THW AKTUELL

Der letzte Schrei

noreply@blogger.com (thw) — Thu, 12 Jan 2012 17:57:00 +0000

a la 'Krups' und das nötige Notizbuch dazu:

inclusive exclusive Brille, Lunor...

Wo? Oh,wo?

noreply@blogger.com (thw) — Thu, 12 Jan 2012 17:47:00 +0000

Den Text habe ich wieder gefunden. Er gefällt mir immer noch, auch wenn er aus dem Jahre 2009 stammt. Jetzt frage ich mich nur: Ist der Text veröffentlicht worden und an welcher Stelle? Sachdienliche Hinweise nehmen wir gerne entgegen.

Spreu vom Weizen

Einige mögen sich jetzt tatsächlich die Hände reiben. Mag sein, dass sie es zu früh tun. Oder zu spät. Dennoch ist die Situation in jeder Hinsicht außergewöhnlich. Die Kapitalverluste im Rahmen der derzeitigen Finanzkrise lassen sich nicht mehr in überschaubaren Zahlen beschreiben. Verluste von 23 Billionen Dollar steht ein weiterer Verlust von 57 Billionen Dollar gegenüber, weil eine Blase platzen könnte, die durch spekulative Kreditversicherungen entstand. Dem gegenüber sind die Gewinne und Verluste auf dem internationalen Kunstmarkt Peanuts. Und es mag von daher herrühren, dass sich die Finanzkrise im Bereich der Bildenden Kunst nicht so vehement abzeichnet wie es beispielsweise beim Automarkt sich darstellt.

In New York aber hat man sich vor kurzem zusammen gefunden, um über eine Ästhetik der Rezession zu sprechen. Auf dem Podium saßen sich gegenüber Hal Foster, Professor Kunst und Archäologie at Princeton, und David Joselit, Professor für Kunstgeschichte Yale, in einem Gebäude, das selbst ein Opfer der Rezession ist. Einstmals beherbergte es die Dia Art Foundation und nun wird es als temporärer Kunstraum benutzt. In der gegebenen Situation antwortet die Institution schon auf eine Frage eines ganzen Fragenkatalogs, der eine Grundlage für die Darstellung vor Ort bildete. Diese Frage lautete ganz einfach: Kann das Museum der neoliberalen Ära aufrecht erhalten werden? Und die Antwort lässt sich im europäischen Kontext ganz einfach geben: Wenn der Staat an dieser Stelle einspringen will, dann wohl doch.

Dass wir an dieser Stelle den Staat einbringen, geschieht im Hinblick auf eine wesentliche Unterscheidung. Im Gegensatz zu den USA gibt es hier eine staatliche Verantwortlichkeit für Bildung, die man auf der anderen Seite des Ozeans nicht so sehen mag. So hören wir zwar von Absagen etlicher Sponsoren, die auch etliche Projekte gefährden, aber Liam Gillick wird wohl nicht das Handtuch schmeißen, weil die Deutsche Bank sich aus der Förderung des deutschen Pavillons auf der Biennale in Venedig zurück gezogen hat. Werden wir im Juni dann eine verkleinerte Biennale vor uns haben? Das ist nicht zu befürchten, eher wird man vor Ort im jeweiligen Staat einige Atelierhäuser schließen oder sie direkt an die Künstler übergeben. Und damit findet sich dann doch auch eine andere Antwort für den Fragenkatalog zur Ästhetik der Rezession oder, um näher am amerikanischen Wortlaut zu bleiben, der rezessionalen Ästhetik.

Wollten wir diese Begriffbestimmung wirklich ernst nehmen, sähen wir uns dann nicht in den vergangenen Jahren einer expansiven Ästhetik gegenüber? Schließlich ist das Gegenteil von Rezession die Expansion. Unter dem Titel einer 'expansiven Ästhetik' könnte man dann diese Jahre des stetigen Aufschwungs eines heiß laufenden Kunstmarkts rubrizieren. Allerdings hätte dieses Phänomen diese Begriffsbestimmung kaum verdient. Denn der Markt betrieb wohl alles anders als eine begriffliche Expansion der Kunst. Bis auf wenige Ausnahmen wurde das 'klassische' Repertoire hochgehalten. Wer da von 'künstlerischer Intelligenz' oder 'Dematerialisation' sprechen wollte, den hätte man weg geschickt, um die Post zu holen.

Zugegebenermaßen leidet der Begriff an einem Missverständnis besonderer Güte. Zum einen hat kaum einer nach einer Ästhetik der Hausse auf dem Höhepunkt des Kunstmarkts gefragt und diese Ästhetik wäre dann wohl auch auf taube Ohren gestoßen. Zum anderen lassen sich Geschehnisse wohl auch besser analysieren 'post faktum'. Das hat Gerrit Gohlke gerade in aller Ausführlichkeit getan und den Finger in die Wunde gelegt: "Dann sollte man auch fragen, ob die Ähnlichkeit zwischen den Hedge-Fonds und dem Kunstbetrieb zuletzt deshalb tiefer ging, weil auch Teile des Kunstmarktangebots bereits einem Schneeballsystem glichen, in dem man nur deshalb auf die materielle Deckung des aktuellen Preises vertrauen konnte, weil man wusste, dass der nächste Preis mit gesetzmäßiger Berechenbarkeit noch höher ausfallen würde."

In dieser Sicht sind Kunstwerke dann 'Derivate' in ganz besonderer Art und Weise. Diese Derivate besonderer Art wurden publizistisch auf eine Weise begleitet, dass deren Charakter tatsächlich eher einer Aktie glich als einem Kunstwerk, dessen Wert im umgekehrten Verhältnis zur Bedeutung stand. Abzulesen war das beispielhaft an dem Ausstellungszirkus der letztjährigen Jeff Koons Tournee. Es fällt schwer dabei von einem Beitrag zur Kunstgeschichte zu sprechen.

Gerade das Werk von Koons steht für die Abkopplung des Wertes von der Bewertung. Aber gerade diese Bewertung blieb das große Manko. Zum einen weil die Verkäufer und Verkäufer an einer Bewertung gar nicht mehr interessiert waren, zum anderen weil die Kunstkritik selbst sich dem Markt mehr oder minder ergeben hat. Wenn einer der kritischen klugen Köpfen dahinter seinen Platz in der Redaktion verlässt, dann ist mehr als ein Zeichen, es ist ein Symptom. Für andere kritische Köpfe findet sich schnell ein Ersatz, es ist ja nicht nur en vogue Künstler zu sein, es ist auch en vogue als Kritiker oder Kritikerin aufzutreten.

So taucht dann im Fragenkatalog der Rezessionästhetik auch dieser Satz auf: Wie wird Kunstkritik wieder bedeutend? Und auf allen Podien und seien es eines zum Werk von Harun Farocki anlässlich einer Ausstellung in der Galerie Barbara Weiss wird diese Frage gestellt, hier auf das Tablett gehoben durch Diedrich Diederichsen. Tatsächlich steht das Werk von Harun Farocki im Kontext einer Galerieausstellung ja auch für die Expansion der Werkbegriff einer zeitgenössischen Kunst. Handelt es sich hier um Kunstwerke? Ja und nein. Sicherlich lässt sich das Werk von Harun Farocki unter dem Signum einer expansiven Ästhetik rubrizieren. Weniger Wohlgefallen und Ambiente, eher Wissensproduktion als Wissensverarbeitung im Sinne einer künstlerischen Intelligenz. Die findet die Mittel der Darstellung gemäß einer Logik, die dieser Intelligenz inhärent ist und nicht dem bloßem Markt gehorcht oder den Ansprüchen einer wie immer gearteten Öffentlichkeit. Dass man derartigen Werken und Arbeitsweisen nachforschen muss, spricht nicht dagegen. Es ist allerdings ein Einwurf gegen eine bloße Marktkunst, deren Ausdruckmittel und Medienvielfalt doch sehr beschränkt sind. Lifestyle ist eben doch eher beschränkt gegenüber dem Verlangen nach Erkenntnis und sei es in der Diversifikation.

Davon lässt sich hier sprechen, Diversifikation eines Kunstbegriffs wie auch Diversifikation einer Angebotspalette. Das erstgenannte mag einem avancierten Verständnis zeitgenössischer Kunst durchaus zustatten kommen. Vielleicht gibt diese Baisse im Sinne einer Rezessions-Ästhetik wieder Anlass dazu, sich über Formen, Medien und Distribution zeitgenössischer Kunst Gedanken zu machen, die über den beschränkten Rahmen von Märkten, Galerien und Kunstvereinen sowie Museen hinaus gehen. Welche Vermittlungsinstanzen können in der gegebenen Situation noch Bedeutung beanspruchen oder avanciert genannt werden. Wenn eine andere Ästhetik wieder Aufmerksamkeit dafür schafft, dann wäre viel gewonnen.

Das zweit genannte, Diversifikation der Angebotspalette, ist dann eher unwillkommene Begleiterscheinung. Aber mit dem Hinweis auf die Begleiterscheinung lügen wir uns etwas in die Tasche. Denn eines sollte auch jetzt klar sein, auch wenn die Hausse vorbei ist und man sich wieder den 'wichtigen' Fragen zuwenden darf: Kunst ist immer auch Geschäft. Mal ein gutes Geschäft, mal ein schlechtes. Und dieses Bewertung betrifft diesmal nicht die Umwandlung von Material in Geld, sondern die jeweils spezifische Transsubstantiation. Wir greifen hier bewusst auf einen Begriff aus der Theologie zurück, um Distanz zu gewinnen zur Kunst als Derivat. In diesem Sinne verteidigen wir den 'Verkauf' von Werken Harun Farockis, während wir den Verkauf von Werken von Jeff Koons kritisieren und ablehnen. Dass bei einer derartigen Wertung dabei Vorlieben und Bewertungen einfließen, ist erwünscht. Wer argumentative Strenge einfordert, ist an dieser Stelle nur zu faul, zu der eigenen Meinung zu stehen.

Vielleicht ist die gegebene Situation tatsächlich eine Möglichkeit, die persönliche Meinung als ein Argument zu stärken. Argument und Meinung stehen offiziell im Widerspruch, aber wer genauer hinschaut begreift, dass es sich dabei auch um Spreu und Weizen handelt. Kein Weizen ohne Spreu, kein Spreu ohne Weizen.

Thomas Wulffen

Doppelter Zwinger

noreply@blogger.com (thw) — Mon, 19 Dec 2011 16:24:00 +0000

Jetzt war ich endlich da und der neue Raum der Galerie Zwinger hat etwas Bezwingendes, was ja auch überzeugend ist. Besonders merkwürdig ist die Fläche in der Fläche, die behaupten will, sie sei ein Raum. Das betont sie noch mit Stuckelementen im schmalen Raum. Das muß man gesehen haben....

Und gerade jetzt habe ich mein Orginalexemplar von O'Doherty's 'The White Cube' wieder entdeckt in meiner kleinen Bibliothek. Und jetzt suche ich noch nach der deutschen Übersetzung erschienen im Merve Verlag....

noreply@blogger.com (thw) — Sun, 11 Dec 2011 12:30:00 +0000

Das ist eine Einladungskarte vom Center for Contemporary Art

Und wir sind ganz angetan davon, obwohl die Institution schon besser ausgestattet war. Ich erinere mich an aufwändige Kataloge....

nownow

noreply@blogger.com (thw) — Sun, 11 Dec 2011 12:19:00 +0000

Das lässt sich als eine Alternative verstehen... kein Schnee, keine schlechte Kunst,

Schnee...gleich gute Kunst...

So retten sich die letzten Überbleibsel konkreter Poesie.... Gelungen.

P.S.:Es handelt sich um die Einaldungskarte zur Ausstellung von Frank Scurtie in der Galerie Michel Rein in Paris, vom 6.10. - 5.11.

Jetzt aber schnell..

noreply@blogger.com (thw) — Thu, 01 Dec 2011 10:53:00 +0000

Im Versuch, immer einen Schritt weiter zu sein als die anderen Künstlerkollegen und -Kolleginnen greift Olafur Eliasson jetzt direkt in den politischen Raum ein:

Politik ist die Kunst des Möglichen
Kunst ist die Politik des Unmöglichen

Stipendienausschreibung für Politiker: Das Institut für Raumexperimente der UdK Berlin unter der Leitung von Prof. Olafur Eliasson vergibt ein Stipendium an einen Politiker/eine Politikerin

Das Institut für Raumexperimente der Universität der Künste (UdK) Berlin unter der Leitung von Künstler Prof. Olafur Eliasson vergibt zum 1. April 2012 ein Stipendium für sechs Monate an einen Politiker oder eine Politikerin aus Berlin, welches die Teilnahme an allen Veranstaltungen des Instituts im Sommersemester 2012 umfasst.

Ziel ist es, eine direkte Auseinandersetzung zwischen politischer und künstlerischer Praxis durch kritischen Austausch im gemeinsamen Alltag zu ermöglichen. Dabei sollen kreatives Denken und Handeln in Kunst und Politik als gesellschaftliches Engagement erforscht
werden. Die Stipendienausschreibung richtet sich an Abgeordnete des Berliner Senats und Abgeordnetenhauses und deren Mitarbeiter in Fachausschüssen.

Das Institut für Raumexperimente ist als Forschungsinitiative an die Fakultät Bildende Kunst der UdK Berlin angeschlossen und wird durch die Senatsverwaltung für Bildung, Wissenschaft und Forschung sowie von der Einstein Stiftung Berlin gefördert.

Weitere Informationen zum Programm und den Bewerbungsmodalitäten:
www.raumexperimente.net/bewerbung.html

Einsendefrist (Eingangsdatum): 15. Januar 2012
Universität der Künste Berlin
Fakultät Bildende Kunst, Institut für Raumexperimente
Christinenstraße 18/19, Haus 2, 10119 Berlin

Weitere Informationen:
Claudia Assmann
Leiterin der Pressestelle
Universität der Künste Berlin
Tel. 030 - 3185 2456
claudia.assmann@intra.udk-berlin.de
www.udk-berlin.de

Die Universität der Künste Berlin ist weltweit eine der größten künstlerischen Hochschulen und die einzige, die alle Disziplinen der Kunst und der auf sie bezogenen Wissenschaften in sich vereint. An den vier Fakultäten Bildende Kunst, Gestaltung, Musik und Darstellende Kunst sowie dem Zentralinstitut für Weiterbildung werden über 40 künstlerische, künstlerisch-wissenschaftliche und künstlerisch-pädagogische Studiengänge angeboten. Von rund 4000 Studierenden stammt etwa ein Fünftel aus dem Ausland. Die Geschichte der UdK Berlin reicht zurück bis zur Gründung der brandenburgisch-preußischen Akademie der Künste im Jahr 1696. Ihre heutige Form erhielt sie 1975 durch den Zusammenschluss der Hochschule für bildende Künste und der Hochschule für Musik und darstellende Kunst zur Hochschule der Künste (HdK). Seit 2001 trägt die Universität der Künste Berlin ihren heutigen Namen. Präsident ist seit Januar 2006 Prof. Martin Rennert. Mit mehr als 500 Veranstaltungen im Jahr trägt die UdK Berlin maßgeblich zum kulturellen Leben der Stadt bei.

Da wird einem ja ganz grau vor den Augen...And the winner is...

Oder handelt es sich um einen vorgezogenen Aprilscherz. Siehe Datum der Vergabe des Stipendiums.

Win Berlien

noreply@blogger.com (thw) — Thu, 01 Dec 2011 09:54:00 +0000

Das kommt davon, wenn aus Wiener Sicht die Kulturpolitik der Hauptstadt nach Abschluss der Verhandlungen zur neuen Regierung aus CDU und SPD unter das Mikroskop genommen wird...

Zu lesen hier.

Jetzt fehlt mir hier nur das richtige Bild.

Oder soll der Stephansdom jetzt auf dem Alexanderplatz stehen?

Die Leute...

noreply@blogger.com (thw) — Tue, 29 Nov 2011 10:52:00 +0000

Heute im Perlentaucher gefunden, eine Perle, die man nur finden kann, wenn man täglich beim Perlentaucher vorbei schaut:

Jed Perl, Kunstkritiker des New Republic, ist sichtlich abgestoßen von der - auch in Deutschland - viel gefeierten Mauricio-Catellan-Show im Guggenheim und dem, was sie repräsentiert: "Cattelan is at the Guggenheim because the big money in the art business is behind him. The other day, one of his minor works, a miniature model of two elevator doors, sold for just over a million dollars at Christie’s. (It comes in an edition of ten, one of which is hanging on Fifth Avenue and 89th Street.) And that was one of the more modest prices at Christie’s contemporary sale on November 8, where a Robert Gober Prison Window went for $3.3 million and a 1961 Roy Lichtenstein for $43.2 million. The collector Eli Broad was quoted, at the end of the auction, explaining that 'People would rather have art than gold or paper.' To which it seems to me the only response is that people who have millions of dollars to spend on a Cattelan, a Gober, or a Lichtenstein are not what used to be known as 'the people.'"

Und der Artikel ist wirklich lesenswert. Vergleiche mit der bundesrepublikanischen Situation ergeben sich fast von selbst.

Eigenwerbung

noreply@blogger.com (thw) — Mon, 21 Nov 2011 14:53:00 +0000

Wo es das Fernsehen jeden Tage und immer penetranter tut, darf ich es jetzt auch ein mal tun: Eigenwerbung.
Aber mit der eigenen Ausstellung auf das Cover des Manifesta Journal zu kommen, ist schon mehr als einen Hinweis wert.

Man schrieb das Jahr 1991, als Thomas Wulffen in der GalerieWiensowski & Harbord die Ausstellung 'Glanville Luhmann Rorty mit Arbeiten von Thomas Wörgötter, Maria Eichhorn und Thomas Wulffen' kuratierte. Zwanzig Jahre danach finden sich die Ansicht des Beitrags von Maria Eichhorn mit dem Titel 'Geweißter Raum mit Blick aus dem Fenstert' auf dem Cover des 'Manifesta Journal', herausgegeben von meinem alten Freund Victor Misiano. Thema des Heftes ist 'Ethik des Kuratierens'. In den Zeiten, in denen es wichtiger zu sein scheint, als Kurator aufzutreten statt als Künstler, sind die Erinnerungen an die eigene kuratorische Vergangenheit tatsächlich auch ein Rückblick auf eine Ethik des Kuratierens und nicht zu missachten.
Wenn alles gut geht, wird es im nächsten Jahr nach Jahren des Stillhaltens (ungewollt) mal wieder eine Ausstellung aus meiner Hand geben. Näheres dazu liegt noch in der zukünftigen Ferne.

Dafür leisten wir uns einen Blick in die Ferne der Vergangenheit.

Die Fotos hat Jens Ziehe gemacht. Das Heft ist in jeder gut geführten Kunstbuchhandlung käuflich zu erwerben, zum Preis 15 €.

Pseudo...

noreply@blogger.com (thw) — Sat, 12 Nov 2011 11:22:00 +0000

Vor kurzem war ich Beobachter/Beteiligter einer Supervision in der Galerie Kai Hoelzner. Der Besucher muß sich dazu anmelden und hat dann das Vergnügen (?) gleichzeitig Beobachter und Therapeut zu spielen oder zu sein....

Da passt doch diese Ankündigung in der Wiener Kunsthalle Exnergasse wie geschmiert....

(Oh, das war jetzt wohl das falsche Wort an richtiger Stelle. Oder andersherum...)

Im nächsten von hundert findet sich dann auch ein Erlebnisbericht dieser Begegnung in der Galerie....

Total verfrüht, das achte Mal....

noreply@blogger.com (thw) — Sat, 12 Nov 2011 11:05:00 +0000

dafür aber um die Ecke...

siehe auch hier ...

Kunst-Karten

noreply@blogger.com (thw) — Thu, 03 Nov 2011 19:21:00 +0000

Wo sind wir denn hier? Und wer steckt hinter den Zahlen

und wo hier? s.o. dito

Weitere Exmplare folgt....

'Kunst' auf dem Theater

noreply@blogger.com (thw) — Wed, 02 Nov 2011 10:48:00 +0000

Ein Beispiel! Wir sehen uns am 24.11.!

'Schallfolie'

noreply@blogger.com (thw) — Mon, 31 Oct 2011 15:28:00 +0000

Das Wort hört sich nach tiefer Vergangenheit an, wo 00 noch keine digitale Leerstelle war, sondern nur den Weg auf die Toilette beschrieb.
Aber wer hat heute noch einen Plattenspieler? Nachdem mein alter Thorens-Plattenspieler vor einigen Monaten seinen Geist aufgab, habe ich mir keinen neuen zugelegt. Jetzt aber hatte 'Conrad' einen USB Plattenspieler im Angebot, von 20 € auf 15 € herunter gesetzt. Und eben mit USB Anschluss.

Und zu diesem Anlass holt man sich sich die alten Platten wie 'Regen' von Katharina Fritsch oder Terry Riley oder eben Laurie Anderson auf Schallfolie wieder vor, entnommen einer Ausgabe des 'Artforum' aus dem Jahre 1982, dem Jahr in dem ich in Berlin angekommen bin.

Wieviel bekomme ich dafür bei einer Auktion? Nur mal so angedacht.

Dann kaufe ich mir wieder einen Thorens, den zum Beispiel...

noreply@blogger.com (thw) — Mon, 31 Oct 2011 14:44:00 +0000

Blick in die Ausstellung

Blick auf die Eintrittskarte

So einen Blick in eine derartig überraschende Ausstellung erhält man selten. Der Raum ist einer von vielen, durchaus unterschiedlichen, Räumen im Haus am Waldsee. Gezeigt und dargestellt wird das Werk von William Engelen in einer überzeugenden Art und Weise. Jeder Raum hat sein Werk und umgekehrt. Der Raum hier im Bild widmet sich dem Klavierspiel im eigenen Haus. Dafür hat der Künstler mehrere Interviews mit Klavierspielern und -spielerinnen geführt. (Hätte ich nicht zu früh aufgehört, wäre ich auch ein Kandidat gewesen.)

Am Mittwoch, den 2. November um 18.30 Uhr wird eine Kuratorenführung durch die Ausstellung "William Engelen - Music Box" im Haus (Adresse siehe Eintrittskartet) stattfinden. Die Direktorin des Hauses Katja Blomberg führt durch die Einzelschau des niederländischen bildenden Künstlers, dessen temporäre musikalische Mischformen zwischen bildender Kunst, Architektur und Musik, Ausstellung und Performance, Installation, Skulptur und Komposition pendeln.

Und diese Mischung darf man einfach nicht verpassen, weil sie so selten sind: 100 % Erkenntnisgewinn.

Aha!

noreply@blogger.com (thw) — Thu, 27 Oct 2011 19:25:00 +0000

Im Jahre 2002 gab es noch eine kleine Plastikhülle inklusive vier Dias. Diesmal gab es nur eine kurze Pressemitteilung. Oder habe ich da etwas verpasst ?

Die Antwort da drauf gibt es demnächst im neuen Heft 'von hundert' Ende November.

Endlich...

noreply@blogger.com (thw) — Wed, 26 Oct 2011 10:47:00 +0000

http://www.textem.de/2286.html

haut mal jemand auf die Kacke...in diesem wohlgelungenen Büchlein, das sich an den bekannten Reclam Bändchen orientiert...aus dem Verlag Textem.

Das beginnt klassisch mit der Familie und setzt sich fort mit Bemerkungen zu Artaud, um dann den Weg zu Blumenberg und Adorno zu finden mit einem kleinen Umweg bei Diederichsen, um am offenen Ende bei Rancière zu enden.

Das ist aber die halbe Wahrheit, denn der hintere Teil erinnert mich an den Schreihals aus der Wochenschau. Da finden sich dann ganz viel g e s p e r r t e Textzeilen. Zum Beispiel:

A l l d i e V e r p f l i c h t u n g e n ! F r a u e n & M ä u l e r ! D i e g a n z e n D a t s c h e n & s a n i e r u n g s b e d ü r f t i g e n R e s t e - R e s i d e n z e n i m S p e c k g ü r t e l.

Und es finden sich auch Namen der Kunstkritik hier wie die Kollegen Maak und Illies, der das Geschäft der Kunstkritik verlassen, um zum Auktionator zu werden. So kann man mit Kunst auch umgehen.

Aber der Umgang von Dominik Sittig mit Moral & Malerei ist beispielhaft!

Ab jetzt wird nur noch gesperrt kritisiert!

Bey, bey...

noreply@blogger.com (thw) — Wed, 26 Oct 2011 10:11:00 +0000

schön war's mit uns zwei!

Gefunden auf dem BerlinerKunst Salon in diesem September....

Heute!

noreply@blogger.com (thw) — Mon, 24 Oct 2011 08:43:00 +0000

vor fünf Jahren eröffnete dieser Blog seinen 'Pforten' mit der seltsamen Überschrift

Der Teufel trägt liest Zeitung

am

24. Oktober 2006 /

um

Eingestellt von thw um 12:32 /

Danke für die Gratulationen!

Was macht eigentlich....?

noreply@blogger.com (thw) — Sun, 23 Oct 2011 11:28:00 +0000

Diese Frage tauchte auf, als ich mal wieder den Schreibtisch (bzw. die Schreibtische) aufräumte und ich plötzlichdiese Hülle mit Inhalt in die Hände hielt... sie betraf weniger Caravaggio und auch noch weniger Spencer Tunick mit seinen Nackerten. Und Kricke ist ein Klassiker, wobei in der Datei sich auch Porträts von Norbert Kricke befinden.

Mein eigentliches Interesse bezog sich eher auf Steiner &Lenzlinger, die ich immer mit Neugierde verfolgt habe, aber dann doch die Spur verloren habe. Wer auf die (s.o.) Homepage geht, findet schönes Material und das aktuell. Während diese Arbeit (s.o.) im museum kunst palast Düsseldorf schon einige Jahre zu sehen ist....

Und für alle die nachgefragt haben, hier also auch das Porträt von Norbert Kricke.

Kricke in seinem Haus in Düsseldorf, 1971

Foto: Wilhelm Leuschner, Düsseldorf

Das passt...2mal Düsseldorf.

Text zur Ausstellung

noreply@blogger.com (thw) — Sat, 15 Oct 2011 11:10:00 +0000

Blake Rayne von Hugo BOADAS

Ausstellung „Shade Subscription“ 17.9. – 29.10.11 Galerie Capitain Petzel, Berlin

„Die letzte Freiheit, die ein Verzweifelter hat, ist die, komisch zu sein.“ heißt es in einem Film von Herbert Achternbusch. Das Komische entsteht nach Bergson im Gegensatz von Wirklichkeit und Ideal. (Henri Bergson, Das Lachen, Meisenheim a.R. 1948, S.71) Demnach verfährt man ironisch, indem man ausführt, was sein sollte, und vorgibt, dies entspräche der Wirklichkeit. Humor entsteht dagegen, wenn man die Wirklichkeit genauestens beschreibt und vorgibt, so müsse die Welt sein. In beiden Fällen wird versucht die Spannung von Ideal und Wirklichkeit auszuhalten, vielleicht zu vermitteln, was einer Verzweiflungstat gleicht. Künstler tun sich mit solchen Taten hervor, denn sie sind in erster Linie in diesem Spannungsfeld tätig, wozu sie künstlerische Mittel und Methoden entwickeln. Was tun, wenn diese Mittel stumpf geworden sind und Methoden nur noch ersonnen werden, um die Mittel zu schärfen? Die Malerei ist seit langem solch ein stumpfgewordenes Mittel und künstlerische Bemühungen, die sich ihrer bedienen, sind gar nicht komisch sondern gleichen guthonorierten Verzweiflungstaten. Mit Blake Rayne haben wir einen Künstler vor uns, der die Hoffnungslosigkeit des Malergeschäfts nicht scheut und dessen Arbeit einen Anflug von Ironie bewahrt hinter seinem analytischen Anspruch. Diesen formuliert er selbst in einem Statement zur Ausstellung für die Galerieinformation, in welchem er vom Maler und der Malerei als „Zeichen“ spricht:

„Meine Einstellungen gegenüber dem Medium der Malerei und meine eigene Identifikation als Maler, werden durch eine Praxis bestimmt, die mit den materiellen Bedingungen der Malerei weiterarbeitet. Ich beginne mit einer Lagebestimmung dieser Begriffe, Maler und Malerei, als „Zeichen“ (signs), das heißt sie sind „Fiktionen“. Diese Haltung behält sich vor, dass Malerei nicht durch irgendeine positivistische, statische oder ahistorische Definition bestimmt wird, die Malerei als Nullform oder reines visuelles/optisches Phänomen kennzeichnen würde. Das Zeichen „Malerei“ muss verstanden werden als ein Aufstellungsort (site), der fortwährend durch die linguistischen, institutionellen und physischen Beziehungen ausgestaltet wird.“ (Übers.: der Autor)

Das klingt nach Pragmatismus von der Art, weiterzumachen mit Vorgaben, in denen sich die Malerei jeweils neu zu verorten hat. Solche Untersuchungen im Geiste des Konzeptualismus kommen bei Rayne jedoch ohne den Positivismus der Konzeptkunst der 60iger Jahre aus. Seine Vorstellung, die Malerei als kunstrelevante Form retten zu können, möchte den linguistischen, institutionellen und physischen Gegebenheiten des Aufstellungsortes (site) Einflußgrößen abgewinnen, die er in seiner Malerei nutzbar macht, indem er sie aufzeigt. So wird, wie auch bei vielen anderen Künstlern heutzutage, eine situationsbedingte, soziokulturelle Gemengelage als bestimmendes Thema für die Malerei und den Maler ausgemacht. Aber diese Gemengelage gibt es seit es Kunst gibt und jede Ausstellung ist nur deshalb Ausstellung. Ihre formalen Bedingungen müssen deshalb keineswegs in ihrer Form aufgehen. Um so überraschender für uns, wenn die Daseinsberechtigung der Malerei darin bestehen soll, nur noch die Reflexion ihrer Bedingungen zum Inhalt zu haben; so wird der Jäger zum Gejagten. Und so ist die Malerei – und was von ihr heute übrig ist – ohne die Freiheit, komisch zu sein.

Das zeigt der Künstler sehr schön in seiner Installation Slöt. 13 Leinwandbilder gleicher Größe sind zwischen die beiden übermächtigen Stellwände der Galerie geklemmt, so dass sie nur ausschnitthaft vom Balkon der Galerie zu sehen sind. Steht man davor, so bleiben sie verborgen bis auf die jeweils erste Leinwand. Die vordere ist noch in Folie eingepackt wie zu ihrem eigenen Schutz, etikettiert vom Lieferanten. Ist es noch der Mühe wert sie auszupacken? Auf der hinteren sieht man die Bearbeitung der Leinwand durch aufgeklebte Zeitungsseite und Flecken. Diese Stellwände als Teile der Galeriearchitektur sind strenggenommen Voraussetzungen dafür, dass etwas gezeigt werden kann. Aber das zu Zeigende ist hier nicht nur unvollkommen sichtbar, sondern wird selbst konstruktives Element des Dispositivs. Immer dann, wenn das Kunstwerk selbst den Ort seiner Aufstellung (site) thematisiert, wird es Teil der architektonischen Konstruktion. Die vermeintlichen Aufklärungsbemühungen solcher Situationsspezifik werden unversehens zur Gefahr des Kunstwerks, das in dieser Funktionalität gefangen nur noch eingeschränkte Gültigkeit beanspruchen kann. Es verliert seinen eigentlichen Zweck und wird rhetorisch und damit angenehm für eine Kritik, die sich avanciert nennt.

Daß der Künstler nicht einzulösen imstande ist, was er vorhatte zu schaffen, ist ein Kerngedanke Duchamps. Wenn der Künstler aber glaubt, er könne dieses Manko seines Tuns ausgleichen, indem er äußere Einflußgrößen als unabdingbare Parameter zu akzeptieren habe, weil diese seine Arbeit bestimmende Störgrößen sind, dann wird ihre Thematisierung zur Falle. Er begibt sich in die Verfügung von Publikum und site, obwohl er mit Hakenschlagen sich entziehen müsste; ja, seine Kunst besteht allein darin, genau solche Mittel zu erfinden, die mit Andeutungen und Verweisen auf abgelegte Traditionen zu spielen erlauben, ohne restaurativ zu werden. Denn er darf nicht den Fehler begehen, den imaginären Ort der Fiktion, der der exklusive Ort der Kunst ist, zugunsten des physischen Ortes (site) aufzugeben. Das führt schließlich dazu, das Kunstwerk in den Rang einer Anekdote zu erheben, was der schlechteste Dienst wäre.

Trotz aller programmatischer Diskursivität ergibt sich in der Durchführung dieser Ausstellung dennoch der eine oder andere Widerspruch zum erklärten Programm, weil sich ironische Wendungen einschleichen. Zum Glück, möchte man sagen, denn das ist eine Qualität dieser Ausstellung und zeigt, dass Rayne intuitiv oder absichtsvoll auf doppeltem Boden steht.

So tritt Malerei als Kommentar einer Unbeholfenheit auf, wenn der Künstler sie als eine Angelegenheit betreibt, die Flecken macht: Kaffee und andere Kleckereien, wie zerschmolzenes Speiseeis, sind nichts anderes als Acrylfarbe! (Slöt, Goat, Untitled) Kommentar zur überlebten Geschichte der Malerei sind die fünf Bilder „Rest in Shade“. Auf mit Zeitungspapier marouflierter Leinwand zeigen sie vergrößerte Abdrucke lexikalischer Einträge von statistischen Daten zur Produktionsmenge einiger französischer impressionistische Maler. Auf diesen Informationswert reduziert, erscheint deren Malerei damit belanglos und wird zur graphischen Chiffre reduziert wie die gestrigen Zeitungsnachrichten auf dem Zeitungspapier, auf das sie aufgedruckt sind. Und in einem Bild wie RSVP wirken die ausgeschnittenen Filzbuchstaben auf der Leinwand nicht nur als entfernte Zitate zu Morris oder Johns. Vielmehr treten sie auch als Kommentar zum verlorengegangenen Inhalt der Malerei auf, wenn dieser auf ein bildgewordenes graphisches Zeichen reduziert auftaucht und als Banalität auf einer dahinter auf die Leinwand geklebten Zeitungsseite verkümmert. „RSVP ist aber auch die formelhafte Abkürzung von „Répondre à l’invitation s’il vous plait“, einer Formel, die sich auf offiziellen Einladungen in Frankreich findet. Woauf uns also Rayne bittet zu antworten, ist sicherlich ein Anlaß dieser Ausstellung. Eine mögliche Antwort auf das Malereiproblem oder ähnliches beim eingeladenen Publikum zu suchen, nenne ich auch eine Verzweiflungstat. Aber schon Duchamp sagte mit dem Titel „Je m’en“ seines letzten gemalten Bildes 1918 nichts anderes, als daß es ihm Wurscht sei.

Wie eine reminiszente Fluchtbewegung in die jüngere Kunstgeschichte mutet ein zerlegtes Fahrrad an. Dieses auseinandergerissene Arrangement erinnert an die rekonstruierende Logik einer Geschichte, welche die Herkunft der auf einem Küchenschemel montierten Fahrradfelge Duchamps im Laubgewirr seiner Installation Étant donnés vermutet. Fahrradteile lassen sich nicht mehr ungestraft ausstellen, Duchamp sei’s gedankt. Gleich am Eingang zitieren die beiden demontierten Felgen in einem Arrangement aus Laub mit Zweigen (Blake) auf zurückhaltende Art „Étant donnés“. Zur Reifenreparatur bereit befindet sich im Mittelteil der Galerie der Rahmen kopfüber auf Sattel und Lenker gestellt (Untitled). Der Rahmen ersetzt den Schemel Duchamps und bringt uns den Kontext der Erfindung der Urform seines neuen kinetischen Skulpturenkonzepts in seiner ganzen Einfachheit nahe. Sie deutet ihn um als Fahrradreparatur und gewährt damit einen Einblick in die assoziativen Methoden künstlerischer Erkenntnisform. Den kunstgeschichtlich etablierten, nach wie vor missverstanden Gedanken vom Readymade, zitiert Rayne dadurch, dass dieses von ihm demontierte Fahrrad aus dem Fundus der Galerie stammt. Der Fahrradschlauch schließlich ist um das Bild “Goat“ geschlungen. Aus dem Fundus der Galerie stammt auch eine Art Holzbank, die Rayne türkisgrün umgespritzt hat, darüber gelegt befindet sich ein schwarzes Filztuch aus dem Buchstaben ausgestochen sind. Das Ganze sieht aus wie eine Ruhebank mit Decke von der abgewinkelt eine Haltestange am Boden arrangiert ist, um die ein Handtuch gerollt ist: Felt Kind of Fun benutzt Andeutungen auf Design und Gebrauchsformen und erreicht dadurch eine Verbindung zur Architektur auch durch den prägnanten Einsatz der offensiven Farbe der Bank.

Diese Arbeiten zeigen alle einen gewissen Humor, wenn sie für sich in ihrem räumlichen Arrangement betrachtet werden. Ihren Witz und damit ihre Freiheit verlieren sie spätestens, wenn sie zu Erfüllungsgehilfen eines engagierten Programms werden.

Bildnachweis: view 9

Installation view, Blake Rayne: Shade Subscription, September 17 - October 29, 2011, Photo: Nick Ash, © Blake Rayne, Courtesy Capitain Petzel, Berlin

Heute, aber woanders

noreply@blogger.com (thw) — Sat, 15 Oct 2011 10:40:00 +0000

Die Ausstellung, in der dieses Foto zu sehen ist, trägt den einfachen Titel 'TEXT' und wurde kuratiert von

Hlynur Hallsson, zu sehen bei Kuckei + Kuckei. Die Arbeit mit den bunten Steinen oberhalb der Fenster

stammt von Libia Castro / Ólafur Ólafsson

Die Eröffnung ist nachher ab 19 Uhr in der Linienstr. 158... cu

Kunst! ! !

noreply@blogger.com (thw) — Sat, 15 Oct 2011 10:13:00 +0000

Das Bild erreichte meinen digitalen Briefkasten und suchte seine Öffentlichkeit. Insbesondere auch für den besonderen Humor von Elliott Erwitt, der sich schon hier andeutet.

Mehr dazu und davon hier.

Das wäre doch eine Ausstellung im Martin-Gropius Bau wert. Ich jedenfalls bewundere den Komödianten unter den zeitgenössischen Fotografen.

Wochenend und Sonnenschein

noreply@blogger.com (thw) — Sat, 15 Oct 2011 09:51:00 +0000

mit diesen Socken!

Lese ich da noch etwas anderes drin?!

Fast verpasst

noreply@blogger.com (thw) — Fri, 07 Oct 2011 16:59:00 +0000

und jetzt doch nicht. Fünf Jahre sind schnell vergangen und die nächsten haben schon angefangen..

Aus diesem Anlass fahren wir jetzt alle Label auf, die wir haben...

S.u.

Und hier die Zahlen

THW AKTUELL

80656 pageviews - 1381 posts, Zuletzt veröffentlicht am 07.10.2011 -

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3 zur Moderation anstehende Kommentare

Dank an alle Leser und alle, die geposted haben!

Zum zehnjährigen Jubiäum gibt es dann ein Dom Perignon.