The Time Of Rock

En Concierto: Una Tarde con Mark Knopfler

2012-11-25T16:47:00.002+01:00

1. Sailing to Philadelphia - Mark Knopfler

2. Sultans of Swing - Mark Knopfler

3. Romeo & Juliet - Mark Knopfler

4. Get Lucky - Mark Knopfler

5. Why Worry - Mark Knopfler

6. Money For Nothing - Mark Knopfler

7. Monteleone - Mark Knopfler

8. Songs For Sonny Liston - Mark Knopfler

9. If This Is Goodbye - Mark Knopfler

10. Brothers in Arms - Mark Knopfler

U2. Los Dioses del Rock Alternativo

2012-11-06T12:51:00.000+01:00

Saludos amigos: En The Time Of Rock nos gusta recordar y homenajear a las mejores bandas de rock de la historia, y esta ocasión no va a ser especial. Vamos a recordar a uno de los iconos del rock en la actualidad, uno de los mejores grupos de rock de la historia, un grupo que han hecho de muchas de sus canciones auténticos himnos. Hoy en The Time of Rock vamos a recordar nada mas y nada menos que a U2. U2 es posiblemente el mejor grupo de rock alternativo de los últimos 30 años, y para muchos de la historia. Han lanzado 12 álbumes de estudio y son uno de los grupos musicales con mayores ventas, vendiendo anualmente alrededor de 150 millones de copias. Es el grupo con mayor número de premios Grammy (22), y en el 2005 fueron incluidos en el Rock And Roll Hall Of Fame. Formado por Paul David Hewson (Bono), David Howell Evans (The Edge), Adam Clayton y Larry Mullen. Este grupo nació en 1.976, cuando Larry Mullen puso un anuncio en un tablón del Mount Temple Comprehensive School, que era el colegio en el que estudiaba, buscando gente para formar un grupo. Los primeros en pasar fueron los guitarristas. Dave Evans "The Edge" fue el tercero y último en ingresar, ya que Larry se convenció de que no iba a cnseguir algo mejor. Junto con Evans también acudió su hermano, Dick Evans, auqneu antes de la grabación del primer disco de la banda decidió abandonar el grupo, fundando posteriormente "The Virgin Prunes". Seguidamente fue el turno de los bajistas, en donde Adam Clayton consiguió el puesto, aparte que por el talento, porque anteriormente había sido miembro de otras bandas y tenía experiencia. Con el guitarrista y el bajista conseguido, Larry quería una segunda guitarra y voz, y ahí llegó el turno de Paul Hewson "Bono". Paul comenzó tocando la guitarra y lo hizo mal. Entonces Larry le pidió que cantara y lo hizo peor todavía. Pero el olfato de Larry le llevó a hacer lo que en aquel momento era una locura. Años después declaró al respecto lo siguiente: "Un cantante debe tener personalidad, y el la tenía" La banda ya estaba formada. Contaba con la guitarra eléctrica de "The Edge", la acústica de su hermano (ambas sin amplificador), y el bajo de Adam con un amplificador con muchos años a sus espaldas. U2 comenzó tocando temas de The Beatles, Rolling Stones, etc. Fue entonces cuando Paul se cambió el nombre a Bono Vox, en honor a una marca de audífonos de Dublín. Dave adoptó tambien un nombre artístico llamándose "The Edge", y Larry agregó el "JR" a su nombre, ya que se llamaba igual que su padre. El grupo comenzó llamándose "Feedback" antes de cambiarse a "The Hype" en 1.977. La llegada de U2 fue un poco extraña, ya que Dick abandonó el grupo en medio de un concierto por razones difíciles de definir, y ahí nació U2. Según reconocen los miembros del grupo, la elección de U2 fue mas o menos provisonal hasta encontrar otro más adecuado, pero su creciente fama y proyección internacional asentó el nombre. El nombre del grupo lo sugirió Steve Averill, que es el diseñador de las carátulas de los álbumes y sencillos del grupo. U2 también es un juego de palabras, ya que se pronuncia igual que You Too (Tu También). El grupo dió su primer golpe en 1.978, cuando ganaron un concurso patrocinado por Paul McGuinness en su último año de instituto. McGuinness les vió actuar y les ofreció un contrato. Aún con eso, la banda tuvo problemas para seguir adelante, ya que la CBS no les contrató finalmente. En otoño de 1.979, el grupo lanzó su sencillo de debut, "U2 Three". Lanzaron 1.500 ejemplares sólo para Irlanda, donde encabezó las listas. Después empezaron a actuar en Inglaterra, pero no lograon gran éxito. La banda tenía otro sencillo, "Another Day", y en 1.980 Island Records les contrató. A finales de año sacaron su primer álbum, "Boy". El álbum fue producido por Steve Lillywhite, y tuvo gran impacto por su dinámica proveniente del Post Punk, combinándola con un sonido de absoluta vanguardia, especialmente en su sonido de guitarra. Eran prometedores, y debido a la adversidad que pasaba Irlanada por aquellos años, sus letras estaban cargadas de firmes mensajes políticos. La canción mas importante de este primer disco del grupo fue "I Will Follow", aunque también fueron importantes temas como "Another Time, Another Place" o "Out Of Control". U2 pudo llevar Boy al puesto 70 de las listas estadounidenses a principios de 1.981. Con la producción de Lillywhite lanzaron su segundo álbum, que titularon "October". Este disco fue muy poco exitoso y la banda se llevó una decepción importante, ya que les sorprendió la mala respuesta que tuvo, justo cuando alcanzaban la escena musical importante. Lillywhite continuó en la producción de discos del grupo con el álbum "War", que se llevó a cabo en la primavera de 1.983. Este álbum tenía más mensaje político que los discos anteriores, y en el están incluidas dos de las canciones más famosas del cuarteto irlandés; "Sunday Bloody Sunday" y "New Year's Day". Con estos temas alcanzaron la cima en varios rankings y War despertó la curiosidad de quienes buscaban un sonido nuevo y letras que realmente despertaran los sentimientos de los jóvenes irlandeses. Durante el War Tour lanzaron el disco y el video titulado "Under A Blood Red Sky", con lo que el grupo ya empezaba a revolucionar la manera de presentar un concierto en vivo. El disco entró en las listas en el puesto número 2, y se convirtió en el directo de mayor éxito de las islas británicas. Durante este periodo de tiempo en el que U2 ya empezaba a ganarse al público británico, estos recibieron una importante invitación de Juan Pablo II. Tras pensarlo bastante decidieron aceptar, pero poniendo la condición de que no hubiera camarógrofos ni paparazzis. Ellos querían una charla íntima cn el Papa. Les contestaron que no había gracia, que era lo mismo que no fueran, a lo que Bono respondió lo siguiente; "Hagan los que quieran, pero sin nosotros" Tras el éxito que tuvo War, el grupo irlandés volvió a los estudios con Brian Eno y Daniel Lanois como productores, quienes le dieron un toque diferente, experimental. En otoño de 1.984 se publicó el cuarto álbum de estudio del grupo, titulado "The Unforgettable Fire". Este nuevo disaco volvió a conseguir el éxito obtenido con War. Fue uno de los discos más revolucionarios de la banda, adoptando un estilo absolutamente distinto al de sus inicios. Sus canciones eran fracciones melódicas, y explotaron más que nunca la creatividad de su guitarra. Entró en el número 1 de las listas británicas y en el 12 de las estadounidenses. Este álbum les supuso ingresar en el top 40 de las listas estadounidenses con la canción "Pride (In The Name Of Love)", que es un tema dedicado a Martin Luther King. U2 salió de gira para promocionar el disco, y tras la gira lanzaron el mini-LP en directo "Wide Awake In America" en 1.985. Mientras que el grupo se había convertido en una de las bandas de rock más exitosas de la década de los 80, todavía no habían logrado el estrellato. Pero en la primavera de 1.987 eso iba a cambiar. U2 sacó a la venta una auténtica obra maestra al mercado; "The Joshua Tree". Este disco les trajo rápidamente su primer número 1 en Estados Unidos, y fue su tercer álbum en alcanzar el número 1 en Inglaterra. Este álbum contiene canciones tan míticas como "With Or Without You", "I Still Haven't Found What I'm Looking For" (ambas números 1 en Estados Unidos), "Where The Streets Have No Name" o "Bullet The Blue Sky". Este disco y la gira que le precedió fueron merecedores de portadas en revistas tan prestigiosas como "Time" Tras el éxito que les supuso The Joshua Tree, la banda irlandesa decidió firmar un documental sobre su gira en los Estados Unidos, grabando además nuevo material de camino. El proyecto se llamó "Rattle And Hum", que fue respaldado por un doble disco en el que había canciones en directo como "Desire" junto con nuevos temas como "Angel Of Harlem". El disco logró ser un éxito, pero el documental y la película recibieron pobres críticas en las que se reseñaba la fascinación del grupo por la música de raices estadounidenses como el blues, el soul, el country o el folk. Después de realizar una de sus mejores giras, el grupo decidió tomarse un descanso. Tras el descanso tomado, U2 se reunió en Berlín para grabar un nuevo álbum, con Eno y Lanois nuevamente. Aunque las sesiones de grabación fueron difíciles y la banda estuvo a punto de disolverse, el resultado fue una triunfante reinvención del sonido base del grupo. "Achtung Baby", que así se tituló el disco, se sumergía en la mñusica de baile y por la música electrónica. Inspirados por igual por el Bowie de los años 70 y por el "Sonido Manchester", este disco tenía un sonido más variado y aventurero que el de los U2 en su primera etapa, y no defraudó a su audiencia. El álbum debutó con un número 1 y lanzó éxitos como "Mysterious Ways" o "Even Better Than The Real Thing" Pero si hay una canción que sobresale por encima de cualquiera en este álbum, esa es, sin ninguna duda, "One". Esta canción es considerada para muchos como la mejor canción escrita por Bono. Es una de las canciones más emotivas en cuanto a interpretación y en cuanto a sentimiento cuando es interpretada en vivo. Esta canción no fue escrita pensando en el amor, sino todo lo contrario que pudiera pensar Bono en ese entonces. Esta canción, en palabras del propio Bono, es una vista al mundo en el que vivimos, donde no se puede controlar la idea del egoismo entre las religiones, las costumbres, las ideas, etc. entre los paises que habitan en este planeta. La canción hace remembranza a la hermandad que debe de existir y a la oportunidad de querer como hermanos sin necesariamente serlo. Pero también tiene el significado de la aceptación de las formas en como el ser humano se acepta en este mundo. Destacar que esta canción es utilizada muy frecuentemente en eventos sociales, sobre todo en bodas. Bono al respecto ha dejado muy claro que no tiene ningún significado como para ser considerada como una canción que hable de relaciones amorosas. A principos de 1.992, el grupo se lanzó a una nueva gira en apoyo de su último disco. Con el nombre Zoo TV Tour, esta gira fue una novedosa combinación de efectos multimedia, con un escenario formado por pantallas gigantes, coches colgando, y con llamadas de móviles. Bono se creó un alter ego llamado "The Fly", que representaba el estrellato. Era evidente que el grupo estaba más desenvuelto y se divertía más que nunca, pero sin olvidar su implicación social. Tras finalizar esta gira a finales de 1.992 y antes de comenzar su tramo europeo, U2 entró en el estudio para grabar nuevo trabajo. En 1.993 la banda irlandesa lanzó al mercado su nuevo trabajo, al que tituló "Zooropa". Este álbum demostró tener influencia techno y dance mayor que Achtung Baby, y recibió buenas críticas y sencillos que destacaron como "Lemon" o "Stay (Faraway, So Close!)". Pese a que el disco no fue un éxito de ventas, obtuvo un Grammy al "Mejor álbum alternativo" de 1.994. Durante la gira de este álbum, "The Fly" se transformó en "MacPhisto" en su segundo tramo. La gira terminó con una emotiva noche en Tokio el 10 de Diciembre de 1.993, y fue considerada desde entonces como una de las más grandes y originales de la historia del rock. Y esa época es recordada por la gran mayoría de los fans del grupo y por la crítica especializada, como la etapa más crativa y exitosa del grupo. Al final de esta gira, el grupo se tomó otro descanso. Durante el año 1.995, U2 reapareció con "Hold Me, Kiss Me, Kill Me", una pieza de glam rock escrita y compuesta para la Banda Sonora de la película Batman Forever. A finales de año, colaboraron en Original Soundtracks I, de Brian Eno. Lanzaron el álbum con el pseudónimo "The Passengers", álbum que pasó inadvertido ante la crítica. De este disco destaca la canción "Miss Sarajevo", cantada junto a Luciano Pavarotti. Muchos fans y devotos del grupo, incluido Larry Mullen, estaban decepcionados por el proyecto The Passengers, asi que la banda prometió lanzar en otoño de 1.996 un álbum de rock. Este nuevo disco de la banda irlandesa tardaría bastante tiempo en editarse, aplazándose hasta 1.997. Durante el retraso, se flitraron algunos temas, como "Discotheque", su primer sencillo. QUedó claro que el nuevo álbum tenía fuertes influencias del techno, dance y de la música electrónica. Cuando al fin salió al mercado, "Pop" obtuvo fuertes ventas iniciales y algunas de las peores críticas de su carrera, con la que comenzaron su gira Popmart que les llevó por primera vez a Sudamérica con presentaciones en Argentina, Brasil y Chile, así como a México por segunda ocasión. A finales de 1.998, el grupo volvió con "The Best of 1.980-1.990", la primera de una serie de recopilaciones editadas por Polygram. En este álbum se incluyó la versión Mix del tema "The Sweetest Thing", que se convirtió en un éxito, llegando a ocupar posiciones privilegiadas en las principales carteleras musicales. Tres años después de Pop, U2 se unió nuevamente con Brian Eno y Daniel Lanois para realizar su siguiente álbum de estudio, que tuvo por nombre "All That You Can't Leave Behind". Este nuevo disco salió al mercado en otoño del año 2.000, y con el que el grupo irlandés volvió a su característico sonido de guitarras. En este álbum se incluyen temas como "Beautiful Day", "Walk On", "Elevation" o "Stuck In A Moment You Can't Get Out Of". En el año 2.002 lanzaron un nuevo recopilatorio de su segunda década como banda, denominado "The Best Of 1990-2000". Allí se incluyó como promocional el sencillo "Electrical Storm" que se convirtió en un éxito durante ese año. A estos dos lanzamientos les precedió la gira "Elevation Tour", que comenzó en Miami el 24 de Marzo de 2.001 y terminó en la misma ciudad, pero casi nueve meses después de comenzar, el 2 de Diciembre. En esta gira volvió el ambiente mas íntimo frente a los macro conciertos de Zoo TV y Popmart. Durante esa gira se editaron dos DVD; "Elevation: Live From Boston" y "U2 Go Home: Live From Slane Castle" En 2.002, U2 junto con otras bandas como Kiss, Metallica, The Offspring, Red Hot Chili Peppers y Rancid, participaron en un disco tributo a la banda de punk rock The Ramones llamado "We're A Happy Family". El disco fue producido por Johnny Ramone y lanzado bajo el sello discográfico de Columbia Records. A finales de 2.004, la banda sacó "How To Dismantle An Atomic Bomb", que sería su nuevo trabajo. Este disco fue de rock puro y en el se incluyen temas como "Vertigo", "City Of Blinding Lights" o "All Because Of You" La gira promocional de este disco comenzó el 28 de Marzo de 2.005 en la ciudad de San Diego (California), bajo el título "Vertigo Tour". En esta gira el grupo irlandés recorrió los Estados Unidos y Canadá entre Marzo y Mayo de ese año, para continuar por Europa edurante el verano (entre el 10 de Junio, en Bruselas y el 14 de Agosto, en Lisboa) y regresar a Estados Unidos y Canadá en el otoño, a partir del 12 de Septiembre en Toronto y hasta el 19 de Diciembre en Portland. Durante Enero y Febrero de 2.006, el grupo realizó la cuarta etapa de la gira, que incluyó el triunfal retorno de U2 a paises como México, Brasil, Chile y Argentina, paises que no habían sido incluidos en la gira anterior, Elevation de 2.001. El 8 de Marzo de 2.006 el grupo anunció que se veía obligado a posponer las últimas 10 fechas, que abarcaba Nueva Zelanda, Australia y Japón debido a la enfermedad de un familiar cercano a uno de los miembros del grupo. Estas fechas fueron reprogramadas a partir del 7 de Noviembre con el concierto en Brisbane (Australia), finalizando la gira en Honolulu (Hawai), el 9 de Noviembre de 2.006. Durante este lapso de tiempo el grupo grabó junto a Green Day un cover de la famosa canción del grupo punk escocés The Skids, "The Saints Are Coming", a beneficio de la campaña Music Rising, llevada adelante por The Edge para ayudar a los músicos de Nueva Orleans que, tras las devastadoras inundaciones provocadas por el huracán Katrina, quedaron sin su sustento de trabajo; sus instrumentos musicales. El cover fue presentado el 25 de Septiembre de 2.006, en el marco de la reinaguración del Luisiana Superdome, en Nueva Orleans. A finales de Septiembre de 2.006, U2 lanzó a la venta su autobiografia, U2 by U2, editada por Neil McCormick, con textos escritos basándose en horas y horas de entrevistas con la banda y 1.500 fotografias. En este libro de 352 páginas la banda cuenta todo desde sus inicios hasta la fecha. El 20 de Noviembre de 2.006 se estrenó su nuevo álbum recopilatorio, "U218 Singles", con 16 de sus canciones más conocidas y dos temas nuevos; "The Saints Are Coming" y "Window In The Skies". En Octubre de ese mismo año la banda se cambió a Mercury Records tras 26 años afiliados a Island Records. En Enero de 2.008, el mánager de la banda, Paul McGuinness, anunció que U2 está preparando la salida al mercado de la continuación de How To Dismantle An Atomic Bomb, en Febrero de 2.009. El 2 de Marzo de 2.009, y tras más de 4 años preparándolo, salió a la vente el duodécimo, y hasta la fecha último álbum de estudio de la banda, que tiene por título "No Line On The Horizon". Este disco se grabó en lugares tan dispares como Fez (Marruecos), Francia, Hannover Quay Studios en Dublín, y finalmente en los Olympic Studios de Londres. Su primer sencillo fue "Get On Your Boots", el segundo "Magnificent", y el tercero "I'll Go Crazy If I Don't Go Crazy Tonight". El 30 de Junio la banda inició en Barcelona la gira 360º, Tour que les llevó en 2.009 por Europa, Estados Unidos y Canadá. En 2.010 se presentaron en Europa y Oceanía. Y en 2.011 sus destinos fueron Sudáfrica, Chile, Argentina, Brasil y México. En Junio y Julio de 2.011 la banda irlandesa reprogramó conciertos en Estados Unidos y Canadá que tuvo que cancelar en su fecha inicial, debido a una operación en la columna de Bono. Esta etapa final de 360º Tour es considerada la mejor gira de la historia, con una asistencia total de 7.742.000 espectadores en tan solo 85 shows. U2 ha recibido influencias de grupos como Pink Floyd, The Who, The Ramones, The Clash o The Beatles. Y ha influenciado a bandas como OneRepublic, Muse, Coldplay o The Killers. Además han trabajado con artistas de la talla de Green Day, R.E.M., Leonard Cohen, Bruce Springsteen, Pearl Jam, B.B. King o Lucianno Pavarotti entre otros. Además de ser conocida por la música, U2 ha destacado por sus labores sociales, especialmente Bono, quien en 2.008, ya ha sido nominado al Premio Nóbel De La Paz en 3 ocasiones. Su activismo también los ha llevado a colaborar en distintas organizaciones como Amnistía Internacional, Greenpeace, DATA, ONE, y con causas de apoyo, sobre todo a los paises subdesarrollados. Ejemplo de ello lo tenemos en su participación en el Live Aid (1.985), y Live 8 (2.005), ambos conciertos masivos organizados por Bob Geldof para los paises del G-8. Desde los comienzos de 1.980, los miembros de la banda, como grupo o individualmente han colaborado con otros músicos, artistas, famosos, y políticos para abordar las cuestiones relativas a la pobreza, la enfermedad y la injusticia social. También los miembros del grupo irlandés han emprendido varios proyectos en equipo y a lo largo de su carrera han logrado varios premios y nominaciones, entre los que destacan; 22 premios Grammy, 7 Brit Awards, 1 Globo De Oro, 5 MTV Video Music Awards, 3 MTV Europe Music Awards, una nominación al Oscar, integración en el Rock And Roll Hall Of Fame y el reconocimiento de Amnistía Internacional. De U2 no solo hablamos de una de las mejores bandas de rock de la historia, hablamos también de una banda comprometida con la sociedad y con los más necesitados. Quién sabe si volveremos a ver a un grupo de tal calibre como este cuarteto irlandés. Yo personalmente, me siento un privilegiado por haberles visto en directo. Para mi, y seguro que para muchos, U2 ya forman parte de la leyenda del rock y de la música.

En Concierto: Noel Gallagher´s High Flying Birds Live O2 Arena - DVD International Magic Tour 2012

2012-10-19T15:12:00.005+02:00

Doyle Bramhall II - Talento sin recompensa

2012-10-10T13:27:00.002+02:00

Doyle Bramhall II es un guitarrista, compositor y vocalista estadounidense. Conocido principalmente por su trabajo como líder de los Arc Angels en la década de los noventa y por acompañar a numerosos artistas de primer nivel, como Eric Clapton, BB King, Roger Waters y muchos más.

Tiene una influencia sumamente blusera. Esto se debe principalmente a sus raíces, ya que su padre, el vocalista, compositor y baterista, Doyle estuvo muy cerca de Stevie Ray Vaughan y Jimmie Vaughan en sus épocas gloriosas. Fue co-autor de grandes temas de Stevie como "Life by the drop" y "The house is a rockin'".

En sus comienzos Bramhall II tocaría precisamente en la banda de Jimmie Vaughan, The Fabulous Thunderbirds, como segundo guitarrista, antes de formar en 1992 los Arc Angels, banda de blues-rock con escasa proyección mediática y crítica pero que demuestrían en cada tema publicado el talento que atesoran.

Sin embargo, como muchas veces sucede, que tengas talento no significa que tengas éxito, siempre hace falta tener esa pizca de suerte. Bramhall II ha sacado tres albums en solitario, siendo el último llamado Welcome (2001). Ninguno ha tenido éxito comercial entre las masas y los mass media aunque si entre el círculo de grandes figuras del rock. Lo bueno es que todavía entre estos músicos y grandes leyendas del rock se reconoce a los talentos emergentes y se trata de seguir la gran tradición del rock clásico integrándolos en sus bandas durante las giras.

Juzgad vosotros mismos con el video que os dejo abajo. Eso sí, una vez que deis al Play, además de quedar atrapados por el buen rollo que transmite el crack Bramhall, no perdáis ojo a la bestialidad de batería que lleva en la banda y al espectacular duelo entre guitarra y “steel pedal guitar” que se marcan al final de la canción…brutal!!!

En definitiva, creo que Doyle Bramhall II es un guitarrista increible.

Los Temas de la Semana (I)

2012-09-30T17:11:00.002+02:00

En Concierto - Bruce Springsteen Live Paris 1985

2012-09-22T01:42:00.000+02:00

Set list:

Born In The USA

Badlands

Out In The Street

Johnny 99

Atlantic City

Shut Out The Light

The River

Working On The Highway

Trapped

Darlington County

Glory Days

The Promised Land

My Hometown

Thunder Road

Cover Me

Dancing In The Dark

Hungry Heart

Cadillac Ranch

Downbound Train

I'm On Fire

Because The Night

Rosalita

Can't Help Falling In Love

Born To Run

Bobby Jean

Ramrod

Twist And Shout - Do You Love Me

Rockin' All Over The World

En Concierto: Pink Tones (Madrid Coliseum 2011)

2012-09-16T12:24:00.000+02:00

SET-LIST

1.Obscured by Clouds

2.When you ‘re in

3.Childhood’s end

4.Speak to Me

5.Breathe

6.Time

7.Set the Controls For The Heart Of The Sun

8.Saucerful Of Secrets

9.Shine on You Crazy Diamonds (Parts I-IX)

10.The Great Gig in the Sky

11.Money

12.Coming Back to Life

13.Wot’s Uh… The Deal

14.Wish you were here

15.Echoes

16.In the Flesh

17.The Thin Ice

18.Another Brick in the Wall (Part 1)

19.The happiest days of our lives

20.Another Brick in the Wall (Part 2)

21.Mother

22.One of my turns

23.Don’t Leave me now

24.Another Brick in the Wall (Part III)

25.The Last Few Bricks

26.Goodbye Cruel World

27.Run like Hell

28.Comfortably Numb

El Disco - "The Velvet Underground & Nico" (1967)

2012-08-24T13:39:00.001+02:00

The Velvet Underground fue un grupo de rock estadounidense fundado en 1965, liderado por Lou Reed y John Cale, cuyos experimentos con el noise rock y letras contestatarias tuvieron gran influencia en las décadas posteriores. Ese mismo año, el batería Angus MacLise y el guitarrista Sterling Morrison se unirían a Reed y Cale para formar The Velvet Underground.

Lou Reed ejercía el papel de guitarrista y vocalista, mientras que Cale se encargaba del bajo, los teclados y la viola. El nombre de la banda, "The Velvet Underground", había sido idea de Morrison, inspirándose en el título de una novela erótica barata de dudoso gusto :P. Angus MacLise dejaría las baquetas poco antes del primer concierto remunerado de la banda, argumentando que el arte no tenía precio, con lo que Maureen Tucker ¡sí! ¡una mujer! tomaría el relevo.

Con un complejo estilo sólo aceptado por los círculos más undergrounds de New York, las posibilidades comerciales de la banda eran más que dudosas, pero el gurú del Pop Art, Andy Warhol, se encargaría de ejercer de mecenas. A finales de 1965, Warhol había pasado a ser el productor de la Velvet Underground.

La Velvet fue siempre un grupo muy difícil de digerir, poco tenían que ver con los Beatles o los Rolling Stones. Habían creado una imagen fría y distante, que en un principio no hizo más que cerrarles las puertas al gran público y a los tan ansiados contratos discográficos. Las letras de la banda siempre fueron muy retorcidas, oscuras, de mal gusto, con sexo explícito, abuso de estupefacientes, sadomasoquismo, temas tabús por aquella época. Precisamente sería esto lo que cautivaría a Andy Warhol.

"The Velvet Underground & Nico" (publicado en 1967) fue el primer y esencial trabajo de la banda, con la famosa portada de la banana diseñada por el propio Warhol. Al grupo y bajo sugerencia de Warhol se incorporó una rubia; la cantante y actriz alemana Nico, cuyo nombre real era Christa Paffgen.

Es un disco imprescindible que contiene grandes canciones como la deliciosa "Sunday Morning", el himno a la droga "Heroin", el cántico mantra "All tomorrow's parties", la pegadiza canción de R&B "There she goes again", la hipnótica depresiva "Venus in Furs", la arañante "The Black Angel's Death Song", el sonido garage de "Waiting For The Man" o las hermosas piezas pop "Femme Fatale" y "I'll be your mirror", interpretadas por la rubia Nico.

El disco, que se publicó un año después de su grabación, pasó totalmente desapercibido para el gran público, aunque rapidamente figuró como trabajo de culto para gente como David Bowie o Brian Eno. La banda marcaba su claro acento "underground" en la escena musical de final de los sesenta.

Era un álbum muy adelantado a su tiempo, complejo y difícil de asimilar, pero que hoy en día es reconocido como uno de los discos de rock más cruciales e influyentes de la historia. La temática del disco giraba en torno al sexo, a las drogas y a la marginalidad.

Tras el escaso eco popular del álbum, Nico abandonó a la Velvet y Andy Warhol perdio interés en el proyecto, siguiendo el grupo en solitario con los conciertos y la grabación de "White Light, White Heat" (1968)

La banda de culto por excelencia de los sesenta tuvo una existencia efímera pero ni mucho menos intranscendental, pues su música fue y es una fuente de inspiración constante para numerosos artistas. Canciones como "I’m Waiting For The Man", "Heroin", "Sunday Morning" o "Sweet Jane" se han convertido en clásicos.

Deprimente e hipnotizante

Pop "underground"

El Himno de una Generación

Bonus Track

"The Dark Side Of The Moon" Pink Floyd, 1973

2012-08-14T16:10:00.004+02:00

Producido por Alan Parsons, brillante compinche técnico en el Abbey Road de los Beatles.

The Dark Side Of The Moon es un disco de la banda británica Pink Floyd compuesto a comienzos de la década de los setenta y que vería la luz pública en 1973. Publicado poco antes de la crisis del petróleo, el segundo álbum más vendido de la historia reflexiona sobre la disolución del individuo en una sociedad sometida a las leyes del mercado. Estamos ante un disco conceptual con mayúsculas ya que aunque abarque muchas temáticas (como vamos a ver posteriormente), todos los temas están absolutamente relacionados entre sí, y el disco entero lleva una misma idea, que es la vida del hombre moderno y los distintos factores que lo llevan hacia la locura (esto claramente está relacionado con lo que le pasó al ex líder de la banda, Syd Barrett).

Cada tema del Dark Side of the Moon remite a una parte distinta de la vida humana. En este trabajo se habla acerca de la locura (Brain Damage), las guerras de todo tipo (Us and Them), el viaje (On The Run), la avaricia y el consumismo del ser humano (Money), el miedo a decidir (Any Colour You Like), el amor y el sexo (The Great Gig In The Sky) y el inexorable paso del tiempo (Time) desde el propio nacimiento (Speak To Me/Breathe In The Air) hasta la muerte (Eclipse). Todas las letras fueron escritas por Roger Waters.

Speak To Me

Como todo, el disco tiene un principio. Ese principio justamente es “Speak To Me”, que se inicia en silencio, para luego dar lugar a varios sonidos. Primero que todo se escucha el latido de un corazón que se hace cada vez más fuerte, luego se pueden oír efectos correspondientes a relojes, una caja registradora, dinero, una risa demencial, una especie de helicóptero, unas voces y por último, los gritos de una mujer.

Curiosamente, los créditos del Speak To Me le pertenecían solamente a Nick Mason. Parece ser que Roger Waters en ese momento le había cedido la autoría, pero luego de su alejamiento de la banda, regresó para reclamar su participación en la creación del tema (esto puede corroborarse, ya en que algunas reediciones del disco, en los créditos de esta canción, aparecen Mason y Waters).

Breathe

Gritos y sonidos cósmicos acompañados de un “Breathe, breathe in the Air” (Respira, respira el Aire) o “Look Around, Choose your own Ground” (Mira a tu alrededor, elige tu propia tierra) pero lo más representante en esta canción es la siguiente estrofa que envuelve el concepto de Nacimiento:

Long you’ll live and high you’ll fly (Cuanto vivirás y cuanto volarás)

Smiles you’ll give and tears you’ll cry (Sonrisas que darás y lágrimas que llorarás)

And all you touch and all you see (Todo lo que tocarás y todo lo que verás)

Is all your life will ever be (Es todo lo que tu vida será)

Esta canción hace referencia a las presiones de la vida moderna, y a las diferentes acciones que el ser humano realiza en ella. Respirar es algo automático que el ser humano realiza en todo momento sin darse cuenta, al igual que la rutina y el trabajo que la persona realiza día a día. La utilización del término conejo viene influenciada por el libro de George Orwell, Rebelión en la Granja (que alcanzará su punto álgido con la publicación en 1977 del disco Animals) e intenta mostrar que la persona equivale a un animal, ya que su trabajo es utilizado exclusivamente para beneficio de otro. Correr corresponde a hacer todo apresuradamente y sin parar. Hay un cierto paralelismo con la versión extendida de “Empty Spaces” (llamada What Shall We Do Now?¿Qué haremos ahora?), que aparece en la película “The Wall”. El paralelismo tiene que ver con El Sistema del que formamos parte, en el cuál tenemos muchas tareas y trabajos que realizar, pero nunca podemos “tomarnos un respiro”

On The Run

Es el tema más abstracto del disco y el más difícil de interpretar debido a que no contiene letra. Sólo el título, las voces y los efectos de sonido pueden dar alguna una idea sobre el significado. En este caso el título se relaciona con una idea proveniente de la canción “Breathe”. Vivir es no disfrutar, estar "corriendo" todo el tiempo. Esto puede deducirse del ruido de los pasos de una persona corriendo que se escuchan en el tema.

Time

En Time el ser humano ya adquiere la idea del tiempo, ya sabe que cada momento, cada respiro y cada parpadeo significa algo nuevo. El tema comienza con unos tic-tac de relojes acompañados de unas alarmas de los mismos. El final del tema es el sonido de una explosión o choque de un helicóptero. Puede simbolizar "la muerte ", y por lo tanto dejando en claro que vivir a la carrera fue una gran pérdida de tiempo.

And then one day you’ll find (Un día te darás cuenta)

Ten Years have got behind you (Que diez años tienes atrás)

No one told you when to run (Nadie te dijo cuando correr)

You missed the starting gun (Llegaste tarde al disparo de salida)

The Sun is the same in a relative way

but you’re older

(El sol es el mismo en un modo relativo, pero vos estás mas viejo)

Shorter of Breath, and one day, closer to death

(Corto de Aire, y un día mas cerca de la muerte)

The Great Gig In The Sky

“The Great Gig in the Sky” se traduce como “El Gran Recital en el Cielo”. Necesitamos del título para hacer el análisis ya que el tema no contiene letra, salvo una frase que se escucha al principio. Volviendo a la idea principal, se puede decir que el gran recital es algo muy esperado e importante, algo por lo que habría que estar ansiosos. Que BIZIOSOS estos Pink Floyd.

Con este tema llega la parte “orgásmica” por así decirlo en el disco. Tiene una sensualidad enorme, comenzando con ese piano que sirve como introducción a la excelente vocalización de Clare Torry …..son gritos, no más que eso, gritos sin palabras. Todo un condimento afrodisíaco. Definitivamente el momento más excitante. Como el propio sexo, tiene momentos de gran intensidad por partes, pero cada cierto tiempo aparece ese relax de por medio para más tarde volver al punto más intenso.

Money

Solamente con leer el título del tema uno ya se puede hacer una idea de la temática que se trata en esta canción. Money habla sobre el Dinero y como influye en la sociedad donde pareciera ser que los valores económicos son más importantes que cualquier cosa. En la letra Waters se aborda lo referido al dinero con un tono irónico. Hace referencia a la ambición, a como hay gente que se interesa en los demás sólo por su riqueza, al materialismo, etcétera.

“Money, it's a hit”

“Dinero, es un éxito”

“Don't give me that do goody good bullshit”

“No me vengas con esa estupidez de hacer el bien”

“I'm in the hi-fidelity first class traveling set”

“Yo estoy viajando en primera clase”

“And I think I need a Lear jet”

“Y creo que necesito mi propio jet privado”

Queda bien claro el cinismo usado por Waters.

Money afirma con ironía que el dinero es el origen del mal.

“Money so they say”

“Dinero, así como dicen”

“Is the root of all evil today”

“Es la raíz de todos los males hoy en dia”

Al final del tema se escuchan voces que dicen lo siguiente:

"I was in the right!"

“¡Yo tenía la razón!”

Us And Them

El ser humano se encuentra en un mundo donde la sociedad siente necesidad a verse dividida. El tema había sido realizado para la película Zabriskie Point, pero fue rechazado. Luego Waters le puso letra. La canción se llamaba "The Violent Sequence" (La Secuencia Violenta). "Ellos y nosotros" podría ser el equivalente a los lados que combaten en una guerra.

Us and Them trata sobre los conflictos entre personas, conflictos bélicos e incluso sobre la xenofobia.

Es importante esta frase:

“And after all we're only ordinary men”.

“Y después de todo solo somos hombres comunes y corrientes”.

Eso significa que unos pocos que tienen poder hacen la guerra, pero los que mueren combatiendo son los soldados; después de todo gente común y corriente.

Any Colour You Like

Un significado que se le puede dar a esta canción es que los colores se relacionan con los que están en la tapa del disco. Se sabe que los colores son la luz desmenuzada en arco iris, y en este caso podrían representar cómo se ven las cosas desde la locura.

Brain Damage

El nombre original de esta canción en un primer momento era “The Dark Side Of The Moon” "El lado oscuro de la Luna". En general podría decirse que este tema representa el estado de locura de una persona. Su vida ya fue afectada por los diferentes elementos ya mencionados en varios de los anteriores temas (avaricia, miedo, conflicto, violencia, etc) que ayudaron a formar ese “Brain Damage” “Daño Cerebral”. El ser ya debe aprender a convivir con esta mentalidad ya que será la que lo acompañará hasta la muerte. En este tema se repite continuamente la siguiente frase “The Lunatic is in my head” con risas de fondo del lunático en la cabeza del ser humano. Al final de esta canción el ser comienza a reírse sin sentido alguno, llevandonos al próximo tema y etapa en el ser humano (Eclipse).

Hay frases que hacen referencia a Syd Barrett, la más clara es la siguiente:

“And if the band you're in starts playing different tunes,

I'll see you on the dark side of the Moon”

“Y si la banda en la que estas comienza a tocar temas diferentes,

te veré en el lado oscuro de la Luna”

Eclipse

Representa la muerte del ser humano, recordando antes todo lo que experimentó a lo largo de toda su vida y resumiendo el disco entero:

All that you touch, and all that you see. All that you see, and all that you feel, and everyone you meet.

Una vez finalizada la canción puede oírse lo siguiente

There is no Dark Side of the Moon really, matter of fact is all Dark

(No existe un lado Oscuro de la Luna realmente, en realidad es toda Oscura).

Se sabe que luego de que Syd saliera de Pink Floyd, la banda se modificó musicalmente pero su influencia y su partida siempre estuvieron influyendo a sus integrantes, especialmente en las letras de Roger Waters (además del TDSOFM, en Wish You Were Here, Shine On You Crazy Diamond e incluso en el The Wall). De una manera muy metafórica se puede decir que Syd, “los eclipsó”.

Este tema se puede llegar a un concepto general que sería la idea total del disco:

Obviamente la Luna representa a la locura, y por tanto, el Sol hace referencia a la cordura o a lo "normal", por decirlo de alguna manera. El lado oscuro de la Luna es la parte misteriosa, macabra, desagradable, de la locura. Pero al decir que la Luna es toda oscura, se elimina el concepto de “lado oscuro”. La locura es producida por diferentes elementos de la vida moderna, los cuales fueron mencionados una y otra vez a lo largo de cada uno de los temas del disco. Cuando se produce el eclipse (el paso de la cordura a la locura), cambia todo, se ve desde otro punto de vista, otro prisma (ver portada del disco).

El triángulo claramente representa la ambición (esto fue dicho por Waters en una entrevista hace unos años). Al ser un triángulo equilátero, es perfecto, por lo que hay un equilibrio. Ese triángulo de color transparente, representa a una persona, que al ser "transparente", no le afecta la locura (fondo negro), pero convive con ella.

La repercusión de este disco ha sido tan grande como la obra que realmente es. Es uno de los discos mas vendidos de la historia y se ha mantenido en rankings musicales sin salir de ellos de forma seguida desde 1973 hasta 1988. A dia de hoy sigue siendo muy valorado y reconocido en todo el mundo. Segun mi opinión se cuela entre los 5 mejores discos de todos los tiempos sin dudar ni un apice.

Como conclusión se puede decir que nunca se sabrá exactamente el significado de cada canción y del disco en general, pero justamente cada uno puede darle distintas interpretaciones. Este trabajo muestra una de ellas. Más allá de esto, el que escribe canciones les da un solo significado e interpretación. En este análisis se intentó descubrir ese significado, además de por curiosidad, porque personalmente creo que la obra se convirtió en simplemente algo en lo que reflexionar.

Colección de Conciertos Online (IV) - The Who, The Stone Roses, The Verve y Yes

2012-08-04T11:27:00.001+02:00

Dream Theater - Images and Words (1992)

2012-07-31T12:06:00.000+02:00

Dream Theater es una banda de rock progresivo americana formada en sus orígenes por el guitarrista John Petrucci, el batería Mike Portnoy, el bajista John Myung, el teclista Kevin Moore y el cantante Charlie Dominici. Son conocidos por su virtuosismo técnico y han ganado varios premios de revistas especializadas.

El álbum más vendido de la banda es Images and Words, de 1992, que obtuvo un Disco de Oro y alcanzó el número 61 en la cartelera Billboard. Tanto su disco de 1994, Awake, como el de 2002, Six Degrees of Inner Turbulence, entraron también en las listas en los puestos 32 y 46 respectivamente, y recibieron críticas mayoritariamente positivas.

En este artículo vamos a hablar del primero, Images and Words, en mi opinión su mejor disco y el que sin duda les catapultó como uno de los mejores grupos de rock progresivo de la historia. Es el primer disco en contar con el cantante actual, James LaBrie, después de la marcha de Charlie Dominici que, sin ser un mal cantante, no encajaba nada en el estilo de la banda.

Para la promoción, la discográfica lanzó un CD sencillo y un videoclip para la canción "Another Day", pero no tuvieron un impacto comercial significativo. La canción "Pull Me Under", sin embargo, consiguió una buena presencia en la radio, a pesar de no contar con ningún tipo de promoción organizada por la banda o el sello.

Es el disco que empezó a forjar verdaderamente el estilo de Dream Theater, después de un disco debut más que potable, pero que tenía un sonido un tanto más AOR y comercial. En este disco ya se ven tintes más metaleros y épicos que luego serían una seña de identidad de la banda.

El disco consta de ocho canciones de distinto corte: Unas con un sonido más comercial como Surrounded o Another Day, otras más épicas como Metropolis Pt. 1: The Miracle And The Sleeper o, la mejor del disco, Learning To Live.

El disco abre con Pull Me Under. Es considerada como una de las mejores canciones de la banda, aunque para mí no lo es ni de lejos. No porque sea mala canción, sino porque la discografía de Dream Theater está repleta de himnos del rock progresivo. La canción empieza con unos suaves acordes de Petrucci que van progresando poco a poco que va dejando entrar a un potente riff de guitarra. La letra de la canción se refiere a la obra de Shakespeare, Hamlet y es contada a través del punto de vista del príncipe Hamlet. La letra alude fuertemente a la obra y al eco del deseo de Hamlet de cobrar su venganza por su padre al costo de su propia cordura. En el movimiento final de la canción se puede escuchar al vocalista James LaBrie cantando una estrofa directamente sacada de Hamlet.

La canción no tiene un final normal y acaba abruptamente en el minuto 8 y 11 segundos enfatizando así el tema de la canción sobre la repentina e inesperada naturaleza de la muerte. Hay que decir que es la canción que mejor acogida tuvo por parte de la gente, ya que fue una canción con gran éxito en la MTV para detrimento de otras canciones que, en principio, iban a ser más comerciales como Another Day o Surrounded.

La segunda canción es Another Day. Una canción de un corte más comercial, con la colaboración del saxofonista de jazz Jay Beckenstein que hace un trabajo excepcional y le da a la canción un interesante corte jazzístico. La letra fue escrito por el guitarrista John Petrucci y habla sobre la lucha contra el cáncer de su padre.

A destacar las partes de Beckenstein con el saxofón y, sobre todo, los punteos y el solo de John Petrucci siendo éste uno de los solos más bonitos y con más feeling del genio. La banda originalmente pensó que esta canción seria un gran éxito, pero sorprendentemente Pull Me Under le ganó.

Le sigue una de las mejores canciones del disco: Take the Time. Tiene una duración de 8:22, aunque la primera parte se hace un poco pesada en el que se alternan partes rápidos y partes más lentas con partes acústicas de guitarra y piano. Es a partir del minuto 3:50 donde Petrucci sale a relucir su guitarra son alternancias de riffs y solos rapidísimos y difíciles de ejecutar. A continuación el turno es para Kevin Moore que se luce con uno solo de teclado rapidísimo, mientras Petrucci se limita a acompañar con un riff sencillo. A continuación un pequeño solo de Petrucci y llega de nuevo la voz de LaBrie acompañada por detrás con un coro de voces terminando hacia el minuto 6:31 con un grito de LaBrie que abre paso a la paz más absoluta con la sola presencia del piano. Luego un pequeño punteo de Petrucci para el último estribillo de la canción y el outro de guitarra genial para poner punto y final a una de las mejores canciones del disco y una de las mejores en cuanto a guitarra de la historia del rock progresivo.

El disco sigue con la semibalada Surrounded. La canción empieza de forma casi idéntica a una canción de Queen: Father to Son. Empieza de forma lenta con piano, teclado y la voz de LaBrie susurrando para dar entrada a un punteo fácil, pero precioso de Petrucci. La canción nos deja un trabajo excepcional de Petrucci con las seis cuerdas en el que se puede decir que casi toca el Cielo. Es una canción muy emotiva y atmosférica y que fue dedicada frecuentemente a Arthur Ashe (el mayor tenista afroamericano y que murió de SIDA en 1993). A destacar sobre todo el solo de Petrucci que pone la piel de gallina.

Metropolis, Pt. 1: "The Miracle and the Sleeper" o más cómodamente conocida como Metropolis, es la quinta canción del álbum. Esta canción es considerada como el Magnum opus de la banda por sus fans junto a la canción A Change of Seasons demostrando su capacidad no sólo de componer y tocar sus instrumentos con gran complejidad, sino también su madurez lírica.

Al escribirla se basó en la historia de un vínculo telepático entre Rómulo y Remo de la Eneida de Virgilio. Esta escrita como un tipo de épica fantástica, inspirado por Yes y Rush. La historia es original (los gemelos se llaman Miracle —Milagro— y Sleeper —Soñador— y no aparecen en la literatura) pero la forma de la historia es homérica. Es una de las canciones con más atmósfera épica de Dream Theater y explora múltiples géneros junto con largas partes instrumentales acumulando una longitud aproximada de diez minutos, lo cual es muy típico en las canciones de Dream Theater. A pesar de la complejidad de la canción, la banda ha dicho que "la tocan mientras duermen" porque la tocan muchas veces. La canción tiene un riff muy heavy y fuertes cambios de ritmo llegando a sonidos un poco cómicos que nada tienen que ver con la atmósfera y temática épica de la canción. Es una de las canciones más complejas y trabajadas de Dream Theater, con alternancias entre partes rápidos, agresivas y heavys y partes lentas, tranquilas donde se escuchan guitarras acústicas y el teclado a solas.

La siguiente en aparecer en escena es Under a Glass Moon. No me parece una de las mejores canciones del disco, pero hay que decir que el solo de guitarra de Petrucci en esta canción está posicionado en el puesto #98 en la lista de los 100 mejores solos de guitarra. Digitaldreamdoor.com listo esta canción en el puesto #62 de los mejores solos de guitarra estilo rock de todos los tiempos. Empieza con un potente riff y cambios de ritmo para cortar a medio camino y empezar la letra con un simple acompañamiento de guitarra. El trabajo de Moore creando esa atmósfera con el teclado es grandioso y es algo que los fans echan en falta con Rudess que, si bien es un gran teclista, no es capaz de crear esas atmósferas épicas típicas de Dream Theater.

Además, la parte de Portnoy es, en mi opinión, una de las mejores del baterista con uso frecuente del doble bombo

Después podemos escuchar la bonita Wait for Sleep que es una canción lenta en la que destacan el piano y la voz de LaBrie. No es ni mucho menos la mejor canción del disco, pero se puede decir que es una intro del tema que cierra el disco “Learning to Live”. De hecho, se puede apreciar cómo en ésta se hace referencia en alguna parte a de la canción a aquélla. Es una canción de transición diría yo. Aun así tiene una atmósfera muy bonita y nos habla de una mujer que lidia con sus temores mientras espera para dormir. La canción está escrita acerca de un amigo de Kevin quien estaba pasando por momentos difíciles y dudaba de su fe. La canción es tocada en el modo frigio de Si y tiene un tono muy calmado, está en sintonía con el tema de la letra.

Y llegamos al momento cumbre para cerrar un auténtico discazo de rock progresivo: Learning to Live. Es la mejor canción del disco con diferencia y una de las mejores de la banda, amén de ser una de las más conocidas, si no la que más.

La canción empieza con un molón teclado que va dejando entrada a batería, bajo y guitarra. Es la mejor canción del disco en cuanto a batería, donde Portnoy realmente se luce de forma asombrosa dejando entrever por qué ha ganado el premio al mejor baterista de rock progresivo doce años consecutivos.

La canción sigue con una parte muy lenta, donde toman protagonismo el bajo, batería y voz con el teclado por detrás creando esa atmósfera de que la vengo hablando a lo largo de todo el artículo. Petrucci se limita a unos pocos punteos, pero muy suaves, sin quitar protagonismo a la voz de LaBrie, ni a Portnoy. A continuación pasamos de una parte lenta y suave a otra más heavy donde, ahora sí, la guitarra de Petrucci entra con fuerza y LaBrie deja de cantar casi susurrando para empezar con un tono de voz más rudo, tosco y heavy.

A continuación hay una sección instrumental increíble donde se alternan partes suaves y partes más rápidas, pero siempre con un trabajo impecable de Portnoy. A lo largo de la sección hay una parte de guitarra acústica de Petrucci donde se luce como genio de las seis cuerdas que es. A continuación viene un precioso riff de Petrucci que sirve para dar paso a un berrido de LaBrie que no sirve, sino de transición para el posterior solo de guitarra épico, con sentimiento de Petrucci. Sigue una pequeña sección instrumental en el que todos los integrantes del grupo con sus respectivos instrumentos se luce para acabar abruptamente y dejar paso a un piano que vuelve a la melodía inicial del tema, acompañado del teclado. La guitarra de Petrucci va entrando progresivamente hasta acabar con un solo en éxtasis total, uno de los mejores de Petrucci a lo largo del disco. Le sigue un solo de teclado de Moore y que da paso al último verso de la canción que termina con LaBrie gritando como una gata en celo.

Luego llega con Myung con un solo de bajo sencillo, corto pero efectivo que da paso a uno de los mejores outros de una canción jamás escrita; sencillo, pero que pone los pelos de pelos de punta y muestra por qué sus integrantes son unos jefes de esto.

Como he dicho en la anterior canción, en el minuto 8:10 el riff principal de la canción Wait for Sleep (la canción anterior en el álbum) puede ser escuchada y esto nuevamente ocurre en el minuto 8:53, también en el minuto 10:16 se puede escuchar el riff inicial de la canción Pull Me Under.

Poco más queda que decir de este álbum salvo que todo aquel amante del rock progresivo que no lo haya escuchado ya está tardando en hacerlo. Una verdadera obra maestra; una joya que se disfruta de principio a fin como cuando salió en 1992 y que se ganó un lugar dentro de la historia del rock progresivo. Todo un clásico del género.

Hoy Rick Wright cumpliría 69 años.

2012-07-28T19:32:00.003+02:00

Richard William Wright (Londres, 28 de julio de 1943 —, 15 de septiembre de 2008), más conocido como Rick Wright, fue el teclista del grupo de rock progresivo Pink Floyd. El legado que dejó Wright en sus obras para Pink Floyd son inimaginables, y de un carácter y un peso imposibles de igualar, plasmado en cada una de las canciones-hit de Pink. La presencia que tenía en el teclado fue algo que se ganó y que muy pocos tecladistas pudieron hacer.

Rick nació en Londres en 1943, el tiempo y el destino mezclarían el talento con un órgano Hammond, sintetizadores y la influencia del jazz, para lograr así uno de los músicos que pasaron a la historia del rock. Estudiando arquitectura conocería a sus futuros compañeros de banda, Roger Waters y Nick Mason. Lo que sigue de esta historia ya lo saben (espero).

Richard Wright fue el miembro más tímido y discreto de Pink Floyd pero quizás uno de los que más talento musical poseían. Siempre a la sobra de Roger Waters y David Gilmour, Rick también tuvo su peso específico dentro del estilo y sonido de la banda, llegando a participar en la composición de temas tan emblemáticos como “Breathe”, “The great gig in the sky” o “Us and them”, todos ellos publicados en el álbum “The dark side of the moon”. Su estilo y gran talento contribuyeron al éxito y calidad musical de dicha banda, proveyéndonos de hermosas armonías y melodías inolvidables. ¿Quién podría olvidar la orgásmica "The Great Gig In The Sky"?

El estilo único de Wright lo connvierte en uno de los referentes de su instrumento, junto a otras leyendas como su tocayo Rick Wakeman de Yes, o Keith Emerson de ELP.

Mi único homenaje es seguir disfrutando de lo que dejó Rick musicalmente hablando que es inmensamente valioso.

Mis Temas TOP 2/2

2012-07-24T02:02:00.001+02:00

U2 - Sunday Bloody Sunday (1983)

Guns N Roses - Sweet Child O´Mine (1987)

Morrissey - Everyday Is Like Sunday (1988)

The Stone Roses - I Wanna Be Adored (1989)

Primal Scream - Loaded (1991)

Metallica - Enter Sandman (1991)

Guns N Roses - Knocking On Heavens Door (1991) Bob Dylan

Nirvana - Smells Like Teen Spirit (1991)

REM - Losing My Religion (1991)

Pearl Jam - Alive (1991)

Red Hot Chilli Peppers- Give It Away (1992)

Oasis - Live Forever (1994)

Primal Scream - Rocks (1994)

Jeff Buckley - Halleluhaj (1994)

Paul Weller - You Do Something To Me (1995)

Oasis - Wonderwall (1995)

Radiohead - No Surprises (1997)

The Verve - Bittersweet Symphony (1997)

Coldplay - Yellow (2000)

Bruce Springsteen & E Street Band - Waitin´ On A Sunny Day (2002)

Coldplay - Clocks (2002)

Norah Jones - Don´t Know Why (2002)

The White Stripes - Seven Nation Army (2003)

The Zutons - You Will You Won´t (2004)

Franz Ferdinand - Take Me Out (2004)

Kasabian - LSF (2004)

Kaiser Chiefs - I Predict A Riot (2005)

Artic Monkeys - When The Sun Goes Down (2006)

The Fratellis - Whistle For The Choir (2006)

Amy Winehouse - You Know I´m No Good (2006)

Paolo Nutini - Candy (2009)

Tom Petty & The Heartbreakers - I Shouldn´t Have Know It (2010)

Noel Gallagher´s High Flying Birds - The Death of You And Me (2011)

The Black Keys - Howlin´ For You (2011)

+ BONUS TRACK: Noel Gallagher - Wathever (1994)

Mis Temas TOP (Parte 1/2)

2012-07-11T17:48:00.001+02:00

Howlin´Wolf - Spoonful (1962)

Bob Dylan - Like A Rolling Stone (1965)

The Kinks - Sunny Afternoon (1966)

The Beatles - Helter Skelter (1968)

The Rolling Stones - Sympathy For Devil (1968)

Iron Butterfly - In A Gadda Da Vida (1968)

Jehtro Tull - A Song For Jeffrey (1968)

Creedence Clearwater Revival - Fortunate Son (1969)

The Doors - Riders On The Storm (1970)

Led Zeppelin - Stairway To Heaven (1971)

The Who - Baba O´Riley (1971)

Lou Reed & The Velvet Underground - Take A Walk On The Wildside (1972)

David Bowie - Starman (1972)

Deep Purple - Smoke On The Water (1972)

Pink Floyd - Money (1973)

Bob Marley - Get Up Stand Up (1973)

ZZ TOP - La Grange (1973)

Lynyrd Skynyrd - Sweet Home Alabama (1974)

Pink Floyd - Wish You Were Here (1975)

Queen - Bohemian Rhapsody (1975)

Eagles - Hotel California (1976)

Iggy Pop & The Stooges - The Passenger (1977)

Eric Clapton/JJ Cale - Cocaine (1977)

The Police - Roxanne (1978)

Tom Petty & The Heartbreakers - Refugee (1979)

Joy Division - She´s Lost Control (1979)

Pink Floyd - Another Brick In The Wall II (1979)

AC/DC - Highway To Hell (1979)

Bruce Springsteen & The E Street Band - The River (1980)

The Clash - Should I Stay Or Should I Go (1982)

Mickeal Jackson - Thriller (1982)

The Jam - Town Called Malice (1982)

Yes - Owner Of A Lonely Heart (1983)

Leonard Cohen - Hallelujah (1984)

Prince - Purple Rain (1984)

Dire Straits - Money For Nothing (1985)

The Jesus and Mary Chain - Just Like Honey (1985)

The Smiths - There Is A Light That Never Goes Out (1986)

Neil Young - Keep On Rockin´ In A Free World (1989)

Próximamente la Parte 2

+ BONUS Track

Bruce Springsteen & The E Street Band - Tenth Avenue Freeze-Out (1976)

The Week

2012-07-07T18:24:00.001+02:00

Colección de Conciertos Online (III)

2012-06-30T00:22:00.000+02:00

Bruce Springsteen Live Santiago Bernabeu 2012 - El Puto Jefe en la Casa del Puto Amo!!

2012-06-23T01:16:00.000+02:00

Springsteen demostró el pasado domingo que será por siempre uno de los grandes. Pasadas las 21.30 de la noche sale al escenario la E Street Band coreada como se merece y unos segundos después Springsteen pisa el escenario para el jubilo de los fans allí presentes, el Santiago Bernabéu presentaba una imagen magnifica y Bruce nos iba a recompensar. Escenario enorme sobrio, sin florituras, con dos pantallas a cada lado y una en el centro detrás de los músicos de grandes dimensiones.

Durante todo el concierto Bruce nos dio unos discursos en español haciendo referencia a la situación difícil que atraviesa el país, nos animó a seguir luchando y a ser optimistas. Acompañado de su inconmensurable E-Street Band, en la que desgraciadamente ya no suena el saxo insustituible de Clarence Clemons, fallecido en 2011, Bruce Springsteen también tuvo un detalle que será muy recordado por los asistentes al concierto. El Boss dedicó su clásico The River a Nacho, un joven que compró la entrada para el concierto pero que desgraciadamente murió pocos días antes de un tumor cerebral. Fue el momento más emotivo de la noche

El público parecía expectante pero comedido minutos antes de empezar el show. Pero a las 21.35, cuando Springsteen voceó por tres veces “¡Hola, Madrid!” y atronaron las notas de Badlands, pareció como si una torreta de alta tensión hubiera descargado sobre nuestras espinas dorsales. Hasta los señores más refinados de las bancadas VIP (Ferreras un crack!!) rompieron a brincar. Le seguiría otro tema imprescindible como “No Surrender” incluido en el aclamado “Born In The U.S.A. Despues llego el momento de presentar tres canciones seguidas del citado último disco, que sonaron con fuerza y calidad y para nada se hicieron pesadas, cosa que suele suceder cuando un artista con tantos discos a sus espaldas presenta cortes nuevos, pero Bruce es Bruce. En realidad, la E Street Band no empieza a entrar auténticamente en calor hasta My city of ruins. Sin embargo, seria con Spirit in the Night el público se enganchó por completo al show. La fuerza que desprende este tema fue la mejor puesta a punto para las decenas de miles de fans que se dieron cita en el santuario madridista.

La vertiente soul volvería a aflorar más tarde con las version de The way you do the things you do. Pero antes, Jack of all trades, otro corte del último trabajo, le sirve al Jefe para pronunciar el consabido discurso solidario (“Sé que los malos tiempos son aquí peores, nuestros corazones están con vosotros”) y provocar el primer firmamento de lucecitas en las gradas. Lo mejor de los conciertos de Springsteen llega justo en la parte central, la de las sorpresas. En medio del She´s the One, un clásico de los SetList de Springsteen en esta gira, sonaron cuatro temas poco frecuentes, Youngstown, Be true, Murder incorporated y Springsteen aprovechó, al ver una pancarta de una fan, para estrenar en esta gira una pequeña joya de los setenta, Spanish eyes. A partir de ahí, regreso al guion establecido: un Working on a highway bailable, con Bruce meneando las caderas entre las primeras filas; Shackled and Drawn, tema rockero del último disco, un Waitin’ on a sunny day vibrante, en el que The Boss subió al escenario a cantar a un chavalín con una camiseta del Born in the USA. Y posteriormente llegaria el momento de The River y el homenaje a Nacho.

De ahí en adelante, se afrontó la parte final y los encores, que casi no fueron tales ya que no sé si la banda llegó a marcharse del todo del escenario. A continuación Because The Night volvía a darnos ese empujón de alegría que necesitábamos, My Love Will Not Let You Down precedería a The Rising. Tras el We Are Alive llegaria el momento de afrontar el Thunder Road, otro clásico entre los clásicos.

En los encores la cosa alcanzó un éxtasis de desparrame y delirio sin límite. Entre otras cosas, ni más ni menos que se le ocurrió a Bruce, tras un comienzo intimista con Rocky Ground, tema del último disco, tocar seguidas las 2 canciones míticas de su discografía que incluyen un “Born” en el título. Primero fue la épica y mítica “Born to run” la que puso al estadio patas arriba, creo que ya con las luces encendidas, que parecía que intentaban decirle al jefe que se fuera largando, que su tiempo ya había pasado y luego se atrevió con el “Born in the U.S.A.”, que tampoco es un tema muy común en los repertorio de Springsteen, o al menos durante mucho tiempo estuvo en el olvido de sus actuaciones. Habría hueco en esos últimos compases del show para deleitarnos con Hungry heart, y en ese momento en que nos hacía pensar que esto se acababa ya. No fue asi. Una espectacular version del Seven Nights To Rock recargaria las pilas de nuevo. Impresionante.

Sin embargo, aún faltaba ese momento pop y de baile que es “Dancing in the dark”, en el que una mujer rubia subió a bailar con Nils al estilo que Courteney Cox hacía en el videoclip de la canción con Bruce. No habia sido suficiente para el Jefe. Faltaba “Tenth avenue freeze-out” y el homenaje a Clarence. Es precisamente en este tema en el que mas en falta se echa, sin duda, al gran saxofonista. Cuando toda la banda se estaba despidiendo Bruce volvería a la carga y empezaría a tocar el Twist and Shout de Beatles. Éxtasis final y despedida.

Sprinsgteen, camino de los 63 años, acostumbra a hacer conciertos de más de tres horas, donde la intensidad y el repertorio no suelen defraudar a su público. Ahora, su techo está en las cuatro o, para ser exactos, en las 3 horas y 48 minutos. La pregunta, entre sus fans, es: ¿Cuánto durará el récord? Poco o nada importa mientras siga la música, que vale mucho más por los termómetros emocionales que hace subir que por los cronómetros de tiempo que marca.

Realmente el precio que cobra, teniendo en cuenta el tiempo que está sobre el escenario, es razonable, ya que si un grupo normal que esté de moda te cobra 45 euros por hora y media, que Bruce te cobre 70 por 4 horas prácticamente está tirado. Brillante suena a poco para describir un concierto de Bruce. Simplemente tienes que verlo, tienes que vivirlo.

¡¡Puede que el rock lo cargue el diablo y que las guitarras eléctricas suenen de banda sonora en el averno, pero un cierto coqueteo con Belcebú le sienta la mar de bien a nuestros cuerpos. Que ya tenemos toda la semana para volver a ser buenos!!

Setlist del concierto de Bruce Springsteen en Santiago Bernabeu, Madrid 17/06/12

1. Badlands

2 .No Surrender

3. We Take Care Of Our Own

4. Wrecking Ball

5. Death to My Hometown

6. My City of Ruins

7. Spirit in the Night

8. Be True

9. Jack of All Trades

10. Youngstown

11. Murder Incorperated

12. She's The One

13. Talk To Me (con Southside Johnny)

14. Spanish Eyes (estreno)

15. Working on the Highway

16. Shackled and Drawn

17. Waiting on a Sunny Day

18. Apollo Medley

19. The River

20. Because the Night

21. My Love Will Not Let You Down

22. The Rising

23. We Are Alive

24. Thunder Road

Encore 1:

25. Rocky Ground

26. Born in the U.S.A.

27. Born To Run

28. Hungry Heart

29. Seven Nights To Rock

30. Dancing in the Dark

31. Tenth Avenue Freeze-out

Encore 2:

32. Twist and Shout (con Southside Johnny)

BritPop: Oasis, The Verve, Blur, Pulp, Suede......

2012-06-09T16:46:00.000+02:00

El BritPop básicamente fue una etiqueta comercial creada por la prensa musical británica para una serie de grupos británicos de mediados de los 90´, teóricamente con unas características comunes (utilización de guitarras distorsionadas, desarrollo en sus letras de la realidad contemporánea británica, y, en general, una ruptura respecto al grunge americano de grupos como Nirvana o Pearl Jam que tan de moda había estado a principios de la década).

En el BritPop cabían grupos muy diferentes, con influencias y sonidos muy diferentes y con orígenes muy diferentes. Oasis, The Verve, Blur, Suede, Pulp, Radiohead, etc. Por si fuera poco, el término ya había sido utilizado años antes del Britpop para definir a una generación de grupos de finales de los 80´como The Stone Roses, Inspiral Carpets o The La´s, grupos que habian influido de manera notable a la posterior generacion BritPop.

Los grupos Britpop están claramente influenciado por las grandes bandas británicas de los años sesenta y setenta, especialmente los grupos de la British Invasion, como Beatles, Rolling Stones, Pink Floyd, The Who, The Kinks y Small Faces; artistas como David Bowie y T. Rex; y grupos de punk rock como The Jam, Buzzcocks y Wire y post-punkrock como Joy Division. Las bandas de Indie-Rock pertenecientes a la New Wave de los 80´ y principio de los años 90´ fueron los antecesores directos del movimiento. La influencia de los Smiths fue común para la mayoría de las bandas Britpop.

Muchos criticos musicales afirman que El Brit pop comenzó con el sencillo de Blur “Popscene” en 1992, el cual alcanzó las portadas principales y alabanzas de la crítica británica, desplazando así lentamente a la fuerza musical dominante en ese tiempo, el Grunge.

Pero ¿Por que el BritPop es considerado importante? En lo personal pienso que el merito mayor que tuvieron estas bandas fue trasladar al rock alternativo al mundo masivo y comercial. Si bien habian bandas que ya se destacaban, especialmente en Londres, a partir de este momento, logran copar los medios desde el 94' hasta el 97', trasladando una movida desde el underground (en la mayoria de los casos), hacia todas las radios y medios de forma sorprendente y sin modificar su estilo (lo más importante y sello distintivo de una "gran" banda). Ademas revitalizó el pasado musical britanico desde una óptica actual y sin dejar de reconocerlo para asi mantener una identidad, que desde lo musical, es una de las mas influyentes en la historia del rock .

P.D: Sobre la polémica Radiohead BritPop vs Radiohead NoBritPop hablaremos otro dia. Para mi no lo son por sonido pero si por "etiqueta comercial"

El Disco: The Whitest Boy Alive - Rules (2009)

2012-05-27T22:45:00.001+02:00

El grupo está formado y liderado por Erlend Øye, cantante y guitarrista del grupo Kings of Convenience, y principal creador de este proyecto paralelo, junto con el bajista Marcin Öz, el baterista Sebastan Maschat y el tecladista Daniel Nentwig. El cuarteto nórdico se formó allá por el año 2003 con la intención de ser un grupo de música electrónica para dar rienda suelta a sus inquietudes musicales, pero qué sin querer con el paso del tiempo se fué transformando hasta evolucionar hacia el Dream pop o el shoegaze (la influencia de My Bloody Valentine es más que evidente).

The Whitest Boy Alive salieron a la luz para el gran público en Junio de 2006 con Dreams, un prometedor álbum debut que precedería a un álbum muy interesante en 2009, titulado "Rules". Precisamente es de este disco sobre el que vamos a hablar hoy.

En "Rules" tienen un papel protagonista la línea del bajo y la guitarra con sus particulares ritmos electropop, incluso la batería suena a otra cosa completamente distinta, tiene un toque a jazz que aunque pueda parecer sorprendente le viene que ni pegada a los temas. Y es que es esa sensación la que se le queda a uno después de oír unas cuantas veces el disco: la de que han conseguido unir con completa maestría pop, electrónica y otras influencias completamente distintas como el jazz o rock, logrando un disco genial.

El tema que mejor define a este grupo es el exitoso "1517".

Posiblemente este sea uno de los discos de bandas "nuevas" que más me gusta cómo suenan. La producción es mínima, austera casi diría, limpia, efectiva...perfecta. Y sí, esta es la genialidad de estos cuatro músicos afincados en Berlín, música válida para escucharla tanto en un pub como en casa tumbado en la cama, siempre sabiendo crear con cada canción ese ambiente y atmósfera que no todos los grupos saben crear. The Whitest Boy Alive a veces son bailables, a veces más soul, a veces más soft-rock, a veces más funk, a veces más disco, pero siempre y digo SIEMPRE son impecables en su sonido.

Tracklist "Rules":

1.- Keep a Secret

2.- Intentions

3.- Courage

4.- Timebomb

5.- Rollercoaster Ride

6.- High on the Heels

7.- 1517

8.- Gravity

9.- Promise Less or Do More

10.- Dead End

11.- Island

Viaje psicodélico

2012-05-18T00:09:00.000+02:00

TOP100 - Lo Mejor de los 90´. Del 1 al 100

2012-05-12T16:22:00.001+02:00

Live Forever - Oasis
Creep - Radiohead
Bittersweet Symphony - The Verve
Loaded - Primal Scream
Wathever - Oasis
Nothing Else Matters - Metallica
Song2 - Blur
November Rain - Guns N Roses
Enjoy The Silence - Depeche Mode
Smells Like Teen Spirit - Nirvana
Jeremy - Pearl Jam
Losing My Religion - REM
Mary Jane´s Last Dance - Tom Petty and The Heartbreakers
Black Or White - Mickeal Jackson
Common People - Pulp
Crazy - Aerosmith
Nothing Compares To You - Sidnead O´Connor
Movin On Up - Primal Scream
One - U2
I Will Always Love You - Whitney Houston
Tonight, Tonight - The Smashing Pumpkins
Under The Bridge - Red Hot Chilli Peppers
Broken Stones - Paul Weller
Don´t Cry - Guns N Roses
Enter Sandman - Metallica
After Dark - Tito & Tarantula
Lovefool - The Cardigans
Why Does It Always Rain On Me? - Travis
Don´t Look Back In Anger - Oasis
Zombie - The Cranberries
Paranoid Android - Radiohead
Torn - Natalie Imbruglia
Believe - Cher
Everybody Hurts - REM
Boys And Girls - Blur
Cryin´- Aerosmith
You Do Something To Me - Paul Weller
Stupid Girl - Garbage
Looser - Beck
Step On - Happy Mondays
Hurt - Nine Inch Nails
Say What You Want - Texas
Plush - Stone Temple Pilots
Porcelain - Moby
She Hates Me - Puddle Of Mudd
Earth Song - Mickeal Jackson
Fly Away - Lenny Kravitz
Jane Says - Jane´s Addiction
Patience - Guns N Roses
Glory Box - Portishead
Teardrop - Massive Attack
Wonderwall - Oasis
Angels - Robbie Williams
Lucky Man - The Verve
Seneca - Tortoise
Like Herod - Mogwai
Thunderstruck - AC/DC
Basket Case - Greenday
Crash Into Me - Dave Matthews Band
Back For Good - Take That
Always - Bon Jovi
Alive - Pearl Jam
Winds Of Change - Scorpions
1979 - The Smashing Pumpkins
Karma Police - Radiohead
Epic - Faith No More
Everlong - Foo Fighters
Rocks - Primal Scream
The Man On The Moon - REM
Lithium - Nirvana
Learning To Live - Dream Theater
Stand By Me - Oasis
Ironic - Alanis Morissette
Don´t Speak - No Doubt
One Of Us - Joan Osborne
Fear Of The Dark - Iron Maiden
Du Hast - Rammstein
Closer - Nine Inch Nails
Self Esteem - The Offspring
The Sign - Ace Of Base
Kinky Afro - Happy Mondays
Black - Pearl Jam
Come As You Are - Nirvana
Dreams - The Cranberries
Bed Of Roses - Bon Jovi
Sweet Dreams - Marilyn Manson
Everything I Do, I Do It For You - Bryan Adams
Come Together - Primal Scream
Stanley Road - Paul Weller
Semi Charmed Life - Third Eye Blind
You Could Be Mine - Guns N Roses
The More You Ignore Me, The Closer I Get - Morrissey
Black Hole Sun - Soundgarden
Learning To Fly - Tom Petty And The Heartbreakers
Candle In The Wind - Elton John
Wild Wood - Paul Weller
The Clansman - Iron Maiden
Animal Nitrate - Suede
Come In Alone - My Bloody Valentine
Miss Sarajevo - U2 & Luciano Pavarotti

TOP100: Lo mejor de los 80´ - Del 1 al 100

2012-05-10T23:22:00.001+02:00

1º There Is A Light That Never Goes Out - The Smiths

2º London Calling - The Clash

3º Sweet Child O´Mine - Guns N Roses

4º Town Called Malice - The Jam

5º Close To Me - The Cure

6º Where Is My Mind? - The Pixies

7º Blue Monday - New Order

8º Love Will Tear Apart - The Joy Division

9º Brothers In Arms - Dire Straits

10º Thriller - Mickael Jackson

11º Sunday Bloody Sunday - U2

12º Jump - Van Halen

13º Back In Black - AC/DC

14º Purple Rain - Prince

15º Everyday Is Like Sunday - Morrissey

16º The River - Bruce Springsteen

17º Run To The Hills - Iron Maiden

18º Billie Jean - Mickael Jackson

19º Master Of Puppets - Metallica

20º Owner Of A Lonely Heart - Yes

21º How Soon Is Now? - The Smiths

22º True Faith - New Order

23º Where The Streets Have No Name - U2

24º Handle With Care - The Travelling Wilburys

25º Take On Me - A-Ha

26º A Kind Of Magic - Queen

27º Free Fallin´ - Tom Petty and The Heartbreakers

28º Don´t Leave Me This Way - The Communards

29º Alive and Kicking - Simple Minds

30º Money For Nothing - Dire Straits

31º About A Girl - Nirvana

32º Like A Prayer - Madonna

33º Pride - U2

34º Prime Mover - Zodiac Mindwarp

35º Just Like Honey - The Jesus And Mary Chaine

36º Just Like Heaven - The Cure

37º Beds Are Running - Midnight Oil

38º Wild Boys - Duran Duran

39º The Trooper - Iron Maiden

40º Livin On Prayer - Bon Jovi

41º So Far Away - Dire Straits

42º Panic - The Smiths

43º You Shock Me All Night - AC/DC

44º Is This Love - Whitesnake

45º Gimme All Your Lovin´- ZZ Top

46º Love in An Elevator - Aerosmith

47º Bird Of Paradise - Snowy White

48º The One I Love - REM

49º That´s Entertaiment - The Jam

50º Cars And Girls - Prefab Sprout

51º Moonlight Shadow - Mike Oldfield

52º Janie´s Got A Gun - Aerosmith

53º La Grange - ZZ Top

54º Start Me Up - The Rolling Stones

55º Still Lovin´You - Scorpions

56º Livin´After Midnight - Judas Priest

57º Ride Like The Wing - Christopher Cross

58º Don´t Get Me Wrong - The Pretenders

59º Boys Don´t Cry - The Cure

60º Atomic - Blondie

61º Don´t You - Simply Minds

62º Perfect - Fairground Attraction

63º If You Don´t Know Me By Now - Simply Red

64º Once In A Lifetime - Talking Heads

65º Dancing In The Dark - Bruce Springsteen

66º Walk This Way - Run DMC

67º There Must Been An Angel - Eurorythmics

68º This Charming Man - The Smiths

69º With Or Without you - U2

70º I´m Not Scared - Eight Wonder

71º Ashes for Ashes - David Bowie

72º I Want To Break Free - Queen

73º Just Can´t Get Enough - Depeche Mode

74º Should I Stay Or Shoul I Go - The Clash

75º Everywhere - Fleetwood Mac

76º Too Drunk To Fuck - Dead Kennedys

77º Call Me - Blondie

78º Creeping Death - Metallica

79º Welcome To The Jungle - Guns N Roses

80º Walk Like An Egyptian - Bangles

81º Luka - Suzanne Vega

82º Girls Just Wanna Have Fun - Cyndi Lauper

83º Teen Age Riot - Sonic Youth

84º The Power Of Love - Huey Lewis And The News

85º Perfect Sense - Roger Waters

86º Don´t Worry Be Happy - Bobby McFerrin

87º Nothing´s Gonna Stop Us Now - Starship

89º You Can Leave Your Hat on - Joe Cocker

90º Take My Breath Away - Berlin

91º Maniac - Flashdance

92º One - Metallica

93º I´m Gonna Be - The Proclaimers

94º Jeane - The Smiths

95º The Killing Moon - Echo And The Bunnymen

96º Do You Really Want To Hurt Me - Culture Club

97º She Lost Control - The Joy Division

98º Monkey Gone To Heaven - The Pixies

99º What Have I Done To Deserve This? - Pet Shop Boys

100º Faith - George Michael

Coleccion de Conciertos On-Line (II)

2012-04-30T00:30:00.001+02:00

The Black Keys: Blues Rock s.XXI

2012-04-22T20:27:00.000+02:00

Estos son The Black Keys y este es su último disco, El camino, recién publicado, que se ha colado in extremis entre los mejores del año.

El nombre de la banda se inspiró en un artista amigo del grupo que padecía de esquizofrenia y que usaba el término black keys para describir a "las personas que no estaban del todo bien".

Nativos de Akron, Ohio, el dúo formado por Dan Auerbach y Patrick Carney The Black Keys debutó en 2002 con “The Big Come Up”, recibiendo buenas críticas y ventas, que les llevó a un contrato con Fat Possum a finales de ese mismo año. Su segundo álbum “Thickfreakness”, se grabó en una sesión de 14 horas, en la primavera de 2003. Un año más tarde publicarían su álbum “Rubber Factory”, que recibió muy buenas críticas, y que incluía un video de “10 A.M. Automatic” con el comediante David Cross. En 2006 publicaron el que sería su cuarto disco “Magic Potion”, dos años más tarde el quinto llamado “Attack & Release” y en 2010 con “Brothers” regresaron a sus raíces del blues, ganando tres premios Grammy.

El pasado 6 de diciembre publicaron su nuevo trabajo, El camino, su séptimo disco. Producido por Danger Mouse, y grabado en Nashville. El camino es quizás uno de los álbumos más pop de la banda, han incrementado las guitarras distorsionadas y oscuras, y las han mezclado con coros sexys y algo del glam rock de los años 70.

Sin embargo, el disco que quiero destacar de la banda es Brothers que se saco el año pasado es para mi uno de los mejores discos de rock que he escuchado en varios ya que la mayoria de las canciones(por no decir todas) mantienen un nivel altisimo de calidad no como en otros discos en los que solo dos canciones valen la pena.

Aqui os dejo unas cuantas canciones de la banda.

Sin lugar a dudas una de las mejores bandas del momento y referentes del Blues Rock en el s.XXI.

La Degeneración del Rock In Rio. La Historia

2012-03-29T23:05:00.000+02:00

Rock in Rio fue un festival de rock organizado por el empresario brasileiro Roberto Medina a mediados de los años ochenta. Las dos primeras ediciones del festival fueron en Río de Janeiro (Brasil, en 1985 y en 1991).

La primera edición del festival se celebró entre el 11 y el 20 de enero en 1985. Queen, George Benson, Rod Stewart, AC/DC y Yes fueron los cabezas de cartel, cada uno ocupando el primer puesto durante dos noches. Cerca de 1,4 millones de personas asistieron durante los 10 días de duración festival.

El primer día reunió 310 mil personas para ver a Queen, Iron Maiden y Whitesnake. En el día siguiente eran 250 mil, con George Benson, James Taylor y Al Jarreau. 90 mil personas con ganas de Rod Stewart, The Go-Go's y Nina Hagen. 14 de enero. 30 mil: James Taylor, George Benson. En el quinto día, 250 mil personas. Ahí estaban, por primera vez en Sudamérica AC/DC y Scorpion. El 16 de enero reunió 180 mil personas para ver a Rod Stewart y a Ozzy Osbourne. El 17 de enero fue un poco más selectivo. Pero aún así llegó a los 20 mil participantes con Yes (!!!!) y Al Jarreau. El 18 de enero, 250 mil para un día impresionante: Queen, que volvió al escenario, The Go-Go's, The B-52's. 19 de enero. La increíble cantidad de 470 mil personas para ver a: AC/DC, Scorpions, Ozzy Osbourne y Whitesnake. Y finalmente 200 mil asistentes en el ultimo día. Yes, The B-52's y Nina Hagen.

Aquello era rock de lo más puro. Sin tonterías. Rock de éste que te entra directamente en la vena. ¿Os parece Pop?

Seis años después, con el mercado de los eventos más desarrollado, se llevó el evento al Maracaná, que consiguió reunir 700 mil personas en nueve días. La segunda edición se celebró entre el 18 y el 27 de enero de 1991 en el Estadio Maracaná. Los cabezas de cartel fueron Guns N' Roses, Judas Priest, Megadeth, Prince y George Michael.

Diez años después, fue construida una nueva Ciudad del Rock, y el motivo del festival tomaba una nueva dirección, perseguía un fin social, pues parte su facturación fue destinada a proyectos sociales. La "Cidade do Rock" se construyó en una área de 250 mil metros cuadrados. El escenario fue el mayor del mundo en aquel momento: 5 mil metros cuadrados. Hasta entonces las bandas no pasaban por Sudamérica. Mejor dicho; las grandes bandas pasaban de Sudamérica. En 1985 muchas, como Queen y Iron Maiden grabaron discos con sus conciertos en directo en Río.

En 2001 se llevó a cabo el tercer festival de Rock in Rio y durante sus 7 noches de duración se destacaron presentaciones de grupos como Iron Maiden, R.E.M., Guns N' Roses, 'N Sync, Oasis, Neil Young y Red Hot Chili Peppers.

Iron Maiden grabó su actuación y la publicó como el álbum "Rock in Rio". Los beneficios de las ventas del álbum fueron donados al Fondo Clive Burr, ayudando al antiguo baterista a pagar las facturas médicas para el tratamiento de su esclerosis múltiple.

Otra importante actuación en Rock in Rio 3 fue la de la banda de rock estadounidense Guns N' Roses, con una nueva formación que incluía al guitarrista Buckethead, al miembro original Axl Rose (voz), y el miembro de la gira Use Your Illusion Dizzy Reed (teclado). Nick Oliveri, el bajista de Queens of the Stone Age, tocó desnudo en gran parte de la actuación y fue arrestado por exhibicionismo tras el concierto. Poco después, Oliveri fue puesto en libertad.

También en esta edición de Rock in Rio actuó Oasis, siendo la primera vez que se presentaba en Sudamérica con su nueva formación.

Tras el gran éxito de lanzamiento del Rock in Rio 3 en Brasil, Roberto Medina decidió organizar un festival de la misma estatura en Lisboa. La decisión de mantener el nombre Rock in Rio fue controvertida, y los detractores de la idea en Brasil comenzaron a llamarlo Rock in Rio Tejo, pues el río Tajo (Tejo en portugués) cruza de la capital portuguesa. La primera edición del Rock in Rio Lisboa, como el festival se llama oficialmente, tuvo lugar en 2004. A pesar de que el festival tuvo un ligero cambio de nombre, ha mantenido la misma estructura que las ediciones de Brasil. Toda una Ciudad del Rock, con una superficie de más de 200000 m² se erigió en el parque de Bela Vista, con un gran centro del escenario y varias carpas donde diferentes artistas actuaron simultaneamente. Artistas como Paul McCartney, Peter Gabriel, Ben Harper, Metallica, Sepultura, Incubus, Foo Fighters, The Black Eyed Peas, Britney Spears, Alejandro Sanz, Alicia Keys, Sting o Kings Of Leon se dieron cita en esa edicion. Como vemos, poco a poco se iba abandonando el rock e incorporando artistas pre-fabricados por la industria musical.

Dos años despues, en 2006, se volvió a organizar en Lisboa el Rock in Rio. Anastasia, Carlos Santana, Roger Waters, Guns N Roses, Sting, Corinne Bailey Rae, Jamiroquai o Shakira.

Se iba avanzando en la poperización del festival, puesto que el rock (Santana-Waters-GNR-Sting) ya pasaba a ser algo menos importante en cuanto a número de grupos/cantantes en el cartel.

La tercera edición del Rock in Rio en Lisboa, Portugal en 2008 tuvo lugar del 30 al 31 de mayo y el 1,5 y 6 junio. Pero se incorporaba ahora Madrid, con la Ciudad del Rock en Arganda del Rey, compartiendo esta edicion del Rock in Rio con la capital lusa. Mientras a Lisboa fueron artistas como Bon Jovi, Joss Stone, Apocalyptica, Muse, Linkin Park, The Offspring, Kaiser Chiefs, Rod Stewart, Lenny Kravitz, Amy Winehouse o James Morrisson, en Madrid se apostó por Alanis Morissette, Alejandro Sanz, Amy Winehouse, Bob Dylan, El Canto del Loco, Carlinhos Brown, Estopa, Franz Ferdinand, James Morrison, Jamiroquai, Lenny Kravitz, Loquillo, Mando Diao, Manolo García, Neil Young, The Police, Tokio Hotel, Shakira, Stereophonics, Suzanne Vega y DJ Tiësto.

Como vemos se incorporó a artistas "40Principales" latinos (Shakira, ECDL, Manolo Garcia, Alejandro Sanz) unidos a varios artistas "de confianza" del festival (Jamiroquai, Lenny Kravitz, Bon Jovi) con la agradable sorpresa de Neil Young, The Police, Franz Ferdinand y Bob Dylan.

En 2010 la edición volvió a Madrid. Bon Jovi, Macaco, Pereza, Paul Van Dyk, Mägo de Oz, Shakira, Rihanna, Calle 13, David Guetta, Amy Macdonald, Miley Cyrus, McFly, Rage Against The Machine, DJ Tiësto, Jane's Addiction, Cypress Hill, Metallica, Motörhead y Sôber. En esta edicion se repitió la fórmula que tan buenos réditos (€€€€€€€) les dió en 2008: artistas latinos "40Principales" como Shakira, Pereza, Macaco o Calle13, con la salvedad de que se decidió endurecer el poperismo con la inclusión de artistas como Miley Cyrus, McFly o Rihanna, y para "contentar" a los ortodoxos del festival (entre los que me incluyo) se decidió apostar por el heavy metal, con Metallica, Motorhead, Sober; así como de indie rock USA como Jane´s Addiction o el rap metal de Rage Against The Machine. La peor edición del festival para mi gusto.

En Lisboa prácticamente se decidiría apostar por el mismo cartel que en Madrid. Lamentable edición la del 2010. CRISIS.

Por último el pasado verano el festival volvió a su origen: Rio de Janeiro. El día de apertura (viernes 23 de septiembre) estuvo marcado por la presencia de Katy Perry y Rihanna. Sin comentarios. Sólo Elton John se salva en esta jornada.

El día siguiente se caracterizó por ser más de rock, teniendo como principales figuras a Snow Patrol y Red Hot Chili Peppers. Snow Patrol tuvo una buena presentación pero no llegó a calar demasiado en el público, él cual se empezó a impacientar y pedir el ingreso de los Red Hot Chili Peppers. El momento más importante de ese día fue el ingreso de la banda californiana donde cantaron algunos de sus principales temas aunque también pusieron énfasis en las canciones de su nuevo disco.

El tercer día fue el de metal con hard rock con bandas como Motorhead, Slipknot y Metallica. Fórmula ya conocida en Madrid y Lisboa en anteriores ediciones. Como siempre los directos de Metallica en Rock in Rio a la altura de las expectativas.

El festival se reanudó el jueves 29 luego de 3 días de descanso, ese día se presentaron, entre otros, Kesha, Jamiroquai (con un show movido y que recordaba la década de los 90s), el plato fuerte sería Stevie Wonder quien usaría mezclas de jazz y samba para meterse en el bolsillo al público brasileño.

Al dia siguiente seria el turno de Ivete Sangalo, Shakira y Lenny Kravitz. Éste último tuvo un concierto que quizás no logró convencer del todo al público, aún así creo que fue uno de las mejores actuaciones de esta edición sin lugar a dudas.

La penúltima jornada del festival sería el turno para Maroon5, Maná y Coldplay. La banda liderada por Chris Martin, con el setlist habitual de la gira por festivales de verano, logró contagiar al público brasileiro desde la primera canción hasta la última. Sin lugar a dudas, con un animal del escenario como Chris Martin todo es más fácil. Sobresaliente actuación, y para mi, la mejor de esta edición junto a las de Metallica y RHCP.

El último dia se volvía a recuperar el rock. Evanescence, System of a down y Guns n Roses. La banda liderada por Axl Roses sigue explotando el exitoso UseYourIllusion hasta la extenuación pero con un Axl afónico y sin Slash los directos son cuanto menos deficientes.

Próximamente: Análisis Rock in Rio 2012