Trisha Domínguez

Una historia solitaria

2014-09-30T04:57:00.004-07:00

Existen pequeños descubrimientos de vez en cuando y en este caso Oslo 31 de agosto ha sido uno muy grato. Dirigida por el noruego Joachim Trier, primo lejano de Lars Von Trier. Con quien sus miradas están igual de alejas que su parentesco.

Basada en la novela "El fuego Fatuo: Adiós a Gonzague" de Drieu la Rochelle y ya llevada al cine hace unos años por Louis Malle. Nos encontramos con una historia humilde, sencilla, sin pretensiones, una historia de un personaje, de un pasado difuso y un futuro imperceptible. Una historia solitaria.

Donde en ocasiones recuerda estar paseando por Praga en vez de Oslo, observando en las terrazas de "En la ciudad de Sylvia". Persiguiendo a Anders Danielsen Lie tras su angustia sin remedio, en busca de un desenlace anunciado que juega con la esperanza propia del drama.

Oslo 31 de agosto no es más que una de esas películas que se encuentran pocas y contadas veces que permiten mostrar como sin grandes arquetipos y discursos puede llegarse a crear un pieza de autoría, un pequeño trozo de humanidad en 95 minutos.

El día en que los hombres no querían más motores

2013-11-18T02:55:00.000-08:00

Este fin de semana tuve la oportunidad de ver Holy Motors, el último film de Léos Carax. No fué casualidad, ya que en busca de algún film especial, caí con la lista que Cahiers du cinema publica anualmente sobre las mejores piezas anuales. Y en primera posición, ahí estaba, Holy Motors para el 2012.

¿Y qué es Holy Motors?

¿Cine?

¿Meta cine?

¿Surrealismo bizarro?

¿Un delirio?

¿Nueve delirios?

¿Un asesinato?

o ¿Un reencuentro?

Un film que empieza por el final, donde anuncia cada una de sus intenciones y a la vez renuncia a ellas. Una representación que te empuja al desamparo de la identidad, de la propia identidad como espectador, donde ni se pregunta, ni se responde, solo se mira. Donde en ocasiones la propia mirada perturba, obscena y a la vez incoherente.

Holy Motors es un film abierto a diferentes interpretaciones como Oscar su protagonista. Y en busca de estas interpretaciones se pierde la propia forma, el propio ser, que no es más que una percepción, difusa, oscura, sin relato, sin orden, sin familia, ni hija, ni amante. Una interpretación del propio ser o del propio cine, seguramente del propio espectador.

Y así transcurre este film, o "intranscurre", para aquellos que quieran dejar de ser un figurante más en ese cine de mujeres y hombres sonámbulos, quietos e inanimados. Holy Motors es mi recomendación.

Una de Tarantino

2013-01-22T11:00:00.000-08:00

Este fin de semana he tenido el placer de poder ver la última de Tarantino, "DJANGO".

Dejando atrás las propias referencias que permite el propio título al film de Sergio Corbucci o de Takashi Miike. Esta vez Tarantino nos habla de la esclavitud y nos empuja a una catarsis parecida a su trabajo anterior "Malditos Bastardos", pero sustituyendo los nazis por la trata de negros en la época de la esclavitud.

Ahora bien, la historia, algo simplista, pero efectiva como puede ser una historia de amor y sed de venganza, parecida a la que encontramos en Kill Bill, acaba alargándose en busca de una segunda parte que quizá hubiera ayudado mucho más a la historia.

Por lo demás como siempre, el sello de Tarantino ya se percibe en la primera escena, hasta el clímax de la película. Y uno está en la butaca disfrutando de esa capacidad que tiene este director para no hacerte cerrar los ojos ante las escenas de violencia.

En mi opinión, Django no deja de ser una película con el sello de Tarantino, que si bien no es su mejor film, se agradece de ver entre otras ofertas que puedan surgir...

Cinema loves Drácula

2012-10-31T09:35:00.000-07:00

El mes pasado pude descubrir este inquietante film "Thirst" de Park Chan.

Una historia sobre vampiros, dráculas, nosferatu, seres sobrenaturales...

Thirst tiene el encanto de "Déjame entrar", en su humanización del mito, una atmósfera realista que poco a poco desencadena en un thriller oscuro y lleno de perversiones.

Y es que esta criatura oscura siempre ha estado muy presente durante toda la historia del cine, grandes piezas se han construido alrededor de él, y no puedo evitar dejar aquí mi ranking personal sobre él:

1.- Nosferatu: Eine Simphonie des Grauens (1922), Friedrich Wilhelm Murnau .

2.- M "el vampiro de Dusseldorf" (1931) Fritz Lang

3.- "El ansia" (1983) Tony Scott

4.-"Dejame entrar" (2008) Tomas Alfredson

5.-"Drácula, de Bram Stoker" (1992) Francis Ford Coppola

6.- Drácula (1958), Terence Fisher

7.-"Jóvenes ocultos" (1987) Joel Schumacher

8.-" Abierto hasta el amanecer" (1995) Robert Rodriguez

9.-"Blade" (1998) Stephen Norrington

9.-"Entrevista con el vampiro" (1994) Neil Jordan

¿Crees que me he dejado alguna?

Un viaje a la adolescencia

2012-10-22T03:27:00.001-07:00

Hace unas semanas que tenía pendiente este post sobre mi visita al Festival de Sitges.

Allí pude ver la ópera prima de Marçal Forés, "Animals", proyecto que llevaba tiempo siguiendo de la boca de diferentes compañeros de la ESCAC y el cual tenía muchas ganas de ver, puesto que me habían encantado sus dos propuestas fílmicas anteriores, los cortometrajes "Yeah, Yeah, Yeah" y, especialmente, "Friends Forever".

Yeah! Yeah! Yeah! from marçal

Friends Forever from marçal

"Animals" conserva parte de esa esencia que ya habíamos visto en sus anteriores trabajos. Con una atmósfera cuidada y grandes recursos estilísticos de la mano del director de fotografía Edu Grau, el film no cae en un pozo de ambiciones y pretenciones. Recordando, en ocasiones a "Donde viven los monstruos" de Spike Jonze, "Paranoid Park", "Elephant" o "Gerry" de Gus Van Sant.

Y es que "Animals" es una percepción, una experiencia, un viaje donde cada uno de los elementos nos traslada a aquella época de descubrimiento, dolor y evidencias de la adolescencia.

Bajo mi punto de vista, "Animals" contine todos los elementos para convertirse en un film de culto entre todos los hipsters que leen "Vice","Pitchfork" o consideran el "Primavera Sound" un must.

Cine Francés: Una de cal y una de arena

2012-09-06T07:53:00.000-07:00

Este último fin de semana acabó siendo improvisadamente muy cinéfilo. El sábado pude ver en los cines Verdi Park el film "Casa de la tolerancia. L' apollonide" de Bertrand Bonello y el domingo en los cines Alexandra "Pollo con ciruelas" de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud.

Los dos films franceses, los dos films con altas aspiraciones autorísticas, aunque lamentablemente, Bertrand Bonello se queda en un simple aliento dentro de esas aspiraciones que acaban siendo eso.. Un simple suspiro inconsistente.

Mientras que "Pollo con ciruelas" tiene todos los ingredientes para pasar a ser un film de coleccionista, la "Casa de tolerancia. L' apollonide" acaba siendo un suplicio quedarse sentado en la butaca. Una cortina de humo que se va intensificando acabando en una verborrea estilística que no hay quien la dijiera. Bueno miento, Joan Pons de fotogramas parece que tocó el cielo... Me queda el consuelo de que mi antiguo profesor y gran crítico Sergi Sánchez parece que opina como yo...

Tengo que decir eso sí, que algunos encuadres son narcóticos, una luz y estilismo exquisitos, y porqué no un casting que en paños menores gana en presencia...

"Pollo con ciruelas", en este caso, si lo comparas con "Casa de tolerancia. L' apollonide" es la hermana pequeña repelente que lo hace todo bien. Un guión inteligente, con cierto delirio a lo 8 1/2 de Fellini, y relato a lo "Cien años de soledad" de Gabriel Garcia Márquez. Una atmósfera oscura, pero mágica, que toma la inocencia de Ameliè de Jean-Pierre Jeunet y la fantasía característica de los films de Tim Burton. Un montaje que es una delicia, donde cada corte está milimétricamente pensado, jugando con el tiempo crítico del espectador, ayudando a la puesta en escena. Un reparto que es otra gozada, con Mathieu Amalric y Maria De Medeiros. Y finalmente una banda sonora muy coherente, que no estaría nada mal que Bertrand Bonello escuchara y reflexionara sobre el sentido de la música en las películas.

Retratando ese país de pandereta

2012-08-16T06:43:00.001-07:00

Hace unos años tuve el placer de poder trabajar en el equipo de producción para la serie "Ácaros", dirigida e interpretada por Paco León. ¡Grande!

Y después de ver "Carmina o revienta" me siento muy orgullosa de esas prácticas de hace años, la verdad.

Simplemente una ópera prima de sacarse el sombrero. Pues Paco León coge los recursos del documental para hacer este retrato de una familia cualquiera española. Una madre luchadora, fuerte, una mujer que no le tiene nada que envidiar a cualquier personaje de Pedro Almodóvar. Una Carmina que desprende naturalidad y talento, todo un descubrimiento.

Una puesta en escena muy inteligente, con creo yo, un gran espacio para la improvisación, y con una gran conducción por parte de Paco León. Que en ningún momento deja escapar la trama y con una dirección clara y directa acompañada por un sentido del humor brillante.

Y no sé qué más decir.. sino que "Carmina o revienta" es un MUST de este año.

Cinema loves Social Media

2012-08-08T05:43:00.001-07:00

Actualmente los debates sobre qué papel juegan las redes sociales en el sector cinematográfico están centrados en el proceso de distribución y exhibición básicamente. Lo cual no deja de ser interesante, pero en este caso y con la excusa de que hace unos días pude ver el documental "Un día en la tierra" creo que es interesante reflexionar y analizar el papel que pueden jugar las redes sociales como catalizadoras de proyectos audiovisuales, al igual que hicieron los hermanos Ridley y Tony Scott con la dirección de Kevin MacDonald y el apoyo de Youtube.

"Un día en la tierra" propone un documental realizado a partir de 80.000 vídeos procedentes de aficionados de 192 países que se grabaron durante 24h el 24 de julio de 2010. Y el resultado es un documento sociológico excepcional, así como un retrato del ser humano en una visión global y sintetizada que nunca antes se había alcanzado.

Así pues, si recordamos algunos de los proyectos realizados en base a las redes sociales, como "Catfish" 2010 o "Social Mania" 2012 o como el Social Media Film Festival hay que reconocer que por el momento el resultado de estas piezas provocan cierta inquietud, así como desprenden una creativa por el momento digna de ser más explorada e incluso me atrevería a plantear que podría evolucionar a un nuevo género audiovisual.

Trailer Catfish:

El día en que Catwoman se convirtió en una Playboy Bunny

2012-07-30T04:57:00.002-07:00

Tengo que reconocer que soy muy fan de esta nueva saga del caballero oscuro. Creo que es el mejor Batman que ha habido hasta ahora en el cine, así como los mejores villanos (sin entrar en el mejor Joker interpretado por HeathLedger).

Y como no podía ser de otra manera, esta tercera entrega me ha traído un gran pero, un recuerdo lejano de aquella Catwoman interpretada por Michelle Pfeiffer que bajo mi punto de vista ni Anne Hathaway consigue hacerla olvidar.

¿Dónde está la relación con los felinos?

¿Dónde están sus uñas afiladas?

Para mi esta nueva Catwoman es más bien Pussywoman o la Playboy Bunny, porque aparte de llevar unos tacones que asustan y un buen escote y saltar igual que lo hacen todos los villanos y Batman..

¿Qué alguien me diga qué más la hace "Cat"?

Michel Petrucciani, #gafapastas y Filmin music festival

2012-07-18T06:13:00.000-07:00

En junio participé en un concurso del blog #gafapastas y me tocó de premio un abono para la primera edición de filmin music festival (del 15 de junio al 15 de julio).

En ella pude ver el documental "Michel Petrucciani" de Michael Radford, al principio estaba un poco escéptica, puesto que no había oído hablar del documental, pero tengo que decir que me fascinó. La verdad que gran parte del mérito se lo lleva el propio Michel Petrucciani, un personaje irrepetible, mágico, impresionante sus ganas de vivir y su legado musical.

Por otro lado, hay que decir que el documental tiene una buena construcción, sin perder el hilo de la historia y gestionando muy bien la información. Quizá si se le puede tirar algo en cara es esa intención irremediable en la que caen muchos documentales musicales de mitificar al personaje y obviar los defectos. Pero hay que decir que manteniendo una estructura clásica se defiende muy bien todo el film.

Para los que quieran verla dejo aquí el link del documental en filmin.

Cuando juntas un puñado de clichés y haces una peli

2012-07-12T05:37:00.001-07:00

Ayer fui a mi primera sesión veraniega de "Cinema a la fresca" en el castillo de Monjuïc y pude ver "Pequeñas mentiras sin importancia" de Guillaume Canet.

Tengo que decir que la primera escena me provocó grandes expectativas, las cuales ya las llevaba de casa, puesto que había oído buenas críticas. Pero eso fue todo.

A medida que iba avanzando el metraje, iba cayendo, no en picado he de apuntar, la ilusión de que "Pequeñas mentiras sin importancia" podía llegar a ser una buena película y esto se convirtió en un simple pensamiento de: "Oye, que bien utilizados están los clichés y qué dominio del gag más tradicional. En fin es una película de fin de semana (Sofá y manta)".

Y es que la trama principal no tiene nada de nuevo y hay que decir que es bastante previsible desde el minuto uno del film. Luego, las subtramas que empiezan con fuerza quedan diluidas y carentes de conflictos en el transcurso de un segundo acto eterno y consecuentemente no alcanzan el clímax ni la catarsis por parte del público en el tercer acto. Incluso tengo que decir que hay momentos en los que el montaje, al igual que la puesta en escena, divaga sin saber muy bien cómo salir del apuro.

Eso sí hay que apuntar que con "Pequeñas mentiras sin importancia" te ríes bastante y se pueden encontrar situaciones comunes en los que todos podemos sentirnos reflejados.

¡Ah! Y os recomiendo subir a alguna de las sesiones de "Cinema a la fresca" :-)

Trailer en francés subtitulado al inglés:

Trailer en español:

Cuando los malos son buenos

2012-07-04T04:55:00.000-07:00

La semana pasada twitteando con un amigo (@SebasFc) me recomendó la película "God Bless America", han pasado unos días desde que la ví y tengo que confesar que aun no sé si me gustó o no...

Y es que este film del ámericano Bobcat Goldthwait empieza con todas las cartas encima de la mesa, donde el protagonista, el personaje a través del cual debemos seguir el film, apunta con una escopeta a un bebe de no más de un año y sin dudarlo demasiado le da un tiro.

La verdad que el guión es algo panfletario y quizá con un punto demagógico, pero hay que reconocer que la sátira que se articula es inteligente. Y la verdad, para todos aquellos que no son muy amigos de las frivolidades, las telenovelas o programas de tarde ("Sálvame, gente, etc) e incluso de los móviles que suenan en mitad del cine, con "God Bless America" puedo asegurar que alcanzaréis vuestra catarsis al respecto.

Y para finalizar, apuntar que los dos actores Joel Murray y Tara Lynne Barr hacen un buen tándem, especialmente Joel Murray, perfecto en su papel de antiheroe, genial en su puesta en escena y gestionando muy bien cada una de sus escenas.

Porque amores que matan nunca mueren..

2012-06-14T02:56:00.001-07:00

La semana pasada tuve la oportunidad de ver "Un été brûlant" dirigido por Philippe Garrel. Este film fué según la revista Cahiers du Cinema uno de los mejores de 2011. Tengo que apuntar que los 4-5 minutos iniciales de la película, incluyendo el desnudo integral de Monica Bellucci, hicieron que ingenuamente pusiera en duda la opinión de Cahiers. Pero cuando ya estaba a punto de poner el grito en el cielo, poco a poco el metraje fue tomando cuerpo. Y es que en este film encontramos el intento de diseccionar las relaciones amorosas. Nos coloca en aquellos momentos en que una relación puede salir fortalecida o morir en su intento. Así pues, como muy bien cantaba Sabina en "Un été brûlant" encontramos ese amor que mata y nunca muere.

Y no sólo encontramos ese tipo de amor pasional, también nos muestra el amor de la amistad, el amor para toda la vida, el amor escondido y el amor manipulador. Los celos, el deseo, la indiferencia, el apego, la intimidad, la mentira y la traición...

Bajo mi punto de vista, tengo que decir que la interpretación de Monica Bellucci es de las mejores que he visto en toda su carrera. Dosificando el dramatismo y utilizando su erotismo, consigue que un personaje inicialmente plano, acabe mostrando todo un espiral de conflictos, deseos y emociones.

Por último, Philippe Garrel se apoya en una puesta en escena muy cuidada, mientras que no aboga por esa "hiper" estética popularizada últimamente, donde el sentido de la imagen se pierde en una retórica de composiciones perfectes y cuidadas. Y creo que esta apuesta es muy acertada convirtiendo la película en algo mundano y dando un golpe de mano a la interpretación.

El día en que Romain Gavras conoció a André Chemetoff

2012-06-05T06:01:00.000-07:00

Aun recuerdo el primer videoclip que ví de Romain Gavras, "Signatune" de DJ Mehdi.

Aquella micro película de atmósfera hiper real, salvaje, con cierta crueldad y empapada de violencia y rábia donde la interpretación del personaje principal superaba a muchos actores de primera fila.

Simplemente me quedé impresionada y hasta día de hoy sigo recordando cada uno de los planos de aquel diamante en bruto.

Luego, no hay que olvidar que tras la cámara Gavras nunca ha estado solo, desde sus inicios con el cortometraje/videoclip "Born Free" en el que colaboró M.I.A y con quien siguen colaborando en diferentes proyectos tanto de la cantante como del propio director, siempre ha estado a su lado su amigo André Chemetoff con quien lo ha rodado todo y bien es sabido que son uñan y carne.

André Chemetoff consigue exponenciar cada uno de los proyectos de Gavras con su fotografía, retratando los lugares más sucios y lúgubres de las ciudades con una nitidez paradojal donde se esconde gran parte de esa violencia equilibrada, a veces descarada, y otras, más escondida, pero al fin y al cabo, cautivadora.

Videoclip: Born Free, M.I.A

Videoclip: No church in the wild, Jay Z & Kanye West

La nueva reina de la comedia

2012-05-29T04:05:00.000-07:00

"Tiny Furniture" es la ópera prima y único film de Lena Dunham, joven realizadora, actriz y ante todo guionista. El film fué presentado en Sundance y ganador del Spirit Award.

Hay que admitir que Lena Dunham no tiene ningún prejuicio en mezclar sus vivencias más cercanas dentro de cada una de las tramas que escribe, y no es ninguna sopresa que en este film participen junto con ella, su madre, como madre y su hermana, como hermana, de la protagonista, ella misma.

Así, también encontramos que en el propio casting de "Tiny Furniture" se encuentran muchos de los protagonistas actuales de la serie "Girls", al igual que el propio casting de la que fué su primera serieweb "Tight Shorts" en Nerve.com.

Sin duda alguna en "Tiny Furniture" ya encontramos muchos puntos en común con su serie en la HBO. Y es que Lena con su crítica agridulce sobre la burgesia intelectual y bohemia de Nueva York, tiene un estilo descarado que deja a Wody Allen en una posición mucho más convencional.

Lena Dunham nos da una clase magistral de dramaturgia, y aunque parece que el segundo acto vaya a desplomarse, consigue sobrevivir a él con dos escenas en montaje paralelo en el que los planos medios y el diálogo son todo lo que nos acompaña.

Sin duda para entender "Girls" hay que ver "Tiny Furniture" que sin llegar a la exquisitez y ácidez de la serie, deja ya una marca de presentación.

Cinema love fashion

2012-05-24T02:57:00.001-07:00

Aprovechando que esta semana Prada ha presentado su cortometraje dirigido por Roman Polansky, no he podido evitar hacer una recopilación de algunas de las piezas que han ido surgiendo de la mano de estas grandes marcas de alta costura que permiten dejar experimentar a los directores.

Surgiendo, en muchas ocasiones, como resultado un film, editorial, cortometraje envueltos de unas atmosferas diferentes y dignas de guardar en la sección de culto.

Prada loves Roman Polansky

Dior loves Guy Ritchie

Miu Miu loves Lucrecia Martel

¿Te viene alguna colaboración más a la cabeza?

La inocencia es la mayor de las perversiones

2012-05-22T03:21:00.001-07:00

La primera secuencia de "Martha Marcy May Marlene" de Sean Durkin recuerda en muchos aspectos al inicio de "La Cienaga" de Lucrecia Martel, aunque Durkin no juega a ese desamparo descarado en el que Lucrecia te empuja durante todo el film, sin recogerte en ningún momento. En "Martha Marcy May Marlene" un pequeño hilo narrativo te va envolviendo y trepando, hasta dejarte sin una pizca de aliento.

Y tomándole la palabra a Desirée De Fez, en su crítica para Fotogramas, Elizabeth Olsen, "obscenamente carnal y vulnerable", nos coge de la mano desde el inicio hasta el último plano en una transición de personaje inteligente y peligrosa, que no te suelta hasta llevarte a los límites de la perturbación y enajenación.

En definitiva, Martha Marcy May Marlene no es un film fácil, aunque en él podemos encontrar una atmósfera acurada, y algunas interpretaciones que despuntan como la citada Elizabeth Olsen o John Hawkes.

Mi "pero" va para el desarrollo del tercer acto, especialmente para los últimos minutos del metraje...

Para qué sirve tu Showreel? (2) "Las Productoras"

2011-04-04T05:03:00.000-07:00

Y con la crisis los presupuestos se cerraron, las productoras tuvieron que ajustarse los cinturones, las facturas tomaron sentido por primera vez, y la frase “paga producción” quedó como una mera leyenda urbana.

El mercado audiovisual estaba en crisis, sí, pero como muy bien sabemos en este sector “Show must go on”.

Y los contratos de prácticas no remunerados, para aquellas productoras de la vieja escuela que hasta ahora habían sido un mero tramite de transición, para el aprendizaje y posible penetración, para la profesionalización de los futuros técnicos, se convirtieron en el contrato oficial.

Para las nuevas productoras, aparentemente, mucho más influenciadas con las aspiraciones estéticas, la solución fue entrar directamente en el mercado del “Euro-showreel”, donde el presupuesto total de la producción, se invierte en la realización del producto. De esta manera el cliente obtiene la misma calidad o mejor, a menor gasto.

Porque bajaron o desaparecieron los precios, de Juan el foquista, Paco el eléctrico, Marta la maquilladora, Paula la estilista, Helena la script. Pero el alquiler de un HMI cuesta lo mismo. El traje de época por día, sólo baja con el integral de oso rosa y las túnicas, como siempre. Y Lola, la de la furgo con plataforma, ya te tiene hecho un buen arreglo por ella.

Así fue como se pudo sobrevivir en el género del vídeo clip, sin olvidar, que siendo un producto artístico, no deja de ser una pieza promocional y con fines comerciales. Que dentro del mercado musical español, según el Informe de Promusicae, sólo en ventas de Dvd y VHS en 2010 se recaudaron 127M€ aprox.

De esta manera, muchas productoras han podido evolucionar, puesto que la carencia de presupuesto en ocasiones puede ser subjetiva, cifras como 40.000€ a 8.000€ para rodar entre 6-4 minutos en formato digital.

Cualquier buen productor, podrá apreciar que tienen cabida los sueldos de los técnicos, pero en muchas ocasiones, los beneficios son cubiertos en pro de dichos sueldos o por las ambiciones estéticas del propio proyecto.

Dichas productoras, consiguen una producción de alto nivel artístico, puesto que consiguen productos de una enorme especulación, una vez más competencia desleal. Resultados muy buenos a un seudo bajo coste (coste no real porque no se pagan los sueldos), y con objetivos claramente de expansión, es decir empresariales. Por tanto, muestran una falta de ética laboral.

Y así, poco a poco, los sueldos bajan o desaparecen, el mercado entra en crisis, pero eso sí en España, los mejores Showreels.

Quizá hay una falta de conciencia como sector.

Porque tal marca, solo tenga este presupuesto, o tal agencia, solo nos ofrezca esto, o porque la industria musical, este en crisis. ¿Por eso Juan el foquista, Paco el eléctrico, Marta la maquilladora, Paula la estilista, Helena la script, tienen que trabajar sin cobrar?

Me pregunto si Loli, mi amiga del barrio, que le limpia la casa también a uno de los “triunfos”, cuando le cae un bolo o deja de vender un disco, se la limpia gratis…

Cuando un cliente solicita un proyecto, hay que presentar un diseño de producción donde el presupuesto refleje el coste real del producto.

El productor, en su habilidad para buscar el recorte encuentra su aportación creativa. Por supuesto, que el conocimiento de los formatos, técnicas de iluminación, aplicación de efectos especiales, recursos de falseo, localizaciones, y negociación influyen. Si con todo esto, el presupuesto es elevado, entonces el proyecto no es factible con las necesidades del cliente.

Ejemplo:

Un hombre entra en un concesionario de coches. Habla con el vendedor. Quiere comprar un coche. El vendedor le enseña todos los modelos que tiene. Cuando le pasa los presupuestos, el hombre le dice que su presupuesto es de 3.000€. El vendedor le dice que por 3.000€ tiene un Golf de segunda mano, pero el hombre quiere un Mercedes de primera mano. El vendedor, nunca le va a vender el Mercedes, a cambio de no cobrar su sueldo ese mes, por reflejar una venta en la cuenta personal de la empresa.

Tampoco sería correcto, que en el concesionario, que hay justo al lado, vendieran Mercedes a 3.000€, gracias a que los consiguen sacar de la fábrica ilegalmente, por favores de gente que trabaja dentro. Y tienen a tres chicos jóvenes en prácticas sin cobrar como vendedores.

El sacrificio del sueldo, del equipo de rodaje, en una actividad destinada para la explotación comercial, no debe de ser ni planteada.

No hay que olvidar que como productores, también somos dueños de una empresa, y aunque este sector tenga ciertas carencias de regulación, hay el deber de proteger a tu equipo y cuidar por sus intereses. Así como, la obligación de respetar una ética empresarial y respeto por la competencia.

De esta manera el mercado siempre se verá beneficiado.

Para qué sirve tu Showreel? (1) "El Técnico"

2011-03-16T17:47:00.000-07:00

Y llegó la crisis, el mundo se hundió y con ello el mercado audiovisual español, así fue como los sueldos bajaron y en algunos formatos, desaparecieron, se desplomaron. Algunos técnicos se convirtieron en camareros, otros se cobijaron en fábricas, los más jóvenes volvieron al nido paterno y algunos días recuperan aquel DVD olvidado, con fundas negras titulado Showreel.

En cierta manera, ha existido crisis, pero si nos fijamos en el mercado español audiovisual se puede observar que en el Informe Anual de los Contenidos Digitales en España muestra que tanto la Televisión (TDT), Música, Cine y Videojuegos han tenido un aumento de beneficio desde el 2005 al 2009, exceptuando la publicidad en televisión, que no online, en las plataformas digitales, desde la Memoria Anual Fapae sí se detecta una industria cinematográfica con pocos rendimientos, dónde en el año 2009 se rodaron 197 películas, estamos de acuerdo que nuestro mercado audiovisual no es el mejor, pero tampoco hablamos de que viva una crisis excepcional.

Entonces,

¿Por qué los sueldos están bajando o desapareciendo y los técnicos miran tanto sus showreels?

Existe la teoría de la masificación de técnicos dentro del sector, pero si se analiza, como en toda profesión, el crecimiento del mercado es acorde con la demanda y no consta ningún alteración grave, al no estar regulado, permite que haya una intrusión de otros técnicos en el sector.

Esta competencia en parte es buena, como motor de motivación, pero en ningún caso, debe de ser una fobia como parece que se está convirtiendo últimamente en este sector, en parte por la aparición de las nuevas tecnologías y la falta de respeto audiovisual (que ya hablaré en otro post), en parte por la competencia desleal y en parte por el desamparo sindical.

El técnico hoy día ha tomado como talismán su Showreel, no le importa no cobrar, que su sueldo tan sólo sea representativo, que su horario sea eterno, no pagar el alquiler, que su pareja lo deje, o tener una intoxicación por el catering del rodaje, mientras pueda incluir ese proyecto a su Showreel, el nuevo euro del sector audiovisual.

El técnico dice que si a todos los proyectos posibles y si es para una marca importante, un grupo musical, o un personaje con nombre mucho mejor, su Showreel ganará valor, ese es su sueldo.

El técnico no entiende que un amigo es alguien con quien te vas de cañas, escuchas sus problemas, ayudas a hacer la mudanzas o le confías un trabajo, que no regalas. Porque a Juana, mi amiga camarera, no le voy a pedir que venga a servirme la cena una noche de convenciones gratis. O porque a Loli, otra amiga del barrio que limpia casas, no le diré que se pase por el apartamento que he alquilado para un cliente sin cobrar.

Cuando el técnico acepta este tipo de proyectos y antepone su Showreel (en este caso como elemento metafórico) y su fobia a la competencia, demuestra una falta de ética profesional, competencia desleal y poca visión de futuro.
Es verdad que los sueldos han bajado, pero en ningún sector se ha visto que por una actividad empresarial con fines económicos los trabajadores no cobren, y actualmente está habiendo una oleada masiva.

Los primeros que deben negarse a este sistema son los propios técnicos. Un claro ejemplo lo tenemos en los intérpretes, actores, bailarines, modelos. Ninguno de ellos entran en proyectos audiovisuales con fines económicos sin un beneficio, aunque su sueldo sea bajo, tienen el contrato de derecho de imagen, por el cual siempre obtienen una base más o menos apta. En caso de no ser así, la gran mayoría, por no decir todos, rechazan los proyectos, es algo que tienen aprendido, forma parte de su ética. Quizá esto se podría reforzar en la educación y la formación.

La competencia desleal es un grave problema, no solo desestabiliza el mercado, sino que es un fraude y por tanto denunciable. Cuando uno acepta un trabajo por debajo de las condiciones establecidas, no solo se infravalora a si mismo, sino que perjudica a la profesión. Así mismo se expone a que algún compañero pueda denunciarlo al sindicato.

Por otro lado, si tu no valoras tu trabajo como esperas que los demás lo valoren, si ejerces la competencia desleal, los sueldos bajan, esto provoca que en el futuro sea muy difícil exigir una subida. Muchos técnicos optan por entrar en estos proyectos de forma gratuita con el objetivo de una proyección futura, pero en realidad es un grave error, porque lo que se provoca es un retroceso del mercado.

Si tu, y todo el conjunto trabaja desinteresadamente, no esperes que en un futuro te vayan a compensar, porque después de ti vendrán otros como tu que también trabajaran desinteresadamente, y así es como el mercado revienta y si entra en CRISIS.

El Showreel debe ser un elemento de nuestra carta de presentación sin más, pero en ningún caso tiene que ser la excusa ni la recompensa del valor de nuestro trabajo.

El técnico es autónomo y por tanto dueño de su empresa, tiene que saber negociar, no siempre exigir el máximo, pero lo que no puede permitir es ejercer una actividad con fines económicos sin recibir un sueldo. (Convenio de sueldos mínimos de la Fapae).

En los próximos post me gustaría tratar este tema desde las productoras y los sindicatos en España.