Título Original

Migramos la pagina a Mango Lassi Productions

2018-01-08T12:00:00.000+01:00

Tras catorce años adentrándonos en la actualidad del mundo cinematográfico, ofreciendo críticas, informando sobre eventos donde hemos asistido y mostrando toda nuestra pasión sobre este mundo tan maravilloso como es el cine. Toca cambiar de aires, y lo hacemos con una nueva imagen, más pasión, nuevas ideas y una mayor fuerza a través de un equipo repleto de gente de cine como es Mango Lassi Productions.

Por eso, no os decimos adiós, sino hasta ahora. Ya que desde hoy Tituloriginal se muda a www.mangolassiproductions.com para ofreceros todo y más de lo que os estábamos ofreciendo en estos catorce años de existencia desde que nuestro Padrino y creador de la web, Francisco Martínez decidiese crear esta magnífica web que a día de hoy sigue al pie del cañón.

Amigos cinéfilos, nos vemos en la nueva web de Tituloriginal y gracias por estos maravillosos años en blogspot.

GRACIAS!!!

Crítica de Bright, el Training Day con Orcos

2017-12-28T09:47:00.000+01:00

Imaginaos un film en el que tu como guionista o bien director, le intentas vender a media industria un proyecto resumiéndole en pocas palabras que tu historia es una mezcla entre: Sucker Punch, Artemis Fowl/Harry Potter y Training Day... Como mínimo la cabeza te puede reventar del entusiasmo o de la catástrofe presupuestal que puede resultar dicho trabajo. Claro que si eso te lo vende el director de Suicide Squad, puede que el NO sea rotundo (y con razón) a previo aviso de lo que viene. Pero aun así sigues adelante y además de eso va y te lo produce el medio VOD del momento, Netflix. ¿El resultado? Bright. Un film bastante gamberro que fuera de coñas tras lo dicho por Suicide Squad, viene bajo la dirección de David Ayer, quien por excelencia acostumbrado a darnos historias bastante atrevidas que resultan en trabajos relacionados con películas policíacas turbias.

Ayer, le guste o no a la gente, ha sido el encargado de escribir los guiones de S.W.A.T.: Los hombres de Harrelson, Vidas al límite, Sin tregua, y la aclamada Training Day. Pero lo curioso de este film ha sido verle mano a mano con el guionista más desconcertante del momento, Max Landis, quien lo mismo te puede dar una genialidad o un libreto bastante discreto y esquizofrénico. Aun así ha sido bastante interesante verles trabajar juntos en Bright.

Otra tarea difícil y arriesgada, que la verdad, lo ha sido bastante para Netflix, ha sido juntar a Ayer y Landis tras sus últimas irregularidades, y aun así unir al pack al revienta-guiones de Will Smith. Quien en todos sus contratos parece que tiene prescrito que debe ser el típico padre responsable y honesto del mundo, cuya toda repercusión debe pasar por sus textos. Lo bueno, es que esa dosis se ha rebajado en detrimento de Joel Edgerton, quien está asombroso en la película (todo hay que decirlo, la caracterización ayuda).

Dicho esto, y viendo que ya tenemos las cartas sobre la mesa, toca hablar de lo que ha parecido en general Bright. La gran apuesta hacia final de año para Netflix.

El film que se presenta con un argumento prometedor, nos da al fan lo que de verdad estamos buscando con una premisa como esta, la cual y lo cierto es... si nos lo llegan a poner como serie nos la comemos con patatas.

Su historia se centra en un mundo atípico, año 2017 en el que orcos, hadas, humanos y elfos viven entre si en un sistema sin igual en el que por primera vez un orco entra a trabajar en el cuerpo de policía de Los Ángeles, con Daryl Ward interpretado por Will Smith como compañero. Durante este viaje vemos como todos los agentes están quemados con la situación actual del país, y más concretamente con la incorporación del orco Nick Jakoby, interpretado irreconociblemente por Edgerton. Tras esta delicada situación llega el momento en el que el film se deriva totalmente a un Training Day bastante singular en el que los compañeros de Smith quieren matarles a él y Jakoby para conseguir una varita mágica encontrada. A partir de ahí ocurrirá un desenfreno sin igual entre clanes orcos y elfos llenos de clichés bastante interesantes entre especies.

Hasta aquí podemos decir que con Bright estamos ante un film sin igual, bastante interesante y entretenido que fácilmente podría tener una trilogía en Netflix para el deleite de sus usuarios, sobre todo ante el gran éxito de su inicial acogida. hay que tener en cuenta que lo mejor del film es no tomarla en serio, y no como los críticos quienes la han puesto a parir, tomándose el film con una seriedad demasiado abismal. A pesar eso, sí de que el film no es perfecto. Pero tampoco es un desastre como se ha intentado vender, sino más bien una trepidante aventura callejera bastante bien disfrutable en casa entre sofa, manta y palomitas.

Calificación: 6,5 / 10

Crítica de Jim and Andy. Amaras u odiaras este documental.

2017-12-04T13:00:00.000+01:00

Andy Kaufman y Jim Carrey… Jim Carrey y Andy Kaufman. Dos genios y polémicos unidos por una esencia muy especial. La comedia. O como decía Kaufman en su tiempo… la actuación de variedades. Trece años les separa a uno del otro, y aun así, parece que el tiempo les ha unido en esencia.

Jim Carrey en los noventa fue todo un fenómeno cinematográfico gracias a grandes éxitos como Ace Ventura, La Máscara y Dos tontos muy tontos. Pero su vis cómica se alejó en el drama Man on the moon. Un film obviamente con tintes cómicos (aunque no es lo que realmente pretendía) en el que Carrey se adentraba en la vida de Andy Kaufman. Un genio “comico” de los 70´s y 80´s.

Dicho film cosecho una gran cantidad de galardones como por ejemplo el Oso de Plata a la mejor dirección para Milos Forman (Alguien voló sobre el nido del cuco), Globo de Oro a mejor actor de comedia para Jim Carrey, y la incursión entre otras cosas como una de los 10 mejores films del 99 según los Critics' Choice Awards: Top 10. Como veis, todo un exitazo para un actor que pocos veían en él algo mas allá que la comedia.

Casi veinte años más tarde, Netflix nos ha presentado un documental llamado Jim and Andy, donde precisamente Man on the moon desempeña un punto clave entre la conexión de estos dos genios surgiendo un caos que se apodero en el set, a raíz de un regreso emocional de Andy Kaufman a través del cuerpo de Jim Carrey, según ratifica el propio Carrey en el testimonio del documental, junto a los propios compañeros de equipo de Man on the moon y familiares de Kaufman que asistieron al set.

Jim and Andy tiene una sensibilidad y una poesía digna de ser admirada por todo aquel que sobre todo quiere llegar a ser actor y a quien le interesa ese sentimiento del encontrarse a uno mismo. Pocos sabían del caos que se genero en el set del film y menos aun vieron la locura que salió de la chistera de Jim Carrey hasta el punto de pelearse con varios compañeros y hacerle la vida imposible al pobre Milos Forman que a poco le debería saber ese Oso de Plata por todo lo que sufrió.

Visto ahora en el documental se podría pensar tranquilamente que Jim Carrey se volvió loco a raíz de aquello y desde entonces no ha vuelto a ser el mismo. Debida a tal conexión con el personaje y a las inevitables comparaciones entre ambos que obviamente no se pueden negar viendo el documental. Y ahí es donde entra el gran juego de Jim and Andy, y sobre todo si Jim Carrey esta mas cuerdo o mas loco que nunca. Particularmente aquí pienso mas lo primero, pero cada uno sacara sus propias conclusiones.

Obviamente hablamos de un documental que tiene las papeletas del éxito y que podría ser importante de aquí hasta la meta final de los galardones en categoría a mejor documental. Hablamos de un documental muy íntimo donde entramos en las entrañas de Jim Carrey gracias al material de archivo grabado curiosamente por la familia de Kaufman en el set de Man on the moon, gestionado a la perfección por el realizador del documental Chris Smith bajo la producción del genio Spike Jonze.

Calificación 8,5/10.

PD: Como bonus track aquí va una foto sobre todo para los grandes fans de Man on the moon. Es una instantánea de la presentación del film en el TIFF de Toronto donde Carrey coincidió con uno de los alter egos de Kaufman, Tony Clifton. Un personaje ficticio creado por Kaufman que tuvo sus grandes conflictos internos con el propio Carrey durante el rodaje de Man on the moon.

Crítica de A Ghost Story. Belleza y soledad bajo una manta

2017-11-22T12:34:00.000+01:00

Asistir a festivales te permite visualizar metrajes que de manera casual no podríamos disfrutar de igual manera de como haríamos en una pantalla de cine tradicional. Allí vemos a gente del entorno con un espíritu cinéfilo distinto unidos por un sentimiento especial por el cine, donde además pueden tener cabida metrajes mas arriesgado y con una sensibilidad a veces bastante más atrevida.

Esa sensibilidad y riesgo es lo que pudimos presenciar en Terrormolins con A Ghost Story de David Lowery. Un film puro, bello y aterrador que se centra en la soledad de la muerte y sobre el paso del tiempo a través de la pareja interpretada por Rooney Mara y Casey Affleck, quien se pasa literalmente casi hora y media bajo una sábana. Y es que el film de Lowery rompe barreras por doquier alimentando el cliché del fantasma bajo la manta (sin caer en lo ridículo) y la transformación visual magistral de presentarnos un film en 4:3 como si presenciáramos lo que ocurre a través de los ojos de la sábana.

La historia de A Ghost Story se centra en como tras la muerte de C (Affleck), M (Rooney Mara) se queda desolada añorando a su marido, mientras que éste de forma ascentral presencia su dolor. Un camino que transcurre durante años hasta que M pasa página y se muda a otro lugar quedando C en lo más profundo del recuerdo de lo vivido en la casa de la pareja.

Este camino fantasmal nos muestra la gran soledad sobre la muerte en el propio limbo. A fin de cuentas los vivos pueden pasar página, pero los muertos carecen de esa coherencia quedándose asolados en su propio mundo dónde el tiempo pasa de diferente manera, más pausada. Al menos esa puede ser una de las grandes capas que muestra este precioso film que nos deja escenas tan potentes como las de Rooney Mara comiéndose una tarta sentada en el suelo, o sobre todo en la que Affleck saluda al fantasma de la casa de enfrente. Dejando claro que lo mas absurdo de estas escenas pueden llegar a resultar conmovedoras.

En resumidas cuentas, hablamos de un film brillante, emotivo, atrevido y arriesgado de los que podría llegar a considerarse como una de las películas del año, por no hablar de que A Ghost Story podría ser uno de los films que mejor trata el tema del más allá.

Calificación: 9/10

Especial festivales: Crónica de la 36 edición de Terrormolins

2017-11-20T13:53:00.001+01:00

Tras diez sangrientos días iniciados con el estreno mundial del film Framed, ha concluido uno de los festivales terroríficos por excelencia más sangrientos de nuestro país. Hablamos de la 36 edición del Festival de cine de Terror de Molins de Rei quien este año ha rendido homenaje a todo un director del género terrorífico (aunque hablemos más en su parte psicológica) como es el Austriaco Michael Haneke proyectando dos films en su honor; La cinta blanca y Funny Games, quien además el protagonista de dicha película fue jurado en el festival. Por si fuera poco la tematica Haneke salió adelante con un libro en honor al director titulado Michael Haneke: La estética del dolor en el que participaron Javier Rueda, Gerard Fossas Noguera, Jaume Claver Borràs, Albert Galera, Josep M. Luzan, Joan Domènech y Carlos Losilla.

Terrormolins este año fue mucho más de lo que nos tiene acostumbrado y sus platos fuertes además de concentrarse en la sala de proyección se vio fuertemente apoyada por series paralelas muy interesantes como el Networking y Pitching del jueves donde acudieron bastantes profesionales del sector ya sea como ponentes de sus proyectos o espectadores. Eso sí, sin olvidar otras charlas también interesantes como Gamificación y Cine: Juegos de mesa que cuentan historias u otras presentaciones de libros como Lovecraft: La alargada sombra del tentáculo.

Ya entrando las competiciones del festival hablamos de la gran calidad de este año tanto en su sección oficial en la que este año el film ganador ha recaído a manos de The Lodgers del Irlandés Brian O'Malley, mientras que el resto de palmares quedaría de esta manera:

Premios Largometrajes

Mejor Director: Bryan Taylor (Mom & Dad)

Mejor Actor: Owen Campbell(Super Dark Times)

Mejor Actriz: Emma Booth (Hounds Of love)

Mejores FXS: “68 Kills”

Mejor Guión: “Ben young” (Hounds of love)

Mención especial del jurado para el guión de “Super Dark Times” (Ben Collins)

Premio de la Crítica De Oro (otorgado por un jurado formado por miembros de la asociación de Blogos de Oro: “Super Dark Times”

Premios Cortometrajes

Mejores FX: Cauchemar Capitonné

Mejor Guión: Nic Alderton (Health, Wealth & Hapiness)

Mejor interpretación: Fernando Albizu (Aprieta pero raramente ahoga)

Melies Argent to Best European Fantàstic Shortfilm: 9 pasos

Mejor cortometraje: Centrifugado

Pero no todo fue de calidad en la sección oficial con film como Mom & Dad, sino que las secciones fuera de competición también nos brindaron noches de glorias en Terrormolins gracias a proyecciones como, Herederos de la Bestia de Diego López, quien repasa la trayectoria de Alex de la Iglesia y lo que significó al género de nuestro país su película El día de la bestia. O bien uno de los films más impresionantes de este año como es A Ghost Story que se pudo presenciar tras la conclusión de la gala de clausura.

Para terminar como viene siendo aclamado en los últimos años, el cierre llega con la maratón de 12 horas de cine terrorífico con la proyección de: Les Affamés, Revenge, The Lodgers, The Crazies, Game of Death y The Night Watchmen. Cuyo final apoteósico vino de la mano de un video memorable en honor a la figura de Chiquito de la calzada.

Acabamos el maratón de @terrormolins con dedicatoria, el Chiquitetris!!! Nos vemos el año que viene!!! #seacabo #quetriste #terrormolins #12horas #maratonmolon pic.twitter.com/jGu4dXv6ON

— FlandePoster (@FlandePoster) 19 de noviembre de 2017

Un buen colofón para un festival hecho con el cariño durante sus 365 días del año.

Crítica de 'Stranger Things' season 2. Bienvenidos al revival de los 80´s

2017-10-28T20:28:00.001+02:00

Meter las pizzas al horno, tener preparadas las palomitas y estar prevenidos para sacar del congelador el Ben & Jerrys que da comienzo la sesión nocturna para ver una de las series de la temporada… Stranger Things.

Por si aún nadie se ha dado cuenta, desde ayer mismo (y si, adentrándonos nuevamente en el universo Netflix) la plataforma VOD dio el pistoletazo de salida a la segunda temporada de la serie de moda, Stranger Things. Y fácil no lo tenía, tras el hype de su predecesora. Quizás por ello y bien sabido la nostalgia de todos nosotros por este revival de los 80´s, desde su inicio con el primer capítulo hemos comprobado el gran afán por ofrecernos en cada plano alguna referencia ochentera de esas que son perceptible para cualquiera de los más fans de este subgénero. El Halcón Milenario, Los Cazafantasmas, juegos arcades a tutiplén, que un nuevo personaje se llame MadMax y la incorporación de Sean Austin al reparto (añadiendo más señas Goonies al asunto), son algunas de estas señas que planteábamos, ya que sea o no descarado, la esencia de aquellos años y dichos films, hace de Stranger Things esa maravilla que tanto nos gusta.

Fuera de lugar lo comentado anteriormente, toca adentrarse en lo que han sido los dos primeros capítulos de su segunda temporada. Está claro que para incrementar la historia anterior, el mundo debe expandirse y los monstruos deben de salir a la luz para que lo ocurrió anteriormente no se quede en agua de borrajas. ¿El problema? Que la serie sigue pecando de lo ocurrido en la anterior temporada, y es que la historia se ve venir, pero aun así todo sucede lentamente, ya que por ejemplo en estos dos primeros capítulos ya se sabe un poco por donde van a ir los tiros, pero aun lo único que nos presentan es nuevamente a los personajes y un poco como han podido evolucionar, aunque por lo que podemos prever, en este caso la voz cantante de esta segunda temporada vuelven a llevarlo los personajes de Eleven y Will Byers, quien parece tener un devenir bastante interesante, ya que como se preveía, su incursión en el submundo no podía quedar en nada.

Dicho eso, seria falso comentar el gran potencial que vemos en su segunda temporada y que muchas son las cosas por aun descubrir en esta segunda temporada que recién acabamos de empezar. Además y por qué no decirlo… de seguir disfrutando de esa esencial nostálgica que tanto nos gusta de esta serie.

Y ahora si me disculpan, perdonen pero vamos a ver el tercer capítulo… To be continue!

Crítica de 'Fe de Etarras'. Comedia española a manos de Netflix

2017-10-27T14:47:00.001+02:00

La comedia española ha llegado a Netflix la plataforma VOD más reconocida del mundo cinéfilo y seriefilo, que aterrizo en nuestras fronteras hace ya dos años con un catálogo extenso de films internacionales, materiales propios y alguna que otra joyita patria como Stockholm o La gran familia española.

Años después la plataforma americana ha empezado a apostar por producciones propias en nuestras fronteras en forma de series como ‘Las chicas del cable’ y films como ‘7 años’. Pero el plato fuerte sin duda lo acaba de ofrecer en forma de comedia con ‘Fe de Etarras’, un film dirigido por el afiliado a la comedia, Borja Cobeaga que junto a un guion de Diego San José se han marcado una desternillante comedia en forma de clichés, que a diferencia de 8 apellidos vascos, esta vez sí resulta gracioso y por momentos hasta inteligentes.

Un etarra Riojano, otro Manchego, una etarra de pura cepa y otro simplemente enamorado de esta etarra. Así tripulan este viaje cuatro personajes escritos por Cobeaga y San José metidos en la piel de tres actores de comedia interpretados por Javier Cámara, Julián López, Miren Ibarguren y Gorka Otxoa.

El film nos cuenta como tras una huida cobarde del personaje de Cámara, este años después recluta a tres etarras para organizar el último gran comando de eta durante el transcurso del mundial de Sudáfrica del año 2010. Justo cuando la selección española gano el mundial. Cuanto menos suena interesante esta premisa, pero más lo son las fechorías de esto cuatro etarras con fines totalmente diferentes. Cada personaje nos sitúa en una disquisición distinta que hace fácilmente conectar con ellos. Pero sobre todo lo que más acompaña a esta película, es la premisa del sentimiento, que además muy bien viene en estos tiempos de hoy entre lo sucedido políticamente entre Cataluña y el gobierno de España.

Fe de Etarra nos enseña que el sentimiento político de cada persona no debe aferrarnos demasiado a otros sentimientos distintos, al igual de que nosotros nos creamos nuestro propio mundo, y no el mundo creado por nuestros antecesores. Todo ello en una vis cómica muy interesante atraída por unos diálogos estupendos y un Borja Cobeaga que se adentra en lo que puede haber sido su mejor película hasta la fecha. Al menos a lo que pack guion / realización se refiere.

Calificación: 7/10

Especial festivales: Crónica del Festival de Sitges 2017: Día 9

2017-10-21T13:09:00.001+02:00

Viernes, 13 de octubre

La noche anterior pasó algo y no lo recordamos. Necesitamos dedicar la mañana a descansar y, sobretodo, a elegir sabiamente qué ver en nuestro último día en el festival. Pues por motivos personales omitimos el sábado 14 de nuestra programación, así que hoy es nuestra última oportunidad. Por suerte, y a diferencia de otros días, elegimos bien.

Vemos dos de las mejores participantes dentro de la sección Oficial Fantàstic Competició. Primero, en Retiro, A ghost story (David Lowery, Estados Unidos). Reconocemos que tanto su premisa como su puesta en escena nos produjo algo de rechazo en cuanto supimos acerca de ella. Pero mediante el boca a oreja hemos ido escuchando maravillas, así que le damos una oportunidad. Con la sala con aforo completo vemos, como su título indica, nada más y nada menos que la historia de un fantasma. Chico muere y deja sola a chica (ugh). Mientras ella lidia con la pérdida, él no puede hacer otra cosa que observar. Con un ritmo lento, pausado, fiel a la experiencia de ser un ente impotente, seguimos un triste, sencillo y bonito relato sobre la pérdida y la superación.

Después, en Auditori, vemos Jupiter's moon (Kornél Mundruczó, Hungría y Alemania). Su director recibe, previo a la proyección, el premio Màquina del Temps. Y acto seguido nos brinda una fábula que entrelaza una de nuestras mayores tragedias actuales, la ignorancia de Europa ante las personas sirias que necesitan huir de su país, con un factor fantástico y maravilloso, la habilidad de levitar. Tras una secuencia inicial brutal, tanto por su contenido por su calidad técnica, seguimos a un personaje asqueroso que se aprovecha de los refugiados. Su viaje de cambio y redención comienza cuando se lleva consigo a un joven que acaba de cruzar la frontera y, tras ser tiroteado, puede flotar en el aire. A partir de aquí somos testigos de secuencias bellamente ejecutadas, que representan la maravilla, y de escenas que plasman la hipocresía, la indiferencia o la ignorancia ante la mencionada situación.

Nuestra última película del Sitges 2017 (o Sitges 50, como nos han estado indicando todos estos días) sólo podía ser de una sección: Seven Chances. Lo curioso es que volvemos a tener a Mundruczó presentándonos una obra suya. En esta ocasión, Johanna (Hungría, 2015). El autor traslada a Juana de Arco a la actualidad, en forma de enfermera que ha superado una drogodependencia, y nos narra su historia mediante una ópera. Oscura y sucia pero bella al mismo tiempo, Johanna nos habla acerca de cómo el sistema y la gente alienada mirarán con malos ojos a quienes decidan hacer el bien por su cuenta, saltándose las normas establecidas.

Durante el día de hoy Frank Langella (Dracula (1979), Robot & Frank) ha recibido el Gran Premi Honorífic y Tony Isbert (La saga de los Drácula, Perras callejeras) el Premi Nosferatu. Pese a que hoy dejamos de ver películas, seguimos pendientes de aquellas que no hemos podido ver para tenerlas en cuenta, como How to talk to girls at parties o Brisby bear. Mañana, el palmarés y reflexión sobre esta edición del festival.

Especial festivales: Crónica del Festival de Sitges 2017: Día 8

2017-10-20T21:00:00.000+02:00

Jueves, 12 de octubre

El nombre de Shojiro Nishimi, quien ha trabajado en Tekkonkinkreet (Michael Arias, Japón, 2006), nos arrastra hasta Prado para ver Mutafukaz (Run y Shojiro Nishimi, Francia), dentro de Anima't. Adaptación de una serie de cómics del otro co-director, Mutafukaz nos sitúa en una ciudad ficticia basada descaradamente en Los Angeles del videojuego Grand theft auto: San Andreas. A la mezcla se le añaden seres hecho de materia oscura con un plan para dominar el mundo. Y el resultado es una entretenida pero descafeinada película que se atasca entre lo juvenil y lo adulto. Pese a su pretensión de tratar algún que otro tema relevante, en seguida se pierde y va a lo que va: un humor ligeramente macarra y persecuciones casi vertiginosas.

Vamos a Retiro para volver a ver Laissez bronzer les cadavres y confirmar que estamos ante una de las películas del año. En su segundo visionado notamos que aunque no sea redonda, la suma de los trabajos de cinematografía, sonido y montaje, guiados por la pareja directora, es fruto de una planificación asombrosa.

En la misma sala vemos otra de Anima't, adaptación de una película de Shunji Iwai (del cual hemos visto, en esta edición, A bride for Rip Van Winkle): Fireworks, should we see it from the side or the bottom? (Akiyuki Shinbo y Nobukuki Takeuchi, Japón). Al poco de comenzar, sentimos peligrosamente que la obra es un intento de your name., el largo de anime del año pasado que arrasó en taquilla. Vemos un romance adolescente con un toque de fantasía espacio-temporal. Y tiene la oportunidad de enseñar algo a los más jóvenes, como no lamentarse por las decisiones elegidas y saber seguir adelante. Pero primero se queda corta y al final abandona la idea, apostando por un final feliz que concluye la historia adecuadamente, sin destacar. Aunque si hay que mencionar algo son las salidas de tono con chistes de índole sexual que todavía no entendemos por qué o cómo están ahí.

Para terminar, vemos la curiosa Arder (David González Rudiez, España) en la sala Tramuntana. Curiosa por su banda sonora: ni voces, ni música, ni efectos; solo silencio. Durante una hora seguimos a un misterioso personaje, con aspecto de vagabundo, deambular por un parque. Un simbolismo confuso y aparentemente incoherente nos acompaña mientras el personaje avanza en su críptica misión. Cuando termina, Arder queda en el recuerdo como una pieza algo arriesgada que consigue funcionar, pero se queda en poco más que eso.

Por hoy terminamos, a pesar de que nos perdamos proyecciones recomendadas como November, La piel fría, Errementari, Matar a Dios o Blade of the immortal. ¡Mañana más!

Especial festivales: Crónica del Festival de Sitges 2017: Día 7

2017-10-19T19:50:00.000+02:00

Miércoles, 11 de octubre

Nos saltamos la matinal para descansar, algo necesario ante el día en el cual hemos visto dos de las mejores películas de esta edición. En Tramuntana vemos The erlprince (Kuba Czekaj, Polonia), dentro de la sección Noves Visions Plus. La obra combina la mitología del poema de Goethe Der Erlkönig (El rey de los alisos) con teorías sobre dimensiones paralelas y universos holográficos. Su premisa despierta mucho interés, pero su estructura narrativa dividida en capítulos (numerados con una cuenta atrás) hace del visionado algo ligeramente tedioso. Pues no es hasta su clímax que vemos algo realmente interesante y algo original... pero la espera no merece la pena.

Caminamos un poco para ir a hacer cola en Auditori, toca My friend Dahmer (Marc Meyers, Estados Unidos), de la sección Oficial Fantàstic Competició. Vemos la adolescencia del asesino en serie Jeffrey Dahmer, adaptando una novela gráfica escrita y dibujada por uno de sus compañeros de clase. La película pretende mostrar tanto lo bueno como lo malo que vivió el infame personaje. Sin embargo, en lugar de verle desde el punto de vista prometido (el de su compañero de clase), le vamos siguiendo a todas partes y somos testigos de su día a día. Sin ningún tipo de posicionamiento o discurso moral, la obra termina siendo un retrato sin más.

Mismo cine, misma sección. Toca una de las más esperadas: Laissez bronzer les cadavres (Hélène Cattet y Bruno Forzani, Bélgica y Francia). Una premisa tan sencilla como un tiroteo, fruto de un robo que casi sale bien, es desmontada y narrada a través de un montaje vertiginoso, un diseño de sonido estremecedor y un gran puñado de planos que van desde el clásico primerísimo primer plano del western hasta imágenes que remiten a los giallos de terror. La sala retumba entre disparos y temas de Ennio Morricone mientras Cattet y Forzani demuestran, de nuevo, su maestría a la hora de jugar con las herramientas cinematográficas.

Seguimos en Melià: volvemos a Tramuntana para ver otra película de la sección Oficial Fantàstic Competició, Salyut-7 (Klim Shipenko, Rusia). Se nos vende como una espectacular aventura espacial con cuarenta minutos filmados en gravedad cero. Y picamos. La película está rodada en Rusia y su director nació ahí, pero estudió en Estados Unidos y su obra sigue el manual de los blockbusters que llevamos décadas viendo. Su guion tramposo, su música o su montaje nos recuerdan contínuamente a esos estrenos de verano que, precisamente en Sitges, no esperamos ver.

Para cerrar el día nos vamos de Melià y nos movemos hasta el centro de Sitges, a Prado, para ver la Seven Chances de hoy: Poesía sin fin (Alejandro Jodorowsky, Francia y Chile). Continuación directa de La danza de la realidad, esta parte retrata la adolescencia y juventud de Jodorowsky. Su puesta en escena es puro cine, pues el famoso psicomago se arma de numerosas técnicas narrativas para contarnos su vida mientras él mismo reflexiona acerca de lo que hizo, habla con su yo pasado y aprovecha la ocasión para disculparse y despedirse adecuadamente de aquellos seres queridos que dejó atrás.

Nos vamos a descansar habiendo visto un bello canto a la figura del artista, una película preciosa que, pese a estar cargada del ego de su autor, nos maravilla y emociona sin tenerlo como intención principal.

Crítica de 'Madre!'. Aronofsky nos presenta a su madre naturaleza

2017-10-19T18:56:00.001+02:00

¿Alguno de vosotros ha visto Rubber de Quentin Dupieux? Para todos aquellos que no sepan de la película en cuestión. Fue un film que se presentó allá por el 2010 en el Festival de Sitges y consiguió llevarse uno de los premios gordos para estupor de algunos.

Aquel film era lo denominado un “What the fuck?” En toda regla. Pero ojo. Que el director al inicio del film ya se encargaba de avisarnos de lo que nos esperaba en sus 100 minutos de duración, con una apertura para los restos, en el que un coche policial entra en escena derivando a paso de tortuga una serie de sillas colocadas delante de la cámara hasta que el policía se baja del coche y avisa al espectador de que lo que ocurre en esta cinta no tiene sentido. Y razón no le falta, ya que no podría pasar otra cosa teniendo en cuenta que el protagonista es una rueda asesina.

Vale el film Rubber no pretende nada más. Pero … y si ese concepto del nada tiene sentido, es bien llevado y trasladado a una metáfora de la vida que te hará reflexionar e incluso replantearte tu propia existencia. Y es ahí donde entraría el film del que hoy os queríamos hablar.

Madre! Lo nuevo del aplaudido (a la par que odiado, pero para nada compartido) Darren Aronofsky, es una maravilla por los cuatro costados. Un canto a la metáfora, un canto a la belleza del sufrimiento y un bofetón para los ingenuos de este mundo.

El film no se anda por rodeos. Nos pone en situación a una mujer que de entrada sabemos que se siente incomoda, desconcertada e incluso parece aterrada en su propio hogar. Hasta ahí nada fuera de lo normal de lo denominado historia de terror, ya que muchos la venden como tal. Pero ya desde su inicio sabemos que esta historia no se va a quedar ahí, que Aronofsky sabiendo como es, no nos está contando una historia al uso entre un matrimonio. No para nada, esta historia tiene más y a cada paso del metraje vamos descubriendo esa guinda que se destapa bajo la tarta.

Jennifer Lawrence interpretando a esta mujer y Javier Bardem al marido y escritor frustrado de esta historia, son esa pareja que forman el reflejo de nuestra sociedad y porque no, sin destapar spoilers… La gran revelación de la biblia. Puesto que es bastante revelador y magistral esa manera en el que un matrimonio residiendo en medio de la nada mientras reforman su hogar, es el gran reflejo de nuestra historia, es el gran reflejo entre la Madre naturaleza y el propio dios. Entre una mujer cuidadosa y protectora de los suyo viendo como su marido lo hecha todo a perder por su simple ingenuidad y egocentrismo. Tan reveladores son los detalles en esta película que un segundo visionado podría cambiar la versión del film. ¿Es la biblia en cuestión? ¿Es solo la historia matriarcado? O ¿A caso hablamos de una historia sobre la falta de inspiración del escritor? Sea cual sea el significado de cada uno, si es cierto que el juego planteado en descubrir de donde sale cada escena, es de lo más estimulante y no extraña para nada ese juego entre ¿Quién es el personaje de Ed Harris y porque reacciona de esta manera junto a su mujer? ¿A caso hablamos de Adan y Eva junto a sus hijos Cain y Abel en la casa (mundo) de dios?

En resumidas cuentas, Madre! Es un film muy completo que puede desconcertar en exceso al espectador, hasta el punto de odiarla, o bien de ser amada por completo por todos aquellos que echamos en falta guiones tan puros, arriesgados y complejos como el del film. Gracias en parte a su cuidado guion y su visión asfixiante de una madre aterrada por todo lo ocurrido.

Calificación: 9/10

Especial festivales: Crónica del Festival de Sitges 2017: Día 6

2017-10-17T13:19:00.002+02:00

Martes, 10 de octubre

Sin percatarnos de ello, para el día de hoy hemos escogido ver (salvo una excepción) cine acerca de la sexualidad. Bisexualidad, matrimonio homosexual, liberación sexual, feminismo, masculinidad... Con sólo tres películas, tenemos una gran dosis necesaria que habla de diversos tabúes que es vital romper.

Vamos por primera ver a Tramuntana para ver Fluidø (Shu Lea Cheang, Alemania), participante de la sección Noves Visions Plus. Con una estética cercana al videoarte y sin tapujos a la hora de mostrar y normalizar genitales y fluidos, Fluidø nos sitúa en un 2060 sin VIH. Pero con un mutación del virus: el gen ø, la droga más solicitada en este contexto. A partir de aquí, varios personajes y numerosas secuencias con sexo explícito sirven para representar las represiones sociales y personales que vivimos respecto al sexo y cómo liberarse de ellas nos puede conducir a una verdadera felicidad. Lamentablemente, decenas de espectadores iban saliendo de la sala cada vez que aparecía un pene o una vagina. Al parecer, si no es para consumo pornográfico, el sexo en pantalla no tiene otro sentido para algunas personas.

Seguimos en Tramuntana y vemos una de Noves Visions One: The crescent (Seth A. Smith, Estados Unidos). Hacemos un paréntesis involuntario respecto a temática para ver una película de corte clásico pero con un montaje y secuencias que hacen que valga la pena. Una viuda intenta sobrevivir con su hijo pequeño a la muerte de su marido, para ello se desplaza hasta una casa en la costa y será ahí donde misteriosas siluetas la acecharán. Con un giro de guión algo previsible, la obra se salva por escenas experimentales realizadas con pintura, cambios de formato de imagen o una música estremecedora.

En Auditori retomamos la sección Oficial Fantàstic Competició con As boas maneiras (Juliana Rojas y Marco Dutra, Francia y Brasil). Asistimos a una preciosa combinación de un subgénero fantástico (que no revelamos) con un retrato sobre la maternidad, la feminidad y la masculinidad. Rodada con ternura y algo de humor, As boas maneiras está dividida en dos partes. A simple vista, ambas se diferencian en ritmo y tono y parece que la primera sea mucho más redonda. Sin embargo, el ligero caos de la segunda está justificado por el tema que aborda. Tras su conclusión, Auditori aplaude durante rato largo a una de las mejores películas de esta edición.

Cerramos el día, una vez más, con Seven Chances. Durante sus tres horas de duración, A bride for Rip Van Winkle (Shunji Iawi, Japón) retrata diversos tópicos sociales que ya están inherentes en nuestro día a día. Se pone en evidencia cuan unidos están el heteropatriarcado e Internet, pues la protagonista es víctima de una y otra manipulación de lo que realmente desea. La represión social femenina es otro de los puntos que se desarrolla durante todo el metraje, mostrando uno de sus principales focos. Por supuesto, también vemos cómo es posible romper con las cadenas que, por el mero hecho de ser mujer, se imponen constantemente.

Nos retiramos con una muy buena sensación en el cuerpo, pues entre decenas y decenas de títulos con un seximo y un racismo sutiles pero muy graves, hemos visto tres bellas obras que se oponen a estas opresiones. Reivindicamos desde aquí el visionado de estas películas, esenciales para seguir cambiando algo que lleva demasiado tiempo vigente.

Especial festivales: Crónica del Festival de Sitges 2017: Día 5

2017-10-17T00:46:00.002+02:00

Lunes, 9 de octubre

Tras descansar (sólo un poco, no vaya a ser que nos relajemos) comenzamos la semana volviendo a subir el número de sesiones. Pasamos la mañana en el Auditori del Melià viendo dos películas de sección Oficial Fantàstic Competició. A primera hora, La villana / Ak-Nyeo (Jung Byung-gil, Corea del Sur), que combina tres géneros: acción, drama coreano y thriller. Es indiscutible que el primero es el que mejor lleva, brindándonos secuencias espectaculares en primera y tercera persona con una alta dosis de violencia y movimientos de cámara increíbles. El toque k-drama sorprende porque aparece de golpe, es breve y da un contraste necesario. Sin embargo, la parte thriller flojea considerablemente, pretendiéndonos engañar con giros de guión de manual que hace décadas que caducaron.

Después de que nos de el aire, toca la opera prima Dhogs (Andrés Goteira, España). Dividida en tres partes, las dos primeras siguen a diversos estereotipos a través de un entramado de pequeñas historias. Desde sus primeros planos nos declaran qué vamos a ver y cómo seremos un espectador pasivo más ante la violencia. Su tercer acto subraya innecesariamente la tesis del director. Pese a haber quedado claro qué está ocurriendo realmente en la película, tenemos unos veinte minutos más que lo hacen evidente, cayendo en el error de explicar literalmente lo que se podía deducir mediante sutilezas. Aun así, nos llevamos una sorpresa con esta proyección y apuntamos el nombre de Goteira.

Vamos a Retiro para retomar la sección Anima't con Tehran taboo (Ali Soozandeh, Alemania y Austria). El autor y su equipo se encontraron con una única opción para retratar el machismo opresor que reina en la capital de Irán: rotoscopia animada. Varios personajes cruzan sus caminos mientras sobreviven a las estrictas e injustas leyes iraníes. Un leve humor muy crudo está presente a intervalos mientras el drama y la denuncia social no cesan. Una película necesaria por lo que se atreve a mostrar con naturalidad, sin artificios ni trucos fáciles.

Nos quedamos en Retiro para ver Curvature (Diego Hallivis, Estados Unidos). Poco podemos decir acerca de ésta, pues apostamos por ella creyendo que veríamos más buena ficción científica y nos encontramos un casi telefilme con agujeros de guión y una conclusión previsible desde casi el principio. Parece ser que los viajes en el tiempo han quedado en manos de los pretenciosos que no quieren contar nada.

Terminamos en Prado con la Seven Chances del día: Mansfield 66/67 (P. David Ebersole y Todd Hughes, Estados Unidos y Reino Unido). Los responsables de Room 237 nos muestran su entretenido documental/biopic/musical sobre Janes Mansfield, gran estrella y símbolo sexual de los años cincuenta. A través de siete capítulos sabemos más sobre su persona, inteligente, atrevida y divertida. Y sobre sus coqueteos con Anton LaVey y su Iglesia de Satán. Planteado todo esto, la obra se recrea en las teorías acerca de la muerte de la actriz y sus posibles motivos.

Nos perdemos la ultraviolenta Brawl in cell block 99 (S. Craig Zahler, Estados Unidos), cuya presentación sacude el Auditori con la presencia de Udo Kier y Vince Vaughn.

Especial festivales: Crónica del Festival de Sitges 2017: Día 4

2017-10-09T01:52:00.000+02:00

Domingo, 8 de octubre

Optamos por tomarnos un descanso y dedicamos sólo la tarde para ver tres películas. En Retiro vemos Mom and dad (Brian Taylor, Estados Unidos), la primera que vemos de la sección Oficial Fantàstic Competició. Por motivos irrelevantes, todas las madres y padres sienten el impulso de asesinar a su retoños de cualquier forma. En resumen, Nicolas Cage y Selma Blair quieren matar a su hija y a su hijo. Media película está centrada en el planteamiento de la situación y, pese a su esfuerzo en mostrar situaciones dotadas de humor negro, no llegamos a ver nada realmente atrevido o rompedor. La otra mitad es lo que hemos venido a ver. Cage, aceptando su condición de meme, nos regala caras, gestos y frases que hacen estallar a la sala en risas y aplausos. Sin embargo, y pese al recorrido del director, esta segunda parte tampoco llega a ser lo que se nos promete y en ningún momento se sale de la zona de seguridad. En una película con decenas de muertos apenas vemos ni muertes ni sangre. El festival nos hace un recordatorio de la doble moral estadounidense.

En Prado vemos Marjorie Prime (Michael Almereyda, Estados Unidos y España), dentro de Noves Visions One. Adaptando una obra de teatro, nos encontramos con una profunda obra de ficción científica, género que año tras año se ha ido pervirtiendo hasta llegar a perder aquello que lo caracteriza. Con los avatares de personas fallecidas como tema principal, la película gira en torno a cómo construimos experiencias a partir de nuestros recuerdos, nuestras versiones de los acontecimientos que vivimos. Un pequeño y excelente reparto interpreta tanto a sus personajes como a las versiones de éstos que sus familiares elaboran a partir de sus visiones personales. Con delicadeza y humildad, vemos algo mucho más humano que la mayoría de blockbusters que afirman tocar los mismos temas.

Por último, empezamos una de nuestras secciones favoritas (si no la que más tenemos en cuenta), Seven Chances. Death line (Gary Sherman, 1972, Reino Unido) es la primera película que se proyecta dentro de ésta, en la cual se nos narra, en forma de slasher policíaco, una pequeña alegoría sobre las clases sociales. Pese a su intención de dejar claro quiénes llevan tiempo oprimiendo y quiénes son los oprimidos, Donald Pleasence, que representa a los primeros, roba muchísimo protagonismo con todas sus escenas. Aun así, nos retiramos habiendo visto una joyita que combina terror y humorr. Y con la aparición estelar e hilarante de Christopher Lee.

Además de numerosas presentaciones y debates, destacamos que el cinematógrafo Juan Mariné (Mil gritos tiene la noche, 1982) recibe la María Honorífica.

Especial festivales: Crónica del Festival de Sitges 2017: Día 3

2017-10-08T01:37:00.000+02:00

Sábado, 7 de octubre

Si empezamos viendo tres películas en un día para después pasar a cinco, hoy subimos al máximo que cuerpo y mente nos permiten ver: seis. A primera hora vemos otra entrega de la Secció Oficial Fora de Competició. Vuelve un querido del festival con Muse (Jaume Balagueró, España). Adaptando una novela fantástica española, la película gira en torno a la inspiración y las musas. Convierte a estas en seres poderosos que, desde hace siglos, han estado influenciando y manipulando a los poetas más famosos de la historia. Sin embargo, tras plantear una serie de normas para estos personajes, éstas dejan de seguirse y la supuesta amenaza de las musas apenas es notable, ni mucho menos atemoriza. Además, cuando la película pretende ser un thriller fracasa en seguida, haciendo que los protagonistas tengan en bandeja todas y cada una de las pistas necesarias para revelar el misterio principal.

Nos vemos obligados a elegir entre Argento (acompañado de Guillermo del Toro) y Friedkin. Suspiria (Dario Argento, Italia) coincide incomprensiblemente con Sorcerer (William Friedkin, Estados Unidos), ambas en distintas subsecciones de Sitges Classics. Nos decantamos por la segunda y vemos un clásico que, pese a no ser de género fantástico, sí que llega a aterrorizar y provocar una tensión gracias a su excelente puesta en escena y secuencias muy, muy arriesgadas de filmar. Tras la proyección, Friedkin nos cuenta diversas anécdotas que enriquecen la sesión.

Sessió Especial en Retiro. Ana Lily Amirpour nos presenta su segundo largometraje, The bad batch (Estados Unidos). Tras exagerados aplausos y vitoreos por parte del público, vemos una película que durante dos tediosas horas no va a ninguna parte. Todo es estética, pero ni siquiera aprueba en ese apartado. Personajes que van y vuelven de escenarios sin motivo alguno, escenas musicales gratuitas o diálogos absurdos y pretenciosos adormecen a media sala (aunque entusiasman a la otra mitad). La confirmación de que lo que acabamos de ver no habla absolutamente de nada nos la da su propia directora cuando, tras la pregunta de una espectadora respecto a la flexibilidad de la moral y la ética según contexto, ésta se queda en blanco y no sabe que contestar.

Permanecemos en Retiro para ver una de Anima't, Loving Vincent (Dorota Kobiela y Hugh Welchman, Polonia y Reino Unido). El principal aliciente con el cual se presenta es la técnica con la cual se ha realizado, mediante un cuadro al óleo por fotograma. Sin embargo, aprovecha esto de manera limitada y se centra en mostrar, a través de ficción más o menos rigurosa, diversas opiniones sobre el pintor tras un año de su muerte. Es de agradecer que no caiga en la pretensión de ser un biopic definitivo ni de ir a por la lágrima fácil.

Vamos hasta Prado a ver dos dentro de la sección Noves Visions One. Pirmdzimtais / Firstborn (Aik Karapetian, Letonia) tocó un tema relevante como la fragilidad de la masculinidad con un ligero punto fantástico. Pese a construir poco a poco un clímax que parece apuntar a lo sobrenatural, la historia lo deja a un lado, a la vista, pero apartado. Acaba teniendo más protagonismo la figura del hombre que la de la mujer, que termina en muy segundo plano pese a la fuerza que tiene durante el planteamiento.

La sexta y última que vemos bien entrada la noche es Kuso (steve, Estados Unidos). Su autor, más conocido por su nombre artístico musical, Flying lotus, plasma su ansiedad respecto al Big one, el terremoto devastador que se prevé que tendrá lugar a lo largo de la falla de San Andrés. Para ello combina cuatro historias, secuencias animadas y pequeños gags con un humor escatológico (nivel medio) y muchas raciones de pus, mierda y semen. Sin discurso alguno y con la intención de echar una risas, cerramos la jornada rompiendo algunos tabúes como ver un pene en pantalla o que una criatura transdimensional te haga un aborto express.

Mientras tanto, Santiago Segura recibe el Premi Màquina del Temps y Susan Sarandon, antes de una proyección golfa de The Rocky Horror picture show (Jim Sharman, Estados Unidos), el Gran Premi Honorífic.

Especial festivales: Crónica del Festival de Sitges 2017: Día 2

2017-10-07T00:00:00.000+02:00

Viernes, 6 de octubre

Comenzamos el día en Auditori con una película de la sección Oficial Fantàstic Fora de Competició, la nueva entrega del Universo Conjuring, Annabelle: Creation (David F. Sandberg, Estados Unidos). Genérica a más no poder, cumple diversos tópicos de los géneros clásicos de casas encantadas y fantasmas. Únicamente pretende dar cuatro sustos y enriquecer la franquicia en crecimiento. Y como lleva a cabo ambas misiones hasta el final, aprueba pese a resultar ligeramente alargada por hacernos seguir a bastantes personajes durante sus últimas secuencias. En un pequeño descanso entre proyección y proyección, visitamos la carpa de Samsung VR Experience para ver un par de cortometrajes en realidad virtual. Pese al esfuerzo por ubicar al espectador en medio de la acción, notamos que todavía le quedan años de desarrollo a esta tecnología, además de un buen guionista encargado de darle algo de valor a los cortos.

Vamos hasta Retiro para ver dos seguidas. Primero, Housewife (Can Evrenol, Turquía), de Panorama Fantàstic. Un relato sencillo en el cual la protagonista accede a recibir ayuda de un mentalista para superar un trauma infantil. A partir de ahí, empieza una montaña rusas de capas de recuerdos y señales premonitorias que culminan en un grotesto clímax. Por llevarnos hasta una conclusión satisfactoria, un festival gore con tinte satánicos, la sala aplaude la película entusiasmada. La segunda es una de Anima't: The night is short, walk on girl (Masaaki Yuasa, Japón). Frenética de principio a fin, asistimos a una serie de eventos y personajes con distintos objetivos. Todo en una noche, bebiendo contínuamente (sabiendo cómo) o haciendo apología de la lectura (y de su acceso por parte de cualquier persona). Con momentos tiernos y secuencias musicales incluídas, la obra rompe algún que otro tópico y concluye alejándose del estilo más habitual del anime japonés.

Entrada la tarde nos desplazamos hasta Prado por primera vez para dos proyecciones: Kaygi / Inflame (Ceylan Özgün Özçelik, Turquía), dentro de Noves Visions One, y The biggest thing that ever hit Broadway (Marcus Thompson, Reino Unido y España), de Noves Visions Plus. La primera sigue a una periodista frustrada por la manipulación mediática que encuentra día a día. Más allá de eso, la película combina adecuadamente drama y fantástico para hablar sobre el olvido respecto a acontecimientos históricos graves y relevantes. Con la segunda, sin embargo, nos topamos con uno de los grandes batacazos del festival. Presentada como una obra maestra musical, homenaje al cine de los años veinte, la película es un despropósito de dos horas que se hacen eternas. Tramas mal hiladas y alargadas, números musicales ridículos, humor burdo, cambios (no justificados) en la resolución de la imagen... Cerramos el día con una de las peores películas de esta edición.

Crítica de Blade Runner 2049. Villeneuve cogiendo el testigo de Scott

2017-10-06T18:06:00.001+02:00

¿Qué representa para un cineasta poder continuar una historia de un film de culto como sería Blade Runner? El cine de culto de nuestros días, ha llegado a su punto más álgido donde el cine actual (en relacion sobre todo a las majors) ha perdido ese carisma y poder tan emblemático que traían antaño. Sus mensajes ahora resultan ser repetitivos y arriesgarse no es una opción muy elocuente en nuestros días.

Ya hemos sido testigos de cómo otros films de renombre han intentado continuar su estela de culto y su camino les ha llevado directamente al desfiladero de los films perdidos. Total Recall, Robocop, Indiana Jones, Star Wars… Y la lista continúa. Por ese motivo cuando iniciamos esta crítica preguntándonos ¿Qué representa para un cineasta poder continuar una historia de un film de culto como sería Blade Runner? Deberíamos ser conscientes de que continuar una historia como esta, no requiere intentar copiar plano a plano lo sucedido en su predecesora (tal y como en su día llevo a la perfección Haneke con su Funny Games). Tampoco que los personajes deban ser calcados en su personalidad. Ni mucho menos que como pasó en la última Star Wars… Que la historia se vuelva a repetir con la idea simplemente de rendir un homenaje de dos horas, tal y como hizo J.J. Abrams.

Por suerte para el cine y sobre todo nosotros, los amantes de este icono del género. Denis Villeneuve, director de Blade Runner 2049 no ha intentado hacer un Abrams. Sino más bien un Villeneuve con esencia de Ridley Scott. Demostrando porque sus trabajos en La llegada y Prisioneros, le han llevado le han llevado a la silla del director de este ambicioso regreso.

A día de hoy cuando ya miles de fans hemos visto críticas del film, no podemos obviar el gran aire fresco que ha resultado comprobar que Blade Runner 2049 funciona, pero no solo eso. Sino que además supera a su predecesora. Y ahí ya es donde se adentraría el debate de esta película.

Todos conocemos (o deberíamos conocer) a Philip K. Dick. Él solito creó básicamente a los robots que conocemos en el celuloide y quien de sus manos salió la novela que inspiro a Ridley Scott dirigir esta maravilla del séptimo arte que llegó a los cines en 1982. Por aquel entonces nuestra sociedad era distinta, los ambientes distindian mucho de lo que es hoy en día y el cine entretenia a la par de que concienciaba. Nadie había visto nada como aquel Blade Runner, y tal fue su punto vanguardista que pocos supieron en ese momento que estaban presenciando el nacimiento de una película de culto. Ahora a unos pocos (cambios generacionales) Blade Runner le podría resultar lenta, forzada, poco realista y sobre todo demasiado elocuente de lo que se está acostumbrado. Pero aun así los que saben de buen cine, reconocen una genialidad cuando le dan al play en sus televisores.

Por otro lado ahora tenemos Blade Runner 2049. Un film que llega con la estela de culto sin ni siquiera haberse estrenado por todo el hype que ha generado y razón no le falta. El film respira esa esencia que se presenció hace treinta y cinco años en los cines. Sus personajes siguen siendo fríos y cálidos al mismo tiempo y la existencia humana sigue poniéndose en entredicho a través de humanos y replicantes. Parte de culpa lo tiene esa gran simbiosis que han formado Villeneuve / Scott en dirección y produccíon ejecutiva respectivamente, de igual manera que han hecho el guionista Hampton Fancher que repite guion tres decadas despues, junto a Michael Green, responsable entre otras cosas de la sensacional Logan. A los que además habría que añadir dos piezas más que se han juntado en este gran rompecabezas, que son el compositor Hans Zimmer que siguiendo su estela de Dunkirk ha entregado otra maravilla más sonora, y sobre todo al director de fotografía Roger Deakins, quien nos ha entregado una de las maravillas visuales del año.

Estos componentes han conseguido que la magia y la esencia de la original respire en todos sus poros. Todo ello redondeado con una aparición estelar del buque insignia de esta historia, Harrison Ford.

Y a partir de aquí es donde entra la parte en discordia de esta disyuntura en la que resulta complejo no comparar ambos metrajes, a pesar de no ser algo muy acertado. Ambas aportan historias ligadas entre si y plantean de forma similar la esencia de que es la vida y el sentimiento humano. Por su parte Scott lo hizo a su manera algo tosca e inglesa que tan bien le sentó a la original, y Villeneuve ofreciéndonos unas pausas mayores y una elegancia que se presenció débilmente en Blade Runner.

Blade Runner 2049 basa su historia en un argumento generalmente solido. Vale que la historia del film, un poco se puede ir intuyendo a cada paso (pero sin exagerar), en cambio en ningún momento intenta explotar ese afán por meter guiños de la cinta original para deleite de los fans. Lo que es de bastante agradecer y salva a la película dándole su propia vida.

En resumidas cuentas. Blade Runner 2049 podría resultar tediosa en algún momento que intentar se inteligente cuando el film necesita ir a un enfoque más directo. Pero en general hablamos de una secuela muy digna y un film independiente de la original bastante notable que nos enseña que aún hay esperanza en el cine y que la dirección autoral ofrece atisvos de perdurar en las grandes producciones.

Especial festivales: Crónica del Festival de Sitges 2017: Día 1

2017-10-06T00:18:00.000+02:00

El Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Festival de Sitges de aquí en adelante, llega a su quincuagésima edición. Celebrando su aniversario con el Conde Drácula como imagen principal, el evento ofrece una cantidad (quizás demasiado) amplia de títulos para ver durante diez días. Título Original vuelve a estar presente de principio a fin para recibir una dosis determinada, variada, la cual queda reflejada en estas crónicas sin dejar a un lado la programación más destacable.

Jueves, 5 de octubre

Comenzamos el festival en Auditori con la película que lo inaugura: The shape of water (Guillermo del Toro, Estados Unidos). Siguiendo el esquema planteado en Crimson Peak, del Toro ha vuelto a dirigir una película de corte clásico con la fotografía y los efectos visuales actuales, marca de su obra. Sin embargo, lo que en un principio parece algo similar a El laberinto del Fauno termina convirtiéndose en una fábula sin moraleja, donde la fantasía es completamente gratuita. Con la intención de provocar misterio alrededor del monstruo protagonista, desconocemos completamente todo lo que le rodea y apenas podemos empatizar con él, dejándonos fríos ante las escenas que protagoniza. Además, sus personajes secundarios apenas hacen avanzar la trama principal, dejándose ver de vez en cuando sólo para que la historia tenga más de una capa. Su dirección de arte y ritmo hacen que no aburra, pero la sensación final, pese a todo el envoltorio de cuento de hadas, nos deja indiferentes.

Nos movemos hasta Retiro para ver las otras dos películas del día, dentro de la Secció Oficial Fantàstic. Primero vemos Science fiction Volume one: The Osiris child (Shane Abbess, Australia). La cosa es un intento de regreso a la scifi de los ochenta. Un intento muy, muy fallido. Dividida en capítulos para justificar una narrativa nefasta, vemos a dos personajes luchando por sobrevivir en Osiris, la primera colonia de una planeta en proceso de terraformación, para rescatar a la hija de uno de éstos. La acción está dirigida de manera horrible. Los personajes van y vienen. Y un final abierto da la sensación de que toda la película ha sido un prólogo para otra historia para la cual apenas nos han generado interés. Lamentable.

Después vemos The endless (Justin Benson y Aaron Moorhead, Estados Unidos). Ambos directores protagonizan una historia claramente influenciada por Lovecraft, pero de manera inteligente, pues no cae en referencias poco sutiles como solemos ver. Con pocos elementos como un par de localizaciones y un reparto reducido pero bien escrito, la película consigue lo que pretende. Sin grandes pretensiones, vemos un relato de terror bien llevado de principio a fin que no patina en ningún momento. Y gracias.

Aquí cerramos la jornada de hoy, ligeramente decepcionados por lo visto y algo alarmados por la programación en general. Pero aquí seguiremos, una vez más, fieles al fantástico.

Crónica del Festival de Sitges 2016: Día 9

2016-10-16T10:30:00.000+02:00

Sábado, 15 de octubre

¡Nuestro último día! Nos despertamos ligeramente tarde, pues la parte social del festival, que consideramos vital, también necesitó tiempo la noche anterior. A media mañana vamos a ver una sesión especial de Secció Oficinal Fantàstic y la única que veremos de animación en 3D: Gantz: O (Keiichi Sato y Yasushi Kawamura, Japón). La franquicia Gantz sigue creciendo y, en este caso, una nueva película complementa al anime. Dicha franquicia sigue una premisa sencilla y loca, aderezada con humor negro y sexual y una violencia gore. Cuando el protagonista muere asesinado, aparece en una habitación con más personas y una esfera negra. Estas le explican que deben seguir una especie de juego, siguiendo determinadas normas para eliminar amenazas extraterrestres, ganar puntos y poder recuperar su vida anterior.

Vendida como una especie de spin-off, la película adapta un arco argumental que podría funcionar independientemente. El problema llega cuando las presentaciones son excesivas, sólo hay un protagonista real y, lo peor de todo, desaparecen algunas características de la saga. El sexo es nulo, apenas hay humor negro y el gore es demasiado leve. Esto se compensaría si lo que hay en su lugar mereciera la pena, pero lo que hay son numerosas heroicidades al más puro estilo norteamericano, abandonando el espíritu Gantz que tanto público esperaba.

Tunnel (Kim Seong-hun, Corea del Sur), la cual está dentro de la sección Òrbita, es nuestra siguiente película. De nuevo, tenemos que ver cine surcoreano para encontrar el equilibro perfecto entre tragedia y comedia. Un túnel colapsa mientra una persona lo está atravesando en coche, quedando atrapada. Su lucha por sobrevivir y las acciones políticas y personales que se toman en el exterior para el rescate son tan humanas que la película nos atrapa. En lugar de escenas lacrimosas o momentos de acción inexplicables, en Tunnel encontramos a personas lidiando con un problema a través de varios días.

Nos arriesgamos mucho con otra sesión especial de Secció Oficinal Fantàstic: Yoga hosers (Kevin Smith, Estados Unidos). Sabemos que es un spin-off de su anterior obra, Tusk, y que más que nada es una broma entre colegas y familia. Protagonizan la hija del director, Harley Quinn, y la de Johnny Depp, Lily-Rose. Y a los pocos minutos de empezar comprobamos que sí, que estamos ante una chorrada descomunal que, seguramente, ha sido divertida de realizar. Pero parece un sketch alargado. Una gracieta que apenas tiene en cuenta al espectador. Y esto no tiene por qué ser malo, pero es que tampoco parece tenerse en cuenta a sí misma.

Abandonamos Tramuntana corriendo para dirigirnos a Prado. Llega nuestra última película del Festival de Sitges 2016. La última Seven Chances. Artist of fasting/El artista del hambre (Masao Adachi, Japón y Corea del Sur), una producción muy especial tanto por el relato que adapta, obra de Kafka, como por la biografía de su director. Adachi dejó el cine en los setenta para unirse al Ejército Rojo Japonés. Tras vivir en Líbano y ser arrestado por viajar ilegalmente, pasó un tiempo en prisión y fue deportado a Japón, donde volvió a ser arrestado por el mismo motivo. Actualmente vuelve a dirigir, pues apenas puede salir de su país de origen y se siente terriblemente impotente e inútil. Sabe lo que está sucediendo, comprende su sociedad y las demás, conoce por qué hemos llegado hasta aquí. Así que adapta un pequeño relato para poder gritar.

Adachi dirige, pero claramente él es el artista del hambre que protagoniza la película. Un hombre que, sin motivo aparente ni previo aviso, empieza una huelga de hambre en un punto cualquiera de la ciudad. A partir de ese momento, todas y cada una de las reacciones a su alrededor reflejarán lo que Adachi sabe. Numerosos personajes secundarios irán acercándose al artista del hambre para manifestar diversas políticas, emociones y reacciones. Muchas las comprendemos, otras tantas se nos escapan. El retrato del todo actual es demoledor. Hemos cerrado nuestro paso por el festival con una película que va más allá del fantástico y del cine, incluso de la política.

Mientras tanto, se anuncia el palmarés de esta edición y llueven acuerdos y desacuerdos. Somos incapaces de juzgar, pues decidimos omitir de nuestra programación la ganadora de premio a la Millor Pel·lícula, Swiss army man. Comprendemos tanto la elección del jurado principal como las de los demás. Nos enorgullece que The neon demon, The handmaiden, The wailing, Your name. y Raw hayan recibido premios. Pronto veremos en el Festival de cine de Terror de Molins de Rei la mayoría de premiadas que nos hemos perdido, como Train to Busan, The girl with all the gifts, Under the shadow, I am not a serial killer y The autopsy of Jane Doe. En la clausura, Christopher Walken (The deer hunter, The Dead Zone) recibe el Gran Premi Honorífic. Pasada la medianoche, nos dirigimos a la fiesta de despedida, para encontrarnos con la que ha sido nuestra familia durante nueve días. Ha sido una buena edición que, para bien o para mal, ha sido más diversa que nunca. El año que viene tocará celebrar el quincuagésimo aniversario con Drácula como tema principal y Guillermo del Toro como padrino.

¡Larga vida al fantástico!

Crónica del Festival de Sitges 2016: Día 8

2016-10-15T03:34:00.000+02:00

Viernes, 14 de octubre

Nos despertamos con tiempo, desayunamos decentemente y vamos a hacer cola en Auditori. De buena mañana vamos a por una de las más esperadas, competidora dentro de Secció Oficial Fantàstic Competició 49: The neon demon (Nicolas Winding Refn, Estados Unidos, Francia y Dinamarca). Como nos informaron días antes, Refn estará ausente durante todo el día, sin poder presentar las películas que ha traído. Pero un pequeño, divertido personal vídeo introductorio nos abre paso a la proyección. Las expectativas y previsiones son casi inevitables, tanto para los fans acérrimos del autor como para sus mejores detractores. Y nada más apagarse las luces, el ambiente dentro de Auditori se transforma.

Primero, a través de la música y muy poco después, mediante la imagen. Ritmos electrónicos y fotografías bellas, frías o tiernas, nos arrastran hasta el ambiente siniestro de una ciudad de Los Angeles que creemos conocer. Durante dos horas tenemos la vista fija en la pantalla. Es muy probable que ya conozcamos el discurso de la historia que se nos muestra, pues podemos estar familiarizados tanto con el superficial mundo de la moda como con la lucha eterna por poseer una belleza inalcanzable. Es con todas las herramientas disponibles, además de música y fotografía, con lo que Refn nos hipnotiza. Los diferentes aspectos de la feminidad y la masculinidad, representados por el diverso reparto, y los evidentes detalles simbólicos enriquecen una sencilla historia para hacer de esta un bello retrato sobre la caza y obsesión de la belleza física. Oímos quejas de que todo parece un homenaje a la actriz principal, mostrándola constantemente. Pero es que hay intención hasta en la elección de la artista que suena durante los créditos finales.

Tras dejar que nos dé algo de aire fresco para recuperarnos, vamos por segunda vez a Tramuntana para ver La región salvaje (Amat Escalante, Dinamarca, México, Francia y Alemania), de la sección Noves Visions One. Con el área rural de México como escenario, la producción nos presenta un drama con varios personajes con vínculos familiares. Cada uno tiene sus propios deseos reprimidos, tanto emocionales como sexuales, y para reconocerlos y aceptarlos entra en sus vidas una misteriosa mujer. Y una misteriosa criatura. Escalante rompe más tabúes a través de un fantástico que se acerca más al realismo mágico. Las relaciones tóxicas, la sexualidad reprimida y el ansia de placer son los principales temas que vemos en una película que, para variar, ya ha sido tildada de provocadora, morbosa e incluso homófoba.

Regresamos a Prado para la última sesión de Red Planet Marx: Test pilota Pirxa/El test del piloto Pirx (Marek Piestrak, Unión Soviética, 1978). En esta ocasión estamos ante el ya habitual argumento de "descubrir quién es un robot". El piloto espacial Pirx es el encargado de tal tarea durante una misión, pero al poco tiempo de comenzar la prueba, comprobamos que el nivel intelectual de los personajes va más allá de los típicos engaños y giros de guión en el último momento. La supervivencia personal o el altruismo son las dos caras que encontramos en la tripulación. Y nos place bastante ver esta combinación, necesaria y poco a poco más ausente, entre ficción científica y moral. Lejos de tener una conclusión basada en la acción, se debate acerca del por qué de los actos del protagonista.

Hoy tampoco nos perdemos la Seven Chances, que en esta ocasión es una retrospectiva presentada por Nicolas Winding Refn: Terrore nello spazio/Terror en el espacio (Mario Bava, Italia y España, 1965). Refn ha dirigido la restauración y nos la ofrece, vía vídeo, como un regalo. Volvemos a ver un precedente, pues tanto a nivel narrativo como visual, encontramos numerosos elementos que nos recuerdan a Alien (Ridley Scott, Estados Unidos, 1979). Tenemos en cuenta su contexto, año y países de producción, y disfrutamos de un clásico tapado por otros clásicos. Incluso vemos como ventaja el estilo de la década, teniendo como resultado una fotografía que combina colores chillones y sombras por doquier. Una historia terrorífica de ficción científica con un final al más puro estilo The twilight zone.

Teniendo libre la noche, salimos para encontrarnos con compañía para charlar y beber, pues el festival se acerca a su fin y tenemos mono de debatir alegremente. Como si fuera lo más normal (en este caso lo ese) a la 1:00 nos encontramos a Dolph Lundgren (Rocky IV, The punisher) en la alfombra roja, yendo a recoger su premio Màquina del Temps. Y es que en cada cine empieza una maratón distinta, en las cuales hay películas que nos perderemos sí o sí, pues la mayoría son de las secciones Midnight X-Treme y Panorama Blood Window. El cine no descansa.

Crónica del Festival de Sitges 2016: Día 7

2016-10-14T02:02:00.000+02:00

Jueves, 13 de octubre

Hoy pasaremos un día ligero en Prado, lo cual nos parece una buena elección para descansar un poco. A media mañana vemos Like cattle towards glow (Zac Farley, Alemania, Francia, Estados Unidos y Canadá), dentro de la sección Noves Visions Plus. Vendida como una controvertida recopilación de relatos pornográficos, contemplamos cinco episodios con distintos protagonistas. El deseo sexual, la homosexualidad y la depresión son los temas principales, y la mayoría de intérpretes son adolescentes, algo que agradecemos enormemente. Lo que podría haber sido una importante llamada de atención resulta ser una tediosa sucesión de escenas que, sin llegar a ser pretenciosas, apenas logran despertar empatía en el público. Reflejar los temas mencionados es algo necesario, pero cuando absolutamente todo es pesimista, lento y decadente parece que se esté mostrando una única cara de un sector oprimido, lo cual puede llegar a restar en lugar de sumar.

La siguiente es otra dentro del Red Planet Marx: Ikarie XB-1/Viaje al fin del universo (Jindrich Polák, Checoslovaquia, 1963). Tras la proyección, comentamos que estamos ante otra gran obra maestra de la ficción científica, precedente de películas más conocidas como, de nuevo, 2001: A Space odyssey. Las influencias, positivas, en esta última y en otras producciones son palpables. Lo más triste es que se aprecia como determinados ideales, presentes en toda la tripulación de la nave, no influyeron tanto en la cultura occidental. El cómo se lidia con los ya habituales problemas de los viajes espaciales es el principal motivo por el cual Ikarie XB-1 merece tanto ser vista como recibir todavía más reconocimiento, además de su excelente diseño de arte.

La tercera película del día es I tempo felici verranno presto (Alessandro Comodin, Italia y Francia), una Noves Visions One. Siendo sinceros, aquí nos perdimos por completo. Seguimos las distintas tramas argumentales y las historias narradas, termina la proyección y apenas comprendemos qué nos han querido explicar. Ubicada en la zona rural y con una curiosa ambientación atemporal, somos testigos, en principio, de cómo una chica va adentrándose poco a poco en el bosque, queriendo escapar de lo que la reprime, en contra de la insistencia de varios cazadores. Pese a lo fascinantes y sobrecogedoras que son algunas escenas nocturnas en medio del bosque, con una linterna como única fuente de luz, la estética no compensa la difícil y casi nula narrativa a la que nos exponemos. Además, unas metáforas demasiado crípticas nos lo ponen más difícil.

Cerramos con O ornitólogo (João Pedro Rodrigues, Portugal, Francia y Brasil), la Seven Chances del día. Poco queremos decir de la película por aquí, pues volvemos a encontrarnos, gracias a esta sección, ante una producción bastante peculiar y personal. Más allá de su discurso, la película cumple a la hora de narrar un viaje único. A lo largo de sus dos horas de duración, nos encontramos con diversos personajes cristianos adaptados al siglo XXI. Su ritmo y duración pueden hacer del visionado algo ligeramente pesado, pero cerramos el día satisfechos, una vez más, de apostar por esta sección. Nos vamos a la cama temprano, pues mañana necesitaremos fuerzas...

Don Coscarelli y Bruce Campbell asisten a la proyección de Bubba Ho-Tep y, por la noche, el segundo recibe el premio Màquina del Temps. También, Mario Casas recibe el premio Bacardi Sitges a l'Esperit Indomable. Sí, cosas del fantástico.

Crónica del Festival de Sitges 2016: Día 6

2016-10-13T01:05:00.000+02:00

Miércoles, 12 de octubre

Volvemos a hacer un esfuerzo y nos despertamos a una hora decente para poder ver la polémica Raw (Julia Ducournau, Francia y Bélgica), que participa en la Secció Oficial Fantàstic Competició 49. Nos referimos a ella como polémica porque es de estas que, supuestamente, provocó vómitos y desmayos entre el público del Festival de Toronto. Sin ánimo de indagar mucho en el tema, adelantamos que la cosa va más hacia la moral del espectador que hacia lo explícito. Tras verla, por un lado nos decepciona que su premisa, vinculada a la relación de nuestra especie con las demás (la protagonista es vegetariana y empieza a estudiar veterinaria), sea un mero punto de partida para desarrollar la historia principal. Aun así, como producción sobre el brusco despertar sexual adolescente, con sutiles referentes al género fantástico y a determinada criatura, merece la pena. También nos llaman la atención las canciones que suenan durante toda la narración, muy bien elegidas y puestas en contexto.

Nos quedamos en Auditori para la única Sitges Classics que veremos este año: Star trek: The motion picture - The director's edition (Robert Wise, Estados Unidos, 1979). Walter Koenig, Chekov a lo largo de toda la franquicia, recibe el premio Màquina del temps antes de la proyección. Después de un descanso tras una de las mayores obras de ficción científica de la historia, gran apología de la búsqueda y de la ampliación del conocimiento, vamos a ver otra película de la Secció Oficial Fantàstic Competició 49: Tenemos la carne (Emiliano Rocha Minter, México). Su director nos la presenta brevemente y en seguida nos encontramos inmersos en un viaje explícitamente sexual e implícitamente político.

Mientras parte del público va abandonando la sala o insiste en hacer saber a los demás su incomprensión respecto a la película, disfrutamos un espectáculo más visual que narrativo. Tenemos la carne parace poco innovadora respecto al género erótico y sexual, pero los tiros van hacia otra dirección. Recordándonos a ratos a Enter the void (Gaspar Noe, Francia, 2009) y a Srpski film/A serbian film (Srđan Spasojević, Serbia, 2010), intuimos que la producción es un golpe sobre la mesa, necesario tanto para romper tabúes como para llamar la atención hacia su país de origen. Toda la acción transcurre en un escenario donde la moral es nula. Donde todos los deseos, con consentimiento propio y ajeno, se satisfacen. Donde el placer, esencial, consigue librarse de la hipocresía y la moral judeocristiana que nos invade desde que nacemos. El éxtasis está asegurado.

Corremos de sala a sala para llegar a la sesión especial de Panorama, Ballad in blood (Ruggero Deodato, Italia), para la cual nos hubiera ido de fábula tener algo de contexto más allá del que nos proporcionó el director: "es una película para los jóvenes que van de Erasmus". Sí, pero también es el primer guion que recibió tras una fallida producción y es un mero capricho. Una slasher estúpido, con personajes estúpidos y giros de guión estúpidos. Constantemente nos viene a la cabeza que esta película se está proyectando únicamente por estar dirigida por una celebridad dentro del género. Una vez más, nos sentimos engañados no tanto por un autor si no por el Festival.

La decepción se compensa, pues hoy sí que podemos asistir a la proyección de una Seven Chances, Begotten (E. Elias Merhige, Estados Unidos, 1990). La Associació de Crítics i Escriptors Cinematogràfics de Catalunya ha vuelto la vista atrás para recuperar una cinta experimental olvidada. Dedicarle demasiadas líneas nos parece absurdo. Pese a acercarse a algo como Eraserhead (David Lynch, Estados Unidos, 1977) o Tetsuo (Shinya Tsukamoto, Japón, 1989), la película, sin diálogos ni música y con un contraste altísimo entre blancos y negros, logra algo inaudito: Somos testigos de un Génesis desconocido, intenso y violento. Y demasiado familiar.

Rob y Sheri Moon Zombie han estado todo el día por el festival, visitando la exposición de carteles sobre su obra, dando una clase magistral y, finalmente, pasando por la alfombra roja para entrar a Auditori y presentar 31 (Rob Zombie, Estados Unidos), otras de las sesiones especiales de Secció Oficial Fantàstic. Las expectativas son altas, tanto que a Àngel Sala (director del festival) se le unen Mike Hostench (subdirector) y Diego López (Brigadoon) durante la presentación, no tanto como responsables si no como fans acérrimos. Las palabras Rob son breves y la proyección empieza entre muchos aplausos.

Utilizando las mismas herramientas que con otros títulos de su filmografia, Zombie ha realizado una película más. Parece seguir un manual de principio a fin, incluso en su estremecedor prólogo, su estirado nudo o su épica conclusión. Lo bueno es que sigue un buen manual y cuando 31 termina, la aprobamos sin más. Pese a un par de líneas divertidas y algunas escenas gore cañeras, el resto es modesto y entretenido, sin llegar a aportar algo nuevo al género, ni siquiera en forma de homenaje.

Para que cada día sea un Día Sitges, debemos perdernos alguna proyección y llorar antes de ir a dormir. La proyección de Revengeance (Bill Plympton, Estados Unidos) ha estado presentada por el animador, que después ha contestado preguntas y firmado y atendido a su público. Jo.

Crónica del Festival de Sitges 2016: Día 5

2016-10-12T02:03:00.000+02:00

Martes, 11 de octubre

Hoy es un día largo. Y asiático. 8:15, entramos en Auditori para ver una de las películas más esperadas del festival, Agassi/The handmaiden/La doncella (Park Chan-wook, Corea del Sur). Otra de las pocas participantes de la Secció Oficial Fantàstic Competició 49 que veremos. Park adapta la novela inglesa Fingersmith de Sarah Water y la ambienta en los años treinta del siglo pasado, durante la ocupación japonesa de Corea (el mismo contexto de The age of shadows). El planteamiento es de manual y huele a novela histórica erótica de bolsillo: Una joven de clase baja debe engañar a una dama japonesa, siendo su doncella, para que desee casarse con un tercer protagonista: el Hombre. Durante sus tres partes, prácticamente todos los aspectos del film están muy cuidados y bellamente equilibrados. Además de la dirección del autor, nos asombramos ante una música delicada, un diseño de arte precioso y detallista y unas interpretaciones muy humanas.

Pero a medida que la narración avanza, somos testigos de múltiples historias más. Despertar sexual, guerra de poder y clases, un análisis del erotismo japonés y de la figura de la mujer en éste... The handmaiden utiliza una bella historia de amor y desamor para mostrar, de manera explícita, la comunicación a través del amor y, sobre todo, del sexo. Nos encontramos ante una de las películas de esta edición y nos es difícil dejar de aplaudir mientras Auditori se vacía.

Vamos hasta Prado para ver otra de Anima't: Kimi no na wa./Your name is./Tu nombre es. (Makoto Shinkai, Japón). La sala vuelve a llenarse de un público muy diverso y la magia empieza pronto. Tras unos títulos de crédito que parecen más adecuados a una serie que a una película, y que desvelan futuros giros de guión de ésta, nos presentan a una adolescente de pueblo y a uno de ciudad. En seguida descubren que, algunos días, sus cuerpos se intercambian. A partir de este momento se plantea una relación muy especial que, por suerte, deja en seguida a un lado estereotipos de género que preferiríamos que se omitieran a estas alturas. La historia avanza y avanza hasta alcanzar un clímax muy emotivo pero poco original, pues salvando algunos detalles, la estructura principal es demasiado similar a la de otra película asiática (con remake) que no mencionaremos por respeto al lector.

Nos quedamos en Prado aquellas personas excesivamente curiosas. Pues hoy empieza la sección Red Planet Marx, dentro de la habitual Sitges Classics. Cine soviético precedente de la ficción científica que tantos conocemos y creemos pionera. Para empezar bien, la primera sesión es doble y vemos Doroga k zvezdam/Camino a las estrellas (Pavel Klushantsev, Unión Soviética, 1957) y Planeta bur/Planeta de las tormentas (Pavel Klushantsev, Unión Soviética, 1923). Camino a las estrellas es un documental que nos enseña la historia de Konstantin Tsiolkovski, el padre de la cosmonáutica, y sus primeros estudios sobre un ascensor especial, más tarde rebautizado como cohete. El documental gira lentamente hacia la ficción cuando nos muestra cómo los soviéticos llegan a la luna de la Tierra para empezar a colonizarla. Queda en nuestro recuerdo su memorable frase "La Tierra es la cuna de la humanidad, pero no se puede vivir en la cuna para siempre".

Planeta bur es ficción científica pura y dura, de esas de una tripulación bajando a un planeta desconocido, encontrando divertidos monstruos y misterios indescifrables. Pero lo más destacable son los diseños de arte, que una década después influirían muchísimo, desde en la (ahora no tan pionera) obra maestra 2001: A Space odyssey (Stanley Kubrick, Reino Unido y Estados Unidos, 1968) hasta en la reciente Prometheus (Ridley Scott, Estados Unidos, 2012). Y nunca olvidaremos al robot que acompaña a los protagonistas, John, ni a sus respuestas haciendo apología a la libertad. Desde esta primera sesión ya agradecemos la existencia de esta sección.

A media tarde vemos en Retiro la opera primera por partida triple Trivisa (Frank Hui, Jevons Au y Vicky Wong, Hong Kong), apadrinada por alabado director y productor Johnnie To (Election, Hong Kong, 2005), ubicada en la sección Òrbita. Pero ninguno de estos datos hacen que veamos la película con otros ojos. Estamos ante una de los visionados más tediosos en festival, del cual su premisa se alarga hasta el final y nos deja con una sensación de que, realmente, ni se ha narrado nada ni se nos han mostrado personajes propiamente dichos. Basada en un evento ocurrido en 1997, en el cual los principales ladrones organizados del país estuvieron apunto de trabajar juntos, Trivisa cierra nuestra tarde como un thriller anti climático.

Vamos a cerrar la noche con otra de la Secció Oficial Fantàstic Competició 49: Gokseong/The wailing/El extraño (Na Hong-jin, Corea del sur). Su duración de tres horas y cuarenta minutos nos asusta. Mientras la vemos, sus cambios de género nos marean pero la ambientación nos sobrecoge. Pasa una hora y sabemos poco sobre lo que realmente está ocurriendo. Pasa otra hora y seguimos o igual o más confundidos. A ratos estamos cansados, a ratos tenemos miedo. La película termina y sentimos algo que muy pocas producciones han conseguido: Sentimos que Él nos ha engañado. Entendemos por qué, pero es tarde para rectificar en nuestra opinión. Lo ha conseguido, probablemente una vez más, y nos retiramos derrotados mientras aplaudimos.

A todo esto, se ha presentado la esperada restauración de Phantasm (Don Coscarelli, Estados Unidos, 1979). Dominic Monaghan (The Lord of the Rings, Lost) ha llegado para presentar Pet (Carles Torrens, España y Estados Unidos). Nos hemos perdido otra Seven Chances, In a valley of violence (Ti West, Estados Unidos), y estamos tristes por ello. Paul Schrader recibe el premio Màquina del temps, Ruggero Deodato (Cannibal holocaust) la María Honórifica y Terele Pávez (El día de la bestia) el Premi Nosferatu.

Crónica del Festival de Sitges 2016: Día 4

2016-10-11T02:22:00.000+02:00

Lunes, 10 de octubre

Comenzamos la semana en Auditori con nuestra primera película de la Secció Oficial Fantàstic Competició 49: Dog eat dog (Paul Schrader, Estados Unidos). El director y guionista reúne a dos interpretes con los que ya ha trabajado, Willem Dafoe (Antichrist) y Nicolas Cage (Wicker man), provocando que coincidan de nuevo tras Wild at heart (David Lynch, Estados Unidos, 1990). Lo que empieza como una arriesgada historia de ex-convictos reincidentes narrada mediante curiosas escenas monocromáticas y psicodélicas termina mutando en una historia más con una última media hora tediosa y previsible. La salvan por los pelos determinadas escenas protagonizadas por los dos grandes del cartel.

Vamos hasta Retiro para ver Tower (Keith Maitland, Estados Unidos), otra Noves Visions Plus. Con testimonios e imágenes de archivo tratadas mediante rotoscopia somos testigos del primer tiroteo en un centro educacional estadounidense. Procurando ser lo más objetiva posible, la película va directa hacia nuestras emociones al mostrar todo lo que vivieron y sintieron algunas personas supervivientes del evento. Una proyección necesaria, sobre todo cuando el asunto de la posesión y el uso de armas empieza a ser algo reiterativo.

Johnny Frank Garrett's last word (Simon Rumley, Estados Unidos), película dentro de Panorama Fantàstic, es la tercera proyección a la que asistimos. Basada en una historia real de la cual se realizó un documental, somos testigos de un juicio injusto por falta de pruebas. El acusado, antes ser ejecutado, maldice a toda aquella persona relacionada con su condena. Entonces, varias personas relacionadas van muriendo en extrañas circunstancias. De ficción sobre la paranoia y la culpa a maldiciones malinterpretadas y representadas mediante espíritus malvados. Una lástima, pues la oportunidad está ahí pero se prefiere, por enésima vez, lo explícito. Al menos su montaje, con transiciones aceleradas y una creciente locura, se salva.

Salt and fire (Werner Herzog, Francia, Estados Unidos, Alemania y México) es la última que vamos a ver hoy. Auditori. Sesión especial de Secció Oficinal Fantàstic. Herzog. Shannon. Tenemos expectativas y poco antes de verla nos comentan que es la peor del autor, así que entramos con más ganas para juzgarla en condiciones. Con una premisa muy sencilla y definida por el programa del festival como un eco-thriller, las sorpresas llegan pronto. La actriz principal, Veronica Ferres, parece no saber dónde está. Los secundarios son ridículos. El humor desconcierta y expulsa a público de la sala. La cosa pinta mal.

Pero Herzog sabe lo que hace. Lo mencionado, además de otros elementos, forman parte de un todo. El estilo del autor se aprecia de principio a fin y narra una historia con discurso mientras entretiene de un modo muy particular. Cuando termina, tras noventa minutos, se ha creado un universo en el que personajes (y esperemos que público) aceptan la situación en la que se encuentra el planeta. Sin olvidar la belleza de éste y de los pequeños momentos.

Mientras tanto, Paul Schrader es invitado a cenar pero espera a mañana para recibir un premio. Y nos lamentamos por no haber podido asistir a la segunda proyección de Seven Chances: The silenced (Lee Hae-young, Corea del Sur). A escribir y dormir, pues mañana necesitaremos fuerzas.

Crónica del Festival de Sitges 2016: Día 3

2016-10-10T01:18:00.000+02:00

Domingo, 9 de octubre

Por la tarde empezamos el día más tranquilo de todo el festival, que también resulta ser el más decepcionante. Primero vamos a Retiro para ver Beyond the gates (Jack Stewart, Estados Unidos), de la sección Panorama Fantàstic. Su director, junto con la protagonista Brea Grant (Halloween II, Pitch perfect 2) y la estrella de la película, Barbara Crampton, presentan la producción. La cosa queda como una versión terrorífica de Jumanji (Joe Johnston, Estados Unidos, 1995), salvo por un ritmo irregular debido a numerosas pausas por parte de los protagonistas mientras juegan al misterioso juego. Pese a su corta duración se nos hace lenta y la combinación de humor, drama y terror resulta fallida. Barbara recibe el premio Màquina del Temps esta misma noche.

Después nos movemos hasta Prado para el pase de Vestigis/Vestigios (Iván Morillo, España y Suiza), de Noves Visions Plus, presentado por su director, el productor Thomas Spieker y el guionista Iván Humanes. La curiosidad del día es que el pase anterior ha sido Are we not cats, con la presencia de su director, que lidera una curiosa marcha de gente alzando una gran bola de pelo vista en la película. Volviendo a Vestigis: Rodada independientemente en Roses, un misterioso psicólogo lleva a cabo una inusual terapia de pareja. Lo que empieza como una pequeña historia con drama familiar, romance y suspense termina pareciéndonos una sucesión de escenas inconexas con la misma pretenciosidad que tiene el personaje del psicólogo, afirmando que la psicología es inútil. La apuesta es necesaria, pero perdemos.

Abandonamos la rueda de preguntas y respuestas para hacer cola, en el mismo cine, para la primera proyección de la que consideramos la sección más atrevida, Seven Chances. El documental David Lynch: The art life (Jon Nguyen, Olivia Neergaard-Holm y Rick Barnes, Estados Unidos y Dinamarca) nos muestra las dos primeras décadas de la vida del artista, narradas por éste mismo. Desde su nacimiento hasta el rodaje de Eraserhead, Lynch explica con detalle su infancia y su adolescencia, incluyendo todo aquello que rondaba por su cabeza. La obra es adecuada como introducción a quienes hayan descubierto recientemente al artista. Para las personas ya informadas apenas habrá nada nuevo y, para colmo, el abuso de largos planos con Lynch fumando o reflexionando y la invisibilidad de la voz en off dejan la amarga sensación de que podríamos habernos acercado más al autor. Lo más probable sea que éste se niegue a ello. En conclusión, el aliciente para ver el documental son las numerosas obras de arte que nos muestran, así como el proceso de creación de algunas de estas.