Tseline

Open Studio in Palo Alto: Pascal Rochette, a French artist from Brazil

noreply@blogger.com (TSELINE) — Wed, 06 Jul 2016 21:35:00 +0000

Pascal Rochette is a French artist living in Palo Alto, Northern California, for the past 7 years. He left his heart in Brazil, where he spent nearly 30 years of his life… Before he goes back to Brazil, I curate an Open Studio so every curious around can see his unique paintings, meet him and learn more about his artistic and anthropologist approach, and maybe own a piece before it leaves. See his testimonial of his life with Native Pataxos here.

When? On August 26th, 7 pm - 10 pm

Where in Palo Alto?

For inquiries, to register and get the directions, please contact me:

Celine Bonnet-Laquitaine, Curator (Eng, Fr, Jp) at: tseline00@gmail.com

Register in Facebook Event or on Eventbrite and meet a melting-pot of people speaking English, Portuguese, French, Japanese…!

I will facilitate the discussion with the artist, so you can prepare your questions for Pascal if you have any!

Programme:

Meet the artist: I will engage a discussion with Pascal about his passion for painting, his evolution between figurative and abstract art, and his understanding of Brazil's rainforest and the culture of native Pataxos, who he shared the dailylife with.

Enjoy the intimate and authentic atmosphere of a private studio in Palo Alto, surrounded by paintings, books, and jewelries from Brazil. Children are welcome!

* Free cocktails, Brazilian and French finger homemade food for the first arrived.*

About the artist

Pascal Rochette has exhibited and is represented in three continents: in São Paulo, Brazil, in Paris, France, and in Northern California.

The artist's current phase reveals his devotion to the rich yet fragile tropical forest and its people, as well as a synthesis of figurative and abstract art.

Pascal recently shared the daily life of the Native Pataxos, in Porto Seguro, Bahia. They taught him their traditions; he fell in love with their values.

Now more than ever, Pascal is absorbed in representing the invisible part of the rainforest's ecosystem, hoping to get closer to the Native's notion of the "spirit of the forest" (Xapiri), of nature as personification, or of nature itself.

The painter uses traditional techniques of superposition and the erasure of lines and colors. But the instinctive gesture prevails, freely depicting emotions of nature and culture.

They say

"Pascal is a stranger who meets his vitality in the other, and tracks the real in Brazil - better known outside than inside -, of the Indian and the palm tree, of what presses and eliminates the gap between strangeness and charm: the Forest!" - Leonardo Goldberg, psychoanalyst, University of Sao Paulo.

"Pascal Rochette is a very accomplished, instinctive artist. His paintings look inevitable and surprising. Everything is there."

"Rochette is concerned about the future of the tropical ecosystem, and makes a strong case for its preservation in lyrical works like the predominantly “La Nuit des Xapiri” and “Deux Plumes”, with their plant pods; "Alta da Foresta” with its gaze up from the ground into the sunny treetops; and “Caju”, an homage to the cashew done in a graffitiesque style far removed from the urban hip-hop scene that spawned it." - DeWitt Cheng, Curator, Stanford Art Spaces.

Exhibitions

Pascal Rochette has exhibited and is represented in three continents, including:

• São Paulo, Brazil:

Gallery Mônica FilgueirasMuseum of Contemporary Art

• Paris, France:

Gallery Marci Gaymu

• California:

Paolo Mejia Art Gallery (San Francisco)

Silicon Valley San Francisco Art Fair

Stanford Art Spaces and Pacific Art League (Palo Alto)

Learn more

In the artist's website: pascalrochette.com

In my article about his work with his testimonial of his experience of the rain forest with Pataxos people: Pascal Rochette: a French painter among Brazil's natives.

Dans mon article en français : Pascal Rochette : un peintre français chez les indigènes du Brésil.

Keep in touch on Facebook, and see my posts and activities about arts, cultures and diversity.

Pascal Rochette: a French painter among Brazil's natives

noreply@blogger.com (TSELINE) — Thu, 26 May 2016 21:04:00 +0000

Pour lire la version française, cliquez ici.

Pascal Rochette is a French artist who lived half his life in Brazil. He embraced the cultures of the country, particularly of those indigenous peoples who inhabit the rainforest on the coast of Bahia state. Much like a Gauguin without pretension, the painter lived two months in the heart of a Pataxó Indian village in the Jaqueira Reseve, to better understand, assimilate, and express the rich traditions of the Pataxó people and the diversity of the rainforest.

"A Volpi," Rochette, 2015 (50"x38" acrylic on Canson paste on canvas). Pataxó putting on make-up. Photo © Pascal Rochette

First, a few words about the Atlantic Forest of Brazil

The rainforest of the coast of Bahia state (also known as the Atlantic Forest or "Mata Atlântica" in Portuguese) is one of the most important biodiversity hotspots in the world, housing thousands of endemic species.

This rainforest, which once stretched along the entire Brazilian coast, has been disappearing due to centuries of coastal development, most notably the establishment and growth of large cities such as Recife, Salvador, Rio de Janeiro and São Paulo.

Today, only 7% of the forest that existed at the time of the first arrival of the Portuguese centuries ago remains standing due to the exploitation of international companies and the pressures from the Brazilian developers.

The rainforest of the coast of Bahia is disappearing due to pressures from international companies and Brazilian developers.

Deforestation by Portuguese conquerors in the 16th century. The Brazilwood tree (Caesalpinia echinata), which gave its name to the country and has very precious wood, was coveted by European settlers and today has almost completely disappeared.

A committed painter, a symbolic painting

Today, though living in California for the past several years to accompany his wife who teaches Brazilian literature at Stanford University, Pascal still feels Brazilian, looks for words in French and speaks with a Portuguese accent. His activities alternate between family life, visits to Bahia, the protection of the rainforest, and his obsession to represent this majestic nature and the rich traditions that live, abstractly, in his great paintings.

"Myrkaceae" Rochette, 2016 (40 "x30" acrylic on Canson paste on canvas)

"In the beliefs of the Pataxó people, as in my paintings, each sign represents an element of nature, an animal, a fruit or vegetable, which is associated with a spirit of nature. In art, the Pataxós communicate with these spirits through their symbols. Moreover, figurative art was only introduced with the Brazilian school, itself influenced by Portugal.

My paintings have become more abstract over time, with the gesture and sense prevailing. I use the figurative only to outline some organic forms, specific to the ecosystem of the forest." (Interview with Pascal Rochette in Palo Alto, California, in March 2016).

Involved in the protection of life in the forest, Pascal went to Bahia last January with the idea of restoring large villas by painting the interiors, to promote eco-tourism and, in the process, preserve the forest as well as contribute to the survival of indigenous people. Upon arrival, the project could not be completed due to a lack of resources. Then, the artist, rich in knowledge of the local cultures, was able to use the right communication codes to be introduced to the chief of the Pataxó tribe.

Recently, during the months of January and February, 2016, Pascal Rochette had the opportunity to share in Pataxó daily life while living in a hut on their Jaqueira Reserve near Porto Seguro, on Bahia state's coast in Brazil. Porto Seguro is the site of the first arrival by Portuguese explorers in 1500.

Hut in a Pataxó aldeia (village). Photo © Pascal Rochette

Since high humidity prevented him from painting on his canvas Canson paper, Pascal spent his time observing and sharing with Pataxós regarding their traditions and art forms, including their daily make-up and fashion, all saturated with meaning.

"The make-up, which resists humidity, unlike my softened and unusable cardboard, is probably the main art form of the Pataxós. They spend at least one hour a day to gently put on natural products with bright colors, feathered headdresses to communicate with spirits of the forest, garments with geometric patterns that mark their presence, and naturally colored pearl jewelries. The make-up is composed of charcoal black, yellow clay, urucum - a plant to give the red color - and so many others." (Interview with Pascal Rochette in Palo Alto, California, in March 2016).

Make-up session by Nitinawa, one of three sisters we discuss below.

Pataxó make-up session. Photo © Pascal Rochette

Here is the testimony written by this passionate painter, attentive and respectful of differences.

In the heart of Pataxó life

Testimony of a contemporary Gauguin

"My meeting with Pataxó leaders Juari and Karkaju occurred through the assistance of Penzza Rosa, director of the Jupara Foundation.

It was love at first sight! Yet I immediately perceived that despite the kindness and calm of the Pataxós, I had entered a battlefield in a very cruel war: on one side Indian communities in resistance and on the other side the representatives of the tourism, food and real estate industries, all trying to wrest the last land from the hands of the Pataxó people.

The Jaqueira Reserve is a "reconquest" (when Indians occupy ancestral lands that had become privatized over time). Just 17 years ago, a group of Pataxós, led by three Pataxó sisters, decided to reoccupy their ancestral region, a large primary forest of 900 hectares threatened by real estate speculation just a few kilometers from beautiful Brazilian beaches. After courageous struggles and battles, and with the support of international NGOs, their case was heard!

Two young Pataxó women, with make-up and dressed with symbols. Photo © Pascal Rochette

Today, when you take the road to the reserve, leaving behind the beaches full of bars and hotels, the excessive multicolored light, the entertainment sound echo... suddenly everything changes radically and entering the reserve is shocking! Shocking in a positive sense: you arrive in a temple, a natural cathedral, where the columns going up there are Brazilwood trees, and where the little fresco angels are actually a bunch of monkeys racing above your head ... where silence and discretion reign, even in children's games amidst chickens and ducks...

Quiet discussion in the Jaqueira Reserve, January 2016

The rainforest - Photo © Pascal Rochette

"Alto da Floresta" Rochette, 2015 (acrylic on Canson)

Geometric patterns like triangles that can be found on Pataxó clothing and in my paintings. They represent the human presence of the Pataxó tribe in the rainforest.

"The Night of xapiripë" Rochette, 2015 (acrylic on Canson paste on canvas, 50"x38")

To speak of silence, another surprise: everyone speaks softly, slowly. At the beginning it is even necessary to strain your ears to understand, the sound hardly leaving the mouth... a whisper! I was so charmed by the voice of Milla, Juari's wife that I was entering into conversation with the sole purpose of listening to her gentle birdsong ... that susurration. Would they whisper in order to better sing loudly and dance during the daily "awe" (religious ceremony)?

"Awe": animist religious ceremony. Photo © Pascal Rochette

Another striking point: the enthusiasm of young people. They are obviously very concerned with the development of their culture and are not limited to safeguarding the values inherited orally from their elders and parents, but looking for a way to harmonize, modernize. They really want to be Pataxó, but contemporary Pataxó. Besides, they are fully aware that they have much to teach the Whites.

Young Pataxó dressed and made up, ready for an "awe" (religious ceremony) - Photo © Pascal Rochette

Milla Alves is the young and beautiful wife of leader Juari, a "Pataxó stylist" that produces shows called "Native Beauty". Note in her modern outfit the discreet Pataxó details on the T-shirt's sleeve and the bracelet. Photo © Pascal Rochette

The forest village exudes the scent of Amescla, this gum of the sacred tree of the Pataxós. In villages, spirituality is omnipresent and symbolized by the scent of Amescla thrown on burning coals... we are not in Tibet in remote nature, but at the doors of Porto Seguro, the Lambada, Axé music (popular music of Bahia) and Trancoso, the new Brazilian "Saint Tropez", where caipirinha cocktails and many other things freely flow...

In the reserve of Barra Velha Caraiva, I attended a very special "awe", in which a group of teenagers, led by the leader Roani P., was preparing for a spiritual retreat. Every week they meet to try to find the forms and formulas of "pre-awes" that will allow them to communicate with the invisible part of the nature. It starts with the "rappe" (sacred shamanic medicine) and continues around a fire with hours of songs, dances and incantations. They claim, once prepared, to perform these ceremonies in the deep and wild part of the ancestral forest at the bottom of "monte Pascoal" (sacred mountain).

It gives me chills, and I think of my obsession: to paint the invisible part of the forest! I have never been so aware of being in the right place...”

Pascal Rochette

Coroa Vermelha, Bahia, February 2016

"Xapixipi" Rochette, 2015 (49"x33" acrylic on canvas)

* Dimensions are in inches.

1 inch = 2.54 cm.

Inquiries at:
tseline00@gmail.com
Celine BL on Facebook

Pascal Rochette : un peintre français chez les indigènes du Brésil

noreply@blogger.com (TSELINE) — Wed, 27 Apr 2016 19:26:00 +0000

To read the English version, click here.

Pascal Rochette est un artiste français qui a vécu la moitié de sa vie au Brésil. Il s'est attaché aux cultures du pays, notamment à celles des tribus qui disparaîssent avec la forêt tropicale sur les côtes de Bahia... Tel un Gauguin sans prétention, le peintre a vécu deux mois au coeur d'un village, la réserve Jaqueira, pour mieux comprendre, assimiler et exprimer la richesse des traditions des indigènes Pataxós et la diversité de la forêt.

"A Volpi", Rochette, 2015 (50"x38", acrylic on canson paste on canvas). Patoxo se maquillant © Photo Pascal Rochette

D'abord, quelques mots sur la forêt atlantique du Brésil

La forêt tropicale de la côte de l'État de Bahia (aussi connue comme la forêt atlantique ou "Mata Atlântica" en portugais) est l'un des lieux de biodiversité les plus importantes du monde, abritant des milliers d'espèces endémiques.

Cette forêt, qui, auparavant longeant toute la côte brésilienne, est en train de disparaître en raison de siècles de développement côtier, notamment de la création et croissance des grandes villes telles que Recife, Salvador, Rio de Janeiro et São Paulo.

Aujourd'hui, seulement 7% de la forêt qui existait au moment de l'arrivée des premiers siècles portugais reste debout, en raison de l'exploitation des entreprises internationales et des pressions exercées par les développeurs brésiliens.

La forêt tropicale de la côte de Bahia disparaît sous la pression des entreprises internationales et des développeurs brésiliens.

La déforestation par les conquérants portugais au 16ème siècle. L'arbre Pau Brasil (Caesalpinia echinata), qui a donné son nom au pays et a bois très précieux, a été convoité par les colons européens et a aujourd'hui presque complètement disparu.

Un peintre engagé, une peinture symbolique

Aujourd'hui en Californie depuis plusieurs années pour accompagner sa femme qui enseigne la littérature brésilienne à l'université de Stanford, Pascal se sent toujours brésilien, cherche ses mots en français et parle avec l'accent portugais. Il alterne entre la vie de famille, les visites à Bahia, la protection de la forêt et son obsession à représenter cette majestueuse nature et les riches traditions qui l'habitent, abstraites, comme ses grandes peintures.

"Myrkaceae", Rochette, 2016 (40"x30", acrylic on canson paste on canvas)

"Dans les croyances des indigènes Pataxós, comme dans mes tableaux, chaque signe représente un élément de la nature, un animal, un fruit ou un végétal, qui est associé à un esprit de la nature. Dans l'art, les Pataxós communiquent avec ces esprits à travers leurs symboles. D'ailleurs, l'art figuratif n'a été apporté qu'avec l'école brésilienne, elle-même influencée par le Portugal.

Moi, mes peintures deviennent de plus en plus abstraites avec le temps, le geste et le sens prévalant. Je n'utilise le figuratif que pour esquisser quelques formes organiques propres à l'éco-système de la forêt." (propos de Pascal Rochette reccueillis à Palo Alto, Californie, en mars 2016).

Impliqué dans la protection de la vie dans la forêt, Pascal était parti en janvier dernier dans l'idée de restaurer de grandes villas en peignant les intérieurs, pour favoriser l'éco-tourisme, permettant de préserver la forêt mais aussi la survie financière des indigènes. A son arrivée, le projet ne pouvait pas encore se concrétiser faute de moyens. Alors l'artiste, riche de sa connaissance des cultures locales, a su utiliser les bons codes de communication pour être présenté au chef de la tribu des Pataxós.

Dernièrement, durant les deux mois de janvier et février 2016, Pascal Rochette a donc eu la chance de partager le quotidien des Pataxós, dans une cabane de leur réserve de Jaqueira, à Porto Seguro, sur les côtes de l'Etat de Bahia au Brésil. Porto Seguro est le premier lieu du continent a avoir été découvert par les navires portugais.

Cabane dans une Aldeia (village) © Photo Pascal Rochette

L'humidité l'empêchant de peindre sur son papier canson canvas, Pascal a passé son temps à observer et à échanger avec les Pataxós sur leurs traditions et leurs formes d'art, notamment le maquillage quotidien et la mode, le tout saturé de sens.

"Le maquillage, qui résiste à l'humidité, contrairement à mes cartons tout ramollis et inutilisables, est probablement la forme d'art principale des Pataxós. Ils passent au moins une heure à se poser délicatement des produits naturels aux couleurs vives, des coiffes à plumes pour communiquer avec les esprits de la forêt, des vêtements aux motifs géométriques marquant leur présence, et des bijoux de perles naturellement colorées. Le maquillage est composé de charbon noir, d'argile jaune, d'urucum - une plante pour donner la couleur rouge -, et tant d'autres". (propos de Pascal Rochette reccueillis à Palo Alto, Californie, en mars 2016).

Séance de maquillage par Nitinawa, une des trois soeurs qu'on mentionne plus loin.

Séance de maquillage des Pataxos. © Photo Pascal Rochette

Voici le témoignage rédigé par ce peintre passionné, à l'écoute et respectueux des différences.

Au coeur de la vie des Pataxós

Témoignage d'un Gauguin contemporain

"Ma rencontre avec les leaders Pataxós Juari et Karkaju s’est faite grâce à la compétence de Rosa Penzza, directrice de la fondation Jupara.

Ce fut un coup de foudre ! J’ai pourtant d’emblée perçu que malgré la gentillesse et le calme des Pataxós, je pénétrais dans un champ de bataille d’une guerre très cruelle : d’un côté les communautés indiennes en résistance, et de l’autre les représentants de l’industrie du tourisme, de l’agro-alimentaire, etc., tous essayant d’envahir les dernières terres des mains des Pataxós.

La réserve de la Jaqueira est donc une "reconquête" (lorsque les Indiens occupent une terre ancestrale devenue particulière au cours du temps). Il y a tout juste 17 ans, un groupe de Pataxós mené par trois soeurs Pataxós a decidé de réoccuper une région ancestrale, une grande forêt primaire de 900 hectares menacée par la spéculation immobilière à quelques kilomètres des plages. Après luttes et batailles courageuses, et avec le support d'ONG internationales, leur cause fut entendue !

Deux jeunes femmes de la tribu Pataxo, maquillée et vêtues de symboles. © Photo Pascal Rochette

Aujourd’hui, quand vous prenez le chemin de la réserve, laissant derrière vous les plages pleines de bars et d'hôtels, la lumière excessive et multicolore, l’écho sonore des divertissements... soudainement tout change radicalement et, rentrer dans la réserve est choquant ! Choquant dans le sens positif du terme : vous arrivez dans un temple, une cathédrale naturelle, où les colonnes qui montent là-haut sont des "Pau Brasil", et où les petits anges des fresques sont en fait une bande de singes en balade au-dessus de vos têtes... où règne le silence, la discrétion, même dans les jeux des enfants au milieu des poules et des canards…

Discussion calme dans la réserve de Jaqueira, janvier 2016

"Alto da Floresta", Rochette, 2015 (acrylic on canson)

Les motifs géométriques comme les triangles que l'on retrouve sur les vêtements des Pataxós et dans mes peintures représentent la présence humaine de la tribu Pataxó dans la forêt tropicale.

"La Nuit de Xapiripe", Rochette, 2015 (acrylic on canson paste on canvas, 50"x38")

Pour parler de silence, autre surprise : tout le monde parle à voix basse, lentement. Au début il faut même tendre l’oreille pour comprendre, le son sortant mal de la bouche... un murmure ! J’ai été tellement charmé par la voix de Milla, l’épouse de Juari, que je provoquais des discussions dans l'unique but d'écouter ce délicat chant d’oiseau... ce susurrement. Murmureraient-ils pour mieux chanter à pleine voix et danser pendant les "awe" quotidiens (cérémonies religieuses) ?

Awe : cérémonie religieuse animiste © Photo Pascal Rochette

Un autre point particulier : l'enthousiasme des jeunes. Ils sont visiblement très concernés par le développement de leur culture et ne se limitent pas à la sauvegarde des valeurs heritées des plus anciens par voix orale, des parents, mais recherchent un moyen de les harmoniser, de les moderniser. Ils veulent vraiment être Pataxó, mais Pataxó contemporain. D’ailleurs ils ont pleine conscience d’avoir beaucoup à enseigner aux Blancs.

Jeune Pataxó vêtu et maquillé, prêt pour un awe (cérémonie religieuse)

Milla Alves est la jeune et belle épouse du leader Juari, "styliste Pataxo" qui produit des défilés "Beauté indigène". Notez dans sa tenue moderne les détails discrets Pataxos sur la manche du tee-shirt et le bracelet.

Le village en forêt respire le parfum d’Amescla, cette gomme de l’arbre sacré des Pataxós. Dans les Aldeias (villages), la spiritualité est omniprésente et symbolisée par ce parfum d’Amescla jeté sur les braises ardentes... nous ne sommes pas au Tibet dans une nature loin de tout, mais aux portes de Porto Seguro, de la Lambada, de l’Axe (musiques populaires de Bahia) et de Trancoso, la nouvelle “Saint Tropez" brésilienne, où coulent à flots les cocktails Caipirinhas et bien d’autres choses...

Dans la réserve de Barra Velha Caraiva, j’ai participé à un "awe" très spécial, durant lequel un groupe d’adolescents, dirigé par le leader Roani P., se préparait pour une retraite spirituelle. Chaque semaine ils se rencontrent pour essayer de retrouver les formes et les formules des "awes d’avant", qui leur permettront de communiquer avec la partie invisible de la nature. Ça commence avec le “rappe“ (médecine chamanique sacrée) et continue autour d’un feu avec plusieurs heures de chants, de danses et d'incantations. Ils prétendent, une fois préparés, réaliser ces cérémonies dans la partie profonde et sauvage de la forêt ancestrale aux pieds du "monte Pascoal" (montagne sacrée).

Cela me donne des frissons, et je pense à mon obsession : peindre la partie invisible de la forêt ! Je n’ai jamais eu autant conscience d’être au bon endroit..

Pascal Rochette
Coroa Vermelha, Bahia, février 2016"

"Xapixipi", Rochette, 2015 (49"x33", acrylic on canvas)

*Les dimensions sont en "inches" (pouces).
1 inch = 2.54 cm.

Questions / Inquiries at:
tseline00@gmail.com
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Denis Santelli, the painter of transhumanism, is exhibited at San Francisco

noreply@blogger.com (TSELINE) — Sun, 07 Feb 2016 01:33:00 +0000

Denis Santelli, the painter of transhumanism, is exhibited at San Francisco
Opening February 11th, 2016 at Parisoma

French-American coworking space Parisoma inaugurates its first exhibition with promising French digital painter Denis Santelli, Thursday, February 11th, 2016, 6-9 pm, during its seminar about Arts and Technologies.

 There, I will explain how Denis Santelli expresses the exciting transhumanism movement and his parallel with the Renaissance Humanism by mixing art history masterpieces and new technology languages.

Neurons Delectation, digital painting by Denis Santelli

The Event:

Event about Art & Tech at Parisoma

How Technology is Revolutionizing the World of Art

If every corner of San Francisco is buzzing with tech innovation, what space is left for art in what used to be an artsy city? How is technology enabling new mediums for exploratory art? How is big data being leveraged for art? We are bringing artists, innovators, and the tech community on stage to discuss the opportunities and disruptions tech is bringing to the art scene. Can new media make art more expressive, accessible, and even more insightful?

 Information and free ticket here. The paintings are free of access during Parisoma open hours until March, at the least.

From Humanism to Transhumanism

Why Santelli's art is so much anchored in our history, yet so unique?

Denis Santelli is focusing on the dialogue between Art History masterpieces and technology issues (Artificial Intelligence, Neurosciences, algorithms...). He expresses how the technologies are redefining our humanity and he confronts this revolutionary change with Renaissance Humanism.

Santelli makes a point on keeping an uncertainty between a painting and a machine rendering, because he's very close to his classical training. Instead of a generative art, Santelli uses a digital pen to maintain a direct feeling of painting. He's painting on his Surface Book like on a canvas.

Data Flow-ers, digital painting by Denis Santelli

Denis Santelli
Short bio

I have met Denis in San Francisco, when he was traveling between the East Bay and Silicon Valley to find people to understand his art at the intersection of digital and painting, of history and future, and to look for the best means to expand it.

Denis Santelli is a French Artist living in Paris. He holds a Master in Fine Arts MFA from the North French Higher Art School (Ecole des Beaux-Arts). He has participated in several exhibitions and won the Douai Painting Award in France. He got involved with Interactive Art, experimenting with algorithm, and sensors. He showed his work at RunMe, le Cube (Fr) and Rhizome. He taught New Media Art at National Higher Art School (Beaux-Arts) of Paris-Cergy and Interactive Media Design at the International Institute of Internet Research & Laboratories.

His travels in Europe, China, San Francisco, and Silicon Valley increased his will to join an international community of Inventors, entrepreneurs, activists, leaders, engineers, technology gurus, investors, and scientists who positively impact the world.

Scaling in the Cloud, by Denis Santelli, at one of his exhibition in Paris

Good luck, Denis!

For additional information, and Sponsorship,

please contact:

Celine Bonnet-Laquitaine

contact@dsan.co or

cbonnetlaquitaine@gmail.com

+1 (650) 918 9656

www.dsan.co

Robert Kato: Japanese American living with washi and photography

noreply@blogger.com (TSELINE) — Fri, 03 Apr 2015 01:59:00 +0000

In my long and endless initiation to the uses of real Japanese paper - "washi"-, I met with photographer Robert Kato, another artist passionate about washi. I didn't know that I would find a paradisiac studio, with a Japanese aesthetic surrounded by Californian nature, in San Mateo, San Francisco Bay Area. I also found a wonderful combination of art and washi… bringing new inspirations.

His studio

As we can guess from his name, Mr. Kato is Japanese American. We can also understand this origin as soon as we penetrate his garden with maple trees, a silencious fountain and a path of stones agenced in a simple way. The architecture of his studio reminds me of Japan, seeing small green hills from a long, horizontal window, and being in the middle of tables made of wood and other natural materials. Paper, black ink, photographies of nature, drawings of fish's head, a shade lamp, but also sharpness of gestures, cleanliness and order, including aligned tools, contribute to this atmosphere.

Yet, he has never been in Japan. From the third generation of Japanese American ("sansei"), he explained me his feelings regarding the Japanese culture and confessed me a little bit of his background.

"I envy you because you have been in Japan, making paper and other things. I have never been in Japan - because of a matter of time - and I don’t speak Japanese. I was born after the second world war and, as many others in the same situation, I grew up with Japanese parents who tried to look more American than American. I have actually learnt very late that my mother was in a camp and that my father was in the army. They didn’t want to talk about it until very late, I guess it was because the feelings were too strong and because they didn’t want to care this burden all their life. Anyways, I felt Japanese at home with parents talking Japanese, and I felt American at school. However people didn’t consider me as an American, since I don’t look like the white majority."

Work of ink on paper. This sculpture on the ceiling

reminds me of Ruth Asawa's work, also a Japanese-American artist from San Francisco.

This statement reminds me of so many persons I met who have a double culture, and don't feel at home until they find their own, unique identity. As a French and European already used to cultural diversity, it is always surprising me to hear this in the land of melting-pot. Thus I can understand that the social pressure is always strong, whether in France, in Japan or in the U.S..

Inspiration

Concerning his artistic expression, he explains that the reason of his inspiration - obviously largely influenced by the Japanese aesthetic - is still a mystery to him. Is his art representing an unconscious quest for identity?

For me, his art and himself represent the aesthetic as well the identity that I’m fascinated by: a balance of minimalism, loneliness, nostalgia, wisdom and thinking. Through his art, I feel like a reality coming from another dimension. Something impossible for me to describe touches me deeply and provokes the desire to own something to be alone with. Isn't this effect of the creation that we call "beauty"?

A photography of the Carrousel of San Francisco

Example of printing on washi, with a simple frame made of wood without any glass, to let the paper appear.

His process

Robert Kato helps photographers with printing projects in his studio and, as an artist himself, prints a lot of photographies on Japanese paper, for which he cultivates a real passion.

"Feeling the paper by living with it, developing a relationship with it... it’s a starting point. I need to live a while with the paper until being ready to find something to do with it. I express my feelings through this relation between ink and paper. I want to integrate paper so that I honor it and its maker." He added: "I respect the quality of this paper and their makers a lot, and feel sad to know that this work, with its quality paper, is disappearing with a lack of awareness."

R. Kato wrinkled the thin "Gampi" washi (one of the plants used to make it)
It gives a very tactile texture that brings out the one of this African sculpture.

Robert Kato showing me a mix of German and Japanese paper. But this machine made paper is not satisfying as the handmade Japanese one.

"I edit my photographies with Photoshop, then I may use several layers of paper to print it. When I started to get interested in washi, I realized that this is a very complex science with a limitless possibility." Well, I'm relieved to not be the only one to find myself overwhelmed throughout learning the qualities and uses of handmade Japanese paper…

My washi from Saitama breathing in his Japanese alike studio

Impression on Gampi washi

He made me the pleasure to honor a washi made of mulberry that I brought from Japan by printing his own photography by inkjet printer. In this mulberry paper ("kozo"), the maker has left inclusions of natural long, dark fibres and barks. And the result is marvelous. However, next time Mr. Kato will do me another favor by using a thiner and purest kind of washi to bring out the transparency of photography.

What do you think?

Robert Kato helps photographers with printing projects in his studio.

Like me, you might find two websites refering to Robert Kato, both photographers.

Here are the right ones:

studiokato

650.242.9614

studiokato.500px.com

rxone.blogspot.com

lightinnoparticularorder.blogspot.com

Contact him to help you with printing projects.

He also sells his art in a gallery at San Francisco.

Discover here Kenji Miura, another photographer from Japan who prints Japanese cherry blossoms and captures daily life on washi.

To know more about the Japanese mulberry paper (kozo, Nasu kozo, Hosokawa, Gampi,…),

please contact me at:

tseline00@gmail.com

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"Women's Startup Lab", a story about Ari Horie, a Japanese woman in Silicon Valley, CA

noreply@blogger.com (TSELINE) — Wed, 12 Nov 2014 02:29:00 +0000

In my quest to create bridges between Japan, where I lived for a while, and the Silicon Valley, where I've just moved, I went to the Stanford’s Bechtel International center. There, I met, by chance, Fred Hornbruch an entrepreneur who invited me to a talk by Ari Horie. At the intersection between Japanese and American culture, Ari provides a strong link between both cultures - by helping Japanese and other women to accomplish their career ambitions through startups.

This presentation belongs to a series about the "New Trends in Startup Company Acceleration" at the US-Asia Technology Management Center at Stanford University. The talks are supervised by Pr. Richard Dasher.

Ari Horie presenting her ambitious startup at Stanford University

Ari Horie

Ari Horie, a Japanese woman from Hiroshima, founded Silicon Valley based Women's Startup Lab to help women develop and grow their own companies. About WSLab, Ari explains, “We are an accelerator of company creation, by making collaboration with other companies from Japan and U.S. to help the growth of your idea in a company. (...) We are not investors; we find a strategy.”

I liked the way she explained the cultural differences between Japan and the U.S. by using her personal stories. She's also used stories to motivate her audiences in Japan. At the age of 17, with bad English but an open-mind and good communication, she traveled to the United-States for a student exchange. After settling in California and starting a family, Ari wants to use the best pieces of Japanese and American culture to empower women.

In her talk, Ari presented the current situation of professional women in Japan and compared some concepts from both cultures.

Comparisons: Female vs. Male and Japanese Women vs. American Women

Why does Ari Horie make a point of helping Japanese women?

"There is a huge gap between Japanese and American women: in Japan they stop working after they have a child, and only 30% of them find a job after. It's a waste for the society, since female companies do very good, with even better results according to the statistics. The female entrepreneurs are not a lot, but they have to take risk to create a startup because the ones who did succeed in it."

Indeed, the women I could meet and work with for four years in Japan are representative of this situation: the majority had unofficially to quit their company when they were pregnant, or to choose between working and getting married or having a child. We can find more and more articles about this. Here is one by the BBC News: Japan: The worst developed country for working mothers? Some families have their life shattered by this gender injustice: Reviving Japan's Economy With 'Devil Wives'.

The best of the Japanese and American culture...

Ari reminds me what I like in each culture: the collaboration, given the importance of the group in Japan, and the innovation, at its height in Silicon Valley: "Japanese women know how to bring concepts and people together. They are good at connecting. In comparison, the U.S. women may think about a new idea: 'I'm better than that'. According to my experience, I admire the energy, enthusiasm and hard working in both cultures. Japanese women I met are also very polite, kind and compassionate. I am convinced in their potential to enhance their life as the economy of their country.

To illustrate the Japanese concept of collaborating on a project thanks to a helpful group, Ari uses the Japanese character "hito" (人), which means "person", and where we can see two persons carrying and supporting each other. Ari adds that the precision and the responsibility are also very good components of the Japanese culture. Those qualities are very useful for a quality work. I would add that working in a community who you can trust in is also a key for success that Japanese people could use better. The historical and political isolation of the country may actually explain that it's easier to Japanese people to trust their fellows, also educated to think that they belong to a country where people behave so think in the same way.

Regarding the American work culture, especially in Silicon Valley - land of entrepreneurship, more than the community, it's the network that is highlighted. Ari compares the meaning of innovation in those cultures: "In Silicon Valley, innovation means using something to get results and salaries, while in Japan, it only means new technologies".

Look at her startup's innovation lab here.

...for a successful entrepreneurship beyond cultural barriers

Ari doesn’t forget to tell that there is an important barrier for innovation, women and the Japanese society to get over: "The fear of failure is very strong in the Japanese culture, so that it prevents to take any risk. In our Startup's accelerator group, we talk about fear and transform it into courage, to take action." This ideal seems ambitious since it requires changing a fundamental aspect from the Japanese culture (not taking risks) but also from the human being (the fear of failure).

However, given that collaborating and planning are important in the Japanese culture, while creating an idea and results are important in the American one, Ari is right to think that there is a way to combine the best of Japanese and American culture to optimize entrepreneurship.

Finally, she sums up the solution she brings as "a platform to help women developing an innovating startup in a collaborative group. They don't need to come with any idea planned, since this accelerator could be at the intersection of these ideas helps each of them to develop a powerful and successful idea."

I think this kind of initiative is crucial to encourage women, including (or especially?) Japanese women to develop their career for both developing the economy of Japan and their own achievement.

A motivational message for Japanese women

Translation of a haiku alike motivational slogan for the Japanese women to start their business (there can be a better one but I thought it was worth to give a try):

日本での改革お手伝い、

”スタートアップ　プラットフォーム”

女性がだから、できる、

女性だから、始められる、スタートアップ

プチ起業家　コンセプト

テクノロジーを生かして、広げるビジネス

女性だから強い、”一緒に”ができる

”まず初めてみよう”のリーン　スタートアップ

In Japan, a help for innovation,

"Startup platform"

I'm a woman, so I can,

I'm a woman, so I can begin a startup

A petit concept of entrepreneur

Taking advantage of technology to develop a business

I'm a woman so I'm strong, I can make "together"

a "Firstly let's get started" Lean Startup

***

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"Sayonara"

noreply@blogger.com (TSELINE) — Fri, 24 Oct 2014 00:30:00 +0000

English summary at the bottom

Le mercredi 17 septembre 2014

Sayonara, Mme Bonnet

J'ai mis un certain temps à publier cette lettre d'adieu d'un élève remarquablement humain, parce qu'il marque mon départ du Japon que j'aime tant, mais aussi parce que cela ne me semblait pas très modeste… Mais lui-même m'a encouragé à la partager. Les personnes qui ont eu l'occasion d'enseigner comprendront mon sentiment ambigu de satisfaction et de tristesse en la lisant. C'est un des meilleurs souvenirs que je garderai de ma vie et de mon travail au Japon. Je resterai très reconnaissante de mes élèves qui m'ont permis d'expérimenter ce Japon-là, avec des personnes enthousiastes, attentives, curieuses des autres cultures, et tellement aimables.

Izu Oshima, Izu island, Japan

"Je vous remercie pour vos trois trimestres d'enseignement, vos cours d'art étaient toujours passionnants. Grâce à vous, ce vieillard, mal éduqué qu'il est ne se trompe plus entre Manet et Monet. Grâce à vous il a appris à apprécier l'art du grec ancien et la signification et la profondeur des impressionnistes. De plus, il a eu l'opportunité de visiter les musées pour lesquels vous avez offert des billets à vos élèves. Les visites lui rappellent les mots d'un poète anglais qui a dit : "Un objet de beauté est joie pour l’Éternité". À la fois, vous l'avez fait réfléchir, non seulement aux arts du Japon, mais aussi à sa culture avec une nouvelle perspective. Votre classe sur Toulouse-Lautrec, par exemple, lui a fait penser à Outamaro, et ensuite à la différence entre les cultures japonaise et française, ainsi qu'à leurs religions. C'était vraiment une expérience merveilleuse.

Son regret de ne pas s'être inscrit à vos cours plus tôt est profond, il envie les éleves qui les ont suivis depuis le début. Il est terriblement désolé que vous deviez quitter le Japon, il pensait que vous pourriez lui enseigner encore de longues années. Vos leçons sont irremplaçables : la douceur avec laquelle vous communiquez avec vos éleves, votre patience en attendant leurs réponses, vos encouragements lui ont fait réaliser que l'enseignement est en soi un art. Les conversations engagées hors de la salle de classe lui manqueront. Il sait bien que toutes les bonnes choses ont une fin, mais il est choqué que la fin soit arrivée si vite. Bien sûr, les e-mails, Facebook et Skype peuvent lui offrir un peu de réconfort, toutefois un vide qui ne peut pas être comblé le hantera.

En voyant les fleurs de cerisiers volant dans le vent, un écrivain japonais du milieu du 20eme siècle a écrit : "La métaphore dit : Les tempêtes font s'envoler les fleurs. C'est ça, la vie c'est seulement sayonara." C'est vrai, tous ceux qui se rencrontrent doivent se séparer, la vie est remplie de sayonara. À son âge, les mots de cet écrivain sonnent très juste. Sayonara signifie "au revoir" ou "adieu", mais la traduction littéraire c'est "s'il doit en être ainsi".

Ce vieillard a dû dire beaucoup de sayonara dans sa vie, souvent en souriant, parfois en le murmurant tristement à lui-même, parfois sans réaliser que cela représentera la fin définitive d'une rencontre. Mais ces jours-ci, une chose est claire : plus il vieillit, plus il trouve difficile de dire sayonara. Le mot résonne dans son coeur avec un sentiment de perte profonde et perçante, une perte irrémédiable. C'est avec ce sentiment qu'il vous dit, "Sayonara, Mme Bonnet, s'il doit en être ainsi." "

KuniokiYanagishita

"Thanks to you, this old man I am learned to appreciate the art of ancient Greek and the meaning and depth of the Impressionists. In addition, I had the opportunity to visit museums for which you gave tickets to your students. At the time, I considered not only the arts of Japan, but also my own culture with a new perspective. Your class on Toulouse-Lautrec, for example, made me think of Utamaro, and then the difference between the Japanese and French cultures and their religions. It really was a wonderful experience.

Your lessons are irreplaceable: the gentleness with which you communicate with your pupils, your patience in waiting for answers, encouragement made me realize that teaching is an art in itself."

Thank you, Kunioki.

Ogawamachi, Saitama Prefecture, Japan

About the future of handicraftsman in Japan: how to help

noreply@blogger.com (TSELINE) — Tue, 19 Aug 2014 02:59:00 +0000

Article écrit en français en bas de page

Discussion on the future of handicraftsman in Japan with Mr. Miura

I discussed about the Japanese artisans with the photographer Kenji Miura, who I met in a workshop of washi at Ogawamachi, Saitama Prefecture. I share this small talk here as I think it's important to be aware of our responsibility and the way we can affect others by our choice of consuming. By talking about the traditional paper that he buys from Japanese artisans like the one we met together, he explained that this persons are actually surviving now. And their profession will surely disappear since there is not any succession, because of the lack of customers. He explained why.

Small but very famous temple for his three monkeys, at Nikko

Consequences of the global financial crisis

Mr. Miura said: "Since the "Lehman Shock", the fortunate Japanese people cannot not buy high quality handicrafts anymore. So artisans can no longer do their business and their profession gradually disappear. Paper makers, lacquerers, ceramists, etc. can not live anymore. Perhaps there remains only one or two artisans of gold leaf (金箔) today. These artisans are funded by the State to continue restoring the oldest temples and other historic Heritage of Japan, like the Toshogu temples in Nikko".

The famous three monkeys on Nikko's Temple

Some artisans are funded by the State to continue restoring the oldest temples and other historic Heritage of Japan, but the others cannot live from their work

"It's impossible to survive the competition from China"

"Furthermore it's impossible to survive the competition from China. Chinese artisans sell 100 times cheaper… 100 times! But the quality of workmanship and materials is much lower. In the case of wood lacquerers ("urushi"), Japanese artisans cut wood and dry it 10 years before they sculpt it and paint it to ensure their strength, while the Chinese work with wood just after cutting it, thus it cracks much sooner. Also, restoration work with lacquer and gold leaves lasts 50 years in Japan, against 20 years for Chinese technical and material. But Japanese people can not sell cheaper because their labor is already paid the equivalent of the minimum wage and they can not produce for less", he added, disconsolately.

Toshogo Temple, detail of lacquered sculpture: "kirin", a mythological animal, at Nikko

Helping by our interest for Japanese handcraft

Thankfully, some foreigners also do awareness and recognize this high quality of Japanese handcraft, as the American editor Kim Shefftan, who edited one of the two most important books on washi, but more specialized on textile as shibori, or as Richard Flavin, American artist who makes his own paper for his art at Ogawamachi, and also, as the Deutch Rogier Uitenboogaart at Kochi, Shikoku, who runs a guesthouse with washi workshops and helped to grow plants for papermaking on rooftop gardens in Tokyo (Eco Plaza at Hamamatsucho and Matsuya department at Ginza).

I also sell some of the highest quality of traditional Japanese handmade paper (washi) directly made by Takano and Tanino Ateliers from Ogawamachi, as well as ceramics by Aoki Koji from Kamakura and by Mrs. Kimura from Kagurazaka, and art made with washi by Kenji Miura. I wanted to meet those persons directly, so there is not any additional fee between their artwork and the customer.

Washi (Japanese handmade paper) from Tanino, at Ogawamachi

Discussion sur l'avenir de l'artisanat au Japon avec M. Miura

J'ai discuté sur les artisans japonais avec le photographe Kenji Miura, que j'ai rencontré dans un atelier de washi à Ogawamachi, dans la préfecture de Saitama. Je partage cette conversation ici car je pense qu'il est important d'être conscient de notre responsabilité et de la façon dont nous pouvons influencer les autres par notre choix de consommation. En parlant du papier traditionnel qu'il achète des artisans japonais comme celui que nous avons rencontré ensemble, il a expliqué que ceux-ci vivent en sursis. Et leur profession va sûrement disparaître parce qu'il n'y a pas de succession, en raison du manque de clients. Il m'a expliqué pourquoi.

Des conséquences de la crise internationale

M. Miura a dit : "Depuis le "Lehman Shock" (comme ils appellent au Japon la crise économique de 2008), les Japonais fortunés ne peuvent plus acheter les objets artisanaux de grande qualité. Les artisans ne peuvent donc plus vendre et leur métier disparait peu à peu.

Toshogu Temple at Nikko, Japan

Les fabricants de papier, laqueurs, céramistes, etc. ne peuvent plus survivre. Peut-être qu'il ne reste seulement qu'un ou deux artisans de feuille d'or (金箔) aujourd'hui. Ces artisans sont financés par l'Etat afin de continuer à restaurer les plus vieux temples et autre patrimoine exceptionnel du Japon, comme les temples Toshogu à Nikko".

C'est impossible de survivre à la concurrence chinoise

"En plus c'est impossible de survivre à la concurrence chinoise. Les Chinois vendent 10 fois moins cher, mais la qualité de la fabrication et des matériaux est bien moindre. Par exemple, dans le cas des laqueurs de bois ("urushi"), les Japonais coupent le bois et le font sécher dix ans avant de le sculpter et de le laquer pour garantir leur solidité, tandis que les Chinois travaillent le bois à peine coupé, alors il se fissure plus tôt. Aussi, le travail de restauration à la laque et aux feuilles d'or dure 50 ans contre 20 ans pour la technique et le matériau chinois. Mais les Japonais ne peuvent pas vendre moins cher car leur main d'oeuvre est déjà l'équivalent du salaire minimum et ils ne peuvent pas fabriquer pour moins cher.", a-t-il ajouté, l'air désolé.

Sculpture in Toshogu Temple, at Nikko

Aider grâce à notre intérêt

Heureusement, certains étrangers font aussi connaître et reconnaître cette qualité de l'artisanat japonais, comme l'Américain Kim Shefftan, qui a édité l'un des livres les plus importants sur le washi, mais plus spécialisé sur le textile comme le shibori, ou Richard Flavin, artisan américain qui fait son propre papier pour son art à Ogawamachi, et aussi le Deutch Rogier Uitenboogaart à Kochi, Shikoku, qui dirige une maison d'hôtes avec des ateliers de washi et qui a permis de planter des plantes pour la fabrication de papier sur des jardins sur des toits de Tokyo (Eco Plaza à Hamamatsucho et Matsuya département à Ginza) .

Je vends aussi une partie de la plus haute qualité de papier traditionnel japonais fait à la main (washi) directement fabriqué par Takano et Tanino à Ogawamachi, ainsi que des céramiques par Aoki Koji de Kamakura, at par Madame Kimura de Kagurazaka, et l'art fait avec du washi par Kenji Miura. J'ai tenu à rencontrer les personnes directement, afin d'éviter les frais supplémentaires entre leur œuvre et le client.

A restaurant and shop, at Nikko, in front of the ryu falls
Lanterns made of handmade paper

Look at this article to see how "Machi-koba" (villages of artisans) struggle with the crisis by renewing their communication and awareness: The new look of Japanese artisans.

© Photos Credits Tseline

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Visite du sanctuaire Yasukuni le 15 août 2014 : 4 ans plus tard

noreply@blogger.com (TSELINE) — Fri, 15 Aug 2014 14:11:00 +0000

Le 15 août est une journée importante pour la France et l'Europe catholique, c'est la fête de l’Assomption de la Vierge Marie, mère de Jésus. Tandis qu'en Asie, c'est la commémoration de la fin de l'oppression japonaise, au Japon c'est celle de la capitulation du pays qui met finalement fin à la seconde guerre mondiale.

Groupe de nationalistes à l'entrée de Yasukuni le 15 août 2014

A cette occasion, les personnes qui veulent visitent le sanctuaire Yasukuni à Tokyo pour prier leurs anciens camarades ou ancêtres qui sont morts à la guerre. Ce sanctuaire shinto honore les esprits des soldats morts pour le pays pendant cette guerre, mais aussi celles d'avant. Ce lieu est depuis quelques décennies le symbole du militarisme japonais et ses visites sont sources de polémiques en Asie et en Occident, parmi les pays concernés par la guerre (voir ici, là et ici, ce que pensent quelques Japonais afin de mieux comprendre la complexité des sentiments à ce sujet).

J'y étais aussi allée le 15 août 2010 la première fois que je suis venue au Japon avec des amies japonaises, et une deuxième fois aujourd'hui, quatre ans plus tard, parce que j'enseignais par hasard dans le quartier voisin d'Iidabashi. Aujourd'hui j'y étais accompagnée de mon élève, japonaise, qui apprécie justement parler de l'histoire et de la politique. J'ai donc pu comparer ces deux moments de commémoration. En nous dirigeant vers le sanctuaire, nous avons pu voir des détails rarissimes qui nous faisaient ressentir la forte présence d'un événement particulier : des Japonais aux bras tatoués, ou encore un occidental et un Japonais qui discutaient sans doute du massacre de Nankin, mentionnant ce dernier mot. Toutefois leur discussion était étonnamment paisible, une bière à la main, près d'un petit marché.

L'augmentation de la présence de nationalistes

La première fois en 2010, on pouvait voir des camions noirs de nationalistes qui encerclaient le sanctuaire et sa cour en avançant lentement dans les rues, et un petit groupe de ce même genre personnes à l'entrée, toujours hurlant, portant un drapeau du Japon, ainsi que des policiers. (voir des photos et mon article sur cette journée)

Cette fois-ci j'ai été surprise par la grande foule qui circulait dans l'allée qui menait au sanctuaire, sans doute venue pour prier, beaucoup plus considérable qu'il y a quatre ans. Mais surtout, par la quantité de personnes portant le drapeau national, regroupées devant un homme qu'on ne pouvait pas voir, qui hurlait un discours en dessous de la torii (grande porte shintô) principale. Cette foule reste de taille modeste, mais il me semble qu'il n'y en avait pas la dernière fois. Mon élève Reiko m'a traduit la partie du discours qu'elle a pu comprendre, qui disait : "Il n'est pas nécessaire que les pays étrangers nous disent de ne pas visiter ce sanctuaire. On doit le faire pour ramener l'honneur au Japon !". Cette foule applaudissait régulièrement.

Des gens ordinaires ?

Nous avons aussi été étonnées par leur apparence ordinaire : des jeunes femmes en yukata (kimono d'été) comme si elles allaient au festival, un couple de la quarantaine élégamment vêtus… Reiko m'a doucement dit à l'oreille : "Regarde, il y a des jeunes femmes et des vieilles dames. Là on dirait un jeune couple. Ils semblent ordinaires comme moi, pourtant, je ne sens aucun point commun avec eux. Je ressens de la tristesse pour les gens qui sont morts pendant les guerres, mais je ne pourrai jamais faire comme eux. Ils ne ressentent pas seulement la tristesse, mais surtout le nationalisme et l'honneur."

photos prises avec un petit téléphone portable

Ils se sont mis à chanter l'hymne national du Japon sous la directive du même homme. "Oh la !", a réagit Reiko en cachant ses expressions de visage pour ne pas attirer l'attention. Nous nous sommes placées sur un côté à l'ombre pour observer discrètement. Et ils ont conclu par de puissants cris 'Banzai !" (expression autrefois utilisée par respect pour l'Empereur), les bras levés, quatre fois. Je n'avais vu ce cri impressionnant que dans les anciens films. Ils ont arrêté à 16h50 et se sont dirigés vers la sortie.

Seule étrangère sur place, j'étais fixée par de très nombreuses personnes. Je suis habituée à ne pas passer inaperçue et à être légèrement regardée, mais jamais de cette façon insistante et méfiante. Que pensaient-ils en me regardant ? Que je n'ai pas ma place ici ? Que mon jugement de leur visite est de toute façon biaisé ? Reiko a supposé qu'ils se demandent pourquoi je suis venue.

En partant, préférant éviter la foule de l'entrée, nous avons traversé le petit bois sur le côté. Nous nous sommes senties stressées à cause de l'atmosphère très lourde. Reiko m'a confié ses sentiments : "Ils ne supportent pas d'avoir perdu. Ces personnes seraient probablement capables de tuer pour leur pays. Et ils élèveraient leurs enfants de façon à détester les autres et à renouer des liens avec la guerre. Pour ces gens le pays est plus important qu'eux-mêmes et que leurs enfants. Je ne peux pas comprendre ça." Je lui fais part de mon avis : "Dans ce cas le pays est comme Dieu et le nationalisme comme une religion, puisque c'est plus important que tout."

Que s'est-il passé entretemps pour provoquer cette évolution ?

L'accident nucléaire de Fukushima ; la dispute des territoires avec la Chine ; l'arrivée au pouvoir de Shinzo Abe ; le chef de la chaîne nationale NHK remplacé par un ami de ce dernier, nationaliste révisionniste ; la multiplication des discours et l'augmentation de la présence d'Abe dans les médias japonais et l'élimination des opposants sur NHK, la visite de ce sanctuaire par deux ministres du Japon le 15 août 2012, puis par Abe en décembre 2013, la réhabilitation de l'armée, entre autre...

Jusqu'où seront prêts les nationalistes "ordinaires" ? Et quel avenir souhaitent-ils pour le Japon ?

Mise à jour du 17 août 2014:

Le Premier ministre Abe s'est abstenu de visiter ce sanctuaire ce 15 août, contrairement à deux ministres japonais. En "réponse au déni par le Premier ministre japonais Shinzo Abe et des hommes politiques de droite des crimes de guerre commis en Chine par le Japon", le Bureau national des Archives publie sur leur site internet les aveux de 45 criminels de guerre japonais, au rythme d'un par jour depuis le 3 juillet 2014. (source: french.xinhuanet.com)

Le sanctuaire Yasukuni de nuit

Pour en savoir plus sur les origines de ce sujet complexe :

"Morts pour l'Empereur, La question du Yasukuni" de Tetsuya Takahashi

"Yasukuni and the Enshrinement of War Criminals" sur Nippon.com

"Guerre, colonialisme et commémoration", la revue de Cipango.

UK Embassy : "Abe should end Yasukuni visits"

L'ambassadeur de Chine en France : "Pourquoi lavisite du Premier ministre japonais à Yasukuni a choqué la Chine"

La liste des excuses de la part du Japon et les controverses ici :
List of war apology statements issued by Japan

***

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Ryoko Haraguchi and shibori: Renewal of the Japanese dyeing

noreply@blogger.com (TSELINE) — Thu, 14 Aug 2014 05:18:00 +0000

Article written in English and in French
Article écrit en anglais et en français

Ryoko Haraguchi and shibori: Renewal of the Japanese dyeing

Shibori : Le renouveau de la teinture japonaise

I met Richard Flavin, this American artist who makes Washi in the Japanese countryside, in the Gallery of his wife. Here I show the art of his wife, Ryoko Haraguchi, a fashion designer using textiles from India and the Japanese traditional technique of dyeing, shibori (by pressing fabric with natural dye). I fell in love with his work. Look here! She and her husband have also collaborated to create clothes and accessories with washi. They also do exhibitions and washi workshops. Look here: Sind shop.

In this gallery, everything is art, intuitively and expertly combined: art books, clothing, paper and paintings, clean contemporary architecture, Japanese ceramics and Indian furnitures. Textile, paper, natural colors, raw wood, clay, concrete, glass … The feeling of material is omnipresent by its natural appearance and quality, making its authenticity.

Washi artwork by richard Flavin on the wall

Leur porte en bois ramenée d'Inde
Their wooden door brought back from India

Papier rigide et solide fait des restes de pulpe et d'écorce des plantes
Stiff and strong paper made of leftover pulp and bark of plants

On peut voir le livre où Ryoko Haraguchi a publié : Memory on cloth,
édité par Kodansha, dont Kim Schefftan, rencontré ici, était un éditeur.
You can see the book where Ryoko Haraguchi published: Memory on cloth,
published by Kodansha, which Schefftan Kim, met here, was an editor.

The concrete architecture has been ordered to the famous architect from Atelier Tekuto. Several concrete slabs are stacked in a narrow space to form a gallery on the ground floor, offices on the first floor and a dwelling place in the second.

* French Version *

J'ai rencontré Richard Flavin, cet artiste américain qui fabrique le washi dans la campagne japonaise, dans la galerie de sa femme. Voici l'art de sa femme, Ryoko Haraguchi, une designer de mode utilisant du textile d'Inde et la technique de la teinture japonaise traditionnelle, le shibori (presser le tissu avec le colorant naturel). Je suis tombée amoureuse de ses oeuvres. Regardez ici ! Elle et son mari ont aussi collaboré pour créer des vêtements et accessoires avec du washi. Ils font aussi des expositions et des ateliers de washi. Regardez ici : Sind shop.

Dans cette galerie, tout est art, intuitivement et savamment associé : livres d'art, vêtements, papiers et peintures, architecture contemporaine épurée, céramiques japonaises et meubles d'Inde. Du textile, du papier, des couleurs naturelles, du bois brut, de la terre cuite, du béton, du verre... La sensation de matière est très présente, sans doute par son aspect naturel et de qualité, qui en font son authenticité. L'architecture en béton est issue d'une commande du célèbre architecte de l'Atelier Tekuto. Plusieurs plaques de béton sont superposées dans un espace étroit pour former une galerie au rez-de-chaussée, des bureaux au premier étage et un lieu d'habitation au second.

Sind Shop

sind@jcom.hon.ne.jp

167-0042 東京都杉並区西荻北5-9-1

03-5311-6660

© Photos Credits Tseline

***

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Richard Flavin, an American artist in Japan in love with washi

noreply@blogger.com (TSELINE) — Thu, 14 Aug 2014 05:07:00 +0000

Richard Flavin, an American artist in Japan in love with washi

Richard Flavin, un artiste américain au Japon amoureux du washi

Article written in English and in French
Article écrit en anglais et en français

Richard in the Gallery Sind

Richard Flavin is an American Papermaker and Artist born in Boston in 1943. I met him and his wife in his wife's gallery "Sind" in Tokyo (Nishi-Ogikubo). In addition to being a store, an office and a residential place, the gallery hosts exhibitions and washi workshops! Look at the website here: Sind shop and on my blog here.

Richard dans la galerie Sind

Richard Flavin est un artiste américain né à Boston en 1943. Je l'ai rencontré lui et sa femme dans la galerie de celle-ci : "Sind" à Tokyo (Nishi-Ogikubo). En plus d'être un magasin et un lieu de bureaux et d'habitation, la galerie accueille des expositions et des ateliers de washi ! Regardez leur site ici : Sind shop, et sur mon blog ici.

washi on the left, textile on the right

Textile and painting of washi on the wall

Papier rigide et solide fait des restes de pulpe et d'écorce des plantes
Stiff and strong paper made leftover pulp and bark of plants

Training and living in rural Japan

Mr. Flavin came to live in Ogawamachi (Saitama Prefecture) in the 1970s, where he trained as a craftsman of washi (traditional handmade Japanese paper). He also began organic farming in his own fields. Since this time, he knows the famous organic farmers Mr. and Mrs. Kaneko who I met before at Ogawamachi (look at the article here). "Mrs. Kaneko is a very good friend", told me Richard.

Although he bought a house nearby at Ogose with his wife, he has lived in a Zen temple for twenty years, until it was unfortunately destroyed by a fire in 2005. Then Mrs. Kaneko gathered help from people around her to help him.

Today he continues organic farming and art activities, and divides his time between his wooden house in the remote countryside of Saitama, and concrete gallery of his wife in Tokyo. He works on his paper in the first place.

Look at more photos of washi workshop with Richard Flavin, on the blog of Satoyama Ogawamachi club, organized by his leader Mr. Satoh in May 2014 (he is also a friend of Mrs. Kaneko, still this lady ... she knows everyone, I told you!)

Se former et vivre dans la campagne japonaise

M. Flavin est venu habiter à Ogawamachi (Saitama) dans les années 1970, où il a été formé comme artisan de washi. Il commençait aussi l'agriculture bio de ses propres champs. Il connait depuis lors les fameux agriculteurs bio M. et Mme Kaneko. "Mme Kaneko est une très bonne amie", me dit-il.

Bien qu'il ait acheté une maison à côté à Ogose avec sa femme, il a habité dans un temple Zen pendant vingt ans, jusqu'à ce que celui-ci soit détruit par un malheureux incendie en 2005. Mme Kaneko l'a alors aidé à rassembler de l'aide auprès de son entourage.

Mr. Satoh, from the Satoyama Ogawamachi club

Aujourd'hui il continue l'agriculture bio et ses activités d'art, et partage sa vie entre sa maison en bois dans la campagne reculée de Saitama, et la galerie en béton de sa femme à Tokyo. Il travaille son papier dans le premier endroit.

Regardez les photos d'un atelier washi chez M. Richard Flavin, sur le blog du club Satoyama d'Ogawamachi, organisé par le leader M. Satoh en mai 2014. (Il est aussi un camarade de Madame Kaneko, encore cette dame... elle connait tout le monde, je vous l'ai dit !)

Career

After studying at Boston, he has been studying Japanese woodblock printmaking at Tokyo University of Fine Arts. Then he has been a visiting teacher of handmade paper related arts at Tohoku University of Art and Design, and gave some lectures at the Center for the book, at the University of Iowa. He and his wife used to do many exhibits of washi art and clothes in Japan, in the United States and in the world. We can also read some informations on his life and art in this book online: "On Paper: The Everything of Its Two-Thousand-Year History".

Interested in his artworks, I offered him to exhibit them in the San Francisco Bay Area. But now he prefers focusing on his work. "I used to sell a lot, but it was only money, and my works are not here anymore. Now I want to stay close to my work. My wife asked me to make a hundred of washi-paintings, but I will see how it comes." Too bad ! However I saw how washi can be used in art and could be inspired. I also want to try the washi that I bought!

Carrière

Après avoir étudié à Boston, il a étudié la gravure sur bois japonaise à l'université des Beaux-Arts à Tokyo. Puis il est devenu enseignant itinérant des arts liés au papier fait à la main à l'université Art and Design au Tohoku, et a donné des conférences sur sa vie et son travail au Japon, au "Center for the book" de l'université de l'Iowa. Lui et sa femme ont fait de nombreuses expositions de leur art de la mode et du papier, au Japon, aux Etats-Unis et dans le monde.

Intéressée par ses créations, je lui ai proposé de les vendre dans la baie de San Francisco. Mais il préfère désormais se concentrer sur son travail. "J'ai beaucoup vendu auparavant, mais en retour il me reste seulement de l'argent, et mes oeuvres ne sont plus là. Maintenant je veux rester proche de mon travail. Ma femme m'a demandé de faire une centaine de peintures-washi, mais je verrai si ça vient." Dommage ! Cependant j'ai pu voir comment le washi peut être utilisé en art et en être inspirée. Je veux aussi essayer d'utiliser le washi que j'ai acheté ! Regardez ses techniques.

Skills and techniques with Japanese paper (washi)

The washi paper

Tseline: There are three kinds of plants to make washi (kozo, mitsumata and gampi). Why do you use mostly kozo?

"First, I use the paper that I make with my plants, which are kozo (mulberry). I like 100% kozo because it's solid and I don't need to add any solution for stiffening textile (dousahiki ドーサ引き) since it's naturally waterproof. Furthermore, when the paper dries after being wet, it returns to its original form, because the fibers are highly resistant and lightweight. It's amazing, isn't it? I also like to use the other papers in other aspects. Mitsumata is thicker. Mitsumata and gampi become shiny, unlike kozo." Discover more details about him and his work in this beautiful kozo washi blog: washilife.

Différents papiers aux diverses textures
Different papers with different textures

Techniques and colors

"As I make my paper myself, I understand what happens when I spread out the brush and charcoal. So I know how to do according to the appearance that I want to produce."

Tseline: I saw a beautiful artwork at the entrance. How did you make it?

"I glue pieces of washi that I dye with acrylic paint. Then I spread a layer of konjac ("konnyaku" in Japanese, is a plant whose gelling is widely used in Japanese food)."

Art et techniques avec le papier japonais (washi)

Les papiers washi

Tseline : Il y a trois sortes de plantes pour faire du washi (kozo, mitsumata and gampi). Pourquoi utilisez-vous surtout le kozo ?

"D'abord, j'utilise le papier que je fabrique avec mes plantes, qui sont du kozo (mûrier). J'aime le kozo 100% car c'est solide et je n'ai pas besoin de solution pour textile (dousahiki ドーサ引き) puisque c'est naturellement étanche. En plus, quand ce papier sèche après avoir été mouillé, il retourne à sa forme originelle, parce que les fibres sont très résistantes et légères. C'est extraordinaire, n'est-ce pas ? J'aime aussi utiliser les autres papiers pour d'autres aspects. Le mitsumata est plus épais. Le mitsumata et le gampi sont biens pour un aspect brillant, pas le kozo." Découvrez plus de détails sur lui et son travail de kozo dans ce beau blog sur le washi : washilife.

Techniques et couleurs

"Comme je fais moi-même mon papier, je comprends ce qui se passe quand j'y étale la brosse et le fusain. Alors je sais comment faire selon le résultat que je veux produire."

Tseline : J'ai vu une belle oeuvre à l'entrée. Comment l'avez-vous faite ?
"Je colle des morceaux de washi que je teins à la peinture acrylique. Puis j'étale une couche de konjac ("konnyaku", une plante dont on utilise beaucoup le gélifiant dans la nourriture japonaise)."

"Here I burnished with persimon." The brown color comes from khaki (popular fall fruit in Japan), also known as "persimon" and "kaki-shibu" dye.
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"Ici j'ai bruni avec du persimon." La couleur marron vient du kaki (fruit d'automne populaire au Japon), qu'on appelle aussi "persimon", et sa teinture "kaki-shibu".

Washi teint avec du colorant de kaki
Washi dyed with dye from khaki

The technique of frottage

"Also, I use do a lot of frottage. If I find some interesting things like wood and stone, I use it as a print pattern. This, is a wood's rib pattern that I got using a wooden plaque, then I applied a layer of konjac and indigo blue."(see the picture below)

La technique du frottage

"Et puis j'utilise beaucoup la technique de frottage. Si je trouve des choses intéressantes comme du bois et des pierres, je les utilise comme motif d'impression. Ca, c'est un motif de nervures de bois que j'ai obtenu en appliquant une plaque de bois, puis une couche de konjac et du bleu indigo."

Traces de bois obtenues par la technique du frottage d'une planche en bois
Traces of wood obtained by the technique of frontage with a wooden board

La planche en bois en question, et un bloc en bois noir, une antiquité française
The wooden board in question, and a black block of wood, a French antique

"Here is a woodblock from France that I bought in an antique shop nearby. I used black paper and then I made a frottage and painted with silver acrylic." (see the picture below)
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"Ici c'est un bloc en bois de France, que j'ai acheté dans un magasin d'antiquités près d'ici. Je me suis servi d'un papier noir puis j'ai fait un frottage et peint avec de la peinture acrylique argentée."

Un bloc en bois et le résultat sur du papier noir
A wooden block and the result on black paper

frontage with a hard brush

Voilà le résultat
And here is the result

"And there, I used an old Japanese cake pan, where I spread pieces of washi kozo on three layers. Look like it's solid. It can be wet and it will always be like that." (see the picture below)

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"Et là, j'ai utilisé un vieux moule à gâteau japonais, où j'ai étalé des morceaux de washi de kozo sur trois couches. regardez comme c'est solide. On peut le mouiller et il restera toujours comme ça."

La majorité de ses oeuvres se trouve dans son lieu de travail à Saitama. Voici ce qu'on peut trouver à ce propos sur internet. Cliquez sur les liens ci-dessous pour voir plus d'images.

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The majority of his work is in his workplace in Saitama. Here is what you can find about it on the internet. Click on the links below to view more images.

"His works were so rich and textured they looked more like wood, stone or metal than paper." (Cathy Hirano)

Washi art by richard Flavin. Picture by Cathy Hirano

"Bought some new washi from Richard Flavin. Excellent paper."(Andrea Kobayashi)

"Found wonderful antique stencil and handmade paper lanterns by Richard Flavin" (Michael Verne)

"Small paperwork by Richard Flavin" (Michael Verne)

Through my many visits at Ogawamachi and around to discover the papermaking and organic agriculture, I met by chance some key members of the same community attached to these two areas. I realized that organic agriculture and handicrafts are closely linked. Indeed, all, from inspiration and creation to life, are just made of natural materials. It reminds me that we cannot avoid the human bond between us and our environment, in which we must find a balance between control and live as a part of it, and a balance between our needs and our natural resources.

Touching the natural handmade paper, wood, earth, or looking at art made of these materials makes me feel closer to this idea. What about you?

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Grâce à mes multiples visites à Ogawamachi et autour pour découvrir la fabrication du papier puis de l'agriculture bio, j'ai rencontré par hasard quelques acteurs-clé d'une même communauté attachée à ces deux domaines. J'ai alors compris que l'agriculture bio et l'artisanat sont très liés. En effet tout, de l'inspiration et de la création à l'existence, vient de matériaux naturels. Cela me fait penser que nous ne pouvons pas éviter le lien entre nous humain avec notre environnement, dans lequel nous devons trouver un équilibre entre le contrôle et vivre comme une partie de celui-ci, et un équilibre entre nos besoins et nos ressources naturelles.

Toucher le papier naturel fait à la main, le bois, la terre, ou regarder l'art fait de ces matériaux me fait sentir plus proche de cette idée. Et vous ?

You can do washi workshop at the Gallery Sind or at his house at Ogose.

Sind Shop

sind@jcom.hon.ne.jp

167-0042 東京都杉並区西荻北5-9-1
03-5311-6660

© Photos Credits Tseline

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Kenji Miura: the memory of cherry trees in calligraphic pictures on washi

noreply@blogger.com (TSELINE) — Mon, 11 Aug 2014 05:36:00 +0000

Kenji Miura: the memory of cherry trees in calligraphic pictures on washi

I met Kenji Miura in Tanino's workshop of washi, at Ogawamachi in the countryside of Saitama Prefecture. He accompanied the American publisher Kim Schuefftan, who is gathering informations about this factory for the next issue of Ikebana International Magazine. He spontaneously showed me his artworks on his smartphone: black and white photographs printed on washi. I offered him to try to export his works in the United States as I will live there soon. Enthusiastic, he gave me his business card. Three days later, there he is at my home to show me his unique and old works in the light of the windows.

Look at his Gallery of pictures of Sakura printed on Washi.

A calligraphic image made with a picture 「写真で作った書道の絵」

His technique is very original or almost unique. Without giving all its secrets, we can say that he uses washi from Shikoku for his natural residues, on which he prints his photographs in a darkroom, after spreading a liquid photosensitive material on the photographic paper.

He takes all his photographs of cherry trees by night to make the liquid black when printing the photography. The sight of cherry trees by night is said "yozakura" (夜桜). Finally he choses to use a large brush to spread the liquid to let appear the trace of the touch and make the same effect as in calligraphy.

The choice of black and white is original for representations of cherry trees. I like the fact that the surface is natural, as the subject, and allows transparency. Also the trace of the media like in a calligraphy recalls the transience of nature.

The memory of the Japanese cherry trees

For thirty years, Mr. Miura runs Japan from East to West every year at the time of blossoming in spring, to capture the finest, largest, oldest cherry trees in the country, as shirade zakura ("weeping cherry"), the famous taki-zakura from Fukushima or at Nagoya.

"I take pictures of the same cherry trees but they are different every year, especially in the North, where the branches are bent by the weight of the snow, as in Fukushima and Aomori. The oldest have their branches supported by bamboo, as a grandmother helps herself to walk with a cane, "he said. "So each photograph is unique. Today many of these old cherry trees are gone," he said, looking at the old twisted trunk called "bonzai curve".

A "bonzai curve"on a cherry tree

Memory of the daily life

He also captures people in their daily lives. The portraits have been taken in the years 1980 to 1990, which express nostalgia for the prosperous Japan.

The frame

He showed me his papers without context, but it is possible to choose a frame according to the desired use: assembled or separate collage, the kakejiku or lantern.

A kakejiku

Three kakejiku aligned

A kakejiku located in a traditional way in a House of Tea

Discussing about the frames: vertical lantern, collage, kakejiku, etc.
House, restaurant, party: Adapt this art to your environment!

French version

Kenji Miura : la mémoire des cerisiers en photos calligraphiques sur washi

J'ai rencontré Kenji Miura dans l'atelier washi Tanino, dans la campagne d'Ogawamachi de la préfecture de Saitama. Il accompagnait l'éditeur américain Kim Schuefftan qui mène des recherches sur cet atelier pour le prochain numéro de Ikebana International Magazine. Il m'a spontanément montré ses oeuvres sur son smartphone : des photographies imprimées en noir et blanc sur du washi. Je lui ai proposé d'essayer d'exporter ses oeuvres aux Etats-Unis, quand j'irai y vivre dans peu de temps. Enthousiaste, il m'a donné sa carte de visite. Trois jours plus tard, le voilà chez moi pour me montrer ses oeuvres uniques à la lumière des fenêtres.

"Une image calligraphique faite avec une photo"「写真で作った書道の絵」

Kenji Miura's exhibition at Tokyo

Sa technique est très originale, voire quasi unique. Sans dévoiler tous ses secrets, on peut dire qu'il utilise du washi de Shikoku pour ses résidus naturels, sur lequel il imprime ses photographies dans une chambre noire, après avoir passé un matériau photosensible liquide sur le papier photographique. Il prend toutes ses photographies de cerisier de nuit pour rendre le liquide de couleur noire lors de l'impression. La vue des cerisiers de nuit se dit "yozakura" (夜桜). Enfin il choisit d'utiliser une grosse brosse pour étaler ce liquide afin de laisser apparaitre la touche et rendre le même effet que dans une calligraphie.

La mémoire des cerisiers du Japon

Depuis trente ans, M. Miura parcourt le Japon d'est en ouest, tous les ans au moment de la floraison du printemps, afin de capturer les plus beaux, les plus grands, les plus vieux cerisiers du pays, comme des shirade zakura (« cerisier pleureur »), le célèbre taki-zakura de Fukushima ou à Nagoya. "Je prends en photo les mêmes cerisiers mais ils sont différents tous les ans, notamment dans le nord, où les branches sont courbées par le poids de la neige, comme à Fukushima et à Aomori. Les plus vieux ont leurs branches soutenues par des bambous, comme une grand-mère s'aidant d'une canne pour marcher", dit-il. "Alors chaque photographie est unique. Aujourd'hui, bon nombre de ces vieux cerisiers ont disparu", dit-il en regardant le vieux tronc torsadé appelé "courbe du bonzai".

La mémoire du quotidien

Il capture aussi des personnes dans leur quotidien. Ces portraits ayant été pris dans les années 1980-90, il exprime la nostalgie du Japon prospère.

Le cadre

Il m'a montré ses papiers sans cadre, mais il est possible de choisir un cadre selon l'utilisation désirée : le collage assemblé ou séparé, le kakejiku ou la lanterne.

Le choix du noir et blanc est original pour des représentations de cerisiers. J'aime le fait que le support soit naturel, comme le sujet, et permette la transparence. Enfin la trace du média comme dans une calligraphie rappelle le caractère éphémère de la nature.

Quelque vocabulaire de japonais :

kakejiku掛け軸: vertical roll of silk or thick paper to frame a painting or calligraphy
rouleau vertical en soie ou en papier épais pour encadrer une peinture ou une calligraphie

Photosensitive material 感光材

Brush 刷毛

Photographic paper 印画紙

The machine for photograph printing in a darkroom引き伸ばし機械

***

Which one do you like? Do you want to see more? Do you want to know more about the artists who I represent in the San Francisco Bay Area?
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Kim Schuefftan and the world of Japanese paper

noreply@blogger.com (TSELINE) — Sat, 09 Aug 2014 14:26:00 +0000

French version beneath

I met Mr. Schuefftan in the Tanino's workshop of Washi. He is an American who speaks fluent Japanese and walks with a cane. It turns out he is from San Francisco, where I will live in a month. He lived the major part of his life in Japan, and lives now in Gunma Prefecture, at one hour from there. The Taninos showed me his huge book: Washi: World of Japanese Paper (Kodansha International, 1978, by Sukey Hughes).

Kim Schefftan at the workshop of Mr. and Mrs. Tanino

Washi: World of Japanese Paper, Kodansha International, 1978, by Sukey Hughes.

Then he told me: "I edited this book. There are maybe only two books in English on washi, including this one. It's old but it's extremely complete. It's the result of three years of researches. I worked with the author and helped her obtain photos and information, for which purpose I also traveled about the country to washi-producing sites, particularly Kurodani north of Kyoto."

(The other book is "Japanese Papermaking: Traditions, Tools, and Techniques", 1984, by Timothy Barrett.)

Before that he was an editor with Kodansha International for 22 years. Unfortunately, kodansha-international, which published books on Japan in English, closed in last April 2014. Look at his instructive and inspiring articles on Japanese crafts, this video of his interview and the presentation of his book on textile "Boro".

Tseline: What are you doing here today?

"Today my visit to Mr. and Mrs. Tanino is to do an article for the Ikebana International magazine, which I edit. It is a little magazine published only three times a year, but it is available only to members and not for sale. Each issue has 3 editorial articles about Japanese culture. I think it is the only magazine besides Katei Gaho International (now only twice yearly) that deals with Japanese culture."

When I told him my project to sell a traditional Japanese paper among other Japanese artisans and artists artworks, he gave me some excellent advises and encouraged me: "Mr. and Mrs. Tanino really respect the quality and the traditional production of washi. They make among the best paper, and it's cheap. Also they are very nice. I love talking to Mrs. Tanino. Even if the market of washi is small, if you are creative and show something new, it will work. Try to use it yourself and you will see that we can do anything with washi. You will find something very interesting and beautiful, I have no doubt. And it lasts, because it's a very good quality." Then he learnt me how to recognize the best paper, 100% mulberry (kozo), by listening to the sound made by touching its texture.

Tseline: "I would like to propose the idea of decorating the interior windows because I discovered a company of interior design that uses washi in this way. I think it's very beautiful and useful in the Californian light."

Kim:"Ah, yes, it is very popular recently. You can offer this."

This message of encouragement recalls me M. Hirata's one: "You're right. The sector of Japanese paper would not be easy. But with your creativity, there would be a market. At Ogawa-machi, they are always looking for new ways to use Japanese paper."

I am getting more and more interested in the high quality and beauty of this handmade paper, respectful of the environment.

Here is the article that I published about washi in the French and Japanese review : "Labo" at Tokyo. (Sorry, I wrote this one in French for now)

Kim Schuefftan and his photographer Kenji Miura, also an artist using washi

*** French version ***

M. Schuefftan est un Américain qui parle couramment japonais et marche avec une canne. Il s'avère qu'il est originaire de San Francisco. Il a vécu la majeure partie de sa vie au Japon. Maintenant dans la préfecture de Gunma, à une heure de là, il visitait les Tanino ce même jour.

Les Tanino m'ont montré son énorme livre: Washi: World of Japanese Paper, en 1978, par Sukey Hughes. Puis il m'a dit: "J'ai édité ce livre. Il y a peut-être seulement deux livres en anglais sur le washi, y compris celui-ci. Il est vieux mais est extrêmement complet. C'est le résultat de trois années de recherches. J'ai travaillé avec l'auteur et l'ai aidé à obtenir photos et informations. A cette fin, j'ai aussi voyagé dans le pays dans sites producteurs de washi, notamment à Kurodani au nord de Kyoto ".

(L'autre livre est: "La fabrication dupapier japonais: Traditions, outils et techniques", en 1984, par Timothy Barrett.)

Avant cela, il était un éditeur avec Kodansha international depuis 22 ans. Malheureusement, kodansha international, qui a publié des livres sur le Japon en anglais, fermé cet avril 2014. Regardez ses articles instructifs et inspirants sur l'artisanat japonais et cette vidéo de son interview et la présentation de son livre sur textile : "Boro".

Tseline: Que faites-vous ici aujourd'hui ?

"Aujourd'hui, ma visite à M. et Mme Tanino est de faire un article pour le magazine Ikebana International, qui je modifier. C'est un petit magazine publié seulement trois fois par an, mais il est disponible uniquement pour les membres et n'est pas à vendre. Chaque numéro contient 3 articles éditoriaux sur la culture japonaise. Je pense que c'est le seul magazine avec Katei Gaho international (maintenant seulement deux fois par an) qui traite de la culture japonaise. "

Quand je lui ai dit que mon projet de vendre du papier traditionnel japonais avec d'autres artisans et artistes japonais oeuvres d'art, il m'a donné d'excellents conseils et m'a encouragé :

"M. et Mme Tanino respectent vraiment la qualité et la production traditionnelle du washi. Ils font parmi le meilleur papier, et ce n'est pas cher. En plus ils sont très sympas. J'aime parler avec eux.

"Même si le marché de washi est petit, si vous êtes créative et montrez quelque chose de nouveau, ça fonctionnera. Essayez d'en utiliser vous-même et vous verrez qu'on peut tout faire avec du washi. Vous trouverez quelque chose de très intéressant et beau, je ne doute pas. Et ça dure, parce que c'est une très bonne qualité. " Puis il m'a appris comment reconnaitre le meilleur papier, 100% mûrier (kozo), en écoutant le son produit en touchant sa texture.

Tseline : "J'ai l'idée de proposer de décorer les fenêtres intérieures car j'ai découvert une entreprise de design intérieur qui utilise le washi. Je pense que c'est très beau et utile."

Kim : "Ah, oui, c'est très populaire récemment. Vous pouvez proposer cela."

Ce message d'encouragement me rappelle celui de M. Hirata: "Vous avez raison, le secteur de papier japonais ne serait pas facile, mais avec votre créativité, il y aurait un marché. A Ogawa-machi, ils sont toujours à la recherche de nouveaux moyens d'utiliser du papier japonais ".

Je suis de plus en plus intéressée par la qualité et la beauté de ce papier fait main, respectueux de l'environnement.

© Photos Credits Tseline

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Do you want to know more about washi and my business of Japanese art and handcraft in California, or my other skills?

I am waiting for your questions!
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Tseline on Facebook : TSELINE
My professional profile on Facebook : Celine BL (Tseline) Celine Bonnet Laquitaine on LinkedIn

The world of washi - Le monde du washi

noreply@blogger.com (TSELINE) — Thu, 07 Aug 2014 14:23:00 +0000

Cet article est écrit en français et en anglais.

This article is written in English and French

The world of washi at Ogawamachi

As part of my search for artists and artisans to display near San Francisco, after my first visit to Ogawamachi, known for its paper and organic farm of Kaneko, I went back a whole day to meet manufacturers of washi (Japanese paper), biking in sunny summer wet. This town produces among the best paper in the country in an very very ancient tradition. The paper has always been used in interior design: sliding doors, covers walls, lanterns ... and its strength, flexibility and beauty allow limitless creations. Who are the persons who have helped me to better understand the culture of washi?

Ogawamachi is about one or two hours from Tokyo by Express or Local train

Un petit marché à Ogawamachi avec le dessin d'un vieil artisan de washi

A small market at Ogawamachi with the drawing of an old craftsman of washi

Mr. Hirata

Firstly, Mr. Masafumi Hirata, without whom this day and these meetings deep in the countryside would have been impossible. This student of French and Art History, versatile, has turned into organizer, guide, translator and agent for the day. He knows Ms. and Mr. Kaneko …

Mr. Masafumi Hirata

The itinerary for the day prepared by Mr. Hirata

- Around 9:00am: Meeting at the Ogawamachi station. Picking up bikes at the City Hall

- 9:30: Meeting with Ms. Okabe, who will give us general information about washi

- 10:30: Visiting the workshop of Mr. Takano (6 km bike, climbing the mountain)

- Lunch at Beli Cafe, the restaurant where Mrs. Kaneko works with trainees of her organic farm
-14:00pm: Visiting the workshop of Mrs. Tanino (8 km by car)

L'itinéraire de la journée élaboré par M. HirataThe itinerary for the day prepared by Mr. Hirata

Ms. Okabe, from the Handmade paper learning and Experience Centre

The friendly Ms. Okabe runs the washi workshops and keeps the museum with exhibition halls. She was able to answer all my questions about the washi, before we go visit the shop owners Takano and Tanino. Look at my article on the handmade paper experience here. Look at their website here (in Japanese): Ogawamachi Handmade Paper Learning & Experience Centre.

We have to ring the bell at the entrance to call the staff. Then we can hear instantaneously Ms. Okabe answering

Mr. Takano of "Takano paper laboratory" and his employees（高野）

Mr. Takano has got, among other customers, the library of the emperor to restore the old documents, and Shinto shrines for prayer books.

Satomi Tamura and her creations with flower petals

Lunch break with Ms. Kaneko, organic farmer and cook

She knows everyone in Ogawamachi since she welcomes people in his organic restaurant, delivers his vegetables and participates in public dialogues in the city.

Mrs. Kaneko

Vegetarian menu from Ms. Kaneko 's organic food. Very tasty.

Mrs. Tanino, from Tanino's workshop, and their employees（谷野）

The couple Tanino showed me proudly their papers made of pure mulberry, with small patches of bark, visible fibers or integrated maple leaves.

A special technique to make small irregular rounds in the paper. I love his shirt, by the bye.
Une technique spéciale pour créer des ronds irréguliers. J'adore son T-shirt, soit dit en passant.

Special guest: Kim Schuefftan

Mr. Schuefftan is an American Editor who speaks fluent Japanese and walks with a cane. It turns out he is from San Francisco. He lived the major part of his life in Japan. Now in Gunma Prefecture, at one hour from there, he visited the Taninos this precise day. He edited Washi: World of Japanese Paper, in 1978, by the writer Sukey Hughes. He explained me how to recognize the best paper, 100% Kozo, by its texture. Read our small talk here!

Kim Schuefftan and his photographer Kenji Miura, also an artist using washi

Kenji Miura, a photographer using washi

Then his photographer, Kenji Miura, showed me his artworks on his smartphone. He takes negative pictures and print it on washi. I love it, so I proposed him to present his art in San Francisco and around. Astonished and excited, he answered me without hesitation nor pretention : "Yes, I want". So we exchanged our business card to meet later. By showing the photographer at work, Mr. Schuefftan added compliments on him: "I am working with this photographer because he is very easy to work with and very nice. He is not egotistical like many others." Watch his artworks here and our small discussion here!

Some people interested in washi are gathered by chance in Tanino workshop the same day, or the virtuous effect of a meeting which brings another. But as Kim Schuefftan said: 'We are not here by accident "… I am so grateful to have met such people that day.

I go back home with my shopping of paper as a sample... and organic vegetables from the farm Kaneko! And also with many business cards... printed on washi, of course! I also bought some cards from Takano to print my future business cards.

Business cards made of washi / cartes de visite en washi / washi no meishi 和紙の名刺

To be continued: meeting with Kenji Miura, Richard Flavin, and many others...

My efforts are not over. Other appointments are listed on my schedule: notably Kenji Miura, a photographer who prints pictures of cherry blossom on washi ; Richard Flavin, this American artist who works with washi which he manufactures itself, based on mulberry trees he planted himself at his home near Ogawamachi. And I intend to visit Mashiko, fully lined with pottery town!

***French version***

Le monde du washi à Ogawamachi

Dans le cadre de ma recherche d'artistes et d'artisans pour exposer près de San Francisco, après ma première visite à Ogawamachi, réputée pour son papier parmi les meilleurs du pays (avec celui du Shikoku), j'y suis repartie une journée à la rencontre de fabricants de washi (papier japonais), en vélo sous le soleil de l'été humide. Cette petite ville fabrique parmi le meilleur papier du pays dans une tradition millénaire. Le papier est depuis toujours utilisé dans la décoration intérieure : portes coulissantes, couvertures de murs, lanternes... et sa solidité, sa flexibilité et sa beauté permettent des créations sans limites. Quelles sont les personnes qui m'ont permis de mieux comprendre la culture du washi ?

M. Hirata

D'abord, M. Masafumi Hirata, sans qui cette journée et ces rencontres au fin fond de la campagne auraient été impossibles. Cet élève de français et d'histoire de l'art, polyvalent, s'est transformé en organisateur, guide, traducteur, agent pour la journée. Il connait Ms. and Mr. Kaneko…

L'itinéraire de la journée élaboré par M. Hirata

- vers 9h : RV à la gare d'Ogawamachi. Chercher nos vélos à la mairie

- 9:30 : voir Madame Okabe, qui nous donnera des informations générales sur le washi

- 10:30 : visiter l'atelier de Takano (6 km en vélo. Nous montons vers chaine de montagne)

- déjeuner à Beli Cafe, le restaurant où Mme Kaneko travaille avec ses stagiaires de la ferme bio

- vers 14h : visiter l'atelier de Madame Tanino (8 km en voiture)

Mme Okabe, du Centre de formation du papier japonais

L'aimable Mme Okabe anime les ateliers de washi et conserve le musée avec ses salles d'exposition. Elle a pu répondre à toutes mes questions à propos du washi, avant que nous allions visiter les propriétaires des ateliers Takano et Tanino.

M. Takano, de l'atelier Takano ou "Takano paper laboratory" et ses employés

Monsieur Takano a entre autres pour clients la bibliothèque de l'empereur pour restaurer les vieux documents, et les temples shintoïstes pour les livres de prières.

Pause déjeuner avec Mme Kaneko, agricultrice et cuisinière bio

Elle connait tout le monde à Ogawamachi puisqu'elle accueille les habitants dans son restaurant bio, livre ses légumes et participe aux dialogues publics de la ville.

Mme Tanino, de l'atelier Tanino, et leurs employés

Le couple Tanino m'a fièrement montré ses papiers faits de mûrier pur, avec de petites taches d'écorce, des fibres visibles, ou des feuilles d'érable intégrées.

Invité spécial : Kim Schuefftan

M. Schuefftan est un éditeur américain qui parle couramment japonais et marche avec une canne. Il s'avère qu'il est originaire de San Francisco. Il a vécu la majeure partie de sa vie au Japon. Maintenant dans la préfecture de Gunma, à une heure de là, il visitait les Tanino ce même jour. Il a édité Washi: World of Japanese Paper Hardcover, en 1978, de Sukey Hughes. Il m'a expliqué comment reconnaître le meilleur papier, 100% kozo, à sa texture. Lisez notre petite discussion ici !

Kenji Miura, un photographe qui utilise le washi

Ensuite, son photographe, Kenji Miura, m'a montré ses œuvres sur son smartphone. Il prend des photos négatives et les imprime sur papier washi. J'adore, alors je lui ai proposé de montrer son art à San Francisco et aux environs. Étonné et excité, il me répondit sans hésitation ni prétention : "Oui, je veux". Nous avons donc échangé notre carte de visite pour nous rencontrer plus tard. En montrant son photographe au travail, M. Schuefftan a ajouté des compliments sur lui : "Je travaille avec ce photographe car il est très facile de travailler avec lui et très agréable. Il n'est pas narcissique comme beaucoup d'autres.» Regardez ses oeuvres et lisez notre petite discussion ici !

Des personnes qui s'intéressent au washi se retrouvent par hasard réunies dans l'atelier Tanino, ou l'effet vertueux d'une rencontre qui en apporte une autre. Mais comme a dit Kim Schuefftan : 'nous ne sommes pas ici par hasard"… Je suis tellement reconnaissante d'avoir rencontré de telles personnes cette journée. Je rentre avec mes courses de papiers comme échantillon…. ainsi que des légumes bio de la ferme des Kaneko ! De retour chez moi avec de nombreuses cartes de visite… imprimées sur du washi, bien sûr ! J'ai aussi acheté des cartes de Takano pour imprimer mes futures cartes de visite !

A suivre : rendez-vous avec Kenji Miura, Richard Flavin, et d'autres encore...

Mes démarches ne sont pas finies. D'autres rendez-vous sont inscrits sur mon calendrier : notamment avec Kenji Miura, un photographe qui imprime des images de cerisiers sur du washi, Richard Flavin, cet artiste américain qui travaille avec du washi qu'il fabrique lui-même, à base des mûriers qu'il a lui-même planté chez lui, près d'Ogawamachi. Et je compte bien visiter Mashiko, un bourg entièrement jalonné de potiers !

© Photos Credits Tseline

***

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Visite de la campagne : La ferme bio des Kaneko à Ogawamachi - Visiting the Countryside: The organic farm of Kaneko at Ogawamachi

noreply@blogger.com (TSELINE) — Sun, 27 Jul 2014 08:45:00 +0000

Visite de la campagne : La ferme bio des Kaneko à Ogawamachi

Visiting the Countryside: The organic farm of Kaneko at Ogawamachi

Look here at the presentation of Ogawamachi and the first part 1) Washi Workshop. We continue the journey in this article.

Suivez désormais la suite du parcours commencé ici : le restaurant et la ferme bio des Kaneko à Ogawamachi.

Look at the last episode of the visit here!

2) Le restaurant de Madame Kaneko

Ce restaurant est organisé par sept maisons différentes, proposant chacune leur menu un jour de la semaine. Chaque lundi, c’est Madame Kaneko qui y travaille, avec des stagiaires de sa ferme.

"Beli cafe", le restaurant végétarien d'Ogawamachi, avec mes camarades de voyage
My fellow travelers at Beli Cafe, the vegetarian restaurant at Ogawamachi

Le menu végétarien proposé par Mme Kaneko le lundi, à base des légumes de son champ. Délicieux !
The vegetarian menu made by Ms. Kaneko on Mondays, based on vegetables from his fields. Very tasty!

Ms. Kaneko, talking about a French chef who recently came

"Il me semble que c’est Madame Kaneko qui dirige la ferme des Kaneko. Elle est accueillante et parle avec sa clientèle. Vous pouvez lui poser n’importe quelles questions. En plus, elle est très active sur les questions culturelles et environnementales : fêtes musicales, protection des abeilles (elle a participé à la production d’un film), promotion de produits bio, etc." (mon élève Masafumi Hirata)

C'est vrai, elle parle beaucoup. Il semble qu'elle est âgée mais qu'elle a gardé une voix et une vitalité aussi bien physique que mental d'une jeune femme de vingt ans.

J'ai donc osé lui demander : "Etes-vous satisfaite de tout ce que vous pouvez faire dans votre vie ?"

Après réfléchir quelques secondes, elle me répond : "Oui, tout-à-fait, parce que l'important, c'est la nourriture de bonne qualité. C'est la base de la vie. Je cherche à faire comprendre cela aux stagiaires et aux personnes qui me visitent."

Suivons le guide vers la ferme des Kaneko au pied des montagnes !

3) Visite de la ferme bio de Monsieur et Madame Kaneko

connue à l'origine de TEIKEI (équivalent de AMAP en France) et promenade au bord des rizières.

La maison des Kaneko. Ils utilisent des panneaux solaires sur le toit du grenier à gauche.

The house of Kaneko. They use solar panels on the roof of the attic on the left.

M. Kaneko est une figure de l’agriculture bio au Japon. Tous les agriculteurs de son village ont commencé l’agriculture bio en suivant son modèle. Ce village a reçu un grand prix, qui le désigne clairement comme numéro un du secteur bio.

M. Kaneko travaille avec sa femme, dans leur ferme de Shimosato à Ogawamachi. Shimosato est le nom d'un village, qui fait partie d'Ogawamachi.

Enregistrez le pdf sur cette source

Check more references here on Think the Earth.

Ce couple âgé est très actif est au centre d'une communauté d'agriculteurs-fermiers qui utilisent seulement des énergies renouvelables pour la vie quotidienne. Ils recyclent l'huile de table à la place du pétrole pour leurs voitures et utilisent des engrais naturels pour leur potager, celui-ci nourrissant aussi leurs animaux.

M. et Mme Kaneko vendent leurs récoltes sur place, au marché du village et à domicile à une vingtaine de clients, et bientôt à un restaurant en cours d'ouverture. Ils emploient une dizaine de stagiaires.

Voici le restaurant qui sera spécialisé dans les légumes bio et fourni par les Kaneko !
(Les affiches devant indiquent que le papier d'Ogawamachi est inscrit sur la liste de l'UNESCO)

Sa ferme contient des poules, coqs et vaches, dont il utilise la bouse pour produire du gaz, qu'il utilise pour la cuisine quotidienne.

La bouse de vache est conservée dans ces barils pour produire du gaz pour la consommation quotidienne

Devant le champ et derrière la maison,
du composte à base de bois des forêts des montagnes de Shimosato que nous pouvons voir.

Il publie des livres sur l'agriculture bio depuis les années 1970, sa femme cuisine leurs légumes dans un restaurant bio.

Monsieur Hirata me montre les livres d'agriculture bio publiés par M. Kaneko.
Il les a tous achetés pour la culture de ses propres champ.

M. Kaneko expérimente des systèmes pour éviter les pesticides, comme l'odeur des poireaux et les "talking plants". Voir ci-dessous la diapositive réalisée par mon élève.

C'est l'équipe de Kyoto University qui développe l'idée de "talking plants. Dans la ferme des Kaneko, on conduit des essais afin de confirmer les résultats de cette nouvelle méthode.

Des chercheurs du monde viennent observer cela pour tenter de reproduire les odeurs et enseigner ces techniques via des conférences.

Mon élève s'est transformé en guide pour la journée

Voir plus d'informations à leur sujet dans dans mon article précédent "Quel avenir énergétique pour le Japon ? Avis d'un Japonais de Saitama" et dans cet article : "La nourriture et l’agriculture soutenues par la communauté : l’exemple japonais".

Les montagnes de Shimosato sont un "Satoyama"

Qu'est-ce que c'est, un Satoyama ?

Sato-yama : 里山：さとやま

sato = village et yama = montagne.

Autrement dit, ce sont les bois ou forêts qui se trouvent près des villages.

Pourquoi ces montagnes des villages son essentielles à l'agriculture ?

Cultivées, leur utilisation est multiple.

Circulation naturelle:

Source d'énergie : bois de chauffage, charbon

Matière de déconstruction:

Eaux fécondes pour assurer la bonne récolte de riz

Matière de composte

Nourriture : champignon

Nature riche en animaux, oiseaux et insectes (y compris ennemis naturels des ravageurs)

Les rizières

Tout près de la ferme se trouvent des rizières.

Des rizières au pied des montagnes de Shimosato

Ces agriculteurs utilisent un long outil horizontal parsemé de courtes chaînes pour enlever les mauvaises herbes entre les pousses de riz. Ils marchent lentement car leurs bottes s'enfoncent dans la boue. C'est le travail de la saison (juin).
Il fait très chaud aujourd'hui.

Ils s'arrêtent pour se parler.

4) Dîner au restaurant Tamaiya

(qui appartient à des fabricants de saké depuis des générations) : délicieux saké et plats de saison et de produits locaux.

Sur le chemin pour aller dîner...

Un petit champ de blé. Le blé est rare au Japon

"Toro" : lanterne faite de pierres
Le signe 大 signifie "grand"

Une ancienne école de la moitié du 20e siècle, aujourd'hui presque désertée à cause de l'exode rural
Mes élèves la contemplent avec nostalgie ?

Ici l'espace ne manque pas pour les grandes maisons avec potagers personnels

Le restaurant Tamaiya. Le sol est mouillé pour créer une sensation de fraicheur dans ce début d'été très chaud.

Nos entrées sont prêtes.
Je ne me lasserai jamais de ces restaurants ou maisons traditionnels où tout est fait de matières végétales.
Un sentiment de cocon.

Le délicieux sake (alcool de riz) naturel fait la réputation de ce restaurant.
Le riz et l'eau locaux d'Ogawamachi en sont bien sûr les ingrédients.

La culture de “Maintenant” et d”Ici”

今 "maintenant" est l'indice de temps le plus important.

ここ　"ici", dans un village 村 (mura), espace limité où il y avait et aura la solidarité très forte.

Les habitants sont attachés à cet espace.

Les âmes des ancêtres reviennent ici lors de fête estivale d'Obon en août.

Voir ici plus d'explications sur cette culture du temps et de l'espace au Japon par ce même Monsieur Hirata d'après Shuichi Kato.

Vous voulez en savoir plus sur cette ferme organique ou la façon de vivre "locale" ? N'hésitez pas à poster vos questions.

Washi Workshop at Ogawamachi - Atelier de papier washi à Ogawamachi

noreply@blogger.com (TSELINE) — Sat, 26 Jul 2014 11:25:00 +0000

Visite de la campagne : 1) Atelier de papier washi à Ogawamachi

Visiting the Countryside: 1) Washi Workshop at Ogawamachi

Un élève qui vit dans la préfecture de Saitama, la campagne juste au nord de Tokyo, m'a invité à visiter la petite ville d'Ogawamachi (ou Ogawa-machi) au pied des montagnes, célèbre entre autre pour ses ateliers de papier washi et la ferme bio de M. et Mme Kaneko. Vous pouvez vous aussi suivre ce parcours en vous adressant à l'office de tourisme ou à la mairie d'Ogawamachi. Il a organisé cette belle journée à la découverte des aspects traditionnels de la campagne japonaise, qu'il m'avait d'abord présenté en documents. J'ai inséré ses diapositives dans cet article.

Ogawamachi

En 1889, Ogawa-machi (macho : ville) est formée de 4 villages fusionnés (Ogawa・小川村), Shimosato ・下里村） et de 2 autres villages).

En 1955, 3 autres villages ont été absorbés.

Population actuelle：32 000

Programme du parcours (en juin 2014)

10h : Arrivée à la gare d'Ogawamachi (sur la ligne TOBU) et rencontre avec mes élèves dont l'un a organisé cette journée. Location de vélo à la mairie (400 yens)

1) Matinée à l'atelier de papier japonais

2) Déjeuner au restaurant de Madame Kaneko (plats de saison à base de produits bios de leur potager)

3) Visite de la ferme bio de Monsieur et Madame Kaneko, connue à l'origine de TEIKEI (équivalent de AMAP en France) et promenade au bord des rizières.

4) Dîner au restaurant Tamaiya (qui appartient à des fabricants de saké depuis des générations) : délicieux saké et plats de saison et de produits locaux.

1) L’atelier de papier japonais : le washi.

Le washi est le nom du papier japonais artisanal et traditionnel fait à base de végétaux. Découvrez ce beau blog sur le washi au quotidien au Japon : "Washi, Japan, Life".

Bienvenue au Centre de formation du papier japonais (“Ogawamachi hand made paper learning & experience Centre”), patrimoine régional et musée depuis 1999. (Les affiches devant indiquent que le papier d'Ogawamachi est nominé pour être inscrit sur la liste de patrimoine mondial l'UNESCO).

Entrée du Centre de formation de papier japonais

la cour intérieure

Architecture

Le bâtiment a été construit comme centre d’études et de recherches sur le papier japonais au début de l’ère Showa (dans les années 20-30). La bâtisse a été construite dans le but de recherches et de développement de la fabrication de papiers japonais. La ligne de production est automatique. Tous les procédés de fabrication étaient automatisés.

La ligne de production pour une fabrication industrielle. Elle n'est plus utilisée au profit du travail manuel.

Le papier d'Ogawamachi

Le papier d'Ogawamachi utilise le mûrier (kozo). Il est connu pour sa finesse, sa solidité et sa douceur. C'est un papier qui dure plus de 1000 ans.

Selon les documents de “Shôsô-in” (Treasure Repository), il y a des manuscrits bouddhistes fabriqués en 871 dans le temple de Jikô-ji (慈光寺) qui se trouvent près de l’atelier de Madame Tanino à Ogawamachi. Il y a aussi des papiers fabriqués à Ogawamachi considérés comme trésors impériaux, dans un bâtiment de l'empereur à Nara, le shôsô-in.

Le papier en kozo était initialement produit dans le village de Hosokawa, dans le département de Wakayama, qui a donné son nom à la technique de fabrication que nous allons voir.

La conservatrice montre un mûrier dans la cour de l'atelier

De la plante au papier : la fabrication du washi de A à Z

Les éléments nécessaires

Le kôzo (mûrier)

"Me wo kaku" = "mekaki" : il faut régulièrement enlever les bourgeons car ils consomment beaucoup de nutriments

Le signe de kozo ou kouzo (mûrier)

La forme (cadre en bois) : "keta"
Il y a des keta de tailles et de formats différents.

La forme (cadre en bois) : "keta"

On y pose la natte : "su" : fabriquée par spécialistes qui ne font que ça. L'objet coûte 80 000 yen et doit donc être manipulé avec attention. Il ne faut pas le toucher car il est fragile.

De l'eau douce parfaitement propre, eau de pluie puisée dans les nappes phréatiques ou eau de rivière

Rivière à Ogose, près d'Ogawamachi
et près de chez l'artiste-artisan de washi Richard Flavin

Des machines dans lesquelles on conservait l'eau. Elles ne servent plus aujourd'hui.

Extrait et raffinage de la plante (ici le kôzo)

On taille l'arbuste du mûrier puis on forme des bottes

On enlève l'écorce en 3 couches, à la main.

Peeling kozo at Ogawamachi"Every year in January, Richard Flavin holds what he calls the Bark-off Party." (washi-life)

On tape l'écorce, au grand marteau ou avec une machine pour aplatir, on la cuit à la vapeur ("musu").

On enlève les tâches noires de l'écorce à la main. On peut aussi l'utiliser et cela rend du papier avec des petites tâches noires, voire avec des morceaux d'écorce. Mais en général on garde l'écorce la plus blanche.

mucilage

Puis on mélange les fibres obtenues avec de l'eau douce et du mucilage, que l'on met dans une cuve.

Le mucilage est une substance visqueuse végétale, ici extraite des racines du tororo-aoi (plante de la famille des malvacees). Il ralentit le drainage dans la forme et la descente des fibres dans la cuve, favorisant leur distribution régulière. On peut entasser les feuilles fraichement formées l'une sur l'autre sans utiliser un feutre intermédiaire.

Les étapes de la manipulation de la forme (du cadre en bois)

1- Puiser les fibres en suspension dans la cuve
"L'eau de maquillage" (kesho mizu) : c'est l'eau qu'on passe abondamment en premier pour nettoyer la natte.

2- Remuer et répartir beaucoup d'eau sur la natte, et agiter la forme d'avant en arrière et latéralement

3- Rejeter l'excès de liquide à cause de la présence du mucilage, en la faisant coulant vers le bord face à soi et en la faisant sauter d'un petit coup sec, sans retourner la natte.

Attention, des défauts se font si on pousse la natte dans l'eau un peu trop fort (voir ci-contre) : il faut la glisser dedans, de façon inclinée.

4- Puiser de l'eau à nouveau et répéter cette étape jusqu'à ce que l'eau s'épaississe assez. On s'arrête quand on pense que cela suffit et selon l'épaisseur du papier désirée. Ici, 2 à 3 fois suffisent.

A chaque fois que les fibres sont recueillies dans la forme, l'excès d'eau doit être évacué.

5- Nettoyer les bords du cadre en passant délicatement un doigt.

6- Enfin, sortir la natte imbibée de fibres et d'eau à l'aide de deux doigt, un à chaque extrémité.

Poser lentement la plaque de sorte à ne pas produire d'air.

Sortir délicatement la natte en y décollant le papier mouillé.

Nos feuilles de papier encore mouillées se sont accumulées :

Au cours de la fabrication de nombreuses feuilles, il faut parfois remettre des fibres et de l'eau en bonnes proportions dans la cuve, et les remuer.

Séchage des feuilles au soleil (ici un grand format, idéal pour les calligraphies) :

L'art du washi

Voici quelques exemples d'oeuvres d'art de washi imprimé à la main, exposés au Centre :

Prochaine étape :

découverte de la ferme bio de M. et Mme Kaneko, un modèle à suivre.

Cliquez ici pour suivre le guide !

Are you interested in a good quality of Japanese paper in the San Francisco Bay Area? I will send it to you directly from the Ogawamachi's papermakers!
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Quel avenir énergétique pour le Japon ? Avis d'un Japonais de Saitama

noreply@blogger.com (TSELINE) — Fri, 25 Jul 2014 13:50:00 +0000

par Monsieur Masafumi Hirata, le 3 août 2012

La ferme et les champs bio de Monsieur et Madame Kaneko, à Ogawamachi, Saitama

Lors d'un cours privé, Masafumi, mon élève originaire d'un village dans la préfecture de Saitama, près de Tokyo, avait voulu me faire part de la situation sur l'utilisation des énergies au Japon. Suite à l'accident nucléaire de Fukushima, il avait tenu à me montrer les possibilités d'utiliser les énergies renouvelables dans le village d'Ogawa près de chez lui, comme modèle à suivre selon lui. Il cultive lui-même un petit champs bio depuis quelques années.
Voici ses diapositives, j'ai seulement corrigé et rajouté les textes sur Ogawa (ou Ogawamachi).

Actualité : le réchauffement

Cause du réchauffement

Effets du réchauffement

Canicule et sécheresse

Maïs : la sécheresse aux USA fait flamber les prix

Inondations

Sources d’énergies au Japon

Une telle portion serait désirable ? ：１0, 15 et 20 ～ 25% en 2030.

(Réunions publiques – débats entre citoyens)

Après Fukushima

Quelques exemples des activités vertes à Ogawa, préfecture de Saitama

La petite ville d'Ogawa (ou Ogawamachi) au pied des montagnes de la préfecture de Saitama, est célèbre pour ses rizières, son papier fabriqué depuis des siècles selon la technique traditionnelle, et la ferme bio de Monsieur et Madame Kaneko, visitée par des chercheurs du monde.

Nouvelles activités dans cette communauté

A Ogawa, une communauté d'agriculteurs-fermiers autour de Monsieur et Madame Kaneko, utilisent seulement des énergies renouvelables pour la vie quotidienne.
Ils recyclent l'huile de table à la place du pétrole pour leurs voitures. Et elles fonctionnent.
Ils utilisent des engrais naturels pour leur potager, celui-ci nourrissant aussi leurs animaux.

Ce vieux couple est très actif. M Kaneko vend ses récoltes au marché du village et publie des livres sur l'agriculture bio depuis les années 1970, sa femme cuisine leurs légumes dans un restaurant bio, et est impliqué dans la protection des abeilles, entre autres. M. et Mme Kaneko sont ainsi connus de tous les habitants et font la fierté de leur village, et même de tous les agriculteurs bio du pays.

Voir plus d'informations à leur sujet dans cet article : "La nourriture et l’agriculture soutenues par la communauté : l’exemple japonais".

Et plus de photos d'Ogawamachi et de la ferme dans mon blog, ici.

Engrais organiques

Ces engrais sont des matières organiques.

Notes : l’"okara" est un déchet de tofu et le "nuka" un déchet du décorticage du riz.

Engrais est appelé “bokashi” en japonais. Ce mot est utilisé dans le monde.

Biomasse

D’autres types de biomasse

La sylviculture est une des industries principales.

Il serait bien possible d’avoir des biomasses qui produisent de l'électricité.

Solidarité

Pays à suivre

Conclusion : solutions proposées

Meet with Yoji Toyota, sculptor of the air

noreply@blogger.com (TSELINE) — Thu, 17 Jul 2014 12:53:00 +0000

Discover an aerial and elegant aesthetic of the ephemeral… or an artist's representation of his feeling of the atmosphere of heaven during his childhood in the Japanese countryside. See more explanation by the artist himself.

A Tokyo, j'ai découvert ces sculptures en regardant par la fenêtre de la galerie Pause à Iidabashi, en rentrant de mon travail (enseignement de l'histoire de l'architecture en français). J'ai été attirée par leur forme particulière, en partie vide, et la matière métallique argentée, pour je ne sais quelle raison, sans doute largement inconsciente. Je suis entrée.

Statement - Le message

I spent my early age in the air wrapped in the clouds.

I had the experience that I was myself assimilated by the wrapped air.

Supported by invisible particles, (physical) material is created and maintained in the space-time.

It seems that the density of the material changes, the time-space flows and consciousness is transmitted according to the degree of concentration and the change of consciousness.

If the human being who does not understand can have a consciousness transmitted from far, so my consciousness can be transmitted.

I want to express the extreme of immeasurable truth

with the framework of material, time and distance.

Yōji Toyota

J'ai passé mon enfance dans l'air enveloppé par les nuages.

J'ai eu l'expérience de me sentir moi-même assimilé à cet air enveloppé.

Soutenu par des particules invisibles, la matière (physique) est créée et maintenue dans l'espace-temps.

Il semble que la densité de la matière change, l'espace-temps circule et la conscience se transmet par le degré de concentration et le changement de conscience.

Des consciences se transmettent à moi de loin, alors la mienne se transmet. On ne peut pas bien savoir si elles appartiennent à l'être humain ou non.

Je veux exprimer l'extrême d'une vérité incommensurable,

dans le cadre du temps, de la distance et de la matière.

Yōji Toyota

The same sculpture can be seen as a different one, from another place. (This one is the same as the one above)

雲に包まれた空気の中で幼い頃を過ごした。包まれた空気と自分自身が同化している様な体験であった。眼に見えない粒子に支えられ、時空の中で物質(肉体)は創られ維持されている。集中の度合いや意識の変化によって物質は密度を変え、時空は流動し、意識が伝わっていくようだ。人間かどうかも解らぬ遠くからの意識が伝わり、私の意識が伝わってゆく。時間や距離や物質の枠では計り知れない真実の一端を表現したい。　　　　　　　　　　　　　　　　　　　豊田洋次

Son explication écrite en japonais a été traduite en français et en anglais par moi-même (je ne suis pas traductrice, alors contactez-moi si vous désirez vous-même mieux traduire cet extrait).

Tseline: How do you imagine these forms?

Yoji: I watch something that surprises me, I wait a bit, and then I create.

Tseline: That's it? It comes without thinking?

Yoji: Yes. Sometimes I think a little, to get ideas, but generally the picture of the shape comes naturally.

Following its sensitivity, this artist looking for a technique to best represent his emotions. So it is one of those artists for whom creation is natural, innate?

***

Tseline : Comment imaginez-vous ces formes ?

Yoji : Je regarde quelque chose qui me surprend, j'attends un peu, et puis je crée.

Tseline : C'est tout ? Cela vient comme cela, sans penser ?

Yoji : Oui. Parfois je réfléchis un peu, pour trouver des idées, mais généralement l'image de la forme vient naturellement.

En suivant sa sensibilité, cet artiste chercher un technique pour représenter au mieux ses émotions. Il fait donc partie de ces artistes pour qui la création est naturelle, innée ?

Technique

Mr. Toyota makes his works by hitting aluminum and copper rods slowly, during a long time. The soft and flexible nature of aluminum makes it naturally take his curves, which the sculptor patiently controls the direction with a small hammer.

***

M. Toyota fabrique ses oeuvres en frappant peu à peu, longuement, des barres en aluminium et en cuivre. La nature molle et souple de l'aluminium lui fait prendre naturellement ses courbes, dont le sculpteur contrôle patiemment la direction à l'aide d'un petit marteau.

An original way to display a sculpture… against a wall.

Certaines sculptures semblent flotter dans l'air, que ce soit sur un pilier ou contre le mur.

Lorsque le sculpteur, Yoji Toyota, m'a demandé ce que j’aimais dans ses sculptures, j’ai répondu que j'aime ressentir le vide et que je trouve original le fait qu'on puisse l'accrocher au mur. En effet, accroché au mur, on ne sait plus comment définir cette oeuvre : ce n'est plus une sculpture, ni une peinture, mais une chose qui défie la pesanteur.

J'avais apparemment touché un point sensible chez lui. Il m'a serré une main de ses deux mains en disant simplement mais sincèrement : "merci !"

Puis il m'a confié qu'il voulait justement créer cette sensation de vide et d'air, car son inspiration vient de la formation particulière des nuages dans le ciel de sa ville natale, à Toyoma (à l'ouest centre du Japon).

Background - Son parcours

Yoji Toyota sculpts since many years, constantly exposes in Japan and has recently emerged in the scene of New York and San Francisco. In its catalog we can distinguish various phases of his work, each very different from the last, but all geometric and organic. Some are reminiscent of African wooden figures, and others more abstract and compact, made of wood and stone, reminds me of primitive works of Romanian sculptor Brancusi. In contrast, these seem colder and lightweight, easily imaginable in a sleek modern interior, whether in a home or an office.

***

Yoji Toyota sculpte depuis de nombreuses années, expose sans cesse au Japon et a récemment émergé dans la scène de New York et San Francisco. Dans son catalogue on peut distinguer diverses phases de son oeuvre, chacune très différente de la précédente, mais toutes géométriques et organiques. Certaines rappellent des figures africaines en bois, et d'autres, plus abstraites et compactes, en bois ou en pierre, rappellent les oeuvres primitives du sculpteur roumain Brancusi. En contraste, celles-ci semblent plus froides et légères, facilement imaginable dans un intérieur moderne épuré, que ce soit une maison ou un bureau.

Even more minimalism

Small size

*** Which one do you like? How does that make you feel? Do you want to know more about this artist or other contemporary artists? Curious about the price?

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Pottery Class in Japan (Kamakura) 2 : the glaze

noreply@blogger.com (TSELINE) — Thu, 17 Jul 2014 03:33:00 +0000

Back to Gokurakuji in Kamakura Prefecture for the second and last stage of pottery making: the glaze.

Here is the first stage of pottery class.
And here are the ceramics made by Aoki Koji.

From Gokurakuji station to the workshop place

On the way : an old lady gardening outside his home.

Before putting the glaze, we put a waterproof liquid on the base of the pottery, to prevent it to be glazed
This liquid is blue to be visible

We begin to spread round from the extreme edge to the center, by turning the wheel

Pour the glaze thoroughly in a flat container

Hold the pottery with 2 fingers on each side
Immerse the pottery in the glaze only 3 seconds, then take it off quickly and shake it firmly.

Fill the small holes made by your fingers with some glaze on a paintbrush

Wash the waterproof place with a wet sponge

Recall: this experience can also be taught to children with their parents!

At the end, we put the glaze back in its container using a funnel

Our ceramics are glazed, waiting for the last bakery in one of these big ovens.

The glaze

The raw glazes are all white. I can't wait to see how our first handmade potteries will become with the color we chose.

The glaze can be bright or matte, colored or transparent.

There are different glazes for different colors. Look at the panel of colors here.

The color of the glaze changes also according the color of the clay (white) and the baking.

Mr. Aoki's colors are variations of black, brown and vivid blue and green.

The darker colors refers to the traditional Japanese style "wabi-sabi", while the vivid blues and greens are more of a modern creative style. See more explanations below.

Tell me what you like and I will tell you who you are

Here is an interesting comment about those ceramics, from Len, a Japanese American friend who grew up in Japan and studied in United States:

"Perhaps American who has interest in Japanese culture would like the darker color ones with Wabi-Sabi*, especially the dark green color one, because it reminds us of green tea. The blue ones are perhaps the opposite from Wabi-Sabi, and are more based on western culture, I think. I just personally like the blue one, because it is unique and has a positive light to it. Nevertheless, it still may match in a Wabi-Sabi environment, as an anomalous accent."

*"Wabi and sabi both suggest sentiments of desolation and solitude." - from Wikipedia.

Look at this mix of traditional and contemporary Japanese styles of ceramics

Here are some of the numerous artworks of ceramics of M. Aoki Koji

And you, what do you think of those colors and shapes? Do you prefer the "Wabi Sabi" sober style or the more of unique and contemporary one?

Aoki Koji's ceramics in the San Francisco Bay Area

I bought some pieces to show in the San Francisco Bay Area when I will move there very soon.

So if you live there and would like to see it, please contact me!

We can choose the shape, color and size together, then I order it directly form M. Aoki for you.

Some ceramics can be remade in the same shape and size, some others will differ a little bit, some are unique because it cannot be remade (some sorts of glaze don't exist anymore) .

I bought some pieces to show in the San Francisco Bay area when I will move there.

© Photos Credits Tseline

I am waiting for your questions!
tseline00@gmail.com

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"Ishin-denshin", la clé de la communication au Japon

noreply@blogger.com (TSELINE) — Sun, 13 Jul 2014 08:02:00 +0000

Le lundi 8 septembre 2014

ISHIN DENSHIN

La clé de la communication au Japon

par Kunioki Yanagishita

A l'occasion d'une discussion avec mon élève Monsieur Yanagishita, celui-ci a parlé du "ishin-denshin" comme une façon de communiquer propre au Japon, que j'ai pu interpréter comme la complicité entre deux personnes qui n'ont pas besoin de se parler pour se comprendre. Incité par mes questions, il a pris le temps de rédiger cet essai pour m'expliquer les facettes de ce concept de façon exhaustive et claire.

" "Ishin-denshin" (以心伝心＝ce que l'esprit pense, le coeur le transmet / what the mind thinks, the heart transmits, or : shared communication that need no words) est une expression qui vient du Zen en référence à la méthode de communication non-verbale employée par le maître pour aider son disciple à arriver au satori (la Grande Révélation, le nirvana). Le disciple atteint tout à coup un "éveil spirituel" par ce qui est transmis par l'esprit de son maître. C'est la première définition de l'ishin denshin, rarement utilisée sauf lorsque l'on parle du satori de la secte Zen Rinzai.

La définition populaire fait référence à la compréhension tacite entre deux personnes. Imaginez un couple : un homme qui est hospitalisé depuis longtemps et sa femme qui lui rend visite chaque jour. L'homme a assez récupéré pour faire une promenade et aller au bord du lac à côté de l'hôpital. Le couple s'assit sur un rocher et reste silencieux. Après quelques minutes, l'homme prend une pierre et la jette vers le lac. La pierre n'arrive pas jusqu'à l'eau. Sa femme murmure : "Un jour." C'était les mots que pensait son mari.

Cette forme d'ishin denshin existe partout, spécialement entre des personnes intimes, pourtant les Japonais donnent une valeur spéciale à ce phénomène. Les Japonais, pour lesquels la modestie est une vertu, répugnent à demander clairement aux autres ce qu'ils veulent. Ils cachent leurs vrais sentiments et souvent ne disent rien. Zéami, l'acteur de Noh qui a perfectionné l'art au 14e siècle, a dit : "Cachée, la fleur. Non cachée, pas de fleur." C'est à dire que la beauté existe dans ce qui est caché, elle est perdue lorsqu'elle est délibérément visible. Les mots de Zéami incarnent le sens de l'esthétisme japonais.

Ces mots s'appliquent aussi pour la tendance qu'ont les Japonais à ne pas dire ouvertement ce qu'ils veulent. De la même façon qu'il faut être attentif pour discerner la beauté dans ce qui est caché, il faut être sensible aux sentiments cachés.

Masque de Noh, par Manuel Serén

Les Japonais ne disent pas clairement ce qu'ils veulent, attendant que l'autre personne "lise ses pensées", "lise son coeur", et lui réponde en conséquence. La coutume fonctionne parmi les Japonais où la modestie est considérée comme une vertu, une belle caractérisque qui engendre et favorise des relations harmonieuses. Cependant, la coutume de ne pas exprimer clairement ce qu'ils veulent ne mène nulle part lorsqu'il s'agit de relations avec les étrangers, cela sert seulement à créer des problèmes de communication. Quand un malentendu arrive dans un contexte interculturel, les Japonais sont confus pensant que les étrangers ne sont pas assez sensibles à leurs sentiments, tandis que les étrangers pensent que les Japonais sont des hypocrites ou, au mieux, des fous avec un défaut d'élocution.

Alors, l'ishin denshin peut être une force parmi les Japonais, mais il devient une vulnérabilité avec les étrangers.

En dépit du fait que l'ishin denshin est un phénomène universel, les Japonais ajoutent une valeur spéciale à cette idée au point de croire qu'elle est un sentiment typiquement japonais. Ce n'est pas difficile d'en comprendre la raison, à part le fait que les mots viennent du Zen, lorsque l'on tient compte que cette pensée vient de leur mentalité insulaire, une pensée dévélopée dans leur longue histoire dans un petit archipel isolé avec un climat tempéré. De plus, les Japonais ont été une "race"* fondamentalement homogène qui a connu une culture agricole, chacun dans son petit village sans avoir besoin de communiquer avec ceux d'autres hameaux. Leurs préoccupations étaient de cultiver le riz regardant la terre et parfois au-dessus pour voir s'il pleuvra. Ainsi il est naturel de devenir plus silencieux qu'expressif, plus "télépathétique" qu'éloquent.

Il y a des Japonais qui aiment parler et croire dans l'ishin denshin pour affirmer leur singularité, particulièrement quand ils ne peuvent pas bien exprimer leurs idées aux étrangers, auquel cas ils abandonnent d'expliquer, parfois blamant leur homologue pour être incapable de les comprendre.

L'ishin denshin donne une bonne excuse que beaucoup de Japonais utilisent pour éviter d'expliquer clairement leur idée même entre eux.

L'"amaé"

C'est une forme de "amaé", un sentiment de dépendance qui ressemble à celui qu'un enfant tient envers sa mère. Amaé est un concept central pour comprendre la culture japonaise parce que sa société hierarchisée tourne sur cet axe. Regardé par les étrangers comme enfantine, la mentalité d'amaé est présente dans chaque fibre de la société japonaise. C'est à cause de cette mentalité que les Japonais attendent beaucoup l'un de l'autre sans dire clairement ce qu'ils veulent. Souvent cela fonctionne bien parmi les Japonais car le sentiment est réciproque, mais cela devient un problème quand ils doivent communiquer avec des personnes de cultures differentes. Cependant, il y a des Japonais qui professent que l'ishin denshin est une forme de communication parfaite, ils disent que les pratiques d'autres cultures où on doit verbaliser tout ce que l'on pense sont enfantines. Est-ce source de problèmes de communication ? Bien sûr.

Les A et Hum venus d'Inde

Je m'écarte, mais un des synonymes d'ishin denshin est "a-oun no kokyu" (阿吽の呼吸). A-hum sont les deux syllables de Sanskrit qui respectivement signifie la première voyelle aspirée quand on ouvre la bouche et la dernière quand on la ferme. Elles signifient aussi le commencement et la fin de l'univers, ainsi que la vérité absolue, le nirvana. ("A" et "hum" sont également les deux syllables qui commencent et terminent le syllabaire japonais.) "Kokyu" (呼吸) veux dire "souffle". L'expression décrit le moment où deux personnes commencent à engager la même activité au même moment, c'est à dire, la synchronicité d'une action faite dans un même souffle.

Statues de Kongo Rikishi (Vajradhara), un qui souffle le "a" et l'autre le "hum"

dans le très ancien temple de Todaiji, à Nara 東大寺阿吽

J'élargis encore plus le sujet et parle un instant de sumo : le sumo est le seul sport qui commence sans aucun signal pour commencer. Il n'y a ni gong comme en boxe, ni sifflet comme au foot, ni cri "Hajimé !"(Allez !" ) comme au judo. Il y a un arbitre, mais il ne dit rien, il ne fait aucun geste pour pousser les lutteurs à l'action. Les lutteurs ne disent rien non plus. Ils leur suffit de se regarder furieusement l'un et l'autre et de charger spontanément à la fraction de seconde lorsque leur souffle correspond. Je n'ose pas dire que les lutteurs de sumo pratiquent l'ishin denshin comme des maîtres Zen, mais le fait que "a-oun no kokyu" est un synonyme de l'ishin denshin explique plus la spontanéité de ce phénomène qui se passe entre deux personnes partageant le même sentiment, que ce soit l'intimité d'un couple ou l'esprit de combat entre lutteurs.

Lutteurs de Sumo à Tokyo, janvier 2011, par Tseline

Revenons à nos moutons : l'ishin denshin est supposé être une méthode de communication importante parmi les Japonais, mais j'avoue qu'il y a beaucoup d'occasions où l'ishin denshin ne fonctionne pas même entre les Japonais. L'ishin denshin fonctionne bien entre deux personnes intimes où l'amaé est permis, où le sens de dépendence est fort. Cependant, beaucoup de Japonais prennent pour acquis que tous leurs compatriotes partagent ce sentiment pour la seule raison qu'ils sont Japonais, ce qui en soi n'est qu'un exemple d'amaé. Les Japonais sont sans doute "le peuple d'amaé", dépendant des autres pour être compris en lisant leurs sentiments. [En référence au concept proposé par le psychanalyste Takeo Doi]

L'ishin denshin est une épée à double-tranchant, permettant une compréhension agréable par la complicité mais source de malentendus dévastateurs.

En tous cas, l'ishin denshin n'est pas un monopole japonais. Après tout, nous sommes humains et nous ne pouvons pas être si différents. Quand même, il me semble qu'il y a une petite différence notable : si on applique la théorie de l'évolution aux Japonais (parfois appelé les "Galapagosiens" pour avoir vécu leur vie dans un archipel isolé pendant longtemps), ceux-ci ont naturellement dévéloppé une antenne invisible dans leur cerveau avec laquelle ils peuvent parfois détecter ce que les autres pensent. J'ai une appellation pour cette capacité extraordinaire que l'on ne peut pas voir : "l'antenne du Nipponisme".

J'approche de la fin de ma rédaction et j'ai besoin d'une tasse de café avant de la relire. Ma femme s'est assise en face de moi, je me demande si elle va se lever pour m'en préparer une."

* Je pense que le qualificatif "groupe ethnique" en français est plus adéquate, sachant qu'il n'y a pas de preuve de l'existence de races. Le mot "race" notamment employé au Japon et aux Etats-Unis n'est pas utilisé de la même façon en France. (Tséline)

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"A ma terrasse" : essai d'un Japonais sur la mythologie, le vide et l'empereur dans la culture au Japon

noreply@blogger.com (TSELINE) — Sat, 12 Jul 2014 09:22:00 +0000

A ma terrasse

Dans le parc du musée Nezu, Tokyo

"Il y a un restaurant français à Kagurazaka qui s'appelle "À Ma Terrasse". Je n'y suis pas encore allé, mais j'ai entendu dire que le restaurant est connu pour ses légumes bio. Légumes bio ou non, cela m'est égal, j'aime mieux le jeu de mots "À Ma Terrasse" et "Amatérasu", la plus importante déesse dans la mythologie japonaise.

Peut-être que la mythologie japonaise ne vous intéresse pas. Ça, c'est normal. La plupart des Japonais ne s’y intéressent pas non plus, et moi de même. Mais tous les Japonais connaissent au moins les noms d'Amatérasu, la déesse du soleil que tous les empereurs auraient comme ancêtre, et de son frère indiscipliné, Susano-o. Ils connaissent aussi les noms de leurs parents qui sont les créateurs de l'archipel japonais. Moi aussi, je connaissais seulement les noms de ces dieux jusqu'à ce que j'ai vu une série d'émissions à la télé, un programme intitulé "La mythologie japonaise et les Japonais". Le commentateur était le Professeur Hayao Kawai, un psychologue qui utilisait la mythologie japonaise pour expliquer l'esprit des Japonais.

Le Professeur Kawai a commencé son discours avec une comparaison entre les triades shintoïstes et celles des autres religions. L'idée de triades est importante dans les mythologies de diverses cultures. La mythologie babylonienne possède la triade du paradis, de la tempête et de l'eau. Le christianisme n'a pas de triade comme celle de Babylon parce qu'il est monothéiste, mais la trinité est une manifestation des trois natures de son Dieu.

Amatérasu, Susano-o et Tsukiyômi composent la deuxième triade qui apparait dans la mythologie Shinto. Je ne connaissais pas le nom de Tsukuyômi. Le Professeur Kawai a expliqué que Tsukuyômi n'est pas bien connu parce qu'il ne fait rien, mais c'est pour cette raison qu'il est très important dans la relation entre ces trois dieux : il est l'entité qui forme un vide pour créer un équilibre dans la relation parmi les trois.

Le Professeur Kawai appelle le christianisme "un système d'unification centripète", parce que dans cette religion, le Dieu est l'autorité centrale. Il est infaillible et absolu; il règne sur le monde et il l'unifie. Il a son antagoniste Satan, mais Satan n'a pas sa place dans l'unité du monde chrétien. Donc il n'y a pas besoin d'un équilibre entre le Dieu et le diable, qui est une caractéristique des religions monothéistes.

La mythologie japonaise est polythéiste, et l'élément le plus important dans cette cosmologie est l'idée de l'équilibre, parce qu'il n’y a pas d’existence absolue qui crée et maintien l’ordre comme on la trouve dans les religions monothéistes.

De plus, ce qui est intéressant dans les triades de la mythologie japonaise, il y en a trois, c’est la présence des dieux, comme Tsukiyômi, dont on ne connait pas grande chose. Ils apparaissent dans les trois triades, et contrairement aux dieux proéminents qui représentent, par exemple, le principe paternel ou maternel, ils ne signifient rien et ne font rien. Mais selon le Professeur Kawai, c’est grâce à ces dieux que l'équilibre dans les triades est assuré.

L’harmonie est gardée par un vide au milieu. Le professeur Kawai appelle cette structure "le système du vide central", un principe très important dans les relations parmi les Japonais encore aujourd'hui.

Vous avez sûrement déjà entendu l'expression japonaise "le clou qui dépasse appelle le marteau". Les Japonais forment des groupes et se comportent en conséquence. Dans les groupes, il n'y a pas de leader.

Les leaders au Japon ne le sont pas pour leur capacité à diriger mais pour leur capacité à préserver l'harmonie dans le groupe.

Même pendant la guerre, le Japon n'avait pas de véritable leader. Staline et Hitler étaient leaders. Ils l’étaient parce qu'ils avaient leur propre philosophie, et ils l’exécutaient avec une autorité absolue. Le Japon n'avait pas de tel leader, cependant une fois, dans son histoire, les Japonais ont essayé d’installer un leader pour combler le vide au centre, et l'appelaient leur Dieu.

Kyoko, dans la propriété de l'empereur à Tokyo

D'avoir placé l'empereur comme leader pour combler le vide au centre et d’avoir commencé à l'appeler dieu a rendu les Japonais fous. En premier lieu, les Japonais ne connaissaient pas l'empereur : ils n'avaient vu son visage que sur une photo officielle que tout le monde devait garder religieusement à l'hôtel de ville ou à l'école, ils n'avaient ni entendu sa voix ni savaient ce qu'il pensait. Dans le cas de Staline et Hitler, ils apparaissaient souvent pour s'adresser au peuple, donc la population entière connaissaient bien ce à quoi ils aspiraient. Au contraire, au Japon, les Japonais ne connaissaient pas du tout l’empereur. Il ne leur a jamais parlé, il était interdit de le regarder sauf en photo. Quand l'empereur voyageait, par exemple, les gens le long de la route devaient se prosterner quand il s’approchait et ils devaient garder cette posture jusqu'à ce qu'il soit parti. Les Japonais considéraient l’empereur comme leur leader absolu, mais ce souverain continuait à rester invisible. Après tout, il n'était qu'une soi-disante marionnette des autorités militaires. Mais parce ce que cette marionnette a été placée pour combler le vide au centre, la perception de l’équilibre japonais était perdue.

Un sentiment ultra nationaliste s’est propagé dans la nation et a amené les Japonais vers une guerre stupide dont les conséquences engendrent la misère non seulement des Japonais mais aussi des peuples autour du Japon.

Kokyo, dans la propriété impériale, Tokyo

Selon le professeur Kawai, les Japonais, consciemment ou non, essaient de remplir parfois le vide au centre. Avant la guerre, c’était avec l'empereur, mais il y a quelques années, c’était avec l'argent. Vraiment, pendant les années 1980, la nation entière était folle amoureuse de l’argent, l'argent était "déifié". Mais on n'a pas besoin de chercher loin dans l'histoire du Japon pour savoir que lorsque le vide est comblé par une addiction, les Japonais perdent leur bon sens et en conséquence ils se dirigent vers un désastre. Regardez ce que l’éclatement de bulle économique a fait au Japon. On peut dire que les conséquences sont plus grandes que celles de la dernière guerre : le sentiment de perte des Japonais est persistant et profond. Comme le professeur Kawai a dit, le Japon et les Japonais sont en pleine forme quand le vide au centre reste vide.

Kokyo, dans la propriété impériale, Tokyo

Le Japon et les Japonais continuent à changer, mais l’idée du vide que l’on trouve dans leur mythologie peut aider les Japonais à garder leurs bons sens car c’est une partie intégrante de leur esprit."

Kunioki Yanagishita, le vendredi 17 décembre 2012

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Le nipponisme, ou qu'est-ce que c'est être un pur Japonais ?

noreply@blogger.com (TSELINE) — Fri, 27 Jun 2014 01:24:00 +0000

Le célèbre sémiologue Roland Barthes a écrit que la religion au Japon, c'est la politesse : « la religion a été remplacée par la politesse. » (L'Empire des signes, 1970). Kunioki Yanagishita, un traducteur de Kenzaburo Oe en anglais, et aussi mon élève, pense que le nipponisme - être un "pur Japonais" - est la religion du Japon, reprenant la théorie décrite dans Les Japonais et les Juifs en 1986 par Isaiah ben Dasan (écrivain japonais, il s'est longtemps fait passer pour juif). Quant à moi (j'ose donner mon avis puisque c'est mon blog), je tendais à penser que le groupe est une forme de religion. Le groupe et la politesse ne seraient-ils pas des composants du nipponisme ? Mais plus précisément, qu'est-ce que c'est, le nipponisme ? Monsieur Yanagishita nous explique les caractéristiques des Japonais attendues par la majorité... en français !

"Formez un mille-pattes"
(Photo prise sur le blog news 3 yen)

Le métro de Tokyo lance chaque année une campagne de sensibilisation pour rappeler les bonnes manières.

Kunioki Yanagishita

le 16 novembre 2012

LE NIPPONISME

" "Est-ce-que vous êtes japonais ?" C'est une question que beaucoup de gens me posent. Cela a commencé quand j'étais enfant. Et il y a encore deux mois, une camarade à l'Institut* m'a posé la même question. Quand j'ai répondu que oui, elle m'a demandé : "Etes-vous un Japonais pur ?" Dieu sait combien de fois j'ai dû y répondre. Une chose est sûre : les Japonais sentent quelque chose qui me rend différent d'eux. Ils sont munis d'une antenne très sensible pour détecter les personnes qui sont différentes. C'est l'antenne du "nipponisme", la religion du Japon.

On ne connaissait pas le mot nipponisme jusqu'à la parution d'un livre intitulé Les Juifs et les Japonais. L'auteur de ce livre - Isaiah ben Dasan - était le premier à indiquer que les Japonais pratiquent une religion de la même façon que les Juifs pratiquent le judaïsme. Ben Dasan a nommé cette foi des Japonais le nipponisme. La plus grande différence entre le nipponisme et le judaïsme est que la plupart des Japonais ne se rendent pas compte qu'ils sont nipponistes.

Au Japon, il y a des bouddhistes, des chrétiens, des shintoistes, des athées, des humanistes et toutes sortes de personnes qui ont toutes sortes de croyances. Mais, selon Isaiah ben Dasan, ces croyances ne sont que des sectes du nipponisme. Le nipponisme guide et contrôle la vie de tous les Japonais. Le nipponisme ne nécessite ni Dieux, ni d'églises, ni de sanctuaires, ni de cérémonies. Mais c'est une religion très stricte et fermée. C'est pourquoi on me pose souvent la question : "Etes vous un pur Japonais ?"

Le nipponisme n'a pas de Torah comme dans le judaïsme, de Bible comme dans le christianisme ou de Sutra comme dans le bouddhisme. Il n'a ni rabbin, ni prêtre, ni bonze, ni imam. Il n'a pas de dieu ! Malgré ce fait, on ne peut pas nier que le nipponisme soit une religion. C'est une religion parce que, comme dans toutes les religions, il a ses principes qui guident, protègent et contrôlent la vie du peuple, et comme les autres religions, il a ses martyrs.

Le principe fondamental des religions est d'avoir foi en Dieu, mais dans le nipponisme Dieu n'existe pas. Le principe fondamental du nipponisme est d'être humaniste. C'est pourquoi le mot ningen ou humain apparaît fréquemment dans les conversations en japonais. On juge souvent une personne comme étant "pleine d'humanité", "richement humaine", "vraiment humaine" ou "pure humaine". "Pure humaine" n'est pas un mot raciste. Cela signifie la naïveté ou l'innocence d'un individu. C'est une évaluation de caractère, pas de race. Un meurtrier cruel est souvent décrit comme "non humain".

Petit temple dans le jardin du musée Nezu à Tokyo

Dans le monde des nipponistes le dogme est de vivre en harmonie avec les humains qui composent son monde. Traditionnellement, on dit que le monde des Japonais est constitué principalement de ses cinq voisins : trois devant et ceux à droite et à gauche. Ce sont les yeux de ses voisins qui guident, protègent et contrôlent la vie des Japonais. Les yeux des voisins sont l'équivalent des yeux de Dieu dans les autres religions. C'est la raison principale pour laquelle Isaiah ben Dasan proclame que le nipponisme est une religion. Le nipponisme contrôle tout ce que les Japonais font ou pensent. Il est comme une loi non écrite qui transcende tous les codes légaux. Ainsi, le nipponisme est vraiment une religion, mais la différence la plus visible avec les autres religions est le fait que la plupart des Japonais ne se rendent pas compte qu'ils sont nipponistes. Mais l'idée que les Japonais soient nipponistes servit à expliquer la plupart des choses que beaucoup de gens considèrent comme une énigme chez les Japonais, comme pourquoi ils sont athées même si on les voit prier aux temples, aux sanctuaires et dans les églises.

Le fait que le christianisme était interdit au Japon pendant longtemps est bien connu parmi des étrangers. Moins connu est le fait qu'il y avait plusieurs autres religions qui étaient interdites. Une d'entre elles était le Ikko-shu, une secte bouddhiste. Je vais résumer ce que Isaiah ben Dasan a écrit d'un samouraï qui a vécu sa vie pendant la période où cette religion était interdite.

Tokugawa Ieyasu

Tokugawa Ieyasu n'était pas content d'un de ses généraux qui n'avait pas réussi a étouffer une rébellion des membres de la secte Ikko. Ieyasu a trouvé que c'était parce ce que le général lui-même était un Ikkoïste. Ieyasu était furieux et lui a demandé de choisir entre la mort ou l'abandon de sa foi. Le général a répondu qu'il était résolu dans sa croyance, et qu'il préférait mourir. Ensuite, Iéyasu a pris son épée pour le décapiter. Mais, au moment de le tuer, il s'est arrêté et lui a dit : "Tuer un obstiné comme toi ne sert à rien. Pars ! Immédiatement, le général a répondu : "J'abandonne ma religion." Ieyasu a été surpris, et il lui a demandé pourquoi. Le samouraï a répondu : "Si j'avais choisi d'abandonner ma religion, vous auriez pensé que je l'ai fait parce que je voulais sauver ma vie. Mais je viens de prouver le contraire."

Cette histoire résume l'essence du nipponisme. Le général voulait prouver qu'il vivait le code des samouraïs, pas sa croyance dans la secte Ikko. La chose la plus importante pour lui était l'avis de son seigneur et maître, c'est à dire les yeux de Iéyasu.

Ben Dasan extrapole à partir de cette histoire que tous les Japonais sont comme ce samouraï. Dans la vie ou la mort, ce qui est le plus important pour un Japonais ce sont les yeux de son entourage. Ben Dasan explique que ce sentiment est ancré dans le coeur de tous les Japonais.

Alors, l'approche éclectique des religions - le fait qu'au Japon on puisse prier aux sanctuaires, aux temples et dans les églises - montre une indifférence qui vient du fait qu'au fond du coeur, la seule religion dans laquelle on croit est le nipponisme."

* L'Institut français du Japon à Tokyo, où j'enseigne l'histoire de l'art et le français.

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La francophonie à Tokyo 東京でフランス語圏

noreply@blogger.com (TSELINE) — Wed, 25 Jun 2014 03:29:00 +0000

Quand je parle de francophonie à Tokyo, je pense aux grandes entreprises ou autres représentations de la France comme l'Institut français, qui dispense des cours de français, mais aussi de culture française et francophone (j'y enseigne l'art de France mais aussi du monde). Il organise et accueille également de nombreux événements culturels, films, concerts, conférences, et abrite une médiathèque francophone et une brasserie… française, bien sûr !

フランス語学校アンスティチュ・フランセ東京で教える授業はここにあります。

アクセサリー・ワークショップも教えます。

L'Institut français de Tokyo à Iidabashi, à la sortie de la gare JR, sur la droite de la rivière, en haut d'une pente.　
フランス語学校アンスティチュ・フランセ東京（旧東京日仏学院）(地図)

L'Institut, un des rares bâtiments des années 50 à Tokyo. Pas encore détruit...

Le fameux double escalier de Junzo Sakakura, disciple de Le Corbusier

La librairie Omesha vue de l'Institut

Le jardin de l'Institut et la Brasserie

La Brasserie, sa terrasse et son jardin. Que demander mieux quand on travaille au coeur de Tokyo ?!

Le jardin de l'Institut vu du toit

La Maison franco-japonaise

La Maison franco-japonaise à Ebisu est un établissement de recherche et de collaboration entre la France et le Japon. Des conférences passionnantes sur tous les sujets y sont présentées régulièrement par des spécialistes du Japon et de France. J'y ai notamment rencontré Françoise Vergès au sujet d'Aimé Césaire et de la colonisation.

La Maison franco-japonaise à Ebisu

Salle de conférence en bas, bibliothèque et restaurant en haut

L'Athénée français est une école de français située à Ochanomizu.

La CCIFJ est la Chambre de Commerce et d'Industrie Française du Japon, située près de la gare de Yotsuya.

La CCIFJ à Yotsuya, Tokyo

la gare de Yotsuya

la gare de Yotsuya se situe à droite

Une grande boulangerie Paul à la gare de Yotsuya

Désolée pour les photos sombres, il fait nuit tôt au Japon…

Et il y a aussi l'association Freelance France Japon, composée d'indépendants polyvalents, plus discrets mais aussi actifs dans la collaboration entre francophonie et Japon. Découvrez notamment leur revue Eclectiques sur Facebook.

Pottery Class in Japan (Kamakura) - Cours de poterie au Japon (Kamakura)

noreply@blogger.com (TSELINE) — Tue, 24 Jun 2014 04:07:00 +0000

This article is written in English and in French.

Cet article est écrit en anglais et en français.

Pottery Class in Gokurakuji (極楽寺), Kamakura

in Kanagawa Prefecture, Japan

*** French version ***

J'ai rencontré le céramiste Aoki Koji dans une galerie d'art de Tokyo, dans le quartier de Ginza, célèbre pour la mode et l'art. (Découvrez ses oeuvres ici.)

Intéressée depuis toujours par la céramique, notamment japonaise, je profite de cette rencontre pour assister à son cours, dans la campagne loin de Tokyo.

(Découvrez ses cours de poterie ici (seulement en japonais).)

Le cours de poterie se situe à Kamakura, très célèbre pour ses vieux temples bouddhistes et la nature, près de la gare de Gokurakuji et en face du temple du même nom.

Gokuraku-ji est un temple bouddhiste (ji signifie temple) du 13e siècle, restauré et reconstruit de nombreuses fois depuis lors.

Ce jour-là, le minuscule village est exceptionnellement rempli de monde, venu voir les hortensias pour lesquelles le temple est célèbre. Or nous sommes un beau jour de juin, en pleine saison de ces fleurs.

*** English version ***

I met ceramist Koji Aoki in an art gallery in Tokyo in the Ginza district, famous for fashion and art. (Check out his work here.)

As I have always been interested in ceramics, especially the Japanese one, I took the chance to attend his courses in the countryside away from Tokyo.

(Check out his pottery classes here (in Japanese only).)

Kamakura is very famous for old Buddhist temples and beautiful nature.

The pottery class is located near the Gokurakuji station and across from the temple with the same name.

The small Gokurakuji station on the Enoshima line

The bridge in front of the train station (which is on the back)

Gokuraku-ji is a Buddhist temple (ji means temple) from the 13th century, restored and rebuilt many times since then.

On the right is the entrance to the Gokurakuji temple

On the left is the ceramist place

That day, the tiny village is exceptionally full of people, came to see hydrangeas for which the temple is famous. Now we are a beautiful June day in peak season of these flowers.

Gokurakuji, Kamakura, Kanagawa

See all the pics on this Hey Brian? website

Look at the path leading to the house where is located the pottery class, on the left of the temple entrance!

Regardez le chemin qui mène à la maison où se situe le cours de poterie, à gauche de l'entrée du temple !

On the left of the temple entrance is the path leading to the house where is located the pottery class

Here is the house and the place for the workshop

The workshop in the house / L'atelier dans la maison

Ready for our first experience of pottery!

As we are beginners and we have chosen a "course experience," it would be difficult and time-consuming to make a bowl or cup. So we can make a plate, flat or more or less curved with the size we want.

Prêts pour notre première expérience de poterie !

Comme nous sommes débutants et que nous avons choisi un "cours expérience", il serait difficile et très long de faire un bol ou une tasse. Nous pouvons donc faire une assiette, plate ou plus ou moins courbe et de la taille que nous voulons.


Nous choisissons également la couleur de la terre et de l'émail, dont la couleur dépend de celle de l'argile We also choose the color of clay (black or white) and enamel, which color depends on the clay


Peser son morceau d'argile Weigh the piece of clay

Astuce : Il faut travailler la terre vite et sans faire de fissures pour éviter qu'elle sèche, surtout quand il fait chaud comme ce jour-là.

Tip: You have to work the clay quickly and without cracks to prevent it dry, especially when it's hot like this day.


Aplatir l'argile à l'aide d'un rouleau sur de fines plaques. Epaisseur des plaques et de la pâte : 4mm Puis enlever les bulles d'air et les remplir à nouveau de petites boules d'argile Flatten the clay with a roller on thin plates. Plate thickness and paste: 4mm Then remove air bubbles and fill again with small balls of clay

Lisser avec une spatule
Smooth with a spatula

Poser la pâte sur le tour de poterie (nendo) et couper ce qui dépasse en le longeant
Place the paste on the pottery's wheel (nendo) and cut that exceeds along the bordering

Poser la pâte sur une gaze, sur le centre d'un saladier (petit ou grand selon la taille désirée)
Place the paste on a gauze on the center of a bowl (small or large depending on the desired size)

Astuce : faire ou imaginer une ligne avec ses doigts majeurs sur le sommet du saladier pour bien placer la pâte au centre.

Tip: do or imagine a line with its major fingers on top of bowl to properly place the dough in the center.

Poser une autre gaze et aplatir lentement le tout sur le saladier
Place another gauze and gently flatten all on the bowl


Miki et Wami vérifient l'égalité de la hauteur des bords (Les enfants peuvent prendre le cours avec leurs parents) Miki and Wami check the equality of the height of the edges (Children can have the course with their parents)

Signer avec son cachet (69 est celui d'Aoki Koji, et sa date d'anniversaire)
Sign with its seal (69 is Koji Aoki's one and his birthdate)

Un cachet : inkan 印鑑
A seal: inkan 印鑑

Sécher le centre en tournant l'appareil : ici avec un séchoir à cheveux
Dry the center by turning the device: here with a hair dryer

Sécher le centre à l'intérieur aussi
Dry the inside center too

Aplatir les bords pour l'esthétique
Flatten edges for aesthetics

Faire attention à garder la symétrie du plat en mesurant la hauteur de ses bords
Be careful to keep the symmetry of the dish by measuring the height of its edges

Polir les bords avec une éponge légèrement mouillée
Polish the edges with a slightly wet sponge

Le séchage dure des heures. Puis le céramiste fait cuire au four.
Nous devons donc repasser pour poser la couleur, ou bien il le fait pour nous.
Il peut aussi nous envoyer par la poste.

Drying lasts for hours. Then the potter bakes it.
We therefore need to come again to place the color, or he does ir for us.
He can also send it to us by mail.

The Sunday experimented class
La classe expérimentée du dimanche

Manipuler la terre fraîche dans la nature

J'ai suivi ses cours de poterie à Kamakura, entre mer et montagne, sur une colline au milieu des temples. J'ai alors compris le sentiment du céramiste en manipulant la terre malléable et au contact de glaçages faits de minéraux dont la couleur change magiquement selon la cuisson.

En découvrant d'abord des céramistes et fabricants de papier, je reste en accord avec mon rêve d'enfant de finir artisane dans une maison en bois. Ce rêve a bien changé depuis que je connais les conditions de vie dans une telle maison durant l'été torride et l'hiver glacial... Toutefois j'admire toujours ce qui est fait à la main, dans la tradition japonaise, objets chaleureux par les matériaux naturels, moderne par la simplicité, et d'une qualité sans cesse perfectionnée.

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I assisted to his pottery class in Kamakura, between sea and mountain, on a hill surrounded by temples. So I understood the feeling of the ceramist by manipulating the malleable clay and by the contact with glazes made of minerals, that magically changes color according cooking.

By first discovering ceramics and paper manufacturers, I am well accorded with my childhood dream to finish my life as an artisan in a wooden house. This dream has changed since I know the conditions in this house during the hot summer and cold winter ... But I always admire what is made by hand, in the Japanese tradition, warm objects by natural materials, modern by simplicity, and which quality is constantly perfected.

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Frank Lloyd Wright and Arata Endo at Tokyo: Jiyu Gakuen Girls' School Myonichikan ・L'école pour filles de Frank Lloyd Wright et Arata Endo à Tokyo ・自由学園明日館

noreply@blogger.com (TSELINE) — Mon, 09 Jun 2014 07:00:00 +0000

We attended a tour at Jiyu Gakuen (school of Freedom) with my students from the class of Architecture of the French Institute of Tokyo.
It costs 400 yens, but we have bought the 600 yens ticket to finish the tour in the Salon, discussing and contemplating the architecture and the huge window with a drink and a piece of cake.

This "school of Freedom" was a Christian school for girls designed by the famous American architect Frank Lloyd Wright and assisted by his disciple Arata Endo, finished in 1921.

It is now a cultural center since 1997. We could see by the windows classes of art, of music, and a meeting of the elderly alumni of the school (class kai, クラス会)!

*** French version ***

Nous avons assisté à une visite guidée de Jiyu Gakuen avec mes étudiants du cours sur l'architecture à l'Institut français.

C'est 400 yens, mais nous avons acheté un ticket à 600 yens pour finir notre visite dans le Salon, à discuter et à contempler l'architecture et l'immense fenetre avec une boisson et un morceau de gateau.

Cette "école de la liberté" était une école chrétienne pour le filles, conçue par le célèbre architecte américain Frank Lloyd Wright et assisté par son disciple Arata Endo, achevée en 1921.

C'est désormais un centre culturel depuis 1997. Nous avons pu voir par les fenetres des cours d'art, de musique, et une réunion des anciens élèves de l'école (class kai en japonais クラス会)!

There green of the roofs and the painted wood is surrounded and highlighted by the green of nature.
© Photo Credit Tseline

During this cloudy day of June (the rainy season has began), the main facade colors and light bring a touch of warmth.
© Photo Credit Tseline

In the context of birth of Modern architecture in Europe and in Chicago and New York, especially with the purists Le Corbusier and Mies van der Rohe, FLW's architecture was considered as an organic and vernacular one. He used local material and was inspired by the traditional Japanese architecture.

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Dans le contexte de la naissance de l'architecture moderne en Europe, à Chicago et à New York, notamment avec les puristes Le Corbusier et Mies van der Rohe, l'architecture de FLW était considérée comme organique et vernaculaire. Il a utilisé des matériaux locaux et a été inspiré par l'architecture japonaise traditionnelle.

Tokyo has been mostly destructed during the Great Kanto Earthquake then by the WWII,
except this building, which was very damaged although. It was then restored until 2001.
© Photo Credit Tseline

Another building faces the school (on the left).
This organic architecture is marked by long and horizontal lines of the roofs.
© Photo Credit Tseline

Decoration on a lantern and above the doors.
Do you think that the decorations are influenced by Amerindian motifs?
The wood is cheap to adapt to the low budget of the school.
© Photo Credit Tseline

Some windows. Why FLW has chosen these shapes for the motifs?
The one on the bottom left is designed by Arata Ando
© Photo Credit Tseline

The dining room. The numerous large window are not sufficient to light the room.
But the light is warm and students could use the fireplace.
We can see a shelf above the fireplace.
© Photo Credit Tseline

In the dining room
Hiroko: Christ is like our Shinto's god, he hears and sees everything, even if it's not a personified god.
© Photo Credit Tseline

Dans la salle à manger :

En lisant le petit panneau sur le Christ, Hiroko a dit : "Le Christ est comme notre dieu Shinto, il entend et voit tout, même si ce n'est pas un dieu personnifié." Kazuko et Mariko ont ajouét : "Oui, c'est plutôt une grande force qui est répartie dans le ciel, la terre et les autres éléments. Et il régit le monde entier."

All the building is quite dark when the weather is cloudy. A few lanterns bring a warm light.
We can still see the fireplace.
© Photo Credit Tseline

There is also the main campus of Jiyu Gakuen, also designed by FLW. This one is still a school, and not only for girls, at Higashikurume city since 1934 (at the limit between Tokyo and Saitama Prefectures).

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Il y a aussi le campus principal de Jiyu Gakuen, également conçu par FLW. Celui-ci est encore une école et pas seulement pour les filles, à Higashikurume depuis 1934 (à la limite entre Tokyo et Saitama).

The reactions of my Japanese students

"The materials (brown stucco, Oya stone), the brown and green colors and the continuity between inside and outside recall us the traditional Japanese houses."

"Also, the paper lantern (andon 行灯) are very Japanese. The guide told us that FLW had received this inspirations by seeing it on ukiyoe (Japanese woodblock prints) !"

"The continuity between inside and outside is made by the alignment of the floor and the ground and the extension of the horizontal lines of the low roofs. We can also see the nature from that numerous windows."

"But this continuity is not well adapted to the Japanese climate because the floor becomes wet inside when it rains a lot. We could see that the original floor of the classroom on the right is very damaged by the rain".

"I feel warmth thanks to the natural materials like wood and Oya stone (a local stone from Utsunomiya) and also the light and the fireplaces. I love the Oya stone. I think it makes this house vernacular." (Mariko)

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Les réactions de mes élèves japonais

"Les matériaux du crépi marron et de la pierre Oya, les couleurs marron et vert et la continuité entre l'intérieur et l'extérieur nous rappellent les maison traditionnelles japonaises."

"Aussi, les lanternes en papier (andon 行灯) font très japonais. Le guide nous a dit que FLW avait reçu cette inspiration en les voyant sur des ukiyoe (estampes japonaises) !"

" La continuité entre l'intérieur et l'extérieur est faite par l'alignement du plancher et du sol et l'extension des lignes horizontales des toits bas. On peut aussi voir la nature depuis de nombreuses fenêtres."

"Mais cette continuité n'est pas bien adaptée au climat japonais parce que le plancher devient mouillé à l'intérieur quand il pleut beaucoup. On peut voir que le plancher original de la classe sur la droite du bâtiment est très abîmé par la pluie".

"Mariko a précisé son sentiment créé par les matériaux locaux : "Je sens l'aspect chaleureux grâce aux matériaux naturels comme le bois, le crépi et la pierre Oya et aussi par les cheminées. J'adore surtout la pierre Oya, originaire d'Utsunomiya. Cela rend cette maison chaleureuse pour moi."

A wall of an old house,
at Ogawamachi, Saitama Prefecture, the country side of Tokyo
The stucco absorbs humidity.
© Photo Credit Tseline

Daisuke Yano (architect, see our discussion here) told me:

These common vernacular features in modern work of FLW and traditional Japanese house have been confirmed by other architecture students, Daisuke Yano and Akihiko Asami.

"We can see that this architecture of FLW is inspired by the traditional house (sukiya 数寄屋) made of wood, integrated and adapted to the nature, winter and summer, with brown stucco on the walls (shikkui 漆喰), a shutter (amado 雨戸), a fireplace (irori 囲炉裏) and a garden."

However, asphalt and copper are used for the roof to follow an economic budget, instead of the traditional mix of sand. Still, those materials keep the usual colors.

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Daisuke Yano (architecte, voir notre discussion ici) m'a dit :

Ces caractéristiques vernaculaires communes à l'oeuvre moderne de FLW et à la traditionnelle maison japonaise ont été confirmées par d'autres élèves architectes, Daisuke Yano et Akihiko Asami.

On peut voir que cette architecture de FLW est inspirée de la maison traditionnelle japonaise (sukiya 数寄屋), en bois, intégrée et adaptée à la nature, à l'hiver et à l'été, avec du crépi marron sur mes murs (shikkui 漆喰), une sorte de volet en bois (amado 雨戸), un foyer de cheminée (irori 囲炉裏) et un jardin."

Cependant, de l'asphalte et du cuivre sont utilisés pour le toit selon le mince budget, à la place du mélange de sable traditionnel. Tout de même, ces matériaux gardent les couleurs habituelles.

The entrance of a Japanese traditional restaurant,
at Ogawamachi, Saitama Prefecture, the country side of Tokyo
We can see here "mizu-maki" (水撒き), which means to wet ground outside the house against heat (here in June).
© Photo Credit Tseline

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Tseline

Open Studio in Palo Alto: Pascal Rochette, a French artist from Brazil

When? On August 26th, 7 pm - 10 pm

Where in Palo Alto?

Pascal Rochette has exhibited and is represented in three continents: in São Paulo, Brazil, in Paris, France, and in Northern California.

They say

Pascal Rochette: a French painter among Brazil's natives

First, a few words about the Atlantic Forest of Brazil

A committed painter, a symbolic painting

In the heart of Pataxó life

Testimony of a contemporary Gauguin

Pascal Rochette : un peintre français chez les indigènes du Brésil

D'abord, quelques mots sur la forêt atlantique du Brésil

Un peintre engagé, une peinture symbolique

Au coeur de la vie des Pataxós

Témoignage d'un Gauguin contemporain

Denis Santelli, the painter of transhumanism, is exhibited at San Francisco

Robert Kato: Japanese American living with washi and photography

His studio

Inspiration

His process

Robert Kato helps photographers with printing projects in his studio and, as an artist himself, prints a lot of photographies on Japanese paper, for which he cultivates a real passion.

"Women's Startup Lab", a story about Ari Horie, a Japanese woman in Silicon Valley, CA

Ari Horie

Comparisons: Female vs. Male and Japanese Women vs. American Women

The best of the Japanese and American culture...

...for a successful entrepreneurship beyond cultural barriers

"Sayonara"

Sayonara, Mme Bonnet

About the future of handicraftsman in Japan: how to help

Article écrit en français en bas de page

Discussion on the future of handicraftsman in Japan with Mr. Miura

Consequences of the global financial crisis

"It's impossible to survive the competition from China"

Helping by our interest for Japanese handcraft

Discussion sur l'avenir de l'artisanat au Japon avec M. Miura

Des conséquences de la crise internationale

C'est impossible de survivre à la concurrence chinoise

Aider grâce à notre intérêt

Visite du sanctuaire Yasukuni le 15 août 2014 : 4 ans plus tard

L'augmentation de la présence de nationalistes

Des gens ordinaires ?

Que s'est-il passé entretemps pour provoquer cette évolution ?

Ryoko Haraguchi and shibori: Renewal of the Japanese dyeing

Ryoko Haraguchi and shibori: Renewal of the Japanese dyeing

Shibori : Le renouveau de la teinture japonaise

*** French Version ***

Richard Flavin, an American artist in Japan in love with washi

Richard Flavin, an American artist in Japan in love with washi

Richard Flavin, un artiste américain au Japon amoureux du washi

Richard in the Gallery Sind

Richard dans la galerie Sind

Training and living in rural Japan

Se former et vivre dans la campagne japonaise

Career

Carrière

Skills and techniques with Japanese paper (washi)

The washi paper

Techniques and colors

Art et techniques avec le papier japonais (washi)

Les papiers washi

Techniques et couleurs

The technique of frottage

"Also, I use do a lot of frottage. If I find some interesting things like wood and stone, I use it as a print pattern. This, is a wood's rib pattern that I got using a wooden plaque, then I applied a layer of konjac and indigo blue."(see the picture below)

La technique du frottage

Kenji Miura: the memory of cherry trees in calligraphic pictures on washi

Kenji Miura: the memory of cherry trees in calligraphic pictures on washi

A calligraphic image made with a picture 「写真で作った書道の絵」

The memory of the Japanese cherry trees

Memory of the daily life

The frame

***French version***

Kenji Miura : la mémoire des cerisiers en photos calligraphiques sur washi

"Une image calligraphique faite avec une photo"「写真で作った書道の絵」

La mémoire des cerisiers du Japon

La mémoire du quotidien

Le cadre

Kim Schuefftan and the world of Japanese paper

Tseline: What are you doing here today?

Tseline: Que faites-vous ici aujourd'hui ?

* French Version *

French version

Firstly, Mr. Masafumi Hirata, without whom this day and these meetings deep in the countryside would have been impossible. This student of French and Art History, versatile, has turned into organizer, guide, translator and agent for the day. He knows Ms. and Mr. Kaneko …

Mr. Masafumi Hirata

Visite de la campagne : La ferme bio des Kaneko à Ogawamachi

Visiting the Countryside: The organic farm of Kaneko at Ogawamachi