Siempre en mi recuerdo uno de mis poetas más amados, Paul Celan, que se fue entre las aguas del Sena, un día como hoy, de hace 56 años.

«Recuerdo de Francia»

Piensa conmigo: el cielo de París, el gran cólquico otoñal…
Compramos corazones a las floristas.
Eran azules y se abrían en el agua.
Comenzó a llover en nuestra habitación
y nuestro vecino llegó, Monsieur Le Songe, un hombrecillo enjuto.
Jugamos a las cartas, perdí mis pupilas;
me prestaste tu cabello, lo perdí, él nos abatió.
Salió por la puerta, seguido por la lluvia.
Estábamos muertos y podíamos respirar.

Paul Celan

De: Amapola y memoria – La arena de las urnas, 1952
Recogido en Paul Celan – Obras Completas
Traducción de José Luis Reina Palazón
Ed. Trotta – Septima Edición 2013©
ISBN: 978-84-8164-297-1

Poema original en alemán:

«Erinnerung an Frankreich»

Du denk mit mir: der Himmel von Paris, die große Herbstzeitlose . . .
Wir kauften Herzen bei den Blumenmädchen:
sie waren blau und blühten auf im Wasser .
Es fing zu regnen an in unserer Stube ,
und unser Nachbar kam, Monsieur Le Songe, ein hager Männlein.
Wir spielten K arten, ich verlor die Augensterne;
du liehst dein Haar mir, ich verlors, er schlug uns nieder.
Er trat zur Tür hinaus, der Regen folgt’ ihm .
Wir waren tot und konnten atmen.

Paul Celan

Door: Mohn und Gedächtnis – Der aus den urnen, 1952

Paul Celan nació en Czernovitz, en Rumania, el 23 de noviembre de 1920.
Poeta alemán de origen judío-rumano y habla alemana, considerado por la crítica internacional como el más grande lírico en alemán de la II postguerra.
Tradujo del francés, el ruso, el inglés, el portugués, el italiano y el hebreo. Sus obras más notables dentro de este campo fueron la traducción al alemán de las obras de Arthur Rimbaud, Ósip Mandelshtam, Paul Valéry, William Shakespeare, Emily Dickinson, René Char y Emil Cioran.
Su primer libro de poemas, Amapola y memoria, de 1952, incluye su poema más famoso: Todesfuge, traducido como Muerte en fuga o Fuga de la muerte, escrito en 1948, en el que hace una descripción del campo de exterminio nazi de Auschwitz-Birkenau y en el que calca la estructura musical de la fuga.
Murió en las aguas del río Sena, después de arrojarse desde el Puente de Bir Hakeim de París, la madrugada del 19 al 20 de abril de 1970.

También de Paul Celan en el enlace:

«Paul Celan: Recuerdo de Francia»: AQUÍ

«Paul Celan: Fuga de la muerte»: AQUÍ

«Paul Celan: Juntos»: AQUÍ

«Paul Celan: La palabra dolor»: AQUÍ

«Paul Celan: Lo real»: AQUÍ

«Paul Celan: En el carro de las serpientes»: AQUÍ

«Paul Celan: Siete rosas más tarde»: AQUÍ

«Paul Celan: No te escribas…»: AQUÍ

«Paul Celan: Nana»: AQUÍ

«Paul Celan: Las ánimas»: AQUÍ

«Paúl Celan: Las eternidades cruzaron…»: AQUÍ

«Paúl Celan: Oí decir»: AQUÍ

«Paúl Celan: Una canción en el desierto»: AQUÍ

«Paúl Celan: Oigo tanto de vosotros»: AQUÍ

«Paúl Celan: Nana»: AQUÍ

«Paul Celan: Tienes que desmezclar…»: AQUÍ

«Paul Celan: Con la paloma de la paz…»: AQUÍ

«Paul Celan: Posesión del sueño»: AQUÍ

«Paul Celan: La esclusa»: AQUÍ

«Paul Celan: En Praga»: AQUÍ

«Paul Celan: La siembra de luz a libre viento»: AQUÍ

«Paul Celan: Tierra firme»: AQUÍ

«Paul Celan: Toda la vida»: AQUÍ

«Paul Celan: Tardío y profundo»: AQUÍ

«Paul Celan: Media Noche, de La arena de las urnas»: AQUÍ

«Paul Celan: La única luz, de Amapola y memoria»: AQUÍ

«Paul Celan: Había tierra en ellos…»: AQUÍ

«Paul Celan: Ante las puertas»: AQUÍ

«Paul Celan: Tenebrae»: AQUÍ

«Paul Celan: Shibboleth»: AQUÍ

«Paul Celan y Miguel Veyrat en Poniente»: AQUÍ 

«Paul Celan: Canción a una dama en la sombra»: AQUÍ 

«Paul Celan: Bisiestos siglos… «: AQUÍ

«Paul Celan: Corona, de La arena de las urnas»: AQUÍ

«Paul Celan: Argumentum e silentio»: AQUÍ

«Paul Celan: Amor dormido»: AQUÍ

Bibliografía:

Der Sand aus den Urnen – 1948 – (La arena de las urnas)
Mohn und Gedächtnis – 1952 -(Amapola y memoria. Traducción y notas de Jesús Munárriz. Edición bilingüe. Madrid, Ediciones Hiperión, 1985; 3.ª edición revisada, 1996).
Von Schwelle zu Schwelle – 1955 – (De umbral en umbral. Traducción y noitas de Jesús Munárriz. Madrid, Ediciones Hiperión, 1985).
Sprachgitter – 1959 – (Rejas de lenguaje/Reja de locutorio)
Gespräch im Gebirg (texto poetológico sobre el desencuentro con Adorno) – 1959 – (Conversación en la montaña)
Der Meridian (discurso pronunciado al recibir el premio Georg Büchner en 1960, impreso en 1961 – (El Meridiano)
Die Niemandsrose – 1963 – (La rosa de Nadie)
Atemwende – 1967 – (Giro del aliento/Cambio de aliento)
Fadensonnen – 1968 – (Soles de hilo/Soles-filamentos)
Lichtzwang (póstumo) – 1970 (Compulsión de luz/Luz a la fuerza)
Schneepart (póstumo) – 1971 (Parte de la nieve/Particela de nieve)
Zeitgehöft (póstumo) – 1976 – (Patios de tiempo/Granja de tiempo)
Das Frühwerk – 1989 (obra de juventud)
Die Gedichte – 2003 – obra poética completa – Editada por Barbara Wiedemann

Otras traducciones de José Luis Reina Palazón en este blog:

«Anne Sexton: Maldición contra las elegías»: AQUÍ

«Anne Sexton: Coraje»: AQUÍ

«Anne Sexton: Los rastreadores del mal»: AQUÍ

«Anne Sexton: Nieve»: AQUÍ

«Anne Sexton: Puertas cerradas con llave»: AQUÍ

«Anne Sexton: En armonía con los ángeles»: AQUÍ

«Anne Sexton: Vieja»: AQUÍ

«Anne Sexton: La noche estrellada»: AQUÍ

«Anne Sexton: El beso»: AQUÍ

«Anne Sexton: Después de Auschwitz»: AQUÍ

«Anne Sexton: Sólo una vez»: AQUÍ

«Anne Sexton: Divorcio»: AQUÍ

«Stefan George: Llamas»: AQUÍ

«Stefan George: El juramento»: AQUÍ

«Herta Müller: Conozco el fresno ese…»: AQUÍ

«Herta Muller: Madre se convirtió en una ortiga…»: AQUÍ

«Herta Muller: Madre se convirtió en una ortiga…»: AQUÍ

«Nelly Sachs: Pueblos de la tierra»: AQUÍ

«Nelly Sachs: Quien por último…»: AQUÍ

«Nelly Sachs: Coro de las estrellas»: AQUÍ

«Nelly Sachs: Coronado de espinas»: AQUÍ

«Nelly Sachs: Números»: AQUÍ

«Nelly Sachs: Coro de los muertos»: AQUÍ

«Georg Trakl: La tarde»: AQUÍ

«Georg Trakl: Alma de la vida»: AQUÍ

«Georg Trakl: Grodek»: AQUÍ

«George Trakl: La iglesia muerta»: AQUÍ

«George Trakl: De profundis»: AQUÍ

«Georg Trakl: De profundis II»: AQUÍ

«Georg Trakl: Queja»: AQUÍ

«Anna Ajmatova: La calumnia»: AQUÍ

«Anna Ajmatova: Cayó la palabra petrificada»: AQUÍ

«Anna Ajmatova: Último brindis»: AQUÍ

«Boris Pasternak: El libro de la estepa»: AQUÍ

«Friederike Mayröcker: Torre de Hölderlin…»: AQUÍ

«Erich Fried: Covada de las lágrimas»: AQUÍ

«Erich Fried: La calma»: AQUÍ

Odilon Redon

Nació en Burdeos, Francia, el 20 de abril de 1840.
Está considerado un pintor postimpresionista, aunque es uno de los máximos exponentes del movimiento simbolista en Francia, y uno de los iniciadores del surrealismo pictórico.

Se formó como grabador, litógrafo y escultor.

En 1870 se unió al ejército al desencadenarse la guerra franco-prusiana.

Pasada la guerra, ya en París, trabajó casi exclusivamente dibujos a carboncillo y la litografía, durante largos años.

Su obra se mantuvo casi en el anonimato hasta que se publicó una novela de culto en 1884, «À rebours», de Joris-Karl Huysmans, en la que aparece un aristócrata decadente que coleccionaba dibujos de Redon.

Gran admirador de Edgar Allan Poe y  Charles Baudelaire, de quien ilustró varias publicaciones y de los científicos Armand Clavaud y Charles Darwin, de todos ellos recibiría una gran influencia en su pintura.

Fundó  en 1884, junto a otros artistas, el Salón de Artistas Independientes, que buscaba exponer libremente, sin el encosertamiento del Salón Oficial de París.

En un principio, la pintura de Redon manifestó una oposición al impresionismo, así como los impresionistas trabajaban en el experimento del color, Redon trabajó en una magnifica serie de dibujos y litografías, a la que él mismo llamaría «Los Negros».

«Toda mi originalidad consiste en dar vida, de una manera humana, a seres inverosímiles y hacerlos vivir según las leyes de lo verosímil, poniendo, dentro de lo posible, la lógica de lo visible al servicio de lo invisible.»

En su iconografía poética de lo corriente derivado en extravagante y místico se halla la clave tanto del entusiasmo suscitado por su trabajo en contemporáneos, como los Nabis, y su futura consideración como precursor del surrealismo.

Hasta 1890 su trabajo fue casi exclusivamente en blanco y negro, pero poco a poco, y rondando ya los cincuenta años, sus litografías se tornaron más luminosas, hasta alcanzar finalmente el color.

Es entonces cuando las litografías y dibujos al carbón fueron sustituidos por acuarelas y óleos.

Sus temas siguieron siendo los mismos: mitos clásicos, orientales, bíblicos, literarios y científicos adaptados a su particular y un tanto alucinada visión interior.

Pintó así mismo un buen número de retratos, naturalezas muertas, flores y paisajes postimpresionistas de una notable calidad.

Murió en París, el 6 de julio de 1916.

Su obra está representada en los más importantes museos franceses, europeos y en el resto del mundo, siendo sus cuadros altamente cotizados en las más importantes casas de subastas.

*Esta entrada fue publicada en este blog el 11 de marzo de 2011. Ha sido actualizada y ampliada el 20 de abril de 2026.

«Maldición contra las elegías»

Ay, amor, ¿por qué discutimos así?
Estoy cansada de tu charla piadosa.
Igual de cansada estoy de los muertos.
Ellos no quieren escuchar,
así que déjalos en paz.
Sal por fin del cementerio,
ellos están ocupados co su estar muertos.

Cualquiera fue siempre culpable de algo:
la última jarra vacía de bebida,
los clavos mohosos y las plumas de gallina,
clavados en el barro ante la puerta trasera,
los gusanos que viven bajo la oreja del gato,
y el predicador de labios finos
que rehusaba pasar de visita
excepto una vez, un día de calor agobiante,
cuando llegó arrastrando los pies por el jardín
buscando una víctima propiciatoria.
Me escondí en la cocina bajo el saco de recortes.

Me niego a recordar a los muertos.
Y los muertos se aburren de todo eso.
Pero tú ─ tú, adelante,
insiste, vuelve
al cementerio,
échate donde crees que están sus caras;
replica con frescura a tus viejas pesadillas.

Anne Sexton

De: Todos mis seres queridos, 1962
Recogido en Anne Sexton – Poesía Completa
Traducción de José Luis Reina Palazón
Ed. Linteo Poesía 2012©
ISBN: 978-84-96067-89-9

Poema original en inglés:

«A curse against elegies»

bucked me like a horse, my elevators turned
and fear blew down my throat, that last profane
gauge of a stomach coming up. And then returned
to land, as unlovely as any seasick sailor,
sincerely eighteen; my first story, my funny failure.
Maybe Rose, there is always another story,
better unsaid, grim or flat or predatory.
Half a mile down the lights of the in-between cities
turn up their eyes at me. And I remember Betsy’s
story, the April night of the civilian air crash
and her sudden name misspelled in the evening paper,
the interior of shock and the paper gone in the trash
ten years now. She used the return ticket I gave her.
This was the rude kill of her; two planes cracking
in mid-air over Washington, like blind birds.
And the picking up afterwards, the morticians tracking
bodies in the Potomac and piecing them like boards
to make a leg or a face. There is only her miniature
photograph left, too long now for fear to remember.
Special tonight because I made her into a story
that I grew to know and savor.
A reason to worry,
Rose, when you fix an old death like that,
and outliving the impact, to find you’ve pretended.
We bank over Boston. I am safe. I put on my hat.
I am almost someone going home. The story has ended.

Anne Sexton

In: All my pretty ones, 1962

Anne Gray Harvey, nombre real de Anne Sexton, nació en Boston, Massachusetts, el 9 de noviembre de 1928.
La obra de Anne Sexton, nos ofrece una visión íntima de la angustia emocional que caracterizó toda su vida; convirtió la experiencia de ser mujer en el tema central en su poesía, la suya fue la figura moderna del poeta confesionalista, aunque recibió numerosas críticas por los complicados temas que trató, como la menstruación, el aborto y la drogadicción, entre otros.
Obtuvo el Premio Pulitzer de Poesía en 1967.
El 4 de octubre de 1974 almorzó con Maxine Kumin, y al volver a casa de Boston se ​​puso el abrigo de piel de su madre, se quitó sus anillos, se sirvió un vaso con vodka, se encerró en el garaje y encendió el motor de su automóvil, suicidándose por intoxicación por monóxido de carbono.

También de Anne Sexton en este blog:

«Anne Sexton: Maldición contra las elegías»: AQUÍ

«Anne Sexton: Coraje»: AQUÍ

«Anne Sexton: Los rastreadores del mal»: AQUÍ

«Anne Sexton: Nieve»: AQUÍ

«Anne Sexton: Puertas cerradas con llave»: AQUÍ

«Anne Sexton: En armonía con los ángeles»: AQUÍ

«Anne Sexton: Vieja»: AQUÍ

«Anne Sexton: La noche estrellada»: AQUÍ

«Anne Sexton: El beso»: AQUÍ

«Anne Sexton: Después de Auschwitz»: AQUÍ

«Anne Sexton: Sólo una vez»: AQUÍ

«Anne Sexton: Divorcio»: AQUÍ

Obra traducida al castellano:

El asesino y otros poemas (Antología) – 1996.
Vive o muere – 2008
Transformaciones (Selección y traducción de 11 textos, de los 16 del libro original) – 2009.
Poemas de amor. Edición bilingüe. – 2009
Quince poemas. – 2011.
Poesía completa. Edición bilingüe. Traducción, introducción y notas de José Luis Reina Palazón. Ediciones Linteo

Otras traducciones de José Luis Reina Palazón en este blog:

«Paul Celan: Recuerdo de Francia»: AQUÍ

«Paul Celan: Oí decir»: AQUÍ

«Paul Celan: Las eternidades cruzaron»: AQUÍ

«Paul Celan: Una canción en el desierto» AQUÍ

«Paul Celan: Oigo tanto de vosotros»: AQUÍ

«Paul Celan: Tienes que desmezclar…»: AQUÍ

«Paul Celan: En Praga»: AQUÍ

«Paul Celan: Con la paloma de la paz…»: AQUÍ

«Paul Celan: Posesión del sueño»: AQUÍ

«Paul Celan: Argumentum e silentio»: AQUÍ

«Paul Celan: La siembra de luz a libre viento»: AQUÍ

«Paul Celan: La única luz, de Amapola y memoria»: AQUÍ

«Paul Celan: Tierra firme»: AQUÍ

«Paul Celan: Toda la vida»: AQUÍ

» Paul Celan: Amor dormido»: AQUÍ

«Paul Celan: Ante las puertas»: AQUÍ

«Stefan George: Llamas»: AQUÍ

«Stefan George: El juramento»: AQUÍ

«Herta Müller: Conozco el fresno ese…»: AQUÍ

«Herta Muller: Madre se convirtió en una ortiga…»: AQUÍ

«Herta Muller: Madre se convirtió en una ortiga…»: AQUÍ

«Nelly Sachs: Pueblos de la tierra»: AQUÍ

«Nelly Sachs: Quien por último…»: AQUÍ

«Nelly Sachs: Coro de las estrellas»: AQUÍ

«Nelly Sachs: Coronado de espinas»: AQUÍ

«Nelly Sachs: Números»: AQUÍ

«Nelly Sachs: Coro de los muertos»: AQUÍ

«Georg Trakl: La tarde»: AQUÍ

«Georg Trakl: Alma de la vida»: AQUÍ

«Georg Trakl: Grodek»: AQUÍ

«George Trakl: La iglesia muerta»: AQUÍ

«George Trakl: De profundis»: AQUÍ

«Georg Trakl: De profundis II»: AQUÍ

«Georg Trakl: Queja»: AQUÍ

«Anna Ajmatova: La calumnia»: AQUÍ

«Anna Ajmatova: Cayó la palabra petrificada»: AQUÍ

«Anna Ajmatova: Último brindis»: AQUÍ

«Boris Pasternak: El libro de la estepa»: AQUÍ

«Friederike Mayröcker: Torre de Hölderlin…»: AQUÍ

«Erich Fried: Covada de las lágrimas»: AQUÍ

«Erich Fried: La calma»: AQUÍ

Jean-François Raffaelli

Nació en París, el 20 de abril de 1850.
Era de ascendencia toscana a través de sus abuelos paternos.

Mostró interés por la música y el teatro antes de convertirse en pintor en 1870.

Una de sus pinturas de paisajes fue aceptada para su exposición en el Salón de ese mismo año.

Expuso con los impresionistas . También estuvo activo como actor y escritor.

Se formó artísticamente en L’École des Baux-Arts de París, en la que tuvo como maestro a Jean-Léon Gérôme, a partir de 1871.

En 1870 expuso su primera obra antes de ingresar en la citada Escuela.

En su obra, además de sus paisajes campestres y urbanos, retrató personajes de la calle, campesinos, traperos, trabajadores, en algunos casos escenas dramáticas, vistas en los barrios suburbiales de París.

Sus inicios fueron realista, para evolucionar hacia el impresionismo en su obra más madura, esta última apoyada y bien criticada por J.K. Huysman y Edgard Degas.

A partir de 1890 cambió sus escenas en los suburbios para pintar las más bellas zonas de París, que tuvieron una gran aceptación de la critica y del público.

Así mismo realizó numerosos grabados de famosos lugares de París, como de la Catedral de Notre Dame o el Palacio Nacional de los Inválidos.

Sus obras están repartidas por los más importantes museos del mundo, como El Louvre, y Museo D’Orsay o en París o en  L’Hermitage de San Petersburgo.

Murió en París, el 11 de febrero de 1924, siendo enterrado en el cementerio del Père-Lachaise de la capital francesa.

*Esta entrada fue publicada en este blog el 6 de agosto de 2011. Ha sido actualizada y ampliada el 20 de abril de 2026.

«Quede mi nombre»

Que mi reino no sea
la soledad del héroe pensativo,
sino tu fortaleza amurallada.
Hallen en ti refugio los días claros,
roto ya por mil flancos
el combatido cerco de la noche.
Y cuando zarpe el último navío
rumbo a la decepción definitiva,
quede mi nombre escrito sobre el agua,
indefenso, esperando
la hora en que tú desciendas suavemente,
sabiendo ya el camino, a recordarme.

Carlos Sahagún

De: Estar contigo, 1972
Ed. Institución Fray Bernardino de Sahagún
ISBN-13: 978-84-00038-24-3

Carlos Sahagún Beltrán nació en Onil, Alicante, el 4 de junio de 1938.
Poeta perteneciente a la Generación del 50′.
En 1963 fue incluido en la antología Poesía última de Francisco Ribes, con otros poetas como Claudio Rodríguez, Ángel González, José Ángel Valente o Eladio Cabañero, que conforman luego, junto con otros muchos autores la Generación de los 50′, reunida en Antología de la Nueva Poesía Española por José Batlló y publicada en 1969.
Le fue concedido el Premio Adonáis en 1957, por Profecías del agua.
Obtuvo el Premio Boscán en 1960 por Como si hubiera muerto un niño.
Fue Premio Juan Ramón Jiménez 1974, por Estar contigo.
Obtuvo el Premio Nacional de Poesía en 1980, por Primer y último oficio.
Murió en Madrid, el 28 de agosto de 2015.

También de Carlos Sahagún en este blog:

«Carlos Sahagún: Quede mi nombre»: AQUÍ

«Carlos Sahagún: Renuncio a morir»: AQUÍ

«Carlos Sahagún: Aula de química»: AQUÍ

«Carlos Sahagún: Insomnio»: AQUÍ

«Carlos Sahagún: Amanecer»: AQUÍ

«Carlos Sahagún: Hombre naciente»: AQUÍ

«Carlos Sahagún: Epitafio sin amor»: AQUÍ

«Carlos Sahagún: Cosas inolvidables»: AQUÍ

«Carlos Sahagún: Noche cerrada»: AQUÍ

«Carlos Sahagún: En el principio»: AQUÍ

«Carlos Sahagún: A estas horas»: AQUÍ

«Carlos Sahagún: Junio»: AQUÍ

«Carlos Sahagún: Desembarco»: AQUÍ

«Carlos Sahagún: Invierno y barro»: AQUÍ

«Carlos Sahagún: Deseo de madrugada»: AQUÍ

Bibliografía poética:

Hombre naciente, Alicante, Silbo, 1955.
Profecías del agua, Madrid, Rialp, 1958. (Premio Adonáis 1957)
Como si hubiera muerto un niño, Barcelona, Instituto de Estudios Hispánicos, 1961. (Premio Boscán 1960)
Estar contigo, León, Colección Provincia, 1973. (Premio Juan Ramón Jiménez 1974)
En la noche, Málaga, El Guadalhorce, 1976.
Primer y último oficio, León, Colección Provincia, 1979. (Premio Provincia de León 1978 y Nacional de Literatura 1980)
Como si hubiera muerto un niño, Madrid, Bartleby Editores, 2008. Serie Lecturas21. Epílogo de Antonio Lucas.
Carlos Sahagún – Poesías Completas. Ed. Renacimiento – Calle del Aire, 2016

Antologías:

Memorial de la noche (1957-1975), Barcelona, Lumen, 1976.
Las invisibles redes (Antología amorosa), Pamplona, Pamiela, 1989.
Poesías escogidas (1957-1994), Madrid, Anteo, 2000.

Yo pinto como si fuera andando por la calle. Recojo una perla o un mendrugo de pan; es eso lo que doy, lo que recojo.
JM

Joan Miró

Joan Miró i Ferrà, nació en Barcelona, 20 de abril de 1893.
Pintor, escultor, grabador y ceramista, está considerado uno de los máximos representantes del surrealismo en España.

Fue hijo del también pintor Miquel Miró i Adzeries.
Estudió la carrera de Comercio, que simultaneó con clases nocturnas de dibujo en la Escuela Llotja.

Con diecisiete años finalizó sus estudios de comercio y entró a trabajar  como empleado en una droguería, hasta que una enfermedad, que le sobrevino a los dos años, y que le obligó a retirarse a una casa familiar en el pueblo de Montroig.

A su regresó a Barcelona ya tenía el firme propósito de dedicarse a la pintura. Ingresó en la Academia de Arte que dirigía  Francesc d’Assís Galí, en la que conoció las últimas tendencias artísticas europeas, y a la que acudió hasta su cierre en 1915.

Mientras, también asistía a clases de dibujo del natural, en el Círculo Artístico de Sant Lluc, donde entabló amistad con Josep Francesc Ràfols, Sebastià Gasch, Enric Cristòfor Ricart y Josep Llorens i Artigas, formando con todos ellos el grupo artístico llamado Agrupación Courbet, fundada el 28 de febrero de 1918, en La Publicitat.

Expuso por primera vez de forma individual en las Galerías Dalmau de Barcelona, entre en 1918, en una muestra en la que presentó sesenta y cuatro obras entre las que se incluían paisajes, naturalezas muertas y retratos.

En estas primeras obras se observa la fuerte influencia de los fauves, los cubistas y los expresionistas; en Ciurana, el pueblo de 1917, se ven muchos detalles que podemos relacionar con los colores de Vincent Van Gogh y los paisajes de Paul Cézanne, que Miró refuerza con una pincelada oscura.

Durante los años 1921 y 1922 realizó La masía, siendo la obra culminante de esta época detallista.

Trabajó en ella durante nueve meses de dura elaboración; la relación mítica mantenida por Miró con la tierra se resume en este cuadro, que representa la granja de su familia en Montroig.

En los retratos presentados como el Retrato de V. Nubiola, o el de Juanita Obrador, muestran la fusión del cubismo con el agresivo color fauve. En esta misma primavera expuso en el Círculo Artístico de Sant Lluc junto con los miembros de la Agrupació Coubert.

Tras instalarse en París, comenzó a asistir al taller de Pablo Gargallo , y contactó con artistas  del movimiento Dadá, que había sido creado en 1924, entre algunos de ellos, con André Bretón, Francis Picabia, Tristan Tzara, Man Ray, y Max Ernst al frente de los surrealistas

En diversas entrevistas que concedió y publicaciones de la década de 1930, manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, decía al respecto: matarlos, asesinarlos o violarlos, para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera comprometiéndose con los surrealistas.

En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo infantil, y en su país.

Uno de sus grandes proyectos fue la creación de la Fundación Joan Miró, en Barcelona, importante centro cultural y artístico destinado a difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor.

Además cuentan con importantes fondos de sus obras:  la Fundación Pilar i Joan Miró, en Palma de Mallorca, el MNAM (Centro Pompidou), de París, el MoMA y el Guggenheim, de Nueva York.

Murió en Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983.

Premios y distinciones:

1954 Gran Premio de Grabado de la Bienal de Venecia
1959 Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio

1959 Gran Premio de la Fundación Guggenheim.
1962 Nombrado Chevalier de la Legión de Honor en Francia.
1966 Premio Carnegie de pintura.

1968 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Harvard.
1978 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña, siendo el primer catalán en recibir tal distinción.
1979 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Barcelona.
1980 recibió, de manos del rey Juan Carlos I de España, la Medalla de Oro de las Bellas Artes.

Obras más importantes:

Femme (1981), escultura de Joan Miró en la Casa de la Ciudad de Barcelona.
La caricia de un pájaro en la Fundación Miró de Barcelona.Pinturas
Nord-Sud, 1917 óleo, Galería Adrien Maeght en París.
La masía, 1921 óleo, National Gallery of Art de Washington.

Retrato de bailarina española, 1921 óleo Museo Picasso de París.
Tierra labrada, 1923 óleo, Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York.
Carnaval de Arlequín, 1924 óleo, Albright-Knox Art Gallery de Búfalo
Serie de tres pinturas: Interior holandés, 1928 óleo, Museo Guggenheim de Venecia- Meadows Museum, Dallas y Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Caracol, mujer, flor y estrella, 1934 Museo del Prado
Mujer y pájaros al amanecer.

Bodegón del zapato viejo, 1937.
Corrida de toros
Una estrella acaricia el seno de una negra, 1938 óleo, Tate Gallery de Londres.
Serie de 24 gouaches: Constelaciones, 1940-1941.

Serie de 3 pinturas: Azul, 1961 óleo, Centro Georges Pompidou de París
Personaje delante del sol, 1968 acrílico, Fundación Miró en Barcelona.
La esperanza del condenado a muerte, 1974 Fundación Miró en Barcelona.

Murales cerámicos:

Murales cerámicos del Sol y la Luna, 1958, Sede de la Unesco en París.
Mural cerámico para la Universidad de Harvard, 1950.
Mural cerámico de la Handekshochschule, 1964 de Sankt Gallen en Suiza.
Mural cerámico de la Fundación Maeght, 1964 en Saint-Paul-de-Vence.
Mural de cerámica de la terminal B, 1970 del Aeropuerto de Barcelona.
Murales cerámicos para el pabellón del Gas, 1970 para la exposición internacional de Osaka
Mural cerámico en Wilhelm-Hack-Museum , 1971 de Ludwigshafen.
Mural de cerámica de la Cinemateca, 1972 de París.
Mural cerámico del nuevo Palacio de Congresos de Madrid, 1980.

Esculturas:

Personaje con paraguas, 1933 escultura de madera, paraguas y hojas secas en la Fundación Miró de Barcelona.
Pájaro lunar, 1946-1949 en bronce diversas copias
Pájaro solar, 1946-1949 en bronce diversas copias

Reloj de viento, 1967 escultura en bronce.
La caricia de un pájaro, 1967 bronce pintado en la Fundación Miró de Barcelona
Mujer botella, 1973 escultura en bronce para el Parque Cultural Viera y Clavijo de Santa Cruz de Tenerife.
Perro, 1974 bronce en la Fundación Miró de Barcelona.

Conjunto monumental para La Défense, 1978 en París.
Miss Chicago, 1981 Escultura pública de doce metros en Chicago.
Femme, 1981 escultura en bronce, expuesta en la Casa de la Ciudad de Barcelona.
Mujer y Pájaro, 1983 escultura de cemento recubierta de cerámica en el Parque Joan Miró de Barcelona

*Esta entrada fue publicada en este blog el 20 de abril de 2010. Ha sido actualizada y ampliada el 20 de abril de 2026.

Mi recuerdo al Premio Nobel mexicano Octavio Paz, en el aniversario de su muerte.

«Escrito con tinta verde»

La tinta verde crea jardines, selvas, prados,
follajes donde cantan las letras,
palabras que son árboles,
frases que son verdes constelaciones.

Deja que mis palabras, oh blanca, desciendan y te cubran
como una lluvia de hojas a un campo de nieve,
como la yedra a la estatua,
como la tinta a esta página.

Brazos, cintura, cuello, senos,
la frente pura como el mar,
la nuca de bosque en otoño,
los dientes que muerden una brizna de yerba.

Tu cuerpo se constela de signos verdes
como el cuerpo del árbol de renuevos.
No te importe tanta pequeña cicatriz luminosa:
mira al cielo y su verde tatuaje de estrellas.

Octavio Paz

De: Semillas para un himno, 1954.
Recogido en Octavio Paz – Obra poética – 1935-1998
Ed. Galaxia Gutemberg – Edición conmemorativa del centenario del nacimiento del poeta.
Primera Edición – 1996 (Poemas I) – 2003 (Poemas II)
Segunda Edición – 2004
Tercera Edición – 2014
ISBN: (de la Tercera Edición) 978-84-16072-10-1

*Reseña de Santos Domínguez Ramos de Octavio Paz – Obra poética (1935-1998), en su blog Encuentros de Lecturas: AQUÍ

Octavio Paz Lozano nació en Ciudad de México, el 31 de marzo de 1914.
Poeta, escritor, ensayista y diplomático.
Obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1990.
Murió en Ciudad de México, el 19 de abril de 1998.

También de Octavio Paz en este blog:

«Octavio Paz: Escrito con tinta verde»: AQUÍ

«Octavio Paz: Silencio»: AQUÍ

«Octavio Paz: Ida y vuelta»: AQUÍ

«Octavio Paz: Viento, agua, piedra»: AQUÍ

«Octavio Paz: Relámpago en reposo»: AQUÍ

«Octavio Paz: Lámpara»: AQUÍ

«Octavio Paz: Disparo»: AQUÍ

«Octavio Paz: El desconocido»: AQUÍ

«Octavio Paz: Al alba busca su nombre lo naciente»: AQUÍ

«Octavio Paz: Agua y viento»: AQUÍ

«Octavio Paz: Luis Cernuda»: AQUÍ

«Octavio Paz: Lo idéntico»: AQUÍ

«Octavio Paz: Máscaras del alma»: AQUÍ

«Octavio Paz: Cuarto de hotel»: AQUÍ

«Octavio Paz: Piedra nativa»: AQUÍ

«Octavio Paz: Noche de verano»: AQUÍ

«Octavio Paz: Las palabras»: AQUÍ

«Octavio Paz: El pájaro»: AQUÍ

«Octavio Paz: Piedra de sol, de Libertad bajo palabra»: AQUÍ

«Octavio Paz: Decir, hacer»: AQUÍ

«Octavio Paz: Elegía interrumpida»: AQUÍ

«Octavio Paz: Contra la noche sin cuerpo…»: AQUÍ

«Octavio Paz: Acabar con todo»: AQUÍ

«Octavio Paz: Otoño»: AQUÍ

«Octavio Paz: Olvido»: AQUÍ 

«Octavio Paz: El desconocido»: AQUÍ

«Octavio Paz: Cuerpo a la vistaz»:  AQUÍ

«Octavio Paz: In memorian – Dos cuerpos»: AQUÍ

«Octavio Paz: La Poesía»: AQUÍ

«Octavio Paz: Ciudad de México, nace el 31 de Marzo de 1914 – Epitafio para un poeta»: AQUÍ 

«Octavio Paz: La calle»: AQUÍ

Bibliografía poética:

1933 – Luna silvestre
1938-1946 – Puerta condenada
1937 – La rama
1942 – A la orilla del mundo, recopilación
1949 – Libertad bajo palabra
1962 – Salamandra
1966 – Blanco, escrito en tres columnas y permite diferentes lecturas
1969 – La centena, selección de su poesía escrita entre 1935 y 1968
1969 – Ladera este
1972 – Le singe grammairien (Traducción francesa de Claude Esteban publicada por el editor Albert Skira en Ginebra (Suiza). La versión en castellano, El mono gramático, apareció en 1974.
1975 – Pasado en claro
1976 – Vuelta
1979 – Poemas (1935-1975)
1987 – Árbol adentro
1989 – El fuego de cada día, selección realizada por el autor de su poesía escrita a partir de 1969

El Veronés

Paolo Caliari o Paolo Cagliari, conocido como El Veronés, nació en Verona, Italia en 1528.
Se formó con inicialmente con Antonio Badile y, más tarde con Giovanni Caroto.

Fue una figura central del manierismo en Venecia, tomó su nombre artístico de su ciudad natal, Verona, aunque su vida como artista se desarrolló en Venecia.

Se casó con Elena, hija del que fue su maestro Antonio Badile.
Su primer trabajo fuera de Verona fueron los frescos de la Villa Soranzo, de 1551, en los que se puede apreciar la influencia, sobre todo en las figuras, de Giulio Romano y de Parmigianino.

Entre 1553 y 1555 decoró la Sala del Consiglio dei Dieci, en el Palazzo Ducale, estableciéndose en Venecia.

Su fama se acrecentó con el éxito que obtuvieron los lienzos que realizó para la Libreria Marciana, con su Alegoría de la Música, obra por la que fue premiado.

Entre sus primeros retratos destacamos el de «Una mujer con su hijo y un perro», actualmente en el Museo del Louvre de París.

En 1560 viajó a Roma, donde estudió y admiró las obras de los grandes maestros del Renacimiento. En esa época inició los frescos de la Villa Palladiana de Barbaro, en Maser, localidad cercana a Treviso.

Una de sus obras maestras es el lienzo de Las bodas de Caná, tema que repitió en varias ocasiones, del Musée del Louvre, donde incluyó un retrato colectivo en el que aparecen representados como músicos Francesco Bassano, Jacopo Tintoretto, Tiziano y él mismo.

En este óleo se observa la influencia de la obra de Rafael Sanzio en el Vaticano en cuanto a la complejidad de la composición y la arquitectura, en él, el pintor nos presenta un estilo renovado en el que profundiza más en el color y el clarooscuro.

En 1573 llevó a cabo otro gran conjunto, La cena en casa de Leví, actualmente en la Galleria dell’Accademia de Venecia.

De su última época hay que destacar su intervención en el Palazzo Ducale de Venecia y, especialmente, en la Sala del Maggior Consiglio, con la representación de El triunfo de Venecia.

También es interesante, por su claroscuro: El milagro de San Pantaleón, pintado para la iglesia veneciana dedicada al santo.

En 1573 fue juzgado por el Tribunal de la Inquisición que le acusaba de pintar escenas libertinas e irreverentes, a lo que alegó exigencias creativas, siendo absuelto.

Está considerado, junto al gran Tiziano, como el creador de obras suntuosas y coloristas que se prolongaron en Venecia hasta el siglo XVIII, prefirió los grandes formatos en sus obras, de estilo lujoso enmarcando sus escenas en arquitectura amplias y clásicas que preceden al barroco, sus colores preferidos, anticipándose a los franceses del XIX en tonos fríos y claros, como los platas, amarillos y azules.

En su temática bíblica  plasmó sus escenas como si de una gran fiesta veneciana se tratase, con trajes y ambientes llenos de fasto.

Estos alardes de creatividad, que provocaban un choque con la fidelidad de las historias que representaba, motivó los problemas que le llevaron al Tribunal de la Santa Inquisición.

Fue perfeccionista en el dibujo.

Aunque está considerado como uno de los artistas más prominentes de la Escuela Veneciana, su estilo manierista es obvio, clasificado como pre-barroco debido a la elegancia de las formas y su sentido decorativo a la hora de componer sus escenas.

Su influencia fue importante en grandes pintores como Rubens, Tiépolo.
Tuvo un importante taller en el que trabajaron su hermano, Benedetto Caliari, sus dos hijos, Carlo y Gabriele, y otros aprendices, como Alvise dal Friso, taller que se encargaron de mantenerlo abierto tras la muerte del maestro.

El Museo del Prado de Madrid alberga dieciséis magnificas obras del artista de Verona, y otras dos más podemos ver en Madrid, en el Museo Thyssen Bornemisza.
Murió en Venecia, el 19 de abril  de 1588.

*Esta entrada fue publicada en este blog el 13 de abril de 2010. Ha sido actualizada y ampliada, el 19 de abril de 2026.

Recordando al Premio Nobel español en el aniversario de su muerte.

«La lucha eterna»

Oye: yo te he querido con locura,
y aquí en mi corazón fuiste señora;
yo cifré en tu cariño mi ventura,
y has alumbrado mi existencia obscura
con reflejos dulcísimos de aurora.

Tú llenaste mi pecho de consuelo,
y aún por tí el alma a mi pesar suspira;
tuve en tí tanta fe como en el cielo,
y busqué tu cariño con anhelo,
y me juraste amor… ¡y fue mentira!

Mira, ve lo que has hecho:
aquí hubo un corazón dentro del pecho
que latió para tí, para tí sola,
y hoy tu gran ingratitud me inmola,
te lo vengo a pedir, y está deshecho.

Escucha: has sido infiel, me has engañado;
hay huellas en tu faz que te delatan
y que van pregonando tu pecado.

Vé por qué vengo a hablarte con enojos,
y vé por qué mis penas se desatan,
pues comprendí la vida por tus ojos,
y ahora tus ojos son los que me matan.

¡Aparta!… ¡Huye de mí! No quiero verte.
¡Déjame, que no puedo!
Yo debo aborrecerte,
y tus ojos me impulsan a quererte,
y miro al corazón… ¡y tengo miedo!
¡Huye!… Comprende lo que estoy penando,
y perder este amor lo que me cuesta…
¿Ves? Te quiero olvidar, y estoy llorando;
¡que la razón, que es fuerte, te detesta,
pero te quiere el corazón que es blando!

José de Echegaray

De: Muestras
Editorial Ibero-Americana, 1900

José Echegaray y Eizaguirre nació en Madrid, el 19 de abril de 1832.
Ingeniero de Caminos, Canales y Puertos, matemático, dramaturgo y político, uno de los personaje más polifacético de la España de finales del siglo XIX, siendo brillante en cuantas actividades practicó y considerado como el más grande matemático español del siglo XIX.
Fue ministro de Fomento y de Hacienda.
Le fue otorgado el Premio Nobel de Literatura en 1904, en reconocimiento a las numerosas y brillantes composiciones que, en una manera individual y original, han revivido las grandiosas tradiciones del drama español., convirtiéndose así en el primer español en recibir un Premio Nobel.
Murió en Madrid, el 14 de septiembre de 1916.

También de José de Echegaray en este blog:

«José de Echegaray: La lucha eterna»: AQUÍ

«José de Echegaray: Los tres encuentros»: AQUÍ

«José de Echegaray: Soneto»: AQUÍ

Charles Angrand

Charles Théophile Angrand nació en Criquetot-sur-Ouville, Normandía, Francia, el 19 de abril de 1854.

Se formó inicialmente en L’Ecole Municipale des Beaux-Arts de Rouen, tras lo que trabajó durante un tiempo dando clases de dibujo y pintura para ganarse la vida.

Su pintura más temprana estuvo muy influenciada por Jean-Baptiste-Camille Corot.
En 1882 se trasladó a París, donde pronto contactó con Georges Seurat y Paul Signac y Maximilien Luce, como ellos, estudió minuciosamente los efectos ópticos que se podían lograr con la pintura, divisionismo y tonalismo, y el análisis de la luz y del color.

Pintó mucho «au plain air» (al aire libre), sobre todo paisajes y vistas de los suburbios parisinos aplicando el puntillismo.
Fue uno de los fundadores del Salón de Independientes.

En 1889 así mismo participó en la Muestra que en Bruselas realizó el grupo de «Los Veinte».

Impartió clases durante un tiempo en el Lycée Chaptal de París.

En 1900 introdujo contrastes más fuertes y tonos puros en su paleta, su pincelada se hizo más grande y rectangular; con la ventaja de el aumento en la intensidad del color.

Posteriormente regresó a una técnica más tradicional a base de formas muy simples.

Continuó participando, aunque de forma irregular en el Salón de Independientes hasta su muerte.

Tras la muerte de su amigo Signac, se trasladó a Normandía, donde llevó una vida solitaria, disminuyendo así mismo su actividad pictórica.

En cuanto a su vida personal, estuvo activamente involucrado con el movimiento anarquista, participando para ellos con ilustraciones para sus publicaciones y ayudándoles económicamente.
Murió en Ruan, el 1 de abril de 1926.

*Entrada publicada el 18 de diciembre de 2012. Actualizada y ampliada el 19 de abril de 2025.