Los últimos 12/15 meses han sido, amigos, algo fuertes para mí. Si bien podría explicar con precisión mis aciertos y errores, o recomendar qué hacer a cualquiera en mi lugar, llegué hasta hoy casi sin energía de reserva. Se suman y combinan, de manera siniestramente coordinada, cambios en mi vida personal, cambios en el trabajo, mudanza, y mil etcéteras que no vienen al caso enumerar.

Hoy se conoció una noticia que ya se venía venir, aunque no con este nivel de contundencia. Cerraron Megaupload, y metieron presos a los directivos.  Desde que el Sacred Monster nació tuvimos cambios y problemas más de una vez. En la primer época, cuando estábamos en blogspot, nos cerraron el sitio. Luego pasamos a sacredmonster.com.ar, pero nos restringieron el uso de Rapidshare. Ahora, luego de varios centenares de uploads, cierran completamente Megaupload. Allí se perdieron cientos de horas de trabajo hechos con enorme esmero y deseos de compartir. Al final de cuentas, lo único que queremos (al menos aquí) es compartir sensaciones, comentarios y recuerdos, sin ningún interés económico. Casi podría decir, una de las últimas utopías musicales, al menos en las que yo me sienta capaz de protagonizar.

Este nuevo tropiezo me encuentra algo cansado, y me provoca tristeza. Hoy, les soy honesto como siempre, no sé cómo seguir, no sé si tengo fuerzas para volver a empezar, ni siquiera sé si debo hacerlo. Ustedes siempre me han apoyado y ayudado. Por ahora, lo único que puedo decirles es gracias una vez más.  Voy a pensar qué hacer, voy a leer las recomendaciones que ustedes me hagan, y pronto volverán a tener noticias mías.

Un fuerte abrazo,
The Sacred Monster

1970 coincidía con el 5730 del calendario hebreo, 4462 del armenio, 1348 del persa y 1390 del calendario musulmán. En ese mismo año (elegí vos el calendario que más te guste), Rusia iniciaba la construcción de la ciudad de Prípiat, que luego del accidente nuclear de Chernobil abandonaron por completo naciendo así la ciudad fantasma más grande del mundo. En México, en 1970 Brasil gana por tercera vez el campeonato mundial futbol, mientras que en Chile, Salvador Allende ganaba las elecciones presidenciales. Mientras que en Polonia se firmaba el Pacto de Varsovia, el argentino Luis Federico Leloir se convertía en el tercero de los cinco Premio Nobel del país. En 1970, 236 personas mueren en el mayor accidente ferroviario de la historia argentina.

Mientras nacían Beck, Mariah Carey, Julieta Benegas y Luis Miguel, perdíamos a Jimi Hendrix, Keith Moon, y Janis Joplin.  Se editaban discos increíbles y en las góndolas se mezclaban vinilos de Yes, Supertramp, Elvis Presley, Aretha Franklin, The Byrds, Rolling Stones, Frank Zappa, Dylan, Zeppelin, Supremes, Genesis, Doors, Lennon, Credence y Ten Years After… obviamente entre muchísimos otros.

1970 es el año del fin de la utopía hippie. Comenzaban a irse, en un largo fade, la psicodelia con LCD y pelos largos, la Era de Acuario, el amor libre, y los mantras hindúes. La política atacaba lo que Woodstock había dejado, mientras el eco del movimiento aún sonaba en Latinoamérica y parte de Europa.

Sobre los finales de los 60´s, Estados Unidos no tenía lugar para movimientos contraculturales. En realidad nunca los tuvo, ni siquiera ahora. Pero en esos años, promediando la Guerra de Vietnam y con el patético Richard Nixon en la presidencia, los teenagers estaban sin contención. En medio de ese contexto nacen los Allman Brothers.

Los hermanos Duane y Gregg Allman forman la banda en el ´69. En ese mismo año editan su primer disco (The Allman Brothers Band), que les permite acceder a un aceptable nivel de éxito desde el principio, cuando los hermanos apenas superaban los 20 años. En particular, Duane se destacó rápidamente en la ejecución de guitarra (hasta hoy está considerado uno de los 10 mejores guitarristas de la historia del rock), mientras Gregg sorprendía componiendo un rock sureño conpacto, con mucha energía, cargado de orígenes (y sin renegar de ninguno) como Chuck Berry, John Lee Hocker, Cream o Muddy Waters.

El segundo disco que editan es –en 1970- Idlewild South. Poco tiempo después se grabaría el vivo “At Fillmore East” que ya te he posteado, y otros pocos meses más tarde Duane Allman muere en un accidente mientras viajaba con su moto.  Si bien Gregg Allman siguió con la banda, la muerte de su hermano Duane forma parte del “fade” que extinguía la luz de la utopía hippie.

Para hoy te conseguí la versión remasterizada Ultradisc II, editada en 2007, de Idlewild South. Está considerado el mejor disco en estudios de los hermanos Allman. La subí, como te gusta y como me gusta, a 320@ y con su artwork. Y como no sabemos qué es lo que va a pasar con los blogs de descarga como este (hay nuevas leyes que pueden hacernos volar por el aire en minutos), apurate a bajarlo… no sea cuestión que te pierdas esta joya del rock!

Y vos… dónde estabas y qué hacías en 1970?

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Album: Idlewild South
Album Artist: The Allman Brothers Band
Year: 1970 - Version: 2007 - Bitrate: @320
Genre: Rock
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Tracks:
01 - Revival
02 - Don’t Keep Me Wonderin’
03 - Midnight Rider
04 - In Memory Of Elizabeth Reed
05 - Hoochie Coochie Man
06 - Please Call Home
07 - Leave My Blues At Home
(more…)

Kawabata se propuso escribir textos extremadamente cortos, algunos, de una sola carilla, mientras que “los largos”, quizás ocupen 2 o 3 páginas.  A medida que se leen, uno toma conciencia que no se trata, necesariamente, de cuentos. Son relatos que, como pinturas o fotografías, describen magistralmente momentos, situaciones, lugares…. Yo suponía que cada una de esas formas breves -y justamente por lo breves- se ocuparían sólo de lo esencial. Lo que más me gustó es que lo esencial deja de ser lo obvio y en cada relato, don Kawabata, se las ingenia para hacerte sentir frio, o angustia, o colores, todo con un sencillo puñado de palabras y sin haber fumado nada.

Podría decirse que, dentro de la poesía más exquisita, es el fundador del lenguaje bloguero: En un post no caben más de 1000 palabras… nadie leería mucho más. El amigo Yasunari Kawabata desarrolló un superlativo nivel del literatura para blogs. El único detalle es que los textos que componen “Historias en la palma de la mano” fueron escritos entre 1920 y 1940.

De forma absolutamente casual, y desde otro libro que acabo de leer, también conocí la historia de Matsuo Basho, de quien se dice que es el padre del Haiku. También de orígenes japoneses, el Haiku es una forma de poesía muy corta, es la máxima simplificación de la belleza. Un Haiku que se precie de tal ha de ser buena poesía y, además, un buen diseño. Hay cuadros hechos sobre la base de la belleza de los ideogramas además de su mensaje poético. Traducidos al español (muchísimos por el genial mexicano Octavio Paz) se convierten en tres frases que describen un momento. Por ejemplo, Basho dice: “Quietud: los cantos de la cigarra penetran en las rocas”, o “Un viejo estanque; se zambulle una rana, ruido de agua”. La calidad de un Haiku se observa en la estética de la descripción y su forma poética. Es como una fotografía, pero en texto poético.

Basho describe un momento, un pensamiento, un sentimiento… sólo eso y sólo uno. Tan inmenso como sintético. Podríamos decir que son el mayor y mejor modo textual para el Twitter. De hecho, #haiku es trend de Twitter permanente en todos los idiomas desde todo el mundo. Aunque bien lejos de las restricciones de los 140 caracteres, don Basho nació en 1644 y murió en 1694.

Matsuo Basho hace 500 años, Yasunari Kawabata hace 100.  Bien lejos de las compus, del Wordpress y de Bill Gates, muchos creímos que estaba naciendo un nuevo modo de comunicación: estábamos completamente equivocados.

Vamos a la música! 

Hoy te traje algo raro, sólo recomendable para aquellos que disfrutan al reconocer en viejas grabaciones las bases de lo que vino después. Esto fue grabado en Chicago en un solo día en Julio de 1964. Terrence O. Callier, mejor conocido como Terry Callier, es un contante de folk y soul yanqui, nacido en 1945. Es fácil sacar cuentas: cuando grabó este disco apenas tenía 19 años.

En su momento, sonó revolucionario: se trató de la reversión de viejos temas, todos interpretados con un estilo extraño. Es que el estilo era la natural fusión del folk y del blues… algo que después sonó miles de veces, nacía de la mano de ese muchacho de tan solo 19 años.

Terry Callier sigue vivito y coleando. Es más: cada tanto aparece en conciertos donde cada vez más se deja llevar por el jazz y el soul.  El disco es material de estudio. Las bases de mucho del R&B y del Blues rockeado salió de aquí. Te conseguí la versión inglesa remasterizada de 2003… un lujo!

Great!!!
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Album: The New Folk Sound Of Terry Callier
Album Artist: Terry Callier
Year: 1964 - Version: 2003 - Bitrate: @320
Genre: Folk Blues
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Tracks:
01 - 900 Miles
02 - Oh Dear, What Can The Matter Be
03 - Johnny Be Gay If You Can Be
04 - Cotton Eyed Joe
05 - It’s About Time
06 - Promenade In Green
07 - Spin Spin Spin
08 - I’m A Drifter
09 - Be My Woman [Bonus]
10 - Jack O’ Diamonds [Bonus]
11 - The Golden Apples Of The Sun [Bonus]
(more…)

En este blog ya hubo otros diciembres. De hecho, este es el 5to diciembre del Sacred Monster. Hace más de 4 años que yo estoy acá, y vos allí. O mejor dicho: gracias a que vos estás allí yo sigo acá. Vos suponés que en algún momento imaginé que iban a pasar 5 diciembres en el blog? Nunca soñé que más de un millón doscientos cincuenta mil veces ibas a hacer click para ver que había subido el Sacred Monster.

Hay días, donde hasta 2.000 de ustedes pasan por aquí. Hay días donde ustedes escriben 100 o más comentarios, mails, o mensajes en el grupo de Facebook. Hay días donde me sonrío, saludo, enojo, o converso con ustedes igual que con mis amigos, compañeros, conocidos, familiares, etc., etc.

Si tenemos que hablar del año por venir, el 2012 será bisiesto, lo que para muchos supersticiosos es ya un desastre. Se cumplirán 100 años del hundimiento del Titanic, van a chocar los planetas según la biblia, y acabará el mundo de acuerdo a los Mayas. Yo, por mi parte, sólo espero preocuparme por disfrutar, vivir mejor, que el resto viva mejor, que haya más paz y mucha, mucha, pero mucha más música.

Hace semanas que pienso en un “regalo” de fin de año. Se lo recontra merecen. El problema que tenía era “que subo? Rock? Jazz?…”. Es que ustedes son muchos, y hay tantos fans como géneros musicales. Entonces, la duda era cómo hacer para contentar a todos.  No se me ocurrió otra manera: subo un disco para cada uno y listo!!

FELIZZZZZ AÑÑOOOOOOO, y GRACIASSSSS!

 Un poquito de Blues con Rock.

Para los amantes del Blues con Rock, traje al inoxidable Eric Clapton en un bootleg de lujo: The Night Of The Kings. Se trata de un registro en vivo, grabado el 20 de Septiembre de 1983 en el Royal Albert Hall, donde el inglés capitaneó una grossa superbanda. Junto a Eric tocaron Jeff Beck, y Jimmy Page en guitarras, Bill Wyman en bajo, Steve Winwood en teclados, y Charlie Watts, Kenny Jones y Ray Cooper en baterías y percusión, entre otros.  Pura diversión entre monstruos!

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Album: The Night Of The Kings - Cd 1
Album Artist: Eric Clapton, Jimmy Page & Jeff Beck
Year: 1983 - Version: 1995 - Bitrate: @320
Genre: Rock
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Tracks:
01 - Everybody’s Got to Change
02 - Lay Down Sally
03 - Wonderful Tonight
04 - Cocaine
05 - Women Are Smarter
06 - Roadrunner
07 - Slowdown Sunrise
08 - Take Me to the River
09 - Gimme Some Lovin’
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Album: The Night Of The Kings - Cd 2
Album Artist: Eric Clapton, Jimmy Page & Jeff Beck
Year: 1983 - Version: 1995 - Bitrate: @320
Genre: Rock
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Tracks:
01 - Star Cycle
02 - Pump
03 - Out of a Book
04 - Goodbye Pork Pie Hat
05 - People Get Ready
06 - Hi Ho Silver Lining
07 - Prelude
08 - Who’s to Blame
09 - City Sirens
10 - Tulsa Time
11 - Layla
12 - Bomber’s Moon
13 - Good Night Irene

Una buena dosis de Jazz.

Para los “adotratrices” del jazz en sus más diversas acepciones, rescaté la versión 1997 de Night Train.  Se trata de uno de los discos más difundidos del gran Oscar Peterson grabado originalmente en 1962. Plagado de extra-tracks, en esta édición remasterizada se puede disfrutar de una excelente selección de música compuesta por Duke Ellington, Milt Jackson, Cole Porter y muchos más, magistralmente ejecutada por el trío de Oscar junto a Ray Brown en bajo y Ed Thigpen.  Grosssssísimo!

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Album: Night Train
Album Artist: Oscar Peterson
Year: 1962 - Version: 1997 - Bitrate: @320
Genre: Jazz
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Tracks:
01 - Night Train
02 - C Jam Blues
03 - Georgia on My Mind
04 - Bags’ Groove
05 - Moten Swing
06 - Easy Does It
07 - Honey Dripper
08 - Things Ain’t What They Used to Be
09 - I Got It Bad and That Ain’t Good
10 - Band Call
11 - Hymn to Freedom
12 - Night Train (alternate take)
13 - Volare
14 - My Heart Belongs to Daddy
15 - Moten Swing (rehearsal take)
16 - Now’s the Time
17 - This Could Be the Start of Something

Grossa música de acá!

Hace mucho mucho que quiero subir Los Jaivas. Quizás, junto a Santoalalla en Argentina, son los responsables máximos de la fusión del folklore con el rock. Este grupo chileno tiene un una enorme trayectoria. En Argentina son dueños de un increíble prestigio, y en su natal Chile son héroes de los 60´s y 70´s.  Sus orígenes pueden encontrarse en los comienzos de los 60´s en el núcleo formado dentro de la familia Parra. Los hermanos Claudio, Eduardo y Gabriel, junto al “Gato Alquinta” fueron la columna vertebral sobre la que giraron miembros quizás algo más efímeros, pero siempre con el mismo nivel de compromiso.  En 1988 muere en un accidente Gabriel (baterista) quien es reemplazado por su bellísima hija Juanita. Es digna de verse, tanto por lo bonita como por lo buena instrumentista que resultó ser.

Bueno… es un buen regalo para los que gustamos de música latinoamericana. Te traje el disco editado en 1975 en versión remasterizada conocido como “El Indio”, pero en realidad es homónimo al grupo. Rock andino del bueno, y vaya un abrazo para todos los hermanos chilenos y de Latinoamérica toda!

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Album: Los Jaivas
Album Artist: Los Jaivas
Year: 1975 - Version: 2007 - Bitrate: @320
Genre: Folk-Rock
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Tracks:
01 - Pregón Para Iluminarse
02 - Guajira Cósmica
03 - La Conquistada
04 - Un Mar de Gente
05 - Un Día De Tus Días
06 - Tarka y Ocarina
07 - En Tus Horas
08 - Mambo de Machaguay

Soft Rock?  Si, del bueno!

Resulta que Steely Dan no es el nombre de un tipo (la mitad de la tierra lo supone así) sino que el nombre de una banda americana que llenó de hits los charts de los 70´s.  El grupo tenía un dúo como eje central, formado por Walter Becker y Donald Fagen, dos musicazos que sufrieron la estigmatización de ser “sólo músicos Pop”, cuando en realidad la calidad de los temas, la complejidad de algunos fusiones jazzísticas, el R&B y el funk, hicieron de SD una afilada máquina preparada para gustar.

Quizás tendría que haberte traído antes cositas de Steely Dan… pero bueno, como siempre digo nunca hay tiempo para tanta música. El disquito este es imperdible, y cuando lo escuches vas a decir: “Ah…! Esta también la conozco!”. 

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Album: Best Of Steele Dan - Then And Now
Album Artist: Steely Dan
Year: 1993 - Bitrate: @320
Genre: Soft Rock
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Tracks:
01 - Reelin’ in the years
02 - Rikki Don’t Lose That Number
03 - Peg
04 - FM
05 - Hey Nineteen
06 - Deacon Blues
07 - Black Friday
08 - Bodhisattva
09 - Do It Again
10 - Haitian Divorce
11 - My Old School
12 - Midnight Cruiser
13 - Babylon Sisters
14 - Kid Charlemagne
15 - Dirty Work
16 – Josie

Rock Progresivo: Infaltable!

Y claro… para los viejitos como yo, el progresivo no puede faltar. En los 70´s, el virtuosísimo guitarrista John McLaughlin lograba que la banda que lideraba -Mahavishnu Orchestra- editara su primer disco.  Corría 1971 y el Jazz Rock más sofisticado veía la luz de mano de McLaughlin, Billy Cobham, y otros genios que por su formación pasaron. Ensambles de sintetizadores, guitarras acústicas y eléctricas, violines eléctricos, ejecuciones de baterías sofisticadas, y revolucionaria inventiva, lograban que la fusión de los múltiples géneros (rock progresivo, funk, jazz, etc.) suenen como nunca lo habían hecho.

Ya te los había presentado aquí, en el blog. Así que vamos directo a la música. Subí el glorioso The Inner Mounting Flame, editado en 1971, y fundacional de todo un movimiento musical. Te conseguí la versión de 1999 MFSL Gold para que suene como le gusta a los lectores del Sacred.

Enjoy!!!!

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Album: The Inner Mounting Flame
Album Artist: Mahavishnu Orchestra
Year: 1971 - Version: 1999 - Bitrate: @320
Genre: Progressive Rock
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Tracks:
01 - Meeting of the Spirits
02 - Dawn
03 - Noonward Race
04 - A Lotus on Irish Streams
05 - Vital Transformation
06 - The Dance of Maya
07 - You Know, You Know
08 – Awakening
(more…)

El pueblo gitano ha sido históricamente discriminado. Y siempre se discute si su carácter nómade es lo que los hace ser discriminados y no les permite integrarse, o bien todo lo contrario: son nómades porque históricamente han sido expulsados, perseguidos y discriminados (Gran Redada en España a mediados del siglo 18, fusilamientos en la 1ra Guerra, campos de concentración en la 2da, etc.,etc).  Y la historia de Django no se escapa a las generales de su pueblo originario.

Desde pequeño vivió en lo que ahora sería una casa rodante… los gitanos modernos podrían vivir en una Motorhome, pero en aquellos años las familias zíngaras vivían en algo parecido a una simple carreta. Cuenta la historia que cuando Django tenía 18 años, la carreta donde vivía se incendió. La habían llenado de flores secas (con las que hacían adornos y ramos) que su grupo vendía en los alrededores de París. El fuego fue voraz, y Django salió muy lastimado: casi pierde una pierna, y perdió la movilidad de los dedos anular y meñique de la mano izquierda.

Durante su recuperación (que lo mantuvo postrado durante meses) comenzó a escuchar Jazz. Corría el año 1929 y Django, que había tocado música gitana en banjo durante añares, descubre la guitarra y da tímido comienzo a su carrera. A partir de allí comienza a vincularse con gente del jazz donde se hace muy amigo del genial violinista Stéphane Grappelli, y en 1934 inician el mítico “Quintette du Hot Club de France”.

La importancia de Reinhardt en la música no fue por su capacidad de ejecución (ciertamente limitada, observá sus fotos) sino por su estilo musical. Habiendo perdido dos dedos, su música se vio obligada a la simplicidad. Sin embargo, era tan personal que inundó el mundo con su estilo brillante y cargada de eléctrica alegre. La estructura de su música siempre mantenía una introducción, un desarrollo (con solos de violín y su guitarra), y luego un final que se abrazaba con el inicio. Una estructura casi literaria. Hoy, escuchás a  Reinhardt y te puede parecer obvio… sin embargo, cientos de geniales monstruos aprendieron y se dejaron influenciar por él: Coleman Hawkins, B.B. King, Peter Frampton, John McLaughlin, Wes Montgomery, George Gershwin, Count Basie, Al Jolson, Jaco Pastorius…

Durante la segunda guerra mundial, Stéphane y Django se separan. Al estallar la guerra los sorprende de gira por Inglaterra. El violinista elige quedarse en Londres, mientras Django decide volver a Francia. Lo curioso de su estadía en Paris es que los gitanos fueron fuertemente perseguidos por los Nazis, pero él era protegido por los que administraban la ocupación alemana porque eran fanáticos de su música. Contradictorio e increíble: al mismo tiempo, su música era la elegida  como uno de los símbolos culturales de la Resistencia.

Finalizada la guerra, el capo Duke Ellington le propone acercarse a Estados Unidos. Durante un tiempo estuvo girando en Norteamérica sin mucho éxito de público, pero dejando grabaciones excelentes junto a los músicos locales.

Al volver a Francia, habiendo absorbido la influencia del jazz americano, comienza a investigar con la guitarra eléctrica y fusionando su estilo con el bebop. Al poco tiempo muere, muy joven, a los 43 años de edad, dejando marcas imborrables en el jazz y los violeros del mundo. En argentina, tuvimos nuestro émulo: el maestro chaqueño Oscar Alemán (1909-1980).

Hay cientos y cientos de grabaciones hechas por Django. Para hoy te elegí “Retrospective”. Se trata de un BoxSet de 3 Cd´s con una selección de la música del zíngaro, ordenada cronológicamente. El primer Cd son grabaciones hasta 1939 (inicio de la 2da Guerra, la mayoría con Stéphane Grappelli), el segundo es hasta 1946 (durante la guerra), y el 3ro que va desde 1947 hasta sus últimas grabaciones en 1953 (terminada la guerra, su viaje a USA y regreso a Europa).

Hace mucho que me lo piden y no podía faltar en el blog. Django Reinhardt: un grossso.

Y para esta noche, amigos, para los creyentes, para los no creyentes, para los musulmanes, judíos, católicos, agnósticos, budistas, krishnas, ateos, rubios, morochos, alemanes o italianos, africanos hincha de Boca, europeos fanáticos del Barça, torçedores del Corinthians o de Chicago Bulls, gustadores del tango o de Michael Bublé… niños y niñas, para todos ustedes: Muchas, y muchas felicidades.

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Album: Retrospective - 1934-39
Album Artist: Django Reinhardt
Year: 2003 - Bitrate: @320
Genre: Jazz
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Tracks:
01 - Dinah
02 - Sweet Sue, Just You
03 - Blue Drag
04 - Limehouse Blues
05 - Charleston
06 - Sheik of Araby
07 - St. Louis Blues
08 - Minor Swing
09 - My Serenade
10 - Night and Day
11 - Sweet Georgia Brown
12 - Honeysuckle Rose
13 - Black and White
14 - Appel Indirect (Appel Direct)
15 - Improvisation, No. 2
16 - Swing
17 - I’ll See You in My Dreams
18 - H.C.Q. Strut
19 - Rhythme Futur
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Album: Retrospective - 1940-47
Album Artist: Django Reinhardt
Year: 2003 - Bitrate: @320
Genre: Jazz
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Tracks:
01 - Les Yeux Noirs
02 - All Of Me
03 - Swing 42
04 - Blues En Mineur
05 - Douce Ambiance
06 - Manoir De Mes Rêves
07 - Blues Clair
08 - I Can’T Give You Anything But Love
09 - Echoes De Frances
10 - Embracaeble You
11 - Django’S Tiger
12 - Mélodie Au Crépuscule
13 - Nuages (Take 2)
14 - How High The Moon
15 - Just One Of Those Things
16 - Songe D’Automne
17 - Vette
18 - Danse Norvégienne
19 - Django’S Dream (Rêverie)
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Album: Retrospective - 1947-53
Album Artist: Django Reinhardt
Year: 2003 - Bitrate: @320
Genre: Jazz
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Tracks:
01 - Topsy
02 - Dinette
03 - Belleville
04 - Si Tu Savais
05 - Ol’ Man River
06 - Tears
07 - Tiger Rag
08 - Minor Swing
09 - La Mer
10 - Bricktop
11 - Où-Es Tu Mon Amour?
12 - Daphné
13 - Djangology
14 - Place De Brouckère
15 - Nuits De Saint-Germain-Des-Prés
16 - Troublant Boléro
17 - Anouman
18 - Brazil
19 - I’M Confessin’ That I Love You
20 - Nuages
(more…)

Súbitamente, pasadas las 17:30 se hizo de noche. Un instante pasó entre la luz y oscuridad. El termómetro se ponía por encima de los 32 grados y comenzaba a tronar el cielo. Los automóviles pierden ritmo hasta embotellarse en cada esquina, y la gente rápidamente desaparece de las calles haciendo que las veredas no recuperen su ritmo peatonal hasta el siguiente día.

En la Buenos Aires de 1970, Pedro y Pablo consolidaban su fama. “Siempre hay un lugar donde parar”, bien decía Miguel Cantilo cuando se preguntaba dónde va la gente cuando llueve. Lo que me cuestiono es que si “siempre hay un lugar donde parar”, porque no hacerlo al sol. 

De manera contemporánea al poético folk rock de Cantilo, se disolvía la mítica e iniciática banda del rock argentino Almendra. A Edelmiro Molinari, la separación de Almendra lo toma pleno de energía y deseos de seguir la marcha.

“No nos dividimos: nos multiplicamos. Yo creo que va a haber más música” declaró Edelmiro a finales de 1970 mientras pensaba como seguir. Entre diferentes intentos, formó un trío llamado Viento, junto a Luis Gambolini en batería y Vitico Bereciartúa en bajo. Duraron poco, pero mirá si tendría energía que (leí por ahí) que llegó a formar varias bandas más, todas frustradas al poco de iniciarse, y todas durante el mismo 1971. Finalmente, convoca a Rino Rafanelli como bajista, y a David Lebón en batería (increíble David) y crea Color Humano.  Con esa formación graban su primer larga duración.

Cuenta la historia que David va a ver a Spinetta porque quería tocar el bajo con él (que estaba fundando Pescado Rabioso). El flaco, cuando lo recibe, se sorprende y le dice “pero se estás tocando con Edelmiro…”. David pone de excusa un supuesto viaje de urgencia a EEUU para abandonar el grupo, soltando la batería y pasando así a empuñar el bajo para Pescado.

Color Humano queda formado por Rinaldo Rafanelli y , en la batería en reemplazo de David, entra el grosso y recordado Oscar Moro. Así se grabaron los siguientes dos discos. La historia haría que luego se crucen una y otra vez, incluso en el último supergrupo argentino: Serú Girán.

Estuve leyendo que Edelmiro está algo jodido, así que tomemos este posteo como para juntar energías y que salga adelante. Hoy te traje los 3 elepés de Color Humano grabados en estudios. Hay uno más, grabado en vivo en el Roxy 25 años después, pero lo dejamos para otro día. En estos hay muchas colaboraciones: es interesante recordar que en el primer disco los coros están hechos por Gabriela (otra mítica), en el segundo disco colabora Raúl Porchetto, y Egle Martin en el tercero, entre muchos otros. Todo está a 320@ y con su artwork. Imperdible registro del rock de ayer.

Grossssssos!

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Album: Color Humano
Album Artist: Color Humano
Year: 1972 - Version: 1999 - Bitrate: @320
Genre: Rock
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Tracks:
01 - Padre Sol, Madre Sal
02 - Silbame, Oh Cabeza
03 - Larga Vida Al Sol
04 - El Hachazo
05 - Humberto
06 - Introduccion Polenta
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Album: Color Humano II
Album Artist: Color Humano
Year: 1973 - Version: 1999 - Bitrate: @320
Genre: Rock
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Tracks:
01 - Sangre Del Sol
02 - La Tierra Del Gitano
03 - Pascual Tal Cual
04 - Humanoides
05 - Va A Salir Un Lugar
06 - Un Blues Para Adelina
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Album: Color Humano III
Album Artist: Color Humano
Year: 1973 - Version: 1999 - Bitrate: @320
Genre: Rock
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Tracks:
01 - Hombre de las Cumbres
02 - Manana por la Noche
03 - A Traves de los Inviernos
04 - Hace Casi 2000 Anos
05 - Cosas Rusticas
06 - Las Historias Que Tengo
07 - Vestidos de Agua
(more…)

O más bien si, pero volví. Estuve unos días en Punta del Este invitado por unos amigos (que bueno tener amigos como esos… verdad?).  Lo cierto es que unos días en Uruguay son casi sanadores. Y, luego de muchos años sin visitar la zona norte, José Ignacio, con su estilo más tranqui me pareció lo mejor. Punta siempre fue un destino selecto y exclusivo, pero se puede ir. Los precios son bastante normales (comparados con los de Buenos Aires), así que para aquellos que buscan la precisa combinación de paz, placer, sofisticación y belleza, no lo duden: Punta del Este sigue siendo un lugar espléndido.

En medio de mi requerido descanso (a estas alturas, casi una necesidad terapéutica) miraba de reojo el blog y nuestra página de Facebook y sentía la “culpa” de no postear al ritmo que lo venía haciendo… es una realidad: este fin de año será así, Enero un poquito mejor (espero), y luego en Febrero -vacaciones mediante- nos pondremos al día con la música. La buena noticia es que tengo cientos de discos para compartirte…

Joe Louis Walker es un músico fuera de serie. Fijate que su primer disco se editó cuando ya tenía 37 años, y hasta entonces sólo se lo conocía como músico de sesión. Sin embargo, aún con ese bajo perfil, Joe Louis acumuló un prestigio enorme, pero enorme en serio: no muchos (quizás nadie) pueda contar que ha tocado con y para John Lee Hooker, Buddy Miles, Otis Rush, Eric Clapton, Thelonious Monk, Willie Dixon, John Mayall, Muddy Waters, Jimi Hendrix, Branford Marsalis, Steve Cropper, B.B. King, y una enorme lista de etcéteras.

Nació en California, Estados Unidos, en 1949, y siempre se dedicó al blues. Si te disponés a investigarlo vas a ver que tiene una característica notable: si bien para la mayoría de los que escriben acerca de música JLW es un innovador, toda su carrera está construida sobre el blues más tradicional, tanto en la música como en la forma de ejecutar. Sea como fuere, el tipo es un virtuoso.

No demos demasiadas vueltas. Muchas veces no te posteo nada por el tiempo enorrrrme que me toma escribirte estas 500 palabras. Para hoy te traje Great Guitars. Se trata de un disco de duetos con monstruos que sólo Joe Louis Walker podía reunir. Temas con Bonnie Raitt, Otis Rush, Taj Mahal y otros grandes del blues reunidos para la diversión y la buena música. Este disquito de hoy me lo pidió uno de ustedes, pero no encuentro quien…! Así que dedicado al anónimo amigo que lo recomendó para el posteo, y por supuesto, a 320@ y con su artwork, el mejor y más clásico blues.

Grosssso!

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Album: Great Guitars
Album Artist: Joe Louis Walker
Year: 1997 - Bitrate: @320
Genre: Blues
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Tracks:
01 - Low Down Dirty Blues - (f/ Bonnie Raitt)
02 - First Degree - (f/ Ike Turner)
03 - Mile-High Club - (f/V.A.)
04 - Fix Our Love - (f/Otis Rush)
05 - Every Girl I See - (f/ Buddy Guy)
06 - Cold And Evil Night - (f/V.A.)
07 - Hop On It - (f/ Otis Grand)
08 - Nighttime - (f/ Matt Murphy)
09 - Sugar - (f/ The Boostalkers)
10 - In God’s Hands - (f/ Taj Mahal)
11 - High Blood Pressure - (f/V.A.)
(more…)

La actividad tiene una gran ventaja: todos los que algunas veces presionamos un obturador, tuvimos la grata sorpresa de encontrarnos con una buena foto. Todos tenemos alguna que podemos mostrar con orgullo. Y cuando vemos las fotografías de los grandes fotógrafos, suponemos “yo podría haber sacado esta foto”… con la única diferencia que no lo hemos hecho.

Irving Penn nació en 1917 falleció hace un par de años. Se inició haciendo dibujos en la famosa revista Harper’s Bazaar, publicación que se edita desde 1867.  A partir de la década del 40 desarrolló un estilo particular para fotografiar. El tipo, que era especialista en “naturalezas muertas” o “still lifes”, comenzaba a reescribir la manera de representar las imágenes, despojándolas de accesorios y simplificándolas al máximo. Ese mismo concepto fue llevado a los retratos de personajes famosos. Trabajando para la revista Vogue, Penn retrató a los personajes más importantes de las artes, moda y política, con un estilo único. Esos retratos lograban replantear la imagen misma del retratado: Miles Davis, Truman Capote, Pablo Picasso, Igor Stravinsky, o Alfred Hitchcock, han quedado inmortalizados tal como los retrató Penn. Igual sucede con decenas de bellísimas modelos, donde comenzaron a ser retratadas con una sofisticación nunca vista antes, donde además de las ropas de moda se exhibían ritmos, claroscuros, sensualidad y estilo.

Durante la última época de vida, Miles Davis no tuvo -en general- el apoyo de la crítica. Como ya te conté en otros posts, falleció en 1991. Pero unos años antes, en 1986, se edita Tutu. Se trata de un trabajo producido por Marcus Miller que, como todos los de esos años, no fue favorablemente reconocido. Tuvo que pasar mucho tiempo para que, tanto la crítica como el resto del mundo musical, rescate este trabajo que tanta influencia tuvo en el funk, rock y R&B de los 80´s y 90´s.

Para hoy te conseguí la versión la Deluxe Edition de Tutu. Esta edición incluye un segundo Cd con las grabaciones en vivo del Nice Festival, obviamente grabado en Francia en 1986. Por supuesto, con todo el artwork -con la mágica y paradigmática fotografía de Irving Penn al frente del Cd- y a 320@, como debe ser.

Penn y Davis… Miles Ahead!

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Album: Tutu - Cd 1
Album Artist: Miles Davis
Year: 1986 - Version: 2011 - Bitrate: @320
Genre: Jazz
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Tracks:
01 - Tutu - (Marcus Miller)
02 - Tomaas - (Miles Davis/Marcus Miller)
03 - Portia - (Marcus Miller)
04 - Splatch - (Marcus Miller)
05 - Backyard Ritual - (George Duke)
06 - Perfect Way - (Gamson-Gartside)
07 - Don’t Lose Your Mind - (Marcus Miller)
08 - Full Nelson - (Marcus Miller)

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Album: Tutu - Cd 2
Album Artist: Miles Davis
Year: 1986 - Version: 2011 - Bitrate: @320
Genre: Jazz
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Tracks:
01 - Maze - (Erin Davis)
02 - Time After Time - (Hyman\Cyndi Lauper)
03 - Opening Medley - (John Scofield\Miles Davis)
04 - Portia - (Marcus Miller)
05 - Splatch - (Marcus Miller)
06 - New Blues - (Miles Davis)
07 - Carnival - (Neil Larsen)
08 - Human Nature - (Porcaro\Bettis)
(more…)

Es un lugar extrañamente elástico, al menos para los medios de comunicación. Cuando estuvieron The Strokes hablaron de 40.000 asistentes. Para la noche de la New Blood Orchestra, en medios como Infobae, Página/12 o la mismísima Rolling Stone dicen que hubo más de 30.000 personas. Otros medios nacionales han sido más austeros y hablan de 18.000.  La información acerca de la capacidad del Estadio GEBA (Gimnasia y Esgrima de Buenos Aires) indica 12.000 personas. A eso hay que sumarle lo que entra en el campo (todos prolijamente sentaditos), y restarle la cabecera completa (un 20% del total, como mínimo). El ahora mediático matemático Paenza, seguramente, diría que esa cuenta no da más de 22 o 24 mil.

Independientemente de cuántos fuimos, debo confesar que lo hice si mayores expectativas. Peter Gabriel es uno de nuestros máximos héroes del rock, pero temía que podía ser una versión aburrida de su historia musical, quizás la cosa se ponía demasiado sinfónica… quizás pesada. No dije nada cuando mi amigo H me entusiasmó meses antes para que saquemos entradas.

Llegó la noche de Viernes 18 y hacia el GEBA fuimos. El escenario se veía cargado de sillas y vacío de ornamentos. La impresión inicial era que la puesta iba a ser sencilla. Estábamos sentados a unos 20 o 25 metros del escenario, justo en el centro. Luego de un momento de espera, apareció el gran Peter en medio de una suave ovación, ésas suaves que damos los que ya tenemos más de 30. Obviamente, el promedio de los asistentes tendría unos 45 años, pocos pelos o ya blancos y algo de pancita.  Peter, sin luces ni puesta alguna, presenta a Jesca Hoop y Ane Brun, las dos mujeres que serían las responsables de los coros, y comienzan a cantar solas un par de canciones acústicas… “Dos filas a la derecha, Juan Carlos”, le indiqué con una sonrisa a Baglietto que pasaba perdido por delante nuestro con un pancho en cada mano buscando a su pareja y su lugar. El nivel de distracción era máximo. Yo seguía bajando el nivel de expectativas… se avecinaba una larga noche.

Un concierto inolvidable.

Todo cambió rápidamente. Entró la orquesta: casi 50 personas sobre el escenario, mitad ingleses y mitad argentinos, comenzaron a sonar. Peter, a un costado, apenas se movía mientras iniciaba su show con Heroes. En dos telones laterales se proyectaba gigante la cara de Gabriel. De a poco, mientras iban soltando los hits, comenzaba a funcionar cámaras que proyectarían a decenas diferentes de planos. El show multimedia iría creciendo. Entre luces y humo podían aparecer proyectados los ojos de Peter, o la mano de un chelista, o decenas de escenas de la orquesta, o la histriónica imagen de su genial director Ben Foster (para mí, junto al viejo Peter, lo mejor de la noche). La música y la imagen componían un ambiente onírico y de excitante goce. Entre tema y tema, Peter haciendo esfuerzos para sonar bien, leer presentaciones en español, y esquivar las bocinas de los trenes vecinos que pasaron y sonaron sin cesar.

El entusiasmo crecía de la mano de “In Your Eyes”, “San Jacinto”, “Mercy Street”, “Don’t Give Up” o “Red Rain”. Los miedos iniciales desaparecieron cuando quedó claro que no faltaría nada de lo genial de su historia. “Biko” hizo que se levanten los brazos, la orquesta sonó implacable en “The Rhythm of the Heat”, y con “Solsbury Hill” fue una fiesta. A esa altura, las cámaras que se multiplicaban (bajando desde el techo o surgiendo desde entre los concertistas) convirtiendo al concierto en un alucinante video clip en vivo. Se aplaudió de pie, se disfrutó a pleno. Salimos todos caminando tranquilamente, con ganas de más, habiendo disfrutado a un Peter Gabriel impecable, y con la certeza de haber visto uno de los buenos en serio… y pensar que yo iba con bajas expectativas!!

Oscar Jalil, en la Rolling Stone, acierta al decir “Entre tantas resurrecciones oportunistas y reciclajes de ocasión, Peter Gabriel volvió a desmarcarse de las ideas previsibles que persiguen a toda estrella de rock con más de 40 años de historia“. Para recordarlo te traje New Blood. El disco editado recientemente contiene todo el contenido del show más algunos otros temas. Te conseguí la Special Edition, a 320@ y con todo el artwork, que es un doble CD con el segundo en versiones sólo de orquesta o instrumentales.

Grossssssssísimo!

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Album: New Blood - Cd 1
Album Artist: Peter Gabriel
Year: 2011 - Bitrate: @320
Genre: Progressive Rock
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Tracks:
01 - The Rhythm Of The Heat
02 - Downside Up
03 - San Jacinto
04 - Intruder
05 - Wallflower
06 - In Your Eyes
07 - Mercy Street
08 - Red Rain
09 - Darkness
10 - Don’t Give Up
11 - Digging In The Dirt
12 - The Nest That Sailed The Sky
13 - A Quiet Moment
14 - Solsbury Hill
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Album: New Blood - Cd 2
Album Artist: Peter Gabriel
Year: 2011 - Bitrate: @320
Genre: Progressive Rock
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Tracks:
01 - The Rhythm of the Heat (Instrumental)
02 - Downside Up (Instrumental)
03 - San Jacinto (Instrumental)
04 - Intruder (Instrumental)
05 - Wallflower (Instrumental)
06 - In Your Eyes (Instrumental)
07 - Mercy Street (Instrumental)
08 - Red Rain (Instrumental)
09 - Darkness (Instrumental)
10 - Don’t Give Up (Instrumental)
11 - Digging in the Dirt (Instrumental)
12 - The Nest that Sailed the Sky (Instrumental)
13 - Blood of Eden (Bonus Track)
(more…)

Todos ellos son hijos de la guerra. Ya lo hemos comentado en otros posteos… la tasa de natalidad en Inglaterra durante entre 1946 y 1949 se multiplicó en cuatro o cinco con relación a la de los años anteriores. Mucho más marcado que en los Estados Unidos, la Europa de la postguerra era un desastre y la reunión de las familias se hacía evidente. Casi todos nuestros héroes del rock nacieron en esos años… los Yes, Los Who, los Jethro, etc… justo después de los Rolling y los Beatles, todos son hijos de la guerra. Pero terminada la guerra, quién era el enemigo?

La revista de rock más tradicional, junto a la Rolling Stone en Estados Unidos, es la New Musical Express. Editada desde Londres, el bien conocida como “El Enemigo” (NME o The Enemy por sus siglas en inglés). Originalmente competía con Melody Maker, pero el mercado se hizo pequeño y sólo una sobrevivió… el enemigo ganó y absorbió a la MM  en el año 2000. Si te interesa el tema, leé esta interesante nota de la BBC acerca del tema.

Volvamos a la historia. En 1967, el enemigo publicó un aviso que buscaba jóvenes talentos. El aviso era promovido por Liberty Records, disquera que estaba tras la caza de jóvenes talentos musicales.  Al mismo aviso respondieron por un lado Reginald Kenneth Dwight como cantante y pianista, y Bernard John Taupin por el otro. Ambos, luego más conocidos como Sir Elton John y Bernie Taupin, el dúo más exitoso de la historia de la música moderna.

Desde aquellos años hasta ahora, con mínimos altibajos, Bernie viene componiendo la mayoría de los increíbles éxitos de Elton. Y por su parte, Sir John no ha defraudado: el hombre de los mil anteojos lleva vendidos más de 250 millones de discos, siendo el tercer más exitoso músico de la historia del Billboard. Desde sus inicios lleva metidos 56 Top 40, 16 Top 10, 4 Nº. 2, y 9 Nº. 1 hits. Un monstruo.

Hasta hoy Sir Elton sigue sonando. Pero uno de sus discos más importante, y por consiguiente uno de los más destacados de la música pop, fue grabado en 1973, y es Goodbye Yellow Brick Road. Está considerado como uno de los mejores álbumes de rock de la historia, y el mejor y más popular de Elton John. El álbum combina baladas, rock del clásico, y pop del mejor. Elton John es un increíble intérprete y, desde ese 1967, pasando por picos como en 1973, él y Bernie Taupin se hicieron gloriosos.

Para hoy te traje la imperdible versión del “Adiós Camino De Ladrillo Amarillo” (que nombre…! verdad?), MFSL 24 Karat Gold Remasterizada en 1996. Obviamente a 320@ y con todo el artwork y booklet con las letras de todos los temas. Así que tirá tu vieja versión en 128… la que tenés que tener es ésta, la del Sacred!

Un Clásico Grossssísimo!

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Album: Goodbye Yellow Brick Road
Album Artist: Elton John
Year: 1973 - Version: 1996 - Bitrate: @320
Genre: Rock
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Tracks:
01 - Funeral For A Friend_Love Lies Bleeding
02 - Candle In The Wind
03 - Bennie And The Jets
04 - Goodbye Yellow Brick Road
05 - This Song Has No Title
06 - Grey Seal
07 - Jamaica Jerk-Off
08 - I_ve Seen That Movie Too
09 - Sweet Painted Lady
10 - The Ballad Of Danny Bailey (1903-34)
11 - Dirty Little Girl
12 - All The Girls Love Alice
13 - Your Sister Can_t Twist (But She Can Rock _N_ Roll)
14 - Saturday Nights Alright For Fighting
15 - Roy Rogers
16 - Social Disease
17 - Harmony
(more…)

Sobre este disco hay varias cosas para decir. La primera es que, pese a no haber tenido una buena acogida por parte de la prensa al momento de la edición, luego, a medida que pasaban los meses, Raising Sand comenzaba a ser una obra reconocida y destacada. Quizás el motivo es que éste no es un disco de Robert Plant, ni mucho menos de aquello que esperan vestigios Zeppelianos en su cantar… éste es un disco de bella Alison Krauss: una americana de Illinois muy reconocida y premiada en los Estados Unidos. Cantante, compositora y excelente violinista, su carrera se ha cimentado sobre los estilos bluegrass y country. Cuando este disco se editó fuera de los Estados Unidos, Robert Plant era el nombre fuerte del dúo, sin embargo es un disco de estricto estilo country. Sólo algún vestigio blusero donde reconocerlo. El resto es country puro, pero del mejor.

Cuando se escucha el disco, te das cuenta que la factura es exquisita. No hay fisuras, el dúo suena como dúo, y la música de soporte es precisa y prolija. Cuál es el secreto? Fue producido por T-Bone Burnett, un experimentadísimo productor en cuyos trabajos previos encontramos discos producidos para Elvis Costello, Roy Orbison, B.B. King, Willie Nelson, Gregg Allman, Counting Crows, Elton John, Leon Russell, Natalie Merchant, Tony Bennett, k. d. Lang, Arlo Guthrie, y sigue la lista. Casi nada, verdad?

Hace unos años, un amigo que sabe mucho de música, me recomendaba reconocer a los productores en cada disco. Saber quien produce es un dato crítico a partir del cual podés predeterminar estilos, calidad, etc. T-Bone es uno de los productores a seguir.

Volviendo al disco, Raising Sand sumó otro Grammy a la lista de más de 20 que Alison tiene ganados. La recomendación es fuerte: el mejor country, dos voces excepcionales y la mejor producción. Dentro del estilo, esto es de lo mejor que hay.

Grosssssso! 

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Album: Raising Sand
Album Artist: Robert Plant & Alison Krauss
Year: 2007 - Bitrate: @320
Genre: Rock
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Tracks:
01 - Rich Woman
02 - Killing The Blues
03 - Sister Rosetta Goes Before Us
04 - Polly Come Home
05 - Gone Gone Gone (Done Moved On)
06 - Through The Morning, Through The Night
07 - Please Read The Letter
08 - Trampled Rose
09 - Fortune Teller
10 - Stick With Me Baby
11 - Nothin’
12 - Let Your Loss Be Your Lesson
13 - Your Long Journey
(more…)

Primero es que estamos (el blog) sometidos a un ataque de spammers. Cuando antes lo habitual era que entre 5 a 15 comentarios por día eran de publicidades (spams), estos días estoy recibiendo unos 10 o 20 por hora.  Si bien tengo filtros que me ayudan mucho, el 30% hay que borrarlos a mano. Por otro lado todo se pone más pesado, el sitio se carga más lento, etc., etc… Esperemos que pase pronto la tormenta así se regulariza el funcionamiento.

Segundo estamos teniendo días que superan las 2.000 visitas. Si… dos mil visitas por día! Yo alguna vez había soñado con tener 100, pero la cosa sigue para arriba. Como siempre, lo primero es agradecerles, y pedirles que comenten, que saluden, que entre todos hacemos y mantenemos la onda del “lugar”. Por mi parte, aquí siempre me encontrarán.

Tercero: junto con las 2.000 vivitas diarias, llegamos a 100 seguidores en Twitter, y ya hay 770 miembros en el grupo de Facebook!! Claro que se mezclan algunas cosas, pero son todos bienvenidos. Es un buen medio de comunicación. Por otro lado hay más de 120 wallpapers exclusivos para los lectores del blog, algunos contenidos especiales, etc.,etc.. Por ejemplo, el adelanto de Pink Floyd y la versión Inmersion de Wish You Were Here será por primero por FB y luego posteada completa en el blog.

Y por último, y antes de ir derechito a la música, un comentario menor. “Para de postear!!” me escribieron por mail. Mensajes que dicen: “Hey, ya no me da el rígido” o “no doy abasto a bajar todo lo que subís”, o cosas por el estilo. Mi amigo H me preguntó hace un par de días si no estaba posteando demasiado seguido. Lo cierto es que estoy posteando bastante espaciado. Antes lo hacía hasta 3 veces por semana. Ahora me es difícil sostener el ritmo de 1 sola vez. Será que estoy mandando más discografías completas?  Como sea, jamás pensé que el problema podía ser “lo mucho” y siempre me preocupé por no perder el ritmo… Por las dudas sigo así. No te parece?  

Vamos a la música! 

Stevland Hardaway Judkins Morris nació en 1950 en Michigan, Estados Unidos. Debido a algunos problemas con su nacimiento prematuro, no pudo desarrollar sus retinas y desde siempre fue un “no vidente”.

A los 11 años se lo presentan al famosísimo fundador de Motown, Berry Gordy, quien no duda en ficharlo. Se me ocurre que en aquellos años hacer firmar a un niño de 11 años con una discográfica era algo similar a los que pasa ahora con los de fichan en un club de futbol: cada tanto aparece algún Leo Messi. Y así fue. Desde ese mismo momento (año 1962), Stevie ya grababa discos profesionalmente. Y como su verdadero nombre era impronunciable, desde esos mismos días le cambiarían el nombre: “Es la octava maravilla del mundo” decían en la disquera, y a partir de allí para todos fue Stevie “Wonder”.

Cuál fue su mérito? Quizás Stevie Wonder sea el mejor compositor Pop de todos los tiempos. Su capacidad y calidad para fusionar jazz, R&B, soul, funk y rock le ha dado una personalidad única a su música. Creció componiendo junto a músicos de la talla de Ray Charles, Sam Cooke, James Brown, Frankie Lymon, y Duke Ellington. Contaron ser fervientes seguidores y admiradores pibes como: Herbie Hancock, Paulinho Da Costa, Michael Jackson, Jamiroquai, Bob Dylan, Paul McCartney y muchos otros gigantes.

Desde el principio fue una máquina. Metió 23 álbumes en estudios, 4 en Vivo, 3 soundtracks, y decenas de compilaciones, colaboraciones, DVD´s, participaciones en shows televisivos, etc.,etc.  Sin embargo el ritmo de edición sí que fue irregular. De los 23 álbumes de estudios, 14 salieron a las calles entre 1962 y 1972. Entre el ´72 y el ´76 se editarían sus 4 discos más vendidos y famosos. Y luego, sólo 5 discos más en los últimos 30 años. Sin embargo, pese a la irregularidad, sus dos matrimonios, su ceguera, y en medio algunas adicciones, el tipo sigue tocando y sigue sonando.

Su carrera fue (y lo sigue siendo) completamente sensacional.  Entre los reconocimientos y premios que obtuvo, podemos citar a Songwriters Hall of Fame, Oscar por major canción (I Just Called to Say I Love You), Rock and Roll Hall of Fame, el Polar Music Prize, Kennedy Center Honors, el George and Ira Gershwin Lifetime Achievement Award, el Billboard Century Award, ubicado en el puesto 15 de los 100 Greatest Rock and Roll Artists of All Time de la Rolling Stone Magazine, rankeado número 5 como “The Billboard Hot 100 Top All-Time Artists”, el  Montreal Jazz Festival Spirit Award, nombrado Mensajero de la Paz por las Naciones Unidas, y 25 premios Grammy incluyendo el prestigioso Lifetime Achievement Award. Casi nada, verdad?

Bueno, basta de texto!. Para hoy te traje la crema de su discografía. Entre 1972 y 1976 se editó Talking Book, Innervisions, Fulfillingness’ First Finale y el doble Songs in the Key of Life. Hacé click ya mismo: Te subí las mejores y más recientes versiones remasterizadas de esos 4 de sus mejores discos. Además, y como yapa, te conseguí los masters de las 16 pistas en la que fueron grabadas uno de sus enormes éxitos: Supersition. No dudes en bajarlo… allí tenés 16 Mp3 a 320@, uno por cada pista del tema: escuchá sólo su voz, elegí sólo los bronces o una base rítmica, etc… Te acordás que te comenté de la calidad de la fusión entre el funk, R&B, soul, y demás? Con los tracks separados es una delicia verlo funcionar.

Imperdibles!!

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Album: Talking Book
Album Artist: Stevie Wonder
Year: 1972 - Version: 2010 - Bitrate: @320
Genre: Pop
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Tracks:
01 - You Are The Sunshine Of My Life
02 - Maybe Your Baby
03 - You And I
04 - Tuesday Heartbreak
05 - You’ve Got It Bad Girl
06 - Superstition
07 - Big Brother
08 - Blame It On The Sun
09 - Lookin’ For Another Pure Love
10 - I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)
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Album: Innervisions
Album Artist: Stevie Wonder
Year: 1973 - Version: 2009 - Bitrate: @320
Genre: Pop
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Tracks:
01 - Too High
02 - Visions
03 - Living For The City
04 - Golden Lady
05 - Higher Ground
06 - Jesus Children Of America
07 - All In Love Is Fair
08 - Don’t You Worry ‘Bout A Thing
09 - He’s Misstra Know-It-All
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Album: Fulfillingsness’ First Finale
Album Artist: Stevie Wonder
Year: 1974 - Version: 2011 - Bitrate: @320
Genre: Pop
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Tracks:
01 - Smile Please
02 - Heaven Is 10 Zillion Light Years Away
03 - Too Shy To Say
04 - Boogie On Reggae Woman
05 - Creepin’
06 - You Haven’t Done Nothin’
07 - It Ain’t No Use
08 - They Won’t Go When I Go
09 - Bird Of Beauty
10 - Please Don’t Go
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Album: Songs In The Key Of Life - Cd 1
Album Artist: Stevie Wonder
Year: 2011 - Bitrate: @320
Genre: Rock
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Tracks:
01 - Love’s in Need of Love Today
02 - Have a Talk with God
03 - Village Ghetto Land
04 - Contusion
05 - Sir Duke
06 - I Wish
07 - Knocks Me Off My Feet
08 - Pastime Paradise
09 - Summer Soft
10 - Ordinary Pain
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Album: Songs In The Key Of Life - Cd 2
Album Artist: Stevie Wonder
Year: 2011 - Bitrate: @320
Genre: Rock
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Tracks:
01 - Isn’t She Lovely
02 - Joy Inside My Tears
03 - Black Man
04 - Ngiculela~Es Una Historia~I Am Singing
05 - If It’s Magic
06 - As
07 - Another Star
08 - Saturn
09 - Ebony Eyes
10 - All Day Sucker
11 - Easy Goin’ Evening (My Mama’s Call)
(more…)

Lewis Allen Reed nació en Nueva York hace casi 70 años. Músico, artista plástico, fotógrafo de inmenso talento, siempre se sintió movilizado por las artes. Se inició en la música cuando era adolescente, en la década de los 50´s. Estudió periodismo, dirección de cine, asistía a talleres de narrativa, pero siempre con atención a sus preferencias: el  R&B y el Jazz. Todo ello, sumado a sus orígenes en una típica familia liberal judía de Brooklyn, a sus impresionantes crónicas de cuando lo sometieron a terapias de electroshocks cuando tenía 14 años para “curarlo” de sus tendencias bisexuales, y a su activista posición con relación al ejercicio de las actividades culturales hicieron nacer al genial Lou Reed.

En los 60´s ya había grabado algunos singles, cuando después de algunos fallidos, se mescla con la crema de la movida under neoyorquina. De allí arman la histórica banda The Velvet Underground, que sonarían en simultáneo a las performances de Andy Warhol, su mentor y protector.

Ya en los 70´s inicia su carrera en solitario. Su primer larga duración fue grabado con la colaboración de Rick Wakeman y Steve howe (entre otros) mostrando el prestigio del que en ese momento ya era acreedor. En el ´72 se edita Transformer, disco producido por David Bowie, que escala en los rankings hasta convertirse en su álbum más paradigmático. De ese disco es su hit Walk On The Wild Side (increíble tema acerca del desabarranque neoyorquimo).

Su producción se mantiene en excelentes niveles de calidad hasta mediados de los 70´s, donde el consumo de drogas duras mancillaron su capacidad compositiva e interpretativa. Recién en los 80´s, y luego de un penoso tratamiento para liberarse de las adicciones, regresó con The Blue Mask, donde Lou sigue exorcizando sus demonios, y a la vanguardia del rock como su mejor y permanente bandera de identificación.

Hoy, el viejo Lou sigue girando. Casado con la genial Laurie Anderson son una verdadera pareja de talentos y, si tenés ganas de curiosear, en Youtube vas a encontrar unas cuantas grabaciones de los últimos 5 años donde, marido y mujer, suenan juntos sobre los escenarios.

Lou Reed es un ícono de los movimientos de música independiente. Es cierto que ya casi no compone. Pero mientras los que arrancaron con él ya casi no existen y pese a que hasta lo han dado por muerto en más de una ocasión, Lou sigue sonando, editando libros de fotografías, pintando, y siendo convocado para colaboraciones con los músicos más importantes de la tierra.

Panocha siempre me recuerda “los pendientes”. Una vez cometí la imprudencia de decirle que iba a postear a Lou Reed para que lo escuche, y el tipo nunca se olvida… Bueh! lo prometido es deuda. Para hoy traje dos boxset de Lou Reed de 5Cd´s cada uno. El primero arranca con su primer Lp grabado en 1971, hasta el quinto de 1976. Luego el segundo box esquiva, con bastante criterio, los años complicados del amigo y retoma desde 1982 con 5 Cd´s más. Todo está remasterizado, son 10 Cd´s a 320@  y con su correspondiente Artwork. Es ésta “la” colección que debés tener del amigo Lou.

Desde el Under más subterráneo hasta elaboradas armonías de jazz. Un sofisticado peleador callejero del rock. Un vanguardista que jamás se quedó quieto. Un genial Lou.

(more…)

Anthony Dominick Benedetto acaba de cumplir 85 años. Ningún síntoma indicaría que se quiere retirar. No ha dejado de trabajar desde adolescente, y gracias al apoyo de sus hijos, que una vez adultos se hicieron managers de su carrera, pudo salir de una profunda depresión (hace unos 15 años) y seguir adelante con una trayectoria sin igual.

Protagonista de una vida de película, nació en 1926. Fue soldado de la infantería americana en la segunda guerra mundial, y no fue sino hasta después de la misma guerra que comenzó su carrera profesional. Durante sus más de 60 años de carrera ganó 15 Grammy´s, 2 Emmy´s, y decenas de otros premios y reconocimientos. Además de cantar como los dioses, es un notable artista plástico. Hay muestras permanentes de sus pinturas y dibujos en los lugares más distinguidos de Nueva York.

El tipo es feliz. Anunció que trabajará hasta morir y no tiene ninguna intención de retirarse.

Es un clásico “Easy Listening”. En mi opinión, como cantante es sólo comparable a Frank Sinatra, o como artista del mundo del espectáculo a Fred Astaire. Con motivo de su cumpleaños 85 se editó Duets II, y el destino quiso que este sea su primer álbum en trepar a los primeros puestos de los charts en toda su vida. Será por su edad, será por la promoción recibida, será por contener uno de los últimos registros de Amy Winehouse que existen, pero sea por el motivo que fuere, se vendieron más de 200.000 copias en la primer semana de ventas, el 21 de Octubre certificó Gold superando las 500.000 copias y sigue en carrera. Tony se lo merece.

Espero que no se enoje nadie (fundamentalmente la Columbia). Hoy te traje los dos Duets: el primero del 2006 con tipos de la talla de James Taylor, Barbra Streisand, Elton John, Elvis Costello, Stevie Wonder, etc; y el último acompañado por Norah Jones, Willie Nelson, Lady Gaga, Natalie Cole, y la recordadísima Amy.

Del rubro, leeeeejos lo mejor!! 

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Album: Duets I (An American Classic)
Album Artist: Tony Bennett
Year: 2006 - Bitrate: @320
Genre: Vocal
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Tracks:
01 - Tony Bennett Lullaby Of Broadway - (deat. Dixie Chicks)
02 - Tony Bennett Smile - (feat. Barbra Streisand)
03 - Tony Bennett Put On A Happy Face - (feat. James Taylor)
04 - Tony Bennett The Very Thought Of You - (feat. Paul McCartney)
05 - Tony Bennett The Shadow Of Your Smile - (feat. Juanes)
06 - Tony Bennett Rags To Riches - (feat. Elton John)
07 - Tony Bennett The Good Life - (feat. Billy Joel)
08 - Tony Bennett Cold, Cold Heart - (feat. Tim McGraw)
09 - Tony Bennett If I Ruled The World - (feat. Celine Dion)
10 - Tony Bennett The Best Is Yet To Come - (feat. Diana Krall)
11 - Tony Bennett For Once In My Life - (feat. Stevie Wonder)
12 - Tony Bennett Are You Havin’ Any Fun - (feat. Elvis Costello)
13 - Tony Bennett Because Of You - (feat. K.D. Lang)
14 - Tony Bennett Just In Time - (feat. Michael Buble’)
15 - Tony Bennett The Boulevard Of Broken Dreams - (feat. Sting)
16 - Tony Bennett I Wanna Be Around - (feat. Bono)
17 - Tony Bennett Sing, You Sinners - (feat. John Legend)
18 - I Left My My Heart In San Francisco - (feat. Bennett)
19 - Tony Bennett How Do You Keep The Music Playing - (feat. George Michael)

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Album: Duets II
Album Artist: Tony Bennett
Year: 2011 - Bitrate: @320
Genre: Vocal
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Tracks:
01 - Tony Bennett The Lady Is a Tramp - (feat. Lady Gaga)
02 - Tony Bennett One for My Baby - (feat. John Mayer)
03 - Tony Bennett Body and Soul - (feat. Amy Winehouse)
04 - Tony Bennett Don’t Get Around Much Anymore - (feat. Michael Buble)
05 - Tony Bennett Blue Velvet - (feat. K.D. Lang )
06 - Tony Bennett How Do You Keep the Music Playing - (feat. Aretha Franklin)
07 - Tony Bennett The Girl I Love - (feat. Sheryl Crow)
08 - Tony Bennett Sunny Side of the Street - (feat. Willie Nelson)
09 - Tony Bennett Who Can I Turn To - (feat. Queen Latifah)
10 - Tony Bennett Speak Low - (feat. Norah Jones)
11 - Tony Bennett This Is All I Ask - (feat. Josh Groban)
12 - Tony Bennett Watch What Happens - (feat. Natalie Cole)
13 - Tony Bennett Stranger in Paradise - (feat. Andrea Bocelli)
14 - Tony Bennett The Way You Look Tonight - (feat. Faith Hill)
15 - Tony Bennett Yesterday I Heard the Rain - (feat. Alejandro Sanz)
16 - Tony Bennett It Had to Be You - (feat. Carrie Underwood)
17 - Tony Bennett When Do the Bells Ring for Me - (feat. Mariah Carey)

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Si hubiese nacido a principios del siglo pasado, probablemente la lista no se extendería mucho más. Pero en estos días hay otra categoría. Aquellos de los que sólo hemos leído algo, aquellos a los que no les conocemos la cara en 3D, quizás aquellos de los que sólo los conocemos de a 140 caracteres por vez. Aquellos que aquí escriben (me incluyo) y son leídos desde un país lejano al propio. Aquellos de los que conocemos -quizás- su opinión, pero no su perfume ni como suena su gemido al llorar.

Esta última categoría es la de los “virtuales”. Son aquellos aparentes, factibles, implícitos, tácitos, posibles… Aunque ninguna de las acepciones incluya “reales” debemos reconocer que sí, que allí están. Que de a poco observamos que pueden informarnos, saludarnos, compartir su opinión o sus gustos. Podemos conocer su cara, saber si tiene hermanos o amigos de sus hermanos. Pueden hacernos reír, hasta incluso los podemos extrañar. Muchos de ellos son gente con los que compartiste secretos insondables, te aconsejaron o aconsejaste, polemizaste o, simplemente, eliminaste de tu lista. Si bien siguen siendo “sólo texto”, nos hemos dejado sensibilizar por ellos. Están ahí. Son los factibles, implícitos, tácitos. Son los virtuales que llegaron para quedarse, y saludarnos, extrañarnos, informarnos, o hacernos reír, aunque quizás no reconozcas su voz, ni escuchemos su gemido al llorar.

Con mucho bombo y estruendos llegó otra reedición de Pynk Floyd. Leí todo lo que encontré al respecto, y me junté con mucho material antes de hacer este posteo. Originalmente, el proyecto se llamó “Why Pink Floyd…?”. Aunque yo hubiese sugerido que le pongan “Why Pink Floyd… again?”. La cuestión es así: Existe una reedición completa de la discografía de los ingleses remasterizada por James Gurthrie llamada Discovery. El Box contiene los 14 Cd´s oficiales de la banda (16 en total porque Ummaguma y The Wall son dobles) con 60 páginas de artwork. Debo reconocer que el sonido es MUY BUENO, y si bien ya había trabajos excelentes como los MFSL, esta versión está completa y equilibrada. Por algún motivo, Ummaguma no fue remasterizado nuevamente, y se utilizó el mismo remaster de 1994. Sin embargo, me pareció excelente escuchar The Wall en esta nueva versión. Se recuperó muchísimo de calidad y brillantez.

Bien, hasta ahí el Discovery.

Por otro lado tenemos las versiones Experience. Éstos son boxes separados de The Dark Side Of The Moon, Wish You Were Here y The Wall. Contienen el mismo disco original que figura en Discovery más otro unreleased grabado en vivo y más artwork.

Y finalmente las versiones Immersion. Son armadas sobre las versiones Experience, pero además agregan DVD´s con algún concierto, más artwork, early mixes, y más artwork todavía.

La versión Discovery ya salió completa a la calle. De las Experience, ya salió The Dark Side of the Moon (26 de Septiembre), y luego saldrá Wish You Were Here (7 de Noviembre de 2011) y finalmente The Wall, (27 de Febrero de 2012). De las versiones Immersion ya salió The Dark Side of the Moon (6 discos el 26 de Septiembre), y ahora se espera a Wish You Were Here (5 discos el 7 de Noviembre de 2011) y The Wall (7 discos el 27 de Febrero de 2012).

Analicé todo lo que salió: 2 versiones de Discovery, y la Experience y Immersion de The Dark Side of the Moon. Te cuento mi conclusión y que cosa subí: Elegí la versión japonesa del Discovery que me pareció mejor que la inglesa. En esa, reemplacé Dark Side por la versión Experience (así no te perdés la versión en vivo ni el artwork original). De la versión Immersion descarté todo! Son mixes y versiones de versiones que al final parecen ser todas iguales, duplicadas en Cd´s de audio o en DVD´s o en Blue Ray, y las partes de video (que son interesantes) son las imágenes de lunas apareciendo o gente caminando que los Floyd suelen proyectar en el escenario en los shows en vivo.  Yo pensé que me encontraria con algún viejo concierto nunca editado o algo así. Pero no, nada de eso. El unico video es el de la peli que ya posteamos acerca de cómo se grabo The Dark side… O sea: el Inmmersion son 10.1GB más el artwork… tiene sentido sólo para regalo y en versión original.

Así que, como lo prometido es deuda, aquí traje la versión japonesa del remaster 2011 de Pink Floyd Discovery, combinado con Experience. Con más de 1 GB de artwork entre todos los discos, sumado al del mismo box. Todo en 320@, listo para que consideres “tu versión definitiva” de los discos de la banda más grande de la psicodelia inglesa.

Enjoy Floyd!!

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A comienzos de los 70´s, el portugués João Ricardo trabajaba de periodista en el diario Ultima Hora. Su padre, el poeta João Apolinario, influyó de manera determinante en sus intereses artísticos al punto apoyarlo sólidamente cuando decide abandonar la editorial y dedicarse por completo a  la música. Así, João Ricardo avanza en la búsqueda de compañeros para formar un grupo, mientras musicalizaba poesías populares y folklore brasileño, pero llevado al rock y a la MPB.

Para fundar Secos & Molhados contactó a Ney Matogrosso, que rápidamente lo hipnotizó con su vos de soprano y sus serpenteantes movimientos en los shows. Entre ambos nació una excelente química artística, y todo lo que hicieron juntos durante esos años fue un suceso. Entre los dos primeros discos se vendieron más de un millón de copias, decenas de miles se juntaba para ver sus shows en vivo, la Rede Globo los pasaba en vivo por TV, y hacia 1973 eran absoluto éxito. En Febrero del ´74 dan un concierto en el llamado Maracanãzinho, donde 30.000 personas logran verlos en vivo, pero 90.000 que no pudieron entrar los siguen desde afuera. Luego de ello, lo inevitable y conocido: estando en el pico de la fama, guerra de celos, discusiones por dinero, y tensiones artísticas provocan la salida de Ney Matogrosso.

La banda tuvo muchos intentos por volver (de hecho edito varios discos más) pero nunca volvieron a los mismos niveles de aceptación. Por su parte, Ney Matogrosso inició una exitosa carrera como solista que sigue hasta estos días.

Para hoy, te traje los dos discos más importantes del grupo, que se remasterizaron y reeditaron juntos en 1999. Temas como O Vira, Assim Assado, Rosa de Hiroshima, aún se escuchan en las radios de Brasil. Hace pocos días los recordábamos con el amigo del blog Fabio. Brasil, en los comienzos de los 70´s, tuvo una gigantesca movida hippie. Para mi modo de ver, tres fueron los pilares que la representaron desde el punto de vista musical: Os Mutantes, Som Imaginário, y los geniales Secos & Molhados. Las pinturas en las caras no nacieron con Kiss, ni la mezcla de rock con MPB nació con Os Paralamas. Para todo eso estuvieron Ney Matogrosso y los Secos & Molhados!

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Album: Dois Momentos
Album Artist: Secos & Molhados
Year: 1973/1974 - Version: 1999 - Bitrate: @320
Genre: MPB
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Tracks:
01 - Sangue Latino
02 - O Vira
03 - O Patrão Nosso De Cada Dia
04 - Amor
05 - Primavera Nos Dentes
06 - Assim Assado
07 - Mulher Barriguda
08 - El Rey
09 - Rosa De Hiroshima
10 - Prece Cósmica
11 - Rondó Do Capitão
12 - As Andorinhas
13 - Fala
14 - Tercer Mundo
15 - Flores Astrais
16 - Não, Não Digas Nada
17 - Medo Mulato
18 - Oh! Mulher Infiel
19 - Vôo
20 - Angústia
21 - O Hierofonte
22 - Caixinha De Música Do João
23 - O Doce E O Amargo
24 - Preto Velho
25 - Delírio
26 - Toada & Rock & Mambo & Tango & Etc.
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Sonny Clark fue un pianista yanqui que, si no hubiese muerto tan joven (nació en el ´31 y murió en el ´63, no habiendo cumplido los 32 años de edad) hubiese llegado sin problemas a ser uno de los más grandes de la historia, al menos como pianista “Hard-Bop”. Él forma, junto a Charlie Parker y Fats Navarro (quizás algún otro) el grupo de los que fallecieron muy jóvenes no sin antes dejar su marca y huella que luego muchos seguirían. Entre los que se declaran “influenciados” por Sonny tenemos a capos como Dexter Gordon,  Art Taylor, Rudy Van Gelder, Gene Russell, y Bill Evans…. Nada menos!  Y sus grabaciones fueron compartidas por Art Farmer, John Coltrane, Sonny Rollins, Curtis Fuller, Dexter Gordon y muchos otros.

El estilo de Clark es claro: tal como si fuera un Oscar Peterson, poseía un estilo muy rápido, con grandilocuentes despliegues de acordes y complejas resonancias. Nada de lo que pasaba por sus manos quedaba “como el original”. A su vez, dirigía su propio grupo con mucha generosidad: no se trataba de 4 que seguían un piano, sino un verdadero y equilibrado quinteto donde todos lucían su espacio.

En la época de oro de la disquera Blue Note Records, en 1958 y recién mudada a Nueva York, es donde tiene lugar esta grabación. Ya te había contado antes que los mejores músicos de jazz tuvieron su espacio en este histórico sello. Cool Struttin’ es -a mi gusto- un excelente disco, y es considerado 5 estrellas por casi todos los sitios especializados (chequéalo… vas a ver!).   Para esta edición, el quinteto formó con Sonny al piano, Paul Chambers en contrabajo, Art Farmer en trompeta, Philly Joe Jones en batería y Jackie McLean en saxo.

Para paladares negros del hard bop. Imperdible!

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Album: Cool Struttin’
Album Artist: Sonny Clark
Year: 1958 - Version: 1987 - Bitrate: @320
Genre: Jazz
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Tracks:
01 - Cool Struttin’
02 - Blue Minor
03 - Sippin’ At Bells
04 - Deep Night
05 - Royal Flush
06 - Lover
(more…)

Es cierto que pueda sonar algo fóbico, pero prefiero la paz de esta supuesta desolación antes que el alboroto de las multitudes en temporada. “Quiero estar en la playa cuando se han ido los que tapan toda la arena con celofán…” como bien diría el gran máster. Y quizás es así. Lo cierto es que, en un ataque de “basta” medio maricón, pegué un portazo y me tomé unos días dedicados al descanso y la reflexión. Así que me subí al auto, acompañado de mi chica surqué kilómetros de rutas bonaerenses, y luego… un cafecito en un bar de playa, compras de algunos víveres, largas caminatas, y demás etcéteras. Ya me conocés,  aquí me encuentro aquí otra vez: abducido por el hipnótico y terapéutico efecto del mar visto desde el ventanal de la habitación.

Si, ok… está bien. Acepto que pueda no entusiasmar a todos y a la vez ser una gloria para mí. Según el momento, cada cual puede requerir su dosis de rockanroll, o de todo lo contrario. O también podría ser visto de otra manera: A todos nos gusta el disfrute (a nadie lo amarga lo dulce), pero puede aparecer con diferentes vestidos y máscaras. Esta es la que (hoy) a mí me gusta.

Los minutos pasan, pero no hay problema alguno porque no hay asignaturas en la agenda por los próximos días. Podría ocupar unas 3000 palabras en describirte la cerveza “Red Lager” que me acabo de tomar, o tratando de describir con exactitud cómo hace el jardinero para cortar con prolijidad el cerco florido del hotel (te acordás la historia de la Gata Peluda? Juas!). Al principio uno se siente extraño… el stress te pone a una velocidad de la que es difícil bajarse. Tengo la enorme suerte de poder elegir la manera de frenar esa Ferrari sin volante, así que aquí estaré por algunos días. Entre otras cosas, escribirte y que me leas es algo que me hace, definitivamente, bien.

Musicalmente hablando, debe resultar obvio, no estoy para Hardpunkrockmetalroll. Y luego de escuchar una horita de tangos también reconocí que todo podía ponerse demasiado down. Así que busqué entre el stock de cosas que ya tenía subidas a Megaupload esperando el posteo y encontré esta magnífica versión del Duets de Frank Sinatra. Se trata de la 90th Birthday Limited Collector’s Edition, donde en 2005 se relanzaron los conocidos Duets I y Duets II (del ´93 y ´94) con algunos bonus tracks y unos toques de remasterizado. Y si… son amables los pasos de las horas aquí, y más si te acompaña tu chica, una buena bebida (extraño a los puchoooos!!!), y por supuesto: buena música!!

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Album: Duets I
Album Artist: Frank Sinatra
Year: 1993 - Version: 2005 - Bitrate: @320
Genre: Vocal
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Tracks:
01 - The Lady Is a Tramp - w/ Luther Vandross
02 - What Now My Love - w/ Aretha Franklin
03 - I’ve Got a Crush on You - w/ Barbra Streisand
04 - Summer Wind - w/ Julio Iglesias
05 - Come Rain or Come Shine - w/ Gloria Estefan
06 - New York, New York - w/ Tony Bennett
07 - They Can’t Take That Away from Me - w/ Natalie Cole
08 - You Make Me Feel So Young - w/ Charles Aznavour
09 - Guess I’ll Hang My Tears Out to Dry/In the Wee Small Hours of the Morni - w/ Carly Simon
10 - I’ve Got the World on a String - w/ Liza Minnelli
11 - Witchcraft - w/ Anita Baker
12 - I’ve Got You Under My Skin - w/ Bono
13 - All The Way / One For My Baby (And One More For The Road) - w/ Kenny G.
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Album: Duets II
Album Artist: Frank Sinatra
Year: 1994 - Version: 2005 - Bitrate: @320
Genre: Vocal
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Tracks:
01 - For Once in My Life - w/ Glady’s Night
02 - Come Fly with Me - w/ Luis Miguel
03 - Bewitched - w/ Patti LaBelle
04 - The Best Is Yet to Come - w/ Jon Secada
05 - Moonlight in Vermont - w/ Linda Ronstadt
06 - Fly Me to the Moon - w/ Jobim
07 - Luck Be a Lady - w/ Chrissie Hynde
08 - A Foggy Day - w/ Willie Nelson
09 - Where or When - w/ Steve & Eydie
10 - Embraceable You - w/ Lena Horne
11 - Mack the Knife - w/ Jimmy Buffett
12 - How Do You Keep the Music Playing?/My Funny Valentine - w/ Lorrie Morgan
13 - My Kind of Town - w/ Frank Sinatra Jr.
14 - The House I Live In (That’s America to Me) - w/ Neil Diamond
15 - My Way - w/ Willie Nelson
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Otro día armaremos algún post de los Gatos (todo Nebbia sería imposible) y también de los geniales Manal (Javier Martínez es uno de mis héroes), pero hoy le toca el turno a Almendra.

Todo comenzó en el Instituto San Román, un colegio religioso del barrio de Belgrano, en la Ciudad de Buenos Aires. Allí, cuatro compañeros de curso deciden armar una banda al poco tiempo de haber egresado de la secundaria. Luis Alberto Spinetta era el centro del universo desde donde todo giraba. Edelmiro Molinari, Emilio del Guercio y Rodolfo García, se reunían con “el flaco” en la casa de sus padres, cerca del colegio, donde les permitían (y alentaban) a hacer música.

Edelmiro, Luis Alberto y del Guercio seguían en contacto una vez terminado el colegio. Es notable imaginar las enormes diferencias con los muchachos de ahora: Solían merendar leyendo a Sartre, Cortazar, Neruda o a Ray Bradbury. Edelmiro y Luis Alberto empiezan a estudiar en la facultad de arquitectura, pero al poco tiempo abandonan. Rodolfo García, que soporta el paso del servicio militar leyendo a Krishnamurti, acude al grupo apenas “lo sueltan” y en ese momento (1967) cuando Spinetta aún tenía sólo 17 años, nacía Almendra.

Todo lo que sucedió fue rápido y contracorriente. El primer disco editado -en 1968- fue el simple “Tema de Pototo”, tiene un enorme éxito. Entre el comienzo y el final no llegaron a pasar 3 años. Sólo se editaron 2 discos de larga duración, y en 1970, luego de presiones y giras interminables, el grupo se separa.

En 1980, el grupo vuelve a reunirse por pocos meses. De esa re-unión surge El Valle Interior y el grabado en vivo “Obras”.  O sea, sólo 3 discos en estudios y 1 en vivo. La discografía de Almendra es exigua, y sin embargo ha sido fundacional. El rock y la poesía se reunirían por primera vez y para siempre en Argentina.

Luis Alberto luego daría origen a Pescado Rabioso. Edemiro Molinari fundaría Color Humano, y Emilio Del Guercio junto a Rodolfo García armarían Aquelarre. Los cuatro pibes de Belgrano seguirían haciendo historia.

Para hoy te traje la discografía completa de Almendra. Todo remasterizado, todo a 320, y con el artwork correspondiente. Son pocos discos, un solo link, y una pequeña lista de temas indispensables!!

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Album: Almendra I
Album Artist: Almendra
Year: 1969 - Version: 2003 - Bitrate: @320
Genre: Rock
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Tracks:
01 - Tema De Pototo
02 - El Mundo Entre Las Manos
03 - Hoy Todo El Hielo En La Ciudad
04 - Campos Verdes
05 - Gabinetes Espaciales
06 - Final
07 - Muchacha (Ojos De Papel)
08 - Color Humano
09 - Figuración
10 - Ana No Duerme
11 - Fermín
12 - Plegaria Para Un Nino Dormido
13 - A Estos Hombres Tristes
14 - Que El Viento Borro Tus Manos
15 - Laura Va
16 - Hermano Perro
17 - Mestizo
18 - Toma El Tren Hacia El Sur
19 - Jingle
20 - Rutas Argentinas
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Album: Almendra II - Cd 1
Album Artist: Almendra
Year: 1970 - Version: 2008 - Bitrate: @320
Genre: Rock
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Tracks:
01 - Toma el tren hacia el sur
02 - Jingle
03 - No tengo idea
04 - Camino dificil
05 - Rutas argentinas
06 - Vete de mi, cuervo negro
07 - Aire de amor
08 - Mestizo
09 - Agnus dei
10 - Para ir
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Album: Almendra II - Cd 2
Album Artist: Almendra
Year: 1970 - Version: 2008 - Bitrate: @320
Genre: Rock
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Tracks:
01 - Parvas
02 - Cometa azul
03 - Florecen los nardos
04 - Carmen
05 - Obertura
06 - Amor de aire
07 - Verde llanto
08 - Leves instrucciones
09 - Los elefantes
10 - Un pajaro te sostiene
11 - En las cupulas
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Album: En Obras I y II
Album Artist: Almendra
Year: 1980 - Version: 2010 - Bitrate: @320
Genre: Rock
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Tracks:
01 - Ana No Duerme
02 - Para Saber Como Es La Soledad
03 - Plegaria Para Un Niño Dormido
04 - Figuración
05 - Cambiandome El Futuro
06 - Vamos A Ajustar Las Cuentas Al Cielo
07 - Mestizo
08 - Jaguar Herido
09 - Color Humano
10 - Hilando Fino
11 - Muchacha (Ojos De Papel)
12 - Hermano Perro
13 - Rutas Argentinas
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Album: El Valle Interior
Album Artist: Almendra
Year: 1980 - Version: 1995 - Bitrate: @320
Genre: Rock
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Tracks:
01 - Las cosas para hacer
02 - A mi dama
03 - Miguelito, mi espíritu ha part
04 - Espejada
05 - Cielo fuerte (Amor guaraní)
06 - El fantasma de la buena suerte
07 - Buen día, día de sol
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Todo sucedió en pocos kilómetros cuadrados. Louisiana, Mississippi, Arkansas, Illinois… La música, dentro de esa zona, es la esencia de blues americano. Los negros que escapaban de las plantaciones de algodón, que habían cantado Spirituals al sol, que eran perseguidos y segregados, se cargaban de sentimiento y se convertían en los únicos intérpretes blues en los comienzos del siglo pasado.

En medio de tanta injusticia y crueldad, pequeños estudios de grabación aceptaban a negros para que graben sus registros y su música. La mayoría de ellos surgieron después de la segunda guerra mundial (Chess Records, Cobra Records, Parrot Records, etc), y si bien la mayoría quebraba rápidamente, en muchos casos gracias a ellos se preservaron trabajos que de otra manera hubiera sido imposible.

Otis Rush nació en 1935 en Philadelphia, Mississippi. Es un blusero absolutamente clásico, que desde sus inicios se ha destacado como un guitarrista de excepción. Tiene una extraña manera de ejecutar el instrumento: Es zurdo, toma la guitarra como los zurdos, pero no invierte las cuerdas (el Mi más bajo queda abajo…). Cuentan los que saben que Albert King también usa la guitarra así. Y cuando leés un poco de su historia es fácil inferir que esta gente jamás tuvo su propia guitarra cuando eran niños o jóvenes adolescentes, y que se han acostumbrado a usar guitarras de otros, pero al revés. Notable, verdad?

La carrera de Otis Rush es inmensa, y quizás no tuvo el reconocimiento que se merece. Tanto desde las composiciones (compartió muchísimo de su carrera con el excelente Willie Dixon), como desde la ejecución, donde las permanentes comparaciones con Buddy Guy, Howlin’ Wolf, u otros, lo enfrentaban en lugar de acomodarlo.

Muchos grandes músicos reconocen haber recibido su influencia, como Eric Clapton, John Mayall, Stevie Ray Vaughan, Duane Allman, y muchos otros.

Hoy te traje dos puntas del gran Otis. El primer disco es “The Classic Recordings”. Se trata de grabaciones de la época de Cobra Records, hechas entre el ´58 y el ´60, antes de la quiebra de la grabadora. Estas cintas se recuperaron, remasterizaron, y aquí están dando testimonio de lo genial de Otis. El tipo fue fundacional en el Blues que hoy se escucha, y si bajás el disco y le prestás atención (más allá del sonido “antiguo”), vas a reconocer a todos los bluseros que vinieron después. Una Joyita,  El segundo disquito es “Live At Montreux”, del 2006. Un Otis maduro, acompañado en algunos temas por Eric Clapton y el genial Luther Allison, en un Live genial, con todos los ingredientes para el pogo blusero en vivo.

Tenía ganas de rescatar a Otis, con mi mínimo granito de arena, de alguna indiferencia que le ha propinado la industria. Todo a 320@, todo con su artwork. Si te gusta el Blues, no podés dudar ni un segundo en bajarlos.

Grosssssssssssssssos Blues!

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Album: The Classic Recordings
Album Artist: Otis Rush
Year: 1990 - Bitrate: @320
Genre: Blues
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Tracks:
01 - All Your Love
02 - Three Times A Fool
03 - She’s A Good ‘Un
04 - It Takes Time
05 - Double Trouble
06 - My Love Will Never Die
07 - My Baby Is A Good ‘Un
08 - Checking On My Baby
09 - Jump Sister Bessie
10 - I Can’t Quit You Baby
11 - If You Were Mine
12 - Groanin’ The Blues
13 - Keep On Loving Me Baby
14 - Sit Down Baby
15 - Love That Woman
16 - Violent Love
17 - So Many Roads, So Many Trains
18 - I’m Satisfied
19 - So Close
20 - All Your Love (I Miss Loving)
21 - You Know My Love
22 - I Can’t Stop Baby
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Album: Live At Montreux
Album Artist: Otis Rush
Year: 1986 - Version: 2006 - Bitrate: @320
Genre:
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Tracks:
01 - Tops
02 - I Wonder Why
03 - Lonely Man
04 - Gambler’s Blues
05 - Natural Ball
06 - Right Place Wrong Time
07 - Mean Old World
08 - You Don’t Love Me
09 - Crosscut Saw
10 - Double Trouble
11 - All Your Love
12 - Every Day I Have The Blues

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