«La visita del mal»

Hoy hemos recibido la visita del mal,
pero hemos decidido acogerlo
como a huésped fecundo.
Llegó el mal de repente, como cepo o veneno,
y le hemos abierto
de par en par la puerta de la casa.

Como siempre, el mal
viene ciego, desnudo, sin razón,
y aunque perros y gatos han salido huyendo,
conservamos la calma plenamente
y lo hemos conducido hasta el jardín.
Allí, el dulce día, el sol tan fuerte,
abrasaban las llagas y pesares,
resecaban la sangre en las heridas,
borraban el espeso hedor del aire.

Nos ha llegado el mal como un cuchillo airado
en sótanos de sombra,
mas casa y corazón están abiertos.
Una vez más tuvimos que poner
amor donde el amor no se encontraba.
Y no hay mordaza, dardo, aguja, hiel
que no pueda fundir la hoguera musical
que, de monte a monte, hoy propaga el otoño.

He entrado unos momentos en la casa
para sacarle el pan y la bebida
al huésped iracundo.
Quise alegrarle el corazón, poner
un poco de calor en su cara de hielo.
Con sosegada paz volví al jardín
para abrazar el mal, pero no pude,
pues lo encontré caído y moribundo
de luz y de silencio entre la hierba.

Hoy hemos recibido la visita del mal,
mas pronto hemos tenido que enterrarlo
debajo del naranjo y de su aroma,
donde zumban las abejas.
A solas nos tuvimos que beber
el vino que sacamos para el huésped,
el dulce vino del más hondo olvido.

Antonio Colinas

De: Libro de la mansedumbre – Aunque es de noche, 1993-1997
Recogido en: Antonio Colinas – Obra poética completa
Ed. Siruela 2011©
ISBN: 978-84-9841-424-0

*Reseña de Santos Domínguez Ramos en su blog Encuentros de Lecturas de: Antonio Colinas – Obra Poética Completa: AQUÍ

Antonio Colinas nació en La Bañeza, León, el 30 de enero de 1946.
Es poeta, novelista, ensayista, traductor y periodista.
Reconoce como sus maestros a Vicente Aleixandre y María Zambrano.
Se le suele incluir en el grupo de los Novísimos, aunque ha seguido siempre un camino muy personal, siendo uno de los pocos poetas españoles que cultiva de forma asidua el verso alejandrino.
Le fue concedido el Premio Nacional de Literatura en 1982, por Poesía, 1967-1980.
Además del antes citado ha obtenido los siguientes Premios y reconocimientos.
Premio de la Crítica de poesía castellana en 1976 por Sepulcro en Tarquinia.
Mención Especial del Premio Internacional Jovellanos de Ensayo en  1996, por Sobre la Vida Nueva.
Premio Castilla y León de las Letras en 1998.
Premio Internacional Carlo Betocchi, en 1999 por su labor como traductor y estudioso de la literatura italiana.
Premio de la Academia Castellana y Leonesa de Poesía 2001.
Fue nombrado Leonés del Año en 2005.
Premio Nacional de Traducción 2005, concedido por el Ministerio de Asuntos Exteriores de Italia, por su traducción de la Poesía Completa del Premio Nobel de Literatura Salvatore Quasimodo.
Le fue otorgada la Alubia de Oro, galardón que reconoce su título de Personaje Bañezano del Año, en 2006.
Es Pregonero Vitalicio de la Feria del Libro de Salamanca, desde 2008.
Fue nombrado Hijo Adoptivo de Salamanca en 2011.
X Premio de la Crítica de Castilla y León, en 2012
Premio de las Letras Teresa de Ávila, en 2014

También de Antonio Colinas en este blog:

«Antonio Colinas: La visita del mal»: AQUÍ

«Antonio Colinas: Fe de vida»: AQUÍ

«Antonio Colinas: Letanía del ciego que ve»: AQUÍ

«Antonio Colinas: El límite de lo inolvidable»: AQUÍ

«Antonio Colinas: La prueba»: AQUÍ

«Antonio Colinas: Laderas de la Peña Trevinca»: AQUÍ

«Antonio Colinas: Quédate aquí, no partas en la noche»: AQUÍ

«Antonio Colinas: La noche en huertos pobres»: AQUÍ

«Antonio Colinas: La fuente»: AQUÍ

«Antonio Colinas: Signos en la piedra»: AQUÍ

«Antonio Colinas: En el lugar del odio»: AQUÍ

«Antonio Colinas: El laberinto invisible»: AQUÍ

«Antonio Colinas: Para olvidar el odio»: AQUÍ

«Antonio Colinas: La ciudad está muerta»: AQUÍ

«Antonio Colinas: Misterium fascinans»: AQUÍ

«Antonio Colinas: Zamira ama los lobos»: AQUÍ

«Antonio Colinas: Morada de la luz»: AQUÍ

«Antonio Colinas: Córdoba arde eternamente sobre un río de fuego»: AQUÍ

Bibliografía poética:

Poemas de la tierra y de la sangre, León, Diputación Provincial, 1969.
Preludios a una noche total, Madrid, Rialp, col. Adonais, 1969.
Truenos y flautas en un templo, San Sebastián, C.A.G. de Guipúzcoa, 1972.
Sepulcro en Tarquinia, León, Diputación Provincial, col. Provincia, 1975
Sepulcro en Tarquinia, Barcelona, Lumen, Col. El Bardo, 1976.
Astrolabio, Madrid, Visor Libros, 1979.
En lo oscuro, Rota (Cádiz), Cuadernos de Cera, 1981.
Poesía, 1967-1980, Madrid, Visor Libros, 1982.
Sepulcro en Tarquinia (poema, con 6 dibujos de Montserrat Ramoneda), Barcelona, Galería Amagatotis,1982
Noche más allá de la noche, Madrid, Visor Libros, 1983.
Poesía, 1967-1981, Madrid, Visor Libros, 1984.
La viña salvaje, Córdoba, Antorcha de Paja, 1985.
Diapasón infinito (con dos litografías, un grado y una serigrafía de Perejaume), Barcelona, Tallers Chardon y Yamamoto, 1986.
Dieciocho poemas, Ibiza, Caixa Balears, 1987.
Material de lectura, México, Universidad Nacional Autónoma de México, 1987.
Jardín de Orfeo, Madrid, Visor Libros, 1988.
Libro de las noches abiertas (con 16 ilustraciones de Mario Arlati), Milano, Peter Pfeiffer,1989.
Blanco / Negro (con 5 ilustraciones de Mario Arlati, ed. bilingüe), Milano, Peter Pfeiffer,1990.
Los silencios de fuego, Barcelona, Tusquets, col. Marginales, 1992.
La hora interior, Barcelona, Taller Joan Roma, 1992.
El río de sombra. Poesía 1967-1990, Madrid, Visor Libros, 1994.
Sepulcro en Tarquinia (poema), con prólogo de Juan Manuel Rozas, Segovia, Pavesas, 1994.
Pájaros en el muro / Birds in the wall (bilingüe, con tres grabados de Barry Flanagan), Barcelona, Taller Joan Roma, 1995.
Libro de la mansedumbre, Barcelona, Tusquets, col. Nuevos Textos Sagrados, 1997.
Córdoba adolescente, Córdoba, CajaSur, col. Los Cuadernos de Sandua, 1997.
El río de sombra. Treinta años de poesía, 1967-1997, Madrid, Visor Libros, 1999.
Amor que enciende más amor, Barcelona, Plaza y Janés, 1999.
Sepulcro en Tarquinia (poema), (con grabados de Ramón Pérez Carrió), Pedreguer (Alicante), col. “Font de La Cometa”, 1999.
Nueve poemas, Salamanca, Celya, col. Aedo de Poesía, 2000.
Junto al lago, Salamanca, Cuadernos para Lisa, 2001.
Tiempo y abismo, Barcelona, Tusquets, col. Nuevos Textos Sagrados, 2002.
La hora interior. Antología poética 1967-2001, Junta de Castilla y León, 2002.
L’amour, el amor, (con poemas de Michel Bohbot; ilustraciones de Irriguible), París, Editions du Labyrinthe, 2002.
Obscur hautbois de brume (antología bilingüe de Françoise et alii. Contiene completo “Noche más allá de la noche”)), Bruxelles, Le Cri, 2003.
Seis poemas, (comentados por Luis Miguel Alonso), Burgos, Instituto de la Lengua de Castilla y León, 2003.
Treinta y ocho poemas. Homenaje al grabador Antonio Manso, Madrid, Real Casa de la Moneda, 2003
El río de sombra. Treinta y cinco años de poesía, 1967-2002, (6ª edición) Madrid, Visor Libros, 2004.
Noche más allá de la noche, Valladolid, Fundación Jorge Guillén, 2004.
En Ávila unas pocas palabras, Valladolid, Ediciones de El Gato Gris, 2004.
En la luz respirada (edición crítica de Sepulcro en Tarquinia, Noche más allá de la noche y Libro de la mansedumbre, a cargo de José Enrique Martínez Fernández, Madrid, Cátedra, 2004.
Sepulcro en Tarquinia (edición conmemorativa de la primera aparición de este libro –1975-2005- con un disco compacto con la voz del autor), Visor Libros, Madrid, 2005.
Desiertos de la luz, Barcelona, Tusquets, 2008.
Sepulcro en Tarquinia (poema; caligrafiado e iluminado por Javier Alcaíns), Mérida, Editora Regional de Extremadura, 2009.
Obra poética completa. 1967-2010, Madrid, Siruela, 2011.
Catorce retratos de mujer, Salamanca, 2011.
Canciones para una música silente, Madrid, Siruela, 2014.
En los prados sembrados de ojos, Madrid, Siruela, 2020

Traducciones:

Como traductor sobresalen: la obra de Giacomo Leopardi y la poesía completa del Premio Nobel de Literatura en 1982, Salvatore Quasimodo

Carlo Collodi – Pinocho, Barcelona, Bruguera, 1986; nueva edición: Las aventuras de Pinocho (ilustraciones de Atilio Mussino), Barcelona, Edhasa, 2000.
Pere Gimferrer – El vendaval (ed. bilingüe, trad. de A. Colinas et alii ), Barcelona, Ediciones 62, 1989.
Giuseppe Tomasi di Lampedusa – Stendhal, Madrid, Trieste, 1989; (2ª ed., Barcelona, Península, 1996).
Giacomo Leopardi, (Estudio y antología poética bilingüe), Gijón, Júcar, col. “Los poetas”, 1974 (2ª ed., 1985).
Giacomo Leopardi – Poesía y prosa. Diario del Primer Amor. Canti (bilingüe). Diálogos. Madrid, Alfaguara, col. “Clásicos Alfaguara”, 1979.
Giacomo Leopardi – Obras, Barcelona, Círculo de Lectores, 1997.
Giacomo Leopardi- Cantos. Pensamientos. Barcelona, Círculo de Lectores/Galaxia Gutenberg, Barcelona (en preparación).
Carlo Levi – Cristo se paró en Éboli, Madrid, Alfaguara, 1980; 2ª ed., Barcelona, Plaza & Janés, 1982.
Antoni Mari – El preludio, Barcelona, Llibres del Mal, 1986.
Francesc Parcerisas Poetas catalanes de hoy, Barcelona, Plaza & Janés, 1986.
Pier Paolo Pasolini – Las cenizas de Gramsci, Madrid, Alberto Corazón, 1975; reedición: Madrid, Visor, 1985.
Salvatore Quasimodo – Poesía, Granada, La Veleta, 1991.
Salvatore Quasimodo – Poesía Completa, Ourense, Ediciones Linteo, 2004.
ROCA Pineda, Antoni, Somni en groc (ed. bilingüe), Ibiza, Galería Karl Van der Voort, 1994.
SALGARI, Emilio, Los tigres de Mompracem, Madrid, Alianza Editorial, 1981.
Emilio Salgari – La montaña de luz, Madrid, Alianza Editorial, 1982.
Emilio Salgari Sanguinetti – Edoardo, Wirwaarr, Madrid, Alberto Corazón, 1975; reediciones: Madrid, Visor, 1985; Madrid, Visor, 2000.
Antoni Tápies Barba – Materia dels astres (bilingüe), Barcelona, Ediciones 62, 1992.
Mariano Villagómez Llobet – Caminos y días, Madrid, Visor, 1990.
Mariano Villagómez Llobet y otros – Naturaleza viva, Menorca, UNESCO / Consell Insular de Menorca, 1995.
Mariano Villagómez Llobet – Un vuelo de pájaros/Un vol d´ocells, Madrid, Calambur, 2004.
VV. AA., Poetas italianos contemporáneos (ed. bilingüe), Madrid, Editora Nacional, 1978.
VV. AA., Antología esencial de la poesía italiana, Madrid, Austral, 1999.
Rodolfo WilKock – El estereoscopio de los solitarios, Barcelona, Seix Barral, 1984.

Alfred Stieglitz

Nació en Hoboken, Nueva Jersey, el 1 de enero de 1864.
Fue el mayor de seis hermanos y creció en la zona este de Manhattan.

Se trasladó junto a su familia a Alemania en 1881. Al año siguiente inició estudios de ingeniería mecánica en la Technische Hochschule de Berlín, aunque los abandonó pronto para estudiar fotografía.

De origen judío-alemán, pasó toda su carrera de más de cincuenta años empeñado en que la fotografía fuera considerada como una forma de arte al nivel de la pintura y la escultura.

Para ello, ya en sus inicios exploró con todos los medios de que disponía y de sus capacidades artísticas, para lograr efectos propios de la pintura, tanto en sus composiciones como en el logro de distintas texturas.

Después recurrió a los recursos propios de la fotografía, como la profundidad de campo y los efectos de corte en sus instantáneas.
De esta forma, logró pasar de un pictorialismo inicial a la fotografía de forma directa.

Viajó por Europa largo tiempo, en el que realizó numerosas fotografías, sobre todo de escenas campestres: campesinos trabajando en las costas de los Países Bajos o en el entorno de la Selva Negra alemana.

Durante la década de 1880 logró de forma progresiva aumentar su prestigio, admiración y respeto de sus colegas europeos, obteniendo numerosos premios y reconocimientos.
Durante toda su vida, le gustó rodearse de mujeres jóvenes.

En 1893, tras su regreso a Nueva York, se casó con Emmeline Obermeyer.

En 1902 organizó un grupo al cual sólo se podía entrar por estricta invitación, al que llamó Photo-Secession, grupo que tenía como objetivo de forzar al mundo del arte a reconocer la fotografía «como un medio distintivo de expresión individual».

Entre sus miembros estuvieron: Edward Steichen, Gertrude Kasebier, Clarence H. White, y Alvin Langdon Coburn.

En 1918 se divorció de su mujer Emmeline, tras ser sorprendido por ella mientras fotografiaba a la artista Georgia O’Keeffe, echándole de casa; poco después estaba viviendo con ella.

Se casaron en 1924 y a ambos alcanzaron el éxito en sus carrera, él como fotógrafo (tomaría cientos de fotografías de O’Keeffe a lo largo de su vida), y a ella como pintora.

El matrimonio terminó desgastándose debido a la precaria salud de Stieglitz, que padecía una grave cardiopatía, además de ser un redomado hipocondríaco, que obligaba a la pintora a cuidarle de modo constante. A partir de la década de 1930, Georgia O’Keeffe pasaba medio año en Nuevo México para alejarse de él.

Fue en esa misma década que Stieglitz realizó una serie de fotografías de desnudos, entre ellos de la rica heredera Dorothy Norman, que pasó a ser una rival para la O’Keeffe.

En 1937 su enfermedad le obligó a abandonar su trabajo en la calle, y los últimos diez años de su vida pasaba los veranos en el Lago George de Nueva York, donde convirtió un cobertizo en un cuarto oscuro, pasando los inviernos con O’Keeffe en el Shelton de Manhattan, el que sería el primer rascacielos del barrio neoyorquino.

Murió junto a Georgia, que continuó hasta el último momento siendo un firme apoyo, como siempre lo fue, de forma mutua, el 13 de julio de 1946, con 82 años de edad.

Sus obra esta representada en los más importantes museos de arte moderno de todo el mundo. En España podemos ver una magnifica muestra de ella en el Reina Sofía de Madrid.

*Entrada actualizada y ampliada el 13 de julio de 2026.

«Él Era Débil Y Yo Era Fuerte…»

Él era débil y yo era fuerte,
después él dejó que yo le hiciera pasar
y entonces yo era débil y él era fuerte,
y dejé que él me guiara a casa.

No era lejos, la puerta estaba cerca,
tampoco estaba oscuro, él avanzaba a mi lado,
no había ruido, él no dijo nada,
y eso era lo que yo más deseaba saber.

El día irrumpió, tuvimos que separarnos,
ahora ninguno de los dos era más fuerte,
él luchó, yo también luché,
¡pero no lo hicimos a pesar de todo!

Emily Dickinson

Recogido en Emily Dickinson – Poemas
Selección y traducción de Silvina Ocampo.
Prólogo de Jorge Luis Borges
Ed. Tusquets – Marginales 1985.
ISBN: 978- 84-7223-085-6.

Poema original en inglés:

«He was weak, and I was strong»

He was weak, and I was strong-then-
So He let me lead him in-
I was weak, and He was strong then-
So I let him lead me-Home.

‘Twasn’t far-the door was near─
‘Twasn’t dark-for He went-too─
‘Twasn’t loud, for He said nought─
That was all I cared to know.

Day knocked-and we must part-
Neither-was strongest-now-
He strove-and I strove-too-
We didn’t do it-tho’!

Emily Dickinson

Emily Elizabeth Dickinson nació en Amherst, Massachusetts, Estados Unidos, el 10 de diciembre de 1830.
La poeta pasó gran parte de su vida recluida en una habitación de la casa de su padre en Amherst.
A excepción de cinco poemas (tres de ellos publicados sin su firma, y otro sin que la autora lo supiera), su prolífica obra permaneció inédita y oculta hasta después de su muerte.
Aunque su estilo es totalmente personal e inconfundible, su poesía se ha llegado a comparar con la de autores como: Edgar Allan Poe, Ralph Waldo Emerson, Walt Whitman, Robert Frost, Robert Browning, William Wordsworth y John Keats.
Murió en su ciudad natal, el 15 de mayo de 1886.

También de Emily  Dickinson en este blog:

«Emily Dickinson: Él Era Débil Y Yo Era Fuerte…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Trasegué un sorbo de vida…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: En mi jardín avanza un pájaro…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Cuando ya casi ha pasado la noche»: AQUÍ

«Emily Dickinson: No es morir lo que duele más»: AQUÍ

«Emily Dickinson: No era la Muerte, pues yo estaba de pie…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: El otoño contemplaba…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Atravieso hasta cansarme»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Una dama roja…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Respondió a su llamada…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Enterrador: mi dueño…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: La gloria es algo brillante…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Tengo un pájaro en primavera…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Resurrección»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Ya pasó la tempestad»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Como ojos que miran las basuras»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Cuando cuento las semillas…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Que yo siempre amé…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: Sentí un funeral en mi cerebro…»: AQUÍ

«Emily Dickinson: No puedo vivir Contigo»: AQUÍ

«Emily Dickinson: A una casa de rosa no te acerques…»: AQUÍ

Emily Dickinson: Que yo siempre amé…

Giambellino

Giovanni Bellini, Giambellino nació en Venecia en 1433.
Vivió toda su vida en Venecia, solo hay constancia de un traslado fuera de la ciudad para trabajar en Las Marcas, por lo que aunque no está documentado es muy probable que naciera en Venecia.


Fue quizá el más famoso de una familia de pintores del Renacimiento en Venecia, junto a Jacopo, su padre, su hermano Gentile y el marido de su hermana, Andrea Mantegna. 

Fue así mismo el primer gran maestro de la pintura veneciana que contribuyó a la evolución de la técnica pictórica incorporando gradualmente el óleo en sus pinturas con el consiguiente abandono del temple.

Se formó en Venecia en el taller de su padre, junto con su hermano Gentile, estando documentado, ayudando a su progenitor en la década de 1460.
Revolucionó la pintura veneciana, haciendo posible que avanzara hacía un estilo más colorista y más sensual.
Su primer trabajo importante ya de forma independiente, en su propio taller, fue el Políptico de San Vicente Ferrer para la iglesia de San Juan y San Pablo.

Hacía 1460 inició su serie de Vírgenes con Niño, que sería su temática recurrente en toda su carrera, casi todas destinadas a devociones privadas. En estas podemos observar influencias bizantinas y flamencas, que fueron posibles por la gran actividad mercantil de Venecia, a cuya ciudad llegaban pintores y obras de la pintura viva de la época.

Realizó así mismo una importante serie de trípticos y retablos, amén de varios retratos.
En la década de 1470 realizó numerosas obras de culto público y privado. En 1479 le fue encargado una serie de pinturas históricas para decorar el Palazzo Ducale, que desaparecieron en el incendio de 1577.

Fue miembro de diversas cofradías, como la Scuola Grande di San Marco y la de San Cristoforo dei Mercanti.
Practicó sobre todo la pintura religiosa, también el retrato y algunas escenas mitológicas, ya en su etapa más madura.

De sus primeros trabajos realizados en la década 1460, destacan: «La Piedad», que alberga la Pinacoteca de Brera de Milán y «La Oración en el Huerto», actualmente en la National Gallery de Londres, donde se aprecia la influencia de su cuñado Andrea Mantegna, sus figuras en esta época, son huesudas, con amplios paisajes y figuras muy detalladas no exentas de cierta rudeza que va dulcificando en su evolución.
De su etapa de plenitud, entre 1470 y 1500, son notables en el Museo Civico de Pesaro el «Retablo de San Giobbe», en la Galleria de la Accademia de Venecia: «La Madonna degli Alberetti»; el «Tríptico dei Frari» en la iglesia veneciana de Santa Maria dei Frari y el «Retrato del dux Leonardo Loredan» en la National Gallery de Londres.

Sus últimos trabajos realizados, ya en el siglo XVI, hasta la fecha de su muerte, podemos citar: el «Retablo de san Zacarías», en la iglesia del mismo nombre en Venecia, y «El festín de los dioses», hoy en la National Gallery de Washington.
Introdujo novedosos detalles iconográficos en la pintura veneciana, y otros que afectaron a la forma de representar temas tradicionales.

Su técnica consistía en aplicar el óleo claro y con secado lento, creando de esta forma tintes más intensos de la tela y más detalle en las sombras.
Su forma de pintar, basada en el color y la luz, fue asimilada y difundida por la siguiente generación de artistas,

Sus paisajes en los que conseguía grandes efectos, influyeron notablemente en la escuela veneciana, es patente esto sobre todo en dos de sus discípulos: Tiziano y Giorgione.

A pesar de su enorme importancia y de que tuvo un gran éxito en vida, se conocen pocos datos de la vida de Giambellino, ni siquiera el año exacto de su nacimiento, aunque se dice que murió en 1516 con noventa años.
Su primer desnudo, «Mujer joven en su tocador», lo pintó con 85 años.

A finales del siglo XV, su obra había evolucionado mucho, proporcionando grandes innovaciones en la pintura veneciana del Renacimiento más maduro.

Giambellino fue sin duda, figura clave en el desarrollo del Renacimiento en Italia, sin duda su aportación más importante, su experimentación con el uso del color y la atmósfera en la pintura al óleo.

Murió en Venecia, en 1516.
En España podemos ver una de sus obras, «La Virgen y el Niño entre dos santas», réplica de «La sacra conversación», en el Museo del Prado, y » Asunto Místico», de 1505 en el Museo Thyssen Bornemisza, en Madrid.

*Esta entrada fue publicada en este blog el 12 de junio de 2010. Ha sido actualizada y ampliada con más de cien nuevas obras, el 13 de julio de 2026.

Mi recuerdo para la Premio Nobel sudafricana en el aniversario de su muerte.

Nadine Gordimer

¡Claro que un abogado puede encargarse de un caso así! El individuo tiene derecho a ser juzgado de acuerdo con muchos factores en relación con el acto confeso. Las circunstancias pueden afectar de manera vital el peso de las pruebas indiciarias. El acusado puede juzgarse, pero no puede sentenciarse. Sólo puede hacerlo el juez.

Creo que la gente pierde la capacidad de sorprenderse porque diariamente presencia desastres que suceden en todos lados.

El arte es la única fuerza capaz de reconquistar al ser humano sometido al poder político o a la tecnología.

El escritor se toma un buen tiempo para reflexionar sobre un suceso. Después del impacto de los hechos, pasa por el proceso de la imaginación, pasa por el proceso de incluir personajes imaginarios y a través de ellos descubrir cómo eran sus vidas antes de llegar al momento que aparece en los periódicos y en los noticiarios de hoy. Los antecedentes que recibimos de la televisión y de los periódicos —que a veces son muy buenos— no profundizan tanto, porque siguen viéndolo desde la actitud de que lo inmediato es lo importante.

El problema es que la información no es el entendimiento.

En los países donde la represión prevalece, el escritor no debe censurarse a sí mismo ni darse por vencido, es doloroso, pero hay dos maneras de hacerlo: hay cosas que escribes y guardas en un cajón porque la censura no va a durar eternamente o publicas el libro en algún otro lugar para que el mundo exterior pueda leerlo y entonces regresar, como siempre sucede, para que tu pueblo finalmente lo conozca. Así que puedes hacer eso o encuentras maneras de escribir sobre el tema de un modo en el que, con suerte, puedes evitar la censura. En otras palabras: lo disfrazas.

En nuestra época son pocos los que pueden mantener el valor absoluto de un escritor sin referirse a un contexto de responsabilidad. El exilio como modalidad del genio ya no existe.

La ficción es una exploración del ser interior. (…) Los escritores llegan a conocer las cosas por medio de ciertas facultades que tienen. Eso es la vida interior. De eso están hechas las novelas, pero los escritores no sabemos cómo llegamos a ello. Creo que en parte se trata de un sentido de observación especialmente agudo que tenemos incluso desde la infancia.

La poesía es a la vez un escondrijo y un altavoz.

La violencia es el infierno común a todos los que están asociados a ella.

Las mujeres blancas sudafricanas son inferiores a las ratas, muy cercanas a las plantas, con la capacidad justa para ser violadas en un acto de preservación.

Los comunistas son los últimos optimistas.

Los jueces son personas susceptibles. Ejeee… ¿Sabéis? Se cansan, como nosotros, cuando insistes y ellos ya han tomado la decisión. Hay un momento en que… ¿Me seguís? El juez está sentado con sus asesores y el veredicto ya está allí. No le afectarán más testigos. Hemos causado ya una impresión concreta con nuestros testigos, con el interrogatorio a los testigos de la acusación.

(…) Lo que querían de él era astucia, un tipo especial de habilidad que un lego no podía tener y que la gente con prejuicios generalizadores que ambos acostumbraban a encontrar desagradables atribuía a los abogados que pertenecían a determinadas razas: judíos o indios, para ser exactos. ¿Un abogado negro podía tener los mismos recursos secretos? ¿Era una agudeza que se adquiría mediante la formación y la práctica legal? ¿O era algo que formaba parte de un estereotipo racial que tuvo su origen en la necesidad de estas razas concretas de encontrar medios para derrotar las leyes que los discriminaban?

Los sentimientos quedan para aquellos que no saben cuál es el paso siguiente.

Nadie conoce a nadie lo suficiente como para convertirlo en un personaje, ni siquiera a la persona con la que vives durante muchos años: esposo, amante, esposa, tus propios hijos… hay cosas acerca de ellos que nunca llegas a saber y hay cosas en ti que ellos nunca llegan a vislumbrar. Es imposible conocer a alguien por completo para reproducirlo como personaje.

«Opresión». «Rebelión». «Traición». Usaba grandes palabras como suele hacer la gente, sin saber lo que pueden representar.

Según mi opinión, escribimos —y me atrevo a hablar por los novelistas vivos y muertos— porque estamos en un proceso de descubrimiento, explorando la vida, a los seres humanos, a la historia que ellos hacen y que los hace.

Siendo estudiante universitario descubrí por fin la solución a la espantosa contradicción que conocía desde que iba a la escuela y se esperaba que no tuviera en la cabeza nada más conflictivo que mi situación en el equipo de rugby. Me refiero a la contradicción de mi pueblo —el pueblo afrikaner— y del pueblo blanco en general de nuestro país, que idolatra al Dios de la Justicia y practica la discriminación en virtud del color de la piel; profesa la compasión del Hijo del Hombre y niega la humanidad de los negros entre los que vive. La contradicción que escinde los fundamentos de mi vida, que me imposibilitaba verme a mí mismo como un hombre entre los hombres, con todo lo que implica de conciencia y responsabilidad…

Nadine Gordimer

Nadine Gordimer nació en Springs, Sudafrica, el 20 de noviembre de 1923.
Nacida en el seno de una familia de inmigrantes judíos de clase media, en una población minera cerca de Johannesburgo, trató fundamentalmente en su obra literaria el tema de los conflictos interétnicos y el apartheid en su país.
Fue galardonada con el Premio Nobel de literatura en 1991.
Murió en Johannesburgo, el 13 de julio de 2014.

Bibliografía:

La suave voz de la serpiente (1956)
Seis pies de tierra (Six Feet of the Country, 1956)
Mundo de extraños (A World of Strangers, 1958)
La huella del viernes (Friday’s Footprint, 1960)
Ocasión para amar (Occasion for Loving, 1963)
No para publicarlo (Not for Publication, 1965)
El desaparecido mundo burgués (The Late Burgeois World, 1966)
A Guest of Honour (Un invitado de honor ) (1970)
Livingstone’s Companions (1971)
El conservador (The Conservationist, 1974)
Selected Stories (1975)
La hija de Burger (Burger’s Daughter, 1979)
Soldier’s Embrace (1980)
Gente en Julio (July’s People, 1981)
Something Out There (1984)
A Sport of Nature (1987)
La historia de mi hijo (My Son’s Story, 1990)
Nadie que me acompañe (No one to Accompany Me, 1994)
The House Gun (Un arma en casa ) (1998)
El encuentro (2002)
Saqueo (2004)
Atrapa la Vida (2006)
Contar Cuentos (2007)
Beethoven tenía algo de negro (2008)

*Entrada publicada en este blog, el 14 de julio de 2014. Ha sido actualizada y ampliada el 13 de julio de 2024.

Nikolay Bogdanov-Belsky

Nikolay Petrovich Bogdanov-Belsky nació en Shitikov Belsky, condado de la provincia de Smolensk, Rusia, el 8 de diciembre de 1868.

Se formó sucesivamente en la Escuela S. A. Raczynski, en el pueblo de Tatev; en pintura de iconos en el Troitse-Sergiyeva Lavra, durante 1883, y de forma oficial en la Escuela de Pintura de Moscú, donde recibió clases de pintura, escultura y arquitectura entre 1884 y 1889.

Tras finalizar sus estudios en la Escuela, realizó un viaje de estudios a París, donde recibió clases de F. Colarossi y Fernand Cormon.

Antes de volver a Rusia trabajó unos meses en Múnich e Italia.

En 1894 ingresó en la Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo, a la que asistió dos años.

Por su cuadro «The future Monk», de 1889, fue galardonado con una gran medalla de plata, que sería comprado en 1891 por la emperatriz Maria Fyodorovna.

A partir de 1903 ejerció como profesor, y miembro activo de la Academia de las Artes en 1914.

Se hizo miembro de varias sociedades y grupos artísticos: al Peredvizhniki* a partir de 1895, y al que pertenecieron entre otros: Isaak Levitán, Iliá Repin, Alekséi Savrásov, Valentín Serov y Vasili Súrikov.

Así mismo se unió al Kuindzhi Arkhip a partir de 1909, de la que fue miembro fundador, y presidente desde 1913 hasta 1918.

En 1914 se convirtió en miembro de pleno derecho de la Academia de las Artes.

Trabajó en San Petersburgo hasta 1921, a partir de este año, se estableció en Riga, Letonia.

Fue miembro de la Fraternitas Arctica Rusa, en Riga.

La mayor parte de su producción fue de escenas de género, sobre todo de niños y campesinos. Fue además un brillante pintor de retratos y notable paisajista.

Su primera época practicó un perfecto realismo academicista que fue evolucionando hacia el impresionismo de su etapa más madura.

En 1944 enfermó de gravedad siendo internado en un hospital de Berlín.

Murió en Berlín el 19 de febrero de 1945, siendo enterrado en el cementerio ruso de Tegel de la capital alemana.

En 2000 se inauguró en el pueblo de Tatev un museo que lleva su nombre y que alberga una importante muestra de su obra.

*«Grupo comúnmente conocidos como Los Ambulantes, o como «Los Vagabundos» o «Los Itinerantes», fue una sociedad cooperativa de pintores rusos de la década de 1870 que desarrolló en sus obras el realismo crítico iniciado en la década anterior por otros artistas. El nombre completo del grupo fue: «Sociedad de Exposiciones de Arte Ambulante» que se formó como protesta contra las restricciones de la Academia Imperial de las Artes.»

*Entrada publicada el 26 de mayo de 2016. Ha sido actualizada y ampliada el 21 de julio de 2025.

Mi recuerdo al Premio Nobel chileno en el aniversario de su nacimiento.

Soneto 22

Cuántas veces, amor, te amé sin verte y tal vez sin recuerdo,
sin reconocer tu mirada, sin mirarte, centaura,
en regiones contrarias, en un mediodía quemante:
eras sólo el aroma de los cereales que amo.

Tal vez te vi, te supuse al pasar levantando una copa
en Angola, a la luz de la luna de Junio,
o eras tú la cintura de aquella guitarra
que toqué en las tinieblas y sonó como el mar desmedido.

Te amé sin que yo lo supiera, y busqué tu memoria.
En las casas vacías entré con linterna a robar tu retrato.
Pero yo ya sabía cómo era. De pronto

mientras ibas conmigo te toqué y se detuvo mi vida:
frente a mis ojos estabas, reinándome, y reinas.
Como hoguera en los bosques el fuego es tu reino.

Pablo Neruda

De: Cien sonetos de amor, 1959
Recogido en: Pablo Neruda – Poesía completa – Tomo I
Ed. Seix Barral, 2019©
ISBN: 978-84-322-3571-9

Ricardo Eliecer Neftalí Reyes Basoalto, que era su nombre real, nació en Parral, Chile, el 12 de julio de 1904.
Está considerado uno de los más notables e influyentes artistas del siglo XX.
Fue además de escritor, activista político, senador, miembro del Comité Central del Partido Comunista, pre-candidato a la presidencia de su país y embajador en Francia.
Tras el estallido de la Guerra Civil en España y el posterior asesinato de su amigo Federico García Lorca, Neruda se comprometió con el movimiento republicano español, primero, y después en Francia; en el país galo comenzó a escribir: «España en el corazón», en 1937.
Ese mismo año regresó a Chile, y su producción poética del período siguiente se caracterizó por su compromiso político y social.
En 1939 fue designado cónsul especial para la inmigración española en París, donde ejerció una importante y activa labor gestionando el proyecto Winnipeg, barco que llevó a cerca de 2000 inmigrantes españoles desde Francia a Chile.
Tras ser candidato en 1963, en 1971 le fue concedido el Premio Nobel de Literatura.
Le fue concedido el Premio Nacional de Literatura de Chile, en 1945.
Tras del golpe militar golpe encabezado por el general Augusto Pinochet del 11 de septiembre, su salud se agravó, muriendo en la Clínica Santa María de Santiago de Chile, el 23 de septiembre de 1973.
Su casa de Santiago fue saqueada y sus libros, incendiados.
Al funeral del poeta acudieron los miembros de la directiva del Partido Comunista, a pesar de estar perseguidos por el régimen. Aunque los asistentes estaban rodeados de soldados armados de ametralladoras, se pudieron escuchar gritos de homenaje a él y a Salvador Allende, entonándose la Internacional. Tras el acto, muchos de los asistentes que no pudieron huir acabaron engrosando las listas de desaparecidos por la dictadura.

También de Pablo Neruda en este blog:

«Pablo Neruda: Te recuerdo como eras en el último otoño…»: AQUÍ

«Pablo Neruda: La mamadre»: AQUÍ

«Pablo Neruda: Oda a Federico García Lorca»: AQUÍ

«Pablo Neruda: Oda a la Paz»: AQUÍ 

«Pablo Neruda: No tan alto»: AQUÍ

«Pablo Neruda: Salitre»: AQUÍ

«Pablo Neruda: Oda a la tristeza»: AQUÍ 

«Pablo Neruda: Las furias y las penas»: AQUÍ

«Pablo Neruda: Madrid»: AQUÍ

«Pablo Neruda: El monte y el río»

«Pablo Neruda: No tan alto»: AQUÍ

«Pablo Neruda: América insurrecta»: AQUÍ

«Pablo Neruda: El pozo»: AQUÍ

«Pablo Neruda: Las viejas del océano»: AQUÍ

«Pablo Neruda: Agua sexual»: AQUÍ

«Pablo Neruda: Vuelve el amigo»: AQUÍ

«Pablo Neruda: Así Salen»: AQUÍ

«Pablo Neruda: España en el corazón»: AQUÍ

«Pablo Neruda: Lamento lento»: AQUÍ

«Pablo Neruda: Recabarren, de Canto General»: AQUÍ

«Pablo Neruda: Pido silencio»: AQUÍ 

«Pablo Neruda: A todos vosotros…»: AQUÍ

«Pablo Neruda: A Miguel Hernández, asesinado en los presidios de España»: AQUÍ

«Pablo Neruda: Walking around»: AQUÍ

«Pablo Neruda: Mariposa de otoño»: AQUÍ

«Pablo Neruda: Las flores de primavera y Oda a la Alegría»: AQUÍ

«Las flores de Nora Kasten y Las flores de Pablo Neruda»: AQUÍ 

«Pablo Neruda: Llénate de mí»: AQUÍ 

«Pablo Neruda: Eres toda de espumas delgadas y ligeras…»: AQUÍ 

Pablo Neruda “Amor, en Estravagario”: AQUÍ

«Pablo Neruda, murió el 23 de Septiembre de 1973»: AQUÍ

Pablo Neruda. el 15 de Junio de 1924, se publicó: “20 poemas de amor y una canción desesperada”: AQUÍ

«Pablo Neruda: No me hagas caso»: AQUÍ

«Pablo Neruda – Muere lentamente»: AQUÍ

«Pablo Neruda: 11 de septiembre, Chile, Salvador Allende»: AQUÍ

Bibliografía publicada en vida:

Crepusculario. Santiago, Ediciones Claridad, 1923.
Veinte poemas de amor y una canción desesperada. Santiago, Editorial Nascimento, 1924.
Tentativa del hombre infinito. Santiago, Editorial Nascimento, 1926.
Anillos. Santiago, Editorial Nascimento, 1926. (Prosa poética de Pablo Neruda y Tomás Lago.)
El hondero entusiasta. Santiago, Empresa Letras, 1933.
El habitante y su esperanza. Novela. Santiago, Editorial Nascimento, 1926.
Residencia en la tierra (1925–1931). Madrid, Ediciones del Árbol, 1935.
España en el corazón. Himno a las glorias del pueblo en la guerra: (1936–1937). Santiago, Ediciones Ercilla, 1937.
Nuevo canto de amor a Stalingrado. México, 1943.
Tercera residencia (1935–1945). Buenos Aires, Losada, 1947.
Canto general. México, Talleres Gráficos de la Nación, 1950.
Los versos del capitán. Imprenta L’Arte Tipografica, Napoli, 1952, 184 pp.
Todo el amor. Santiago, Editorial Nascimento, 1953.
Las uvas y el viento. Santiago, Editorial Nascimento, 1954.
Odas elementales. Buenos Aires, Editorial Losada, 1954.
Nuevas odas elementales. Buenos Aires, Editorial Losada, 1955.
Tercer libro de las odas. Buenos Aires, Losada, 1957.
Estravagario. Buenos Aires, Editorial Losada, 1958.
Navegaciones y regresos Buenos Aires, Editorial Losada, 1959.
Cien sonetos de amor. Santiago, Editorial Universitaria, 1959.
Canción de gesta. La Habana, Imprenta Nacional de Cuba, 1960.
Poesías: Las piedras de Chile. Buenos Aires, Editorial Losada, 1960.Las Piedras de Pablo Neruda
Cantos ceremoniales. Buenos Aires, Losada, 1961.
Memorial de Isla Negra. Buenos Aires, Losada, 1964. 5 volúmenes.
Arte de pájaros. Santiago, Ediciones Sociedad de Amigos del Arte Contemporáneo, 1966.
Fulgor y muerte de Joaquín Murieta. Santiago, Zig-Zag, 1967. La obra fue escrita con la intención de servir de libreto para una ópera de Sergio Ortega.
La Barcarola. Buenos Aires, Losada, 1967.
Las manos del día. Buenos Aires, Losada, 1968.
Comiendo en Hungría. Editorial Lumen, Barcelona, 1969. (En co-autoría con Miguel Ángel Asturias)
Fin del mundo. Santiago, Edición de la Sociedad de Arte Contemporáneo, 1969. Con Ilustraciones de Mario Carreño, Nemesio Antúnez, Pedro Millar, María Martner, Julio Escámez y Oswaldo Guayasamín.
Aún. Editorial Nascimento, Santiago, 1969.
Maremoto. Santiago, Sociedad de Arte Contemporáneo, 1970. Con Xilografías a color de Carin Oldfelt Hjertonsson.
La espada encendida. Buenos Aires, Losada, 1970.
Las piedras del cielo. Editorial Losada, Buenos Aires, 1970.
Discurso de Estocolmo. Alpignano, Italia, A. Tallone, 1972.
Geografía infructuosa Buenos Aires, Editorial Losada, 1972.
La rosa separada. Éditions du Dragon, París, 1972 con grabados de Enrique Zañartu.
Incitación al Nixonicidio y alabanza de la revolución chilena. Santiago, Empresa Editora Nacional Quimantú, Santiago, 1973.
Geografía de Pablo Neruda. Editorial Aymá, Barcelona, 1973. Glosas autógrafas de Neruda, Fotos de Sara Facio y Alicia D’Amico.
Himno y regreso
Que despierte el leñador
Tentativa del hombre infinito.

Publicaciones póstumas:

El mar y las campanas. Editorial Losada, Buenos Aires, 1973
2000. Editorial Losada, Buenos Aires, 1974
Elegía. Editorial Losada, Buenos Aires, 1974.
El corazón amarillo. Editorial Losada, Buenos Aires, 1974
Jardín de invierno. Editorial Losada, Buenos Aires, 1974.
Confieso que he vivido. Memorias. Barcelona, Seix Barral, 1974. (autobiografía)
Libro de las preguntas. Editorial Losada, Buenos Aires, 1974.
Cartas de amor de Pablo Neruda. Ediciones Rodas, Madrid, 1975.
Para nacer he nacido. Editorial Seix Barral, Barcelona, 1978.
Cartas a Laura. Centro Iberoamericano de Cooperación, Madrid, 1978.
Poesías escogidas. Biblioteca Premios Nobel. Aguilar S.A. de ediciones, 1980.
El río invisible Editorial Seix Barral, Barcelona, 1980.
Neruda/Eandi, Correspondencia durante Residencia en la tierra. Editorial Sudamericana, Buenos Aires, 1980.
El fin del viaje. Editorial Seix Barral, Barcelona, 1982.
Antología fundamental, prólogo de Jaime Quezada y selección de Jorge Baroos, Andrés Bello, 1997
Pablo Neruda, Discursos Parlamentarios. (1945-1948). Editorial Antártica, Santiago, 1997.
Pablo Neruda, Cuadernos de Temuco Seix Barral, Buenos Aires.
Pablo Neruda, Prólogos. Editorial Sudamericana, Santiago, 2000.
Pablo Neruda, Epistolario viajero. (1927-1973), Editorial RIL, Santiago, 2004.
Pablo Neruda en O’Cruzeiro Internacional. Editorial Puerto de Palos, Santiago, 2004.
Pablo Neruda. Yo respondo con mi obra: Conferencias, Discursos, Cartas, Declaraciones. (1932 – 1959). Ediciones Universidad de Salamanca, Salamanca, España, 2004.
Pablo Neruda, J.M. Coetzee, W. Faulkner, Doris Lessing, G.G. Márquez, Discursos, Alpha Decay, Barcelona, 2008.
Antología General, Real Academia Española, Asociación Chilena del Libro y Hernán Loyola, Alfaguara, Santiago de Chile, 2010.
La piel extensa, antología dirigida a un público juvenil, reúne cincuenta y cinco poemas en siete apartados temáticos; compilación de Gerardo Beltrán y Abel Murcia con ilustraciones de Adolfo Serra; Edelvives, Madrid, 2013

Andrew Wyeth

Andrew Newell Wyeth nació en Chadds Ford, en Pensilvania, el 12 de julio de 1917.

Fue uno de los más importantes y conocidos pintores del siglo XX, conocido en su país como el «Pintor del Pueblo», por su fama entre los habitantes de Estados Unidos.

Manifestaba haberse sentido influido por una película que vio unas ciento ochenta veces: «El gran desfile», de King Vidor, film que alcanzó un enorme éxito en la década de 1920, y por la poesía de Robert Frost y la obra de Henry Thoreau.

Hijo de artista, encuadrado en el realismo, con detalles impresionistas, cultivó en la temática de su pintura el regionalismo de su país.

Plasmó escenas de la tierra y la gente de su Chadds Ford, en Pensilvania, donde nació, así como del lugar en el que pasaba los veranos, Cushing, Maine.

El delicado estado de salud que tuvo desde que nació, hizo que su único maestro fuera su padre, decía a este respecto: «Mi padre me mantuvo casi en una cárcel, por lo que yo guardaba mi mismo, mi propio mundo, él no dejaba que nadie se me acercara, esto me hizo permanecer en él».

Su padre, ilustrador, en la década de 1920 había logrado alcanzar una fama considerable, esto hizo que su casa fuera frecuentada con notables invitados, tales como F. Scott Fitzgerald y Mary Pickford,

Los hermanos Wyeth poseían un gran talento, Henriette, fue una conocida pintora de retratos y bodegones.

Carolyn también fue pintora, Nathaniel un inventor de éxito, Ann se dedicó a la música y fue una afamada compositora.

Andrew, comenzó a dibujar cuando era muy pequeño, antes incluso de aprender a leer, en su adolescencia.

Su padre le dio clases en su estudio, únicas lecciones que recibió, con ellas, llegó a dominar la figura y la acuarela. Más tarde descubriría la tempera al huevo.

Por su cuenta estudió historia del arte, admirando enormemente a los grandes maestros renacentistas, y a los pintores norteamericanos, en especial a Winslow Homer.

Expuso por primera vez de forma individual con de veinte años de edad, en la galería de Macbeth de Nueva York, fueron una serie de acuarelas.

Wyeth manifestaba en una revista en 1965: «Mi gente, mis objetos respiran de una manera diferente: no hay otro núcleo – provienen de una emoción que es definitivamente resumen de mi Dios, cuando realmente comienzan a asomarse a algo, un objeto simple, y se dan cuenta del profundo significado de esa cosa, si estos provocan una emoción no hay fin».

Su obra «Christina’s Worlds» (El mundo de Cristina), uno de los cuadros más famosos del pasado siglo, y que puede contemplarse en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, representa a su vecina, Christina Olson, tendida sobre un campo seco frente a su casa en la distancia.

Wyeth se inspiró para hacer este cuadro en su vecina, que a causa de una enfermedad desconocida, estaba incapacitada para caminar, y pasaba mucho tiempo en la finca que rodeaba su casa.

Esta casa se ha conservado y reformado de forma que coincida con lo que Wyeth plasmó en «El mundo de Christina»; está abierta al público formando parte del Museo de arte de Farnsworth.

En 1948 comenzó a otros de sus vecinos en Chadds Ford: Anna y Kuerner Karl. Al igual que los Olson, los Kuerners y su granja fueron uno de los temas más importantes de Wyeth durante casi 30 años.

Wyeth dijo acerca de la Granja Kuerner: «Yo no creo que sea un lugar pintoresco. Simplemente me entusiasma, puramente abstracta y puramente emocional». La granja esta al igual que la casa de Christina Olson, se puede visitar como parte del Museo Brandywine Rive.

La finca fue declarada Monumento Histórico Nacional en 2011.

De 1971 a 1985, pintó hasta 247 estudios de Helga Testorf, sin el conocimiento de su esposa, ni del marido de ella, pinturas a las que se dio una enorme difusión en 1986.

Estas pinturas fueron almacenadas en la casa cercana de Frolic Weymouth, alumno y gran amigo de Wyeth.

Ella aparece siempre seria y en actitud pasiva, sin embargo Wyeth logra transmitir de forma sutil, su carácter y su estado de ánimo.

Helga, que nunca había modelado, se convirtió pronto en una experta, pasando largos periodos posando, como se puede deducir de la larga observación necesaria para plasmar momentos tan íntimos.

Experimentó con el impresionismo, una muestra de ello es la acuarela que pintó en 1933: «Coot Hunter», inspirada en la obra de Winslow Homer.

Murió cuando dormía en su casa de Chadds Ford, Pensilvania, el 16 de enero de 2009, tenía 91 años de edad.

*Esta obra fue publicada en este blog el 4 de octubre de 2011. Ha sido actualizada y ampliada el 16 de enero de 2026.

Mi recuerdo al poeta alemán en el aniversario de su nacimiento.

«Olas»

Vosotras os rompéis primero en las azules guijas
en el valle del bosque donde el camino se prolija.

Cual arroyo corréis a través de tierra soleada,
os desperdigáis llorando en la playa verdeada.

Entonces bajo el rayo y los castillos helados
el río hacia el gran oleaje os ha empujado.

En campo de mirtos os habéis alzado alzado salvajes,
sobre arena estéril lanzasteis espumoso oleaje.

Con cuerpos color de nácar fuisteis lavadoras,
de cargas llenas de dicha fuisteis movedoras,

hasta que la tempestad a la soledumbre os echó,
en escollo y acantilado resonante os destrozó.

Os encontráis en un abismo invisible ahora,
removidas y sin saber ya nada más de la hora

del impulso y la meta. Ni de viento o sotavento,
sino corrientes inmensas por el mar del momento.

Stefan George

De: El séptimo anillo – Mareas, 1907
Recogido en: Stefan George – Poesía completa
Traducción de José Luis Reina Palazón
Ed. Linteo Poesía 2015©
ISBN: 978-84-942551-4-4

Poema original en alemán:

«Wellen»

Ihr wellen bracht euch erst an blauen kieseln
Im waldestal wo sich die wege zwieseln.

Als bäche rolltet ihr durch sonniges land ·
Verspriztet weinend am umgrünten strand.

Dann hat euch unter blitz und eisigen schlossen
Der fluss zur grossen flut hinausgestossen.

Am myrtenfels habt ihr euch wild gebäumt ·
Auf unfruchtbarem sand seid ihr verschäumt.

Ihr spültet mit perlmutterfarbne leiber ·
Ihr waret glückerfüllter lasten treiber ·

Bis euch der sturm in weite öden jug ·
An riff und klippe gellend euch zerschlug.

Nun werdet ihr in unsichtbarem schlunde
Dahin gewälzt nicht wissend mehr von stunde

Von trieb und ziel · nicht mehr von wind und lee
Als uferlose ströme durch die see.

Stefan George

Von: Der siebente Ring, 1907

Nació en Büdesheim, Bingen am Rhein, Hesse, Alemania, el 12 de julio de 1868.
Poeta y traductor vinculado a los prerrafaelistas y a sus antecesores nazarenos, su poesía se caracterizada por formas aristocráticas y espirituales, cercanas al hermetismo que propugnó Stéphane Mallarmé, y gracias, junto con el simbolismo, al que forjó su genio poético, siendo un importante puente entre la poesía alemana del siglo XIX y el movimiento modernista.
Según una gran mayoría de críticos, fue una importante influencia en la obra de Franz Kafka.
Aunque rechazó la oferta de Goebbels de aceptar el ministerio de cultura, los críticos consideran que en su obra hay ideas proto-fascistas.
Murió en Minusio, Locarno, el 4 de diciembre de 1933.

También de Stefan Goerge en este blog:

«Stefan George: Olas»: AQUÍ

«Stefan George: La lucha»: AQUÍ

«Stefan George: Himnos»: AQUÍ

«Stefan George: El juramento»: AQUÍ

«Stefan George: Llamas»: AQUÍ

«Stefan George: El señor de la isla»: AQUÍ

«Stefan George: Peregrinaciones»: AQUÍ

«Stefan George: La alfombra»: AQUÍ

Bibliografía:

Hymnen (Himnos, 1890)
Pilgerfahrten (Romerías, 1891)
Algabal (Heliogábalo, 1892)
Die Büchner der Hirten-und Preisgedichte der Sagen und Sänge und der hängen den Gärten (Poesías pastorales y los laudi, de las leyendas y de los cantos y de los jardines colgantes 1895)
Schwarze Rappen (1893)
Mein Garten (Mi jardín, 1894)
Das Jahr der Seele (El año del alma, 1897)
Der Teppich des Lebens und die Lieder von Traum und Tod (La alfombra de la vida y los cantos del sueño y la muerte, 1900)
Die Fibel (1901)
Tage und Taten (1903)
Der siebente Ring (El séptimo anillo, 1907)
Der Stern des Bundes (La estrella del pacto, 1914)
Der Krieg (1917)
Drei Gesaenge: An die Toten, Der Dichter in Zeiten der Wirren, Einem jungen Führer im ersten Weltkrieg (1921)
Das neue Reich (El nue

Olle Olsson-Hagalund

Olof Conny Olsson nació en Hagalund, Solna, Suecia, el 12 de julio de 1904.
Pintor naivista*, más conocido como Hagalund. Diría: «Soy un naivista para mantener mi visión infantil de las cosas,»

También ha sido descrito como «el Chaplin del arte sueco, así como la respuesta de Suecia a Henri Rousseau«.

Desde muy joven mostró una gran aptitud para el dibujo y la pintura, y con sólo 7 años de edad, ganó el primer premio en un concurso de dibujo para niños.

Después de terminar la escuela primaria y y trabajar durante un breve espacio de tiempo en la estación de Norra, en 1919, ingresó a la escuela de pintura de Carl Wilhelmson.

Una vez allí, se dio cuenta de que sus aptitudes eran limitadas, respecto a los otros alumnos, y sólo era su sueño de convertirse en un artista lo que lo mantenía.

Para mantenerse, trabajó periódicamente como decorador de teatro y como asistente del famoso decorador Filip Månsson.

Vivió toda su vida en la casa que su abuelo Carl Jakob Brolin, había construido en 1897 en la ciudad de Hagalund, Solna.

También fue de aquí donde se inspiró para muchas de sus obras, aunque así mismo realizó pinturas con escenas de Estocolmo y París, así como una serie de retratos de niñas.

Sus cuadros, generalmente, parecen ser como un enjambre, cargados además de una fina y juguetona ironía, raramente, eventos urbanos detallados.

Expuso por primera vez de forma individual en 1938, muestra en la que recibió muy buenas críticas.

Se vendieron todas sus obras, algo que no le gustó, porque siempre tuvo dificultades para separarse de sus pinturas.

Sin embargo, su despegue como artista se produjo a finales de la década de 1930.

Durante este período, realizó exposiciones notables en Galleri Färg och Form y la Academia de Bellas Artes.

En 1942 se exhibieron sus obras en la Bienal de Venecia en 1942.

La demolición de gran parte de la ciudad de Hagalund en la década de 1960 le afectó tanto que dejó de pintar.

Actualmente sólo quedan unas pocas casas de la ciudad donde vivió y trabajó. Una de estas casas es la Olle Olsson, que hoy es un museo.

Su pintura la mayoría en colecciones particulares, está representada en los más importantes museos suecos, entre ellos, el Museo de Arte de Gotemburgo, el Museo de Arte de Norrköping y el Museo Nacional, entre otros.

La demanda actual en el mercado de subastas de su pintura es muy alta, siendo altamente cotizadas.

Sus obras más conocidas, entre ellas; «Estudio del pintor Hötterorg» y «Träff», éste último vendido por 1,4 millones en una subasta.

Murió en Hagalund, el 13 de junio de 1972.

*El naivismo es una dirección dentro del arte moderno que se vincula con la creación artística ingenua de los niños y el arte popular . El naivismo se basa en el hecho de que el artista educado quiere recuperar la capacidad de ver el mundo a través de los ojos del niño o de los no calificados. La creación es a menudo representativa y narrativa. El naivismo no debe asociarse con el arte ingenuo , donde este último está más cerca del fenómeno del arte del exilio .
Las tendencias naivistas en las artes han existido durante varios períodos en la historia del arte. Sin embargo, el nacimiento real del estilo se produjo a principios de la década de 1900 con Paul Gauguin , quien fue influenciado principalmente por el primitivismo exótico. Al mismo tiempo, también surgieron corrientes anti-académicas que elevaron el origen del arte popular como un estilo ideal, destacando autodidactas como Henri Rousseau .
Alrededor de 1910 se formó una escuela naivista que influyó en muchos de los artistas del modernismo como Marc Chagall , Paul Klee , obras posteriores de Pablo Picasso y Sven Erixson. En Suecia, durante la década de 1910, Nils von Dardel y Hilding Linnqvist se convirtieron en los principales representantes. (Wikipedia)

*Entrada actualizada y ampliada el 12 de julio de 2026.