the Salon of Vertigo

2024年展覧会ベスト10

2024-12-31T14:14:00.009+09:00

一年ぶりの更新。さて、今年もこの日がやってきました。今年の展覧会ベスト10です。

カレンダーにつけた展覧会の数を見ると、今年は約80の展覧会を観に行ったみたい（ギャラリー系は除く）。去年が約70だったので、若干多く観られたようですね。

今年は東京近郊以外では、大阪、京都、岐阜、群馬まで足を伸ばすことができましたが、一方で彫刻の森美術館の『舟越桂展』や横須賀美術館の『運慶展』といった郊外の美術館で見逃してしまった展覧会がいくつかありました。最終日に駆け込んだ展覧会も多く、観たいときになかなか観に行けないということが多くなりました。

そんな今年のベスト10はこんな感じです。

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１位　『没後50年福田平八郎』（大阪中之島美術館）

大正から昭和にかけて活躍した日本画モダンの第一人者、福田平八郎の回顧展。山種美術館で福田平八郎の展覧会があったのが2012年。代表作の「漣」はそのときに初めて観たのですが、あの展覧会の感動は未だ忘れられません。平八郎の魅力に惹きつけられ、それ以来大好きな画家です。ここまで規模の大きい福田平八郎展は初めてとのことで、代表作はもちろん、初期から晩年まで作品が充実していました。写実を極めた先の、対象の本質を残しつつ簡素化していく過程がよく分かる大変素晴らしい展覧会でした。

若い頃から構図や色彩のバランス感覚は抜群。湖面のさざなみを描いた「漣」をはじめ、積もった新雪がまだ柔らかな白い地面や、凍ったり溶けたりを繰り返したような薄く張った氷、大粒の雨が降り出したばかりの屋根瓦など、その題材もユニークだし、トリミングした構図も絶妙だし、固定観念にとらわれない色彩感覚も見事だし、どの作品も想像の上を行く驚きと新鮮さがあって、現代的な目線で見ても面白く、とても感動しました。

２位　『雪舟伝説　－「画聖カリスマ」の誕生－』（京都国立博物館）

雪舟の展覧会ではないけれど、雪舟の国宝・重文など主だった作品が一堂に介す機会はそうそうなく、ここまでまとめて観られるのは22年前の『雪舟展』以来なんじゃないかと思います。とはいえ、代表作は数年に一度レベルでは割と観る機会があり、過去に何度か拝見している作品も多いので、そんなに騒ぐ話ではないのですが、今回何より凄いのは、雪舟に影響を受けた絵師やその作品が数多く集められている点にあって、近世の雪舟受容の様相を知る上で非常に充実した展覧会になっていました。

長谷川派や雲谷派、狩野派の雪舟学習については過去の展覧会などで知っていますが、今回は雪舟の実際の作品を観た上で、それぞれの受容を比較したり、どう展開されていったのかをこの目で観ることのできるまたとない機会となりました。等伯や等顔が雪舟の後継者を名乗っていたのは有名ですが、自称・雪舟十二世の桜井雪館という絵師がいたことや、山口雪渓の「雪」の字が雪舟から取られていたことなど初めて知ることも。面白かったのは、江戸時代の絵師たちが実際は雪舟ではない作品を雪舟と信じて模倣していたり、雪舟が中国画から学んだことを後世の絵師たちが雪舟を通して漢画学習として学んでいたり、興味深い点が非常に多くありました。

３位　『源氏物語 THE TALE OF GENJI　－「源氏文化」の拡がり　絵画、工芸から現代アートまで－』（東京富士美術館）

『源氏物語』を題材にした源氏絵の展覧会は珍しくないけれど、ここまで充実した展覧会があっただろうかというぐらいの充実ぶり。トーハクでやってもおかしくないレベルだったと思います。展覧会は大きく二つの構成になっていて、五十四帖のストーリーに沿って、土佐派や住吉派による画帖や絵巻などを観ていくコーナーと、土佐派や狩野派、光琳や又兵衛らの源氏絵の名品、近代日本画や工芸が並ぶコーナー。国宝源氏物語絵巻の現状模写や、国宝源氏物語絵巻と時代は大きく変わらないという古格の趣が素晴らしい「源氏物語小色紙（宿木）」、遠くて行けなかった和泉市久保惣記念美術館の土佐派の一連の源氏絵、福井の岩佐又兵衛展にも出なかった「源氏物語総角図屏風」など見ものも多く、大変満足度の高い展覧会でした。

４位　『三島喜美代　未来への記憶』（練馬区立美術館）

展覧会開催期間中に残念ながら91歳で亡くなられた現代アーティスト・三島喜美代の東京での初の個展。数年前にNHK『日曜美術館』の特集を観て初めて知り、ずっと気になっていました。古新聞とか漫画雑誌とか身近なゴミを使ってアートにしてしまう。今でこそゴミをアートに変えるアーティストは珍しくないけれど、こんな制作活動を70年も続けていたなんて、凄すぎます。積まれた新聞紙も漫画雑誌もスーパーのチラシも潰れた缶ジュースもなんと陶器！20世紀の100年間の新聞記事をレンガに転写したインスタレーションは圧巻でした。

会場には三島喜美代のインタビュー映像（2005年の映像と2022年の映像）が流れていて、全部見ると30分以上かかかるですが、見入ってしましました。陶器作りは独学で、かなり苦労したそうですが、失敗も楽しいと。どの言葉もとてもポジティブだし、明るいし、人生90年の重みがあるし、そしてユーモラス。初期の油彩画やコラージュ作品も展示されていて、夫のハズレ馬券をコラージュした作品には笑いました。

５位　『オタケ・インパクト　越堂・竹坡・国観、尾竹三兄弟の日本画アナキズム』（泉屋博古館東京）

明治から大正にかけて活躍した越堂、竹坡、国観の尾竹三兄弟。実力があるのにトガリ過ぎて、後半生は不遇の時を過ごしたという三兄弟の作品を集めた東京で初めての展覧会です。かれこれ10年ぐらい前、尾竹竹坡の作品を初めて観たときは強い衝撃を受けました。大正時代の日本画にこんなに前衛的な作品があったのかと。数年前に竹坡の回顧展が富山であったときは行くかどうか最後まで悩みましたが、結局タイミングが合わず、今回三兄弟まとめて観られたのはとても良かったです。

展示は初期から晩年まで３つの章に分かれていて、幼い頃から優れた才能を見せていたことが分かります。特に竹坡の天才ぶりは驚きでした。越堂は浮世絵の三代目歌川国貞、竹坡は円山派の川端玉章、国観は歴史画で有名な小堀鞆音に師事したとされ、それぞれに特徴があり、また会得した技術が影響し合ったのか兄弟同士切磋琢磨していただろうことも作品から伝わってきました。やはり竹坡の破天荒ぶりは作品を観ても納得というか、どんな画題も描けてしまう器用さと突き抜けたセンスが凄い。あまりに無視され続けてクサった時期もあったようですが、ラディカルなところなど時代が追いつかなかったという気の毒な印象も受けます。

６位　『没後300年記念　英一蝶　－風流才子、浮き世を写す－』（サントリー美術館）

2009年以来の英一蝶展。板橋区立美術館の展覧会に行っていないので心待ちにしていました。もともとは狩野派の絵師だけど、なぜか破門され、いろいろやらかして島流しされて、奇跡的に江戸に戻って来れたという波乱万丈の絵師。市井の人々の何気ない日常の風景を描かせたら彼の右に出る人はいないのでは。一蝶の作品は東博など割と観る機会はありますが、それがいつの時代の作品かなどあまり理解していなかったのですが、今回の展覧会では流刑前の多賀朝湖時代、配流中の島一蝶時代、晩年の英一蝶時代と分けられ、それぞれの特徴や画風を追えたのも良かったです。

初期の作品と思われる狩野派然とした作品を観られたのも収穫。雑画帖からの作品は狩野派らしく古画の写しと思われる作品もあれば、一蝶らしいアレンジの効いた作品も多くあり面白い。風俗画はもっと観られるかと思いましたが、それほど多くなく、代表作と呼ばれる作品で出てないのもありましたが、大型の屏風や海外流出作品があったのは嬉しい。江戸からの発注に応えつつ、島民には神仏画や吉祥画など信仰関連の作品を描いていたという話や、帰還後は風俗画は減り、堅実な作品を描くようになったということも興味深かったです。

７位　『生誕130年記念　北川民次展　－メキシコから日本へ』（世田谷美術館）

絵画を学ぶためみんなパリに渡った時代に、ひとりアメリカ、そしてメキシコに向かった画家・北川民次の約30年ぶりの回顧展。メキシコ絵画の影響を受けた力強いタッチと独特の色彩感のインパクトがすごいのなんの。民衆や労働者を取り上げた社会的な視点の作品も多いけれど、社会運動的な押しの強さはなく、人々に寄り添う温かな眼差しと鋭い批判性を感じます。児童への美術教育など優れた功績を残したことも初めて知りました。藤田嗣治との繋がりや戦時中の姿勢も興味深かったです。民衆を描き、民衆と生きるという姿勢を崩さなかったところがかっこいいし、素晴らしい。

８位　『PARALLEL MODE:オディロン・ルドン　－光の夢、影の輝き－』（岐阜県美術館）

ルドンの展覧会は今までにも何度か観てますが、国内過去最大規模というだけあり、前期の黒の時代から後期のパステルの色彩の時代まで凄いボリューム。もともとルドンを多く所蔵している美術館ですが、他館からも作品が集まり、特に『悪の華』をはじめノワールな版画はルドンの版画レゾネ掲載作品の９割が展示されるという充実ぶり。予定の滞在時間をオーバーして観入ってしまいました。東京にも巡回しますが、美術館の規模を考えると全点展示は難しいのではないかと思います（東京は1/4か1/5ぐらいか？）。岐阜まで観に行って正解でした。

９位　『シュルレアリスム宣言100年　シュルレアリスムと日本』（板橋区立美術館）

ブルトンが『シュルレアリスム宣言』を発表して100年。日本では1920年代後半にはシュルレアリスムの影響を受けた作品が見られるそうで、その後の日本での（特に戦前の）盛り上がりや日本特有のシュルレアリスム作品が展示されていました。シュルレアリスム自体が好きなので、日本のシュルレアリスムにも興味があり、そうした作品を観る機会があれば、絵画だろうが写真だろうが出かけていたのですが、ここまでまとまった形で、しかも芸術運動としての流れをしっかり追った展覧会は初めてでした。

先駆者として東郷青児や古賀春江らに始まり、福沢一郎あたりが紹介されていましたが、本人たちがシュルレアリストだと言っていない（自覚していない？）というのが面白い。戦時中、シュルレアリスムが危険思想として見られるようになり、芸術運動は急速に（というより強制的に）下火になるので、考えてみたら10年ちょっとの話なのですが、エルンストやデ・キリコ、ダリなどの直接的な影響を感じる作品もあるけど、日本特有の、どこか陰鬱とした暗い時代背景を匂わす作品が幅を利かすあたりが強烈だし、やはり興味深かかったです。

１０位　『生誕140年記念　石崎光瑤』（京都文化博物館）

今ではほぼ無名、自分も正直ほとんど知らない、大正から昭和の初めにかけて活躍した日本画家。展覧会は東京にも巡回しますが、規模が縮小されるのと、評判がとても良いようなので、京都で観てきました。元は琳派の絵師に基礎を学び、その後竹内栖鳳に師事した人で、当時忘れられていた伊藤若冲を再発見したり、インドに行ったり、ヒマラヤに登ったりしていて、作品も琳派風だったり、若冲の影響が濃かったり、描かれる山並みもヒマラヤの風景だったり、花鳥も高山植物だったり熱帯の鳥だったり、かなり個性的。屏風や襖絵20面の再現展示など大型の作品も多くて見応えありました。

石崎光瑤は登山家としても有名のようで、明治42年に民間人パーティーとして劒岳に初登頂してるんですね。劒岳というと新田次郎の『劒岳点の記』が頭に思い浮かぶけど、それまで未踏峰とされた剱岳に陸軍測量官の柴崎芳太郎が登頂成功したのが明治39年。光瑤はその4年後に登頂したので相当なものだと思います。会場にはヒマラヤ登山の際のスケッチや写真なども多く展示されていて、かなり興味が湧きました。東京の展示にもまた観に行きたいと思います。

惜しくも選外となりましたが、京都市京セラ美術館の『村上隆　もののけ　京都』は面白かったですね。いきなり入ってすぐのところの「洛中洛外図屏風岩佐又兵衛 rip」や琳派へのオマージュ作品。宗達の「風神雷神図屏風」や、蕭白や雪舟など、日本美術を村上隆流にアップデートしていて、とても楽しめました。老若男女大変賑わっていて、みんな楽しそうに観ているのが印象的でした。

最後までベスト10入りを迷った展覧会としては、千葉市立美術館の『鳥文斎栄之展』、町田市立国際版画美術館の『幻想のフラヌール』があります。鳥文斎栄之は非常に好きな浮世絵師なのですが、武士だったからこそ描けるモチーフ、決して下品にならず品格を重んじ、武家や商人といった富裕層をターゲットにしていたということも納得で、あらためて栄之を見直しきっかけになりました。『幻想のフラヌール』は幻想的だったり、神秘的だったり、異界だったり、ディストピアだったり、独自の世界観を持った版画作家の作品を集めた展覧会。知らない版画家も多かったのですが、好みの作品ばかりで大変楽しめました。

日本画では、尾竹三兄弟の『オタケ・インパクト』や『石崎光瑤展』もそうですが、今年はこれまであまり知られていなかった画家の作品を観る機会に恵まれたような気がします。練馬区立美術館の『生誕150年池上秀畝―高精細画人―』やたましん美術館の『邨田丹陵　時代を描いたやまと絵師』、府中市美術館の『Beautiful Japan 吉田初三郎の世界』などは次いつ観られるだろうかと思ったりします。京都国立近代美術館で観た『富岡鉄斎展』も没後100年記念展だけあり、大変見応えのあるものでした。

洋画では、岐阜県立美術館でルドン展と一緒に観た『ARALLEL MODE：山本芳翠－多彩なるヴィジュアル・イメージ－』も山本芳翠をここまでまとめて観ることはなかったのですが、ルドンと同じ画家に師事していたということで、ルドン展の後に芳翠を観ると何となく近さも感じ、とても貴重な機会となりました。

現代アートでは、東京都現代美術館の『日本現代美術私観：高橋龍太郎コレクション』の物量には圧倒されました。森美術館の『シアスター・ゲイツ展　アフロ民藝』もユニークで面白かったです。ギャラリー展示ですが、アンゼルム・キーファーの『Opus Magnum』（ファーガス・マカフリー東京）が大変素晴らしく、強く印象に残ってます。東京都美術館の『デ・キリコ展』、最近では渋谷区立松濤美術館の『須田悦弘展』も良かったです。

これまで何度も通った練馬区立美術館や出光美術館がビル建て替えのため、今年をもって長期休館する悲しいお知らせもありました。出光美術館には休館前の名品展が続き、今年も何度か足を運びましたが、特に『青磁－世界を魅了したやきもの』は、青磁はいろいろ観てるから大体分かっていると思っていたけれど今まで知ってたつもりだったものは何だったのかと思いたくなる素晴らしい内容でした。

残念なニュースといえば、DIC川村記念美術館の閉館騒動ではないでしょうか。DIC川村記念美術館に行くと一日がかりなので、１年に一回ぐらいしか行けていませんでしたが、閉館が取り沙汰された直後に行くことができ、ロスコ・ルームも堪能できたのが幸いでした。都内への縮小移転を決定したというニュースが先日出ましたが、20世紀美術のコレクションやあの庭園や建物、そしてロスコ・ルームを失われてしまうことは残念でなりません。

印象深かった展覧会を挙げると切りがないのですが、今年も素晴らしい展覧会、作品にたくさん出会えました。美術通いに使える時間が限られているので、観られる展覧会は年々少なくなっていますが、来年もマイペースで自分の観たい展覧会に足を運びたい思います。

今年も一年お付き合いいただきありがとうございました。来年もどうぞよろしくお願いいたします。

【参考】
2023年展覧会ベスト10
2022年展覧会ベスト10
2021年展覧会ベスト10
2020年展覧会ベスト10
2019年展覧会ベスト10
2018年展覧会ベスト10
2017年展覧会ベスト10
2016年展覧会ベスト10
2015年展覧会ベスト10
2014年展覧会ベスト10
2013年展覧会ベスト10
2012年展覧会ベスト10

2023年展覧会ベスト10

2023-12-31T19:12:00.008+09:00

あっという間の１年。今年もこの季節になりました。

今年は５月に新型コロナウイルスが５類に移行し、とりあえずはようやく新型コロナウイルスの影響を受けることなく展示会が開催され、何とかコロナ禍前の状況に戻りつつあるということを実感する１年でした。

ここ数年はあれここれも観に行くというより、選んで観に行くようになったり、今年は地方出張が少なくてあまり遠征もしなかったので、意外と少なく、約70の展覧会を観に行っていたようです（ギャラリーの個展は除く）。月平均５〜６本ぐらいでしょうか。

というわけで、2023年のベスト10はこんな感じです。
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１位　『やまと絵－受け継がれる王朝の美－』（東京国立博物館）

今年はダントツで『やまと絵展』！
東博のやまと絵の特別展は実に30年ぶり。待望の展覧会です。現存数の少ない貴重な平安時代や鎌倉時代のやまと絵の屏風や絵巻を観る機会など滅多にないし、それらが一堂に介す機会など更にないし、次回30年後？はまず生きてないと思うので、じっくり時間をかけて堪能しました。都合２回観に行きましたが、前期も３時間、後期も３時間、それでも時間が全然足りませんでした。
近世以降は本館の特集展示に回し、室町時代以前のやまと絵に絞ったのが潔いし、それだけ密度の高いやまと絵体験ができました。過去のやまと絵や室町絵画の展覧会の図録で観ていて一度は実物を観たいと願ってた作品にやっと出会えたときの感動と言ったら。もうほんと感謝です。

２位　『あこがれの祥啓　－啓書記の幻影と実像－』（神奈川県立歴史博物館）

関東水墨画を展観する展覧会としては実に25年ぶり、祥啓に焦点を当てたものとしては初だそうです。祥啓を中心に師・芸阿弥や仲安真康、門人とされる啓孫や興悦など、さらには後年狩野派による再評価の流れにも触れ、関東画壇について知る貴重な機会でした。
祥啓や関東画壇の作品は根津美や東博で時々見かけることはありましたが、その根津美や東博の所蔵作品はもちろん、関東水墨画のコレクションが充実している栃木県立博物館をはじめ全国の美術館から祥啓や関東画壇の作品が一堂に介し、ほんと素晴らしかったです。こちらも前後期拝見。祥啓を語る上で重要な山水図や重文作品は前期に集中していましたが、後期は後期で中国画学習の人馬図や花鳥図、人物画などが多く、そのレベルの高さに唸りました。

３位　『合田佐和子展帰る途もつもりもない』（三鷹市美術ギャラリー）

没後初、約20年ぶりという待望の回顧展。初期の立体作品やオブジェから銀幕スターなどの肖像画、唐十郎や寺山修司の舞台美術、オートマティズム作品や晩年の鉛筆画までずらり。然程広くない会場はまるで迷路のようで凄く濃密でとても充実していました。
合田佐和子のことを初めて知ったのはそれこそ寺山修司の映画や雑誌Juneで紹介された頃なので相当昔ですが、これだけの数の作品を観るのは初めて。写真では分からない立体作品や、退廃的な画風からパステル調に変化する様子など実際に観られてほんと良かったし、作品がどれも想像以上に素晴らしかったです。

４位　『幕末土佐の天才絵師　絵金』（あべのハルカス美術館）

絵金の展覧会が高知県外で開かれるのはなんと約50年ぶりということでGWを利用して観に行きました。絵金は江戸博の奇才展で観ただけなので、これだけ沢山の作品を観るのは初めて。狩野派で学び、一度は土佐藩家老の御用絵師になったという人だけあり腕は確か。想像以上に凄い絵師で驚きました。
歌舞伎の芝居絵が多く、屏風だったり絵馬提灯だったりで、割と残酷な場面や劇的な場面が多いのですが、歌舞伎に馴染んでないと描けないような表現も多く、伽羅先代萩とか鈴ヶ森とか葛の葉とか加賀見山とか寺子屋とか名場面や型を描くのも的確。歌舞伎の絵看板や浮世絵の役者絵とも全然違って、芝居の登場人物の表情や姿が屏風にびっしり描き込まれ、過剰なまでに盛ってるのも面白かったです。

５位　『クリスチャン・ディオール、夢のクチュリエ』（東京都現代美術館）

これは美しすぎるというか素敵すぎるというか、部屋ごとの演出も凝っていて目眩く美の洪水に圧倒されました。歴代のクリエイティブディレクターによる洗練されたドレスは最早芸術品ですね。ファッション系展覧会と甘くみたら危険。気づいたら２時間観てました。
この展覧会で初めて知ったのですが、クリスチャン・ディオールはメゾンを創業する前、ギャラリーを経営していて多くの芸術家と交流があり、最初期のシュルレアリスム展を開催したこともあったそうで、そうした芸術的感性が服に活きてるのが分かりました。日本との関係も深く、ジャポニスム的な作品も興味深かったです。

６位　『原派、ここに在り　－京の典雅－』（京都文化博物館）

京都画壇に注目が集まる中で目にする機会も増えた原派にスポットを当てた初の展覧会ということで、このためだけに京都に行きました。
原在中は古画や漢画、有職故実も研究したという人だけあり、水墨画や山水画、仏画もあれば、装飾的な花鳥図や真景図もあり幅がとても広い。そして精緻で丁寧。なるほど一代で一派を興すだけあり実に巧い。真面目な職人気質の人だったんだろうなという印象を受けました。息子の在正、在明はこれまであまり気に留めて観たことはなかったのですが、印象的な作品が多く、在中に劣らず素晴らしい。原派を見直す大変良いきっかけになりました。

７位　『デイヴィッド・ホックニー展』（東京都現代美術館）

ホックニーは現代アートでは最も好きな画家。高校生の頃、初めてホックニーの作品に触れ、衝撃を受けました。いわば、ぼくがアートに興味を持つきっかけのアーティストです。だから、ほんと待ちに待った展覧会。とても楽しみにしてました。ここ10数年のデジタル作品が半分で個人的に一番好きな70～80年代の作品が思ったほどなかったのが残念でしたが、テートからも代表作が来ており、近作もカラフルでとても素晴らしかったし、何よりまだまだバリバリ活躍していることに元気づけられました。
ただ、今回の展覧会は近年の作品が多いからか「iPadを使ってカラフルでポップな絵を描くおじいちゃん」みたいな売り方をしているのが少し不満で、ホックニーは特に70年代までは彼の性的指向を抜きに語れないし、ウォーホルと違って積極的に同性愛を表現してアート界で恐らく初めて成功した画家なわけだけど、そういうところにほとんど触れずに済まそうとしているところが片手落ちという感じがしました。

８位　『東海道の美　駿河への旅』（静岡市美術館）

東海道図屏風をはじめ東海道や富士山を描いた実景図や浮世絵、さらには駿河の旧家に伝わるコレクションや有名絵師や文人との交流のエピソードなどなど実に良かったです。東海道図屏風から伝わる旅の楽しさ。街道景観図としてだけでなく名所図や風俗図としても興味深かったです。東海道図屏風は古くは室町～安土桃山の頃のものからあり家康により整備される前の街道の賑わいを知ることができました。東博所蔵の狩野山雪の有名な「猿猴図」が東海道の原宿の名家に伝わったものだったと初めて知り驚きました。

９位　『大阪の日本画』（東京ステーションギャラリー）

ここ数年、再評価の流れにある大坂画壇の近代の画家たちにスポットをあてた展覧会。北野恒富は別格として、菅楯彦や生田花朝、矢野橋村、さらに船場派といった馴染みない画家も大きく取り上げられ、東京とはまた違った文化的背景、特に船場派や女性画家たちが活躍した背景がとても興味深かったです。北野恒富、中村貞以も優品揃いでしたが、恒富門下の島成園、木谷千種、生田花朝といった女性画家の素晴らしさに驚きました。なぜ東京にはこうした女性画家が生まれなかったのか。
展覧会関連の講演会も聴講しました。関大の中谷先生の基調講演の、大阪がいかに日本美術史から切り捨てられてきたか、また大阪と京都の対比などの話がとても興味深く、「京都だけで京都を見ていると何かを見逃してしまう」という言葉に納得でした。

１０位　『橋本関雪生誕140年 KANSETSU　－入神の技・非凡の画－』（白沙村荘橋本関雪記念館、福田美術館、嵯峨嵐山文華館）

嵐山と東山の３会場で開催された橋本関雪大回顧展。３館廻ると京都の端から端の大移動で１日がかりでしたが、３館廻って分かる橋本関雪の素晴らしさ。関雪はそんなに詳しく知らなかったのですが、こうしてまとめて観ると、人物や動物にしても南画にしても器用。特に屏風の作品構成、空間の使い方はどれも巧くて唸りました。嵐山の２館では橋本関雪記念館の所蔵作品が多く展示されていて、橋本関雪記念館には京都近美や足立美術館など他館の作品も多く、全国の美術館にある代表作がもれなく観られました。新緑の嵐山や白沙村荘の庭園を一緒に巡れるたのも良かった。

今年はもう一つ、どうしてもベスト10に入れたかったのが、八幡市立松花堂美術館の『居初つな展』。江戸時代の女性絵本作家・居初つなの初の展覧会です。奈良絵本の作家かと思いきや、実は女性向け教養書を何冊も執筆しベストセラーになったり、母親も作家だったりと初めて知ることばかりでビックリしました。著作物や奈良絵本の展示の他、豪華な金地の百人一首かるたや歌仙絵、絵巻などもあり大変素晴らしく、小さな展示スペースを何度も何度もぐるぐるしてしまいました。美術館はとても不便なところでしたが、観に行った甲斐がありました。

10月には丸善丸の内本店のギャラリーで開催された『第35回慶應義塾図書館貴重書展示会へびをかぶったお姫さま～奈良絵本・絵巻の中の異類・異形』も無料にも関わらず、奈良絵本や絵巻、屏風などが所狭しと展示され、そこでも居初つなの作品を拝見でき、とても良かったです。

そのほか惜しくも選外となりましたが、日本美術では、千葉市美術館の『亜欧堂田善展』や板橋区立美術館の『椿椿山展』、東京ステーションギャラリーの『甲斐荘楠音の全貌　絵画、演劇、映画を越境する個性』、洋画では同じく東京ステーションギャラリーの『佐伯祐三　自画像としての風景』など、なかなかまとめて観る機会の少ない絵師・画家の展覧会が今年は特に印象に残っています。それぞれ彼らの個性や人となりみたいなところまで垣間見れて、非常に興味深い内容だったと思います。

北宋時代の中国絵画を中心とした根津美術館の『北宋書画精華』も大変素晴らしかったです。南宋・元になると禅宗絵画や雪舟、狩野派などの関連もあって割と観る機会がありますが、北宋は意外と観ることがなく貴重な機会となりました。

企画展としては、サントリー美術館の『虫めづる日本の人々』が素晴らしかったですね。和歌や物語の世界の虫を描いた絵画、若冲や中国画の草虫図、工芸や衣装など暮らしの中で愛された虫の造形、さらには博物学まで、虫と日本人の関係を探るというサン美らしい企画展でした。出光美術館の『江戸時代の美術－「軽み」の誕生』も出光美らしい企画展でした。探幽の淡麗瀟洒からはじまる江戸絵画を芭蕉の「軽み」と同じひとつの価値観と捉え、江戸時代の美術に通底する美意識を見直すという意欲的な展覧会だったと思います。府中市立美術館の『春の江戸絵画まつり　江戸絵画お絵かき教室』も流石の企画力で楽しめました。ハードル低いのにとても専門的で勉強になりました。

太田記念美術館で開催された新版画の『ポール・ジャクレー　フランス人が挑んだ新版画』もとても良かったです。南洋の島々や満州、朝鮮などの風俗、市井の人々が繊細な線と鮮やかな色彩。浮世絵から連なる伝統とオリエンタリズムの融合の面白さを感じました。

西洋絵画では、東京都美術館の『マティス展』と国立西洋美術館の『キュビスム展　美の革命』とアーティゾン美術館の『ABSTRACTION 抽象絵画の覚醒と展開　セザンヌ、フォーヴィスム、キュビスムから現代へ』が特に印象に残っています。『マティス展』は初期から晩年まで画風の変遷や葛藤もよく分かり、評判通り大変充実してましたし、全てマティスの作品で構成されているということに軽く感動しました（笑）。『キュビスム展』は、ピカソやブラック、レジェといった王道だけでなく、東欧のキュビスムやロシアの立体未来主義までいろいろ作品が観られたのも良かったです。ポンピドゥーだけでなく国内所蔵の作品もあり、こちらもとても充実していました。アーティゾン美術館の『ABSTRACTION 抽象絵画の覚醒と展開』は抽象画の歴史や流れを展観するという意味で大変素晴らしい展覧会だったと思います。

ユニークなところでは足利市立美術館の『顕神の夢　霊性の表現者　超越的なもののおとずれ』はいい意味でキョーレツでした。神懸かりとか霊的なものとか幻視体験とか狂気とか、そういうところから作品を表現した人たちばかりで、画家もいれば宗教家もいて、上手い下手ではなくどこまで精神的みたいなところもあり、オカルト的な感じもあっていろいろ凄かったです。年末に観た文化学園服飾博物館の『魔除け展』も面白かったです。世界各地の民族衣装は古来さまざまな魔除けの役割を果たしていたとはあまり知らず、「魔」を遠ざけるための真珠や鏡片、音の鳴る物を装飾した衣服や装身具を身につけたり、衣服の開口部に結界を築いたり、威圧的な模様を施したり、どれも凄く考えられていて驚きました。

良かった展覧会を挙げると切りがないのですが、今年も素晴らしい展覧会、作品にたくさん出会えました。コロナ前と違って、展覧会の値段も上がりましたし、図録の値段も上がりましたし、昔みたいに気軽に行けるという感じではなくなってしまったのが悲しいところではありますが、来年もマイペースでいろいろと展覧会めぐりをしたいなと思います。

今年も一年お付き合いいただきありがとうございました。来年もどうぞよろしくお願いいたします。

【参考】
2022年展覧会ベスト10
2021年展覧会ベスト10
2020年展覧会ベスト10
2019年展覧会ベスト10
2018年展覧会ベスト10
2017年展覧会ベスト10
2016年展覧会ベスト10
2015年展覧会ベスト10
2014年展覧会ベスト10
2013年展覧会ベスト10
2012年展覧会ベスト10

2022年展覧会ベスト10

2022-12-31T15:28:00.002+09:00

今年もギリギリの公開となりましたが、１年間に観た展覧会の中からベスト10を選んでみました。

2019年の投稿を最後に、年末に１年間の展覧会ベスト10だけをアップするようにして早３年。期せずしてそのタイミングで新型コロナウイルスの蔓延により美術館・博物館も大きな影響を受け、一時は観る本数もかなり減ってしまいましたが、ようやく今年になって開催される展覧会も、観る本数もコロナ禍以前の水準に戻ってきたような気がします。いまだ新型コロナウイルスが収束しない様子を見ていると、しばらく数年はこんな状態なんだろうなと思いますし、一方でこんな状態でも何とかやっていけるんだろうなという気もしてきました。

自分でも今年はずいぶん展覧会を観たなぁと思いますが、一方で仕事の忙しさもあって、観る展覧会をかなり絞っている（自分の興味的なところですね）ので、スルーしていて評判の良かった展覧会を見逃していたことも結構ありました。地方には春に大阪・京都・滋賀、秋に大阪・神戸に行った以外はなかなか行けず、評判を聞いても指を加えているということがしばしばありました。

というわけで、2022年のベスト10はこんな感じです。
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１位　『サロン！雅と俗－京の大家と知られざる大坂画壇』（京都国立近代美術館）

これは文句なし。ダントツの面白さでした。京都画壇もまだまだ知りたい観たいといったところなのに、次は大阪画壇。これは危険な扉を開けてしまったかもしれない（笑）。京は大家と銘打つだけあり、蕪村や呉春、応挙、大雅といった絵師が中心でしたが、そこから京坂のネットワーク、そして大坂画壇の全容を明らかにするという流れはとてもワクワクしました。大阪画壇は文人画や近代ではそれなりに知っている画家もいますが、初めて名を聞く未知の画家も多く、その作品がまた実に興味深いのです。文人画に限らず円山四条派や南蘋派、さらに琳派や戯画など大坂画壇の幅は非常に広く様々な系統が存在し、流派を超えた繋がりがあるのも魅力的。質・量ともに素晴らしい展覧会でした。今年は六本木と京都の泉屋博古館の展覧会でも大阪画壇が取り上げらていたり、来年は大阪の中之島美術館でも大阪画壇の特別展があるようなので、これから注目ですね。

２位　『奇想のモード装うことへの狂気、またはシュルレアリスム』（東京都庭園美術館）

シュルレアリスムがモードに与えた影響を探るという内容の展覧会でしたが、アーティストやデザイナーたちの自由な創造力やユニークな発想力といったら、もう想像の域を超えていました。民族衣装やシュルレアリスム作品から現代ファッションまで、そのエキセントリックでシュールで奇妙奇天烈なデザインは正しく奇想。それ、オシャレか？と絶句することたびたび。時代や国は違えど際限なく美を求める人々の美意識の狂いっぷりが凄まじかったです。私自身がシュルレアリスムが好きというのもありますが、展覧会に漂うムードが庭園美術館の内装や佇まいともマッチしていて、とても楽しめました。

３位　『ゲルハルト・リヒター展』（東京国立近代美術館）

日本では16年ぶり、東京では初という回顧展。初期のフォトペインティングからリヒターの集大成的な「ビルケナウ」、そして最新のドローイングまでリヒターの長い活動を表すかのように多彩な作品が集まっていて大変見応えがありました。リヒターの世界に存分に浸れた一方、リヒターの複雑さ、背景にある歴史やその意味に打ちのめされました。東近美のリヒター展に先立ってエスパスルイ・ヴィトン大阪で開催された『ゲルハルト・リヒターによる「Abstrakt」展』を観に行ったり、リヒターのインタビューや映画を観たり、書籍を読んだり、90を過ぎて今なお絶大な存在感を放つ現代アートの巨人に大きな刺激を受けた一年でした。

４位　『よみがえる川崎美術館－川崎正蔵が守り伝えた美への招待』（神戸市立博物館）

いまの川崎重工業の創業者で川崎財閥を築いた川崎正蔵が建てた幻の川崎美術館の旧所蔵品を集めた展覧会。川崎正蔵の蒐集にかける情熱と審美眼もさることながら、川重ゆかりの神戸で行うという意義と、散逸した美術品が100年ぶりに再会するという奇跡に胸熱でした。見どころは旧南禅寺帰雲院の応挙の障壁画32面＋1幅による川崎美術館の再現展示で、一部は東博でも観たことのある作品でしたが、やはり見え方が違うし、揃って観ることで応挙の素晴らしさも分かるし、往時の川崎美術館のこだわりも伝わってきます。狩野孝信や雲谷派の煌びやかな金屏風も見事でした。

５位　『西行－語り継がれる漂泊の歌詠み』（五島美術館）

様々な史料から遁世者・西行の姿を紐解き、後世どのように語り継がれたかを探るという展覧会で、西行の真筆含む古筆の優品が充実してるだけでも素晴らしいのに、細長い展示室の片側全てが「西行物語絵巻」というのがまた凄かった。旅先で詠む花鳥風月の歌には、悟りを求め遁世の道を選んだけれど、どこか現世に執着している西行の心の葛藤が読み取れて、しみじみと感じ入るものがあり、なぜ時代を越えて人々を魅了するのかが少し分かった気がしました。江戸時代に尾ひれが付いて語られる西行のエピソードも面白かった。

６位　『春日神霊の旅－杉本博司常陸から大和へ』（神奈川県立金沢文庫）

春日大社や所縁の社寺の所蔵品や称名寺の史料、また杉本の蒐集品を通して、春日信仰や東国との関係を紐解くという内容でしたが、春日大社の宝物もさることながら、春日曼荼羅と能面や花器を組み合わせたり、いつもながらに杉本博司のこだわりが随所に見られ、とても良かったと思います。室町時代の神鹿像の上に杉本博司制作のガラスの五輪塔（中に杉本の「海景」が嵌め込まれてる）が乗っていたり、神鹿像の失われた角や鞍や榊を須田悦弘が補作していたり、竹製の油注に須田悦弘の花が生けられていたり、中世の美術品と現代美術家の創作という組み合わせが斬新で面白かったです。

７位　『ヴァロットン－黒と白』（三菱一号館美術館）

2014年に同じ三菱一号館美術館で開催された『ヴァロットン展』で一気に日本でもファンが増えた感のあるヴァロットン。その後もナビ派の展覧会などでたびたび紹介されてきましたが、今回はヴァロットンの版画にだけスポットを当てていて、これがとにかく良かった。黒と白のモノクロームの世界の魅力や卓越した線描の豊かな表現力、構図のユニークさも去ることながら、ちょっとした毒気やペーソス、いろいろと想像させる物語性があって、ほんと面白い。ほとんど黒く塗られていても伝わる黒の雄弁さがまた素晴らしい。ヴァロットンのことがより一層好きになってしまいました。

８位　『生誕110年　香月泰男展』（練馬区立美術館）

代表作シベリアシリーズ全点を含む初期から晩年までの画業を辿る回顧展。香月泰男はこれまでも観ていますし、シベリアシリーズも初めてではないのですが、全点を通しで観るとズシリと来るというか、心に深く突き刺さるというか、とても印象に残りました。シベリアシリーズ以外でも特に戦後の作品は暗く重いトーンの作品が多くありましたが、やはりシベリア・シリーズに描かれる過酷なシベリア抑留の記憶や心象風景は、方解末と炭を多用した重厚なマチエールとともに強烈なインパクトがありました。少年を描いた初期の作品群も印象的でした。

９位　『建部凌岱展　その生涯、酔たるか醒たるか』（板橋区立美術館）

たまに見かけるけど詳しくは知らない絵師というのはたくさんいて、恐らく展覧会なんてないだろうなと思っていた一人が建部凌岱。展覧会を観るまでは芭蕉に憧れた文人画家という点で蕪村に近いのかなと思っていましたが、実はアプローチが全然違って、長崎で熊斐に南蘋派の画法を学び、南画にも腕を上げ、兼葭堂のサロンにも出入りしてたというからビックリ。花鳥画といっても南蘋派のような濃厚細密という程でなく、どちらかというと自由闊達なところが魅力で、ゆるい俳画も楽しい。経歴も面白く、弘前藩の家老の息子で、兄の嫁に手を出し駆け落ち寸前で見つかり家を追い出され、全国を遊歴し俳諧・絵画・小説・随筆で名を成したといい、そんなユニークな経歴と多才さを物語るとても興味深い展覧会でした。

１０位　『没後50年　鏑木清方展』（東京国立近代美術館）

西の松園、東の清方といいますが、清方の描く美人画は松園ほど好みでなく、自分の中でもそれほど上位ではなかったのですが、ここ数年観てきた作品で清方への個人的な評価も変わり、今回の回顧展はとても楽しみにしていました。美人画といっても様々なタイプのものがあり、時代や街の風俗が反映されていて、とりわけ東京をテーマにした章では清方の生まれ育った東京への深い愛着が感じられて興味深かったです。歌舞伎の章も名品が多く、清方は歌舞伎雑誌で舞台スケッチや劇評に携わっていただけあり、歌舞伎好きということが良く伝わってきてとても良かったです。

毎年のことですが、10本の選出にいつも頭を悩ませるのですが、今年は特に悩みました。トップの３本を除き、『西行展』『よみがえる川崎美術館』『春日神霊の旅』はほぼ同列、同じく『ヴァロットン展』以下はほぼ同列といった感じです。

選外となりましたが、12月に始まったばかりの『諏訪敦「眼窩裏の火事」』（府中市美術館）はよく知る諏訪の写実画とはまた違った作品を集めていて、見応えがあるというか、時間をかけて絵画に取り組む姿勢に感動すら覚えました。評判を聞き観に行った『芸術作品に見る首都高展』（O美術館）はベスト10に入れるかどうか最後まで悩むほど、そのこだわりが素晴らしかったですし、衝撃というかカオスぶりという意味では今年一番だったかも。他にも、サントリー美術館の『歌枕　あなたの知らない心の風景』、根津美術館の『燕子花図屏風の茶会』は企画内容がとても素晴らしく、これもほんと悩みました。サントリー美術館では『京都・智積院の名宝』、根津美術館では『遊びの美』も良かったですね。やはりこの二館はいつも満足度が高い。

日本美術では、関西で観た『来迎展』（中之島香雪美術館）は内容がとても素晴らしく、初めてまとめて観ることができた『山元春挙展』（滋賀県立美術館）も非常に良く、はるばる関西まで行った甲斐がありました。宮内庁三の丸尚蔵館収蔵の皇室の名品を集めた『日本美術をひも解く―皇室、美の玉手箱』（東京藝術大学大学美術館）も見応えがありました。東博の『国宝東京国立博物館のすべて』はチケットが取れず、１回しか観に行けなかったのが残念でした。

今年は蒔絵や図案をピックアップした展覧会も良かったですね。『大蒔絵展』（三井記念美術館）、『蔵出し蒔絵コレクション』（根津美術館）、『神坂雪佳展』（パナソニック汐留美術館）、『津田青楓　図案と、時代と、』（渋谷区立松濤美術館）が印象に残りました。陶芸では『鍋島焼　200年の軌跡』（戸栗美術館）、『茶の湯の陶磁器』（三井記念美術館）で良いものを観ることができ幸せでした。書では『篠田桃紅展』（東京オペラシティアートギャラリー）、『篠田桃紅夢の浮橋』（菊池寛実記念智美術館）で篠田桃紅の作品にたくさん出会えたことも良かったです。

西洋美術では『メトロポリタン美術館展』（国立新美術館）の名画尽くしには圧倒されました。『ルートヴィヒ美術館展』（国立新美術館）では、そもそもコレクションがナチスに弾圧された退廃芸術を戦時下に収集していたことから始まっただけあり、ドイツ表現主義やロシアアヴァンギャルドの作品を多く観ることができました。年末に観た『ピカソとその時代　ベルリン国立ベルクグリューン美術館展』（国立西洋美術館）もピカソやクレーが充実していて良かったです。

現代美術では『大竹伸朗展』（東京国立近代美術館）が圧倒的でした。あっと驚いたといえば、『日本の中のマネ』（練馬区立美術館）の最後の福田美蘭の作品は今年イチの傑作ではないでしょうか。他にも、『李禹煥展』（国立新美術館）、『カラーフィールド色の海を泳ぐ』（川村記念美術館）、『浜田知明　アイロニーとユーモア』（茅ヶ崎美術館）、『ソール・スタインバーグ展』（ギンザ・グラフィック・ギャラリー）も印象に強く残ってます。35年前のセゾン美術館の展覧会で衝撃を受けて以来大好きなボテロの展覧会（『ボテロ展』Bunkamura ザ・ミュージアム）も楽しかったです。

写真では『写真と絵画−セザンヌより柴田敏雄と鈴木理策』（アーティゾン美術館）は素晴らしかったですね。東京都写真美術館で観た『アヴァンガルド勃興』と『メメント・モリと写真』も印象深かったです。

年明け早々には、出光美術館がプライスコレクションより購入し、お披露目の場として大きな注目を集めつつも、新型コロナウイルスの影響で３年間延期になっていた『江戸絵画の華』展がようやく開催されます。コロナは一向に収束する気配がありませんが、展覧会はようやくコロナ禍以前の状態に戻った気がしますし、来年は今年以上に楽しみな展覧会も多くあります。来年の年末にはどんな10本が選ばれるでしょうか。

今年も一年お付き合いいただきありがとうございました。来年もどうぞよろしくお願いいたします。

【参考】
2021年展覧会ベスト10
2020年展覧会ベスト10
2019年展覧会ベスト10
2018年展覧会ベスト10
2017年展覧会ベスト10
2016年展覧会ベスト10
2015年展覧会ベスト10
2014年展覧会ベスト10
2013年展覧会ベスト10
2012年展覧会ベスト10

2021年展覧会ベスト10

2021-12-31T14:56:00.002+09:00

今年も最後の１日となりました。昨年からブログやお休みしていますが、記録として今年も展覧会ベスト10だけアップします。

去年の今頃は、年末にはさすがに新型コロナウイルスも終息してるのだろうと思っていましたが、終息するどころか、また訳の分からない変異株が出てきて、いつになったら安心して展覧会を観に行ける日が来るのかと暗澹たる気持ちになります。夏以降はあまり開催期間や出展作品などに影響が出ることはありませんでしたが、上半期には会期末を待たず閉幕し観ることができなかった展覧会もいくつかありました。

ただ今年は、出光美術館のように未だ再開しない美術館も中にはありますが、新型コロナウイルスに翻弄され企画の練り直しを迫られた昨年と違い、入念に準備された展覧会や海外から作品を借りてきた展覧会も多く、事前予約制の普及など何とかウイズコロナの時代の展覧会のスタイルに慣れてきたようにも感じます。

今年もまだまだ地方の展覧会に気軽に行けるような雰囲気でもなく、仕事の忙しさもあって、観に行けなかった展覧会も多く、ギャラリーの個展を含めても100も回れていないようですが、今年も記憶に残るような素晴らしい展覧会に出会えました。

というわけで、2021年のベスト10はこんな感じになりました。
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１位　『忘れられた江戸絵画史の本流　－江戸狩野派の250年－』（静岡県立美術館）

2018年の『幕末狩野派展』に続いて江戸狩野派を取り上げた渾身の企画展。これまで顧みられることのなかった江戸狩野派の奥絵師・表絵師にスポットを当て、優れた絵師を発掘するというのではなく、技量や作品の良し悪しに関係なく江戸狩野派の体制や家格、各家の展開により歴史を振り返り、江戸狩野派の本質を捉えようという画期的な内容でした。江戸狩野派を切り拓いた探幽ら三兄弟の作品はほぼなく、名前も聞いたことない絵師はバンバン登場するし、どうしようもない絵もあって（もちろん素晴らしい絵もある）、江戸狩野派はつまらないと言われる理由もよく分かるし、一方で江戸狩野派って面白いじゃんという気分にもなりました。

２位　『電線絵画展　－小林清親から山口晃まで－』（練馬区立美術館）

新時代のシンボルとして描かれた電信柱が違和感なく都市景観に溶け込み、やがて柱華道に行き着く。“電線愛”の延長線上の展覧会かと思いきや、清親や由一、劉生、さらに震災や戦争画、そして山口晃まで、電線を切り口に近代の風景を読み解く、真面目かつ充実した展覧会でした。江戸時代に電線絵画があったということに驚きましたし、同じ風景でも電線を描く巴水と描かない吉田博や、マニアックな電線愛が話題になった朝井閑右衛門など、いろいろ発見もあり興味が尽きませんでした。電柱の碍子がまるで工芸品のように展示されてるのも面白かったです。

３位　『GENKYO 横尾忠則［原郷から幻境へ、そして現況は？］』（東京都現代美術館）

初期のグラフィックワークから近年の新作の寒山拾得まで、500点以上の作品で活動を振り返る大規模回顧展。横尾忠則というと、私がアートに興味を持ち始めた頃からリアルタイムで活躍されている大物現代アーティストですし、メディアにもたびたび登場し、その活動はよく知っていましたが、こうして回顧的に作品を観るのは初めて。ボリュームも凄いが内容も濃く、どの作品もエネルギッシュで、ただただ圧倒されっぱなし。個人的には一連のY字路の作品に強く惹かれました。タマへのレクイエムは涙ものでした。

４位　『フランシス・ベーコン　バリー・ジュール・コレクションによる』（渋谷区立松濤美術館）

ベーコンの死後発見され、「ドローイングは描かない」と語っていたベーコンの生前の言葉を覆すものとして真贋論争まで起きたベーコンの制作過程の深部に迫る極めて重要かつ刺激的な展覧会でした。ドローイングといってもベーコンはベーコンで、特にコラージュや写真に絵具やパステルで線や色を加えた作品群は完成された油彩画とはまた別の面白さがありました。ベーコンが全て破棄したといわれていた1930年代の貴重な油彩画は、彼にとって捨て去りたい過去だったのかもしれませんが、ベーコンがキュビズムやシュルレアリスムに傾倒していたことが分かり、後の作品を考えるととても興味深かったです。

５位　『柳宗悦没後60年記念展　民藝の100年』（東京国立近代美術館）

最初は“民藝名品展”みたいな内容なのかなと思っていましたが、柳宗悦の足跡に留まらず、民藝の成り立ちにおけるアーツアンドクラフツ運動の影響や民俗学との関係、地方や東洋美術への関心など体系的にまとまっていて、民藝を多角的に検証していくという想像以上の展覧会でした。「民藝と戦争」など考えさせられるトピックもあり、“民藝名品展”みたいな軽いノリ（笑）で観に行ってしまったのでガツンと来ましたし、やはり近代美術館で取り上げるだけの内容だなと深く感心しました。

６位　『あやしい絵展』（東京国立近代美術館）

生き人形や血みどろ絵からラファエル前派、デロリなど、耽美系、退廃系、神秘系、魔性系、狂気系、エログロ系と一口にあやしいと言っても様々。時代、背景、題材、いろいろない交ぜですが、近代絵画の一つの傾向としてこうした絵が描かれてきたことは興味深いものがありました。これいる？みたいな絵も中にはありましたが、総じて面白く、個人的には橘小夢や秦テルヲ、甲斐庄楠音など大正デカダンスが充実してて良かったし、セレクトしてくれたことが嬉しかったです。こうした一見卑俗な作品の展覧会を国立の美術館で開催したというのもなかなかユニークだったと思います。

７位　『曽我蕭白　奇想ここに極まれり』（愛知県美術館）

2012年の『蕭白ショック‼︎』（千葉市美術館）以来の大規模な蕭白展。アクの強い30代から円熟の晩年まで作品が充実していて、とても素晴らしい内容でした。『蕭白ショック』と蕭白を大きく取り上げた同年の『ボストン美術館展』を観てるので、あの時のような衝撃こそありませんでしたが、やはり蕭白は何度観ても強烈ですし圧倒されますし、お腹いっぱいになります（笑）。『蕭白ショック』では展示が前後期で分けられた旧永島家襖絵が全44面一度に観られたのも有り難かったですし、海外から最晩年の傑作「石橋図」が来たのも嬉しかったです。奇矯さばかり取り上げられがちな蕭白ですが、こうしてあらためて観てみると、徹底した基礎と優れた技巧の上に成り立ってることがよく分かるし、大胆な筆致の一方で釣り糸一本手を抜かないところが凄い。会場はゆったりした展示で、東京の展覧会のように混雑を気にすることなくじっくり観られたのも良かったです。

８位　『福田美蘭展　千葉市美コレクション遊覧』（千葉市美術館）

千葉市美術館の所蔵作品を題材に取り組んだ現代美術家・福田美蘭の新作展。浮世絵をはじめ、蕭白や若冲といった江戸絵画や雪舟の作品などを現代的に読み解いたり、新型コロナウイルスや東京オリンピックといった時事問題をユーモアや皮肉を交えてアップデートしたり、その意外性がとても面白かったです。千葉市美術館の所蔵作品と比べて観ることができたり、謎解きみたいな隠し絵があったり、いろんな見方を提案してくれていて、飽きることなく楽しめました。

９位　『阪本トクロウ　デイリーライブス』（武蔵野市立吉祥寺美術館）

日常の風景だけど生活感がない。静謐だけど街の音が微かに聴こえる。シンプルというよりミニマル。落ち着いた色のトーンの心地よさ。余白さえ美しい…。こじんまりした美術館での30点弱の展覧会でしたが、まとまって作品を観ることができ、一目でファンになりました。わたし的には今年の大発見なのですが、なんでこんなに好みの絵を描く現代美術家を今まで知らなかったんだろうと深く反省しました。この展覧会のあと、ギャラリーやデパート展なども追っかけていて、今年イチお気に入りの作家さんです。

１０位　『重要文化財指定記念特別展　鈴木其一・夏秋渓流図屏風』（根津美術館）

「夏秋渓流図屏風」の重文記念の鈴木其一展かと思いきや、「夏秋渓流図屏風」の誕生の秘密を琳派だけでなく狩野派や応挙などの学習も踏まえ探るという其一ファン、琳派ファンの興味を掻き立てる素晴らしい展覧会でした。酒井抱一の「青楓朱楓図屏風」や円山応挙の「保津川図屏風」との関連はファンなら知ることですが、それを１つの空間で実際に並べて見比べられるという贅沢さ。「夏秋渓流図屏風」を前に立ち、左に向けば山本素軒、右に向けば応挙、後ろを振り返れば抱一と、会場をぐるり見渡すだけで其一がどのような作品を参考にして「夏秋渓流図屏風」を描いたのかが良く分かり、とても興奮しました。

惜しくも選外となりましたが、今年特に印象に残った展覧会としては、近年再評価され待望の回顧展となった『渡辺省亭展』（東京藝術大学大学美術館）、同じく近年「國之楯」が注目を浴び、その知られざる全貌が明らかになった『小早川秋聲　旅する画家の鎮魂歌』（東京ステーションギャラリー）、描き手の筆づかいに着目し肉筆の優品を集めた『筆魂　線の引力・色の魔力』（すみだ北斎美術館）、青木繁の代表作「海の幸」からインスピレーションを得て、日本の歴史や文化などの変遷を形象化した『M式「海の幸」　森村泰昌ワタシガタリの神話』がありました。

このほかでも、京都の福田美術館と嵯峨嵐山文華館の２館で開催された『木島櫻谷　究めて魅せた「おうこくさん」』や、こちらも同時期の２館開催となった『複製芸術家小村雪岱　～装幀と挿絵に見る二つの精華』（日比谷図書文化部ミュージアム）と『小村雪岱スタイル　－江戸の粋から東京モダンへ』（三井記念美術館）のように共同開催や連携企画の展覧会では多くの作品に触れることができ、非常に充実した鑑賞体験を味わうことができました。

雪岱の他にも明治大正の挿絵や装幀の展覧会を今年はいくつか観ることができ、『鏑木清方と鰭崎英朋　近代文学を彩る口絵』（太田記念美術館）や『杉浦非水時代をひらくデザイン』（たばこと塩の博物館）も良かったと思います。京都では、竹内栖鳳に師事し、その後栖鳳と生活を共にし画業から身を引いた幻の画家『日本画家・六人部暉峰の世界』（向日市文化資料館）も非常に興味深い内容でした。

そのほかの展覧会では、『和田誠展』（東京オペラシティアートギャラリー）、『モンドリアン展』（SOMPO美術館）、『トライアローグ』（横浜美術館）、『コレクター福富太郎の眼』（東京ステーションギャラリー）、『ミネアポリス美術館展』（サントリー美術館）あたりが強く印象に残っています。『包む－日本の伝統パッケージ展』（目黒区美術館）のリバイバル展は10年に観た内容と大きく変わらなかったので選外にしました。

来年こそはと願いたいところですが、まだしばらく新型コロナウイルスの影響が残りそうですし、気が抜けない日々が続くのだろうなと思います。これ以上状況が悪化しないことを祈るばかりです。来年は今年にまして大型の展覧会も予定されているようなので、去年と同じ言葉の繰り返しになりますが、１日も早く新型コロナウイルスが収束し、安心して美術館・博物館に行ける日が来るといいですね。

今年も一年お付き合いいただきありがとうございました。来年もどうぞよろしくお願いいたします。

【参考】
2020年展覧会ベスト10
2019年展覧会ベスト10
2018年展覧会ベスト10
2017年展覧会ベスト10
2016年展覧会ベスト10
2015年展覧会ベスト10
2014年展覧会ベスト10
2013年展覧会ベスト10
2012年展覧会ベスト10

2020年展覧会ベスト10

2020-12-31T00:07:00.003+09:00

早いもので今年も最後の１日となりました。

年々仕事も忙しくなり、ブログを書くだけの時間的余裕がなくなったこともあり、今年はブログをお休みさせていただいてましたが、まあ記録のためにも展覧会ベスト10だけは残しておいた方がいいかなと思い、１年ぶりにブログを更新することにしました。

今年は新型コロナウイルスの影響で展覧会の延期や中止も相次ぎ、なんとか開催されても多くの展覧会が企画や展示作品の変更を余儀なくされました。さまざまな予定が狂い、いくつもの楽しみが台無しにされ、ほんと悲しい一年でした。

コロナ禍で大変な中、企画を練り直し、展示作品をかき集め、感染防止対策を講じ、展覧会を開催してくれた美術館・博物館にはほんと頭が下がります。本来、展覧会の企画は数年の時間を要しますが、今できうることを考えてくれて、特に秋以降の展覧会にはそうした努力や苦労が伝わってくる素晴らしい展覧会が多かったように思います。海外から作品を借りられない分、国内の所蔵作品で構成された展覧会も多く、あらためて日本には素晴らしい作品が多くあるということも知りました。

個人的には、身近に基礎疾患を持つ人や高齢の人がいることもあり、おいそれと混雑する場所や地方に行くことができず観逃した展覧会が多くありました。また、夏に突発性難聴になり、耳鳴りに悩まされて美術館のような静かな空間が苦痛になり、しばらく展覧会に行く気になれない時期もありました（後遺症は今も残ってますが、慣れました笑）

そんなこんなで今年は例年以上に観た展覧会の数は減ってしまいましたが、その分、記憶に残る展覧会が多くありました。

いろいろ悩んだ末、2020年のベスト10はこんな感じになりました。
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１位　『桃山　天下人の100年』（東京国立博物館）

今年は大きな展覧会がかなり中止になりましたが、このコロナ禍の中、ここまでの規模の展覧会が開催されたことには感謝しかありません。90分の鑑賞推奨でしたが、２時間あっても観終わらないぐらいの物量に圧倒されました。元信に永徳、山楽、山雪、探幽といった狩野派黄金期の傑作に加え、土佐派もあれば等伯もあるし又兵衛もある。利休も長次郎も織部も光悦もある。これ以上望むものはないのではないかというぐらい、桃山文化の満漢全席、正に空前絶後、贅沢の極みでした。本来であれば長蛇の列必至だったのでしょうが、事前予約制になったことやコロナの影響もあって、来場者も少なく（企画側は残念な結果だったのでしょうが）、混雑を気にすることなくじっくり堪能できたのも良かったです。

２位　『性差の日本史』（国立歴史民族博物館）

古代にはなかった男女の性差がいかに変容してきたか、その歴史を多くの史料から紐解く非常に意義深い展覧会でした。律令制、幕藩体制、明治国家と政治制度が大きく変わるたびに女性が政治や社会から排除され、職業さえ女性を分離していく。資料中心の展示でしたが、全体の流れにストーリーがあり、徹底した調査と検証により説得力のある展示になっていました。背景として知っている事柄でも視点を変えるだけで別の側面が見え、これまで光の当たらなかった事実も浮き彫りにされ、とても興味深かったです。ここ数年、ジェンダーの問題は関心も高く、タイミング的にも良かったと思います。

３位　『もうひとつの江戸絵画　大津絵』（東京ステーションギャラリー）

コレクターの視点に注目して大津絵を観るというユニークな企画で、しかもこれだけの規模の大津絵の展覧会というのは東京では珍しく、さまざまな画題やいくつものバリエーションが集まり、とても楽しい展覧会でした。個人的にも大津絵が大好きで、これまでも割と大津絵は観てるのですが、今回はコレクター垂涎の品などもあって、あまり見ない画題や、初期の貴重な作品も多く、興味深いものがありました。いずれもコレクター所有だったというだけあり、表装もコレクターのセンスを感じられて良かったです。

４位　『舞妓モダン』（京都文化博物館）

コロナが蔓延しだしてから地方はおろか、東京からほとんど外に出てないのですが、たまたま関西に仕事が入り、時間を調整して何とか観ることができました。京の舞妓が近代から現代にかけてどう描かれてきたかを紐解く意欲的な展覧会だったと思います。日本画、洋画を分けることなく一つの流れで見せていくのも良かったし、さまざまな画家が舞妓というモチーフに創作意欲を刺激され、いかに取り組んで来たかがよく伝わってきました。舞妓が京都や美人のメタファーとして描かれていったことも個人的には新たな気づきでした。明治から戦前にかけては京都画壇による作品が中心で、近代京都画壇ファンとしては魅力的な展示でもありました。

５位　『生誕120年・没後100年　関根正二展』（神奈川県立近代美術館鎌倉別館）

コロナの影響で期間短縮となり、観ることのできなかった人も多いのでは。画業僅か５年、二十歳で夭折しただけに作品数は多くありませんが、それでもその短い生涯でとても濃密な創作活動を送っていたことがよく分かりました。代表作を観るだけでも大変ありがたかったのですが、デューラーを思わせる筆致やセザンヌの影響を感じる油彩、デッサン力を感じさせるスケッチ、珍しい日本画などあって、とても興味深い展覧会でした。

６位　『きもの KIMONO』（東京国立博物館）

小袖などは東博の常設でも展示されていますが、そこは特別展なので鎌倉や室町時代の貴重な着物もあり、日本のファッション史や風俗史を知る上でもとても勉強になりました。展示品自体がどれもファッショナブルで、着物を着て観にくる来場者も多く、会場の雰囲気がとても華やかだったのも印象的でした。初期風俗画の展示もことのほか充実していて、江戸初期のファッションという視点からあらためて観られたのも良かったです。

７位　『河鍋暁斎の底力』（東京ステーションギャラリー）

暁斎の展覧会は毎年のように開催されていますが、本展は下絵や画稿、席画だけで、完成された本画の展示は一切なしという潔さ。だからこそ純粋に暁斎の筆技が堪能できるし、あらためて暁斎の才能を思い知りました。北斎、応挙、西洋美術からの影響がよく分かったのも収穫でした。本画が一切出てないのに全く退屈しない展覧会というのはなかなかないと思います。いくつもの展覧会を観て廻るアートクラスタがどよめくのも納得の面白さでした。

８位　『京都の美術　250年の夢』（京都市京セラ美術館）

元々は約８ヶ月という長期間で、三部に分けて開催される予定だった展覧会ですが、コロナの影響で総集編としてまとめられ、出品数も減らされたのはつくづく残念でした。展示替えも多く、特に楽しみにしていた江戸から明治にかけての縮小は痛かったです。それでも会場が広かったこともあって展示作品数はそれなりにあり、江戸時代から現代まで京都の美術の250年の流れを一気に観られたという面白さと、京都の美術ここにありという気概が感じられ、観たあとの充実感は最高でした。

９位　『石元泰博写真展　伝統と近代』（東京オペラシティアートギャラリー）／『石元泰博写真展　生命体としての都市』（東京都写真美術館）

生誕100年ということで東京オペラシティアートギャラリーと東京都写真美術館でそれぞれ開催されましたが、ここまで真剣に、しかもまとめて石元泰博の写真を観たことが初めてだったこともあり、非常に刺激のある展覧会でした。オペラシティアートギャラリーは写美より回顧展色が強く、さまざまな側面から石元の作品が観られたのに対し、写美はいくつかのテーマに絞り、じっくりと作品と対峙できたのも良かったです。どの作品からも緊張感が伝わってくるというか観ていて背筋が伸びる感じがしました。

１０位　『石岡瑛子　血が、汗が、涙がデザインできるか』（東京都現代美術館）

今年一番観てて疲れた（いい意味で）展覧会といえば、石岡瑛子展は頭一つ二つ抜きん出てるかもしれません。資生堂時代に手がけたポスターからパルコや角川書店などアートディレクターとしての仕事、映画やオペラの衣装デザインなどなど、映像や衣装など資料の物量と情報量が物凄いし、彼女の仕事に対する姿勢とパワーに圧倒されっぱなしでした。びっしり指示が書かれた校正紙からは細かさと的確さと妥協のなさにビビると同時に感動すら覚えました。

惜しくも選外となりましたが、最後まで迷った展覧会としては、アイヌの手仕事の数々からアイヌ民族の精神性まで伝わってきた『アイヌの美しき手仕事』（日本民藝館）、取り合わせの妙が新鮮で面白かった『琳派と印象派』（アーティゾン美術館）、東京では滅多にお目にかかれない地方絵師の作品が充実ていていた『奇才　江戸絵画の冒険者たち』（江戸東京博物館）、館蔵品と見せ方で存分に楽しませてくれた『日本美術の裏の裏』（サントリー美術館）、また現代アートでは、どこか不穏で幻想的な世界観にハマってしまった『ピーター・ドイグ展』（東京国立近代美術館）があります。

『桃山　天下人の100年』では狩野派黄金期の傑作の数々を観ることができましたが、今年は『狩野派　画壇を制した眼と手』（出光美術館）、『狩野派学習帳』（板橋区立美術館）、『本門寺狩野派展』（池上本門寺霊宝殿）などでも狩野派の作品を観る機会に恵まれたことも個人的には今年特筆したい点です。

そのほかの展覧会では、『坂田一男　捲土重来』（東京ステーションギャラリー）、『利休のかたち』（松屋銀座）、『肉筆浮世絵名品展』（太田記念美術館）、『見えてくる光景　コレクションの現在地』（アーティゾン美術館）、『津田青楓とあゆむ明治・大正・昭和』（練馬区立美術館）、『和巧絶佳展』（パナソニック汐留美術館）、『ベルナール・ビュフェ回顧展』（Bunkamura ザ・ミュージアム）あたりが特に印象に残っています。

来年もまだまだ新型コロナウイルスの影響は続くでしょうし、年明けて感染者がさらに増えるようであれば、折角開催された展覧会も中止を余儀なくされるといったことがあるかもしれません。しばらく地方遠征もしづらく（反対に地方から東京にも来づらいでしょうし）、観に行きたくても行けず涙を飲むこともあるでしょう。それでも今から楽しみな展覧会が来年はいくつも予定されていて、新型コロナウイルスが一日も早く収束し、安心して美術館・博物館に行ける日が来ることを願うばかりです。

今年も一年ありがとうございました。来年もどうぞよろしくお願いいたします。

【参考】
2019年展覧会ベスト10
2018年展覧会ベスト10
2017年展覧会ベスト10
2016年展覧会ベスト10
2015年展覧会ベスト10
2014年展覧会ベスト10
2013年展覧会ベスト10
2012年展覧会ベスト10

2019年展覧会ベスト10

2019-12-31T15:15:00.000+09:00

今年も最後の１日。
あれよあれよという間に大晦日ですね。

今年は（も）休日に時間が十分取れなくて、展覧会に十分に回れなかったのが残念でした。仕事のこと、家族のこと、いろいろありますし、映画だって観たいし、芝居だって観たいし、本だって読みたいし、年々時間を捻出するのが難しくなるばかり。

さて、拙ブログの今年のエントリーは展覧会の感想のみで38本で、一番エントリーが多かった年の半分と言っていた昨年よりさらに少なくなってしまいました。展覧会の記事は会期が終わるまでに書こうとは思ってるのですが、結局書けずじまいものも多く…。

思うように展覧会に行けなかったのと、結構評判の良い展覧会を見逃がしていて、今年の展覧会ベスト10は全然参考にならないんじゃないかなと思います。そもそも観た分母が少ないこともあってか、ダントツでこれ！といった展覧会もそれほどなく、正直ベスト５以下はかなり迷いました。

とはいえ、今年は大好きな近世初期風俗画と、ここ数年高い関心を持っている京都画壇の作品を観る機会に恵まれ、特に近代京都画壇に連なる呉春の作品に多く触れられたのが個人的には最大の収穫でした。あまり展覧会を回ることができなかったものの、日本美術だけでなく、西洋美術や現代アート、やきものなど、自分が興味を持ったものが優先ではありますが、バランス良く観られたのがせめても救いかなと思います。

で、2019年のベスト10はこんな感じです。
↓↓↓↓↓↓↓↓↓↓↓↓↓↓↓↓↓↓↓↓↓↓

１位　『遊びの流儀　遊楽図の系譜』（サントリー美術館）

近世初期風俗画の展覧会は特に珍しくありませんが、本展がユニークだったのは、遊楽図に描かれた碁盤や双六、カルタなどが一緒に展示され、遊楽図の展開だけでなく、当時の人々の娯楽やファッションなど風俗が絵画の世界を超えてリアルに伝わってきたこと。遊楽図そのものも名品がずらりと並び、その充実感たるや今年一番だったと思います。これまで縁がなかった「松浦屏風」や「相応寺屏風」、「伝本多平八郎姿絵屏風」など近世初期風俗画の傑作に出会えたことも嬉しかったです。年末に大和文華館で観た『国宝彦根屏風と国宝松浦屏風　遊宴と雅会の美』では本展に出展されなかった「彦根屏風」を久しぶりに観ることもでき、『遊びの流儀』で若干不足していた部分も補って余りあるものがありました。近世初期風俗画ファンとしては大満足の一年でした。

２位　『円山応挙から近代京都画壇へ』（東京藝術大学大学美術館）

近代京都画壇がここ数年のマイブーム（古っw）なのですが、その中心となる円山四条派の祖・応挙と呉春から連なる近代京都画壇への流れをここまで大規模に、しかも東京で取り上げてくれたことにまず感動しました。応挙は見慣れてることもあり特段驚くことはないのですが、大乗寺障壁画の空間再現展示は見応え十分で、応挙門下や幕末から明治にかけての京都画壇が思いの外充実していて素晴らしいものがありました。円山派は円山派の、四条派は四条派のそれぞれの良さも分かり、近代になり両派が渾然一体となり京都画壇を創り上げていく様も見て取れました。

３位　『大竹伸朗　ビル景　1978-2019』（水戸芸術館現代美術ギャラリー）

『ビル景』が40年続いていることが何より驚きで、時に心象風景を具現化するように、時に体の内側から溢れる思いをぶつけるように、時に何かに取り憑かれたように、画面を縦横無尽に走る線や色や形を見てると、大竹伸朗にとって『ビル景』とは、旺盛な制作活動の中で何かに立ち返るための基点的な意味もあるんだろうなと感じたりもしました。何より500点余りという作品はどれも刺激的で、シビれるぐらいかっこよくて、ただただ圧倒されました。

４位　『岡上淑子　沈黙の奇蹟』（東京都庭園美術館）

何年も前から気になっていた岡上淑子の作品にやっと出会えた喜びというんでしょうか、その喜びが期待を超えるぐらいに衝撃的でした。とてもファッショナブルでエレガントで良い意味でクラシカル。超現実的でありながらも、どこか女性の空想や願望がイメージ化されたようなところがあり、そのシュールで洗練された不思議な世界に目を奪われました。旧朝香宮邸のクラシカルな空間も相まって、岡上淑子の魅惑的な夢物語の舞台に迷い込んだような気分になりました。

５位　『画家「呉春」 − 池田で復活（リボーン）！』（逸翁美術館）

春に『四条派のへの道　呉春を中心として』を観て、夏に『円山応挙から近代京都画壇へ』を観て、秋に『桃源郷展 − 蕪村・呉春が夢みたもの』を観て、その他にも呉春の作品を観る機会が多く、今までこんなに呉春に触れたことがあっただろうかというぐらい今年は呉春づいていました。その決定版がこの『ゴシュン展』だったと思います。展示は呉春の池田時代が中心でしたが、作品の充実度は申し分なく、相次ぐ近親者の死や、師・蕪村や池田の人々との交流も語られ、呉春がどういう思いで池田で過ごしたのかも伝わってくる構成がまた素晴らしかったです。

６位　『茶の湯の銘碗　高麗茶碗』（三井記念美術館）

今年のベスト10で、唯一記事にできていないのですが、今年いくつか観たやきものの展覧会の中では『高麗茶碗展』が一番印象に残っています。高麗茶碗の佇まいの渋さ、侘びた景色が好きなのですが、高麗茶碗と偏に言っても結構さまざまなタイプのものがあって、でもそれぞれに惹かれるものがあり、あらためて自分の好みであることを確信しましたし、高麗茶碗の奥深さに心打たれました。

７位　『奇想の系譜展』（東京都美術館）

まさに江戸絵画の奇想オールスータズ大集合。又兵衛、山雪、若冲、蕭白、芦雪、国芳などの過去の展覧会の集大成であり、ダイジェストであり、辻惟雄氏の『奇想の系譜』に強い影響を受けた身としては夢のような企画展でした。今は目が慣れて奇想を奇想と思わなくなっているところもありますが、江戸絵画の中でいかに彼らが異質だったかをあらためて考えるいい機会になったと思います。

８位　『江戸の園芸熱』（たばこと塩の博物館）

タイトルが園芸「熱」なのがミソで、武家から庶民まで江戸時代の園芸ブームの盛り上がりぶりが浮世絵を通してとてもよく伝わってきましたし、園芸が江戸の人々の身近にあったことも分かり興味深いものがありました。美人画でもなく、役者絵でもなく、名所絵でもなく、あくまでも主役は園芸絵。これまでに見ないタイプの浮世絵も多く、美人画や名所絵だけを観て、江戸の文化や風俗を知ったつもりになっていてはダメだなとも思ったりしました。

９位　『原三溪の美術』（横浜美術館）

日本美術の展覧会を回っていると、「原三溪旧蔵」という文字を目にすることがありますが、いまは散逸し各地の美術館や個人コレクターの手に渡った「原三溪旧蔵」のコレクションが一堂に集まり、これもあれも原三溪が持っていたのかとその審美眼の確かさと趣味の良さに驚くばかりでした。三溪はコレクション公開のための美術館の建設を夢見ていたということを本展で知ったのですが、三溪生誕150年・没後80年という年に、ゆかりの深い横浜の地でこうして展覧会が開かれたこともとても意義深かったと思います。

１０位　『塩田千春展　魂がふるえる』（森美術館）

アート作品を観ていて息苦しくなるとか、精神的なものに圧倒されるという経験はそうあるものではありません。塩田千春のこの展覧会は、どの作品からも命の叫びというか、魂も肉体もばらばらになるのを感じながら、制作に打ち込んできたのだろうことが強く伝わってきて、作品の前に立つたびにドーンと来るものがありました。なんだか凄いものを観た感という意味では今年一番のインパクトでした。

10位で迷ったのが埼玉県立歴史と民俗の博物館の『東国の地獄極楽』。関東を中心とした浄土宗の広がりや浄土信仰について詳しく、地味ながらもなかなか収穫の多い展覧会でした。今年も関西に遠征し、いくつか展覧会を観ましたが、京都国立博物館で観た『佐竹本三十六歌仙絵と王朝の美』も今後これだけまとめて佐竹本を観られるかと思うとベスト10に入れておきたかったところです。

今年は観た展覧会は少なかった分、ブログに記事にした展覧会はいずれも推しの展覧会ばかりで、つまらなかったものは一つもないのですが、ベスト10に入れられなかったものの強く印象に残った展覧会としては、『創作版画の系譜』、『へそまがり日本美術』、『国宝一遍聖絵と時宗の名宝』、『大徳寺龍光院　国宝曜変天目と破草鞋』、『学んで伝える絵画のかきかた』、『松方コレクション展』、『山口蓬春展』、『岸田劉生展』あたりでしょうか。現代アートでは『バスキア展』も楽しかったですね。展覧会とはいえないかもしれませんが、神保町の古書店で観た『奈良絵本を見る！』は観られてとても良かったと思います（第二弾に行けなかったのが残念ですが）。

記事としては書けていませんが、日本美術では『ラスト・ウキヨエ』、西洋美術では『ギュスターヴ・モロー展』や『クリムト展』、『ウィーン・モダン展』、『ルート・ブリュック展』、『メスキータ展』、『コートルード美術館展』もとても印象的でした。

残念ながら結局行けずじまいだった『顔真卿』、『ジョゼフ・コーネル展』や『世紀末ウィーンのグラフィック展』、『キスリング展』、地方で遠征できなかったのですが、『月僊展』、『増山雪斎展』、『山元春挙展』、『驚異と怪異』あたりは観ておきたかったなと思います。

ちなみに今年アップした展覧会の記事で拙サイトへのアクセス数は以下の通りです。
１位　奇想の系譜展
２位　創作版画の系譜
３位　河鍋暁斎　その手に描けぬものなし
４位　岡上淑子　沈黙の奇蹟
５位　原三溪の美術
６位　はじめての古美術鑑賞　絵画のテーマ
７位　四条派のへの道　呉春を中心として
８位　桃源郷展
９位　大徳寺龍光院　国宝曜変天目と破草鞋
10位　尾形光琳の燕子花図

このブログも今年でちょうど10年を迎えました。このブログの前にやっていた映画のホームページ時代から入れると、なんと20年もちまちまつまらないことを書いていたんですね。。。ちょうど切りも良いので今年でブログを一旦クローズしようと思います。どうしても記事にしたいという展覧会が出てきたり、思い出したように書き出したりするかもしれませんが、また時間が作れるようになって再オープンできる時までしばらくお休みするつもりです。10年間、こんな拙いサイトにも関わらず、足をお運びいただきありがとうございました。

【参考】
2018年展覧会ベスト10
2017年展覧会ベスト10
2016年展覧会ベスト10
2015年展覧会ベスト10
2014年展覧会ベスト10
2013年展覧会ベスト10
2012年展覧会ベスト10

日経おとなのOFF 2020年絶対に見逃せない美術展（日経トレンディ2020年1月号増刊）

美術展ぴあ2020 (ぴあ MOOK)

窓展：窓をめぐるアートと建築の旅

2019-12-08T22:00:00.000+09:00

東京国立近代美術館で開催中の『窓展：窓をめぐるアートと建築の旅』を観てきました。

その人の人生や暮らし、時代…。窓にインスパイアされて制作された作品…。そうした窓を通して見えるいくつもの風景を、さまざまな切り口で紹介する企画展です。

「『窓学』を主宰する一般財団法人窓研究所とタッグを組んで行われるこの展覧会」、窓研究所とはなんぞやと思って調べたら、なるほど「窓のあるくらし」のコピーで有名なYKK APが設立した団体なんですね。なんでいきなり窓なんだろうと不思議に思ってました。

絵画や写真、サイレント映画や実験映像、インスタレーションや建築物などジャンルを超えた作品が‟窓”をテーマに14の章に分けて展示されています。開幕早々に観たのですが、展示作品は幅広く、特定のカテゴリーにターゲットを絞ったというわけでもないのですが、若い方も結構多く、みんな思い思いに作品を見入っているのが印象的でした。

藤本壮介「窓の住む家／窓のない家」　2019

美術館の前庭に何やら見知らぬ建物が。これも『窓展』の展示のひとつ。建築家・藤本壮介の窓の新しい概念を提示したインスタレーションだそうです。部屋？の中に木が立っていて、ここは中なのか外なのか中庭なのか。いろいろ想像が膨らみます。行った日は天気が悪くて、写真がいまいち映えなかったのが残念。

会場に入ると、壁一面にバスター・キートンの映画『キートンの蒸気船』が映し出されてます。家の外壁が倒れてきたと思ったら、家の前に立ってる人はうまいこと窓の枠の中にすっぽりはまって命拾いするという、まるでドリフのギャグ。

郷津雅夫「《Window》より」　1972−1990　個人蔵

印象的だったのが、ニューヨークのアパートの窓から通りを見やる人々を捉えた郷津雅夫の写真。黒人や移民と思しき人々、老人や子どもたちが窓辺に集まって外を眺めています（パレードの様子を眺めてるとか）。下町のアパートに暮らす、決して裕福とはいえない人々のドラマが浮かび上がってくるようです。

ロベール・ドアノー「《ヴィトリーヌ、ギャルリー・ロミ、パリ》より」
1948　東京都写真美術館蔵

ガラス技術が発展し、ショーウィンドウが都市に普及したのが19世紀だといいます。ショーウィンドウのマネキンや商品を眺める人々は写真の恰好の被写体になります。面白かったのがドアノーの写真で、ショーウィンドウに飾られた女性の裸婦像を観て驚く老婦人やじっと見つめる男性などが、まるで隠しカメラのように写されています。

途中、建築や絵画における‟窓”の歴史が12mぐらいの長い年表で紹介されています。ヨーロッパの絵画に窓が登場するようになるのは約600年ぐらい前からになるそうですが、年表はそれこそ古代の窓と美術に関することから記されていて、窓の技術や歴史的な出来事にまで触れられていて、結構見入ってしまいます。

ピエール・ボナール「静物、開いた窓、トルーヴィル」
1934　アサヒビール大山崎山荘美術館蔵

アンリ・マティス「待つ」
1921−22　愛知県立美術館蔵

絵画は20世紀以降の作品が展示されています。ボナールやマティスといったポスト印象派から、ロスコやリヒター、キルヒナー、アルバース、リキテンシュタイン、デュシャンといった現代美術まで。ロスコ（福岡市美術館の所蔵品）がとても良かったのですが、現代美術はほとんど撮影禁止でした。

パウル・クレー「花ひらく木をめぐる抽象」
1925　東京国立近代美術館蔵

アド・ラインハート「抽象絵画」
1958　東京国立近代美術館蔵

現代美術になると、これは窓なのか？ただの枠ではないのか？とか、クレーでさえ窓との関係がちょっとこじつけ感があるのですが、ラインハートの「抽象絵画」まで来ると最早窓を感じ取ることさえ難しい……。

岸田劉生「麗子肖像（麗子五歳之像）」
1918　東京国立近代美術館蔵

岸田劉生の「麗子肖像」があって、この作品と‟窓”に何の関係が？と思ったのですが、そばにあった解説に「『絵画＝窓』とするなら、額縁は窓枠のようなもの」であり、この作品は「『額縁に入った麗子の肖像画』を描いた絵」とありました。一方で、麗子の背景に影が薄く落ちていることから、麗子が背景から浮かび上がり、だまし絵のような効果を劉生は狙ったのではないかと。10月に観た『岸田劉生展』では北方ルネサンスの影響、特にデューラーについて触れられていましたが、本展ではクラナッハが取り上げられていました。

奈良原一高「《王国》より　沈黙の園」
東京国立近代美術館蔵

つづいて奈良原一高。代表作『王国』から12点が展示されています。『王国』は修道院と女子刑務所をという外部から隔絶された空間に生きる人々を写した作品。かれこれ５年前に同じ東近美で『王国』の特集展示があり、とても感動して写真集を買ったほどなのですが、今回はその中から窓が印象的な作品を選んで展示しているようです。

エルジュ「《タンタン　アメリカへ》より　No.19」
1931　東京国立近代美術館蔵

《TINTIN》が東京国立近代美術館に所蔵されているとは。今の時代なら「絶対マネしないように」って注意書きがありそうなシーン（笑）

山中信夫「ピンホール・ルーム２」
1973　東京国立近代美術館蔵

ピンホールカメラの手法を用いた山中信夫の「ピンホール・ルーム」シリーズが一区画に３点ほど展示されていて、個人的にはとても好みでした。

後半にはいろいろユニークなインスタレーションがあったり、懐かしいリプチンスキーの映像があったりして飽きません。この日は用事があって、１時間ぐらいしかいられなかったのですが、ほんとならもっと時間を取って見たかったなと思います。

ゲルハルト・リヒター「８枚のガラス」
2012　ワコウ・ワークス・オブ・アート蔵

【窓展：窓をめぐるアートと建築の旅】
2020年2月2日（日）まで
東京国立近代美術館にて

窓展: 窓をめぐるアートと建築の旅

佐竹本三十六歌仙絵と王朝の美

2019-11-24T17:41:00.000+09:00

京都国立博物館で開催中の『流転100年　佐竹本三十六歌仙絵と王朝の美』に行ってきました。

ほんとはもっと早くに観に行くつもりで、10月に新幹線もホテルも予約していたのですが、台風19号と重なり残念ながらキャンセル。11月の連休は仕事があり、今回は無理かなと思ってたのですが、幸いなことに仕事の調整がつき、なんとか観に来ることができました。

「佐竹本三十六歌仙絵」は鎌倉時代に制作された歌仙絵を代表する名品。もとは下鴨神社に所蔵されていたとされ、江戸時代末期に秋田藩主佐竹家に伝わったことから佐竹本と呼ばれています。

しかし、ちょうど100年前の大正8年（1919）、佐竹家から売りに出されますが、その高価さから買い手がつかず、各歌人ごとに分割され、それぞれ異なる買主の手に渡ることに・・・。今回タイトルにある『流転100年』はそこに由来します。

1986年に「佐竹本三十六歌仙絵」が20点集まる展覧会があったそうですが、今回はそれを遥かに超える30歌人（下巻巻頭の「住吉明神」を入れると31点）が分割されて以来100年ぶりに集結します。近年だと、2016年に東京国立博物館で６点が集まる歌仙絵の特集展示があったり、2018年に出光美術館の『歌仙と古筆』で４点が集まるなど、数点を観る機会はありましたが、ここまでまとめて観る機会というのは恐らくそうはないと思います。今度集まるのはいつになることやら。

会場の構成は以下の通りです：
第１章　国宝《三十六人家集》と平安の名筆
第２章　‟歌聖”柿本人麻呂
第３章　‟大歌仙”佐竹本三十六歌仙絵
第４章　さまざまな歌仙絵
第５章　鎌倉時代の和歌と美術
第６章　江戸時代の歌仙絵

詫磨栄賀「柿本人麻呂像」（重要文化財）
応永2年（1395）・室町時代　常盤山文庫蔵

まずは古筆の名品から。平安の三色紙（継色紙「いそのかみ」、升色紙「かみなゐの」、寸松庵色紙「ちはやふる」）や、古今和歌集最古の写本である「高野切」と本阿弥光悦旧蔵の「本阿弥切」、三大手鑑のひとつ「藻塩草」や豪華な「西本願寺本三十六人歌集」など、流麗な仮名文字や美しい料紙装飾にうっとり。すでに気分は雅やか。

つづいて、歌聖・柿本人麻呂像がずらり。人麻呂の図像には筆や紙も持たず脇息にもたれ虚空を見つめる姿と、右手に筆、左手に紙を持ち、同じく左上を見やる姿の２系統が主なパターンだといいます。前者の系統の最古例として京博本と、同系統の常盤山文庫本が展示されていて、藤原信実の筆と伝わる京博本はどこか悲しげな精緻な願望表現が印象的。でも重文指定は常盤山文庫本だけなんですね。中国の維摩居士図のポーズとの類似が指摘されていたのも興味深い。東博所蔵の伝・信実筆の人麻呂像は珍しく右向き。顔の表情もかなり違うのが面白い。

先の出光美術館の『歌仙と古筆』展でも同様の章がありましたが、人麻呂がなぜ歌聖として崇められたのかについては出光美の方が、人麻呂の図像については今回の京博の方が解説も詳しく、また分かりやすかったかなと思います。ちなみに、出光美術館の『歌仙と古筆』展では特に人麿影供について詳しく触れていて、また柿本人麻呂と山部赤人の同一人物説を取り上げ、図像の近似性を分析していたのも興味深かったです。

詞・伝後京極良経、絵・伝藤原信実「佐竹本三十六歌仙絵　柿本人麻呂」（重要文化財）
鎌倉時代・13世紀　出光美術館蔵（展示は11/10まで）

２階に下りると、そこは「佐竹本三十六歌仙絵」一色。まずは「佐竹本三十六歌仙絵」がどのような経緯で誰が決断し分断されたのか、抽選はどこでどのように行われたのか、などが少しドキュメンタリー仕立てに構成され、関連展示とともに解説されていました。

くじで使われ今は花入れに仕立てられた竹筒や実際のくじなんかもあったり、いろいろ興味を引きます。東京国立博物館の庭園に「応挙館」がありますが、なんとあそこが抽選会場だったんですね（もとは名古屋市郊外の明眼院の書院として建てられものを、益田孝（鈍翁）が品川の邸内に移築。その後東博に移築）。

詞・伝後京極良経、絵・伝藤原信実　「佐竹本三十六歌仙絵　平兼盛」（重要文化財）
鎌倉時代・13世紀　ＭＯＡ美術館蔵（展示は11/10まで）

本展では、凡河内躬恒、猿丸大夫、斎宮女御、藤原清正、伊勢、中務の６点が未出品。中務以外は全て個人所蔵なので、なかなか理解が得られなかったのかもしれません。残念。わたしが観に行った日（11/3）は27点が展示されていたのですが、展示替えで観られなかった作品の内、山部赤人と藤原敦忠と源順は過去に観ているので、これで「佐竹本三十六歌仙絵」の内、30点を観たことになります。

詞・伝後京極良経、絵・伝藤原信実「佐竹本三十六歌仙絵　素性法師」（重要文化財）
鎌倉時代・13世紀　個人蔵

「佐竹本三十六歌仙絵」は絵を藤原信実、詞書を後京極良経とされていますが、あくまでも伝承で、特に絵は複数の絵師が関わっているといわれています。佐竹本以外にも本展では歌仙絵がいくつか展示されていて、結構な割合で藤原信実筆というのを目にするのですが、筆致に共通性はあまり見られなかったりします。それだけ信実が当時評価されていたということなんでしょうね（信実は「北野天神縁起絵巻（承久本）」の筆者ともされている絵師）。書のことはよく分かりませんが、後京極良経の書はお世辞にも流麗とは言えないと思ったのは内緒（笑）。

絵はそれぞれ詠歌に込められた作者の心情などが反映されているというようなことが解説にあったのですが、そこまでの深読みは素人にはなかなか難しいのが正直なところ。鎌倉時代の絵画によく見る似絵ですが、顔の表情というより、平安貴族の装束やその文様、下を向いていたり後ろ姿だったりという、全体のムードやちょっとした仕草が繊細に描かれていて、その点ではいろいろ比較しては楽しんでいました。

詞・伝後京極良経、絵・伝藤原信実「佐竹本三十六歌仙絵　藤原高光」（重要文化財）
鎌倉時代・13世紀　逸翁美術館蔵

佐竹本の他にも「上畳本三十六歌仙絵」や「時代不同歌合絵」などさまざま歌仙絵が出ているのですが、佐竹本より同じ伝・信実筆の「上畳本三十六歌仙絵」の方が人物表現が細やかで、表情や仕草にも個性があって、どちらかというと個人的には好みでした。佐竹本では女性歌人は（わたしの行った日は）小野小町しか観られなかったのですが、「後鳥羽院本三十六歌仙絵」では小大君と伊勢と中務が出ていて、少し丸みを帯びた顔も可愛らしく、ちょっと素朴絵っぽい雰囲気もあって面白い。表具がまた華麗。

出光美の『歌仙と古筆』展では俵屋宗達の「西行物語絵巻」が出てましたが、こちらは鎌倉時代のオリジナルが、今は徳川美術館と文化庁に分蔵されている２巻とも出品されていて感動しました。人々の表情や屋敷内の様子も細かく丁寧に描かれてる一方、山や樹木の描写が当時のやまと絵に比べるとちょっと個性的なのが印象的でした。

詞・伝藤原為家、絵・伝藤原信実「上畳本三十六歌仙絵　藤原仲文」
鎌倉時代・13世紀　個人蔵

江戸時代の歌仙絵は屏風が３点のみで、ちょっとあっけない。やまと絵の土佐光起と京狩野の狩野永岳は完全に装飾で、歌仙絵も様式化されていますが、その中で其一はユーモラスで楽しい。狩野探幽や岩佐又兵衛の歌仙絵も出てれば、より充実したものになったのにと思ったりもしました。

鈴木其一「三十六歌仙図屏風」
江戸時代・19世紀　個人蔵

【流転100年　佐竹本三十六歌仙絵と王朝の美】
2019年11月24日まで
京都国立博物館にて

古今和歌集 (岩波文庫)

福美コレクション展

2019-11-16T15:41:00.000+09:00

京都・嵐山に先月新しくオープンした福田美術館に行ってきました。

嵐山は観光客で混んでるし行きたくないなと思ったのですが、コレクション展のラインナップを観たら、これは行かなくてはいけないだろうなと思い、十数年ぶりに嵐山へ。

嵐山のお土産屋さんが並ぶメインの通りは原宿の竹下通りか鎌倉の小町通りかというぐらい混んでるので、裏道を通っていくのをお薦めします。美術館は嵐山屈指の観光名所、渡月橋のすぐそば。人気のアラビカ京都嵐山に隣接した桂川沿いにあります。超絶いい場所。

これだけの土地、どれだけのお金があれば買えるんだろうとは野暮な話ですが、福田美術館のオーナーは消費者金融大手・アイフルの創業者の方。つまり私設美術館なんですね。「京都という土地に対して、恩返しがしたい」という思いから美術館を設立したといいます。

所蔵点数は約1500点。琳派から円山・四条派、京都画壇など京都に馴染みの深い近世・近代日本画の作品が多くあるようです。で、今回の『福美オールスターズ』と題したコレクション展は、その膨大なコレクションの中から選りすぐりの作品、日本画は75点（２期計）、洋画は７点（展示替えなし）が２期に分けて公開されるわけですが、噂には聞いてましたが、いやーこんなに優品揃いとは思いませんでした。

［写真右］竹内栖鳳「金獅図」　明治39年（1906）
［写真左］竹内栖鳳「猛虎」　昭和5年（1930）

まずは受付。事前にオンラインチケットの購入がオススメです。受付でチケットを購入するより割引になってます。音声ガイドはスマートフォンを持っていれば、無料。作品リストの裏面には音声ガイドに利用方法が書いてあります。イヤホンのレンタルは有料なので、イヤホンは忘れずに持って行きましょう。

２階は明治から昭和初期にかけての近代日本画。展示室内に入ってすぐ目に飛び込んでくるのが竹内栖鳳の獅子と虎。いきなりインパクトのある栖鳳の写実に目が釘付けです。獅子の迫力も凄いけど、正面から虎をリアルに描いた観察力に感服します。

横山大観菱田春草「竹林図・波濤図」　明治40年（1910）頃

［写真右］菱田春草「梅下白猫」　明治36年（1903）
［写真左］菱田春草「春庭」　明治30年代（1897-1906）

隣には竹林に淡い青を刷き、靄の中にも奥行きを感じさせる大観の「竹林図」と、波が打ちつける荒磯にこちらも青色を効果的に使った「波濤図」。大観らしい雲海に浮かぶ富士の屏風を挟んで、ここにも春草の掛軸が２点。水墨も良いですが、春草の彩色の清新な美しさはまた格別ですね。特に「春庭」の若草の緑から春の陽光へと変わるグラデーションの綺麗なこと。朦朧体に印象的な色彩を用いることにより独自のスタイルを築いた春草らしい逸品です。

木島櫻谷「遅日」　大正15年（1926）

とても印象的だったのが木島櫻谷の対幅の「遅日（ちじつ）。比較的大きな掛軸で、墨一色なのに非常に繊細にグラデーションをつけることで、モノトーンの独特の色合いが柔らかさと深みを与え、他にない新しい水墨の世界を創り出すことに成功しています。

［写真右］上村松園「軽女悲離別図」　明治33年（1900）
［写真左］上村松園「長夜」　明治40年（1907）

松園が２点。行灯のもと読書に夢中の若い娘と灯芯を上げて明るくしてあげる年上の女性を描いた「長夜」。髪型や着物を描き分けることで二人の女性の年齢や性格を表しています。「軽女悲離別図」は赤穂浪士・大石良雄と愛妾・お軽の別れを描いた一枚。いずれも松園初期の作品で、後年の美人画と異なり、作品に物語性があるのが個人的には好きなところ。

そばには速水御舟の巨大な「山頭翠明」。いわゆる群青中毒にかかっていた頃の作品と思われますが、別にこんなに大きく描く意味なかったでしょ…というところがあって、なんだなかなーという感じ（笑）。

六曲一双の大きな屏風で写真に収まりきらなかったのですが、橋本関雪の「後醍醐帝」が素晴らしかった。右隻に尊氏、左隻に女性の格好（よく見ると髭がある！）をして御所を抜け出す後醍醐帝を描いていて、その緊張感のある構図もさることながら、人物表現の巧さ、馬の丁寧な描きこみ、鎧の精緻な描写など見れば見るほど唸るばかり。長く所在不明だったものが近年発見され、107年ぶりに公開されたのだそうです。

［写真右から］竹久夢二「秘薬紫雪」　昭和3年（1928）頃
「切支丹波天連渡来之図」大正3年（1914）、「待宵」大正元年（1912）頃、「庭石」昭和6年（1931）頃

近代日本画の最後は竹久夢二の肉筆画がずらり。福田美術館は夢二のコレクションでも国内有数なのだとか。個人的に夢二はそれほど好きではないのですが、こうした掛軸の夢二もなかなか雰囲気があっていいですね。

俵屋宗達「益田家本伊勢物語図色紙第二段　西の京」　江戸時代・17世紀

さて、ひとつ上の階は江戸絵画。いきなり宗達芸術を代表する「伊勢物語図色紙（益田家旧蔵本）」があってビックリ。状態も良く、小さな画面に凝縮された構図のまとまりと金地の濃密な色彩に見惚れてしまいました。

隣には尾形乾山の珍しい歌仙絵「三十六歌仙絵　伊勢」。乾山らしいおおらかで愛嬌のある歌仙絵ですが、十二単が実に丁寧に描かれていて、実はとても繊細な作品でした。その隣には光琳の「十二ヶ月歌意図屏風」も。

深江芦舟「草花図屏風」（重要文化財）　江戸時代・18世紀前半

琳派では深江芦舟の「草花図屏風」も印象的。芦舟というと「蔦の細道図屏風」が有名ですが、出光美術館で以前見た「四季草花図屏風」が斬新で殊の外素晴らしかったのですが、この「草花図屏風」もどこか幻想的な草花の美しさで、宗達や光琳ともまた違う装飾性が目を引きます。

［写真右］曽我蕭白「荘子胡蝶之夢図」　安永年間（1772ｰ1781）
［写真左］長沢芦雪「薬玉図」　天明8年（1788）

若冲があって、応挙があって、蘆雪があって、蕭白があって、つくづく良い作品を持ってるな〜と感心。蕭白の「荘子胡蝶之夢図」の胡蝶の夢を見てるのか荘子の眠る姿がほのぼのとしてかわいい。

呉春「三羅漢図」　天明3年（1783）

こちらにも呉春。退色してるのか色が少し薄めでしたが、とても細かに描きこまれていて、アクの強い羅漢の表情も良い。象が並んだ表装裂もユニーク。

隣には呉春の師・蕪村のなんだかとても豪華な屏風が。よく見ると一般的な絹本ではなく高価な絖（ぬめ）絹に描かれていて、蕪村のいわゆる屏風講時代の作品だと分かります。絖の屏風に描きたいという蕪村の希望を叶えるため、弟子たちが屏風講を組んで資金を集めたという逸話が残されていて、この作品もいつになく緻密な筆致と鮮やかな色彩で、人物も実に丁寧に描かれています。

与謝蕪村「茶筵酒宴図屏風」　明和3年（1766）

伊藤若冲「群鶏図押絵貼屏風」　寛政9年（1797）

今回最も驚いた作品のひとつが筋目描きも見事な若冲の「群鶏図押絵貼屏風」。若冲の群鶏図の屏風はいくつか観ていますが、本作が特徴的なのは各扇の構図が極めて似通っているのと、雌鶏が描かれているものはあるものの雛や蔬菜など余計なものは一切描かれず、ほぼ雄鶏が大きくクローズアップされていること。パターン化されているとはいっても、濃淡使い分けた巧みな筆さばきで鶏のさまざまな姿態を描いていて、見飽きることはありません。家に帰って過去の若冲の展覧会の図録をひっくり返して調べたら、千葉市美の『若冲アナザーワールド』や山種美術館の『ゆかいな若冲・めでたい大観』に出品された個人蔵のものと同じでした。その図録によると左隻第六扇と他の11図では制作された時期が異なるとありました。

来年3/20からは『若冲誕生－葛藤の向こうがわ』という企画展を開催するそうで、どんな若冲作品が出てくるのか、今から楽しみです。

［写真右から］勝川春章「桜下美人図」　安永9年〜天明2年（1780ｰ1782）
歌川広重「美人と猫図」安政4年（1857）、葛飾北斎「砧美人図」文化8年〜文政3年（1811ｰ1820）

最後に肉筆浮世絵。春章、広重、北斎。特に北斎「墨堤三美人図」がいいですね。着物の表現がとても繊細。

葛飾北斎「墨堤三美人図」文化年間（1804-1818）

同じ階には桂川沿いの展望室を兼ねた展示スペースがあり、こちらには西洋画が展示されていました。数は多くありませんでしたが、モネやマティス、ローランサンなどが展示されています。２階にはカフェもあって、嵐山の風景を眺めながらゆっくりできるのでこちらもオススメです。

福田美術館のコンセプトが「100年続く美術館」だそうで、これかもコレクションは増えていくんでしょうね。嵐山は混むからこれまで避けてましたがが、今後来る機会が増えそうな気がします。

【開館記念　福美コレクション展】
［Ⅰ期］ 2019年10月1日（火）～11月18日（月）
［Ⅱ期］ 2019年11月20日（水）～2020年1月13日（月・祝）
福田美術館にて

和樂(わらく) 2019年 10 月号 [雑誌]

画家「呉春」 − 池田で復活（リボーン）！

2019-11-10T22:01:00.003+09:00

大阪・池田の逸翁美術館で開催中の『画家「呉春」 − 池田で復活（リボーン）！』に行ってきました。

呉春の名をカタカナで表した意表をつく発想と『ゴジラ』を思わせるユニークなフォントのインパクト。呉春の展覧会がここまで話題を集めたことはなかったのではないでしょうか。

春に『四条派のへの道　呉春を中心として』を観て、夏に『円山応挙から近代京都画壇へ』を観て、つい先日『桃源郷展 − 蕪村・呉春が夢みたもの』を観て、今までこんなに呉春に触れたことがあっただろうか、というぐらいに呉春づいています。

今年は呉春の生誕や没後のキリのいい年でもないのに何でこんなにあちこちで呉春を観られるのでしょうか。ここ数年の近代京都画壇の再評価の中で、四条派の祖である呉春にも注目が集まっているのかもしれません。とにもかくにもこれだけ呉春をまとめて観られるというのは嬉しいことです。

さて、そのゴシュンこと呉春は30歳の終わりから７年あまり池田で活動した所縁の深い画家ということで、池田の逸翁美術館は呉春コレクションがとても充実しています。本展は呉春の、いわゆる池田時代の作品を中心に展示していて、呉春にとって池田の地がいかに転機となり飛躍していったのか、その画業の変遷を追うという内容になっています。

呉春「寒山孤鹿・観月人物図」
天明年間（1781〜1788）　逸翁美術館蔵

呉春が池田に移り住んだのは天明元年（1781年）。呉春はこの年、里から戻る途中の妻を海難事故で亡くし、父を仕事先の江戸で亡くします。妻と父を相次いで亡くし憔悴した呉春に池田の地を勧めたのは師・蕪村だといいます。その頃に描かれたとされる「朱買臣図」が最初に展示されていました。比較的大きめの軸いっぱいに描かれた薪を背負い本を読む朱買臣。朱買臣は妻に愛想を尽かされ離縁してしまうのですが、読書に没頭する朱買臣に、絵に打ち込む呉春の姿が重なるようです。

呉春「寒林落日図」
天明年間（1781〜1788）　逸翁美術館蔵

蕪村は呉春のことを、篤実な人物で絵は並ぶ者がいないと言いベタ誉めだったといいます。呉春も蕪村から学んだものはとても大きかったようで、「松上仙人図」や「寒山孤鹿・観月人物図」などは蕪村の南画に通じる味わいがありますし、「寒林落日図」の木々に群がる鴉も蕪村を意識しているんだろうと思います。黄石公が張良に兵書を授ける「張良・黄石公図」の二人の顔の近さや、酒に酔った馬上の杜甫と従者を描く「酔杜馬上図」の師を支える従者の優しさなどからは、師・蕪村と呉春の関係が重なって見えてきたりもします。そんな蕪村も呉春が池田に移って２年後に亡くなります。

池田時代の呉春作品には蕪村を思わせる柔らかな皴法が見られますが、「松上仙人図」や「松林渓流図」など松葉や樹木の葉を色の薄い絵具で面取りし薄墨の線で形付けていく描き方は池田時代の呉春の特徴でもあるそうで、呉春らしさもこの頃形成されていったようです。

呉春「牛若丸句画賛」
天明年間（1781〜1788）　逸翁美術館蔵

機知に富んだ軽妙な味わいだったり、肩の力の抜けた即興的な作品も呉春の魅力のひとつ。蕪村にももちろんそうした作品はありましたが、蕪村があくまでも俳画の延長線だとしたら、呉春は職業画人的な巧さがあります。高士が小舟の上から無理な姿勢で梅の枝を折ろうとする「梅渓山水図」、少ない筆致でさらっと描いた「青鷺画賛」、牛若丸が大天狗との別れを惜しむ「牛若丸句画賛」、自作の句と一緒に季節々々の風物・風俗をユーモラスに描いた「十二か月京都風物句図巻」など、呉春の面白さだなと感じます。

呉春「白梅図屏風」（重要文化財）
寛政元年〜2年（1789〜1790）頃　逸翁美術館蔵

蕪村の死後、呉春は応挙に急激に近づきます。応挙を特徴づける付立や外隈で表現した作品、また鶴や雪の積もった松など応挙的なモチーフなども散見されます。席画でしょうか、応挙と呉春の合作もありました。

その池田時代の集大成とも、呉春の最高傑作とも呼ばれるのが「白梅図屏風」。独特の浅葱色の背景が空の白む夜明けを演出してるかのようで、墨の濃淡やかすれは朝靄に包まれたような幻想的な雰囲気を作り出し、とても味わい深いものがあります。地の浅葱色に染められた粗めの布は絹ではなく葛布を染めたものとされていたが、芭蕉布の可能性が近年高まっていると解説されていました。

「白梅図屏風」は応挙と梅見に行った際のスケッチをもとにしたともいわれ、応挙の「雪松図屏風」や「藤花図屏風」を彷彿とさせる構図と空間、幹や枝の付立描法など応挙の影響を強く感じさせます。一方で背景を染めた夜の表現はどこか蕪村の「夜色楼台図」を彷彿とさせます。蕪村の辞世の句「しら梅に明る夜ばかりとなりにけり」との関連も指摘されていました。

円山応挙・呉春「蕉葉雷神図」
寛政元年〜7年（1789〜1795）頃　逸翁美術館蔵

蕪村の抒情性に応挙の写生を取り入れた呉春の画風は後に四条派と呼ばれ、明治に入ってからの京都画壇では四条派（もしくは影響を受けた）の画家たちが軒並み活躍します。会場の解説パネルに、「応挙由来の写生は本草学や解剖学など実証主義的な学問が普及するにつれ、写生的な描写は基礎的なものになり目新しさが感じられなくなったが、四条派は写生的な描写の中に抒情的な要素も含まれ新しい時代の要請に応えることができた」とあり、近代京都画壇で四条派が主流となった理由として一番納得できた気がします。

コラム的な解説パネルは会場の所々にあって、これが呉春を理解する上でとても役立ちました。師・蕪村や池田の人々との交流も語られ、呉春の妻や父の相次ぐ死、そして蕪村の死、呉春がどういう思いで池田で過ごしたのかも伝わってきます。

【2019展示Ⅳ 池田市制施行80周年記念　画家「呉春」─池田で復活（リボーン）！】
逸翁美術館にて
2019年12月8日（日）まで

応挙・呉春・蘆雪―円山・四条派の画家たち

バスキア展

2019-10-27T15:17:00.000+09:00

六本木ヒルズの森アーツセンターギャラリーで開催中の『バスキア展　メイド・イン・ジャパン』に行ってきました。

バスキアって確かに自分が10代の終わりから20代前半にかけて、とても注目を集めていたし、カッコよかったし、あの時代の、特にニューヨークのアートシーンを代表する現代アーティストだったと思うのですが、ここまで再評価（って言うんですかね？）が進んだのはここ10年ぐらいという印象があります。

80年代のニューペインティングというと、同じニューヨークで活躍したキース・ヘリングの方が日本では人気があったと思うのですが、最近はどうもバスキアの方が人気・評価ともに高いようですし、ZOZO元社長の前澤氏が購入して話題になりましたが、作品の市場価値もかなり高騰しています。

そんなバスキア、日本で初めての大規模な回顧展が始まりました。初日の夜間開館に行こうと、張り切って会社を出たものの、その日は内覧会の日で（途中で気づいたw）、翌週になりましたが行って来ました。（ってもう１ヶ月前ですね・・・）

バスキアの作品は映画や雑誌で見たりというのはありますが、実物っていつ見たかなと考えてみたのですが、大昔にスパイラル地下のCAYでバスキアの落書き（今回展示されてます）を見たり、『アンディ・ウォーホル展』でウォーホルとバスキアのコラボ作品を観たりというのはあるのですが、単独の展覧会というのは初めてかもしれません。

ジャン=ミシェル・バスキア「フーイー」
1982年　高知県立美術館蔵無題

バスキアなんて観に来るのは同時代を過ごした40歳代以上なんだろうなと思っていたのですが、半分以上は若い世代で、前澤効果なのかバスキア人気は広く浸透しているのに驚きました。

ジャン=ミシェル・バスキア「炭素/酸素」
1984年　ホール・コレクション蔵

どの作品もとても自由でとても激しくてとても詩的、そして楽しい。無邪気なんだけどメッセージ性があり、ポップなんだけどどこか冷めている。感性と勢いのあるままに生涯を終えたことも大きいと思うのですが、30年も前の作品だというのに今も刺激的なのはやはり凄い。若い世代に今も受け入れられているというのにはやはり理由があるんだと思います。

ジャン=ミシェル・バスキア「無題」　1982年　前澤友作蔵

前澤さんが購入した作品も展示されていました。値段の話は別にしても、やはりクールだし、カッコいいし、大枚叩いてでも買いたくなる気持ちも分かります（お金があれば）。

ジャン=ミシェル・バスキア「自画像」　1985年　個人蔵

線や色の複雑なアンサンブル、調和と非調和を繰り返し重なっていくレイヤー。バスキアの出発点であるストリート・グラフィティやクラブミュージックにしても、メインストリームから外れた故のエネルギーや反骨精神がベースの部分で繋がっているのかもしれません。

ジャン=ミシェル・バスキア「プラスティックのサックス」
1984年　アニエスベー財団蔵

バスキアとジャズとの関連は有名で、作品にもジャズにインスパイアされた作品があったりしますが、彼の半ば即興的な絵画スタイルはやはりジャズに通じるものがあると感じます。「プラスティックのサックス」に描かれている人物は伝説のジャズミュージシャン、チャーリー・パーカーとディジー・ガレスピーなんだとか。なぜか「おりがみ」の文字も。

ジャン=ミシェル・バスキア「オニオンガム」
1983年　ヴァン・デ・ウェッジ・ファインアート蔵

ジャン=ミシェル・バスキア「メイド・イン・ジャパン１」「メイド・イン・ジャパン２」
1982年　ディミトリ・マブロマチス蔵

「おりがみ」の文字のように、日本との繋がりを感じさせる作品もあったりします。五重塔が描かれていたり、＄ではなくYENと書かれていたり、その名もずばり「メイド・イン・ジャパン」という作品があったり。「オニオンガム」にも右上に「MADE IN JAPAN」の文字が見えます。バスキアが活躍した1980年代は日本製のウォークマンやテレビゲームが大流行したり、MADE IN JAPANの製品がアメリカに押し寄せた時代でもありました。

ジャン=ミシェル・バスキア「消防士」　1983年　北九州市立美術館蔵

バスキアは1988年に亡くなりますが、その少し前、スランプに陥っていた時代があったようで、確かに晩年は退屈な作品もあったりします。早世した画家やアーティストの展覧会を観るといつも、この人が長く生きていたらどんな作品を残していただろうと思うのですが、バスキアの場合、駆け抜けて行ったからこそ、若さと勢いがあり、刺激的で濃密で、美しいのだろうという気がします。

ジャン=ミシェル・バスキア「無題（ドローイング）」
1986年　ラリー・ウォルシュコレクション蔵

【バスキア展　メイド・イン・ジャパン】
2019年11月17日（日）まで
森アーツセンターギャラリーにて

 バスキア展メイド・イン・ジャパン

 バスキア・ハンドブック

名勝八景　憧れの山水

2019-10-20T22:31:00.000+09:00

出光美術館で開催中の『名勝八景　憧れの山水』を観てきました。

使ってる人は多いと思うのですが、『東京駅周辺美術館共通券』という東京駅近辺の出光美術館、東京ステーションギャラリー、三井記念美術館、三菱一号館美術館の４つの美術館（以前は現在休館中のブリヂストン美術館も入ってた）で利用できるお得なチケットがありまして、毎年２～３冊買ってるのですが、今年はまだ出光美術館のチケットだけ使えてなくて、ようやく行くことができました（まだ１枚残ってる）。

本展は名勝を描いた水墨画、特に瀟湘八景図と西湖図を中心に、古の人々が憧れを抱いた山水の世界を紹介しています。瀟湘八景や西湖の水墨を集めた展覧会は珍しくありませんが、そこはやはり出光美術館なので所蔵品を中心に集められただけあり優品揃いで、個人的にも元信や山楽、又兵衛など、好きな絵師の作品が多く、大満足の展覧会でした。

会場の構成は以下のとおりです：
第１章　瀟湘八景－「臥遊」の発展と継承
第２章　西湖－描かれた「地上の楽園」
第３章　閑雅なる名勝ー文人たちのいるところ
第４章　名所八景－日本の名所

自ら遊ぶ様子を妄想する鑑賞の仕方を‟臥遊”と言うのだそうです。瀟湘八景図や西湖図、また多くの文人画はそうした理想郷の中に描かれた風景や人物を自分に置き換えることで、ある種の描く喜びや観る喜びがあったのかもしれません。

瀟湘八景図は中国の名勝・瀟湘地方の情趣豊かな情景を八景に分けて描いたもので、鎌倉時代には既に日本にもたらされていたといいます。最初に雪村の「瀟湘八景図屏風」が２点、六曲一隻の屏風と六曲一双の屏風がありました。一隻のみの屏風には瀟湘夜雨や平沙落雁、煙寺晩鐘、洞庭秋月などが描かれ、コンパクトにまとめられた分、凝縮された味わいがありますが、一方の一双の屏風には八景が両隻にわたり描かれ、牧谿様の表現もあれば、米法山水を思わせる筆遣いも見せ、雪村らしい奇態な山も。雪村が中国絵画を高いレベルで身に付けていたことが窺い知れます。

伝周文「瀟湘八景図屏風」（重要文化財）
室町時代　香雪美術館蔵

瀟湘八景図では初公開という狩野探幽と安信の合作の画帖と小型の掛軸が素晴らしい。墨の滲みやぼかしを活かした草体の優品。探幽の弟子・久隅守景の「瀟湘八景図屏風」は探幽というより室町水墨画を思わせるところが面白い。

その中でとても興味深かったのが伝・周文の「瀟湘八景図屏風」。周文を思わせるオーバーハング（と解説に書かれていた）な峻峰が特徴的ですが、前景の山や家屋が迫って見えるぐらい細密で強調されていて、金泥の雲がたなびいてたり、一部に彩色があったり、時代的にも周文より後のものだろうなという印象を受けました。解説では周文の弟子・岳翁蔵丘説が濃厚とのことでした。

瀟湘八景図のコーナーとは別のところに展示されていましたが、岩佐又兵衛の筆とされる「瀟湘八景図巻」も。落款や印章はないのですが、精緻極まる筆致や単眼鏡でやっと分かるぐらいの人物の微細な面貌、そして奇怪な木の表現はやはり又兵衛という感じがします。

鴎斎「西湖図屏風」（重要文化財）
室町時代　京都国立博物館蔵

狩野山楽「西湖図屛風」
江戸時代　サントリー美術館蔵

西湖図では狩野元信の謹直な線と横に長い構図がユニークな「西湖図屏風」や、金地に黒と白のバランス、墨の濃淡、細密な描写、どれをとっても素晴らしい山楽の「西湖図屏風」など、もうたまりません。山楽の「西湖図屛風」には16世紀半ばに倭寇に襲来を受けるも焼け残った雷峰塔の姿が描かれていることから、山楽が最新の情報を得ていたのだろうと解説されていました。この屏風は京博の『狩野山楽・山雪展』にも出てないし、サントリー美術館でも観た覚えがないので私は初見かもしれません。

ここで印象的だったのが鴎斎の「西湖図屏風」。鴎斎は能阿弥が用いた号ですが、能阿弥と別人とされ、ただし室町時代後期の同時代の絵師と考えられているそうです。淡彩の柔らかな筆墨と湿潤な空気感が実にいい。

長沢芦雪「赤壁図屏風」
江戸時代　根津美術館蔵

根津美術館の芦雪の「赤壁図屏風」も来てました。薄墨の山々にぬめり感のある濃墨の木々。一見粗放に見えて崖の上の枝は強風に曲がり、波や人物は丁寧に描いていて、ぶっ飛んでるのに実は計算されているところが芦雪の凄いところだなと思います。

他にも、右隻に吉野の桜、左隻に龍田の楓で一面を埋め尽くした見事な「吉野龍田図屏風」や、『源氏物語』の「総角（あげまき）」に取材したとされる、いわゆる留守模様の「宇治橋柴舟図屏風」、同じく『源氏物語』に基づく土佐光起の「須磨・明石図屏風」、中国の瀟湘八景になぞらえた「近江名所図屏風」など見応えのある作品が並びます。

【名勝八景　憧れの山水】
2019年11月10日（日）まで
出光美術館にて

日本水墨画全史 (講談社学術文庫)

岸田劉生展

2019-10-05T23:56:00.000+09:00

東京ステーションギャラリーで開催中の『没後90年記念　岸田劉生展』を観てきました。

大正から昭和初期にかけての日本の近代洋画を代表する画家にして、その独創性ゆえ孤高の画家とまで評された岸田劉生の回顧展です。

10年前にも損保ジャパン日本興亜美術館（当時は損保ジャパン東郷青児美術館）で没後80年の記念展が開催されましたが、そのときは自画像や肖像画中心だったので、初期から38歳で若くして亡くなるまでの画業を一堂に観るという点では久しぶり（少なくとも東京では）の回顧展なのではないでしょうか。

10年後は没後100年なので、きっと大規模な回顧展がまたあるのでしょうが、それまでこれだけの作品を観られることは多分ないんじゃないかと思います。

劉生というと「麗子像」を思い浮かべる人も多いでしょうが、短い人生の中で激しく画風が変遷した画家だったことがよく分かる展覧会でした。

会場の構成は以下のとおりです：
第一章：「第二の誕生」まで：1907～1913
第二章：「近代的傾向…離れ」から「クラシックの感化」まで：1913～1915
第三章：「実在の神秘」を超えて：1915～1918
第四章：「東洋の美」への目覚め：1919～1921
第五章：「卑近美」と「写実の欠除」を巡って：1922～1926
第六章：「新しい余の道」へ：1926～1929

最初に劉生が10代の頃に描いた水彩画が展示されていました。当時、水彩画の専門誌『みずゑ』が創刊され、水彩画ブームが起きていたのだそうです。劉生の水彩画はお世辞にも上手いとはいえないものの、絵を描くのが好きなんだなということが伝わってきます。

岸田劉生「B.L.の肖像（バーナード・リーチ像）」
大正2年（1913）　東京国立近代美術館蔵

白馬会の洋画研究所で黒田清輝に師事するとめきめきと腕を上げます。外交派の表現で描かれたものがあったり、ホイッスラー作品を思わせるものがあったりしますが、やがて文芸・美術雑誌『白樺』に感化され、ゴッホやセザンヌ、ゴーギャンといったポスト印象派に影響された鮮烈な表現が見られるようになります。

岸田劉生「自画像」
大正2年（1913）　東京国立近代美術館蔵

岸田劉生「自画像」
大正2年（1913）　豊田市美術館蔵

没後80年の展覧会が自画像と肖像画が中心だったように、劉生は生涯において自画像を多く描いています。特に22〜23歳（1913〜14年）の頃に集中し自画像だけで30点にのぼるといわれます。友人を描いた肖像画も多く、手当たり次第に友人を捕まえてはモデルをさせ、一日も２人描くこともあったことから、友人からは“首狩り”や“千人斬り”と揶揄されたとか。もちろんそれは画技の研鑽と写実の追求のためだったのでしょうし、ずらりと並ぶ自画像や肖像画からも劉生の筆致がどう変わっていったかが具に分かります。

岸田劉生「高須光治君之肖像」
大正4年（1915）　愛知県美術館蔵

この頃、劉生はデューラーなど北方ルネサンスに傾倒していきます。暗い背景に明暗のコントラストを効かせた擬古的な肖像画は近代洋画の路線から逆行するようにも思えますが、それまで試行錯誤してきた写実や技巧を突き詰めたら、近代絵画に行きつく前の基本に戻ったということなのでしょう。このあたりから劉生の独創性が際立っていきます。

岸田劉生「麗子肖像（麗子五歳之像）」
大正7年（1918）　東京国立近代美術館蔵

岸田劉生「麗子微笑」
大正9年（1920）　ポーラ美術館蔵（展示は9/23まで）

そして「麗子像」。まだ幼い頃の麗子像は北方ルネサンスの影響下にある感じがしますが、一方で劉生は東洋美術に関心を深め、内なる美を求めていきます。麗子の顔がだんだんと横につぶれたようなになり、時に妖しく、時にグロテスクに、異質のリアリズム、いわゆるデロリが現れます。匿くされたところに深さや神秘さ、厳粛さがあるとした劉生の言うところの「卑近美」です。少し目が潤んでいる麗子像があったのですが、長時間モデルをさせられた麗子が足が痺れて泣きそうなのに父はキャンバスに集中して気づいてくれなかったというエピソードが紹介されてました。

岸田劉生「壺の上に林檎が載って在る」
大正5年（1916）　東京国立近代美術館蔵

劉生の作品を観ているとこだわりが強いと言うか、絵に多くを求めすぎているのではないかという気がしてきます。静物も素直でないところがあって、壺の上に林檎が乗ってたり、テーブルの上の果物がわざとらしく並べてあったり、良く言えば哲学的、悪く言えば考えすぎて意味不明な感じがします。

岸田劉生「黒き土の上に立てる女」
大正3年（1914）　似鳥美術館蔵

風景画は代々木時代の赤土の大地の風景が全く風光明媚ではないのに生命力や力強さがありとても興味を引くのですが、逆に自然豊かな湘南の風景に面白味を感じませんでした。それまで劉生の作品からひしひしと伝わてきた強い意思や実験精神があまり見られなかったからかもしれません。

東洋の美の追求のため劉生は初期浮世絵や宋元画を研究していたようですが、やがて自ら日本画を描き始めます。作品は南画や淡彩の水墨が多く、油彩画とは違った色彩や軽妙さが面白い。ただ、日本画の基礎があるわけではないので、やはりそこは同時代の日本画家とは一緒に比べられないし、今まで追求していたものはどこに行ったのだろうと考えずにはいられません。

岸田劉生「道路と土手と塀（切通之写生）」（重要文化財）
大正4年（1915）　東京国立近代美術館蔵

画壇から距離を置き、京都で遊び呆けていた劉生は劉生が兄と慕った武者小路実篤に呼び戻され、再び油彩画に熱心に取り組んだようですが、38歳で惜しくもこの世を去ります。亡くなる直前新たな展開を見せた油彩画が興味深く、もう少し生きていれば、どんな作品を描いていたんだろうと思わずに入られませんでした。

【没後90年記念　岸田劉生展】
2019年10月20日（日）まで
東京ステーションギャラリーにて

もっと知りたい岸田劉生 (アート・ビギナーズ・コレクション)

桃源郷展

2019-09-21T23:30:00.000+09:00

大倉集古館で開催中の『桃源郷展　−蕪村・呉春が夢みたもの−』を観てきました。

高層ビルに建て替えられたホテルオークラ東京本館「The Okura Tokyo」のリニューアルオープンに併せて、こちらも待望のリニューアルオープンとなった大倉集古館。ホテルオークラ東京本館を取り壊す１年も前に閉館してしまっていたので、かれこれ５年半も休館してたんですね。

曳家で元の位置から少し移動し、免震化と地下階の増築をしていますが、国の登録有形文化財に指定された建物はそのまま。ホテルオークラ東京本館の正面エントランス前の広いスペースと大倉集古館が隔てるものなく繋がったこともあって、ホテルから建物全体も良く見え、より開放感のある佇まいになっていました。

さて、館内は新たに増築された地下を除けば、以前とほぼ同じ広さ。１階は開館記念の「大倉集古館名品展」、２階はリニューアル記念特別展の『桃源郷展』という構成になっていました。

『桃源郷展』の会場の構成は以下のとおりです：
第一章　呉春「武陵桃源図屏風」　－蕪村へのオマージュ－
第二章　桃の意味するもの　－不老長寿・吉祥－
第三章　「武陵桃源図」の展開　－中国から日本へ－

与謝蕪村「桃林結義図」
江戸・明和8年（1771）　岡田美術館蔵（展示は10/14まで）

メインは与謝蕪村が晩年熱心に取り組んだという桃源郷主題の作品と、その後を継いだ呉春の作品。２階のスペースの半分を占めています。大倉集古館の所蔵品だけでなく、他館や個人蔵の作品もあり、少ない点数ながらとても充実していました。

蕪村の「桃林結義図」は、『三国志演義』で劉備、関羽、張飛の３人が義兄弟の契りを交わした‟桃園の誓い”のエピソードを描いた作品。桃の花の鮮やかな色彩もさることながら、人物や山の斜面、卓子の上の酒肴などの丁寧な描写が印象的です。

中国六朝時代の詩人・陶淵明の『桃花源記』に由来するという「武陵桃源図」は同題作品がいくつかあって、中でも蕪村らしいアクの強い顔がユニークな双福の「武陵桃源図」が秀逸。うねるような山と桃の林を背景に小舟に乗った漁師を描いた「武陵桃源図」も印象的でした。

呉春「武陵桃源図屏風」（写真は左隻）
江戸・天明4年（1784）

呉春は初公開という池田時代の「武陵桃源図屏風」が傑作。優しい色調と柔らかな筆致で描かれ、詩情豊かな桃園と愛らしい仙人に惹かれます。屏風に描かれた桃園や小舟、大樹の下に集う仙人などは、先に並んでいた蕪村作品を彷彿とさせるものがあって、呉春は蕪村の武陵桃源図へのオマージュとして描いたのであろうことが分かります。近くに円山応挙に学んでからの「武陵桃源図巻」も展示されていて、蕪村色の強い作品と応挙の写生を身に付けた後の作品と見比べられたのも良かった。

呉春「柳陰帰漁図屏風」
江戸・天明3年（1783）　静岡県立美術館蔵

同じ池田時代の「柳陰帰漁図屏風」も個性的な顔貌表現や、木々や岩の描写がどこか蕪村を思わせます。漁帰りの３人の屈託のない表情とさわさわとした風の音が聞こえそうな長閑な景色は後の四条派に繋がる情趣を感じさせます。

沈南蘋「鶴桃図」
清・乾隆15年（1750）　個人蔵（展示は10/16から）

中国画では伝・呂紀の「鶴桃図」、沈南蘋の「双寿図」が目に留まります。ほかにも、岸駒の弟子という河村文鳳の「武陵桃源図屏風」、尾張の文人画家・山本梅逸の「青緑桃源図」も印象的でした。

横山大観「夜桜」
昭和4年（1928）　大倉集古館蔵（展示は11/17まで）

１階の名品展には、国宝の「普賢菩薩騎象像」や流麗な仮名文字が美しい「古今和歌集序」、横山大観の代表作「夜桜」など名品がずらり。紺地（実際には黒に近い）に金泥の下村観山の「不動尊」がかっこ良かったです。

【桃源郷展－蕪村・呉春が夢みたもの－】
2019年11月17日（日）まで
大倉集古館にて

坂本繁二郎展

2019-09-08T20:00:00.000+09:00

練馬区立美術館で開催中の『坂本繁二郎展』を観てきました。

ブリヂストン美術館（現・アーティゾン美術館）の展覧会で青木繁の作品と一緒に観ることが多くあったので、夭折の画家・青木繁の盟友ということは頭にあるのですが、坂本繁二郎がどういう画家かというと、馬の絵と静物の印象があるぐらいで、実はよく知らないのです。

本展はその坂本繁二郎の没後50年を記念する回顧展。東京では約10年ぶりの本格的な展覧会だといいます。青木繁というと明治時代を代表する洋画家なので、坂本繁二郎も昔の画家とばかり思ってましたが、実はわたしが生まれた頃はまだ存命だったというのも驚きでした。

会場の構成は以下のとおりです：
第1章　神童と呼ばれて　1897-1902年
第2章　青春－東京と巴里　1902-1924年
第3章　再び故郷へ－馬の時代　1924-1944年
第4章　成熟－静物画の時代　1945-1963年
第5章　「はなやぎ」－月へ　1964-1969年

坂本繁二郎は福岡・久留米の生まれ。有名な話ですが、小学校の同級生には青木繁がいます。16歳で上京した青木に対し、坂本は久留米に残り、図画の代用教員をしていたのですが、東京で本格的に絵を学んだ青木の上達ぶりに焦りを覚え、上京を決めたといいます。

久留米時代の坂本の作品もいくつか展示されていました。確かに‟神童”と呼ばれただけあり、油絵具や水彩絵具が入手できず墨で描いたという「立石谷」や、夏空に広がる雨雲と広い田園の複雑な風景を見事に捉えた「夏野」などを観ると、これが15、16歳の少年の作品かと目を疑うぐらい完成度の高さに驚きます。

坂本繁二郎「立石谷」
明治30年（1897）頃　個人蔵

坂本や青木に絵の手ほどきをした森三美という洋画家の作品と、それを模写したと思われる坂本の作品が並んで展示されていたのですが、この森三美もまだ明治時代中頃にもかかわらず、しっかりとした洋画の技術を身に付けていて、なかなかのものでした。東京から遠く離れた久留米にあって、優れた画家に指導してもらえたことは、坂本と青木にとって幸運だったのだと思います。

初期の坂本の作品は、いわゆる旧派の写実的で堅実な画風だったのですが、「張り物」や「魚を持ってきた海女」など1910年あたりの作品から印象派風の光に満ちた画風に変わっていきます。青木繁の作品も代表作「海景（布良の海）」や絶筆「朝日」などいくつか展示されていましたが、早くに亡くなってしまう青木に対し、坂本の絵はどんどん光の捉え方が発展していくのが印象的でした。

坂本繁二郎「三月頃の牧場」
大正4年（1915）　東京国立近代美術館蔵

夏目漱石に高く評価されたという「うすれ日」にはじまり、「海岸の牛」や「三月頃の牧場」など、印象主義的な明るい色彩で描いた牛の絵があるかと思えば、黒一色で光を探求してみせた「牛」のような実験的な作品もあったりします。

坂本繁二郎「帽子を持てる女」
大正12年（1923）　石橋財団アーティゾン美術館蔵

「帽子を持てる女」はフランス留学中の代表作。フランス留学中の作品に共通する淡く柔らかな色彩と、色面で表した女性の、穏やかな中にも強い意志をもったような佇まいが印象的です。

坂本繁二郎「水より上る馬」
昭和28年（1953）　株式会社鉄鋼ビルディング蔵

坂本繁二郎というと馬の絵と静物の印象が強いのですが、日本に帰国後、最初に描いたのも馬だったそうです。「牛を馬に乗りかえた。馬と柿は一生描く」という言葉が紹介されていましたが、同じモチーフを繰り返し繰り返し描いているところを見ると、こだわりが強い人だったのだろうなと感じます。フランス留学前の作品と視力が衰えてからの最晩年を除いて、画風がほとんど変わらないというのもある意味すごい。

静物は柿だけでなく、栗や梨、茄子といった野菜や果物から、植木鉢や玩具、果てはモーターに至るまで、実はいろいろ描いているのですが、晩年、能面の静物に行きつくのも面白い。能面の無表情な独特の表情、一見単調な構図。それらを補うように様々な色彩や筆触がとても複雑な諧調やマチエールを生んでいます。何枚も並べられた能面の静物を観ていてモランディの静物を思い浮かべました。

坂本繁二郎「能面と鼓の胴」
昭和37年（1962）　石橋財団アーティゾン美術館蔵

風景画もなかなか良くて、珍しい六曲一双の「雲仙の春・阿蘇の秋」はとても印象的でした。最晩年はほとんど視力を失うも、月の絵を繰り返し描き、幽玄とも東洋的印象主義とも評される独自の画境に行きつくところが凄いなと感じます。

【没後50年　坂本繁二郎展】
2019年9月16日まで
練馬区立美術館にて

大竹伸朗　ビル景　1978-2019

2019-08-31T23:26:00.000+09:00

水戸芸術館現代美術ギャラリーで開催中の『大竹伸朗　ビル景　1978-2019』を観てきました。

夏休みだし、９連休もあって都内でうろちょろするのも飽きたし、ちょっと遠くに行こうかな（それでも水戸）と思って、水戸芸術館に行ってきました。それほど積極的に現代美術を観てないので今まで縁がなかった美術館ですが、上野から特急で１時間ちょいなので近いですよね。こんなに近いなら山口晃のときも行けばよかった。

大竹伸朗の個展も久しぶり。現代美術をあまり観ない私がなぜ大竹伸朗かというと、高校から大学にかけてバイトをしていたレコード屋さんのお客さんだったんですね、大竹伸朗さんが（笑）。

わたしと大竹伸朗（すいません、以下敬称略）は同じ中学校の出身で（年齢は一回り違いますが）、アトリエが近くにあったこともあって、ちょくちょくお店に来ては店長と音楽談義をして、レコードのダンボールを持っていかれてました。まだあの頃はほとんど無名だったので、どんな作品を創ってるのかも知らなかったし、ちょうど日比野克彦が話題になってた時で、あんな作品なのかなと思ってたぐらいだったのですが、大竹伸朗がデザインした坂本龍一のCD-BOX（『PLAYING THE ORCHESTRA』）を見たとき、おおーっ凄い人だったんだーっとなったものです。それ以来のファンです。

大竹伸朗「Catholicism with Pagan」　1986年

大竹伸朗「Bldg.」　1984年

で、今回の個展（というより、この規模だと展覧会ですが）では、1970年代から現在までの約40年間にわたり、大竹伸朗が描き続けた『ビル景』という絵画シリーズのみを取り上げています。絵画だけでなく一部立体作品もありますが、その他諸々の作品はありません。

その他諸々と言いたくなるぐらい、大竹伸朗はニューペインティングからコラージュ、スクラップブック、廃材の立体彫刻、映像作品、インスタレーションなどまで、さまざまな類の作品を手掛けているわけですが、そんな中で学生時代から現在まで40年もの間、『ビル景』にこだわり描き続けていることを初めて知りましたし、大竹伸朗の長いキャリアの根底で延々と続いているこのエネルギーにちょっと面食らいました。最早ライフワークですね。

大竹伸朗「東京－プエルトリコ」　1986年
公益財団法人福武財団蔵

大竹伸朗「ソーホー、ニューヨークⅢ」　1983年

多数の未発表作品から最新作まで、過去に公開された作品も一部ありますが、800点を超えるという作品群の中から、ペインティングやコラージュ、立体作品、ドローイングなどなど、約600点が展示されています。40年の積み重ねと膨大なボリュームにはただただ圧倒されます。

［写真左から］大竹伸朗「Bldg.Ⅰ」 1984年
「A House」 1986年　「Night Market」 1983年

大竹伸朗「Tokyo Ⅵ」「Tokyo Ⅴ」　1984年

大竹伸朗「黒い池」「円柱のあるビル」　1986年

作品は年代順に並んでいるわけではない（まとまっていたりはする）のですが、古いものは1978年の作品からあって、新しいものだと今年制作された新作もありますし、80年代、90年代、00年代と万遍なく制作活動が続いていることが分かります。作品自体に制作年が書き込まれているものもあって、自分がアルバイトしていた時期と重なる作品を見つけると、あの頃はこんな作品を描いていたのかと思ったりもしました。

大竹伸朗「緑色竜巻」　1986年

大竹伸朗「水路街」　1986年

作品リストに大竹伸朗のコメントがあって、絵のモチーフとして「ビルディング」を最初に意識したのは1979年から80年代後半にかけて度々訪れた香港のビルの風景だったと書かれていました。その頃は既に新宿副都心にも高層ビルが建ち並んでいましたが、制作意欲を掻き立てたのは東京ではなく香港の、あの混沌とした摩天楼だったんですね。

大竹伸朗「鉄棒の突き刺さる小屋」　1985年

大竹らしい廃材を使った作品もありました。ペインティングも割とオーソドックスな油彩画的なものもあればニューペインティングと呼んでいいものもあるし、具象も抽象も、平面も立体も、書きなぐったり引っ掻いたり、切ったり貼ったり、さまざまなビルの景色、さまざまな色彩、いろいろなマチエールがとても楽しい。

大竹伸朗「Paper Shelter 1」　2019年

大竹伸朗「時憶／Bldg.」　2019年

こちらは今年（2019年）制作された新作。この大きな箱？は音がする仕掛けになってました。

大竹伸朗「スクラップブック#53（イスタンブール）より」　1994-95年

これも大竹らしい作品、スクラップブック。「40年続いてることはスクラップブックと『ビル景』しかない」のだそうです。

大竹伸朗「ビルと飛行機、N.Y. 1」「ビルと飛行機、N.Y. 2」　2001年

大竹伸朗「Bldg. 青」　2003年

ニューヨークの同時多発テロを描いた作品も。まだ生々しい記憶が覚めやらぬ頃に描かれたんでしょう。なんかとてもダイレクトな表現だったのが印象的でした。

大竹伸朗「12 Rushmore House 4」　2005-07年

大竹伸朗「12 Rushmore House 2」　2005-07年

40年もの間の作品が集まっているだけあって、さまざまなタイプ、さまざまなタッチの作品、ラッセル・ミルズとかキーファーとかトゥオンブリーとかベーコンとか影響を受けたと思しき画家を彷彿とさせる作品があったりするのですが、一貫してどれもカッコいい。比較的80年代の作品が好きだったのですが、いやいや全然2000年代の作品もシビれるぐらいかっこいいし、最近の作品もすこぶるカッコいいんですよ。

大竹伸朗「ビル／赤」 2005-08年　「赤いビル2」 2003-06年

［写真左から］大竹伸朗「タンジール／青」 2003年
「モンテビデオ」「路景」　2007年

多様な素材や色彩と混沌としたイメージ。大半が実在の風景の写実ではなく、香港やロンドン、ニューヨーク、東京といった都市の記憶や、意識的・無意識的に断続的に現れる「ビルのある風景」によって描かれた作品だといいます。それは、記憶や時間、空気や湿気、熱波や匂い、ノイズやテロ、さまざまなものを喚起します。

大竹伸朗「遠景の黒いビル」　2000-03年

大竹伸朗「バグレイヤー／東京Ⅰ」　2000-01年

大竹伸朗「Bldg. グレー」　1986年

こうした『ビル景』が40年続いていることが何より驚きなのですが、時に心象風景を具現化するように、時に体の内側から溢れる思いをぶつけるように、時に何かに取り憑かれたように、画面を縦横無尽に走る線や色や形を見てると、大竹にとって『ビル景』とは、旺盛な制作活動の中で何かに立ち返るための基点的な意味もあるんだろうかと感じたりもしました。

大竹伸朗「暗殺者の準備運動（日常とビルの窓 7）」　2000年

大竹伸朗「キカイダー好きの青い女（日常とビルの窓 8）」　2000年

「『質感』の異なるモノ同士が混在する出発点、そこから一気にイメージが動き始める。」
子どもの頃から「ナニカにナニカを貼る」のが好きだったということが作品リストに書かれていましたが、それが今も続いているということは凄いなと思います。

大竹伸朗「放棄地帯」　2019年

大竹伸朗「白壁のビル1」「白壁のビル2」　2017年

最後に展示されていた「白壁のビル」、これもとても印象に残った作品。壊れたようなビルや建物らしき形、電信柱などが奥行くのある箱庭みたいに立体的に貼り付けられていて、廃墟というより、まるで怪獣に破壊された東京の街みたい。

大竹伸朗「セル1」　2017年

正直なところ、個人的に大竹伸朗の作品は好きな系統と苦手な系統があるのですが、今回の『ビル景』は抜群に好きというぐらい好きな系統です。もの凄く刺激的だし、なんかとても感動しました。ほんと観に来て良かった。

ちなみに会場は一点だけを除き、すべて写真撮影可能です。

【大竹伸朗　ビル景　1978-2019】
2019年10月6日（日）まで
水戸芸術館・現代美術ギャラリーにて

大竹伸朗ビル景 1978–2019

山口蓬春展

2019-08-24T23:30:00.000+09:00

日本橋高島屋の本館で開催の『山口蓬春展　新日本画創造への飽くなき挑戦』（会期終了）を観てきました。

昨年、ＮＨＫの『日曜美術館』で山口蓬春の特集を観て以来、蓬春の回顧展があればなとずっと思っていました。蓬春は山種美術館で作品を観る機会が多く、そのモダンでグラフィカルな構図と明るく清澄な色彩に惹かれ、葉山の山口蓬春記念館にも何度か足を運びましたが、かつての自宅を改装しただけの建物なので、それほど作品は多く展示されていません。

ちなみに山口蓬春記念館は、神奈川県立近代美術館葉山から歩いてすぐのところにあり、海岸までも数分という近さ。自然豊かで長閑なとてもいいところです。近代美術館に行ったときにセットで回るといいと思います。

さて、本展は東京では17年ぶりの回顧展ということなのですが、会場がデパートの催事場なのでどうかなと思いましたが、初期から最晩年まで約50点が幅広く集まり、なかなか充実してよい展覧会でした。

デパートの展覧会なので会期が短く、わずか13日間だけ。Twitterとかでアンテナを張ってなければ、あやうく見逃しているところでした。

会場の構成は以下のとおりです：
Ⅰ　やまと絵の頂点へ
Ⅱ　蓬春美への飛躍
Ⅲ　南方へ
Ⅳ　蓬春モダニズムの展開
Ⅴ　リアリズムの追求
Ⅵ　新日本画への昇華
Ⅶ　エピローグ

あまりよく知らなかったのですが、蓬春は子どもの頃から水彩画に慣れ親しみ、東京美術学校でも当初西洋画科に入るんですね。その頃の油彩画が展示されていましたが、ポスト印象派からの影響が見て取れ、戦後マティスやブラック、ホドラーといった西洋近代絵画に近づくことを考えると興味深いものがありました。

山口蓬春「那智の滝」
昭和4年（1929）　二階堂美術館蔵

日本画に転向してからは松岡映丘に師事。「那智の滝」や「緑庭」など大正から昭和初期にかけての作品には映丘の新興大和絵の影響を感じさせるものが多くありました。サントリー美術館の『遊びの流儀』にも山口蓬春旧蔵の桃山時代の「十二ヶ月風俗図」が展示されていたり、蓬春が描いた「士女遊楽図」が展示されていましたが、この頃は大和絵の習得に熱心だったんだろうなと思います。

山口蓬春「初夏の頃（佐保村の夏）」
大正13年（1924）　山口蓬春記念館蔵

その後、蓬春は新興大和絵に限界を感じ、映丘と袂を分かつ形で近代的な日本画への道を歩みます。水墨煙雨の右隻に錦秋の左隻という「夏雨秋晴」のようなこれまでの日本画学習の成果を感じる作品もあれば、現代の若い日本画家の作品かと見紛うような新味を感じさせる「初夏の頃（佐保村の夏）」があったり、また同世代の速水御舟を彷彿とさせるような作品や、琳派をよみがえらせたような作品など、この時代の蓬春は新しい時代の日本画の創作にとても意欲的だった様子がうかがえます。

山口蓬春「泰山木」
昭和14年（1939）　山口蓬春記念館蔵

東京国立近代美術館で蓬春が描いた戦争画を観たことありますが、蓬春は藤田嗣治らと大日本航空美術協会を立ち上げるなど、戦時体制の画壇の中でもその中枢にいたといいます。本展では戦時下の台湾を訪れ描いた「南嶋薄暮」や描くにあたって撮影したという写真が展示されていましたが、蓬春がどのような思いで戦争画やこれらの作品を描いたのか気になるところではあります。

山口蓬春「夏の印象」
昭和25年（1950）　個人蔵

山口蓬春「枇杷」

昭和31年（1956）　山口蓬春記念館蔵

戦後になるといわゆる‟蓬春モダニズム”へと画風が大きく展開し、頭の中にある山口蓬春のイメージと繋がります。輪郭線と色面をずらして描いた「夏の印象」やくっきりとした輪郭線で対象を浮き立たせた「枇杷」、蓬春のお得意の紫陽花を描いた「まり藻と花」、そしてメインヴィジュアルにも使われている白熊とペンギンが愛らしい「望郷」など、安定した構図と明るく落ち着いた色彩、そして画面全体に溢れる美しさや清々しさは眺めているだけでとても心地よい気持ちになります。

山口蓬春「望郷」

昭和28年（1953）　個人蔵

輪郭線が描かれただけの未完の遺作が最後に展示されていました。蓬春はここにどんな色を塗ろうとしていたのでしょうか。

【山口蓬春展　新日本画創造への飽くなき挑戦】
東京会場：2019年8月7日（水）～8月19日（月）　日本橋高島屋S.C.本館８階ホール
大阪会場：2019年8月28日（水）～9月9日（月）　大阪高島屋７階グランドホール

円山応挙から近代京都画壇へ

2019-08-18T23:30:00.000+09:00

東京藝術大学大学美術館で開催中の『円山応挙から近代京都画壇へ』を観てきました。

ここ数年、幕末から明治にかけての近代京都画壇に興味を持ち、いくつか展覧会も観て回ったり、今年はＧＷに『四条派のへの道　呉春を中心として』も観たりして、個人的には今一番関心のあるターゲットにピンポイントの展覧会です。

円山応挙は言うまでもなく江戸時代中期に写生にもとづく新しい画風を打ち立て、江戸絵画に革命をもたらせた円山派の祖にして、江戸絵画史上最も重要な絵師。一方、呉春は、最初に与謝蕪村の弟子となり、俳諧や文人画を学び、蕪村の死後に応挙に近づき、写生画の技術を身に付け、応挙とはまた異なる情趣溢れる画風で四条派の祖とされるようになります。

よく一括りで円山・四条派という言い方をします。これは円山派と四条派がそもそも画風に近いところがあるのと、同じ京都画壇ということで相互の影響し合っていることからそう呼ばれるのですが、今回の展覧会はその円山・四条派が明治に入り、いかに近代京都画壇へ展開していくのか、その流れを追っています。

展示の構成は以下のとおりです：
すべては応挙にはじまる。
孔雀、虎、犬、命を描く。
山、川、滝。自然を写す。
美人、仙人。物語を紡ぐ。

＜すべては応挙にはじまる＞ということで、本展の目玉作品でもある兵庫・大乗寺の襖絵が最初にどんと展示されています。

円山応挙「松に孔雀図」（重要文化財）
寛政7年（1795）　大乗寺蔵

大乗寺の住職が修業時代の応挙を援助したことが縁で、再建された伽藍の障壁画165面を応挙と12人ともいわれる弟子たちにより描き上げられたといいます。東京展と巡回先の京都展では出品される作品が少し異なるそうで、東京展では応挙の「松に孔雀図」８面を含む５点（32面）が出品されています。

応挙に孔雀を描いた作品は多く、またそれは円山派の絵師たちにも受け継がれていますが、「松に孔雀図」の孔雀を観ると正にすべては応挙からはじまったんだなという感慨を覚えます。金地の襖８面の大きく枝を伸ばす松の大木も孔雀も墨一色で描かれているのに、墨の濃淡や筆の入れ方により、まるで彩色されているような錯覚に陥るのは応挙の腕のなせる技なのでしょう。

呉春は応挙門下ではありませんが、大乗寺の障壁画制作に参加しています。第一期（1787年）に描いた「群山露頂図」では蕪村を思わせる南画的表現を見せますが、７年後の第二期（1795年）の「四季耕作図」では応挙の画風に寄せた襖絵を描くなど、呉春作品の随所から応挙学習の成果が感じられます。

呉春では対幅の「松下游鯉図」と「巌上孔雀図」がかなり応挙を意識した作風で、ただ応挙ほど細密にかっちり描くという感じでないのが呉春風という気がします。一方、なかなかインパクトのある「山中採薬図」は樹木や岩の描き方や彩色に蕪村の影を感じますが、呉春らしい顔立ちの二人の人物の造形が割と確かなのは応挙から学んだものなのかなとも感じます。ちなみに蕪村の作品も数点出品されています。

呉春「山中採薬図」
江戸時代後期　逸翁美術館蔵（展示は9/1まで）

展示は時代や流派・絵師ごとではなく、章のテーマに沿って並んでいます。孔雀の画なら孔雀の画で、瀑布なら瀑布で、鳥なら鳥でまとめられているのですが、同じ孔雀の絵を観ても、応挙の息子・応瑞は応挙に忠実な画を描いてますし、芦雪は主題は雌雄の孔雀なのにまわりのスズメがあまりにかわいく（蜘蛛を咥えたスズメまでいる）遊び心を感じます。

芦雪の「花鳥図」は、左隻は藤の枝ぶりが応挙の「藤花図屏風」（本展未出品）を思わせるのに対し、右隻は奇態な岩やスズメやツバメの独特の表現が芦雪らしいところ。同じ応挙十哲の源琦の「四季花鳥図」は応挙風の木の枝ぶりや雉を独特の色彩感と装飾性でまとめたところに新しい表現への模索を感じます。

岸竹堂「猛虎図」
明治23年（1890）　株式会社千總蔵（展示は9/1まで）

今回とても強い印象を受けたのが京友禅の老舗・千總が所蔵する作品。先の芦雪の「花鳥図」も千總の所蔵品なのですが、本展へ出品された千總コレクションに優れた作品がとても多く驚きました。岸竹堂の「猛虎図」は昨年ホテルオークラで開催された『秘蔵の名品アートコレクション展』で拝見してますが、何度観てもその写実と迫真の表現には舌を巻きます。同じ竹堂の「大津唐崎図」は銀泥が変色してたり、縦に線が残ってしまったりしてたのが少々残念でしたが、実景描写は興味深いものがあります。極めつけは木島櫻谷の「山水図屏風」の壮大さと空気感。江戸の円山四条派から脱却し、新しい日本画の時代に移行したことを強く訴えかけます。

幸野楳嶺「敗荷鴛鴦図」

明治18年（1885）年頃　敦賀市立博物館蔵（展示は9/1まで）

本展はとにかく優品揃い。幸野楳嶺の「敗荷鴛鴦図」など、昨年の『京都画壇の明治』に出ていた作品もいくつか来ていました。ほかに印象深かった作品としては、呉春門下の岡本豊彦の「苫船図」、円山派の写生と四条派ならではの情趣が融合したような見事な屏風でした。その豊彦に学んだ塩川文麟の「嵐山春景平等院雪景屏風」も応挙を彷彿とさせる雪の松と詩情豊かな風景はなるほど幕末の平安四名家と謳われただけあるなと感じます。その文麟に師事した野村文挙の「近江八景図」もレベルの高さに驚きました。

原在中の「二見浦富士図」は応挙というより谷文晁ばりの実景図ですが、在中の方が文晁より一回り上なのですね。これも興味深かったです。松村景文の「やすらい祭絵巻」からは横山華山に繋がるものも感じられました。

楳嶺門下の都路華香の「雪中鷲図」も伝統的な鷲図にして迫真の構図が素晴らしい。その楳嶺には珍しい美人画も良かったです。円山応挙の美人画の代表作「江口君図」や応挙の美人画を学んだという上村松園など円山派の美人画も見どころです。

円山応挙「江口君図」（重要美術品）
寛政6年（1794）　静嘉堂文庫美術館蔵（展示は9/1まで）

見応えある大乗寺障壁画はもちろん見事なのですが、応挙・蘆雪は見慣れてることもあり特段驚くことはないものの、応挙門下や幕末から明治にかけての京都画壇が思いの外充実していて素晴らしいものがありました。円山派は円山派の、四条派は四条派のそれぞれの良さが分かるし、近代になると両派が渾然一体となり京都画壇を創り上げていく様も見て取れます。

【円山応挙から近代京都画壇へ】
2019年9月29日（日）まで
東京藝術大学大学美術館にて

円山応挙から近代京都画壇へ

モダン・ウーマン

2019-08-09T23:30:00.000+09:00

国立西洋美術館の常設展内の特集企画として開催中の『モダン・ウーマン－フィンランド美術を彩った女性芸術家たち』を観てきました。

良く知らなかったのですが、19世紀にロシア帝国の配下にあったフィンランドは19世紀後半からの独立運動を経て、1917年に誕生したまだ建国100年ちょっとの比較的新しい国なんですね。新しい国家の形成に合わせるように女性の権利も向上し、フィンランドの美術学校では当時のヨーロッパ諸国の中ではいち早く、男女平等の美術教育が行われていたそうです。

今回の展覧会は、19世紀末から20世紀前半にかけてのフィンランドの女性芸術家たちを取り上げているのですが、フィンランドの女性芸術家といえば、知っているのは2015年に東京藝術大学大学美術館で展覧会が開催されたシャルフベックぐらい。本展では５人の画家と２人の彫刻家の作品を紹介していますが、同じ時代にこうした女性芸術家たちがフィンランドで活躍していたということも興味深いですし、20世紀初頭の西洋絵画の新しい潮流に呼応するように花開いた女性芸術家のみずみずしい感性がとても素晴らしいと感じました。

［写真右］マリア・ヴィーク「ボートをこぐ女性、スケッチ」
1892年頃　フィンランド国立アテネウム美術館所蔵

最初に展示されていたのが、1880年代から国際的に活躍していたというマリア・ヴィーク。パリの美術学校で女性や外国人を受け入れていたことでも有名なアカデミー・ジュリアンで学んだ人とか。人物画などを観るとアカデミズムな傾向が強いのかなと感じますが、当時パリにいたシャルフベックとともにフランスの画家に人気のあったポン＝タヴァンに行ったりもしていたそうで、「ボートをこぐ女性、スケッチ」のように自然主義的な外光表現の影響を受けていることも分かります。

マリア・ヴィーク「教会にて」
1884年　フィンランド国立アテネウム美術館所蔵

風俗画や子どもの絵を多く描いたそうで、明るい色彩がとても印象的。正統派の写実的なタッチで、肖像画家として人気を博したのだそうです。

［写真右］ヘレン・シャルフベック「ロヴィーサからきた少女」
1941-42年　フィンランド国立アテネウム美術館所蔵
［写真左］ヘレン・シャルフベック「占い師（黄色いドレスの女性）」
1926年　フィンランド国立アテネウム美術館所蔵

そしてシャルフベック。2015年の『ヘレン・シャルフベック展』の鮮烈な印象がまだ記憶に新しいところ。本展は素描作品も含めシャルフベックは20点ほど出品されているのですが、前回の『ヘレン・シャルフベック展』のときと同様にほとんどの作品がフィンランド国立アテネウム美術館のコレクションなので、「少女の頭部」のように『ヘレン・シャルフベック展』に出品されていた作品も一部含まれています。

ヘレン・シャルフベック「少女の頭部」
1886年　フィンランド国立アテネウム美術館所蔵

ヘレン・シャルフベック「青りんごとシャンパン・グラス」
1934年　フィンランド国立アテネウム美術館所蔵

『ヘレン・シャルフベック展』のときは初期から晩年まで回顧展として、彼女の人生も含め、大変興味深いものがありましたが、今回は人物画や静物画などピックアップしての展示なので、シャルフベックの全貌に触れられるというものではありませんが、彼女の個性や独特の魅力を感じることができます。

エレン・テスレフ「自画像」
1916年　フィンランド国立アテネウム美術館所蔵

エレン・テスレフ「装飾的風景」
1910年　フィンランド国立アテネウム美術館所蔵

今回とても印象に残ったのが、エレン・テスレフ。フィンランド美術に色彩の革命をもたらしたといいます。彼女もパリに留学していて、象徴主義に傾倒していたようですが、20世紀初頭にカンディンスキーの作品に触れたことが大きかったようです。パステルのような個性的な色合いが素敵です。彼女の木版画も良かった。

エルガ・セーセマン「自画像」
1946年　フィンランド国立アテネウム美術館所蔵

［写真右］エルガ・セーセマン「カフェにて」
1945年　フィンランド国立アテネウム美術館所蔵
［写真左］エルガ・セーセマン「通り」
1945年　フィンランド国立アテネウム美術館所蔵

エルガ・セーセマンも個人的にはかなり好み。個性的な色遣いといい、独特の筆遣いといい、抽象化された表現といい、何か訴えかけてくるものがあるというか、孤独を漂わせながらも、何か強い意識を感じます。

ヘレン・シャルフベック「快復期」
1938-39年　フィンランド国立アテネウム美術館所蔵

第２展示室は素描を中心に作品が展示されています。シャルフベックのまるでイラストのようなタッチの素描がまたとてもいい。『ヘレン・シャルフベック展』で展示されていた「回復期」の元にしたスケッチも展示されていました。

ヘレン・シャルフベック「シルクの靴」
1938年　フィンランド国立アテネウム美術館所蔵

【日本・フィンランド外交関係樹立100周年記念
モダン・ウーマン―フィンランド美術を彩った女性芸術家たち】
2019年9月23日（月・祝）まで
国立西洋美術館にて

松方コレクション展

2019-08-03T14:08:00.000+09:00

国立西洋美術館で開催中の『国立西洋美術館開館60周年記念　松方コレクション展』を観てきました。

国立西洋美術館を建設するきっかけにもなり、国立西洋美術館のコレクションの礎になった松方コレクションを一堂に集めた特別展です。コレクションの一部は国立西洋美術館の常設展示で観ることもできますが、あまり展示される機会のない作品や散逸してしまった作品、フランスに残された作品などを含め約160点が展示されています。

松方コレクションは、川崎造船所（現・川崎重工業）の初代社長・松方幸次郎がヨーロッパで買い集めた西洋絵画・彫刻を中心にしたコレクションで、その数実に3000点。現在東京国立博物館に収蔵されている松方がヨーロッパから買い戻した浮世絵コレクションを含めると１万点を超えるともいわれます。

しかし、1927年の世界恐慌の影響で川崎造船所が破綻すると私財提供のため約1000点のコレクションを売却。海外に保管していたコレクションも倉庫の火災により約900点のコレクションが焼失。パリ郊外に疎開させていたコレクションも維持費捻出のため少しずつ売却され、また戦後日本に返還された際も重要度の高い作品はフランスに留め置かれたため、最終的に国立西洋美術館に収蔵された作品は約375点だといいます。

会場の構成は以下のとおりです：
プロローグ
I ロンドン 1916-1918
II 第一次世界大戦と松方コレクション
III 海と船
IV ベネディットとロダン
V パリ 1921-1922
VI ハンセン・コレクションの獲得
VII 北方への旅
VIII 第二次世界大戦と松方コレクション
エピローグ

会場への階段を降りると、今回の展覧会をきっかけに修復されたモネの「睡蓮、柳の反映」のデジタル推定復元図が展示されているので見逃さないように（結構ここを観ずに会場に入っていく人が多い）。あと、「松方コレクションとは何ぞや」的な映像が流れているので、それを観てから会場に入るのをお勧めします。

ジョン・エヴァリエット・ミレイ「あひるの子」
1889年　国立西洋美術館蔵

《プロローグ》の隣の広い部屋には松方コレクションの最初期の作品が展示されているのですが、展示方法が少し変わっていて、よくある横に一列に並べる展示方法ではなく、作品を縦に並べたりする欧米の美術館やお屋敷のような展示方法で、ちょっと新鮮。日本では珍しい展示風景で、作品によっては見上げる形になりますが、これはこれで良いのでは。

作品は、古くはカルロ・クリヴェッリなど中世の祭壇画もあれば、ルネサンス期の絵画もあったり、ホイッスラーやセガンティーニなど近代の画家やロセッティやミレイなどラファエル前派といって近代の画家の作品もあったりとかなり幅があります。19世紀後半から20世紀初頭にかけて活躍した画家の作品が多いのは松方と親交の深かった画家ブラングインがアドバイザーを務めていたということもあるのでしょう。ただこの時期に購入した作品のほとんどはその後売却され散逸してしまいます。

ジョヴァンニ・セガンティーニ「羊の毛刈り」
1883-84年　国立西洋美術館蔵

イギリスの軍隊の様子や大砲の製造に関する絵画や銅版画など、西洋絵画のコレクションとは少々趣を異にする作品もあって、松方が渡欧したのは海軍に依頼されてドイツのＵボートの設計図を入手することが目的だったというスパイ小説のような話が何となく頭に浮かびます。

時代的に第一次世界大戦の前後ということもあって、軍艦を描いた作品もあったりしたのですが、その中でも興味深かったのがウジェーヌ＝ルイ・ジローの「裕仁殿下のル・アーヴル港到着」。皇太子時代の裕仁親王（昭和天皇）が1921年（大正10年）にヨーロッパへ外遊された際の様子を描いた作品だとか。今回展示されている作品には常設展示でよく見かける作品も多いのですが、これはあまり観たことがないような。

シャルル・コッテ「悲嘆、海の犠牲」
1908-09年　国立西洋美術館蔵

常設であまり観た記憶がないといえば、同じコーナーにあったシャルル・コッテの「悲嘆、海の犠牲」も。タイトルのとおり、海で亡くなった男性を囲んで嘆き悲しむ図ですが、まるでキリストの亡骸を囲む信者たちのようで、大画面に描かれていることもあって強いインパクトを受けました。こんな素晴らしい絵があるんですね。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール「帽子の女」
1891年　国立西洋美術館蔵

そして印象派。あらためて松方の印象派コレクションを観ていると、国立西洋美術館の、ひいては日本にある印象派作品の充実ぶりは松方コレクション（散逸して国内の美術館等に所蔵されている作品も含め）によるところがとても大きいのだなと感じます。ルノワールにミレー、マネにドガ、ゴーガンにセザンヌ。そしてモネ、モネ、モネ。松方はモネのアトリエまで訪れ、自宅に大事に飾っていた作品まで譲ってもらったというからたいしたものです。世界を渡り歩く凄腕の実業家にしてみれば、画家と交渉することぐらい朝飯前だったのかもしれません。

クロード・モネ「睡蓮」
1916年　国立西洋美術館蔵

西美の常設でおなじみのシャヴァンヌの「貧しき漁夫」やモローの「牢獄のサロメ」、クールベの「波」などもあれば、他館で観たことのあるマネの「自画像」（ブリヂストン美術館所蔵）のように実は元は松方コレクションだったという作品もあります。

ピエール・ピュヴィス・ド・シャヴァンヌ「貧しき漁夫」
1887-92年ごろ　国立西洋美術館蔵

本展の見どころの一つは、そうした現在他館にある松方コレクションも集まっているところで、とりわけサンフランシスコ講和条約後にフランスから寄贈返還された際に、重要な作品としてフランスに留め置かれたゴッホやゴーガンなどの作品が‟一時帰国”しているところ。ゴッホの「アルルの寝室」は３つのバージョンがあって、本作は「アルルの寝室」では一番最後に描かれたものとか。もしこの絵が日本にあったら、どんなに素晴らしかったでしょうか。

フィンセント・ファン・ゴッホ「アルルの寝室」
1889年　オルセー美術館蔵

本展では松方の手紙や資料なども展示するなど、松方コレクションが辿った数奇な運命にも触れ、まるでドキュメンタリーを見てるような感じがしてきます。常設展示ではお馴染みの作品もあれば、こんな作品持ってたのかという作品もあり、あらためて松方コレクションの充実ぶりに驚きますし、これだけの良質な名画が日本にある奇跡に感謝せずにはいられません。

【国立西洋美術館開館60周年記念　松方コレクション展】
2019年9月23日（月・祝）まで
国立西洋美術館にて

幻の五大美術館と明治の実業家たち(祥伝社新書) (祥伝社新書 407)

原三溪の美術

2019-07-26T23:30:00.000+09:00

横浜美術館で開催中の『原三溪の美術　伝説の大コレクション』を観てきました。

原三溪といえば、明治から昭和初期にかけて、生糸貿易や製糸業で財を成した大実業家であり、横浜の人なら知らぬ人のいない‟三溪園”の創設者。日本美術ファンなら、希代の古美術コレクターであり、経済界屈指の数奇者としても有名ではないでしょうか。

本展はその原三溪がかつて所蔵していたコレクションや、パトロンとして繋がりのあった近代日本画家の作品を集めた展覧会。生涯に購入した美術品は5000点以上ともいわれ、本展では三溪の旧蔵品約150点が展示されます。コレクションはいまは散逸し、各地の美術館や個人コレクターの手に渡っていますが、これもあれも原三溪が持っていたのかとその確かな審美眼には驚くばかりです。

開幕最初の週の日曜日に観てきたのですが、地元・横浜の超有名人ということもあり、なかなかの人の入りでした。誰でも知ってる有名な絵師／画家の作品がずらりと並ぶとか、その代表作がたくさん出ているとか、その類の展覧会ではないので、どちらかというとツウ好みの内容ではありますが、どれもが極めて優れた作品ばかりなので、日本美術、とりわけ古美術好きにはたまらない展覧会ではないでしょうか。

会場の構成は以下のとおりです：
プロローグ
第１章三溪前史－岐阜の富太郎
第２章コレクター三溪
第３章茶人三溪
第４章アーティスト三溪
第５章パトロン三溪

原三溪「白蓮」
昭和６年（1931）　個人蔵

原三溪（本名・原富太郎）の母方の祖父は南画の大家・中村竹洞に師事した高橋杏村という絵師で、一時は200人も弟子を抱えていたといいます。いくつか作品が展示されてましたが、幕末期の南画によくある淡く明るい色彩の米法山水で、幼いころから富太郎もこうした芸術を触れていたのでしょうね。三溪は自らも絵筆を持ち、特に蓮を好んで描いたといいます。「白蓮」をはじめ会場にも数点展示されていましたが、淡彩の品の良い色合いとシンプルな線や構図が印象的です。

「孔雀明王像」（国宝）
平安時代後期　東京国立博物館蔵（展示は8/7まで）

20代の頃から美術品の収集を始めていた三溪ですが、購入した美術品は「買入覚」に記録していて、誰からいくらで購入したのかなど今や貴重な記録となっています。本展の目玉の一つ国宝「孔雀明王図」は明治の大物政治家・井上馨から当時としては破格の１万円（いまの4,000～5,000万円ぐらい？）で購入したといいます。展示されていた「買入覚」に「渡邊省亭　雪中群鶏雨中白鷺　双幅」を明治26年に拾円で購入というのもありました。聞くところによると現在所在不明の作品だとか。中にはその後手放されて行方の分からなくなっている作品も多いんだろうなとも思います。

雪舟等楊「四季山水図巻」（重要文化財）
室町時代　京都国立博物館蔵

本展では、国宝や重要文化財に指定された作品が31点出品されるそうです（途中展示替えあり）。前期だけでも国宝「孔雀明王図」のほか、雪舟の代表作「山水長巻」に対し「山水小巻」と俗に呼ばれる「四季山水図巻」や、雪村の傑作「琴高群仙図」、鬼が逃げ惑う図が面白い「地獄草紙断簡（勘当の鬼）」など、中世から近世にかけての指折りの逸品が並びます。後期に出品される国宝「寝覚物語絵巻」や、数少ない周文の作品とされる「江天遠意図」など、この作品も三溪が持っていたのか！と驚かされるものばかり。

雪村周継「琴高・群仙図」（重要文化財）
室町時代　京都国立博物館蔵（展示は7/31まで）

近年狩野永徳の真筆とされた「松に叭叭鳥・柳に白鷺図屏風」はかつて元信筆とされていたそうですが、三溪は当時から永徳説を唱えていたというぐらいですから、相当自信があったのでしょう。狩野派では伝・山楽の「黄初平・許由巣父図屏風」も実に素晴らしかった。

狩野永徳「松に叭叭鳥・柳に白鷺図屏風」
室町から桃山時代　九州国立博物館蔵（展示は8/7まで）

周文、雪舟、雪村もそうですが、南北朝時代に活躍した日本の初期水墨画を代表する画僧・可翁や明兆の弟子ともいわれる霊彩、関東画壇を代表する祥啓（啓書記）など、中世の水墨画に優品が多く、このあたりは三溪の好みなのだろうかと考えたりもしました。一方で江戸絵画は尾形光琳や渡辺始興など琳派や、円山応挙が多く、華美な屏風などはなく何れも落ち着いた雰囲気と、優美であっても品の良い作品ばかりで、趣味の良さを感じます。応挙の「美人図」や渡辺崋山の「十友双雀図」がまたいいですね。

伝・毛益「蜀葵遊猫図」（重要文化財）
南宋時代　大和文華館蔵（展示は8/7まで）

中国絵画では、南宋時代の画院画家・毛益と伝わる「蜀葵遊猫図」がとてもかわいい。長寿を願う吉祥画で、じゃれあう猫も可愛いいのですが、単眼鏡で覗くと立葵の色彩や猫の毛描きなどとても丁寧に描かれているのが分かります。三渓もこうした絵を見て和んでいたのでしょうか。後期は猫に代わって犬を描いた「萱草遊狗図」が展示されます。

茶道具も逸品揃い。井戸茶碗の「君不知」、黒織部の「残雪」、柿の蔕茶碗の「木枯」と茶碗の佇まいもさることながら名前がまた風情があっていいですね。花器として見立て茶席で使ったという東大寺伝来の「鼓胴」などユニークな品も。昨年、畠山記念館で開催された『原三溪　茶と美術へのまなざし』でもとても趣味の良い茶道具が多く展示されていたのですが、そちらに出品されていたものはほとんど出てないようで、それが少し残念。

下村観山「白狐」
大正３年　東京国立博物館蔵（展示は7/24まで）

パトロンとしての関係を超え、下村観山や今村紫紅ら主に日本美術院を中心とした画家との交流も興味深い。三溪は紫紅や安田靫彦、速水御舟、小林古径、前田青邨らを三溪園に招いては古美術品を公開して研究会を開くなど、若手の日本画家たちの育成にも尽力したといいます。菱田春草の作品は三溪にピンとこなかったのか、岡倉天心に勧められ購入したもののすぐに手放したというエピソードも。ただ、春草の没後、13点もの春草作品を購入のだそうです。

小林古径「出湯」
大正10年［改作］　東京国立博物館蔵（展示は7/24まで）

三溪は自身のコレクション公開のために美術館の建設を夢見ていたそうで、ゆかりの深い横浜の地でこうして展覧会が開かれるというのは、原三溪生誕150年・没後80年という年に相応しいのではないでしょうか。

残念だったのは展示ケースの写り込み。最近はそれなりの美術館はどこも低反射ガラスになっていますが、横浜美術館はまだのようで、展示室の照明が比較的明るいこともあり、いろいろ写り込みがしてとても見づらい。単眼鏡で覗くにもガラスにぎりぎりまで近づかないと逆に見づらくなる始末。何とかならないものでしょうか。

【横浜美術館開館30周年記念　原三溪生誕150年・没後80年記念
原三渓の美術　伝説の大コレクション】
2019年9月1日（日）まで
横浜美術館にて

原三溪の美術伝説の大コレクション

遊びの流儀　遊楽図の系譜

2019-07-12T23:30:00.000+09:00

サントリー美術館で開催中の『遊びの流儀　遊楽図の系譜』を観てきました。

本展は屏風や絵巻、扇面など絵画に描かれた「遊び」をテーマに、そこに描かれた遊びや舞踊、ファッションをクローズアップするというサントリー美術館らしい企画展。とくに近世初期に流行した遊楽図を中心に、絵の中に描かれたような碁盤や双六、カルタなどが実際に展示されていて多面的に楽しめるのがいいですね。

遊楽図・風俗図は個人的にもとても興味を持っているのですが、これだけの数をまとめて観る機会というのもそうはありません。今回も展示替えが多い（前期・中期・後期と分かれ、全作品観るには３回は通う必要あり）のですが、遊楽図を代表する名品が揃い、遊楽図・風俗図好きには垂涎の展覧会です。

展覧会の構成は以下のとおりです：
第１章「月次風俗図」の世界－暮らしの中の遊び
第２章遊戯の源流－五感で楽しむ雅な遊び
第３章琴棋書画の伝統－君子のたしなみ
第４章「遊楽図」の系譜①－「邸内遊楽図」の諸様相
第５章「遊楽図」の系譜②－野外遊楽と祭礼行事
第６章双六をめぐる文化史－西洋双六盤・盤双六・絵双六
第７章カルタ遊びの変遷－うんすんカルタから花札まで
第８章「遊楽図」の系譜③－舞踊・ファッションを中心に

「十二ヶ月風俗図」（重要文化財） ※写真は一部
桃山時代・16～17世紀　山口蓬春記念館蔵（展示は7/22まで）

季節々々の風俗を描いた「月次絵」は平安時代以来やまと絵の主要な画題の一つとして描かれてきたといいます。「十二ヶ月風俗図」は一月ならお正月の風景、二月は鶯合わせ、三月は鶏合わせ、四月は花売りというように、16世紀ごろ京都の、公家から市井の庶民までの風俗や娯楽が丁寧な筆致でいきいきと描かれています。土佐光吉の作ともいわれる本作品は何年か前に山口蓬春記念館でも観ていますが、同じく京の人々の風俗を描いた洛中洛外図とはまた違った雅やかな魅力があります。

平安時代の貴族たちの娯楽が描かれたものといえば、『源氏物語』などの物語絵。展示されていた『源氏物語』の画帖や屏風にも男性たちが蹴鞠で遊ぶ様子や女性たちが琴を弾く様子が描かれていました。室町時代の作という「浄瑠璃物語絵巻」にも女性たちが琴や太鼓（鼉太鼓？）を演奏している様子が描かれているのですが、精緻で色鮮やかな調度品や太鼓などを観ていると、岩佐又兵衛もこうした絵巻を参考にしたのだろうかと想像してしまいます。

風俗図という枠からは外れますが、琴・囲碁・書道・絵画といった中国の士君子の嗜みを描いた琴棋書画がいくつかあって、それらが後の遊楽図、特に邸内遊楽図で琴は三味線に、囲碁は双六に置き換わり、いわゆる見立て絵として当世風に受け継がれていったという指摘にはなるほどと思いました。

「遊楽図屛風（相応寺屛風）」（重要文化財）
江戸時代・ 17世紀　徳川美術館蔵（展示は7/15まで）

遊楽図では「遊楽図屛風（相応寺屛風）」が素晴らしい。花見をしたり、水遊びをしたり、風流踊りをしたり、能や猿廻しを見たり、囲碁やカルタをしたり、宴会をしたりと、当時のありとあらゆる娯楽が細部に渡って描きこまれていて、人々の顔貌表現も細やかで表情豊かに描かれています。邸内に描かれた屏風や襖絵、杉戸絵も実に丁寧で、かなりレベルの高い絵師の手による作品だということが分かります。享楽的な雰囲気は狩野内膳や岩佐又兵衛が描いた「豊国祭礼図屏風」や又兵衛の「洛中洛外図屏風（舟木本）」を思わせ、腰をくねらせ踊る女性の姿は狩野長信の「花下遊楽図屏風」を彷彿とさせます。樹木や人物の描き方など見ると、筆者は恐らく狩野派の絵師なんだろうなと思いますが、誰が描いたのか気になるところです。

「婦女遊楽図屏風（松浦屏風）」（国宝）
江戸時代・17世紀　大和文華館蔵（展示は7/24から）

遊楽図は「遊楽図屛風（相応寺屛風）」を祖型として、邸内の様子を俯瞰で描いた邸内遊楽図が広まり、やがて「松浦屏風」（後期出品）や「彦根屏風」（本展未出品）のように室内の様子を切り出した室内遊楽図に移ったといわれているそうです。

邸内遊楽図では妓楼の遊興を描いた「邸内遊楽図屏風」（サントリー美術館所蔵）もなかなか楽し気。筆致もとても丁寧で細やか。「婦女遊楽図屏風」は人物表現がやや類型的なきらいがありますが、妓楼の男女を全て女性に見立てて描いたのか、抱き合っていたり、胸元に手を入れていたりと艶っぽいシーンも。

一方、野外遊楽や祭礼行事を描いたものでは「祇園祭礼図屏風」が見応えがあります。六曲一隻の屏風の右から左までいっぱいに祇園祭で賑わう通りが描かれていて、ところてんや瓜を食べる人や煙草を買い求める人など、庶民の生活ぶりも描かれていて興味が尽きません。展示がほんの一部分だけだったのが残念ですが、「露殿物語絵巻」もかつての京の遊里に娯楽が鮮やかに描かれていました。

「舞踊図」（重要美術品）
江戸時代・17世紀　サントリー美術館蔵（※途中展示替えあり）

遊楽図に描かれた衣装の色とりどりの美しさ、小袖の意匠にも目を奪われます。「舞踊図」は昨年の『扇の国、日本』でも展示されていましたが、シャレた着物の柄や着こなしはまるでファッション雑誌のよう。もとは屏風と考えられるともいわれ、一面（一扇）に一人ずつ舞う女性が描かれていて、寛文美人図や浮世絵の美人画に繋がるものを感じます。後期の展示ですが、「松浦屏風」なんかも最早雑誌のグラビアを飾るオシャレ系女子たちを見ているような気になります。

今回の展覧会では琴棋書画に描かれたような碁盤や遊楽図と同時代の双六、カルタなどが一緒に展示されています。たとえば、若い男女が小さな射的（雀小弓）を楽しむ様子が描かれた「遊楽図扇面」の隣に「雀小弓」が展示されていたり、蹴鞠で遊ぶ「遊楽図扇面」の隣には「蹴鞠」が展示されていたり、絵と実際の遊具や道具を並んで観ることができるのが良いですね。ただ、この「遊楽図扇面」、いくつかの章に分かれて展示されていたのですが、全部同じ解説のままで、ちょっと丁寧さに欠けたのが残念。

興味深かったのは南蛮文化から生まれた「うんすんかるた」や「天正かるた」で、よく見ると遊楽図にもあちらこちらに登場します。「うんすんかるた」や「天正かるた」はポルトガルから伝わったカルタやトランプを模倣して日本で制作されたものだそうですが、金地に様々な数字や絵柄が描かれた見た目にも豪華なもので、南蛮人が描かれていたり、中国人が描かれていたり、何故か達磨が描かれていたり、いろいろと面白い。「うんすんかるた」や「天正かるた」から派生したとされる「花札」や「いろはかるた」もあり、鎖国になっても日本に根付いた南蛮文化の影響を知ることができました。

あくまでもテーマは＜遊び＞なので『遊楽図の系譜』という観点から見ると、少々物足らない点もなきにしもあらず。遊楽図が流行した時代や文化的な背景についてはほぼ触れずじまいで、遊楽図の成立の前後の流れについても月次絵や寛文美人図が並んではいるものの解説で多くは語らず、ちょっと深掘りが足らないかなという印象も受けました。それでもこれだけ遊楽図や風俗図を観られるのですから、大満足の展覧会だと思います。

【遊びの流儀　遊楽図の系譜】
2019年8月18日（日）まで
サントリー美術館にて

 日本美術全集12 狩野派と遊楽図 (日本美術全集(全20巻))

塩田千春展：魂がふるえる

2019-06-30T21:50:00.000+09:00

森美術館で開催中の『塩田千春展：魂がふるえる』を観てきました。

ご存知のように現代アートには疎く、塩田千春のことも決して良く知っている訳ではないのですが、過去に横浜のKAATやグッチ銀座のコラボ展を観ていたり、最近だとGINZA SIXのインスタレーションも観に行ったりして、割と興味を持っていたこともあり、混む前にと思って開幕早々に行ってきました。

本展は、新作18点を含む、100点以上の作品で構成され、20年にわたる活動を回顧する展覧会になっています。過去のインスタレーションなどはパネルや映像でも紹介されていて、最近の活動しか知らない自分にはとても興味深かったです。

いきなり驚くのが会場に上がるエスカレーターのエントランスホールの天井から無数の糸で吊るされたいくつもの舟。何か暗示めいたものを感じながら会場に入ります。

塩田千春「どこへ向かって」　2017／2019年

塩田千春「不確かな旅」　2016年

会場に入ってすぐのスペースには、黒い骨組みだけの舟からまるで血が噴き出すかのように空へ伸びるこれまた無数の赤い糸、糸、糸。血液を想起させる生々しさや息苦しさ、心の奥の深い叫びのようなどこか精神的なものに圧倒されます。いきなりなんだか凄いものを観た感がハンパありません。

塩田千春「外在化された身体」　2019年

この展覧会のための新作のひとつ「外在化された身体」のだらんとぶら下がった赤い網状の牛皮はどこか身体の臓器を思わせます。床にはバラバラになったブロンズの手足が落ちています。塩田千春はガンと闘いながら制作活動を続けてきましたが、この森美術館の展覧会が決まった翌日ガンの再発を知らされたそうです。正に死と寄り添いながら、魂も肉体もばらばらになるのを感じながら、制作に打ち込んできたのだろうことが強く伝わってきます。

塩田千春「小さな記憶をつなげて」　2019年

広いフロアーの一角に無造作に置かれたミニチュアの家具や小物。それぞれを繋ぐ赤い糸は記憶をたぐり寄せる糸でもあり、ぐるぐる縛られた椅子やベッドは過去の苦しさや辛さを表しているようにも感じます。何かトラウマのような悲しい過去を抉り出したかみたいに。

塩田千春「静けさの中で」　2008年

まるで火事で焼け、黒煙が立ちこめる音楽室かホールのようにピアノと椅子から黒い糸が天井に伸びる「静けさの中で」。幼い頃に塩田の隣家が火事で燃えた記憶が基になったいるのだそうです。この絶望的なほどの重苦しさがズシリときます。

塩田千春「時空の反射」　2018年

「時空の反射」はウェディングドレスが２着あると見せかけ、実は鏡に映っているだけで、１着しか展示されていないというトリックが。これも何か暗示しているように感じてしまいます。。。

塩田千春「集積－目的地を求めて」　2016年

森美の広い空間を使ったインスタレーションがいろいろ圧巻なのですが、スーツケースのインスタレーションにも驚きました。糸で吊るされた動くスーツケース。階段状になっているのは旅＝人生を意味しているのでしょうか。

同じ日に国立新美術館で『ボルタンスキー展』も観たのですが、塩田千春が命を削って表現したものなら、ボルタンスキーは失われた命というようにも感じました。塩田の魂に対しボルタンスキーは霊魂。どちらもドーンと来た。

注）写真・動画はいずれも「クリエイティブ・コモンズ表示 - 非営利 - 改変禁止 4.0 国際」ライセンスでライセンスされています。

【塩田千春展：魂がふるえる】
2019年10月27日（日）まで
森美術館にて

塩田千春展:魂がふるえる

夢のCHITABASHI美術館!?

2019-06-21T23:30:00.000+09:00

千葉市美術館で開催中の『板橋区美×千葉市美日本美術コレクション展－夢のCHITABASHI美術館!?』に行ってきました。

千葉市美術館と、現在改修工事のため休館中の板橋区立美術館（※2019年6月29日にリニューアルオープン予定）の所蔵作品を中心に構成されていて、もしも２館が合体した「CHITABASHI（ちたばし）美術館」があったら？というユニークなコンセプトのコラボ展です。

千葉市美術館も板橋区立美術館も日本有数の充実した江戸絵画コレクションで知られた美術館だけに、市区の美術館の所蔵作品展とは思えない質の高い作品が並び、見応え十分。これでたったの200円で観られるとは。いくらなんでも安すぎでしょ。

第１章　江戸琳派とその周辺

入口入ってすぐに展示されていた俵屋宗達の「許由巣父図」にまず目が留まります。許由と巣父の２幅からなる作品で、墨の広がりや滲みを活かした薄墨のトーンが秀逸。尾形乾山もしくは光琳に学んだとされる立林何帛の「扇面貼交屏風」の乾山風のぼたりとした描きっぷりも面白い。

光琳は所蔵してないのかなかったのですが、‟自称光琳風”と紹介されていた中村芳中による『光琳画譜』や酒井抱一の『光琳百図』といった画譜類がいくつかあって、宗達から光琳、抱一へと繋がる琳派の系譜を辿れます。抱一が乾山を写した『乾山遺墨』は乾山にしてはすっきりした線でまとめられていて、抱一ぽいなと思うところも。

鈴木其一「芒野図屏風」
天保後期～寛永期（1830-54）　千葉市美術館

其一も多くて、個人的にも大好きな「芒野図屏風」がまた観られたのも嬉しい。やまと絵の武蔵野図に着想を得たと思われる一面の芒（薄）の野原と漂う靄の流れ。銀箔の上に芒を銀泥と墨で描き分けることで靄の濃さを表現しているのですが、銀が経年の酸化で変色してしまっているものの、より渋さが増しているというか、芒野の静けさや寂しさが恐らく制作当時より深まっているのではないかと感じます。

酒井道一「桐菊流水図屏風」
明治時代（19-20世紀）　板橋区美術館

もともと千葉市美は琳派が充実していますが、そこに板橋区美のコレクションが加わるともう最強。抱一や其一、また抱一の弟子たちの作品は多く、2011年に開催された『酒井抱一と江戸琳派の全貌』でも抱一以後の琳派について詳しく触れられていましたが、池田孤邨や抱一の孫弟子世代にあたる鈴木守一や野崎真一など、琳派の展覧会では省略されがちな幕末から明治にかけての琳派の流れもまとめて観ることができます。

特に印象的だったのが抱一の雨華庵を継いだ酒井道一の「桐菊流水図屏風」。師・其一に似た濃彩と抱一的な洒脱な構図美、さらには光琳の「藤花図屏風」を思わせる右隻から左隻に伸びる桐の枝葉に琳派の確かな継承を感じさせます。

第２章　ちたばし個性派選手権

個性的な江戸絵画といえばやはり板橋区美。狩野典信の「大黒天図」が圧巻です。横幅２メートルはあろうかという大画面いっぱいいっぱいに力強く描かれた大黒天の迫力がすごい。

狩野典信「大黒図」
江戸時代（18世紀）　板橋区美術館

千葉市美と板橋区美から一点ずつ展示された英一蝶も面白い。鴨川の川床で月見酒を愉しむ人々の姿を軽やかな筆遣いで描いた「四条河原納涼図」。水に濡れないように投げ縄と剣を外し滝に打たれる不動明王が可笑しい「不動図」。どちらも一蝶らしい諧謔味が感じられます。

加藤信清の「五百羅漢図」がこれまた個性的。１幅に10人、50幅で500人の羅漢を描きお寺に寄進したということなのですが、その羅漢の輪郭線や袈裟の色も全てお経で書かれているという作品。単眼鏡で覗くとその細かさに驚きます。

第３章　幕末・明治の技巧派

柴田是真、岡本秋暉、小原古邨の作品を中心に展示。千葉市美の岡本秋暉、板橋区美の柴田是信のコレクションにそれぞれが所蔵作品を補い、より見どころのある内容になっています。

岡本秋暉というと南蘋派の影響を受けた写実実のある華麗な花鳥図というイメージがあるのですが、水墨の鷲図もあれば、若冲ばりの蓮池図や力強い雲竜図もあって、秋暉の画技の広さに驚きます。返す返すも2011年の『岡本秋暉展』を見逃がしたのが残念。

岡本秋暉「百花一瓶図」
江戸時代（19世紀）　摘水軒記念文化振興財団蔵

是真は四条派的な「鴨図」から月次絵の「十二ヶ月短冊帖」、漆絵の「貝尽図屏風」や「蜘蛛の巣図」など画法も技法も画題もバラエティに富んでます。漆工に優れた是真だけあり、漆絵の「貝図」の質感が気になってよく観てみると、細かく切った貝や金箔が貼り付けられていたりするんですね。是真らしいユーモアを感じさせる「猫鼠を覗う図」も楽しい。

柴田是真「猫鼠を覗う図」
明治17年（1884）　板橋区美術館

第４章　江戸の洋風画

板橋区美に寄託されている歸空庵コレクションを中心に、小田野直武や司馬江漢、亜欧堂田善など江戸時代後期に描かれた洋風画を紹介しています。

直武の「岩に牡丹図」は不思議な魅力というんでしょうか、写実的な牡丹も素晴らしいのですが、青い牡丹の妖しさがちょっと怪異的な感じもあって後を引きます。一見西洋の風景画かと思ったら広尾だったという「広尾親父茶屋図」や熱した荏胡麻油に絵具を混ぜて描いたという油彩画など司馬江漢のチャジンジングな作品も面白い。

小田野直武「岩に牡丹図」
安永（1772-80）年間　歸空庵蔵

司馬江漢や亜欧堂田善は他の展覧会等でも割と目にする機会はあるのですが、今回一番興味深かったのが「ファン・ロイエン筆花鳥図模写」で知られる石川大浪・孟高兄弟の‟洋風画ブラザーズ”の作品で、水墨の「天使図」にまずビックリ。顔はちょっと不気味ですが、ちゃんと陰影をつけ立体感を出した天使や、「火喰鳥図」や「獅子図」など、鎖国のあの時代によくここまで西洋画の技術を見よう見まねで身に付けたなと感心します。

【板橋区美×千葉市美日本美術コレクション展－夢のCHITABASHI美術館!?】
2019年6月23日まで
千葉市美術館にて

はじめての古美術鑑賞　絵画のテーマ

2019-06-08T16:56:00.002+09:00

根津美術館で開催中の『はじめての古美術鑑賞　絵画のテーマ』を観てきました。

2016年からはじまった企画展『はじめての古美術鑑賞』もこれで４回目。すっかり根津美術館の定番シリーズとなりつつあるというか、自分なんかは今年はどんなテーマかと毎年楽しみになるようになりました。

これまでは《絵画の技法と表現》、《紙の装飾》、《漆の装飾と技法》というように技法と装飾といった観点から古美術を観てきましたが、今回は絵画のテーマ（主題）に着目しています。その時代々々でどのような主題が絵画に描かれてきたのか、古美術鑑賞というより、ちょっとした日本の絵画の歴史の勉強といった趣です。

はじめに

６世紀に日本に伝わった仏教は絵画においても画期となり、古墳壁画や正倉院宝物など僅から例外を除けば、奈良時代の現存作例は仏画だけそうです。展示されていた「絵過去現在因果経」は鎌倉時代に写されたもの（いわゆる「新因果経」）とのことですが、素朴な絵の感じも色合いもこれまでに観た「古因果経」と遜色ありませんでした。

第１章　物語絵の世界

王朝文学の隆盛とともに平安時代後期から登場するのが物語絵。展示はいずれも江戸時代の作品ですが、源氏物語、伊勢物語、平家物語と代表的な古典の物語絵がピックアップされています。

土佐光起、住吉派系の板谷広長、復古大和絵の浮田一蕙、それぞれ優品が並ぶ中、白眉は英一蝶の弟子・佐脇嵩之の門人という高嵩谷の「一ノ谷・須磨・明石図」。左右に須磨と明石の景観を配し、中幅に今まさに一ノ谷の険しい崖を降りんとする義経の姿を描いた三幅対の作品で、義経の鎧兜や虎の尻鞘の細密な描写は素晴らしいの一言。

第２章　禅林の人物と中国の神仙たち

祖師図をはじめとする禅宗関係の人物図というのは鎌倉時代に禅の信仰とともに広がったというのは理解していたのですが、仏教とあまり関係のない中国の神仙の図像がどのように日本に入ってきたのか、あまり知りませんでした。解説によると、明時代に集約された神仙の図像が伝わり、やがて画僧たちが描くようになったとありました。時代的に南北朝時代以降でしょうか、神仙が描かれた中国絵画を通して広がったのでしょうね。

展示品の中では虎に乗った鍾馗を描いた祥啓の弟子・啓孫の「騎虎鍾馗図」が印象的。鍾馗は道教の神で、魔除けとして京都などでは今も厚く信仰されていますが、既に平安時代の「辟邪絵」にも描かれていたのだそうです。

「羅漢図」（重要文化財）
中国・南宋～元時代・13～14世紀　根津美術館蔵

宋末元初の中国から将来した「羅漢図」は禅月様羅漢と呼ばれる古様の羅漢図。よく見る羅漢図ともまた違う怪異な風貌も強烈ですが、粗放な水墨による枯木もなかなか不気味。

伝・狩野元信「達磨慧可対面図」
桃山時代・16世紀　栃木県立博物館蔵

狩野元信と伝わる「達磨慧可対面図」はたぶん雪舟の「慧可断臂図」を下敷きにして描いてるんだろうなと思わせる作品。雪舟と違って、伝・元信の作品は腕を切り落とす前で、達磨と慧可が対面しています。

第３章　中国の故事人物画

室町時代前期、五山の禅僧たちが理想として憧れた中国の文人高士を描いた故事人物画は近世絵画の重要な画題の一つ。室町末期に書院造が広まると、襖や屏風に描かれる主要なテーマとなります。

式部輝忠は小田原狩野派の代表的画人。「観瀑図」は滝を観る李白を描いているそうで、中国絵画の文芸趣味が日本にも受け入れられていることが分かります。観瀑図というと、たとえば芸阿弥の「観瀑図」のように滝を引きで捉えた作品が多い気がするのですが、本作は間近で観瀑し思索に耽る李白にぐっと近寄り、より精神的な趣が強く感じられます。

式部輝忠「観瀑図」（重要美術品）
室町時代・16世紀　根津美術館蔵

そのほか、印象的だったのが小栗宗湛と伝わる「周茂叔愛蓮図」。中央奥に高く聳える主峰や手前の松が周文の「水色巒光図」を彷彿とさせるも、コントラストの強い墨色や前景の強い筆線と彩色は狩野正信に近い感じもあり、両者を繋ぐ間の作品という印象を受けます。舟の上の周茂叔の顔がかわいい。

祥啓の弟子で、関東画壇を代表する仲安真康の「富嶽図」は富士山を描いた作品としては現存最古の作例の一つとか。奥に白い富士山と手前に三保の松原という富士図の典型的な構図が既にこの時期出来上がっていることが分かります。

仲安真康「富嶽図」
室町時代・15世紀　根津美術館蔵

墨梅・墨竹・墨蘭といった水墨画によく見る画題の作品がいくつか並んでいたのですが、本格的な画技を身に付けなていなくても描けるということから禅僧の墨技として広まったと解説にあり、なるほどそういうことで禅画によく見られるのかと納得しました。

ほかにも牧谿風の模作や相阿弥と伝わる水墨画、谷文晁の見事な「赤壁図屏風」など個人的には大変楽しみました。2階の特集でも祥啓や岳翁蔵丘、松花堂昭乗など優品が並びます。なかなか渋いところを取り上げていていかにも根津美らしい展覧会でした。

過去の『はじめての古美術鑑賞』の記事：
《はじめての古美術鑑賞　絵画の技法と表現》
《はじめての古美術鑑賞　紙の装飾》

【はじめての古美術鑑賞　絵画のテーマ】
2019年7月7日（日）まで
根津美術館にて

日本水墨画全史 (講談社学術文庫)