«Las manzanas»

Recuerdo aquellas tardes de Septiembre doradas.
Recuerdo venir mansos al establo los bueyes
pacientes y paganos, las tardes ya pasadas
y el provincial sosiego de desgastadas leyes.

Un pueblo de León. Viejos adobes. Lento
trajín de un tren correo que perdía sus toses,
entre temblones álamos y un humo ceniciento
al tiempo que en mi mano morían los adioses.

Recuerdo aquella casa, la sala tenebrosa
con balcones que daban a la plaza y el ruido
del reloj, los retratos y una estampa piadosa,
un hurón disecado y el velador dormido.

Y en el corral, las cajas. Las manzanas reinetas
que tenían debajo hojas de cantorales
góticos, arrancadas vísperas y completas
de miniados añiles en letras capitales.

Y los blancos salterios y libros heredados
de un tío cura muerto, ahora eran sudario
para aquellas manzanas de virgilianos prados,
huertos y pomaradas al pie de un santuario.

Manzanas de Septiembre, aromadas manzanas.
Recuerdo aquellas tardes otoñales y mías
como una salve antigua, tristes y gregorianas.
Aquel sentir lejano que llegarían días

en que yo recordase, desvanecido el mundo:
la flor de los vestidos, las hojas en las ramas
y el chillar de los cuervos serían el profundo
y silencioso abismo de aquellos pentagramas.

Cómo seré yo entonces, recuerdo que pensaba
en las doradas tardes, sin suponer siquiera
que en aquellas manzanas tan ásperas estaba
escondido el entonces, el será, el es y el era.

Andrés Trapiello

De: El mismo libro, 1989
Recogido en: El volador de cometas – Antología Poética
Selección y prólogo de Eloy Sánchez Rosillo.
Ed. Renacimiento. Sevilla, 2021© (Segunda edición ampliada).
ISBN: 9788418818370

Andrés Trapiello nació en Manzaneda de Torío, León, el 10 de junio de 1953.
Poeta, novelista y ensayista ha sido galardonado entre otros, con:
– Premio Internacional de novela Plaza & Janés, 1992, por El buque fantasma.
– Premio de la Crítica de poesía castellana 1993 por Acaso una verdad.
– Premio don Juan de Borbón 1995 por Las armas y las letras. Literatura y guerra civil 1936-1939.
– Premio de las Letras de la Comunidad de Madrid, 2002.
– Premio Nadal 2003 con Los amigos del crimen perfecto.
– Premio Fundación José Manuel Lara 2005 por la novela Al morir don Quijote
– Premio Nacional de Periodismo Miguel Delibes 2005 por el artículo El arca de las palabras, publicado en La Vanguardia el 23 de abril de 2005
– Premio Julio Camba 2007
– Premio Francisco Valdés 2009
– Premio Castilla y León de las Letras 2010
Desde 1975 vive en Madrid.

También de Andrés Trapiello en este blog:

«Andrés Trapiello: Las manzanas»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: Si hay un rincón»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: La ventana de Keats»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: En tus mejores años»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: Nada»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: Golondrinas»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: Al final de la tarde»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: Despertar en las viñas»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: Almendro»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: Calleja de los olmos»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: Reencuentro con el otoño»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: Rama desnuda»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: Al dictado»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: España»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: A unos lirios»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: Gorriones del rastro»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: Cierzo»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: Elegía»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: La tormenta»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: En la sala apagada»: AQUÍ

«Andrés Trapiello: La carta»: AQUÍ

Bibliografía poética:

Junto al agua – 1980
Las tradiciones – 1982
La vida fácil – 1985
El mismo libro – 1989
Las tradiciones – 1992 (Recopilación de toda su obra poética hasta esta fecha.)
Acaso una verdad – 1993 Premio de la Crítica
Poemas escogidos – 1998, Segunda edición corregida – 2001
Rama desnuda – 2001
Un sueño en otro – 2004
El volador de cometas (Antología) – 2006
Segunda oscuridad – 2012 y 2018

Tarsila do Amaral

Nació en Capivari, Brasil, el 1 de septiembre de 1886.
Fue una de las pintoras más representativas del modernismo en Brasil.

Se formó inicialmente a partir de 1917, con el pintor Pedro Alexandrino y posteriormente con George Fischer Elphons.

En 1920 viajó a París, asistiendo durante un tiempo a la Academia Julien, donde tuvo como maestro a Émile Renard.

En ese tiempo conoció a Fernand Leger y participó en el Salón de París de 1922, con obras que mostraban la influencia que había recibido del cubismo.

Ese mismo año volvió a Brasil donde formó el conocido como Grupo de los Cinco, junto a Anita Malfatti, Menotti del Picchia, Mário de Andrade y Oswald de Andrade, que promulgaba los principios de la Semana de Arte Moderno, poniéndose al frente del movimiento modernista en su país.

En 1926 contrajo matrimonio con Oswald de Andrade, y ese mismo año, expuso por primera vez en solitario en la Galería Percier, en París.

Desde ese momento sus obras nos muestran fuertes características primitivistas y naivistas.

De esta época es su cuadro más conocido, Abaporu, que sirvió de rostro al conocido como movimiento antropofágico.

En 1933 su obra conectó más con temas sociales, como ejemplo Obreros y Segunda Clase.

Expuso en las dos primeras Bienales de São Paulo y ganó una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de São Paulo en 1960.

La Bienal de São Paulo de 1963 le dedicó una sala especial, y en 1964, se presentó en la 32ª Bienal de Venecia.

Murió en São Paulo, 17 de enero de 1973.

Su obra está representada en las más importantes colecciones y museos del mundo, entre ellos el MoMa de Nueva York.

*Entrada publicada el 8 de agosto de 2013. Ha sido actualizada y ampliada el 1 de septiembre de 2026.

«Hidra»

Delfines estandartes y tronar de cañones.
El mar antaño tan amargo para tu alma,
levantaba brillantes barcos policromos
se combaba, los bamboleaba, y todo azul con alas blancas,
antaño tan amargo para tu alma
ahora lleno de colores bajo el sol.

Velas blancas y luz y remos empapados
a ritmo de tambores golpeaban olas quietas.

Serían hermosos tus ojos si miraran
serían espléndidos tus brazos si se abrieran
se avivarían tus labios como antaño
ante un prodigio tal;
tú lo buscabas
¿y qué buscabas frente a la ceniza
o en la lluvia en la niebla o en el viento
aun mientras las luces se iban poniendo pálidas
y la ciudad se hundía y desde las baldosas
su corazón te mostraba el Nazareno?
¿Qué buscabas? ¿Por qué no vienes? ¿Qué buscabas?

Yorgos Seferis

De: Novela, 1935
Recogido en: Mythistórima – Poesía Completa
Traducción de Selma Ancira y Francisco Segovia
Ed. Galaxia Gutenberg 2012©
ISBN: 978-84-8109-978-2

Poema original en griego:

«Ύδρα»

Δελφίνια φλάμπουρα και κανονιές.
Το πέλαγο τόσο πικρό για την ψυχή σου κάποτε,
σήκωνε τα πολύχρωμα κι αστραφτερά καράβια
λύγιζε, τα κλυδώνιζε κι όλο μαβί μ’ άσπρα φτερά,
τόσο πικρό για την ψυχή σου κάποτε
τώρα γεμάτο χρώματα στον ήλιο.

Άσπρα πανιά και φως και τα κουπιά τα υγρά
χτυπούσαν με ρυθμό τυμπάνου ένα ημερωμένο κύμα.

Θα ήταν ωραία τα μάτια σου να κοίταζαν
θα ήταν λαμπρά τα χέρια σου ν’ απλώνουνταν
θα ήταν σαν άλλοτε ζωηρά τα χείλια σου
μπρος σ’ ένα τέτοιο θάμα
το γύρευες
τι γύρευες μπροστά στη στάχτη
ή μέσα στη βροχή στην καταχνιά στον άνεμο,
την ώρα ακόμη που χαλάρωναν τα φώτα
κι η πολιτεία βύθιζε κι από τις πλάκες
σου ‘δειχνε την καρδιά του ο Ναζωραίος,
τι γύρευες; γιατί δεν έρχεσαι; τι γύρευες;

Γιώργος Σεφέρης

του: Μυθιστόρημα, 1935

Giorgios Stylianou Seferiadis nació en Esmirna, entonces Grecia, ahora Turquía, el 13 de marzo de 1900.
Poeta, ensayista y diplomático, intentó combinar sus propias experiencias con la historia y la mitología. Una de sus principales fuentes de inspiración fue la «Odisea» de Homero, queriendo mostrar cómo la personalidad humana no ha cambiado a través de los siglos.
Fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 1963, el primero de su nacionalidad en lograrlo.
Murió en Atenas, el 20 de septiembre de 1971.

Reseña escrita por Santos Domínguez Ramos, en su blog Encuentros de Lecturas, de Mythistórima – Poesía Completa : AQUÍ 

También de Yorgos Seferis en este blog:

«Yorgos Seferis: Hidra»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Mañana»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Hace años dijiste…»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: El viejo»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: La forma del destino»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Santorini»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: El álamo en el pequeño jardín»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Lamento haber dejado correr un ancho río…»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Relato»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Un soplo suave…»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: En las grutas de la mar»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Niño»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Comerciante de Sidón»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Andrómeda»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Solidaridad»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Un poco más y el sol se detendrá…»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Novela II»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Detalles en Chipre»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Domingo»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Aquí, entre los huesos»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Te llamo en nombre de la diosa…»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Relato»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: El regreso del exiliado»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Tres mulas»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Compañeros en el Hades, de Estrofa» AQUÍ

«Yorgos Seferis: Eurípides el ateniense, de Bitácoras»: AQUÍ

«Giorgos Seferis: La hoja del álamo»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: El viejo, de Cuaderno de ejercicios»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Padum, de Poemas entregados»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Huida, de Cuaderno de ejercicios»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Farsantes, Medio Oriente, de Bitácoras II»: AQUÍ 

«Yorgos Seferis: Nuestro sol, de Bitácoras I»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Argonautas»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Hampstead»: AQUÍ

«Yorgos Seferis: Novela IX»: AQUÍ

Bibliografía poética:

– I Strofi El momento crucial -1931
– I Sterna La cisterna – 1932
– Mythistórima Novela (serie de poemas basados en la Odisea) – 1935
– Ghimnopedhia – 1935
– Tetrádhio Yimnasmáton – Cuaderno – 1940
– Imerologuio Katastrómatos I, II y III 1940, 1944 y 1955. (diarios)
– Kijli – 1947
– El rey de Asine – 1948
– Poiímata, 1924-46 – 1950
– Poems – 1960
– Tría kryfá poiímata (Tres poemas secretos) – 1966
– Delphi – 1963

Nicola Samori

Nació , en Forli, Italia, en 1977.
Increíble artista que produce un enorme impacto en cualquiera de sus dos modalidades artísticas, la pintura y la escultura.

Se formó en la Academia de Bellas Artes de Bolonia, en la que quedó fascinado por los maestros barrocos de la escuela boloñesa, y tras cinco años, absorbió de manera ejemplar las clases de sus maestros de la Academia.

Para su pintura, como decíamos, se inspira en los grandes maestros  del renacimiento y del barroco  italiano.

Utiliza distintos materiales: lienzo, madera y cobre, sobre todo.

El artista explica que: «exponer el interior de la pintura mediante la eliminación de capas de «piel» con un bisturí revela «una frescura y una intensidad desconocida en los tonos exteriores».

Su técnica, absolutamente personal e inconfundible,  consiste en la aplicación de un peeling muy vigoroso, raspado posterior y bisturí para pelar capas, raspado que realiza con las manos desnudas o con un cuchillo.

Va colocando imágenes en la parte superior, repitiendo el proceso hasta que las imágenes se funden y los signos de borrado y rascado dominan la superficie reelaborada.

Sabe de forma magistral manejarse como un virtuoso: crear una nueva forma de un tema existente, ese es su objetivo.

Sus resultados, son sorprendentes, podría competir con facilidad con cualquiera de los maestros antiguos del barroco, sus técnicas y «violencia artística» , que son únicas, le hicieron acreedor de un sitio en la Bienal de Venecia y la admiración y reconocimiento en toda Europa.

Su trabajo según los críticos se puede describir mejor como oscuro y barroco
Según RC Baker, del Village Voice, periódico de noticias y cultura estadounidense, conocido por ser el primer semanario alternativo del país, al referirse a su técnica de raspado, escribió: «las relecturas de viejos maestros de aceites Samorì son una revelación»

En sus cuadros nos enseña figuras a veces monstruosas, perturbadoras, oscuras, cavernosas, donde las formas y los personajes se funden con los patrones creados por el artista, con una calidad absolutamente fantástica que en muchas ocasiones sobrecogen.

Tanto su pintura como su escultura, están altamente cotizadas en la actualidad y son disputadas por los grandes coleccionistas de arte, públicos y privados.

Una muestra importante de su obra se encuentra en la Colección de Arte Taylor, en Denver, Colorado.

En una entrevista publicada por una revista italiana, se le preguntaba el porqué de la eliminación de capas y las raspaduras, a lo que el pintor respondía: «Me parece que existe una correspondencia asombrosa entre la piel y la pintura. El hecho de levantar la película de pintura con un bisturí destaca esta tautología. El interior de la pintura siempre ofrece una imagen desconocida, un aspecto sorprendente que al igual que la piel, revela una frescura y una intensidad desconocida en los tonos exteriores.»

En la misma línea son sus magnificas esculturas con las que al igual que ha ocurrido con su pintura está obteniendo éxito tras éxito en sus exhibiciones.
En la actualidad vive y trabaja en Bagnacavallo, Italia

Página oficial del artista: AQUÍ

*Esta entrada fue publicada en este blog el 30 de noviembre de 2011. Ha sido actualizada y ampliada el 1 de septiembre de 2026.

«Septiembre»

Vemos la oscuridad cernerse lenta:
no la miden relojes.
Cuando besos y abrazos se repiten
desaparece el tiempo.

Es verano. Las hojas cuelgan quietas:
a mi espalda una estrella,
bajo un brazo sedeño un mar me dice
que ya no existe el tiempo.

Las hojas no midieron el verano
ni hacen falta relojes,
sólo tenemos lo que recordamos:
minutos que nos llenan la cabeza

como a esos reyes desafortunados
que el populacho acosa,
mientras, lentos, los árboles reflejan
sus copas en el charco.

Ted Hughes

De: El Halcón bajo la Lluvia, 1957
Recogido en Ted Hugues – Antología Poética
Traducción de Jesús Pardo
Plaza & Janés Editores 1971©

Poema original en inglés:

«September»

We sit late, watching the dark slowly unfold:
No clock counts this.
When kisses are repeated and the arms hold
There is no telling where time is.

It is midsummer: the leaves hang big and still:
Behind the eye a star,
Under the silk of the wrist a sea, tell
Time is nowhere.

We stand; leaves have not timed the summer.
No clock now needs
Tell we have only what we remember:
Minutes uproaring with our heads

Like an unfortunate King’s and his Queen’s
When the senseless mob rules;
And quietly the trees casting their crowns
Into the pools.

Ted Hughes

From: The Hawk in the Rain, 1957

Edward James Hughes nombre completo de Ted Hughes, nació en West Riding of Yorkshire, Reino Unido, el 17 de agosto de 1930.
Poeta y escritor de libros infantiles, está considerado por la crítica como uno de los mejores poetas de su generación.
Estuvo casado con la también poeta Sylvia Plath, que se suicidó con sólo 30 años de edad en 1956. En 2010 se encontró una carta en la que describe, qué pasó durante los tres días que condujeron al suicidio de ésta.
Murió en Londres, el 28 de octubre de 1998.
En 2008 la revista The Times clasificó a Hughes como cuarto en su lista de Los 50 mejores escritores británicos desde 1945.
En marzo de 2010, se anunció que Hughes sería conmemorado con un monumento en el Rincón de los Poetas en la Abadía de Westminster.

También de Ted Hughes en este blog:

«Ted Hughes: Septiembre»: AQUÍ

«Ted Hughes: Cómo empezó a jugar el agua»: AQUÍ

«Ted Hughes: El minotauro»: AQUÍ

Bibliografía poética:

1957 The Hawk in the Rain
1960 Lupercal
1967 Wodwo
1970 Crow: From the Life and the Songs of the Crow (en español: Cuervo, trad. Jordi Doce, Hiperión, Madrid, 1999)
1972 Selected Poems 1957-1967
1975 Cave Birds
1977 Gaudete
1979 Remains of Elmet’ (with photographs by Fay Godwin)
1979 Moortown
1983 River
1986 Flowers and Insects
1989 Wolfwatching
1992 Rain-charm for the Duchy
1994 New Selected Poems 1957-1994
1997 Tales from Ovid
1998 Birthday Letters — winner of the 1998 Forward Poetry Prize for best collection, the 1998 T. S. Eliot Prize, and the 1999 British Book of the Year award.
2003 Collected Poems

Per Kirkeby

Nació en Copenhague, Dinamarca, el 1 de septiembre de 1938.
Está reconocido como uno de los más importantes artistas europeos contemporáneos.

Pintor, escultor, realizador de películas y escritor, famoso sobre todo en Alemania, Inglaterra y España.

Se inició en la pintura con sólo catorce años de edad, debido a una, aunque leve dislexia, busco en el dibujo una más fácil forma de expresión.

Estudió Ciencias Naturales a la Universidad de Copenhague y de 1958 a 1965, tomó parte en numerosas expediciones científicas como geólogo.

En 1971 representó a su país, como comisario de la Bienal de París.

Sus esculturas son muy cotizadas por los coleccionistas y por entidades públicas y privadas para exhibir en lugares abiertos, algunas de ellas, en la Nueva Opera de Copenhague que fue inaugurada en 2005.

Así mismo ha publicado varias novelas y libros de poesía.
Desde 1982 es miembro de la Academia Danesa.

Ha estudiado y es admirador de la arquitectura Maya, y de las obras de Paul Cézanne, Édouard Manet, de Madame de Staël, y de Eugène Leroy.

Trabajó hasta su muerte en su taller de Copenhague y residió en la isla Læsø, situada entre Dinamarca y Suecia.

Fue un ferviente admirador de le arquitectura de los Mayas, de Cézanne, Manet, Madame de Staël y Eugène Leroy.

Murió en Copenhague, el 9 de mayo de 2018.

*Entrada actualizada y ampliada el 1 de septiembre de 2026.

Vídeo sobre el artista y su obra:

Mi recuerdo al poeta maldito francés Charles Baudelaire, en el aniversario de su muerte.

«Obsesión»

Grandes bosques, me asustáis como las catedrales;
aulláis como el órgano; y en nuestros corazones malditos,
cámaras de eterno duelo donde vibran viejos estertores,
responden los ecos de vuestros De profundis.

¡Te odio Océano! Tus saltos y tus tumultos,
mi espíritu los halla en sí; esa risa amarga
del hombre vencido, lleno de sollozos y de insultos,
la oigo en la risa enorme del mar.

¡Cómo me gustaría, oh noche, sin esas estrellas
cuya luz habla un lenguaje conocido!
¡Pues busco lo vacío, y lo negro, y lo desnudo!

Pero las tinieblas son en sí mismas lienzos
donde viven, surgiendo de mis ojos a millares,
seres desaparecidos de miradas familiares.

Charles Baudelaire

De: Las flores del mal – Spleen et Ideal, 1857
Traducción de: Carmen Morales y Claude Dubois
Ilustraciones de Louis Joos
Ed, Nórdica Libros, 2007©
ISBN: 978-84-18451-52-2 (De la segunda edición 2021)

Poema original en francés:

«Obsession»

Grands bois, vous m’effrayez comme des cathédrales;
Vous Hurlez comme l’orgue; et dans nos coeurs maudits,
Chambres d’éternel deuil où vibrent de vieux râles,
Respondent les échos de vos De profundis .

¡Je te hais, Océano! tes bonds et tes tumultes,
Mon esprit les retrouve en lui; ce rire amer
De l’homme vaincu, plein de sanglots et d’insultes,
Je l’entends dans le rire énorme de la mer.

Comme tu me plairais, ô nuit! sans ces étoiles
Dont la lumière parle un langage connu!
¡Car je cherche le vide, et le noir, et le nu!

Mais les ténèbres sont elles-mêmes des toiles
Où vivent, jaillissant de mon oeil par millers,
Des êtres disparus aux respect familiers.

Charles Baudelaire

De: Les Fleurs du mal – Spleen et Idéal, 1857

Charles Baudelaire nació en París, el 9 de abril de 1821.
Poeta, crítico de arte y traductor, fue incluido por Paul Verlaine entre los poetas malditos, por su vida de bohemia, llena de excesos, y por la visión del mal, de la que está impregnada su obra.
Según el periodista y escritor francés Barbey d’Aurevilly, fue el Dante de una época decadente.
Fue sin duda el poeta de mayor impacto en el simbolismo francés, influido por Théophile Gautier, Joseph de Maistre y, sobre todo por Edgar Allan Poe, del que tradujo prácticamente toda su obra al francés.
Las flores del mal le valió una condena por inmoralidad que además le obligó a suprimir algunos de los poemas de la obra original, y abarca casi la totalidad de su producción poética desde 1840 hasta la fecha de su primera publicación en 1857.
En la segunda edición de 1861 eliminó los poemas censurados, pero añadió 30 nuevos. La edición definitiva, publicada de forma póstuma en 1868, si bien no incluyó los poemas prohibidos, añadió algunos más, en esta versión que consta de 151 poemas.
La censura que recayó sobre algunos de sus poemas no fue levantada en Francia hasta 1949.
Murió en París, el 31 de Agosto de 1867.

También de Charles Baudelaire en este blog:

«Charles Baudelaire: Obsesión»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: Remordimiento póstumo»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: Bendición»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: Tristezas de la luna»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: Mujeres malditas, de Las flores del mal»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: A una que pasa»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: La campana cascada»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: La fuente de sangre»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: El retrato»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: El universo entero pondrías en tu alcoba…»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: De profundis clavami, de Las flores del mal»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: Las ventanas»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: Las dos hermanitas»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: El perro y el frasco»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: El gato»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: Embriagaos»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: La giganta»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: Una carroña»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: Las letanías de Satán»: AQUÍ

» Charles Baudelaire: La muerte de los amantes»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: El enemigo»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: La Beatriz»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: El sol, de Cuadros Parisienses»: AQUÍ

«Charles Baudelaire: Frases»: AQUÍ

Bbliografía:

El Salón de 1845 (1845)
El Salón de 1846 (1846)
La Fanfarlo (1847)
Du vin et du haschisch (1851)
Fusées (1851)
L’Art romantique (1852) – Publicado en 1869.
Morale du joujou (1853)
Exposition universelle (1855)
Les Fleurs du mal  (1857)
Le Poème du haschich (1858)
El Salón de 1859 (1859)
Les Paradis artificiels  (1860)
La Chevelure (1861)
Réflexions sur quelques-uns de mes contemporains (1861)
Richard Wagner et Tannhäuser à Paris (1861)
Petits poèmes en prose o Le Spleen de Paris  (1862)
Le Peintre de la vie moderne  (1863)
L’œuvre et la vie d’Eugène Delacroix (1863)
Mon cœur mis à nu (1864)
Les Épaves (1866)
Curiosités esthétiques  (1868)
Journaux intimes (1851-1862)

Georges Braque

Nació en Argenteuil-sur-Seine, Francia, el 13 de mayo de 1882.

Junto a Juan Gris y Pablo Picasso fue uno de los tres padres del cubismo.

Se formó artísticamente  en L’Ecole des Beaux-Arts de Le Havre, desde 1897 hasta 1899.

En 1900 viajó a París para seguir su formación, inicialmente en la Academia Humbert, y a partir de 1903 en L’Ecole des Beaux-Arts de París.

Quedó impresionado en la Exposición Fauvista de 1905, adoptando este estilo durante un tiempo; de esta época son sus obras en tonos rosa y violeta.

En 1907 tras ver una exposición retrospectiva de Paul Cezanne, y hacer amistad con Pablo Picasso, que había terminado recientemente su cuadro «Las Señoritas e Avignon», volvió a cambiar de estilo.

Esa amistad que les llevó a trabajar juntos de forma estrecha, les hizo a los dos evolucionar al estilo que estaba a punto de surgir, el cubismo.

El verano siguiente pintó paisajes en L’Estaque, y en 1909 en Normandía y La Roche-Guyon.

Fue movilizado para combatir en la Primera Guerra Mundial en 1914, siendo herido de gravedad, regresando a París en 1915.

En 1917 reanudó su trabajo, tras la experiencia dramática que vivió, podemos ver su obra más seria y austera,  que se hizo más personal, con forma unida al color, representando figuras de gran tamaño, algún paisaje, pero sobre todo paisajes de estructuras muy semejantes.

La obra de Braque después de su época fauvista, comenzó un periodo pre-cubista, la época de L’Estaque, realizando paisajes lineales.

Su cubismo pasó por dos momentos: En el primero pintó superficies superpuestas y planos con ángulos que se componen a base de cubos con tono de poco cromatismo.

En una segunda etapa desarrolló lo que se conoce como «cubismo analítico» , en el que los objetos se descomponían con formas irreconocibles.

Más tarde su cubismo pasa a ser sintético, quiere decir esto, con unidad compositiva.

En el Museo Reina Sofía de Madrid podemos ver dos de sus obras.

Murió en París, el 31 de agosto de 1963.

El Museo Thyssen Bornemisza de Madrid alberga varias y magnificas obras, entre ellas, «El mantel rosa» de 1938, «Marina-L’Estaque» de 1906, «El parque de Carrières-Saint-Denis» de 1909 y «Mujer con mandolina» de 1910.

*El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, dando múltiples puntos de vista y elimina toda sensación de profundidad

**Esta entrada fue publicada en este blog el 7 de abril de 2011. Ha sido actualizada y ampliada el 31 de agosto de 2026.

Mi recuerdo a la gran poeta rusa, que vivió una vida cruel y desgraciada, en el aniversario de su marcha.

«Oración»

¡Cristo y Dios, quiero un milagro,
ahora, al comenzar el día!
Déjame morir mientras la vida
es como un libro para mí.

Tú, que eres sabio, no me dirás severo:
«espera, no has consumido tu tiempo todavía».
Tú mismo me has dado demasiado.
Yo quiero ahora, todos los caminos.

Lo quiero todo: con alma gitana
ir cantando a robar,
sufrir por todos al escuchar el órgano,
como una amazona galopar al combate.

Leer las estrellas desde la negra torre,
guiar a los niños a través de la sombra…
para que sea leyenda el día de ayer,
que cada día sea prodigioso.

Me gustan la cruz y la seda y los cascos,
mi alma es huella al instante.
Me diste una niñez como un cuento de hadas,
y debes darme muerte a los diecisiete años.

Tarusa, 26 de septiembre de 1909

Marina Tsvetáyeva

De: Otros poemas, 1917-1928
Recogido en: Marina Tsvetáieva y Anna Ajmàtova – El canto y la ceniza
Traducción de Monika Zgustová y Olvido García Valdés
Ed. Galaxia Gutenberg, 2018
ISBN: 978-84-17355-64-7

Poema original en ruso:

«Молитва»

Христос и Бог! Я жажду чуда
Теперь, сейчас, в начале дня!
О, дай мне умереть, покуда
Вся жизнь как книга для меня.
Ты мудрый, Ты не скажешь строго:
— «Терпи, еще не кончен срок».
Ты сам мне подал — слишком много!
Я жажду сразу — всех дорог!
Всего хочу: с душой цыгана
Идти под песни на разбой,
За всех страдать под звук органа
И амазонкой мчаться в бой;
Гадать по звездам в черной башне,
Вести детей вперед, сквозь тень…
Чтоб был легендой — день вчерашний,
Чтоб был безумьем — каждый день!
Люблю и крест, и шелк, и каски,
Моя душа мгновений след…
Ты дал мне детство — лучше сказки
И дай мне смерть — в семнадцать лет!

26 сентября 1909
Таруса

Марина Цветаева

B: Другие стихотворения 1917-1928

Marina Ivanovna Tsvetaeva nació en Moscú, Rusia, el 8 de octubre de 1892.
Hija del fundador del Museo Pushkin de Moscú Iván Tsvetáiev, tuvo que exiliarse en Praga en 1922, y más tarde en Francia, en 1925, después de la revolución rusa, junto a su marido, un oficial del ejército imperial.
Vivió 14 años en Francia, desdichada y muy triste, tenía dos hijas, Irina y Ariadna, y un hijo, Gueorgui.
Volvió a la Unión Soviética para reunirse con su marido Serguéi Efrón, quien había regresado a Rusia con su hija, en 1939, pero en el mismo año su marido y su hija  fueron arrestados, Serguéi fue fusilado en 1941 y Ariadna fue liberada en 1955.
Condenada al ostracismo por las autoridades soviéticas, no pudo encontrar vivienda ni trabajo. Era tan pobre que su hija Irina tuvo que ir a un orfanato, donde moriría de hambre.
Al comienzo de la Gran Guerra, Marina fue evacuada a Yelábuga, Tartaristán, donde se ahorcó, el 31 de agosto de 1941, tenía sólo 48 años de edad.
Pese a todas esas desdichas, dejó una obra viva, de impresionante calor, intransigente y llena de valentía, que fue salvada de la destrucción y del olvido por su hija Ariadna. En la Unión Soviética permaneció prácticamente inédita hasta pasada de la Segunda Guerra Mundial, que comenzó a ser conocida a través de la publicación de algunos de sus poemas en hojas clandestinas.
Nabókov rectificó sus prejuicios sobre la difícil Tsvietáyeva, de ella decía leerla sólo causa estupor y dolor de cabeza, pero se negó a permitir su rehabilitación, que no ha llegado del todo hasta hace unos pocos años con la publicación en Rusia su obra completa, según escribe Enrique Vila-Matas, Su lírica es un gran tesoro de literatura rusa.
Su rehabilitación literaria empezó en los años 1960. Su poesía proviene de lo más profundo de su personalidad, de su excentricidad y de su uso muy preciso del idioma.
Se la sitúa a la altura de Boris Pasternak, Anna Ajmátova y Ósip Mandelshtam.
Su correspondencia cruzada con Pasternak y Rainer María Rilke (sólo publicables desde 1979) nos da la media de su personalidad, su fuerza especial y la atracción de todo tipo que ella ejerció.
Su Poema del fin (Poema kontsa, 1924) es uno de los poemas lírico-narrativos más importantes del siglo XX y la obra cumbre de la poeta.

También de Marina Tsvetaeva en este blog:

«Marina Tsvetáieva: Oración»: AQUÍ

«Marina Tsvetáeva: Cabello gris»: AQUÍ

«Marina Tsvetáeva: Elogio del tiempo»: AQUÍ

«Marina Tsvetáeva: A los fiscales de la literatura»: AQUÍ

«Marina Tsvetaeva: A Boris Pasternak»: AQUÍ

«Marina Tsvetaeva: A ti, dentro de un siglo»: AQUÍ

«Marina Tsvetáyeva: Es sencilla mi ropa…»: AQUÍ

«Marina Tsvetáyeva: Es sencilla mi ropa…»: AQUÍ

«Marina Tsvetáyeva: Poema del fin»: AQUÍ

«Marina Tsvietáieva: La Carta»: AQUÍ

«Marina Tsvetaeva: Regreso del líder»: AQUÍ

«Marina Tsvetáeva: Cabello gris»: AQUÍ

*Ilyá Kamínsky en su libro «Bailando en Odesa” le dedicó este poema: «Marina Tsvietáieva»: AQUÍ

Ilyá Kamínsky en su libro «Bailando en Odesa” le dedicó este poema: «Marina Tsvietáieva»: AQUÍ

Gustave Van De Woestyne

Nació  en Gante, Bélgica, el 2 de agosto de 1881.
Se formó en la Academia de Bellas Artes de Gante, aunque su frágil salud, le obligó a trasladarse a vivir en el campo cuando aún era muy joven.

En 1899 se estableció en Laethem Saint Martín, pequeño pueblo a la orillas del río Lys, junto a su hermano, el poeta Karel van de Woestijne.

Fue un artista de fuerte inspiración religiosa. En dos ocasiones pasó un corto espacio de tiempo en una comunidad monástica.

Sin embargo, decidió que una vida monástica estricta no era para él y se centró en la pintura.

En sus primeros trabajos se pueden encontrar muchas escenas religiosas.

Fue influenciado en esta época por los prerrafaelistas, con una producción simbolista y el uso de los colores pastel suaves típicos en sus primeros cuadros.

Formó junto a George Minne, Valérius de Saedeler y Albert Servaes, el primer grupo Laethem Saint Martin.

Posteriormente fundaron un segundo con el mismo nombre, junto a Constant Permeke, Frits van den Berghe y Gustave de Smet y Leon de Smet.

Este grupo tenía su nexo de unión en la admiración que sus miembros tenían por los maestros flamencos y por Fra Angelico.

Esta segunda generación de la Laethem Saint Martin, quiso ir más allá del realismo, para dar inicio a lo que se conocería como Expresionismo belga.

En una etapa más madura de su obra, realizó composiciones religiosas, con signos y detalles simbólistas, al estilo de los Maurice Denis, en los que plasmó paisajes campestres bajo una luz idílica.

Entre 1925 y 1928, dirigió la Academia de Bellas Artes de Malinas, en la que tuvo como alumno entre otros,  a su hijo Maximilien.

Así mismo, impartió clases de pintura en el Instituto Superior de Bellas Artes de Amberes, y posteriormente, en el Instituto Superior de Artes Decorativas de Bruselas.

Durante la Segunda Guerra Mundial, la mayoría de los artistas belgas tuvieron que huir, Gustave, se exilió en Inglaterra, donde coincidió con Tytgat, Daeye y Permeke.

Van den Berghe y de Smet marcharon a Ámsterdam, dispersándose de esta forma, dos generaciones de la Laethem Saint Martin.

Cuando todo acabó y se reencontraron, se dieron cuenta de que algo había cambiado, la pintura de todos ellos era más dura y más próxima a la realidad de lo que estaba ocurriendo a las personas y al mundo en el que viven.

Se reagruparon en la Galería Selección, creando el movimiento «Expresionismo Nacional»,  que quería diferenciarse del Expresionismo Alemán que había irrumpido con tremenda fuerza en Munich en 1910.

A partir de la década de 1920, su dibujo se endureció, se geometrizó, el color se hizo más insistente y la expresión general más dramática.

En su pintura religiosa, desistió de la elegía en favor de la expresión del sufrimiento físico y de la soledad moral, traduciéndolo en emotivos rostros de Cristo.

Estos trabajos religiosos, los más inquietantes de su producción, surgen tras de la Primera Guerra Mundial; es un momento lleno de paradojas, el expresionismo va en aumento, pero también un retorno a lo ordinario, un regreso a fórmulas más clásicas y un deseo de monumentalidad.

Su obra está llena de contradicciones: es sagrado y moderno, fresco y delicado, tranquilo y lleno de emoción.
Murió en Uccle, el 21 de abril de 1947.

*Entrada publicada en este blog el 29 de diciembre de 2011. Ha sido actualizada y ampliada el 31 de agosto de 2026.