Toma 11

Mi vida sin mí

noreply@blogger.com (toma11) — Tue, 21 May 2013 20:56:00 +0000

- Dirección: Isabel Coixet
- Guión: Isabel Coixet (basado en el relato corto Pretending the
   Bed Is a Raft de Nanci Kincaid)
- Reparto: Sarah Polley, Amanda Plummer, Scott Speedman,
   Leonor Watling, Deborah Harry, Mark Ruffalo, Maria de
   Medeiros, Julian Richings, Alfred Molina, Jessica Amlee,
   Kenya Jo Kennedy
- Duración: 105min
- País: España
- Año: 2003

- Premios destacados:
· 2 Goya: mejor guión adaptado y canción, más 3 nominaciones:
     película, dirección y actriz principal (Sarah Polley)

- Te gustará si lo hizo... La vida secreta de las palabras (2006)

- Valoración:

Con solamente 23 años, Ann (Sarah Polley) lleva una vida cargada de responsabilidades y dificultades. Tiene dos hijas, Patsy (Kenya Jo Kennedy) y Penny (Jessica Amlee), y está casada con Don (Scott Speedman), su novio de siempre, que trata de buscar una estabilidad laboral que nunca llega. Con ellos vive en una pequeña caravana en el jardín de su madre (Deborah Harry), una mujer completamente asqueada con el mundo, y trabaja como limpiadora para sacar adelante, como buenamente puede, a su familia, al tiempo que su padre (Alfred Molina) cumple condena en prisión. Tras una visita al médico, Ann descubrirá que padece una enfermedad terminal. Circunstancia que lejos de amendrentarla, le valdrá como impulso para vivir hechos de los que nunca ha podido disfrutar, incluido un 'affaire' pasional, y tratará de dejar absolutamente todo encaminado para sus hijas, manteniendo en secreto su cercano e irreversible fallecimiento.

Mi vida sin mí, coproducción hispano-canadiense, cuenta con un reparto muy internacional en el que destaca una Sarah Polley descomunal, que lejos de ser un bellezón, enamora en cada fotograma con su cotidianidad y serenidad cautivadores. La cinta arrastra, precisamente por su carácter internacional, un problema de doblaje que resulta evidente y que, en parte, la lastra. No obstante, su cercanía, su inmensa capacidad emotiva y su traslado empático casi simbiótico al espectador no resultan mermados por su peculiar y arrolladora fuerza intrínseca.

La siempre controvertida Isabel Coixet logró con este título la mejor obra de su carrera. Una película marcada, como en su filmografía por la enfermedad y el drama desde un pusto de vista siempre social y comprometido, sin embargo, aquí logra sacar a relucir una sensibilidad enorme y contagiosa que hace de Mi vida sin mí un film íntimo, trágico y reconfortante al mismo tiempo, hermoso, conmovedor, real, intenso, triste y brillante. Bajo el paraguas de una arquitectura guionística perfectamente construida nos situa ante una perspectiva, una tesitura y un hecho muy duros, más aún, demoledores.

Con una atmósfera oclusa y genuina, Coixet pone sobre la pantalla el paso devastador del tiempo, la insignificancia de los individuos ante la muerte, el coraje materno capaz de superar los propios límites de la existencia y de la vida. Puede parecer excesiva en cuanto a la suma y confluencia de tragedias pero esa primera impresión lícita se diluye dentro de su marco quasi poético, de un discurso potente y fortalecido, de un aura particular y emotivo y de un final muy cuidado que pone la guinda a un film especial, magnánimo y cruel pero curtido, hecho con mimo y empaque y que se encarga, y es de agradecer, de no rizar el rizo de lo evidente. Su delicadeza, su fragilidad y también su coraza férrea y sin exlusas es representada por una Sarah Polley que encaja perfectamente con el papel y que mimetiza y transmite a las mil maravillas el signo y la intención de la cinta.

Mi vida sin mí te hará llorar y no te reconciliará con nada pero afronta una realidad abrumadora de un modo tan mágico como inevitablemente funesto. Si entras en ella con determinación puede que te vacíe por dentro con su rotundidad aciaga pero no hay duda de que es una película preciosa, un cuento imposible de ser más inclemente y desolador pero que es capaz de rascar entre la tragedia para extraer un resquicio de felicidad heroica. Una cinta fascinante en su dualidad entre fría, por composición y acontecimientos, y cálida, por efecto y profundidad humana. Inolvidable, delicada, resoluta e infranqueable.

Tráiler

Si può fare

noreply@blogger.com (toma11) — Tue, 14 May 2013 22:31:00 +0000

- Dirección: Giulio Manfredonia
- Guión: Giulio Manfredonia y Fabio Bonifacci

- Reparto: Claudio Bisio, Anita Caprioli, Andrea Bosca,
   Giovanni Calcagno, Giuseppe Battiston, Giorgio Colangeli,
   Pietro Ragusa, Michele De Virgilio, Andrea Gattinoti,
   Carlo Giuseppe Gabardini, Natascia Macchniz,
   Daniela Piperno, Franco Pistoni, Franco Ravera,
   Maria Rosaria Russo, Bebo Storti, Rosa Pianeta

- Duración: 110min
- País: Italia
- Año: 2008

- Te gustará si lo hizo... Forrest Gump (1994)

- Valoración:

Nello (Claudio Bisio) acaba de perder su puesto de trabajo, tras lo cual decide, por necesidad, hacerse cargo como director de una cooperativa que aglutina a una decena de enfermos mentales bajo la supervisión del doctor Del Vecchio (Giorgio Colangeli) que no tienen mayor motivación que hacer que los días pasen sin sacar ningún tipo de rédito ni personal ni productivo, ya que se dedican exclusiva y abúlicamente a pegar sellos en sobres. La llegada de Nello supone un giro radical. Él que es un hombre de izquierdas demasiado rancio para su antiguo jefe y las normas del empresariado moderno y demasiado moderno para las estructuras rancias de su partido, decide organizar la cooperativa de modo asaemblario y tratar a los enfermos de tú a tú, otorgándoles una capacidad decisoria que empezará por dilucidar entre todos qué tipo de trabajo pueden llevar a cabo para sentirse útiles, productivos y, por ende, que puedan ganar más dinero del que ganan al entrar de lleno en el mercado.

Finalmente, deciden decicarse a la fabricación e instalación de parquet, una tarea disparatada que tras un inicio desolador e insostenible, se verá fuertemente impulsada por el tesón de Nello y por la creatividad de Luca (Giovanni Calcagno) y Gigio (Andrea Bosca), dos de los enfermos más creativos e independientes. Con sus métodos humanos, compresivos y tan imaginativos como la propia película, Nello transportará la ilusión a los miembros de su cooperativa. Una ilusión, por otro lado, que echa en falta su pareja Sara (Anita Caprioli), que ve cómo Nello se preocupa mil veces más de llevar a lo más alto su aparentemente alocado proyecto que de ella misma y de sus propios éxitos, en el marco de una relación que parece desmoronarse, aunque esta historia pase un poco de soslayo. Nello llegará a desmarcarse de la tutela médica de Del Vecchio y de sus métodos psicólogicos antiguos basados en una fuerte medicación, para trasladar a los enfermos a un piso alquilado por ellos mismos, reducir sus dosis de medicamentos y dotarles, con el sí se puede como estandarte, de una mayor libertad, no exenta de los problemas y las tragedias de la realidad más palmaria, ni tampoco del amor, de los deseos y ambiciones y de la propia muerte.

Si può fare es una buena comedia dramática pese a que pueda apreciarse aparentemente como una comedia ligera de un cierto pero superficial poso humano y cargada de clichés fáciles, en parte por su cartel o por su tráiler amables y un tanto livianos. No obstante, no te dejes engañar por las apariencias porque Si può fare es y encierra mucho más que eso, dando cobijo a emociones, a humanidad, a carcajadas y sonrisas humanas nada maniqueas ni simplonas. En ella subyace, asimismo, un mensaje de lucha, de coraje, de obstinación (que no de optimismo estúpido e inmotivado) en la piel de un puñado de locuelos personajes que resultan totalmente creíbles, cada uno con su demencia particular y sus mil y una extravagancias que pasan desde creer ser un asalariado de los ovnis, un fan de las carreras que se hace llamar Nikki Lauda, hasta una pelirroja con pretensiones de femme fatale y un autista incapaz de mediar palabra pero con dotes de liderazgo, entre otros. Pero no son sólo eso, son seres humanos con inquietudes, con aspiraciones, con sueños que anhelar cada día y por cumplir. La película se aleja de la dulzura misericorde y caritativa para situar a este grupo de enfermos psíquicos en una atmósfera de esperanza, de cambio, que supondrá, al mismo tiempo que algo maravilloso, una realidad muy dura de saber encajar para ellos y también para Nello, que ha querido olvidarse de quienes son y de cómo son vistos para y por el resto del mundo.

Los personajes atípicos y curiosos son la esencia de este film repleto de tintes cómicos sagaces y divertidos, casi más delirantes que los propios protagonistas en alguna ocasión. Partiendo de preceptos imaginativos, casi tanto como los de la propia trama fílmica de la película, Si può fare es un título alegre, vitalista-realista, que no deja de lado, acertadamente, la presencia inevitable del drama humano, de la dificultad y de la tragedia. No es una obra virtuosa ni mucho menos pero sí, una cinta visceral y alocadamente humana y entrañable. Pese a un nudo de la historia en su parte central un tanto inocente e ilusorio, en nuestra opinión, su desenlace vuelve a casar con su pretensión más alejada del ternurismo y hace bien, no en vano, su tesis está basada en los casos reales acontecidos en Italia tras el cierre de los manicomios donde algunos de estos pacientes pasaron a formar parte de cooperativas de trabajadores, aunque frecuentemente desaprovechadas en sus tareas como era esta misma antes de la llegada de Nello, en unos años 80 de gran auge cooperativista en el país transalpino en todas las áreas.

Si può fare se cierra con un desenlace, como decimos, que da de lleno con las trabas y vicisitudes de la vida fuera de las cuatro paredes del sanatorio y los obstáculos de la libertad para un puñado de hombres y mujeres enfermos, con tanta ansiedad como ilusión pero que por mucho que se esfuercen por encajar siempre serán vistos por algunos de forma diferente y que, lamentablemente, estarán condicionados por sus respectivas demencias. Y he ahí la crítica feroz de la cinta. Sin embargo, el poso y el regusto que nos deja es, al menos, un resquicio esperanzador, positivo, de haber logrado encontrar con la figura de ese hombre cabezón que siempre creyó en ellos, mucha más vida de la que jamás habrían podido ni siquiera imaginar. Una película muy en la línea de grandes éxitos recientes como Intocable (2011) o Las Sesiones (2012), aunque, inexplicablemente, no tuvo ninguna trascendencia europea ni internacional. Una mezcla digna y original en planteamiento con toques entre un Forrest Gump (1994) grupal y sin cajas de bombones, y un Los Chicos del Coro (2004) sin niños cantores.

Tráiler (en italiano)

¿Sabías que los escenarios de King Kong (1933)...

noreply@blogger.com (toma11) — Mon, 13 May 2013 10:11:00 +0000

... se utilizaron en Lo que el viento se llevó (1939)? Concretamente, para escenificar el incendio que asola la ciudad de Atlanta. Es decir, la capital del estado de Georgia que aparece envuelta en llamas es el decorado de la Nueva York recreada para mostrar al gran King Kong.

Fotograma de King Kong (1933)

Fotograma del incendio en Lo que el viento se llevó (1939)

¿Qué os parece este reciclaje? ¿Pensáis que está bien la reutilización, aunque sea para generar un incendio de los decorados? ¿O deberían conservarse algunos de los escenarios más emblemáticos de la historia del cine?

¿Sabías que... El gran Lebowski (1998)

noreply@blogger.com (toma11) — Thu, 11 Apr 2013 11:40:00 +0000

es la película de la historia en la que más veces se repite la palabra fuck? 'El Nota' (Jeff Bridges) se pasa gran parte del metraje de la cinta de los Coen diciendo fuck y todas sus variantes y su compinche Walter (John Goodman) no se queda atrás, ni mucho menos. En total, la dichosa palabrita o palabrota se repite 292 veces. Todo un récord. Otros vocables que son dichos hasta la saciedad en El gran Lebowski son Nota (Dude en inglés), que se pronuncia 160 veces, y tío (man en la versión original), que aparece en 147 ocasiones.

La influencia del 'El Nota' y su estilo de vida ha sido tal, que cuenta con su propia religión, el Dudeism, y existe también una convención anual en la que todos los 'Nota' de Estados Unidos se reúnen a beber rusos blancos y a jugar a los bolos. Imperdible y delirante este vídeo recopilatorio que recoje todos los fuck de la película, uno tras otro y en poco más de dos minutos.

Silverado

noreply@blogger.com (toma11) — Thu, 11 Apr 2013 11:11:00 +0000

- Dirrección: Lawrence Kasdan
- Guión: Lawrence Kasdan & Mark Kasdan

- Reparto: Scott Glenn, Kevin Kline, Kevin Costner, Danny
Glover, Brian Dennehy, Linda Hunt, John Cleese, Rosanna
Arquette, Brion James, Jeff Goldblum, Joe Seneca, Lynn
Whitfield, Jeff Fahey, Todd Allen, Ray Baker, Richard Jenkins

- Duración: 131min
- País: Estados Unidos
- Año: 1985

- Premios destacados:
· Oscar: 2 nominaciones: mejor sonido y mejor BSO

- Te gustará si lo hizo... Wyatt Earp (1994)

- Valoración:

Emmett (Scott Glenn) es un vaquero que se dirige a Turley, donde su hermano Jake (Kevin Costner) está encarcelado. En su travesía se encuentra a Paden (Kevin Kline) tirado, semidesnudo y a punto de morir en mitad del desierto tras haber sido asaltado. Al llegar al pueblo, Paden mata a uno de los hombres que le robó y es también encerrado, por lo que Emmett tendrá que tratar de liberar tanto a su hermano como a Paden, con la inestimable colaboración de Mal (Danny Glover), un cowboy negro que había sido expulsado de un bar por orden del sheriff apenas unas horas antes ante los ojos de Paden y Emmett. Los hermanos tratan de llegar a la ciudad fronteriza de Silverado, Mal busca defender las tierras de su padre y Paden que comienza a trabajar junto a Stella (Linda Hunt) en el saloon por recomendación del sheriff (Brian Dennehy), dueño del local, se verá inmerso en el medio de la disputa entre su nuevo jefe y antiguo conocido y sus tres nuevos amigos, ya que el retorcido y corrupto sheriff sólo se mueve en función de su beneficio y busca poner fin a cualquier atisbo de sublevación que pueda comprometer su status y sus tejemanejes en la sombra. Para lo cual Emmett, Jake y Mal comienzan a ser una auténtica molestia a su poder tiránico y absoluto.

Con unos toques de humor más que aceptables, Silverado es un western inspirado en los grandes clásicos del género, en una época en la que éstos estaban más que devaluados. Vale la pena ver a un jovencísimo Kevin Costner en la piel de un curioso y alocado personaje, pese a lo lastimoso de su mal doblaje. La película posee una ambientación preciosa y encierra ese espíritu aventurero hipnótico, repleto de épica, justicia y dignidad. Kasdan introduce elementos que tocan de soslayo el racismo y crea un western con numerosos, repentinos y ajustados giros guinísticos, pese a ser metódico y predecible ya que, en ocasiones, todas las circunstancias, por muy díficil que parezcan, siempre se alinean en favor de los protagonistas, lo que le hace perder veracidad y dramatismo. Sin embargo, funcionan bien las dosis chulescas de valentía e intrepidez y el ritmo del film es brioso. Su ejecución está perfectamente definida y su trama resoluta fantásticamente, de manera casi cíclica y redonda.

Una película con un aire de otra época, con la estética y calidad de un clásico del género de los buenos, a los que Silverado no tiene, francamente, nada que envidiar. Con un numeroso reparto de gran nivel, en el que destaca entre los protagonistas el rictus seco e impertérrito de Scott Glenn, entre los protagonistas; la presencia de la siempre llamativa y especial Linda Hunt y el fascinante trabajo de Brian Dennehy en el pellejo del pérfido sheriff antagonista, Silverado, que además cuenta con una gran BSO, es una cinta con amplitud de miras, pese a su aparentemente cerrado estilo y género. Tiene, asimismo, la contundencia y la profundidad necesarias para situarse lejos de ser un western ligero y desechable y además, pese a no ser una obra mayúscula, es una película tremendamente cautivadora y entretenida. Verla es, sin duda, un acierto.

Tráiler (en inglés)

¿Sabías que... Lillo Brancato

noreply@blogger.com (toma11) — Mon, 25 Mar 2013 12:41:00 +0000

el actor nacido en Colombia pero adoptado desde que era bebé por una familia estadounidense de ascendencia italiana y conocido fundamentalmente por su papel interpretando al joven Calogero en la ópera prima de Robert de Niro como director, Una historia del Bronx (A Bronx tale) (1993), cumple actualmente condena en prisión?


Brancato en Una historia del Bronx y en la prisión de Rikers Island, NYC.

Fue en 2005 cuando Brancato perpetró, junto a un cómplice, un robo, precisamente y paradójicamente en el Bronx. En el transcurso del asalto, un policía fuera de servicio los abordó y trató de detenerlos. El agente fue disparado y murió a causa del tiroteo. El actor, que apareció también haciendo de gánster en la serie Los Soprano durante cinco episodios durante su segunda temporada, en el año 2000, y en otros films como Marea roja (1995) de Tony Scott, fue acusado de asesinato en segundo grado. Finalmente, Brancato quedó absuelto de dicho homicidio, un asesinato del que sí fue culpado su cómplice y autor del disparo que acabó con la vida del policía. Lillo Brancato fue condenado, en cambio, por intento de robo, un delito por el que recibió una sentencia de diez años. Pena que cumple actualmente en la cárcel de Rikers Island, el complejo penal más importante de la ciudad de Nueva York.

La Duda

noreply@blogger.com (toma11) — Mon, 25 Mar 2013 01:50:00 +0000

- Título original: Doubt
- Dirección: John Patrick Shanley
- Guión: John Patrick Shanley
   (basado en su propia obra teatral Doubt: A parable)
- Reparto: Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman,
   Amy Adams, Viola Davis, Joseph Foster, Lloyd Clay Brown
- Duración: 102min   - País: Estados Unidos   - Año: 2008
- Premios destacados:
· Oscar: 5 nominaciones [actriz (Meryl Streep), actor
    secundario (Philip Seymour Hoffman), 2 a actrices de
    reparto (Amy Adams y Viola Davis) y guión adaptado]
· Globos de Oro: 5 nominaciones (las mismas de los Oscar)
· BAFTA: 3 nominaciones [actriz y actor secundario (Philip
Seymour Hoffman y actriz secundaria (Amy Adams)]

- Te gustará si lo hizo... Los niños de San Judas (2003)

- Valoración:

El padre Flynn (Philip Seymour Hoffman) es el sacerdote de una parroquia del Bronx perteneciente a un colegio católico regido por monjas. Es el año 1964 y Flynn es un hombre carismático y cercano, que invita en sus atípicos sermones, a través de varias parábolas cosecha propia, a la reflexión y la meditación honda desde una óptica diferente, consiguiendo así una conexión más empática y sincera con sus fieles y también con los estudiantes. Por el contrario, la hermana Aloysius Beauvier (Meryl Streep) dirige el centro y a sus alumnos con mano de hierro y severa disciplina, sin compartir en absoluto, los tolerantes métodos y la visión más relajada de la vida que tiene el párroco. Apenas dos meses atrás, con el inicio del curso, el colegio admitió a Donald Miller (Joseph Foster), el primer alumno negro de su historia. Donald es un niño con problemas de integración y que sufre constantemente las burlas y la marginación por parte de sus compañeros. En el padre Flynn ha encontrado un apoyo incondicional, una vía de escape para hallar comprensión y consuelo, llegando, incluso, a tapar los malos acots del muchacho para protegerle y siempre dispuesto a ayudarle sin ambages.

La situación cambiará, tras el relato por parte de la joven hermana James (Amy Adams), monja y profesora de historia del centro y del propio Donald, a su superiora de la forma de actuar extraña del padre Flynn con su alumno protegido. Tras ello, la hermana Aloysius emprenderá una campaña feroz contra el padre Flynn, con el objetivo de que deje su puesto como sacristán de la escuela debido a unos supuestos abusos cometidos contra el alumno. Una acusación fundada en unos indicios sumamente leves y hartamente díficiles de demostrar, pero amarrados profundamente en su convicción y con los que está dispuesta a llegar hasta el final en su investigación para desenmascarar a Flynn y a su supuesto aberrante y despreciable comportamiento con Donald.

Segunda película de John Patrick Sheanley tras la discreta y, por qué no decirlo, mala comedia romántica que fue Joe contra el volcán (1990), con Tom Hanks y Meg Ryan como protagonistas. Parece mentira que el creador de semejante bodrio sea el mismo capaz de llevar adelante un proyecto de tanta calidad como, en este caso, el de La Duda. Una película que está basada en su propia obra de teatro, la cual ya obtuvo un enorme éxito y con la que su trabajo fue reconocido con la concesión del Pulitzer en la categoría teatral y con un prestigioso premio Tony, ambos en 2005.

Dirigida de un modo litúrgico y sobrio sumamente apropiado reflejado, por ejemplo, en su color; plasmada con un juego de planos y ángulos fascinante y magnífico, y con una dirección artística de gran altura, La Duda es una película con pausa y poso, repleta de pequeños detalles maravillosos y semienterrados que se ocultan y se muestran sutilmente a lo largo de su brillante y redondo guión. Su grandioso reparto, en el que sus tres principales componentes fueron nominados al Oscar, contribuye de modo decisivo a situar, con éxito rotundo y con una solidez pasmosa, a la cinta un escalón más arriba. Meryl Streep, aunque no sea novedad, está francamente sublime en el papel de la hierática e intrasigente monja directora del colegio y refleja a la perfección su frialdad, su desconfianza, su condición conservadora, dura y segura de sí misma y de sus intuiciones con un rictus impertérrito digno de los tiempos de la Inquisición. A su lado, otro intérprete de inmenso calibre. Un Philip Seymour Hoffman que es uno de los actores más camaleónicos (siempre con óptimoss resultados) del cine y que en cada película que hace ofrece un nivel interpretativo brutal, demostrando que es un actor de primerísima clase. En un rol más secundario, nos encontramos con una Amy Adams (Golpe de efecto[2012], The Master[2012]) que borda su papel de novicia y profesora inocentona y alegre. Un papel no tan vistoso como los dos anteriores mencionados, pero fundamental para el film y con el que la actriz nacida en Italia realiza un convincente trabajo, con el que se confirmó como una de las mujeres de Hollywood con mayor proyección. Destacable, en esta misma línea, la siempre gustosa y espléndida actuación de Viola Davis, pese a su breve presencia en pantalla como madre del chaval Donald.

La Duda traslada al espectador un doble juego entre culpabilidad e inocencia que resulta intrigante y desasosegante. Rompe esa cuarta pared y genera directamente en el público incesantes titubeos y vacilaciones, que le hacen pasar de un bando a otro con cada secuencia. Es una propuesta dura, compleja en cuanto conceptos y situaciones, pero que nunca resulta árida o inconexa sino todo lo contrario. Es un film cargado de un dinamismo placentero y ágil. Una película que es incapaz de dejarte indiferente, que te obliga a pensar, a posicionarte, a juzgar y a prejuzgar, a intuir. Con un trasfondo tremendo, oscuro, amplio y una atmósfera oclusa y viciada, La Duda es un título que resulta, por momentos, perverso en su planteamiento dual ambiguo, pero brillante en ejecución y en la consecución de su propósito y tremendamente efectivo dejando abiertos muchos de sus poros. De ella, pueden ser extraídas múltiples incógnitas e hipótesis posibles, pero sólo un elemento, que es el que recorre de principio a fin su metraje, puede evidenciarse y suponer un asidero firme: la inexpugnable e irrefutable certeza de la duda. Una cinta tremendamente inteligente, perfectamente compacta, indudablemente precisa y ciertamente poderosa.

Tráiler

Una historia del Bronx

noreply@blogger.com (toma11) — Sun, 24 Mar 2013 18:51:00 +0000

- Título original: A Bronx tale

- Dirección: Robert De Niro

- Guión: Chazz Palminteri
   (basada en su propia obra teatral homónima)

- Reparto: Robert De Niro, Chazz Palminteri, Lillo Brancato,
   Francis Capra, Taral Hicks, Kathrine Narducci, Joe Pesci,
   Clem Caserta

- Duración: 120min
- País: Estados Unidos
- Año: 1993

- Te gustará si lo hizo... Uno de los nuestros (1990)

- Valoración:

Sonny (Chazz Palminteri) es el auténtico dominador y el gángster más respetado del Bronx, con un enorme peso y una presencia muy importante entre los italoamericanos del barrio. Calogero (Lillo Brancato) es un joven avispado, hijo de Lorenzo (Robert De Niro), un humilde y honesto conductor de autobuses que siempre ha rehuído el contacto con la mafia y rechazado sus favores y dependencia. Desde pequeño y a raíz de un tiroteo en la calle, Calogero entablará una relación especial con el capo Sonny, la cual vivirá la cúspide de su influencia durante la incipiente juventud del chaval. Una amistad que su padre no aprueba bajo ningún concepto pero ante la cual tiene las manos atadas por la propia voluntad de su hijo, que tiene en Sonny a un referente al que admira totalmente y que le aconseja y protege.

La ópera de prima de Robert de Niro como director es un film que cualquier cineasta más experto y consolidado podría haber firmado. En ella, se dejan ver las influencias de uno de los realizadores con los que más ha trabajado De Niro a lo largo de su amplia y exitosa carrera, que no es otro que Martin Scorsese. Pese a todos estos alicientes, no esperes de ella una calidad y una profundidad narrativa a la altura de grandes obras que versan también sobre la mafia como constituyen la saga de El Padrino, Uno de los nuestros (1993), Casino (1995) o Scarface (1983), entre muchas otras. Una historia del Bronx está más enfocada hacia las persona y las personalidades, hacia cómo Calogero se deja llevar y actúa bajo el amparo y la feroz y persuasiva influencia del ámbito mafioso que le rodea y de su líder, y no tanto en los métodos violentos de los gánsteres, los tejemanejes de su poder y la contundecia de sus crímenes.

De Niro se limita a filmar la historia con buenas maneras y a regalar a ésta, su primera obra de dirección (trece años después llegaría El buen pastor (2006)), su presencia y sus inmensas dotes interpretativas y otorga el papel central de la misma a Lillo Brancato, el cual no está especialmente destacado pero sí genialmente escudado por el gran trabajo de Chazz Palminteri en el papel del inteligente y desconfiado hombre italiano y capo indiscutible de la mafia del barrio. Todo queda en casa, ya que Palminteri es el creador y escritor del guión. Un guión que se basa en un mundo que conoce muy bien, ya que él mismo es de ascendencia italiana y relacionado con el Bronx. Estamos, por tanto, ante un relato semiautobiográfica que el actor ya había presentado y protagonizado en los circuitos secundarios de Broadway cuatro años antes. Justamente allí fue donde De Niro asistió y vió la obra y le enganchó de tal modo que se animó a llevarla a la gran pantalla, contando con la inestimable colaboración del propio Chazz Palminteri. Asimismo, en Una historia del Bronx, se puede ver a Joe Pesci en una participación que supone casi un cameo por su poca duración e importancia y que se antoja muy escasa para lo que podría haber supuesto disfrutar durante más parte del metraje de su talento como actor en un ámbito que le viene como anillo al dedo.

Robert De Niro retrata desde las calles en las que vive y se mueve gran parte de la comunidad italiana de Nueva York, la palpable y gran influencia de la mafia entre los jóvenes durante aquellos años, aderezándola agudamente con dosis de muestra del racismo y de los conflictos xenófobos y los choques violentos entre etnias de las manzanas colindantes que tenían lugar cada día, en su caso entre italianos y afroamericanos. Una temática en la que se ahonda a través de un amor interracial imposible, el que se da entre Calogero y la joven de color Jane (Taral Hicks) que, por su parte y al igual que Lillo Brancato, tampoco realiza aquí una interpretación nada brillante. Ambos están muy amanerados y excesivamente enfáticos y artificiosos.

A Bronx tale es una historia más de las innumerables que podían acontecer en la piel de cualquiera que viviese en el peligroso barrio neoyorquino, tal y como deja ver la propia película en su final. Constituye, sin duda, un buen ejercicio narrativo, plasmado sin pretenciosidad de ningún tipo y con una puesta en escena formal. Su contra es que no aporta nada especialmente novedoso ni llamativo para el espectador ni nada que no se haya podido ver ya con mejores resultados. Quizá el paso del tiempo haya jugado en su contra pero es, a pesar de todo, una buena cinta.

Tráiler

¿Sabías que.. Vinnie Jones

noreply@blogger.com (toma11) — Wed, 20 Mar 2013 13:36:00 +0000

antes que ser reclutado en 1998 por Guy Ritchie para hacer el papel del salvaje gánster, pero aplicado padre, Big Chris en Lock & Stock, fue un conocido y relevante jugador de fútbol?

Y no precisamente por su magia con el balón en los pies. Vinnie Jones, estandarte del modesto Wimbledon a finales de los años ochenta y a su regreso a mediados de los noventa tras su paso destacado como miembro de plantillas como la del Leeds United o la de Chelsea, jugó más de 300 partidos como profesional y llegó a ser internacional con la selección de Gales (aunque inglés de nacimiento, contaba con ascendencia galesa). Jones es recordado por ser uno de los jugadores más polémicos, duros y violentos de la historia de la liga inglesa y del fútbol en general, ostentando el segundo puesto en el ránking de expulsiones del campeonato inglés. Una faceta agresiva, descontroloda y violenta que él mismo se encargó de alimentar y enfatizar durante toda su carrera deportiva.

Fotograma fabuloso de Vinnie Jones en su debut como actor en Lock & Stock

En palabras de Paul Gascoigne, otro polémico futbolista inglés aunque éste por motivos distintos y de mucha mayor calidad técnica y repercusión que la de Jones, dijo de él tras un férreo marcaje: Aquello eran agresiones. Sentía su aliento siempre detrás de mí. Durante una jugada se me acercó y me dijo: "Me llamo Vinnie Jones, soy gitano, gano mucho dinero. Te voy a arrancar la oreja con los dientes y luego la voy a escupir en la hierba. ¡Estás solo gordo, solo conmigo!"

Desde su debut cinematográfico, curiosamente un año antes de su retirada del fútbol, en Lock & Stock, donde también aparecía por primera vez en la gran pantalla Jason Stathman, el controvertido Vinnie Jones ha participado hasta la fecha en más de una treintena películas entre las que destacan su participación en Snatch, cerdos y diamantes (2000), que le abró las puertas de Hollywood, su rol como protagonista en la comedia futbolera y carcelaria Mean Machine (Jugar duro) (2001), y su presencia en producciones de acción estadounidenses como 60 segundos (2000) o Operación Swordfish (2001), o en grandes éxitos comerciales como X-Men: la decisión final (2006).

Aquí os dejamos un vídeo que da buena muestra de lo bestia que era Vinnie Jones y de cómo se las apañaba para agarrar por las pelotas, intentar romperle la pierna e intimidar con un registro infinito y repleto de todo tipo de zafias maneras a quién tuviera la osadía de acercarse a él en el terreno de juego. Un Vinnie Jones que ha conseguido ser mil veces mejor actor de lo que jamás fue futbolista, aunque es cierto que el listón no estaba muy alto. Todo un personaje único en su especie. Un 'bad boy' en toda regla.

Snatch, cerdos y diamantes

noreply@blogger.com (toma11) — Tue, 19 Mar 2013 20:55:00 +0000

- Título original: Snatch
- Dirección: Guy Ritchie
- Guión: Guy Ritchie

- Reparto: Brad Pitt, Jason Stathman, Benicio del Toro,
Alan Ford, Stephen Graham, Dennis Farina, Vinnie Jones,
Rade Serbedzija, Lennie James, Mike Reid, Robbie Gee,
Jason Flemyng, Ade, Andy Beckwith, Ewen Bremner,
Sorcha Cusack, Nicola Collins, Teena Collins

- Duración: 103min
- País: Gran Bretaña
- Año: 2000

- Te gustará si lo hizo... Trainspotting (1996)

- Valoración:

El ladrón y adicto a las apuestas Franky 'Cuatro Dedos' (Benicio del Toro) roba un enorme y valisoso diamante que debe entregar a Avi (Dennis Farina), su jefe, judío y experto en el tráfico de joyas, el cual vive en Estados Unidos y odia Inglaterra con toda su alma. El vendedor ilegal de armas de origen soviétivo Boris (Rade Serbedzija) engañará a Franky para hacerse con la joya, tentándole para que apueste en un combate de boxeo clandestino organizado por el despreciable y rudo Brick Top (Alan Ford), el gángster más poderoso y respetado de la ciudad. Para recuperar la preciada y preciosa piedra, Avi viaja a Inglaterra y contrata al despiadado Tony 'Dientes de Bala' (Vinnie Jones). Por otro lado, Turco (Jason Stahtman), junto a su compinche Tommy (Stephen Graham), es un promotor de boxeo que ha perdido a su luchador, que iba a participar en una de las peleas de Brick Top, debido al puñetazo que le propinó un gitano cuando negociaba con ellos para la compra de una caravana. Cagado por las represalias que Brick Top tomará contra él, Turco le propone al gitano, de nombre Mickey (Brad Pitt), que sea él quien boxee. El problema es que Brick Top quiere amañar la velada y que Mickey caiga en el cuarto asalto, algo a lo que el gitano no está dispuesto ya que, a parte de que no es capaz de dar un puñetazo sin noquear al rival, cuenta con planes muy diferentes a los de Brick Top y a los de Turco.

Todos ellos conforman un reparto coral francamente sublime, a través del cual se construyen un buen puñado de personajes inolvidables e hilarantes a rabiar, una banda de chalados en la que cada uno está más pirado que el anterior. Un Brad Pitt al que no se le entiende ni papa pero que está inmenso en su papel de gitano duro como el hierro y que hace patente que puede ser también un bichaco en roles cómicos, un Benicio del Toro cuyo papel se acaba demasiado pronto para lo bien que le sienta y lo bien que lo hace, un Vinnie Jones al que Ritchie descubrió para la interpretación en Lock & Stock y que es mil veces mejor actor de lo que nunca fue futbolista, un Rade Serbedzija haciendo de un desternillante y casi inmortal mafioso ruso, un Alan Ford inmenso en su papel de líder despreciable al frente de la banda más temida del crimen organizado londinense y un sólido Jason Stathman que demuestra que podría ser más y mejor actor de lo que es ahora en su encasillado rol actual como protagonista de peliculillas de acción de segunda fila, sin dejar de lado a Dennis Farina y a todos los que aún falta por mencionar.

El irreverente Guy Ritchie, más irreverente entonces, a través de un guión maravilloso, de un estilo propio, una estética y un uso de la cámara frenético, efectivo y poco común, confirma, tras su ópera prima Lock & Stock (1998), su enorme y contundente talento para plasmar historias poliédricas del género criminal y gansteril y nos brinda su mejor film, insuperable hasta la fecha. Un Guy Ritchie que se ha diluido tras estas dos cintas, en las que se situó en la cima de este tipo de comedias negras, con un humor delirante, fantástico y adictivo, poniéndose a la altura, o incluso por encima, de un maestro del género como Quentin Tarantino, pero sin las estridencias y peculiaridades excéntricas de éste, con una forma de hacer más realista e igual de contundente.

Con el escenario perfecto de un Londres suburbial, de sus callejuelas y de sus clubes de extranjis, Snatch es una locura divina, dirigida con un ritmo narrativo demoledor que nunca da tregua, cargada de escenas y situaciones hilarantes, ingeniosas y descaradas, hilvanadas entre sí de forma redonda y exquisita y con una electricidad hipnótica. Repleta de giros maestros, Snatch es una maraña deliciosa que posee fuerza, fiereza y desparpajo y unos diálogos brutalmente cachondos y ocurrentes, acompañado todo ello de una elección de la banda sonora muy acertada. Por ponerle algún pero, es una película de argumento, temática y construcción muy similar a su predecesora Lock & Stock, pero no es menos cierto que está cimentada de modo sublime con una cronología simple y continua pero llena de multiplicidades y acciones simultáneas que encajan a la perfección con un empaque poderoso. Una forma de hacer cine deliciosa, que no sabemos dónde se ha quedado desde su úlitma muestra en la más discreta Rocknrolla (2008), por lo que hay ya muchas ganas de volver a ver un nuevo film del realizador británico, que será recibido con los brazos abiertos, a pesar de que redunde en la misma temática y construcción, si va a ser tan bueno como este.

Snatch es una joya del tamaño del diamante en torno al que gira buena parte de la trama, el máximo exponente de este tipo de comedias gamberras y sinvergüenzas. Irónica, socarrona, con mala leche, cínica, estimulante, con clase, genuina, concluida de una manera tremendamente fina y elocuente y, sobre todo, muy muy divertida y absolutamente genial. Una de esas películas que tienes que ver sea como sea, a las que hay que echar de comer aparte ya que que jamás se situarán en el olimpo sagrado del séptimo arte pero que son piezas únicas de un tipo de cine que es también excelso, de calidad máxima y en este caso, con denominación de origen y con un sello propio devastador y alucinante. Cojonuda, con perdón.

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Corre Lola, corre

noreply@blogger.com (toma11) — Sat, 16 Mar 2013 13:01:00 +0000

- Título original: Lola rennt
- Dirección: Tom Tykwer
- Guión: Tom Tykwer
- Reparto: Franka Potente, Moritz Bleibtreu, Herbert Knaup
Nina Petri, Armin Rohde, Heino Ferch, Suzanne Von Borsody,
Joachim Król, Ludger Pistor, Sebastian Schipper, Julia Lindig

- Duración: 72min
- País: Alemania
- Año: 1998

- Premios destacados:
· BAFTA: nominada a mejor película de habla no inglesa
· Sundance: Premio del público

- Te gustará si lo hizo... Dos vidas en un instante (1998)

- Valoración:

Manni (Moritz Bleibtreu) es un joven que realiza trapicheos para una organización mafiosa. En un intercambio recibe 100.000 marcos que debe entregar a su jefe a las doce en punto sino se verá damnificado. Lola (Franka Potente), su novia, no ha acudido a recogerle por lo que Manni ha tenido que coger el metro para llegar a su cita y en ese trayecto pierde la bolsa con el dinero, la cual va a parar a manos de un mendigo (Joachim Król). Manni, temeroso por su vida, llama a Lola desde una cabina y le dice que en veinte minutos atracará el supermercado de enfrente para conseguir la pasta y librarse así de las funestas consecuencias que le supondría no ejecutar la entrega. Por su parte, Lola le pide agónicamente que la espere donde está y que no haga nada hasta entonces. Para llegar a tiempo, se dirige corriendo sin parar desde su apartamento mientras piensa en cómo conseguir el dinero.

Tom Tykwer, actualmente en cartelera codirigiendo junto a los hermanos Wachowski El atlas de las nubes (2012), plasma, en este su segundo largometraje, un batiburrillo psicodélico y frenético que aborda una misma historia desde tres ópticas diferentes, con sus respectivas conclusiones diversas, en sendas carreras contra el reloj trepidantes, a través de las que aborda el concepto de la condición arbitraria pero causal del destino y sus variaciones radicalmente distintas según la distribución, orden y duración de los actos de una sola persona, Lola, y las circunstancias y casualidades aleatorias que ésta se va encontrando en su trayecto. Esta construcción del film es muy interesante y está puesta en escena con un ritmo feroz, imparable, vertiginoso, casi agobiante, sin embargo, su estética 'posmoderna-guay' peca de histriónica y pretenciosa. Tykwer se atreve, incluso, a mezclar animación (siempre el mismo suceso de Lola bajando las escaleras de su casa) con la parte real de los hechos, algo que no tiene demasiado sentido pero que encaja en esas maneras 'pop' autocomplacientes y presuntamente creativas a más no poder. Todo ello acompañado de una música electrónica techno, noventera, acelerada que puede servir como metáfora de lo que es, en suma, este film: una cinta cargada de adrenalina y acompasada por un martilleo sensorial hipnótico, como en una de estas canciones, pero igual de vacía y carente de un sentido enjundioso.

Despojada de su capota resultona, es superficial, plana y, en ocasiones, presenta excesivas estridencias y chirridos, de las que el pelo rojo metálico intenso de Lola, que parece copiado del de Milla Jovovich en El quinto elemento (1997), y sus insoportables y tremendos gritos, son sólo una pequeña porción. Por otro lado, los encuentros casuales si resultan 'Frankamente Potentes' (chiste fácil), ya que mezclan múltiples y fugaces instántaneas de las vidas futuras de todos aquellos (que son siempre los mismos) con los que Lola se cruza en su carrera contra el tiempo a través de la ciudad de Berlín y van variando según el desarrollo particular de cada una de las tres vertientes del film, aunque están escasamente exprimidos. Es asimismo destacable la presencia de la muerte, su promiscuidad y su mutación al ir pasando de unos personajes a otros según los pasos de Lola y las situaciones generadas sean de una manera o de otra en cada uno de los tres segmentos en los que se divide el film.

Corre Lola, corre son tres cortos que unidos constituyen un largo, tres posibles finales para un mismo hecho, narrados con velocidad caótica, delirante y ascendente, captando al espectador aunque también acorralándolo. Pese a su actitud altanera y su estética chocante e impactante, la película no resulta compacta ni redonda y deja ver a leguas su cáracter primerizo. Es cierto que su llamativo envoltorio supone un reclamo actractivo pero por dentro se desconcha como una pintura chillona en una pared vieja. Un ejercicio de narración sin mayor propósito, mensaje u objetivo que el onanístico ensimismamiento en su propia creación experimental, erigida por medio de un efecto mariposa muy acotado temporalmente y sumamente vertiginoso que resulta tan efervescente como la gaseosa, tan irreverente como irrelevante y que intenta aparentar ser transgesor cuando se queda simplemente en excéntrico y vistoso.

Muy aclamada y éxito rotundo en su país de origen, Alemania, a pesar de ser una cinta independiente; Corre Lola, corre tiene vestigios e intenciones, a primera vista, de película de culto pero, analizada fríamente, tiende más bien a ser pobre de profundidad y de matices y sólo logra maquillar su superficialidad con su acelerado y catatónico ritmo, su destacable gran manejo de la cámara y su ya mencionada resultona, colorida y sensorial estética, por lo que esa etiqueta le queda más que grande. En conclusión, un 'entretenidillo' intento con pretensiones rompedoras cuyos mayores activos son su originalidad, su frescura, su celeridad y su supuesta modernez.

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Siete psicópatas

noreply@blogger.com (toma11) — Fri, 15 Mar 2013 20:28:00 +0000

- Título original: Seven psychopaths
- Dirección: Martin McDonagh
- Guión: Martin McDonagh
- Reparto: Colin Farrell, Sam Rockwell, Woody Harrelson,
Christopher Walken, Tom Waits, Abbie Cornish, Olga Kurylenko,
Linda Bright Clay, Harry Dean Stanton, Gabourey Sidibe,
Kevin Corrigan, Zeljko Ivanek, Michael Stuhlbarg, Michael Pitt

- Duración: 105min
- País: Gran Bretaña
- Año: 2013

- Premios destacados:
· BAFTA: nominada a mejor film británico

- Te gustará si lo hizo... Escondidos en Brujas (2008)

- Valoración:

Marty (Colin Farrell) es un guionista bebedor de Hollywood que trabajo en su próximo guión titulado 'Siete psicopatas'. Como no es capaz de continuar avanzando, ya que está pasando por un bache de creación y una pequeña crisis de dejadez, su mejor amigo, Billy (Sam Rockwell), se ofrecerá a ayudarle animándole a dejar la bebida, a concentrarse, a poner un anuncio para concertar entrevistas con psicópatas de verdad que le sirván de inspiración (al que responderá un misterioso hombre de nombre Zachariah, interpretado por el áspero y controvertido músico Tom Waits, un antiguo asesino despiadado que no se separa de un conejo al que adoptó como mascota) y a través de sus propias ideas extraídas de sus idas de olla disparatadas y violentas. Billy que se gana la vida como puede raptando perros para luego devolverlos y conseguir su recompensa, 'profesión' que comparte con el viejo Hans (Christopher Walken), se ha metido en un buen charco al robar y encapricharse estúpidamente del perro de Charlie (Woody Harrelson), un matón sin medias tintas que está dispuesto a lo que haga falta para recuperar aquello que más (y casi únicamente) quiere en la vida, su pequeño Shih Tzu.

Con un reparto tremendo y repleto de tipos duros, Martin McDonagh presenta Siete psicópatas, un film similar a su anterior película Escondidos en Brujas, pero con mayores tintes absurdos y delirantes y con una construcción de la historia mucho más ambiciosa. Ver a Tom Waits pegado a un conejo al que adora, a Woody Harrelson desesperado por la pérdida de su perrito y a Christopher Walken, rotundo y convincente, realizando un trabajo espléndido en la piel de un marido entregado que secuestra mascotas para costear el tratamiento de cáncer de su mujer (Linda Bright Clay), supone una verdadera delicia para cualquier loco del cine. También destaca un buen Sam Rockwell en el papel más alocado y multipolar de la cinta que contrasta con el de un limitado Colin Farrell al que parece imposible sacar de su forma plana de actuar y cargada del inherente fruncimiento de cejas que, sinceramente, ya va cansando un poco.

Siete psicópatas plantea una conjunción de elementos muy interesantes como son ese metalenguaje del cine dentro del propio cine, el hecho de plasmar en pantalla, de manera simbiótica y nada estridente, las historias del guión en construcción de su protagonista (entre ellas la de un cuáquero que inspira pavor por su frialdad inexpresiva al que da vida Harry Dean Steanton) y las del resto de personajes individualmente y un remache final que engloba toda la trama de forma exquisita y resoluta, dando buena muestra de un notable y ajustado guión y de un montaje excepcional, elementos que son de agradecer y a los que hay que valorar positivamente, más aún dentro de una cinta de este tipo. Su mayor problema es que echa en falta una mayor mordiente agresiva y de mala leche, ya que se centra sobremanera en retazos de reflexión, recogimiento y de drama real y, en ocasiones, se enmaraña en exceso a pesar del ya citado hilado y esmerado guión. Ciertamente, esperábamos un mayor 'punch', una mayor vertiente 'rockanrollera' y más vertiginosidad y cantidad de humor negro, pese a que lo tiene y resulte hilarante y lo compense con sus detalles distintos, originales y fantásticamente bien traídos. En conjunto, una película realmente divertida (aunque no llegue al nivel de clásicos venerados del género como Snatch o Trainspotting), ingeniosa y orquestada por un puñado de psicópatas al que merece mucho la pena ver. Ideal para pasar un buen rato, que de eso es, en esencia, de lo que se trata, ¿no?

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Blancanieves

noreply@blogger.com (toma11) — Mon, 11 Mar 2013 10:32:00 +0000

- Dirección: Pablo Berger

- Guión: Pablo Berger

- Reparto: Macarena García, Maribel Verdú, Sofía Oria, Daniel Giménez,
Ángela Molina, Inma Cuesta, Pere Ponce, Josep Maria Puo

- Duración: 104 min - País: España - Año: 2012

- Premios destacados:

· 10 Goyas: entre ellos mejor película, guión original, actriz principal
(Maribel Verdú) y actriz relevación (Macarena García)
· Festival San Sebastián: Premio especial del jurado y Mejor actriz
(Macarena García)

- Te gustará si lo hizo... The Artist (2011)
- Valoración:

Años 20. Plaza de la Maestranza de Sevilla. El matador Antonio Villalta (Daniel Giménez) se enfrenta a 6 toros. La faena parece redonda hasta que llega el último astado y siembra la tragedia: no sólo cornea al matador, sino que provoca el parto prematuro de su mujer, la cantaora Carmen de Triana (Inma Cuesta), quien a pesar de dar a luz a una niña sana, no supera el parto. Roto de dolor e inválido, Antonio repudia a su hija y acaba contrayendo matrimonio con Encarna (Maribel Verdú), una enfermera ambiciosa y codiciosa que no está dispuesta a dejar pasar la oportunidad.

La pequeña Carmencita crece al amparo de su abuela materna (Ángela Molina) hasta que ésta fallece y se muda a la casa de su padre y su madrastra, quien lejos de acogerla, la tratará como criada. Con el paso de los años la situación se hace límite y Carmen (Macarena García) escapa. En su huida se topará con un carromato ambulante de enanos toreros.

Este es el argumento con el que el cine español, de mano de Pablo Berger, se une a la moda de adaptaciones del clásico cuento de los hermanos Grimm. Una versión muy diferente a todas las que hemos visto en Disney o Hollywood: muda, gótica, cañí. Más que ser una copia de The Artist, con Blancanieves constatamos una regresión del cine hacia lo clásico, que demuestra que no son necesarios tantos efectos especiales ni artificios para contar una historia en las salas.

Ocho años ha tardado Berger en levantar definitivamente un proyecto que, pese a las críticas recibidas referentes a si la cinta puede o no considerarse y premiarse a guión original como vimos en los premios Goya, es una película diferente, original y atípica, que pone de relieve que no "todas las películas españolas son iguales". Así que si eres de los que te acoges al típico pretexto, ya no tienes excusa. Tendrás que verla.

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Las uvas de la ira

noreply@blogger.com (toma11) — Mon, 11 Mar 2013 10:32:00 +0000

- Título original: The grapes of the wrath
- Dirección: John Ford
- Guión: Nunnally Johnson (basado en la novela de John Steinbeck)
- Reparto: Henry Fonda, Jane Darwell, John Carradine, Charly
Grapewin, Dorris Bowdon, Russell Simpson, O. Z. Whitehead,
John Qualen, Eddie Quillan, Zeffie Tibury, Frank Sully,
Frank Darien, Darryl Hickman, Shirley Mills, Grant Mitchell
- Duración: 129min
- País: Estados Unidos
- Año: 1940
- Premios destacados:
· 2 Oscar: director y actriz secundaria (Jane Darwell), más 5
nominaciones: película, actor (H. Fonda), guión, montaje y sonido

- Te gustará si lo hizo... La ruta del tabaco (1941)

- Valoración:

Tom Joad (Henry Fonda), miembro de una humilde familia de Oklahoma, regresa a casa en régimen de libertad condicional tras haber cumplido buena parte de su condena por homicidio en prisión. Al llegar a las tierras de su familia, verá que han sido desahuciados y expulsados de allí, del lugar en el que han vivido y crecido durante generaciones. Tom se reunirá con ellos en la cercana casa de su tío, cuyo hogar será también pronto derribado y desalojado, y desde allí, todos juntos, emprenderán un largo y duro viaje hacia California en busca de un trabajo en la recogida de fruta que les reporte una manutención que palíe su hambre y sus penurias. Su ilusión y afán enseguida se verán truncados de forma contundente y las numerosas historias sobre los bien pagados e inagotables puestos de trabajo existentes en esta tierra prometida que creían que era California, se confirmarán como cantos de sirena que revertirán en una mayor hambruna si cabe y en métodos semiesclavistas, jornales irrisorios y en el desprecio y el aislamiento por parte de las autoridades hacia miles y miles de familias que, como los Joad, acuden a la caza de una vida mejor.

La película más reconocible del gran John Ford supone una narración impresionante que pone el foco sobre la enorme depresión de los años treinta en Estados Unidos, la cual sumió a millones de personas en la más absoluta pobreza y en la más feroz desesperación. Basada en la exitosa novela homónima del premio Nobel John Steinbeck, Las uvas de ira es un film básico para comprender y saber más sobre la poco conocida historia de un país que hoy agita la bandera de la libertad y de la igualdad pero en el que entonces la pobreza corroía sus entrañas y la falta de solidaridad entre sus ciudadanos constituía un hecho plausible y flagrante que causaba el atroz rechazo hacia los inmigrantes pobres de otros estados, los cuales, prácticamente, eran acorralados en guetos y muy mal tratados. Las uvas de la ira es un dedo afilado que da de lleno en la llaga de la vergüenza, una película arriesgada y valiente en su momento y también adelantada a su época, como su director.

Su intención lírica y global hace que se pierda en derroteros, algunos de ellos innecesarios. Aunque jamás ceja en su empeño de denuncia y en su dominante comprometida, sí que echa en falta un mayor énfasis dramático, en el sentido más espectacular y cinematográfico de la palabra. Sin embargo, su relato es hondo, trascendente, denso, desarraigado, mordaz y con una mano maestra para la puesta en escena. No es un clásico épico e imborrable de la historia del cine que consiga ponerte los pelos de punta con su melodrama coral e intenso, su música altisonante y sus maneras grandilocuentes, pero sí es una película de mucha profundidad, altamente estética y crítica, necesaria de ver, que cuenta con matices a muy diferentes niveles y con una fotografía en blanco y negro absolutamente sublime y espectacular que ya quisiera para sí cualquier realizador contemporáneo con infinidad de medios técnicos a su alcance infinitamente superiores a con los que contaba Ford.

Tráiler (en inglés)

Babel

noreply@blogger.com (toma11) — Tue, 05 Mar 2013 19:04:00 +0000

- Dirección: Alejandro González Iñárritu
- Guión: Guillermo Arriaga
- Reparto: Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal,
Rinko Kikuchi, Adriana Barraza, Koji Yakusho, Boubker Ait
El Caid, Said Tarchani, Mustapha Rachidi, Elle Fanning,
Nathan Gamble, Mohamed Akhzam, Peter Wight, Driss Roukhe,
Wahiba Sahmi, Fadmael Ouali, Satoshi Nikaido, Yuko Murata
- Duración: 140min - País: Estados Unidos - Año: 2006
- Premios destacados:
· 1 Oscar: BSO, más 6 nominaciones: director, película, 2 a actriz
de reparto (R. Kikuchi y A. Barraza), guión original y montaje.
· 1 Globo de Oro: mejor película-drama, más 6 nominaciones
· 1 BAFTA: mejor música, más 6 nominaciones
· Cannes: mejor director

- Te gustará si lo hizo... 21 gramos (2003)

- Valoración:

Dos hermanos marroquíes (Boubker Aid El Caid y Said Tarchani), hijos de un pastor de cabras, prueban el alcance del rifle que su padre (Mustapha Rachidi) ha comprado a un vecino con el objetivo de espantar a los coyotes de su rebaño. Los chavales, en su peligroso juego, disparan contra un autobús de turistas en el que viaja una pareja americana (Brad Pitt y Cate Blanchett) que busca huir de la apatía de su relación y de la desgracia personal, hierendo gravemente a la mujer. Mientras tanto en su casa, una niñera mexicana (Adriana Barraza) cuida de sus dos niños pequeños (Ellen Fanning y Nathan Gamble), a los que decide llevarse con ella a la boda de uno de sus hijos en México ante la imposibilidad de dejarlos con nadie. En Japón, una adolescente sordomuda (Rinko Kikuchi), hija del cazador que regaló el arma al aldeano vecino del pastor en uno de sus viajes, vive acomplejada y desubicada, al tiempo que su padre (Koji Yatusho) es requerido por la policía por ser el dueño legal del arma. Pero lo que ninguno de ellos puede siquiera sospechar es que ese rifle y esa bala maldita los interrelacionará directamente y los situará al límite de la tragedia de la muerte.

Con una genial ambientación y una excelente y cautivadora fotografía, Iñárritu plasma la tercera de sus películas de segmentos interconexos tras Amores Perros (2000) y 21 gramos (2003) y que supone el clímax de su 'Trilogía de la muerte'. El realizador mexicano, una vez más con Guillermo Arriaga en el magnífico guión, vuelve a dirigir como nadie un film de este tipo, siendo Babel, seguramente, el trabajo más ambicioso de todos, por su multiplicidad y disparidad de escenarios y su enfásis de universalidad. No nos encontramos ante una película de actores ya que ninguno de ellos destaca ni se alza como el centro del film sino que, dada su condición polimérica, todos son principales y secundarios al mismo tiempo. Por otra parte, todo el conjunto actoral raya a un gran y consistente nivel, aunque cabe mencionar a una Cate Blachett inconmensurable, como casi siempre, pese a su limitado rol aquí y a la semidesconocida entonces, Rinko Kikuchi, que realiza una actuación particularmente espléndida y destacable.

Babel es una película con poso, con pausa, con mística, que preserva el intimismo en un mundo inabarcable y desaforado, conectado entre sí de forma casi maquiávelica, en el que la muerte, siempre presente en la obra de Iñárritu, dirige, condiciona e interrelaciona toda existencia humana, una muerte que nos aborda y nos desborda en todo lugar y en cualquier momento pero que también nos iguala. Un relato trágico tan inmenso como, paradojicámente, hermético y engranado a la perfección. Tal vez, demasiado perfecto en sus casualidades pese a que, sin embargo, no cojee de inverosimiltud y se mantenga enormemente sólido y perfectamente compacto y convincente. Es una cinta que mira más allá de las vicisitudes y de las desgracias humanas puntuales e individuales, que plantea un concepto superior, que realiza preguntas inquietantes las cuales seguramente no tengan respuesta fácil o simplemente no la tengan, como la necesidad de una redención que casi nunca termina por llegar, el remordimiento o la culpabilidad, entre otros, y que sitúan al ser humano frente a su ínfima condición y ante un abismo terrible y gigantesco.

Los silencios se apropian de una narración construida sobre una idea fuerza tremendamente rotunda y demoledora, con una estética visual fantástica presente en cada una de sus historias y con una maravillosa banda sonora, por la cual consiguió su único Oscar. Babel es una apuesta tremenda, una cinta lúgubre, que pone luz mortecina al dolor, a la desesperación, al temor y que se configura como profunda y devastadora. Cierto es que es una forma de construcción vista ya en muchas ocasiones y, asimismo, en la filmografía de su director, pero resulta increíblemente interesante por su enfoque diferente y por su óptica global y plural. Babel, que tiene que ganar enteros en su versión original con cada uno de las historias en su idioma propio, es una propuesta apabullante, un film que encierra una crítica total a nuestra civilización moderna, a esta pseudoglobalización plagada de recelos, miedos y traumas. Su mayor defecto, pese a ser tildada de pretenciosa, es su mano blanda y piadosa que le acarrea una falta de crudeza en su culmen resolutorio, la cual le hace perder la posibilidad de ser aún más desoladora y fatídica, a la altura del lienzo mundano que plasma.

Babel es una película en la que el quién no tiene importancia y de esta forma consigue implicarnos, englobarnos, pertenecernos y demostrarnos que todos formamos parte de esa torre de Babel ruinosa, enfermiza e inmensa y, además de todo ello, es un film ciertamente bueno.

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Un año de Toma 11

noreply@blogger.com (toma11) — Wed, 27 Feb 2013 21:10:00 +0000

En Toma 11 cumplimos un año de frenética actividad cinéfila y bloguera. Hace justo 365 días inaugurábamos este espacio dedicado al séptimo arte, con ilusión y un montón de ganas de dar a conocer nuestro humilde punto de vista sobre las películas que vamos viendo, que no son pocas, y también reseñar alguna que otra anécdocta curiosa o noticia destacada alrededor de este mundo del cine que tanto nos encanta. Ni por la cabeza se nos pasaba haber sido finalistas de un premio tan importante a nivel estatal como los Premios 20Blogs y sólo queremos agradecer a todos los que habéis entrado alguna que otra vez a curiosear por aquí, a los que nos habéis leído y también comentado y esperamos seguir haciéndolo, y hacerlo mejor, también dentro de un año.

La leyenda del indomable

noreply@blogger.com (toma11) — Wed, 27 Feb 2013 19:47:00 +0000

- Título original: Cool Hand Luke
- Dirección: Stuart Rosenberg
- Guión: Donn Pearce y Frank R. Pearson (basado en la novela
   homónima de Donn Pearce)
- Reparto: Paul Newman, George Kennedy, Dennis Hopper,
   Morgan Woodward, Luke Askew, Harry Dean Stanton,
   Clifton James, Strother Martin, Lou Antonio, J. D. Cannon,
   Wayne Rogers, Robert Drivas, Jo Van Fleet, Robert Donner,
   Ralph Waite, Anthony Zerbe, Marc Cavell, Joy Harmon
- Duración: 123min
- País: Estados Unidos
- Año: 1967
- Premios destacados:
· 1 Oscar: actor secundario (G. Kennedy), más 3 nominaciones:
     actor principal (Paul Newman), guión adaptado y BSO

- Te gustará si lo hizo... Cadena perpetua (1994)
- Valoración:

Luke (Paul Newman) es un joven inadaptado y rebelde, antiguo soldado, que en una noche de borrachera destroza los parquímetros de una calle y es condenado por ello a dos años de prisión. Una vez en el centro penitenciario, Luke, que en breve se granjeará el respeto de los presos, especialmente el de Dragline (George Kennedy), el jefe de los presidiarios allí dentro; no está dispuesto a dejar someter su indomable espíritu por nada del mundo y pronto se dará cuenta de la necesidad de escapar de ese lugar atroz en el que diariamente los reclusos han de realizar trabajos forzosos durísimos bajo un sol infernal y lidiar con el estricto reglamento, con los golpes de los guardias y con los castigos en el angosto calabozo cada vez que una norma se incumple. Su férreo cáracter y su forma de actuar le acarrearán la especial fijación y mano dura por parte de los guardianes, con el apoyo de un alcaide (Strother Martin) que esconde frívolamente sus duros métodos bajo una capa de despreciable paternalismo.

La película gira en torno a los ojos azules más famosos de Hollywood, con el permiso de Frank Sinatra, que no son otros que los de Paul Newman y por esta razón, no encontramos una mayor presencia, a excepción de la buena actuación de George Kennedy, de los muchos secundarios con los que cuenta, incluido un Dennis Hopper absolutamente irrelevante y desapercibido. Todo se mueve, como decimos, en torno a Paul Newman y a su figura, tremenda por otro lado, pero que no fluye aquí con absoluta naturalidad ni está especialmente sublime, aunque esto sea contrarrestado exitosamente con la huracanada personalidad de su personaje. La leyenda del indomable posee una simbología muy interesante (un buen ejemplo es el de las gafas de sol del jefe Godfrey (Morgan Woodward), tremenda metáfora del poder abusivo), lástima que este recurso tan genial no se haga presente en más ocasiones. Cuenta, asimismo, con un puñado de escenas memorables, grabadas en la retina del cine (como la de la apuesta de los 50 huevos), y con unas localizaciones de rodaje exteriores magníficas que se transforman en planos realmente hermosos y que encierran una enorme fuerza poética y visual. Todo ello fantásticamente aderezado por una banda sonora country, a ritmo de banjo, que encandila y que acompaña a la trama en todo momento.

Con un doblaje lastimoso que supone un gran hándicap para la película, La leyenda del indomable deja leer entre líneas su cariz antiautoritario y su denuncia contra el abuso de poder y la violencia en las cárceles, una lectura que se hace patente de manera demasiado tenue, con intención sí, pero con ejecución y presencia palpable más bien escasas y echa en falta un mayor enfásis de libertad y un poso íntimo y reflexivo más intenso. Elementos que están presentes pero que siempre han de deducirse, extraerse y que deberían ser más plausibles, más hondos, más palpables y más encauzados a la búsqueda de una mayor empatía que lograse, por ejemplo, que el espectador sintiese como propios los golpes y represalias que Luke recibe en carne propia.

Pese a una primera mitad de la cinta carente de profundidad narrativa y con partes de metraje demasiado superfluas, La leyenda del indomable no deja de ser un oda a un espíritu libre e incorregible, una película también sobre la amistad, pero sobre todo un ejercicio clásico que encumbra la obstinación y el arrojo de un rebelde sin causa, de un espíritu imposible de encerrar, libre e insumiso. Un drama carcelario con todos los elementos tradicionales presentes, una cinta que dignifica un género, estructurada por un guión sencillo, sin grandes sobresaltos, pero siempre infalible. Un género que, casi treinta años después, vivirá su clímax más contemporáneo con Cadena Perpetua (1994), con la que ésta guarda ciertas similitudes. A pesar de su menor nivel, La leyenda del indomable marca una línea clara a seguir en una temática harto recurrente en el cine. Stuart Rosenberg, un semidesconocido que había dado el salto al cine desde la televisión, consiguió llevar a escena una película que aún perdura en la memoria de mucha gente y que es, sin duda, uno de los clásicos imprescindibles e indiscutibles del género.

Tráiler (en inglés)

Lincoln

noreply@blogger.com (toma11) — Sun, 24 Feb 2013 19:37:00 +0000

- Dirección: Steven Spielberg
- Guión: Tony Kushner (basado en el libro de Doris Kearns Goodwin)
- Reparto: Daniel Day Lewis, Sally Field, Tommy Lee Jones,
   David Strathairn, Joseph Gordon-Levitt, James Spader,
   Hal Holbrook, Lee Pace, Gulliver McGrath, Michael Stuhlbarg,
   Jared Harris, David Costabile, Jackie Earle Haley, John Hawkes,
   Joseph Cross, Tim Blake Nelson, Peter McRobbie, Jeremy Strong,
   Gloria Reuben, Walton Goggins, Bruce McGill, David Oyelowo
- Duración: 150min - País: Estados Unidos - Año: 2012
- Premios destacados:
· 2 Oscar: actor (Day-Lewis) y dirección artística, más 10
    nominaciones incluyendo película, director, actor de reparto
    (Tommy Lee Jones), actriz de reparto (Sally Field) y guión adap.
· 1 Globo de Oro: mejor actor-drama, más 6 nominaciones
· 1 BAFTA: mejor actor, además de 9 nominaciones

- Te gustará si lo hizo... La conspiración (2010)
- Valoración:

Abraham Lincoln (Daniel Day-Lewis) es el presidente de unos Estados Unidos sumidos en una terrible guerra civil contra los Estados Confederados del Sur, una contienda que divide al país y que parece tocar a su fin. Es el año 1865 y Lincoln, una figura respetada y querida por el pueblo, en su empeño por sacar adelante su revolucionaria propuesta de 13ª enmienda, destinada a abolir la esclavitud de los negros, debe afrontar un dilema político de gran envergadura y una profunda crisis de conciencia: convencer a su propio partido de aprobar la enmienda, encontrar una veintena de apoyos entre sus rivales demócratas y, con la tremenda losa que supone la muerte de millares de jóvenes cada día en el frente, tratar de alargar las negociaciones de la ansiada paz para que la enmienda pueda aprobarse antes y conseguir así que los Estados del Sur no tengan legitimidad para participar en la decisiva votación y ésta pueda salir adelante.

Daniel Day-Lewis da vida al decimosexto presidente de los Estados Unidos de un modo francamente fascinante. A través de una caracterización física íncreible y de una interpretación fastuosa, Day-Lewis soporta con su colosal papel, las casi dos horas y media de película con un aplomo brutal, en una actuación inmensa, situada más allá del elogio y que se encamina con toda seguridad al Oscar. Pese al gran deleite cinematográfico que supone verle actuar, la película de Spielberg es un retrato político complejo, y también necesario, de una de las figuras claves y más reverenciadas de la historia estadounidense que, sin embargo, carece de un timing atractivo, es un tanto inconexa e irregular y echa en falta mayores matices en su contexto. Es cierto que es una cinta histórica realizada a conciencia y concienzudamente pero resulta un poco espesa temáticamente y carente de ritmo y acción, pese a estar guiada a través de una fluidez de diálogos (y sobre todo monólogos) brillante, de una narración aplicada y de una actuación principal mimética y grandiosa. De este modo, se configura como un título más de mensaje que de hechos, más de reflexión y lupa histórica, enfocada hacia la mente y la conciencia de un personaje fundamental, que de una síntesis del panorama coyuntural de una nación dividida y carcomida por la guerra y la injusticia de la esclavitud.

El conjunto actoral, que es de mucho nivel, funciona, en líneas generales, de modo magnífico. Sin embargo, Tommy Lee Jones, que interpreta al senador Stevens, y Sally Field, en la piel de la esposa de Lincoln, encargados de sostener los dos papeles de reparto de mayor importancia y ambos nominados al Oscar por su trabajo; no están nada convicentes ni brillan especialmente. Sí destaca, por encima de todos, David Strathairn (Buenas noches, y buena suerte), en el papel de Secretario de Estado y hombre de máxima confianza del presidente, demostrando una vez más que es un actor sensacional y exquisito y demostrando que está aquí muy por encima artísticamente de Tommy Lee Jones y Sally Field, a pesar del mayor peso argumental de sus roles.

Lincoln es un film con una ambientación magnífica que consigue trasladarnos excelentemente a aquella época, realizado con la calidad que siempre es inherente a Spielberg, a los presupuestos que maneja y a su talento. Es solemne, pero también aburre solemnemente en determinadas fases y sólo entretiene de veras en contadas ocasiones. Una interesante y atinada revisión más biográfica que histórica, en un film vacuo, plano y distendido, en el que los matices principales solo son aportados por Daniel Day-Lewis y su excelsa interpretación de Abraham Lincoln. Una actuación, insistimos, completísima, cargada de diferentes tonalidades y de una verbosidad, ésta nada vacua, un peso y profundidad de palabra y un anecdotario que suponen su mayor actractivo. Una cinta, en resumen, sin golpes de efecto ni trastoques emocionales que peca de excesivamente hermética y poco transpirable y en la que se echa de menos una mayor visceralidad que invite a sentir y vivir la película, cosa que nunca sucede.

Tráiler

Las sesiones

noreply@blogger.com (toma11) — Sat, 23 Feb 2013 20:00:00 +0000

- Título original: The sessions
- Dirección: Ben Lewin
- Guión: Ben Lewin
- Reparto: John Hawkes, Helen Hunt, William H. Macy,
   Moon Bloodgood, Annika Marks, W. Earl Brown,
   Robin Weigert, Adam Arkin, Ming Lo, Jarrod Bailey,
   Blake Lindsley, Jennifer Kumiyama, Rusty Schwimmer
- Duración: 96min   - País: Estados Unidos - Año: 2012
- Premios destacados:
· Oscar: nominada a mejor actriz secundaria (Helen Hunt)
· Globos de Oro: 2 nominaciones [actor-drama (John Hawkes)
    y actriz secundaria (Helen Hunt)]
· BAFTA: nominada a mejor actriz secundaria (Helen Hunt)
· Sundance: Premio del público (mejor película) y Mejor reparto
· San Sebastián: Premio del público

- Te gustará si lo hizo... Intocable (2011)
- Valoración:

Mark O'Brien (John Hawkes) es un poeta y periodista paralizado totalmente de cuello hacia abajo debido a una poliomelitis que sufrió siendo un niño y que sobrevive gracias a la asistencia de un pulmón de acero, una enorme máquina que le permite sobrevivir y de la que solamente puede estar fuera tres o cuatro horas al día. A punto de ingresar en la cuarentena, Mark decide que ya es hora de iniciarse en el sexo y perder la virginidad y para ello, a través del apoyo que recibe de las confesiones y los consejos del nuevo párroco de su iglesia (William H. Macy), contrata los servicios de Cheryl (Helen Hunt), una terapeuta sexual especializada en discapacitados. A través de estas visitas, descubriremos el interior y las inquietudes de un hombre tetrapléjico que rezuma carisma e inteligencia y que, sexo aparte, conocerá lo que significa amar y, también, ser amado.

Basada en la vida y experiencia real de Mark O'Brien e inspirada en su artículo publicado en la revista americana The Sun Magazine en 1990 y titulado "On Seeing a Sex Surrogate", Las sesiones es una película arriesgada, una pequeña gran sorpresa con la que los Oscar han cometido un craso y flagrante patinazo al dejarla fuera de la lucha por la mejor película y la mejor interpretación protagonista masculina, ya que John Hawkes está inmenso en un papel extremedamente díficil e incómodo, realizado con un convecimiento y una credibilidad pasmosos. Al menos, sí han considerado entre los nominados a Helen Hunt, que si siempre está más que correcta en todas sus películas, aquí sencillamente está excelente, borda un papel sumamente valiente que cuenta con numerosas escenas de desnudos, las cuales realiza con una naturalidad y un aplomo impresionantes, dentro de una actuación formidable merecedora de la dorada estatuilla a la mejor actriz de reparto a la que opta y, por supuesto, del aplauso y reconomiento generalizado. Destacar también, aunque en segundo término, el punto original y cómico que otorga William H. Macy al sacerdote amigo del protagonista, un personaje que forma parte del halo humorístico conjunto, maravilloso y vitalista que rodea al film en muchos momentos.

Rodada sin ornamentos, sin caer en un sentimentalismo simplón ni en delirios de grandeza, Las sesiones es una propuesta arriesgada, una cinta fantásticamente humana que transmite una fuerza poderosa y conmovedora y que posee un poder asombroso y apabullante. Pese a contar con un desenlace un pelín previsible, desarrolla la intrépida y corajosa historia de Mark y su relación con su cuerpo, la fé, las mujeres y sobre todo el sexo, abordado de una manera explícita, con un enorme tacto emocional y con la pizca irónica justa. Un film honesto, franco y creíble. Una propuesta insólita que, si bien no resulta condescendiente, sí que arrastra una cierta e inevitable benevolencia que en ningún momento se manifiesta como estridente ni empalagosa y se desliza por la trama de forma grata y armoniosa. No es una obra maestra, pero sí es una enorme película llena de un precioso intimismo y con una ligera aura poética y romántica que la convierten en deslumbrante y única.

Tráiler

¿Sabías que John Cazale...

noreply@blogger.com (toma11) — Fri, 22 Feb 2013 21:33:00 +0000

a quien seguramente conozcas mejor por su mítico papel encarnando a Fredo Corleone, el más pusilánime de los hijos varones de Don Vito en la saga de El Padrino, rodó solamente 5 películas debido a su pronta muerte y que todas ellas fueron nominadas como mejor película en los Oscar?

John Cazale al lado de Al Pacino en una escena de la saga El Padrino

Su exitosa y breve filmografía incluye interpretaciones de secundario de lujo al lado de grandes actores como Al Pacino, junto a quien protagoniza la escena del beso fraternal más pavoroso y famoso de la historia del cine, Robert De Niro o Gene Hackman, en títulos de la talla de El Padrino (1972), El Padrino II (1974), La conversación (1974), todos ellos a las órdenes de Francis Ford Coppola; Tarde de perros (1975), de Sidney Lumet, y El cazador (1978), de Michael Cimino, que supuso su último papel, el cual decidió continuar rodando a pesar de serle detectado un cáncer de pulmón que, a la postre y poco después de terminar su trabajo en la película, se traduciría en su fallecimiento cuando contaba con apenas 42 años.

El cazador

noreply@blogger.com (toma11) — Fri, 22 Feb 2013 19:28:00 +0000

- Título original: The deer hunter
- Dirección: Michael Cimino
- Guión: Deric Washburn
- Reparto: Robert De Niro, Christopher Walken, John Savage,
   Meryl Streep, John Cazale, George Dzundza, Chuck Aspegren,
   Amy Wright, Rutanya Alda, Joe Grifasi, Pierre Segui, Shirley Stoler
- Duración: 178min
- País: Estados Unidos
- Año: 1978

- Premios destacados:
· 5 Oscars: película, director, actor secundario (Christopher
    Walken), sonido y montaje. Además, 4 nominaciones [actor
    principal (De Niro), actriz de reparto (M. Streep) y fotografía]

- Te gustará si lo hizo... Nacido el 4 de julio (1986)

- Valoración:

Mike (Robert De Niro), Steven (John Savage), Nick (Christopher Walken), Stanley (John Cazale) y Axel (Chuck Aspegren) son un grupo de amigos y también compañeros de trabajo en una fábrica de fundición de metales en Clairton, Pennsylvania. Su juventud transcurre sin mayores sobresaltos mientras ellos se reúnen para beber y pasarlo bien en el bar de John (George Dzundza) y para ir, de vez en cuando, de caza a la montaña y tratar de abatir a algún venado. Es el día de la boda, por el rito ruso ortodoxo, de Steven con Angela (Rutanya Alda), que servirá de despedida a la pandilla ya que, pocos días después, el propio Steven, Mike y Nick deberán partir rumbo a la guerra de Vietnam, reclamados por el ejército. En plena celebración, Nick se prometerá con Linda (Meryl Streep), en quien también había puesto sus ojos Mike, y tras un salto repentino de escenario, los tres chicos estarán en la selva de Vietnam, donde coinciden y donde asimismo sus caminos se separarán, enmarcados en una contienda inhumana que contaminará sus mentes y a raíz de la cual ya nada volverá a ser como antes.

Michael Cimino, un año antes que Coppola y su Apocalypse Now (1979), realiza este retrato crudo y desalentador de una generación de jóvenes marcados agriamente por la guerra de Vietnam, despojados de todos los sueños previos a su presencia en el conflicto, una generación sumida en un trauma posbélico del que jamás podrán liberarse ni recuperarse mentalemente del todo.

El cazador no es una cinta bélica al uso que se centre en la narración de la guerra, las batallas y la coyuntura de los soldados desde el terreno, aunque si lo toca, sino que su labor profundiza en el antes y el después, por lo que su quietud y su pausa es más destacada que otros filmes de la misma temática. La película, que se divide en tres partes claras, donde la primera de ellas resulta demasiado larga y estirada; intenta penetrar en la psicología machacada de los protagonistas y lo logra, pero su trasfondo reflexivo cojea y peca de raleza. Por añadido, las múltiples escenas y situaciones de guión centradas en la práctica de la ruleta rusa, que en un principio sorprenden e incluso magnetizan, son excesivas para resultar probables y, por tanto, creíbles, más aún teniendo en cuenta que suponen la columna vertebral de buena parte de la historia.

En ella destacan, especialmente, Robert de Niro, en un papel que no resulta especialmente asombroso comparado con tantas otras fántasticas actuaciones de las que está repleta su carrera pero al que siempre resulta un placer verle actuar, y Christopher Walken, brutal en su rol demencial de soldado ido y alienado, afectado por la crudeza extrema de la guerra. El cazador, a pesar de su enfoque y planteamiento óptimos, carece de la tensión y el tino apropiados y su carga dramática, que es mucha y bien construida, con la sordidez y desdicha necesarias; no consigue transmitir del todo su visceralidad. En términos generales, su magnitud no le alcanza para codearse con la fuerza intrínseca de títulos míticos del cine sobre la guerra de Vietnam como la ya citada Apocalypse Now, La chaqueta metálica (1987) o Platoon (1986). Su cariz bélico es demasiado atenuado y escaso, aunque su simbiosis entre la vertiente puramente bélica y su estrucutura de prólogo y epílogo a ella es aceptable e interesante. No obstante, el referente de tantas obras similares como las anteriormente citadas, le hacen perder puntos en la confrontación y el film genera un poco de decepción por sus altas expectativas, pesa a no ser, ni mucho menos, una mala propuesta ni una mala película.

Tráiler (en inglés)

Funny games (Juegos divertidos)

noreply@blogger.com (toma11) — Thu, 21 Feb 2013 17:28:00 +0000

- Título original: Funny games
- Dirección: Michael Haneke
- Guión: Michael Haneke

- Reparto: Susanne Lothar, Ulrich Mühe, Arno Frisch,
Frank Giering, Stefan Clapczynski, Doris Kunstmann

- Duración: 108min
- País: Austria
- Año: 1997

- Premios destacados:
· Cannes: nominada a la Palma de Oro a mejor película

- Te gustará si lo hizo... Caché (Escondido) (2005)

- Valoración:

Georg (Ulrich Mühe), Anna (Susanne Lothar) y su pequeño hijo Georgie (Stefan Clapczynski) son un familia acomododa que acude a pasar unas vacaciones a su casa pegada al lago. En la vivienda de al lado residen sus amigos que llevan ya varios días en la zona y con los que quedan para jugar al golf. Nada más llegar, mientras Georg y su hijo acondicionan el velero en el lago, Anna recibe la visita de Peter (Frank Giering), un joven educado y de apariencia formal, que, en nombre de su vecina Eva, le pide 4 huevos. Anna, que en un principio reacciona de manera normal, empezará a preguntarse cómo Peter ha podido acceder a su casa. Al instante aparecerá también Paul (Arno Frisch), compañero de Peter, y Anna comenzará definitivamente a ponerse nerviosa. Su marido y su hijo, ante los ladridos del perro, acudirán a la casa y la familia comenzará a vivir desde ese momento un auténtico calvario rocambolesco e insólito a través de los juegos macabros propuestos por Paul y Peter.

De la mano de una convicente actuación de Susanne Lothar y de un Ulrich Mühe muy discreto, más si lo comparamos con su fantástico papel en La vida de los otros (2006), dos actores muy del gusto de Haneke y con los que ha contado varias veces en su filmografía, sentimos en carne propia el sufrimiento, la desesperación, la impotencia que les imponen, a base de una serie de juegos enfermizos y casi sádicos, la pareja de dementes con piel de cordero formada por un Arno Frisch frío y soberbio que se encarga de soportar el peso siniestro del guión, y de Frank Giering, con una mirada perdida que hace evidente su trastorno y que inspira un pavor a la altura de su irracionalidad.

Funny Games es la propuesta de una mente privilegiada como la de Haneke, de un talento superior para el cine. La película es un ejercicio de precisión esquizofrénica, de una inteligencia siniestra que traslada al espectador (al que durante el film se le interpela dos veces directamente a través del personaje de Paul) un nerviosismo agudo, irritante, realizado de forma asombrosa, extrayendo el pánico y la angustia de una situación que nace de la nada, de una realidad cotidiana para alcanzar cotas estremecedoras, enervantes que harán que ni siquiera puedas pestañear y que te dejarán helado, atónito y perplejo. Espeluznante, original, radical, majestuosa, ingeniosamente desasosegante y terriblemente exquisita.

Tráiler (V.O subtitulado en inglés)

Psicosis

noreply@blogger.com (toma11) — Wed, 20 Feb 2013 14:18:00 +0000

- Título original: Psycho
- Dirección: Alfred Hitchcock
- Guión: Joseph Stefano (basado en la novela de Robert Bloch)
- Reparto: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin,
    Martin Balsam, John McIntire, Simon Oakland, Patricia Hitchcock
    Vaughn Taylor, Frank Albertson, Mort Mills, John Anderson
- Duración: 108min
- País: Estados Unidos
- Año: 1960

- Premios destacados:
· Oscar: 4 nominaciones [director, actriz secundaria (Janet Leigh),
   fotografía y dirección artística en blanco y negro]

- Te gustará si lo hizo... Vértigo (1958)

- Valoración:

Marion Crane (Janet Leigh) trabaja como secretaria en una inmobiliaria de Phoenix. Tras recibir 40.000 dólares en efectivo debido una transacción, su jefe (Vaughn Taylor) la envía a ingresar el dinero al banco y le concede la tarde libre, debido a unas molestias, pero Marion huye en coche de la ciudad con el dinero, un dinero que cree puede otorgarle la felicidad que tanto anhela. Agitada y nerviosa por la presencia de un policía (Mort Mills) que sospecha de su forma de actuar, y también por su propia conciencia, y aturdida por la incesante lluvia, Marion va a parar al motel Bates, un tranquilo parador de carretera secundaria cerca de Fairvale (California), regentado por Norman Bates (Anthony Perkins), un timorato joven, aficionado a la taxidermia de aves, que vive en la casa adjunta junto a su madre.

Por otra parte, angustiados por la huida y desaparación de Marion, su hermana Lila y su amante Sam, con el que tenía planes de matrimonio, además del detective privado Arbogast, que investiga el paradero de los 40.000 dólares, deciden ponerse manos a la obra en su búsqueda. Las pesquisas del detective le llevarán hasta el motel Bates, adónde, posteriormente, acudirán también Lila (Vera Miles) y Sam (John Gavin), para tratar de esclarecer lo ocurrido, ignorantes, en un principio, de que nada es lo que parece ser.

Psicosis es, seguramente, la película más popular de Hitchcock, un título cumbre dentro de la amplia y excelsa obra del genio británico y uno de los grandes thrillers de intriga de siempre. Cargada de elementos que le otorgan a la cinta un dramatismo feroz como son la magnífica BSO, que ya por sí sola pone los pelos de punta; la lluvia; los numerosos primeros planos; las expresiones impérterritas, ambiguas, recelosas o crispadas reflejadas, sobre todo, en los rostros de Leigh y de un brillante Perkins, o el uso magnífico de las sombras a través de una sublime iluminación; confieren a Psicosis, entre otros aspectos, su merecido status como clásico imborrable del cine en general y como referente supremo del suspense, en particular.

La archiconocida y genial escena de la ducha es sólo un suceso más dentro de una trama compleja que nos envuelve, tejida magistralmente, repleta de tensión y sorpresas, en la que cada giro de guión es más brillante y fascinante que el anterior y que suponen una sacudida cada vez mayor para un espectador impaciente y absorto en la tarea de desenredar el sublime y sofocante entramado. Psicosis ahonda en la psicología humana como cuchillo en mantequilla, palpa muchos de nuestros temores y arrebatos oscuros, de la mano de un Hitchcock, eternamente relegado y olvidado por la Academia de Hollywood, que ha sabido como nadie, en una suerte de lobotomía cinematográfica, dejar su huella en la retina y la memoria de la historia del cine. Grande entre los grandes, Psicosis es de lo más grande de la filmografía del más grande del género, del maestro absoluto y reverencial del suspense, de un Hitchcock al que películas como esta, hacen inmortal su oronda silueta. Un film innegable y absolutamente imprescindible.

Tráiler (en inglés)

De Goyas, princesas de cuento y sobres con sorpresa

noreply@blogger.com (toma11) — Mon, 18 Feb 2013 14:52:00 +0000

Foto de familia de los ganadores

Blancanieves fue la gran triunfadora de la 27 edición de los premios Goya que se celebró anoche en Madrid. Con 10 galardones, la película de Pablo Berger se convirtió en la tercera más laureada de la historia de los premios por detrás de Mar Adentro y ¡Ay, Carmela! Estatuillas destacadas como la de mejor película, actriz principal (Maribel Verdú) y actriz revelación (Macarena García) recayeron en la versión muda del clásico cuento de los hermanos Grimm.

Una de las sorpresas de la noche, llegó en la recta final de la ceremonia. Contra pronóstico, el Goya al mejor director fue a parar a manos de Juan Antonio Bayona, en uno de los momentos más emotivos de la gala ya que el realizador catalán otorgó su premio a María Belón, la protagonista real en la que se inspira Lo imposible. Parecía tan seguro que se alzaría con el premio a efectos especiales como con el de maquillaje y peluquería, pero este último fue a parar a Blancanieves.

La gran derrotada de la noche fue El artista y la modelo, que siendo 13 veces finalista, se fue con las manos vacías. Por otro lado, Grupo 7, otra de las grandes favoritas que contaba, por su parte, con 16 nominaciones, ganó en las categorías de actor de reparto (Julián Villagrán) y actor revelación (Joaquín Núñez). El galardón al mejor actor protagonista se le escapó a Antonio de la Torre, el gran favorito, por su papel en la película de Alberto Rodríguez, en detrimento de José Sacristán, que con 75 años y una amplísima trayectoria en el cine español recibía su primera nominación y su primer galardón, en un Goya con cierto sabor honorífico pero no por ello inmerecido.

Otro premio que en las quinielas tenía nombre propio, pero acabó en otras manos causando gran sorpresa, fue el de director novel. Todo apuntaba a que el debut tras las cámaras de Paco León con Carmina o revienta, llevaría la segunda estatuilla a su familia tras el Goya que recibió su hermana María por su interpretación en La voz dormida en la edición pasada. Un premio que finalmente consiguió Enrique Gato por Las aventuras de Tadeo Jones.

Los momentos más bochornosos de la gala, marcada por los discursos cargados de protesta y reivindicaciones, fueron el error garrafal en la entrega del Goya a la mejor canción original que en un principio se concedió a Los niños salvajes y que tras la rectificación oportuna se lo llevó definitivamente Blancanieves y el nefasto humor de Eva Hache que tuvo su clímax con chistes sobre tsunamis ante la presencia de la ya citada María Belón.

A continuación, los ganadores en todas las categorías:

Mejor película: Blancanieves
Mejor dirección: Juan Antonio Bayona (Lo imposible)
Mejor actor: José Sacristán (El muerto y ser feliz)
Mejor actriz: Maribel Verdú (Blancanieves)
Mejor director novel: Enrique Gato (Las aventuras de Tadeo Jones)
Mejor guión original: Blancanieves
Mejor guión adaptado: Las aventuras de Tadeo Jones
Mejor actor de reparto: Julián Villagrán (Grupo 7)
Mejor actriz de reparto: Candela Peña (Una pistola en cada mano)
Mejor actor revelación: Joaquín Núñez (Grupo 7)
Mejor actriz revelación: Macarena García (Blancanieves)
Goya honorífico: Concha Velasco
Mejor dirección de producción: Lo imposible
Mejor dirección de fotografía: Blancanieves
Mejor montaje: Lo imposible
Mejor dirección artística: Blancanieves
Mejor diseño de vestuario: Blancanieves
Mejor maquillaje y/o peluquería: Blancanieves
Mejor canción original: Blancanieves
Mejor música original: Blancanieves
Mejor sonido: Lo imposible
Mejores efectos especiales: Lo imposible
Mejor película de animación: Las aventuras de Tadeo Jones
Mejor película documental: Hijos de las nubes, la última colonia
Mejor película iberoamericana: Juan de los muertos
Mejor película europea: Intocable
Mejor cortometraje de ficción: Aquel no era yo
Mejor cortometraje de animación: El vendedor de humo
Mejor cortometraje documental: A history for the Modlins

The Straight story (Una historia verdadera)

noreply@blogger.com (toma11) — Thu, 14 Feb 2013 19:45:00 +0000

- Título original: The straight story
- Dirección: David Lynch
- Guión: John Roach y Mary Sweeney
- Reparto: Richard Farnsworth, Sissy Spacek, Jane Galloway Heitz,
   James Cada, Joseph A. Carpenter, Ed Grennan, Jack Walsh,
   Donald Wiegert, Sally Wingert, Anastasia Webb, John Farley,
   Harry Dean Stanton, Everett McGill, Wiley Harker
- Duración: 112min
- País: Estados Unidos
- Año: 1999
- Premios destacados:
· Oscar: nominada a mejor actor (Richard Farnsworth)
· Globos de Oro: 2 nominaciones [actor (Farnsworth) y BSO]
· Cannes: nominada a la Palma de Oro a la mejor película

- Te gustará si lo hizo... Hacia rutas salvajes (2007)

- Valoración:

Alvin Straight (Richard Farnsworth) es un anciano de 73 años, viudo y con múltiples achaques, entre ellos problemas de visión y de cadera, los cuales prácticamente le impiden caminar, que vive en Laurens, una pequeña población agrícola de Iowa, con su hija Rose (Sissy Spacek), discapacitada psíquica. Tras enterarse, a través de una llamada de teléfono, del infarto sufrido por su hermano Lyle (Harry Dean Stanton), decide realizarle una visita, a pesar de que llevan diez años sin verse ni dirigirse la palabra. Debido a que no tiene coche, carnet de conducir ni medios suficientes para hacer el trayecto de otra forma, Alvin decide emprender el viaje en su deteriorada cortacésped, acoplándole un remolque de fabricación casera. Tras un primer intento en el que su vieja máquina se estropea, regresa remolcado al pueblo para comprar otra cortacésped de segunda mano, una John Deere de los años sesenta. Desde ese momento, Alvin comenzará una larga travesía de casi seiscientos kilómetros, repleta de vicisitudes, hasta Mount Zion, en el estado de Wisconsin, donde vive su enfermo hermano.

Con el aséptico título de Una historia verdadera, David Lynch hace de este maravilloso hecho real, un film hipnótico. Rodado con una pausa conmovedora y a través de una sencillez (que no simplicidad) cautivadora que cala hondamente en el espectador, la película se convierte, prácticamente, en una sesión terapéutica. De la mano de unas interpretaciones soberbias por parte de Sissy Spacek y de un contundente y magnífico Richard Farnsworth, cuya interpretación le valió una nominación al Oscar, The Straight story (Una historia verdadera) es una cinta para el recuerdo, una sublime lección de moral, de carácter y de vida por parte de un septuagenario de admirable e indomable espíritu.

Una película hermosa y arrebatadora, uno de los títulos más redondos del genio opaco, enigmático y surrealista de Lynch. Una historia verdaderamente portentosa, un prodigio cinematográfico, una pequeña obra maestra imprescindible que nunca olvidarás.

Tráiler