Mi recuerdo a la poeta estadounidense, en el aniversario de su muerte.

«Trasegué un sorbo de vida…»

Trasegué un sorbo de vida.
Os diré lo que pagué
por beberlo: una existencia
─lo que es justo que se dé.

Átomo a átomo pesaron
mi carne, incluso mi piel.
Y me dieron
un solo dracma de cielo,
que es lo que vale mi ser.

Emily Dickinson

De: Obra escogida – Poema LX
Selección, traducción y apunte biográfico de Ernestina de Champourcin y Juan José Domenchina.
Ed. Torremoza, 2017©
ISBN: 978-84-7839-706-8 De la segunda edición.

Poema original en inglés:

«I took one Draught of Life…»

I took one Draught of Life—
I’ll tell you what I paid—
Precisely an existence—
The market price, they said.

They weighed me, Dust by Dust—
They balanced Film with Film,
Then handed me my Being’s worth—
A single Dram of Heaven!

Emily Dickinson

Emily Elizabeth Dickinson nació en Amherst, Massachusetts, Estados Unidos, el 10 de diciembre de 1830.
La poeta pasó gran parte de su vida recluida en una habitación de la casa de su padre en Amherst.
A excepción de cinco poemas (tres de ellos publicados sin su firma, y otro sin que la autora lo supiera), su prolífica obra permaneció inédita y oculta hasta después de su muerte.
Aunque su estilo es totalmente personal e inconfundible, su poesía se ha llegado a comparar con la de autores como: Edgar Allan Poe, Ralph Waldo Emerson, Walt Whitman, Robert Frost, Robert Browning, William Wordsworth y John Keats.
Murió en su ciudad natal, el 15 de mayo de 1886.

También de Emily  Dickinson en este blog:

«Emily Dickinson: Trasegué un sorbo de vida…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: En mi jardín avanza un pájaro…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Cuando ya casi ha pasado la noche»: AQUÍ

«Emily Dickinson: No es morir lo que duele más»: AQUÍ

«Emily Dickinson: No era la Muerte, pues yo estaba de pie…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: El otoño contemplaba…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Atravieso hasta cansarme»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Una dama roja…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Respondió a su llamada…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Enterrador: mi dueño…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: La gloria es algo brillante…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Tengo un pájaro en primavera…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Él Era Débil Y Yo Era Fuerte…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Resurrección»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Ya pasó la tempestad»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Como ojos que miran las basuras»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Cuando cuento las semillas…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Que yo siempre amé…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Sentí un funeral en mi cerebro…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: No puedo vivir Contigo»: AQUÍ

«Emily Dickinson: A una casa de rosa no te acerques…»: AQUÍ

Emily Dickinson: Que yo siempre amé…

Edward Hopper

Nació en Nyack, pequeña ciudad a orillas del Hudson, en el condado de Rockland, estado de Nueva York, el 22 de julio de 1882, en el seno de una familia burguesa y culta.
Se formó en la New York School of Art, a partir de 1900.


En la Escuela coincidiría con pintores que serían grandes figuras en la pintura norteamericana del siglo XX, tales como Guy Pène du Bois, Rockwell Kent, Eugene Speicher y George Bellows.

Sus maestros, que ejercerían una influencia determinante en su obra posterior fueron:
Kenneth H. Miller, que le educó en el gusto por una pintura nítida y limpia, organizada en una composición espacial ordenada.

Robert Henri, que contribuyó a liberar el arte de la época del peso de las normas del academicismo y William Merrit Chase.

Al finalizar sus estudios oficiales, trabajó durante un tiempo como ilustrador publicitario de una importante empresa norteamericana.

En 1906 viajó por Europa. En París contactó con el impresionismo y experimentó con él en algunas de sus obras.

En 1907 continuó su viaje por Londres, Berlín y Bruselas.

Sin embargo, su personal e inconfundible estilo comenzó a perfilarse durante su segunda estancia en la capital francesa, en 1909, en la que permaneció seis meses; en esos años  pintó en Saint-Germain y en Fontainebleau.

Está considerado uno de los miembros de la llamada Escuela de Ashcan, que con el liderazgo de Arshile Gorky, llevó el expresionismo abstracto a Estados Unidos, tras la II Guerra Mundial.

Los rasgos más característicos de su pintura son su juego rebuscado, entre luces y sombras, sus interiores descriptivos, que aprendió de la obra de Edgar Degas.

Su personal técnica se perfeccionó en el tercero de sus viajes a Europa, en el que visitó de nuevo París y España.

Pero sobre todo lo que más impacta de la pintura de Hopper es el tema central de casi todos sus cuadros: la soledad.

Cuando en la vieja Europa triunfaba la pintura vanguardista, el fauvismo, el cubismo y el arte abstracto, Hopper se decantó en sus gustos por Manet, Pissarro, Monet, Sisley, Courbet, Daumier, Toulouse-Lautrec , y por dos de los viejos maestros españoles, Francisco de Goya y Diego Velazquez.

Regresó a Estados Unidos, donde ya se establecería y residiría hasta su muerte. Conservó en su pincelada la influencia de los impresionistas franceses, de Rembrandt, de Goya y de Velázquez.

Empezó a pintar temas relacionados con la vida cotidiana estadounidense, sobre todo las representaciones de imágenes urbanas de Nueva York, y de la costa cercana a Nueva Inglaterra.

Entre 1915 y 1923 abandonó de forma temporal la pintura, dedicándose al grabado, usando la punta seca y el aguafuerte, trabajos con los que cosecharía numerosos premios, alguno de la National Academy.

El éxito conseguido con una exposición de acuarelas en 1923, y otra de lienzos, en 1924, hicieron de él, un autor de referencia de los realistas que pintaban escenas estadounidenses.

En la década de 1930, a causa del aislacionismo, aumentó enormemente su fama, aunque su prestigio respecto de la crítica, comenzó a crecer realmente a partir de su muerte, en 1967, cuando empezó a ser reconocido como uno de los grandes maestros del arte del siglo XX, y no sólo como un ejemplo de la pintura realista americana

Su pintura evolucionó en su etapa más madura, hacia un fuerte realismo que resulta ser la síntesis de la visión figurativa unida al sentimiento poético que Hopper percibe en sus objetos.

Imágenes urbanas o rurales, inmersas en el silencio, en un espacio real y metafísico a la vez, que comunica al espectador un sentimiento de alejamiento del tema y del ambiente en el que está inmerso de forma bastante fuerte.

Hopper consiguió esto por medio de una esmerada composición geométrica del lienzo, por un sofisticado juego de luces, frías, cortantes e intencionadamente artificiales, y por una extraordinaria síntesis de los detalles.

La escena aparece casi siempre desierta; en sus cuadros casi nunca encontramos más de una figura humana, y cuando hay más de uno lo que destaca es la alienación de los temas y la imposibilidad de comunicación resultante, que agudiza la soledad. Algunos ejemplos de este tipo de obras son Nighthawks o Despacho en una ciudad pequeña (1953).

En 1933 el Museo de Arte Moderno de Nueva York le consagró la primera retrospectiva, y el Whitney Museum, la segunda, en 1950.

Murió en su estudio neoyorquino, cerca de Washington Square, el 15 de Mayo de 1968.

En el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid,  organizó exposición de su obra en 2012.  La colección permanente de este museo posee cuatro obras del artista: El Martha Mckeen de Wellfleet, de 1944; Habitación de hotel, de 1931; Árbol seco y vista lateral de la casa Lombard, de 1931 y Muchacha cosiendo a máquina de 1921.

*Federico García Fernández en el Ideal de Granada, escribe a propósito de esta exposición: «En su pintura hay una fuerza visual puramente cinematográfica, heredada de ese nuevo lenguaje del siglo XX. Sus cuadros congelan la vida en escenas que son fotogramas de historias más largas que la imaginación del espectador se esfuerza en completar porque, de algún modo, ya hemos conocido a esos hombres y mujeres que aparecen en el interior de hogares, cafeterías, hoteles y oficinas. Los hemos visto en fotografías de la Gran Depresión, en los melodramas y el cine negro de los años treinta o cuarenta, en la sociedad sin alma que asoma en las novelas de Dashiell Hammett, o en la literatura de Steinbeck y del primer Hemingway.
La obra de Hopper es un estado de ánimo, una invitación a entrar en alguna profundidad de nosotros mismos donde todavía guardamos el recuerdo de las cosas que nos han hecho sufrir, de las que nos han causado una tristeza ya lejana pero que recuperamos al verla en esos hombres y mujeres tan callados, seres que parecen habitar un mundo que no pertenece del todo a los vivos y, tal vez por eso, nos crean un poco de inquietud y hasta de miedo con su mutismo. También las casas victorianas, los trenes, puentes y moteles parecen esconder una amenaza, ser escenarios de algún suceso antiguo y dramático, o donde algo inquietante está a punto de suceder.» (Ideal de Granada – 16-7-2012)

*Entrada publicada el 15 de julio de 2012. Ha sido actualizada y ampliada con más de 80 nuevas obras, el 15 de mayo de 2026.

«Agua nocturna»

Ahora que nadie ocupa
la habitación de nadie, que la misma vigilia
se ha extendido hasta el sueño,
escribo estas palabras para ti, que aún no has vivido,
para los grandes pájaros colgantes
que beben de tu mano.

Caminas muy despacio
sobre el hielo en el invierno del parque;
hablas, y tu palabra
tiembla en la inmensidad del estuario
donde has depositado tu dolor.

Tú, que esperaste siempre,
que lo has sabido todo de una vela
con la llama infinita, que te has acostumbrado,
como el agua nocturna, a vivir sin reflejos.

De pie, sobre la acera
donde inscriben sus nombres los desaparecidos,
haciéndote preguntas cuando eres de agua
en medio de la lluvia
con la que el cielo te traiciona.

Ahora que nadie ocupa la habitación de nadie,
que sabes como yo que en este mundo
las almas excluidas sólo tienen preguntas;
palabras que se dicen, tal vez, para los ojos
que prefieren leer la oscuridad.

Basilio Sánchez

De: Para guardar el sueño, 2003
Recogido en: Los bosques de la mirada – Poesía reunida – (1984-2009)
Ed. Calambur, 2009©
ISBN: 978-84-8359-207-6

Basilio Sánchez nació en Cáceres en 1958.
Es Licenciado en Medicina y Cirugía por la Universidad de Extremadura.
Obtuvo el Premio Adonáis de Poesía en 1983, por: A este lado del alba.
Accésit del Premio de Poesía Jaime Gil de Biedma, en 1995 y 2003.
Premio Internacional de Poesía Unicaja, en 2005.
Premio Extremadura a la Creación a la Mejor Obra Literaria de Autor Extremeño, en 2007.
Premio Internacional de Poesía Tiflos, en 2008.
Premio Ciudad de Córdoba Ricardo Molina en 2012.
Entre 2000 y 2003 fue director del Aula de Poesía José María Valverde de Cáceres.
Toda su obra poética a excepción de A este lado del alba, Cristalizaciones y Esperando las noticias del agua, está recogida en:  Los bosques de la mirada – Poesía reunida (1984-2009), editada en 2010.

También de Basilio Sánchez en este blog:

·Basilio Sánchez: Agua nocturna»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: Aún altos en la noche»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: Las bayas»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: Una casa en lo alto»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: El cielo de la noche»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: La morera»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: El hombre del parque»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: La orilla»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: Por encima del día»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: Éste es un buen lugar…»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: Con mi lengua ambulante…»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: El pozo»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: La habitación cerrada»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: Las sombras»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: La Piedad»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: La certeza»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: La memoria»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: Cuestión de tiempo»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: La luz en la ventana»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: Espacio»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: Al final de la tarde»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: En presencia de nadie»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: Puente de piedra»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: El desierto»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: He escuchado las voces…»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: Hay un hombre en la orilla»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: Las dos piedras»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: El pan y la sal»: AQUÍ

«Basilio Sánchez: El pájaro de aceite»: AQUÍ

Bibliografía poética:

A este lado del alba, Madrid, Ediciones Rialp, Colección Adonáis, 1984.
Los bosques interiores, Badajoz, Alcazaba, 1993. Reedición revisada en Salamanca, Amarú, 2002.
La mirada apacible, Valencia, Editorial Pre-Textos, 1996.
Al final de la tarde, Madrid, Calambur, 1998.
El cielo de las cosas, Mérida, Editora Regional de Extremadura, 2000.
Para guardar el sueño, Madrid, Visor, 2003.
Entre una sombra y otra, Madrid, Visor, 2006.
Las estaciones lentas, Madrid, Visor, 2008.
Los bosques de la mirada, Poesía reunida 1984-2009, Madrid, Calambur, 2010.
Cristalizaciones, Madrid, Hiperión, 2013.
Esperando las noticias del agua, Valencia, Pre-Textos, 2018.
He heredado un nogal sobre la tumba de los reyes, Madrid, Visor, 2019.
El baile de los pájaros, Valencia, Pre-Textos, 2023.

Prosa:

El cuenco de la mano, Villanueva de la Serena, Littera Libros, 2007.
La creación del sentido, Valencia, Pre-Textos, 2015.

Blog personal de Basilio Sánchez, Las afinidades electivas: AQUÍ

Michal Lukasiewicz

Michal Lukasiewicz nació en en Pulawy, Polonia, en 1974.
Es un pintor autodidacta y, como él mismo admite, el trabajo de los países del Benelux ha ejercido una fuerte influencia en su estilo artístico.

Desde 1995 ha vivido y trabajado en Amberes, Bélgica.
Esculpe con luz. Sus retratos no solo representan rostros; manifiestan presencias, como si Caravaggio hubiera resucitado y montado un taller en la Polonia rural con una paleta impregnada de silencio y memoria.

Trabajando principalmente con pintura acrílica, sus obras son casi monocromáticas, salvo por las manchas de tonos como blanco roto, ocre, siena, rosa, grises y colores neón como naranjas y amarillos.

La pintura parece formar una unidad con la figura, en lugar de ser un elemento separado.

La mirada se dirige a distintas partes de la figura cuando se añade color, lo que atrapa al espectador, tanto con, como sin pintura decorando el cuerpo.

Recientemente ha experimentado con el uso del color en forma de manchas aparentemente aleatorias, lo que otorgan a su obra, enraizada en la tradición clásica, un toque moderno.

En un mundo obsesionado con la semejanza y la precisión digital, el arte de Lukasiewicz es una bienvenida embriaguez que prioriza la emoción sobre la mímesis.
Sus retratos se centran poco en la identidad y todo en la esencia.

Hay una quietud en sus pinturas, una especie de susurro visual. Sin ruido de fondo, sin desorden, solo figura y vacío, aliento y ausencia.

Su lógica cromática amplía este espacio psicológico: ocres, sienas, azules brumosos; tonalidades tranquilas que evocan tanto a Giotto como a antiguos papeles pintados.

Pero de repente, sin previo aviso, aparece un toque de fucsia o verde ácido. Y, sin embargo, nunca es estridente. El silencio permanece.

Para mí, aplicar colores se trata de contraste, pero también de contención. La emoción siempre debe prevalecer.

Sus retratos son predominantemente monocromáticos, pero salpicados de vibrantes toques de color; no se posan sobre el lienzo, emergen de él, lentos y espectrales.

Utilizando acrílicos como un cirujano con un bisturí, construye sus obras en capas palimpsésticas*: pintando, raspando, lavando, revelando. Lo que queda es menos una superficie que una piel.

La clave está en construir una obra eliminando y añadiendo capas. A menudo pinta varias piezas simultáneamente, ya que debe respetar el tiempo de secado y curado… el proceso tiene tanto que ver con el tiempo como con la técnica.

Su técnica es más cercana a la escultura que a la pintura. Sus rostros poseen peso, no solo emocional, sino también visual y espacial. Parecen flotar entre dimensiones, como fantasmas que han olvidado si son reales. La escultura está secreta bajo el lienzo

En el corazón de su realismo yace un secreto inusual: una cabeza de arcilla.

Para capturar una iluminación precisa, esculpe sus propios modelos —no con pigmento, sino con arcilla— y luego los baña con luz controlada de estudio.
Esta cabeza, muda y hecha a mano, se convierte en el oráculo de la sombra y la luz.

A partir de ella, traslada la coreografía de la luz al lienzo, lo que le permite evocar modelos imaginarios que, paradójicamente, son más reales que muchos sujetos vivos.

El artista dice: Mis pinturas son de la forma humana, y muestran la suave ternura que se puede transferir al espectador. Nunca muestran la ira del mundo, sino la paz y la armonía que los seres humanos son capaces de hacer.

Sin embargo, algunos de sus críticos y muchos de sus espectadores, piensan de estas imágenes, estar más bien, ante víctimas de maltrato, si no físico, moral, la sensación que perciben es que el misterio de estas mujeres, lo que ocultan, es su dolor, que estamos ante la desolación y en algunas casos el miedo, más aun en algunos cuadros donde una mano parece señalar la conveniencia del silencio.
Actualmente vive y trabaja en Amberes.

Algunas de sus Exposiciones:

– Linda Beck Gallery, Antwerp, Bélgica
– Archange Gallery, París, Francia
– Shoran Campen and Rochtus, Antwerp, Bélgica
– London Contemporary Art, London, UK
– Arcadia Contemporary, New York- Los Angeles, USA

*Palimpsesto: Alude a algo que contiene huellas, rastros o capas de información anterior a pesar de haber sido reescrito, modificado o superpuesto. El concepto original proviene de los pergaminos antiguos que se borraban raspando la tinta para escribir de nuevo sobre ellos

Ana Rossetti cumple hoy años.

«Hay sueños que no mueren…»

Hay sueños que no mueren. Se empeñan
en ser sueños.
Ajenos a la comba de la esfera
y a las operaciones de los astros,
trazan su propia órbita inmutable
y, en blindadas crisálidas, se protegen
del orden temporal.
Por eso es que perduran:
porque eligen no ser.
Negándose se afirman,
rehusando se mantienen, como flores de cuarzo,
indestructibles, puros, sin dejarse arrancar
de su durmiente ínsula.
Intactos en el tiempo,
son inmunes a la devastación
que en cada vuelta acecha, inhumana,
a la pasión que exige y que devora,
a la desobediencia y extravío
que en los vagabundeos centellean.
Monedas que el avaro recuenta sigiloso
nunca salen del fondo del bolsillo.
No ambicionan. No arriesgan. No conquistan.
No pagarán el precio del fracaso,
la experiencia, la determinación,
la ebriedad o el placer.
Sólo son impecables subterfugios.

Ana Rossetti

De: Punto umbrío, 1996
Recogido en: Señales y muestras- Antología 1980-2016
Bartleby Editores 2016©
ISBN: 978-84-92799-03-9

Ana Bueno de la Peña, nombre real de Ana Rossetti, nació en San Fernando, Cádiz, el 15 de mayo de 1950.
A lo largo de su carrera ha practicado el teatro, la poesía y el género narrativo, (novela, libros para niños y relatos), siendo más conocida por su obra poética.
En su obra se mezclan erotismo, esteticismo y culturalismo. Revolucionó el panorama literario en la España, en la década de 1980.
También ha escrito textos teatrales, un libreto para ópera (en torno a la figura de Oscar Wilde).
En 1976 tuvo a su única hija, la actriz Ruth Gabriel.

También de Anna Rossetti en este blog:

«Ana Rossetti: Hay sueños que no mueren…»: AQUÍ

«Ana Rossetti: Cuarto»: AQUÍ

«Ana Rossetti: Mayo»: AQUÍ

«Ana Rossetti: Demonio, lengua de plata…»: AQUÍ

«Ana Rossetti: Hubo un tiempo…»: AQUÍ

«Ana Rossetti: Isolda»: AQUÍ

«Ana Rossetti: Llámame»: AQUÍ

«Ana Rossetti: Ocnos (A Luis Cernuda)»: AQUÍ

«Ana Rossetti: Custodio mío»: AQUÍ

«Ana Rossetti: El jardín de las delicias»: AQUÍ

«Ana Rosetti: El jardín de mis suplicios»: AQUÍ

«Ana Rossetti: Sálvame»: AQUÍ

Obra poética:

Los devaneos de Erato – 1980 – Premio Gules
Dióscuros – 1982
Devocionario – 1985 – Premio Internacional de Poesía Rey Juan Carlos I
Indicios vehementes – 1985
Yesterday (antología de sus libros anteriores más algunos poemas inéditos) – 1988
Apuntes de ciudades – 1990
Virgo potens – 1994 (con Jorge Artajo)
Punto umbrío – 1996
La nota del blues – 1996
Ciudad irrenunciable – 1998 – Antología
La ordenación: retrospectiva 1980-2004, 2004 – Poesía completa
Llenar tu nombre – 2008
El mapa de la espera – 2010
Deudas contraídas – 2016
Señales y muestras – 2016 Antología 1980-2016

Jasper Johns

Nació en Allendale, Carolina del Sur, Estados Unidos, el 15 de mayo 1930.

Es sin duda uno de las más importantes figuras del Arte Contemporáneo en el siglo XX.

Estudió en la Universidad de Carolina del Sur en 1947 y 1948, posteriormente en la Parsons The New School for Design de Nueva York, durante 1949.

En esta última escuela conoció a Robert Rauschenberg, Merce Cunningham y John Cage, con los que comenzó  a desarrollar su su estilo.

En 1952 y 1953 participó en la guerra de Corea, destinado en Sendai, Japón.

Investigador incansable, en sus inicios reaccionó poniéndose en contra de la abstracción lírica y del expresionismo abstracto, manteniéndose fiel a un cierto estetismo y buscando su inspiración en la historia del arte.

Su obra es prolífica tanto en la cantidad de obras que realizó como en las distintas técnicas y elementos que utilizó para llevarla a cabo.

Además de la pintura, fue un maestro del grabado sobre cobre y en la litografía. En algunas de sus composiciones, utilizó objetos reales sobre el lienzo, como reglas, compases, entre otros.

La influencia de Pablo Picasso y de Henri Matisse, está presente en toda su obra. De forma recurrente en ella, aparecen los números y las letras.

Los símbolos de comunicación no verbal están presentes tanto en su pintura como en su grabado y escultura.

En un proceso basado en la repetición, el artista muestra la importancia del desarrollo continuo de registros temáticos.

Un historiador de arte escribió: «La pintura de Jasper Johns, es como un perfume de la vieja Europa”.

Además de las series de números y letras ya citadas, sus obras más famosas, pertenecen a la serie que realizó en 1951 con el tema de la bandera norteamericana.

Aunque a decir de los críticos, tras su exposición en Nueva York en 1978, volvió a abrir una senda con un ciclo de cuatro obras tituladas «Las estaciones», pinturas, de 1,9 metros por 1,27 metros, que han sido especialmente significativas para la historia del arte estadounidense.

Sus obras forman parte de colecciones de los museos de arte más importantes de Estados Unidos y Europa, entre otros: la Galería Nacional de Arte, Museo Whitney de Arte Estadounidense, El MoMa, el Museo Metropolitano de Arte (MET), la Tate Modern  de Londres y el Centro Pompidou de París.

*Esta entrada fue publicada en este blog el 15 de mayo de 2010. Ha sido actualizada y ampliada, el 15 de mayo de 2026.

«Castigo»

Puedo sentir el tirón
de la soga en su nuca,
el viento
en su desnudo torso.

Aventa los pezones
como cuentas de ámbar,
agita el frágil aparejo
de las costillas.

Veo su cuerpo
ahogado en el pantano,
el lastre de la piedra,
las varas y las ramas aún flotando.

Bajo las que al principio
ella era un arbolito sin corteza
al que se arranca,
hueso de roble, vasija de sesos:

La cabeza afeitada
como rastrojo de negra mies,
la venda de los ojos toda sucia,
la soga un anillo

en donde almacenar
los recuerdos de amor.
Pequeña adúltera,
antes de que te castigaran

tu pelo era muy rubio,
estabas desnutrida y era hermoso
tu rostro ennegrecido por la brea.
Mi pobre chivo expiatorio,

casi te amo
mas hubiera arrojado, bien lo sé,
las piedras del silencio.
Soy un mirón taimado

de tu cerebro expuesto
y tus oscurecidos prendedores,
de tus haces de músculos
y de todos tus huesos numerados:

yo, que me quedé mudo
cuando traidoras, tus hermanas,
con redaño de brea,
junto a las barandillas sollozaban,

yo lo iba a consentir
con mi civilizada atrocidad,
aunque entendiera la precisa
y tribal venganza íntima.

Seamus Heaney, 1975

De: Norte, 1975
Recogido en la antología: Campo abierto
Traducción de Jenaro Talens
Ed. Visor de Poesía 2005
ISBN: 978-847522-566-7

Poema original en inglés:

«Punishment»

I can feel the tug
of the halter at the nape
of her neck, the wind
on her naked front.

It blows her nipples
to amber beads,
it shakes the frail rigging
of her ribs.

I can see her drowned
body in the bog,
the weighing stone,
the floating rods and boughs.

Under which at first
she was a barked sapling
that is dug up
oak-bone, brain-firkin:

her shaved head
like a stubble of black corn,
her blindfold a soiled bandage,
her noose a ring

to store
the memories of love.
Little adultress,
before they punished you

you were flaxen-haired,
undernourished, and your
tar-black face was beautiful.
My poor scapegoat,

I almost love you
but would have cast, I know,
the stones of silence.
I am the artful voyeur

of your brain exposed
and darkened combs,
your muscles’ webbing
and all your numbered bones:

I have stood dumb
when your betraying sisters,
cauled in tar,
wept by the railings,

who would connive
in civilized outrage
yet understand the exact
and tribal, intimate revenge.

Seamus Heaney

De: North, 1975

Este poema que Heany escribió en 1975, está inspirado en una una noticia publicada en 1951, en la que se contaba que en los pantanos de Windeby, en Alemania, fue descubierto el cuerpo de una niña de aproximadamente catorce años de edad que pudo haber vivido en el primer siglo de nuestra era. La joven llevaba una venda en los ojos, una mordaza y una soga al cuello. El cuero cabelludo del lado izquierdo de la cabeza estaba rapado; ramas, palos y una gran piedra cubrían su cuerpo.
Según el historiador romano Tácito, los alemanes castigaban a las adúlteras rapándoles las cabezas, las expulsaban del pueblo, en el mejor de los casos, o matándolas. Cuando Heany escribió el poema, algo parecido ocurría en Irlanda: las mujeres de Belfast acusadas de colaborar con los británicos eran desnudadas, rapadas, pintadas con alquitrán y encadenadas a las cercas.

Seamus Heaney nació en el Condado de Derry, Irlanda del Norte, el 13 de abril de 1939.
Escritor y académico, fue catedrático de Poesía en la Universidad de Oxford, Inglaterra.
Fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 1995.
El poeta estadounidense Robert Lowell lo describió como: el poeta irlandés más importante desde Yeats, y muchos otros, como el académico John Sutherland, han dicho que es el poeta más grande de nuestra era.
Murió en Dublín, el 30 de agosto de 2013.

También de Seamus Heaney en este blog:

«Seamus Heaney: Castigo»: AQUÍ

«Seamus Heaney: Menta»: AQUÍ

«Seamus Heaney: La vara de la lluvia»: AQUÍ

«Seamus Heaney: Verano de 1969»: AQUÍ

«Seamus Heaney: Un trago de agua»: AQUÍ

«Seamus Heaney: La rama dorada»: AQUÍ

«Seamus Heaney: Lugar del nido»: AQUÍ

«Seamus Heaney: La fragua»: AQUÍ

«Seamus Heaney: El granero»: AQUÍ

«Seamus Heaney: Visitante»: AQUÍ

«Seamus Heaney: Día de boda»: AQUÍ

«Seamus Heaney: Andamios»: AQUÍ

«Seamus Heaney: Las estaciones del oeste»: AQUÍ

«Seamus Heaney: Casa de verano»: AQUÍ

«Seamus Heaney: Un sueño de celos»: AQUÍ

«Seamus Heaney: Muerte de un naturalista»: AQUÍ

«Seamus Heaney: Cavando»: AQUÍ

«Seamus Heaney: Acta de unión»: AQUÍ

«Seamus Heaney: Sibila»: AQUÍ

Bibliografía poética destacada:

Muerte de un naturalista (1966)
Norte (1975)
Estación, (1975)
Puerta a las tinieblas (1969)
Huyendo del invierno (1972)
Trabajo de campo (1979)
Isola stazione (1984)
La linterna del espino (1987)
Viendo visiones (1991)
El nivel espiritual (1996) – Premio Whitbread
Luz eléctrica (2001).
En 2000 publicó una traducción al inglés moderno del poema épico anglosajón «Beowulf» que se convirtió en un auténtico best-seller en el Reino Unido y en Estados Unidos y por la que recibió de nuevo el Premio Whitbread.

Ensayos:

Preocupaciones (1980)
Gobierno de la lengua (1988).

Thomas Gainsborough

Nació en  Sudbury, Suffolk , Inglaterra,  el 14 de mayo de 1727.
Está considerado sin duda como uno de los más grandes maestros del retrato y el paisaje.

Con sólo trece años de edad impresionó a su padre con sus habilidades para el dibujo, que en 1740 lo envió a Londres para estudiar arte.

Tuvo como maestros al grabador francés Hubert Gravelot. A través de éste que había sido alumno del pintor francés Antoine Watteau.

Recibió la influencia del último y posteriormente de los artistas flamencos y del barroco Antón van Dyck.

Posteriormente se unió a la escuela de William Hogarth con el que mantuvo una estrecha relación, que se extendió al resto de los miembros de la misma.

Más tarde estudió pintura con Francis Hayman, pintor de temas históricos, con el que colaboró en la decoración de los palcos superiores en los Jardines de Vauxhall, y la de lo que hoy es la Fundación Thomas Coram para Niños.

Entre 1759 y 1774, residió en Bath, balneario costero de moda, donde pintó numerosos retratos, como La mujer de azul y numerosos paisajes.

En 1761 comenzó a exponer en la Society of Arts en Londres (hoy la Real Sociedad para el fomento de las Artes), de la que fue uno de sus primeros miembros.

Seleccionó mucho sus encargos, siendo la mayor parte retratos de clientes bien conocidos para llamar la atención. Estas exposiciones le ayudaron a obtener reputación nacional.

Estos éxitos le llevaron a convertirse en uno de los miembros fundadores de la Royal Academy en 1769, aunque su relación con ella fue complicada, llegando a retirar en varias ocasiones sus obras de la Exposición; dejó de exponer sus pinturas allí en el año 1773.

En 1774 el rey Jorge III le encargó pintar su retrato y el de la reina consorte, Carlota Sofía, aunque esto no le ocasionó pocos problemas.

Cuando el rey se vio obligado a nombrar como pintor real a su más directo rival, Joshua Reynolds, a la muerte del pintor real Allan Ramsay, no obstante, continuó siendo un pintor favorito de la Familia Real.

En ese mismo año estableció su residencia en Londres, convirtiéndose en el pintor favorito de la aristocracia británica, logrando  una gran fortuna con sus retratos.

En 1777 volvió a exponer sus pinturas en la Royal Academy, sobre todo retratos de celebridades contemporáneas, como el Duque y la Duquesa de Cumberland. Continuaron celebrándose exposiciones suyas durante los siguientes seis años.

Esto le proporcionó cierta influencia en la Academia y le permitió imponer la forma en el que deseaba que se expusiera su obra. Sin embargo en 1783, se llevó sus pinturas de una exposición y las llevó a Schomberg House.

En su etapa más madura pintó paisajes bastante sencillos, que se caracterizan por una paleta ligera y pinceladas fáciles; Le es atribuido, junto a Richard Wilson, ser el creador de la escuela paisajista británica del siglo XVIII.

Su pintura destacó sobre todo por la rapidez con la que aplicaba su pintura, y trabajó más a partir de sus observaciones de la naturaleza, y la naturaleza humana, que de ninguna regla académica.

Constable diría de ella: La sensibilidad poética de sus pinturas logran que al contemplarlas encontramos lágrimas en nuestros ojos y sin saber qué las provoca.

Sus obras más famosas, como el Retrato de la señora Graham; Mary y Margaret; Las hijas del pintor; el Retrato de William Hallett y su esposa Elizabeth, de soltera Stephen, conocida como El paseo matutino y Muchacha de cottage con perro y jarro, muestran la individualidad única de sus protagonistas.

Realizó más de 500 obras, de las que 230 son retratos.
Llevó una vida algo triste, una de sus dos hijas era deficiente mental, y el pintor llevó toda su vida en el alma el peso de tal desgracia.

Murió en Londres,  el 2 de agosto de 1788, siendo enterrado por expreso deseo suyo, en la iglesia de St. Anne Kew, donde la Familia rezaba habitualmente.
El Museo del Prado de Madrid alberga dos de sus retratos.

*Entrada publicada en este blog el 14 de mayo de 2010. Ha sido actualizada y ampliada con nuevas obras el 14 de mayo de 2026.

«Antes del día»

A Dore Ashton

¡Cómo brillan al sol los hijos no nacidos!
Blanco es el mes de enero, negras las olas que visitan la isla.
El nido está en lo alto, sobre una piedra segura.
No habrá que enseñarles ni a nacer ni a morir. ¿Por qué habría de enseñarse tales cosas?
La vida llegará con avidez y ruido. Conocerán el sol. El mundo será esa claridad que nos pierde; los abismos de sal, la fronda de oscuras esperanzas, el vuelo del solitario que se da alcance a sí mismo.
Un círculo en el aire para atrapar algo de lo perdido.
El sueño de ayer, la imagen que se escapa entre dos aguas, que se multiplica y transforma hasta no ser sino el agua misma, el brillo deslumbrante, instantáneo, de los propios deseos.
Mirada perdida en sí misma que se devuelve y recorre como un desierto familiar.
Siempre al centro. Encrucijada o astro, efímera explosión de plumas, corazón sin reposo alentando todos los vientos.
¡Cómo brillan al sol los hijos no nacidos!
¿Qué clase de sueño traerán? Primera estrella destruida, primer dolor, primer grito.
Golpe contra todo, contra sí mismo. Hacer la luz aunque cueste la noche, aunque sea la muerte el cielo que se abre y el océano nada más que un abismo creado a ciegas.
La propia voz respondiéndose con el fracaso de cada ola.

Blanca Varela

De: Luz de día, 1963
Recogido en: Blanca Varela – Poesía completa.
Ed. Visor Poesía, 2024©
ISBN: 978-84-9895-516-3

Blanca Leonor Varela Gonzáles nació en Lima, Perú, el 10 de agosto de 1926.
Está considerada como una de las voces poéticas más importantes en América Latina.
En 1949 viajó a París, donde fue guiada por Octavio Paz, que fue una figura determinante en su carrera, y que la vinculó con el círculo de intelectuales latinoamericanos y españoles residentes en la capital francesa en esos años.
Entre otros hizo amistad con Jean Paul Sartre, Simone de Beauvoir, Henri Michaux, Alberto Giacometti y Fernand Léger.
Más tarde residió un tiempo en Florencia y después en Washington.
En 1962, regresó a Lima, donde estableció su residencia definitiva, aunque hizo frecuentes viajes a Estados Unidos, España y Francia.
Sus obras han sido traducidas al alemán, francés, inglés, italiano, portugués y ruso.
Obtuvo entre otros:
El Premio Octavio Paz de Poesía y Ensayo en 2001.
Premio Internacional de Poesía Federico García Lorca, en 2006.
Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana, en 2007.
Murió en Lima, el 12 de marzo de 2009, cuando contaba con 82 años de edad.

También de Blanca Varela en este blog:

«Blanca Varela: Antes del día»: AQUÍ

«Blanca Varela: Flores para el oído»: AQUÍ

«Blanca Varela: Escena final»: AQUÍ

«Blanca Varela: Ideas elevadas»: AQUÍ

«Blanca Varela: Palabras para un canto»: AQUÍ

«Blanca Varela: Una ventana»: AQUÍ

«Blanca Varela: En lo más negro del verano»: AQUÍ

«Blanca Varela: Esta mañana soy otra»: AQUÍ

«Blanca Varela: Así sea»: AQUÍ

«Blanca Varela: La muerte se escribe sola…»: AQUÍ

«Blanca Varela: Es fría la luz»: AQUÍ

«Blanca Varela: Mediodía»: AQUÍ

«Blanca Varela: Epitafio»: AQUÍ

«Blanca Varela: Dama de blanco»: AQUÍ

«Blanca Varela: Una ventana»: AQUÍ

«Blanca Varela: Destiempo»: AQUÍ

«Blanca Varela: Casa de cuervos»: AQUÍ

Bibliografía poética:

Ese puerto existe – 1959.
Luz de día – 1963.
Valses y otras falsas confesiones – 1971.
Ejercicios materiales.
El libro de barro – 1993.
Concierto animal.
Canto Villano (Antología) – 1978.
Poesía escogida.
Como Dios en la nada – Antología de 1949 a 1988 – 1989.
Donde todo termina abre las alas – Poesía 1949 – 2000 – 2000.
El falso teclado – 2000.
Y todo debe ser mentira (Antología) 2020

Richard Estes

Nació en Kewanee, Illinois, Estados Unidos, el 14 de mayo de 1932.
Fue uno de los pioneros del hiperrealismo, también llamado fotorrealismo.

Esta corriente pictórica, que surgió en Estados Unidos a finales de la década de 1960, se caracterizó por su interés por captar la realidad tomando como modelo la imagen fotográfica y por aspirar a una nitidez absoluta, de mayor precisión que la del ojo humano.

Estudió entre 1952 y 1956 en el Art Institute of Chicago y, tras finalizar su formación, comenzó a trabajar para diversas agencias de publicidad y empresas del mundo editorial.

En 1959 se trasladó a Nueva York, donde trabajó un tiempo como ilustrador y diseñador, familiarizándose con el mundo de la fotografía. Tras ahorrar el dinero suficiente, dejó su trabajo para viajar por España en 1962.

En 1967 enseñó algunas de las obras realizadas durante su viaje a Allan Stone, que presentaría su primera exposición individual en su galería, en apenas tres años, su obra era conocida en Estados Unidos y en Europa

Manhattan se convirtió en su tema preferido, y con el tiempo otras ciudades del mundo también pasaron a ser objeto de sus obras.

A pesar de que admira a Edward Hopper, sus paisajes urbanos se distancian de los de éste, pues evitan las escenas nocturnas y cualquier elemento narrativo o emocional.

La luz de sus lienzos, por el contrario, busca aquellos momentos más brillantes del día, sintiéndose especialmente atraído por las superficies metálicas, los cristales y los espejos, que le permiten recrearse en las imágenes deformadas de sus reflejos.

También realizó trabajos en los qué sus difuminados en superficies no lisas y uniformes logró efectos como los de las olas de agua en movimiento.

Aunque se acercan mucho a la visión del mundo que aporta una fotografía, Estes se basa en ellas paras sus composiciones, no las utiliza para imitar la realidad, sino para reconstruirla con una nitidez.

Su obra está representada en importantes museos, galerías y colecciones públicas y privadas de todo el mundo.

En el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid podemos ver tres magnificas obras suyas: Cabinas telefónicas de 1967, Nedick’s de 1970 People’s Flowers, de 1971.

*Entrada publicada en este blog el 3 de abril de 2011. Ha sido actualizada y ampliada el 14 de mayo de 2026.