The Rocky Horror Critic Show

Cronico Ristretto : Erotic Nights of the Living Dead - Joe D'Amato (1980)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Sun, 27 May 2012 15:45:00 +0000

Parmi la pléthorique filmographie du célèbre mercenaire transalpin Aristide Massaccesi plus connu sous le nom de Joe D'Amato, il est une série que les amateurs de films déviants se doivent de connaitre : sa période Caribéenne dont Erotic Nights of the Living Dead (traduit en français par un triste La nuit fantastique des morts-vivants) est un des plus sémillants représentants. Une année après son désormais culte Blue Holocaust, et en attendant une escale cannibale en mer Egée (le peu ragoutant Anthropophagous), le cinéaste Joe D'Amato eut en effet à loisir le temps de rentabiliser ses vacances et celles de son équipe lors d'un voyage en république dominicaine en réalisant dans la foulée pas moins de cinq films : Hard Sensation, Exotic Love, Sesso nero, Porno Holocaust et donc Erotic Nights of the Living Dead ou une variation encore plus sexuée du précédent. Il n'en fallait pas plus pour titiller la curiosité du préposé docteur...

Mais arrêtons-nous un moment. Qui d’autre que D’Amato pouvait avoir l’idée saugrenue (ou plutôt l’audace putassière) de croiser deux genres aussi différents que prisées par le cinéma d’exploitation (italien) de l'époque : le film pornographique (voire érotique, bon nombre de longs métrages ayant droit à deux montages différents l’un soft et le second hardcore) et le film gore avec un goût prononcé pour le mort-vivant crapoteux (Fulci ayant sorti depuis peu son fameux Zombi 2) ?

La vie de marin vous offre quelques compensations si on en croit George Eastman et Dirce Funari

Larry O'Hara (George Eastman) loue ses services et son bateau aux hommes d'affaire de passage qui aimeraient voguer sur la mer des Caraïbes et découvrir les divers délices qu'offrent ses reflets turquoises. Au cours d'une halte, celui-ci fait la connaissance de John Wilson (Mark Shannon en mode Thomas Magnum look-a-like (1)) et de Fiona (Dirce Funari) sa petite-amie de la veille au soir (2). Le trio part vers "l'île du chat" où notre businessman étatsunien souhaite bâtir un hôtel de luxe en dépit des avertissements d'un couple d'autochtones, la mystérieuse Luna (Laura Gemser) accompagnée de son grand-père ; car l'île est hantée de zombies rodant la nuit à l'ombre des cocotiers...

George Eastman toujours en bonne compagnie avec Laura Gemser

Autant l'avouer sans ambages, le croisement tant attendu d'érotisme et de gore façon steak tartare n'atteindra jamais les promesses que laissaient présager (espérer?) le titre anglais (3). Le scénario écrit par le néanmoins sympathique George Eastman n'est à ce titre en rien une synthèse des deux genres pré-cités mais au contraire une simple superposition accumulant les ratés. Ce film de près de deux heures (?!) est ainsi scindé finalement en deux parties distinctes, la première axée sur une accumulation de scènes de sexe plus ou moins explicites (4) et la dernière demie-heure faisant la part belle à des zombies amorphes. Or si D'Amato avouait n'être que peu inspiré par l'horreur zombie, les (trop) nombreuses scènes de sexes répétitives ralentissent également un métrage qui n'en demandait pas tant en matière d'action mollassonne et bouche-trou (pouf pouf).

Paradoxalement, le film garde néanmoins une atmosphère particulière appuyée par la musique de Marcello Giombini (5) et la photographie de sieur D’Amato (ce dernier s’occupant également de celle-ci). Erotic Nights of the Living Dead porté par un massif George Eastman (loin du cabotinage qu'on lui connait) et des belles Dirce Funari et Laura Gemser arrive ainsi à aplanir quelque peu ses défauts rédhibitoires. Quant aux déviants alléchés par le titre du film et une émoustillante copulation post mortem, ceux-ci devront se satisfaire d'une fellation plutôt mordante...

A trop vouloir en faire, Joe D’Amato mange à tous les râteliers et rate le coche dans les grandes lignes. Sauvé in extremis par son trio d'acteurs et une dernière partie atmosphérique, Le notti erotiche dei morti viventi aurait gagné à être amputé d'au moins une demi-heure (6).

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Mais sans les chemises hawaïennes...

(2) Nos deux amants, voisins de chambré, se sont rencontrés juste après que John se soit offert une partie à trois avec deux prostitués dans sa chambre d'hôtel... hum...

(3) Connu aussi sous le nom de Sexy Nights of the Living Dead.

(4) Dont une mémorable scène dite de la bouteille de champagne...

(5) A qui on doit par exemple la musique d'Anthropophagous ou du Journal érotique d'une Thaïlandaise de Jean-Marie Pallardy.

(6) La version Uncut du métrage jouant dès lors en la défaveur de ce dernier.

Cronico Ristretto : Traitement de choc - Alain Jessua (1973)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Fri, 18 May 2012 13:45:00 +0000

Réalisateur atypique, Alain Jessua l'est assurément. Sa trop rare filmographie peut elle aussi difficilement en attester le contraire. Adepte du film sociologique mâtiné de thriller (Armaguedon), proche de l'anticipation (Les chiens) ou de la science-fiction tel ce Traitement de choc, ce cinéaste français méconnu a su créer, en dépit ou plutôt grâce à une popularité restreinte, une oeuvre personnelle et originale loin des canons et productions en vogue dans le cinéma hexagonal des années 70.

Au bord de la dépression des suites d'une déception sentimentale, Hélène Masson (Annie Girardot) rejoint son ami Jérôme (Robert Hirsch) au prisé institut de thalassothérapie du docteur Devilers (Alain Delon) afin de suivre sa célèbre et miraculeuse cure de rajeunissement. Accueillie avec bienveillance par les curistes venus rechercher leur dose de jeunesse, la jeune femme, néanmoins sensible au charme du ténébreux (et bon) docteur, prend progressivement ses distances avec le maître des lieux et de ses ouailles ; la mort de Jérôme, les comportements étranges puis les disparitions inexpliquées du personnel de service, composé de jeunes portugais, plonge Hélène lentement vers la paranoïa et la suspicion...

Imaginé par le cinéaste lors d'un séjour dans une maison de repos en Bretagne, Traitement de choc vaut bien mieux que cette affiche datée et gentiment à côté de la plaque (1) : une Girardot hystérique et un Delon (habituellement) renfrogné. Le long-métrage se veut en effet le portrait d'un microcosme décadent où le capitalisme dépasse le stade de l'exploitation pour s'assimiler à du cannibalisme. Le lieu, un centre de remise en forme contrôlé par un médecin omnipotent, régnant sur une communauté de nantis. Néo-gourou s'attirant les bonnes grâces de la gent féminine le soir venu, Devilers n'en reste pas moins méprisé et craint par les autochtones.

Quatre décennies passées, ce Traitement de choc en dépit d'un dénouement (très) prévisible, n'est reste pas moins un film pertinent, huis-clos et film à charge au même titre que ceux d'Yves Boisset à la même époque. Pour l'anecdote, le film fut connu pour ses scènes de nudité, le couple Girardot/Delon n'hésitant pas à tout montrer. Or ce qui pourrait apparaître facilement comme le fruit d'une libération sexuelle dans l'ère du temps est à nuancer ; la volonté de l'auteur semblait au contraire de critiquer la réappropriation de ce modèle libertaire en un individualisme perverti par le système, la société de consommation ou simplement la bourgeoisie (2), au-delà dès lors qu'une simple ode à la nature.

Alain Jessua tire de ce thriller fantastique une parabole sociale grinçante loin du climat morne et du racisme ordinaire de la France Pompidolienne (3).

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Et nous vous faisons grâce de la bande-annonce...

(2) De ce même constat, Pasolini en tirera son sombre et désespéré Salò ou les 120 journées de Sodome.

(3) La présence d'Alain Delon au casting est à ce titre "étonnante" voire paradoxale...

Cronico Ristretto : Hors Satan - Bruno Dumont (2011)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Thu, 10 May 2012 20:57:00 +0000

Présenté à Un certain regard lors du festival de Cannes 2011, Hors Satan de Bruno Dumont n'est pas le cri d'un prêtre exorciste mais la profession de foi sur pellicule d'un homme de cinéma... à 24 images par seconde.

Un gars, un ermite priant au milieu de la nature, un mystique? La mer, des paysages, une lumière. L'homme, sans domicile, erre dans la campagne. Il dort à travers les dunes, vit de la générosité des habitants du village voisin. Exorciste, il chasse le démon du corps des jeunes filles et des femmes trop entreprenantes. Ange exterminateur, il tue, rosse les hommes dangereux et la protège. Elle, lui donne à manger, prie avec lui, le suit, avant que tout ne bascule...

Déjà à l'esprit du cinéaste lors de son premier long métrage, La vie de Jésus, cette étrange histoire d'ermite, continue de s'inscrire, bien qu'assumée timidement par son auteur, dans une filiation post-Bressonienne (1), comme pouvait l'être son précédent film, Hadewijch. Ainsi comme d'autres par le passé, Dumont s'éloigne du Christianisme et d'un quelconque prosélytisme pour se focaliser sur le sacré, un mysticisme athée, aux portes du fantastique.

Filmé en Cinémascope, sur la Côte d’Opale, entre Calais et Boulogne sur Mer, et photographié par Yves Cape, le fidèle chef-opérateur de Dumont, Hors Satan prend le parti de placer la mise en scène sinon au-dessus du reste, tout du moins comme l'élément moteur du récit. Le réalisateur avoue d'ailleurs avoir écrit son scénario à partir des paysages et de cette lumière, d'avoir en quelque sorte adapté l'histoire à son environnement. Une volonté de placer la nature, la végétation, les terrains au centre ; ces derniers garants d'une puissance selon lui dont la mise en scène et le travail visuel et sonore sont des éléments primordiaux (au risque de prendre le pas sur le reste?...).

Hors Satan se caractérise en effet par une richesse visuelle peu commune, une alternance de plans larges/gros plans par exemple, au service de l'émotion, du propre aveu de Dumont. Une beauté visuelle qui se suffirait dès lors à elle-même, les dialogues du film peu audibles (2) étant qui plus est rares. Dumont offre un cinéma sensoriel brut, sans artifice, au risque de faire fuir les amateurs de sophistication? Pas seulement, car si le cinéaste propose un ascétisme cinématographique des plus pertinents, d'autres partis pris, connu depuis longtemps chez ce cinéaste ancré pour le meilleur (?) dans sa région du Nord-Pas de Calais (3) laissent et laisseront sans doute encore longtemps perplexe le préposé à la chronique.

Au delà de la lenteur qui pourrait rebuter quelques-uns (mais qui correspond idéalement au propos et à l'aspect sensoriel voulu par Dumont), la volonté de mettre au premier plan la mise en scène et l'environnement dessert sensiblement l'histoire, celle-ci manquant par moment de substance ou paradoxalement d'abstraction. De même, si l'image que donne le cinéaste de sa région et en particulier de ses habitants est elle-aussi (toujours aussi) brute ; en ajoutant deux violeurs, un concours de gueules (cassées) et la peinture d'une région sinistrée (4), le bel écrin tend également à être légèrement déformé et peu engageant (avis que seul le préposé doit partager, le film étant finalement co-produit par la région nordiste!). Reste pour les habitués du cinéma de Dumont la fameuse scène de sexe "rugueuse", véritable "running gag" de sa filmographie, servie cette fois-ci par des paroles mémorables ("si tu veux, tu peux me baiser") par la routarde (forcément) possédée.

Hors Satan de Bruno Dumont n'en reste pas moins une réussite visuelle à défaut d'être totalement équilibré.

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) A son corps défendant, ce film de Dumont a des similitudes avec le film Ordet du danois Dreyer.

(2) Pas de musique (contrairement à la BA) et un son enregistré en prise directe sans post-synchro... du brut! (au risque d'avoir un bruit de fond trop important par moment...)

(3) Sa seule incartade californienne nommée Twentynine Palms étant son plus convaincant ratage...

(4) Pourquoi par hasard fallait-il que la ferme familiale de la jeune fille ressemble à un taudis?

Terminator : Kyle Reese ou le mythe du pantalon souillé

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Tue, 01 May 2012 15:54:00 +0000

L'avenir nous dira si la rubrique aura une suite, mais il était grand temps que quelqu'un ose aborder une vérité dérangeante, quitte à ébranler les certitudes de certains. Aujourd'hui 1er mai, ou comment une innocente réflexion à connotation urologique (?!) s'en va briser les fondations d'un mythe NERD, et par la même occasion mettre à mal l'une des rares figures masculines dramatiquement émoustillantes qu'ait connu la SF (et les demoiselles nourries aux exploits héroïques d'un bel inconnu venant du futur).

Non content d'avoir réalisé le meilleur film d'horreur de poissons volants carnassiers du 7ème Art (Piranha II: les tueurs volants chroniqué ici), James Cameron est également le réalisateur d'un des plus brillants films (et désormais saga) abordant le thème de l'intelligence artificielle et de la menace robotique. Il n'empêche, ces deux premiers succès cachent malheureusement une réalité bien plus sombre... Combien d'entre nous, sinistres bougres, ont dû ronger leur frein et bailler devant les ébats copulatoires de Kyle Reese et Sarah Connors? Combien ont prié l'arrivée du cyborg autrichien pour mettre un terme à ce clip érotico-navrant? Mais la sauvegarde de l'humanité est à ce prix.

En dépit de ses errements "cul-cul la praline" quasi-systématique dès qu'il s'agit de mettre en scène un couple amoureux (avec en point d'orgue la fameuse scène orgasmique de Titanic dite "de la vitre embuée"), rares sont les personnes qui peuvent mettre en doute le perfectionnisme et le souci du détail d'un James Cameron. Or, que les amateurs de détails scabreux me remercient, l'exigence du cinéaste étatsunien n'est plus à prouver, celle du préposé docteur non plus...

En effet, rappelons nous (joyeusement) de l'arrivée de Kyle Reese venu sauver son amour fantasmé et future mère de l'humanité. Si ce dernier poursuivi par les LAPD prend son temps pour réussir un placement produit pour la marque à la virgule, il en est tout autre pour choisir son pantalon : celui du premier clochard venu fera l'affaire! Pantalon qu'il gardera tout au long de sa tragique épopée... et sans sous-vêtement s'il vous plait (1).

Quid dès lors de ce flottement scénaristique? Le voyage temporel semble avoir remué fortement Kyle. On en convient rapidement que ses sens, et dans le cas présent son odorat, soient alors inhibés devant l'urgence de la situation. De même, comme confie notre héros à sa future moitié dans un élan d'intimité non feint, "La douleur, ça se contrôle", à l'image des effluves de pipi qui titillent les narines? Car faut-il être éperdument amoureux et empreint de vulnérabilité pour déclamer "j'ai traversé le temps pour toi Sarah" et oublier que l'on porte un pantalon souillé (2)!

Réponse : soit Sarah Connor a les narines musclées (au même titre que l'ensemble des personnages qui croisent la route de Reese), soit Cameron a omis ce détail olfactif. A moins que James soit un petit filou voulant nous prouver par A+B que l'amour inter-temporel est bien plus fort qu'une guenille sentant la pisse macérée...

__________________________________________________________________________________________________________________
(1) Cela dit si c'était pour enfiler le caleçon du cloche...
(2) L'histoire ne nous dit pas en effet si Sarah a eu le temps de faire une machine à son sauveur...

Der Teufel kam aus Akasava - Jess Franco (1971)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Sun, 01 Apr 2012 11:19:00 +0000

Pour continuer ce cycle consacré au réalisateur Jesús Franco, intéressons nous cette fois-ci à un film sinon inconnu de la majorité des bisseux, tout du moins en marge des thématiques habituellement franciennes qui feront date parmi les amateurs de cinéma-bis : The Devil Came from Akasava. Ce long-métrage, sorti la même année que le culte Vampyros Lesbos, avec également l'inoubliable Soledad Miranda, s'éloigne de l'érotisme et de l'épouvante qui firent la renommée du cinéaste madrilène à l'orée des seventies pour proposer une autre facette du talent multi-disciplinaire de son auteur : le film d'espionnage décalé, mais n'allons pas trop vite...

L'assistant du professeur Forrester trouve dans une caverne isolée une pierre radioactive, pierre extrêmement convoitée (1) si on en croit les tirs de carabine qui accueillent celui-ci à la sortie de la grotte. De retour chez le professeur, gravement blessé, Forrester s'empresse de demander secours au docteur Thorrsen (Horst Tappert), la vie de son assistant ne tenant plus qu'à un fil. Mais en attendant l'arrivée du (bon?) docteur, l'archéologue découvre le cadavre irradié de son suppléant, et la disparition de la pierre... avant que ce dernier ne s'évanouisse également dans la nature. Or au même moment, à 9000 km de là, son bureau à Londres devient le théâtre d'un meurtre. Quelque temps plus tard, le dénommé Rex Forrester (Fred Williams), neveu du professeur, débarque à Akasava pour enquêter sur la mystérieuse disparition de son oncle, suivi de près par Jane Morgan (Soledad Miranda) et Tino Celli (Jesús Franco), tous deux agents secrets...

Un assistant irradié et un mystérieux Horst Tappert...

Librement inspiré par une nouvelle d'Edgar Wallace, The Akasava (2), cette production germanique, en relation avec Les nuits de Dracula qui permirent au cinéaste espagnol d'ouvrir une nouvelle boîte de Pandore fantasmagorique, clôt le chapitre d'un genre typiquement sixties plusieurs fois revisité au cours de la décennie passée par Franco (Agent 077 opération Jamaïque (1964) ou Opération Re Mida (1967)). Franco solde les comptes, s'écarte des bonderies premier degré et offre ainsi une facette rarement exploitée dans son abondante filmographie : un film oscillant entre le thriller fantastique mâtiné d'espionnage et une atmosphère sexy entre coolitude et détachement, le tout filmé avec les moyens du bord ; quelques enregistrements sonores, un jardin des plantes ibérique, des cadrages suffisamment serrés, et vous obtenez une jungle africaine des plus franciennes... so what? This is a Jess Franco movie.

Entouré comme à l'accoutumée d'acteurs fidèles, tels le placide Paul Muller et le fourbe Howard Vernon par exemple, Franco assume pleinement son propos divertissant et l'aspect décomplexé de l'intrigue (comprendre ne pas s'attendre à une Lettre du Kremlin francienne). Au contraire, cette distance salvatrice sans toutefois tendre vers la parodie du film d'espionnage apporte une fraîcheur appréciable, le charme et la beauté de Soledad Miranda faisant évidemment le reste une toute dernière fois. Tourné dans le même laps de temps que Vampyros Lesbos et She Killed in Ecstasy, The Devil Came from Akasava sera ainsi le dernier film de la muse de Jesús avant son tragique accident de voiture en août 1970 (3) ; juste le temps de nous laisser profiter d'une dernière danse...

Les amateurs de Vampyros Lesbos apprécieront, Miranda danse de nouveau... Williams et Franco semblent également apprécier

Une poupée psychédélique, un film groovy à l'image de sa bande-originale composée par la paire Odón Alonso/Sigi Schwab, dont le second est en partie responsable de la musique de Vampyros Lesbos, Akasava empruntant nombre de thèmes provenant de ce film : Dedicated to Love en ouverture, Ballad of a Fair Singer, Kamasutra, et autre Necronomania... what else?

Loin des thématiques habituellement horrifiques de Franco, ce diable venant d'Akasava surprendra donc dans un premier temps celui ou celle venu réclamer sa pitance déviante, avant de s'amuser finalement devant cet hommage déguisé au cinéma populaire d'espionnage de la décennie 60's par l'un des maîtres du cinéma-bis du XXème siècle.

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) On découvrira plus tard que cette pierre est philosophale, cette dernière ayant le pouvoir de transformer n'importe quel métal en or!

(2) Publié dans le recueil Sanders of the River (1911)

(3) Dans sa version espagnole, le film lui est dédié.

Les nuits de Dracula (Count Dracula) - Jess Franco (1970)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Thu, 08 Mar 2012 22:58:00 +0000

Dans les souvenirs du préposé, la seule et unique adaptation du roman de Bram Stocker n'était autre que la superproduction réalisée par Francis Ford Coppola, enfin tel que l'on nous l'avait affirmé lors de sa sortie en 1992 (1). Or si cette dernière s'avère sans conteste et finalement la plus fidèle, parmi les innombrables (re)lectures du mythe vampirique, et ceci malgré les libertés prises sur le texte originel, à savoir une esthétique empreinte d'érotisme et un personnage principal désormais perçu comme un monstre amoureux ; vingt ans auparavant, Jesús Franco avait lui aussi filmé sa version du roman de Stocker : Les nuit de Dracula. Une adaptation méconnue et pourtant aussi l'une des plus fidèles avec le duo Christopher Lee / Klaus Kinski ; si ce n'est la plus fidèle depuis le Nosferatu de Murnau et bien avant celle de Coppola.

Comme annoncé en introduction, le scénario reprend la trame originale du roman, celle de Jonathan Harker (Fred Williams) traversant la Roumanie pour y rencontrer un client, le vieux comte valaque Dracula (Christopher Lee), et venu lui faire signer les actes de propriété de sa nouvelle demeure en Angleterre. Mais le vieil aristocrate, tout comme pouvait le laisser supposer les avertissements des autochtones apeurés en découvrant la destination du jeune homme, s'avère être un vampire. Abandonnant Harker à son triste sort, Dracula quitte sa terre natale pour Londres et y recouvrer une nouvelle jeunesse...

Tournée en Espagne et en Allemagne, cette coproduction italo-germano-liechtensteino-espagnole (ouf!) mérite, contrairement à ce que pourrait laisser croire sa nationalité incertaine une plus grande reconnaissance. Ce Count Dracula, dans sa version anglophone, est en effet pour l'amateur de cinéma fantastique sinon un incontournable, tout du moins un long-métrage à découvrir prestement (mais n'allons pas trop vite). Quant aux aficionados de l'oeuvre du grand Jesús? Ce Dracula n'est rien de moins qu'une pierre angulaire du cinéma de Franco, le point de départ d'une thématique cher au cinéaste, à l'image d'un standard de jazz, maintes fois revu et rejoué par celui qui aimait se donner entre autre comme pseudonyme Clifford Brown (2).

Les années 1968-1969 furent un véritable tournant dans la production cinématographique de Franco. L'espagnol tourne à moindre coût autant de long-métrages que possible, huit films sortirent ainsi durant l'année érotique. Autant de films et autant de rencontres qui permettent également au cinéaste de se créer très rapidement un cercle d'acteurs complices, qu'on retrouve ainsi dans bon nombres de long-métrages durant la prochaine décennie à l'image de Paul Muller et de bien sûr sa muse, la future poupée psychédélique, Soledad Miranda. De même, réputé et reconnu comme l'incarnation même du "prince des ténèbres" dans l'imagerie populaire, Christopher Lee a finalement dû attendre de croiser la route du réalisateur du Sang de Fu Manchu (1968), qui fut sa première collaboration avec Jesús, pour incarner (enfin) à sa demande un comte Dracula fidèle au roman de Stocker (3).

Du fait des moyens mises à sa disposition, Franco livre une version globalement proche mais néanmoins épurée du comte Dracula ; le maître vampire apparaît davantage comme un être surnaturel rajeunissant au rythme de ses conquêtes anémiées. De plus, par souci de simplification, certains rapports entre les personnages se veulent plus directs : le Dr. Seward (Paul Muller) officie dans la clinique du Prof. Van Helsing (Herbert Lom), et la jeune Lucy Westenra (Soledad Miranda) ne connait qu'un seul prétendant : Quincey Morris (Jack Taylor) ; Arthur Holmwood, son fiancé du roman originel, a volontairement disparu. Si quelques plans évoquent les précédents films de la Hammer, le réalisateur espagnol s'en éloigne néanmoins pour offrir une variation intéressante voire annonciatrice ; limitées et paradoxalement "aidées" par cette production low-cost, Les nuits annoncent en effet la prochaine relecture contemplative de Werner Herzog, Nosferatu, fantôme de la nuit (1979), celle où Klaus Kinski reprit le rôle culte de Max Schreck. Un Kinski qui chez Franco, après avoir interprété dans Justine de Sade le fameux le Marquis en 1969, joue ici l'aliéné catatonique Renfield. Car contrairement aux attentes, l'allemand propose lui-aussi une autre alternative opposée à la transe habituellement psychotique et pathétique du personnage, pour un rendu bien plus dérangeant et inquiétant.

Le film n'est évidemment pas exempt de reproche, ses faibles moyens et une second partie moins tendue jouent en sa défaveur. D'autres détails pourront à l'occasion faire sourire le spectateur, une végétation méditerranéenne faisant office d'environnement londonien, des bergers allemands en guise de loups et même une chauve-souris en plastique tenue par un fil en guise de clin d'oeil (?) aux antiques films d'horreur des années 30. L'interprétation de Lee ne restera pas également non plus dans les annales, l'interprète mythique du célèbre vampire se retrouve quelques peu éclipsé par un Prof. Van Helsing joué par un Herbert Lom (4) des plus convaincants, loin du cabotinage d'un Anthony Hopkins... Monté pour la petite histoire par le débutant Bruno Virus Cannibal Mattei et supporté par l'angoissante musique de Bruno Nicolai (5), ces Nuits de Dracula méritent amplement une nouvelle mise en lumière. Jesús Franco solde ses comptes de manière probante avant d'entamer l'année suivante sa vision personnelle et féministe du vampirisme moderne : Vampyros Lesbos.

Une bande-annonce avec un doublage français (d'époque) des plus cheaps...

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Le titre anglais du film s'autoproclamant implicitement de la sorte : Bram Stocker's Dracula.

(2) Nom d'un jeune trompettiste américain mort précocement en 1956 et futur ex-grand du hard bop mort à presque 26 ans.

(3) Parmi les nombreuses adaptations produites par la Hammer, seule la première de 1958 Le cauchemar de Dracula (Horror of Dracula) avec Lee est celle qui se rapproche le plus du roman originel.

(4) Plus connu en France parmi les initiés comme étant l'interprète du docteur Weizak du Dead Zone (1983) de David Cronenberg.

(5) Rencontré pour la première fois chez Franco en 1969 (tout comme Herbert Lom) dans L'amour dans les prisons des femmes (99 Women), et aussi compositeur du culte Ton vice est une chambre close dont moi seul ai la clé (1972) de Sergio Martino.

Lina Romay (1954-2012)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Fri, 24 Feb 2012 20:49:00 +0000

Pouvait-il en être autrement depuis l'annonce officielle d'hier soir. Comment ne pas rendre un hommage, même humble, à Lina Romay, l'éternelle Comtesse noire du cinéma bis qui nous a quittés le 15 février dernier. Muse et compagne du prolifique Jesús Franco, Lina fut sans conteste l'une des grandes figures du cinéma d'exploitation des années 70. Coïncidence anecdotique, le préposé apprit la triste nouvelle hier soir de la bouche de sa dame bottée, quelques minutes après avoir mis à jour justement la chronique la plus populaire du RHCS, celle de Doriana Grey.

Apparue comme dans un rêve aux dires de Franco, la jeune Rosa Maria Almirall surgit dans la vie du réalisateur ibère à une époque où il connu deux terribles évènements personnels : la mort accidentelle de sa première muse, la poupée psychédélique Soledad Miranda (Vampyros Lesbos, Les nuits de Dracula, Eugénie de Sade) en 1970, et la fin de son premier mariage. Une période de solitude et de tristesse qui cédera sa place à une histoire d'amour, une collaboration et une symbiose artistique où les deux amants deviendront indissociables, indivisibles (1) redéfinissant à eux seuls la notion de partage et de création.

Reine de l'horreur érotique, rebaptisée par Franco lui-même, du nom d'une des anciennes chanteuses de Xavier Cugat, Lina Romay à l'image de son mentor laissera une empreinte indélébile dans le cinéma cher aux bisseux, cinéma de toutes les outrances, où la future comtesse Irina Karlstein aimait à s'y montrer nue, corps et âme, devant l'objectif de son "créateur" voyeur, le couple cultivant une notion cathartique de la relation exhibitionnistovoyeur.

Celle qui assumait en effet pleinement sa part d'exhibitionnisme (2), pointant au passage l'hypocrisie de certain(e)s acteurs, débuta en 1972 dans le film de Jess Franco Les expériences érotiques de Frankenstein (en apparaissant seulement dans sa version espagnole), avant de connaitre donc l'année suivante son premier grand rôle, La Comtesse noire ou une nouvelle variation moderne du vampirisme chère au metteur en scène espagnol. S'en suivit une multitude de rôle au gré des possibilités de son compagnon, Franco trouvant dans le cinéma d'exploitation, et en particulier l'érotique (soft ou hardcore), la liberté vitale et nécessaire dont il avait besoin (3).

Malheureusement découvert sur le tard par le préposé et sa dame (4), Lina Romay ne sera sans doute jamais considérée comme une grande actrice au sens classique du terme, tant mieux, son jeu étant plus proche de la performance alliant générosité et provocation. Restera cette dernière image, sa fierté et son émotion quand Jesús Franco fut récompensé d'un Goya d'honneur.

Saleté de crabe, seulement 57 printemps...

A Lina, à Jesús.

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Pas loin d'une centaine de films peuvent être allègrement crédités au couple.

(2) Confessions d'une exhibitionniste ou le titre de sa longue interview par Kevin Collins.

(3) Car l'avantage paradoxal d'inclure des scènes de sexe cru dans un film, et d'être par conséquent classé X, était de pouvoir filmer ce que l'on voulait, et de jouir dès lors d'un degré total de liberté.

(4) Trop tard pour les rencontrer lors de la rétrospective de Franco à la Cinémathèque...

Cronico Ristretto : Appolo 18 - Gonzalo López-Gallego (2011)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Sun, 19 Feb 2012 16:30:00 +0000

La vie vous occasionne parfois de jolis tours ou de sinistres déconvenues. Tandis que la moitié bottée du préposé croyait avoir signé pour un remake du second métrage du père du cinéma gore Herschell Gordon Lewis (et se trouva fort dépourvue à la réception de cette séquelle vulgaro-fauchée). Celui-ci espérait quant à lui avoir entre les mains une plante potagère de concours, alléché il est vrai par une accroche des plus "prometteuses" : "Quand Alien rencontre Paranormal Activity". Las...

Officiellement, Apollo 17 fut en 1972 la dernière mission lunaire de la NASA, les missions suivantes ayant été annulées pour des raisons (bassement) budgétaires (1). Or en 2011, 80 heures de séquences classées Top Secret sont mises en ligne anonymement sur internet (2). Le film présenté, et portant le nom de la mission qui n'a jamais existé, dévoile dès lors le contenu de ses mystérieux rushes filmés en décembre 1974 et apparus par magie sur la toile...

Réalisé par l'espagnol Gonzalo López-Gallego et produit par le russe Timur Bekmambetov (Night Watch) Apollo 18 (sorti en DVD le 18 février et distribué par M6-snd) se veut un nouvel avatar du genre found foutage, genre popularisé et mise en lumière par l'italien Ruggero Deodato et son craspec Cannibal Holocaust. Or, en apparté, si le cinéma bis est intrinsèquement codifié, ce genre "métrage trouvé" est néanmoins régi par un cahier des charges des plus strictes ne permettant par nature aucune véritable originalité (il est de bon ton par exemple que le dernier qui filme ait la politesse de mourir juste avant le générique de fin (3) : Cloverfield, REC, etc...), à charge donc pour le metteur en scène et son équipe de proposer "autre chose". Oui mais...

Reprenant l'intrigue inverse du film de Peter Hyams de 1978, Capricorn One (4), et évoquant également le faux-documentaire de William Karel Opération Lune (tout du moins sur le papier), le long-métrage apparaît très rapidement comme une suite d’évènements prévisibles, mâtiné qui plus est par une théorie du complot des plus basiques, 1974 étant pour rappel aussi l'année du Watergate.

Trois astronautes dans l'espace ayant pour mission d'installer des caméras pour le département de la Défense sur la Lune, et qui découvriront à leur dépend qu'une forme de vie extraterrestre existe bel et bien sur ce satellite rocheux. Et? Et puis c'est tout hormis la découverte d'un module lunaire soviétique abandonné. Certes, contrairement au Blair Witch Project, les apparitions hostiles apparaissent plus concrètes, mais l'ennui et une carence scénaristique manifeste font le reste (les bonus et les scènes coupées et alternatives témoignent de ce manque cruel de direction). En conséquence, une intrigue embryonnaire cousu de fil blanc, et une gravité lunaire elle-aussi aux abonnées absentes (5), Apollo 18 a tout du film à oublier. Pas mauvais mais suffisamment dénué d'originalité pour en garder un souvenir, même quelconque.

Quant à la conclusion du métrage, si la disparition des pierres lunaires offertes à divers dignitaires à travers le monde a été avérée, l'invasion des crabes lunaires se fait malheureusement toujours attendre.

Note du partenaire :

Découvrez d’autres films sur Cinetrafic dans la catégorie Film d'horreur et la catégorie Film extraterrestre.

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) "La Lune c'est bien, mais le Vietnam c'est mieux" aurait répondu Henry Kissinger à son président Richard Nixon après le refus du Congrès d'allouer un budget conséquent à la NASA.

(2) Le buzz devant à l'origine venir du site lunartruth.com (qui semblerait être en rade aujourd'hui). Toutes les vérités ne sont pas bonnes à dire...

(3) Quoi je spoile?! Mais non puisqu'on vous dit que ça fait parti du cahier des charges!! Suivez un peu...

(4) La mission spatiale vers Mars est annulée à la dernière minute pour un problème technique. Le voyage est officiellement maintenu mais les images seront tournées sur Terre en studio...

(5) Dommage car hormis ce "détail" important, l'imitation lunaire pouvait relever du sans faute.

Talk Radio - Oliver Stone (1988)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Mon, 13 Feb 2012 21:41:00 +0000

Situé entre Wall Street (1987) et Né un 4 Juillet (1989), Talk Radio d’Oliver Stone est loin d’être l’un de ses longs métrages les plus populaires et la raison en est des plus simples, il s’agit sans doute de son film le plus méconnu et sans conteste le plus insolite. Entre les années yuppies et les années (post-)Vietnam, ce Talk Radio apparaissait dès lors comme un OFNI. Mais l'intérêt suscité par sa sortie inédite en DVD (le 18 janvier dernier distribué par Carlotta Films) pouvait désormais se nourrir paradoxalement de son ancienne confidentialité, car c’était mal connaitre le réalisateur de Salvador ou le scénariste de Scarface, et en dépit de l'accueil timide qu'il connut à sa sortie aux États-Unis, fin 1988 (1), Talk Radio provient bien du même moule : une satire crue et féroce du monde des médias.

A la nuit tombée, Barry Champlain (Eric Bogosian) anime l'émission de radio intitulée Night Talk, émission de libre antenne pour KGAB, radio locale située à Dallas. Une émission populaire ou plutôt un véritable déversoir de la frustration humaine et réceptacle de la haine ordinaire, dont le cynique animateur vedette n'est autre que le catalyseur. Barry y provoque ainsi chaque soir son auditoire de ses multiples saillies verbales au risque de voir s'accroitre les menaces antisémites dont il devient de plus en plus la cible. Or ce rendez-vous nocturne des paumés, racistes, junkies et pervers si affinités venus jouer les faire-valoir et autres bouffons pathétiques pour le maître des ondes, doit désormais être diffusé à l'échelle nationale. Venue à la demande express de son ex-mari pour fêter cette consécration, Ellen (Ellen Greene) devient bien malgré elle la témoin impuissante de la solitude et de la mégalomanie de Barry...

Adapté de la pièce de théâtre écrite par l'acteur Eric Bogosian et librement inspiré de la biographie Talked to Death sur la vie et le meurtre d'Alan Berg, animateur radio assassiné par un groupe d'extrême droite en 1984, Talk Radio s'inscrit comme une réflexion sur le pouvoir des médias et en particulier les dérives que peuvent engendrer la liberté de parole, quand celle-ci est utilisée à mauvaise escient, sacrifiée sur l'autel de la sacrosainte paire audimat/vedettariat.

Premier défi pour Oliver Stone, mettre en scène un film centré sur un personnage qui ne fait qu'une seule chose : parler, parler et encore parler, car Barry Champlain monopolise autant l'attention du spectateur que de celle de l'auditeur : aussi honnête qu'excessif, aussi haïssable qu'autodestructeur. Mais si Stone se concentre au départ sur l'enfermement et la paranoïa grandissante du personnage, le réalisateur de JFK en guise de contrepoint, et pour marquer davantage ce point de non retour, insère également des flashbacks (de manière plus ou moins convaincantes, ceux-ci ayant le désavantage de diluer et de ralentir le récit). Ou comment ce vendeur de vêtements (2), au départ vulnérable, est devenu l'animateur de radio plein d'assurance, d'aplomb et de provocation qu'il est devenu. Seconde difficulté, tourner dans un seul lieu, à savoir une station de radio et en particulier un studio en évitant le piège du théâtre filmé. On soulignera de ce fait la création de ce studio factice, laboratoire et lieu propice à la maestria des mouvements de caméra, quasiment aucune steadycam n'ayant été utilisée, aux techniques optiques ainsi qu'à la photographie de Robert Richardson (3).

Au delà de la performance d'Eric Bogosian, qui lui valut un Ours d'Argent au festival de Berlin en 1989, les seconds rôles de Talk Radio ont autant une place importante : Ellen Greene, Alec Baldwin, John C. McGinley (le fameux dr Perry Cox de Scrubs), Michael Wincott (qui reprend son rôle de Kent qu'il interprétait déjà pour la pièce de théâtre de Bogosian) et bien évidemment les innombrables voix off qui donnent le change au monstre Champlain.

Talk Radio ou un film à petit budget légèrement inégal (4), tourné en 5 semaines (5), sans tête d'affiche pour un budget d'environ 4 millions de dollars qui tend à prouver que Stone n'est que meilleur quand il ne s'embourbe pas dans une mise en scène aussi lourdingue que ses sujets.

Film culte (6) à (re)découvrir.

Note du partenaire :
Découvrez d’autres films sur Cinetrafic dans la catégorie Bon film et la catégorie Film à voir.

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Le film est sorti en avril 1989 en France sous le titre : Conversations nocturnes.

(2) Trait tiré de la biographie d'Alan Berg comme le signale Oliver Stone dans les bonus du DVD : Filmer la colère où il revient sur le tournage de son film avec de très intéressantes anecdotes et précisions.

(3) Directeur de la photo pour pratiquement tous les films de Stone mais aussi les récents Scorsese ou les derniers Tarantino.

(4) La forme provocatrice du personnage principal et de ses auditeurs prennent un peu trop le dessus sur un fond qui aurait mérité à gagner en épaisseur. Quant à la fin, si celle-ci n'était pas inspirée de celle d'Alan Berg, on serait en droit de la trouver péniblement lourde et prévisible.

(5) Pour la petit histoire, Talk Radio fut tourné pendant la préparation de Né un 4 juillet en attendant la disponibilité de Tom Cruise (celui-ci bien qu'ayant donné son accord à Oliver Stone, devait tourner en premier lieu le film de Barry Levinson, Rain Man).

(6) On ne s'étonnera pas non plus d'apprendre que les Revolting Cocks d'Al Jourgensen & co ont samplé Barry Champlain sur leur chanson culte Beers, Steers, and Queers.

Cronico Ristretto : Burzum - From the Depths of Darkness / Wiht - The Harrowing of the North

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Sat, 11 Feb 2012 16:39:00 +0000

Non content d'avoir enregistré l'un des albums métalliquement noir de 2011, à savoir Fallen, l'antipathique Varg Vikernes a remis le couvert fin de la même année avec cette fois-ci une compilation fraîchement nommée From the Depths of Darkness, disque qui regroupe divers titres ré-enregistrés des débuts de Burzum. Or le procédé est connu depuis longtemps par tous les margoulins du disque et leurs victimes consentantes, procédé cachant avant tout un cruel manque d'inspiration et aussi (et surtout?) quelques aspirations mercantiles savamment camouflées par des élans faussement altruistes (1). Vikernes serait en plus un escroc?

Gardons néanmoins le bénéfice du doute à propos de cette compilation et de son auteur. Premièrement le dossier à charge contre Varg est suffisamment volumineux que nous n'avons nul besoin de l'alourdir davantage, et deuxièmement ce From the Depths of Darkness est (contre toute attente) tout sauf superflu et au contraire synonyme d'une créativité débordante de la part du belliqueux norvégien. Balayons en effet d'un revers de main la supposée inspiration en berne du sombre multi-instrumentiste, car si son passage à l'ombre carcérale n'aura nullement changé sa sinistre personne, il en est tout autre de sa productivité : Belus certes en demie-teinte en 2010, mais un excellent Fallen en 2011 et en mai prochain le nouveau Burzum Umskiptar. Et cette compilation alors? Celle-ci produit par le fidèle Pytten (2) reprend donc plusieurs chansons des débuts à savoir cinq titres du premier album éponyme Burzum (1992), l'épique A Lost Forgotten Sad Spirit sorti sur l'EP Aske (1993) et enfin deux titres du deuxième album Det som engang var (1993), bref ce qui a pu se faire de mieux en matière de black metal.

Et le son de ce disque ajouterons les quelques amateurs et connaisseurs des débuts "burzumiens"? Que les fans intégristes me pardonnent, mais la production du premier album aura toujours été le talon d'Achille de ce disque fondateur du mouvement noir. Si la présence de Key to the Gate et de Turn the Sign of the Microcosm ne changent pas forcément la donne, l'album de 1993 subissant moins les outrages d'une production médiocre, on ne peut qu'opiner du chef devant le travail effectué par Vikernes sur cette compilation : véritable unité sonore avec l'apport de plusieurs introductions supplémentaires en guise de liant, production tranchante (évidemment proche du précédent Fallen), en un mot une compilation proche du sans faute qui pourrait s'apparenter à un véritable nouvel album.

... en attendant désormais mai 2012 et déjà le prochain album de Varg : Umskiptar.

En écoute sur Grooveshark.

Sorti en septembre 2011, ce premier album des anglais de Wiht en provenance de Leeds intitulé The Harrowing of the North a deux particularités : celle d'être un album purement instrumental inspiré par... Guillaume le Conquérant et sa conquête macabre du nord de l'Angleterre, et d'être paradoxalement leur premier et dernier album, le groupe s'étant dissout en janvier dernier après seulement trois années d'existence.

Composé deux long titres, l'éponyme avoisinant les vingt minutes et Orderic Vitalis pointant les douze minutes au compteur (tout de même), l'album à charge contre l'envahisseur normand reprend les bases de leur EP éponyme sorti deux années plus tôt en élargissant cependant le spectre de leur influence, au risque de passer pour une énième formation de post-metal?

Si le trio anglais tend à suivre cette trajectoire, celui évite globalement les pièges et les défauts des derniers albums de Pelican par exemple, leur début purement stoner/doom jouant sans conteste le rôle de garde-fou face à ce genre de dérive stérile. La thématique moyenâgeuse de The Harrowing of the North pouvait également faire craindre quelques divagations et autres ornements des plus ridicules (vous avez dit metal-prog?), or Wiht a le bon goût de contourner soigneusement ce piège pour se concentrer sur l'essentiel : de longues montées en puissance soutenues par des riffs alternant le chaud et le froid, le stoner et une violence sonique des plus efficaces (3).

Un disque instrumental qui a le mérite de ne pas être démonstratif, et de se bonifier au fil des écoutes, what else?

En écoute sur Bandcamp

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Et le fameux couplet "nous avons enregistré nos premières chansons car nos fans méritent une meilleure production"... Alors qu'il suffisait pour réduire les coûts de sortir un album live à grand renfort de sticker fluo (façon la gerbe): "L'intégralité de leur premier album en live pour la première fois!!!".

(2) Producteur de nombres productions black metal culte (Mayhem, Emperor, Enslaved ou Immortal) et de tous les albums de Burzum excepté ceux enregistrés au Bontempi par Vikernes en prison.

(3) Certes le titre éponyme aurait gagné à être écourté de 5 minutes...

Vlad Tepes - Doru Nastase (1979)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Sat, 04 Feb 2012 10:49:00 +0000

Le cinéma utilisé à des fins de propagande, les régimes communistes eurent à loisir le temps d'expérimenter et de perfectionner cet art délicat de l'endoctrinement. A l'image du grand frère soviétique, la Roumanie ne faisait aucunement exception à la règle, et se devait elle aussi de promouvoir les grandes figures historiques: Etienne Le Grand, Alexandre 1er le Bon ou dans le cas qui nous intéresse l'inévitable Vlad Tepes. Tous occupaient ainsi une place de choix dans la politique (faussement?) identitaire du Danube de la pensée, dit le génie des Carpates ou plus simplement le Conducator, bref le tristement célèbre Nicolae Ceausescu... Commander des films historiques à la gloire du dirigeant communiste afin de promouvoir la fierté nationale roumaine, en voilà une bonne idée... qui plus est lorsque cette demande s'inscrit dans une période où le régime commence à connaitre diverses crises, en particulier économique. Les politiques d'austérité ayant de tout temps inspiré peu d'enthousiasme de la part du vil peuple, il convenait de rappeler à la plèbe individualiste le courage de ses dirigeants, et par voie de fait la légitimité du pouvoir de l'autoproclamé Conducator. Que penser dès lors du film Vlad Tepes de Doru Nastase? Film historique à but propagandiste? Pas seulement...

L'histoire est connue, tout du moins la libre adaptation qu'a pu en faire Bram Stoker et son célèbre Dracula. Du reste, faut-il être mormon et amateur de bluette fantastique pour croire une seule seconde que Vlad III, fils de Vlad Dracul, était le monstre sanguinaire originel des récits vampiriques, du roman gothique jusqu'à nos jours? Car c'est là, l'un des points les plus appréciables du film de Nastase, décrire les six brèves années de règne (1) du voïvode roumain, mais également l'origine des horreurs fantasmatiques qui firent la sinistre et involontaire (?) renommée de Vlad l’Empaleur à travers toute l'Europe et ceci dès le XVème.

De manière académique, les films historiques n'ayant jamais été réputés pour leurs audaces formelle et narrative (2), Vlad Tepes est scindé en deux parties distinctes, l'une consacrée à l'ascension de Vlad III en 1456, la seconde à l'affrontement et la résistance contre l'empire ottoman mené par le Conquérant Mehmet II. Une première heure où nous est donc décrit la prise de pouvoir du prince au dépend de Vladislav II, la mort de ce dernier permettant de rétablir sur le trône les Draculea, descendants de Vlad II chevalier de l'ordre du Dragon (Dracul). Un assassinat qui met en lumière l'un des traits de caractère de Vlad, véritable ligne de conduite inflexible voire jusque boutiste (psychorigide?) de son futur règne où le moindre écart moral peut être puni de mort : lors de l'attaque Vladislav II fut en fait assassiné par un traître, un homme qui lui avait juré fidélité, dès lors ce "régicide" mérite la mort du fait de sa traîtrise selon le nouveau prince de Valachie.

Le portrait du prince valaque en corrélation avec la droiture du personnage et sa stature d'icône nationale est par conséquent irréprochable: un homme dur mais juste. Un portait à mettre en parallèle avec les griefs qui lui vaudront de nombreuses représailles et par extension la perte de son trône en 1462. Vlad III comme nombres de monarques, par exemple Philippe-Auguste ou Louis IX pour la France en leur temps ou Louis XI à cette même époque, veut renforcer et centraliser le pouvoir et son autorité au détriment de la noblesse (certains boyards furent à l'origine de la mort de son père et d'autres comploteront en demandant l'aide des turcs) usant de tous les moyens de terreur, dont le célèbre supplice du pal.

Or pour avoir réprimé les marchands saxons de Transylvanie (3), ces derniers appréciant modérément l'augmentation des droits de douane et tenté de le renverser au profit du frère de Vladislav II, l'image du prince va considérablement se ternir en dehors de la Valachie grâce aux soutiens des boyards rebelles et du nouveau roi de Hongrie, Matthias Corvin. Une politique de désinformation efficace qui fera passer Vlad pour un sanguinaire empaleur fou... et un vampire.

Sans pitié et craint par les nobles (le pal étant étrangement dissuasif), et au contraire soutenu par la population paysanne, le prince est confronté à la fois aux dangers de l'ennemi intérieur, mais également à ses puissants voisins, tiraillé entre la Hongrie dont la Valachie reste toujours le vassal (et ce malgré les réticences libertaires de Vlad), et l'orgre turc dont l'appétit va grandissant depuis la chute de Constantinople en 1453. Car Vlad III est principalement connu pour sa guerre menée contre les turcs et son désir d'indépendance vis à vis de l'empire ottoman, bien décidé à n'être ni un nouveau vassal, ni un allié passif, dernière position qui aurait la fâcheuse conséquence à faire passer son pays à "une île dans une mer ottomane" si les turcs envahissait la Hongrie.

Vlad, Mehmet II... et quelques centaines d'empalés turcs au centre

Si le film de Doru Nastase pour des raisons évidentes de moyens est loin d'être aussi spectaculaire (4) que les films hollywoodien d'antan (Les Vikings (1958) de Richard Fleischer au hasard), il peut malgré tout s'appuyer sur la solide interprétation (quoique renfrognée) de Stefan Sileanu et une reconstitution des plus fidèles. En dépit des craintes énoncées en préambule, les motivations politiques en matière de récupération étant évidentes, le film évite néanmoins les caricatures faciles (envers les turcs par exemple), et n’apparaît nullement comme une hagiographie simpliste du prince valaque. On s'amusera cela dit à faire quelques comparaisons audacieuses mais évidentes connaissant le caractère propagandiste du régime roumain : Vlad/Ceausescu, la Hongrie/l'URSS (5).

Bien qu'ayant vu la version longue de 2h14, il est possible de voir en ligneune version amputée de 30 minutes avec des sous-titres en anglais

_________________________________________________________________________________________________________________

(1) Dans les faits, il s'agit du deuxième règne du prince de Vlad III, celui-ci régnant également sur la Valachie quelques mois en 1448 et en 1476 avant sa mort.

(2) Au contraire Des diables (The Devils) du désormais regretté Ken Russell.

(3) Il existe en effet depuis le XIIème une forte communauté germanophone en Transylvanie.

(4) Ajoutons que pour un film de la fin des années 70, la pellicule ressemble étrangement à un film des années 60...

(5) Aux yeux de l'occident, pendant très longtemps, Ceausescu est passé pour une sorte d'électron libre, un des rares dirigeants de l'Est a s'ouvrir à l'Ouest... à la différence que ses supposés désirs d'autonomie ne l'ont jamais poussé à suivre les traces d'un Tito. Le régime roumain était bien trop dépend du grand frère soviétique.

Cronico Ristretto : Lysoen / Hommage à Ole Bull - Nils Okland & Sigbjorn Apeland (2011)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Tue, 31 Jan 2012 15:15:00 +0000

En attendant d'écrire de nouveau quelques mots sur un norvégien métallique désormais habitué des lieux (1), ouvrons la parenthèse contemplative avec le projet de deux musiciens scandinaves apparentés à la scène jazz qui enregistrèrent en 2011 un hommage à Ole Bull (1810-1880) ou l'une des figures de la musique norvégienne du 19ème siècle.

Contemporain et partenaire musical de Franz Listz, considéré à l'époque comme le successeur logique du génial Paganini, le violoniste Ole Bull n'en demeurait pas moins un compositeur classique attaché à ses racines folk, ce dernier jouant ou incluant quelques thèmes traditionnels lors de ses concerts. Voici pour les synthétiques présentations.

Or après un précédent album aux reflets libertaires avec le batteur Øyvind Skarbo intitulé 1982 (2010), le violoniste Nils Økland et le pianiste Sigbjørn Apeland, à l'image de leur vénérable "aïeul", s'éloignent de leur pré carré musical pour revenir à leurs racines, aux paysages musicaux contemplatifs que l'on retrouve chez Ole Bull. Réalisé sur l'île de Lysøen (qui fut achetée par Bull peu avant sa mort), le duo eut la primeur d'enregistrer pour la première fois un disque dans la maison familiale des Bull, profitant pour l'anecdote des instruments mis à leur disposition, soit le piano de la fille du compositeur, mais également l'harmonium et un violon du maître luthier italien Guarnerius del Gesù datant du XVIIIème appartenant tous les deux à Bull lui-même.

Lysøen - Hommage à Ole Bull, comme pouvait le laisser supposer son titre, comprend en grande partie de musique écrite par Ole Bull et de musiques traditionnelles qui firent partie de son répertoire. Nils Økland et Sigbjørn Apeland y auront ajouté leurs propres arrangements et improvisations, plus quelques compositions personnelles inspirées du folklore norvégien.

Beauté, sérénité, gravité, contemplation et Mélancolie (2) sont les noms qui viennent automatiquement à l'esprit, de même que quelques paysages et autres montagnes enneigées, soit l'une des sources d'inspiration proclamée par Ole Bull.

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Varg Vikernes alias l'homme orchestre de Burzum

(2) La mélancolie étant le titre d'une composition d'Ole Bull.

Cronico Ristretto : Afrodisian Orchestra - Satierismos (2011)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Wed, 25 Jan 2012 22:07:00 +0000

Dans les souvenirs du préposé, la première incursion jazz d'une des compositions du maître Erik Satie datait de 1971, celle où sur son album In The Beginning le flûtiste Hubert Laws reprenait le premier thème des Gymnopédies. Une relecture respectueuse à la croisée du jazz et des arrangements somptueusement soul de la maison CTI. Quatre décennies passées, le haut-normand reste une source d'inspiration pour les jazzmen en herbe, à l'image de cet Afrodisian Orchestra, big band en provenance de la péninsule ibérique et leur Satierismos.

L'Afrodisian Orchestra fondé à Madrid en 2008 sous la tutelle du bassiste Miguel Blanco sort son premier disque Mediterraciones l'année suivante. Le big band espagnol se produit alors régulièrement dans les clubs madrilènes, et à l'occasion dans divers festivals ibériques, tels que le festival de jazz de Madrid ou celui de Zamora. Comme tout grand ensemble de jazz, l'Afrodisian est caractérisé par une section cuivre pléthorique, neuf souffleurs abonnés à la trompette, au trombone et aux saxophones de toute sorte... et deux flûtes traversières pour les boulimiques restants! Ajoutez y une section rythmique comportant un pianiste, un guitariste, un bassiste et deux percussionnistes, l'Orchestra est taillé pour faire rugir une incandescence jazz aux accents latins de Cuba en passant par le Brésil.

Or leur deuxième album sorti l'année dernière propose un hommage à Erik Satie, un choix sinon contraire tout du moins surprenant, risqué et par conséquent attisant la curiosité de l'amateur du natif de Honfleur. Habiller les Gymnopédies et autres Gnossiennes de tels arrangements riches en couleur pouvaient faire craindre le pire tant ce numéro d'équilibriste s'avérait des plus périlleux...

Et l'hommage rendu qui apparaissait comme une gageure s'avère être au final suffisamment convaincant pour éviter la case des anecdotiques. Si pari il y a eu, Miguel Blanco et son orchestre l'a dans son ensemble réussi grâce à une prise de risque salvatrice, tel l'apport du chant flamenco (Gnossienne 3 (Tientos)) ou du phrasé hip-hop (Le fils des étoiles), et bien évidemment ces cuivres rugissants et chaleureux offrant un contre-emploi appréciable sur le brésilien Gnossienne 1 (Baiao) ou le cubain Gymnopédie 2 (Descarga). Mais que les esprits renfrognés soient rassurés, le disque ne fait cependant pas l'impasse sur les mélodies douces et mélancoliques d'Erik Satie à l'image du Nocturne n°3 ou de la 3ème Gymnopédie (Balada).

Un album à découvrir pour ceux qui auront l'ouverture d'esprit, la curiosité (et accessoirement le courage de passer outre l'apport démonstrativement creux du guitariste soliste (*) ouvrant ce sympathique Satierismos (1)).

Le fils des étoiles et Gnossienne 1 (Baio) en écoute sur leur site internet.

Album en écoute sur Deezer.

(*) Ami(s) de l'onanisme guitaristique, vous devrez attendre 2'30" avant d'en "prendre plein les oreilles"

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Fort heureusement, ce dernier ne "pollue" que le titre d'ouverture...

Cronico Ristretto : Kosmograd - Kosmograd (2011)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Sun, 08 Jan 2012 12:03:00 +0000

A défaut d'avoir conclu 2011 par la chronique d'un album de sludge, entamons la nouvelle année et corrigeons cette bévue par le premier album éponyme de Kosmograd sorti en septembre dernier. Et débutons cette chronique serrée par une question qui ne laissera planer aucun doute sur la santé mentale des protagonistes et le bien fondé de leur dernière livraison : quand vos centres d'intérêt se limitent à la vie, aux dinosaures, à l'espace et en particulier à la vie des dinosaures dans l'espace (1), un groupe peut-il être foncièrement mauvais?

Basés à Toronto et formés depuis 2009, les quatre musiciens après diverses démos égrenées en 2010, enregistre l'année suivante un premier album de 5 titres fleurant bon le sludge et plus si affinités. Variant autant les rythmes et les ambiances que les durées, avec un goût néanmoins prononcé pour les formats longs, les Kosmograd combinent volontiers leur sludge avec un heavy épique, une bonne dose de psychédélisme et bien sûr du grooooove en veux-tu en voilà...

Fait relativement inhabituel, ce premier disque s'ouvre par un instrumental, The Weather Of Hangman, avoisinant tout de même les neuf minutes, une mise en bouche attendue pour l'amateur d'envolées graisseuses, quoiqu'assez déconcertante pour celui qui voulait du rugueux rampant. Les autres attendront le tout aussi long Hard Six, mieux construit et plus représentatif de l'album, soit une alternance de rage hardcore appuyée par deux vocalistes hargneux et complémentaires (à la Kylesa), et de poussées progressistes voire folk (2).

Du space rock mâtiné de sludge et inversement ce Kosmograd? En quelque sorte à l'écoute du final The Owl. A suivre.

<p>&amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://kosmograd.bandcamp.com/album/self-titled"&amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;self-titled by kosmograd&amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;gt;</p>__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Dixit leur page Facebook

(2) Le furieux Velossaraykin se concluant par un sample ressemblant à du Vladimir Vyssotski.

Lulu - Lou Reed & Metallica (2011)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Fri, 30 Dec 2011 14:22:00 +0000

L'annonce ressemblait à un poisson d'avril... excepté que la saison des canulars printaniers n'étaient plus d'actualité. Lou Reed et Metallica collaborant à un album commun, de quoi attiser la curiosité du badaud? Du préposé, pas vraiment, tant le dernier The Raven de papy Reed avait refroidi l'enthousiasme suscité par l'excellent Ecstasy (2000). Intérêt d'autant plus relatif à l'écoute de la dernière livraison des four horsemen (comme on dit dans le milieu), Death Magnetic, qui tentait de revenir (en partie) vainement au thrash de leurs jeunes années. Bref, à part être attiré par une curiosité malsaine et morbide, la sortie de Lulu n'allait aucunement bouleversé le quotidien des amateurs de musique... c'était oublier un peu vite le goût pour la viande faisandée qui anime ce site.

Prétendu comme le chaînon manquant entre le lourdingue Berlin (1973) et le heavy Master of Puppets (1986), Lulu pouvait-il dans ce cas susciter un quelconque regain d'intérêt? Sur le papier, le doute restait de mise, mais en bon charognard, la chronique d'une catastrophe annoncée restant toujours une expérience à vivre pour l'amateur déviant, la date de sortie du délit méritait donc d'être noté quelque part... le 31 Octobre 2011.

Inspiré par deux pièces de théâtre écrites par l'Allemand Frank Wedekind, l'album du quintette (accompagné d'un ensemble à cordes) se décompose (1) en deux disques d'une quarantaine de minutes pour 10 chansons au total : faite le calcul, gare à l'indigestion...

Mais à qui s'adresse dès lors ce Lulu? Pas aux fans de Lou Reed, ce dernier dans un élan de morgue habituelle (et désormais vain) déclarant qu'il n'en avait plus depuis 1975 et la sortie de son entreprise de démolition prénommée Metal Machine Music. Aux fans de Metallica alors? Encore moins, l'album étant hors des zones de prédilection du metalheads de base, soit très éloigné du pré carré métallique moyen. Resterait alors les autres, une poignée de pervers adeptes d'expériences musicales masochistes de toute sorte? Pas sûr finalement.

Si le miracle (s'il on peut le nommer ainsi) avait eu lieu en 1973 avec un concept-album fait de bric et de broc (2), les récentes démos de Reed revues à la sauce métallique offrent une autre destinée, naviguant entre le mauvais, le passable, le pathétique et contre toute attente deux trois exceptions suffisamment pertinentes pour sortir l'auditeur du marasme sonore ambiant. A cela, on retiendra un premier disque digne des pires productions de cette chimère musicale, un vieux au bord de la sénilité à la voix chevrotante récitant son texte imbitable appuyé par 4 lourdauds sourds comme des pots. Le trait parait forcé? Ecoutez donc la triplette Mistress Dread, Iced Honey ou Cheat On Me (3)... Le premier extrait de l'album présenté fin Septembre The View avait reçu une volée de bois vert, ce dernier reste pourtant après coup la chanson la plus présentable de ce premier disque, étonnant, non?

En partant de si bas, pouvait-on, pouvaient-ils faire pire? Heureusement pour eux, heureusement pour nous, non. Et pourtant la moyenne des titres n'a rien d'engageant : Frustration et Little Dog 8 minutes, Dragon 11 minutes et enfin Junior Dad quasi 20 minutes, gloups... Premier point, le fait de ne plus entendre James Hetfield, relégué à sa guitare, ne joue plus en la défaveur du second disque. Or comme sous-entend la durée des chansons relevée précédemment, ces dernières aurait amplement mérité quelques coupes, mais après l'épreuve passée des 6 premières chansons, une certaine indulgence, née d'un syndrome de Stockholm après l'écoute douloureuse sus-mentionnée, rend ces 4 dernières chansons plus... agréables? Apparaît également l'interrogation suivante : Metallica était-il le meilleur Sparring-Partner pour l'atrabilaire Reed? A l'écoute de Dragon et des 3 autres, la réponse est plutôt affirmative, pour le reste d'autres groupes auraient sans doute été plus en mesure de coller avec l'écriture du géniteur du mal-embouché Street Hassle, qu'importe... (4).

En conclusion, Lulu (comme pouvait le laisser supposer les réticences et doutes du préposé en préambule) ne restera pas dans les annales de la musique, mais évite tout de même de justesse le titre de catastrophe... Et puis, faut-il être fan de Metallica et retardé congénital pour avoir cru que les quatre de Los Angeles auraient eu le premier rôle, c'était mal connaitre la "démocratie" reedienne.

Disque 1

Disque 2

En écoute sur Grooveshark

_________________________________________________________________________________________________________________

(1) Les mauvaises langues diront "se décompose" au sens propre comme au sens figuré...

(2) Rappelons nous que nombre de chansons de Berlin existaient déjà au format démo lorsque Reed et le Velvet Underground ne faisait qu'un, pour la continuité et le supposé concept de 73, on repassera...

(3) En vous laissant le libre choix de faire le jeu de mots facile approprié.

(4) Bien que Reed s'en défende, Metallica lui permettait également une plus grande couverture médiatique que s'il s'était attaché les services de Sunn 0))) ou Today Is The Day.

Funky front covers part V

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Sat, 24 Dec 2011 23:02:00 +0000

En partenariat cette année avec les talentueux Mario Labs ®, ouvrons comme le veut la tradition la nouvelle saison des Funky front covers © pour une mise en ligne croisée en mondovision à la gloire des pochettes sexy, déviantes ou par mégarde ridicules que les décennies passées ont pu offrir à la plèbe amatrice de débordement visualo-musical.

Et pour fêter cette cinquième édition, toute l'équipe (bon ok, le préposé et l'agent comptable...) a décidé de s'éloigner momentanément du funk originel (bouuuuuh!!!) pour d'autres horizons plus exotiques (aaaah!!), en gardant à l'esprit bien évidemment l'essence même des funky covers : une ode aux corps moites et à la chair frémissante.

En préambule, afin de solder les comptes pour reprendre les termes poético-financier de notre agent préféré, et avant de s'enfoncer irrémédiablement vers le grotesque (oh, l'autre!), il est bon de se rappeler qu'une femme nue n'est pas forcément un argument facile de vendeurs de soupe (gniiii?)... tout du moins pas forcément comme le prouvent les trois exemples suivants.

Prenons le troisième album du soulman Terry Callier What Color is Love, considéré à juste titre comme l'un de ses meilleurs, une demoiselle dévêtue sur un fauteuil en toile, mais au visage renfrogné cachant qui plus est ses attributs... ajoutez y un titre d'ouverture flirtant bon les 9 minutes, Callier ou le cas typique de l'artiste qui avec de telles méthodes de vente devra finalement attendre l'apogée de l'acid-jazz britannique pour enfin obtenir une tardive reconnaissance. Quant à l'organiste de soul-jazz Jimmy McGriff, il nous avait déjà fait le coup en s'inspirant du Sugar de Stanley Turrentine en 1971 avec Soul Sugar, or la même année le fameux joueur d'orgue Hammond remet le couvert avec Groove Grease dont la pochette aux formes et à la photographie retentissante définit à elle seule ce que doit être une pochette funky! Un maître-étalon visuel (la musique proposée n'étant malheureusement pas du même niveau). Mais le genre popularisé par Sly Stone et James Brown n'a pas l'apanage de la pochette sexy, en 1962 le bluesman Josh White enregistre l'album Empty Bed Blues dont la cover a dû faire étouffer plus d'un conservateur de l'époque...

L'exotisme avait été annoncé, chose promise, chose due : en route pour le Japon! Avant d'ouvrir les portes du ludo-éducatif cher à Mario Cavallero Jr, débutons cette visite culturelle par l'album Bass Bass Bass (1971) qui comme son nom l'indique est l'oeuvre d'un bassiste (ouah!) au nom d'Isao Eto qui fit parti intégrante au début des années 70 du big band de Masabumi Kikuchi. Une année 1971 riche en émotion débordante (chère au préposé), la décennie portant au pinacle le Iroke Kayōkyoku, genre musical typiquement nippon, soit de la pop érotisante chantée par des demoiselles n'ayant froid ni aux yeux, ni aux oreilles, ces dernières poussant au besoin quelques gémissements gravés sur vinyle... Kuwabara yukiko, jeune cover girl de ces années, enregistre en 1971 l'album Kuwabara yukiko to anata, musique passe-partout easy-listening agrémenté du chant parlé de la demoiselle avec longs soupirs quand le coeur lui en dit comme sur Weak Point. Mais le joyau du genre reste sans conteste l'incommensurable Kokotsu No Sekai d'Ike Reiko connue par la suite pour ses nombreux "pink films", mélange d'érotisme et d'action tel Female Yakuza Tale (Yasagure anego den: sôkatsu rinchi) (1). D'érotisme vocal, la jeune Ike n'hésitera pas à en redéfinir les limites tant l'album ressemble à un abécédaire des gémissements. Et la pochette me direz-vous? La back cover sur canapé bleu et petite culotte tout coton ne dépareille pas non plus...

Que les amateurs de funk se rassurent, nous ne les avons point oublié (quand bien même faut-il l'avouer, ils sont moyennement à la noce lors de cette cinquième saison), et comme à l'accoutumé trois pochettes où le postérieur des foxy ladies est à l'honneur en ces années 1976-1977. Un joli haut tricoté pure laine, un short orange échancré, voici donc la Little Funk Machine des Street Corner Symphony, honnête formation de funk dansante à l'écoute de l'extrait proposé (2) Come On Baby (Dance With Me). Un fessier mis en valeur par un short bien taillé, une figure imposée de la pochette funky? Qui plus est lorsque celle-ci cache une cruelle baisse de régime comme le Trick Bag de The Meters et leur lucide mais cruellement fade Disco Is The Thing Today. Pour se consoler, suivons alors cette dame jusqu'à son 13th Floor pour un sympathique Steppin' Out (1977).

Mais les Funky front covers ©, ce sont aussi des pochettes où se croise un improbable goût vestimentaire, où la symbolique reste des plus abscons pour l'imprudent qui chercherait à comprendre une raison à ce déferlement de couleurs et d'audaces visuelles façon la gerbe. Un maillot deux pièces futuriste, le pied droit posé sur une tortue, un godmiché en guise d'arme d'hast, plus un anneau de feu jaillissant au loin de la montagne, vous avez une heure pour commenter ce qui est passé par la tête de Claudja Barry et son Tripping On The Moon (1984), cover catastrophique d'un morceau de Cerrone. Et si vous pensiez que le sens du rythme ne pouvait venir de l'Est, détrompez-vous! La Neoton Familia, groupe populaire en Hongrie et son tournesol Napraforgo (1979) nous propose le meilleur des effets made in Didier Marouani en version disco, avis aux amateurs de robe léopard et de femmes à lunettes... Et nous finissons ce tour d'horizon par le prix du meilleur costume qui est décerné cette année à... ou plutôt au... duo de sorcières prénommé Blanc de Blanc, on les félicite bien fort... par contre reste une question en suspens, Get Ready... prêt à quoi? A vomir à l'écoute d'un machin pareil?

Trop longtemps mis à l'écart en ces pages, la France eut elle aussi son heure de "gloire" picturale, dont son champion disco: Marc Cerrone. Si la pochette de son premier LP, Love In C Minor, annonçait un potentiel certain, il faudra attendre le deuxième, Cerrone's Paradise, pour que les vendeurs en électroménager trouvent enfin leur compte... tout comme ceux de Saint Maclou à propos du 45 tours du méconnu Serge Koolenn et de son Les femmes des autres/J'ai rien vu, variété funky qui a au moins un avantage, en plus de la demoiselle en porte-jarretelles, celui de suffisamment s'éloigner des préoccupations synthétiques de l'année 1982 pour un "groove" sonnant plus 70's. Et puis Sterling Saint-Jacques! Tout de même autre chose que les deux moustachus franchouillards précédemment cités, un éphèbe huilé né à Los Angeles qui la même année sortira un Muscle Man à la pochette tout aussi crypto-gay... mais sans les baskets! RRrrrrhhhHHH

En bonus, comment ne pas conclure ce cru 2011 par un trio de stars... Amanda Lear et son Tam-Tam (1983) prouvant une fois de plus que Cher n'a pas le monopole du ridicule (où on regrettera juste l'absence d'os de poulet dans la cloison nasale...). Ah, j'entends déjà les voix interrogatives, mais qui est donc cette jolie brunette cachant le museau de ce guépard sur ce Woman is free! Les amateurs de Rollinades reconnaîtront sans doute Françoise Pascal, ancienne cover girl (3), qui joua dans La rose et le fer (1974) de sieur Rollin, et les autres se rappelleront peut-être sa brève apparition dans le One+One de Godard sur les Rolling Stone. Ilona Staller... ça ne vous rappelle rien? Si, si, regardez bien ce que tient cette jeune blonde dans ses mains (j'ai dit les mains, merci!). Mais bon sang, mais c'est bien sûr! Une autre compatriote des tournesols magyars plus connu sous son pseudonyme transalpin : La Cicciolina! Ou on apprend que son fétichisme pelucheux date bien avant les bondissants Popples 80's... étonnant, non?

Et à l'année prochaine pour une nouvelle saison!

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Ou on apprend que la mafia locale fait passer de la drogue dans des fioles dissimulées dans le vagin de passeuses...

(2) Pensez également à cliquer sur les images! Parce que vous je ne sais pas pour vous, mais le préposé a tout écouté... et ce ne fut pas une sinécure dans certains cas...

(3) Fou le nombre de cover girls qui sont passées par les Funky front covers ©...

Super - James Gunn (2010)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Tue, 20 Dec 2011 19:29:00 +0000

A l'heure où le film de super-héros a toujours le vent en poupe de l'autre côté de l'Atlantique, entre un super-soldat yankee chargé en stéroïdes et bouffeur de nazis/canailles communistes (rayez la mention si besoin), et les futures nouvelles et dernières (1) aventures de l'homme chauve-souris, il est amusant de constater que cet engouement touche également le cinéma indépendant US de ces dernières années, à l'image du Defendor de Peter Stebbings ou de Super de James Gunn, mais proposant toutefois des « super »-héros et des histoires tout aussi décalées...

Frank D'Arbo (Rainn Wilson) a deux passions dans sa vie: le dessin aux crayons et sa femme Sarah (Liv Tyler). Mais un jour cette ancienne junkie renoue avec ses anciens démons tentée par le séduisant et charismatique Jacques (Kevin Bacon). Abandonnant le domicile conjugal pour ce dealer (et propriétaire d'un club de strip-tease), Frank perd rapidement le goût de la vie... lorsque celui-ci rencontre dieu (doublé par Rob Zombie)... tout du moins le doigt de ce dernier touchant son cerveau après le visionnage d'un des épisodes à but informativo-prosélyte du Vengeur Sacré (Holy Avenger) (Nathan Fillion). Par cette vision divine, Frank a la révélation, il doit devenir un super-héros. Armé d'une clef à molette et d'un costume rouge fait main, le désormais Éclair Cramoisi (Crimson Bolt) fait régner la terreur parmi les dealers de marijuana... et les resquilleurs de files d'attente, les coups de clefs à molette étant globalement assez persuasifs et offrant des souvenirs plutôt mitigés aux cloisons nasales des dits vilains. Mais Frank n'a qu'un but: sauver Sarah des griffes de Jacques, Frank trouvant comme tout bon super-héros qui se respecte son acolyte et sidekick, Libby (Ellen Page), la jeune employée de la boutique de comics où celui-ci était venu chercher l'inspiration...

Comme annoncé en introduction et à la lecture du synopsis, Super n'a rien du blockbuster hyper-protéiné qui apparaît lorsque l'été et les vacances scolaires surviennent (2). Ce film à budget modeste tourné en 47 jours se veut déstructuré, alternatif d'après les mots de son réalisateur auteur. En gestation depuis 2002, le film retrace l'histoire d'un homme banal, quoique benêt, amoureux, quoiqu'un peu sociopathe, croyant, quoique surtout illuminé, sans pouvoir extraordinaire, quoique maniant la clef à molette comme arme par destination avec détermination.

En grand amateur de comics, James Gunn a ainsi écrit une histoire reprenant divers "lieux communs" attachés aux super-héros pour mieux proposer une autre version : les motivations de Frank D'Arbo sont avant tout personnelles, d'une intelligence très moyenne, le personnage apparaît comme un justicier à la petite semaine, à côté de ses pompes et plongé dans un monde réel très éloigné des préoccupations socialo-vengeresses d'un Batman par exemple. Ajoutez une jeune partenaire encore plus déphasée et violente, qui ira jusqu'à "violer" son compagnon d'armes dans un bel accès de fétichisme, et un bad guy hypercool, on n'en attendait pas moins de la part d'un ancien de Troma (Lloyd Kaufman faisant au passage une courte apparition).

Super rate néanmoins en partie sa cible ou aurait mérité à être plus efficace. Ce mélange des genres entre la comédie noire, la romance et le film de super-héros manque de souffle et de rythme, avec plus de folie le résultat n'en aurait été que meilleur. Reste un casting hallucinant d'acteurs pour un petit film indie : Rainn Wilson (le fameux Arthur de Six Feet Under, The Office), Liv Tyler, Ellen Page (Juno), Kevin Bacon, Greg Henry (Body Double), Michael Rooker (Henry, portrait d'un serial killer) ou Andre Royo (The Wire).

Mot du partenaire :
Retrouvez sur Cinetrafic d’autres comédies dans la catégorie film comique ou découvrez la catégorie film à voir

SUPER :
Date de sortie : 1er décembre
Prix de vente : 14.99 € TTC le DVD
Existe également en Blu-Ray et en Combo (DVD + Blu-Ray)
Disponible sur www.bacboutique.com
Editeur Initiative Cinéma One
____________________________________________________________________________________________________

(1) Toutes les bonnes choses ont une fin, The Dark Knight Rises sera le dernier du fade Bale.

(2) Et vous n'avez pas encore vu le générique de début...

Cronico Ristretto: Médéric Collignon "Hommage à King Crimson" New Morning 07/12/2011

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Wed, 14 Dec 2011 21:54:00 +0000

Quatre décennies après les premiers soubresauts, si les divers croisements entre le jazz et le rock ne font plus débat et encore moins polémique, la production discographique jazz-rock-fusion des années 70 ayant à elle seule démontré et réglé les tentations de cette chimère musicale, la curiosité restait de mise en apprenant la nouvelle: un hommage jazz au groupe de rock mythique King Crimson. Fallait-il néanmoins s'étonner d'une telle initiative, le Robert Fripp band étant l'une des rares formations de rock progressiste à avoir su éviter les nombreux pièges et travers de la scène dite art-rock. Robert Fripp guitariste aux multiples facettes, Médéric Collignon électron libre du jazz français, la rencontre ne manquait pas de piquant.

Accompagné d'un double quatuor à cordes et de son habituel quartette Jus de Bocse (Philippe Gleizes à la batterie, Frank Woeste au Fender Rhodes et Frédéric Chiffoleau à la contrebasse) avec qui Médéric Collignon rendit un précédent hommage à Miles Davis (les albums Porgy and Bess et Shangri-Tunkashi-La sortis en 2006 et 2010), Collignon revisite à sa façon l'univers du Roi pourpre, avec une préférence prononcée pour son répertoire "récent" lors de ce troisième concert au New Morning cette fois-ci (1). S'ouvrant par le classique éponyme morceau de 1974, Red, le cornettiste dès cette introduction rassure l'habitué des sonorités "frippiennes", l'esprit est bien là, à charge pour le souffleur d'imposer son style par la suite. S'enchaîne Vrooom et Vrooom Vrooom issus de Thrak (1995) où le groove du quartet assoit durablement l'empreinte que laissera le souvenir de ce concert : une musique maîtrisée de bout en bout, à la fois fidèle et libre dans son interprétation, Crimson revisité par une formation apparentée jazz-funk, qui l'eut cru?

Le français jongle ainsi avec bonheur entre les diverses époques de la renaissance "new wave" portée par Frame by Frame et Discipline aux ténébreux Larks' Tongues in Aspic Part 1 & 2 et méconnu Dangerous Curves des années 70. Un voyage musical revisité par ce véritable chef d'orchestre à l'humour communicatif où sa vision dénote une volonté certaine d'aller au-delà du simple tribute ; Collignon expérimente, ajoute ses touches personnelles, improvise avec son téléphone portable, lorgne vers le scat et l'instant d'après déforme sa voix en lieu et place d'une guitare électrique. Entouré par des musiciens faisant corps avec sa vision, le concert ne connait aucun temps mort, deux heures de musique intense et personnelle.

A suivre.

Extrait du concert donné au Triton en juin 2011

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Les 17 et 18 juin de cette année, la même formation avait joué King Crimson au Triton.

Cronico ristretto: L'arbre et la forêt - Jacques Martineau, Olivier Ducastel (2010)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Mon, 05 Dec 2011 21:57:00 +0000

Le préposé n'a jamais caché son admiration pour Guy Marchand, comment pourrait-il en être autrement? Allant même jusqu'à chroniquer son dernier album lors de sa sortie en mai 2008 (A Guy in Blue) ou à porter parfois quelques couvre-chefs pour se rapprocher un tant soit peu du maître. Et s'il aura fallu plus d'un an pour voir le dernier long-métrage de notre hidalgo septuagénaire, L'arbre et la forêt, le souvenir d'avoir vu l'un des plus beaux rôles de Guy Marchand marquera plus les esprits que ce délai d'attente malheureux.

1999, un homme âgé marche dans une forêt sans but apparent, contemple les arbres, la forêt, sa forêt. Soudain un molosse à l'allure impressionnante mais nullement menaçante s'approche, le vieil homme qui était l'instant d'avant calme, serein devient tétanisé, la seule vue de ce rottweiler éveillant en lui un passé enterré, synonyme de honte et de terreur. Cet homme, Frédérick Muller (Guy Marchand) n'a pas été convié à l'enterrement de son fils aîné, ce dernier interdisant sa présence. Or nul de la famille n'est au courant de ce bannissement post-mortem, une absence sous couvert d’excentricité, le patriarche forestier étant connu des siens comme un original. Mais ce manquement aux règles n'est pas sans créer des remouds dans la famille, le fils cadet et la petite-fille de Frédérick ne comprenant pas cette attitude apparemment désinvolte... car Frédérick cache un lourd secret, sa stature de prisonnier politique durant l'occupation n'est qu'un leurre, celui-ci fut déporté pour d'autres raisons, ce que son fils aîné découvrit et ne lui pardonna pas.

Un secret, un passé refoulé et douloureux (1), une famille ébranlée par une révélation, la paire Ducastel et Martineau (Coquillages et crustacés) avait habitué le spectateur à des schémas plus légers. Sixième film du duo, L'arbre et la forêt est d'une gravité solennelle, à l'image de l'arbre du titre, et porté par l'interprétation sans faille du duo complice Guy Marchand / Françoise Fabian et de la délicieusement ironique Catherine Mouchet.

Sous un schéma relativement balisé, celui du film de famille au bord de la crise (2), l'histoire de Frédérick Muller se résume à un silence, un mutisme dont les conséquences aura des répercussions sur les trois générations qui composent sa famille, sa femme, ses fils et sa petite-fille. Un film tendu où l'image de l'arbre planté prend toute sa force, un passé enfoui enraciné, protégeant à sa façon la famille avant la tempête menaçante.

... et un Guy Marchand magistral.

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Contrairement à d'autres critiques que le préposé a pu lire, on évitera de citer ce que cache le personnage principal. L'histoire inspirée par la vie de Pierre Seel perd de sa force si dès le synopsis est dévoilé cet élément central du récit.

(2) Rassurons les moins endurants, on est loin du Bergman de Sonate d'automne ou de Sarabande.

Cronico ristretto : Sleeping Beauty - Julia Leigh (2011)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Sat, 26 Nov 2011 16:45:00 +0000

"Peinture de personnages à la dérive dans des situations difficilement compréhensibles par un public jeune" (1), voici donc les raisons qui ont poussé la commission de classification des films à censurer, tout du moins demander à ce que soit interdit au moins de 16 ans, le premier film de la romancière australienne Julia Leigh. Beaucoup de bruit pour pas grand chose? En quelque sorte, tant l'opacité du propos ne risquait pas d'inciter les adolescents français à se précipiter dans les salles obscures pour voir les péripéties cliniques d'une poupée dormant avec de vieux messieurs impuissants.

Lucy (Emily Browning), jeune étudiante australienne, multiplie les petits boulots pour arrondir ses fins de mois difficiles: cobaye pour un laboratoire, serveuse, préposée à la photocopieuse, le tout dans une indifférence non feinte. Un jour, celle-ci répond à une annonce publiée dans le journal des étudiants de sa fac. Serveuse pour soirées très privées dans un premier temps, cette beauté unique, selon les propres mots de Clara sa mère-maquerelle post-moderne (Rachael Blake), va très rapidement se voir proposer le rôle de "belle endormie". Selon un rituel bien définie, après ingestion d'une tisane au vertu assommante, Lucy passera la nuit avec un client, avec nul souvenir au réveil, juste la promesse que son vagin restera "un temple inviolé"...

Premier long métrage de la romancière australienne Julia Leigh, Sleeping Beauty atteint partiellement ce que pouvait laisser entrevoir le potentiel de sa bande-annonce. Si le caractère glacial est esthétiquement un point fort du film, amplifié par le caractère déshumanisée des personnages, et en premier lieu la détachée Emily Browning, la réalisatrice écrivaine se perd étonnement dans une narration brouillonne, maladroitement verbeuse, à l'opposé de sa mise en scène minimaliste. Certains points restent en effet en suspend, à l'image de la relation qu'entretient son héroïne avec le dénommé Birdmann, nos deux asociaux jouent au faux couple dans le studio de ce dernier, mais leur désinvolture manque de subtilité, les tenants et aboutissants de cette relation asexuée étant qui plus est des plus flous.

Au contraire, le manque d'empathie que provoque l'insensibilité de Lucy apparaît comme une continuité, suite logique à sa mue en poupée de luxe. Or entre un panel de trois vieux impuissants: un verbeux platonique, un pervers et un gras, la déshumanisation du personnage principal aurait sans doute gagné en profondeur si Julia Leigh avait offert une plus grande place à la suggestion, voire même à l'abstraction, une troisième voie entre l'art clinique d'un David Cronenberg et le Stanley Kubrick de Eyes Wide Shut.

Sleeping Beauty, film intéressant aux thèmes mal exploités avec néanmoins une mention spéciale pour son actrice poupée.

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Non, on ne parle pas de Twilight 4 où cette bougresse de Bella après de âpres préliminaires mormons va enfin connaitre la luxure après le mariage... et à l'occasion les joies de l'enfantement, Edward dit le franc tireur mettant en cloque au premier coup de rein sa moitié vampirophile.

L'abîme des morts-vivants - A.M. Frank (aka Jesus Franco) (1981)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Thu, 10 Nov 2011 18:03:00 +0000

L'histoire nous avait appris que pour une querelle (d'argent?) avec Eurociné, le réalisateur espagnol Jesús Franco n'avait pas mis en scène le désormais culte et fameux Lac des morts-vivants. Cédant le temps d’un film sa place à un dénommé et mystérieux J.A Lazer (aka notre Jean Rollin national), l’amateur de friandises miteuses sur pelloches fut néanmoins à l’époque (et encore aujourd’hui) rassuré d’apprendre les réconciliations entre le cinéaste ibérique et ses mécènes français, la famille Lesoeur. Leur nouvelle production au titre flirtant bon l’effroi dans sa version francophone : L’abîme des morts-vivants, aura néanmoins marqué davantage l’inconscient collectif international avec un titre anglophone avant-gardiste osant mêler génialement l’horreur et l’exotisme le plus échevelé : Oasis of the zombies (ou Living-Dead au choix... (1)).

1943, en pleine seconde Guerre Mondiale, un commando allemand transportant un chargement de 6 milliards or en plein désert saharien est intercepté par les alliés dans une oasis. De cette bataille d'une rare violence, un seul homme survit, le capitaine Blabert (Javier Maiza). Cet officier de la couronne britannique est très rapidement recueilli par l'une de ses anciennes connaissances, le cheikh local (Antonio Mayans) régnant sur cette contrée aussi belle qu'hostile. Soigné, Blabert profite comme il se doit de l'hospitalité des hommes du désert en tombant amoureux (et plus si affinités) d'Aisha, la fille du cheikh. Puis la guerre enfin terminée, Blalbert rejoint finalement celle qui lui a donné son coeur et par extension sa vie... car Aisha est morte en couche, laissant seul et désemparé son père, le cheikh et désormais captain Blabert..

Jesús Franco & Eurociné ou l'art délicat de distiller la terreur à moindre frais

Les années passent, et le capitaine rencontre Kurt (Henri Lambert), ancien chef du commando nazi: "c'était les meilleurs de mes hommes, des tueurs parfaits". Il lui propose de retrouver ce trésor de guerre à jamais perdu, Blabert étant le seul à connaitre l'emplacement de cette oasis. Mais une fois révélé le lieu, prêtant peu d'attention à la légende "qui veut que les morts défendent sauvagement le trésor que vous leur avez confié", Kurt tue Blabert, bien décidé à ne pas partager les 6 milliards qui se cachent en plein désert.

Le meilleur du cours Florent par monsieur Henri Lambert : aujourd'hui la terreur

A Londres, Robert Blabert (Manuel Gélin), le fils du capitaine, apprend par lettre : la mort de son père, le secret entourant ses origines et l'existence du dit trésor. Plus intéressé par l'or qu'à faire la rencontre de son aïeul, celui-ci décide avec ses amis de rejoindre le Sahara et cette oasis synonyme de richesse... ignorant les dangers et l'horreur qui règnent en ce lieu maudiiiiit car comme l'évoquera plus tard papy cheikh : "il se peut que cette oasis soit ton destin, Robert!" (2).

Réalisé une année après le maudit Lac (3), Eurociné continue donc de surfer sur la très ciblée mode de la "zombie nazixpoitation" (4) avec cette fois-ci une pointe d'exotisme en quittant premièrement notre franchouillarde campagne ("Promizoulin!!!!") pour l'Afrique du Nord, puis en remettant donc le couvert de la malédiction (cette fois-ci) en milieu aride. L'amateur aura ainsi le plaisir de constater que le cahier des charges, s'il diffère quelque peu du fait des impératifs géographiques, reprend globalement le même prétexte, des soldats vert de gris massacrés revenus d'entre les morts semant la terreur et la mort... avec un détail néanmoins, le même prétexte mais également les mêmes moyens financiers que le précédent long-métrage!

Cet instant de pur romantisme vous était proposé par A.M. Frank/Jesús Franco

Passé une introduction où la science de l'effroi du cinéaste espagnol glacera le sang de l'imprudent espérant débusquer naïvement en préambule une scène lesbienne, une analyse pointue de la situation indiquera malheureusement que ce simili spin-off offre peu d'érotisme, et un quota de poitrine dénudée bien inférieur à la moyenne contrairement à son cousin promizoulinien. Choix qui surprend d'autant plus tant le réalisateur et ses producteurs étaient loin d'être réputés pour être des prudes. Doit-on dès lors nourrir une certaine frustration si vous ajoutez à cet abîme la présence et le talent sous-exploité de l'actrice France Lomay, connue pour ses rôles mémorables (?) dans Body-body à Bangkok (5), Pénétrez-moi par le petit trou et autre Grande mouille (pouf pouf...). En d'autres mots, ne pas s'attendre à une pelletée de donzelles venues se faire boulotter par une poignée de zombies desséchés... cela dit le contraire aurait été finalement étonnant l'action se situant en plein désert.

Le scénario débridé (?) signé Franco, pardon A.L. Mariaux, est scindé en deux parties de 40 minutes chacune, la première autour des exploits sentimentalo-guerrier et de la chute de Blabert senior, puis la suivante autour du rejeton, interprété faut-il le rappeler par le charismatico-anémié Manuel Gélin, et de ses vacances au Maghreb. Autre détail amusant à propos des points communs entre les lac et oasis maudits, la propension qu'à Eurociné à se déjouer des éléments temporels, la seconde partie devrait en effet se dérouler durant les 60's, or rien n'est fait pour dissuader le spectateur que l'action se passe bien dans les 80's! Plus ce talent pour dégoter des bruitages incongrus... tout droit sortis du Lac des morts-vivants (on n'en sort pas décidément...).

Des effets-spéciaux à la pointe chez Eurociné!

A l'heure du bilan, cet Abîme des morts-vivants est loin d'atteindre les objectifs que le spectateur déviant s'était plus ou moins fixé avant de s'engager dans cette aventure sableuse, alléché il est vrai par la présence du duo prometteur Franco/Eurociné. Certes, les éléments nanarophiles tels que les maquillages cheapo-roots, l'interprétation et le casting, les faux raccords (6) et la lenteur cache misère pourront combler les admirateurs du genre, mais la frustration est de mise tant le potentiel zombie est faiblement exploité, les morts-vivants se comportant plus comme des cannibales que des zombies au passage (7)... en attendant à l'occasion pour le préposé docteur de tomber sur la version espagnole La tumba de los muertos vivientes avec Lina Romay et Jesus Franco dans le rôle d'un mort-vivant!

Et pour clore cette chronique, laissons le sage cheikh et son petit-fils Robert conclure cette quête initiatique:
- As-tu trouvé ce que tu cherchais?
- J'me suis retrouvé moi-même...

RIDEAU!

Verdict du Nanarotron:

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Film connu également sous d'autres patronymes tous plus évocateurs les uns que les autres: The Treasure of the Living Dead, Le trésor des morts-vivants et the last but not the least : Bloodsucking Nazi Zombies !!!

(2) Car l'autochtone aime user de phrases énigmatiques tel que: "Il a rencontré la mort qui marche, [...], il faut brûler les corps des hommes maudits, ils avaient rencontré les sentinelles du grand secret, il le garde après la mort".

(3) Deux versions du film existent, celle-ci de 1981 puis une version longue espagnole de 1983 avec Lina Romay!!! (si on en croit IMDb)

(4) Sous-sous genre qui a l'avantage d'être tout de même plus ringard et bon enfant que la dite nazixploitation...

(5) Les deux films se partageant au passage le même directeur de la photographie... Max Monteillet qu'on retrouve également dans le Lac des morts-vivants, la boucle est bouclée!

(6) Dans le Lac, il s'agissait en particulier des saisons hiver/été qui cohabitaient le temps deux plans successifs; cette fois-ci la frontière entre le jour et la nuit laisse de nouveau perplexe... un hommage au génie d'Ed Wood et à ses montages à l'arrache?

(7) Une des raisons étant que Franco était ouvertement peu réceptif à ce genre... une fois qu'on a goûté à la thématique vampiro-lesbienne, difficile de se passionner pour autre chose, foi de docteur!

Ils étaient les brigades rouges 1969-1978 - Mosco Levi Boucault (2011)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Sun, 06 Nov 2011 18:51:00 +0000

Disponible en DVD depuis le 21 septembre, le documentaire Ils étaient les brigades rouges 1969-1978 (1) comme son nom l'indique s'attache à retracer la première décennie de l'organisation révolutionnaire italienne, de ces débuts dans les grandes villes industrielles du Nord de la péninsule à l'enlèvement puis l'assassinat du président de la Démocratie Chrétienne, Aldo Moro. Avec l'appui des documents d'époque, Mosco Levi Boucault revient sur ces "années de plomb" avec le témoignage de quatre membres du commando qui a enlevé Aldo Moro.

Scindé en deux parties de 60 minutes chacune, dans la première intitulée Le vote ne paie pas, prenons le fusil, le documentaire revient pas à pas sur les raisons qui ont poussées une certaine jeunesse italienne à quitter le giron du parti communiste dans lequel ils ne se reconnaissaient plus pour une lutte politique basée sur l'affrontement avant de glisser dans la seconde partie, La révolution n'est pas un dîner mondain (2), vers la lutte armée et le meurtre. Le film décrit de part les témoignages de Raffaele Fiore, Prospero Gallinari, Valerio Morucci et Mario Moretti, chef du commando Moro, comment à l'automne 69 les tensions sociales, l'incompréhension des syndicats et du PCI envers cette jeunesse ouvrière puis l'attentat de la Piazza Fontana à Milan (16 morts, 88 blessés) (3) perpétré par des néo-fascistes en décembre de la même année donneront naissance à divers groupuscules d'extrême-gauche et en particulier les Brigades Rouges (Brigate Rosse). Avec suffisamment de recul, les quatre hommes relatent clairement de manière quasi didactique l'origine du mouvement et sans remords le point de départ de leur dérive criminelle.

Narrée par Chiara De Luca, le réalisateur rappelle également la vision de la gauche transalpine traditionnelle de cette époque, celle du futur "compromis historique" qui vit le premier secrétaire du PC Enrico Berlinguer penser que seul un compromis avec l'autre grand parti d'Italie, la Démocratie Chrétienne, pouvait permettre à la gauche d'accéder et de garder le pouvoir (4), une vision politique qui allait définitivement à l'encontre des élans révolutionnaires des Brigades Rouges, creusant encore un plus un fossé qui s'agrandira au fur et à mesure du temps avec en point d'orgue l'enlèvement de l'autre "père" de ce compromis, Aldo Moro.

Avec en toile de fond les 55 jours de captivité du leader de la Démocratie Chrétienne, le documentaire décrit les différents échelons et graduations de la première période des Brigades Rouges pour une justice dite prolétarienne: divers incendies, et le début des enlèvements de cadres symbole de cette nouvelle lutte des classes, avant la seconde période où celles-ci ne visent plus l'appareil industriel mais l'Etat italien. Cette attaque au coeur de l'état démarre par l'enlèvement du juge Sossi (libéré sous conditions non respectées par le procureur de Gènes Coco), puis avec l'arrestation des deux des fondateurs des BR, Renato Curcio et Alberto Franceschini, une radicalisation s'opère au sein des "nouvelles" brigades, survient l'assassinat du procureur Coco, celui-même qui n'avait pas donné suite à l'accord passé avec les BR, puis celui du bâtonnier de Turin en charge de nommer les avocats commis d'office aux procès des chefs historiques des BR. Faits décrits et argumentés sans faux semblants par les quatre membres du commando "Moro" tout comme leur campagne de "jambisations" visant les fonctionnaires de l’administration pénitentiaire et certains journalistes "suppôts de la contre-révolution".

De l'enlèvement d'Aldo Moro, Mosco Levi Boucault décrypte de l'intérieur les préparatifs, la mise en oeuvre, son "procès" mais également l'impasse des tractations et finalement l'assassinat inéluctable du leader de la Démocratie Chrétienne "sacrifié" en quelque sorte au nom de la raison d'état, assassinat annonçant de même la fin prochaine et l'échec des Brigades Rouges (5).

Parmi les bonus, le réalisateur à travers divers entretiens revient sur les raisons qui ont empêchées l'extrême-gauche française de basculer dans la lutte armée dans les années 70: Serge July et Alain Geismar, anciens de la Gauche Prolétarienne, développent et expliquent ainsi ces raisons (6), tandis que le DVD se clôt par l'interview tout aussi convaincante de l'écrivain et ancien membre de la Lotta Continua Erri De Luca sur ses années révolutionnaires.

En attendant un documentaire de cette qualité sur la sinistre Loge P2, un indispensable pour celui ou celle qui voudrait en savoir plus sur l'histoire de l'Italie de ces années.

Note du partenaire Cinetrafic:

Retrouvez d'autres documentaires sur Cinetrafic sur la catégorie Documentaire ou découvrez la catégorie bon film

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Celui-ci fut également diffusé sur Arte le 28 septembre dernier.

(2) Titre évoquant la célèbre phrase de Mao: "La révolution n'est pas un dîner de gala ; elle ne se fait pas comme une œuvre littéraire, un dessin ou une broderie ; elle ne peut s'accomplir avec autant d'élégance, de tranquillité et de délicatesse, ou avec autant de douceur, d'amabilité, de courtoisie, de retenue et de générosité d'âme. La révolution, c'est un soulèvement, un acte de violence par lequel une classe en renverse une autre".

(3) S'y ajouteront trois autres attentats à Rome la même année.

(4) La chute du président socialiste chilien Salvador Allende, le 11 septembre 1973, indiquant que face à un contexte hostile, le résultat des urnes avait sinon peu de poids, tout du moins pas suffisamment pour installer durablement un gouvernement de gauche.

(5) Il faudra néanmoins attendre avril 1987 pour que les militants historiques déclarent close "l'expérience de lutte armée", signant ainsi le début de la dissolution politique des BR historiques.

(6) Et on oubliera les deux prestations de Daniel Cohn-Bendit et d'Alain Krivine aussi vides qu'inutiles (vous avez dit pathétiques?).

Drive - Nicolas Winding Refn (2011)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Mon, 31 Oct 2011 23:25:00 +0000

En préambule et au risque de se répéter, le docteur préposé aurait très bien pu sous-titrer cette chronique par un "pour en finir définitivement avec les eighties?"... ou pointer du doigt l'humour méconnu de Robert De Niro dont le jury cannois décerna au film qui nous intéresse le prix de la mise en scène... Éblouissant ce film si on en croit certaines critiques? Fascinant un cascadeur préférant jouer les chauffeurs pour la mafia au lieu de jouer les chasseurs de prime? Mais n'allons pas trop vite...

Si le film noir n'est pas le genre le plus iconoclaste qui soit, celui-ci suivant au contraire des codes pré-établis, Drive par certains partis pris (douteux?) se situerait dans une catégorie bâtarde voire hybride pour les plus indulgents: celle du ravalement de façade factice et faussement originale ou broder autour du thème classique du film de criminel quelques aspects hétéroclites bancals.

À Los Angeles, un jeune homme taiseux (Ryan Gosling) dont on ne connaîtra jamais le nom (1) travaille comme mécanicien dans un modeste garage. Et le reste de son temps? Celui-ci sait faire profiter à la communauté ses dons de pilote automobile, comme cascadeur occasionnel pour l'industrie cinématographique et comme chauffeur dans divers casses pour la pègre locale. Or notre héros peu loquace en emménageant fait la connaissance de sa voisine dénommée Irene (Carey Mulligan), aussi blonde qu'effacée... Mais son mari Standard (2) sort de précipitamment de prison, et l'idylle naissante entre le silencieux, la fadasse (et le petit Benicio) doit prendre fin. Tabassé par ceux qui assuraient sa protection en prison, Standard doit braquer un prêteur sur gage pour rembourser sa dette, et éviter que l'on s'en prenne à sa famille. Découvrant la situation, le chauffeur se propose de l'aider... mais le hold-up ne se passe pas comme prévu...

De deux choses d'une, le danois Nicolas Winding Refn, réalisateur de la trilogie Pusher, est soit un cinéaste talentueux appréciant les niveaux de lecture les plus tordus, soit son dernier film est une fumisterie bouffant à tous les râteliers misant en premier lieu sur l'inculture ou au mieux l'indulgence de ses spectateurs. L'histoire quitterait les voies connues du film noir pour un volet plus social avec en supplément l'absence de femme fatale, la rousse incendiaire cédant sa place à une MILF au pouvoir de séduction proche du zéro (3), un patron au pathétisme certifié AOC et deux parrains de seconde zone (Albert Brooks et Ron Perlman à côté de ses pompes). Les cartes du drame criminel étaient en place, encore fallait il savoir les placer. L'histoire souhaitait prendre un contre pied salvateur, on y croit pas une seule minute.

Le scénario se prend les pieds dans le tapis... gageons dès lors que la réalisation relève le niveau. Que nenni. Celle-ci au contraire suit un chemin quasi identique en voulant cette fois-ci faire du neuf avec du vieux. Refn a voulu rendre de multiples hommages au cinéma US dans son premier film américain, or ceux-ci n'apportent rien, au contraire, ils n'évoquent qu'un manque cruel d'inspiration, une flagrante vacuité... une coquille-vide, rien de moins. Au préposé de commencer un inventaire à la Prévert: des plans aériens, une photo et une esthétique 80's à la Michael Mann, un personnage quasi muet (à la Leone pouvons nous lire...) dont le caractère violent et imprévisible rappelle surtout ceux de Kitano (4), une scène de salle de bain qui ne devrait pas laisser indifférente Tony Montana et ses amis colombiens, etc. Et la poursuite à la Bullitt? La belle affaire... A la différence d'un De Palma qui se réapproprie les références utilisées, Refn rend un simili copier-coller creux, sinon ridicule quand le pire des clips 80's est utilisé comme mise en abyme.

Reste que la nouvelle coqueluche d'Hollywood, Ryan Gosling joue à merveille les autistes au bord de la crise de nerf... tant est si bien qu'on attend avec une certaine impatience le moment où quelqu'un réussira par tous les moyens, même les plus inavouables et saignants, à lui arracher un sujet, un verbe et un complément en provenance de sa bouche.

Vouloir se recentrer sur ses personnages au risque de décevoir quelques crétins congénitaux espérant voir un nouveau Fast and Furious aurait pu, aurait dû annoncer le meilleur...

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) On vous avait prévenu, c'est un taiseux.

(2) Qui n'est pas une brute épaisse... c'était la grosse originalité.

(3) Sauf pour notre chauffeur silencieux, ça va sans dire.

(4) Sonatine en tête et la fameuse scène de l'ascenseur plus un "clin d'oeil" à l'extincteur d'Irréversible...

Cronico Ristretto: Wo!Man - Archie Shepp & Joachim Kühn (2011)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Thu, 27 Oct 2011 20:53:00 +0000

Jeune loup de la New Thing dans les années 60, le désormais patriarche Archie Shepp n'en demeure pas moins en 2011 un artiste dans l'air du temps: un éternel jeune homme au service de la great black music, à l'image de sa dernière oeuvre Wo! Man en duo avec le pianiste Joachim Kühn.

Après un précédent album remarqué, Phat Jam in Milano (2009), où le géniteur de Blasé reprenait d'une manière méconnaissable le classique de Led Zeppelin Kashmir en s'adjoignant les services du rappeur Napoleon Maddox, Shepp quitte deux ans plus tard le spoken word et l'univers urbain du rap pour d'autres horizons: celui du jazz minimaliste.

Quant à Joachim Kühn, ce dernier est connu pour être un grand pianiste de jazz outre-Rhin, mais à la lecture de son parcours, également un artiste aventureux, multipliant au cours de sa vie musicale les rencontres diverses, du free jazz de Don Cherry au jazz fusion d'un Jean-Luc Ponty, Billy Cobham en passant par des jouxtes au piano avec le radical Martial Solal ou le batteur Daniel Humair.

Si de prime abord, leurs deux sensibilités apparaissent sur le papier sinon antagonistes, tout du moins différentes à l'écoute de l'ouverture Transmitting, composition de Kühn, et des deux suivantes (Nina, Drivin' Miss Daisy) de Shepp, on constate néanmoins très rapidement que les cartes se brouillent facilement, la complémentarité des deux musiciens devient évidente lorsque ceux-ci composent à quatre mains (Segue, Sketch/Monette), puis transfigure la paire en un duo bicéphale à la relecture des trois standards que contient Wo! Man : en guise d'amuse-bouche le Harlem Nocturne d'Earle Hagen et Dick Rogers (1), le désincarné et dramatique Lonely Woman d'Ornette Coleman et pour clore le disque le Sophisticated Lady d'Ellington (2).

Une musique introspective, un jazz aventureux, un disque symbiose, limpide, en un mot: évident.

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Repris dans les années 80 entre autre comme thème principal pour la série Mike Hammer avec Stacy Keach.

(2) Qu'Archie Shepp avait déjà repris en 1969 sur son album Blasé.

Cronico Ristretto: 777 Sect(s) - Blut Aus Nord (2011)

noreply@blogger.com (dr frankNfurter) — Sat, 08 Oct 2011 16:09:00 +0000

Dans la mémoire du préposé, la musique de Blut Aus Nord pouvait se résumer à une introduction froide et lugubre, et à un riff, LE riff: répétitif, imposant, majestueux (Slaughterday (the heathen blood of ours)) ou la quintessence du black metal viking des 90's, celui des formations biberonnées aux élans épiques de Bathory... au détail près que Blut ne provenait pas de Scandinavie mais de l'hexagone, c'était en 1996, et la fin de leur première période.

Dix ans passent, Blut Aus Nord enregistre son œuvre: MoRT (Metamorphosis of Realistic Theories), fruit d'une mutation amorcée cinq années auparavant, un condensé de malaise noir en huit chapitres désincarnés, déchiquetés, véritable maelström black metal déstructuré aux confins de l'industriel et du dark ambient.

2011, Blut Aus Nord sort en avril le premier volet Sect(s) d'une trilogie intitulée 777. Nouvel album et grand retour de la formation normande mené par son leader Vindsval? Si l'affirmation s'avère en partie fausse tout du moins exagérée, Blut n'ayant jamais disparu, tout juste enregistré des albums anecdotiques après 2006 (1), ce premier chapitre de 777 s'apparente néanmoins comme une nouvelle pierre à l'édifice. Une synthèse tant Blut offre la quintessence de son art morbide et unique.

En attendant la sortie du deuxième volet The Desanctification en novembre prochain, et ainsi appréhender un peu mieux dans son ensemble ce Sect(s), il apparait cependant un fait évident, jamais Blut Aus Nord n'a été aussi concis et efficace en dépit de ces six morceaux dont le compteur oscille paradoxalement entre 5 et 12 minutes. Suite logique des trois premiers albums de la décennie passée (2) qui donnèrent naissance à l'une des mues les plus étonnantes et réussies du métal noir, l'album composé en 6 Epitomes garde une assise martiale chère à la musique industrielle, entre atmosphères (rarement) lumineuses et noirceur tortueuse, avec ce reste de noblesse épique héritée de leur passé scandinave.

Un des albums metal de l'année.

__________________________________________________________________________________________________________________

(1) Un Odinist: The Destruction of Reason by Illumination (2007) mal ficelé et un Memoria Vetusta II - Dialogue with the Stars (2009) resucée des années viking...

(2) The Mystical Beast Of Rebellion (2001), The Work Which Transforms God (2003) et MoRT (2006).