Titans Desatualizados

Beleza Oculta | Um bom filme para pensarmos um pouco mais na vida. (Dica do final de semana #10)

2018-07-08T02:46:00.000-03:00

Sim, depois de um ano de recesso dos Titans, resolvi voltar com ele, afinal foram tantos anos de esforço construindo ele até o que é atualmente (ou era, ou até mais o que será dele), que seria meio que perdido todo esse trabalho que fazíamos e continuaremos a fazer (talvez com a mesma desatualização de sempre hehehe).
Sendo assim, não vi maneira melhor de voltar do que dando uma dica de final de semana em um bom filme que vi recentemente, Beleza Oculta que até então me parecia apenas um filme sessão da tarde e acabou me surpreendendo incrivelmente. Assim, falarei um pouco sobre minha experiência com o longa e uma breve crítica de sempre.

Beleza Oculta (Collateral Beauty) é dirigido por David Frankel, escrito por Allan Loeb, estrelado por Will Smith, Edward Norton, Keira Knightley, Michael Penã, Naomie Harris, Jacob Latimore, Kate Winslet e Helen Mirren.
Beleza Oculta conta a história Howard Inlet um ótimo publicitário bem sucedido e com uma vida perfeita, até o dia que sua filha morre (sim, é um daqueles filmes dramáticos em relação família, principalmente pra quem tem filhos, o que não é o meu caso). Após esse evento terrível em sua vida, Howard entra em depressão e passa a escrever cartas, mas não para pessoas e sim coisas, como a Morte, Tempo e o Amor. O problema é quando Tempo, Amor e Morte passam a aparecer em sua vida como pessoas e lhe dão (puta que pariu) aquela lição de vida.

O filme trata um assunto que vêm sendo um problema seríssimo atualmente, também conhecido como o mal do século ou depressão, mostra um homem que tinha tudo pra ser feliz e do nada sua vida vira de cabeça pra baixo, e se vê perdido em relação ao mundo. Acredito que a narrativa e a mensagem que ele quer nos passar é muito mais do que apenas um filme, afinal como iríamos nos sentir em uma situação como a de Howard? Como o nome do filme já sugere, devemos viver buscando uma beleza oculta em nossas vidas e é por isso que achei esse filme tão fantástico.

Ele te traz literalmente a sensação de como uma pessoa pode ficar após certos acontecimentos em sua vida e em muitos momentos te faz pensar como poderia agir naquele momento (bom pelo menos eu sou alguém que viaja nessas), Will faz muito mais do que atuar, ele consegue transmitir aquela sensação de luto eterno. Claro que não podemos dar todo o crédito para ele, afinal o roteiro foi muito bem escrito e amarrado as pontas das histórias ao longo do filme. E isso mais do que sinceramente me deixa feliz, afinal não há maior sentimento de ódio do que aqueles filmes com finais em aberto ou com um final sem noção (no melhor ou pior estilo de Os Suspeitos, ai que decepção)

Em relação as fotografias, há seus momentos mas não é aquilo que você diga "Minha nossa senhora que maravilha, vou usar de WallPaper". Claro que isso é totalmente justificável, muitas cenas mostram Howard (Will Smith) na escuridão, poderia dizer que faz uma alusão a depressão, então se essa foi a justificativa (apenas suposições), ponto positivo. Agora se foi apenas por meu impressionismo mesmo, tudo bem.

E como já disse sobre a atuação de Will Smith, nada mais justo que falar um pouco sobre o restante do elenco (aliás, que elenco do CARALHO), acho que só por isso que está em parenteses podemos encerrar aqui...Brincadeiras a parte, é muito bacana você ver um filme onde as pessoas estão atuando dentro da atuação, como o que acontece com a atriz Keira Knightley, seu papel é como o Amor, mas como atuar um sentimento e não uma pessoa, e mesmo ela não sendo uma das minhas favoritas nesses elenco todo, foi animal.
Claro que o filme não é um daqueles que concorre o Oscar de melhor filme, mas tem um ponto chave, se liga na equação (Roteiro bom e amarrado + Elenco do CARALHO = Vocês deviam assistir), entenderam?

E mais uma vez vou falar, eu simplesmente adorei o filme, a ideia de você ter a oportunidade de falar com coisas tão próximas a nós, como o próprio Tempo ou até mesmo mexer conosco em relação ao sentimento de viver uma dificuldade em nossas vidas. E por último e não menos importante, é um daqueles filmes que tem um Plot no finalzinho, que você olha e fala "Eita porra, mas como isso?" ou "Mentira!". Então como minha equação acima já lhes disse, assistam o filme.

Claro que fiquei com aquela sensação de "E se eu tivesse a oportunidade de falar com a Morte, Tempo e Amor, o que eu diria"? E ae o que diriam?

NOTA FINAL: 4.5/5

"Excelente"

Logan | Uau. (Crítica)

2017-03-02T01:34:00.002-03:00

Talvez palavras não consigam expressar com muita exatidão tamanho êxtase que eu sentia enquanto saía daquela lotada sala de cinema. Logo de cara, processe essas palavras: este filme... Logan... é um filme incrível.

Logan é dirigido por James Mangold, o mesmo homem por trás do último filme solo do mutante, escrito por Mangold em parceria com Michael Green e Scott Frank e estrelado por, é claro, Hugh Jackman, Patrick Stewart, Boyd Holbrook e Dafne Keen e é, pelo menos de acordo com o próprio Hugh Jackman, o último filme do ator na pele de Wolverine.

Quando, há uns dois anos, Hugh Jackman anunciou que estava trabalhando em mais uma aventura solo do personagem, quase que instantaneamente eu retesei. O motivo, óbviamente, sendo o histórico do mutante em seus próprios longas, longe do resto da equipe, na atrocidade que foi X-Men Origens: Wolverine (X-Men Origins: Wolverine, 2009) e no extremamente mediano Wolverine: Imortal (The Wolverine, 2013). Ainda mais por anunciarem que esta também seria dirigida por James Mangold, o inconsistente diretor responsável por ótimas obras como Os Indomáveis (3:10 To Yuma, 2007) e outras nem tão boas como Encontro Explosivo (Knight and Day, 2010), que também havia comandado Wolverine: Imortal.

Ao mesmo tempo, quando Jackman alegou que aquela seria a última vez que ele encarnaria o personagem, a sensação foi de uma leve tristeza. Ao longo dos 17 anos de carreira do australiano na pele do Wolverine eu nunca sequer pensei num possível substituto. Era impossível. E, se antes de assistir Logan já pensava assim, agora é certeza.

Logan nos apresenta a um futuro próximo, no ano de 2029, e um Wolverine (Hugh Jackman) muito mais velho, amargo e cansado do que estamos acostumados. Acompanhado dele está um doente Professor Charles Xavier (Patrick Stewart), igualmente encarando o fim da linha. Logan não é mais quem costumava ser. Uma sombra de si mesmo, que trabalha como motorista para arranjar uns trocados e poder comprar as drogas que o velho Xavier precisa. Até que os dois cruzam caminhos com a jovem Laura (Dafne Keen) e se veem em uma missão de proteger a garota enquanto a levam para um lugar seguro.

Se há alguém para se agradecer por termos Logan do jeito que temos hoje é Deadpool (2016). O longa do Mercenário Tagarela abriu as portas há muito fechadas para as possibilidades de retorno financeiro para uma obra com classificação indicativa ‘R’ (16 anos aqui no Brasil) se feito da maneira correta. E Logan deixa bem claro que é uma produção ‘R’ logo em sua primeira cena. É brutal e é a representação definitiva do personagem nas telonas. Você não sabia que precisava de um filme assim do Wolverine até assistir.

É também o longa “mais DC” de um personagem da Marvel. Por mais que Deadpool seja bastante violento e impróprio para menores, ele ainda carregava consigo uma alegria e um humor bastante característico dos filmes Marvel, embora um pouco mais negro. Logan, por outro lado, é um retrato bastante melancólico e sombrio de personagens cansados e debilitados. Existe humor aqui também, claro, mas ele é mantido graciosamente num nível mínimo.

Hugh Jackman, extremamente confortável no papel (afinal, já são 17 anos), dá um show incomum às outras aparições do personagem nos cinemas. Apoiando-se num belíssimo trabalho de maquiagem que o deixa quase irreconhecível quando comparado à sua aparência cotidiana, o ator australiano entrega a performance definitiva do personagem que dificilmente poderá ser equiparada caso a 20th Century Fox decida escolher outro ator para viver o Carcaju. Igualmente fantásticos estão Patrick Stewart, voltando ao seu papel que tem a mesma idade do que Jackman, e Dafne Keen, que dá um show espetacular como a jovem X-23, proferindo zero palavras durante grande parte do longa, baseando sua performance apenas em expressões e ações. A estrela-mirim definitivamente tem uma carreira brilhante pela frente. Boyd Holbrook, no papel do vilão Donald Pierce, também não faz feio, elevando o personagem que seria um simples vilão esquecível digno dos esforços mais recentes da Marvel Studios a um personagem que você ama odiar.

James Mangold entrega um fantástico trabalho aqui. Não só o tom é acertado, trazendo uma pegada de western moderno à obra (tal como A Qualquer Custo fez), como Mangold também conduz as cenas com maestria. No que se diz respeito à fotografia, John Mathieson — ninguém menos do que o responsável pela direção de fotografia de obras como Gladiador (Gladiator, 2000) e também X-Men: Primeira Classe (X-Men: First Class, 2011) — entrega um dos filmes mais bonitos do gênero que se tem notícia. Ah, vale citar que o longa toma a decisão curiosa de inserir quadrinhos dos X-Men em seu universo, uma decisão que faz total sentido e é extremamente inteligente, além de, claro, funcionar muito bem.

A partir de certo momento, o filme toma uma rota bastante peculiar para seu gênero e se torna um longa de viagem. O que funciona muito bem e ajuda bastante a desenvolver a relação entre o trio incomum de protagonistas, e aqui é bastante difícil não notar a semelhança desta com a premissa do aclamado vídeo-game The Last of Us, lançado em 2013. Sendo franco, no entanto, o maior problema de Logan reside em sua duração. Com 141 minutos, Logan é longo demais, o que dá brecha para alguns momentos do segundo ato arrastarem sem dó. Não é algo que acabe com a obra, claro, mas pode incomodar um pouco.

Será difícil... não, impossível... substituir Jackman nesse personagem. Logan é a despedida perfeita do personagem e faz valer a pena todo o tempo aguardado por um longa solo de qualidade e todos os 17 anos de experiência do ator como o Carcaju em tela. Logan é uma experiência única. Vamos sentir sua falta, Sr. Jackman.

AVALIAÇÃO: 5/5

"Extraordinário"

Estrelas Além do Tempo | Uma ótima história sobre o racismo e o machismo na NASA dos anos 60. (Crítica — Especial Oscars 2017)

2017-02-26T18:05:00.003-03:00

E finalmente chegamos ao fim do nosso especial de críticas de todos os indicados ao prêmio de Melhor Filme da 89ª edição do Oscar. Sem mais delongas, vamos falar um pouco sobre Hidden Figures:

Estrelas Além do Tempo (Hidden Figures) é dirigido por Theodore Melfi, escrito por Melfi e Allison Schroeder e é baseado no livro de Margot Lee Shetterly, além de trazer um elenco composto por Octavia Spencer, Taraji P. Henson, Janelle Monáe, Kevin Costner, Mahershala Ali, Kirsten Dunst e Jim Parsons. O longa recebeu 3 indicações ao Oscar: melhor filme, melhor atriz coadjuvante e melhor roteiro adaptado.

“Estrelas” conta a história de três mulheres negras e sua ascensão dentro da NASA enquanto lutam contra todos os problemas da segregação racial e do machismo que faziam parte do cotidiano geral no início dos anos 60.

Esta, inclusive, é uma pauta constantemente revisitada pelo filme: racismo. Nesse quesito, o roteiro de Melfi e Schroeder consegue realizar um ótimo trabalho em prender a atenção da audiência, o que torna bastante difícil não simpatizar ou se emocionar ou até mesmo se empolgar com a luta das personagens para conseguirem ter uma voz naquele meio. O tema é tratado ostensivamente durante uma boa parcela do longa e em diversas camadas, o que torna tudo um bocado mais interessante.

No que se trata da atuação, a química entre as três atrizes principais (Henson, Monáe e Specer) é maravilhosa e funciona muito bem. Há um espaço para debate sobre quem deveria ter recebido a indicação ao Oscar — que foi para Spencer — embora a performance de Henson tenha sido, de longe, a mais delicada e repleta de nuances. Kevin Costner, que interpreta o chefão de todo mundo ali, também faz um ótimo trabalho, o seu melhor em muitos anos, inclusive. O mesmo não pode ser dito de outros membros do escalão mais alto do elenco, mas falo mais disso depois.

É impossível não notar, logo no primeiro plano, a beleza da fotografia de Mandy Walker. É interessante ver como a fotógrafa apostou em um visual um tanto moderno para um filme de época — época essa que é muito bem representada, diga-se de passagem —, e seus tons de marrom com toques dos mais variados (dos avermelhados, aos brancos, aos azulados e por aí vai) formam planos realmente bonitos.

Mesmo tendo seus 126 minutos de duração, boa parte do longa passa a sensação de ser meio “corrida”. O roteiro peca em não desenvolver alguns aspectos da narrativa, como a relação entre Jim (Mahershala Ali que, assim como Monáe, também esteve em “Moonlight: Sob A Luz do Luar” e, inclusive, concorre ao Oscar de melhor ator coadjuvante por seu trabalho lá) e Kathy (Taraji P. Henson), por exemplo. Há também o modo um tanto cíclico como ele trata os personagens de Jim Parsons (totalmente deslocado no papel, tanto quanto Neil Patrick Harris estava em “Garota Exemplar”) e Kirsten Dunst. Ambos, em 99% do tempo que estão em tela, estão pelo mesmo motivo de bloquear o progresso das personagens por quaisquer motivos que sejam, algo que fica um tanto cansativo por volta da terceira vez que acontece.

Mesmo com seus problemas, “Estrelas Além do Tempo” ainda é uma boa pedida, tanto por tratar de temas que, incrivelmente, ainda são bastante atuais, meio século mais tarde, quanto por trazer performances bastante fortes do trio de atrizes principais e um enredo muito interessante, mesmo que, por vezes, corrido e mal desenvolvido.

AVALIAÇÃO: 4/5

"Ótimo"

Lion: Uma Jornada Para Casa | E a temperatura dos indicados começa a abaixar. (Crítica — Especial Oscars 2017)

2017-02-26T05:08:00.002-03:00

Faltam apenas dois! Vamos continuar com nosso especial de críticas dos indicados ao Oscar de Melhor Filme, dessa vez com Lion (esta crítica contém leves spoilers. Nada que vá estragar sua experiência, mas é interessante deixar avisado):

Lion: Uma Jornada Para Casa (Lion) é dirigido por Garth Davis, escrito por Luke Davies e estrelado por Dev Patel, Nicole Kidman, Rooney Mara e David Wenham. O longa recebeu 6 indicações ao Oscar: melhor filme, melhor ator coadjuvante, melhor atriz coadjuvante, melhor roteiro adaptado, melhor fotografia e melhor trilha sonora.

“Lion” é baseado na auto-biografia de Saroo Bierley e conta a história de vida de Saroo (interpretado por Sunny Pawar e Dev Patel) — semelhantemente a “Moonlight: Sob A Luz do Luar”, que também aborda mais de um momento na vida do protagonista —, inicialmente quando era uma criança de cinco anos na Índia, que se perdeu de seu irmão mais velho numa viagem e não conseguiu encontrar o caminho de caso e logo após retrata também sua vida na Austrália, já adulto, depois de adotado por outra família.

O longa apresenta um caso interessante. Um caso de trazer consigo dois filmes em um, um deles extremamente interessante e o outro nem tanto.

No que se trata da primeira parte do filme, quando vemos o jovem Saroo, interpretado por Sunny Pawar, perdido nas ruas da Índia, vemos um filme assustadoramente real e até emocionante. Vagando sem rumo enquanto tenta encontrar sua casa, seu irmão e sua mãe, vemos os horrores da exploração infantil, desenhados aqui de maneira bastante visceral. A interpretação do ator-mirim é uma ótima adição a esses momentos, misturando inocência com esperteza. A carreira do garoto promete e te esse papel te deixa pensando o porquê de ele não ter recebido a indicação de ator.

Quando o longa passa para a “segunda metade”, tudo muda. O protagonista agora é interpretado por Dev Patel e pouco a pouco a obra vai perdendo seu “pique”. O suspense horrorizante do início é substituído por uma história de amor um tanto convencional e fraca, quando Saroo encontra o amor de Lucy (Rooney Mara) e passa a se lembrar de sua infância conturbada enquanto tenta, quase que obsessivamente, buscar pelo seu passado.

Durante esse momento da obra, nada realmente chama a atenção. Dev Patel não entrega uma performance digna de nota e nada justifica sua indicação para o prêmio de melhor ator coadjuvante (o que também não faz o menor sentido, visto que seu papel é o de protagonista).

A direção de Garth Davis não ajuda o filme a encontrar seu “chão” no que se diz à carga emocional. Não fosse pelos constantes cortes, ainda mais a pulo de 20 anos no futuro em determinado momento, talvez a família do personagem e a relação entre eles teriam sido mais bem desenvolvidas. O longa não consegue vender seu drama.

Antes fosse um longa que focasse mais nos terríveis momentos pelos quais Saroo passou durante a infância enquanto estava perdido na Índia, “Lion: Uma Jornada Para Casa” talvez fosse mais interessante. Talvez o motivo de sua indicação à premiação máxima do cinema seja por ele ser um filme quase biográfico. Mas não há muita coisa de destaque, na verdade.

AVALIAÇÃO: 3/5

"Bom"

Moonlight: Sob A Luz do Luar | O Oscar tá pegando fogo! (Crítica — Especial Oscars 2017)

2017-02-26T00:16:00.002-03:00

E continuando nosso especial de críticas de filmes indicados ao Oscars 2017 (e esse vai até o fim!), dos nove indicados ao prêmio de Melhor Filme, nós já falamos sobre seis. E o próximo é:

Moonlight: Sob A Luz do Luar (Moonlight) é escrito e dirigido por Barry Jenkins e estrelado por Naomie Harris, Mahershala Ali, Trevante Rhodes e Ashton Sanders. O longa recebeu oito indicações ao Oscar: melhor filme, melhor diretor, melhor ator coadjuvante, melhor atriz coadjuvante, melhor roteiro adaptado, melhor fotografia, melhor montagem e melhor trilha sonora.

“Moonlight” conta a história de Chiron (interpretado por Alex R. Hibbert, Ashton Sanders e Trevante Rhodes), passando por momentos de sua infância, sua adolescência e, finalmente, sua vida adulta e como ele se descobre e lida com isso em uma sociedade que não é lá muito aberta sobre o assunto.

Este é um filme incomum, principalmente de se comentar sobre. Deixe-me sair logo de cara e dizer que não há nada ruim por aqui, nada que tenha chamado a minha atenção de forma negativa. É um longa que, pouco a pouco, se vê eu elenco, seu roteiro e sua direção maturando e tratando de temas um tanto sérios.

É quase que “rejuvenescedor” ver este longa (que é o que “Boyhood” deveria ter sido) ser executado de maneira tão majestosa, passo a passo vendo a vida sofrida de Chiron, um garoto negro que cresceu rodeado de usuários de drogas e do tráfico, um filme que não se aproveita de nenhum clichê em nenhum momento.

Não há muito do que se falar por aqui. As atuações de todo o elenco são maravilhosas, com destaque para Naomie Harris e Mahershala Ali que dão um belo show, mas sem esquecer do papel principal por Ashton Sanders, que não faz nada feio.

A direção de Barry Jenkins é bastante madura, com takes longos e sutis. Assim como “Um Limite Entre Nós”, “Manchester À Beira-Mar” (e basicamente todos os outros filmes que eu já abordei aqui), “Moonlight” parece extremamente real. E, como eu disse, é bastante interessante ver como o filme vai evoluindo e ficando cada vez mais sério com o passar do tempo.

“Moonlight: Sob A Luz do Luar” é mais um grande concorrente à estatueta de melhor filme e uma grande produção. Tudo aqui é milimetricamente planejado e extremamente bem executado. A avaliação não poderia ser outra:

AVALIAÇÃO: 5/5

"Extraordinário"

De Volta Ao Jogo | John Wick é um badass num dos melhores filmes de ação da década! (Dica do final de semana #9)

2017-02-10T00:01:00.000-02:00

Inicialmente eu planejava trazer outro filme na recomendação desse fim de semana, mas foi então que me toquei que a sequência do longa que recomendarei hoje, “John Wick 2: Um Novo Dia Para Matar”, chega aos cinemas brasileiros na quinta-feira que vem (16/02)! Então temos o cenário perfeito: estamos a uma semana da estreia da sequência e o primeiro filme está na Netflix! Sendo assim, vamos falar dele e a ideia original fica pra daqui a duas semanas (temos uma surpresa para a sexta-feira que vem):

De Volta ao Jogo (John Wick) é dirigido por Chad Stahelski e David Leitch, escrito por Derek Kolstad, estrelado por Keanu Reeves, Willem Dafoe, Adrianne Palicki, Alfie Allen, John Leguizamo, Lance Reddick e Michael Nyqvist e é um puta filme foda.

“John Wick” (perdão, o nome brasileiro é muito longo :D) conta a história de... bem... John Wick (Keanu Reeves), um assassino aposentado que trabalhava para a máfia russa em Nova York que é forçado a voltar ao submundo do crime em busca de vingança. O longa, lançado em 2014, mesmo contando com uma trama extremamente simples (o que finalmente “clica” em Wick e desperta seu desejo de vingança de início pode até parecer meio besta, mas não é. E funciona), ainda é extramente divertido.

Dirigido por dois ex-dublês, “John Wick” foi definitivamente um “sopro de ar fresco” no gênero de ação nos cinemas. Numa era e num ano em que filmes como as franquias “Jogos Vorazes” e “Os Mercenários” e até mesmo “Busca Implacável” são considerados pináculos do estilo, o longa é um grande alívio.

Stahelski e Leitch comandam as cenas e, ao lado do diretor de fotografia Jonathan Sela (que curiosamente trabalhou nos horrorosos “Max Payne” e “Duro de Matar: Um Bom Dia Para Morrer”), as câmeras de uma maneira fantástica. Com longos takes e uma economia invejável em cortes, “John Wick” flui de tal maneira que é prazeroso assistir, enquanto filmes dirigidos por Olivier Megaton, por exemplo, são um inferno de edição e ângulos esmagados em grandes quantidade num só segundo.

Falando em fotografia... e que fotografia, meus amigos! Dos movimentos suaves e precisos das câmeras à escolha da paleta de cores que lentamente (e tematicamente) vai mudando seu tom conforme a trama avança, “John Wick” é, provavelmente, um dos filmes de ação mais bem capturados dessa década.

Todo mundo aqui está muito bom, de verdade, mesmo que as atuações não sejam dignas de um Oscar, por exemplo, até atores que são geralmente ruins por regra (como John Leguizamo), está ótimos. Mas o destaque vai todo para Keanu Reeves, claro. Um dos atores mais dedicados do mercado desde sempre, Reeves, além de ter uma habilidade impressionante de entregar diálogos clichêzões de uma maneira que você acredita, ainda é um grande “dublê de si mesmo”. Para melhor colocar: Reeves não usa dublês (assim como Tom Cruise, por exemplo) e faz todas as suas cenas mais exigentes fisicamentes, todos os seus malabarismos, sozinho, e isso é uma das coisas mais importantes num filme desse tipo. Não é desmerecer o trabalho de dublês, mas notar que é o próprio ator que está fazendo alguma cena durante o filme, sem que o diretor precise arranjar diversos modos de esconder o dublê — filmando pelas costas ou sacudindo a câmera, ou sei lá — é uma das melhores coisas do cinema. E Reeves faz esse trabalho muito bem. MUITO bem. E John Wick é um badass sem dimensões. Aliás, é extremamente interessante notar como os diretores optaram por criar o necessário de tensão para que a audiência consiga se importar com o protagonista: mesmo tendo sido o melhor do ramo, Wick já está aposentado há anos.

Falando nisso, por ser dirigido por dois ex-dublês, as cenas de ação desse longa são de cair o queixo de verdade. Ficam como destaques as cenas na casa de Wick e na boate, cena essa que é a melhor cena em uma casa noturna desde “Colateral” (Collateral, 2004).

“John Wick” é um excelente filme de ação. Fluído e muito bem dirigido, com uma fotografia maravilhosa e um protagonista tão cativante e ainda por cima com uma mitologia extremamente interessante, não é surpresa que caiu nas graças do público e vai ganhar uma continuação na semana que vem. Não fosse pelo final do terceiro ato, desnecessário, certamente ganharia a nota máxima aqui. Mas nem por isso é um filme para deixar passar batido. Entre nessa sua conta da Netflix aí e assista “John Wick” agora!

AVALIAÇÃO: 4.5/5

"Excelente"

Samurai Jack, nova temporada, novo Jack, tudo novo!!!

2017-02-09T01:52:00.001-02:00

Após longos 13 anos sem Samurai Jack (confesso que já tinha perdido as esperanças em uma nova temporada) foi anunciado que este ano (2017) teremos a Quinta Temporada da animação. Se não viram o trailer deem uma conferida mas se vocês já viram, bom vejam novamente porque é muito foda.

Meu fucking Deus, olha isso, não tem nem o que comentar sobre essa nova temporada afinal tem tudo que poderíamos querer em uma animação Badass, muito sangue, lutas de espada, mais sangue e membros arrancados, finalmente o Jack está respeitoso com essa barba unida ao seu longo cabelo (confesso que estou ligeiramente ansioso para assistir).

Maiores detalhes iremos postar aqui e quando houver o lançamento logicamente iremos fazer uma crítica sobre a novíssima temporada.

Castlevania ganhará série animada pela Netflix

2017-02-09T01:36:00.000-02:00

Netflix anunciou sua mais nova animação que será dos clássicos dos clássicos, Castlevania. A primeira parte terá estreia ainda neste ano (2017), (~~vai que você ta lendo isso em 2020 é bom especificar~~) e a segunda parte está datada para 2018. Ainda não temos maiores informações sobre a animação.

O que sabemos até então é que projeto contará com Kevin Holde (Hora de Aventura) e Adi Shankar (Dredd) na produção e o roteiro ficará nas mão de Warren Ellis (RED 2).

Stranger Things - Trailer 2ª Temporada (mini-super ultra análise)

2017-02-09T01:11:00.002-02:00

Como todos já sabem nesse último final de semana rolou o segundo maior evento esportivo do mundo, Super Bowl (~~Hehe ainda perde pra Copa~~) e como de praxe do evento tivemos diversos trailers, incluindo essa maravilhosidade que é Stranger Things (eu sei ta um pouquinho atrasado, mas as vezes a gente faz jus ao nome do Blog né, ~~prometo mais eficiência nas próximas~~), bom se vocês não viram o trailer ainda, confiram conosco:

Como eu disse ali no título só vai ser na verdade um breve comentário nosso aqui sobre os futuros eventos que irão acontecer na série no nosso eterno achismo (pra deixar bem claro), meu breve comentário será...PUTA QUE PARIU VAI SER FODA PRA UM CACETE...esse foi o breve comentário.

Mas agora falando sério mesmo, o podemos ver nesse trailer e fazer uma união ao final da primeira temporada? Bem o término da primeira temporada aconteceram diversas coisas, como o Demogorgon desaparecer junto com a Eleven, o Will tem uns baratos loucos dentro dele proveniente da sua "estadia" no mundo invertido, a Nancy ficando com o cara lá (e deixando todo mundo sem entender porras nenhumas) e logicamente aqueles MILHÕES de referências que a série nos trouxe dos anos 70/80.

Bom pelo o que as últimas notícias disseram essa temporada será um pouquinho mais sombria, o que de fato interessa no começo do trailer é por que as crianças estão vestidas de caça-fantasmas? (confesso que quando eu vi essa imagem eu pirei) Um desenho sinistrão de um (Oh o Bicho vindo muleke) monstro e logo em seguida a desgraça do Demogorgon 2.0.

Vamos aos pontos do achismo dos Titans, será que as crianças estão de fato caçando algo ou talvez procurando sua amiga Eleven por isso os uniforme de Caça-Fantasmas? O Monstro do mundo invertido que aparece no trailer de fato é uma nova criatura ou como dito acima é uma evolução do Demogorgon?

Caso tenham uma teoria diferente além das citadas participe conosco nessa caçada conspiratórias.

Apenas uma certeza nessa nova temporada, vai ser ÉPICO!!!

iBoy | Mais um original Netflix que errou feio, errou rude. (Crítica)

2017-02-08T18:39:00.001-02:00

A Netflix nos últimos tempos vem sendo bem reconhecida pelos seus originais, entretanto, já faz algum tempo que ela perdeu um pouco aquele selo de qualidade 100% de seus originais seja filme, série ou documentário.

A bola da vez foi a adaptação do livro iBoy do autor Kevin Brooks. O longa tem Direção de Adam Randall e o elenco é composto por Bill Milner (Locke, X-Men: Primeira Classe), Maisie Williams (Arya em Game of Thrones), Miranda Richardson (Muppets 2, Malévola) e Rory Kinner (007 Contra Spectre, Jogo da Imitação)

Sinopse: Tom (Bill Milner) é baleado no momento em que tenta parar um ataque violento contra sua amiga Lucy (Maisie Williams). Depois de um tempo ele acorda do coma e descobre que fragmentos de seu Smartphone foram incorporados no seu cérebro, dando a ele super poderes. Tom usa esse conhecimento e tecnologia para se vingar da gangue responsável pelo ataque.

O filme começa bem, conta a breve história de Tom e como ele é apaixonado por sua amiga Lucy (aqueles clichês adolescentes de sempre), como ele é um garoto nada popular e essas coisas abarrotadas de clichês, o problema é o de sempre, pegam um ator de segunda categoria e colocaram em um de seus filmes (as vezes da certo e as vezes não), nesse caso o ator não deu nada certo, sem carisma com uma atuação porca, você nem consegue sentir o personagem, me lembrou bastante personalidades como Kristen Stewart (Saga Crepúsculo) e Hayden Christensen (Trilogia Nova Star Wars - I, II, III).

O maior problema do filme talvez nem seja apenas o ator, mas o roteiro é terrível com vários furos (antes de qualquer coisa, quero deixa claro que estou criticando o filme, não li a obra e não posso fundamentar criticas na mesma), como por exemplo o momento em que ele ganha os maravilhosos poderes, eles não tiveram nem ao menos a decência de explicar como ocorreu, foda-se se vocês gostaram ou não, ele tomou um tiro um pedaço do aparelho celular ficou na cabeça dele, tão simples e tão medíocre.

Logo depois de ganhar seus poderes ele vira o vigilante acabando com o tráfico e crimes em seu bairro, "pô, que legal agora vai", NÃO, simplesmente não funciona, ele começa a ter acesso a diversas habilidades e começa ajudar a população, até tentar acabar com o chefão do crime, até ai ok. O fator é quando é introduzido o vilão (Rory Kinner), ele é simplesmente jogado no meio da história com aquele papo de "Junte-se a mim e vamos dominar o mundo" (só faltou o "eu sou seu pai"), não pera! Ele manda essa dai também, dizendo algo como "eu e sua mãe éramos bem próximos, será que eu sou...".

E como "grande" vilão, o rapaz não consegue utilizar suas habilidades contra ele, por aquilo que gosto de chamar de motivos de foda-se e mais uma vez informações são jogadas na sua cara sem nenhum tipo de explicação ou seja ele simplesmente não consegue e ponto, aceita que dói menos.

Em contra proposta podemos dizer que a pequena atuação de Maisie (Lucy) é o que deixou o filme um pouco menos cretino, ela consegue trespassar para nós o sofrimento que a personagem está passando no momento (não que seja difícil devido os fatos, mas ainda assim consegue algo), na real a única importância dela de fato no longa é dar a motivação pro "mocinho" ou seja ela está ali para movimentar o filme. Como já foi dito é todo aquele clichê de filme de adolescente e "heróis", a mocinha ta em perigo e protagonista tem a "missão" de salva-lá.

Mas com toda a certeza do Universo o filme consegue ser ainda pior no final, onde mocinho e vilão se encontram em um """Mega""" embate onde podemos ver uma porrada aqui e outra ali e mas nada demais, até o momento que o "herói" vira um Super Sayajin e com todo seu poder e energia (mais uma vez nada disso fora explicado durante o filme) que obviamente ele tirou daquele lugar lá 😏, acabando com a Ultra Mega Blaster Lutinha de escola.

Confesso que se o livro for tão ruim quanto o filme foi será uma decepção maior ainda, o filme tinha potencial de ser algo a mais, mas acabou não sendo lá grandes coisas, seja na atuação ou no roteiro é bem broxante ver a "qualidade" da Netflix atualmente (em alguns originais). Podiam ter aproveitado melhor a Lucy, utilizado melhor os poderes do Tom ou simplesmente ter escolhido um ator que tivesse no mínimo a vontade de atuar. Como o Porta dos Fundos diria "Errou feio, errou rude".

NOTA FINAL: 1.5/5

"Ruim"

Justificando minha nota, acredito que o filme tinha potencial mesmo com os diversos problemas descritos no mesmo, tirando a péssima atuação do personagem principal, acho que a atuação da Arya (Maisie) conseguiu não deixar fantástico o filme (afinal isso seria meio impossível) mas acho que deu pra ficar menos pior do que se tivesse só um monte de atuações ruins.

Powerless | Sem poder e sem graça. (Crítica — Episódio 1: "Wayne or Lose")

2017-02-07T23:40:00.001-02:00

A DC Comics continua apostando forte — tipo bastante MESMO (percebeu como eu usei vários efeitinhos pra dar ênfase?) — em trazer sua mitologia pra TV. O problema de tudo é que ela só erra: “Arrow” é um show de horrores constrangedor nada consciente de si mesmo, “The Flash”, “Legends of Tomorrow” e “Supergirl’ não estão muito atrás, “Gotham” um dia teve potencial, mas preferiu jogar tudo pela janela e apostar num cast de vilões de filmes da franquia 007 na era de Roger Moore e “Constantine”... bem... ela foi cancelada por um motivo. Mas e Powerless? Depois de “Gotham”, essa é a série com a proposta mais “fora da caixa”, não?

Pode ter sido isso que foi dado a entender quando anunciaram a produção, exibida pela NBC, há uns tempos atrás: uma série de comédia que acompanha uma mulher que não tem nenhum superpoder vivendo numa cidade onde superheróis e supervilões lutam e destroem tudo o tempo inteiro. Só que o produto final não passa nem perto de ser algo original. Na verdade, tudo é bastante formulaico. Tão formulaico que chega a doer um pouquinho, lá no coração. Mas vamos lá falar dos pontos positivos? Vamos sim:

A abertura! A abertura, que é cheia de capas clássicas da Era de Ouro dos quadrinhos da DC, é ótima e bacanuda e coisa e tal. E... só.

“Não tem mais nada?”

Não tem mais nada.

Pelo que parece, a premissa da série mudou COMPLETAMENTE desde que rolou aquela exibição de teste da San Diego Comic-Con no ano passado. Primeiro, abandonou o projeto seu próprio criado, Ben Queen, por “diferenças criativas” (aham, sei). Depois, a trama passou de abordar o trabalhos dos funcionários de uma empresa que presta seguros à pessoas comuns, vítimas de danos e destruições causadas pelas batalhas dos superpoderosos (alô, Superman!), a Retcon Insurance, para tratar da equipe de Pesquisa e Desenvolvimento da Wayne Security, uma divisão da Wayne Enterprises. Em poucas palavras: a série fala de um pessoal que desenvolve os bat-gadgets pro Morcegão, achando que estão fazendo isso pra população.

O maior problema de “Powerless” (mas não o único) é que... wait for it... ELA NÃO É ENGRAÇADA! O roteiro do primeiro episódio está literalmente transbordando de referências ao Universo da DC tanto dos cinemas (!) quanto da TV, mas ela é cheia de trocadilhos excruciantemente idiotas (o nome do primeiro episódio é “Wayne or Lose”. Vou deixar você absorver isso por um tempo) e as piadinhas são bastante previsíveis. Fato: enquanto assistia, logo no início, eu dei um soprinho de nariz. Sabe aquele sopro característico que você dá pra uma coisa que nem chega a ser engraçada, mas é “oown, que adorável”? Então... e nem foi uma sequência de sopros. Foi um só soprinho de nada.

Entre o elenco, temos a protagonista, Emily Locke, a recém-contratada chefe do departamento de P&D, interpretada por Vanessa Hudgens. Ela tenta. Ela se esforça, vá lá, mas não consegue segurar todas as pontas sozinha. Os coadjuvantes são... ah, extremamente descartáveis. Consigo me lembrar do nome de exatamente zero deles, e eu assisti o episódio há uma hora. Há também Alan Tudyk, que interpreta um primo de Bruce Wayne. Ele é o característico chefe absurdo, vagabundo e incompetente. Uhull! Originalidade!

No fim das contas, você fica se perguntando: “será que a DC ao menos tá tentando?”. “Powerless” tinha um grande potencial, mas preferiu jogar tudo pela janela e seguir com uma fórmula pronta. Resultado: piadas ruins, clichês previsíveis e a graça mais inexistente que a qualidade de “Superman IV”. Pois é. Não foi dessa vez, de novo...

Ao menos “Punho de Ferro” tá quase ali na esquina...

AVALIAÇÃO: 2/5

"Medíocre"

Quase 18 | O melhor filme de adolescentes em muitos anos! (Crítica)

2017-02-05T17:59:00.001-02:00

Dando mais uma breve pausa no nosso especial de críticas do Oscars 2017 (sejamos honestos: vai acontecer mais algumas vezes), vamos falar de um filminho que passou despercebido pelo radar de muita gente quando foi lançado nos EUA no fim do ano passado e finalmente chegou de maneira oficial ao Brasil nessa última semana (02/02):

Quase 18 (The Edge of Seventeen) é escrito e dirigido por Kelly Fremon Craig e estrelado Hailee Steinfeld, Haley Lu Richardson, Blake Jenner, Kyra Sedgwick e Woody Harrelson.

“Quase 18” conta a história de Nadine (Hailee Steinfeld), uma típica adolescente de classe média e os problemas de sua vida numa época como essa, com direito a drama, crises e revoltas. Cedo na sua vida, Nadine passa por um trauma e a partir daí sua vida “desmorona”: sua melhor amiga começa a namorar seu irmão. Com tudo isso, a moça se vê cada vez mais frequentemente fazendo do seu professor de história, Sr. Bruner (Woody Harrelson), um psiquiatra, ditando todos os seus problemas para ele durante o precioso horário de almoço.

O longa não é exatamente novidade. Existem MILHÕES de outras obras que tratam de alguém passando pela terrível época que é a adolescência, mas ainda assim, este se mantém no topo do gênero, de uma maneira que deixaria até John Hughes orgulhoso, principalmente pelo modo como ele é escrito e, principalmente, atuado.

“Quase 18” é uma experiência de comédia (também) com um roteiro genial. É muito interessante ver como Craig decidiu escrever os adolescentes na obra. Aqui, eles agem como pessoas reais dessa idade agiriam. Eles bebem, fazem festa, transam e, principalmente, falam palavrões. E essa é a melhor desculpa para o filme ter a classificação indicativa que tem. Tem “porras”, “caralhos” e “filhos da puta” pra todo mundo, e isso é muito bacana de se ver. É o modo como colegiais agem, é o modo como eu e meus amigos e todo mundo do mundo todo agia e isso é ótimo de ver num filme, sem nenhuma imposição idiota do estúdio e restrições auto-impostas para garantir uma classificação de 13 anos e, consequentemente, um público maior e mais dinheiro. Que jeito melhor de se identificar com um personagem quando ele é gente como a gente? Foda!

Todo mundo aqui está muito bem, mas é claro que o destaque vai para Hailee Steinfeld, que já havia mostrado habilidade em “Bravura Indômita” (True Grit, 2010 — quando foi indicada ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante). Ela segura as pontas muito bem, tanto que até foi indicada ao Globo de Ouro de melhor atriz em um filme de comédia ou musical (embora Emma Stone tenha levado essa por seu trabalho em “La La Land”). Woody Harrelson também está muito bem aqui, interpretando um professor que diz coisas que ninguém nunca diria na vida real — não ao menos que estivesse afim de ser demitido —, e as melhores risadas vêm da ÓTEMA química entre ele a Steinfeld.

E, mesmo sendo um pouco formulaico e até meio previsível, esses problemas parecem menores quando a vida e o drama de Nadine são tão fascinantes e engraçados.

“Quase 18” é uma ótima viagem de 104 minutos, com um grande roteiro e ótimas atuações. Se você tiver a oportunidade de assistir a este longa, por favor faça. Você não vai se arrepender.

AVALIAÇÃO: 4/5

"Ótimo"

Um Limite Entre Nós | Atuações e um roteiro de ponta! (Crítica — Especial Oscars 2017)

2017-02-05T12:52:00.001-02:00

De todos os seis indicados ao Oscar de Melhor Filme que já foram abordados aqui (“Até o Último Homem”, “A Chegada”, “A Qualquer Custo”, “La La Land: Cantando Estações”, “Manchester À Beira-Mar” e este), “Um Limite Entre Nós” é o mais “incomum”, e uma ótima experiência:

Um Limite Entre Nós (Fences) é dirigido por Denzel Washington e escrito por August Wilson e é baseado em sua peça teatral homônima. É estrelado pelo próprio Denzel Washington ao lado de Viola Davis. O filme recebe 4 indicações ao Oscar: melhor filme, melhor ator principal, melhor atriz coadjuvante e melhor roteiro adaptado.

O longa conta a história de Troy Maxson, um jogador de baseball fracassado que agora precisa trabalhar como lixeiro para poder sobreviver.

“Um Limite Entre Nós” é um longa curioso. Os rumores dizem que a obra — adaptada da peça teatral homônima da Brodway, escrita pela mesma pessoa, em 1983 — foi por um bom tempo considerada “infilmável”, e não é difícil de se entender o motivo. Não existem cenas de ação ou até mesmo cenas empolgantes ou de tensão, no caso. O longa trata única e exclusivamente da família Maxson e é composto de loooooongas sequências de conversas e discussões. O que é algo interessante de se dizer sobre um filme, sobre ele ser “infilmável porque só tem conversa”. De fato, boa parte do público geral não vai se interessar pela obra. Não estamos tratando de um blockbuster bilionário. Mas entre os grandes filmes da história não faltam nomes que seguem exatamente essa fórmula de longos diálogos em poucas localidades. Os exemplos são muitos: “Cães de Aluguel” (Reservoir Dogs, 1992), “12 Homens e Uma Sentença” (12 Angry Men, 1957) ou até mesmo “Rashomon” (Rashomon, 1950).

Na verdade, os outro dois principais motivos para você assistir “Fences”, além do roteiro maravilhoso, são as atuações espetaculares de Denzel Washington e Viola Davis. Assim como “Manchester À Beira-Mar”, por exemplo, este longa também chega a “não parecer um filme” em alguns momentos. É tudo tão real, interpretado tão magistralmente por Washington e Davis que você se sente apenas como uma pessoa ouvindo a discussão de uma família de verdade. E é aí que reside o show da obra.

O personagem de Denzel é o mais fascinante: um homem bastante amargo e frustrado, nos é apresentado inicialmente como um cara legal, um pai de família. Um homem comum que trabalha duro para por comida na mesa e um teto sobre a mulher e os filhos. Você já gosta dele antes mesmo que ele precise falar uma segunda frase. Mas é ao longo da trama que são apresentados pequenos vislumbres de seu verdadeiro eu, e nós aprendemos um pouco mais sobre seu passado. Temos essas longas sequências de conversas que não são mais de que papo de bar, mas alguém diz algo errado, ou o filho de Troy lhe olha de uma maneira diferente e ele simplesmente se transforma numa pessoa completamente. Uma pessoa ruim.

E Washington interpreta o personagem de uma maneira tão fluída, tão natural, com trejeitos e maneirismos que parecem coisas mínimas mas que trazem todo o realismo necessário para a cena. Em um dos melhores momentos do longa, Troy fala um pouco sobre seu relacionamento com seu pai, e não existe no mundo outra pessoa que poderia ter entregado esse monólogo como o ator. Davis também não fica para trás, em outro grande momento que retrata uma discussão entre ela e o marido. De todos os nomes que estão concorrendo aos prêmios de melhor ator principal e melhor atriz coadjuvante, esses dois parecem ter as melhores chances.

A direção de Washington também não é algo para se falar mal. Ela não é chamativa, mas faz seu trabalho muito bem. Junto da diretora de fotografia Charlotte Bruus Christensen, Denzel faz um ótimo trabalho com os enquadramentos, por exemplo, nas cenas, transmitindo bem a mensagem necessária, como em um plano meio cluastrofóbico durante a discussão fascinante de Davis e o ator.

Ainda assim, há um momento, durante o terceiro ato, em que a trama toma um rumo bastante enfadonho e clichê, o que provoca aquela característica reação do “aaah, sério?”.

No fim das contas, “Um Limite Entre Nós” é uma ótima experiência, carregada por um grande roteiro e atuações fantásticas. Mesmo com o deslize por volta do terceiro ato, ainda é um belo filme.

AVALIAÇÃO: 4.5/5

"Excelente"

Manchester À Beira-Mar | A excelente contemplação de Kenneth Lonergan. (Crítica — Especial Oscars 2017)

2017-02-04T03:55:00.000-02:00

Voltando definitivamente ao nosso especial de críticas de filmes indicados ao Oscars 2017, vamos falar de outro longa que foi indicado ao prêmio de Melhor Filme e outro longa que mostra como a premiação deste ano está incrível:

Manchester À Beira-Mar (Manchester By The Sea) é escrito e dirigido por Kenneth Lonergan e estrelado por Casey Affleck, Lucas Hedges, Michelle Williams, Kyle Chandler e Matthew Broderick. O longa recebeu 6 indicações ao Oscar: melhor filme, melhor diretor, melhor ator, melhor ator coadjuvante, melhor atriz coadjuvante e melhor roteiro original.

“Manchester” conta a história de Lee Chandler (Casey Affleck), um zelador antissocial que vive em Boston que recebe a terrível notícia da morte de seu irmão e precisa viajar para Manchester para lidar com a característica burocracia após a morte de um membro da família. Para sua surpresa, Lee pode possivelmente receber a guarda de seu sobrinho, algo impensável para ele, que tem um passado extremamente conturbado.

O texto de Lonergan toca em assuntos um tanto delicados, como como é possível uma pessoa viver consigo mesma após um ato terrível, perdão próprio e etc. Lee é uma pessoa bastante amarga, e por um bom tempo você vai se pega se perguntando “por que é que eu deveria simpatizar com esse cara? Ele é um puta cuzão”, até porque, de tal forma, “Manchester” parece um pouco bagunçado de início. Apenas depois de passados a sua primeira meia hora que todo um novo espectro lhe será apresentado, e tudo começa a se encaixar perfeitamente.

O longa não segue uma forma linear de relatar os acontecimentos, então é comum você sentir um pouco perdido e demorar algumas cenas para perceber que você assistindo a um flashback e não acontecimentos do presente, mas tudo isso é apenas uma questão de tempo até você se acostumar com as dicas visuais que o filme dá em relação ao tempo em que se passam essas cenas e as cenas do presente. Isso é algo muito bacana de ser ver em um filme nos dias de hoje. Numa era em que vários longas fazem de tudo para entregar a trama à audiênca toda “mastigadinha” (seja pelo motivo que for) — uma tática um tanto desrespeitosa para garantir que você entenda tudo, sem lhe dar o menor espaço para pensar por si mesmo — é muito você assistir a algo que respeita sua inteligência, permitindo que você mesmo note elementos-chave ao longo da trama e “ligue os pontos” como, por exemplo, o motivo de tantas pessoas na cidade Manchester sempre se referirem ao protagonista como “aquele Lee”.

“Manchester” provavelmente não é o filme mais fácil de se assistir. Garantido, não estamos falando de nenhum “Killer Joe: Matador de Aluguel” (Killer Joe, 2011), mas “Manchester” tem seus próprios meios de se tornar uma experiência difícil. Todo o longa é uma viagem emocional, sustentado por atuações im-pe-cá-veis de todo o elenco. Por muitas vezes, você pode até achar está assistindo à uma conversa entre pessoas na rua, num dia comum. Realmente não é à toa que, das seis indicações à premiação, três são apenas por atuação. Casey Affleck, por exemplo, merecidamente indicado por seu trabalho no papel principal, dá a melhor atuação de sua carreira desde “Medo da Verdade” (Gone Baby Gone, 2007 — um ótimo e infelizmente desconhecido longa dirigido por seu irmão, Ben Affleck).

No fim das contas, “Manchester À Beira-Mar” é um excelente filme, altamente contemplativo e que toma seu próprio tempo em suas resoluções — o que pode acabar afastando uma parte do grande público —, uma viagem emocional carregada por atuações estelares e um roteiro e direção maravilhosos que se completam. Mesmo com poucos problemas no início, o longa ainda é uma ótima pedida.

AVALIAÇÃO: 4.5/5

"Excelente"

Jackie | Natalie Portman interpreta a viúva de John Kennedy em um filme problemático. (Crítica — Especial Oscars 2017)

2017-02-03T16:01:00.001-02:00

O que acontece hoje não é exatamente uma pausa como foi com “Dois Caras Legais” mais cedo, até porque esse longa recebeu três indicações ao Oscar. Decidi falar sobre ele aqui por ter a oportunidade de acertar “dois coelhos com uma cajadada só”, porque além de ter indicações à premiação, ele também estreou ontem (02/02) nos cinemas brasileiros.

Jackie é dirigido por Pablo Larrain, escrito por Noah Oppenheim e estrelado por Natalie Portman, Peter Sarsgaard e John Hurt (que descanse em paz). O longa recebeu três indicações ao Oscar: melhor atriz, melhor figurino e melhor trilha sonora.

O longa conta a história de Jackie Kennedy (Natalie Portman) imediatamente após o assassinato de seu marido, o presidente dos Estados Unidos John F. Kennedy (Caspar Phillipson), e como ela lidou com a perda, pelo que ela passou, como sua fé foi abalada e como ela decidiu honrar a memória dele.

Embora “Jackie” provavelmente seja o melhor filme sobre o assunto que vai aparecer por aí, ele está longe de ser um filme perfeito. A direção de Larrain é um tanto problemática em alguns pontos. No que se diz a respeito de seu trabalho com os atores, por exemplo, não há do que reclamar, as atuações aqui são ótimas, mas falo disso mais a frente. O mesmo pode se dizer da representação dos anos 60: é tudo bastante autêntico e bem feito, desde os figurinos e cenários até o modo como o diretor criou algumas cenas de maneira a parecerem que são fitas verdadeiras da época. Os maiores problemas estão no jeito em como ele comanda as câmeras, junto do diretor de fotografia Stéphane Fontaine, e no andamento da trama.

Visualmente falando, “Jackie” dificilmente é um filme atraente. Com raríssimas exceções, todos os planos são enquadrados no perfeito centro, mas não de uma maneira como Kubrick fazia ou sequer como Anderson faz: chamativas pela perfeição ou pela extravagância. Aqui, é quase tudo muito “ameno”... Larrain e Fontaine não mexem muito com os lados do plano então seu olho não mexe com frequência e tudo transmite uma sensação de estagnação.

O outro problema, como dito anteriormente, é o andamento da trama, que não é contada de forma linear. Existem muitos flashbacks e flashforwards que são executados de uma maneira que pode te deixar um pouco confuso quanto ao tempo em que se passa o que você está assistindo.

As atuações são todas ótimas e todo mundo faz um ótimo trabalho, mas o maior destaque de todo o filme é definitivamente Natalie Portman. A atriz interpreta Jackie de maneira magistral nesse que é, possívelmente, seu melhor trabalho desde “Cisne Negro” (Black Swan, 2010). A viúva Kennedy é, durante a maior parte do tempo, dura como uma pedra, mesmo após ter perdido seu marido, mas de vez em quando ela “baixa” sua guarda e dá um vislumbre da dor pela qual está passando e são esses, disparados, os melhores momentos do longa, que aparecem nas cenas entre ela e o personagem de John Hurt e na sua entrevista pelo personagem interpretado por Billy Crudup, que também faz um ótimo trabalho.

“Jackie” é, como eu disse, possívelmente o melhor filme sobre o assunto que vai existir e ver o assassinato de John Kennedy pela perspectiva da viúva é definitivamente, na falta de palavra melhor, interessante. Mas o longa ainda assim tem alguns problemas e o principal fator que desperta interesse é a atuação de Natalie Portman, merecidamente indicada ao Oscar de Melhor Atriz Principal.

AVALIAÇÃO: 3/5

"Bom"

Dois Caras Legais | Um dos melhores filmes do ano passado. (Dica do final de semana #8)

2017-02-03T02:04:00.000-02:00

Dando uma breve pausa no nosso especial de críticas de filmes indicados ao Oscars 2017, quero comunicar para o mundo inteiro que finalmente estamos de volta com o nosso “quadro” semanal de recomendações! Depois de tanto tempo parado, o “Dica do Final de Semana” voltou! E devo confessar que a dica de hoje não está nada menos do que sensacional. Tá afim de assistir um dos melhores filmes do ano passado, no conforto da sua casa usando o Netflix? Então vamos lá:

Dois Caras Legais (The Nice Guys) é dirigido por Shane Black, escrito também por ele em parceria com Anthony Bagarozzi e estrelado por Russel Crowe e Ryan Gosling.

Surpreendentemente, o longa passou completamente despercebido pelo radar de muita gente. Infelizmente, na verdade, porque não só ele merecia estar no Oscar como foi um dos melhores — se não o MELHOR — filme do ano passado! E o melhor de tudo: ele está na Netflix brasileira!

Em “Dois Caras Legais” Jackson Healy (Russell Crowe) é um cara que, embora se enxergue como um detetive particular, ganha a vida sendo contratado pra bater em pessoas e “mandar avisos”. Por outro lado, Holland March (Ryan Gosling) é um detetive particular falido e descuidado que é contratado para investigar uma atriz pornô que foi dada como morta após um acidente e depois foi vista super vivona.

Interessantemente, “Dois Caras Legais” resgata aquele quase-finado gênero de buddy cop de filmes como a tetralogia “Máquina Mortífera” (Lethal Weapon, 1987, 1989, 1992 e 1998) com uma ótima veia de comédia. E tudo funciona muito bem.

A direção de Shane Black (mais conhecido por ter dirigido aquele horror que foi “Homem de Ferro 3”, mas também por ter dirigido o ótimo “Beijos e Tiros”) é impecável e o diretor sabe muito bem como e quando quebrar a seriedade com piadas extremamente engraçadas e, principalmente, bem colocadas.

Mas o que definitivamente segura todo o filme é a química entre Russell Crowe e Ryan Gosling. De fato, a premissa da obra não é exatamente algo que vá explodir sua cabeça, mas ela não perde a força e te prende a atenção graças aos dois atores em tela. Por conta deles você investe na trama, e isso é ótimo. Curiosamente, diferente da maioria de filmes do estilo, os dois personagens não são extremos opostos que, por milagre, acabam por funcionarem juntos e virarem grandes amigos para sempre. Eles são, em muitos aspectos, bastante semelhantes.

E, por mais que Crowe e Ryan sejam extremamente carismáticos aqui, existe ainda um grande destaque para a filha do personagem de Gosling: Holly March (Angourie Rice). Ela é mais que ótima! A personagem é uma daquelas que falam bastante coisas “de adulto” e você, geralmente, pensa “oh, que fofinha”, mas não aqui. Aqui, Angourie dá um show tão grande que convence e tudo parece muito autêntico. É como se ela fosse uma espécie de sidekick para a dupla, se sidekicks fossem tão fodas quanto ela.

No fim das contas, “Dois Caras Legais” é um filme fantástico. O carisma de Russell Crowe e Ryan Gosling é incrível, Angourie Rice dá um show a parte, a direção de Shane Black é impecável, a autenticidade de tudo dá um verdadeiro ar de que o filme realmente se passa na década de 70 e a trama é pontuada de forma magistral de um humor extremamente eficiente. Se você assina a Netflix, corre lá pra assistir esse filme.

AVALIAÇÃO: 5/5

"Extraordinário"

La La Land: Cantando Estações | O melhor musical dos últimos anos? (Crítica — Especial Oscars 2017)

2017-02-02T20:49:00.000-02:00

Devo confessar que não exatamente aquele seu go-to guy quando se trata de musicais no cinema. Salvo alguns clássicos animados ou não pela Disney (como “O Estranho Mundo de Jack”), por exemplo, e um ou outro live-action aqui e ali (tipo “Os Miseráveis”, ou alguns clássicos como “A Noviça Rebelde”, “Grease: Nos Tempos da Brilhantina”, “Cantando na Chuva” e “O Mágico de Oz”, que têm outros motivos para serem apreciados), eu não sou exatamente uma pessoa que tem musicais entre seus gêneros cinematográficos favoritos. Este longa, no entanto, tem um potencial a mais. Vamos continuar com nosso especial do Oscars 2017:

La La Land: Cantando Estações (La La Land) é escrito e dirigido por Damien Chazelle e estrelado por Ryan Gosling, Emma Stone e J. K. Simmons. O longa recebeu 14 (QUATORZE!!!) indicações ao Oscar: melhor filme, melhor diretor, melhor ator, melhor atriz, melhor roteiro original, melhor fotografia, melhor design de produção, melhor figurino, melhor montagem, melhor edição de som, melhor mixagem de som, melhor trilha sonora e mais 2 (DUAS!!!) indicações para melhor canção original.

Ryan Gosling é Sebastian, um pianista e um apaixonado por jazz que deseja um dia poder abrir a sua própria casa de jazz enquanto Emma Stone interpreta Mia, uma aspirante a atriz. Ambos acabam por se encontrar em Hollywood e agora nós temos a história deles contada através de muita música e dança.

Damien Chazelle claramente sempre esteve envolvido com filmes que incorporam música em suas tramas. Desde seu primeiríssimo filme, um musical chamado “Guy and Madeline on a Park Bench” (2009), passando por “Toque de Mestre” (Grand Piano, 2013 — que ele não dirigiu, apenas atuou como produtor) e finalmente no mais que excelente “Whiplash: Em Busca da Perfeição” (Whiplash, 2014 — clique no nome do filme para conferir a nossa crítica!) e, obviamente, isso não é diferente com “La La Land”.

Como eu disse no início dessa crítica, eu não sou lá um grande fã de musicais. Na verdade, se eu fosse listar meus gêneros favoritos no cinema, “musical” provavelmente figuraria entre os últimos colocados, mas “La La Land” é especial. Mais uma vez, Damien Chazelle dá um show na direção e no roteiro. “La La Land” não só é tecnicamente impecável como também doce e com uma linda mensagem a transmitir.

Chazelle tem uma competência ímpar tanto atrás das câmeras quanto na caneta e no papel. Uma prova da primeira é jogada na sua cara logo no início do longa: um maravilhoso plano-sequência que se passa no meio de um engarramento em Los Angeles. A coreografia, a execução, a sincronia... tudo extremamente bem planejado — down to the second! — de tal forma que te faz: pensar na quantidade de takes que foi necessária para fazer tudo certo e parabenizar o diretor e o elenco pela dedicação e atenção aos detalhes.

A fotografia de Linus Sandgren (conhecido por “Trapaça”, de 2013, e “Joy: O Nome do Sucesso”, de 2015) não fica para trás e os esforços dele com o diretor combinados resultam dezenas — senão centenas — de momentos incríveis de cair o queixo. Quer outro exemplo? Aquela brilhante sequência de dança entre Gosling e Stone no lindo pôr do Sol de Hollywood, provavelmente com alguns dos meus planos favoritos do ano (em outras palavras: a primeira imagem deste post).

Duas imagens porque o troço é bonito!

Tanto Ryan Gosling como Emma Stone estão incríveis aqui e justificam suas indicações. A história de Mia e Sebastian é incrível e a química entre os dois é invejável.

“La La Land” tem uma importante mensagem para passar para aquelas pessoas que têm um sonho mas, por algum motivo, são impedidos de o seguir. Esse longa é uma história de amor E uma carta de amor à arte E uma carta de amor a quem tem um sonho. É como se o filme se materializasse, criasse braços, saísse da tela, te agarrasse pelos ombros e te sacudisse, dizendo “levanta daí e corre atrás do que você quer e acredita!”.

Damian Chazelle tem apenas 32 anos e já é definitivamente um dos melhores diretores da atualidade e eu mal posso esperar para ver o que mais ele consegue fazer. “La La Land” é uma conquista técnica e um lindo filme, que esbanja qualidade em diversos níveis, de técnico a emocional. Um filme sobre amor, comprometimento, sonhos e a própria vida, regado de sequências musicais tão bem aplicadas que muitas vezes acontecem sem você notar. Já é a segunda vez que o diretor ganha a nota máxima aqui no Titans Desatualizados, e que venham mais delas.

AVALIAÇÃO: 5/5

"Extraordinário"

A Qualquer Custo | Um belo western moderno. (Crítica — Especial Oscars 2017)

2017-02-01T16:21:00.000-02:00

Se todas as edições dos Oscars fossem como esta, o mundo estaria MUITO mais bem servido da sétima arte. Vamos continuar com nosso especial Oscars 2017:

A Qualquer Custo (Hell or High Water) é dirigido por David Mackenzie, escrito por Taylor Sheridan e estrelado por Chris Pine, Ben Foster e Jeff Bridges. O longa recebeu 4 indicações ao Oscar: melhor filme, melhor ator coadjuvante, melhor roteiro original e melhor montagem.

Eu confesso que não conhecia David Mackenzie antes de assistir “A Qualquer Custo”, mas o elenco de ponta e o roteiro de Taylor Sheridan (responsável por escrever o mais que excelente “Sicario: Terra de Ninguém”, em 2015) foram o suficiente para atrair a minha atenção. E eu estou feliz que isso aconteceu.

“A Qualquer Custo” conta a história de dois irmãos, Toby e Tanner Howard (Chris Pine e Ben Foster, respectivamente), que começam a roubar filiais de um banco no Texas em quantias que não são tão altas para chamar a atenção do FBI mas ainda assim altas o suficiente para fazer com que o ranger Marcus Hamilton (Jeff Bridges) e seu parceiro Alberto Parkes (muito bem interpretado por Gil Birmingham) se interessem pelo caso.

O longa é definitivamente um western moderno e a sutileza da direção de Mackenzie junto ao roteiro de Sheridan dão a ele um ar bastante isolado. Falando em direção, eu não conheço os outros trabalhos do diretor escocês, mas dificilmente acho que eles podem ser superiores a este. A sua preferência por takes longos (como o plano sequência no início) com movimentos suaves das câmeras e esse é definitivamente um dos pontos altos do filme. O diretor e o roteirista optam por deixarem as cenas falarem por si mesmas e, em pouco ou nenhum diálogo, toda a emoção necessária é passada.

Tanto Chris Pine quanto Ben Foster fazem aqui as melhores atuações de suas carreiras, o que torna muito estranho o fato de que nenhum dos dois recebeu uma indicação ao Oscar. Mesmo sendo irmãos, seus personagens são vastamente diferentes: Toby é um homem comum, pai divorciado que precisa arranjar uma maneira de prover para seu filho. Já Tanner (numa atuação em Ben Foster se transforma completamente) é violento e meio psicótico e já passou um bom tempo preso. A química entre os dois é fantástica, tão quanto a química entre os personagens de Jeff Bridges e Gil Birmingham. Eles interpretam dois rangers parceiros que trabalham juntos no caso dos roubos. Jeff Bridges é fenomenal (o que lhe rende a indicação para Melhor Ator Coadjuvante) e Gil também não faz feio. A relação entre os dois é daquele tipo de amigos que vivem trocando insultos mas sempre na esportiva.

A fotografia fica por conta de Giles Nuttgens — que anteriormente havia trabalhado com “A Reconquista” (Battlefield Earth, 2000), também conhecido como “MEU DEUS COMO PODE USAR TANTO ÂNGULO HOLANDÊS NUM SÓ FILME” — faz um trabalho impecável aqui, como na escolha da paleta de cores com tons mais quentes que muito bem simbolizam a desolação do interior do Texas dando, como dito, aquela sensação de se estar assistindo a um western, mesmo que o longa se passe em dias atuais.

No fim das contas, “A Qualquer Custo” é um grande filme e outro forte competidor na corrida do Oscars 2017, então não seria uma surpresa se fosse este o vencedor do prêmio de Melhor Filme. Meus amigos... o Oscars desse ano está pegando fogo!

AVALIAÇÃO: 5/5

"Extraordinário"

Battlefront 2 - Terá diversas eras do Universo Star Wars, afirma EA!!!

2017-02-01T00:44:00.002-02:00

De acordo com informações a empresa EA Games enviou relatórios para seus acionistas e nos mesmos contém (~~planos malignos para conquistar a Galáxia, quem sabe uma Estrela da Morte mais eficiente~~) detalhes dos próximos projetos da empresa, incluindo Star Wars Battlefront 2.

As informações indicam que o próximo game terá diversas eras do Universo Star Wars e ainda contará com uma campanha Single Player, finalmente levando em consideração as críticas feitas sobre a ausência da mesma no primeiro game.

Será que desta vez de fato teremos um jogo decente? Com um multiplayer online decente? Para finalmente honrarmos o "clássicozera" Battlefront 2 para Playstation 2.

Star Wars Battlefront 2 chega nas lojas no final do ano, próximo a estreia de Star Wars: The Last Jedi (O Último Jedi? A Última Jedi? Os Últimos Jedi?).

(~~Só quero que o Luke não morra!!!~~)

VOLTAMOS COM NOSSOS POSTS DIÁRIOS!!! 2017 TEREMOS MAIS TITANS

2017-02-01T00:18:00.000-02:00

Infelizmente no último ano demos uma parada nas postagens por aqui, não demos muitos avisos aos nossos leitores e pedimos encarecidamente desculpas. A realidade é que ser blogueiro não é uma tarefa das mais fáceis ainda mais quando sempre procuramos trazer críticas, resenhas, notícias diariamente e não é reclamando, nada nos deixa mais orgulhosos do que entrar no blog e ver que estamos crescendo e de certa forma proporcionando um momento de lazer para vocês.

Ano passado foi um ano digamos assim, TRETA, mas com o começo de 2017 só coisas boas estão por vir e quando falamos em coisas boas falamos na volta das postagens do TITANS DESATUALIZADOS MOTHERFOCAS!!!

Prometemos que esse ano não teremos grandes interrupções em nossas postagens e se preparem por novos conteúdos.

A Chegada | Denis Villeneuve ataca novamente! (Crítica — Especial Oscars 2017)

2017-01-31T22:50:00.000-02:00

Para mim, pessoalmente, todo novo filme de Denis Villeneuve é um evento. Quase um feriado. É algo que eu preciso assistir o quanto antes. O diretor canadense tem uma filmografia ainda relativamente pequena, mas impecável. Em minha mente só vêm dois outros diretores no mundo com um currículo tão brilhante quanto este: David Fincher e Ben Affleck. Isso deve ser o suficiente para você aí que está lendo entender a magnificência do que estou falando aqui. Vamos seguir em frente com nosso especial:

A Chegada (Arrival) é dirigido por Denis Villeneuve, escrito por Eric Heisserer e é baseado no conto Story of Your Life (1999), de Ted Chiang. É estrelado por Amy Adams, Jeremy Renner e Forest Whitaker e recebeu 8 indicações ao Oscar: melhor filme, melhor diretor, melhor roteiro adaptado, melhor fotografia, melhor design de produção, melhor montagem, melhor edição de som e melhor mixagem de som.

No longa, um punhado de naves extraterrestres pousa em 12 lugares diferentes no planeta Terra e ninguém tem a mínima ideia de suas intenções. A renomada linguista americana Dra. Louise Banks (Amy Adams) é chamada juntamente com o físico Ian Donnelly (Jeremy Renner) pelo governo para tentar decifrar e interpretar o “idioma” dos visitantes e desenvolver um modo de comunicação com o objetivo de entender o propósito deles aqui.

Como eu disse no começo deste texto, quando se trata de Villeneuve, todo e qualquer novo filme dele é um grande evento para mim (tô de olho em você, “Blade Runner 2049”). E não é à toa: as obras do cara já moram nas minhas listas de “melhores filmes do ano” desde 2013. Estamos falando do homem responsável por Os Suspeitos (Prisoners, 2013 — Não confundir com aquele outro “Os Suspeitos” de 1995 com Kevin Spacey, cujo nome original é “The Usual Suspects”), O Homem Duplicado (Enemy, 2014) e Sicario: Terra de Ninguém (Sicario, 2015). Cada um desses longas é um exemplo de como se fazer um filme, e “A Chegada” não é diferente.

Logo de cara, permita-me dizer que este, assim como seus “antecessores”, é um filme extremamente bem dirigido. De maneira similar *àquela* magistral direção de “Sicario”, por exemplo, Villeneuve até repete a mesma fórmula aqui, ao menos no início. A habilidade do diretor canadense de construir e sustentar um suspense cada vez mais intenso durante o primeiro ato do longa é admirável: durante boa parte do tempo você ouve falar sobre a chegada dos alienígenas à Terra. Você assiste à filmagens amadoras das naves, mas que propositalmente não te permitem enxergar direito. Quando a revelação das naves finalmente acontece, não só a apresentação do momento como todo o suspense que sustentou essa cena pelos últimos minutos fazem seu queixo ir ao chão. E a jogada se repete. Você ouve relatos de pessoas que viram os extraterrestres, e elas se recusam a descrevê-los. A angústia e a vontade de saber como os ditos-cujos só aumentam, você consegue senti-las na boca do estômago.... quando a revelação finalmente acontece, lá se vai seu queixo pro chão mais uma vez. Melhor comprar uns curativos. Além disso, “A Chegada” não é nenhum “Independence Day” ou “Aliens: O Resgate” ou “Guerra dos Mundos” (graças aos deuses). Em outras palavras, este não é uma ficção científica de ação. Muito pelo contrário, na verdade. O longa se apoia bastante no suspense e na tensão, então se alguma comparação é necessária para se ter alguma base do que esperar do modo como o longa toca o barco, tenha em mente o filme “Sinais”, de M. Night Shyamalan. Mas, ainda assim, “A Chegada” não é a mesma coisa. É vastamente diferente.

Falando nas “apresentações”, permita-me dizer que este filme não está concorrendo ao Oscar de Melhor Fotografia à toa. Mais uma vez, assim como “Sicario”, “A Chegada” é um banquete aos olhos. Tome como exemplo o maravilhoso longo plano que finalmente nos apresenta a nave extraterrestre: parada ali, coberta de neve, majestosa sobre as insignificantes instalações humanas quase como que ao sopé de uma montanha. E não é apenas isso, claro. O longa está coberto e recheado com deliciosos planos durante todos os seus 116 minutos. “A Chegada” pode não ter Roger Deakins como “Sicario” teve, mas o atual diretor de fotografia, Bradford Young — que trabalhou anteriormente em “Selma: Uma Luta pela Igualdade” (Selma, 2014) e “O Ano Mais Violento” (A Most Violent Year, 2014) —, preenche a vaga mais do que bem.

Mesmo assim, tais cenas não teriam o impacto que têm se não fosse, também em grande parte, graças às atuações de Jeremy Renner e, principalmente, Amy Adams. Ambos dão, com certeza absoluta, uma das melhores atuações de suas carreiras. O que te faz pensar qual o obscuro motivo de Adams não ter sequer recebido uma indicação ao prêmio de Melhor Atriz Principal.

O roteiro brinca um pouco com o pânico que um evento desses causaria caso realmente acontecesse, e até chega a alertar para os problemas que podem ser causados pela disseminação de notícias falsas (algo extremamente atual), o que leva à um certo momento no longa (que eu não vou dizer exatamente qual é por motivos de SPOILERS. Mas você entende assim que assiste ao filme) que até tem boas intenções, mas que pareceu não ter nenhum motivo para acontecer, visto que não muda o curso de nada e não tem grandes consequências na história. Enfim...

Este não é o primeiro filme de enredo complicado que Villeneuve dirigiu (“O Homem Duplicado” é a prova), e o terceiro ato pode até dar um nó nos espectadores mais desavisados. Mas o longa não engana nem tenta fugir sem dar uma explicação aos acontecimentos. Basta assistir com bastante atenção desde o primeiro plano e tudo vai fazer sentido.

No fim das contas, “A Chegada” é um grande filme. Se é ou não o melhor filme da carreira do diretor até o momento vai depender de quem está sendo perguntado (em minha humilde opinião, “Sicario” ainda é superior), mas é definitivamente um dos melhores filmes sobre invasão alienígena que já tivemos, digno de figurar pelo menos entre o Top 5! É outro forte concorrente ao prêmio de Melhor Filme (além de Melhor Fotografia e... bem... todos os outros) e Villeneuve ao de Melhor Diretor. Confesso que gostaria de ter falado sobre ele bem mais cedo, mas não tive a oportunidade, até ele ser indicado ao Oscar! De qualquer maneira, este é um filme que respeita sua audiência (~~*cof* *cof* “Interestelar” *cof* *cof*~~) e vale cada centavo.

AVALIAÇÃO: 5/5

"Extraordinário"

Até o Último Homem | Mel Gibson de volta à cadeira de diretor! (Crítica — Especial Oscars 2017)

2017-01-30T20:01:00.003-02:00

Nós estamos de volta! YAAAAAY! O Titans Desatualizados passou por alguns problemas neste último ano, mas finalmente estamos de volta e com nenhuma vontade de parar tão cedo!

E, para celebrar esse retorno, vamos aproveitar que o Oscars 2017 já está logo ali e vamos falar, uma vez por dia, de alguns seletos filmes que foram indicados. Spoiler: a coisa tá muito boa.

Mas isso não vai ficar para amanhã, de jeito nenhum. Já vamos começar agora falando de “Até o Último Homem”, um dos NOVE (!!!) indicados na categoria principal: a de Melhor Filme.

Sem mais delongas, vamos lá:

Até o Último Homem (Hacksaw Ridge) é, inacreditavelmente, dirigido por Mel Gibson, escrito por Andrew Knight e Robert Schenkkan e estrelado por nomes como Andrew Garfield, Hugo Weaving, Vince Vaughn, Teresa Palmer, Sam Worthington e Luke Bracey. Além disso, o filme recebeu 6 indicações ao Oscar: melhor filme, melhor diretor, melhor ator principal, melhor montagem, melhor edição de som e melhor mixagem de som.

Já faziam alguns bons anos desde que Mel Gibson apareceu pela última vez no centro dos holofotes. Fora as controvérsias e polêmicas sobre bebedeiras, abuso e racismo em que esteve envolvido na virada da década, seu último trabalho expressivo no cinema foi em 2010 no ótimo “O Fim da Escuridão”, de Martin Campbell, onde viveu o detetive policial Thomas Craven que testemunha o assassinato de sua filha na porta de casa... enfim, eu divago. Mas, sério, assistam esse filme.

De qualquer maneira, Gibson teve sua volta gradual aos holofotes quando viveu o vilão em “Os Mercenários 3” em 2014 e, dois anos depois, no surpreendentemente bom “Herança de Sangue”, em 2016. Mas o maior destaque da sua carreira — possívelmente desde “Apocalypto” — foi, definitivamente, seu trabalho no comando de “Até o Último Homem”.

O filme, que se passa durante a 2ª Guerra Mundial, conta a (incrível) história real de Desmond Doss (vivido aqui por Andrew Garfield), um jovem extremamente religioso que decide se alistar no exército para atuar como um médico no campo de batalha. No entanto, Doss tem uma única condição: ele se recusa a sequer tocar numa arma. Nas suas próprias palavras, Desmond quer “salvar pessoas, não matá-las”.

A começar pela atuação, é até meio espantoso que apenas Andrew Garfield recebeu uma indicaçao ao Oscar. Não que ele tenha feito um trabalho ruim — longe disso — e sim porque todo mundo brilha aqui. Mas vamos por partes...

Garfield é ótimo como Doss. Ele é simplesmente muito agradável. Mesmo quando todo o mundo se mostra contra seu personagem de todas as maneiras possíveis, sua positividade que nunca é abalada chega a ser contagiante. Não é uma atuação escandalosa — na verdade não há nem um pouco de overacting por aqui —, é muito sutil. Doss é educado, doce e gentil e bastam alguns poucos segundo pra você começar a gostar dele. O total contrário de seu pai, Tom (Hugo Weaving), que é um homem extremamente perturbado, alcoólatra e abusivo com a esposa e filhos. É tão gratificante ver Weaving mostrando ao mundo um lado menos megalomaníaco de sua atuação. Quero dizer, nós conhecemos o homem há muito tempo por seus papeis como o Agente Smith, ou Elrond, ou V, ou o Caveira Vermelha, mas é no mínimo raro ver o cara trabalhando com um personagem tão diferente. E, mesmo ele sendo a pessoa ruim que ele é, também não é difícil simpatizar com ele. Tom Doss lutou na 1ª Guerra Mundial e viu todos os seus melhores amigos morrerem das piores maneiras possíveis. Receber a notícia de que seus filhos se alistaram pra entrarem num avião ou num barco e irem até outro continente apenas para morrer é deveras devastador. Esta é, provavelmente, a melhor atuação de toda a sua carreira.

Outros destaques também ficam para Vince Vaughn, que faz um ótimo (ÓTEMO) trabalho como um sargento que pega no pé de Doss e para Teresa Palmer, o interesse amoroso de Doss que também faz a melhor atuação de sua carreira. A ótima química entre ela e Garfield chega a lembrar o romance de Emma Stone com o ator em “O Espetacular Homem-Aranha”, mas com um filme muito melhor em volta deles.

Mel Gibson dirige o filme com maestria. Quer uma prova? Ele conseguiu arrancar boas atuações de Sam Worthington e Luke Bracey! 2016 foi um ano surpreendente nesse aspecto (Jai Courtney, estou olhando pra você).

Falando na direção de Gibson, a sua habilidade para evocar boas atuações de atores não muito carismáticos não é o único destaque aqui. O filme é bem dividido entre os momentos antes da guerra e quando Doss finalmente pisa no campo de batalha. Na primeira metade do longa, Gibson comanda o filme e os seus atores muito bem, com longos takes onde nenhuma palavra precisa ser dita para que o sentimento necessário seja passado.

Esses momentos até te fazem questionar se você está mesmo assistindo um filme do mesmo diretor de “Coração Valente” e “A Paixão de Cristo” porque, afinal de contas, violência é uma característica recorrente de seus filmes. Aliás, numa nota a parte, palmas para o diretor que conseguiu montar e sustentar o suspense muito bem. Você ouve e ouve falar de guerra mas ela não é vista tão cedo, mas quando finalmente chega, ela chega com tudo e todas as dúvidas são jogadas pela janela (violentamente). Numa transição sutil mas efetiva para uma edição mais energética, crua e fria, com muitos takes capturados com o equipamento nas mãos, as cenas que retratam a guerra extremamente realistas e muito bem realizadas. São aterrorizantes, o que contrasta muito bem com o personagem principal que é completamente contra a violência. Quando Doss finalmente chega à Europa, é como se ele tivesse enfim pisado em um filme de terror.

Se tenho alguns problemas com o longa, eles definitivamente são a computação gráfica que, em alguns momentos, se torna óbviamente falsa, alguns personagens com arcos incompletos e, principalmente, os últimos minutos do terceiro ato serem meio apressados de mais, quase como se o longa tivesse algo próximo de três horas originalmente e não os 140 minutos da versão que foi aos cinemas.

Mesmo com esses problemas, “Até o Último Homem” é um excelente filme de guerra, digno de estar no mesmo patamar de obras como “O Resgate do Soldado Ryan”, de Steven Spielberg, e “Falcão Negro em Perigo”, de Ridley Scott. Com incríveis atuações e uma brutalidade extremamente efetiva em sua realização, este longa é um forte concorrente aos prêmios de Melhor Filme e Melhor Diretor, e é o definitivamente o melhor filme da carreira de Mel Gibson na cadeira de diretor desde quando o mundo foi surpreendido com “Coração Valente” que, na época, levou para casa cinco estatuetas: as duas anteriores e mais por de Melhor Edição de Som, categoria na qual “Até o Último Homem” também está disputando este ano. Fale o que quiser sobre o homem, ele definitivamente não é uma boa pessoa, mas os seus talentos como ator e, principalmente, como diretor são inegáveis. E, cara, como a falta dele foi sentida. Seja bem vindo de volta, Mel Gibson.

AVALIAÇÃO: 4.5/5

"Excelente"

Esquadrão Suicida | O Universo Cinematográfico da DC ainda precisa de um pontapé inicial. (Crítica)

2016-08-05T23:45:00.000-03:00

E ele finalmente estreou. O filme que estava facilmente no "top 5 filmes mais esperados de 2016" de todo mundo finalmente chegou aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (04/08). Com o fracasso de O Homem de Aço e, principalmente, Batman v Superman: A Origem da Justiça nas bilheterias (afinal de contas, o filme com três dos heróis mais famosos do mundo não conseguiu arrecadar nem US$ 1 bilhão. Confira as críticas da versão dos cinemas aqui e da versão estendida aqui), divisores de opiniões, a DC/Warner, além de todos os fãs, apostavam bastante neste longa para dar o "pontapé inicial" no Universo Cinematográfico da editora.

Esquadrão Suicida (Suicide Squad) é dirigido e escrito por David Ayer e traz um grande elenco composto por Will Smith, Margot Robbie, Jared Leto, Viola Davis, Joel Kinnaman, Cara Delevingne, Jai Courtney e outros.

Este não é o primeiro longa baseado em quadrinhos a trazer renegados completamente desconhecidos por 99% da população, vide Guardiões da Galáxia, e este não seria o primeiro a fazer isto bem. Isto é, caso ele tivesse feito isso bem, o que não foi o caso. Esquadrão Suicida foi muito decepcionante.

Certamente o longa não é de todo descartável, claro que não. Esquadrão Suicida começa problemático, mas marginalmente interessante. Temos, por exemplo, os flashbacks que estabelecem aos poucos o passado dos personagens mais importantes como o Pistoleiro (Will Smith) e Arlequina (Margot Robbie), mas é exatamente por aqui, justamente por esse motivo de ter que apresentar personagens desconhecidos ao Universo Cinematográfico da DC, que o filme apresenta, pela primeira de muitas vezes, um dos seus maiores problemas. Ao longo de todos os seus 123 minutos de duração, sempre temos aquele personagem que tá sempre ali pra contar a história e explicar alguma coisa. É aquela velha história do show, not tell, que quer te dizer o que aconteceu e como você deve se sentir a respeito daquilo.

Falando em Pistoleiro e Arlequina, se Esquadrão Suicida tem algo ponto alto (mas alto MESMO), é essa dupla. Não só pela atuação fantástica de ambos como pela verossimilhança dos personagens no longa com o material original. Se você é daqueles que não suporta quando um personagem no filme soca com a mão direita em vez da esquerda, como no material original, aqui você vai se sentir muito bem. Tome a Arlequina de Robbie, por exemplo. Basta você ter conhecimento da clássica personagem que surgiu lá na série animada do Homem-Morcego na década de '90 e perceberá que ela tem toda aquela essência, dos trejeitos e maneirismos aos one-liners e até o martelo gigante. Embora ainda mais sexualizada que no desenho animado (!!!), não é exagero dizer que ela carrega o filme nas costas junto de Will Smith. E já que estamos aqui, vale mencionar que Viola Davis também faz um bom trabalho como Amanda Waller, fazendo justiça à personagem dos quadrinhos, ao menos num primeiro momento.

E, já que eu citei o Homem-Morcego, comentemos: sim, o Batman do Ben Affleck está no longa e ele é incrível, mesmo aparecendo por, no máximo, uns 3 minutos. Só deixa ainda mais ansioso para o filme solo do personagem.

Jai Courtney, por mais incrível que pareça, entrega uma performance cheia de carisma, mesmo quando todas as chances estavam contra ele (1. Ele nunca, NUNCA entregou um personagem carismático antes. Melhor ainda: ele nunca fez um outro personagem antes, todos os seus personagens anteriores eram o mesmo. e 2. Ele foi escalado para interpretar um vilão do Flash... isso, por si só, já é bem ruim, mas não foi qualquer vilão, foi o Capitão Bumerangue!), pasmem, ele conseguiu entregar algo ótimo, pela primeira vez na história!

Por fim, Joel Kinnaman (que ficou conhecido por ter interpretado o Robocop no reboot de 2014) também fez um trabalho decente como Rick Flagg, o líder do grupo.

Dito isso, basta falar que, daí pra frente, o longa só desmorona.

A direção de David Ayer é extremamente problemática. Das decisões meio adolescentes (como no momento em que os personagens estão sendo apresentados, com ficha técnica e tudo) que remetem à novela Malhação (sério!) até a montagem completamente picotada, com muitas cenas que foram claramente retiradas (algumas das quais até estavam nos trailers, mas não no corte final)... fica claro que o resultado final não é o filme que o diretor planejava e parece que a Warner (de novo) meteu a mão onde não devia após as críticas negativas da Batman v Superman.

Muita coisa foi cortada e muita coisa desnecessária adicionada, como se o estúdio tivesse visto a necessidade desesperada de apresentar os personagens e cair na ação. Falando na ação, há momentos bastante bacanas, mas grande parte dela se resume a cenas meio avulsas que parecem não pertencerem ali, como uma cena em específico que envolve a Arlequina num elevador. Com o fim do primeiro ato, o que temos é um filme completamente bagunçado. Uma bola de neve formada por clichês e cenas de ação pra todos os lados e tom irregular. Não estranhe se o terceiro ato te lembrar o reboot do ano passado de Quarteto Fantástico.

A vilã do filme, a Magia de Cara Delevingne. é ridícula. Não passa de um MacGuffin, ou seja, um motivo pra unir os heróis no início e que depois perde toda a importância até voltar a ser mencionado no clímax. Ela é um compilado de clichês, com poses retorcidas e caras e bocas. Em alguns momentos eu juro que ela parece estar dançando ula. É uma mistura de Zuul, do Caça-Fantasmas originais, com tudo que há de mais burro no Universo Cinematográfico da DC. Seu plano? Ficar parada num prédio esperando o Esquadrão aparecer e acabar com ela, enquanto periodicamente manda uns servos — que se parecem zumbis mas que são tão úteis quanto aqueles carinhas de collant cinza em algum Power Rangers — para atrapalhar os "heróis". Pense em desperdício de atriz.

Além disso, entre os personagens sem-vergonha do filme, também temos o Amarra (Adam Beach)... é inacreditável que eles tiveram culhões pra fazerem o que fizeram.

E, é claro, não podemos esquecer dele, que talvez seja o elemento mais esperado do filme desde seu anúncio: O Coringa de Jared Leto. Em poucas palavras: ele é ruim. Elaborando um pouco mais: É triste ver isso acontecer depois de uma performance tão ótima quanto a de Heath Ledger em 2008 ou quanto a de Jack Nicholson em '89? Sim, é, mas não há nada a se fazer. Servindo apenas como uma escolta, o Coringa de Leto é um personagem que brota aqui e ali durante o filme, mas que, no total, tem um tempo de tela extremamente pequeno. Embora não dê para criticá-lo por ser uma desvirtuação completa do clássico personagem, afinal de contas ele não é o primeiro, é difícil entender o que eles tentaram fazer com esse Coringa. Ele é um psicopata, de fato, mas só. A parte do palhaço foi completamente esquecida e substituída por ruídos bizarros constantes e decisões que o personagem original jamais tomaria. Não foi dessa vez... mas quem sabe no filme solo do Batman.

Tendo em mente aquela ótima animação de 2014 Batman: Assault On Arkham, não seria errado esperar que este longa tivesse aprendido algo com ela. Não foi o caso, infelizmente.

No fim das contas, Esquadrão Suicida não é péssimo, mas também não é "SUPER DEMAIS UHULL MELHOR FILME". Eu me arrisco a dizer que ele sofre de problemas similares aos de Batman v Superman e também não está lá muito diferente em qualidade. Com um humor que funciona hora sim, hora não, um segundo e terceiro atos completamente desfuncionais e bagunçados, uma vilã ridícula e uma direção extremamente problemática, com direito à uma montagem que deixou de lado mais cenas do que devia, talvez o filme tenha uma versão melhor guardada em algum lugar por aí, apenas esperando para ser lançada como uma versão estendida em blu-ray, porque essa chega a parecer um Fuga de Nova York, só que nem de longe tão gloriosa quanto.

AVALIAÇÃO: 2.5/5

"Regular"

Jason Bourne | Quando apenas ótimo não é o suficiente. (Crítica)

2016-07-29T01:30:00.003-03:00

É inegável que quando a maior parte do mundo conheceu o nome Jason Bourne na década passada, os seus filmes, baseados nos personagens escritos por Robert Ludlum, foram de suma importância para o cinema de ação. Apresentando um estilo mais cru do que o que era visto e muito mais visceral do que o normal, a trilogia Bourne formada por Identidade, Supremacia e Ultimato fez escola. Até o maior espião do mundo — um inglês odiável que sempre prefere seu martini batido, não mexido e que também atende pelas mesmas duas iniciais — aprendeu com o americano com amnésia, rebootando sua franquia em 2006 e tomando uma abordagem muito mais realista e brutal que antes. Isto, é claro, sem contar com as incontáveis tentativas genéricas de replicar a excelência da trilogia (ou pelo menos conseguir algum dinheiro fácil).

A própria Universal sentiu falta de sua franquia, tanto que tentou revivê-la e, mesmo com o astro principal e o diretor se recusando a voltar, seguiu em frente com o projeto e, escalando o ótimo Jeremy Renner para o papel principal, lançou, em 2012, O Legado Bourne, que era tudo menos um filme de ação satisfatório e muito menos uma digna sequência para, com o perdão do trocadilho, carregar o legado de Bourne. Mas mesmo com a recepção mista d'O Legado, a Universal não parou e ontem (28/07) chegou aos cinemas o retorno mais aguardado da história do cinema de ação.

Jason Bourne é, assim como os dois últimos filmes da trilogia, dirigido por Paul Greengrass, escrito por Paul Greengrass e Christopher Rouse e no elenco conta com a volta gloriosa e aguardada de Matt Damon e Julia Stiles, além de novas adições (de grandes nomes) como Tommy Lee Jones, Alicia Vikander e Vincent Cassel.

Eu vou me manter tão vago quanto os trailers para não estragar a surpresa de ninguém, então o que eu posso dizer é que Bourne toma conhecimento de certas coisas de seu passado e parte numa "jornada de vingança" para encontrar os responsáveis por coisas que aconteceram anos atrás.

Primeiramente, podemos fingir só por enquanto que O Legado Bourne nunca existiu? Sim? Obrigado.

Essa sequência precisava existir? Não, não precisava. Mas se você fosse levar sempre esse questionamento em consideração, notaria que raramente uma sequência precisa existir. Enfim...

Eu sou um grandessíssimo fã da trilogia encabeçada por Matt Damon (que eu não fiz nenhuma crítica pro blog porque eu sou burrão, me desculpa). É o tipo raro de trilogia em que cada filme é melhor que o antecessor (é a única trilogia desse tipo que me vem à cabeça, na verdade). Se você não conhece, digo que deveria sair daqui neste instante e ir ver os três filmes, que estão até na Netflix.

Com isso em mente, é óbvio que eu entrei no cinema com o coração na boca de apreensão, com medo de que esse filme não seria melhor que O Ultimato Bourne, ou que não seria melhor que nenhum dos três, ou pior ainda: que não seria bom.

De fato, esse longa tem pontos extremamente positivos que deixaria os outros três filmes orgulhosos, mas outros aspectos que... bem, infelizmente, nem tanto.

Após uma fantástica introdução no primeiro ato, somos apresentados ao "recheio" da história, que trata de uma nova espécie de "rede social" (com fortes paralelos com o Facebook) que é utilizada por mais de um bilhão de pessoas e que traz à tona todo aquele debate de privacidade e vigilância e o big brother e tudo mais.

No entanto, enquanto esse longa excele em ação e nas atuações, o grosso da história acaba por deixar a desejar já que há MUITO tempo dedicado à toda essa trama da rede social e toda vez que tal trama é abordada, o ótimo ritmo de tudo é quebrado com violência.

Mas o fato de esse ser o "pior" dos quatro filmes do personagem de Matt Damon definitivamente NÃO quer dizer que esse seja um filme ruim. Longe disso. Ele, por exemplo, está há PARSECS a frente d'O Legado e de muitos outros filmes de ação.

Falando na ação, neste longa ela é produto de excelência. Visceral e impressionante, temos cenas incríveis de lutas, uma espetacular perseguição de carros que não faz feio mesmo quando posta lado a lado com as que temos em A Identidade e em A Supremacia e uma perseguição de moto que é igualmente explodidora de cabeças.

A direção de Paul Greengrass retorna excelente, com o mesmo ritmo frenético de A Supremacia e O Ultimato. Sendo um dos pouquíssimos (e com pouquíssimos eu quero dizer que dá pra contar nos dedos de uma mão) diretores que sabe usar com maestria a famigerada shaky cam (ou câmera sacudida) sem dar um nó no seu cérebro, ele, junto do também excelente diretor de fotografia Barry Ackroyd (que trabalhou com Greengrass anteriormente no ótimo Capitão Phillips) e do editor Christopher Rouse (que, como você viu, também é roteirista, junto de Greengrass), conseguem capturar e transpassar toda a característica brutalidade da saga de Bourne.

A atuação também mantém um nível extremamente elevado de qualidade. Matt Damon, por exemplo, mesmo com 45 anos, continua em seu auge e é possível até traçar um paralelo com Tom Cruise aqui. Não há muitas palavras para definir sua atuação aqui com exceção do fato de que ele é Jason Bourne. Ele deu um show nos três filmes anteriores e aqui não é diferente. Evidentemente, não foi necessário muito esforço para voltar a interpretar o personagem de nove anos atrás, aqui mais frio. silencioso e amargo.

Outro destaque vai para a vencedora do Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante deste ano (algo um tanto controverso, visto que A Garota Dinamarquesa era mais sobre ela do que qualquer outra coisa) e também a nova Lara Croft dos cinemas: a mais que excelente Alicia Vikander, que interpreta a diretora de crimes cibernéticos da CIA. Não é exagero dizer que ela, em muitos momentos, acaba por roubar os holofotes de Damon. É, ela é tão boa assim: uma personagem bastante forte que "não tem medo" de roubar a cena do personagem principal (pense em Charlize Theron como a Imperatriz Furiosa em Mad Max: Estrada da Fúria).

Por fim, o sempre ótimo Tommy Lee Jones, no papel do diretor da CIA e o vilão principal do filme, que claramente se diverte aqui.

Mas o problema, como eu disse, reside na história e toda a trama da rede social e a invasão de privacidade. Enquanto segue como um filme de vingança, Jason Bourne segue incrível, mas em todos os momentos que volta a falar da tal rede social, o ritmo é quebrado e tudo vai pro caralho, até pegar no tranco outra vez. Foi essa "inconstância" que me incomodou bastante.

Agora você vai terminar de ler esta crítica e, levando tudo o que eu falei até agora em consideração, vai ver a nota e perguntar "Mas que porra é essa? Como assim?" e eu não posso exatamente te culpar, mas posso ao menos tentar explicar: Jason Bourne é um ótimo filme de ação e, fosse ele apenas isso — um filme de ação —, não teríamos o menor problema e ele certamente receberia a nota máxima, mesmo com a quebra de ritmo meio constante. O problema é que ele carrega o legado de uma trilogia de filmes excelentes cuja qualidade vai só aumentando a cada novo longa. Por fazer parte da "saga Bourne", ótimo não é o suficiente. Ele deveria ter sido espetacular, mas não o é.

Entretanto, mesmo com isso em mente, se você gosta de filmes de ação ou, melhor ainda, é fã da franquia, corra pro cinema mais próximo e assista, porque ainda assim vale bastante a pena (nem que seja pra esquecer de O Legado Bourne de uma vez).

AVALIAÇÃO: 4/5

"Ótimo"

Caça-Fantasmas | Horrível? Não. Ótimo? Também não. (Crítica)

2016-07-25T05:01:00.001-03:00

Quando a Sony anunciou que um dos maiores filmes de comédia da década de '80 estava sendo rebootado, o mundo entrou em pane. "Pior ainda" quando confirmaram que o novo longa substituiria o elenco principal de quatro homens para quatro mulheres... aí o mundo simplesmente parou de girar e a clássica guerra "internética" tomou força novamente e daí até a estreia foram um ano e alguns meses de "MEU DEUS ESSE NEGÓCIO TÁ TERRÍVEL TÁ ACABANDO COM A MINHA INFÂNCIA QUE PORRA É ESSA MULHERES?!?! VAI SER UMA BOSTA!!! #ORGULHODESERHÉTERO" e "PUTA QUE PARIU CHUPA SEUS MACHOS ESSE É UM FILME SÓ DE MULHERES VAI SER FODA!!! #NÃOPASSARÃO". Em outras palavras: sim, apenas um dia um cheio na internet, onde todo mundo tem 12 anos e permanentemente sente aquela vontade de brigar com/xingar/zoar outras pessoas.

Eis que há quase duas semanas o filme está em cartaz, e lá vou eu conferir.

(Antes de comentar sobre o filme eu poderia escrever aqui um texto sobre como "eu não sou machista ou misógino — visto que sou homem — e como eu não odeio as mulheres e que o fato do longa ser capitaneado por mulheres não é nenhum problema", mas eu não vou. Não vou porque isso deveria ser levado como o padrão e não o contrário. E também não vou porque nem 1000 linhas só disso vão mudar a cabeça de alguém que já formou as mais absurdas opiniões desde o momento em que viu que o autor da crítica é um homem. O que temos aqui é um simples caso de aceitar a opinião do "crítico" independente de ele ser um homem, uma mulher, um ornitorrinco ou um musaranho-alienígena e não ficar procurando motivos obscuros caso ela seja diferente da sua). Agora que tiramos isso do caminho, simbora:

Caça-Fantasmas (Ghostbusters) é um reboot do filme original de 1984 dirigido por Paul Feig, escrito por Paul Feig e Katie Dippold e estrelado por grandes comediantes como Melissa McCarthy, Kristen Wiig, Kate McKinnon e Leslie Jones, além de outros nomes como Charles Dance e Chris Hemsworth.

Quando eu assisti os dois filmes originais eu ainda era uma criança, mas eu nunca fui um super-fã da franquia e, como qualquer pessoa normal, eu não fiquei indignado que ela estava recomeçando do zero com mulheres no lugar dos quatro homens de antes, afinal de contas eu meio que entendo que Hollywood quer dinheiro e se algo fez sucesso antes, pode fazer novamente. O mundo vem esperando por um novo filme da franquia há quase 30 anos e, em 2016, a espera chegou ao fim.

A polarização a respeito deste filme, no entanto, estava incrivelmente insana até mesmo para os padrões da internet. Ou as pessoas iriam amar o longa com todo o coração e ele seria a melhor coisa do mundo pra sempre ou elas iriam odiar ele com todas as forças do inferno e ele seria a destruição definitiva de muitas infâncias, e a briga a respeito disso foi feia. Ridícula e desnecessária? Sim. Mas feia do mesmo jeito. O que aconteceu de fato foi ainda mais surpreendente: o filme não é nem um, nem outro.

Reboot é um bicho complicado. É mais complicado que zerar Contra 3 sem morrer nenhuma vez, na verdade. Há toda aquela história de ver se o reboot era realmente necessário e tinha algum motivo para existir fora o fato de que a produtora quer dinheiro. Ele adiciona algo de novo e bom? Ele melhora algo em relação ao original? Tantas perguntas...

Fato é que existem tantos reboots que são melhores que os filmes originais (como Onze Homens e Um Segredo e Scarface) quanto existem pessoas bilionárias no mundo.

Os muitos problemas de Caça-Fantasmas começam com a atuação e o roteiro. Das quatro personagens principais, uma tem personalidade e consegue se destacar visualmente enquanto as outras três, quando sozinhas, são um trem descarrilhado. Melissa McCarthy como Abby Yates, por exemplo, faz o mesmo papel que ela sempre fez (e que geralmente é bom, como em A Espiã que Sabia de Menos, embora Tammy tenha sido um horror), mas ela nunca consegue se destacar quando está junto das outras e sozinha ela não tem o menor carisma. O mesmo pode ser dito de Kristen Wiig como Erin Gilbert: mesmo papel, nenhuma personalidade, carisma zero.

Já Leslie Jones, como Patty Tolan, até consegue chamar um pouco de atenção, mas pelos motivos errados. Nenhuma palavra que sua personagem diz carrega um mínimo de graça, e ela se limita a gritar das maneiras mais estranhas e desconfortantes para prender a atenção da audiência. Sua atuação, quando não está tentando ser a pessoa mais engraçada do mundo do jeito mais errado de todos, é artificial e cheia de maneirismos, chega até a ser desrespeitosa para a atriz.

A exceção vem com a interpretação de Kate McKinnon como Jillian Holtzman. Ela é meio que a doida da história, mas é, de longe, a que mais tem uma personalidade própria e consegue brilhar individualmente. Eu não conhecia a atriz, mas sua atuação aqui me deixou uma ótima primeira impressão.

Dito tudo isso, as quatro funcionam até que bem quando juntas e a química é bacana. É que individualmente umas são completamente "tanto faz" e outra é, francamente, ruim.

A direção de Paul Feig é bastante segura. O homem já tinha feito um bom trabalho anteriormente em filmes como A Espiã que Sabia de Menos e As Bem-Armadas, mas Caça-Fantasmas não é exatamente um plus pra sua filmografia.

O roteiro é depressivo. Além de ter um esqueleto bastante semelhante ao do filme original, ele tenta demasiadamente ser engraçado, mas não se preocupa em procurar novas piadas e, em mais de um caso, utiliza a mesma piada de novo e de novo e de novo até a exaustão. Quantas vezes temos de ouvir a piadinha do wanton? Ou quantas vezes precisamos ver a personagem de Kristen Wiig ser coberta de ectoplasma? Ou, pior ainda, quantas vezes precisamos ver o personagem de Chris Hemsworth? Falando nisso, ele é péssimo. Completamente desastroso. O fato de seu personagem ser totalmente imbecil não faria mal se o filme não tocasse no assunto 4.687.200 vezes de forma que acaba te deixando puto e você começa a achar que fantasmas em Nova York é menos impossível do que um ser-humano ser tão incrivelmente retardado.

Hemsworth, junto de Neil Casey, interpretando o vilão Rowan North, são, de longe, as piores coisas do filme. Aliás, por falar no vilão, ele é muito mais que péssimo e sua motivação é tão cativante quanto aquela do Electro em O Espetacular Homem-Aranha 2.

Dito isso, o filme não é NEM DE LONGE aquele desastre radioativo que muita gente queria que fosse (e muita gente diz que é), ele simplesmente não é aquela grande coisa que tantos outros também queriam. Entre as coisas que se destacam positivamente, além da supracitada atuação de Kate McKinnon, estão elementos técnicos como a computação gráfica que é bastante boa.

No entanto, quando suas qualidades e defeitos são postos na balança, Caça-Fantasmas não vai nem pra um lado, nem pra outro. Não é um filme terrível (como aquele trailer horrível meio que sugeriu), mas não é nenhuma grande coisa. Não é engraçado, é chato, bastante descartável e provavelmente ninguém vai nem lembrar dele em 6 meses. Diabos, faz 4 horas que eu assisti e eu mal me lembro, o que põe em cheque o motivo para esse reboot existir fora o fator dinheiro. Ah, as pontas do elenco original também não ajudam em nada. Não vale uma ida ao cinema... se você quiser mesmo assistir, espere sair em serviços como Netflix ou alugue digitalmente (ou numa locadora, caso ainda exista alguma em sua região).

AVALIAÇÃO: 2/5

"Medíocre"