Le spectacle est conçu par Pavol Liska et Kelly Copper qui s’appuient sur la vie et les mots de l’américaine Kristin Worrall. Une longue conversation téléphonique au cours de laquelle elle se raconte, intimement, en confiant une quantité d’histoires à l’intérêt variable, a été enregistrée, recueillie, puis a été à peine revue et corrigée de sorte que sa langue conserve son oralité et ses gimmicks de langage, les « hum », « like », « just », « you know » qui reviennent à répétition amusent tant. Tout cela offre la matière textuelle d’un spectacle fleuve qui se présente sous la forme d’épisodes. Nous avons assisté au deuxième qui succède à la partie sur l’enfance. Cela commence au CE2, puis, le CM1, le CM2, la 6^e, les années collège défilent. Les thèmes abordés vont des fringues, des premiers petits amis, au premier baiser, la première cigarette, les parents, les profs, l’école, la sexualité, la déprime, les désillusions, le regard des autres auquel est accordée une si grande importance. Des préoccupations quotidiennes donc, banales. Le ton est apparemment léger, anecdotique. Son contenu peut paraître futile mais révèle justement ce que sont la vie et le rapport au monde, simple et profond, plus complexes qu’il n’y parait, de gamins de 12/14 ans.

Mais l’intérêt du spectacle est ailleurs et principalement dans la forme absolument originale et surprenante qui se déploie. De façon gratuite mais pas vaine, elle prend l’allure d’une comédie musicale retro qui flirte parfois avec un cours de gym particulièrement athlétique. Sur un plateau totalement nu que seuls une boule à facette et deux écrans de télévision surplombent, six solistes en survêtements et baskets de toutes les couleurs chantent l’intégralité de ce texte touffu et dansent sur une musique électro-disco-pop. 5 femmes et un homme, le génial et touchant Robert M. Johanson qui cosigne la musique originale, sont bientôt rejoints par une quinzaine de figurants, eux-mêmes chanteurs et danseurs qui déboulent comme des doubles des performeurs et qui, en renforçant le poids du collectif, forment un patchwork multicolore. Sans aucun temps morts, ils font l’exercice avec un humour ironique et joyeux, un entrain et une envie qui ne faiblissent pas. Le plaisir et l’énergie qu’ils y mettent sont communicatifs donnent la pêche et dérident la salle.

Connu pour leur single Something Good Can Work, les Two Door Cinema Club seront en concert au Zénith de Paris le 15 novembre prochain.

Pour l’instant le groupe se fait discret et n’a divulgué aucun titre. Il a néanmoins confessé en interview qu’il voulait remplir les stades et que pour cela il allait composer des chansons taillées pour « Si vous voulez jouer dans les stades, vous devez écrire des chansons pour les stades » a déclaré le bassiste Kevin Baird. Le petit groupe pop originaire de Bangor en Irlande du nord a donc revu ses ambitions à la hausse…

Le groupe a révélé à NME qu’il travaillait avec un grand producteur dont il a préféré taire le nom. Si leur premier album Tourist History avait été produit par le label français Kitsuné et mixé par Philippe Zdar de Cassius,  on sait pas encore si cette collaboration se poursuivra sur ce nouvel opus.

Que les impatients se rassurent, les Two Door Cinema Club feront la tournée des festivals français dont le Main Square d’Arras, le Big Festival de Biarritz ainsi que le Festival Beauregard.

Visuel : DR

Le résultat est un grand et joli spectacle qui va incontestablement ravir car il y règne un esprit de troupe magnifique qui donne à ce travail un aspect « théâtre du soleil » dont on aime le caractère festif et populaire, mais il est aussi une relative déception car il manque une nette vision de la pièce. Il y a de la fantaisie, de l’inventivité, de belles trouvailles. La meilleure est d’ordre scénographique avec cette longue route de terre et de verdure, du plus bel effet,qui suit un ancien chemin de fer à l’abandon, à la fois droite comme un trait et irrégulière, semée de pièges. Elle coupe l’espace en deux, matérialise l’itinérance du héros, son voyage fou et aussi le chemin de la vie, la quête initiatique que suit Peer, toujours sur le départ, constamment en fuite et en marche, à la recherche de lui-même. Sinon, le folklore dans la partie norvégienne est trop pesant tout comme l’exotisme de l’épisode au désert est trop appuyé. La faute en revient pour beaucoup à Christian Lacroix qui signe des costumes à quelques exceptions prêt d’une indigne laideur. La manière dont il a fagoté les jeunes filles de la ferme ne les rend pas bien affriolantes et il a étouffé la sensualité des femmes du désert sous des tuniques surchargées de babioles bruyantes. La scène des trolls paraît excessivement carnavalesque mais jamais véritablement étrange, encore moins inquiétante. Une esthétique moins conventionnelle, moins littérale aurait été une garantie de fraîcheur. Ce même reproche est à adresser à Eric Ruf qui propose une mise en scène trop illustrative, collé au texte. Il indique les choses sans les réinventer.

La mort de la mère est bien trop spectaculaire dans sa volonté de figurer le traineau qui dévale la pente, à quoi s’ajoute l’intervention des acteurs en noirs tenant des bougies, alors que la beauté déchirante de la scène réside dans l’intimité de Peer et de sa maman, dans l’immobilité physique qui contraste avec le déploiement d’un voyage dans l’imaginaire du fils. Par conséquent, l’émotion sera furtive mais à saisir dans la présence et le jeu de la merveilleuse Catherine Samie. Dès la première scène, elle est aussi ardante que tendre. Elle feint l’autorité  avec une bienveillance et un amour si beaux à voir. Et la manière dont elle s’enfonce dans la mort confine à la folie. Elle est sensible, légère et profonde. De nombreux seconds rôles tirent leur épingle du jeu, citons Nâzim Boudjenah dans Le Marié, Florence Viala plus pimpante dans la Dame en vert, qu’on dirait sortie d’un conte de fées revue par Jacques Demy, que dans son Anitra bollywoodienne, et surtout l’inénarrable Serge Bagdassarian qui est un bouffon d’opérette sensationnel dans le Roi des Trolls. Il donne d’ailleurs de la voix dans un passage chanté avec brio. 

Enfin, il y a Hervé Pierre que l’on n’attendait pas forcément dans le rôle-titre. Il parcourt tous les âges de la vie de Peer et étonne de bout en bout. Il est malin, drôle, touchant. Il prête ses traits matures au jeune adolescent Peer Gynt qui embrasse ses aspirations les plus folles et rêve de devenir roi, empereur. Dans la démarche et le corps, Hervé Pierre le fait garçonnet, bon bougre, vif et trapu, un peu solitaire, rêveur, c’est tout à fait crédible. Il manque nécessairement une flamme dans la première rencontre avec Solveig (Suliane Brahim, vêtue comme un petit santon, actrice fine et délicate), et on voit plus une accolade paternelle qu’une étreinte amoureuse dans les retrouvailles entre les deux quand elle quitte parents et foyer pour le rejoindre dans les bois. Hervé Pierre est au sommet à partir de l’épisode de l’Afrique et plus il avance dans ce role ambitieux, plus il gagne encore en épaisseur, en consistence. Son vieux Peer Gynt, vouté et barbu à la fin, et la célèbre scène de l’oignon sont d’une profondeur incroyable.

Ce premier jour du 65ème  festival de Cannes est marqué par une première : la diffusion, en compétition et en ouverture d’un film du réalisateur Wes Anderson. Autre originalité : son joli film, « Moonrise Kingdom » est une comédie…sur l’enfance.

Alors que l’on attend la conference de presse de Wes Anderson avec les acteurs de Moonrise Kingdom (Bruce Willis, Tilda swinton, Edward Norton et Bill Murray), l’accueil de la presse au film a été très positif : rires et applaudissements.

Suzy (Kara Hayward) vit dans une maison triste d’une île au large de la Nouvelle-Angleterre, la mère et le père (Bill Murray) ne s’entendent plus. Ses petits frères sont inintéressants et égoïstes; elle se refugie dans la lecture et l’ecoute d’un tube yéyé français. Un jour à un spectacle débile de son  école, elle rencontre l’un des jeunes scouts kakis de l’ile, le brillant Sam (Jared Gilman). Bien que Sam vive de l’autre côte de l’île, les deux ados asociaux se comprennent et se mettent à correspondre. Jusqu’au jour où Sam propose à Suzy de le suivre dans une aventure de recherche topographique. Le jeune-homme quitte sa troupe de scouts, au grand dam de son chef (Edward Norton a contre-emploi). Avec l’aide du chef de la police de l’ile (Bruce Willis, « triste et bete », selon les mots de la petite Suzy), ce dernier tente de récupérer les deux enfants… Mais même et surtout à  douze ans l’amour à la ténacité de tenir tête au monde des adultes.

Histoire d’amour décalée entre deux ados mal dans leur peau dans une île au large de la côte est de l’Amérique des années 1960, « Moonrise Kingdom » est film décalé où les adultes decoivent, ou l’ordre est la chose la plus terrifiante et où le réalisme touche à la paranoïa. Bref, un Wes Anderson a 300 %. Satire de l’ordre puritain, des scouts et reformulation entre un orphelin et une adolescente mal dans sa peau du théâtre de Roméo et Juliette, le film brille par sa poésie et ses dialogues. D’aucuns critiquent  une mise en scène extrêmement apprêtée où le réalisateur de « La famille Tennenbaum » semble parfois se parodier lui-même. Et d’autres apprécieront le culot tragicomique du réalisateur qui sexualise et rend adulte sans sourciller ses ados en culotte ou jupe courte et qui crée encore une fois tout un univers à partir d’un scénario simple et franc. En tout les cas, le sens des details du roux décalé touchera tous les publics, qu’il s’agisse des jumelles de l’héroïne, des tirades philosphiques du héros où des tocs de détresse des adultes, et malgré les crispations, il y a forcement une scène qui touche juste et fort pour chacun dans ce film. Un bijou en son genre, donc et agréable à suivre. Les medias en goguette à Cannes ont reçu cette bouffée d’air frais avec reconnaissance, sachant que les autres films (Haneke, Nichols et meme Cronenberg) vont plonger dans des affres moins oniriques.

Moonrise Kingdom, de Wes Anderson, avec Bruce Willis, Tilda swinton, Edward Norton et Bill Murray, USA, 1h33 min.En competition.

Pop, électro funk ou encore new disco, il est un peu difficile de classer Jupiter dans une seule case. Ce qui est sûr c’est que le duo a amené un vent de fraîcheur dans le paysage électronique français en apportant quelque chose qui y manquait sévèrement: des paroles !

L’arrivée de Jupiter comble donc un vrai manque, c’est bien pour cela que sa carrière démarre en trombe à la sortie de son 1^er single Starlighter en 2009. S’en suivent des remixes pour Metronomy, Anoraak ou encore The Two Doors Cinema Club qui sont tous couronnés de succès et définissent une bonne fois pour toute le style du duo.

Aujourd’hui Quarles et Amélie reviennent sur le devant de la scène avec leur premier long format «Juicy Lucy», une petite boîte à trésors qui renferme 11 titres dans le style « happy pop »  auquel ils nous ont habitué. L’album sortira le 4 Juin, en attendant voici le 1^er single « One O Six » ainsi que les remixes de Turzi, Juveniles, The Supermen Lovers et A.N.D.Y

Né en 1928 à Panama, Carlos Fuentes, fils de diplomates, passe une enfance vagabonde en Amérique Latine et Amérique du Sud avant de

retourner au Mexique. Il y étudie le droit puis rejoint le prestigieux Institut d’Etudes Internationales de Genève où il se lance dans les affaires étrangères. Cette passion du voyage, il l’a toujours gardée, vivant entre Mexico, Paris et Londres et enseignant aux Etats-Unis.

Parallèlement, il se met à écrire. Son premier roman, La Plus Limpide Région, paru en 1958, est une critique fine et acerbe de la société mexicaine de son temps. Diplomate, romancier, novelliste et scénariste, Carlos Fuentes, homme de lettres engagé, était souvent pressenti pour un prix Nobel de Littérature. Il obtient néanmoins, en 1987, l’illustre prix Cervantès pour l’ensemble de son oeuvre.

En 1992, François Mitterrand lui décerne la Légion d’Honneur et aujourd’hui, c’est l’actuel président de la République, François Hollande, qui lui rend un dernier hommage dans son communiqué: « Je salue le grand écrivain de l’identité mexicaine, qui a si bien su exprimer le génie de ce pays confluent, à travers une production littéraire profondément riche et originale (…) Au nom de la France, je salue avec respect ce nom de la littérature universelle, et ce grand ami de notre pays« .

Cela commence par un silence des mots pour un assourdissant vent. Le plateau est blanc, en fond un rideau découvre quand il se soulève un immense ventilateur et une porte. Un homme, gris, se perd. Des femmes, en fourrure le cherche. On comprend vite qu’il est atteint de la maladie d’Alzheimer et la question du spectacle est posé : Que doit-il oublier ou plutôt : « Qui se souvient ? ».

Dans la ville les rats rodent par centaines, semblant flairer l’abjecte. « Les morts parlent aux vivants avec les moyens dont ils disposent ». »Une injustice est restée impunie, c’est ça les rats.

Ne dévoilons rien même si, est cela est dommage, le spectateur apprendra extrêmement vite ce qu’il est arrivée à Noëlla, à sa mère Jackie. Et ce que ce père mourant, immense poète en même temps qu’immense salaud a fait.

Temps se déroule par 60 degrés, aux confins du Labrador. La ville est dure, minière. Dans ce cadre, la famille perdue depuis 40 ans se retrouve : deux frères jumeaux, l’un russe, l’autre soldat et une sœur muette. Pour accéder à l’histoire insoutenable, Mouawad invoquent deux traductrices. On verra la langue des signes traduite en français puis en russe. Comme si le voyage des mots n’étant ici que douleur nécessitait un temps de passage.

Ce Temps aura duré 40 ans, « Il faut du temps pour faire court ». Mais la prophétie se réalisera et les rats pourront quitter la ville. Les comédiens, tous immenses, ont eu le texte entre les mains 48 heures avant la création à la schaubühne ; Economie de temps, de moyens. Le spectacle dure 1H45, il se modifie sans cesse nous confie en sortie de plateau Gerald Gagnon, jouant un frère. « La chronologie a déjà changée » nous livre-t-il.

Temps apparaît en mouvement tout en installant déjà des bases solides. Que ce soit dans le nom des personnages : le monstre s’appelle Lapierre (incroyable Jean-Jacqui Boutet), sa femme, aveuglée par l’amour : Blanche. Les scènes sont rythmées, par la voix de Bertrand Cantat dont les vibrations poussent à de dérangeantes pulsions et, par des flèches tirées à l’arc par celle qui jouant les chœurs antiques, vient tracer la route vers une fin inéluctable. Il y a des armes dans ce spectacle, le public sera même visé, mais ce qui fait mal ici est la question du faux secret, partagé et caché par tous.

Comme pour Incendies, Wajdi Mouawad nous saisit immédiatement pour nous emmener dans le cercle immonde de l’horreur présentée au sein de la plus petite société, celle de la famille. Temps offre plusieurs niveaux de lectures, questionnant aussi l’identité de l’artiste en affirmant qu’il ne fait pas un avec son œuvre. Temps ne montre pas. Temps dit, souligne, insinue.  C’est le vent, où il fait très froid dans nos corps frissonnants  ?

Visuel : @Jean Louis Fernandez

Cette affaire politique ébranla la France après l’arrestation et la condamnation du capitaine Alfred Dreyfus d’origine juive-alsacienne. Accusé d’espionnage pour le compte de l’Empire allemand, condamné au bagne puis déporté sur l’île du Diable, il ne fut innocenté qu’en 1906 en partie grâce à la mobilisation d’une partie de la classe intellectuelle française, dont Emile Zola et son historique « J’accuse… ! » paru dans L’Aurore en 1898. Ce scandale judiciaire sans précédent dévoila surtout les profonds clivages idéologiques de la France d’avant 1914.

« J’ai longtemps voulu faire un film sur l’affaire Dreyfus, en le traitant non pas comme un film en costumes, mais comme une histoire d’espionnage », a déclaré Roman Polanski, au site américain Hollywood Reporter.

Si aucune information sur le casting n’a encore fuité, on sait que Polanski a fait appel à Robert Harris, auteur et scénariste de The Ghost writer.

Le tournage devrait commencer avant la fin de l’année, à Paris bien sûr !

Dans cet album, la simplicité rejoint la densité aboutie de la structure musicale, comme c’est toujours le cas avec Avishaï Cohen. Certains morceaux empruntés à des figures tutélaires du jazz sont comme subtilement déconstruits. Ainsi Criss cross, morceau d’anthologie de Thélonious Monk, batterie, piano et saxo à l’origine, ressort plus rythmé et fiévreux avec pourtant leurs seuls piano et contrebasse. De même, le mélancolique Central Park West de Coltrane, revisité, en devient presque contemplatif. D’autres morceaux encore émaillent ce bel album: Calm, composition originale d’Avishaï Cohen, extrait de son album Continuo, est plus souple et moins nerveux qu’à l’origine. Le titre Soof, encore, petite merveille qui rappelle un peu la ligne mélodique de Nunu, toujours de l’album Continuo, mais en plus épurée. D’autres encore, le méditatif Ballad for an unborn ou l’interrogatif Signature laissent après écoute une belle trace émotionnelle. Duende est une bulle qui aspire à l’éphémère du moment ; mais cet album marque dans son sillage une réelle empreinte musicale.

L’impression plutôt que la structure figée donc… Le piano du tout jeune Nitaï Hershkovits a en effet une fraîcheur aigue, une lumière évidente. Mais la contrebasse d’Avichaï Cohen, voix basse et calme, tend plus vers le clair-obscur, le chiaroscuro nuancé. Le clair piano vient à nous simplement, mais il nous faut aller chercher l’ombrageuse contrebasse ; on entend le premier, mais on écoute la seconde. L’attention est sur le jeu solaire de Nitaï Hershkovits et la tension sur le jeu arqué d’Avichaï Cohen…Et cela fonctionne parfaitement, un duo complémentaire plutôt qu’une dualité, chacun faisant jaillir de l’autre le meilleur. Car le véritable dialogue est entre Avishaï Cohen et sa contrebasse ; le piano sonne comme une tierce voix qui donne du relief à ce « dialogue solitaire ». Et il fallait tout le talent de ce pianiste profond et sensible pour comprendre que cela se passe au-delà de lui, même si sa présence est absolument nécessaire.

Et peut-être que tout est résumé dans le titre Duende…ce mot quasi intraduisible emprunté au poète Federico Garcia Llorca pour expliquer l’expérience du Flamenco. Le Duende, ou feu sacré, permet de faire la différence entre la véritable inspiration et l’imposture. A la fois muse et ange, il naît de la lutte avec soi ou/et son autre. Et pour qui connait l’oeuvre d’Avishaï Cohen, le mot Duende sonne juste. Car il faut l’avoir vu en concert, arc bouté sur sa contrebasse, moderne Jacob luttant avec/contre son ange. Et si ses concerts emportent tant d’enthousiasme dans le public, c’est qu’ils sont comme autant de cérémonies d’une subtile liturgie dont il serait le prêtre ( !). Nulle religiosité dans cela, mais plutôt une expérience musicale qui tend vers l’expérience spirituelle….le duende.

L’album sort le 21 mai, chez Blue note. Concerts: Café de la Danse, 28 juin 2012.

Hassina MECHAÏ

Après Carole Bouquet,Catherine Deneuve, Nicole Kidman et Audrey Tautou le nouveau visage du parfum Chanel N°5 est un homme et pas n’importe lequel!

Le tournage aurait commencé cette semaine à Londres et le spot sera diffusé en fin d’année…

Iggy Pop avait déjà préparé le terrain dès son album précédent en reprenant les Feuilles Mortes, mais cette fois- ci c’est un album entier qu’il consacre à des reprises. Il se tourne donc vers cinq classiques de la chanson française, qu’il interprète d’une manière très crooner dans la langue de Molière. Les cinq autres chansons sont des reprises des Beatles, de Frank Sinatra et d’Harry Nilsson. Si les titres ne marqueront pas l’histoire de la musique, ils se démarqueront par leur sobriété et par une production épurée.

Pour sortir Après, Iggy a choisi comme Prince il y a quelques années les sentiers battus. Il quitte donc EMI et choisit le site Vente Privée.com pour écouler l’album. « Tout ce qu’une maison de disque n’a jamais fait pour moi c’est m’humilier, me tourmenter, me démoraliser » confie le chanteur. » Ils auraient préféré que je fasse un album de rock avec de jeunes punks populaires » renchérit il.

L’album aurait selon lui pu s’appeler Entre deux car c’est un album de transition, la suite et le meilleur d’Iggy est donc peut être à venir…

Liste des titres :

1. Et si tu n’existais pas (Joe Dassin)
2. La Javanaise (Serge Gainsbourg)
3. Everybody’s Talkin (Harry Nilsson)
4. I’m Going Away Smiling (Yoko Ono)
5. La Vie en Rose (Edith Piaf)
6. Les Passantes (Georges Brassens)
7. Syracuse (Henri Salvador)
8. What Is This Thing Called Love ? (Cole Porter)
9. Michelle (The Beatles)
10. Only the Lonely (Frank Sinatra)

Visuel (c) : Best Of Iggy Pop

Iggy Pop : Après

Ce mannequin brésilien, au corps sublime, qui pose en maillot de bain dans un décor de rêve serait trop bronzé. Selon de nombreuses associations de dermatologues et de lutte contre le cancer de la peau le message véhiculé par ces publicités inciterait au bronzage excessif, donc entraînerait les femmes à la consommation abusive d’UV.
H&M qui a réagi très rapidement a tenu à présenter ses excuses et prendra compte de tous les commentaires pour ses futures campagnes.

H&M continue donc sereinement sa campagne qui connait malgré tout un franc succès.

Visuel : (c) HetM

L’Exposition « Gleizes-Metzinger : Du Cubisme et après » nous donne à revoir et réinterpréter le cubisme à l’aune de ses artistes les moins connus, En France, Metzinger n’eut comme dernière exposition que celle de 1953. Gleizes, quoique plus représenté, ne laisse semble-t-il un souvenir qu’aux Etats-Unis.

Ce sont pourtant ces deux artistes qui signeront, en 1912, le premier traité théorique sur le cubisme (Du « Cubisme »), un an avant le célèbre Les Peintres cubistes d’Apollinaire ; qui seront les relais de l’art cubiste entre les diverses avant-gardes parisiennes ; qui fédéreront les Duchamp et Villon autour de la Section d’Or, véritable groupe de recherche tentant de retrouver l’harmonie de la forme et de la couleur dans le nombre d’or. Gleizes et Metzinger, sans jamais entrer dans l’abstraction, ouvrent ainsi tout un pan mathématique à l’art en lui permettant de réfléchir sur la proportion de la nature et la totalité de l’objet.

L’exposition commence bien heureusement par une perspective croisée sur les deux artistes, sans toutefois tomber dans la facilité d’une superposition : tout oppose Gleizes et Metzinger, est-il rappelé, – leur milieu, leur parcours, leur mode de vie. Ainsi, l’impressionnisme et le goût pour le dessin de l’un contraste d’avec le pointillisme et le néo-impressionnisme presque fauve, parfois, de l’autre. Cette première période s’achève par la rencontre des deux artistes bientôt amis en 1910, et souligne dans le même temps que cette divergence dans l’approche de la peinture aboutit dans les deux cas à l’émergence du cubisme.

La deuxième partie est consacrée au groupe de la Section d’Or, fer de lance d’une nouvelle avant-garde qui fera le pont entre les très solitaires Picasso et Braque, et les œuvres des Duchamp, Villon, Gleizes et Metzinger, ces derniers apparaissant très vite comme les chefs de file du courant cubiste, lors de la première exposition de la Section d’or, Picasso et Braque en étant absents. On appréciera le choix de la commissaire de rendre cette ambiance particulière, offrant les tableaux d’un groupe et non seulement des deux principaux artistes : on y voit la diversité de leur production, la naissance d’un cubisme bien loin des clichés (notamment celui d’une peinture terne, sombre et volumétrique) : la palette de couleurs large, parfois acidulée de l’Oiseau de Léopold Survage (1915) contraste d’avec le traité rectiligne des figures et immédiatement cubistes, fermé dans son approche de la couleur d’œuvres telles le Portrait du poète Paul Catiaux de Henri Le Fauconnier (1910), et de son pendant : Les Arbres, d’Albert Gleizes (1912), parfaitement mis en valeur. Tous ces artistes se lient dans la recherche constante d’une voie nouvelle à l’art, d’un cubisme en formation.

La troisième et dernière section retrouve l’opposition entre Gleizes et Metzinger dans leurs parcours respectifs après 1914 : la Guerre signe la dispersion du groupe cubiste et le renouvellement de la forme picturale – exit les corps décomposés, morcelés, que l’on ne voit que trop sur le front. Gleizes, qui s’installe aux Etats-Unis, retrouve le thème de la modernité plutôt que la fragmentation du corps : c’est un Port peint en 1917, mêlant en son sein toutes les villes et toutes les perspectives ; ce sont des peintures « rythmées », des compositions, des arabesques prenant bientôt le pas sur l’aspect encore réaliste des études cubistes. Metzinger, quant à lui, poursuit dans la même voie à Paris avant d’amorcer un retour à la figuration : ce sont Paysage de banlieue (1924) ou L’Ecuyère (1924), notamment. Metzinger cherche une nouvelle manière et, dans le même temps, à vendre ses œuvres, quitte à créer de nouvelles œuvres cubistes (antidatées de 1910-1915).

Nous retenons ainsi une exposition claire et construite, précise et tout-à-fait mesurée, ne cherchant pas la facilité : elle nous montre les deux voies du cubisme, et ses deux issues ; Gleizes et Metzinger faisant tous deux figures d’exemples par l’œuvre.

Nous ne saurions trop vous recommander d’aller saluer un travail méconnu, qui plus est dans un parcours parfaitement mené.

Crédits photos :

Visuels : Albert Gleizes, Femmes assises devant une fenêtre (détail), 1914 © ADAGP, Paris 2012. Collection privée Solange Landau New York ©  photo maison de vente Aguttes. – Jean Metzinger (détail), Le Goûter, 1917 © ADAGP, Paris, 2012. Courtesy galerie Daniel Malingue, Paris – La Poste – S.A. au capital de 3 400  000 euros – 356 000 000 RCS PARIS Siège Social : 44 boulevard de Vaugirard – 75757 PARIS CEDEX 15 – Graphiste Ph. Rodier, l’Adresse Musée de la Poste, 2012

Jean Metzinger, Maternité, 1911, huile sur toile, 91,5×64,8. Courtesy J. de la Beraudière.

Albert Gleizes, Maternité glorieuse, 1935-1937, huile sur toile, 99×75. Fondation Albert Gleizes © photo Jean Bernard.

Pour avoir la chance d’écouter les rap west coast de Cypress Hill, les parisiens de 1995 ou encore le flow trip hop de Chinese man… jouez !

Valentin Loellmann Seasons

Le designer allemand présente à la galerie Gosserez deux collections  de mobilier jumelles. Intitulé Fall/Winter et Spring/Summer, elles témoignent d’une expression organique recherchée, et d’une esthétique éloignées des géométries habituelles.

Galerie Gosserez 3, rue Debelleyme 75003 Paris
Du 15 mai au 13 juillet 2012
Vernissage le 15 mai

Samuel Benchetrit

Plutôt connu pour ses talents de cinéaste et d’acteur, Samuel Benchetrit présente pour la première fois et en toute simplicité cette facette encore inconnue de son travail d’artiste. C’est la galerie W qui a donc l’honneur d’inviter le réalisateur de J’ai toujours rêvé d’être un gangster qui expose une série de toiles.

La galerie W 44 rue Lepic 75018 Paris
Du 19 mai au 1^er juin
Vernissage le 19 mai de 15h à 18h

Ester Grossi The Line Bellow
C’est à la galerie Rue Beauce qu’ Ester Grossi s’expose du 21 mai au 30 juin.

Rue Beauce ; 3 rue Beauce 75003 Paris
Vu 21 mai au 30 juin
Vernissage le 20 mai de 16h à 21h.

Visuel (c) : Samuel Benchetrit et Ester Grossi

Hier soir, dans le cadre du Festival ÅÄÖ, la Maroquinerie revêtait des couleurs suédoises : blondeur, fraîcheur de printemps, design aux murs, menu et cocktails spéciaux, ainsi que couronnes de fleurs peuplaient la jolie cour du lieu en effervescence. Au sous-sol, sur scène, deux égéries de la scène contemporaine suédoise se sont succédées : Jennie Abrahamson et Frida Hyvönen. Quelques grammes de cheveux longs et de voix hautes perchées dan un monde de bruit et de fureur…

Définitivement Folk, cheveux bruns néo-hippie, c’est très bien entourée que la superbe voix de Jennie Abrahamson a envoûté une Maroquinerie très calme et très concentrée. Textes en anglais et nostalgie de circonstance!

Petit pause, le temps de déguster un cocktail vodka-sureau griffé ÅÄÖ et Frida Hyvönen entre en scène accompagnée de son fidèle guitariste et … habillée en superhéroïne, combinaison noire en latex, petit gilet jaune layette et grande cape dorée. Elle aussi, fraicheur scandinave oblige, a une couronne de fleurs dans les cheveux.

Star nationale depuis une dizaine d’années, la chanteuse a développé un art qui puise autant dans son journal intime que dans les rythmes saccadés des années 1980. Le résultat est tout simplement bluffant de diversité: accrochée à son piano et maitrisant parfaitement les soubresauts de sa voix plastique Frida Hyvönnen transmet des kilomètres d’émotion… en anglais. Il y a la mort de sa grand-mère, une chanson pour sa meilleure amie, une chanson d’adolescence sur les revers de la liberté sexuelle, et même un peu de disco nostalgique avec des titres comme « Terribly dark » extrait de son dernier album, « To the Soul » (2012).

Aussi généreuse que perfectionniste, la jolie super-chanteuse a fini par au moins quatre bonus, dont « Dirty Dancing » et  en guise d’élégant au-revoir, « saying goodbye ». Et à tout bientôt on espère.

Entretemps, le festival ÅÄÖ continue, lui, jusqu’à demain soir. Toute la prog ici.