Trybuna Elektronika

Elektrobizarro (II): ¡Guau! ¡Cuac! ¡Muuuuu! ¡Beeeee!

2012-01-26T10:00:00.000+01:00

Abordamos la segunda entrada de la serie Elektrobizarro, un recorrido por lo más casposo y friki de los sonidos electrónicos.

A principios de los 80, el uso del sampler, un aparato que permite muestrear y reproducir notas con cualquier sonido previamente grabado, empieza a generalizarse en las producciones electrónicas. Normalmente su aplicación añadía matices rítmicos, descriptivos y/o vanguardistas a los trabajos sintéticos de la época, aunque el uso abusivo del citado cacharro también sirvió para perpetrar algunas animaladas, y nunca mejor dicho, como las dos que presentamos aquí. Ambas fueron publicadas en 1982 en sendos singles, y ambas fueron bastante radiadas en las emisoras comerciales de la época.

Wonder Dog - Ruff Mix (7'' 1982)

La primera de ellas es el terrible "Ruff Mix", una calamidad sonora que entró en el top 40 de las listas inglesas, compuesta y producida por un tal Harry Thumann y publicada bajo el alias de Wonder Dog. Pero quien en realidad había detrás del asunto era un jovencísimo Simon Cowell, un ambicioso mozalbete que quería triunfar como ejecutivo en el mundo de la industria discográfica. Cowell estaba empeñado en promocionar y mantener la popularidad del invento a toda costa, realizando incluso apariciones televisivas disfrazado del perrito de marras, como podemos ver aquí:

Muchos años después, el tal Cowell acabaría siendo, entre otras cosas, un alto ejecutivo de Sony Music, y polémico y mediático juez en un concurso televisivo llamado American Idol, algo así como Risto Mejide de OT.

La pesadilla de la cara B, en la que aparte de perros se oyen también balidos de ovejas, sirve para enlazar con el segundo engendro que a continuación comentamos.

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The Singing Sheep - Baa Baa Black Sheep (7'' 1982)

La segunda animalada se tituló "Baa Baa Black Sheep", obra del "proyecto" The Singing Sheep, urdido por un fulano apodado Jeff Mutton, que vaya usted a saber quién era en realidad. El tema, que se presenta en dos mezclas, una en cada cara, es una versión de una vieja nana tradicional inglesa. Para más inri, fue publicado nada más ni nada menos que por Virgin, que por lo general era sinónimo de calidad, modernidad, vanguardia y esas cosas. Al parecer, en 1982 empezaban a perder los papeles. Además, no se les ocurre otra cosa que ponerle BAA 1 como número de catálogo. En cualquier caso, llegó al nº 42 de las listas inglesas, sonó bastante en España, donde se publicó tanto en 7'' como en 12'', y llegó a tener hasta un videoclip que incluso recuerdo haberlo visto en su época:

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Fiction Technology - Mega/Phase (CDS 1986)

2011-03-12T10:00:00.000+01:00

Por enésima vez, dedicamos otra entrada a un oscuro grupo que tan sólo publicó un disco.

Se trata del EP "Mega/Phase" del grupo alemán Fiction Technology, publicado en 1986 en formato CD. Fue la primera referencia de Primary Records, extraño sello que aún existe y que desde entonces... ¡sólo ha publicado dos referencias más!
"Mega/Phase" contiene cinco temas cuyo estilo, a estas alturas de la década, estaba ya algo desfasado. No obstante vale la pena recuperar este disco, especialmente por el tema "In The City", un pequeño clásico de culto en los ambientes minimal synth. "Time Vision" es el otro tema cantado del disco, aunque en este caso el tratamiento entrecortado aplicado a la voz puede resultar algo molesto. El resto de temas son instrumentales de corte oscuro en una onda que puede sonar a League Of Nations o Fast Set.

No puedo añadir mucho más, no he sido capaz de encontrar la más mínima información adicional sobre este grupo.

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Transparent Illusion - Still Human (LP 1981)

2011-03-05T10:00:00.002+01:00

(Entrada publicada originalmente en la primera y difunta edición de este blog).

Ante todo tengo que decir que éste no es, ni mucho menos, uno de mis discos favoritos. En mi opinión hay decenas de discos del género mucho mejores que éste, algunos ya comentados en este blog. Pero de alguna manera mi afán informativo me obliga a postearlo, ya que está unánimemente considerado el Santo Grial del coleccionismo de minimal synth. La aparición desde hace un par de años de copias pirata en vinilo ha hecho que su cotización haya caído considerablemente, pero para que os hagáis una idea, a finales de 2005 un ejemplar de este disco, del que aparentemente sólo se publicaron unas 300 copias, se vendió en Ebay por unos absurdos 1.400 eurazos.

Aparte, el halo de misterio que rodea esta obra sigue siendo impenetrable. Al contrario que otros proyectos del género, cuyos autores de una manera u otra han dado señales de vida a través de foros, redes sociales, páginas web propias o reediciones oficiales de sus obras, en vinilo o CD, a través de sellos especializados como Vinyl On Demand o Minimal Wave, no ha sido el caso de Transparent Illusion. Su autor, según los créditos un británico llamado Roy Young, sigue sin dar señales de vida, a pesar del empeño investigador de algunos aficionados, según los cuales Roy tendría unos 18-20 años y viviría con sus padres en alguna población como Stowupland o Haverhill cuando grabó este disco, que fue su única obra publicada, junto a un single con dos temas ("Vortex" y "Nuclear Release") incluídos en este LP.

Centrándonos en el disco en sí, se trata de una colección de 12 breves temas 100% electrónicos, enfundados en una hermosa carpeta hecha a mano por el propio Roy, realizados mediante rudimentario equipamiento analógico y cavernícola synthdrum, y con un sonido que puede recordar a los primerísimos Human League o los Soft Cell pre-Tainted Love, aunque algunos riffs me recuerdan vagamente a Gary Numan o los Stranglers (!). Los textos, entre lo apocalíptico y lo depresivo, están cantados con una voz y entonación sin duda mejorables.

En definitiva, no es un mal disco, ni mucho menos. A algunos frikis les chifla, probablemente no hay ninguno igual ni parecido, tiene un sonido muy particular y claramente distinguible, y algunos temas ("Vortex", "The Age Of Ridicule", "Is There Hope") me encantan, pero en general me resulta demasiado monótono, y en mi opinión se trata de una obra sobrevalorada en exceso, por lo menos económicamente. ¿A ti qué te parece?

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Portion Control - The Man Who Did Backwards Sommersaults (CD 1994)

2011-02-26T10:00:00.002+01:00

Portion Control fue un trío londinense formado en 1980 por Dean Piavanni, Ian Sharp y John Whybrew. Dan a conocer sus primeros trabajos mediante la publicación de diversos cassettes a través de un pequeño sello llamado In Phaze. Su equipamiento y estilo es aún cavernícola y minimal, muy influenciado por bandas como los primeros Cabaret Voltaire o Wire, pero poco a poco evolucionan hacia un estilo más agresivo que ellos llaman electro-punk. Una buena muestra de esto es su increíble primer LP, "I Staggered Mentally", editado también por In Phaze en 1982. Impreso en la contraportada podemos leer una breve sentencia: "Hard, rhythmic electronics". Es toda una declaración de intenciones. Un trabajo pionero que bebe del sonido industrial de la vieja escuela para procesarlo y regurgitarlo en forma de ritmos electrónicos que en algunos casos invitan al baile. Su segundo álbum, "Simulate Sensual" (1983), es en realidad un recopilatorio de grabaciones de la misma época que sigue la idéntica línea.

En 1983, su mini-LP "Hit The Pulse" muestra a un grupo que ha salido del garaje, que ha mejorado su rudimentario equipo, ha limado las aristas, y se está convirtiendo en una poderosa máquina de rítmica sintética sobre la que destaca otra marca de la casa: la agresiva y rasposa voz de Piavanni. Sin proponérselo, Portion Control, junto a D.A.F. y Cabaret Voltaire, estaban sentando las bases de la futura electronic body music.

Mientras ve la luz "Hit The Pulse", fichan por Illuminated Records, publicando entre 1983 y 1984 tres maxis con entidad propia y su tercer LP, "...Step Forward", obras que reflejan el momento más dulce del grupo. Tanto es así que hasta llegan a embarcarse como teloneros de Depeche Mode en la gira europea que éstos llevan a cabo con motivo de su LP "Some Great Reward" de 1984. Uno de esos maxis, "Rough Justice", aparece incluso en España de la mano de DRO. Aquí también saldría, a través de un oscuro sello granadino llamado Grabaciones La Casería, un mini-LP exclusivo para el mercado español que en realidad recopila material ya publicado al que se le ha cambiado algún que otro titulo.

Sin embargo, a partir de aquí aparecen los primeros síntomas de cierta desorientación. En alguno de sus temas se muestran quizás demasiado asequibles ("The Great Divide"), mientras que su último LP, "Psycho-Bod Saves The World" (1986), es algo disperso y contiene algún tema en plan electro-trash, guitarras incluídas, no del todo brillante.

En 1987, justo cuando se había anunciado su fichaje para una compañía importante como era London Records, desaparecen repentinamente y todo queda en agua de borrajas. Vuelven a la escena en 1990 bajo el nombre de Solar Enemy, pero con una orientación muy distinta, enfocada a terrenos techno y dark-ambient. Con este nombre publican un par de CDs, y en 1994 vuelven a hibernar.

Precisamente ese año aparece esta excelente y equilibrada retrospectiva, una acertadísima selección que reúne lo mejor del grupo, para alegría de sus viejos fans que por primera vez podemos disfrutar de su material en formato CD. No obstante, se echa en falta algún que otro tema, como por ejemplo el citado "Rough Justice". El booklet contiene una presentación escrita por Bill Leeb de Front Line Assembly, uno de los nombres clave de la ebm mundial, en que reconoce a Portion Control como el grupo que le impulsó a hacer su propia música. En el booklet se anunciaban futuras reediciones en CD de sus discos, pero no llegaron a salir.

En 2003, reducidos a dúo debido a la ausencia de Ian Sharp, vuelven súbitamente a la actividad, publicando nuevo material y embarcándose en una gira precisamente con Front Line Assembly. Desde entonces están viviendo una segunda juventud que les ha impulsado a publicar hasta cuatro nuevos trabajos en CD. También han recopilado la mayor parte de su obra en una caja retrospectiva de 4 CDs, aunque lamentablemente se trata de simples rips de los vinilos.

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Dicky Design - Into The Ghetto (CD-R 1998)

2011-02-19T10:00:00.002+01:00

Dicky Design fue la brevísima aventura unipersonal de un alemán llamado Frank Golder, quien en 1991, pertrechado con un modesto equipo analógico, grabó en un 4 pistas una serie de demos que repartió en dos cassettes tituladas respectivamente "Toys For Fun" y "2nd Demo". Golder contó con la colaboración a la voz y batería de un tal Heike Walter en tres de los temas: "Mexican Senoritas", "Strangers In Paradise" y "My Little Starship".

En 1998, Noise Records, un sello pirata especializado en reeditar en soporte digital oscuridades minimales en tiradas limitadísimas, pone en circulación este CD-R titulado "Into The Ghetto", cuyos 8 primeros temas pertenecen a la cassette "Toys For Fun", y los 6 restantes a "2nd Demo".

Sorprende muchísimo que en 1991 alguien se dedicara a hacer música en el más puro estilo "económico" de los primeros 80, ya que la reivindicación de esos viejos sonidos por parte de coleccionistas y vendedores que los etiquetaron como minimal synth estaba aún por llegar, y esas modestas producciones estaban totalmente olvidadas cuando Golder grabó estas demos.

En todo caso, es un material bastante interesante, de sonido deliberadamente añejo, y que algunos han comparado, con bastante acierto, con Absolute Body Control, un dúo belga de principios de los 80 que practicaba un eletro-pop poco más que amateur y que posteriormente fue el germen de proyectos más difundidos, como The Klinik o Dive.

En mi opinión, hay algún tema prescindible, como la fanfarria circense de "Lovegame", y alguna cosa que se aparta de la línea habitual, como el estupendo new beat de "4/4 Takt", el único tema cantado en alemán. En algunos casos lleva el minimalismo al extremo (genial "White Lights"), en otros se aproxima al sonido disco electrónico ("Strangers In paradise") o a los primerísimos Depeche Mode ("Susan Is Dead"), pero por lo general son piezas de electro-pop simple y juguetón, que van ganando en sucesivas escuchas.

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Syntec - The Total Immersion (CD 1993)

2011-02-12T10:00:00.000+01:00

Syntec fue un duo alemán formado por Uwe Kallenbach y Tobias Hartwig. Uwe había liderado previamente un efímero trío synth-pop llamado New Scientists, del que hablamos en la anterior entrada.

En 1993, Syntec publica su álbum de debut, este "The Total Immersion", que vino precedido por un par de CD singles de adelanto: "Puppets" y "It Takes A Word". Su estilo es un híbrido a medio camino entre el synth-pop de corte clásico y la electronic body music ligeramente oscura. Si hay que citar referentes ampliamente conocidos, podemos recurrir a Front Line Assembly ("Puppets" o "The Blind Love The Blind"), los Nitzer Ebb de "Showtime" ("It Takes A Word", "Ode To Anne"), o los Depeche Mode más oscuros en alguno de los temas más pausados y/o instrumentales ("Between The Lines", "Memory Lane", "The Total Immersion"). A pesar de que se echa de menos una mejor producción y un mayor esmero vocal en algunos momentos, para mí es un excelente disco.

En 1995 aparece su segundo álbum, "Upper World", publicado al igual que el anterior a través de Machinery, uno de los sellos importantes de la escena body centroeuropea, que contaba con And One como principal estrella de su catálogo. Sin embargo, la mala situación económica que atraviesa Machinery a partir de la segunda mitad de los 90 impide la publicación de su tercer álbum, que entre otras cosas iba a incluir una versión del "Nowhere Girl" de B-Movie. Intentan sacarlo por otro lado, y llegan a contactar con la multinacional Universal, al parecer inicialmente interesada, pero que tras escuchar la demo de ese tercer trabajo los acaba despachando diciéndoles que "la época de la música de los 80 se acabó, chicos".

En 2000, el sello norteamericano Synthphony publica "Eternity, The Best Of Syntec", un resumen condensado de su discografía en formato CD y que confirma que Syntec había dejado de existir. Sin embargo, en 2008 dicen haber retomado el proyecto y tener unos cuantos temas nuevos ya listos, aunque hasta la fecha nada más ha trascendido al respecto.

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La T - Dark Fields (LP 1983)

2011-02-05T10:00:00.001+01:00

La T. Enigmático nombre para un más enigmático trío barcelonés formado por unos tal Sr. Nada (ritmos percusivos), Caballero T (cintas y distorsiones) y Tres (voces, guitarras y sintetizadores).

A finales de 1983, cuando Tres ya había pasado a ser cantante de un grupo de rock y funk progresivo llamado Klamm, vio la luz de manera póstuma el único disco de La T, precisamente a través de Klamm Records, este LP titulado "Dark Fields", grabado durante el año anterior sin que los miembros del grupo llegaran a coincidir nunca en el estudio de grabación.

Se trata de un trabajo conceptual, a medio camino entre la vanguardia electrónica y el minimal synth, de ambiente denso y amenazador, y con alguna influencia de artistas como Psychic TV o Brian Eno. Entre otras cosas, describe situaciones angustiosas en zonas pantanosas de pesadilla, alternando temas muy experimentales y descriptivos con otros más rítmicos y hasta bailables.

En el disco podemos escuchar todo tipo de efectos, desde ruidos de pisadas, mastines ladrando y ranas croando en la oscuridad y, según contaban sus miembros, hasta el sonido del cerebro humano, sonidos capturados pacientemente durante años por el Caballero T y que suenan de fondo casi ininterrumpidamente durante la primera media hora del disco.

Aunque nunca llegaron a coincidir, Caballero T trabaja en el mismo estudio donde Tres graba sus sintetizadores y su voz, cantando en un perfecto inglés con un estilo muy similar al de David Byrne de Talking Heads. Por su lado, Sr. Nada trabaja desde su estudio doméstico, y sólo se reunen una vez a la semana para ver los progresos de su trabajo. Por cierto, el disco incluye un tema titulado "Silencio T" en el que no se oye absolutamente nada y que denota el posterior interés de Tres en el silencio como forma de arte, en torno al cual desde entonces ha girado el trabajo de este artista de vanguardia, todavía en activo.

A destacar también la excelente portada, en mi opinión una de las más hermosas que se han diseñado en este país.

Por desgracia, el proyecto no tuvo continuidad, y hoy en día el disco es práticamente inencontrable, ya que tan sólo se prensaron unas 300 copias. Como anécdota, explicaré que a mediados de los 80 compré este disco en una tienda de segunda mano del Raval barcelonés por 300 miserables pesetas. Estaba archivado en la letra D de Dark Fields. Como en otros casos, cometí la estupidez de malvenderlo pocos años después. Tuvieron que pasar 15 años para recuperarlo a precio de oro.

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Parade Ground - Cut Up (LP/CD 1988)

2011-01-29T10:00:00.000+01:00

Parade Ground fue un dúo belga formado por los hermanos Jean-Marc y Pierre Pauly en 1982. Durante 6 largos años permanecen en el absoluto underground, publicando diversos singles y maxis de cariz más minimal, hasta que en 1988 aparece este "Cut Up", su único trabajo en formato LP.

A Parade Ground se les metió en el saco de la electronic body music por el simple hecho de que el disco fue publicado por Play It Again Sam, sello estrechamente vinculado al citado género. De hecho, su excelente y pegadizo "Strange World" fue incluido en una histórica recopilación del sello titulada "This Is Electronic Body Music", lo que les daría a conocer a un público más amplio. Si bien el tratamiento percusivo en ése y en algún otro tema pueda aproximarles ligeramente a la EBM, lo cierto es que su estilo está mucho más cerca de un synth-pop de connotaciones cold wave, incorporando guitarras que en ocasiones les acercan más al sonido, por ejemplo, de los primeros New Order, que a los ritmos industriosos de los coetáneos Front 242, Nitzer Ebb, Borghesia, Klinik, etc. Además la voz algo aguda y un pelín cansina del vocalista, que me recuerda pero que mucho al cantante de China Crisis, no encaja con las voces profundas y roncas típicas de la body.

De este LP se extrajeron dos singles, el citado "Strange World" y "Hollywood", tras cuya publicación Parade Ground se separan para pasar a formar parte del staff de colaboradores de Front 242 durante la década de los 90, grupo con el que siempre mantuvieron una estrecha relación, y llegan a poner las voces en el álbum "Up Evil" de estos últimos. Sorprendentemente, en 2007 reaparecen en escena, publicando un indigesto álbum de puro ruidismo industrial titulado "Rosary", producido precisamente por Patrick Codenys de los 242, que absolutamente nada tiene que ver con su pasado synth-pop.

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Master Genius - Let's Break (12'' 1984)

2011-01-22T10:00:00.000+01:00

Vamos ahora a por un disco que probablemente no sea un dechado de virtudes en lo que a calidad se refiere, pero que... bueno, tuvo su gracia en su momento y, al menos para mí, tiene un cierto valor de tipo... nostálgico.

A raíz de la expansión mundial de la moda break dance que tuvo lugar a mediados de los 80, fue considerable la cantidad de discos y recopilatorios asociados al fenómeno que invadieron el mercado, la mayoría de ellos productos oportunistas de escasa calidad y realizados por proyectos coyunturales de corta vida.

Metido dentro del mismo saco, aparece en 1984 este curioso 12'' titulado "Let's Break", realizado por un dúo de productores holandeses de música disco sintética llamados Adams & Fleisner, quienes trabajaban con diversos alias, siendo el de Digital Emotion el más conocido. En esta ocasión se hicieron llamar Master Genius. Este disco fue también publicado en España a través de Fonomusic, obteniendo un notable éxito en discotecas y emisoras radiofónicas. Posiblemente es recordado por las onomatopeyas del Pájaro Loco que contiene.

Sin embargo, aunque hay muchos scratches y guiños al break dance, apenas hay presencia de los típicos ritmos quebrados propios del género. Lo que abunda es pura y simple música disco electrónica, en estricto compás 4/4, bastante correcta, subidita de bpm's y de tendencia hi-energy.

El grueso prinicipal del disco lo componen dos megamixes, uno en cada cara, que mediante breaks, efectos y secciones instrumentales realizadas expresamente en el estudio, empalman diversos fragmentos de temas del estilo entonces llamado tecnodisco. Incluye tanto segmentos de superéxitos como el "Living On Video" de Trans-X, como de temas propios como el "Go Go Yellow Screen" bajo el alias Digital Emotion.

Pocos meses después, los mismos productores sacaron otro artefacto similar en formato LP, titulado "Let's Break Into The 80's", repitiendo el mismo planteamiento aunque con mucho menor éxito, y el proyecto Master Genius deja de existir. Al poco tiempo dan vida a otra afortunadamente breve aventura bajo el nombre de Video Kids, explotando hasta la saciedad los cantos del Pájaro Loco mediante la horripilante "Woodpeckers From Space", una estúpida cancioncilla que supongo que todo el mundo que tenga ya cierta edad habrá sufrido alguna vez, y que se conoció aquí con el título de "Pájaros Carpinteros desde el Espacio".

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Performance - Performance (12'' 1982)

2011-01-19T10:00:00.000+01:00

Vamos ahora con otro disco más raro que un perro verde. Su rareza no radica en la dificultad en conseguir el vinilo original (se encuentra con relativa facilidad y a precios más o menos asequibles), sino en su contenido sonoro y en lo poco que se sabe de sus autores.

Este maxi sin título es, hasta donde yo sé, el único testimonio discográfico de un trío residente en Francia llamado Performance, formado al parecer por un alemán (Erik Küntz), un holandés (Karl Holmqvist) y un único francés (George Hébert). Fue publicado en 1982 a través de Celluloid, un importante sello franco-americano que a lo largo de los 80 se encargó de la edición en el país vecino de los discos de grupos como los Material de Bill Laswell (quien a su vez era uno de los co-propietarios del sello), The Residents, Tuxedomoon, Yello, Soft Cell y un largo etc., amén de grupos locales y otros de menor calibre.

A pesar de contener cinco temas, la duración total no supera los 11 minutos. El disco se abre y se cierra de la misma manera, es decir, con sendos temas synth-pop ("Pilotes" e "Idéal Présent"), de sabor refrescante y agradable melodía. Entre ambos se sitúan los otros tres cortes, que dan la sensación de ser breves ideas o bocetos sin desarrollar. "Idéal Prison" es algo así como un intrigante reprise de "Idéal Présent", mientras que "Sécurité" y "Tapage Nocturne" son dos miniaturas instrumentales, de ritmo y carácter apacible la primera (no puedo evitar que me recuerde al dúo Air), y más misteriosa la segunda.

Desde luego, este disco no es la obra magna del synth-pop galo, pero suena atemporal y se deja escuchar placenteramente durante esos 10 minutos en que a veces uno sabe qué música poner. En todo caso, es otro extraño fruto de la irrepetible agitación creativa y tecnológica de los primeros 80, que bien merece la pena (re)descubrir.

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Líneas Aéreas - Líneas Aéreas (7'' EP 1983)

2011-01-15T10:00:00.007+01:00

(Entrada publicada originalmente en la primera y difunta edición de este blog).

Seguimos con otro de los grupos españoles que tan sólo publicaron un disco. En este caso se trata de los barceloneses Líneas Aéreas, formados por Francisco Palomo (alias Frank P.S.) y Jorge Gúber (ex-guitarra del legendario grupo del legendario grupo punk Último Resorte y de Cosmopolitas junto a Demian).

Publicaron esta única joya en 1983, una de mis favoritas de toda la vida. Aún recuerdo cuando un par de años después, siendo un adolescente, lo encontré en un cajón de saldos a 50 ptas. en un Corte Inglés. Fue publicado a través de Discos Para Desayunar, subsidiaria de Flor y Nata Records, supuestamente en tirada de 1000 ejemplares.

Los tres temas que contiene este EP a 33 rpm, uno de ellos cantado en alemán, fueron grabados en 8 pistas y con escasos medios, y siguen la corriente de ficción tecnológica y afán europeizante promovida por grupos como Kraftwerk, aunque sus robóticos y austeros ritmos les acercan más al sonido de los primeros Human League.

Desgraciadamente el proyecto no tendría continuidad. Quién sabe lo que podrían haber hecho con mejores medios y producción, y si la revista Rock Espezial, referente de la modernidad de la época, los hubiera tratado mejor. A Gúber se le localiza 2 años después en Bégica, publicando como Metropakt un par de temas en sendos recopilatorios colectivos, y en 1988 se alia con Krishna Goineau (ex-Liaisons Dangereuses, suya es la voz del mítico "Los Niños Del Parque") para publicar un único disco con el nombre de Velodrome, uno de cuyos temas, "Capataz", se convertiría en un clásico de la ruta destroy valenciana de finales de los 80.

Hoy en día el disco de Líneas Aéreas, jamás reeditado, es una de las piezas españolas más arraigadas (y cotizadas) entre los coleccionistas de minimal synth de todo el mundo.

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Demian - Kopek/Duende (7'' (1983)

2011-01-12T10:00:00.002+01:00

(Entrada publicada originalmente en la primera y difunta edición de este blog).

Peculiar y divertido single publicado por la independiente Lollipop en 1983, compañía que actualmente sigue en activo. Sería el único disco de Demian que vería la luz.

Este barcelonés formó parte junto a Jordi Gúber de un dúo electrónico de breve vida llamado Cosmopolitas. Tras separarse, Guber formaría Líneas Aéreas, mientras que Demian funcionaría en solitario, editando al parecer algunas maquetas que jamás he visto ni escuchado, y este único disco.

La divertida cara A, "Kopek", que hoy día podría formar parte de esas antologías de material friki o bizarro, es un tema de electro-pop minimal que, siguiendo cierta moda romántico-europeísta de la época, incluye recitados en ruso (!), como si de clases particulares de este idioma se tratara, y frases tan desternillantes como "por qué niet open the fenêtre?"

El sonido es muy electrónico y minimal, aunque la presencia de un violín en los comienzos y finales de los temas me resulta algo prescindible. En la forma de cantar se notan claras influencias de David Sylvian de Japan, a la sazón uno de los estandartes de la modernidad snob.

"Duende" en la cara B es un tema synth-pop más convencional. Curiosamente en los créditos consta como productor de este tema un tal Mike Thorn, no sé si se tratará en realidad de Mike Thorne, el que fuera productor entre otros de Soft Cell o Communards, la verdad es que me sorprendería bastante.

Tras este single, nunca más se supo de este hombre. Por cierto, a destacar también la bonita portada desplegable.

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Raymond Scott - Soothing Sounds For Baby Volume I (LP 1963)

2011-01-08T10:00:00.003+01:00

De nuevo dedicamos una entrada a la paleontología de la música electrónica. Hoy le toca el turno a Raymond Scott, un verdadero genio visionario que, si no hubiera sido por su enfermizo secretismo, celo profesional y exagerado perfeccionismo hubiera sido sin duda uno de los nombres clave de la electrónica popular del siglo XX.

Hay ingentes recursos en la red sobre Raymond Scott y en especial sobre su faceta electrónica, por lo que aquí haremos tan sólo una breve síntesis expandible.

Raymond Scott fue inicialmente un director de orquesta y músico de swing, que consiguió celebridad gracias a diversas piezas compuestas como banda sonora de los dibujos animados de la Warner. Era meticuloso y exigente hasta tal extremo que sus músicos, al parecer tratados con bastante despotismo, no soportaban trabajar con él por mucho tiempo, a la vez que él consideraba que no había ningún músico capaz de ejecutar su música a su plena satisfacción. Fue precisamente esto lo que le impulsó a partir de finales de los años 40 a inventar, desarrollar y programar extraños artefactos electrónicos que obedecieran sumisamente sus órdenes y así poder prescindir de los músicos. Scott instaló un monumental estudio en su propia mansión, que ocupaba varias salas enteras, pero que muy poca gente tuvo el privilegio de ver. Lamentablemente tales instalaciones e instrumentos los utilizó básicamente para la realización de jingles y sintonías para publicidad, pues su excesiva autoexigencia y su hermetismo rayano en lo paranoico le impidió prácticamente finalizar y divulgar adecuadamente sus propias obras. Aquí podemos ver y escuchar íntegramente uno de esos trabajos publicitarios:

Uno de sus más emblemáticos inventos fue el Electronium, una visionaria máquina que estuvo desarrollando durante unos 15 años y cuya misión era componer y reproducir música, de manera instantánea y autónoma, de acuerdo a una serie de parámetros indicados por el autor. Inteligencia artificial avant-la-lettre: el sueño algo utópico de Scott fue el de poder transmitir la música directamente de su pensamiento a una máquina que la ejecutara. El Electronium fue lo más parecido que pudo conseguir. El único ejemplar superviviente que se conoce de este artefacto es desde hace años propiedad de Mark Mothersbaugh, uno de los miembros fundadores del grupo Devo. Ha estado décadas sin funcionar, pero hace unos meses se han iniciado unos trabajos de restauración que si llegan a buen puerto pueden catalogarse de históricos.

Respecto al disco que posteamos hoy, se trata de la primera entrega de la serie "Soothing Sounds For Baby" de 1963, formada por tres volúmenes independientes, desarrollados junto a un tal Instituto Gesell para el desarrollo del niño y destinadas nada más ni nada menos que a calmar y a la vez estimular diversas facetas del crecimiento de los bebés. Este primer volumen estaba pensado para bebés de 1 a 6 meses. Los otros dos iban destinados respectivamente a bebés de 6 a 12, y de 12 a 18 meses. Fueron publicados en ediciones sumamente cortas por Epic en 1963, y puede decirse que son los únicos trabajos electrónicos de Raymond Scott publicados en vida de manera oficial.

Se trata de una música completamente electrónica, realizada en parte con el Electronium de su invención, así como otros instrumentos ajenos y añejos, como el Ondioline. Son por lo general temas bastante extensos, apacibles, muy minimalistas y ambientales, que generalmente repiten hasta lo mántrico melodías de aire infantil o ritmos que emulan objetos de la vida real (relojes, máquinas de escribir, etc) con leves evoluciones del sonido. Tengo serias dudas de cómo reaccionarían los infantes al escuchar estas juguetonas y marcianas letanías sintéticas, pero lo que está claro es que es una increíblemente pionera música ambiental. Brian Eno tardaría más de diez años en publicar su "Discreet Music".

Estos tres discos han permanecido prácticamente en el anonimato hasta que el sello holandés Basta Music los reeditó en 1997, tanto en formato CD como en vinilo de alta calidad, reproduciendo en este formato las portadas y textos originales.

Para ampliar a fondo conocimientos sobre la vida y obra de Scott, existe un documental biográfico titulado "Deconstructing Dad - The Music, Machines and Mystery of Raymond Scott" cuyo trailer podemos ver aquí:

Y existe también un imprescindible doble CD más libro, de obligada compra para cualquier aficionado serio de la retroelectrónica, titulado "Manhattan Research", del que nuestro amigo Audionaut da buena cuenta en su fantástico blog Audionautas. Fue también publicado por Basta Music en 2001, y que sirvió para dar a conocer de manera más amplia y general las chifladuras electrónicas de este caballero, hasta entonces prácticamente desconocido a pesar de todo el tiempo y recursos que dedicó en vida al asunto. Tan sólo por el impresionante libreto de más de 100 páginas, plagado de fotos de época, toneladas de información, entrevistas, etc., vale su peso en oro. Y si añadimos el contenido sonoro de los 2 CDs, una excelsa recopilación plagada de prehistóricos sonidos sintéticos realizados por Scott desde sus laboratorios privados en los años 50 y 60, precisamente llamados Manhattan Research, podemos decir que estamos ante uno de los más importantes álbumes electrónicos jamás publicados. Nunca, nunca me cansaré de recomendar encarecidamente este álbum.

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Minimal Man - Treatment Feel (12''/CDS 1994)

2011-01-05T10:00:00.001+01:00

A pesar de lo que pueda sugerir el nombre del proyecto al que dedicamos esta entrada, no se trata en absoluto de otro de esos oscuros y añejos grupos minimal synth, relativamente habituales en la Trybuna Elektronika. Si bien es cierto que hubo un Minimal Man norteamericano a finales de los 70-primeros 80 que puede asociarse indirectamente con esa escena, el que tratamos aquí es otro proyecto posterior con el mismo nombre, pero que nada tiene que ver con el primero.

Este Minimal Man fue un dúo británico formado a principios de los 90 como proyecto paralelo de Ian David Loveday, conocido en la escena rave de los primeros 90 con el nombre de Eon, y Peter Frank Adshead, mucho más conocido como Baby Ford, uno de los más veteranos nombres de la escena electrónica de baile y uno de los principales artífices de la introducción de los sonidos acid-house en Gran Bretaña, y por ende en el resto de Europa, a finales de los 80.

Durante su existencia Minimal Man publicaron aproximadamente una decena de maxis, aparecidos entre 1993 y 2005, aunque lamentablemente jamás llegaron a sacar un álbum. Este "Treatment Feel" que presentamos aquí fue el segundo y el más conocido de esos maxis, publicado en 1994, y que apareció también en formato CD single. Dada la coyuntura en que vio la luz, no se dudó en encasillarlo indistintamente como trance o progressive house. Etiquetas aparte, en todo caso "Treatment Feel" es en mi opinión una de las más trepidantes y demoledoras secuencias techno-house jamás perpetradas, perfectamente diseñada para ser pinchada en el momento culminante de una de esas locas noches de baile y hedonismo desenfrenado, un temazo con músculos de acero y ardiente como el averno, que apunta directamente y sin posibilidad de error a los pies y a la líbido del oyente. Vamos, tan excitante que no exageraría demasiado si digo que hasta me pone... cachondo.

La cara B iba ocupada por una segunda y tercera partes del tema, empalmadas sin pausa hasta el punto de no saber cuando termina una y empieza la otra.

Sus trabajos posteriores y lamentablemente escasos iban encaminados en la misma dirección, aunque no llegaron a la inmediatez y carisma de este monumental "Treatment Feel", del que nuevas remezclas verían la luz en otro maxi aparecido en 2001.

Baby Ford sigue aún en activo tras más de 20 años de carrera, pero, desgraciadamente, Ian David Loveday falleció en junio de 2009 a causa de una neumonía.

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Snowy Red - Snowy Red (LP 1981)

2011-01-01T10:00:00.001+01:00

Inauguramos el nuevo año con una entrada dedicada al primer LP de Snowy Red, una pieza poco menos que legendaria dentro de esa "campaña de recuperación de la memoria sintética" conocida como minimal synth.

Snowy Red fue el nombre artístico de un belga apodado Mickey Mike y de nombre real Marcel Thiel. Tras formar parte de Chainsaw, según algunos la primera banda punk que existió en Bélgica, a finales de 1980 cambia totalmente de tercio, se monta un modestísimo estudio doméstico con equipación analógica, y autopublica éste primer álbum, de título homónimo, en 1981.

Resulta evidente la influencia de artistas coetáneos como Gary Numan o John Foxx, aunque las limitaciones impuestas por la escasez de recursos en este disco le da ese toque distintivo y especial, en muchos momentos considerablemente oscuro, hipnótico y repetitivo. Asimismo, en temas como "Maud Is Dead" o "Baby Tonight" se advierte también la más que probable atracción que Mickey Mike sentía por Suicide.

Su puesta en escena es la típica de este tipo de artistas durante los primeros 80 y que ponía nerviosas a las mentalidades más rockistas y conservadoras de la época: Mike solo en el escenario, acompañado de un par de bailarinas, magnetofones con cintas pregrabadas y pases de diapositivas.

Al año siguiente, amplia ligeramente su estudio, al que dota ya de 8 pistas, y aparece su segundo LP, "The Right To Die", también autopublicado a través de su propio sello Dirty Dance e igualmente de sumo interés.

A partir de 1983, Snowy Red pasa a ser un grupo de cinco miembros, publicando al año siguiente un irregular álbum titulado "Vision". Su sonido se ha profesionalizado y se inclinan por un funk electrónico más comercial. A pesar de mantener cierto aire oscuro en algunos temas, el encanto de esos dos primeros LPs se ha perdido totalmente.

Tras un largo período de silencio, Snowy Red reaparece en 1988, de nuevo como proyecto en solitario de Mike, y da un nuevo giro a su trayectoria. Publica al año siguiente su cuarto y último álbum, premonitoriamente titulado "The Beat Is Over", orientado esta vez hacia la EBM y el new beat, estilos que estaban en su máximo apogeo y en los que pasa a ocupar una modesta posición, ascendiendo ligeramente su popularidad. Se embarca en una gira europea junto a à;GRUMH y Skinny Puppy, tras la cual desaparece totalmente.

A principios de los 2000, el floreciente interés en oscuridades electrónicas de 20 años atrás motiva la reaparición en 2004 de Snowy Red para dar algunos conciertos, con Mike acompañado en esta ocasión por un guitarrista llamado HH Del Rio. Parecía que iba a haber continuidad en la resurrección mediante la publicación de nuevo material, pero finalmente se encalló por asuntos legales y no vio la luz.

En mayo de 2009 Marcel Thiel fallece a causa de complicaciones post-operatorias derivadas de multiples problemas de salud que venía arrastrando.

Hoy día, o por lo menos hasta hace un par de años, la cotización tanto de éste como de su segundo álbum podía superar los 150-200 € cada uno. La proliferación de reediciones piratas, crisis, saturación del mercado, etc, ha motivado un ligero descenso. Por cierto, es una verdadera lástima que a estas alturas todavía no se haya reeditado este material de manera oficial.

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A Number Of Names - Sharevari (12'' 1981)

2010-12-22T10:00:00.000+01:00

Por norma general suele citarse a los detroitianos Cybotron, y en concreto su tema "Alleys Of My Mind" de 1981, como la semilla original del denominado Detroit techno, género que se expandió a lo largo y ancho del planeta unos cuantos años después aprovechándose del fenómeno acid-house. Quizás debido a la presencia de Juan Atkins en esos primeros Cybotron, uno de los miembros de la llamada Santísima Trinidad del techno de Detroit junto a Derrick May y Kevin Saunderson, y una autoridad mundial en el ámbito de la música electrónica, esa afirmación se ha considerado generalmente un teorema irrefutable.

Sin embargo, no son pocas las voces que discrepan al respecto, argumentando con contundencia que este visionario maxi titulado "Sharevari", publicado semanas antes del citado tema de Cybotron, contiene la verdadera esencia que dio origen al subgénero. Y puede ser que razones no les falten.

A Number Of Names fue un efímero trío, también de Detroit, formado por Sterling Jones, Paul Lesley y Roderick Simpson. Su testamento discográfico se reduce prácticamente a este tema emblemático que aquí presentamos. A pesar de la corta vida artística de sus autores, este tema ha alcanzado tal estatus de leyenda que su nombre aparece ya escrito en letras de oro en todas las narraciones históricas de la música electrónica popular que se precien, como el libro "Techno Rebels" de Dan Sicko, en el que profundiza con detalle al respecto.

En resumen, "Sharevari" debe su título a un club de Detroit de idéntico nombre, un glamouroso local frecuentado por la flor y nata del pijerío local, que acudían en sus lujosos coches ataviados con prendas de alta costura, y donde las ondas neorrománticas, tecnopoperas e italodiscotequeras, emitidas desde la Vieja Europa, causaban estragos entre una juventud ávida de sonidos modernos. El nombre del club proviene a su vez de una línea de moda francesa llamada Charevari.

Precisamente de todo ese lujoso ambiente trata la canción, algo que quizás no encaja con la imaginería científica y tecnológica que se le presume al techno. Sin embargo, el colchón musical sobre el que A Number Of Names narra su historia se avanza sin duda unos cuantos años al devenir de la eletrónica de baile. Evidentemente, contiene trazas de música disco y textos algo superficiales, pero esa línea de bajo, de carácter oscuro, hipnótico y lineal, anticipa claramente unas estructuras acid todavía muy lejanas. En todo caso, un tema que sin duda hay que tener en cuenta a la hora de narrar la apasionante historia de la música electrónica.

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The Passage - Enflame (LP 1983)

2010-12-18T10:00:00.000+01:00

"Enflame" fue el cuarto y último LP de The Passage, un grupo de Manchester fundado en 1978 por un percusionista de formación clásica llamado Dick Witts, el único miembro que permaneció en el grupo hasta el final. En la formación inicial militaron dos ex-miembros de los legendarios The Fall que poco después abandonarían.

Tras un par de EPs y más cambios en sus filas, aparecen en 1980 y 1981 sus dos primeros LPs, "Pindrop" y "For All And None" respectivamente. Son trabajos que podríamos catalogar como post-punk bastante politizado e intelectualizado. En algún momento se les llega a comparar con Joy Division.

En 1982, con una formación de trío ya por fin estabilizada, sale su tercer LP, "Degenerates", primero que publican a través de Cherry Red, y que incluía el tema "Xoyo", el único amago de éxito logrado por la banda. En este álbum, el tratamiento electrónico en su música empieza a cobrar protagonismo.

En 1983 aparece su último trabajo, este "Enflame", también a través de Cherry Red. Aquí el tratamiento electrónico es ya primordial. Podemos decir que es un disco de synth-pop barroco, osado y poco convencional, con textos algo abstractos y a veces un tanto crípticos, plagados de juegos de palabras, que igual hablan de sexo como arremeten contra la iglesia, la ciencia, la política o la sociedad. La música es de una complejidad inusual y las canciones tienen una extraña estructura que a veces parece improvisada. Algunas están dotadas de armonías casi cinematográficas, y el intenso trabajo de percusión, esa desbordante polirritmia a medio camino entre el tribalismo y la orquestación clásica, es de lo más singular.

"Enflame" incluye todavía algún ramalazo de su pasado (el furioso y guitarrero "Man Of War"), pero también raciones de baile mecánico ("BRD USA DDR JFK"), synth-punk desbocado ("Clear As Crystal"), o electro-pop kraftwerkiano ("Drugface", cuya frase "drug fits the face" sampleó y le sirvió al polifacético Moby en sus inicios para bautizar uno de sus temas).

Misterios de la vida, tanto "Enflame" como "Degenerates", así como un recopilatorio posterior titulado "Through The Passage", fueron puntualmente publicados en España por Edigsa/PDI, aunque sólo sirvió para que decenas de ejemplares sin vender se amontonarán en las tiendas de discos a precio de derribo.

En 1997, Cherry Red recupera por primera vez en CD algunos de sus temas, mediante una recopilación titulada "Seedy". Hay que esperar hasta 2003 para que el veterano sello LTM Publushing, especializado en reediciones de oscuridades y vanguardias de los 80, reedite en CD la totalidad de sus álbumes, incluyendo en cada uno singles, caras B y otros bonus.

En definitiva, The Passage fue otro de esos grupos malditos que durante su corta carrera, a pesar de las buenas críticas generalmente recibidas, no lograron conseguir la recompensa merecida. Precisamente ése fue el motivo de su separación definitiva. A día de hoy, y pesar de esas reediciones en CD, el nombre de The Passage sigue sumido en las sombras y el olvido. Tan sólo por este estupendo y osado disco, hubieran merecido mucho más.

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Heavy Duty Breaks (LP 1984)

2010-12-11T10:00:00.002+01:00

Tal como explicamos en la entrada correspondiente al recopilatorio "Discordia", durante 1984 y 1985 el sello D.R.O. publicó en España unos cuantos discos del sello británico Illuminated Records. Éste fue uno de ellos, publicado en UK en 1984, y que apareció aquí al año siguiente, a través de una subsidiaria de D.R.O. llamada Neón Danza, a la sazón recientemente creada, y que estaba especializada en productos destinados a la pista de baile.

Este "Heavy Duty Breaks" (juego de palabras basado en la expresión heavy duty brakes, algo así como frenos para vehículos pesados) es en realidad una especie de megamix en clave radical dance (efímera denominación que se le dió a la música electrónica de baile con tendencia industrial) basado en varios temas de grupos de Illuminated, como Portion Control, 400 Blows, 23 Skidoo, Tara Butler, etc. Vamos, una especie de Max Mix (un producto bastante célebre en la época), pero realizado con materiales más... abrasivos. Fue realizado por un tal Eddie "Evil" Richards, junto al polifacético Martin Glover, entre otras cosas ex-bajista del legendario grupo after-punk Killing Joke, y más conocido como Youth.

Richards y Youth no se limitaron a realizar un megamix simplemente empalmando los temas a la manera del citado Max Mix, sino que incorporaron arreglos propios para las potentes bases rítmicas y las transiciones, siendo en este sentido un trabajo muy precursor. El resultado son dos enérgicas mezclas de 15 minutos que, aunque arrastran algún tic coyuntural de la época, suenan bastante adelantadas a su tiempo. Los ritmos quebrados de la cara A, de tempo más calmado y salpicada de scratches, tiene un aire, digamos, break-dance, pero la cara B, más subida de bpm's, es demoledora teniendo en cuenta el momento en que fue publicado este artefacto.

Un disco bastante olvidado pero que sin duda merece la pena ser revisitado.

La lista detallada de temas que forman cada megamix es la siguiente:

Cara A:
400 Blows - Pressure
23 Skidoo - F.U.G.I.
Out - Tough Enough
Dormannu - The Dread
Zazou - M'pasi Ya Pamba
400 Blows - Grove Jumping
23 Skidoo - Coup
400 Blows - Declaration of Intent

Cara B:
Executive Slacks - Our Lady
Data - Blow
Portion Control - Raise the pulse
Data - Blow
Portion Control - Go-Talk
Power to Dream - Faith Healer
Tara Butler - Up against the wall
Power to Dream - Faith Healer
Sex Gang - Dieche

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Korta-Zaharra - Transit Motion (7'' 1985)

2010-12-08T10:00:00.000+01:00

Korta-Zaharra fue un dúo vasco formado en 1984 por los hermanos Begoña y Fernando Kortázar. Desde muy joven Begoña es una nómada que ha residido ya en lugares tan exóticos o lejanos como Marruecos o Australia.

A principios de los 80 recala en Nueva York. Allí es bajista de un grupo llamado Work, mientras su hermano Fernando forma parte de un grupo barcelonés llamado De la Motta. Ni una ni otro están demasiado satisfechos con lo que hacen, por lo que Fernando se traslada también a Nueva York en verano de 1984 y forman el dúo. Poco a poco desarrollan conjuntamente las ideas que les rondan por la mente y van componiendo un repertorio. Begoña desprende cierto aire místico, tanto en su manera de cantar como en ciertas declaraciones en que manifiesta que la música es el camino que tiene para comunicarse con el más allá.

Al año siguiente viajan a Madrid acompañando al novio de Begoña, un escultor norteamericano que expone en la feria Arco '85 y cuya exhibición musican los hermanos Kortázar. Aprovechan su estancia en la capital para contactar con Grabacciones Accidentales, y firman para publicar este single, que también apareció en formato 12'' incluyendo una extended mix de "Transit Motion" apenas un minuto más larga.

Se trata de un par de canciones catalogables como funk electrónico, con tempo lento y estructura break dance en "Transit Motion", y mayor dinamismo en "Dive Out", en mi opinión mucho mejor. En la grabación participan otros dos músicos, César Molero y José Jiménez, que consiguen dar un matiz muy cálido y casi exótico a su música, con un tratamiento percusivo muy interesante, especialmente en el trabajo a los bongos de José Jiménez.

Poco después de publicarse este disco, y a pesar de que prometían continuidad, el dúo desapareció en combate. Hoy en día diría que es uno de los discos más olvidados del panorama pop nacional.

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Van McCoy & The Soul City Symphony - Disco Baby (LP 1975)

2010-12-04T10:00:00.008+01:00

Hoy me ha resultado imposible reprimirme y me he visto en la necesidad de publicar una entrada dedicada a un disco no electrónico (aunque casi). Es una aportación que podríamos catalogar de "personal e intimista", motivada por una cuestión de memorabilia personal asociada a una determinada canción que en mi tierna infancia me marcó profundamente. Por lo tanto, debo advertir que en esta entrada nos apartamos un poco de la temática habitual de la Trybuna Elektronika y que es posible que carezca de interés para el lector habitual.

Este "Disco Baby" de Van McCoy & The Soul City Symphony, publicado en 1975, es uno de los primeros álbumes en que la palabra disco forma parte de su título. Es el segundo LP de Van Allen Clinton McCoy, un productor y compositor nacido en Washington, que inicialmente trabaja a sueldo para artistas generalmente soul y que posteriormente, acompañado de su The Soul City Symphony, se decantaría hacia la música disco. En esa época, el sonido disco estaba aún en la fase inicial de su evolución, un género hasta entonces circunscrito prácticamente a determinados ambientes gays y de raza negra en los USA, aunque gracias al éxito de algunos temas, empezaba a expandirse rápidamente e iniciaba su viaje hacia la vieja Europa.

Este LP, sin embargo, mantiene aún esos rasgos iniciales del estilo: mezcla de funk, soul, cuerdas de Philadelphia, matices lounge, textos intrascendentes, tempo moderado, hedonismo a borbotones y estética blaxploitation. Todos los temas de este disco siguen más o menos esa misma tónica. No puede decirse que sea, ni mucho menos, mi álbum favorito de música disco, un género que, como ya he dicho en alguna ocasión, siempre me ha atraído en líneas generales. Pero este disco incluye un tema cuyo recuerdo, como decíamos antes, es lo que realmente ha motivado esta entrada.

No se trata de un recuerdo cualquiera, sino el de haberme sentido por primera vez en mi vida, hasta donde soy consciente, fuerte e indeleblemente impactado por una canción, casualmente escuchada por la radio. Por asociación con otros recuerdos, tuvo que ser en otoño de 1975. Una tarde en mi casa sonó ese tema por la radio. El aire misterioso de sus primeros 30 segundos me provocaron una irresistible atracción, teñida de algo muy semejante al miedo o desasosiego. Recuerdo en esos primeros instantes haber corrido temeroso hacia los brazos protectores de mi madre, pero de repente, la canción cambia y se vuelve más festiva y pegadiza. Aunque volví a escucharla en unas poquísimas ocasiones posteriores, bastó esa primera vez para que la melodía se grabara a sangre y fuego en mi memoria de por vida. Todo esto puede sonar muy peliculero, pero juro y perjuro que fue así.

Lógicamente, a esa edad de 6 años no sabía el título ni el autor del tema, conceptos todavía poco conocidos para un niño. Al poco tiempo, el recuerdo de la dichosa canción entró en hibernación en el limbo de mi subsconciente, evocándolo fugazmente muy de vez en cuando mientras los años iban pasando.

De repente, hacia 1990 el recuerdo aflora con fuerza al adquirir el LP "Ninety" de 808 State, y escuchar con estupor que su tema "Cobra Bora" reproducía durante algunos instantes ese coro intrigante que tanto me había marcado en mi tierna infancia y que desde entonces no había vuelto a oir. Sin embargo, los créditos del disco no hacen referencia alguna al origen de esa melodía. Internet aún no había nacido, por lo menos en su forma actual, por lo que los recursos para averiguar este tipo de información me resultaban muy limitados. Tras algunos infructuosos intentos, seguí quedándome con las ganas de saber cómo rayos se titulaba aquello y quién diablos era su autor o autores.

Hacia finales de los 90 surge una segunda oportunidad. De manera totalmente casual, escucho un breve fragmento del tema original como sintonía de cierre de uno de esas repelentes tertulias televisivas de emisión matutina. No recuerdo si era de TVE o de Antena 3, pero la cuestión es que mi obsesión me llevó al punto de llamar por teléfono a la cadena televisiva para ver si podía averiguar algo, aunque tras largos tonos de espera al otro lado de la línea, no tuve suerte.

Pero como suele decirse, a la tercera va la vencida. Pocos meses después de esa "anécdota televisiva", me encuentro enfrascado en la enésima lectura del libro "La Madrugada Eterna" de Paco Peiró. Mientras lo leía en aquella ocasión, seguía la costumbre de descargarme algunos temas que el autor mencionaba y que eran desconocidos para mí. Usaba el entonces reciente Napster, el primer programa de intercambio de archivos que surgió en internet. En el capítulo dedicado a la música disco, y en concreto cuando habla de sus orígenes, el autor hace mención de un par de temas que considera memorables: Uno es el "Love's Theme" de Barry White, canción que probablemente todo el mundo habrá escuchado alguna vez. El otro es "The Hustle" de Van McCoy, nombre que me era totalmente desconocido. Tan sólo por perezosa curiosidad, introduje estos datos en el buscador del Napster, encontré y descargué el tema, lo empecé a escuchar, y casi me da un síncope cuando oigo sonar esos misteriosos segundos iniciales de aquel tema que 25 años antes tanto me había impresionado, felizmente recuperado de la manera más azarosa gracias a la lectura de un libro sobre música electrónica.
En este breve video vemos a Giorgio Moroder (precisamente el artista a quien Paco Peiró dedica mayor extensión en su capítulo sobre la música disco) y a John "Jellybean" Benitez comentando las excelencias de "The Hustle".

Según explicó el propio McCoy en su momento, "The Hustle", título que hace referencia a un baile de efímera moda en la época, fue incluido en este LP casi de milagro, pues fue el último tema que grabaron durante las sesiones, y a punto estuvo de ser descartado. Pero entró, se publicó también en single y resultó ser un bombazo inesperado en USA, llegando incluso a ganar un Grammy como mejor instrumental del año. Fue el único gran éxito que su autor obtuvo durante su carrera en solitario. Cuatro años después Van McCoy fallecía de un infarto con tan sólo 35 años de edad.

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Tone Set - Calibrate (MLP 1983)

2010-11-27T10:00:00.011+01:00

Por enésima vez, dedicamos otra entrada a uno de esos oscuros grupos electrónicos de los primeros 80 cuyo único testamento discográfico se reduce lamentablemente a un sólo vinilo.

En esta ocasión le toca el turno a Tone Set, un dúo formado probablemente hacia 1981 por Galen Herod y Greg Horn en Tempe (Arizona), quienes se conocen trabajando en una emisora de radio local. Ambos comparten piso, que acondicionan también como pequeño estudio de grabación doméstico y donde dan forma a sus primeras ideas, principalmente material instrumental elaborado mediante técnicas de collage, cintas pregrabadas con diálogos televisivos o radiofónicos, e instrumentación electrónica. No obstante, no se trata de una música excesivamente difícil o vanguardista, sino que se advierte un remarcable acento asequible. De hecho, el tema "Out, Out" se convierte en un pequeño hit a nivel local. Estos trabajos ven la luz al año siguiente a través de un cassette titulado "Cal's Ranch".

En 1983 publican su único disco, este mini LP titulado "Calibrate", un trabajo en que el grupo muestra dos facetas, o más bien dos fases evolutivas, bastante diferenciadas entre sí. La primera, más reciente, ocupa la totalidad de la cara A y la forman tres canciones de un electro-pop saltarín, pegadizo y totalmente electrónico, de letras simples y directas, en una línea no demasiado distante del primer álbum de Depeche Mode, por citar un referente, aunque me parece advertir cierto aroma tipo Devo o The B-52's. En cambio, la cara B muestra esa vena anterior más experimental mediante tres temas recuperados de "Cal's Ranch".

El grupo graba un encantador videoclip de estética vintage de su tema "Life Is Busy", que llega a ser emitido una sóla vez a través de MTV, y que podemos ver aquí:

Muy poco después tras la publicación de "Calibrate", el dúo se separa por motivos desconocidos, emprendiendo cada uno trabajos en solitario y publicando algunos cassettes, ocultos siempre en el absoluto underground. Afortunadamente nos dejaron este sobresaliente trabajo como testimonio de su breve existencia.

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Lime - Your Love (LP 1981) / Lime II (LP 1982) / Lime 3 (LP 1983)

2010-11-24T10:00:00.046+01:00

Denis & Denyse Lepage, los Lime de verdad...

Por un momento, dejemos de lado artistas y discos poco conocidos o difundidos y vayamos al otro extremo de la repercusión comercial con el dúo canadiense Lime, probablemente el mejor y más exitoso proyecto que dio la música disco electrónica norteamericana de los primeros 80.

Posteamos simultáneamente en esta única entrada sus tres primeros álbumes, sin lugar a dudas los mejores que publicaron y, a su vez, piezas clave tanto en el desarrollo de subgéneros como el hi-energy o el italo-disco, como en el futuro nacimiento del house. Tres trabajos memorables, tanto por el excelente nivel musical como por la importante carga nostálgica y emotiva que actualmente me transmiten a nivel personal. Tres obras tristemente infravaloradas o directamente ignoradas en su momento por la prensa supuestamente especializada, y hoy día no tan recuperadas como se merecerían o cabría esperar.

Aunque hay algún escaso relleno, defectillo totalmente normal en los LPs de música disco, seguro que en cualquiera de estos tres álbumes encontrarás algún tema, como "Guilty" o "Babe, We're Gonna Love Tonight", que en mayor o menor medida, y en función de tu edad, has escuchado o bailado, y que probablemente ahora te traiga agradables recuerdos de tu juventud.

Es hora de nostalgia disco. Es hora de Lime. [Leer más]

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Throbbing Gristle - 20 Jazz Funk Greats (LP 1979) + bonus

2010-11-21T13:30:00.001+01:00

En la primera encarnación de este blog dediqué una entrada al single "Adrenalin" de Throbbing Gristle. Iba a reeditarla ahora, pero finalmente he preferido retocar y ampliar alguno de esos antiguos párrafos para hablar de este histórico álbum, uno de mis grandes favoritos de todos los tiempos, al que además le he añadido unos extras creo que bastante adecuados. Por cierto, mientras estaba trabajando en esta entrada, parece ser que por algún error mío apareció publicada durante un par de horas sin estar aún terminada. Disculpas por la confusión causada.

Supongo que el nombre de Throbbing Gristle no necesita la más mínima presentación. No voy a extenderme sobre este grupo, pues existen miles de recursos en la red donde encontrar toneladas de información sobre su notoria biografía y abultadísima discografía, así como un extenso libro escrito por Simon Ford titulado "Wreckers Of Civilisation". No obstante, los más profanos en la materia pueden leer una brevísima síntesis expandiendo la entrada.

Throbbing Gristle de izquierda a derecha:
Peter Christopherson, Genesis P. Orridge,
Cosey Fanni Tutti y Chris Carter.

En este LP, grabado totalmente en estudio a diferencia de la mayor parte de sus trabajos, no hay ninguno de sus virulentos ataques a los sentidos tan propios del grupo, sino un buen puñado de temas basados en secuencias y ritmos electrónicos que empiezan a parecer canciones y que por momentos parecen acercarse tímidamente a un electro-pop oscuro, hipnótico y minimal, aunque salpicado aquí y allá de amenazas contenidas y tenues perturbaciones industriales, y alternadas con enigmáticas insinuaciones ambient. Conviene también destacar la atractiva y aparentemente apacible portada. [+/- info]

Todo en este disco vale su peso en oro: "Hot On The Heels Of Love", recitado sensualmente por Cosey sobre un primitivo ritmo euro-disco; la obsesión esquizoide y bucle industrial de "What a Day"; más secuencias semi-industriales en "Still Walking"; el ritmo mecánico y alegato sobre su propio arte que es "Convincing People"; y sobre todo el canto hipnótico de Genesis cual crooner psicopático en "Persuasion", que a priori nos habla de su poder de persuasión para seducir y someter sexualmente, aunque la ambigüedad de frases como "tengo una caja de galletas para conservar tus bragas; bragas sucias, bragas blancas, bragas escolares..." o bien "cuando lo hayas hecho todo, será demasiado tarde para que te importe" pueden dar a entender otra terrible cosa...

De sumo interés resultan también "Beachy Head", "Tanith" y "Exotica", tres fascinantes experimentos a medio camino entre la anticipación ambient y el lounge.

No me acabó de convencer que en la reedición en CD que Mute Records publicó a principios de los 90 se incluyeran como temas extra las dos versiones en directo del "Discipline" publicadas originalemente en un maxi y que en mi opinión aquí no pegan ni con cola. Creo que hubiera sido mejor cualquiera de los cuatro temas que incluyo como bonus, todos ellos extraídos de sus tres singles en Industrial Records y que reflejan fielmente esa cara más "amable" de TG en lo que a sonido se refiere. El "United" de 1978 es un tema que podríamos calificar de minimal synth, con un texto aparentemente inofensivo, aunque una segunda lectura puede desvelar ciertas alusiones al incesto. Fue el primer tema de sonido medianamente asequible que publicaron, con el fin de colarse en las listas de éxitos independientes de Gran Bretaña y así obtener mayor repercusión en los medios. El sucio y perverso "Something Came Over Me" apareció originalmente en un single de 1980, publicado simultáneamente junto a otro 7'' titulado "Adrenalin / Distant Dreams (Part Two)", posiblemente el disco más asequible en toda la trayectoria de Throbbing Gristle.

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A Covenant Of Thorns - Hallowed & Hollow (CD 1999)

2010-11-20T16:00:00.002+01:00

Seguimos con synth-pop, aunque en esta ocasión con un proyecto colindante con la dark wave y más cercano en el tiempo.

En los albores del nuevo milenio, se puso muy de moda una entonces pionera web llamada mp3.com y que nada tiene que ver con la actual. En aquella época, a través de ese portal, cualquier grupo o músico aficionado podía darse a conocer, colgando fotos, información y temas para descarga gratuita, e incluso organizarlos a su gusto en álbumes, denominados DAM CDs. Puedes expandir la entrada para más información al respecto.

Los DAM CDs (Digital Automatic Music CDs) llevaban portada con diseño a elegir entre uno propio o la plantilla que la web ofrecía por defecto. Podían reproducirse tanto en un reproductor audio estándar como en un PC mediante una pequeña aplicación interactiva incluída en el CD con la música en formato MP3, así como fotos e información del perfil del artista, letras de las canciones, etc. Mp3.com vendía, fabricaba y enviaba al comprador el ejemplar físico del DAM CD adquirido, mediante un proceso totalmente automatizado y al precio fijado por el propio artista, repartiéndose los beneficios al 50%. Yo mismo colgué unas cuantas paridas sonoras que a ratos sueltos hacía en aquel entonces y llegué a vender la friolera de... 7 DAM CDs. Bueno, seis en realidad, ya que uno lo compré para mí... El día que pierda la vergüenza hablaré con más detalle de este asunto y colgaré aquí alguno de mis temas.

Poco después se sacaron de la manga el "pay for play", que no era más que un incentivo económico de pocos centavos que los artistas iban acumulando cada vez que uno de sus temas era reproducido por completo mediante stream a través de la propia web, y que trimestralmente se liquidaba si llegaba a un cierto importe. Este incentivo era real, y algunos artistas llegaron a sacar un buen pico con este sistema.

Con el paso del tiempo, mp3.com se hizo demasiado grande. Artistas ya consolidados y compañías discográficas vieron en ella una plataforma perfecta para promocionar sus productos e incluso sacar tajada del "pay for play". En eso se transformó de la noche a la mañana la web, cuando después de perder batallas legales y mucho dinero por cuestiones de copyright, fue adquirida a finales de 2003 por CNET Networks, cargándose sin contemplaciones ni aviso previo (a mí por lo menos no me llegó) todos los contenidos aportados por miles de artistas aficionados durante años, convirtiendo el sitio en otro más de los escaparates del circo comercial y perdiendo totalmente el encanto y carácter diferenciador de antaño.

Fue precisamente en aquella original y genuina mp3.com donde descubrí casualmente este singular proyecto, inicialmente establecido en Seattle y luego trasladado a Chicago, llamado A Covenant Of Thorns, nombre bajo el que se esconde su único miembro, Scott-David Allen. A través de su cuenta en el citado portal, en 1999 puso a la venta on line en formato DAM CD este "Hallowed & Hollow", su primer álbum, del que ofreció a modo de apetitoso adelanto 4 ó 5 de sus temas en descarga gratuita y que se mantuvieron en las posiciones más altas de las listas especializadas dentro del portal. Esos temas me atraparon totalmente, y motivaron que éste álbum fuera una de las pocas compras que hice a través de esa web.

En un primer momento, tanto el nombre del proyecto como la imagen de su único integrante, quien en su perfil aparecía vestido de riguroso luto en numerosas fotografias tomadas en un cementerio, parecían indicar una clara orientación hacia lo gótico. Y realmente es así, pero con algunos matices que lo distancian ligeramente de los estereotipos más comunes de esa escena. Sus textos, según él escritos en un momento muy oscuro de su vida, nos hablan de melancolía, tristeza, desesperación, muerte y otros asuntos de similar índole, pero sin cerrar la puerta a la esperanza y desde un punto de vista muy intimista y francamente emotivo, no aptos para ser escuchados en determinados estados de ánimo. Además, Allen los canta con una voz suave y tímida que se aparta de las voces graves y dramáticas habituales en la escena dark, encargándose además de las voces de acompañamiento.

Respecto a la música, su estilo es un dark synth-pop de gran belleza melódica, evocador y por lo general reposado, de acento añejo y tenues matices épicos, ejecutado domésticamente mediante modestos medios electrónicos y grabado en 4 pistas. Puede ser comparable estilísticamente a grupos como The Frozen Autumn, los veteranos Clan Of Xymox o algunas cosas de Wolfsheim. Aparte, Allen ha reconocido siempre que las dos mayores influencias que ha recibido son las de Gary Numan y Depeche Mode, siendo especialmente evidente ésta última en los temas más pausados del álbum, cuya voz me recuerda bastante a la de Martin L. Gore.

Resulta difícil destacar algún tema en particular entre tanta excelencia. A mí particularmente me encantan "Empty Exorcism", "Purgatory", "Forever" y, sobre todo, "Drive Me Home", una impresionante canción que quizás hubiera sido aún mejor si hubiera durado un par de minutos menos, un insignificante defectillo del que adolece algún que otro tema.

El ritmo de trabajo de A Covenant Of Thorns es sumamente lento. Hubo que esperar hasta 2004 a que viera la luz su segundo álbum, titulado "If The Heavens Should Fall", autopublicado ya fuera de mp3.com, y en el que se palpa la evolución y mejora a nivel vocal, técnico y compositivo, y un rumbo hacia derroteros algo más luminosos. Y lleva 3 años trabajando a ratos en su tercer CD, cuya grabación dice estar ya a punto de concluir.

En definitiva, sin duda éste no es el disco adecuado para organizar una fiesta loca de baile y desenfreno, de hecho podrá resultarle algo soporífero y/o depresivo a más de uno, pero tiene gran interés si trata de escucharse con atención, y es ideal para quedarse en casa y contemplar la lluvia golpeando los cristales durante una de esas tristes tardes invernales, mientras meditamos en nuestro más profundo interior sobre nuestro pasado, presente, futuro, y sobre nuestro inevitable final...

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New Scientists - Pictures Of Reality (LP 1986)

2010-11-17T10:00:00.041+01:00

Dedicamos esta entrada a un disco prácticamente desconocido y de una rareza extrema, pues se estima que sólo se prensaron 500 copias a lo sumo.

New Scientists fue un trío alemán de synth-pop formado por Lutz Froberg (voz), Rene Bachmann (sintes) y Uwe Kallenbach (sintes). Este LP, y el maxi "Storm" que se extrajo del mismo, ambos autopublicados por el propio grupo, son su único testimonio discográfico. El grupo dejó de existir prácticamente en el momento en que este álbum vio la luz. Años después Kallenbach formaría Syntec, otro grupo synth-pop, aunque de tendencia EBM, ya desaparecido y que también pasó bastante desapercibido.

"Pictures Of Reality" es un agradable LP en una onda próxima a sus compatriotas Boytronic, aunque con menos carácter, producción algo justita y escaso presupuesto, pues fue grabado en tan sólo dos días. A pesar de ello, desprende un encantador aire amateur. Su sonido es 100% electrónico y bailable, aunque sin sobresaltos, ya que cierta melancolía recorre casi todos sus surcos.

Lo único malo de este disco es el momento en que fue publicado, pues en 1986 la música electrónica, en lo que a popularidad se refiere, toca fondo: los grandes nombres del tecno-pop de los primeros 80 han desaparecido, o su inspiración y ventas han caído alarmantemente, el italo-disco está en plena agonía de muerte, la incipiente EBM no ha salido aún de las cavernas, y géneros como el acid, el house o el new beat están, en el mejor de lso casos, en fase embrionaria. Para acabarlo de rematar, una apestosa nube de "autenticismo rockero/guitarrero" flota en el ambiente, dejando tal rastro de insoportable fetidez que allí por donde pasa no vuelve a crecer la hierba. Con ese lamentable panorama, no es de extrañar que discos como éste y grupos como New Scientists, y seguramente centenares más hoy día totalmente olvidados o desconocidos, estuvieran condenados al fracaso nada más aparecer.

Por fortuna, el tiempo pone las cosas en su lugar. Desde hace un par de décadas, la electrónica, a pesar de los empeños en desprestigiarla por buena parte de las "hordas auténticas" que todavía existen (otra parte ha tratado de sacar partido de ella), forma por fin parte de la música popular de manera irrevocable y le pese a quien le pese. Además, la eclosión de internet permite recuperar o dar a conocer oscuras piezas como ésta, que aunque no sea el mejor disco synth-pop de la historia, bien merece ser (re)descubierta.

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