tonk´s manganime corner

Hakaiju (Shingo Honda)

2012-05-16T20:14:00.001+02:00

Una de las (numerosas) novedades de IVREA para este año es “Hakaiju” de Shingo Honda. Reconozco que no tenía referencias de ella, pero tras buscar algo de información, me pareció una propuesta muy interesante.

El manga se empezó a publicar en el 2010 y lleva en Japón aproximadamente 6 tomos. Se publica en la Shonen Champion, que aunque está dirigida al público juvenil, tiende a llevar una línea algo más “dura” que la Jump y similares.

El cómic empieza con una historia bastante rutinaria: un joven suplente de un equipo de baloncesto va a ser promocionado a jugador principal, lo que supone un reconocimiento a su valor y lograr algo que llevaba años soñando. Pero todo pega un giro terrible cuando se produce un terremoto en la ciudad y se encuentra con un instituto en ruinas y atacado por gigantescos monstruos.

Para bien o para mal estamos en terreno conocido, con un grupo de personajes intentando sobrevivir en una nueva realidad que les supera y con numerosas incógnitas que desvelar. Es un esquema muy clásico que sigue funcionando bien, sobre todo si miramos los mangas que se andan editando en España, donde en los últimos años las historias con toques de terror han brillado por su ausencia. Me ha recordado un poco a GYO, un manga de Junji Ito inédito en España, donde las criaturas eran mutaciones marinas.

El primer tomo da un poco una de cal y otra de arena. Los personajes son algo esquemáticos, en seguida se lanzan a vagar por las calles de la ciudad, y el escenario que se presenta parece difícilmente explicable de forma satisfactoria. Por otro lado, el dibujo es magnífico, con un estilo bastante realista que me recuerda vagamente a Slam Dunk (o quizá me traiciona su ambientación de baloncesto inicial), y el diseño de los “monstruos” es increíble.

Las gigantescas criaturas que asolan Tokyo son tentaculares, repletas de apéndices por todas partes y totalmente orgánicas. Sus acciones son furiosas y están realizadas con un detalle enorme. No es un manga que se ande con medias tintas, es totalmente explicito a la hora de reflejar la crudeza con que estos bichos atacan a los seres humanos.

Es difícil saber hacia donde se encamina este manga, si conforme avance aportará cosas llamativas y sorprendentes, o se conformará con seguir la línea que ya ha marcado. Aun poniéndonos en lo peor, parece que será un buen entretenimiento para aquellos que disfruten con este tipo de temas, los “monstruitos” y alguna que otra víscera, como es mi caso.

La edición por parte de Ivrea es bastante solvente, no tiene fallos apreciables, y se edita cada 2 meses a 8€ con tamaño de tomo tipo “shonen” normal. Quizá un formato un pelín más grande hubiese sido preferible, pero supongo que es el formato con que fue editado en Japón.

Assassination Blues (Caribu Marley, Tadashi Matsumori)

2012-04-25T19:54:00.000+02:00

Mucho ha llovido desde 1995, fecha del primer Salón del Manga de Barcelona. Para aquella ocasión algunas editoriales patrias lanzaron unas pocas novedades y Planeta era la principal editora de Manga en España, un mercado que aún estaba despegando. Yo todavía no era aficionado a los comics así que cuando me enganché al carro unos cuantos años después intenté recuperar el terreno que me había perdido comprando los títulos más interesantes.

Assassination Blues es uno de los que fui incapaz de completar hasta hace escasas semanas. Tenía por casa el numero 1 y 2, pero eran 8 en formato comic-book (los tomos recopilatorios estaban lejos de ser una realidad en España) de 64 páginas. Por suerte he podido ya pillar la colección completa de segunda mano, a precio decente.

Para hablar con propiedad de Assassination Blues primero hay que identificar a sus autores. El dibujante es Tadashi Matsumori, un eficiente y veterano dibujante que empezó en el oficio en los años 50 y 60, y que posee un extraordinariamente detallado trazo. Va un poco en la línea de Ryoichi Ikegami (Santuario, Crying freeman, Mai) solo que algo más sucio.

Al guión tenemos al enigmático “Caribu Marley”. Un japonés con ese nombre está evidentemente usando un pseudónimo. Tras esa rocambolesca firma (que homenajea a uno de sus músicos favoritos: Bob Marley) se encuentra Garon Tsuchiya, del que hemos visto alguna otra obra en España desde entonces. Firmó Oldboy con su nombre autentico, y Astral Project (que ya comenté en este blog) bajo el pseudónimo de “marginal”. En cada caso acompañado de dibujantes diferentes.

Es un autor con una personalidad muy fuerte, cuando muestra violencia lo hace sin tapujos y cuando habla de política o temas sociales lo hace de la forma más cruda y directa posible. Assassination Blues (Live! Machine, en su original japonés) engloba varios temas en uno, como casi todas sus obras, pero es fundamentalmente un cómic de género negro que sigue los pasos de un asesino.

A lo largo del cómic seguiremos los pasos de un humilde interprete de Jazz, que se gana la vida tocando en un bar. Entre pesadillas de un pasado que no puede olvidar… un limpiabotas le ofrece trabajar para él como asesino: “¿Quieres volver a matar, verdad?”. Tras ese momento, y sin preguntar que razones puede tener el hombre que le contrata para ello, el artista de Jazz Reiji, pasa a ser un asesino profesional, uno muy bueno. Y a cada asesinato que logra realizar, mejor y más intenso se vuelve su Jazz.

Hay un buen montón de temas que parecen interesarle mucho a Tsuchiya: volvió a usar la música como catalizador en Astral Project, y la violencia y la venganza en OldBoy. Una buena cantidad de preguntas se plantean desde el principio: el pasado de Reiji, el del misterioso limpiabotas, a cuanta gente deberá asesinar y para qué… lo bueno del asunto es que el cómic está completamente cerrado y se responden todas las preguntas de forma satisfactorias al final.

Hay una mezcla entre el clasicismo musical de los años 50 y la violencia más rotunda de los 80 francamente llamativa, y un buen montón de referencias históricas a conflictos bélicos y grandes nombres musicales. Todo se mezcla sin fisuras, de forma totalmente clara.

A falta de leer Oldboy, puedo decir que “Assassination Blues” es considerablemente más redondo que “Astral Project”, seguramente por ser más directo y escueto. “Astral project” pecaba de aglutinar demasiados elementos de forma un tanto confusa (seguramente de forma deliberada) y era considerablemente más espeso. El caso que nos ocupa debe tener cierto estatus en Japón, supongo, ya que desde su primera edición ha contado con otras 3 ediciones adicionales en diferentes formatos y portadas.

Poca gente se acuerda ya de este manga, pero haberlo leído 17 años después de su publicación ha sido una experiencia realmente positiva, y ha confirmado lo que ya sospechaba: es un gran cómic.

La oruga (Suehiro Maruo)

2012-02-28T19:54:00.001+01:00

Hace ya más de 2 años y medio que publiqué una crítica (muy positiva) de “La extraña historia de la isla panorama”, que por entonces era la obra más reciente de Suehiro Maruo.

Al final de aquella reseña comentaba que Maruo estaba trabajando en una nueva obra llamada “La oruga” y que esperaba que la editorial Glénat nos la trajese. Dicho y hecho, desde hace unos pocos meses está disponible en las tiendas españolas.

La edición en general es muy similar a la de la isla panorama a nivel físico, pero el precio ha subido considerablemente. 12€ por un tomo que tiene la mitad de páginas que aquel: 144. Es decir, la mitad de páginas por solo 3 euros menos (La isla panorama costaba 15€).

Vuelve a tratarse de una adaptación de un relato de Rampo Edogawa, aunque en este caso con bastantes más puntos en común con anteriores obras de Maruo como “Midori”, con una atmósfera incómoda y malsana, y una violencia y sexo ampliamente explícitos. En su época el relato fue censurado abiertamente por el gobierno japonés, que veía en él una desagradable crítica hacia los conflictos bélicos en que Japón había participado.

Sinopsis: Tras la guerra contra los rusos, un un militar condecorado vuelve a casa con terribles secuelas: perdió los dos brazos, las piernas, el habla y el oído. Con resignación y paciencia, su esposa debe hacerse cargo de él las 24 horas del día mientras ve como su familia no quiere saber nada de él. Esta vacía existencia provocará que todo se convierta en una rutina consistente en comer, lavar y sexo de la que parece imposible salir.

Aunque hay un extenso flashback, la realidad es que la mayor parte del relato ocurre dentro de la habitación del militar. Los diversos encuentros entre los dos personajes son mostrados de forma totalmente cruda y gráfica, pero acompañados del habitual simbolismo de Maruo: deformaciones, insectos, expresiones sucias y grotescas… son dos personajes encerrados que ni siquiera disfrutan de aquello que hacen.

Maruo nos regala algunas dobles páginas exquisitamente dibujadas, repletas de detalles y de su gran estilo personal. Sabe que buena parte de lo que dibuja repele al lector, y juega con ello abiertamente, sabiendo que es la atracción/repulsión lo que lleva al lector a sumergirse en su historia.

Es un manga indudablemente para adultos (un porcentaje muy alto de las páginas son totalmente explícitas), que debería ser leído por aquellos que ya saben de antemano lo que se pueden encontrar. No he querido incluir imágenes que muestren contenido real del cómic, porque se trata de una entrada abierta sin restricción de edad. Como decían antiguamente: “Para mayores de edad, con reparos”.

Yoshiaki Kawajiri (I) : Wicked City

2012-02-15T20:48:00.001+01:00

Renovando el interés por mi (bastante abandonado) blog, creo que lo que me hace falta es hablar de un tema que me interese profundamente. Pocas cosas podría elegir más interesantes que el director Yoshiaki Kawajiri, muy ligado a mi afición al mundo de la animación.

Sus orígenes son fáciles de resumir. Estudió en la universidad, pasó a formar parte como tantos otros de Mushi Productions y se tiró buena parte de la década de los 70 y 80 como animador en diferentes proyectos: Ashita no Joe, Único, Comando G, Hiroshima, Harmagedon, Kamui…hasta que le llegó su primera misión como director, Lensman (1984), para la productora Madhouse.

Lensman

La película se basó levemente en las novelas originales de E.E. Smith, uno de los padres de la Space Opera. Seguía los pasos de un joven al que confiaban unas lentes con la habilidad de modificar sus capacidades mentales, permitiéndole hacer cosas que los humanos normalmente no pueden. Metido en medio de una lucha contra una gran raza intergaláctica dictatorial, la película se ha ganado desde entonces cierta fama de aburrida. Los fans de las obras originales reniegan de esta producción, y la verdad es que el resultado final dista bastante de ser brillante.

Aunque visualmente es bastante competente, el ritmo está bastante mal llevado y la historia esta bastante mal hilada.

En Lensman Kawajiri se encargó de la dirección junto al veterano Kazuyuki Hirokawa, y también de los diseños de personajes. Tuvo cierto impacto en occidente, ya que formó parte de aquella primera oleada de Anime que tantos adeptos ganó en los 80.

Sin embargo, dejando Lensman atrás, sus primeros grandes años son 1987 y 1988, cuando tres proyectos le catapultaron a la fama:

Neo-Tokyo: The running man

En primer lugar tenemos “Neo-Tokyo”, un film producido por Katsuhiro Otomo (Akira, SteamBoy) que constaba de 3 segmentos animados. Kawajiri escribió y dirigió el segundo de ellos: The running man. La historia de un corredor de carreras futuristas, presionado hasta el límite, y su obsesión por continuar siendo el campeón aunque su integridad física peligre en el proceso.

El corto dura menos de 15 minutos y tampoco es que contenga una historia especialmente elaborada, pero la intensidad de sus imágenes logran una experiencia muy llamativa. Es muy curioso como bastantes años después en Animatrix, escribió un guión (World record) notablemente similar para su gran alumno Takeshi Koike (RedLine, Trava). Koike, uno de los nuevos valores en el mundillo de la animación, ha trabajado en la mayoría de las producciones que ha dirigido Kawajiri desde entonces como animador.

Su estilo visual a estas alturas ya está totalmente definido. Personajes con colores bastante apagados, profusión de sombras y negros, y un detalle en general algo superior a lo habitual en producciones japonesas. Aunque en las escenas más tranquilas la animación puede no destacar, sus escenas de acción se vuelven realmente dinámicas, con abundantes efectos visuales y un montaje trepidante. Es un director que sabe economizar recursos y destinarlos a los momentos clave.

Wicked City

En segundo lugar, se le encargó dirigir un corto de 35 minutos basado en una novela del popular escritor de novelas de terror Hideyuki Kikuchi. El resultado fue tan satisfactorio que la productora le pidió a Kawajiri que lo expandiese y crease un largometraje para exhibirlo en cines. En menos de un año completó el proyecto, dando lugar a uno de los clásicos de anime de los años 80: Wicked City.

Nuestro mundo vive en cierto equilibrio, pero su aparente paz es fruto de un tratado firmado hace bastantes años entre los habitantes de la tierra y los de un mundo paralelo habitado por demonios. El film sigue los pasos de un guardaespaldas del mundo humano que debe colaborar con una agente del otro mundo, para llevar sano y salvo a un poderoso anciano a la firma de un nuevo tratado de paz. La tarea no es sencilla, porque un grupo rebelde está deseando que el trato nunca se lleve a cabo.

La estructura de la película es a ratos un tanto episódica, con pequeñas escenas que culminan en un enfrentamiento, y la historia solo avanza entre ellas. La historia es interesante a ratos, aunque un tanto irregular, con algunas reacciones y giros un poco extraños. No obstante sirve de hilo conductor muy bien.

Como era habitual en los 80, no se puede tener una historia con demonios, magia oscura y personajes con poderes, sin una buena ración de sangre y sexo. Es imprescindible en estas películas esa sensación de depravación y exageración. Aunque se podría decir que alguna escena bordea levemente el hentai, el sexo se presenta como una obsesión y una perdición a la vez, y siempre está relacionado con prácticas bastante terribles. No está planteado como un recuso erótico sino como un recurso puramente grotesco y amoral.

La violencia que contiene la cinta es bastante exagerada. Todo en ella está conjuntado para dar al espectador un viaje por un mundo imposible realmente turbio, repleto de poderosas imágenes difíciles de olvidar. Hay que advertir eso si, que es una película explícita y probablemente para bastante gente, desagradable.

Me parece una de las cumbres de Yoshiaki Kawajiri y vista hoy en día resulta muy afín al director. En posteriores películas refinaría todavía más su estilo visual y animación, pero Wicked City es absolutamente imprescindible para entender su carrera.

Demon City Shinjuku

El gran éxito cosechado por Wicked City le dio la oportunidad de rápidamente dirigir una segunda adaptación de una obra de Kikuchi: Demon city Shinjuku, producida derecha a video (OVA) en 1988.

La historia es algo más típica, con un malo tratando de hacer un ritual para traer a un enorme grupo de demonios para que destruyan la tierra, y un joven elegido (con maestro espiritual) marchando a su búsqueda para matarlo. También hay una chica de por medio. En general es mucho más directa que Wicked City y con bastante menos desarrollo.

También es bastante más accesible, contiene mucha menos de violencia explícita, y todo el extraño e incomodo rollo sexual de la primera se reduce muchísimo. Las calificaciones de edad son bastante elocuentes, mientras la primera era +18, esta segunda se rebaja hasta el +13, y se nota.

En general el ritmo está bastante mal llevado, avanza muy a trancas y barrancas, y el protagonista es bastante blandito. Cuando finaliza, lo que uno recuerda son las 3 o 4 escenas/enfrentamientos mas destacados que contiene, rodados con el habitual buen hacer del director, y con unos diseños de enemigos muy logrados. Siempre acabo viendo la película por el espectacular prólogo, una escena que ocurre en una sala de billar y otra que ocurre en un parque.

Creo que a Demon City le pasa factura su inferior historia, el cambio en la calificación de edad y la evidente bajada de presupuesto al ser un OVA. No es una mala película y tiene cosas muy destacables, pero es bastante inferior a Wicked City.

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Tanto Wicked City como Demon city fueron editadas en dvd en España por Llamentol. Sin extras, pero respetando el formato original (1.33:1), la calidad de imagen casi no aprueba: colores bastante “lavados”, imperfecciones en la imagen… de todas formas estos animes de los 80 tienden a tener unos dvds bastante justitos. En USA se relanzó Demon City con mejor imagen, pero Wicked city creo que sigue sin haber salido de Japón en su versión remasterizada. Una pena.

Cinco recomendaciones del 2011 (Anime)

2011-12-31T00:31:00.001+01:00

Nos despedimos en breve del año 2011 para entrar en el 2012 y es un buen momento para hacer un rápido balance de lo mas destacable (creo yo) que ha dado la animación japonesa. No ha sido un gran año, y hay una buena cantidad de series que ni he visto (se puede comprobar viendo el número de entradas que he hecho a lo largo de este año). En fin, ahí va mi Top 5.

5# Ikoku Meiro no Croisee

Todos los años me gusta disfrutar de un buen Slice of Life, pequeñas historias cotidianas agradables de ver donde los grandes sucesos que ocurren son siempre de tipo personal (y se acaban resolviendo). La que he elegido este año ha sido Ikoku Meiro no Croisee.

He dudado considerablemente entre esta y Usagi Drop, una decisión muy difícil. He escogido Croisee por su peculiar ambientación y premisa, que creo que la separan de otras propuestas similares: ocurre en la Francia del siglo XIX, cuando Japón empezó a ser algo más conocido en Europa. La protagonista es Yune, una niña pequeña acostumbrada a ejercer como sirvienta japonesa (en este caso, nada del estilo de sirvientas al estilo Europeo que sobreabundan en los animes japoneses, con claras intenciones discutibles), que se traslada a París bajo la tutela del propietario de una tienda de antigüedades.

Está primorosamente animada por Satelight, con unos fondos impresionantes. Y aunque la serie podría entrar en la categoría de “personaje mono teniendo reacciones monas”, es el choque de culturas lo que de verdad hace sobresalir a la serie. También es algo más dramática que otras series de este tipo.

4# Level-E

La adaptación animada del manga de Yoshihiro Togashi ha sido realmente ejemplar. Muy fiel a la obra original, tanto visual como argumentalmente supone un punto y aparte en las series actuales, con un estilo que recuerda a los animes de finales de los 80.

La extraña mezcla de ciencia-ficción, comedia y terror, funciona como un reloj. Todo arranca con un Alien que decide quedarse en el apartamento de Tsutsui, a partir de ahí es difícil saber si todo lo que ocurre va en serio o no.

Como ya lo fue el manga original, es una de las propuestas mas divertidas, y a la vez inteligentes, del año.

3# Tiger & Bunny

Uno de los grandes éxitos del año, Tiger&Bunny empezó a hacerse notar por incluir publicidad real en su argumento. Pepsi, SoftBank… toda una serie de marcas aparecen constantemente en pantalla, justificadas por la idea de la serie: un grupo de dispares superhéroes que se enfrentan al crimen, esponsorizados por grandes marcas y con las cadenas de televisión siguiéndoles como si fuese todo un gran espectáculo (hasta les asignan puntos como si se tratase de un concurso).

La mejor parte de la serie es que el protagonista es un superhéroe no especialmente bien considerado, bastante veterano y que tiene una hija. Se agradece que un anime siga por una vez los pasos de un personaje poco popular y ya entrado en años, logra darle a la serie un cierto tono crepuscular muy llamativo. En el primer episodio de la serie la compañía para la que trabaja es vendida y se ve obligado a trabajar como compañero de un nuevo superhéroe, mucho más joven.

También es de agradecer el plantel de secundarios, toda una serie de estrafalarios “supers” que la serie se preocupa de darnos a conocer mejor a lo largo de los capítulos, haciendo mucho hincapié en la diferencia entre su vida normal y su vida heroica.

2# Redline

Para muchos (yo incluido) es la película del año. Dirigida por Takashi Koike (Animatrix-World Record, Trava) en su debut en formato largo, sigue los pasos de un conductor experto en carreras de coches, que es seleccionado para participar en Redline, una enorme competición que se celebra cada x tiempo en diferentes planetas.

Usando la historia como un simple motor, la verdad es que la película le mantiene a uno pegado al asiento. Es un despliegue visual y narrativo sin precedentes, del tipo que sería imposible recrear en acción real: deformaciones, montajes paralelos… y una visceralidad y adrenalina increíble.

Es todo un espectáculo de luz y velocidad, tremendamente creativo. Pocas propuestas de este nivel se producen ya en la animación en general.

1# Mahou Shoujo Madoka Magica

Y si hablamos de éxitos y de series que lo tienen todo para merecer ya casi la categoría de clásicos dentro del mercado japonés, Madoka ocupa el lugar más importante del año. No solo ha arrasado en ventas, sino que ha tenido a millones de personas pegadas a la pantalla de su televisor (o monitor) deseando saber como iba a evolucionar cada aspecto de la historia.

Partiendo de una premisa sencilla y bastante manida (chica joven encuentra una criatura mona que le ofrece convertirse en magical girl) la serie le daba la vuelta una y otra vez a las ideas y conceptos habituales, dirigiendo el tono y las reflexiones a un público bastante más adulto del habitual. Si bien el primer par de episodios pueden parecer mundanos, el tercero impactó en los espectadores como pocos han logrado en los últimos años. Personalmente en su momento no me pareció para tanto, pero es a partir de ahí cuando la serie empieza a jugar con una serie de conceptos muy interesantes y cambia radicalmente el tono. Los clímax que posee la serie son de una intensidad y brutalidad chocantes.

Su guionista ha sido Gen Urobuchi, especialmente célebre por sus guiones para aventuras de ordenador japonesas como Phantom of inferno o Saya no uta. Más de uno se extrañó al ver su nombre asociado a una serie de Magical Girls, y solo cuando la serie progresó se vio claramente que el tono iba muy acorde a su estilo.

Para el diseño de personajes en cambio, se eligió a Ume Aoki, que tiene unos diseños bastante peculiares. Especialmente célebre por Hidamari Sketch, sus diseños son a veces algo extraños, con unas cabezas mas anchas que altas en la mayoría de los casos. En cualquier caos son diseños bastante “monos” que contrastan radicalmente con el resto de la serie, de forma sin duda intencional.

A nivel visual como es habitual en el estudio Shaft tenemos un nivel altísimo, no siempre en lo relativo a la calidad de la animación en si, sino a la creatividad que exhiben al planificar las escenas. El diseño de enemigos y sus mundos merecen todo el reconocimiento posible.

No se muy bien como de fácil sería vender algo así en occidente porque por un lado no es lo que parece, y por otro… lo que realmente es, no parece fácilmente vendible. En cualquier caso, ahí queda la recomendación (! Y llegad hasta el episodio 3 como mínimo ¡).

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Finalmente creo que merecen una mención especial Usagi Drop (por su seriedad al tratar una temática tan delicada), Mawaru PenguinDrum, Fate/Zero (que es difícil de situar porque de momento está inconclusa), la secuela de Last Exile (me está sorprendiendo bastante), Gosick y Black Lagoon: Roberta’s Blood trail.

Y eso es todo. Feliz 2012, y disfrutad de las fiestas ;)

Shingo Araki (01/01/1939 - 30/11/2011)

2011-11-30T23:45:00.000+01:00

Ayer falleció a la edad de 72 años el animador y diseñador Shingo Araki.

Aunque no es lo habitual, alcanzó bastante fama en el mundo de la animación japonesa sin ser director ni guionista de ninguna serie o película. Poseía un estilo bastante definido y particular, que colaboró enormemente al éxito de algunas series.

En 1965 entra a formar parte de Mushi Productions y cinco años más tarde ejerce de director de animación de “Joe del mañana” (Ashita no joe), una de las series de mas éxito de la época. Durante los años siguientes no le falta el trabajo, principalmente en adaptaciones de Go Nagai como “Devilman”, “UFO Robot Grendizer” y “Cutie Honey”. Alrededor de esta época ya empezó a encargarse también de los diseños de personajes.

Durante los años 70 su fama aumentó por toda una serie de productos : Captain Harlock SSX, Galaxy Express 999, La rosa de Versalles, Ulises 31… y entrando en los 80 con La panda de Julia o la película de Space Adventure Cobra. A mediados de los 80 realizó el trabajo por el que probablemente será más recordado: Saint Seiya (los caballeros del zodiaco).

En Los caballeros del Zodiaco Araki cogió los diseños originales de Masami Kurumada y les dio un aspecto mucho más dinámico y “actual” , un look por el que ha sido siempre reconocida. Trabajó tanto en la serie original y en sus 4 películas, como en la más reciente continuación, la saga de Hades.

Cabe destacar también que en los años 90 se encargó de los diseños de personajes de una de las series de Gegege no Kitaro, y de las adaptaciones de otros dos mangas de Masami Kurumada: Fuma no kojiro y Ring ni Kakero. Aparte de Los caballeros del Zodiaco, seguramente su trabajo mas destacable en la última década y media sea el diseño de personajes de las dos primeras series de la popular Yu-Gi-Oh!.

Al parecer falleció tras llevas un tiempo ya enfermo. Solo queda agradecer a Araki los buenos momentos que nos deja, y reconocer un estilo que marcó a varias generaciones.

Listado de títulos en DVD/Blu-ray editados y anunciados a lo largo de este año

2011-11-23T19:35:00.000+01:00

* * *

Selecta sigue siendo la editora que más cuida el mercado español, con una buena cantidad de títulos. Aunque este año el número de anuncios durante el Salón ha sido bastante reducido, es de esperar que vayan licenciando más cosas conforme pase el tiempo.

Prosigue editando todo lo relacionado con Los Caballeros del Zodiaco. Una lista ya más que respetable:

-Finalizaron la primera temporada de Saint Seiya: Lost Canvas, la han reeditado en un pack y han empezado a editar la segunda temporada (Blu-ray/dvd) en volúmenes individuales.

-Tras varios años están sacando tanto la continuación de la saga de Hades (solo Dvd) como las películas (Dvd) de la serie clásica.

-También tiene en preparación la película Mekai Hen.

Desde luego son buenos tiempos para ser aficionado a esta saga en España.

Reedición de esa gran película que es El verano de Coo en Blu-ray (previamente editada solo en Dvd). Es la bonita y a veces dura historia de un kappa en la época actual, en una película colorista y entrañable. Su director Keiichi Hara parece llamado a ser uno de los nombres relevantes de la industria nipona en los próximos años.

Y relacionado con lo anterior, han decidido volver a apostar por el director y han editado Colorful (Blu-ray/Dvd). Ha sido ganadora del premio del público en el prestigioso festival de Annecy y de la categoría de mejor animación en los premios de la academia japonesa. Narra la historia de una persona que acaba de morir y se le concede la oportunidad de volver al mundo para redimirse de sus pecados, en el cuerpo de un chico que ha cometido suicidio. Es un duro drama (de los que están bien hechos) que busca la redención y la esperanza en las peores situaciones posibles.

Apocalipsis en el instituto. Highschool of the dead (Blu-ray/Dvd) Los zombies están de moda, como The walking dead, Zombieland y una buena cantidad de producciones más lo atestiguan. Esta licencia seguramente pretende sumarse a esa moda ofreciendo un Anime que tiene bastante en común con los viejos anuncios de Manga Films cuando la animación japonesa se habría un hueco en España. La serie propone unos elementos muy concretos: chicas con poca ropa, senos (muy muy) grandes, zombies y acción. Reconozco que no es ni de lejos mi estilo de serie, repleta de un fanservice totalmente directo y obvio, pero es una producción muy moderna, de gran éxito y que seguramente atraerá a mas de uno.

La isla de los recuerdos y el espejo mágico: Con un aspecto netamente japonés a pesar de estar realizada íntegramente por ordenador, La isla de los recuerdos parte de la curiosa premisa de que existe un lugar en un mundo paralelo donde van a parar todos aquellos juguetes de nuestra infancia que perdimos cuando éramos pequeños. Unos pequeños seres los utilizan para construir su propia isla. La protagonista de la historia, Haruka, se ve transportada a esa dimensión.

Con una historia sencilla pero atractiva y unos diseños muy vivos y coloristas, parece una muy buena apuesta de cara al mercado doméstico. De momento parece que se va a comienzos del 2012, y solo en Dvd, pero veremos a ver conforme se acerquen las fechas en que condiciones finales sale.

Trigun Badlands Rumble (Blu-Ray/Dvd). Tras bastantes años desde que finalizó la serie, llega una nueva película animada de Trigun, Es un caso parecido al de "Llamando a las puertas del cielo" de Cowboy bebop: Es una película cerrada que puede verse perfectamente de forma independiente, pero que será mucho mas disfrutada por quienes hayan visto la serie.

Adapta el manga del mismo nombre, realizado por el mismo autor original. Está muy bien animada por MADHOUSE y cuenta con un apartado visual acorde a los tiempos que corren. Dudo que decepcione a los seguidores de la serie (y por lo que se ve, en ciertos aspecto, es mejor que buena parte de los episodios de la misma).

Por lo demás, Selecta ha lanzado algunas reediciones de series ya editadas a lo largo del año, y anuncian alguna nueva, como es el caso de Serial Experiments Lain, o todo Death Note en un mismo pack, ambas en Dvd exclusivamente. También van a relanzar la serie de Mazinger Z Edición impacto en dos packs recopilatorios.

Están en negociaciones con varios títulos más, pero de momento no pueden decir gran cosa. Se habla bastante de Summer Wars (ojalá) y la nueva película de Full Metal Alchemist, pero no hay nada fijo. Esperemos que sean novedades que merezcan la pena.

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Para variar, bajo mínimos. Sigue editando la serie Dr. Slump satisfactoriamente en Dvd, en packs de 12 episodios. Todavía no han confirmado si las ventas han sido suficientes para seguir editando mas allá del volumen 4 (que es lo que tienen adquirido ahora mismo).

Desgraciadamente eso es lo único que está editando. Y no parece que vaya a cambiar el panorama en el futuro.

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No me lo esperaba en absoluto, pero Sony ha sorprendido a propios y extraños anunciando un par de largometrajes de animación japonesa. La segunda sale en principio en alquiler, pero lo normal sería que más adelante salga a la venta.

La leyenda del dragón milenario (Onigamiden), dirigida por Hirotsugu Kawasaki y animada por el estudio Pierrot, es una película de animación estrenada este mismísimo año en Japón. Narra la historia de un joven japonés que se ve transportado a la era Heian (siglo X) en medio de una enorme guerra.

Visualmente parece muy competente, y sus toques mitológicos son bastante atractivos. No he escuchado lo mismo sobre la historia en si, así queme mantengo un poco a la expectativa.

Primer Squadrón (First Squad) dirigida por Yoshiharu Asino, es una producción bastante peculiar. Está realizada por el prestigioso Studio 4ºC, en colaboración con el estudio Molot recién creado, resultando así en una co-producción entre Japón y Rusia.

La historia sigue a unos jóvenes soviéticos especiales durante la II Guerra Mundial, que son asignados a un nuevo grupo para combatir la invasión de las fuerzas alemanas. En medio se mete una historia de tintes sobrenaturales, con los Nazis haciendo complicados experimentos para tratar de devolver la vida a los soldados muertos.

La ambientación parece de primera, con temas algo extraños para ser una producción en parte japonesa (incluyendo algunas escenas en plan falso documental). Se llevó algunos premios en Rusia y lleva un tiempo dando vueltas por varios festivales con opiniones bastante positivas.

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Prácticamente nada. Han finalizado de editar en Dvd FateStay Night y reafirmado sus intenciones de editarla en Blu-ray, pero de momento sin fecha.

Para aquellos interesados en la edición en Dvd, lanzarán en breve un pack completo a precio reducido.

Supongo que deben seguir interesados en la película Unlimited Blade Works ambientada en el mismo universo.

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Sigue completando el panorama Ghibli en España. Si a finales del año pasado editaron Nausicaä del valle del viento en blu-ray, este año han hecho lo propio con la estupenda El castillo en el cielo.

En Enero publicarán la edición en Dvd/Blu-ray de Arrietty y el mundo de los diminutos. Y han vuelto a confirmar su intención de ir publicando más Blu-rays según vayan negociándolos con Japón.

Es interesante también que en alguna entrevista han reiterado que están interesados en cosas como El castillo de Cagliostro y La tumba de las luciérnagas, así que esperemos que las negociaciones acaben en buen puerto y podamos disfrutarlas al fin como se merecen.

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Esta pequeña compañía ha lanzado (o lanzará, no tengo muy claro cuando sale) un pack con la primera temporada de xxxHOLIC al precio de 29,95€ (previamente la había editado en dos packs). Es una editora que se suele obviar, pero ahí está.

La serie es una especie de spin-off/narración paralela (o algo así) de la serie Tsubasa: reservoir chronicle.Ambas están basadas en historias y diseños de las prestigiosas mangakas CLAMP (Card Captor Sakura, Clover,X,RG Veda, Tokyo Babylon,Wish, Kobato...).

La serie cuenta con una segunda temporada, una película y varios OVAS.

Arrietty y el mundo de los diminutos (Hiromasa Yonebayashi, 2010)

2011-10-26T20:52:00.001+02:00

Aurum sigue con su buena y sana costumbre de estrenar en salas españolas las nuevas producciones del prestigioso estudio Ghibli. El numero de copias fue bastante respetable (aunque no ha llegado a todas partes) y la película cuenta con un doblaje muy bien llevado, y se ha proyectado en digital, medio que garantiza una imagen nítida y fiel se vaya a la sesión que se vaya.

Hace ya bastante años, en 1995, Yoshifumi Kondo dirigió “Suspiros del corazón”, la primera película pensada para cines en la que el puesto de director era ocupado por alguien ajeno al tándem habitual (Miyazaki y Takahata). El resultado fue un rotundo éxito de crítica y público, Ghibli parecía tener un brillante futuro por delante… pero desgraciadamente murió un par de años después de un problema cerebral.

En los últimos años le han dado bastantes oportunidades a nuevos directores: Hiroyuki Morita con “Haru en el reino de los gatos” y Goro Miyazaki con la muy decepcionante “Cuentos de Terramar” (y la futura “From up on Poppy Hill”, que ha cosechado muy buenas críticas). Da igual lo que se haga, los zapatos de Hayao Miyazaki e Isao Takahata parece que siguen siendo muy difíciles de llenar.

Lo cual nos lleva al año 2010 y a Hiromasa Yonebayashi, un tipo con una trayectoria como animador muy buena (Serial Experiments Lain, La princesa Mononoke, Jin-roh, El viaje de Chihiro, Ponyo en el acantilado…) y que se ha convertido en el miembro más joven del estudio en dirigir una película, con 38 años. ¿Puede ser él uno de los que tomen el relevo generacional del estudio?

Antes de comenzar la crítica en sí, me parece justo comentar una cosa que me ha llamado poderosamente la atención. No se si ha sido por motivos publicitarios o no, pero lo cierto es que se oye casi más el nombre de Hayao Miyazaki que el de Yonebayashi. Miyazaki actuó en las primeras etapas del desarrollo como planificador del proyecto y como co-guionista (el otro autor es Keiko Niwa, otro habitual del estudio) basándose en la novela original de Mary Norton. Pero todo el peso real de la producción cayó en los hombros de Yonebayashi, que no solo dirigió la película, sino que se encargó de todos los storyboards y de dirigir personalmente la principal unidad de animación. Casi equivale, salvo en el aspecto del guión, al papel habitual que Hayao Miyazaki desempeña en sus propias películas. Creo conveniente entonces atribuir todos los méritos y deméritos del film a él, que ha cogido al toro por los cuernos y se ha implicado al 100%.

La acción sucede en los alrededores de una pintoresca casa de campo. Un joven llega en coche para pasar unos días tranquilo en ella, y en su primer día ve lo que parece ser una pequeña persona en el jardín. Debajo de la casa, tienen construida su vivienda una familia de “gente pequeña” (apenas 10 centímetros), que hacen pequeñas incursiones en la casa para tomar prestado aquello que necesitan. Por su tamaño y modo de vida, tratan por todos los medios de no ser vistos por los seres humanos. La hija de la familia, Arrietty, entra en contacto con el chico y empiezan a surgir diferentes problemas.

Acorde al tamaño de los personajes principales, la película opta por un estilo muy intimista, con muy pocos personajes y localizaciones. Al poco de arrancar seguiremos los pasos de la chica protagonista en su primera “incursión” nocturna en la vivienda de los humanos bajo la atenta mirada de su veterano padre, para tomar prestadas algunas cosas que les hacen falta. Se trata de una secuencia considerablemente larga, repleta de sentido de la maravilla (por parte de Arrietty) al ir descubriendo los cotidianos elementos que componen la casa. La dirección de esa secuencia en solitario merece un excepcional reconocimiento, por la gran sensación de escala que transmite y el ejemplar uso de la iluminación.

Hay también de fondo durante toda la película un tema que probablemente es más importante que lo que les sucede a los personajes: la supervivencia de toda una especie tan pequeña que debe vivir oculta para seguir adelante. Es una cuestión tan importante que dicta la dirección de todo el film, y esquiva así el caer en la sensiblería mas tontorrona tipo “todos somos iguales, vivamos en paz y harmonía” que tanto suele abundar en las películas destinadas a todos los públicos.

No creo que tenga problemas de ritmo, aunque me consta que suele gustar más la primera parte del metraje que la segunda. No ha sido mi caso. Son precisamente esos temas que se remarcan en la segunda parte los que más llamativos me resultaron, porque son más grandes que los propios personajes.

Sobre la calidad técnica no creo que haga falta a estas alturas repetir el consabido “El estilo artístico es impresionante” o “La calidad de la animación es admirable”, es el estudio Ghibli a fin de cuentas y cumple de sobra en esos apartados incluso en sus peores producciones. Un detalle a destacar es lo peculiar que se hace la banda sonora de Cecile Corbet (artista francesa de estilo muy pastoral) que no solo proporciona la atmosfera apropiada a la película, sino que le da un toque muy distintivo respecto al resto de la filmografía Ghibli, con mucha personalidad.

No se cuando volveremos a ver al señor Yonebayashi tras las cámaras, pero Ghibli tiene motivos de sobra para volver a confiar en él en el futuro.

Aurum ya ha anunciado su lanzamiento en DVD y Blu-ray para comienzos del próximo año (y mientras, relanza “El castillo en el cielo” en Blu-ray (esto lo comentaré en una próxima entrada de lanzamientos en formato doméstico, que hay bastantes cosillas interesantes).

JAPAN WAR 1945

2011-09-22T22:38:00.001+02:00

Entre los títulos que recientemente Glénat ha relanzado a precio reducido se encuentra “Japan War 1945”, realizado por Lazy Hagiwara. La información sobre el autor es escasa, incluso usando su nombre real “Reiji Hagiwara”. Si nos fiamos de la muy escasa información que viene en el propio tomo: tiene 44 años, desde joven es aficionado a montar y pintar maquetas de tanques, y está especializado en el genero bélico. También se cita otra obra suya: Tenshi dake ga tsubasa o motteiru (Solo los ángeles tienen alas).

El tomo está compuesto por dos historias diferentes, que no tienen ninguna relación entre si más allá de la época en que ocurren:

-”Between heaven and hell” Sobrevolando la capital imperial.

-“97 Overdrive” La estepa de Manchuria.

Tras cada historia vienen algunas páginas sobre su creación y datos técnicos de las máquinas de guerra que aparecen.

La primera de las narraciones se centra en la lucha aérea que los japoneses mantuvieron al final de la guerra contra los celebres B-29 (llamados “la Fortaleza Voladora”). Estos enormes aviones tenían el único propósito de arrojar un elevado número de bombas sobre la capital nipona, tratando de provocar el mayor número de destrozos posible (aunque con una precisión bastante baja). Los protagonistas despegan para interceptar y derribar ese tipo de aviones, pero sus recursos escasean y apenas les quedan un par de aviones Gekko (más pequeño, pero rápido y maniobrable). Cuando uno de los Gekko es derribado por un nuevo tipo de avión Americano, ampliamente superior al Gekko japonés, deberán ingeniárselas para poder hacerle frente.

Es una historia relativamente convencional, con un tono bastante agridulce. Las batallas aéreas están muy bien dibujadas y es muy fácil distinguir los modelos a aviones. En la parte dramática los personajes no acaban de tener demasiado interés, es un relato muy corto y da la sensación de que se hubiese beneficiado de algo más de longitud. La conclusión es buena, pero resulta algo brusca.

La segunda historia narra algo totalmente diferente. Ocurre en una localización que muchos occidentales tendemos a mirar muy por encima: Manchuria. Cuando la guerra daba sus últimos coletazos, el ejercito soviético atacó expulsando a los japoneses del territorio (y el alto mando Japonés acabó abandonando a un buen número de soldados). En medio de esa situación los protagonistas de la historia se encuentran casualmente en un cruce: un anarquista que da por perdida la guerra, un teniente que tuvo que abandonar su puesto de vigilancia, una enfermera militar y un par de soldados que se han hecho con un tanque soviético.

Contrariamente a lo que pasaba en la primera historia, en esta ocasión los personajes son muy interesantes y cada uno tiene una forma diferente de pensar y afrontar la situación. El anarquista solo está preocupado por rescatar a su chica y le importa poco luchar por su país, mientras el teniente se aferra a su honor como Japonés incluso sabiendo que la guerra está perdida. Es un grupo muy peculiar, pero tienen un propósito común que les hace cooperar.

En general Hagiwara dibuja bien, con formas muy redondeadas y un estilo que a ratos recuerda al habitual de los años 80. Está claro que su especialidad son los modelos mecánicos que usa en las historias, dibujados con un nivel de detalle bastante alto.

No es un gran cómic, en mi opinión. La primera historia tiene algunos problemas de ritmo y los personajes son bastante poco interesantes. La segunda es todo lo contrario, y es claramente la superior de las dos. El conjunto es una lectura agradable con dos historias “pequeñas” dentro de un conflicto mastodóntico, pero menos ambicioso quizá de lo que su titulo parecía indicar.

NOTA: Solo he empleado la portada española, y los datos que vienen en el propio tomo, porque la información que hay en la red sobre este cómic es ridículamente inexistente. Lamento que haya quedado una entrada tan poco visual, pero no he podido remediarlo.

RAY

2011-08-26T04:16:00.000+02:00

Glenat ha lanzado una nueva tanda de cómics a precios muy reducidos (probablemente para reducir Stock). Los títulos son los siguientes: King of Thorns, Sex, Ray, Missing Holiday, Calling You, Japan War y Lolita HR. Como es habitual cada volumen ha sido rebajado a 2,99€.
King of Thorn, Missing Holiday y Calling You ya los analicé en su debido momento y son cómics más que satisfactorios. Sin embargo he querido aprovechar esta nueva tirada para adquirir un par de títulos que llevaba tiempo queriendo leer. Ray es el primero de ellos.
Ray comenzó a publicarse en Japón en el 2003, escrito y dibujado por Akihito Yoshitomi. Puede a algunos les suene lejanamente el nombre, porque a España llegaron algunos números de su obra más celebre “Eat-Man”, la historia de un hombre con la habilidad de transformar objetos en armas. También ha sido autor de la saga Blue Drop y de una curiosa nueva versión del Black Jack de Osamu Tezuka.
Y precisamente con ese personaje arranca RAY. BJ (solo se dan las siglas, pero está muy claro quien es) salva a la protagonista de la historia, después de que una organización ilegal de tráfico de órganos le quitasen los ojos. Años después, RAY se ha convertido en médico ilegal que realiza todo tipo de operaciones por el precio adecuado, buscando a la organización que le robó sus ojos. Cuenta eso si con una habilidad única: sus ojos pueden ver a través de las cosas (de ahí también el título, podrían considerarse rayos X).
Antes de entrar en lo que tiene que ofrecer este cómic creo conveniente puntualizar una cosa: NO es un cómic médico realista o serio. Es algo más serio de lo habitual para una revista Shonen quizá, pero eso no quiere decir que tire por el camino de lo real. De hecho, tiene más en común con un thriller de acción, que con obras del estilo de Say hello to Black Jack o la propia Black Jack de Tezuka. Las operaciones duran muy poco, y la protagonista se ve involucrada en persecuciones y tiroteos constantemente.

El dibujo de Yoshitomi es muy limpio, con mucho blanco y negro, y un uso de tramas muy sencillo. Ya se notaba en Eat-Man y el paso del tiempo le ha sentado muy bien al autor. Los personajes son muy estilizados y las escenas de acción son muy dinámicas. Tengo especial debilidad por las portadas que ha realizado para cada tomo, con Ray en blanco y negro (y otro color) sobre una imagen collage de personajes que salen a todo color.
Cada tomo se estructura en diferentes capítulos con historias separadas, pero su muy medida duración (7 tomos) hace que en cada una de ellas la historia de fondo del personaje avance. Los dos primeros tomos introducen muchos personajes secundarios (algunos muy rocambolescos) mientras que el último par de tomos (6 y 7) son prácticamente una historia continuada que pone fin (y da respuestas) a la historia general.
Es muy fácil separar la historia en dos partes: el caso que estamos leyendo, y el hilo conductor de todos los capítulos en torno a la protagonista. Los primeros van desde interesantes (la mayoría) a algo ridículos (sobre todo en sus resoluciones), pero por otro lado, ese hilo conductor es sumamente interesante y está muy bien llevado. Es una obra bastante irregular hasta que mete la directa en los últimos tomos.
Seguramente otro problema de Ray es el tipo de público al que va dirigido. Al consumidor habitual de Shonen probablemente le parezca poco divertida y demasiado seria. Y el comprador de Seinen que espera algo “serio” se va a encontrar con premisas más alocadas de lo normal, muchas escenas de acción bastante exageradas y algunas chicas ligeritas de ropa de regalo.
No es un manga sobresaliente y para muchos no será ni notable, pero es muy entretenido de leer y en general merece la pena por su dibujo y su acertada historia de fondo. Una buena opción a esos 2,99€ que está ahora, siempre y cuando uno sepa lo que tiene que ofrecer.
Algo de información extra:

-El manga tuvo una continuación de un solo tomo llamada “Ray+”, que no ha sido publicado en España.

-Hubo adaptación animada, de 13 episodios de duración. Solo he podido ver el primer episodio, pero en principio parece una adaptación competente y bastante fiel.

Hellsing

2011-07-14T23:15:00.001+02:00

Hace unas pocas semanas Norma Editorial publicó el primer tomo de “Drifters”, el nuevo cómic de Kohta Hirano. Está claro que se publica porque su obra previa “Hellsing” tuvo bastante buena acogida en España desde que salió el primer tomo allá por el 2003.

Comenzó su andadura en Japón en 1997 en forma de one-shot subidito de tono, bajo el nombre de “The legend of the Vampire Hunter”. Tiene personajes con diferentes nombres y algunos diseños diferentes, pero la historia y estilo son prácticamente los mismos. Se publicó en la revista Seinen (para adultos jóvenes) Young King Ours, y unos meses después empezó el manga regular “Hellsing” prescindiendo de la parte erótica.

Yo compré el primer volumen en el Salón del Manga de Barcelona (2003) atraído por su historia de vampiros y su estilo visual. Han pasado bastante años hasta que la he completado porque Hirano es un autor bastante… lento. No digo “lento” en el sentido de “vago” como podría ser el caso de Kentaro Miura (Berserk) o Kazushi Hagiwara (Bastard). Hellsing sí ha ido saliendo de forma más o menos regular, lo que pasa es que su autor tarda mucho en dibujar, y como él mismo reconoce en los propios tomos, tuvo pocos ayudantes durante gran parte de su desarrollo. Con suerte publicaba un tomo al año, pero no era raro que pasase algo más de tiempo entre entregas.

Creo que está claro que hay dos cosas fundamentales que influyeron en la creación de este manga. Por un lado cuando empezó estaba reciente el aniversario de Drácula y había un cierto interés por el tema. Por otro lado el personaje principal parece un cruce entre Vash (Trigun) y D (Vampire Hunter D) a nivel estético. Lo de Vash no es casual, incluso hay alguna referencia al mismo dentro de Hellsing. También es fácil reconocer títulos de canciones, homenajes y referencias a películas…

La acción arranca en un pequeño pueblecito Inglés asediado por unas voraces criaturas que están matando a sus habitantes. Pronto queda claro que un vampíro había llegado y está provocando un efecto contagio. La policía, incapaz de hacer frente a una amenaza tan grande, llama a la “Sagrada Orden de Caballeros Protestantes” Hellsing, fundada mucho tiempo atrás por Abraham Van Helsing. La organización se encarga de buscar y erradicar los vampiros que suponen una amenaza para la raza humana y su principal arma es Alucard, un poderoso vampiro que lucha a su lado.

Seras Victoria por su parte, es una policía que se ve involucrada en la lucha y para sobrevivir “accede” a convertirse en vampiro y ponerse del lado de Alucard. A través de ella iremos viendo como funciona la organización y sus trabajos.

Los vampiros son autenticas bestias en este cómic. Se ven a sí mismos como seres superiores a los humanos y los usan para su propio provecho. Son depredadores… y Alucard es probablemente al mayor de todos. El hecho de que trabaje para una organización de humanos es cuanto menos intrigante, y una vez recibe ordenes se ve rápido que le gusta hacer las cosas a su estilo: directa y brutalmente. Y si de paso se puede burlar de lo inferiores que son todos lo que le rodean, lo hará riéndose como un loco.

Hellsing tiene un dibujo bastante estilizado repleto expresiones y gestos tremendamente exagerados. Es un cómic visceral y muy directo, las páginas están inundadas de negro y en las escenas de acción hay mas hemoglobina que bocadillos. La sensación que siempre me da es que su autor ha hecho lo que le ha dado la real gana, sin ningún tipo de complejo. Y conforme pasan los tomos la cosa no disminuye sino que el autor se suelta la melena cada vez más.

Las escenas de acción son furiosas y rápidas, y los personajes usan su poder todo lo que pueden. También sabe tener bastante sentido del humor, pero de tipo muy poco sutil. Bastante humor negro, rodeado de chistes bastante tontos, chuscos e infantiles, logra descolocar bastante cuando uno lo está leyendo. Una de las cosas que más me atrajo en su día es precisamente ese aire macarra que tiene, donde todo el mundo es un chulo sin remedio y donde casi todo vale.

El manga tiene bastantes puntos negativos. Aunque es muy disfrutable, es tan sumamente excesivo que por momentos se desequilibra bastante, sobre todo en los últimos tomos. Las escenas de acción se agrandan y alargan conforme avanza la historia y se nota que llegan a durar más de lo que deberían. Por otro lado el desarrollo de personajes ocurre sobre todo en los primeros tomos, y se quedan un poco en segundo plano hacia el final.

Sin embargo es tremendamente divertido. A ratos es una locura sin demasiada dirección, pero es esa apuesta por ofrecer un cómic tan desacomplejado y directo lo que hace que triunfe. La edición de Norma es mas que buena y está completa, es una compra muy recomendable si uno está interesado en este tipo de historias.

Hellsing: The Dawn

Esta precuela fue realizada por el propio Hirano tras acabar el manga principal. Desgraciadamente solo ha llegado a publicar 6 o 7 capítulos, y no ha llegado a calar demasiado. Ocurría durante la Segunda Guerra Mundial y seguía los pasos de Alucard y el mayordomo de la familia Hellsing durante la batalla.

Creo que no está recopilado de ninguna forma, y no se sí llegara a ser editado alguna vez. Hay rumores de que cuando acabe Hellsing Ultimate (Serie) podrían adaptarla a modo de Ovas o algo así. Pero no hay nada en firme.

Hellsing (Serie TV)

En 2001 la productora Gonzo (Last Exile, Blue Submarine nº 6, El conde de montecristo…) se lanzó a hacer una adaptación animada de 13 episodios. Por esas fechas había un problema serio: el manga llevaba solo unos tomos y seguía en curso. El resultado fue un anime que no fue demasiado fiel al material de origen, y con un apartado de animación bastante justito.

A diferencia de muchos otros aficionados yo si veo cosas interesantes y apreciables en esta serie. Tomaron la decisión de darle un tono mas serio a la historia, cosa que creo que le sienta bastante bien, y se aprecia más esfuerzo y tiempo a desarrollar los personajes. Pocas veces he visto una banda sonora tan adecuada al tono de la serie, oscilando entre el Jazz y la música electronica, da una atmosfera increíble. El opening me parece bastante memorable también.

El gran problema de la serie llega cuando pasan la mitad de los episodios y entra en una gran saga final (totalmente inventada) que se queda muy lejos de lo que pretendían conseguir. El malo no es especialmente memorable y algunos personajes quedan algo desdibujados. A pesar de de todo, como final no me parece que esté mal (para habérselo sacado de la manga) y quien solo vea la serie se quedará con una historia cerrada.

La editó Selecta Vision en España de forma más que competente, con un pack que recopila todos los episodios en 3 dvds. Yo la compré en su momento por 20 euros, precio más que adecuado.

Hellsing Ultimate (OVAS)

Planificada para ser una serie de 10 Ovas, Hellsing Ultimate empezó en el 2006, con el manga ya muy avanzado y con la idea de ser totalmente fieles al mismo. Al ser directos a video, el estudio encargado Satelight pretendía alcanzar unos niveles de producción inmensos, y tomarse el tiempo necesario para cada capítulo, de 50 minutos de duración.

Este mismo mes debería publicarse el 8º volumen en Japón, tras casi año y medio desde el 7º. Año tras año esta serie sigue acumulando retrasos y más retrasos en la publicación de entregas. Hasta ha cambiado el estudio encargado de la animación: de los 4 primeros se encargó Satelight, del 5 al 6 Madhouse, y de los siguientes Graphinica y Kelmadick.

A pesar de su accidentado desarrollo, hay que reconocer que el resultado es tremendamente vistoso. La animación es ampliamente superior a la serie de TV, y la historia no tiene relleno alguno, sigue fielmente el manga original. Incluso para la banda sonora se ha contado con una orquesta y coro que logra momentos absolutamente épicos (Aunque en general me suena más apropiada la de la serie de Tv).

En cambio, a gusto del que escribe, tienen algunos fallos que curiosamente no tenia la serie anterior. Los primeros capítulos parecen muy acelerados, como contados con prisa, y juraría que incluso se han dejado por el camino algún desarrollo de personaje. Se ve que tenían prisa por llegar a la parte no adaptada todavía. Han conservado el humor del manga, pero me temo que en pantalla queda bastante peor y por momentos lastra algunos episodios.

Es como si cada serie tuviese lo que le faltaba a la otra. Licencias vs Fidelidad, Animación justita vs animación por todo lo alto, desarrollo de personajes vs meterse rápido en la acción…

No ha sido editada en España y no se si llegará a estarlo algún día. Aún falta bastante tiempo hasta que acabe y en USA por ej creo que solo han sacado los 4 primeros. Va para largo, me temo.

Sword of the stranger (El samurái sin nombre)

2011-06-29T22:50:00.001+02:00

La película

Aunque solo nos llegan unas pocas películas de animación japonesa cada año, uno puede encontrarse con cosas muy interesantes. Sword of the Stranger ha estado ya unos cuantos años dando vueltas por festivales de todo tipo y llevándose críticas muy positivas por donde pasaba.

En la realización de la película está el estudio Bones, compañía algo irregular que suele dotar a sus producciones de un aspecto visual excelente: Eureka Seven, Scrapped Princess, Wolf’s Rain, RahXephon, Darker than black o FullMetal Alchemist son algunas de sus obras insignia. No es raro que produzcan alguna película de vez en cuando (Escaflowne, Cowboy Bebop, RahXephon…) pero salvo que me equivoque, esta que nos ocupa es su primera película no basada en una franquicia que ya tuviesen.

Fue un desarrollo muy largo, que empezó como una propuesta de los propios empleados al estudio. Masahiro Ando tenía la sensación de que últimamente se habían producido muy pocas películas de samuráis de calidad (es cierto que ha salido alguna serie de vez en cuando, pero de forma muy esporádica y no siempre con la suficiente calidad) y creyó que era un buen momento para intentarlo. Hasta entonces su carrera profesional incluía haberse ocupado de la animación de bastantes series y películas (incluyendo Ghost in the shell, Patlabor 2, Jin-Roh, Metropolis o Evangelion), y creyó que esta era la producción adecuada para dar el salto a la dirección.

Como el estudio no lo veía muy claro (los enfrentamientos a espada siempre han sido bastante difíciles de realizar en animación), durante varios meses Ando y un reducido equipo, realizaron un pequeño corto llamado “Oda a la espada sin señor” con una secuencia de acción acompañada de una narración en off. El piloto gustó y se dio luz verde al largometraje, que se estrenó en 2007 y ha sido ya publicado en montones de países desde entonces.

Si uno se fía de sus palabras, la intención era conseguir una película que por un lado mostrase cosas que en acción real serían muy complicadas, pero por otro tratar de que los personajes tuviesen peso y se moviesen de manera creíble. No hay enemigos con poderes extraordinarios, y aunque los personajes saltan más de lo normal, no son más exagerados de lo tolerable. Ese equilibro entre espectacularidad y “no caer en el ridículo” es posiblemente el gran logro de la película y lo que la distancia de otras muchas.

Los protagonistas son dos (tres si contamos al perro), un niño que intenta llegar a un templo porque hay un grupo de gente que le persigue, y un ronin (samurái sin señor) vagabundo. Siguiendo los pasos de otras películas clásicas, el vagabundo accede a escoltar al chaval hasta su destino a cambio de una pieza de gran valor. En la historia de estos dos personajes, intervienen además muchos otros, desde un grupo de Chinos enviados por su emperador para no se sabe muy bien qué, el gobierno japonés que desconfía de las intenciones de los Chinos, o uno de los miembros del ejercito japonés más importantes, con aspiraciones mucho mayores. La narración va saltado de unos personajes a otros con mucha agilidad, y aunque hay un par que quizá tienen menos tiempo del que necesitarían, el resultado es muy rico y variado. Es difícil encontrar películas tan enfocadas a la acción, y que no descuiden estos otros aspectos.

Como ya dije antes, siendo el estudio Bones uno puede esperar un aspecto visual magnífico. Los fondos tienen un aspecto totalmente artesanal, muy clásico y natural, y la decisión de que todo se ambiente en Otoño le da un look muy distintivo a todo, con colores más apagados que en otras producciones, y tonalidades con verdes oscuros y marrones. Los diseños de personajes no son un portento, pero son muy diferentes entre sí, y gozan de una expresividad muy buena. Y la animación… va desde “muy buena” en las escenas más pausadas (donde brillan más los fondos) hasta “impresionante” en las secuencias de acción. No creo exagerar si digo que tiene alguna de las mejores peleas a espada que he visto en mucho tiempo: rápidas, vibrantes y muy dinámicas.

No puedo evitar mencionar a otro de los grandes nombres que hay en la película: Naoki Sato. Me dejó tremendamente sorprendido hace ya unos años con la estupenda banda sonora que compuso para la serie Eureka Seven. Entre otras cosas ha realizado la música para X (tanto la Ova como la serie de Tv), Heroic Age, o la película para Tv de Hiroshima. En el caso de Sword of the stranger, ha optado por una composición totalmente sinfónica, repleta de momentos evocadores y épicos. Probablemente por no haber usado instrumentos tradicionales japoneses, el resultado a veces suena un poco a medio caballo entre la música de películas como Braveheart, combinado con un lirismo mucho más asiático.

Desde luego cualquier aficionado al que le guste mínimamente este estilo de película, encontrará pocas mejores. Funciona como película de acción pura y dura, funciona como película de personajes, y es en todo momento entretenida. Absolutamente recomendable.

La edición española

Originalmente fue publicada a principios del 2010 por Selecta-Visión, en tres ediciones diferentes:

-Edición en Dvd simple, que solo incluye la película y algunas fichas.

-Edición en Dvd doble. El segundo Dvd incluye el cortometraje “Oda a la espada sin señor” que mencioné arriba, un par de “entrevistas” (que en realidad son un largo making off detallando el proceso de creación de la película), y los trailers originales del estreno.

-Edición en Blu-ray. Que incluye los mismos extras que la anterior. Tanto película como extras van a 1080P.

Como algunos sabrán Selecta-Visión cambió de distribuidor, así que ya no se pueden encontrar en comercios normales. No obstante, la volverán a lanzar el próximo 12 de Julio en una edición combo (Blu-ray + Dvd) que seguramente sea igual que las anteriores. El precio es de 19,95€.

La edición que yo he analizado es la lanzada en formato Blu-Ray. Se nota enormemente que es una producción muy actual y que está perfectamente planificada para este tipo de formato. La calidad de imagen es cristalina, perfectamente nítida hasta en las complicadas escenas de acción, sin ningún tipo de defecto visible y con un detalle muy bueno.

El menú es sencillo y directo, sin alardes, pero fácilmente navegable. Y se incluye doblaje español, el japonés original, el doblaje al Catalán, al Francés y al Ingles, además de los imprescindibles subtítulos.

En términos de ediciones de anime en España me parece modélica, y la verdad, no se me ocurren pegas… ojalá futuras ediciones mantengan este nivel.

Un vistazo a One Piece

2011-05-31T23:31:00.000+02:00

En agosto de 1997, en la revista semanal Shonen Jump apareció el primer capitulo de “One Piece”. En Febrero de 2011 su tomo recopilatorio número 61 vendió 3.8 millones de unidades en su primera tirada, la mayor de la historia, batiendo records que ya tenía el propio cómic con tomos anteriores. El total supera ya los 235 millones de unidades, superando a Dragon Ball y convirtiéndose en el manga más vendido de todos los tiempos. La clave de todas estas cifras es que 61 tomos y 14 años después… One Piece sigue logrando nuevos lectores.

Sobre su autor, Eiichiro Oda no hay demasiado que decir. Es un declarado fan de la obra de Akira Toriyama (creció leyéndola y por eso quiso ser mangaka) y de “Vicky el vikingo”. A los 17 años realizó “Wanted!” con la que ganó bastantes premios juveniles, y con 19 entró a trabajar como ayudante de Nobuhiro Watsuki en la popular Rurouni Kenshin. Otro nuevo cómic corto de piratas “Romance Dawn” le dio la oportunidad de publicar el primer capítulo de One Piece (ambos tienen en común varios personajes principales). Popular desde el mismo primer capítulo, One Piece se ha convertido ya en todo un clásico reconocido por toda la población nipona, a pesar de estar lejos de terminar.

Las influencias del Toriyama de Dr. Slump o toda la primera parte de Dragon Ball se notan mucho. One piece es una serie con unas dosis de humor bastantes más elevadas de los normal en los Shonen de hoy en día, y su mundo está repleto de entornos naturales con todo tipo de estrafalarias criaturas. Puede que sea un cómic juvenil de acción… pero lo que más prima es el humor y la aventura, y seguramente es ese tono vitalista y alegre lo que lo separa de otras obras más propensas a tomarse demasiado en serio a ellas mismas.

La acción transcurre en un mundo poblado por mares e islas, con un progreso tecnológico algo variable (varía un poco según la isla), y donde los piratas y la Marina tienen un papel principal. Años atrás, el gran pirata Gold Roger fue ejecutado públicamente, pero poco antes de morir gritó al mundo que había dejado un gran tesoro, y que sería para quien lo encontrase. De dicho tesoro, el One Piece, pronto se dijo que quien lo consiguiese se convertiría en el nuevo rey de los piratas, y toda una nueva generación de piratas se hicieron a la mar en su búsqueda. Resumiendo: mundo con islas, y piratas a la búsqueda de un gran tesoro… algo más o menos típico pero que no se había aplicado aún al manga Shonen (juvenil) de toda al vida.

El protagonista de la historia, Monkey D. Luffy, es un chaval que por error se come una “Fruta del Diablo”, concretamente la de Goma Goma, lo que le permite estirar su cuerpo a voluntad. No es el tipo de personaje que se piensa las cosas demasiado, y tiene decidido convertirse en un pirata, reunir una tripulación y recorrer los mares para encontrar el One Piece. Por supuesto, a lo largo del camino irá pasando por muchas islas, conociendo muchos otros personajes y añadiendo alguno de ellos a su tripulación de vez en cuando.

Aunque se trata de una serie con peleas, es bastante curioso como la mayoría de personajes principales no son especialmente musculosos. Se centra más en las características y habilidades individuales que en la fuerza en general (si, lo digo mirando de reojo a Bola de Dragón Z). Pero por encima del aspecto pugilístico de los personajes… están sus personalidades y la forma en que interactúan entre ellos, provocando continuamente situaciones hilarantes (incluso al encontrarse delante de enemigos poderosos).

Todo barco pirata requiere un cocinero, un navegante, un capitán, un médico o un carpintero, por citar trabajos que suelen ser necesarios. Los “amigos” de Luffy en muchas ocasiones serán además piezas clave en la dinámica de grupo. De hecho, aunque es muy bienintencionado y simpático, es habitual que sus ansias de aventura sean mayores que su capacidad para pensar realmente lo que está haciendo, y es todo ese grupo de personajes que se forma a su alrededor los que le controlan/apoyan.

En la parte inicial del manga, el autor suele dedicar una saga de unos pocos tomos a cada personaje, presentándolos y mostrando las razones que les llevan a unirse a Luffy. Creo que el argumento está ya lo suficientemente tocado para que no haga falta entrar en cada personaje en concreto, más que nada porque es difícil empezar a nombrar personajes sin entrar en Spoilers. Una de las grandezas de One Piece es precisamente como saga a saga se va ampliando el plantel de personajes (principales y secundarios) y Oda es capaz de manejarlos a todos de manera admirable. No es el tipo de autor que saca personajes y luego los abandona, sino que con el paso del tiempo suele retomarlos para que el lector sepa que ha sido de ellos, y el uso de Flashbacks es habitual.

Otra de las cosas que han hecho destacar a One Piece, además de la temática piratil, su estilo desenfadado y vitalista, y sus carismáticos personajes, es sin duda su estilo de dibujo. Los personajes los realiza de una forma muy variada, con rasgos muy distintivos entre ellos siempre, y con exageraciones y licencias por todos los lados: personajes de medio metro de altura frente a personajes de más de 3, gigantes, piratas con aspecto de payaso, o individuos poco proporcionados… prácticamente todo tiene cabida, Oda es capaz de “estirar” su estilo hasta niveles absurdos.

Y no menos llamativos son los entornos. Cada isla que visitan, cada ciudad por la que pasan, tiene su propia flora/fauna y estilo. Son muy habituales las poblaciones relativamente pequeñas, rodeadas de naturaleza y animales extravagantes, y es normal que la historia refleje sus pasados y costumbres. Con la idea de hacer un cómic marino que funciona a base de exploración e islas, el autor ha encontrado la excusa perfecta para realizar sagas completas en torno a una localización, cosa que en otros cómics resulta constantemente forzado.

Desde que empezó One piece muchos otros Shonen han salido al mercado japonés, y la mayoría ya ha caído mientras One Piece sigue creciendo. De hecho hasta está surgiendo ya una nueva generación de cómics de este tipo, y dudo que nadie espere que alguno de ellos llegue a estos niveles, durante 14 años ha sido EL cómic… y parece que va a ser un reinado mucho más duradero aún.

Ediciones en España

-Comic book (grapa): Planeta intentó publicarla hace ya bastantes años, en formato cómic book y fracasó. Desde luego no se trataba del formato adecuado, y el papel era horrendo. En cada número apenas cabía un capítulo, y solo se llegó a publicar la parte correspondiente al primer tomo. Recuerdo que yo compré la primera entrega, y aunque me agradó, el tipo de formato me echó para atrás.

-Tankoubon (Tomo estilo japonés): Afortunadamente Planeta le volvió a dar otra oportunidad, esta vez en un formato adecuado para una obra de larga duración como esta, y actualmente se sigue publicando (bastante cerca de la edición japonesa) a un precio de 6.95€. Aunque el precio es más que aceptable, las críticas sobre su poca robustez y su papel de calidad mediocre han sido habituales. En mi opinión la edición es bastante correcta, no tanto como algunas colecciones shonen de Norma editorial o Glenat, pero en ningún caso desaconsejable.

- Wanted!: Recopilación de historias cortas (Tankoubon): Este mismo año Planeta ha editado un tomo especial, que recopila las historias cortas que realizó Oda antes de ponerse con One Piece. Aunque obviamente no tienen la elaboración ni el refinado dibujo que alcanzó luego, son un muestra inmejorable se su estilo de humor, y constantemente está presentado personajes y elementos que luego aparecieron en One Piece. Junto con la serie regular completa toda la producción de historias de su autor. El tomo cuesta 7.95€ y es único.

No editados en España

-Data Books: Son libros repletos de datos, fichas de personajes y resúmenes de lo ocurrido en el manga (a veces completando algún pequeño trasfondo). A día de hoy en Japón se han publicado 4 (Red, Blue, Yellow, Green) y Planeta ya ha dicho varias veces que no descartan publicarlos. Con todo, no tendría más esperanzas de las justas.

-Art Books: Cinco Art books han sido publicados en Japón, recopilando las ilustraciones originales de Oda: Color Walk 1, Color Walk 2, Color Walk 3 – Lion, Eagle y Shark.

-De manera especial, también hubo una pequeña historia cross-over entre One Piece y Dragon Ball. Es una pequeña tontería pero simboliza muy bien hasta donde está llegando la repercusión de este manga.

El anime

-Ova de 1998: Seguramente como una forma de tantear el terreno, se lanzó esta sencilla OVA de corta duración, y con una historia creada desde 0. No tenía ni presentación de personajes y quedaba como una simple aventurilla sin mayor repercusión. A diferencia de la serie de TV posterior, estuvo animada por Production I.G.

-Serie de TV: En 1999 se empezó a emitir esta adaptación del manga, realizada por parte de la Toei Animation, prolífica y clásica compañía que ha adaptado desde Mazinger Z o Dragon ball, hasta la más recientes Toriko o Digimon. Actualmente sigue en antena, con gran éxito, y ya ha sobrepasado los 500 episodios emitidos.

La banda sonora es competente (aunque la llevan reciclando casi desde el principio), usa unos muy buenos dobladores y como es habitual en estas producciones tan largas, la animación oscila entre lo muy aceptable y lo terrible. También como suele ser habitual, cada X capítulos suele haber alguna saga de relleno (inventada) para dar margen al manga y poder seguir sacando un capítulo semanal.

En Estados Unidos ha pasado tristemente a la historia como uno de los trabajos de censura y alteración mas infames, en lo que a series de animación japonesa se refiere: Cambiando cigarrillos por piruletas, dándole aspecto de juguete a las armas (con colorines) o eliminando secuencias enteras y cambiando los openings/endings. Afortunadamente para el público americano, la compañía que realizó esa barbaridad (4Kids), perdió los derechos y ahora pueden seguirla en condiciones más normales.

Aquí en España ha sido emitida por varias cadenas, y actualmente se puede seguir a través del canal Boing, especializado en series de animación. Desgraciadamente se trata de una versión censurada (de forma bastante poco disimulada, pero mucho más tolerable que la Americana original), y cuenta con un doblaje con pocas voces y algunas decisiones discutibles en la traducción.

-Películas: Un total de diez películas han sido emitidas en los cines nipones desde que empezó la serie. Normalmente son historias autoconclusivas con poca o ninguna relevancia en la historia canónica. Son mucho mejores técnicamente que serie de Tv (es lo esperable), pero no todas tienen historias especialmente interesantes.

La tendencia cambio tras la película numero 7. La 8ª es una adaptación de una importante saga del Manga/Anime, resumida en 2 horas. Repitieron la misma jugada en la 9ª. Aunque el ritmo se hace algo extraño, no están mal, y toda la animación está hecha desde cero.

Con la 10ª película hubo una sorpresa, ya que el propio autor del manga se metió en la producción y colaboró en la historia, cuadrándola dentro de la cronología del anime. La película fue un éxito enorme en cines.

Merchandising

-Videojuegos: Cosa también habitual en estas cosas. A lo largo de los años han sido bastantes, y de géneros variados: lucha, plataformas, tipo juego de mesa, aventuras… y curiosamente han salido de Japón un numero respetable de ellos. No voy a extenderme sobre los que hay o deja de haber, pero hay entregas en cada generación de consolas.

-Discos, novelas, libros de arte de la serie, figuras de todo tipo, peluches… Tratándose de One Piece la pregunta sería: ¿Qué tipo de Merchandising NO tiene?

Y todo lo que añadiese ahora sería redundante, me parece. He dado mi opinión sobre los que creo que son puntos clave de esta monumental saga, y he resumido un poco el tipo de material que hay disponible. Recorrer los centros comerciales de Tokyo equivale a ver One Piece representado en todas partes. Las ventas que acarrea han provocado que todo Japonés lo conozca y muchos lo sigan (incluso adultos no aficionados habitualmente al cómic). Semejante poder de atracción está solo en poder de unos pocos cómics que surgen muy de vez en cuando, y One Piece parece destinado a ocupar una posición inalcanzable incluso para auténticos clásicos del pasado.

Estrenos de Anime Primavera/Verano/Otoño/Invierno 2010

2011-05-07T23:30:00.003+02:00

Si, prácticamente un año entero de animes. Creo que es bueno explicar porqué no he ido temporada a temporada: Cada una por separado apenas daba 3 o 4 series dignas de mención, y hoy en día todo el mundo tiene acceso a las series que se estrenan en cada época con solo buscar en google “Estrenos anime” + la estación en cuestión.

En este post voy a destacar 3 o 4 animes de cada temporada. Y no voy a mentir, fue un año MUY flojo, tanto… que se quitaban un poco las ganas de escribir nada. Estoy incluyendo alguna cosa que ha tenido bastante éxito aunque no me hayan convencido realmente, y de momento excluyo esta temporada de primavera que acaba de empezar, ya que no he tenido tiempo de revisarla en condiciones aún (pero parece bastante decente).

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Angel Beats

Con la gente de Key detrás (Kanon, Clannad, Air) se presentaba esta serie como una de las grandes promesas del año.

El protagonista se despierta en medio de un instituto, y se entera de que ha muerto y esta en una especie de purgatorio donde para sobrevivir deben enfrentarse a un ángel. Capitulo tras capitulo veremos a esta agrupación de estudiantes luchar por seguir siendo ellos mismos.

Personajes atractivos, un gran sentido del humor, buena animación y una gran banda sonora deslumbraban en sus primeros episodios. Desgraciadamente se queda corta, muchos personajes quedan sin desarrollar y las “explicaciones” se quedan a medio gas. Una pena que no llegase a explotar su potencial.

Tatami Galaxy (Yojōhan Shinwa Taikei)

La nueva maravilla de Masaaki Yuasa (Kaiba, Mindgame), conserva todo su estilo habitual: diseños un tanto estrafalarios, un ritmo demencial, y saltos narrativos por doquier.

La serie sigue a un adolescente y como evoluciona su vida según las decisiones que tomó en el instituto, presentándonos una serie de “universos alternativos”. De lo mejorcito del año sin duda, vibrante y colorida.

Arakawa under the bridge

Un hombre de negocios es salvado de morir por una indigente que vive bajo un puente. Sus principios le impiden estar en deuda con alguien, así que accede a hacer algo a cambio de ella. El problema es que ella decide que lo que quiere es que él se enamore de ella, así que le obliga a irse a vivir con ella bajo el puente. La vida allí es más viva de lo que parece, y se topará con vecinos cada vez más extraños que parecen haberle dado la espalda al mundo real.

Es una serie muy divertida, repleta de personajes pintorescos, y que se termina rápido. Muy agradable.

House of five leaves (Sarai-ya Goyou)

Sigue los pasos de un tímido Ronin, experto espadachín, pero que siempre acaba despedido. Al comienzo de la serie se plantea aceptar un trabajo como guardaespaldas del misterioso grupo de “las cinco hojas”.

Con un estilo visual bastante peculiar, esta pequeña serie de 12 episodios aporta un punto de vista sobre la época medieval japonesa bastante interesante. Recomendable.

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Shi Ki

Es una serie de terror/misterio sobre las sucesivas muertes que se van produciendo en una pequeña localidad, bastante aislada del mundo exterior.

No puedo opinar con fundamente ya que aún estoy pendiente de verla entera, pero el primer par de episodios han sido de muy buena calidad, y la ambientación es espectacular. Espero que no defraude más adelante.

Highschool of the dead

Adaptación del popular cómic de zombis (y señoritas pechugonas, también). La historia… pues bueno: estudiantes y zombis… supongo que el título no prometía nada más.

En su favor hay que decir que tiene un nivel de producción bastante bueno, y ha tenido un público bastante entusiasta. Pero es el típico producto solo apto para aficionados a los muertos vivientes más o menos típicos, y a toneladas de fanservice.

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Shinryaku! Ika Musume

Es una simpática serie de humor, donde una chica-calamar llamada Ika Musume jura que dominará el mundo, aunque tendrá que posponerlo debido a los destrozos que causa en un restaurante.

Es sencilla, directa y muy agradable. Los chistes no siempre funcionan y algunos personajes son algo típicos, pero cuando funciona bien es de las mejores comedias del año.

My little sister can’t be this cute (Ore no Imōto ga Konna ni Kawaii Wake ga Nai)

Uno de los fenómenos del 2010. Un tópico de los videojuegos de citas japoneses suele ser el poder elegir quedarte con la hermana del protagonista, aunque suene (y sea) bastante discutible.

La serie coge esa temática y le da la vuelta: el protagonista es un estudiante normal y su hermana está enganchada a ese tipo de juegos. Episodio tras episodio veremos como va arrastrando a su hermano a ese mundillo “otaku”, siempre con mucho sentido del humor, generalmente auto-referencial con el propio mundillo. Funciona bastante bien, la verdad.

Panty & Stocking with Garterbelt

Una de las propuestas arriesgadas, obra de Hiroyuki Imaishi (Flcl, Dead leaves, Tengen toppa gurren lagann) apostaba por un estilo visual reminiscente de cartoons americanos tipo Cartoon Network.

Sigue los pasos de dos ángeles que se dedican a exterminar fantasmas y demonios. Panty es un ángel liberal que siempre va buscando sexo y usa como arma sus bragas. Stocking por su parte, es una apasionada de los dulces, es un poco gótica, usa de arma sus medias.

Visualmente es arrebatadora y tiene un ritmo endiablado, pero su obsceno y chabacano sentido del humor son en cierta forma su talón de aquiles. A veces parece como si los guiones estuviesen escritos por chavales de 14 años mientras se toman unas cervezas. Reconozco que yo no pasé del episodio 4.

Kuragehime (Jellyfish Princess)

Realizada para el programa Noitamina donde se suelen emitir productos de tono más adulto del habitual, es una serie corta (11 eps) sobre un edificio habitado por mujeres otaku. La protagonista adora las medusas, y acoge en su apartamento a un hombre (travestido. el edificio es solo para mujeres) que le ayuda a rescatar una medusa.

Y así continúa la serie, con las vivencias de sus pintorescos personajes y un tono muy agradable. Sigo agradeciendo mucho el tono inteligente y maduro que suele tener Noitamina.

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Puella Magi Madoka Magica (Mahou Shoujo Madoka Magica)

De esta hablaré en profundidad en breve, pero surgió como un proyecto repleto de nombres importantes, y se ha convertido en todo un fenómeno. Tome de referencia un género tan manido como las “magical girls” y le da una vuelta completa.

Fractale

Para mi ha sido uno de los mayores errores de los últimos años. Tiene una gran premisa y es preciosa estéticamente, pero ha sido incapaz de estar a la altura de sus propias promesas. Narra como un chico parte a la búsqueda de una misteriosa chica que desapareció dejando un colgante.

La idea de fondo es buena, pues representa un mundo de ciencia ficción utópico que gira en torno al “Sistema fractale” compuesto por un numero demencial de ordenadores y donde el contacto entre seres humanos hace tiempo que dejó de ser lo que era.

Su gran problema, como digo, es que tras unos primeros episodios que prometen mucho, acaba cayendo en clichés, fanservice (¿porqué en una serie así? Es inexplicable) y las respuesta que da a interesantes premisas son tan pueriles y a veces incoherentes que derrumban todo el conjunto. El haber modificado su aspecto visual respecto al manga, para asemejarse a un estilo casi Ghibli tampoco es un acierto, porque hace que el resultado sea mas decepcionante aún.

Level E

Adaptación del manga de ciencia ficción de Yoshihiro Tohashi, publicado en su día en España por la editorial Planeta. Es una curiosa historia de un príncipe de otro planeta que disfruta usando su inteligencia superior para atormentar a los que le rodean.

Es difícil de clasificar, pero tiene un aspecto visual muy distintivo, es una historia que empieza y acaba en 13 episodios (solo hubo 3 tomos del manga) y que oscila entre la ciencia ficción y la comedia sin ningún tipo de complejo.

Wandering Son (Hourou Musuko)

Es una serie un tanto polémica, porque sigue las vivencias de un joven estudiante que quiere ser mujer y acostumbra incluso a vestirse como tal llegado un momento. Capitulo a capitulo iremos viendo sus dudas y su relación con una compañera de aspecto y actitud muy masculina. Vamos que si, va fundamentalmente de dos adolescentes con problemas de identidad sexual.

No puedo decir que sea una serie que me interese demasiado, pero está realizada con muy buen gusto, y esquiva de manera bastante hábil el chiste fácil o el fanservice gratuito. Por contra, la imagen de los personajes no siempre parece casar con el tipo de frases que ponen en su boca, y los momentos sentimentales muchas veces no acaban de quedar demasiado creíbles (quizás por la edad de los personajes). Desde luego no es una serie que pueda interesar a todo el mundo.

Osamu Dezaki (1943-2011)

2011-04-22T20:38:00.002+02:00

El pasado día 17 murió el gran Osamu Dezaki a la edad de 67 años de un cáncer pulmonar. Es probable que a día de hoy el aficionado al Anime más joven ni le conozca, pero su trayectoria es incomensurable y ha sido por mucho tiempo uno de mis directores favoritos.

En 1963 fue uno de los muchos jóvenes que entró a formar parte de Mushi productions (la productora de animación de Osamu Tezuka) y trabajó en labores muy diversas en series como Astroboy o Dororo.

En 1970 pasó a las labores de dirección en su primera serie: Ashita no Joe (Joe del mañana), probablemente la más célebre serie de animación de boxeo que se ha hecho en Japón, basada en el manga de Asao Takamori y Tetsuya Chiba. La serie ya contiene todo ese estilo visual tan personal que caracterizaba todo lo que dirigía: imágenes divididas, ilustraciones estáticas para resaltar momentos cumbres, o efectos de sonido de relámpagos en momentos impactantes. Dezaki además escribió la serie, que finalizó tras 79 episodios.

A partir de ahí la lista de sus trabajos es absolutamente demencial. Dejo una lista de sus obras más importantes.

Serie TV - Aim for the ace! 1973 (Raqueta de oro, en Español), así como su película, y unas ovas a finales de los 80, fue una de esas series que tuvo éxito en Europa, aunque nos llegó algo más tarde.

Serie TV - Gamba no Boken 1975 (Las aventuras de Gamba)

Serie TV – Remi: sin familia 1977, adaptación de la novela de Hector Malot.

Serie TV -Takarajima 1978 (La isla del tesoro), adaptación de la novela de Stevenson que fue emitida por Europa. 25 episodios.

Series TV/Película - Space Adventure Cobra 1982, tanto la película como la serie de 31 episodios, que adaptaban la obra original de Buichi Terasawa.

Película / Ova - Golgo 13: El profesional 1983/ Golgo 13: Queen Bee, dos adaptaciones del mítico cómic de Takao Saito, que llegaron con la primera gran oledada de Anime a occidente de la mano de Akira y similares en los 80.

Serie Tv - Orbots 1984, una corta serie de mechas de solo 13 episodios.

Ova - One Pound Gospel 1988, adaptación del popular manga de Rumiko Takahashi sobre la relación entre un boxeador y una monja.

Serie Tv - Oniisama e 1991, adaptación de un celebre manga de Riyoko Ikeda (La rosa de Versalles), que también tuvo presencia en occidente.

Ova / Película - Black Jack 1993… hasta 2000. Una serie de 10 ovas, más una película publicada en el 2005, adaptando el inmortal personaje de Osamu Tezuka. Posiblemente lo mejor que se ha hecho con el personaje y una de las cumbres del estilo de Dezaki.

Serie TV - In the beginning… (Historias de la biblia) 1997, adaptación del antiguo testamento, que había sido planificada originalmente por Osamu Tezuka y que tuvo distribución europea.

Serie Tv - Hakugei: Legend of the Moby Dick 1997, una estupenda adaptación de la historia de Moby Dick, ambientada en el espacio.

Peliculas - Hamtaro: Películas 1-4, del 2001 al 2004.

Serie Tv -The snow Queen (La reina de las nieves) 2005, adaptación del clásico cuento de hadas de Andersen.

Peliculas - Air 2005 / Clannad 2007, dos películas adaptando las historias de dos populares juegos de Pc. Ambas tuvieron también adaptaciones en forma de Serie por parte de Kyoto Animation.

Serie Tv - Genji Monogatari Sennenki 2009, su última serie, adaptado el que es posiblemente el mayor clásico de la literatura clásica japonesa.

También dirigió 5 especiales de TV de Lupin III, en diferentes años.

Como se puede ver, una carrera larga, plagada de grandes series y películas, y todo ello siempre hecho con un gran sentido narrativo y personalidad. En cuanto uno ha visto varias de sus series, identifica perfectamente su estilo y lo reconoce haga lo que haga.

Descanse en paz uno de los grandes, que desgraciadamente no ha gozado en occidente del reconocimiento que seguramente merecía.

Actualizando el Blog

2011-02-16T19:53:00.004+01:00

Pues gracias al comentario de uno de los lectores del Blog, me he dado cuenta de lo anticuado y erróneo del aspecto que tenía el blog.

Lo creé ya hace años y el aspecto visual era lo que menos me interesaba. Como actualizo a través de un programa externo, no había reparado todavía en lo necesaria que era una pequeña actualización.

El fondo negro con letras blancas, podía resultar molesto a algunas personas, así que he añadido un pequeño fondo gris oscuro en la zona del texto, y he puesto las fuentes de un color gris muy claro, para que el contraste no sea tan exagerado como antes. Como se puede ver, sigue teniendo una linea muy parecida al antiguo diseño, pero a la vez es más agradable a la vista. Aunque alguno no notará la diferencia si lee el blog mediante RSS.

Y sobre actualizaciones de contenido: El tema de novedades de manga en España está exageradamente parado, recurriré a algún comentario de series antiguas, pero ya digo que el panorama es un poco triste. Sobre Anime si que tengo preparadas unas cuantas críticas.

Espero que guste el nuevo diseño. Nos leemos ne breve.

Anime en Blu-ray, ediciones en España

2011-01-31T23:28:00.001+01:00

El año 2010 ha sido uno con bastantes cambios. Por un lado hemos tenido los problemas editoriales que muchos ya conocen, con un numero de tomos y novedades muy inferiores a los de otros años, y por otro la oferta de anime seguía un poco a medio gas, aguantando gracias a Selecta-Visión, Aurum (Ghibli) y en muy menor medida, Anime Project.

Pero en general, animación aparte, ha sido el año de la consolidación evidente del formato Blu-Ray. Por un lado reproductores a precios asequibles (inferiores a 100€ ya hay unos cuantos, y en determinadas ofertas incluyendo una buena cantidad de títulos) y por el otro todas las novedades importantes, y algunos clásicos, ya están siendo editados a la vez que en dvd. Una idea que está proliferando bastante es el incluir la versión en dvd, como añadido en la edición en blu-ray, fomentando así que muchos aficionados al dvd puedan ir adelantando terreno incluso antes de la compra de un reproductor. En Japón sin ir más lejos, el mercado blu-ray ya mueve más unidades que el del Dvd, si bien es cierto que allí se adaptan a los nuevos formatos con una rapidez envidiable.

¿Y esto se ha notado en nuestro mercado de Anime? Pues contrariamente a lo que yo pensaba, rotundamente si. Selecta-visión sobre todo se ha puesto las pilas y ha editado bastante material, a veces incluso antes que en el resto de Europa, cosa bastante sorprendente.

Por parte de Aurum tenemos lo poco que se puede sacar de Ghibli ahora mismo en Blu-Ray: Ponyo en el acantilado, y Nausicaä del valle del viento. La más reciente y la primera película del estudio Ghibli (a falta de que nos llegue Arrietty). Ambos cuentan con una calidad de imagen espectacular, especialmente Ponyo, y están al mismo nivel que otras ediciones que hay en otros países. Ponyo se pudo comprar durante un par de meses a 11,95€ en la Fnac, pero hoy en día están al precio oficial (aunque estamos en periodo de rebajas y salen más baratos, claro) de 20€ y 25€ respectivamente.

En Japón han empezado a sacar el resto de películas en el nuevo formato, así que es de esperar que vayan llegando poco a poco. Eso si, no llevan un ritmo muy alto, y solo van a sacar unas pocas cada año.

Por parte de Sony, y editadas ya hace un tiempecito, Paprika (del gran Satoshi Kon) y Tekkokinkreet, también a precios similares. Anime project ya ha indicado que editará Fate/Stay night en blu-ray tarde o temprano, porque tienen los derechos. Y Warner tiene ediciones de Animatrix y de Batman: Guardián de Gotham.

Lo cual nos deja con Selecta. Voy a enumerar así por encima lo que ha ido publicando para tenerlo más o menos claro:

Serie TV -Saint Seiya: Lost Canvas –> Recién salida en Japón, Selecta la ha editado a la velocidad del rayo en 3 blu-rays.

Serie TV -Mazinger Z (la serie moderna del 2009) –> Editada en 6 blu-rays individuales, uan vez más, empezó a publicarse a los pocos meses de finalizar en Japón.

Películas – Evangelion 1.11 / Evangelion 2.22 –> Publicadas en España con apenas un año de margen entre la primera y la segunda. Evangelion en España vende, y se nota, esta actualización/remake de Hideaki Anno no escatima en medios y es espectacular.

Peliculas – The sky Crawlers / Ghost in the Shell 2: Innocence –> Dos de las últimas películas del maestro Mamoru Oshii han sido editadas con abundantes extras, cosa siempre algo extraña conociendo como son los japoneses.

Pelicula – The Sword of Stranger –Muy reciente película del estudio Bones, y posiblemente una de las mejores producciones “de época” que se han hecho en los últimos años, con una animación espectacular.

Película - La chica que saltaba a través del tiempo – Una de las producciones más premiadas y celebradas de los últimos años. Dirigida por Mamoru Hosoda, el nuevo gran valor de la industria nipona.

Sobre todas estas, que las he probado de primera mano (tengo todas, salvo Mazinger Z, y espero dar mi opinión tarde o temprano), decir que son ediciones magníficas, con una calidad de imagen y sonido muy acorde a lo exigible en este nuevo formato. Además en algunos casos cuentan con extras más o menos apañados, cosa no siempre posible en este tipo de cosas.

En los próximos meses editarán también Ghost in the shell 2.0 (remasterización con añadidos, supervisada por el propio director, de la mítica Ghost in the shell original) y la siempre presente Akira, que nunca falta a la cita con los nuevos formatos.

¿Lo negativo? Pues lo de siempre, que nuestro mercado es muy pequeño, y las pequeñas distribuidoras tienen dificultades siempre con los precios. Empezaron con un precio de 30€, que es de justicia decir que era el “standard” hace cosa de año y medio, pero desde entonces han cambiado muchos las cosas, y muchos blu-rays salen a precios inferiores a 20€ ya (Warner por ejemplo ha rebajado una buena tanda a 12€). Es cierto que Selecta ha rebajado el precio normal a 25€ y ha añadido un dvd con la película para los indecisos del formato, pero sigue siendo un precio “top” de mercado.

De todas formas se trata de Selecta-Visión, así que seguramente en un par de años haya reediciones de todas estas películas a precios mas reducidos, así como Packs de las series mucho mas asequibles. Llevan ya bastante tiempo con esta política en Dvds, y me extrañaría que no lo hiciesen en Blu-Ray. Soy consciente de que el formato dista bastante de estar implementado ya en el mercado, así que los mas tempraneros nos estamos comiendo precios superiores a los que habrá en un par de años.

Una pregunta que me hacen bastante es… ¿Pero de verdad se gana tanto? Por supuesto todo esto son cuestiones totalmente personales, pero ahí van toda una serie de cosas que yo creo que compensan:

1.- Calidad audiovisual: Esta es obvia, supongo. El formato Dvd ha estado con nosotros ya 12 años y en este tiempo las técnicas de compresión han mejorado una barbaridad. Así que tenemos una mezcla explosiva: Discos con hasta 50 Gb de capacidad frente a 8.5 Gb, con una calidad de compresión muchísimo mejor y más eficiente, y una resolución mucho mayor: 1920x1080.

2.- Se ha producido por fin una unificación de formatos de imagen. O lo que es lo mismo: desaparece la distinción PAL / NTSC. Aunque a mucha gente le pueda sorprender, desde siempre, por el estándar PAL que teníamos, estábamos viendo las películas a más velocidad que los Americanos o Japoneses, porque el formato PAL va a mas imágenes por segundos. Así una película que se rodó para durar 2 horas, en España duraba 1 horas y 55 minutos.

No solo se alteraba la banda sonora (se escuchaba un pelín mas aguda) y los diálogos, sino que había que hacer una conversión a PAL que no siempre quedaba bien. En anime era común ver tirones en la imagen cuando había planos en movimiento, o imágenes dobles o entrelazadas, todo ello culpa de malas conversiones. Todo eso desaparece en el formato blu-ray (aunque debería haberlo hecho hace mucho tiempo).

3.- A diferencia del paso del VHS al DVD, los reproductores de Blu-Ray también son compatibles con DVD, y suelen realizar un reescalado de los mismos de forma más competente. Es decir, no se trata de un “tiro mis Dvds a la basura porque ha llegado el nuevo formato”, sino que se han preocupado de que se pueda ir adoptando progresivamente.

4.- Las películas de animación, debido a su colorido y líneas de contorno, salen especialmente beneficiadas. Aunque es cierto que hay que matizar que hablo de películas grabadas para cine. En el caso de viejas grabaciones para TV la cosa se complica porque ya de por si se quedaban por debajo de lo que un Dvd podía ofrecer muchas veces, por una mala conservación o por haber grabado en video (como es el triste caso de muchas viejas series de la BBC británica).

¿Eso quiere decir que el material antiguo se verá mal? No. Hay muchos casos recientes de películas y series con bastante edad que se ven espectaculares, porque se han hecho los deberes como se debían: se conservaron bien los materiales y se ha remasterizado en condiciones.

Por supuesto hay más cosas positivas, pero estas son las que para mi son decisivas. Por ejemplo aquellos con equipos potentes de sonido multicanal salen también muy beneficiados (por la menos compresión), y los discos tienen soporte Java lo que permite unos menús y presentación mucho más atractiva…. en fin, la lista es bastante extensa.

Y aunque alguno crea que todo esto le va a venir mal, la realidad es muy diferente. A día de hoy las novedades siguen saliendo en DVD. No estamos en una situación de “o lo tomas o lo dejas”. Aun así creo que todo buen amante del cine en casa, que gusta de coleccionar sus películas favoritas y exige una calidad máxima, creerá oportuno dar el salto antes o después.

La desaparición de Suzumiya Haruhi (Película) y la saga en general.

2010-12-31T18:51:00.002+01:00

Mucho he aplazado todo lo que rodea a este absoluto fenómeno de masas, pero la verdad es que tenía serias dificultades para abordarlo. La publicación en Japón de la esperada película “La desaparición de Suzumiya Haruhi” me da pie a hacer una pequeña reseña.

No voy a extenderme de forma excesiva esta vez porque sobre todo quiero reseñar la película que salió este año. Pero de paso, voy a comentar la saga en general para situar la película en su contexto. (aceptad la imagen que hay bajo este párrafo a modo de felicitación navideña :P)

Un poquito de información

Esta saga narra las desventuras de Kyon, un adolescente normal que vive su rutinaria vida de instituto. O al menos eso parecía hasta que entró en su vida Haruhi Suzumiya, la chica más rara de la clase. Haruhi no está para nada interesada en la vida normal y corriente, solo le interesan las cosas extrañas y sorprendentes: viejos temporales, alienígenas o personas con poderes especiales. Y para ello funda la brigada S.O.S. arrastrando a Kyon de paso con ella.

La serie aglutina muchos valores en uno: por un lado va de estudiantes, pero por otro lado su premisa permite todo tipo de elementos de ciencia ficción. Sin destripar demasiado diré, que todos los personajes que se reúnen en la brigada S.O.S. son muy peculiares, que el objetivo de todos ellos es observar y controlar esa especie de huracán descontrolado que es Haruhi Suzumiya. Pero, ¿Quien es realmente Haruhi? A esa pregunta probablemente cada uno de ellos de una respuesta diferente, pero todos estarán de acuerdo en que es algo único en el universo. Se trata de una serie con un componente fantástico y de ciencia ficción muy fuerte.

Originariamente una saga de novelas ligeras de bastante éxito, Suzumiya Haruhi se difundió a nivel mundial gracias a la adaptación animada llevada a cabo por Kyoto Animation. No obstante, voy a abarcar las tres formas fundamentales en que se puede seguir esta historia.

1.-Las novelas.

Hace unos años me habría parecido un milagro, pero finalmente una editorial española (Ivrea) se ha animado a editar las novelas originales en España. Este enero sale en Japón la 10ª, mientras en España se acaba de publicar la 4ª.

Se trata de novelas ligeras, con un lenguaje bastante sencillo y abundancia de diálogos. Las ilustraciones que las acompañan son obra de Noizi Ito, artista conocida también por Shakugan no Shana.

La edición española esta cumpliendo bastante bien, pero están equivocándose bastante con las portadas. Cada novela que sale tiene un diseño de portada que rompe con los anteriores, y no da sensación de colección real. El precio es bastante adecuado: 9,95€. Para mi gusto, es la mejor opción.

2.- La serie de TV

Kyoto Animation (Air Tv, Kanon, Clannad, Lucky Star, K-on!) se encargó de animar las primeras novelas en una serie de 14 episodios, convirtiendo la historia en uno de los mayores éxitos de los últimos años.

A su espectacular estilo de animación habitual (técnicamente, es de los mejores estudios que hay en Japón), se sumó una forma de narrar dinámica y bastante curiosa: alteraron el orden de la historia original. Una de las primeras cosas que uno ve es a los personajes… antes siquiera de ser presentados, debido a la alteración temporal que hicieron.

Tras la primera temporada, en la que adaptaron la primera novela, y parte de la segunda y tercera, pasaron años sin animar nuevo material de la saga.

Todo cambió en el 2009, cuando salió una segunda temporada de otros 14 episodios. Es difícil llamarlo así, porque realmente solo rellena las partes de historia no adaptadas en la primera, hasta completar las tres primeras novelas. El resultado final es realmente una serie de 28 episodios que transcurren de forma cronológicamente normal (a diferencia de la primera temporada vista por separado).

Esta segunda temporada adaptaba cosas un tanto menores, a mi modo de ver, y estuvo un poco lejos de la primera. Sin embargo era imprescindible si se quería hacer una película de la 4ª novela, como fue el caso este año.

3.- El manga

Ivrea también está publicando el manga, que acumula ya 11 tomos en Japón. Es una narración muy fiel a las novelas originales, y va una a una tomándose el tiempo necesario. Desgraciadamente es la peor opción de las 3, visualmente no está a la altura de la serie de TV, y narrativamente su autor se queda un poco a medio camino. Es una adaptación algo desangelada.

La película

Las expectativas levantadas por esta película han sido astronómicas. Desde que se anunció hasta su estreno en cines toda información que salía era mirada con lupa. A pocos extrañó la decisión de adaptarla en forma de película, porque la 4ª novela es unitaria en el sentido de que es una única historia (las otras 3 novelas incluyen diferentes “aventuras”) bastante larga.

Además, se trata posiblemente de la mejor historia de toda la saga (hasta el momento, al menos) y es muy querida por los fans. El salto al cine prometía una calidad de animación brutal (y cumplió). Tras la algo decepcionante segunda temporada, parecía que por fin los aficionados iban a tener algo a la altura de lo esperado.

La premisa es que la brigada S.O.S. está preparándose para hacer una celebración navideña en el propio recinto de la escuela. Pero un buen día Kyon se levanta, va al instituto y se encuentra con que la brigada S.O.S. no existe, nadie conoce a Suzumiya Haruhi, y los que eran sus amigos, no parecen reconocerle. Algo ha cambiado en el mundo, y Kyon debe descubrir que ha pasado y solucionarlo.

Más de dos horas y media de película, para narrar una compleja historia de realidades cambiadas y viajes en el tiempo, tremendamente vibrante y divertida. El mérito es doble, ya que no solo no aburre ni un solo momento a pesar de su duración, sino que se detiene en no pocas ocasiones a profundizar en algunos personajes (sobre todo Kyon y Yuki) mucho más de lo que nunca hizo la serie de TV.

Como ya he dicho es una de las producciones mejor animadas del año, con una magnífica planificación y una atención al detalle apabullante, además de una fluidez en la animación que pocos estudios japoneses son capaces de lograr. En su parte final muchos incluso recordarán (como yo) agradables sensaciones de cuando vieron Neon Génesis Evangelion por primera vez.

Con esta película el año se cierra de la mejor forma posible. Si las series de TV no parecen en general andar en su mejor momento, películas como esta, Evangelion 2.22 o Macross Frontier demuestran a las claras la calidad que la industria japonesa puede lograr cuando se pone la pilas.

Dejo un enlace al tráiler de la película en Español, para los interesados: http://www.youtube.com/watch?v=B-JFZNOgFJ8

KITARO – Shigeru Mizuki

2010-12-09T03:23:00.002+01:00

Uno de los grandes lanzamientos del panorama manga en España este año ha sido “Gegege no Kitaro”, publicado por Astiberri en el pasado Salón del Manga de Barcelona.

El cómic llevaba ya anunciado mucho tiempo. Previamente nos había llegado “Hitler, la novela gráfica” por parte de Glénat y “Operación Muerte”/”NonNonBa” por parte de la propia Astiberri. Así que su autor, Shigeru Mizuki, ya estaba más que bien presentado en España, pero faltaba su obra más emblemática: Gegege no Kitaro.

Kitaro es un clásico indiscutible, una de esas historias que uno verá referenciadas una y otra vez en montones de sitios, uno de esos cómics que caló tan hondo en la población japonesa que ya forma parte de su propia cultura y todo el mundo lo reconoce. La verdad es que me costaba imaginar que esto llegase a ser editado en España, pero afortunadamente así ha sido.

El protagonista, Kitaro, es un descendiente de un largo linaje de “fantasmas japoneses” que a lo largo del cómic acostumbra a usar sus habilidades para mediar entre los humanos y los fantasmas y espíritus. Según se plantea, antes de la existencia de los seres humanos, había toda una población de Yokais (demonios, espiritus, fantasmas… es difícil de traducir) que fueron desplazados por el hombre cuando comenzó a expandirse por el mundo. Así pues, no son malos de por si, sino que hay de todos los tipos e intenciones. Por norma general las historias siguen a Kitaro tratando de mediar en algún conflicto entre ambos lados.

La inmensa fama que tiene se debe a muchas cosas, por un lado a los carismáticos personajes, y por otro a la reinterpretación que hace de montones de Yokais del folklore japonés. Hay páginas de una imaginación desbordante, a veces con ligeros toques de terror, pero siempre muy agradables de leer.

El estilo visual de Mizuki es fabuloso, cada personaje tiene un diseño tremendamente cautivador y es capaz de realizar viñetas con un detalle bastante sorprendente a veces. Los personajes tienen un toque caricaturesco muy llamativo, y tienden a ser exageradamente expresivos.

Muchos al ver alguna de las imágenes que acompañan esta entrada reconocerán el personaje, o les recordará algo. Ya digo que su presencia en los medios japoneses es muy habitual. Personajes como Manta Oyamada (Shaman King) o Ginko (Mushi-shi) son claramente homenajes nada disimulados a la gran creación de Mizuki.

Kitaro tuvo dos serializaciones. Por un lado la original “Hakaba Kitaro” (Kitaro del cementerio) en el año 59 para tiendas de alquiler de cómics, y posteriormente la versión que más celebre se ha hecho, en 1966: “Gegege no Kitaro”. La que nos ofrece Astiberri es la del 66, como bien reflejan las fechas de publicación de cada capítulo.

Hakaba Kitaro tenía un tono bastante mas oscuro y crudo. Aquellos interesados en comparar, pueden ver la adaptación animada que se hizo en el año 2008 con ése titulo (Hakaba Kitaro) y que adapta fielmente la publicación original en 11 episodios. Es un anime de muy alta calidad pero muy enfocado al público más adulto.

La edición que nos ofrece Astiberri ha sido y será objeto de polémica. Tiene un tamaño muy similar al de los cómics de Jiro Taniguchi editados por Ponent Mon, pero con un papel notablemente peor, con un ligero color amarillo y algo transparente. No lleva sobrecubierta y respeta el sentido de lectura oriental. Bajo el punto de vista del que escribe la edición sería simplemente correcta, si no fuese por el desorbitado precio: 18€. No se trata de un cómic autoconclusivo, y en Japón siempre se ha publicado siempre muy enfocado al público juvenil… semejante formato y precio no parecen adecuados para un cómic de publicación regular. Panini sin ir mas lejos está editando cosas en ese tamaño (Ikigami, Abara) con mejor papel, encuadernación y sobrecubiertas y no llegan a los 10€ de precio.

No se muy bien como le saldrá el asunto a Astiberri pero corren como muchas otras editoriales el riesgo de quedarse en territorio de nadie. Es demasiado japonés para gustar al aficionado más generalista (y está editado en sentido oriental), y el público mas consumidor de manga 1º) Suele pasar de los clásicos, y 2º) El desmedido precio es impropio para el tipo de productos que suelen comprar. También es bastante extraño que hayan decidido optar por una portadilla interior para la portada principal, que da una sensación bastante diferente al cómic en sí, en vez de elegir la portada original real.

Yo trataré de seguirla asiduamente porque es una absoluta maravilla. Pero la verdad es que no se muy bien cuantos estarán dispuesto a pasar por caja. Astiberri aún no ha anunciado nada relativo al segundo tomo, ni ha dado ningún tipo de periodicidad tampoco.

Por último, sobre las adaptaciones animadas de Kitaro, hay muchas, y darían para escribir varias entradas enteas. Yo solo he podido ver algunos sueltos. En los 60 y los 70 hubo dos dirigidas por Isao Takahata, y desde entonces se ha vuelvo a realizar en los 80, en los 90 y en la primera década del siglo XXI. En todas ellas ha estado involucrada la Toei Animation, y el personaje nunca llega a perder su popularidad. Se le mantiene casi siempre en antena y se trata de hacer accesible a cada nueva generación.

Como nota curiosa, hasta ha tenido dos adaptaciones en acción real, ambas dirigidas por Katsuhide Motoki, estrenadas en los años 2007 y 2008, aunque desconozco su calidad.

Por cierto, ¿De donde viene lo de “Gegege”? Si la información que he visto por internet es correcta, no viene del comic original (Hakaba Kitaro) sino de la primera adaptación animada. Se trata de la cancioncilla que los espíritus cantan para ensalzar los logros del bueno de Kitaro. Cada anime que ha salido ha tenido este mismo tema al comenzar, y es una de las canciones de anime mas conocidas en Japón. Dejo la introducción de aquel primer anime:

Tegami Bachi (Letter Bee)

2010-11-25T21:47:00.001+01:00

El Manga

El pasado Salón del Manga de Barcelona trajo bastantes novedades en materia de cómics, como suele ser habitual. Desgraciadamente a título personal, han sido pocas las cosas que me han interesado realmente.

Tegami Bachi es una de esas excepción. Alguno recordará a su autor, Hiroyuki Asada, por “Renka”, editada hace años por Planeta, o por sus contribuciones a “Robot”, publicada por Glénat. Con todo, es su primer manga de larga duración y seguramente ya es su obra más reconocible.

Se trata de un Shonen en toda regla, cosa que seguramente puede hacer recular a más de uno. Afortunadamente se aleja un poco de las dos corrientes mayoritarias de “Seré el tipo más fuerte del universo” y “¿Que hago yo rodeado de tantas mujeres?”, y ofrece una historia muy aventurera plagada de pequeñas historias personales y una sensacional ambientación.

El paralelismo más rápido que podría hacerse sería con Kino no Tabi/Kino´s Journey, por el protagonista viajando por diferentes países y enfrentado a diferentes historias. Tienen un tono bastante similar (muy recomendable la serie de Kino no Tabi a quien le guste Tegami Bachi).

La historia transcurre en un mundo en perpetua oscuridad que esta dividido en tres grandes regiones concéntricas separadas por rios. Solo en las ciudades se puede vivir de forma normal (gracias a un sol artificial que hay en la ciudad central). Los caminos que hay entre ciudades y pueblos son zonas oscuras y peligrosas, viajar entre ellas es complicado. Ahí es donde la figura de los Letter Bee (Carta abeja) se hacen fundamentales: son los mensajeros que se encargan de viajar entre ellas, y los únicos capaces de enfrentarse a los enormes insectos que pueblan el mundo. El protagonista es un chaval que está empezando en la profesión y quiere llegar a lo más alto para poder entrar en la ciudad central, donde cree que podría estar su madre.

Si algo destaca por encima de todo lo demás es el dibujo de Asada y la ambientación que rodea a los personajes. La luz juega constantemente un papel importante dando un halo semi-poético a algunas escenas. Se aprecia (y agradece) un gran intento de crear un mundo coherente y original. Posiblemente lo más cuestionable es su tendencia a algunos momentos lacrimógenos, y que el protagonista tiene una tendencia a los lloros a veces algo desconcertante.

Por lo demás no me parece un cómic imprescindible. Es interesante, bien hecho, con algunos destellos de originalidad, aunque por momentos cae demasiado del lado melodramático. Yo lo sigo porque su ambientación me encanta y es casi un oasis entre tanto Shonen genérico de que está inundado últimamente Japón. Asada es un portento dibujando.

El Anime

No voy a dedicarle mucho espacio a la adaptación animada porque viendo que estaba anunciado para España, apenas vi unos pocos episodios.

Por un lado se publicó una OVA a finales del 2008 de media hora, a modo de capitulo especial. Después en el 2009 salió una temporada de 26 episodios, y este 2010 ha salido una segunda temporada.

Todas ellas cuentan con un apartado visual muy competente, en línea con el manga y siguen la historia de forma relativamente fiel. Con todo, hay dos cosas que me escaman bastante:

1.- El uso de ordenador para mostrar a los insectos gigantes, que desentona un montón.

2.-El hecho de que al ser un manga en curso, el anime recurre a material propio, “relleno” vamos. Aunque no es de mala calidad por lo visto, alarga todavía más una historia que aun está en curso. Es un shonen que parece que va para largo, y el anime corre un gran riesgo añadiendo ese “relleno”.

Por lo demás, es una producción animada más que correcta.

Hideshi Hino (IV)

2010-10-29T14:17:00.002+02:00

Se acerca Halloween, y se acerca Hideshi Hino a España de nuevo con motivo del Salón del Manga de Barcelona de este año, exposición incluida. La Cúpula lleva ya 5 años editando sus obras a razón de dos volúmenes anuales y no parece que vaya a cerrar el grifo en breve.

Esta es ya la 4ª entrega (Partes: 1ª, 2ª y 3ª) de reseñas de Hino que hago, pero no se me ocurría nada más apropiado en esta época del año. Estas cuatro obras han sido publicadas en estos últimos dos años, a 10.95€ cada una.

Galeria de horrores

Siete historias cortas, ambientadas temáticamente en torno a siete colores diferentes. Lo de los colores es un poco excusa, ya que las historias no tienen nada en común y a veces queda bastante forzado.

Es una selección bastante irregular, con algunas historias bastante decepcionantes (especialmente los colores blanco/nieve, verde/arbol y negro/cuervos).

Obviamente no todo es despreciable: El color azul nos muestra a una niña pequeña que ve un niño muerto en una ciénaga, y empieza a verse acosada por él en sueños. Y el rojo a una chica que cada vez que ve algo de ese color, sufre todo tipo de macabras alucinaciones de los más sanguinolento. Curioso es también el amarillo, que Hino asocia al color del chubasquero que los niños japoneses llevan cuando llueve.

En esas tres historias veo al Hino más certero. El resto desgraciadamente no está a la altura. De todas formas hay que tener en cuenta que la colección de La Cúpula lleva 12 números, y que incluso en sus momentos mas bajos, Hideshi Hino sigue siendo algo único y recomendable.

Noches de Zipango

Se trata de otro puñado de historias cortas sin nexo común entre ellas, que es bastante mejor en su conjunto que la anterior. Es cierto que hay un par de historias bastante poco acertadas, pero el resto merece mucho la pena.

-La niña ratón: Es demasiado corta, y queda como una versión bastante menor de “El niño gusano”. Deja bastante indiferente.

-Lecciones de Muerte: Está bastante mejor, con una niña en clase imaginándose que su nuevo profesor es un Shinigami (Dios de la muerte) que quiere matar a todos los alumnos.

-Lo que tienes detrás: Parte de una premisa un poco floja y tiene un final muy forzado. La historia de una niña que un día se despierta con la cabeza al revés, da pie a algunas referencias a “El exorcista” y poco más.

-La mujer sin rostro: Es sensacional. La obsesión de una mujer que un día se despierta sin cara, y recurre a diferentes cirujanos para que la dejen guapa. El problema es que parece que cada vez que un hombre se fija en ella, su cara se descompone y vuelve a quedarse sin rostro.

-Fukutsuke el cerebro: La historia de un niño muy estudioso al que progresivamente la va creciendo el cerebro. Otra de las obsesiones recurrentes que suele tener Hino, con esos grotescos padres más preocupados de que su hijo sea el mas inteligente del mundo que de su propia salud. Bien llevado.

-¿Quien eres tú? : Es otra narración a destacar. Una mujer que se despierta un día y descubre que a su lado hay un bebé hambriento que no conoce de nada. Los problemas comenzarán cuando el bebé empiece a escupir gusanos.

-La bruja piruja: Cierra el tomo con una historia sobre la forma en que la gente prejuzga a los demás. Es un poco burda la verdad, pero juega un poco con esa siempre inquietante posibilidad de que a uno le sirvan para comer algo que parece humano.

Historias de la máscara

Cuando este año se publicó Historias de la máscara, lo compré esperando un cómic muy en la línea de los dos anteriores: una serie de historias irregulares con poca conexión entre ellas. Y aunque no se aparta de esa tendencia, el resultado final poco tiene que ver.

Todo el cómic gira en torno a una tienda de antigüedades que vende objetos de segunda mano, situada en lo alto de una colina. En la puerta hay una máscara llamada “Hannya” con aspecto de demonio, que según se dice en la primera página: “Vigila el porvenir de los humanos, que arrastran la carga de sus propias tragedias”.

Cada historia sigue el mismo esquema: Un desconocido llega a la tienda y se interesa por uno de los objetos que están a la venta. El dueño procede a contar la misteriosa historia que hay tras ese objeto, y el relato acaba con el desconocido completando esa historia y desvelando porqué quiere comprarlo.

Curiosamente, aunque hay escenas de “terror” propias de Hino, en general el tono es mucho más bonito y esperanzador que todos los demás publicados en España. También llama la atención que toda la ambientación es muy japonesa, desde la tienda de antigüedades (de estilo totalmente tradicional), hasta las historias, que recorren épocas muy dispares.

Hay lugar para la historia oculta tras los zapatos de una niña, la leyenda de una espada samurái maldita, las viejas peonzas con las que los niños jugaban a principios del siglo XX, una maqueta de tren, la caña de pescar de un pescador, la navaja de un viejo marino, la segunda guerra mundial o la clásica leyenda de la dama de las nieves.

Un lado diferente de Hideshi Hino con un atractivo muy especial, repleto de nostalgia.

Circo de Monstruos

Se publicó hace unas pocas semanas, seguramente con vistas al Salón del Manga de Barcelona, y va en una dirección ligeramente similar a Historias de la máscara.

El hilo conductor es un circo, repleto de magia y seres extraños, que asombran a todo el que va a visitarlo. Mientras la gente se pregunta como los artistas son capaces de hacer semejantes maravillas… en el interior del circo la realidad es muy diferente: un grupo de seres oscuros y demoniacos, cuyos poderes son una fuente de desgracias.

En anfitrión de cada historia es el Rey Negro, que dirige el circo y da cobijo a todos esos seres extraños que no tienen cabida en la sociedad. Y cada capítulo gira en torno a uno de los peculiares fenómenos que actúa en él.

Mientras las actuaciones de cara al público parece algo mágico y sorprendente, la realidad es que la magia ha condenado a sus poseedores.

-Un número de ventriloquía oculta la realidad de una madre unida a su hijo por la palma de su mano.

-Un legendario samurai cuyo tatuaje cobra vida, oculta a un hombre maldito por sus crímenes, condenado a sufrir eternamente.

-Dos caras, un chico cuyas dos personalidades luchan constantemente por hacerse con el control, tanto mental como físicamente.

-El espectacular número de un comefuego y una mujer capaz de prender fuego a lo que quiera.

-La imposible historia de amor entre una niña capaz de inundar su espectáculo de bellas mariposas y un espectador muy peculiar: un coleccionista incapaz de encontrar la mariposa que falta en su colección.

-El hombre de niebla, un ser extraordinario que sería capaz de cualquier cosa para poder tener un aspecto humano normal y poder vivir con la chica que ama.

-Y finaliza el tomo, la solitaria historia de uno de los últimos seres mitológicos que quedan en el mundo: la quimera.

Se trata de un volúmen sensacional, con montones de referencias al género (Freaks!, Jekyll & Hyde, Las 7 caras del dr. Lao) y con mucha tristeza y simpatía por esas incomprendidas criaturas.

Cuatro tomos variados, sugerentes y que siguen la buena línea a la que Hino nos tiene acostumbrados, a pesar del pequeño resbalón que supone “Galería de Horrores”.

Cat Shit One

2010-10-16T02:28:00.002+02:00

El manga

Entre las muchas series saldadas por Glénat en este último año, el mes pasado finalizó la “segunda remesa” de Cat Shit One. Que además está de plena actualidad por la serie animada que se ha lanzado en Japón este verano.

Su autor, Motofumi Kobayashi, es uno de los mejores creadores de historias bélicas del panorama actual. Esta es su obra mas célebre, seguramente por lo peculiar del planteamiento, pero lleva a sus espaldas una trayectoria de mas de 30 años.

El cómic sigue las diversas misiones de un grupo de tres soldados americanos (Perky, Rats y Botaski) durante la guerra de Vietnam. Apodados “Cat shit one”, forman un grupo de reconocimiento, y el manga refleja el tipo de situaciones en que ese tipo de grupos se veían involucrados. La edición americana para variar, cambia el nombre del cómic por “Apocalypse Meow”, en una referencia cinematográfica nada sutil (y poco adecuada, creo yo).

Uno de los puntos fuertes de Kobayashi es su estilo gráfico. La mayoría de sus obras tienden a un realismo bastante extremo (como atestiguan otras obras editadas en España), pero con Cat Shit One tomó la particular decisión de no mostrar a los personajes como seres humanos, sino como animales.

Los americanos son reflejados como conejos en un juego de palabras algo complicado para los occidentales (Conejo en japonés es USAGI – U.S.A. G.I. - United States of America Goverment Issue). Por su parte los vietnamitas son gatos, los coreanos perros, los chinos pandas o los japoneses monos.

La verdad es que no se trata de un recurso nuevo, Art Spiegelman usó un recurso parecido cuando a principios de los 70 empezó su obra magna “Maus”, en el contexto de la ocupación nazi y los campos de concentración. Sin embargo seguramente es este tipo de aspecto visual lo que lo hace tan peculiar, porque por un lado los personajes animales podrían crear algo de distanciamiento con el lector, pero a la vez los hechos que se presentan son absolutamente brutales y realistas (eso si, sin sangre).

El autor es un profundo conocedor del tema bélico y aunque a más de uno le pueda repeler, no es parco en datos y detalles del conflicto. Tácticas reales, localizaciones, armas, la línea de mando del ejercito… todo está debidamente colocado. Aunque es cierto que en condiciones normales eso podría convertir una historia en algo soporífero, está bien dosificada y los datos resultan francamente interesantes.

Se han editado los 3 tomos que comprenden la obra completa. Y un tomo 0 que actúa a modo de precuela y secuela a la vez. Es una verdadera lástima que vendiese tan mal, considero que es de esos cómics que demuestran lo variado que puede llegar a ser el panorama editorial japonés.

Totalmente recomendable si se encuentra (cuando lo saldaron estaban a 4.95€ el tomo). Eso si:

1) Aunque no contiene sangre, es obviamente un cómic +18.

2) Contrariamente a lo que los conejitos de la portada puedan sugerir, es un cómic plenamente bélico y adscrito al género completamente.

3) El Volumen 0, debe ser leído en 4º lugar, tras el 3º. Que no os engañe ese 0 en la tienda.

El anime

Aunque tiene un futuro incierto, este verano se emitió una adaptación del cómic por internet. Realizado totalmente en 3D y con un acabado muy bueno, usa a los mismos personajes pero trasladando la acción a los años 90 en un conflicto en oriente medio.

La traslación es bastante fiel dentro de lo que cabe, aunque bastante más enfocada a la acción y mas “liviana”. El nivel técnico es muy competente para ser en 3D, y tenía intención de seguirla asiduamente pero desde que se emitió el primer capítulo no hay noticias de cuando saldrá el segundo… si es que llega a salir.

Otras obras de Motofumi Kobayashi

Aunque no tengo todas, creo que viene bien nombrar de pasada las otras cuatro obras de este magnífico autor publicadas en España:

-Operación Barbarroja (10€): El título es totalmente descriptivo. La operación Barbarroja tuvo lugar durante la ocupación de la unión soviética por parte de las Fuerzas del Eje.

-Kampfgruppe ZBU (10€): Sigue a un grupo del ejército alemán, formado por insubordinados y personal “prescindible”, a los que encargan las peores misiones posibles.

-Vietnam War (10€): Ofrece una visión más amplia y documentada del conflicto de Vietnam, que la propia Cat Shit One.

-Omega 7 (12€): Sigue a un grupo especial japonés encargado de realizar misiones encubiertas de alto riesgo.

Nota: Como ya indiqué, todas ellas cuentan con protagonistas humanos, lo de Cat Shit One es una excepción en su trabajo.

Satoshi Kon: Al otro lado del espejo. (II)

2010-10-05T23:11:00.002+02:00

Tokyo Godfathers (2003)

Apartándose un poco de la línea que llevaba hasta entonces, en el 2003 Kon dirigió Tokyo Godfathers, escrita en colaboración con Keiko Nobumoto (Macross Plus, Wolf´s rain, Cowboy bebop).

Se trata de una historia navideña centrada en un grupo de indigentes que encuentran un bebé abandonado, y las aventuras que corren buscando a sus padres. Por el camino tendrán tiempo para conocerse mejor, preguntarse como acabaron siendo mendigos y la clase de personas que realmente son. El grupo es muy variopinto: un travesti, una chica joven que abandonó su casa y un pobre de mediana edad.

Es una película perfectamente realizada, que funciona a varios niveles. Funciona como película navideña, funciona como crítica social, funciona como estudio de personajes y funciona como homenaje a un tipo de cine que no es tan habitual como uno podría pensar, descendiente directo de Frank Capra.

Paranoia Agent (2004)

En el 2004 nos volvimos a sorprender cuando se anunció que el siguiente proyecto de Kon iba a ser una serie y no una película.

Sus colaboradores habituales repitieron y la historia de prolongó durante trece episodios. Con un tono más cercano a Perfect Blue que sus otras producciones, la serie sigue a un gran numero de personajes relacionados directa o indirectamente con “el chico del bate”, un gamberro que se dice va por ahí golpeando a la gente en la cabeza con un bate de baseball, aliviando a las victimas de los problemas por los que andaban pasando. El primer episodio gira en torno a una diseñadora de éxito, incapaz de soportar la presión a la que se ve sometida por su empresa, consciente de que no va a ser capaz de volver a diseñar algo tan bueno. Tras ser golpeada por el chico del bate y mandada al hospital, la presión editorial se esfumará y su vida cambiará a mejor.

Ese tipo de acciones se repetirán. Y lo que al parecer era una serie de gamberradas, deriva al poco en un grupo de personas muy diferentes entre sí, con el único nexo en común del chico del bate, enfrentados a sus mas serios problemas y con la policía en apuros para distinguir los hechos reales de los inventados. De un capitulo a otro, la cámara de Kon enfoca a un personaje diferente, y crea un mosaico de muchos de los grandes problemas que existen en la sociedad japonesa, que al final son prácticamente los mismos que en todo el resto del mundo.

Con claros ecos del cine de David Lynch, y una historia de fondo muy afín a Stephen King, Paranoia Agent es una de las mejores series de las últimas décadas, muy atrevida a nivel narrativo y con una calidad general que cuesta creer tratándose de una serie para televisión.

Paprika (2006)

Hay directores que parecen destinados a dirigir una historia en concreto. Creo que no soy el único que cuando vio el anuncio de Paprika (y leyó que se subtitulaba en España “Detective de los sueños”) pensó “Esto es Kon 100%”.

Basada en una novela del escritor Yasutaka tsutsui, narra la historia de una chica, Paprika, que ayuda a la gente entrando en sus sueños. Pero pronto surge un gran problema, al parecer un terrorista ha robado la maquina experimental que permitía entrar en sueños ajenos, y planea usarla de manera poco apropiada.

A nivel visual Madhouse tiró la casa por la ventana, y es un autentico portento estético. El diseño de personajes y el colorido de los “sueños” remiten directamente a algunos pasajes de Millenium Actress, mientras que por temática nos acercamos a Perfect Blue.

La película aumenta en espectacularidad y ritmo conforme va avanzando, culminando en una secuencia final digna de figurar entre las mejores escenas animadas de todos los tiempos. Desgraciadamente, en opinión del que escribe, en esa última parte el guión se queda un pelín corto, lo que evita que sea una película redonda.

En cualquier caso, se trata de una maravilla (otra más) que será muy recordada.

Ohayo (2007)

Seguramente los (pocos) que lean esta entrada no conozcan este cortometraje. Fue elaborado por Kon (y producido por Madhouse, como no) para una recopilación de pequeñas historias llamada Ani*Kuri15. Un proyecto conjunto en el que intervinieron directores de renombre como Mamoru Oshii, Makoto Shinkai o Shoji Kawamori, con una duración media de 1 minuto.

Para disfrutar del corto no hace falta saber japonés, basta con saber que su título (Ohayo) se traduce como “Buenos días”, es lo único que hay en el corto. No soy muy partidario de estas cosas, pero enlazo el cortometraje en cuestión que un amable usuario ha subido a Youtube: Ani*Kuri15 Ohayo

3. 2011 : El legado.

Tras terminar Ohayo, Kon empezó la producción de su siguiente película The dream Machine, producción que tuvo que dejar en Mayo de 2010 por recomendación médica ya que padecía cáncer de páncreas. Los últimos meses de vida los pasó en casa, llegando incluso a publicar un mensaje de despedida en su blog antes de morir. Tenía 46 años.

Hubo muchas dudas sobre que iba a pasar con The dream machine, película que para entonces ya llevaba bastante tiempo en producción. No solo ejercía como director, sino que el guión ya estaba terminado, y también había realizado el storyboard.

La productora Madhouse anunció recientemente que terminarán la peliculá y estrenarán la película en el 2011 como homenaje. El compositor habitual de Kon, Susumu Hirasawa, también ha confirmado que está trabajando ya en la banda sonora de la película.

Según parece la historia gira en torno a las aventuras de un trío de robots, en una especie de road movie infantil. Ya avisó Kon en su día de que el publico al que estaba dirigida era de muy reducida edad, pero aseguró que sería igualmente disfrutable por cualquier adulto.

A continuación dejo las (pocas) imágenes que se han publicado de esta esperadísima película, que esperemos, cierre con broche de oro una de las mejores filmografías de la animación japonesa.

Satoshi Kon: Al otro lado del espejo. (I)

2010-09-15T01:54:00.002+02:00

El pasado 25 de agosto se conoció la triste noticia de la muerte de Satoshi Kon a la edad de 47 años, uno de los directores más interesantes de la industria nipona.

Aunque no deja tras de sí una gran cantidad de títulos, la calidad de los mismos está fuera de toda duda.

1. 1963 – 1997 : Primera época.

Durante toda esta primera época, tras estudiar en una escuela de arte (iba para pintor), sus trabajos principalmente fueron como dibujante/guionista de manga y anime, al lado de Katsuhiro Otomo (Akira, Domu, SteamBoy) sobre todo.

Se encargó de dibujar la adaptación al cómic de la película de acción real “World apartment horror” del porpio Otomo y participó en la animación de “Roujin Z”, “Patlabor 2” y las OVAs de “Jojo´s bizarrre adventures”. Pero destacó sobre todo por dos trabajos:

Regreso al mar (Kaikisen)

Un manga de creación propia donde se encargó tanto del dibujo como del guión, sobre la leyenda de una antigua sirena y la industrialización de una pequeña zona pesquera japonesa.

Con un estilo visual todavía demasiado deudor de Otomo, es uno de los grandes mangas de aquella época, conjugando con maestría las profundas raíces tradicionales del Japón menos urbanita, con el progreso y la expansión que el país estaba desarrollando.

Fue publicado en España por Planeta hace ya 16 años, cuando Kon no había ni dirigido Perfect Blue aún. Sin duda, un imprescindible.

Memories

Fue una película producida por Otomo, que juntaba 3 historias muy diferentes, con distintos equipos técnicos. La mejor de ellas y la que deslumbró a medio mundo fue “La rosa magnética”, de cuyo guión se encargó el amigo Kon.

El segmento, dirigido por Koji Morimoto y basado en un manga corto del propio Otomo, trata sobre una pequeña nave que recibe una llamada de socorro en forma del tema principal de la ópera Madame Butterfly.

Es curioso notar como en este segmento ya hay algunos temas que posteriormente desarrollará como director: el mundo de los artistas y la fama o la diferencia entre lo real y lo ficticio.

2. 1997 – 2010 : Director de animación consolidado.

El año 1997 es el que cambió de la noche a la mañana la vida de Kon. Fue el año del estreno de su primera película como director: “Perfect Blue”. Desde entonces, y hasta su prematura muerte, quedó consolidado como uno de los mejores directores de animación del panorama mundial.

Perfect Blue (1997)

En un principio iba a ser una película de acción real directa a vídeo, pero tras un terremoto que causó grandes daños al estudio, redujeron el presupuesto y decidieron hacerla en animación, asignándole a Kon su primer gran trabajo de director cinematográfico.

Basada en una novela de Yoshikazu Takeuchi, sigue los pasos de Mima Kirigoe, una Idol japonesa (cantante pop joven) que decide abandonar su grupo musical para perseguir una carrera como actriz. Pero empezará a tener problemas para distinguir la realidad de la ficción cuando se ve acosada por sus antiguos fans, y una serie de asesinatos empiezan a ocurrir a su alrededor.

Casi un homenaje al “giallo” italiano de gente como Dario Argento, la película profundiza en el mundo de las Idols japonesas y el terrible fenómeno fan que llevan detrás. Al igual que en trabajos posteriores de Kon, la pequeña frontera que separa realidad y ficción se rompe, y la protagonista cae en una espiral obsesiva que la lleva a dudar de ella misma.

Fue una película clave en la década de los 90, una de las responsables de esa corriente de “Anime adulto” que llegó a occidente y creó toda una generación de aficionados. Desde ese mismo instante Kon pasó a ocupar un lugar privilegiado en la industria. Tres años después confirmó que no había sido casualidad.

Millenium Actress (2001)

Su siguiente proyecto le reunió de nuevo con Madhouse (productora de animación de Perfect Blue), en una relación que se prolongaría en sus siguientes proyectos. Por primera vez además de dirigir, Kon se sentó a guionizar su propia película (en colaboración con el guionista de Perfect Blue) y el resultado fue algo absolutamente maravilloso.

Volviendo una vez más al mundo de los actores y la compleja relación realidad/ficción, Millenium Actress fue un éxito a nivel mundial, con numerosos premios internacionales, incluido el Orient Express del festival de Sitges.

Un detalle importante es que por primera vez la banda sonora corre a cargo de Susumu Hirasawa, que participará con su maravillosa música electrónica en todas las siguientes producciones de Kon.

La historia gira en torno a un periodista, que ante el cierre de uno de los estudios cinematográficos mas importantes de Japón, decide realizar una entrevista a la actriz Chiyoko Fujiwara, principal figura del estudio. El periodista es un autentico fan de la actriz, y ella accede a narrar la historia de su vida.

En un ejercicio de cine dentro del cine, los recuerdos de la actriz se mezclan con las películas que protagonizó a lo largo de su vida, desde clásicos dramas de época, hasta futuristas cintas espaciales. El periodista, tan sorprendido como el espectador, reconoce las películas, pero no así cuanto de la vida de la actriz hay en ellas.

Poética, romántica, clásica… y narrativamente arrebatadora, posiblemente sea esta la gran obra maestra de Satoshi Kon, redonda en todos los aspectos y personal hasta la médula. Totalmente inimitable.

Robot

2010-08-03T03:26:00.005+02:00

En uno de los últimos listados de Glénat, se anunció que iban a descatalogar toda una serie de títulos. Algunos eran muy recientes, otros tenían bastante tiempo, pero parece ser que todos compartían lo mismo: ya no era rentable seguir manteniéndolos en las estanterías.

No es extrañó que uno de esos títulos fuese ROBOT, un cómic extremadamente peculiar, con vocación minoritaria y que por su formato tenía un precio abusivo para el mercado español: 25 euros el tomo. Lo que no me esperaba, es que al poco tiempo se anunció que iban a relanzar los 3 tomos que llegaron a editar, al más que deseable precio de 9.95. Son los mismos tomos que antes, no es más que una redistribución de material seguramente porque les quedaron muchas unidades sin vender.

Robot no es exactamente un manga, estaría mas cerca de una “revista que recopila historias cortas con periodicidad variable”. Empezó a publicarse en el año 2004, ideada por el artista Range Murata, célebre por sus maravillosos libros de ilustraciones y por su trabajo como diseñador de personajes de anime en Blue Submarine no.6, Last Exile o más recientemente Shangri-La. Además es el propio Murata el encargado de elegir los artistas de cada entrega.

Como digo la edición salió en su día a 25 euros y en el resto del mundo el precio ha sido similar. La razón es mas que evidente: 160 páginas, a todo color, con un papel y tamaño dignos del mejor art-book. Cualquiera que lo hojeé en una tienda se quedará muy sorprendido por lo atractivo que es a nivel visual

No hay un contenido concreto en estos tomos, cada artista tiene unas cuantas páginas para hacer lo que quiera, con total libertad (aunque como denota el título, lo habitual son historias de ciencia-ficción) y a color. El estilo visual varía cada pocas páginas, algunas historias duran tres páginas mientras que otras pueden repartirse en unos cuantos tomos. Al final de cada una se indica si la historia ha concluido o si continúa en el siguiente tomo. Aviso, eso si, que alguna historia continua más allá de los 3 tomos publicados en España (aunque hay más tomos publicados en inglés).

La selección de autores es impresionante, artistas serios con mucha personalidad, y algunos de ellos con un hueco bastante grande en la industria nipona. En Japón es habitual que un autor haga ilustraciones a color, pero la idea de hacer “manga” a color es bastante extraña, en las anotaciones que vienen al final del tomo muchos de ellos comentan el reto que les supone y lo inseguros que están sobre los resultados obtenidos.

Como muchos autores varían según el tomo que uno esté leyendo, me voy a centrar en los “habituales” y en los que colaboran en el primer tomo fundamentalmente:

-Range Murata: Como ya he dicho, es el diseñador responsable de Blue Submarine nº6, Last Exile o Shangri-La. Es perfectamente reconocible por la personalidad de sus diseños, y la calidez de sus colores. Suele realizar unas pocas páginas al comienzo de cada tomo, generalmente con poco dialogo.(Página web en inglés: http://www.pseweb.com/page/gallery.html).

-Yoshitoshi ABe: Famoso a nivel mundial por el éxito de Serial Experiments Lain, para la que creó todo su aspecto visual. Posteriormente ha tenido otros éxitos como Niea_7, Texhnolize, o Haibane Renmei (absoluta maravilla, basada en sus propios comics, y de la que hizo guión, diseños y supervisión). A la espera de su próxima serie, Despera, sigue publicando doujinshis (algunas portadas se pueden ver en su página: http://homepage.mac.com/abworks/cglib2.html).

-Makoto Kobayashi: Con un estilo muy europeo que recuerda a Moebius y similares, Kobayashi se ha hecho un nombre como diseñador de la parte tecnológica de diversas películas/series. Suyos fueron los diseños de Samurai 7, Last Exile o Venus Wars. Su web: http://aswars.tripod.com/

-Hanaharu Naruko: Especialmente conocido por su manga “Kamichu!” es uno de los valores mas jóvenes del panorama nipón. Caracterizado por un estilo muy colorido, también suele realizar cómics de contenido pornográfico. Como su página es +18, enlazo una ilustración suya: http://www.kawapaper.com/d/8528-3/Kawapaper_GA_0000164_1024x768.jpg

-Hiroyuki Asada: Planeta publicó hace ya bastante años uno de sus comics “Renka”, de samuráis, pero su fama se debe principalmente a la reciente “Tegami Bachi” (letter bee). Con un estilo que denota mucha personalidad, muy poético e inspirado. Imagen de muestra : http://img223.imageshack.us/i/01eb8.jpg/

-OKAMA: Especialmente conocido por su dibujo para el manga “Cloth Road”, ha trabajado también como diseñador en animes como Glass Fleet, Himawari!, Gunbuster 2 o Kamichu!. Como todo buen ilustrador que se precie, tiene una galería online: http://okama.nicomi.com/artIllust.html

-Yu Kinutani: Es ya algo veterano, incluso en España. Planeta publicó hace años su colección “Layla & Rei”, y suyas eran las ilustraciones del “Curso de Manga” publicado por la editorial Glénat. Sus obras mas célebres, eso si, no han llegado a España: “Leviathan” , “Shion”, y “Amon”, escrita por el ilustre Go Nagai.

-Kei Sanbe: Es otro valor joven que participa en la revista. En España tuvimos el placer (sobre todo visual) de conocerle gracias a “Kamiyadori”, que fue editado por Planeta hace un par de años. Además de colaborar en Robot, también ha realizado “Thestarotho” y “Hozuki no Shima”. Una pequeña muestra de su estilo: http://i585.photobucket.com/albums/ss297/Nezu_chan/Darkskin%20characters/Kamiyadori-Vivi.jpg

-Sho-U Tajima: Uno de los grandes ilustradores actuales, dibujante de un cómic tan célebre como “MPD-Psycho” (Glénat), y diseñador de personajes del segmento animado de Kill Bill.

-OTROS: Mami Itou (Pilgrim Jäger), YUG, SABE (PetoPeto-san), Shin Nagasawa (mardock Scramble), Mie Nekoi (especializado en parodias eróticas), HACCAN (ilustrador de videojuegos como Avalon Code o Mushihimesama), Ugetsu Hakua (Burst angel, Tower of druaga), Shigeki Maeshima (The book of bantorra), Yasuto Miura, MIGGY, Suzuhito Yasuda (Durarara!). Todos ellos también intervienen en el primer número, son menos “celebres” pero muchos demuestran tanto talento como el resto.