The Time Of Rock

Tom Petty Live Collection

2012-02-04T18:30:00.002+01:00

Tom Petty and The Heartbreakers New Years Eve concert in Santa Monica, California, 1978-79.

Setlist:

01. I Need to Know- 0:25

02. Surrender- 2:45

03. Fooled Again (I Don't Like It)- 5:40

04. Casa Dega- 12:22

05. Refugee- 17:42

06. You're Gonna Get It- 21:30

07. Mystery Man- 25:48

08. American Girl- 29:07

09. Breakdown- 33:30

10. Too Much Ain't Enough- 40:40

11. Shout- 47:11

Tom Petty and the Heartbreakers: Take the Highway Tour, November 1991

Oakland Colisseum, CA

SetList:

01. (King's Highway)

02. Too Good to be True- 0:36

03. I Won't Back Down- 6:40

04. Free Fallin'- 9:47

05. Out in the Cold- 14:45

06. Psychotic Reaction- 22:05

07. Benmont's Boogie- 27:20

08. Mike's Guitar solo thingy 30:43

09. Don't Come Around Here No More- 35:30

10. Here Comes My Girl- 44:30

11. I'm Tired Joey Boy- 49:32

12. Into the Great Wide Open- 52:58

13. Love is a Long Road- 57:04

14. Refugee- 1:01:05

15. Runnin' Down a Dream- 1:08:16

16. Lonely Weekends- 1:13:40

17. Built to Last- 1:16:26

18. Makin' Some Noise- 1:22:14

Tom Petty and the Heartbreakers Live 30th Aniversary, September 21, 2006

Stephen C. O'Connell Center, Gainesville Florida.

Setlist:

01. Listen To Her Heart- 0:29

02. Mary Jane's Last Dance- 4:25

03. I Won't Back Down- 11:25

04. Free Fallin'- 15:05

05. Saving Grace- 21:15

06. I'm A Man- 26:10

07. Oh Well- 28:45

08. Handle With Care- 33:15

09. Stop Draggin' My Heart Around (with Stevie Nicks)- 39:45

10. I Need To Know (with Stevie Nicks)- 44:52

11. It's Good To Be King- 48:07

12. Down South- 1:00:35

13. Southern Accents- 1:05:10

14. Insider (with Stevie Nicks)- 1:10:50

15. Learning To Fly- 1:15:50

16. Don't Come Around Here No More- 1:20:48

17. Runnin' Down A Dream- 1:27:30

18. You Wreck Me- 1:34:32

19. Mystic Eyes- 1:40:30

20. American Girl- 1:49:30

Canciones Protesta Vol.I

2012-01-28T17:55:00.004+01:00

"Masters of War" por Bob Dylan (1963)

Canción dedicada a quienes mueven los hilos y planifican la destrucción a gran escala, los maestros de la guerra. Luego de evocar a cada uno de ellos termina por desearles la muerte.

"What's Going On" por Marvin Gaye (1971)

Exquisita plegaria por la paz en la tierra cantada por uno de los grandes del soul del s.XX, Marvin Gaye, en mitad de una crisis.

"Woman Is The Nigger Of The World" por John Lennon (1972)

Un himno feminista incluido en Sometime in New York City, el disco más subestimado de Lennon. "La hacemos pintar su cara y bailar, y si no es una esclava decimos que no nos ama. Si es verdadera, decimos que trata de ser un hombre, y si la tiramos abajo decimos que está encima nuestro".

“Money” por Pink Floyd (1973)

Con respecto a la letra, esta trata sobre el dinero, el consumismo y sus propiedades para corromper los ideales de las personas, todo bajo un tono irónico que se mantiene en toda la canción. En el fondo, refleja la visión socialista sobre el dinero que tiene Roger Waters.

"Get Up, Stand Up" por Bob Marley (1973)

El líder de la protesta rastafari tampoco podía faltar en esta selección. Marley trata de desenmascarar la hipocresía y los manejos propios de la religión. El tema incita a los creyentes a pensar por sí mismos, y a no dejar de luchar por sus principios.

“God save the Queen” por Sex Pistols (1977)

La polémica principal se suscitó específicamente por la línea "Dios salve a la Reina y a su gobierno fascista; te han convertido en un idiota, una potencial bomba de hidrógeno" y por la famosa frase "There is no future in England's dreaming" (en español: "no hay futuro en el sueño inglés"). Además, pronuncia la palabra Save (salve) como Shave (afeitar).

"White Riot" por The Clash (1977)

La canción aborda la temática de la lucha de clases y refiere al disturbio desde su segunda estrofa ("los hombres negros tienen muchos problemas pero no les molesta tirar ladrillos"). En un principio el tema también fue erróneamente asociado al racismo

“Another Brick in the Wall II” por Pink Floyd (1979)

El tema habla acerca del individualismo, del no querer profesores que controlen y/o limiten sus pensamientos; que los hagan pensar de una misma manera a unos y otros. Los jóvenes no quieren ser castigados por su forma de pensar o actuar, no quieren tener un idéntico pensamiento, quieren ser libres por lo que piden que los maestros los dejen en paz.

“We shall overcome”

Canción de protesta que se convirtió en un himno del Movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos. El título deriva de un gospel compuesto en 1901 por Charles Tindley en Filadelfia.

"Irish Blood, English Heart" por Morrissey (2004)

La temática de la canción es algo más compleja y peliaguda de tratar. El eterno conflicto entre Irlanda e Inglaterra comenzado mucho tiempo atrás con la invasión de Irlanda por parte de Inglaterra, con la consiguiente división de la isla entre parte inglesa y parte irlandesa. Pero el enfoque de Morrissey es distinto, evoca a la convivencia en armonía de ambas naciones. Después de tanto tiempo apenas merece la pena pegarse y luchar por causas que prescribieron mucho tiempo atrás.

“Leaving Beirut” por Roger Waters (2004)

Waters retrata su experiencia adolescente cuando visitó el Líbano con un amigo. Son recibidos por un matrimonio muy pobre, él sin una pierna, ella, con una deficiencia física, los dos se desviven por atenderlos. Conmovido ante la hospitalidad de sus habitantes, ya adulto, Waters escribe en 'Leaving Beirut': "¿La gentileza es demasiado para nosotros? / ¿La gentileza debería ser archivada junto a la compasión que sentimos por el hijo de alguien cada vez que una bomba inteligente hace su aritmética y se equivoca? / El hijo de alguien se muere y la Justicia se levanta en defensa…"

Continuará........

The Modfather: The Legend

2012-01-21T11:55:00.004+01:00

Desde su nacimiento en 1958 hasta el dia de hoy, Paul Weller ha mantenido una intensa actividad musical que se inicia con la formación de The Jam a los 14 años, grupo influido por los Beatles, Amen Corner y The Small Faces.

En 1976, la escucha de 'My generation' (The Who) y los Sex Pistols hacen que Weller encuentre el camino que a hará de su banda la mayor formación de Inglaterra durante los cinco años siguientes.

Desde su álbum debut 'In The City', pasando por 'Down In The City', y 'That's Entertainment', incluyendo los singles que fueron ascendidos directamente a los primeros puestos de las listas ('Going Underground', A Town Called Malice' y 'Beat Surrender'), The Jam fue definiéndose como un grupo de gran éxito, comercialmente y entre la crítica especializada.

Así Weller continuó trazando melodías brillantes hasta el momento que entendió que había llevado al grupo todo lo lejos que podía, y así lo disolvió en 1982 para dar a luz a su nueva formación, The Style Council.

Lejos de ser la continuación de The Jam, The Style Council se dejaron impregnar de toques de jazz, r'n'b, funk y soul, que se fundían con el potente instinto de Weller para el pop. Toda una serie de singles se sucedieron como himnos generacionales de la Inglaterra de los 80's, entre ellos 'Long Hot Summer', 'You're The Best Thing' o el archiconocido 'Shout To The Top'.

Su quinto álbum, con una marcada tendencia hacia un sonido garage/house, no pudo ver la luz en 1989, año de su creación, al ser rechazado por la discográfica, lo cual llevo a la disolución del grupo. Irónicamente, la misma compañía ha editado hace pocos años una caja que repasa la trayectoria de The Style Council, en la que se incluye este último trabajo inédito.

Tras dos años reinventando su sonido, Paul Weller vuelve a sus orígenes en su nueva carrera en solitario, respaldado por Go!Discs, llegando rápidamente al Top Ten y consiguiendo que sus nuevos fans agotaran sus antiguos trabajos con The Jam y The Style Council.

Desde el principio, su baterista en The Style Council Steve White le acompaña en las grabaciones y directos, y pronto se hace acompañar del guitarrista Steve Cradock, componente del grupo Ocean Colour Scene, grupo descubierto y ayudado por Paul desde sus inicios en 1989. Posteriormente es el bajista de ese grupo, Damon Minchella, quien entra también en la formación fija que acompaña a Weller en estudio y en vivo.

'Wild Wood', de 1994, le reafirma como un gran artista en solitario, calificado por algunos como uno de los mejores compositores británicos de las últimas décadas, visto por muchos como el equivalente inglés de Neil Young. Nominado al 'Mercury Music Prize', galardonado con el Brit Award al mejor solista masculino, premiado con el 'Ivor Novello Award', vende dos discos de platino de un disco de calidad indiscutible.

1995 es testigo de su éxito entre la crítica de la mano de una gran popularidad, con un 'Stanley Road' que anuncia futuros galardones (un Brit al mejor solo masculino y 2 NME Brat Awards), y la edición de un documental ('Highlights ang Hang-Ups'), la aparición en el programa de TV 'Late With Jools Holland', y la edición de 'Live Wood', en 1994, acompañado de un video del concierto.

La crítica y las ventas de 'Stanley Road' consiguieron incluso desbancar a 'Wild Wood', después de ascender directamente al número uno y pasearse durante más de 12 meses por el Top 20 del Reino Unido, consiguiendo así 4 platinos.

Paul Weller se perfila así como un artista que, después de tantos años de incesante actividad sigue sin caer en el olvido mas, por el contrario, continúa en activo. En 1998 se publica 'Heavy Soul' (1998), que hace alarde de talento en la composicion que ya conocíamos. Y, así como 'Stanley Road' nos llevaba por terrenos lejanos a los de 'Wild Wood', 'Heavy Soul' supone de nuevo un salto cualitativo respecto a los trabajos pasados.

Posteriormente edita otros cuatro álbumes de estudio: Heliocentric (2000), Illumination ( 2002) con el que consigue también llegar al #1 en las listas, Studio 150 (2004) disco tributo de versiones a algunos de sus artistas favoritos, y As Is Now (2005).

En 2006 ha sido nuevamente premiado en Brit Awards, en este caso con el premio especial a toda su carrera por su Contribución a la Música.

En 2008, la nueva entrega del Modfather, 22 Dreams, es una ecléctica colección de 21 temas rebosantes de soul, pop, rock, folk, psicodelia y negro rythm & blues. Es complicado mojarse y elegir una favorita, pero quizás ésta sea la lisérgica Echoes Round the Sun, coescrita con Noel Gallagher, All I Wanna Do o incluso Black River.

Dos años después de su anterior entrega, 22 Dreams, nos ofrece un verdadero regalo para los oídos. Wake Up The Nation suena muy diferente a 22 Dreams; su sonido se acerca mucho más al sonido de The Jam. Mientras en el anterior álbum aún encontrábamos ecos más próximos a Wild Wood, su última entrega es mucho más directo, más duro y, sobretodo más político. Quién conozca la trayectoria de Paul Weller sabrá de sus simpatías hacia la izquierda política, lo que no lo oculta en absoluto en algunas de las letras de sus canciones.

Aún predominando más un sonido más 'punk': Moonshine, Wake Up The Nation, Fast Car / Slow Traffic, muy en la linea The Jam, también encontramos piezas que nos recuerdan la etapa de The Style Council como Aim High, por cierto, buenísima.

En cuanto al elenco de músicos que lo acompañan en este trabajo encontramos a su ex-compañero en The Jam, Bruce Foxton; Bev Bevan, ex-ELO o Kevin Shields, ex-My Bloody Valentine, entre otros.

El sucesor del formidable Wake Up The Nation será Sonik Kicks y se publicará en Europa el 26 de marzo de este año. En su onceavo álbum en solitario, con 14 composiciones originales, Weller vuelve a renovar su peculiar paleta sonora con nuevas incursiones en el dub, el jazz progresivo, la psicodelia, el folk y el pop de vanguardia. Cuenta con las colaboraciones, entre otros, de Graham Coxon (Blur) y Noel Gallagher.

A sus 53 años Weller ha declarado que nunca tendrá tiempo de aprender todo lo que necesita saber. Que le puede la excitación de encontrar nuevas cosas, nueva música. De ahí su mencionado afán por la renovación y depuración de su propio sonido. Desde luego el avance de Sonik Kicks, el single Around The Lake, apunta muy buenas maneras.

Paul Weller presentará Sonik Kicks en su totalidad en dos conciertos en el Roundhouse de Londres el 18 y el 19 de marzo.

Tracklist del nuevo álbum:

1. Green

2. The Attic

3. Kling I Klang

4. Sleep Of The Serene

5. By The Waters

6. That Dangerous Age

7. Study In Blue

8. Dragonfly

9. When Your Garden’s Overgrown

10. Around The Lake

11. Twilight

12. Drifters

13. Paperchase

14. Be Happy Children

Hoy en día la escena británica persiste en venerar a Mister Paul Weller como una de sus mas significativas influencias y uno de los musicos mas respetados del momento.

Coleccion de Conciertos On-Line (I)

2012-01-05T23:29:00.003+01:00

Noel Gallagher's High Flying Birds - Live Amsterdam 2011

Paolo Nutini - Live Paleo Festival 2010

Radiohead - Live Glastonbury Festival 2003

Morrissey - Live Glastonbury Festival 2011

Coldplay - Live Sydney 2003

Metallica - Live Woodstock Festival 1999

Tom Petty and The Heartbreakers - 30th Anniversary Concert Gainesville 2006

Guns N Roses - Live Tokyo 1992

Pink Floyd - Live Pompeii 1972

Dr. Winston O'Boggie. 31 años sin Lennon

2011-12-08T15:31:00.005+01:00

"Si todo el mundo demandase paz en lugar de otro aparato de televisión, entonces habría paz."

John Lennon es leyenda, un mito del rock e ícono del imaginario colectivo a 31 años de su asesinato. Su talento artístico, personalidad excéntrica y canciones convertidas en himnos contra la guerra han hecho vibrar a millones de personas alrededor del mundo.

El mítico músico de la banda de Liverpool hubiera cumplido hoy 71 años de no haber sido asesinado hace más de tres décadas en Nueva York. El 8 de diciembre de 1980, John Lennon fue asesinado por Mark David Chapman tres semanas después de lanzar su álbum Double Fantasy.

El Beatle regresaba con su esposa Yoko Ono a su departamento en el Edificio Dakota de Nueva York, cuando un fanático detonó cinco disparos contra su espalda que le provocaron la muerte. Chapman fue sentenciado a cadena perpetua, todavía solicita la revisión de su libertad condicional.

Nació y creció en Liverpool, donde siendo adolescente se familiarizó con el género musical skiffle, formando la banda The Quarrymen, que posteriormente se convertiría en 1960 en The Beatles. Lennon, como guitarrista y cantante del grupo, se convertiría en uno de los músicos más famosos de la historia.

Junto con Paul McCartney, Lennon fundó y dio nombre a los Beatles, pero a menudo se sintió incómodo de la fama y del significado que el grupo llegó a alcanzar. A pesar de que casi todas las canciones de los Beatles iban firmadas por el tándem Lennon-McCartney, la autoría de uno y otro quedó clara cuando tras la ruptura del grupo.

Las canciones de Lennon empezaron de inmediato (ya en 1970) a explorar temas profundamente políticos, psicológicos y existenciales, mientras que el trabajo en solitario de McCartney siguió investigando la nostalgia y el romanticismo y, en general resulta mucho menos interesante de analizar y demasiado aburrido, con las posibles excepciones de algunas declaraciones políticas como Give Ireland Back To The Irish .

En el LP Please Please Me de la banda, Misery (composición de Lennon) contrastaba con Love Me Do y P.S. I Love You, que aparecían en el mismo álbum. Incluso en una canción de amor de lo más tradicional como Ask Me Why, Lennon canta: "Si lloro no es porque esté triste, sino porque tú eres el único amor que he tenido. No puedo creer que me haya pasado esto, no puedo imaginarme un sufrimiento igual." Así, incluso en una canción de amor, Lennon canta desde su lado oscuro, como el pobre hombre que se asombra de haber encontrado el amor, o de que lo amen, mientras deja planear una nube incierta de duda y dolor sobre su amante.

La idea general de que Lennon cantaba las canciones más oscuras y cortantes queda confirmada cuando éstas se analizan, y como al parecer es verdad que McCartney y Lennon tenían tendencia a cantar las canciones que habían escrito en solitario, no queda más remedio que deducir que fue el espíritu rebelde de Lennon quien imbuyó aquella lucha y aquel malestar en sus propias creaciones y, por extensión, en el repertorio de los Beatles.

En la canción Help! del álbum homónimo de 1965, John parece describir su propio dolor en el seno de los Beatles, con la pérdida de su independencia, el aumento de su inseguridad y su necesidad de alguien que lo calme y le indique una nueva dirección

En los álbumes Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band y Magical Mystery Tour (ambos de 1967), las letras de John Lennon empezaron a volverse cada vez más surrealistas (I Am The Walrus) bajo la influencia de las drogas, la cultura oriental y una obvia liberación personal.

Revolution, del White Album (1968) fue la primera canción abiertamente política de Lennon, a menudo mal entendida como apolítica o conservadora, pero que es más bien una crítica sobre todo de los maoístas y otros grupos de la izquierda radical de su tiempo, defensores de una revolución que sólo "habla de la destrucción". Al fin y al cabo, una revolución triunfante no sólo trata de la destrucción de un viejo orden, sino también de la construcción de un orden nuevo.

De hecho, fue también Lennon quien, poco antes de que saliera a la venta su single en solitario Instant Karma, les comunicó a los otros miembros que pensaba marcharse. Cuando la banda se disolvió continuó su trabajo como solista, componiendo en 1971 su balada Imagine, que se convirtió rápidamente en icono del movimiento pacifista.

Otras canciones políticas a señalar son I Don’t Want To Be A Soldier ("no quiero morir") y Give Me Some Truth ("ya estoy harto de leer chorradas de políticos neuróticos, psicóticos y estúpidos, lo que quiero es la verdad, ahora").

El LP más abiertamente político de John Lennon fue la cara A de Some Time in New York City (1972). En este álbum se encuentra su famosa declaración feminista "la mujer es el negro del mundo"

Precisamente, tras el impacto de Give Peace a Chance y Happy Xmas (War is Over), ambas fuertemente asociadas con el movimiento contra la Guerra de Vietnam, el gobierno de Richard Nixon, al oír los rumores de la participación de Lennon en un concierto que se celebraría en San Diego trataron de deportarlo. Nixon creía que las actividades de Lennon contra la guerra podrían costarle su reelección. El senador republicano Strom Thurmond aseguró en una nota en febrero de 1972, que «la deportación sería una contraofensiva estratégica» contra Lennon.

El mes siguiente el Servicio de Inmigración y Naturalización inició un proceso de deportación, argumentando que su delito menor por posesión de cannabis en Londres en 1968 hacía que no fuera admitido en los Estados Unidos. Lennon pasó los siguientes cuatro años en los tribunales por su deportación.

En 1972, Bob Dylan escribió una carta en defensa de Lennon:

«John y Yōko pusieron una gran expresión y dirección a la llamada institución del arte del país. Inspiran, trascienden y estimulan al hacerlo, sólo ayudando a otros para ver la luz pura y al hacerlo, ponen fin a este torpe gusto por el comercialismo que se hace presente en los abrumadores medios de comunicación. ¡Viva John y Yōko! Que se queden a vivir y respiren aquí. El país tiene lugar y espacio. ¡Dejar que John y Yōko se queden!»

El 23 de marzo de 1973, se le ordenó salir de los Estados Unidos dentro de 60 días. A Ono, por su parte, le fue concedida la residencia permanente. En respuesta, Lennon y Ono, realizaron una conferencia de prensa el 1 de abril de 1973 en Nueva York, donde se anunció la formación del estado de Nutopia, un lugar "sin países, sin fronteras, pasaportes, nada, sólo gente".

Agitando la bandera blanca de Nutopia (dos pañuelos), pidieron asilo político en los Estados Unidos. La conferencia de prensa fue filmada, y más tarde aparecería en el documental de 2006 The U.S. vs. John Lennon. Su álbum Mind Games (1973) incluyó el tema «Nutopian Internacional Anthem (consistia sólo en tres segundos de silencio).

Poco después de la conferencia de prensa, la implicación de Nixon en el escándalo político salió a la luz, y en junio las audiencias de Watergate comenzaron en Washington. Esto llevó a la renuncia del presidente 14 meses después. El sucesor de Nixon, Gerald Ford, mostró poco interés en continuar la batalla contra Lennon, y la orden de expulsión fue anulada en 1975. Al año siguiente, su estado de inmigración de Estados Unidos fue finalmente resuelto, recibió su Tarjeta de residencia permanente de Estados Unidos, y cuando Jimmy Carter asumió la presidencia en enero de 1977, Lennon y Ono asistieron al evento inaugural.

En los Estados Unidos, las ventas de Lennon como solista se acercan a los 14 millones de unidades, y ya sea como intérprete, autor o coautor, es responsable de 27 sencillos número uno en el Billboard Hot 100. En 2002, fue colocado en el octavo puesto en una encuesta de la BBC de los «100 británicos más importantes», mientras que en 2008, fue calificado por la revista Rolling Stone como el quinto mejor cantante de todos los tiempos. Después de su muerte fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores en 19873 y en el Salón de la Fama del Rock en 1994.

"Podrás pensar que somos unos soñadores, pero no somos los únicos. Ojalá un día te unas a nosotros. Y el mundo será de todos."

Coleccion de Covers Vol.I

2011-12-03T19:13:00.012+01:00

Pearl Jam - Mother (Pink Floyd cover)

Paolo Nutini - What a Wonderful World (Louis Armstrong cover)

Guns N Roses - Knocking On Heavens Door (Bob Dylan cover)

Oasis - My Generation (The Who cover)

Roger Waters - We Shall Overcome (Pete Seeger cover)

Jeff Buckley - Hallelujah (Leonard Cohen cover)

Iggy Pop - Louie Louie (Richard Berry cover)

Bruce Springsteen - Because The Night (Patti Smith cover)

U2 - Helter Skelter (The Beatles cover)

Rufus Wainwright - Across The Universe (The Beatles cover)

Tom Petty, Jeff Lynne y Prince - While My Guitar Gently Weeps (The Beatles cover)

George Harrison: El Beatle Tranquilo Y Silencioso

2011-11-30T14:00:00.014+01:00

El martes 29 de noviembre se cumplieron 10 años de la muerte de uno de los mejores músicos que dio el Siglo XX, George Harrison. Un cáncer de pulmón, que se le eliminó a mediados de los 90, se le volvió a reproducir en forma de metástasis afectándole también al cerebro y causándole la muerte a los 58 años de edad. Su condición de fumador le pasó factura.
Miembro de los míticos The Beatles y The Traveling Wilburys, Harrison nació un 25 de febrero de 1.943 en Liverpool, en el seno de una familia católica y de ascendencia irlandesa por parte de su madre.
Ya desde pequeño, Harrison empezó a sentir el gustillo por la música. A los 12 años, mientras estuvo ingresado a causa de una nefritis, se compró su primera guitarra, una Egmond.
Ya restablecido, y al tiempo que se compra su primera "guitarra decente", una Hofner President, forma su primer grupo junto a su hermano Peter, y a Arthtur Kelly. El grupo se llamó The Rebels y Harrison lo formó tras el auge del skiffle. Harrison y su grupo tocan sus canciones influenciados en artistas como Elvis Presley, Bill Halley, Buddy Holly o Chet Atkins.
Un día, Paul McCartney escuchó a Harrison tocar el riff de "Raunchy" en la escuela y le propuso unirse a su grupo. Harrison y McCartney estudiaban en el Liverpool Institute for Boys. Harrison es presentado a John Lennon por el propio Paul McCartney y decide ingresar en el grupo de ambos, que por aquel entonces se llamaba The QuarryMen. El grupo cambió varias veces de nombre, pero al final optaron por el nombre de The Beatles, nombre con el alcanzarían el estrellato.
En el año 1.959 Harrison abandonó la escuela y compaginó su afición por la música con un trabajo de aprendiz de electrecista. El entrenamiento diario hizo que Harrison experimentara nuevos sonidos. A mediados de 1.960 Harrison, ya en "The Beatles", fue el primero en equipar su casa con estudio personal donde componer y trabajar con mayor eficacia.
En sus primeros dias con el grupo británico, Harrison era visto con desdén por los otros miembros del grupo debido a su corta edad. Al principio Harrison no podía considerarse un virtuoso de la guitarra, aunque gracias a que supiera gran variedad de acordes para tocar varios temas hizo que John Lennon lo aceptara en la banda. Pero a mediados de los 60, Harrison se convirtió en un guitarrista mas fluido y creativo gracias a la práctica. Eso le llevó a realizar las labores de guitarrista principal y rítmico.
Harrison escribió su primera canción para el álbum "With The Beatles", en 1.963. La canción se tituló "Don't Brother Me" y Harrsion la escribió estando en la cama convaleciente y con el fin de ver, como el mismo reconoció, si era capaz de componer una canción, diciendo lo siguiente: "Por lo menos me dejó claro que todo lo que tenía que hacer era perseverar, y quizás algun dia compondría algo bueno.". Este tema es una de las canciones que aparecen en la película "A Hard Days Night". El humor hosco y desolado de la letra era algo inusual en The Beatles por aquella época, pero acabaría siendo algo característico en las posteriores composiciones de Harrison. Esta canción nunca fue tenida en cuenta por el propio Harrison, que llegó a manifestar: "No fue una canción muy buena. La llegué a olvidar por completo una vez que estaba en el álbum".

Harrison fue el cantante de todas las canciones compuestas por el mientras estuvo en The Beatles. En 1.964 volvió a contribuir en el álbum "Help!" componiendo los temas "I Need You" y "You Like Me Too Much".
"I Need You" es una canción simple y melancólica, donde Harrison graba por primera vez una guitarra con pedal de efectos. La letra es confesional y se relaciona con Pattie Boyd, actriz que Harrison conoció durante las filmaciones de "A Hard Days Night", y con quien se casó en enero de 1.966.

En 1.965, durante la gira que el grupo llevó a cabo por los Estados Unidos, Harrison tuvo un importante punto de inflexión en su carrera. David Crosby introdujo a Harrison en la cultura india a través de la música de Ravi Shankar. Harrison quedó fascinado rápidamente con el sonido tan especial de su música.
Tras dar por finalizada la gira americana de 1.965, Harrison se compró un sitar y fue uno de los primeros músicos de la cultura pop en introducir dicho instrumento en un album de estudio, componiendo "Norweigan Wood (This Bird Has Flown)", correspondiente al álbum "Rubber Soul".
La canción no es solo una muestra de las innovaciones en el mundo de la música rock con el nuevo añadimiento del sitar, sino que también tiene una base de rock psicodélico.
La exótica instrumentación y curiosas letras fue una de las primeras indicaciones para las fans de ampliar el vocabulario musical y enfoque experimental que The Beatles estaban adaptando rápidamente.
En 1.969, y ya completamente fascinado por la cultura india, Harrison produjo el single "Hare Krishna Mantra", intrepretado por devotos del templo londinense de Radha-Krishna.

A medida que transcurría el tiempo, las composiciones de Harrison fueron haciéndose más notables. Pasó de un segundo plano a competir con las composiciones de Lennon y McCartney en materia de calidad. Entre 1.965 y 1.970, Harrison compondría temas como "Something", "Here Comes The Sun", "I Want To Tell You", "If I Needed Someone", "Blue Jay Way" o "While My Guitar Gently Weeps" entre otros muchos que escribió.
Precisamente, "While My Guitar Gently Weeps" es una de las mejores canciones que compuso Harrison. Correspondiente al "Álbum Blanco" de The Beatles, publicado en Noviembre de 1.968 como álbum doble, el tema es una balada rockera que Harrison interpretaba originalmente con un solo de guitarra acústica y un órgano. El propio Harrison reconoció que la inspiración le vino leyendo el libro "I Ching": "Me pareció estar basado en el concepto oriental de que todo está relacionado entre si, a diferencia de la opinión occidental de que todo es una mera coincidencia."
La canción, que ocupa el puesto número 135 en la lista de las 500 mejores canciones de la historia, hecha por la revista Rolling Stone, interesó poco a Lennon, McCartney y Starr. La banda la grabó en varias ocasiones, pero no parecía funcionar. Fue entonces cuando Harrison convenció a Eric Clapton para que tocara la guitarra en este tema.
Mucha gente se preguntó si el famoso solo de guitarra lo interpreta realmente Eric Clapton, ya que se asemeja mucho al estilo que adoptaría Harrison posteriormente. Harrison dijo al respecto: "Eric lo grabó, y a mi me pareció que estaba realmente bien. Entonces lo escuchamos de nuevo y el dijo: "Creo que hay un problema: No es lo suficientemente Beatle." Así que la pusimos en el ADT para bambolearlo un poco."
La canción supuso un éxito rotundo. De hecho, es uno de los temas que siempre cantan en los homenajes a Harrison desde su muerte.

Durante las sesiones de grabación de The Beatles, los roces entre Harrison, Lennon y McCartney comenzaron a hacerse patentes, sobre todo a partir de la muerte del manager del grupo, Brian Epstein. Entre 1.967 y 1.969 McCartney expresó en más de una ocasión su insatisfacción con la forma de tocar de Harrison. Las tensiones entre ambos quedan patentes durante los ensayos del proyecto "Get Back", donde Harrison acaba por decir con sorna: "Bien, no me importa. Tocaré lo que quieras que toque o no tocaré nada si no quieres que toque nada. Todo los que sea por complacerte, lo haré."
Descontento con las pobres condiciones en las que se desarrollaban las sesiones, Harrison acabará por abandonar el grupo el 10 de enero, si bien retornará a su trabajo el 22 del mismo mes tras dos reuniones de negocios.
Durante las sesiones de grabación de "Abbey Road", considerado el álbum cumbre del grupo, las relaciones internas del grupo se desarrolaron con más cordialidad. En "Abbey Road" se incluyen "Something" y "Here Comes The Sun" como composiciones de Harrison. "Something" fue reconocido como uno de los mejores trabajos de The Beatles por gente como Elvis Presley o Frank Sinatra.

La creciente productividad de Harrison al final de la vida de The Beatles le permitiría recopilar suficiente material para desarrollar una carrera musical bastante exitosa y larga, que daría comienzo a partir de la última sesión junto al resto del grupo, el 4 de enero de 1.970, con casi 27 años.
Tras la disolución de The Beatles en 1.970, y tras años opacado por las sombras de Lennon y McCartney, publicó gran parte del material que había acumulado durante los últimos años en su proyecto más loado por la crítica, "All Things Must Pass", el primer triple álbum de la historia musical.
Este álbum supuso una entrada triunfal para la carrera en solitario de Harrison, acallando así las voces discrepantes que auguraban una mala carrera para el. Este álbum, de hecho, es considerado uno de los álbumes más trabajados por un Beatle en su carrera en solitario.
Este primer álbum de Harrison fue grabado entre Mayo y Agosto de 1.970 en Abbey Road Studios, y posteriormente mezclado en Trident Studios desde Agosto hasta Septiembre del mismo año.
El disco alcanzó rápidamente el primer puesto en las listas británicas y estadounidenses, sobre todo gracias a los temas "My Sweet Lord", "Isn't It A Pity" o "What Is Life".

Harrison fue el primer músico en organizar un concierto benéfico. Su "Concert for Bangladesh", el 1 de Agosto de 1.971, reunió a cerca de 40.000 personas en torno a dos espectáculos organizados en el Madison Square Garden de Nueva York con el fin de recaudar fondos para paliar el hambre y la miseria de los refugiados en la antigua Pakistán del Este, hoy en dia Bangladesh. Ravi Shankar abrió el concierto, que incluía artistas del calibre de Eric Clapton, Bob Dylan, Ringo Starr o Billy Preston entre otros.
En 1.973 se publicaría el siguiente álbum de Harrison, de título "Living In The Material World". Su primer single, "Give Me Love (Give Me Peace On Earth)" le brindaría su segundo número 1 en Estados Unidos, mientras "Sue Me Sue You Blues" serviría de mofa al proceso judicial que estaba desarrollando Paul McCartney para disolver de forma oficial The Beatles. Gracias a un sonido más intimista y una lírica más espiritual y filosófica, el album se mantuvo en el primer puesto de las listas de éxitos estadounidenses durante cinco semanas.

En 1.974 vio la luz "Dark Horse", tercer álbum de Harrison, al tiempo que daba una gira por los Estados Unidos. Dicha gira fue duramente criticada por la duración del acto principal, a cargo de Ravi Shankar, y por la voz ronca de Harrison debido a una laringitis. Aun así, el álbum alcanzó el puesto número 5 en las listas de éxitos estadounidenses, si bien las críticas desfavorables y el poco interés suscitado provocarían que no entrara en las listas de éxito británicas. El single "Dark Horse" alcanzaría el puesto número 5 en las listas de Billboard.

Tras publicar su último álbum bajo el sello Apple, "Extra Texture (Read All About It)" en 1.975, casarse por segunda vez en 1.978 con Olivia Trinidad Arias, y el nacimiento de su primer y único hijo, Dhani Harrison. Harrison emprendería la grabación de su álbum epónimo, "George Harrison", publicado en 1.979 con los singles "Blow Away", "Love Comes To Everyone" y "Faster". Tanto el álbum como el primer single alcanzaron el Top 20 en las listas de éxitos de Billboard.

Tras el asesinato de John Lennon, el 8 de Diciembre de 1.980, Harrison sufrió una grave conmoción, debido en parte a su escaso contacto con Lennon. La muerte de Lennon forzó a Harrison a rodearse de medidas de seguridad en su mansión de Friar Park. Poco después, modificó la letra de "All Those Years Ago", canción que había compuesto en un principio para Ringo Starr, y que posteriormente sirvió de tributo a Lennon en su álbum "Somewhere in England". Con Ringo Starr a la batería y Paul y Linda McCartney a los coros, el álbum y el single, publicados en 1.981, recibieron buenas críticas por parte de la crítica musical, alcanzando el puesto número 2 en las listas de éxitos estadounidenses.

Tras la publicación en 1.982 de "Gone Troppo", George Harrison se apartó de la música durante cinco años para dar prioridad a otras aficiones. En 1.987 regresaría con "Cloud Nine", uno de sus álbumes más loados por la crítica, producido por Jeff Lynne, y alcanzando el primer puesto en Estados Unidos con el single "Got My Mind Set On You". "When We Was Fab", un tema retrospectivo de su etapa con The Beatles, supuso también un notable éxito. Dicho álbum alcanzó el puesto número ocho en las listas de éxitos estadounidenses y el 10 en las británicas, dando a Harrison su mejor resultado desde "Living In The Material World".

Durante la grabación de "Handle With Care", Harrison reunió en el garaje de Bob Dylan a Tom Petty, Roy Orbison, Jeff Lynne y al propio Bob Dylan. Lo que en un primer momento sería la cara B del single "This Is Love" acabaría convirtiéndose en la primera canción grabada por The Travelling Wilburys, al considerar la compañía discográfica que el tema era demasiado bueno para relegarlo a un segundo plano. El primer álbum del grupo, grabado en apenas dos semanas antes de que diera comienzo la gira de Bob Dylan, fue publicado en octubre de 1.988 con el nombre de Traveling Wilburys Vol. 1
Su segundo álbum vería la luz en 1.990 bajo el nombre de Traveling Wilburys Vol. 3, a pesar de la muerte de Roy Orbison en 1.988 debido a un ataque al corazón. Como sustituto de Orbison, el grupo había pensado en Del Shannon, pero en febrero de 1.990 el músico se suicidaría, truncando los planes de los demás componentes.

En 1.991 Harrison emprendió por Japón, y junto a Eric Clapton, su primera gira desde 1.974, pero aun en mente el agrio recuerdo de aquel momento. Tras una docena de conciertos, en 1.992 vería la luz el álbum "Live In Japan", acreditado a George Harrison, Eric Clapton & Band. En Octubre de ese mismo año, Harrison participaría en el concierto tributo a Bob Dylan en el Madison Square Garden de Nueva York interpretando tres canciones: "If Not For You", "Absolutely Sweet Marie" y "My Back Pages".
Entre 1.994 y 1.996, emprendió junto a Ringo Starr y Paul McCartney el proyecto Anthology, incluyendo la grabación de dos nuevos temas de The Beatles a partir de demos caseros de mediados de los 70 donde John Lennon tocaba el piano y cantaba. El proyecto también incluía un recorrido visual por la carrera del grupo, con entrevistas a los tres miembros que aun vivían. En 1.996 grabaría y produciría junto a Carl Perkins el tema "Distance Makes No Difference With Love" para su album "Go-Cat-Go".

La última aparición de Harrison en televisión tendría lugar en 1.997 para la promoción de Chants Of India, una colaboración junto a su amigo y músico hindú Ravi Shankar. En el programa Harrison interpretó "All Things Must Pass" y la futura "Any Road", canción que aparecería en 2.002 en su álbum póstumo, "Brainwashed".
El 30 de diciembre de 1.999, Harrison vivió una secuela del asesinato de John Lennon al sobrevivir a un ataque de navaja en su propia casa, propiciado por un intruso. Harrison y su mujer se enfrentaron al intruso y le redujeron para posteriormente ser trasladado a dependencias policiales por la autoridad.
En 2.001, poco antes de su muerte, Harrison apareció como invitado en el álbum "Zoom", de la Electric Light Orchestra. Tocó la steel guitar en las canciones "Love Betters" y "Horse To The Water". Esta última fue compuesta y grabada el 2 de Octubre, dos meses antes de su muerte.
Tras su muerte, la familia de Harrison emitiría este comunicado: "Abandonó este mundo como vivió: consciente de Dios, sin miedo a la muerte y en paz, rodeado de familiares y amigos". En ocasiones Harrison decía: "Todo lo demás puede esperar, pero la búsqueda de Dios no; amaos los unos a los otros".
El álbum póstumo de Harrison, "Brainwashed", fue completado por su hijo Dhani y por Jeff Lynne, y publicado el 18 de noviembre de 2.002, recibiendo positivas críticas y alcanzando el puesto número 18 en las listas de álbumes de Billboard. El promo "Stuck Inside A Cloud" fue radiado con frecuencia en las emisoras americanas, mientras que el primer single, "Any Road", publicado en Mayo de 2.003, alcanzó el puesto número 37 en las listas de éxitos británicas.

Con la muerte de Harrison la música perdía al Beatle tranquilo y silencioso, pero con un talento brutal a la hora de componer. El mundo perdía a uno de los mejores músicos del Siglo XX.
Harrison recibió numerosos reconocimientos a lo largo de su carrera, y tras su muerte.
En 1.965, Harrison y The Beatles fueron reconocidos como Miembros de la Orden del Imperio Británico, recibiendo una insignia de manos de la reina Isabel II. En 1.970 The Beatles ganaron el premio de la academia del cine por la mejor canción original del filme "Let It Be". En 2.002, conmemorando el primer aniversario de su muerte, se celebró el concierto "Concert For George" en el Royal Albert Hall de Londres. En 2.003 fue clasificado en el puesto número 21 por la revista Rolling Stone en la lista de "Los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos". En 2.004 fue incluido en el Rock And Roll Hall Of Fame por sus amigos Jeff Lynne y Tom Petty. En 2.006 fue incluido en el Madison Square Garden Walk Of Fame. Y en 2.009 fue homenajeado póstumamente con una estrella en el Hollywood Walk Of Fame, ubicada en frente del edificio de Capitol Records.
Siempre nos quedarán sus temas, su manera de tocar la guitarra y el gran talento que tenía para componer.
Grande y eterno Mr. Harrison.

El Sultán Del Swing

The Boss........!

2011-11-26T12:45:00.008+01:00

23 de septiembre de 1949, fue la fecha que la historia reservó para el nacimiento de Bruce Fredenick Joseph Springsteen. Su sangre es irlandesa, e italiana; padre y madre, respectivamente.

En 1965 Bruce, Tex Vinyard y George Theiss, formaron el primer grupo del Boss: The Castilles. Fracasó, pero al cabo de tres años formó otro grupo, llamado Child, en el cual militaban Danny Federici y Vini Lopez.

Después de haber conocido a numerosos famosos de la canción, en 1972, el 9 de Junio, firma su contrato con la CBS. En enero del año siguiente, saca un álbum, llamado "Greetings from Ausbury Park". En julio, la CBS decide ampliar el contrato de Bruce, un álbum más. Que al final se vino a llamar "The Wild the Innocent & The E Street Shuffle". Por cierto, como dato curioso, diremos, que este disco, no salió a la venta en España, hasta que no pasaron tres años.

Tambien la lucha por el perfeccionismo se vió desde el primer día: "La fecha de lanzamiento es solo un día, pero un disco es para toda la vida" fue la respuesta que dió a los responsables de la CBS, antes de publicar el disco "Born to run". Este disco publicado en 1975 Springsteen obtuvo finalmente el éxito. A pesar de no producir sencillos de especial éxito, las canciones "Born to Run", "Thunder Road", "Tenth Avenue Freeze-Out" y "Jungleland" fueron promocionadas de forma masiva en cadenas de radio norteamericanas. Para mi este disco es quizás un punto de inflexión en la carrera del Boss; con este trabajo hay un antes y un después en la música de Bruce; con Born to Run Springsteen lograba presentar su sello más personal e inimitable.

John Landau (productor, y crítico de música en ese momento), el 9 de mayo de 1974, hizo este comentario, en referencia al jefe: "El pasado jueves vi desfilar por delante de mis ojos todo el pasado del rock n' roll. Pero también vi algo más. También ví el futuro del rock n' roll y su nombre es Bruce Springsteen".

Bruce en ese momento solamente contaba con el apoyo de las críticas, ya que él no concedía entrevistas, no quería actuar de telonero, y no jugaba según las reglas promocionales que se establecían.

Darkness on the Edge of Town es el cuarto álbum de estudio publicado por Columbia Records en 1978. Las ventas no fueron tan elevadas como las de Born to Run, si bien el álbum alcanzaría unas cifras más altas de las esperadas.

Dos años más tarde, en 1980, saldría a la venta The River, un doble álbum de estudio publicado por Columbia Records que fue seguido por una larga gira por Norteamérica y Europa entre 1980 y 1981. Algunas de las canciones incluídas en el álbum se convertirían en clásicos en sus conciertos, incluyendo "Cadillac Ranch", "Ramrod" y "Out in the Street". Desde su publicación, The River ha sido certificado como quíntuple disco de platino por la RIAA, haciendo del álbum uno de los mayores éxitos en la carrera musical de Springsteen.

Después de publicar Nebraska con discretos resultados, Springsteen publicaria el archifamoso Born in the U.S.A. Su consagración como estrella del rock fue sobretodo con este disco. Tiene muchos discos buenos antes, especialmente con Born To Run pero hay que admitir que a partir de este disco Bruce comenzó a ser uno de los mitos del Rock. Este álbum supuso las mayores ventas de la carrera musical de Springsteen, alcanzando las 15.000.000 de copias tan sólo en los Estados Unidos. Con este trabajo aparecerían varios de los grandes éxitos de su carrera, como Born in the U.S.A, Dancing in the Dark, No Surrender, Cover Me o Glory Days.

Posteriormente Bruce decidió dar otro giro a su carrera con la publicación de The Tunnel of Love. Sin embargo, este trabajo no gozó del respaldo del público y en 1992 con la publicación de The Human Touch volveria a alcanzar otra vez el primer puesto en las listas de ventas.

The Ghost of Tom Joad, publicado en 1995, es el undécimo álbum de estudio de Springsteen. El álbum se compone de un trabajo típicamente acústico, basado en arreglos con una sola guitarra acústica, y de letras que reflejan la vida a mediados de los 90 en Estados Unidos y en México. Tom Joad es el héroe de la novela The Grapes of Wrath, de John Steinbeck. Springsteen comentaría posteriormente que se inspiró en un principio en la película de John Ford basada en la novela.

En 2002 se publicaria el disco The Rising, que cosecharia un gran éxito comercial y crítico, y que fue denominado de forma general como el regreso de "El Jefe" al panorama musical. En 2003, se alzó con el premio Grammy al Mejor Álbum de Rock. Como dato curioso, la mayor parte de las canciones fueron compuestas como respuesta de Springsteen a los ataques terroristas del 11-S

Tres años más tarde volvería a repetir el éxito de The Rising, con la publicación de Devils & Dust. Sinceramente desde mi punto de vista no fue uno de los mejores discos del Boss sin embargo alcanzaría un gran éxito en las listas de ventas.

Tras un breve parón con la publicación en 2006 de We Shall Overcome: The Seeger Sessions, que supuso el primer álbum que no contiene material del músico, al estar compuesto exclusivamente por canciones populares de la música folk escritas por el músico Pete Seeger. We Shall Overcome: The Seeger Sessions ganó el Premio Grammy al Mejor disco de folk tradicional en la cuadragésimo novena edición de los premios.

Un año despues, en 2007, Bruce Springsteen volvería a trabajar con la E Street Band con la publicación de Magic, el decimoquinto álbum de estudio del músico. Desde su anuncio, Magic fue definido por el mánager de Springsteen, Jon Landau, como un álbum de "fuerte rock enérgico", con un "fuerte sonido a E Street Band" y con un énfasis menor en la temática política. Este trabajo alcanzaría el nº1 también en las listas de ventas de España, Italia, Reino Unido y Estados Unidos. Uno de los temas más conocidos fue precisamente el single Radio Nowhere.

En plena precampaña política en Estados Unidos, The Boss publicaría Working on a Dream. Precisamente, el single y tema que da título al álbum, "Working on a Dream", fue interpretada por primera vez el 2 de noviembre de 2008 junto a Patti Scialfa en un acto de la campaña electoral del candidato a la Presidencia y posterior Presidente de EEUU, Barack Obama. A comienzos de febrero de 2009, la cadena de televisión VH1 emitiría el documental Bruce Springsteen: The Making Of 'Working On A Dream' como medio de promoción de la gira Working On A Dream Tour que esa primavera daría inicio por todo el mundo.

Las críticas sobre Working on a Dream fueron dispares. La revista musical Rolling Stone otorgó al álbum cinco estrellas y lo comparó con el álbum de 1975 Born to Run en escala y ambición. Sin embargo, el columnista de Los Angeles Times Ann Powers escribió sobre el álbum: "Lo mejor que se puede decir de Working on a Dream es bulliciosamente "ligero de cascos" y estimulantemente malo"

En la actualidad, hay muchas personas que dicen que Bruce ya no es el mismo, y que no disfrutan de el. Por supuesto que no es el mismo, todos cambiamos con el tiempo, está casado y tiene familia. Es diferente, tiene dinero, mucho dinero, pero que mucho dinero, más del que muchos podríamos soñar en tener en toda nuestra vida. Todo eso es normal, es lógico que influya en su vida, y de igual manera influye en su forma de componer, evidentemente. Yo personalmente, sigo disfrutando de Bruce. Sigo disfrutando de su música.

Por último no me gustaria olvidarme del gran saxofonista de la E Street Band, Clarence Clemons, que a los 69 años de edad nos ha dejado. Sus poderosos y evocadores solos en temas como Born to run o Bandlands forma parte de la historia del pop.

Bruce Springsteen actuará la próxima primavera, acompañado por su E Street Band, en Sevilla, Barcelona, San Sebastián y Madrid. La gira europea de Springsteen arrancará el 13 de mayo en el estadio sevillano de La Cartuja, y proseguirá el día 17 de ese mismo mes en el Olímpico de Barcelona. Ya en junio, actuarán el día dos en el Estadio de Anoeta de San Sebastián, y el 17 en el madrileño Santiago Bernabeu. Además The Boss ha adelantado también la salida de un nuevo trabajo discográfico con la E Street Band, cuya grabación acaba de finalizar y del que muy pronto habrá más detalles.

El Puto Jefe en el Santiago Bernabeu

Freddie Mercury: 20 Años Sin El Genio

2011-11-24T11:25:00.023+01:00

Hoy, 24 de Noviembre de 2011, se cumplen 20 años de la muerte de la que ha sido, en mi opinión, la mejor voz de la historia del Rock. Hoy hace 20 años nos dejó Freddie Mercury. Hoy hace 20 años murió uno de mis ídolos, murió un artista incomparable e inconfundible, sobre todo gracias a su voz. Un artista con una energía espectacular en un escenario y una manera sublime de actuar.
Sus extravagancias, el querer vivir la vida al límite, y sus muchos excesos le pasaron factura. En 1987 le fue diagnosticado el SIDA, que fue lo que acabó con su vida. A pesar de tener la enfermedad, Mercury siguió trabajando con Queen en el lanzamiento de nuevos trabajos como si no le pasara nada. Pero su deteriorado aspecto segun avanzaba el tiempo, el que la banda ya no hiciera giras, y la poca aparición de Freddie en los video clips hicieron que la gente empezara a sospechar sobre si estaba gravemente enfermo.

Freddie siempre negó que tuviera la enfermedad cada vez que se le preguntaba sobre ello, sobre todo por parte de la prensa. De hecho, cuando llevaba sus medicinas a su casa lo hacía con muchísimo cuidado y en secreto para no ser visto. Pero un dia antes de morir, viendo que su estado era lamentable, que los rumores sobre su enfermedad se acrecentaban, y sus últimas imágenes públicas en las que aparecía extremadamente delgado, virtualmente ciego, sedado y apenas sin poder hablar, y con un aspecto muy muy desmejorado, zanjó dichos rumores e hizo publica su enfermedad tras reunirse con Jim Beach, manager de Queen. Mercury, al dia siguiente de reunirse con el manager de la banda hizo pública esta nota.

"Respondiendo a las informaciones y conjeturas que sobre mi han aparecido en la prensa estas dos últimas semanas, deseo confirmar que he dado positivo en las pruebas del virus y que tengo el SIDA. Es hora de que mis amigos y mis fans en todo el mundo conozcan la verdad. Y deseo que todos se unan a mi, a mis médicos, y a todos los que padecen esta terrible enfermedad para luchar contra ella"

Con la muerte de Mercury el mundo de la música perdió a uno de los mejores cantantes y compositores de los últimos 20 años. Su voz de barítono al hablar se convertía en tenor a la hora de cantar. Y en cada concierto deleitaba a los espectadores con unas improvisaciones vocales propias de lo que era el, un maestro.

Ya fallecido, recibió varios reconocimientos. En el 2005, en una encuesta realizada por Blender y MTV2 fue nombrado mejor cantante masculino de todos los tiempos. En 2006, la revista Time Asia le nombró como uno de los heroes asiáticos más influyentes de los últimos 60 años y uno de los mejores cantantes en la historia de la música popular. En 2008, la revista Rolling Stone le ubicó en el puesto 18 en su lista de los mejores vocaclistas de todos los tiempos, y Allmusic definió a Freddie Mercury como uno de los líderes más carismáticos y más dinámicos de la historia del rock. The Sun situó a Mercury en el primer puesto en una encuesta realizada en la que pretendía encontrar al máximo Dios del rock. Por último en 2009, en una encuesta realizada por la revista Classic Rock le colocó en el primer puesto entre los mejores cantantes de rock de todos los tiempos.
Un crítico musical describió la voz de Mercury con estas palabras: "En la escala de algunos compases va de un gruñido tipo rock gutural a tierno y vibrante tenor, y luego a un tono de alta coloratura, perfecta, pura y cristalina en la parte alta". Montserrat Caballé, gran amiga de Mercury, dijo del cantante británico que "la diferencia entre Freddie y la mayoría de las estrellas del rock es que el vendía la voz". Aunque según fueron pasando los años y la carrera de Mercury y la propia banda iba progresando, Mercury reemplazaba las notas más agudas que interpretaba en los conciertos cantándolas en otras octavas más graves. Esto era debido a los nódulos vocales que padecía el cantante.

Ya desde muy pequeño Freddie Mercury empezó a destacar en el mundo de la música. Adoraba la ópera y en el colegio al que fue enviado con solo 8 años, formó su primera banda "The Hectics" donde tocaba el piano. De hecho, un amigo suyo durante esos años dijo que tenía una habilidad increíble para escuchar la radio y reproducir las melodías en el piano. Ese don le acompañó hasta el final de su vida.

Freddie Mercury aparte de tener esa voz tan prodigiosa tenía una habilidad fantástica a la hora de tocar el piano, instrumento que aprendió a tocar en La India hasta la edad de 9 años, y con el que compuso numerosas canciones que llegaron a ser Nº1 en las radios.

Freddie Mercury, aunque tocara de una manera sublime el piano, nunca estaba conforme con la manera en que lo hacía. En los conciertos siempre delegaba esa función ya que el prefería caminar por el escenario y entretener al público.

Además, cuando se mudó a Londres, aprendió a tocar la guitarra ya que la mayoría de la música que le gustaba se basaba fuertemente en la guitarra. Grupos como The Who, The Beatles, Jimi Hendrix o Led Zepellin eran los favoritos de Freddie por aquel entonces. Pero al contrario que ocurría con el piano, en el que Freddie Mercury componía la mayor parte sus canciones, con la guitarra solo compuso dos canciones: "Ogre Battle" y "Crazy Little Thing Called Love". A pesar de que escribía muchas lineas de guitarra, Mercury poseía rudimentarias habilidades para tocar dicho instrumento.

Freddie Mercury se incorporó a Queen en el año 1970, cuando conoció a Brian May y Roger Taylor en la Universidad de West Thames, donde estudió diseño gráfico. May y Taylor ya estaban en la banda a la que luego se incorporó Mercury, cuyo nombre por aquel entonces era "Smile". Cuando Mercury era ya el alma mater de la banda, decidieron cambiarla de nombre. Muchos nombres fueron los que propusieron, pero al final Mercury optó por el nombre de Queen. Mercury era consciente de la connotación gay del nombre, pero como bien dijo el mismo, eso era solo una faceta del nombre.

Desde los inicios de la banda con el nombre de Queen, Mercury ya empezó a componer canciones que serían números uno en las radios. Su melena, su ropa ajustada -especialmente sus mallas-, sus uñas pintadas de negro, sus botas, sus zapatos de tacón o sus collares nunca pasaron desapercibidos para el público.

En 1973, con la salida de su segundo album "Queen II" Mercury dejó su sello componiendo "Seven Seas Of Rhye", canción que rápidamente se coló en las listas de éxitos británicas.

Gracias a esa canción Mercury y la banda se dieron a conocer rápidamente, y el éxito les empezó a llegar. Pero fue en 1974, con la salida de "Sheer Heart Attack" -tercer album de la banda- donde se produjo el bombazo de la banda, y del propio Freddie Mercury. Para ese album Mercury compuso "Killer Queen", primer gran éxito de la banda, y que rápidamente fue Nº1 en las listas. En ese disco aparecen también temas como "Now I'm Here" y "In The Lap On The Gods". "Sheer Heart Attack" llegó al número 2 de la lista de los discos más vendidos en el Reino Unido, y al número 12 en las listas de los Estados Unidos.

Si la del "Sheer Heart Attack" fue el bombazo para la banda, dos años después, en 1975, fue la explosión definitiva del grupo. Con Mercury y Queen en lo más alto, ese año salió a la venta "A Night At The Opera", cuarto album de la banda y su disco más vendido. En este disco, que debe su nombre a la película de los Hermanos Marx "Una Noche En La Ópera", Mercury compuso el que para mi es el himno de la banda. Bohemian Rhapsody. Esta canción inmortalizó a la banda, y en ella Freddie Mercury deja su sello en la letra y música de dicho tema.

Además de Bohemian Rhapsody, Mercury compuso también otro clásico de Queen como "Love Of My Life". Tema que escribió dedicado a la que era su novia por aquel entonces, Mary Austin. En este album también aparecen clásicos de la banda como "You're My Best Friend", "39" o "I'm In Love With My Car". Este album fue número 1 en cuatro paises y ha sido certificado como triple platino (más de tres millones de copias vendidas). Fue nombrado por Channel 4 como el mejor décimotercer album de todos los tiempos, incluido en el libro "1001 albumes que debes escuchar antes de morir"

A partir de ese momento Mercury y la banda comenzaron a saborear las mieles del éxito. En los siguientes años se fueron adaptando a los estilos musicales que estaban de moda, a la vez que su imagen iba cambiando poco a poco.

En el año 1978, Mercury, aparte de su cambio de imagen, compondría un tema que, además de inmortalizarlo al igual que sucedió con Bohemian Rhapsody, se convirtió en un himno de la banda y de la música en los años venideros, además de ser una de las mejores canciones de la historia. "We Are The Champions". Este tema,que escribió Freddie para homenajear al Manchester United, fue la canción oficial del mundial de fútbol de 1994 y ha sido utilizada o referida varias veces en distintos ámbitos de la cultura popular. Esta canción en principio iba a ser sacada en el album "A Night At The Opera" pero al final Mercury desistió porque no era del estilo del disco, y no pegaba. La sacaron en el "News Of The World" junto a otro himno inmortal de la banda, "We Will Rock You".

A partir de 1980, Freddie Mercury cambió su imagen por completo. Se cortó el pelo, se dejó bigote y adelgazó bastante. Además, hacía ya unos años que había dejado las mallas ajustadas por las chaquetas y los pantalones de cuero. Esa nueva imagen de Mercury no gustó nada a sus fans, que comenzaron a enviarle esmalte de uñas y cuchillas de afeitar.
En ese año de 1980, después de que el grupo hiciera la banda sonora de la película "Flash Gordon", salió a la venta "The Game", octavo album de la banda. Con este disco volvieron al número 1 en el Reino Unido y en Estados Unidos, gracias sobre todo a los más de los 4 millones de copias venidas, y a temas como "Another One Bites The Dust", "Save Me" o "Crazy Little Thing Called Love".

Después de las malas críticas que tuvo su anterior trabajo, "Jazz", del que hasta se dijo que era un disco fascista, a pesar de estar en el temas como "Bycicle Race" o "Don't Stope Me Now", canción que abrió de par en par las puertas del mercado americano al grupo británico, con "The Game" Queen y el propio Freddie Mercury volvían al sitio que se merecían.

A finales de 1982, después de sacar el album "Hot Space", disco que alcanzó el puesto número 4 en las listas de éxito, estando durante 19 semanas en ellas y llegando a ser disco de oro, gracias a canciones como "Under Pressure", en la que Mercury la canta junto a David Bowie, Mercury y la banda decidieron tomarse un respiro. Esto sirvió para que Mercury publicara su primer disco en solitario: "Mr. Bad Guy". En este album Mercury escribió temas como "I Was Born To Love You" o "Living On My Own". Este disco dista mucho de la música que hacía Mercury con Queen. Es un album donde destaca el pop. El 16 de noviembre de 1992, un año después de morir Mercury, salió a la venta "The Freddie Mercury Album" como album póstumo del cantante. Rápidamente alcanzó el puesto número 4 en el chat, y permaneció en cartelera nada menos que 14 semanas alcanzando el estatus de Disco De Oro en Inglaterra gracias a canciones como "The Great Pretender".

Fue en 1984 cuando Mercury y Queen volvieron a juntarse. Y lo hicieron sacando uno de los discos más vendidos de la década de los 80: "The Works". Este disco fue el disco de Queen que más tiempo permaneció en el ranking musical del Reino Unido gracias a las 93 semanas en las que se mantuvo. Llegó a ser número 2. En este disco se encuentran temas como "Radio Ga-Ga", "I Want To Break Free" o "Hammer To Fall". Mercury en este disco volvió a dejar su sello componiendo "It's A Hard Life".

El 13 de julio de 1985 fue sin duda uno de los dias más inolvidables para Mercury y Queen. Ese dia participaron en el concierto benéfico "Live Aid", concierto que se retransmitió a todo el mundo.

Tras el éxito que supuso "The Works", sobre todo en latinoamérica, en el año 1986 se publicó "A Kind Of Magic". Este disco fue un éxito absoluto de la banda, ya que durante 63 semanas estuvieron en lo más alto de las listas gracias a canciones como "A Kind Of Magic", "One Year Of Love" o "Who Wants To Live Forever". Freddie Mercury volvió a deleitarnos componiendo "Princess Of The Universe" o "Friends Will Be Friends". Además, el album en si es en la banda sonora de la película "Los Inmortales". Gracias a esa película, la canción "Princess Of The Universe", compuesta por Freddie Mercury, fue un éxito rotundo desde el primer momento.

Este disco supuso el último trabajo con el que la banda salió de gira, ya que al año siguiente Freddie Mercury contraía el SIDA. En la gira de este disco está uno de los mejores conciertos del grupo, el ofrecido en julio de 1986 en el Estadio de Wembley.

En 1988, ya con el SIDA, Freddie Mercury sacó junto a Montserrat Caballé el album "Barcelona", segundo album en solitario del cantante británico. Este disco se grabó entre 1987 y 1988, momento en el que Freddie Mercury y Montserrat Caballé se conocieron. En este disco encontramos el tema "Ensueño" en donde Mercury canta en español y "La Japonaise" en donde Mercury canta tramos en japonés. Para redondear este disco, en la canción "The Golden Boy" se agregan coros al estilo gospel. Barcelona, la canción que da título a este album, fue elegida para ser la canción oficial de los JJ.OO. de Barcelona gracias al enorme éxito que tuvo desde el primer dia. Además, esa canción supondría la última actuación de Freddie Mercury. Fue tocada en el funeral del propio cantante.

Ya durante sus últimos años de vida, con sus fuerzas comenzando a flaquear segun pasaba el tiempo, Mercury compuso temas dejando caer que su final estaba cerca. En los últimos videoclips de la banda se cuidó al detalle la imagen de Freddie para que no se notara los síntomas de su enfermedad. En 1989 nos vuelve a deleitar componiendo "The Miracle", canción que da nombre al album número 13 del grupo, que al igual que los anteriores fue un éxito rotundo. Canciones como "I Want It All", "Breakthru" o "The Invisible Man" lo refrendan. Ese album está en una visión esperanzadora de Freddie Mercury frente a su enfermedad.

Pero fue en 1991, unos meses antes de su muerte cuando Mercury cantó una de las canciones que le hicieron leyenda. El album "Innuendo" fue el último disco de la banda antes del fallecimiento de su vocalista. Y en el está, aparte de temas como "Innuendo" o "Headlong", una de las mejores canciones de la banda: "The Show Must Go On".Ese album es todo lo contrario a "The Miracle". En este album se pasa de la esperanza de Freddie a una pieza dramática sabiendo que su final está muy próximo. El album estuvo durante dos semanas como número uno de las listas británicas.

Tras la muerte de Freddie Mercury, Queen sacó a la venta el album "Made In Heaven". Este album se editó, en su mayoría, con grabaciones hechas por la banda mientras vivió Freddie Mercury y arregladas para la ocasión. Canciones como "Too Much Love Will Kill You", "You Don't Full Me" o "Let Me Live" se encuentran en ese album, además de "Made In Heaven" y "I Was Born To Love You", canciones del primer disco en solitario de Freddie Mercury, que la banda arregló para publicarlas en este album.

En 1992, Queen hizo un concierto homenaje a Freddie Mercury en el estadio de Wembley en el que la banda cantó sus grandes éxitos con la colaboración de otros artistas invitados como Robert Plant, George Michael, Elton John, Liza Minelli o Roger Daltrey. Este concierto fue emitido en directo a 76 millones de personas y se estima que lo siguieron mil millones de personas.

Con Freddie Mercury no solo se iba uno de los mejores músicos y compositores de la historia. Para mi se iba uno de mis grandes ídolos, uno de los grandes culpables de que adore la música de la manera en que lo hago, un referente en el mundo de la canción. Se iba un cantante que ha dejado un hueco que nadie ha conseguido tapar, gracias sobre todo a su inconfundible e incomparable voz con la que conquistó a tanta gente. Se iba el mejor cantante de rock de la historia.

Con su muerte se iba la corona de Queen.

Allá donde esté seguro que está continuando el show de los mejores años de su vida.

Eterno Mr. Mercury.

El Sultán Del Swing

U2 - Where The Streets Have No Name

2011-11-22T16:28:00.023+01:00

Corría el año 1987 cuando The Edge, guitarrista de U2, compuso esta canción. La compuso la noche antes de que la banda retomara las sesiones de grabación de uno sus discos más vendidos "The Joshua Tree". The Edge usó un grabador de 4 pistas para registar un arreglo de teclado, guitarra eléctrica, bajo eléctrico y batería. Las sesiones de grabaciçon del disco estaban llegando a su fin, y U2 apenas tenía canciones que sonaran excepcionales en directo. The Edge se pudso en la piel de un fan de la banda para crear "la última canción en directo de U2" Tras finalizar las mezclas, The Edge sintió que había encontrado la parte de la guitarra y la canción más asombrosa de su vida.

A la banda le fascinó la demo grabada por The Edge, pero les fue muy dificultoso grabar la canción. El arreglo, con dos tipos de compás diferentes y frecuentes cambios de acordes, se practicó muchas veces. El grupo hasta que no consiguió una interpretación que les gustara no paró.

La banda trabajó en una sola toma durante semanas, ya que esa versión particular tenía muchos problemas y el grupo siguió trabajando en ella hasta arreglarla. A lo largo de su trabajo, fueron reemplazando gradualmente cada toma instrumental hasta que no quedó nada de la interpretación original.

La versión en estudio de la canción es una compilación de varias tomas diferentes. La letra corrió a cargo de Bono, que la escribió durante un viaje humanitario a Etiopia con su esposa. El gancho de la canción es un arpegio de guitarra eléctrica repetitivo que posee un efecto de delay que se puede escuchar al principio y al final de la canción. Bono inspiró la letra sobre una historia que escuchó en las calles de Belfast, donde la religión y procedencia de la persona se hacen evidentes al saber en que calle vive.

La canción es la primera del album "The Joshua Tree" y fue lanzado como tercer sencillo en Agosto de 1987 y rápidamente tuvo un éxito comercial tremendo y elogios por parte de la crítica. Llegó al puesto 13 en Estados Unidos, al 14 en Canadá, al 10 en los Paises Bajos y al 4 en el Reino Unido.

La canción es, sin duda, una de las más populares de la banda, sobre todo en directo. Es una canción fija en los conciertos desde su debut en la gira "The Joshua Tree". Además, ganó un Grammy en la categoria de mejor interpretación en un video musical. El propio Bono ha reconocido varias veces que es empezar a tocar esta canción y cambiar completamente aunque estén en el peor recital de sus vidas, ya que es empezar a sonar y la gente volverse loca cantando cada palabra y saltando.

Noel Gallagher´s High Flying Birds

2011-11-19T11:15:00.004+01:00

Noel Gallagher's High Flying Birds es el esperado disco en solitario de Noel Gallagher tras la separación de Oasis. El álbum fue lanzado el 17 de octubre de 2011, y es el primer material de estudio nuevo del hermano mayor de los Gallagher, Noel, desde que dejara Oasis en agosto de 2009.

La ruptura de Oasis no fue necesariamente "trágica" para mi. Como era de esperarse, Liam formaría su propia banda y trataría de probar que podía valerse por sí mismo y Noel haría lo propio con un esfuerzo en solitario. La diferencia radica en que el segundo no necesitaba probar absolutamente nada, pues su posición como "cerebro" en Oasis estaba más que consolidada.

A sabiendas de que su reto era más grande (había perdido al principal compositor de sus canciones), Liam "alquiló" a medio mundo: Gem Archer, Andy Bell y Chris Sharrock (guitarra, bajo y batería en Oasis) firmaron con su causa. Beady Eye lanzó el disco Different Gear, Still Speeding a principios de año y para noviembre ya (prácticamente) nadie se acuerda de aquel disco...

El mejor tema del disco del High Flying Birds quizás sea ‘The Death Of You And Me’. El primer sencillo del disco ya dejaba claro también que Noel se mantenía fiel al estilo de composición que le ha caracterizado desde siempre. Esto, por supuesto, se traduce en buenas noticias para los seguidores de la vieja escuela: es casi imposible pensar que este álbum pase desapercibido en los oídos de cualquiera que haya amado "Fade Away", "Whatever", "The Masterplan", "Listen Up". "Talk Tonight", etc, etc, etc.

Con "If had a gun", Noel confirmaba que estaba de vuelta y en plena forma... casi podíamos ver a Liam arrojando bufandas al por mayor en su tiendita de ropa preso del mayor berrinche del año. Damas, caballeros y niños: aquello era un himno.

TRACKLIST DISCO

01. Everybody’s On The Run

02. Dream On

03. If I Had A Gun…

04. The Death Of You And Me

05. (I Wanna Live In A Dream In My) Record Machine

06. AKA… What A Life!

07. Soldier Boys And Jesus Freaks

08. AKA… Broken Arrow

09. (Stranded On) The Wrong Beach

10. Stop The Clocks

Con la publicación del álbum hace un mes pude escuchar los 10 temas y corroborar que la elección de los sencillos había sido bien pensada: sin lugar a duda eran las mejores canciones del álbum. Cierto es que no encontramos una canción a la altura de las ya aludidas pero tampoco nos encontramos con las típicas canciones de relleno que suelen ser habituales en todos los discos. High Flying Birds se escucha de cabo a rabo y se defiende como un trabajo sólido, cargado de momentos brillantes.

Este disco me encanta; me parece 100% Oasis y en el que Noel saca a relucir todo su talento. No sé exactamente a qué se debe, aunque apostaría que el haberse deshecho de la mala influencia que suponía en él su hermano Liam, y el hecho de no tener que escribir para agradar a toda la banda, debe haber ayudado. El salto cualitativo es evidente, y con estas canciones Noel parece haberse quitado un peso de encima.

Concierto Íntegro en BBC Radio 2 - Noviembre 2011

No me andaré con rodeos, creo que estamos ante un disco mucho mejor que el de Beady Eye. Si los temas de Oasis, en su mayoría, estaban compuestos por Noel Gallagher, y entre ellos se incluían los mejores, ¿cómo no iba a sonar mejor High Flying Birds que Different Gear, Still Speeding, si detrás estaba la mente que compuso lo mejor de Oasis? Si, el de Liam es mucho más rockero, y no es malo, en absoluto quiero decir eso, pero el de Noel está bastante mejor acabado, con un sonido mucho más limpio y ordenado, salido directamente de su mente, sin intermediarios, cosa que le da cierta ventaja. Por supuesto, la parte perjudicada en este caso es la que se queda con la voz (Liam), porque es lo más fácilmente reemplazable, y es que además, creo que Noel sale mucho mejor parado porque al final, su voz, es incluso mejor que la de Liam y que ofrece más registros. Al menos ahora.

¿Realmente alguien puede dudar del talento de Noel Gallagher?

Stairway To Heaven: Una de las canciones más culminantes de la historia del rock

2011-11-16T11:53:00.006+01:00

Corría el año 1970 cuando Jimmy Paige y Robert Plant compusieron una de las obras maestras mas colosales de la historia de la música: Stairway To Heaven. A dia de hoy, cuando ya han pasado 40 años desde su publicación, Stairway To Heaven sigue siendo una de las canciones más solicitadas en las emisoras de radio en todo el mundo.

La canción no fue editada como sencillo por negativa de la banda, cosa que contribuyó a que el disco "Led Zepellin IV", cuarto trabajo de la banda, sea uno de los discos más vendidos de la historia. Y el solo de guitarra de Jimmy Paige en LA menor fue elegido como el mejor de la historia.

Stairway To Heaven salió a la luz el 8 de Noviembre de 1971. Tras las malas críticas recibidas por su tercer album, "Led Zepellin III", Jimmy Paige se hartó y en este cuarto album no incluyó ni el título del album, ni el nombre de la banda, ni el logo de Atlantic Records en la portada. La gente llegó a decir de ellos que eran un montaje.

Stairway To Heaven -como la mayoría de las canciones de este album- se compuso en Headley Grange. Una mansión sin electricidad pero con buena acústica, situada en la ciudad inglesa de Hampshire. Paige escribió la música de la canción durante mucho tiempo. La idea comenzó a idearse en Bron-Yr-Aur, una cabaña prácticamente abandonada en el interior de Gales, y donde la banda grabó el album "Led Zepellin III". La canción se grabó en los estudios Island de Londres, en 1970, cuando Paige acabó su composición.

La canción alcanzó un éxito aplastante tanto dentro como fuera del Reino Unido. Led Zepellin IV consiguió situarse como el cuarto disco más vendido de la historia solo en los Estados Unidos, con más de 23 millones de copias. Los primeros síntomas del éxito comenzaron en la primera presentación en directo del tema, el 5 de marzo de 1971 en el Ulster Hall de Belfast. Tras finalizar la canción el público congregado se quedó en silencio, pero segundos después comenzó a aplaudir sin parar y pidiendo al grupo que la tocaran otra vez. Desde ese momento la canción se convirtió en un fijo de sus conciertos.

Stairway To Heaven es, actualmente, el más reproducido en las emisoras de radio de los EE.UU., habiendo sido solicitado más de tres millones de veces en las emisoras de todo el mundo. Su partitura es la más vendida de la historia de la música rock, con más de 1.2 millones de ejemplares.

El Sultán Del Swing

"Baba O´Riley" The Who

2011-11-12T12:15:00.004+01:00

Hoy os hablaré de otro de los temas del rock que me han marcado, en esta ocasión se trata del tema "Baba O'Riley" del grupo británico The Who. Escrita por Pete Townshend, guitarrista principal del grupo, fue incluida en el álbum Who's Next de 1971; álbum que sería el disco más exitoso de la banda con un triple platino vendiendo 4 millones de copias en Estados Unidos y 1 millón en el Reino Unido.

El nombre del tema que expongo hoy toma su nombre a partir de un tributo a Meher Baba (gurú espiritual de Pete Townshend) y el músico minimalista Terry Riley.

Conocida por su innovadora fusión de hard rock y la temprana experimentación de música electrónica compuesta por el guitarrista Pete Townshend, "Baba O´Riley" se le conoce también como «Teenage Wasteland», ya que es una frase que se repite en el coro.

Townshend escribió originalmente «Baba O'Riley» para su proyecto Lifehouse, una ópera rock que iba a preceder al disco Tommy de 1969. Cuando Lifehouse fue desechado, muchas de las canciones fueron reubicadas por The Who en el álbum de 1971 Who's Next. La canción se convirtió en la primera pista del disco a pesar de las recomendaciones musicales del entorno de Townshend, ya que encontraban que era muy osado empezar un álbum con una introducción de sintetizador tan larga e imponente.

El batería Keith Moon tuvo la idea de introducir en la finalización del tema un violín, dándole a la canción unos toques de folk-rock aunque en las actuaciones en directo el vocalista Roger Daltrey sustituía dicho instrumento con una armónica. El solo de violín en la coda de la canción se basa en la música clásica de la India como homenaje a Meher Baba, el místico indio que inspiró esta canción.

Aunque muchos han intepretado la canción -Pearl Jam, Jordis Unga (INXS), The Grateful Dead entre otros, para mí la interpretación clásica sigue siendo la mejor.

«Baba O'Riley» aparece en el puesto #340 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según Rolling Stone.7 La canción está en el Salón de la Fama del Rock por ser una de las 500 canciones que formaron el Rock and Roll.

A quienes no conocíais esta canción, seguramente os suene de haberla escuchado en sus apariciones en tv, como por ejemplo en la cabecera de CSI New York o en uno de los episodios de House, Dawson Crece y Me llamo Earl. Además, aparece durante la presentación de los jugadores de Los Angeles Lakers durante los partidos jugados en el Staples Center de L.A.

"Porque cuando escuchas Baba O'Riley a todo volumen y cierras los ojos parece que los problemas se hacen un poco más pequeños"

Bohemian Rhapsody. La canción que cambió la historia de la música moderna

2011-11-09T16:15:00.005+01:00

Corría el año 1975 cuando Freddie Mercury compuso una de las obras maestras de mayor relevancia en la historia de la música moderna, que catapultó al estrellato a Queen en la que es sin ninguna duda su canción más popular, y una de las mejores canciones de todos los tiempos: Bohemian Rhapsody.

Elegido el mejor sencillo británico del periodo 1952-1977 y el mejor sencillo británico de todos los tiempos por el Libro Guinness de los Records, Bohemian Rhapsody presenta una estructura bastante inusual. Se parece más a una rapsodia clásica que a la música popular. La canción no contiene ninguna estrofa de estribillo, ya que consiste es seis secciones: Un introducción a capela, una balada, un solo de guitarra, un segmento operístico, una sección de rock, y una coda que retoma el tempo y la tonalidad de la balada introductoria. Este formato, con cambios abruptos de estilo, tonalidad y tempo es inusual en la música rock. El prestigioso diario New York Times comentó que la característica más destacada de la canción es su letra fatalista.

Destacar que el solo de guitarra a cargo del gran Brian May ha sido considerado el vigésimo mejor solo de todos los tiempos. Mercury escribió la mayor parte de la canción en su casa de Holland Road, Kensington, y se grabó en tres semanas. Comenzó en Rockfield studio 1, el 24 de agosto de 1975, luego de un ensayo de tres semanas en Herefordshire. Durante esas semanas se usaron otros cuatro estudios adicionales: Roundhouse, SARM, Scorpion y Wessex. Segun el resto de la banda, Mercury preparó mentalmente la canción y los dirigió el mismo.

Fue el sencillo más caro del mundo y es una de las grabaciones más elaboradas en toda la historia de la música. May, Mercury y Taylor cantaron continuamente de 10 a 12 horas diarias, obteniendo 180 grabaciones separadas. En aquellos tiempos los estudios solo disponían de cintas analógicas de 24 pistas, por lo que fue necesario que los tres se sobregrabaran numerosas veces y reiteraran estas grabaciones en sucesivas mezclas. Al final, optaron por acabar usando cintas de octava generación.

Fue Kenny Everett el primer productor que comenzó a poner Bohemian Rhapsoy en las radios británicas. La canción tuvo rápidamente un éxito inmediato y llegó a manos de Paul Drew que se hizo con una grabación y empezó a difundirla por las radios americanas teniendo el mismo éxito.

La canción monopolizó las listas británicas permaneciendo durante nueve semanas como Nº1. Además fue el primer sencillo en estar dos veces en el primer puesto con la misma versión. En 1991, tras la muerte de Freddie Mercury, fue sacado otra vez a la venta como lado B en "These Are The Days Of Our Lives".

Bohemian Rhapsody fue la primera canción en donde las discográficas comenzaron a practicar regularmente el acompañar a los sencillos con videoclips.

Queen firmó con la compañía Trillian, y el video se flimó en los estudios Elstree, donde la banda practicaba para las giras. Dirigido por Bruce Gowers, y grabado y editado por Barry Dodd y Jim McCutcheon. Decir que la toma de piano sólo les llevó cuatro horas y costó entre cuatro mil y cuatro mil quinientas libras.

El video se editó cinco horas después, ya que sería estrenado la misma semana en que se grabó. Fue enviado a la BBC cuando estuvo listo y se emitió en el programa "Top of the Pops" en Noviembre de 1975.

A partir de esta canción, con la que Freddie Mercury cambió la historia de la música moderna, Queen se convirtió en la mejor banda británica de la historia y una de las mejores de todos los tiempos.

El Sultán Del Swing.

El Tema: The Passenger - Iggy Pop

2011-11-05T15:00:00.004+01:00

Hoy vamos a hablar de una canción que fue grabada y publicada en 1977; perteneciente al álbum Lust For Life. Escrita por Iggy Pop se ha interpretado a menudo como "la reencarnación del espíritu nómada del punk rock".

La canción se sostiene sobre dos elementos muy reconocibles: el riff de guitarra compuesto por Ricky Gardiner y el coro la-la-la en el que participaba el propio David Bowie.

"La Iguana de Detroit", si, así es conocido Iggy en el mundillo de la música, fue pionero del punk más underground de Estados Unidos; siempre fue más un artista de culto que un creador de éxitos comerciales. Sin embargo, con The Passenger no fue así. Sin quererlo se acabaria convirtiendo en algo comercial.

The Passenger es una canción que ha pasado desapercibida durante muchos años. Como single solo apareció como la cara B de Success. No fue hasta 30 años después de la publicación de Lust For Life que las emisoras de música altenativa aprovecharon una gira de los reunidos The Stooges para recuperar esta gran canción.

Este tema se ha utilizado en numerosos anuncios y programas de televisión de todo el mundo así como objeto de cover de numerosos artistas, como por ejemplo Siouxsie and the Banshees, REM o el gran amigo de Iggy, David Bowie. Precisamente con The Halloween Jack, Iggy Pop compartiera piso en Berlin y colaborara durante la grabación de The Idiot, su álbum debut tras su salida de The Stooges, así como en Lust For Life allá por 1977. En ambos discos, Bowie ejerce de músico y coescritor.

The Passenger, uno de mis temas preferidos. Espero que os guste.

Versión de REM en 1998

Dire Straits & Eric Clapton - Sultans of Swing Live

2011-11-01T18:53:00.001+01:00

Dire Straits - Sultans of Swing [Wembley -85 ~ HD]

2011-11-01T18:53:00.000+01:00

Dire Straits - Sultans Of Swing (Alchemy Live)

2011-11-01T18:52:00.000+01:00

Una canción que cambió mi vida

2011-11-01T17:54:00.004+01:00

¿Que puedo decir yo de la canción "Sultans Of Swing"? Simplemente no tengo palabras para describir dicha canción.Solamente estarle eternamente agradecido a Mark Knopfler por componerla allá en 1977. Una canción que cambió el devenir de Dire Straits, ya que gracias a ella consiguen el estrellato.

La canción trata sobre la historia de una banda que toca en un característico pub al sur de Londres. Knopfler en su letra, describe la escena de un público minoritario y entregado, donde se toca una música no muy habitual por aquel entonces, una época en la que la gente no entendía en que una banda de rock & roll pudiera tocar con trompetas o saxos. Knopfler en esta canción homenajea al Jazz, dixie y honky tonk.

La versión que hacen de la canción en el "Alchemy" -el disco que catapultó a la banda en 1984- es simplemente antológica. En ella Knopfler, con una improvisación propia de un maestro, aumenta el tiempo de la canción con un solo de guitarra auntenticamente sublime. Haciéndola una de las mejores canciones en directo de toda la historia.

Con el paso de los años, la canción fue evolucionando. Como ejemplo tenemos la versión que la banda tocó en el concierto homenaje a Nelson Mandela por su 70 cumpleaños, en 1988, en la que Dire Straits cuenta con el lujo de tener al mismísimo Eric Clapton de segunda guitarra. En dicha canción, Clapton y Knopfler charlan en el centro del escenario, mientras que Chris White lleva el peso de la canción con su saxofón, en una versión apoteósica de la canción. Dicha versión puede ser la mejor prueba de la evolución sufrida por la canción con el paso de los años.

Mark Knopfler no solo cambió su vida al componer esta canción, sino que tambien cambió la mia. La primera vez que la escuché no pude parar de hacerlo. Es simplemente "Mi canción"

Para mi, es una de las mejores canciones de la historia de la música. Solo puedo decir Thank You, Mr. Knopfler.

El Sultán Del Swing.

El Tema: End of the Line - Traveling Wilburys

2011-10-22T12:23:00.004+02:00

The Best Of Glastonbury Festival

2011-10-15T12:31:00.006+02:00

REM (Glastonbury 2003) - Everybody Hurts

Franz Ferdinand (Glastonbury 2004) - Take Me Out

David Bowie (Glastonbury 2000) - Heroes

Radiohead (Glastonbury 1997)- Creep

Oasis (Glastonbury 1994)- Live Forever

Travis (Glastonbury 2000)- Why Does It Always Rain On Me?

Muse (Glastonbury 2004) - Stockholm Syndrome

Neil Young (Glastonbury 2009) - Rockin´ In The Free World

White Stripes (Glastonbury 2005) - Seven Nation Army

A partir del min.5

The Verve (Glastonbury 2008) - Bittersweet Symphony

Iggy Pop (Glastonbury 2007) - No Fun

A partir del min.2.05

Blur (Glastonbury 2009) - Song2

Willie Nelson (Glastonbury 2010) - Still Is Still Moving To Me

Paul Weller (Glastonbury 2007) - Town Called Malice

Paul McCartney (Glastonbury 2004) - Hey Jude

Paolo Nutini (Glastonbury 2009) - Candy

Amy Winehouse (Glastonbury 2007) - Rehab

Primal Scream (Glastonbury 2011) - Loaded

Bruce Springsteen (Glastonbury 2009) - Born To Run

Kaiser Chiefs (Glastonbury 2007) - Ruby

Artic Monkeys (Glastonbury 2009) - Fake Tales Of San Francisco

Roger Waters (Glastonbury 2002) - Money

Coldplay (Glastonbury 2011) - Fix You

Keane (Glastonbury 2004) - Everybody´s Changing

Slash (Glastonbury 2010) - Sweet Child O´Mine

Robbie Williams (Glastonbury 1998) - Angels

The Zutons (Glastonbury 2008) - You Will You Won´t

Gorillaz feat Lou Reed (Glastonbury 2010) - Some Kind Of Nature

Morrissey (Glastonbury 2011) - There Is A Light That Never Goes Out

Kasabian (Glastonbury 2005) - LFS

Crosby, Stills and Nash (Glastonbury 2009) - Long Time Gone

The Who (Glastonbury 2007) - Baba O´Riley

Ray Davies (Glastonbury 2010) - Sunny Afternoon

New Order (Glastonbury 2005) - True Faith

El Tema: Mary Jane´s Last Dance - Tom Petty

2011-10-11T17:17:00.001+02:00

La Despedida de REM

2011-09-23T18:13:00.002+02:00

El grupo de rock estadounidense R.E.M., que en más de 30 años de existencia editó 15 álbumes y decenas de éxitos como "Losing my Religion", anunció su separación el miércoles en su sitio web.

"Decidimos disolver el grupo", dijo R.E.M en un mensaje a sus "fans y amigos" publicado en el sitio oficial del grupo.

"Nos vamos con un inmenso sentimiento de gratitud, realización y sorpresa frente a todo lo que logramos. A todos los que un día se sintieron atraídos por nuestra música, gracias por habernos escuchado", agregó el grupo.

R.E.M., fundado en 1979 en el estado de Georgia (sureste) editó su primer disco, "Radio Free Europe" en 1981, antes de grabar 15 álbumes, entre ellos "Murmur", "Reckoning", "Document", "Out of Time" y "Automatic For the People", de donde salió el éxito mundial "Everybody Hurts".

R.E.M., que nació como cuarteto y se transformó en trío tras la partida del baterista Bill Berry en 1997, estaba compuesto por Michael Stipe (voz), Peter Buck (guitarra) y Mike Mills (bajo).

"Un hombre prudente dijo un día: 'el talento, cuando se está en una fiesta, es saber cuándo partir'. Juntos construimos algo extraordinario. Lo hicimos. Y ahora, lo dejamos", escribió Michael Stipe en el sitio web del grupo.

"Espero que los fans se den cuenta que no ha sido una decisión fácil de tomar. Pero todo tiene un final y queremos hacerlo como se debe, a nuestra manera", escribió, antes de concluir: "Esto fue extraordinario".

La separación del grupo no se debe a algún desacuerdo, afirmó por su parte Mike Mills, también en el sitio web.

"Tomamos esta decisión juntos, amistosamente y por el interés de cada uno. Pensamos que era el buen momento", escribió Mills.

R.E.M fue en los años de 1980 un grupo de rock independiente y en los 90 se convirtió en uno de los grupos más populares de la escena musical mundial, a la par de U2.

Su primer álbum "Murmur" (1983), que aún formaba parte de la escena "under" estadounidense, fue considerado por la revista Rolling Stone como el mejor álbum del año, por delante de "Thriller" de Michael Jackson o "Synchronicity" de The Police.

Pero el grupo alcanzó la fama mundial con los álbumes "Out of time" (1991) y "Automatic for the People" (1992), con temas como "Losing My Religion", "Drive", "Man on the Moon" y "Everybody Hurts". En Estados Unidos se vendieron más de cuatro millones de ejemplares de "Out of Time".

Si bien los álbumes siguientes no tuvieron tanto éxito, la popularidad de la banda era tan fuerte que Warner les renovó su contrato en 1996 por la suma de 80 millones de dólares.

El baterista Bill Berry dejó el grupo en 1997, pero R.E.M siguió sin él, apuntando por un tiempo a sonidos más electrónicos y menos melódicos que los que lo llevaron al éxito.

El último disco de R.E.M. "Collapse into now", fue editado en marzo pasado.

Al igual que Bono de U2, los miembros de R.E.M., y en especial su líder Michael Stipe, militaron por varias causas humanitarias, además de participar del debate político apoyando al demócrata John Kerry durante su campaña presidencial en 2004.

R.E.M también militó a favor del cierre de la prisión de Guantánamo en Cuba.

Si de algo podían presumir los componentes de REM era de su firme propósito de reformular el rock americano, de no hacer un álbum igual al anterior. Y treinta años es tiempo más que suficiente. Así que no, no es el fin del mundo. Ni siquiera tal y como lo conocemos.

El Tema: Dreamer

2011-08-26T23:11:00.003+02:00

"Dreamer", tercer single del álbum de Ozzy Osbourne titulado Down to Hearth (2001). El single alcanzó el puesto número 10 en Billboard ' s Mainstream Rock Tracks

Se suele comparar este tema de Ozzy con el famosísimo tema de John Lennon, Imagine, ya que la temática de la letra es prácticamente la misma que contiene la línea:" Usted puede decir que soy un soñador, pero no soy el único". La música también muestra algunos paralelismos como el piano al sonido de su voz.

Ozzy ha dicho muchas veces que los Beatles han tenido una gran influencia en él, incluso pudo relacionarse con ellos, ya que todos son músicos de éxito que crecieron en las zonas desfavorecidas de Inglaterra.

En el videoclip podemos ver al bajista Robert Trujillo, que además de salir de gira de concertos con el propio Ozzy, muchos lo conocereis por ser el bajista de la banda norteamericana Metallica.

Me gusta este tema de "El Padrino de Heavy Metal". Uno de los mejores temas del SOFT METAL.

El Tema: You Will You Won´t

2011-08-13T17:00:00.003+02:00

The Zutons se formaron en Liverpool en el 2001, tomando su nombre del guitarrista de The Magic Band, Bill Harkleroad, mejor conocido como Zoot Horn (o "Zuton") Rollo.

La música de la banda ha demostrado ser difícil de categorizar, siendo descrita como "punk psicodélico de caricaturas" con un deje único de pop-rock, jazz y funk.

You Will You Won´t es uno de sus singles. Es el segundo sencillo del álbum Who Killed...... The Zutons? (2004)