TROPICO Y CLASICO Tu ventana al mundo del Rock-Jazz-Salsa

El Majestuoso Grupo Niche: cuando la salsa también es un lugar para volver

2026-07-11T00:35:55.533-05:00

Por: Hollman Leal Gómez. La lluvia parecía inevitable. En Montreal, la primavera suele llegar acompañada por un cielo gris que amenaza con deshacer cualquier plan al aire libre. Sin embargo, aquella noche de sábado nadie parecía dispuesto a abandonar la fila que rodeaba el teatro donde se presentaría el Majestuoso Grupo Niche. Algunos llevaban ropa de fiesta; otros todavía conservaban el morral al hombro y las botas de trabajo. Unos llegaban a bailar, otros apenas alcanzaban a salir de su jornada laboral. Todos compartían una misma expectativa. Entonces comprendí que no asistía únicamente a un concierto de salsa. En las ciudades donde la migración latinoamericana ha construido nuevas formas de comunidad, estos espectáculos funcionan como auténticos rituales de reconocimiento colectivo. Allí se reencuentran amigos, se escuchan nuevamente los acentos del país de origen y, por unas horas, el territorio deja de ser Canadá para transformarse en un espacio donde conviven Cali, Santo Domingo, Lima o Ciudad de Guatemala. La música comienza mucho antes de que aparezca la orquesta. El DJ encargado de abrir la noche entiende perfectamente esa función. No busca sorprender; busca recordar. La cumbia, los clásicos de la salsa dura y las canciones que forman parte de la memoria afectiva del público preparan un ambiente donde el concierto ya ha empezado sin que todavía haya subido el primer músico al escenario. Hay una escena que resume la naturaleza de la noche. Mientras el teatro espera la salida del Grupo Niche, junto a la consola de sonido un computador transmite el partido de hockey del equipo local. Cada gol provoca una ovación espontánea. Durante unos segundos conviven dos mundos: el de la ciudad que recibe y el de la cultura que los inmigrantes se resisten a perder. No hay contradicción entre ambos; hay convivencia. Esa es, quizás, una de las imágenes más elocuentes de la experiencia migratoria contemporánea. Cuando las luces finalmente se apagan, un video recuerda a Jairo Varela y presenta el Niche Disco Tour 2026. No es un detalle menor. La agrupación entiende que hoy representa mucho más que un repertorio de canciones: representa una historia. El legado de Varela ha dejado de pertenecer únicamente a Colombia para convertirse en patrimonio emocional de buena parte de América Latina. El concierto fue concebido como un espectáculo cuidadosamente estructurado. En un primer bloque sonaron canciones como Ganas, Una Aventura, Entrega, Hagamos lo que diga el corazón y Ana Mile. Luego llegaron Algo que se quede, Nuestro Sueño, La Canoa Rancha y Mi Pueblo Natal, acompañadas por una producción visual que enriquecía la puesta en escena sin competir con los músicos. La agrupación aprovechó este momento para presentar Más que palabras, una de las composiciones de su más reciente producción discográfica. El cierre fue un recorrido por algunos de los himnos que han convertido al Grupo Niche en un referente de la música latinoamericana: Buenaventura y Caney, Un día después, Eres y Se pareció tanto a ti prepararon el camino hacia Cali Pachanguero. Fue entonces cuando el teatro dejó de ser un escenario para convertirse en una pista de baile colectiva. El público cantó cada verso como si formara parte de un ritual compartido. Aunque parecía el final, la agrupación regresó para dialogar con los asistentes y permitir que fueran ellos quienes eligieran las últimas canciones de la noche. Más allá del repertorio, el concierto dejó ver una organización artística de alto nivel. El Grupo Niche ya no funciona únicamente como una orquesta; es una marca cultural consolidada. Bajo la dirección musical de José Aguirre, el proyecto ha encontrado un equilibrio entre la preservación del legado de Jairo Varela y la necesidad de actualizar su propuesta escénica. La interacción con el público, la precisión en los tiempos del espectáculo y el uso de recursos audiovisuales revelan una producción pensada hasta en sus mínimos detalles. Musicalmente, la agrupación conserva una base instrumental poderosa. Dos trompetas, dos trombones, saxofón barítono, piano, teclados, congas, bongó, campana y timbales sostienen un sonido sólido, al que se suma una batería cuyo bombo, acompañado por un bajo de seis cuerdas, aporta una contundencia poco habitual en las orquestas tradicionales de salsa y más cercana a la estética sonora del rock contemporáneo. Quizá la mayor fortaleza del Grupo Niche sea haber comprendido que su historia no puede vivir únicamente de la nostalgia. Su repertorio clásico sigue siendo el principal punto de encuentro con el público, pero la agrupación continúa produciendo nuevas canciones y renovando su propuesta sin romper el vínculo con su pasado. Para el inmigrante latinoamericano, conciertos como este tienen un significado que trasciende la música. Durante dos horas, el teatro se convierte en un territorio simbólico donde reaparecen los acentos, los recuerdos y las emociones compartidas. En ese sentido, el Grupo Niche continúa haciendo lo que Jairo Varela imaginó hace más de cuatro décadas: construir, desde la salsa, un lugar de pertenencia. Quienes hemos seguido la trayectoria de la agrupación en distintas etapas encontramos en esta nueva versión una evolución evidente. No se trata simplemente de mantener vivo un repertorio histórico, sino de demostrar que una institución musical puede renovarse sin perder su identidad. En tiempos en los que pocas orquestas salseras conservan una presencia internacional sostenida, el Majestuoso Grupo Niche confirma que su legado sigue vigente y que todavía tiene mucho que decir sobre los escenarios del mundo.

Megadeth, en concierto, danos el "trash" de cada día.

2023-07-21T09:56:00.000-05:00

Por: Hollman Leal Gomez Mayo 25 de 2023 De nuevo en un concierto, un nuevo encuentro mayo 11 de 2023 y hablo de Megadeth, quien se presentó en Place Bell, en la ciudad de Laval, junto a la ciudad de Montreal, en la provincia de Quebec, en Canadá, clima agradable en primavera dieciséis grados centígrados, soleado. El concierto tuve la oportunidad de compartirlo en la mejor compañía con mi hija Sofia, ella tampoco había tenido la oportunidad de ver a este grupo con anterioridad, el ingreso al concierto tranquilo, aunque con dificultad de estacionamiento y con la curiosidad de encontrarme un vendedor en la calle, cosa extraña en estas tierras, vendiendo camisetas de Megadeth, en la fila de los que entran al centro de eventos, difícil labor le espera en una cultura que prefiere los objetos contramarcados y originales. Ingresamos y que gran sorpresa, mi hija y yo tuvimos la oportunidad de ubicarnos de acuerdo con nuestras boletas en un palco en último piso, una vista y un sonido verdaderamente agradables.

La banda que abrió el concierto puntualmente como es la costumbre, a las 7:00 p.m., fue Oni, una banda canadiense de metal progresivo, liderada por el cantante Jack Oni, banda que fundó en 2014, su presentación contó con siete canciones en aproximadamente una hora y cinco minutos. Luego de un breve receso y una banda irrumpe en el escenario, la originaria de Bridgend, en el país de Gales, Gran Bretaña, quien haciendo alarde de su trayectoria y experiencia presentó diez temas con esa particular mezcla de emo, trash metal y hardcore que los hace destacar. El escenario completo aproximadamente 11500 personas, expectativa como siempre muy alta, venían de tocar la noche anterior en la capital de la provincia, en la ciudad de Quebec y luego irían a Moncton en la vecina provincia de de New Brunswick. Catorce canciones interpretadas de distintos álbumes, la cortina se desprende de las grandes pantallas y ahí esta el escenario, con el público ávido de ver sus iconos, todo comienza con Hangar 18, del reconocido Rust in Peace, luego continua el tema Dread and the fugitive mind, del albúm The World needs a hero, Angry Again del álbum de 1993, Last Action hero, como tercer tema; un breve espacio y We´ll be back de su reciente albúm 2022, The sick, the dyng the dead. Mustaine le pregunta al público ¿Quién esta allí por primera vez? Y los invita a disfrutar un bloque de Wake up dead, in my darkest hour, sweating bullets y la euforia y la emoción apremian, luego se empalman dos super clásicos Trust y el tema que todos los asistentes al concierto en esta provincia corean por ser una mezcla de ingles y francés, a Tout le monde, conectándose con Tornado of Souls, llevandonos a Symphony of destruction, eso si sin el espíritu latinoamericano que nos caracteriza y hace que sean los únicos latinos los que griten, “Aguante, Megadeth”. Es la hora del final del concierto, llega Peace Sells, de su álbum homónimo, luego de un silencio, finalizan la presentación con Mechanix y por último Holy Wars del albúm Rust in peace. Una hora y siete minutos, concierto calmado, variado y algunos críticos en redes dirían que frio con el público. Desde nuestra postura Megadeth, llega a nuevas generaciones, mantiene su personalidad e incluye sus nuevas producciones en el concierto, coherente con su estilo, el trash está presente y nos hace falta en estos días. Fotografías cortesía de: Marie Demeire / @mariegoestoshows Hollman Leal Gómez

Geoff Tate: Al encuentro de la creatividad, el origen de Operation Mindcrime.

2023-05-29T13:55:00.000-05:00

Por: Hollman Leal Gómez Director de TropicoyClasico Radio https://www.facebook.com/tropicoyclasico/

Nos dirigimos al año de mil novecientos ochenta y seis, esta agrupación sirvió de banda invitada para tres agrupaciones distintas, en sus giras por Europa, Canada y Estados Unidos y hago referencia a la agrupación estadounidense de Queensrÿche, una de las bases de denominado metal progresivo. En ese año luego de acompañar a Bon Jovi, AC/DC y Ozzy Osborne, terminan su trasegar musical en el mes de noviembre. De esta manera todos los músicos quedan en libertad y su voz líder y compositor Goeff Tate, decide entregar el apartamento que tenía en compañía con otro de los miembros de la banda. Se encontraba él, en un momento de desconcierto personal y musical y de expectativa al no saber a dónde ir. De esta manera y luego de una fiesta de despedida de AC/DC, acepta la invitación de dos quebequenses, para que viva en un apartamento en Montreal en la avenida Papineau, allí a poca distancia había un bar frecuentado por estudiantes de la Universidad de Quebec en Montreal (U.Q.A.M). En ese momento Tate tenía veintisiete años y caminaba por la ciudad a la espera de que algo ocurriera, de igual manera frecuentaba la terraza del bar Saint-Sulpice, allí mismo cuenta Tate, que paso varias semanas con su cuaderno en blanco, pero ese lugar, las personas que lo frecuentaban y sus continuas caminatas ser convirtieron en el crisol mágico de inspiración y pensamientos que Geoff Tate buscaba. Eran tiempos de movimientos históricos y luchas políticas en la provincia de Quebec, en Canada, artistas e intelectuales, al igual que estudiantes, se reunían en el número 1680 de la calle Saint-Denis para hablar y comentar del Frente de Liberación de Quebec y el movimiento Soberanistas que buscaba la independencia de la provincia de Canada.

Cuenta Geoff Tate su experiencia en esos días: una tarde fría se dirigía al supermercado y comenzó a escuchar en la distancia un coro en una iglesia, justo al otro lado de la calle, decidió entrar y escuchar el coro, repentinamente sintió la necesidad de escribir, acción esta que realizó durante treinta o cuarenta minutos, ya instalado de nuevo en su apartamento inició con “Operation Mindcrime”. Este álbum es la más importante realización de esta agrupación, Queensrÿche, ya que les permitió definir su estilo en el mundo del Metal y los ubica según la revista Rolling Stone, en el puesto número sesenta y siete de los mejores álbumes de la historia del metal. Geoff Tate no hablaba francés y esto hacia el ambiente particular, el hecho de escuchar a las personas, de observar detenidamente y encontrar en todos ellos un personaje singular, un cliente del bar, con cara de niño, pero a su vez un rostro para tenerle cuidado, las personas se le acercaban y le hacían consultas, ante lo que él, les respondía con frases cortas, como si de alguna manera les encomendara misiones, allí nació en ese instante “Doctor X”, personaje central del álbum, quien junto con “Nikki”, como personaje protagónico, será la victima de este gurú mediático que busca derrocar el gobierno.

Mucho mas tarde Geoff Tate y Chris Degarmo terminarían con la composición del álbum completo, luego regresaron con toda la banda a grabar el álbum en la población de Morin-Heights, de nuevo en Quebec, en el famoso Le Studio, situación esta que el mismo Geoff Tate recuerda de manera particular: “La primera vez que pisé el estudio, me sentí como si estuviera en un centro de control de la N.A.S.A”, es claro que por la cantidad de equipos y computadoras que era aún raro encontrar en esos días en los estudios de grabación. Años más tarde Tate regresó a Montreal y visitó el mismo bar Le Saint-Sulpice, pero ya no era el mismo lugar, pantallas, luces, era otro ambiente, solo atinó a comentarles a las personas que lo acompañaban: “En mi tiempo, era un pozo sin fondo para espíritus bohemios en busca de inspiración”. En estos momentos el bar se encuentra cerrado y pronto será vendido para otras funciones distintas a la original, la de servir de punto de encuentro y diversión.

Es momento de volver a escuchar Operation Mindcrime, encontrarnos con los sonidos y las notas que componen este ejercicio de creatividad y búsqueda personal, por medio de un álbum conceptual, del manejo de una idea coherente y claramente social, de un genio de la composición y una voz única y poderosa, Geoff Tate y Queensrÿche.

JAZZ FORUM ALL STARS, dejémos que la música sea, la que despida la noche.

2023-01-10T01:22:00.003-05:00

Qué mejor oportunidad para cerrar el año del cincuentenario del autor de esta nota y concluir a su vez con los dieciocho años de TROPICOYCLASICO radio y así, escuchando una “All stars” de Jazz. El sitio, Jazz Forum, en la pequeña localidad de Tarrytown, en el condado de Westchester, en el estado de Nueva York, en Estados Unidos, la hora: 9:30 p.m y el día, el 30 de diciembre de 2022, oportunidad única de vivir esta experiencia musical en un sitio que cuenta con una cálida y sencilla acústica, el aforo completo en el club, por parte de los recurrentes clientes, amantes de este género musical. Esa noche se presentaba un quinteto liderado por el dueño de casa Mark Morganelli, trompetista, empresario y productor musical, en el piano Helen Sung, reconocida en la revista Downbeat con su álbum, "Quartet +" como uno de los mejores del 2021, en el bajo, David “Happy” Williams, acompañante recurrente de Cedar Wilson y Ornette Coleman, en el saxofón tenor, el conocido en el mundo del Jazz como el jefe, por su versatilidad y alcance a la hora de compartir en escena y en el estudio, con más de setenta y cinco álbumes, hablamos de Houston Person, recordado por la larga sociedad con Jhonny Hammond y Etta Jones. Cerrando esta banda de estrellas, en la batería, Billie Hart, con una extensa trayectoria que lo llevó a tocar con Jimmy Smith, Wes Montgomery, Eddie Harris, and Pharoah Sanders, Herbie Hankcock, Stan Getz, Gerry Mulligan, Billy Harper, Clark Terry y participó en la grabación de los álbumes Big Fun y On the corner con Miles Davis. JAZZ FORUM ALL STARS, 30 de diciembre de 2022, Tarrytown, NY. U.S.A. Una hora y media del Jazz clásico de la mano de temas como Perdido de Duke Ellington y Nica´s dreams de Horace Silver, una marca sonora determinante, un sonido para nunca olvidar, buena noche de Jazz.

“Démosle una oportunidad a la PAZ”: John Lennon, la historia de una malograda grabación.

2017-10-21T23:43:00.000-05:00

Por: Hollman Leal Gómez

En el principio hay un tema musical, “Paz en la Tierra”, publicado el 1 de octubre de 2007, con esas guitarras eléctricas tan profundas y bien arregladas, con la distorsión exacta como lo hace Chucho Merchán, el bajista colombiano, fundamental del Rock anglo de los años ochenta y noventa, el cultor de causas animalistas y el productor de Fito Páez y Robi Draco Rosa, entre los más reconocidos. Existe una singularidad en este tema musical y es que la introducción se realiza con los coros de “Give peace a chance” de John Lennon de la grabación hecha en 1969, en esa gira que realizara por algunas ciudades de Norteamérica y donde desde una cama invitara al mundo a cambiar.
Esta particular introducción, completaba mi hallazgo mental y geográfico de tres sitios icónicos de la ciudad de Montreal que aportan al mundo de la música, haciéndola particular y única como referente histórico. Primero me refiero a la ciudad donde nació y se formó Leonard Cohen, en el sector de Westmount. El segundo encuentro fue con el barrio negro elemental para la comprensión y el desarrollo del Jazz en la época de la prohibición del licor en los Estados Unidos y que se convirtió en el área obligada para la buena música me refiero a la “Petite Bourgogne”. Y el tercero lo constituía la otra pieza del trébol que encontraba en esta ciudad de la provincia de Quebec y era encontrar el sitio donde se grabó el tema de John Lennon.

HOTEL FAIRMONT REINA ISABEL

El tema “Give peace a chance”, fue grabado en la habitación 1742 del Hotel Reina Isabel de la cadena Fairmont y ubicado en el sector de Ville-Marie de Montreal. El siguiente paso era conocer el hotel y la habitación donde se grabó este tema clásico, este hotel que visitaban las personalidades que llevan a esta urbe. Su ubicación, hace referencia a encontrarse entre dos estaciones del metro “Square Victoria” y “Bonaventure”, toda esta búsqueda realizada en la primavera del 2017, con pleno desconocimiento que el hotel estaba en remodelación desde el año anterior y solo hasta julio de 2017 se estaría haciendo entrega de la obra. Al preguntar al encargado por la habitación la primera respuesta fue que no podíamos ingresar, porque la habitación y todo el piso habían sido destruidos para dar paso a la nueva estructura posterior a la remodelación. Pero allí estábamos ante un simbólico lugar que sirvió de laboratorio al idealismo del hipismo de los años sesenta y la producción musical de la época.

André Perry y John Lennon. El dia de la grabación 1 de junio de 1969.

John Lennon y su compañera entonces la escultora Yoko Ono, diseñaron una campaña llamada “Bed-in”, “en la cama” o “encamados”, que era una manera de hacer una exposición a los medios y a la vez protestar contra la guerra. La primera jornada se hizo en Ámsterdam del 25 al 31 de marzo de 1969 y la segunda estuvo planeada para Nueva York pero las autoridades de migración de Estados Unidos negaron el ingreso por la condena que recibió Lennon en Londres en el año anterior por consumo de marihuana. Decidió entonces la pareja Lenon-Ono realizar su protesta en la ciudad de Montreal por estar más cerca de la frontera con los Estados Unidos. Una vez ahí se instalaron en el Hotel Reina Isabel administrado por la cadena hotelera Fairmont, en la habitación 1742, desde el 26 de mayo hasta 2 de junio. Allí invitaron periodista durante todo el tiempo, personalidades de la música, de las artes y la política pasaron por ahí. En una de las constantes entrevistas un periodista pregunto a Lennon, ¿Qué es lo que están buscando?, a lo que Lennon respondió directamente: “All we are saying is give peace a chance”, traducido diría: “Todo lo que estamos diciendo es darle a la paz una oportunidad”. Esta frase llamo la atención de Lennon quien la empezó a trabajar como el estribillo de una canción.

BED-IN MONTREAL 1969

El primero de junio de 1969, se comienza a plasmar el tema, la idea es utilizar una grabadora de cinta marca “Scully” de cuatro pistas con una consola de ocho pistas marca “Ampex 3” alquiladas en la RCA Victor de la ciudad, el responsable seria el ingeniero André Perry a quien encargaron de la realización y ubicación de micrófonos, Lennon interesado en que todos los asistentes participaran en el tema, escribió en las paredes sobre carteles, el coro del tema. Al momento de comenzar la grabación los invitados harían parte de los coros dentro de la canción, que en si es un himno con un estribillo que se repite varias veces casi como un mantra religioso y que gracias a las palmas que se asemeja a una percusión logra el ritmo del tema. Voces, murmullos, Lennon en la guitarra principal, el humorista Tommy Smothers haría la segunda guitarra y una pandereta estaría presente en las manos de Yoko Ono y su pequeña hija. Luego de varias tomas André Perry, retoma con John Lennon una grabación adicional con la voz de él de manera individual, de esta manera termina la grabación.

Lennon, Ono y Tommy Smothers, el dia de la grabación.

André Perry como responsable recoge las cintas y parte a su estudio de grabación en la pequeña ciudad de Brossard, junto a Montreal, allí a la media noche comienza a escuchar las grabaciones y descubre que estas tienen un pésima calidad solo el 20% de su estructura puede rescatarse y es ahí donde toma la decisión de depurar la voz de John Lennon, reducir las voces del entorno y utilizar una caneca de la basura plástica que tenía a mano para hacer el ritmo de percusión. Las voces serian otra historia, pues gracias a los trabajos hechos por músicos locales que despuntaban su carrera en esos tiempos, como: Lindberg y Robert Charlevoix se lograrían los coros claros que se escuchan durante toda la canción y que Perry afirma si se escucha con detenimiento es posible sentir el acento quebequense claramente. Fue muy curioso decía André Perry al referirse al momento en el que llamó a los músicos para que le acompañaran en la grabación pues ninguno le daba la razón sobre la situación y creían que sencillamente era una broma aquello de grabar en un tema con John Lennon.

André Perry en años posteriores, como un gran realizador y productor musical.

Trabajo terminado y un himno del movimiento pacifista, un éxito más para Lennon y compañía, pero para André Perry no hubo dinero por parte de los productores sin embargo por solicitud del mismo Lennon se incluyó, el nombre la dirección del estudio donde fue realizado el tema y como Perry lo afirma en las entrevistas esta fue la mejor tarjeta de presentación para quien sería en adelante uno de los creadores de un estilo de grabación en su famoso “Le Studio”, por donde pasarían muchas de las más importantes estrellas del mundo del Rock de los años setentas y ochentas, pero esa será la temática de otra narración, por ahora démosle una oportunidad a la paz.

El nombre de Perry, la dirección de su estudio. La mejor tarjeta de negocios para un ingeniero de sonido.

Referencias bibliograficas:
http://www.journaldemontreal.com/2014/05/23/la-vraie-histoire-de-igive-peace-a-chance/i
http://andreperrystudio.com/biography/index.php?lang=fr
www.discogs.com

"La Petite Bourgogne" el ombligo del Jazz en Montreal.

2017-09-30T15:30:00.000-05:00

Por: Hollman Leal Gomez

1. La Pregunta.

¿Por qué existe un gran gusto por el Jazz en Montreal? ¿Por qué existe una gran influencia musical de la población negra en esta ciudad? ¿Fue el Festival de Jazz de Montreal una estela de una tradición musical existente?

2. El encuentro con el interrogante.

El primer encuentro fue escuchar de Oliver Jones, músico, pianistas montrealés de Jazz, en un archivo sonoro de una entrevista en la sede del Festival de Jazz de Montreal en el número 400 del bulevar Maissonneuve Oeste, en pleno corazón artístico de la urbe quebequense, una declaración donde Jones afirma y explica la importancia del sector de “ La Petite Bourgogne” (que mantendremos entre comillas durante el siguiente escrito) y como se convirtió en un pequeño barrió plagado de estrellas del Jazz.

Luego la búsqueda del suburbio en el mapa de la ciudad y la correspondiente estación del metro, la llamada “George Vanier”, en la línea naranja, nombre de un reconocido político local y gobernador de Canadá, este apéndice histórico nos aproxima a un sector que se conoce en francés como “La Petite Bourgogne”, en inglés “The Little Burgundy”, traducido al español como “Pequeña borgoña” en honor a la región francesa del este de ese país y caracterizada por su riqueza vinícola. Este es nuestro entorno geográfico de una zona más parecida a un barrio que a una región. El primer objetivo luego al salir de esta estación es buscar el “Le negro comunity center”, un centro comunal exclusivo para la población negra de este sector, en este edificio se apoyó a la población menos favorecida en especial en los aspectos educativos de la población adulta y donde se permitían las expresiones culturales de los jóvenes y su respectivo seguimiento e integración a la sociedad. Este centro ejerció una acción social sin duda, una respuesta a las comunidades afrodescendientes de esclavos traídos de África enraizados en Montreal, en los siglos XVII y XVIII y de la población afro que también llego de Estados Unidos y las Antillas, al final del esclavismo, todos ellos con un elemento en común, el idioma inglés.

Originalmente el centro se estableció en una iglesia Metodista llamada “West End”, un espacio de encuentro no solo religioso, sino como ya lo mencionamos social. Pero este centro comunitario fue una herramienta para respaldar a la creciente población obrera que integraba el sector. En esta zona desde la construcción de un canal alterno al rio Saint-Laurent (San Lorenzo), el llamado canal Lachine, este permitió la instalación de diversas empresas de la industria pesada del hierro como la Canadien Pacifique y la Steel Company of Canada (Stelco), que permitía entrar y salir en sus grandes embarcaciones y atrajeron una amplia población obrera que fijo allí, entre edificios de apartamentos y comercios populares una tradición angloparlante que permitió conocer este sector como el “Harlem del norte”, en referencia a estas tradiciones y al barrio de Nueva York.

A partir de la creación de una gran estación de trenes que servía como punto de entrada a Canadá desde la costa del Atlántico de Estados Unidos, nos referimos a “Gare Windsor” y “Buenaventure”, estos puertos férreos, se convirtieron en referentes para el ingreso de una población adinerada blanca, que recurría a una clase obrera de portamaletas que en su totalidad eran negros que realizaban las labores de ayudar a bajar y a subir los pasajeros, a cargar y descargar maletas, barrer y asear baños y pasillos de las estaciones y debían hacer el aseo de los vagones del tren, esto los llevaba a tener jornadas de hasta veintiún horas obligándolos a dormir en los vagones unas escasas horas. Esto ayudo a consolidar una de las más fuertes asociaciones sindicales de Canadá, el sindicato de portamaletas, el cual fue respaldado por muchos de los usuarios del tren que en su mayoría eran blancos influyentes, abogados y médicos adinerados.
El flujo de pasajeros fue extenso, la gran mayoría proveniente de los Estados Unidos, todos con dinero y ávidos por consumir alcohol y diversión continúa. El mayor factor político y cultural fue la promulgación de la ley Volstead o comúnmente llamada la “Prohibición”, vigente entre el 17 de enero de 1920 y el 5 de diciembre de 1933, en el territorio de Estados Unidos y no así en Canadá. Esta acción política cerró las puertas a la legalidad y al consumo del alcohol y lo transformó en un acto subterráneo, que transfiguró el entorno de la ciudad de Montreal en un espectro de diversión legal, con alcohol, casinos y con expresiones musicales amplias entre ellas el Jazz de moda y otros aspectos que la vida nocturna conlleva.

Condensando esta primera parte, existen tres aspectos para tener presente para que se crease en “La Petite Bourgogne”, el corazón de la cultura jazzística de Montreal:
 La población negra venida del Caribe en busca de oportunidades y de los Estados Unidos, luego del proceso de finalización de la esclavitud, aunque antes de este suceso la libre movilidad de la población negra no esclava hacia presencia ya en esta región entorno a la inclusión y diversidad cultural canadiense.
 La ciudad de Montreal como puerto importante de desarrollo industrial y como puerto ferroviario con sus operarios en todos los niveles y toda una clase social productiva ligada a la industria siderúrgica pesada. Un centro de desarrollo económico de toda Norteamérica.
 La prohibición del alcohol en Estados Unidos entre 1920 y 1933 permitió que Montreal se posicionara como una urbe de vida nocturna activa, con ofertas de diversión, libertad de consumo de licor y variedad musical de alto nivel, ligada al estatus económico de los visitantes.

3. La rutina del visitante.
Los visitantes llegaban en lujosos vagones desde el norte de los Estados Unidos, los días viernes ávidos de diversión, lujo y claro que sí, variedad musical. Un fenómeno que permitió la presencia de grandes clubes en “La Petite Bourgogne” como resultado del liderazgo de emprendedores que combinaban la legalidad de los clubes con la ilegalidad del contrabando de whiskies y cerveza a Chicago, hecho este que les permitió tener un gran ingreso económico que luego se plasmaba en las ofertas musicales que expusieron en sus clubes. Un ejemplo fue el caribeño Rufus Rockhead, quien creo el “Rockhead Paradise”, en “La Petite Bourgogne”, generó un espacio de encuentro de inclusión, donde entorno a la riqueza circundante convirtió a Montreal en la capital de la vida nocturna, trayendo consigo a los músicos buscadores de nuevos mercados, el Jazz estaba en el aire y nutria los centros nocturnos, músicos de Nueva York, como Herb Johnson llegaban a vivir a Montreal, “The Tramp Band”, Louis Metcalf trompetista y su “The International Jazz Band”, Skypper Dean cantante, el pianista Joey Sealy sin dejar por ningún momento a un lado la gira a los clubes nocturnos del sector por parte de Duke Ellington.
En esos momentos y nos referimos a la décadas del veinte al cuarenta, la clase obrera negra era remunerada de manera poco equitativa, largas jornadas diarias y con descansos de solo 4 o 5 días al mes, llevaron la formación de un sindicato de empleados de las estaciones ferroviarias, los llamados carga maletas, despertaron en las nuevas generaciones el deseo de no repetir las historias de sus padres, pues los hombres se ocupaban en las empresas siderúrgicas y los trenes, por su parte las mujeres se dedicaban a trabajar para otros en las tareas domésticas, siendo sus hijos dejados en guarderías del barrio.

Uno de esos portamaletas llamado Daniel, en cierto momento tuvo una conversación con uno de sus hijos llamado Oscar, este le dijo, que jamás él sería un portamaletas, que el haría algo diferente de su vida y lo que haría era tocar el piano, hablamos de Oscar Peterson (15 de agosto de 1925 en Montreal- 23 de diciemre de 2007 en Missisuaga Ontario), uno de los más influyentes pianistas del Jazz, nacido en el sector de la “Petite Bourgogne”. Un prodigio fruto de una familia musical, quien comienza su carrera bajo la dirección de su padre quien a pesar de tener una exigente rutina de trabajo en la estación del tren como carga maletas, dirigía con sus hijos una agrupación musical que se presentaba en las iglesias del sector. Se inició en la trompeta a los cinco años pero luego se decidió por el piano teniendo en su hermana mayor Daisy una profesora y quien más tarde sería reconocida en el ambiente de la comunidad negra montrealés como una gran profesora de piano, también su hermano Chuck se convertiría en un trompetista reconocido, incluyendo a su hermana May, quien sería la encargada de administrar la carrera de Oscar Peterson, mucho más tarde. Fue así como su familia dio el salto a otro tipo de ambientes laborales distintos a la siderúrgica y la estación de trenes.
Oscar Peterson tuvo en su hermana Daisy su primera formación musical como ya los dijimos pero más tarde en su adolescencia recibiría clases de maestros de formación clásica como Louis Hooper antiguo pianista de rag time en Nueva York y Paul de Marky pianista concertista, adicionalmente formado en el conservatorio de música de Montreal.

Su carrera toma rumbo cuando a los 14 años de edad gana un concurso de música de un reconocido personaje de la radio montrealés y gana $250 dólares que le permiten continuar su formación y gracias a ese triunfo ingresa al mundo de la radio haciendo programas musicales de Jazz, logrando reconocimiento por su técnica, velocidad y virtuosismo en las escena local. Peterson se sintió influenciado por los pianistas Nat King Cole y Ted Wilson, pero sobre todo por su ídolo Art Tatum. Su carrera musical toma un camino hacia los Estados Unidos a través de Jimmie Lucenford y Count Basie, aunque sus padres consideran que es muy joven para dejar sus estudios, regresa nuevamente a Montreal donde integra la agrupación de Johny Holmes, Peterson dejas sus estudios y les dice a sus padres que lo hace no solo para ser un pianista más sino para convertirse en el mejor.

De 1945 a 1949 realiza sus grabaciones con la RCA, donde plasma su gran gusto por el Boogie-boogie y luego por el be-bop. En 1949 gracias a la gestión del empresario Norman Granz, propietario del sello Verve, Peterson comienza su gira con “El Jazz y la Filarmónica”, entre 1950 y 1952, arraigándose en el publico estadounidense, convirtiéndolo en uno de los sonidos e imágenes del Jazz más reconocidos en ese país en las décadas del cincuenta y sesenta, a la vez forma un trio que se considera la mejor formación por su acople y rítmica, esto de acuerdo a la crítica de la época y a la revista “DownBeat”, el trio PIANO-CONTRABAJO-GUITARRA (Peterson, Ray Brown contrabajista y el guitarrista Herb Ellis). Peterson enarbola la bandera de la lucha por la igualdad racial, por la virtuosa colaboración musical con otros artistas, por el trabajo profundo en la producción musical del Jazz, llamado el “bombardero marrón del boogie-boogie”, “el pianista de las cuatro manos”, “el marajá del teclado”, quien le abriría campo a los músicos de su generación formados en principio por los conocimientos de su hermana Daisy, nos referimos a Oliver Jones, Joe Sealy y Reg Wilson, quienes extenderían esta explosión musical del jazz canadiense nacido en el barrio de la “Pequeña Borgoña” como lo diríamos en español.
El gran aporte de Peterson al Jazz, fue su estilo relevante, rápido, ágil, preciso, el mismo que fascino al público de los Estados Unidos por dos años en una gira que sirvió para popularizar el género por todo ese país. Con reconocimientos musicales en su trayectoria como el premio Juno en Canadá o los ocho premios Grammy en Estados Unidos, destacaron su producción con más de doscientos álbumes grabados para otros artistas como Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Billie Holiday y Louis Armstrong.

Oscar Peterson revindica el valor de su cultura negra, del hijo del inmigrante, del estudioso musical, del hombre del barrio de la gran urbe, del líder de una generación que deseaba romper con un sistema de explotación laboral de su tiempo.
Esta era una gran influencia para una ciudad que amaba el Jazz, que se convirtió en un punto de visita de giras y eventos de músicos que desembocó posteriormente en la necesidad de reunir todas esas presentaciones en un solo evento anual, en mostrar al mundo el interés y la cultura existente por más de cincuenta años en dicha urbe. Fue así como en 1979 dos visionarios nacidos en Montreal, Alain Simard y André Ménard quienes en 1979 organizaron un primer festival de Jazz, pero no fue concretado por motivos económicos. Solo hasta 1980 fue realizada su primera edición con el deseo de crear una organización sin ánimo de lucro. Sin más preámbulos el festival de artes de mayor importancia de Canadá, uno de los eventos de Jazz de mayor relevancia en lo que a festivales se refiere, treinta y siete años continuos de conciertos gratuitos y pagos, fruto de la tradición circundante en teatros, bares y pequeños festivales regionales. Hoy por hoy el centro fundamental de la cultural del Jazz a nivel mundial en el verano del hemisferio norte.

4. Y hay que concluir.

• La Pequeña Borgoña, es el punto de encuentro anglófono de los pueblos negros del Caribe y venidos de los Estados Unidos luego del capítulo de esclavitud, que descubrieron un espacio económico para comenzar sus vidas.
• La liberalidad causada por la “No” prohibición de licor en la ciudad de Montreal en Quebec, Canadá, trajo consigo una población económicamente fuerte proveniente del norte de Estados Unidos, que seguía una oferta de sitios nocturnos con música en vivo, una oferta gastronómica elegante y a su vez permitió que los locales desarrollaran un negocio entorno a la cultura del Jazz, por medio de los músicos nacidos en esa ciudad tales como Oscar Peterson, Oliver Jones, Joe Sealy y Reg Wilson y las estrellas que llegaron a realizar sus presentaciones allí.

• El nacimiento y formación de una generación de músicos oriundos del barrio “La Petite Borgogne” permitió extender la tradición jazzística de los años cuarenta y cincuenta por todo Norteamérica, con giras y agrupaciones que integraron los músicos nacidos allí. La música permitió romper con el sistema de explotación laboral establecida en este tiempo, pues muchas familias se vincularon a los negocios relacionados con el espectáculo y la oferta gastronómica.
• El Festival Internacional de Jazz de Montreal, nace como respuesta a años de tradición en presentaciones y espectáculos en esa ciudad, como una oportunidad de trascender y establecer un punto obligado dentro de la cultura de Jazz mundial, centrando en unas fechas todo el valor que esa música representa para la cultura de esa ciudad y claro que si para un país entero.

Bibliografía y fuentes:
http://encyclopediecanadienne.ca/fr/article/oscar-peterson/
https://mesquartiers.wordpress.com/2015/05/10/la-petite-bourgogne/
http://archivesdemontreal.com/2014/12/18/les-quartiers-disparus-de-montreal-la-petite-bourgogne-1965-1967/
http://ville.montreal.qc.ca/portal/page?_pageid=7757,85323580&_dad=portal&_schema=PORTAL

Indestructible la nueva version o la velocidad con que se propaga un comentario.

2017-08-24T20:40:00.003-05:00

Una versión es una interpretación libre de acuerdo al criterio del autor, que versiona un tema o una obra original. “Indestructible” de Pablo Campos y Daniel Ibañez, reyes “youtubers” a quienes les hacemos un fabuloso favor con esta discusión, son el centro de atención de la comunidad salsera en las redes sociales.

¿Que si está bien hecho el tema? Si, si lo mira desde el punto de vista de la clave, de la rítmica, del arreglo, del sonido, con sus respectivos puntos de vista. A mí no me gusta, porque no supera la grandeza del original, pero la intolerancia es el primer paso del radicalismo y juzgar sin conocer nos acerca al fundamentalismo, tan en boga en esta era de la información.

Que hubiese dicho Miguel Cuní y Félix Chapotin con la versión de "Prende el fogón" que hiciese la Sonora Ponceña o Arsenio Rodríguez con el desparpajo que tuvo Larry Harlow en sus arreglos o que reacción tendría Jhon Lennon y Paul Mcarthney de las versiones de Celia Cruz y sus amigos en el tributo de la Fania a los Beatles o Sade sobre la versión en Jazz Latino de “Smooth operator” de Mongo Santamaría, o bien esas versiones de los clásicos salseros de cuanta orquesta europea que aparece por ahí y que algunos ensalzan de manera efusiva, usted escoge, todos los artistas tienen malos días también, infortunados arreglos o decisiones musicales inadecuadas, esta es una versión más y es un deber no tragarse todos los desaciertos musicales así vengan de su más grande artista preferido, eso se llama honestidad.

Los invito a visitar la página oficial de la Fania, donde encontraran otra cantidad de temas versionados para que confronte lo que está haciendo este sello musical. Si no lo ha percibido la Fania desapareció hace unos años, como desapareció el estilo salsero que los caracterizó, ¿Por qué? Por qué la música evoluciona, los tiempos cambiaron, ya no se graba en cinta magnetofónica que fue el gran secreto del sonido de la Salsa, ya no se graba la orquesta en vivo en una, dos o tres tomas, ahora se hace por segmentos y por qué todo pasa por un programa de ordenador o computador que le modifica la voz al cantante, hace brillar las trompetas y crea repeticiones o “Loops” con la percusión y si no lo ha notado ya casi no se vende música real, es decir, LP, vinilo o disco compacto.

Fania tiene que sobrevivir, por eso encuentra una división de esa empresa encargada de promocionar solo DJ´S, Armada Fania se llama y presenta a otros músicos de nuevos géneros, porque la inteligencia está en adaptarse a los cambios y no solo es una frase fría de “coaching”.

Nada superara aun el original de indestructible, aun el mismo Ray Barreto lo versiono en su “50” aniversario, grabándola en vivo, en fin, cuenten ustedes las versiones. La Salsa tiene que sobrevivir pensando en alimentarse de nuevas corrientes, son muchas las que se acercan, la alimentan y otras la desgastan, esta es una más, sino esa situación la llevara a desaparecer lentamente.
Usted amigo lector fue afortunado por conocer esos genios creativos que formaron la estructura clásica de la Salsa y que hoy le permiten comparar, por fortuna con la música que se hace en el siglo veintiuno.

Si no les gusta no la oiga y comparta su incomodidad, con argumentos eso sí, así como
lo hice con los álbumes de Cigala en Salsa y Marc Anthony y aquí sigo con sangre nueva indestructible.

Y les dejo el video para los que no lo han visto: https://youtu.be/YifGe-wRgv4

Roberto Roena: Herencia del Brasil y creacion de un estilo propio.

2017-06-15T11:55:00.000-05:00

Por Hollman Leal Gomez

Un concierto de Bossanova New Brazilian Jazz, en el Carnigie Hall en Nueva York en el año de 1962, donde Luis Bonfà, Antonio Carlos Jobim, Sergio Mendes, Joao Gilberto, se dieron cita para presentar un nuevo sonido, el sonido de la Bossa-nova. Dentro del público que apreciaba el espectáculo se encontraba una numerosa colonia de puertorriqueños afincados en la gran ciudad, en la gran Manzana, dentro de estos se encontraban dos Titos directores de orquesta, Tito Puente y Tito Rodriguez, ambos sin dudarlo se embarcaron en trabajos posteriores, dando respuesta a lo que en su momento fue una moda. Los álbumes “Bossa Nova” de Tito Puente y su orquesta del año 1962, con vibráfono. Y Tito Rodríguez, con su álbum “Let`s do Bossanova”. Por qué tomamos este suceso? Porque es importante para la formación de nuestro invitado el día de hoy, a demás estos dos músicos estaban definiendo el sonido posterior de la Salsa, Roena por su parte hacia parte en los años sesenta de la Orquesta de Rafael Cortijo a quien considero su maestro en percusión y dirección. Posteriormente alcanzaría su madurez con el Gran Combo de Puerto Rico y en su ensamble de Jazz Latino los Megatones.

Pero tardaríamos 13 años para encontrarnos con Willie Colon y su álbum el “Bueno, el Malo y el Feo”, puerta de entrada para el sonido de la Samba con la inclusión de pequeños cortes melódicos dentro de cada tema, incluyendo el agogo que es el cencerro doble y la Cuica, un pequeño tambor con una especie de baqueta en el centro que produce un ligero chillido característico de la Samba, posteriormente Louis Ramírez, Bobby Valentín, la Sonora Ponceña y claro el mismo Roberto Roena seguirían su ejemplo.
En 1976 Roberto Roena utilizó el agogo o doble cencerro y la cuica en el tema “Mi desengaño” del álbum “Lucky 7”, con el ánimo de enfocar un equilibrio, un ambiente de complacencia. La canción, inicia con una guitarra acústica luego la precede un estribillo de trombones, trompetas y saxofón con una flauta de fondo. El tema es autoría del trombonista Julio “Gunda” Merced y Julio Souffront. Hay una descarga presidida por un ritmo de samba suavizado que establece una línea melódica de ensoñación, la cuica y el agogo, le imprimen a esta pieza un tono de placidez, sentimiento y sensualidad, cercana a la famosa nostalgia brasilera en esa Saudade, convirtiéndolo en un clásico infaltable de Roena.

Roena vanguardista y heterodoxo ya había integrado elementos del Funk, R&B, Jazz en álbumes anteriores, Roena tomó y convirtió en elementos primarios para sus arreglos la musicalidad brasilera, “La octava Maravilla” de 1977 y el “Progreso” de 1978 con los conocidos temas “Lamento de Concepción” y “Guaguancó del Adiós” ya con la autoría de otro entusiasta en música brasilera el puertorriqueño Catalino Curet Alonso, definió su estilo, con pausas en sus canciones, que incluían la música brasilera, la rumba cubana, la bomba y la plena puertorriqueña, con lucimiento de sus percusionistas o de el mismo en los bongos, tocándolos a su manera, con baquetas que le dan una tonalidad diferente, aunque los más puristas del bongo consideren esto como indebido, pero valido a la hora de la identidad musical de su interprete.

Concluyendo este corto homenaje a Roberto Roena, bailarín, director de orquesta, percusionista, un músico que definió su propio estilo, que influyo en las generaciones posteriores que vieron en él un reformador, un visionario de lo que debería ser la Salsa, un formador de cantantes ya que pasaron por su agrupación voces como:
• Piro Mantilla
• Camilo Azuquita
• Dino Guy
• Sammy Gonzalez
• Mario Cora
• Frankie Calderon
• Luisito Carrion
• Adalberto Santiago
• Hector Tempo Alomar
• Carlos Santos
• Papo Sanchez
• Tito Cruz
• Cheo Quiñonez
• Junior Reynoso
Roena aporta elementos que universalizaron la Salsa, su formación de trombones, Trompetas, saxofón y Flauta, con los elementos de la música brasilera, la rumba cubana, la bomba puertorriqueña, la versatilidad, la calidad sonora. Roena no sabía leer música, pero este hecho no lo limito y gracias a su liderazgo y personalidad supo rodearse siempre de los mejores músicos, para sus grabaciones y sus presentaciones en vivo. Desde su primeras apariciones con Cortijo y el Gran Combo de Puerto Rico, pasando por la Fania All Stars, Roena destacaba con su trajes, con su cabello pintado o con situaciones donde se desvestía en la euforia de tocar el bongo o bailar en el escenario.
Roberto Roena, guía salsero, músico infaltable en nuestra discografía, nos invita a redescubrirlo a través de sus 20 álbumes y 4 recopilaciones. Que viva la Salsa.

Leonard Cohen, encuentro musical, cita geográfica con el poeta.

2017-05-29T01:29:00.000-05:00

Por: Hollman Leal Gómez

Una importante cadena de alquiler de películas desapareció por el peso tecnológico del cambio, pero en esos días yo ordenaba videos en formato de VHS que aun en 1997 eran valiosas piezas de venta y colección de esta manera encontré una película que rebosaba de lugares comunes en el cine estadounidense, una cafetería, un “pie” (torta) de limón, un hombre y una mujer violentos, una mesera que se molestaba por que no recordaban su nombre y como música en el fondo, un tocadiscos de 45 rpm que se activa con la caída de una moneda, una canción con la cadencia de los años ochenta, con la voz de quien declama un poema, “Baby, I've been waiting, I've been waiting night and day”, esa voz gutural y de un tono muy bajo con buena dicción pero profunda entonación, da inicio al primer encontronazo.
La canción hace parte de la banda sonora de la película de 1994 “Natural born Killers”, conocida en el mercado de América Latina como “Asesinos por Naturaleza”, película está dirigida por Oliver Stone, protagonizada por una pareja Mickey (Woody Harrelson) y Mallory (Juliette Lewis), una pareja de asesinos sicópatas alimentados por los medios de comunicación en un periplo de crímenes y violencia en una enferma colectividad estadounidense. El tema que comente se llama “Waiting for a miracle” de Leonard Cohen y hace parte de la banda sonora donde aparece otro tema de él, “The Future”, como sucedió en ese momento, sin prejuicios, ni tapones en los oídos, la música llega y genera la pregunta instantánea de ¿Quién es el músico?, pero tardarían veintitrés años en aparecer la respuesta y recordármelo la geografía de una ciudad canadiense, Montreal.

Hace frio hoy aunque ya llego la primavera, esa es la constante en la Montreal del año 2017, Leonard Cohen estaba en el aire y es singular encontrarse con la efigie de un compositor fallecido, con un icono que acaba de partir y ante el cual empiezan a aparecer historias y mitos confrontados, como si comía en un sitio de jamón ahumado o que Cohen prefería los “baggels” (rosquillas sin dulce) de un restaurante que tiene un pequeño altar en su honor, fue así como esta situación despierta mi claro interés y se convierte en una ruta del acercamiento musical fundamental para nuestros intereses. Volver sobre sus huellas, como descubriendo sus aun presentes esencias, de las personas que moldearon el músico, el escritor y cercano filósofo, nos lleva a la ciudad de Montreal, en la provincia de Quebec, en Canadá, a una ciudad conformada por distintas pequeñas poblaciones, por un cumulo de culturas anglófonas y francófonas y otra tanto de todas las nacionalidades existentes, una multitud de personas que a pesar de sus obvias diferencias conviven sin el menor inconveniente, en la ciudad de las calles sin fin, moviéndose en el bilingüismo y en la variedad de tradiciones musicales e históricas y que con cierto tono político y un sabor a frase trillada en la afirmación, constituye su principal riqueza cultural.

El recorrido en Montreal nos lleva a Westmount, una pequeña población que hace parte del conglomerado de la ciudad, de esas pequeñas villas como se les llaman, que se anexaron por decreto a la gran ciudad para luego volverse a separar parcialmente. El metro me conduce a la estación llamada “Villa-María” que a propósito su nombre fue una herencia de la colonia portuguesa y nos deja a dos calles de este enclave, una de ellas rodea un empinado ascenso de un kilómetro aproximadamente donde se encuentra el Marymount College y nos da la bienvenida a una de las zonas anglófonas de mayor riqueza en todo Canadá, dos grandes torres de edificios “Le Montebello” y el “Westmount One”, más adelante una iglesia metodista Coreana y un aviso en un poste que nos muestra que estamos en el lugar adecuado. Ya sobre la parte más alta de la calle continuamos el recorrido hasta la “Rue Belmont” y la casa donde creció Cohen y que fue propiedad de su madre, la casa materna con el número 599, donde él pasó su infancia y donde estableció sus primeras lecciones musicales para siempre, las que según su discurso al recibir el premio Príncipe de Asturias 2011, fueron fundamentales para poder interpretar un instrumento, esos 6 acordes que según el repitió durante toda su vida y que recibió de parte de un joven guitarrista español. (Les invito a ver en Youtube el discurso completo escuchar la historia del encuentro de Cohen con la guitarra flamenca y su experiencia de adolescente. https://youtu.be/JUKu2-QEspQ)

Marcas del tiempo en una vivienda de estilo victoriano, con esa mezcla de ladrillo y madera pintada de blanco, entre simpleza y elegancia, en una zona cercana al parque “King George”, que los vecinos prefieren llamar parque “Murray”, esa casa que transformó su segundo piso en una intimo estudio de grabación y que como afirmaron los propietarios actuales del inmueble, probablemente fue el sitio donde se inspiró el conocido tema “Hallelujah”, el tema de Cohen con más versiones grabadas. En una entrevista al periódico New York Post, Cohen afirmó: “Yo me siento en casa cuando yo estoy en Montreal, de una manera que yo no siento en cualquier otro lugar. Yo no sé qué es esto pero los sentimientos se tornan más fuertes cuando me hago más viejo”. El vecindario esta en estos momentos en remodelación, los obreros aun vestidos con abrigos para el invierno traen y llevan materiales en esta calle que desciende.

Leonard Cohen vivió en distintos lugares del mundo, con su amor y musa noruega Marianne Ihlen, en esa isla llamada Hydra en Grecia por siete años, pero también en su casa de Montreal comprada en el año 1970, ya con los ingresos de la poesía y la música, la casa número 28 de la “Rue Vallieres” en frente del parque Portugal, un pequeño espacio con bancas y un quiosco, desde donde se ve la casa doble de Cohen. Recorrí, varias veces este lugar rodee el parque cubierto de nieve, mire las esquinas, las calles que tienen una despejada casualidad, “Rue Marie-Anne”, como la inspiradora de Cohen, lo que aprovecho algún seguidor para colocar sobre el nombre de la calle “So long” y que luego de la muerte del bate, escribieran su nombre bajo el aviso. Como afirmó Cohen en una de su libro de poemas de 1961 “The Spice-Box of the Earth”: “Tengo que regresar continuamente a Montreal para renovar mis afiliaciones neuróticas”. Nos acercamos a la puerta de la casa, tomo las fotografías a la entrada y toco a la puerta imaginando que “Monsieur” Cohen me sorprenda abriéndola.

Su poesía y su música era una extensión de la expresión de su ciudad de su contacto, desde la postura de quien vive los distintos lugares, más allá de quien observa, de quien solo describe una percepción, esto se convierte claramente en un sentimiento. Su clásico tema llamado “Suzanne”, que se desarrolla en un espacio de la ciudad que por modernismo ya no existe, como aparece en la canción, llévame: “A un escondite al lado del río, donde podías oír las barcazas y pasarte toda la noche a su lado” ,me refiero al “Vieux Port”, el Viejo Puerto, un lugar que fue nostálgico, invadido de hipismo y con elemento de descuido arquitectónico y decadencia de los años sesenta, hoy ajeno a esa época, es una zona de efervescente turismo, pero sin dejar a un lado la emblemática iglesia que los marineros visitaban antes de zarpar a sus osadas aventuras geográficas y comerciales, esa la de “Notre-Dame-de-Bonsecours”, la que aparece en su canción “Suzanne” y donde hoy se conservan aun las réplicas en miniatura de los barcos, que se ofrecen en pago por los favores recibidos a la virgen, esa prosa que recibió también él.

Cohen visitaba las librerías de este sector, del Viejo Puerto de Montreal, cuando fue asaltado en una de ellas, fue iluminado, por Federico García Lorca y su poemario “Diván del Tamarit”:
“Poema: Gacela del amor desesperado”
La noche no quiere venir
Para que tú no vengas a mí,
Ni yo pueda ir.

Fue esta la epifanía, la luz al final del túnel, fue el momento donde el adolescente Cohen encontró el designio de ser poeta. Ya todo estaba dicho, aprendió a tocar guitarra andaluza por un español que se encontró en el parque enfrente de la casa de su infancia y encontró su oficio en las páginas de otro español, en las librerías de su natal ciudad. Cohen viajaba continuamente, por sus concierto y por placer, tenía una casa en la ciudad de los Ángeles, en California, Estados Unidos, pero vivía en la ciudad que lo nutria de inspiración constante, Montreal.
Hoy sus restos descansan en el cementerio judío de la Congregación Shoar Hashomayin, en el barrio que lo vio nacer en el año de 1934, en Westmount, de la misma sinagoga que presto su coro para el tema “You want it darker” en su último álbum, como lo manifestó en una de sus entrevistas hablando de su ciudad natal: “Mi hogar y mi cuartel para la segunda mitad de mi vida”. Para mí, es un gusto volverlo a ver “Mister” Cohen.
Canciones incluidas:
 Wainting for a miracle
 The Future
 So long Marianne
 Suzanne
 You want it darker
 Dance me to the end of love
 I`m your man

2017.

"Jelly Roll" Morton,padre del Jazz. Y el trasegar del viajero de la música.

2016-06-25T14:54:00.001-05:00

Por: Hollman Leal Gomez

Estaba de paso por la capital de los Estados Unidos, su diligente camino se frena por el descubrimiento que hace de él, un renombrado investigador y musicólogo estadounidense llamado Alan Lomax. Tras varios intentos malogrados Lomax, convence a este músico que permanezca en la biblioteca del Congreso. Allí en este espacio solemne se logra la apertura a una maratón de cinco semanas donde se crean los monólogos, elucidaciones, interpretaciones al piano, narraciones apócrifas, quizás ahí se comenzó a entender la importancia definitiva de Ferdinand-Joseph LaMenthe o LaMothe como aparece en algunos escritos, distinguido en el orbe del Jazz, como “Jelly Roll” Morton, Morton por el apellido de un portero de un hotel y “Jelly Roll”, o rollo de gelatina, por un famoso y exquisito postre de su época, vale acotar que fue en 1902 cuando tomo este nombre. La falta de exactitud nos acerca al año de 1885 en la población de Gulfport, Florida, EU. Allí nació, aunque algunos biógrafos aseguran que fue en el año de 1881. Su padre un inmigrante francés los abandono a él y su familia, cuando aún era un niño. Se desarrolla en él a corta edad, una gran habilidad musical, una vertiginosa manera de aprender la teoría musical, comienza con la guitarra, luego el bombardino y a los siete años ya está organizando su primera agrupación. Más tarde luego de cierta resistencia al piano, por considerarlo un instrumento afeminado para su gusto, se rinde a su habilidad para este instrumento.

Fue el piano el que le permitió ingresar a Storyville, como llamaban al barrio de burdeles que albergaba Nueva Orleans, este espacio le permitió conseguir dinero pero también experiencia y carácter. Pero estos barrios se cerrarían por orden gubernamental y Jelly Roll se convertiría en un músico errabundo por San Luis, Los Ángeles, Nueva York, Houston y claro Chicago en donde se establecería en el año de 1923, allí tendría la reconocida “Red Hot Peppers” o “Los Pimientos Picantes Rojos” y el sello RCA lo convertiría en su superestrella de la época, permitiéndole grabar ciento setenta y cinco caras de discos de 78 revoluciones por minuto y cincuenta solos de piano. Con Jelly Roll, se hace una definida transición del Ragtime y de la estridencia del piano, lo depura, inicia la polifonía de la interpretación del piano, comienza a definir el estudio individual del instrumento y la versatilidad de sus arreglos para su agrupación, son los fundamentos de lo que más adelante evolucionará con Duke Ellington. Por fortuna para la música se detuvo en su trasegar cinco semanas a contar lo que pasaba en esos tiempos. Esta historia continuara.....

Prince. El Genio de Minneapolis.

2016-04-25T13:23:00.001-05:00

Por: Hollman Leal Gomez.

Démosle prisa a los datos biográficos minuciosos y apasionados. Prince Roger Nelson, nace en Minneapolis, estado de Minnesota, en Estados Unidos el 7 de junio de 1958, en el hospital Monte Sinaí. Hijo de John Louis Nelson, músico aficionado de jazz que sin embargo tenía un grupo llamado Prince Rogers Trio, es esta la raíz de porqué decidió darle a su hijo este nombre, en sus presentaciones musicales fue donde conoció a Mattie Shaw, madre de Prince y de una hija más. De su muerte decimos que fue en la ciudad de Chanhassen, estado de Minnesota, EU, el 21 de abril de 2016, en su última residencia ubicada en un sector campestre conocido como Paisley Park, a los 57 años con causas que aún se omiten.
Siendo niño a la edad de siete años sus padres se separan, su padre se fue a casa de un familiar pero no llevo consigo su piano, el cual se convirtió en su nuevo juguete, de este manera el niño mostró habilidades al tocar melodías a oído, como la de las series de televisión de su época, por ejemplo Batman. Luego siguió con la guitarra que le regalo su padre a los 13 años.

Su gran amigo de la secundaria André Cymone fue su principal asociado a la hora de formar agrupaciones como, “Champagne” y “Grand Central”, esta época fue espléndida a la hora de las presentaciones. Pero Prince no era cantante pues según lo mencionó en alguna entrevista: “pensaba que mi voz no era muy buena”.

Cumpliría 17 años y en ese momento de su vida conoce a Pepe Willie, esposo de una prima suya, con quien grabo sus primeras composiciones, pero no fue el quien canto, fue Pepe Willie quien lo hizo. Es en ese estudio que conoce al ingeniero llamado Chris Moon, quien lo convenció que presentara esas maquetas a alguna compañía, ante este escenario Prince elige a Warner Brothers, la cual le ofreció su primer contrato y libertad artística y creativa.

De esa época se reconoce una banda estable formada por los músicos: Dez Dickerson (Guitarra), André Cymone (Bajo), Gayle Chapman (Teclados) y en los teclados Matt Fink, conocido en su mundillo como Dr. Fink, fácil de reconocer por utilizar una indumentaria de médico en sala de urgencias.

• Las Grabaciones.
La primera grabación es una maqueta llamada “Just another Sucker” en 1977, destacamos temas como “If you see me”, “Games” y el sonido bailable que se creaba en su mente con “Dance to the music of the world”, pero solo un año más tarde en 1978 graba su primer larga duración llamado “For you”, donde de nuevo manifiesta su liderazgo al componer todas las canciones y tocar todos los instrumentos, ante este trabajo siempre manifestó que fueron treinta y cinco los que interpreto en toda la grabación, este álbum vendió 300.000 copias.
Un año después en 1979 aparece un nuevo álbum llamado “I wanna be your lover”, con el tema homónimo alcanzo puestos importantes en los listados del mercado musical de EU. De este álbum cabe destacar que “I feel for you”, se convertiría en un súper éxito en el año de 1984, en la versión de Chaka Khan y destacamos el tema “Bambi”, que también llego a listas.
El resultado esperado se dio para que comenzara su gira de conciertos en solitario en algunas oportunidades y de telonero en otras con el artista Rick James.

Es aquí en este momento donde aparece un músico preocupado por su apariencia física, que busca encontrar una figura llamativa y particular, controlador de todas las situaciones de grabación, producción, mezcla y de todas sus presentaciones.
“Dirty Mind”, ese el nombre del álbum del año 1980, un larga duración de escasos 32 minutos, que maneja una imagen insinuante e incitadora, crudo o rustico a la vez, con fotografías en ropa interior, ligueros femeninos, con tonos de andrógino, ambiguo y sus letras, son explicitas en la sexualidad, censuradas públicamente como “Head” y “Sister”, este álbum no tuvo un éxito excepcional, pero si marcaba el inicio de una figura pública, con un estilo propio. Un año después en 1981, llega otro álbum “Controversy”, un álbum enfocado a nuevas temáticas de tipo social, no es lo sexual lo que se expone, ahora son las letras crudas de denuncia a los espíritus de la época, como la Guerra Fría en “Ronnie Talk to Russia” o “Annie Christian”. El brío de la época, su cambio de estilo y la compostura musical en ocasiones, va debatiendo la permanencia de sus músicos, de aquellos con quien comenzó, Gayle Chapman, la tecladista decide partir, esta situación le permite a otra mujer Lisa Coleman, joven y virtuosa instrumentista de amplia formación, aportar una dinámica mayor a la carrera rutilante que se estaba formando. Este periodo musical es de una despejada manufactura, esto le permite no solo componer sus temas, sino encargarse de la producción de otras agrupaciones, como fue el caso de la formación musical de su amigo de adolescencia, antiguo baterista de su primera agrupación “Champagne”, Morris Day e integrante del semillero de productores y músicos, nos referimos a la agrupación “The Time”, destacamos a Paul “St. Paul” Peterson, Jimmy Jam, y Terry Lewis, componentes del grupo.

La producción musical no tenía limite y de nuevo un año después aparece en 1982, un álbum con nombre numérico “1999”, con este álbum emergen nuevos elementos en su carrera, el primero de ellos es que un sencillo llamado “Little Red Corvette” y dedicado al público blanco que seguía su carrera se convertiría al pasar de los años en un clásico del Rock, otro elemento es el pleito que se generó por el aparente plagio por parte de Phil Collins en su tema “Sussudio”. Otro integrante decide despedirse de la formación grupal, es ahora otro de sus grandes amigos de adolescencia, el bajista André Cymone, quien chocaba ya con la personalidad de superestrella que Prince empezaba a esbozar, sobre todo al momento de componer y controlar absolutamente todo lo que sucedía en la vida de la agrupación. André parte a realizar sus proyectos individuales y a producir a otras agrupaciones, esta situación permite que entre Mark Brown, conocido como “Brownmark, ahora es el momento para se cambie el nombre de la agrupación y la denomine “The Revolution”.

En el transcurso de los conciertos que cada vez eran mayores, en la gira de promoción del álbum “1999”, Prince comienza a registrar sus ideas para hacer una película, en una libreta de color purpura, que lleva a todas partes, en este momento sus representante, Fargnoli, Cavallo y Ruffalo, emprenden la cruzada de convencer a la compañía de hacer una película con los argumentos de Prince. Poco tiempo después y nos referimos al verano y el otoño del año 1983, se filmaría la película entre las ciudades de Minneapolis y Los Ángeles. Durante la rodaje de la película se presenta un concierto que marca de nuevo cambios importantes en su carrera, el primero la partida del guitarrista Dez Dickerson, que sería inmediatamente sustituido por otra mujer nos referimos a Wendy Melvoin, amiga de la otra integrante femenina del grupo nos referimos a Lisa Coleman, esta llave sería fundamental en el proceso creativo y de la estructura musical presente en “The Revolution”, adicionalmente se realizó el 8 de agosto de 1983 un concierto con fines benéficos en su pueblo natal en el teatro “1st Avenue”, este concierto se grabó y masterizó para hacerlo parte de la banda sonora de la película.

En 1984 se inicia su gira por los Estados Unidos, preparando la proyección de la película y emprendiendo la temporada de conciertos en Detroit en el mes de noviembre de ese año y terminando en Miami en abril de 1985, la película sin ser una gran producción, ni mucho menos una compleja disertación, se convirtió pronto en un éxito de taquilla. Y claro fue el momento para empezar a recibir premios por esta producción fue así como obtuvo el premio Oscar a mejor canción de banda sonora y tres premios Grammy al álbum “Purple Rain”.

Y de nuevo al estudio de grabación, en 1985 aparece “Around the World in a Day”, un viraje de estilo con respecto a su anterior producción musical, un reto para sus seguidores ante la creatividad y la necesidad de no de repetirse en su obra. En este trabajo se encuentran los sonidos experimentales, plagados de asonancias orientales, sicodelia, letras existencialistas. Un álbum de gran detalle, en su grabación y realización, que incluyo los temas “Raspberry Beret”, “Tamborine”, “America”, “Pop Life”.

De manera paralela comenzaron a llegar los beneficios financieros de su producción “Purple Rain”, situación está que le permitiría comenzar a construir otro de sus proyectos personales, Paisley Park, en Chanhassen, cercano a Minneapolis. Allí decide construir un complejo de varios estudios de grabación y un gran escenario para el rodaje de películas, pero que en realidad fue utilizado realmente para la celebración de conciertos.

En 1986, realiza una nueva película llamada “Under the Cherry Moon”, filmada en su totalidad en la Costa Azul francesa dirigida por Prince, pero que tuvo un resultado halagador debido a su baja calidad escénica, con una banda sonora totalmente experimental, pero del que se obtuvo un grandioso éxito comercial, “Kiss”, que lo llevaron a realizar giras extensas en Japón y Europa, este momento fue aprovechado también para realizar una especie, de mini concierto después del concierto, en la madrugada para un público en una sala más pequeña.
En 1987 se presenta el álbum “Sign “O” the Times”, una completa recopilación de los trabajos no finalizados en 1986, tales como: “Dream Factory”, “Camille” y “Crystal Ball”, lo que permite involucrar una serie de estilos y tendencias representadas en ochenta minutos que van desde el funk, pop y rock e incluyendo el góspel. Su resultado fue una aceptación total por parte de la crítica musical. Temas como “Sign “O” the Times”, “Hot thing”, “I could never take the place of your man”, “if I was your girlfriend, le permitió hacer una extensa gira por el viejo continente.
Para finalizar los años ochenta realizó el trabajo “Lovesexy” en 1998 y la banda sonora de la película “Batman” en 1989, con un gran éxito comercial y donde participo con Sheena Easton en la composición del tema “The Arms of Orion”, en este año también realiza una colaboración con el álbum “Like a Prayer” de Madonna, además graba a dúo con ella la canción “Love Song” y participó como músico, sin recibir crédito voluntariamente a su nombre en la canción que le da título al álbum de Madonna. A este álbum agrego algunos acordes de guitarra de su “Black Album” que no había podido publicar por diferencias jurídicas con su disquera.

En 1990 aparecen dos trabajos el primero “Graffiti Bridge” y posteriormente una película escrita y dirigida por el mismo llamada “Diamonds and Pearls”, con su respectiva banda sonora, trabajos aceptables dentro de su carrera musical.
Su trasegar continúa, quienes lo conocían personalmente sabían que dormía tres o cuatro horas al día, por eso su actividad productiva era muy grande y así en 1992 aparece “Symbol”, seguido de “The Hits/ The B-Sides” en 1993, este álbum incluía temas que no salieron a la luz en trabajos anteriores. Continua la lista con “Come” en 1994, “The Gold Experience” (1995), “Chaos and Disorder” (1996), “Emancipation” (1996) y “The Rainbow Children” en el 2001.
Cambio su estilo de hacer música y se adaptó al cambio que brindaba el mercado, centrándose en lo alternativo, comercializándolo a través de su página web, pero en el año 2004, retoma su camino y presenta “Musicology”, el cual de nuevo alcanzo el número 3 de la lista de ventas en Estados Unidos y de igual manera en Inglaterra. Y para el año 2006, presento el trabajo “3121” que alcanzo el primer puesto en Billboard y por ultimo su trabajo “Planet Earth” en 2007.
Situaciones de tipo jurídico que habíamos nombrado anteriormente le evitaron usar su nombre, solo hasta el año 2000, pudo volver a utilizarlo, por eso existen muchas composiciones y participaciones con el nombre de: “Jamie Starr”, “Alexander Nevermind”, “Tora Tora”, “Joey Coco”, “Christopher”, “Symbol”, “Camille”, “Sinbad the Conqueror”, “The Purple One”, “Cristopher Tracy”, “His Royal Badness”, “Purple Yoda”, “The Prince of Minneapolis”, “Skyper”, “The Artist” y “TAFKAP” (The Artist Formely Known As Prince), el símbolo que le conocemos aparece en el año 1992 y es la mezcla de los símbolos masculino y femenino.
Sus dos agrupaciones más importantes fueron: durante los años ochenta “The Revolution” y ya en la década de los noventa aparece “New Power Generation”.
Sus reconocimientos fueron muchos, entre estos los dos salones de la fama tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido en el año 2004, el Globo de Oro por la canción “The Song of the Heart” para la película “Happy Feet”.
En el 2007 realizo una nueva forma de publicitar su música y fue a través de un diario dominical de gran circulación en Inglaterra de igual manera a todos los asistentes a su espectáculo “Planet Earth” en Londres durante mes y medio, con dos presentaciones en la noche, una para el público en general y otra más privada en la madrugada. Esto en el llamado Millenium Dome y la pequeña llamada INDIGO 2.
En el 2008 llega su Grammy como mejor solista de R&B por el tema “Future Baby Mama”
Se mantuvo activo y presente, apareciendo de manera continua en un club privado en Los Ángeles y presentándose en los programas de televisión de Jean Leno, en su espectáculo de cierre de este programa de entrevistas.

Su última gira la elaboro pensando en un público más personal utilizando el piano su gira se denominó “Piano & a Microphone Tour”, lo llevo a diferentes salas de Norteamérica, cancelo varios espectáculos, aduciendo problemas respiratorios y de gripe.
De lo demás los medios masivos han hecho eco de sus situaciones de sobredosis de calmantes por sus fuertes dolores de cadera que lo obligaron a utilizar una prescripción de un medicamento “Percocert”, un analgésico que contiene opiáceos y que puede crear adicción. Como ocurre en estos casos de la muerte de superestrellas del mundo del espectáculo, las especulaciones son muchas. Su cuerpo fue encontrado el 21 de abril de 2016 en su casa de Paisley Park, en Minnesota.
Su aporte a la música, su talento excepcional, su creatividad y deseo de innovación, su aporte a la prolongación de la música funk, con clara herencia de Jimmy Hendrix, James Brown, George Clinton and Funky Parliament, Sly and the Stone Family y muchas agrupaciones más. Sus fuentes basadas en Funk, Jazz, R&B, Góspel, músicas negras de Estados Unidos. Un guitarrista admirado por los grandes guitarristas, considerado uno de los grandes músicos del Rock, rodeado de músicos talentosos, brindo siempre dinámica y crecimiento a una industria de la música que por temas legales trato de marginarlo, se mantuvo firme ante esta situación y pudo liberar su nombre y sus trabajos musicales, hasta último momento estuvo activo, presente y creativo. Adiós a otro grande del Rock que parte.
• Discografía

 For You (1978)
 Prince (1979)
 Dirty Mind (1980)
 Controversy (1981)
 1999 (1982)
 Purple Rain (1984)
 Around the World in a Day (1985)
 Parade (1986)
 Sign o' the Times (1987)
 Lovesexy (1988)
 Batman (1989)
 Graffiti Bridge (1990)
 Diamonds and Pearls (1991)
 Love Symbol Album (1992)
 1-800 New Funk (1994)
 Come (1994)
 The Black Album (1994)
 The Gold Experience (1995)
 Girl 6 (1996)
 Chaos and Disorder (1996)
 Emancipation (1996)
 Crystal Ball / The Truth (1998)
 Newpower Soul (1998)
 The Vault: Old Friends 4 Sale (1999)
 Rave Un2 the Joy Fantastic (1999)
 Rave In2 the Joy Fantastic (2001)
 The Rainbow Children (2001)
 One Nite Alone... (2002)
 One Nite Alone... Live! (2002)
 Xpectation (2003)
 C-Note (2003)
 N.E.W.S (2003)
 The Cocolate Invasion (2004)
 The Slaughterhouse (2004)
 Musicology (2004)
 3121 (2006)
 Planet Earth (2007)
 Indigo Nights (2008)
 Lotusflow3r / MPLSound (2009)
 20Ten (2010)
 Plectrumelectrum (2014)
 Art Official Age (2014)
 HITnRUN Phase One (2015)
 HITnRUN Phase Two (2015)
 Prince con Maceo Parker, Londres 2007.


Canciones donde participo como compositor y que fueron éxitos con otros artistas:
 Tevin Campbell, “Round and Round”
 Morris Day and the Time, “Jungle Love”
 Sheila E., “The Glamorous Life”
 Alicia Keys, “How Come You Don’t Call Me”
 Sheena Easton, “Sugar Walls” (bajo el seudónimo de Alexander Nevermind)
 Stevie Nicks, “Stand Tall” (co-escrita por Prince)
 Chaka Khan, “I Feel For You”
 Martika, “Love Thy Will Be Done”
 The Bangles, “Manic Monday” (bajo el seudónimo de Christopher)
 Sinead O’Connor, “Nothing Compares 2 U”

Bibliografía
 History of Rock and Roll, Thomas Larsen, página 243. Books.google.com.
 Henderson, Alex. "El sonido de Minneapolis". http://www.allmusic.com/artist/p5182.
 "Rock music." Encyclopædia Britannica. 2008. Encyclopædia Britannica Online. Prince en la historia de la "música rock".Encyclopædia Britannica 2008.
 Bronson, Fred (1998). The Billboard Book of Number One Hits. Nueva York: Billboard Books. p. 624. ISBN 0-8230-7641-5.

De vuelta a la raíz de la grabación musical. De visita en MixArt Studios Montreal.

2016-03-19T12:52:00.000-05:00

Por: Hollman Leal Gómez.

Decir que los tiempos cambian no sería agregar nada nuevo a los discursos expresados. Pero en la producción musical, en la grabación de la música es hablar de que las “cosas” se dejaron de hacer como antes.

Adentrarse en el corazón de un estudio como MixArt, en el número 2121 de la calle Hingston, en Montreal, provincia de Quebec, Canadá, en una construcción de dos pisos y un laberinto de grandes y pequeños estudios, es un obsequio al concepto del registro sonoro. Allí se puede confrontar el valor del tiempo, de la música hecha con efectos físicos, más que virtuales o electrónicos como se volvió costumbre en la era del computador.

El primer es piso nos presenta una sencilla recepción con una que otra muestra de equipos, una grabadora de audio con carretes de cinta que ya solo sirve de adorno, un espacio que parece más un restaurante con mesas y sillas empotradas a la pared, nada extraordinario. A pocos metros de allí luego de un pequeño corredor se ingresa al primer estudio una especie de lugar creado para que el piano sea el centro de atención, pues allí un piano vertical Yamaha, está rodeado de todos los micrófonos, evitando que cualquier nota se escape sin ser grabada. Una lámpara, un vibráfono, guitarras horizontales hawaianas, se encuentran en las cuatro esquinas de este irregular cuarto, pues las normas de la acústica obligan que las paredes estén ubicadas de manera que no permitan la reflexión del sonido.

La segunda sala es un estudio totalmente acolchado, con un piso muy suave, que se utiliza para la voz y muy especialmente para las baterías y la percusión. Contra la pared de este cuarto se encuentra un artefacto que semeja un gran colchón de una cama doble, pero totalmente en madera, que contiene una pesada placa metálica, en uno de sus extremos tiene dos conexiones, una de entrada de sonido y otra de salida de sonido, además cuenta con una perilla que se gira e indica los números 1,2,3,4, y representa segundos, esta es la llamada cámara de reverberación utilizada en los años cuarenta en los estudios para darle más profundidad y eco a una grabación, un artilugio de la masterización clásica.
El tercer estudio del primer piso es una gran sala con muchas alfombras en el piso y en las paredes, guitarras, guitarras y muchas guitarras de todo tipo, de blues, de rock, acústicas, eléctricas, hawaianas, junto a teclados analógicos, digitales, clásicos de los años sesentas y setentas, con grandes sofás, como invitando al descanso y a la relajación presentes tal vez porque el espíritu de tranquilidad y el ambiente acogedor es fundamental para que el músico se sienta bien.

Cuartos pequeños en cada uno de los extremos contienen los amplificadores de las guitarras eléctricas y los bajos, pequeños espacios que son aprovechados al máximo. Al fondo junto a la puerta de entrada a este tercer gran estudio, está la ventana que da a la consola central, la que maneja los tres estudios como una torre de control de un aeropuerto, pero antes sobre la ventana reposan las cuerdas y martillos de un armazón de un viejo teclado de los años sesenta al cual no se le consiguieron las piezas de repuesto, es como un esqueleto de una embarcación encallada en la playa, a la cual se le rinde tributo por los tantos y tantos años de avatares, pero en este caso de grabaciones y registros sonoros.
La consola rodeada con luz tenue, invita a la confabulación, a la sensación de aquí está pasando algo serio, secreto, casi oculto en el registro y masterización musical. Una sensación de equilibrio en 24 canales de una consola analógica totalmente, luces, perillas, filtros, amplificadores para darle un tono distinto de sonido, una marca particular, una realización especial a cada álbum. Más sillas y sofás en la parte posterior, para recordar las largas y agotadoras jornadas de grabación.

Luego de atravesar el mismo corredor por donde se ingresó, se sale a unas escaleras que nos llevan a un segundo piso. Allí se encuentra un pequeño estudio para la pos- producción musical, ese proceso de edición y corrección propia de los ajustes en piezas específicas, encontramos nuevamente más bajos y guitarras, antiguas de blues, de Jazz y nuevas de Rock.
Y el inesperado encuentro con la máquina de grabación de cinta de 24 canales, una joya a la hora de hacer los registros con sonido análogo, una de las mejores maneras de grabar música que se mantiene vigente para buscar el sonido natural y real que se manifiesta en cualquier producción. Amarrada a esta máquina se encuentra una consola totalmente analógica también, en esta área no hay computadores para el registro sonoro. Y de nuevo una gran sala para la grabación de agrupaciones completas. Junto a la puerta de entrada se encuentra una sala solo para guitarras y una pequeña oficina donde Boris Petrowski, quien es profesor y socio de este estudio desde hace 30 años, también, realiza sus composiciones para el cine y la televisión, un piano y un computador como elementos de precisión en la elaboración de sus obras.

A la derecha Boris Petrowski, profesor, compositor y propietario de MixArt Studios. A la derecha el autor del articulo.

El recorrido es único, para quien quiere entender por qué la industria sonora está en crisis, pero que crisis, de creatividad?, de producción?, financiera?, de alguna manera son las tres a la vez, es decir mantener un estudio de esta magnitud es un desafío financiero, con artistas que no tienen en cuenta que hacer música de esta manera, tiene un valor mayor en la calidad sonora y de esta manera cada vez son menos los estudios análogos que trabajan con esta tipo de producción sonora, los tiempos son duros frente el estudio hecho en casa con toda la tecnología posible, que permite hacer en el menor tiempo, cualquier grabación y el oyente fundamental que por formación, cultura y desconocimiento ya no es capaz de discernir entre lo normal y lo excepcional.

El reto es grande en tiempos donde la música cada vez es negocio de pequeños grupos que a su vez hacen música para sus limitados seguidores, o los que realizan música en serie cual producto industrializado, hecho de retazos, formulas, estereotipos. ¿Dónde está la verdadera música? En la creación por crear o en el esfuerzo por alcanzar la trascendencia y la calidad.

Apuntes sobre el desarrollo del Jazz

2016-02-21T15:14:00.000-05:00

Por: Hollman Leal Gómez

Es de suprema importancia traer al presente que el Jazz fue marginal en la primera mitad del siglo XX, en su origen, en los barrios miserables de Nueva Orleans, entre los sectores más aislados donde germinó, posteriormente en su periodo de madurez y en su difusión y presentación en vivo, mantenían en el limite a los músicos, allí donde el margen segregacionismo lo permitía, entre la lucha política de los líderes negros que lograron abrir las puertas del Jazz al mundo.

Fue así como mientras en Europa y muy especialmente en Francia se realizaron las mejores presentaciones y grabaciones de los músicos estadounidenses, recibidos allí como superestrellas, contrastaba con las acciones representativas en su país de origen. En Estados Unidos los músicos notables tenían un espacio especial en los clubes y hoteles de los blancos, pero no tenían las mismas condiciones en su vida cotidiana.

El Jazz se convirtió en un gran elemento del poder negro en E.U, para expresarlo en otros términos, los blancos anhelaban lo que no podían tener y era esa música, la que le dio un elemento diferenciador a esta lucha política y racial, en un fundamento de emancipación.

Esa construcción sonora dinamizó la formación de los verdaderos genios, esa presión política, trajo consigo a destacados, rutilantes y originales creadores de subgéneros, de virtuosos instrumentistas, de voces únicas, de los arreglos destacados. Estos artistas comprendieron forzosamente el poder de sus realizaciones, la profundidad que albergaba su creación.

Jazz y política no es una combinación sana y viable, pero al entender el poder de la identificación, la fuerza que los líderes del Jazz aportaron desde su rol, desde su papel como músicos visionarios, le dieron a la historia un factor diferenciador que marcó el inicio de una nueva forma de percibir la música negra en E.U, ya que el mundo entero lo había comprendido desde el principio.

Los mejores guitarristas de Rock progresivo en el 2015, por votación, según la revista británica “Total Guitar”.

2015-12-18T19:49:00.001-05:00

Por: Hollman Leal Gómez.

Es tradicional a final de año hacer referencia a balances, resúmenes, recopilaciones y todo tipo de necesarias e inútiles categorías en un sinnúmero de publicaciones, revistas y emisoras de géneros diversos.

Encontramos interesante detenernos en esta publicación de la revista británica “Total Guitar”, la cual cuenta con más de cincuenta mil abonados en Europa, lo que la en la revista musical especializada de mayor circulación en Europa. Su campo de acción parte de la guitarra e incluye el Rock, la Acústica, Punk, Blues, Rock clásico y Metal, con técnicas, tablaturas, ejercicios, encuestas a sus suscriptores y muchas entrevistas a personalidades de la música.

Para finalizar el año 2015, realizaron siete escalafones en distintas categorías, relacionadas con sus especialidades, escogimos una de ellas en la cual nos detendremos a presentarles.

Nos referimos al listado llamado “Los diez mejores guitarristas de Rock progresivo hoy en día”, luego de contar con más de cincuenta mil votos esta revista clasifico de la siguiente manera esta categoría:

Puesto 10: Alex Lifeson, RUSH.

Guitarrista con más de cincuenta años de carrera artística, quien de la mano de este trio emblemático del Rock progresivo ha desarrollado una gran cantidad de canciones originales, únicas y dinámicas, su estilo brinda identidad a su agrupación. Desafortunadamente su salida de la actividad artística en estos momentos se da por quebrantos de salud debido a la artritis que le aqueja. Pero su carácter está por encima de esta molestia y la leyenda continua para la banda emblemática de Canada.

Puesto 9: Mikael Åkerfeldt/Fredrik Åkesson (Opeth)

“Queremos emborracharnos con OPETH”, dijeron a la revista “Guitar Total” estos dos músicos suecos, fieles a su estilo, que no reflejan los 25 años de vida artística, vitales, rítmicos y enérgicos, con la sutileza de los acordes simples y suaves y crudeza de las guitarras rítmicas.

Puesto 8: Tosin Abasi (Animals As Leaders)

Lo considerado un genio por su corta carrera y la forma como ha asimilado el hecho de moverse entre el metal y el funk, este año 2015 extendió su experiencia a través de otra agrupación G4, en compañía de los también guitarristas Joe Satriani y Guthrie Govan, en gira mundial para el 2016. Destellante banda de la capital de los E.U.

Puesto 7: Rory Friers/Niall Kennedy (And So I Watch You From Afar)

Músicos de Belfast, Irlanda, rápidamente en este año lograron crear un atmosfera propia y un estilo particular a su cuarto álbum de estudio.

Puesto 6: Misha Mansoor/Jake Bowen/Mark Holcomb/Adam 'Nolly' Getgood (Periphery).

Periphery, es un grupo presenta álbumes dobles que son claros en su concepto y luego cambian a lo oscuro del metal, una banda ágil, de gran formación artística y musical. Banda estadounidense de Maryland.

Puesto 5: Matt Bellamy (Muse)

Gusta o no gusta, Matt Bellamy en Muse ha hecho solo una parte de los que ha podido mostrar con sus álbumes conceptuales definitivos, volvió a los ruedos en el 2015, mostrando su gran calidad. Muse es una banda británica nacida en 1994.

Puesto 4: Sam Vallen/Zac Greensill (Caligula's Horse)

Dos guitarras listas para redondear el sonido del Caballo de Calígula, su nombre en español, que apropósito gano el nombre al mejor nombre de banda Rock del 2015 según la revista “Guitar Total”. Fuerte aplauso a la banda de Brisbane, Australia.

Puesto 3: John Petrucci (Dream Theater)

Este músico que ha convertido la guitarra en un Tótem (un símbolo de la naturaleza, mantiene firma su agrupación con la producción de un nuevo álbum que salió a la venta a finales del 2015. Sin duda la agrupación de Chicago, E.U, sigue muy vigente y vital en el tour mundial.

Puesto 2: Guthrie Govan (The Aristocrats)

Maestro sin duda, en todo el sentido de la palabra ya que dedica su tiempo a la enseñanza y a la lectura, de la que nutre sus composiciones para su súper grupo actual. Desde Inglaterra nos llega un virtuoso del siglo XXI.

Puesto 1: Mike Vennart

El líder de esta encuesta refleja los gustos de los lectores de esta revista inglesa, muestra al antiguo integrante de Oceansize y Bifly Clyro, ha iniciado en este año su carrera como solista y muestra sin duda lo que ya había realizado en sus agrupaciones anteriores, claridad, ambiente de profundidad y misterio.

Amables oyentes seguidores del Rock , el Jazz y la Salsa, mil gracias por habernos acompañados en el 2015, en nuestros proyectos y especiales de radio, los mejores deseos en estas fiestas de fin de año esperando que el 2016 nos permita crecer, madurar y avanzar en nuestros proyectos.

Los Tres Diamantes de David. Treinta años después: Vai, Sheehan y Bissonnette

2015-11-28T21:43:00.000-05:00

Por: Hollman Leal Gómez

El pasado 25 de noviembre en Hollywood, California, EU, se reunieron a las 8:30 p.m. los seguidores de una formación musical que hace 30 años realizó un álbum llamado en inglés “Eat`em and Smile” (En español algo así como, “Comételos y Sonríe”, aunque el álbum también fue grabado en español con el nombre “Sonrisa Salvaje”), este álbum pertenece a David Lee Roth, primer vocalista de la banda de Hard-Rock, Van Halen.

El lugar, el Auditorio “Lucky Strike Live” en 6801 de Hollywood Boulevard con calle 143 y era el reencuentro de los músicos que participaron en la grabación y posterior gira de conciertos del álbum que esbozamos anteriormente, la nómina estaba compuesta por Steve Vai, en las guitarras, Bill Sheehan en el bajo y en la batería Gregg Bissonnette, la voz estuvo a cargo de David Lee Roth. Todos los músicos estuvieron al amparo del más conocido en la escena musical, nos referimos a Roth, quien venía de integrar a una banda que se encontraba en su esplendor musical. Para empezar su carrera como solita se necesitaba de los mejores músicos para poder mantener su ímpetu creativo y fue así como en estudio contó con estos tres notables, que estaban construyendo su nombre, todos ellos son emblemáticos, reconocidos hoy en dia y constituyen un referente del Rock desde los años ochenta hasta nuestros días, esto sin duda por su trabajo, estilo e historia musical.

El lugar, los músicos, todo estaba en su sitio, ¿pero y el vocalista?, el elegido fue Ralf Saenz, vocalista de la banda Steel Panther, el espectáculo gratuito y ante este llamado muchos fanáticos y seguidores colmaron este lugar. A media noche el cuerpo de bomberos de la ciudad de Los Angeles, cancela el espectáculo por medida de seguridad preventiva ante la afluencia de publico.

A última hora David Lee Roth, apareció fotografiado en camerinos con sus antiguos compañeros. No hubo otra oportunidad para ver a estos genios en acción, esperando que aun cuenten con la energía y sobre todo el talento para retomar el sonido de “Yankee Rose”, “Elephant Gun”, el clásico “Shyboy” o el tema de los años sesenta, composición de John D. Loudermilk, popularizado en el Rock por Eric Bourdon, “Tobacco Road”, incluido en este álbum.

Al final de la noche David Lee Roth, ofreció disculpas e invito a sus seguidores a nueva presentación en un recinto más amplio. Prueba superada a los seguidores de esta formación un súper grupo que empieza a retomar su camino para un gira en 2016, bueno eso esperamos.

Rosetta Tharpe, Hermana del Gospel y la Madrina del Rock and Roll.

2015-10-05T21:03:00.000-05:00

Por: Hollman Leal Gómez

Transcurría el séptimo mes, exactamente el decimoquinto día, en el año de 1799, cuando el ejército francés de las tropas de Napoleón, se encontró cavando y construyendo posiciones para enfrentar a las tropas inglesas en la ciudad de Rosetta, hoy llamada Rashid, en Egipto, se encontraron asi con una roca que contenía un texto grabado en escritura demótica (jeroglíficos) y en griego simultáneamente, este hallazgo permitió que se pudiera traducir y posteriormente entender toda la escritura de la Antigua cultura egipcia.

Pero la otra Rosetta, no es una roca es una mujer, particular como esa traducción y es por así decirlo quien profana el Gospel (música de carácter religioso estadounidense) y lo acerca al público laico, mezclando los elementos de su congregación con los componentes del boogie-boogie, swing y blues, llevándolos a germinar y posteriormente convertirse en el naciente “Rock and Roll”. Rosetta desarrollo su carrera en los años treinta y cuarenta, con un tono popular en épocas de segregación racial, de racismo recalcitrante y de puristas del Gospel, que la señalaron de profana e irrespetuosa. Pero ella lo dijo en alguna ocasión, a propósito de sus presentaciones en clubes nocturnos, “debo llevar luz a la oscuridad”, afirmaba Rosetta parafraseando los evangelios cristianos.

Nos referimos a Rosetta Nubin, conocida como Rosetta Tharpe, nacida el 20 de marzo de 1915, en Cotton Plant, Arkansas, EU. A los cuatro años de edad comenzó a tocar la guitarra y a cantar siguiendo los pasos de su madre, Katie Bell Nubin, pastora religiosa de varias iglesias en el sur de EU. Posteriormente decidieron viajar a Chicago, allí Rosetta comienza a ganar un especio en el mundillo del espectáculo a través de presentaciones privadas de jazz y blues y de Gospel para el público en general, en las iglesias a donde fue invitada.
Sus raíces se entrelazaban la interpretación jazzística de la guitarra, con el estilo heredado de la interprete Memphis Minnie, la mujer más representativa de la historia del Blues. Su presencia musical estuvo vigente hasta sus últimos días, la llamada “hermana” Rosetta, constituyó la unión que junto con boogie-boogie, el blues, el jazz y el country generaron la génesis del “Rock and Roll”, se le reconoce como la madrina de un género, al cual ayudo a nacer y que marco con su estilo a los primeros iconos de ese naciente ritmo. Su virtud de hacedora de canciones y de referente para los actuales cantantes de R&B la convirtieron en esa roca, piedra fundamental en un época en que ser mujer y negra, constituían un desventaja para forjar un sueño. Rosetta, Rosetta, rock y roca.

Festival Internacional de Jazz de Montreal 2015. Dos eventos 27 de Junio.

2015-06-30T21:10:00.000-05:00

Por: Hollman Leal Gomez

Estaba planeada la gira de Avishai Cohen, el contrabajista israelí abanderado de las nuevas generaciones del Jazz en su país. tenia las fechas programadas y publicadas en su pagina en Facebook, pero como el lo explico detalladamente problemas técnicos del visado le llevaron a cancelar estas presentaciones, incluyendo las tres de viernes, sábado y domingo en Festival de Jazz de Montreal. Nos encontramos entonces ante el espectáculo de un saxofinista originario de Vancouver, Eli Bennett, con un envolvente sonido, placido, claro y con un estilo propio, recorre el camino del cuarteto clásico del Jazz, en un espacio que lo hará ganarse el reconocimiento del publico

Luego en la noche en la Salle Wilfried Pelletier de Place Des Arts, en el corazón el Festival de Jazz de Montreal. Se presentaron tres represantes del Blues, tres estilos distintos James Cotton, John Mayall y Taj Mahal, quien a ultima hora por quebrantos de salud cancelo todos sus conciertos, ante la ausencia el invitado no podia ser otro que Harry Manx, para completar la velada dedicada al Blues.

B.B. King y Lucille una amor de juventud, el blues y la vida, el dolor y su antídoto.

2015-05-31T14:53:00.000-05:00

Por: Hollman Leal Gómez.

La dureza del Blues es a simple vista el elemento que los conocedores del género referencian cuando desean identificar el carácter de esta música. Pero el Blues o “Blue” como lo pronuncian los sureños de la rivera del gran rio Mississippi, en el país sin nombre de Norteamérica, es a su vez expresión de una enfermedad y antídoto para la vida.
Hablar de este guitarrista, cantante y compositor constituye un reto, los adjetivos, la paráfrasis, los datos y su aporte a la música negra afrodescendiente generan una amplia gama de artículos, precisiones, aportes y sin duda mucha música.
Sus primeros años vida constituyen los elementos que servirían para realizar un sinnúmero de temas musicales, que se nutren de esa dureza y crudeza que conforma la vida misma de cualquier habitante de este planeta que tenga que ganarse la vida de manera pendenciera contra las circunstancias.

Nació de padres recolectores de algodón en una región donde era la primigenia forma de ganarse la vida, como lo hicieron los padres, lo hicieron los abuelos y toda la ascendencia ligada a la esclavitud. Sus padres Albert Lee King y Nora Ella Pully, se separaron cuando el tan solo tenía cuatro años de edad, al tomar rumbos distintos padre y madre, Riley Ben King, mejor conocido en el mundo del blues como B.B. King, se iría a vivir con su abuela materna Elnora Farr en la población Klimichael, Missisippi, relación esta que le aportaría los elementos determinantes para iniciar su carrera en el mundo de la música.

Su padre pronto se desligó de él, su mamá fallecería cuando él tenía nueve años de edad, ella, su mamá, lo aisló de cualquier vínculo con el blues, al tildar este género de “música del diablo” en contraposición con la presencia de músicos de blues en su familia, como fue el caso de su primo el reconocido en su época, Bukka White.

Contrario a los elementos comunes de los precoces intérpretes de su género, su ingreso al periplo llegaría solo a los 12 años de edad cuando un reverendo de una iglesia a la que su abuela asistía, le enseño los primeros acordes de la guitarra e hizo que integrara un coro de góspel, mientras B.B King recolectaba algodón en la población de Lexinton. Pasaron 2 años antes que pudiese adquirir una guitarra, con 14 años de edad y 15 dólares compra su primer instrumento, continua cantando con grupos de Gospel y de manera solitaria con frecuencia en los pueblos de su región, su abuela fallece en el año de 1940 y es enviado entonces a vivir con la familia de su lejano padre.
De esta época recordaría B.B King, las extensas jornadas de trabajo y los 80 kilómetros de recorrido en bicicleta para poder ensayar con su grupo en la población de Klimichael y de igual forma la frecuencia con que comenzaría a tocar en las calles y ganar en una sola noche mucho más de lo que recibía por una semana de trabajo.

Llegaría la Segunda Guerra Mundial y con esta los alistamientos de los jóvenes, fue llamado a hacer parte de las filas del ejército, pero de manera inmediata fue rechazado por su condición de conductor de tractor agrícola, profesión esta que era prioritaria para la supervivencia alimentaria de su país.

Pasaría la guerra y seria otro hecho que le haría tomar decisiones sobre su futuro, destruyo un tractor del que era responsable y para evitar las retaliaciones de su patrón, decidió dejar todo, tomar su guitarra y viajar a Memphis con dos dólares cincuenta centavos a buscar a su primo y acercarse a sus raíces familiares. Es su primo “Bukka” Smith quien de manera contundente lo involucra con el Blues. Es en ese momento a finales de los años cuarenta y principio de los cincuenta cuando aparece ese estilo que definiría su carácter, el sonido rural, con la mezcla eléctrica de la ciudad. Pero aún faltaba un paso más para iniciar su carrera musical como profesional, mientras tanto Sony Boy Williamson le abrió un espacio como programador de música en su emisora, por su conocimiento y afinidad al blues le comenzaron a llamar “Blues Boy”, término que el mismo cambiaría posteriormente a “B.B”.

Su carrera de viajes y recorridos para sus presentaciones comenzaría pronto, pero antes otro hecho lo marcaria para toda su vida, la situación que se generó luego que había terminado una presentación en Arkansas, dos sujetos se enfrascaron en una pelea por una mujer llamada “Lucille” en su pelea se produjo un incendio y su guitarra Gipson ES-355, quedó dentro el edificio en llamas el debió entrar a sacarla arriesgando su vida en ese momento. De este suceso se crearía la dinastía de guitarras a las que el bautizaría “Lucille”. Esto ocurrió en 1949.
Desde 1950 comienza a grabar sencillos como se acostumbraba originalmente en la época, discos de 45 rpm con un tema por cada lado, pero solo hasta 1957 recopilo en un álbum sus grabaciones. Realizaría varias álbumes antes de crear un estilo que cambiaría la forma de hacer blues, los productores, los hermanos Bihari, lo invitaron a viajar a California para realizar su grabación en un prestigioso sitio llamado “Regal” allí en vivo grabo con una sección de vientos “Riffs” y la utilización por primera vez de saxofones en el blues, sin duda su mayor aporte sonoro a la concepción musical del género. En 1953 viajo a Houston donde acompaño a la banda de Bill Harvey, con quien pudo extender su proyecto, pero ante la enfermedad de su director, fue B.B King quien lidero la banda. Este hecho le permitió realizar en el próximo año 300 presentaciones, con un promedio de 4 horas diarias, una verdadera maratón que le reconoció su proyecto y pudo darse a conocer en los Estados Unidos. En 1957 graba “Live at the Regal”, culmen de esta etapa creativa.

Su estilo y desarrollo musical le hizo ganar el título del “Rey de la Guitarra”, situación que le permitiría acercarse a todos los públicos que eran limitados por los problemas de racismo de su época. Personajes como Elvis Presley, eran sorprendidos en sus presentaciones durante los años cincuenta. Pero este fue solo un ejemplo de la profundidad que alcanzaría el Blues en las futuras generaciones de nacientes rockeros. Sus aportes permitirían afianzar el papel del hombre de la guitarra en las próximas agrupaciones del “Rock and Roll”.
En 1970 recibió el premio Grammy por “The Trill is gone”, al igual que en el año 1981 por “There must be a better world somewhere”, en 1986 “My guitar sings the Blues”, en 1990 “Live at San Quentin”, “Live at the Apollo” en 1991 y “Blues Summit” en 1992, adicionalmente recibió el Premio Grammy por su dedicación y fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987.

Su vitalidad musical fue un factor preponderante para extender su legado en el mundo de la música, siempre se mantuvo activo hasta sus últimos días ejemplo de ello fue en el año 2000 cuando grabo “Riding with the Kingse” junto a Eric Clapton y ya cumplidos los 80 años decide emprender una gira por Europa con el guitarrista de blues ingles Gary Moore, finalizando el 4 de abril en el Wembley Arena de Londres. En Julio de ese año se presentaría en el Festival de Jazz de Montreaux y luego en Zurich en el “Blues at Sunset” ambos en Suiza.
De este joven del campo, conductor de tractor, guitarrista aficionado, con familia de músicos, que era vegetariano, que padecía de Diabetes tipo 2, que tuvo 15 hijos en distintos matrimonios, que tenía licencia de piloto de avión que le permitía volar a muchos de sus conciertos en su avión privado, que se despidió en el año 2006 de los escenarios pero que seguiría activo hasta octubre 2014 cuando definitivamente no continuo su extensa gira musical, podemos escribir muchísimos párrafos y análisis, su vida musical, como personal estuvo llena de hechos que marcaron su estilo y su forma de interpretar el Blues, es por medio de B.B King que el blues se convierte de un género rural y migra a la ciudad y con su nuevo carácter urbano toca al Rock y genera en él, el nacimiento del guitarrista solitario interprete del blues y de los acordes basados en esas melodías originales. B.B King, hizo grande su género musical, logro que se reconociera por parte del público blanco la riqueza de una tradición segregada e influye al igual que muchos maestros de su género, en la creación del llamado “Blues Ingles” que traería muchos resultados en el mundo del Rock de ese país.
B.B King un grande de la guitarra, del blues universal, descansa en paz al lado de su compañera “Lucille”

Discografía

Singin' The Blues — (1957)
King of the Blues — (1960)
My Kind of Blues — (1960)
Live at the Regal — (Live, 1965)
Lucille — (1968)
Live and Well — (1969)
Completely Well — (1969)
Indianola Misisipi Seeds — (1970)
B. B. King in London — (1971)
Live in Cook County Jail — (1971)
Guess Who — (1972)
Lucille Talks Back — (1975)
Midnight Believer — (1978)
Live "Now Appearing" at Ole Miss — (1980)
There Must Be a Better World Somewhere — (1981)
Love Me Tender — (1982)
Why I Sing the Blues — (1983)
B. B. King and Sons Live — (Live, 1990)
Live at San Quentin — (1991)
Live at the Apollo — (Live, 1991)
There is Always One More Time — (1991)
Deuces Wild — (1997)
Blues On The Bayou — (1998)
Riding with the King — (2000)
Makin love is good for you — (2000)
Reflections — (2003)
The Ultimate Collection — (2005)
B. B. King & Friends: 80 — (2005)
One Kind Favor — (2008)
Icon — (2011

El Proto-Jazz desde la plantación a la agrupación musical.

2015-04-22T21:18:00.000-05:00

Por: Hollman Leal Gómez

Una de los hechos que definió el inicio de la formación del Jazz fue la estructura de la agrupación musical. Pero sucedieron ciertos acontecimientos que permitieron que esta estructura se creara. Veamos entonces que ocurrió.

Esa forma primigenia del Jazz fue generada en dos regiones de manera opuesta. El sur de los Estados Unidos, donde claramente se le prohibió a los negros esclavizados, utilizar cualquier tipo de instrumentos nativo, tambores principalmente, por temor a que se enviaran mensajes secretos que los incitara a levantarse en contra de sus amos.

En el otro lado en el norte de los Estados Unidos, existe un sistema más permisivo que les permitió reunirse a los negros esclavos, a tocar su música. Esta permisividad genero una cercanía a los cultos religiosos cristianos, de luteranos y bautistas, principalmente. Esta cercanía a los himnos religiosos como se les denominaba a los cantos con un componente basado en los evangelios o en los salmos de la Biblia. Esta forma se asimilo de manera directa a sus cantos religiosos y el resultado fue el espiritual o “Gospel”, como se le conoce en el idioma inglés. Sus amos blancos estaban convencidos, que esos cantos en los cultos religiosos y en sus trabajos constituían un aporte positivo, basado en la premisa que, “Negro que canta es un negro feliz, aunque puede estar propenso a la revuelta”. Allí se funda el primer elemento estructurado de la música de la cultura afrodescendiente en Estados Unidos, cantos religiosos, cantos de trabajo y cantos para los prisioneros, (esclavos castigados), dando como resultado la expresión cotidiana de su amor por la música.

Al finalizar la Guerra de Secesión (1861-1865), guerra, fruto de la lucha entre los estados del sur, agrícolas y esclavistas y los estados del norte abolicionistas e industriales, esta guerra genero un nuevo orden interno y una nueva estructura económica, de igual forma, al finalizar este conflicto los blancos del norte en su mayoría se interesarían en realizar estudios sobre esa música popular sin duda el elemento más fuerte de supervivencia en los esclavos negros. Vale la pena destacar que son numerosos los dueños de plantaciones que incentivaron a los esclavos negros a formarse como músicos e inclusos les dan los instrumentos, guitarras, violines y armónicas, pero principalmente luego de la guerra ellos aprendieron a utilizar los instrumentos propios de las bandas militares, cornetas, trompetas.
Treinta años más tarde en 1895 la evolución traería consigo la creación de agrupaciones, profesionales o aficionadas encargadas de amenizar bailes públicos o de salón. En este momento el proto-jazz, por denominarlo de esta forma, constituye una mezcla de elementos, negros africanos occidentales. Curiosamente gracias al éxito de estas agrupaciones negras aparecen de forma burlona y ofensiva los denominados “minstrel shows” que contaban la vida de los negros por medio de músicos de raza blanca maquillados con pintura negra su cara y manos y sus labios de color blanco.

Y así se presentaba el panorama a finales del siglo XIX, con bandas itinerantes que cada vez más posicionaban talentosos músicos afro-estadounidenses, con blancos que parodiaban y querían acercarse más a esa música emergente, con otro atenuante sin igual, que se abría camino otra ala de esa música afro-descendiente que estaba oculta y ahora se mostraba en forma de “Blues”, pero ese es tema de otra historia.

Ray Barreto, en el camino hacia "El Gigante Blanco", "The Ray Garland Trio plus Ray Barreto, conga" 1958.

2015-03-25T21:56:00.000-05:00

Por: Hollman Leal Gómez

Para quienes han vivido y disfrutan el movimiento Salsero, Ray Barreto es sinónimo de conguero fundamental, de un exigente director musical y del autor y líder de importantes temas que marcaron el inicio y el posterior desarrollo del movimiento salsero.

Barreto (29 de abril de 1929-Nueva York, EU. 17 de febrero de 2006, Hoboken, EU), desarrollo un gusto e interés por el jazz y las figuras de su tiempo como Philly Joe Jones, Dizzy Gilliespie y Charlie Parker, como lo manifestó en su momento en distintas entrevistas.

Ese gusto se vio reflejado cuando estando en Europa en la post-guerra entre el periodo de 1946-1949, en una época de reorganización geográfica y política, la música se convirtió en una herramienta de propaganda y a su vez de bálsamo, este instante histórico permitió que el insípido conguero integrara distintas agrupaciones entre las que se destacó la del saxofonista belga Bobby Jaspar, arando en la experiencia y el conocimiento del futuro líder orquestal salsero. Pero es en este periodo en que se determina su carácter, formación y estilo, no el de un músico en su totalidad latino, por llamarlo asi, sino el que encarna un espíritu y estructura del residente en el Jazz, sincopa, acentos, diálogos con otros instrumentos, improvisación. Aunque estos elementos pueden sonar comunes a los ritmos Afrocaribes, la conga allì tiene un rol protagónico y egocéntrico, mientras en el Jazz añade volumen, textura, dialoga con otros instrumentos de la percusión.
Encontramos el álbum llamado “The Red Garland Trio plus Ray Barreto, conga” del sello Prestige, grabado en Hackensack, New Jersey en abril 11 de 1958. Los integrantes de esta agrupación son a saber:
Red Garland, piano.
Paul Chamber en el bajo.
Arthur Taylor en la batería.
Ray Barreto en las congas.
Este álbum originalmente contenía 5 cortes, 3 por el lado A del larga duración y 2 por el lado B.

LADO A
1. Manteca
2. S`wonderful
3. Lady be good
LADO B
1. Exactly like you
2. Mort`s report
3. Portrati of Jenny (Que aparece como tema adicional solo en el CD, de 1990)
Este álbum es referente para quienes desean acercarse a las raíces de un músico que construyó una carrera en el fenómeno salsero, pero con profundas raíces en el jazz tradicional y en especial en el Be Bop y Hard Bop, de manera que se permitía una serie de licencias valiosas para pasar de un lado a otro sin perder su fundamento y explotando su esencia, aun en esos momentos Barreto estaba en la búsqueda de encontrarse en el Gigante Blanco.

El Criterio dentro de la apreciación musical, un camino hacia la verdad.

2015-02-15T14:19:00.000-05:00

Por: Hollman Leal Gómez

Se desea en este escrito acercar al oyente fundamental, al crítico, al melómano, al amante de la música, a la definición del criterio musical, apartándonos de los estereotipos que en el medio se le han dado a esta fundamental palabra, pero más allá de una definición sintáctica, es una invitación a la reflexión y a la ampliación de lo que se llama en los entornos musicales, radiales o escritos en redes sociales “criterio”.
Volviendo sobre los clásicos griegos quienes serán siempre un excelente punto de partida, encontraremos que criterio es: Un juicio de discernimiento de una persona ante una realidad, experiencia o vivencia. Partiendo de esta definición, el criterio encaja en la condición subjetiva que permite concretar una opción, siendo entonces la base que soporta un juicio de valor.

CRITERIO= JUZGAR
CRITERIO= Condición subjetiva/juicio de valor

Pero un criterio no constituye una suma de condiciones subjetivas, son también requisitos con que se deben contar para cumplir con un esquema, un sistema o con un aspecto particular. Hablamos comúnmente de criterios de seguridad para dar un ejemplo, como las normas mínimas con que se debe cumplir para lograr que un esquema sea válido o seguro, pero de igual manera se aplica a cualquier área del conocimiento, matemáticas, física, química, filosofía, medicina, etc. Nos detendremos en la apreciación musical como aspecto a discutir en este escrito.

Se encuentran de manera concreta en las páginas de escritores sobre música, en emisoras en red, en grupos o redes sociales, donde se entrelazan los amantes, coleccionistas, melómanos, eruditos o cualquiera que se sienta con el deber de compartir su gusto o pasión musical, que su labor se hace con “Criterio”. Rock con criterio, Jazz con criterio, Salsa con Criterio, música con criterio, etc., haciendo entrever que lo que allí se propone, cuenta con una análisis, un esquema, un amplio conocimiento y profundo discernimiento que de alguna forma vincula a su autor con un tono único que lo hace destacar de todos los demás pares existentes.

Se crean las preguntas al escuchar sus propuestas, ¿Cuál es el criterio del autor?, ¿Cuál es su marco teórico para definir su escrito, programa o página tiene el criterio que los demás no tienen?

La primera afirmación ante la utilización de la palabra criterio es que la mayoría de los autores no conocen el término en sí, sino que se lo ha asumido como una tendencia, que de alguna forma justifica su acción, pero no del todo, pues los aspectos tratados en sus canales de comunicación no encajan totalmente en el esquema que pregonan sus espacios. Es decir como si de una forma ese juicio personal que sirve para formar ese criterio personal, no contuviera suficientes elementos para sustentar esa apreciación.

Que elementos ayudan a elaborar el criterio: El primero de ellos es natural es basado en el juicio personal, que nace de las vivencias, experiencias y que se amplia de acuerdo con el segundo elemento que conforma esa estructura y es el conocimiento adquirido, formación que interactúa con otros elementos que nos llevarían a una amplia disertación que no tenemos como objetivo en este momento. Todo lo anterior si lo enmarcamos dentro de nuestro esquema de criterio, constituiría un juicio que acercaría al expositor a buscar adecuadamente la verdad que se halla en cada uno de sus aspectos musicales regidos por el valor estético, (lo bello, lo bueno y lo útil).

Nuestra posición ante los innumerables buscadores, amantes, melómanos, investigadores, es la precisa invitación a reflexionar, analizar y por supuesto a actuar dentro de un marco que busque contener los siguientes aspectos:
• La aceptación del otro y su realidad musical, ya que por ser la música subjetiva en su apreciación, hace que cada uno cuente con elementos personales de sensación y vivencia.
• La apertura a ese criterio mental dispone de la búsqueda por medio de esa capacidad humana de conocer la verdad, lo que se encuentra en esa realidad musical de cada uno, discerniendo y descartando lo que no es bueno, ni bello y no es útil a la estética musical.
• La búsqueda constante es una corriente que une el conocimiento sensible y el conocimiento intelectual, para determinar el movimiento continuo del conocimiento.
• Determinar la claridad donde todos podamos alcanzar un nivel de criterio que nos permita poder aceptar los yerros de la acción cognitiva, valorar los aciertos y generar los cambios.

La búsqueda de la verdad es la mayor de las virtudes, nuestro criterio nos debe llevar en ese camino, en esa ruta, dentro de la música. La próxima ocasión que se tome el término criterio, el autor debe pensar que lo que está haciendo, está aportando en gran medida, si es así, a la búsqueda de la verdad, al crecimiento estético y la dinamización musical.

Bibliografía:
http://definicion.de/criterio/
http://istmo.mx/2001/05/que_tan_amplio_es_su_criterio/
https://encyclopaedia.herdereditorial.com/wiki/Verdad,_criterio_de

CURTIS MAYFIELD, EL HONESTO HÉROE DEL “SOUL”

2015-01-02T08:37:00.000-05:00

Por: Hollman Leal Gómez

Quizás por su contacto con el fondo de la sociedad, que lo formó con el tono honesto, en un mundo personal marcado por la profunda religiosidad de su madre dedicada a la iglesia y quien estaría presente a lo largo de su vida de manera comprometida y por otro lado las luchas sociales de los afronorteamericanos liderados por los movimientos de Martin Luther King y Malcom X, todo esto en los tiempos compulsivos de los años cincuenta y sesenta en los Estados Unidos.

A Mayfield se le destaca su claridad y su certeza a la hora de invitar a ser autentico y a luchar por los derechos de cada cual. Mayfield no te engaña con himnos rocanroleros, te invita y te denuncia que el camino que recorres no es el correcto.

Su estilo vocal es el denominado falsete como si llorase pero que se tornaba excitado y eufórico en momentos, afianzando sin duda, ese carácter bipolar de su expresión vocal.

Comenzó su carrera muy joven a finales de los años 50 cuando dejó la escuela para formar con su compañero de estudios Jerry Butler, “The Impressions”. De alguna forma Mayfield buscaba algo más y su liderazgo lo impulso a dejar la agrupación no sin antes labrarle un camino a “The Impressions” quienes continuarían sus éxitos con canciones escritas por el mismo Mayfield. De esta época saldría a la luz en 1964 un himno “Keep on pushing” y posteriormente en 1965 “People get ready” indudable elemento de la lucha de los derechos civiles en esta época.

Pero el gran debut como solista se daría en 1970 con el álbum “Curtis”, que lo enviaría a niveles únicos en su música, arreglos, coros y el destacado uso de las guitarras que se imitarían de manera continua y se convertirían en estándares del Soul y el Funk.
Su dinámica creativa lo llevo a participar del movimiento que exaltaba por medio del cine la violencia con tintes estéticos, en un marco de cultores totalmente afronorteamericanos dirigidos por Melvin Van-Peebles, llamado “Blaxplotation”. Esta participación le permitió destacarse en la película “Superfly” (1972), homónima de su composición musical.

Su aporte fundamental nos permite encontrar esa cadena que une la realidad y la denuncia de la injusticia, con la música, pero que su vez hace esa única y valiosa conjunción con la música bien hecha para perdurar y estar por encima de los que aparentan hacer y mostrar la honesta cara de un artista.

Curtis Mayfield muere el 26 de diciembre de 1999 en Roswell, Georgia, luego de sufrir un serie de lamentables enfermedades. Un grande de la música sin duda.

Discografía

1970 Curtis
1971 Curtis/Live!
1971 Roots
1972 Superfly
1973 Back to the World
1973 Curtis in Chicago
1974 Got to Find a Way
1974 Sweet Exorcist
1975 There's No Place Like America Today
1975 Let's Do It Again
1976 Give Get Take Have
1977 Never Say You Can't Survive
1977 Short Eyes
1978 Do It All Night
1979 Heartbeat
1980 Something to Believe In
1980 The Right Combination
1983 Honesty
1985 We Come in Peace
1987 Live in Europe
1988 Live at Ronnie Scott's
1988 People Get Ready: Live at Ronnie Scott's
1990 Take It to the Streets
1994 BBC Radio 1 in Concert
1994 Live in New York City
1995 Live at the Bitter End
1996 New World Order
1998 Man of Inspiration
1998 Give it up
2000 Love is the place
2001 Live at Ronnie Scott's
2003 Gospel Greats
2006 Mastercuts presents

UN AÑO 2015 MAGNIFICO PARA NUESTROS SEGUIDORES, AMIGOS Y FAMILIA.

2014-12-31T09:28:00.000-05:00

Gracias por acompañarnos, en el año 2015 volveremos con nuevos articulos y publicaciones.

AGRADECIMIENTOS, UNA PAUSA, UN RESPIRO PARA LA GRATITUD SONORA

2014-11-30T21:58:00.000-05:00

Respetados seguidores, amigos en la música, oyentes y criticos musicales.
Debemos agradecer a todos los que nos han permitido mantenernos vivos en la red durante estos 10 años. Desde ese primer proyecto de presentación del nuestra propuesta, grabado en los estudios Aguaclara, en Cali, Colombia, el 19 de noviembre de 2004, pasando por los Heroes de la Guitarra del Rock, grabado en AV 1MUSIC, de Andrés Vargas en Cali, Colombia. Nuetra participación de 10 años en la asociación de melomanos y coleccionistas de salsa AMIGOS DEL SON, de Cali, la más antigua asociación de Colombia. De igual forma la creación del blog en el año 201O, con casi 6000 visitas y claro nuestra participación en emisoras de Cali, como emisora de la Policia Nacional, en el programa Salsa pal Barrio y en la emisora virtual RumbayGuateque.com hasta la creación de nuestra propia radio TropicoyClasico en la zona mixlr.com en el año 2010.
Gracias a todos por seguirnos aconsejarnos y permitir llevarles a ustedes lo mejor de nuestro gusto musical. Y vendrán nuevos proyectos y grandes realizaciones.

EL vibráfono que persigue a GARY BURTON

2014-10-30T23:36:00.000-05:00

Nació en 1943 y creció en Indiana, Gary Burton aprendió a tocar el vibráfono y a la edad de 17 años, hizo su debut discográfico en Nashville, Tennessee, con los guitarristas Hank Garland y Chet Atkins. Dos años más tarde, Burton dejó sus estudios en el Berklee College of Music para unirse a George Shearing y posteriormente Stan Getz, con quien trabajó desde 1964-1966.

Como miembro del cuarteto de Getz, Burton ganó Talento revista Down Beat Merecedor del premio mayor reconocimiento en 1965. En el momento en que dejó Getz para formar su propio cuarteto en 1967, Burton también ha registrado tres álbumes bajo su nombre para el sello RCA. Ritmos y sonoridades endeudamiento de la música rock, jazz, manteniendo el énfasis en la improvisación y la complejidad armónica, primer cuarteto Burton atrajo a mucho público de ambos lados del espectro del jazz-rock. Álbumes como Duster y Lofty Fake Anagram establecido Burton y su banda como progenitores del fenómeno de fusión jazz. Creciente popularidad de Burton fue validado rápidamente por la revista Down Beat, que le concedió su Jazzman del Año en 1968, el más joven en recibir ese honor. Durante su posterior asociación con el sello ECM (1973-1988) Cuarteto Burton amplió para incluir a los jóvenes Pat Metheny en la guitarra, y la banda comenzó a explorar un repertorio de composiciones modernas. En los años 70, Burton también comenzó a centrarse en contextos más íntimos de su música. Su 1971 álbum Alone at Last, un concierto vibráfono solista grabado en el Festival de Jazz de Montreux 1971, fue honrado con su primer Premio Grammy. Burton también se volvió hacia el formato duo rara vez se escucha, la grabación con el bajista Steve Swallow, el guitarrista Ralph Towner, y sobre todo con el pianista Chick Corea, así cimentar una relación duradera personal y profesional que ha ganado otros cuatro premios Grammy.

También en los años 70, Burton comenzó su carrera con la educación musical Berklee College of Music en Boston. Burton comenzó como un maestro de la percusión e improvisación en Berklee en 1971. En 1985 fue nombrado Decano de Currículo. En 1989, recibió un doctorado honorario de música de la universidad, y en 1996, fue nombrado Vicepresidente Ejecutivo, responsable de supervisar las operaciones diarias de la universidad.

Después de ocho años en la RCA Victor, cinco en Atlantic Records, y dieciséis en los expedientes de ECM (dando lugar a dos premios Grammy en 1979 y 1981), Burton comenzó a grabar para el sello GRP en 1988. En 1990, él emparejado de nuevo con su antiguo protegido de Pat Metheny para Reunión, que consiguió el primer puesto en la tabla de jazz de la revista Billboard. Después de grabar un total de ocho CDs para GRP, Burton comenzó su afiliación etiqueta actual con Concord Records. Salida (Gary Burton & Friends) fue lanzado en 1997, así como el sentido nativo, otra colaboración dúo con Chick Corea, que obtuvo cuarto premio Grammy Gary en 1998. También en 1997, Burton grabó su segunda colección de música de tango, Astor Piazzolla Reunion, con los mejores músicos de tango de Argentina, seguido por Libertango en 2000, otro proyecto de Piazzolla. Su lanzamiento en 1998 Concord, Like Minds, un golpe de estrellas con sus colaboradores frecuentes Chick Corea, Pat Metheny, Roy Haynes y Dave Holland, también fue honrado con una victoria Grammy, el quinto de Burton. CD de Gary vibráfono tributo, por Hamp, Red, Bolsas y Cal, fue lanzado en marzo de 2001 y fue galardonado con 12 premios Grammy nominación de Gary (hasta la fecha se tiene un total de 15 nominaciones a los Grammy). Su liberación fue 2002 un proyecto único con Makoto Ozone, colaborador de Gary pianista de los últimos veinte años. Para los Virtuosos de la pareja exploró las posibilidades de improvisación de temas clásicos con obras de Brahms, Scarlatti, Ravel, Barber y otros. En un movimiento inusual, la Academia de la Grabación Virtuosos nominado en los Grammy de la categoría de música clásica, un honor único para Gary y Makoto.

Como Gary anunció su retiro del Berklee College of Music en 2003 después de 33 años en el colegio, formó una nueva banda y comenzó a viajar con regularidad. El "Generaciones" banda contó con un line-up de talentosos jóvenes músicos entre ellos el entonces dieciséis años de edad guitarrista Julian Lage y nacido en Rusia Nevelovskyi pianista Vadim. Gary grabó dos discos con el grupo titulado Generación generación y la siguiente y la banda recorrió constantemente desde 2003 hasta mediados de 2006.

Desde entonces, Gary ha centrado su grabación y la realización de esfuerzos en colaboración, con amigos viejos y nuevos, incluyendo giras y grabaciones con Chick Corea, Pat Metheny, Makoto Ozone, españoles pianista / compositor Polo Ortí, y el acordeonista francés Richard Galliano. Armistad Suite con Polo Orti y la Orquesta Sinfónica de Tenerife fue lanzado en la primavera de 2007. L'Hymne a L'amour con Richard Galliano fue lanzado por el sello Camjazz en agosto de 2007. La grabación de doble CD en vivo concierto con Chick Corea, The Silence Crystal Nuevo, salió en 2008, lo que resulta en el sexto Grammy Gary Burton en el 2009 los Premios Grammy. Chick y Gary recorrió a tiempo completo desde septiembre de 2006 hasta la primavera de 2008, y continuó de vez en cuando a dar conciertos en los EE.UU. y Europa en 2009.

Luego vino proyecto de colaboración Quartet Live, retomando el Cuarteto Gary Burton, del 1970, con Pat Metheny, Steve Swallow y Antonio Sánchez. Después de haber realizado giras por Japón, EE.UU. y Europa, este grupo realizó su tercera gira con actuaciones en los EE.UU. y Canadá, en junio de 2009. Los planes ya están en marcha para volver a unir y grabar y gira de nuevo en el futuro cercano. Mientras tanto, Gary recorrió de nuevo con Chick Corea en 2010-2011.

http://www.garyburton.com/display_page.php?id=2