakers no protagonizan esta historia y su papel es muy secundario, casi al nivel de un cameo. Rogue One mantiene la estructura narrativa de la saga y sus secuencias de acción. Combina batallas de naves en el espacio y enfrentamientos de tropas y unidades terrestres, pero, a diferencia de las demás películas, no tiene ninguna lucha de sables luminosos entre maestros jedi. Esta "vuelta a las raíces" y algunos lugares comunes hacen la trama un poco predecible. La dimensión narrativa tal vez descansa un poco en el atractivo visual del film y el rico legado del universo que ha creado. La película muestra el típico relato de una joven que debe emprender un viaje -que funciona como ritual de pasaje- y reencontrarse con su padre para asumir su destino heroico. Se une -con cierta reticencia- a la resistencia para enfrentar al poder del imperio. La clásica historia de David contra Goliath con un pequeño giro shakesperiano. Sin embargo, dentro de esta linealidad (por momentos un poco forzada), se presentan matices que brindan algunos de los elementos más atractivos de la narración. Los personajes muestran ambigüedades brindando cierta complejidad al típico relato de los buenos contra los malos. Aunque el papel del villano está claro desde el comienzo, la figura del héroe se resiste a su destino y sus acompañantes deben enfrentar dilemas morales poniendo a prueba su confianza. Este juego de traición y confianza se ve apremiado por una urgencia que demanda medidas drásticas que obligan a los personajes a actuar en contra de sus propias convicciones. En esta trama encuentran una oportunidad de redención. Más allá de esto, el otro gran atractivo de esta producción es el reparto de grandes figuras y actores prometedores. Entre ellos se destacan la protagonista Felicity Jones y su acompañante Diego Luna. Su contraparte es interpretada por Ben Mendelsohn, quien proviene de Australia, y aunque aún no es demasiado conocido en Hollywood ha demostrado un gran talento. El elenco cuenta con actores como Forrest Whitaker, el danés Mads Mikkelsen (que ha encarnado el villano de Casino Royale y al Doctor Lecter en la serie Hannibal), Riz Ahmed (quien recientemente protagonizó la aclamada serie de HBO "The night of"), y Jimmy Smits y Ben Daniels en papeles menores. Felicity Jones interpreta su personaje de manera muy convincente ofreciendo un carisma poco común en un héroe. Jones y Mendelsohn son una revelación que promete importantes carreras en Hollywood.

El director, Gareth Edwards, ha participado en pocas películas, pero todas ellas -como Godzilla (2014)- de gran complejidad técnica.

El tono dramático es matizado con situaciones de humor que dan toques de ingenio y hacen la película digerible para todo público. Estas simpáticas intervenciones garantizan a Rogue One una audiencia muy amplia (desde sus fieles seguidores hasta los más jóvenes) dificultando que sea considerada un drama serio: una aspiración que podría llegar a alcanzar.

Las escenas de acción son sin duda un gran atractivo visual para la audiencia y contribuyen correctamente con el relato brindando momentos de suspenso a la narración. Los efectos especiales forman parte del mismo relato y son fundamentales para recrear su universo espacial. La acción está bien administrada. Personalmente es lo que me resultó menos atractivo. Pero ofrece a los fanáticos la oportunidad de ver un espectacular diseño de naves, vehículos, armas y uniformes.

De la misma manera que la ambigüedad de los personajes, el destino trágico -al estilo shakesperiano- brinda el principal atractivo de la historia. Para decirlo de otra forma [spoiler alert] no esperen volver a ver a estos personajes en otra película de la guerra de las galaxias. Esto, junto a un éxito a medias -como una victoria a lo pirro (al precio de un enorme sacrificio)- le da a Rogue One un carácter dramático que la distancia de una película infantil.

Los fanáticos de la saga encontrarán gran deleite en este film. Aquellos que son imparciales a la reputación de la guerra de las galaxias podrían encontrar interesante este especie de Hamlet en el espacio.

The man in the high castle: Una historia alternativa

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Sun, 18 Dec 2016 18:46:00 +0000

Se acaba de estrenar la segunda temporada de la adaptación de Amazon para la pantalla chica de la novela The man in the high castle. Este libro de Phillip K. Dick, autor de celebres obras llevadas al cine -como Blade Runner, Minority Report y Total Recall-, relata una historia alternativa en la que Alemania nazi gana la segunda guerra mundial.

La acción se sitúa en los años 60 y un Estados Unidos dominado por el tercer reich y el imperio del Japón. Este thriller narra un relato de intriga y suspenso y la historia de un mundo distópico.

Aunque esta serie tal vez no sea demasiado "entretenida" no deja de ser atractiva. El comienzo de la trama de la primera temporada es un poco lento pero logra tomar ritmo a medida que avanzan los capítulos hasta su climax en los episodios finales. Sin embargo el fondo en el que está enmarcado el relato narra una historia rica en imágenes y símbolos. Este mundo imaginario constituye un gran encanto de esa temporada. Los detalles de la vida cotidiana bajo los regímenes dictatoriales alemán y japonés pueden cautivar al espectador. Desde las escuelas, los comercios, los vehículos, los monumentos, los aeropuertos, y la arquitectura en general, testimonian las formas de vida de una cultura hibridada por la dominación de las potencias del eje.

La trama entrecruza la historia de dos personajes que parten de las costas opuestas del territorios de lo que era los Estados Unidos ahora ocupados por Alemania y Japón. Juliana Crain (interpretada por Alexa Davalos) quien vive en la ciudad de San Francisco descubre un secreto que la involucrará en una misión de espionaje para un movimiento secreto de resistencia. Frank Frink (Rupert Evans), un agente secreto nazi, parte desde Nueva York con el propósito de infiltrarse en ese grupo. Sus destinos se ven entrelazados poniendo a prueba su confianza y lealtad.

Estos personajes se ven envueltos en una conspiración mucho más compleja que involucra los destinos de el imperio japonés, el reich alemán, y la resistencia norteamericana. Esta historia densa, pero no demasiada complicada, revela lentamente indicios de un desenlace inesperado.

Aunque con un ritmo propio de la novela, una intriga atrapante es planteada desde el comienzo.

Esta serie presenta un propuesta visual -que aunque no llega a la calidad de las producciones cinematográficas actuales, es- fascinante. La ambientación y escenarios creados digitalmente son muy sugerentes.

El aspecto más pobre de esta realización es el reparto, que carece de grandes figuras, y la actuación no siempre resulta convincente.

Estrenada en enero del 2015, The man in the high castle tuvo una muy buena recepción por parte de la crítica y el público. Fué la serie de Amazon más vista y rápidamente se anunció una nueva temporada que se estrenó en diciembre de este año.

La segunda temporada continúa la historia con una trama más dinámica y mayor intriga. Por otro lado, el fondo, deja de tener el mismo efecto de novedad, trasladando la atención al foco de la acción.

Las dos temporadas de The man in the high castle están disponibles a través de la plataforma de Amazon.

Snowden: Un héroe de nuestro tiempo

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Sun, 18 Dec 2016 16:36:00 +0000

La película Snowden amerita una reseña y una breve breve reflexión.

Oliver Stone lo ha hecho otra vez. Se lo podría considerar un director de cine "militante". Su posición es clara y ya la ha manifestado en sus dramas históricos como Pelotón, JFK, Nixon, y sus documentales sobre la historia de Estados Unidos, y Hugo Chávez.

Snowden es un film biográfico actual que se acerca más a películas como La red social de David Fincher. En esta ficcionalización del presente vuelve a asumir su posición crítica respecto de la política de seguridad nacional del gobierno de los Estados Unidos. Stone reivindica en la figura estoica de Snowden la imagen de un héroe de nuestro tiempo. El protagonista encarna un sujeto con un talento extraordinario y un coraje aún mayor. Una persona lúcida que tiene muy claro como resolver sus dilemas morales que puede calcular sus acciones casi con la precisión de una máquina.

En 2013, Edward Snowden, -un joven de 29 años que trabajaba como contratista para la NSA (National Security Agency)- fué responsable de la filtración de información de inteligencia más grande de la historia. En desacuerdo con la política de vigilancia y violación de los derechos de privacidad de la información personal, hizo públicas estas actividades revelando esta noticia al diario británico The Guardian.

El hecho tuvo gran trascendencia en los medios de todo el mundo e importantes repercusiones políticas. El presidente Obama tuvo que respaldar estas medidas de su gobierno ante las críticas de la opinión pública internacional, Snowden fue declarado un traidor, e inmediatamente se ordenó su captura.

La película logra relatar esta historia tan reciente y conocida con cierto ingenio. Su estructura narrativa consigue brindarle alguna tensión y suspenso a esta trama que ya tiene un final conocido. Combina un valor testimonial con el encanto visual de las grandes producciones de Hollywood.

Joseph Gordon-Levitt (El origen y Batman: El caballero de la noche) reafirma su talento actoral personificando a un Snowden un tanto idealizado. Lo acompaña un gran reparto conformado por figuras como Shailene Woodley (la saga de Divergente), y Nicholas Cage entre otros.

El nombre de Oliver Stone garantiza calidad de producción y repercusión polémica. Su postura es muy evidente. También lo son algunos excesos utilizados para dar mayor efecto dramático al relato. A pesar de todo la película logra una fidelidad con los acontecimientos y el compromiso político del director.

El resultado cinematográfico es bueno, aunque tal vez este aspecto sea un poco opacado por el valor testimonial de la historia. El dominio del lenguaje visual de este veterano director ofrece una narración llena de matices y sutilizas. La película mantiene un ritmo constante a lo largo de sus dos horas y cuarto de duración respetando la estructura de introducción, nudo, y desenlace, a pesar de un relato no lineal cargado de flashbacks.

Este es un film fundamental para aquellos que todavía no conocen la historia de Edward Snowden como para quienes ya tienen una opinión formada sobre sus acciones.

Esta película permite una reflexión sobre los efectos del uso político de la tecnología, la amenaza que esto constituye para nuestra privacidad, los dilemas y alternativas de lo que se puede hacer al respecto.

El mundo del espionaje en la posmodernidad es muy diferente al glamuroso estilo de James Bond. Los seductores superagentes maduros han dado lugar a nerds y hackers alejados de la acción.

Tal vez la principal paradoja que plantea el caso Snowden sea que la amenaza no se encuentre afuera sino adentro. No fueron espías chinos o rusos quienes revelaron todos esos secretos, sino uno de los suyos.

Por otro lado sugiere que, en estos tiempos, la traición puede ser un acto supremo de patriotismo.

Fuimos todos: 10 años de Hollywood in Cambodia en Galería Unión

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Sun, 11 Dec 2016 19:42:00 +0000

Fuimos todos: Diez años de Hollywood in Cambodia. Se cumplen diez años de Hollywood in cambodia (HIC), el colectivo de artistas que se reúne en el espacio que lleva el mismo nombre. HIC designa un grupo, un lugar, y un proyecto artístico. La calle fue su principal medio de expresión. Su obra adoptó el formato del mural y las técnicas del stencil y el graffiti. Aunque esto los emparenta y acerca al street art, su pintura presenta rasgos estilísticos del arte contemporáneo. Durante diez años HIC fue un centro de experimentación y difusión de este esta forma de arte callejero que pasó de la pared al lienzo. Estos artistas -Malatesta, Run don't walk, Tec, Gonzalo, y el negro- han desarrollado estilos propios pero comparten la misma visión despreocupada por los mandatos del mercado y las instituciones del arte. En esta muestra HIC expone una obra producida de forma colaborativa. “Fuimos todos” hace referencia a la participación grupal en la realización de estas piezas. En cada pintura intervinieron todos. Esto propone un gesto muy contemporáneo sobre el anonimato que brinda la multitud y una crítica a la figura de autor en el arte. Esta experementación que logra trascender los límites expresivos del arte, propia de las vanguardias estéticas, muestra la capacidad de estos artistas, y las posibilidades que todavía ofrece la pintura. Por esta razón, esta obra, como los artistas de HIC, merecen un lugar en el arte contemporáneo.

galeriaunion.com

Cerca de un mes atrás los artistas de Hollywood in Cambodia me hablaron de su próxima muestra en la galería unión. Me contaron sobre su décimo aniversario y la idea que tenían. Los pude ver trabajando en lo que sería esta exhibición. Apenas empezaba a tomar forma. Partía de un concepto muy interesante: la realización y el autor colectivo. Era una verdadera obra grupal. Toda la obra es atribuida al conjunto de los artistas.

Esto implicaba establecer cierta unidad entre las variedades de géneros y estilos que cada uno suele utilizar. Un diálogo que amalgame la pluralidad de voces sincronizadas en una misma modulación de lo distinto. Un encuentro en una originalidad compartida.

En esa reunión varias veces se repitió la idea de lo genuino, independiente de las modas y las tendencias en el mundo del arte. Como si ahora lo anacrónico fuera lo más moderno o viceversa.

Esto no puede evadir las preguntas sobre el adentro y el afuera del mundo del arte. ¿No es acaso querer estar "afuera" un gesto típico de la vanguardia? ¿Como es el artista anónimo de esta muestra que "reñiega" (justamente) de los que es la función del artista? (La función de atribuir una obra a un sujeto, a un nombre propio).

En otro sentido, una obra colectiva como esta, también implica un trabajo de componer la sensación de un estilo unificado, desarrollar los dispositivos técnicos de producción, los procedimientos de trabajo, el compromiso grupal, y el deseo compartido.

Me contaban que el proceso de producción fue como una experiencia de convivencia. De vivir, respirar, comer, beber, y emborracharse, en el mismo arte durante varios días seguidos.

Una manera de revivir y actualizar la trayectoria de diez años de historia juntos.

La muestra en la galería Unión sería el punto de culminación de esa historia.

La película “24 hour party people” comienza relatando un episodio sobre uno de los primeros recitales de los Sex Pistols. La particularidad de esa situación era que la banda tocaba para un auditorio prácticamente vacío. La singularidad que señala el narrador es que allí -a pesar de la reducida concurrencia- se estaba desarrollando un acontecimiento que transformaría el mundo de la música de manera contundente.

Esa escena sirve para ilustrar el fenómeno cultural generado por Hollywood in Cambodia. Esto, sin embargo, tampoco sería del todo justo, ya que HIC cumple una década, y compararlo con un recital en un lugar vacío es más que una exageración. De todas formas esta comparación sirve para señalar que el fenómeno cultural producido en este espacio todavía no ha alcanzado el reconocimiento que merece. Lo cual, no significa que HIC, ni el colectivo de artistas detrás de él, se encuentren en el anonimato, sino que el mundo todavía no ha descubierto lo que allí se gesta y ramifica dentro del arte.

Cabe señalar que para este grupo de artistas, esta iniciativa nunca tuvo el propósito de agradar a un gran público complaciente. Por el contrario, siempre preservaron su autenticidad, espíritu independiente, y generosidad desinteresada. Nunca aspiraron a formar parte del circuito del arte. Cómo artistas que pintan en las calles, mantuvieron cierto perfil clandestino, tan necesario para desarrollar ese oficio.

Estos artistas establecieron en HIC un ámbito para asentar, difundir, y promover su actividad. Desde sus inicios sus puertas estuvieron abiertas a sus colegas -tanto locales cómo internacionales, así cómo novatos y experimentados- para realizar y exponer allí sus obras. Su compromiso con brindar ese medio siempre se opuso a cualquier fin comercial. Lo que preservó el carácter genuino del proyecto.

HIC es un centro de la cultura urbana donde se expresa el street art y otras formas de arte contemporáneo. Un sitio que permitió plasmar en el lienzo (cómo otro tipo de soportes) la pintura que se desplegaba sobre las paredes de la ciudad. Un espacio de tránsito -del arte callejero- hacia otras formas, medios, y maneras de circulación. Un lugar que estableció nuevos diálogos entre géneros y estilos actuales con el arte contemporáneo.

Esta falta de restricción y desinterés por seguir las tendencias brindó las condiciones para desarrollar la originalidad. Decir que HIC está consagrado exclusivamente al stencil y al graffiti es una subestimación. Esto no significa que no encontremos allí ese tipo de recursos expresivos, sino que la evolución del arte y los artistas que allí residen y exponen ha trascendido -a veces sin abandonar- el street art.

HIC ha invitado al street art a manifestarse por otros medios acercándolo a nuevos géneros y estilos.

Diez años no pasan vano. Este tiempo no solo ha permitido a los artistas de HIC a desarrollar su obra y trayectorias. También ha visto la transformación del street art en un nuevo fenómeno cultural. El reconocimiento que ha adquirido este estilo -a partir de artistas cómo Banksy y Shepard Fairey- ha cautivado el interés del circuito y el mercado del arte, asi cómo el del gran público. La manera en cómo el street art le ha devuelto un poder crítico y capacidad provocadora -a una (en algunos casos) ya domesticada pintura- casi le ha atribuido el estatuto de vanguardia artística.

El arte de HIC se resiste a ser asimilado por el convencionalismo institucional de los anales y el museo. Pero cómo otras vanguardias que sucumbieron a este reconocimiento, este podría ser el destino de HIC. Tal vez nos estamos adelantando un poco y ese sea un tema para otro aniversario.

El presente de la década recorrida por HIC nos brinda una obra pujante, llena de vitalidad, que promete seguir renovando nuestra visión del arte.

La mejor serie de televisión del 2016: The young pope

rickyesteves@yahoo.com (Ric) — Sun, 11 Dec 2016 19:41:00 +0000

La mejor serie de televisión del 2016: The young pope

Sin aviso, presagio, ni augurio, en noviembre del 2016 se estrenó en Europa la serie protagonizada por Jude Law, The young pope . Su premiere mundial será en enero del 2017 por HBO.

The young pope es sin lugar a dudas la mejor serie del 2016. Así como en 2015 Mr. Robot marcó un suceso televisivo, The young pope, es parte de ese acontecimiento que ha llevado el formato televisivo hacia el lenguaje propio del cine.

Las series son hoy como el nuevo cine de autor. Ya no son tanto un entretenimiento como una forma de arte. En esta linea The young pope propone una experiencia cinematográfica a través del formato de la serie.

Una ficción, basada en el presente, de un papa "joven", Pio XIII, el primer papa estadounidense. La serie relata la intimidad del circulo de poder del Vaticano. Narra una historia mundana sobre los asuntos de la iglesia y el trabajo del papa.

Propone una mirada siempre al borde de un cinismo entre el pragmatismo burocrático y el ejercicio desnudo de la soberanía. Sin duda una historia de poder, secreto, y conspiración, más que de fé.

Muestra la iglesia como lo que es, una institución que constituye la continuidad del imperio romano: en una configuración ya muy singular.

Pio XIII es un papa ultraconservador que representa lo más retrógrado del dogma cristiano. Un papa muy contrario a otros como Juan Pablo II, ó Francisco; y bastante más a la derecha que Ratzinger, pero en vez de viejo, jóven. Pio XIII es un papa preocupado en como mantener su poder y el de la iglesia más que en las necesidades de sus creyentes.

Esta producción italiana es de Paolo Sorrentino, director de la película La grande belleza, galardonada con el Oscar en 2013. La serie combina una trama de drama e intriga, un riquísimo lenguaje visual, un uso del tiempo, y contrastes entre silencio y sonido, muy interesantes.

Esta serie muestra un valor de producción similar -incluso hasta más alto (por estar en el Vaticano)- que las series norteamericanas. Esta es una realización multinacional en la que intervienen, Italia, Francia, Inglaterra, España, y los Estados Unidos.

Protagonizada por Jude Law y un gran elenco europeo y de Hollywood, The young pope brinda grandes actuaciones que le dan mucha consistencia a esta ficción basada en el presente.

La historia parecería ir a "contrapelo" de la nueva narrativa de la muerte de los grandes relatos al retomar un tema que pretenda cierta "universalidad", sin embargo presenta una mirada muy contemporánea de ciertas miradas de las instituciones tradicionales como la iglesia católica.

En esa tensión entre lo antiguo y lo posmoderno es que funciona The young pope. Propone un lenguaje estético -como diría Terry Smith- "retrosensacionalista".

Apenas se estrenó IMDB calificó esta serie con una puntuación de 6,5 sobre 10. No suelo mirar series que tengan calificaciones de más de 7,5 puntos, pero de todas formas la temática llamó mi atención. El primer capítulo resultó sugestivo. El segundo alimentó la intriga. Después del tercero ya no podía de dejar de ver esta serie.

The young pope tal vez requiera cierto tiempo para que su público se acomode a su ritmo.

Un mes después del estreno, la calificación de IMDB de The young pope ha subido a 8,5 puntos.

Al parecer el público se está acomodando bastante rápido a este serie.

En mi caso ya estoy esperando la segunda temporada con ansias.