Musica

biovoid – esce “Nhuruk – Il canto dell’acqua”

2026-11-09T16:06:27.195+01:00

Un progetto audiovisivo nato dalla collaborazione con Giacomo Melis, ambientato nella Sardegna nuragica e costruito attorno a un racconto che attraversa il tempo e le generazioni.

Nasce dalla collaborazione tra i biovoid e Giacomo Melis “Nhuruk”, il nuovo cortometraggio musicale che intreccia immaginario cinematografico, narrazione e musica in un racconto sospeso tra passato e futuro. L’idea originale del video è stata proprio del regista, che ha coinvolto la band in una collaborazione attiva, fornendo lo script e lasciando ampia libertà creativa nella definizione del mood musicale. A partire dalle suggestioni della storia, i biovoid hanno composto e realizzato il brano da zero.

Ambientato nella Sardegna nuragica, il cortometraggio segue le vicende di Nhuruk, un’anziana sacerdotessa, e Tahíi, una bambina di otto anni. Due figure appartenenti a epoche e mondi apparentemente distanti, i cui destini si intrecciano attraverso un mistero che supera i confini del tempo e dello spazio. Tra memorie ancestrali e visioni enigmatiche, qualcosa di antico torna a manifestarsi, risvegliando un legame destinato a rinnovarsi attraverso le generazioni.

In Nhuruk, il passato non è una dimensione conclusa, ma una presenza viva che continua a dialogare con il presente e con ciò che verrà. Le due protagoniste diventano così il tramite di una storia in cui le distanze temporali si dissolvono, suggerendo che alcune connessioni esistano da sempre, in attesa soltanto di essere ritrovate.

Tratto dal raccontino Abbardente di Pier Paolo Cavagna, “Nhuruk” è scritto e prodotto dai biovoid. Un progetto che testimonia la volontà della band di esplorare le possibilità espressive della musica in dialogo con le immagini, dando vita a un’opera audiovisiva in cui suono e narrazione si fondono in un universo evocativo e ricco di stratificazioni simboliche.

I biovoid sono un progetto musicale italiano nato nel novembre 2017 dall’incontro tra Massimiliano Guida (voce) e Domenico Giordano (chitarra e basso), con il coinvolgimento di Adriano Giordano nella fase iniziale.

Fin dagli esordi, il progetto si distingue per la volontà di fondere linguaggi musicali differenti, dando vita a un sound personale e difficilmente riconducibile a un unico genere, capace di alternare atmosfere intime a sonorità elettroniche e sperimentali.

Dopo la pubblicazione dei primi singoli, il percorso dei biovoid evolve con l’ingresso di Fortunato Serranò, fonico e polistrumentista, che assume un ruolo centrale nello sviluppo della produzione e degli arrangiamenti. Il suo contributo segna una svolta nella ricerca sonora del progetto, orientandolo verso una maggiore cura dei dettagli, un’esplorazione più approfondita delle texture e una visione produttiva sempre più definita.

Parallelamente alla ricerca musicale, i biovoid sviluppano un immaginario visivo che accompagna e amplifica la loro identità artistica. Fondamentale è la collaborazione con Francesco “Deddì” Calendini, autore delle cover art di diversi brani, tra cui “Invincible” e “No Land”. Il dialogo tra musica e arti visive si arricchisce nel tempo grazie al contributo di altri artisti, tra cui Giampiero Wallnofer, autore della copertina di “Hypnagogia”, e Roberto Recchioni, che firma l’artwork di “Far Beyond”, primo singolo pubblicato con l’etichetta Sorry Mom!.

Nel 2025 i Biovoid pubblicano “Invincible”, un brano alternative rock dal forte impatto emotivo che affronta il tema della fragilità e della capacità di restare saldi di fronte alle difficoltà. Il videoclip ufficiale ottiene importanti riconoscimenti in ambito cinematografico, venendo selezionato e premiato al Festival Internazionale del Cinema di Salerno e al The Hague Film Festival.

Questa fase segna un ulteriore momento di maturazione artistica per i biovoid, che consolidano un percorso in cui musica e immagine si intrecciano in modo sempre più consapevole. Un progetto in continua evoluzione, che fa della sperimentazione sonora, dell’introspezione e della ricerca visiva gli elementi fondamentali della propria identità.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=Cox4uqliq2Y

ROCKTRAIN SLAVES – ecco “Lose Yourself”

2026-11-06T17:06:16.390+01:00

Ci sono momenti in cui sembra di aver smarrito la propria identità, intrappolati in una quotidianità fatta di imposizioni, falsità e compromessi. Eppure, dentro di noi, continua a bruciare un’energia che chiede soltanto di essere liberata. È da questa tensione che nasce “Lose Yourself”, il nuovo brano dei RockTrain Slaves: un invito a fermarsi, lasciarsi andare e dimenticare tutto, almeno per una notte, per ritrovare se stessi.

Perdersi nel caos, abbandonare le convenzioni e concedersi un momento di autentica libertà. Non una soluzione definitiva ai problemi, né la promessa di un mondo senza conflitti, ma un’occasione per rompere le gabbie della quotidianità e riconnettersi con la propria essenza. Perché, come suggerisce il brano, non esiste arcobaleno senza prima una tempesta.

Dal punto di vista sonoro, “Lose Yourself” affonda le proprie radici nel rock americano degli anni Settanta. L’apertura è affidata a un riff in accordatura aperta che richiama le atmosfere della Bayou, territorio e immaginario profondamente legati alla tradizione musicale statunitense. Le percussioni ipnotiche disegnano il paesaggio sonoro, mentre il basso ne sostiene la struttura con profondità e carattere.

L’invocazione “Give us a band, a rocking land” segna il momento in cui il brano prende definitivamente quota, lasciandosi alle spalle la palude per entrare nel vivo di un’esplosione rock. Gli intrecci delle chitarre rafforzano l’impatto della composizione, mentre il solo di slide guitar accompagna il pezzo verso un finale feroce e viscerale.

Registrato in presa diretta e con un ricorso minimo alle sovraincisioni, “Lose Yourself” restituisce un suono diretto, essenziale e senza artifici. Una scelta precisa, pensata per catturare l’energia e la spontaneità della band, trasportando l’ascoltatore idealmente nel mezzo di un live dei RockTrain Slaves e restituendone tutta l’essenza.

I RockTrain Slaves nascono a Bologna nel 2004 dall’incontro di due amici d’infanzia, accomunati da una visione precisa della musica: fondere le diverse influenze e tradizioni che hanno segnato il loro percorso artistico, dal Delta Blues al rock degli anni Settanta, dando vita a un repertorio originale e scegliendo fin da subito di non affidarsi al classico circuito delle cover band.

Nell’aprile 2008 pubblicano il loro primo album autoprodotto, “The Rain Can Wait”, una raccolta di brani inediti distribuita da Self/Hitland Records nei negozi e sulle principali piattaforme digitali. Il disco apre alla band le porte di importanti palcoscenici italiani, portandola a esibirsi in alcuni dei festival blues più prestigiosi del Paese, tra cui il Pistoia Blues Festival 2008, e ad aprire i concerti di autentiche leggende della scena internazionale come Johnny Winter e Dickey Betts & The Great Southern.

Dopo anni di intensa attività live e l’ingresso di una seconda chitarra, nell’ottobre 2014 arriva il secondo album in studio, “Another Place”, composto interamente da brani originali e accolto positivamente dalle radio locali e dalla stampa specializzata.

Nel corso di circa dieci anni di attività, i RockTrain Slaves superano le 250 esibizioni dal vivo, consolidando un’identità musicale radicata nel rock blues più autentico e viscerale, capace di esprimersi con la stessa energia sul palco e in studio.

Dopo una pausa forzata dovuta alla pandemia, la band torna al lavoro su nuovo materiale e realizza l’EP “All The Rest”, pubblicato nel 2023.

All’inizio del 2026 i RockTrain Slaves rientrano in studio per registrare tre nuovi brani inediti: “Soulshine”, “Lose Yourself” e “Goodmorning Devil”. Un nuovo capitolo del percorso artistico della band, che nel corso dell’anno porterà le nuove produzioni sulle principali radio e piattaforme digitali.

ASCOLTA “LOSE YOURSELF”!

https://ffm.to/rocktrainslaves-loseyourself

“Balla finché vuoi”, il nuovo singolo degli Officina Blu

2026-11-06T10:49:55.772+01:00

Non sempre serve capire cosa ci succede per trovare il modo di andare avanti. A volte basta alzare il volume e smettere di trattenersi. È da qui che parte “Balla finché vuoi”, il nuovo singolo degli Officina Blu: un brano che trasforma il movimento in una risposta alle tensioni quotidiane, senza cercare soluzioni facili né impartire lezioni di vita.

“Metti in fila giorni e notti, metti in fila i guai”: la routine prova a imporre il suo ordine, ma qualcosa rompe la sequenza. Le corde vibrano, il ritmo prende spazio e il corpo trova una via d’uscita che la testa, da sola, non riesce a indicare.

Il sound mescola anima southern rock, sfumature blues e ritmiche country, con un passo trascinante che invita a muoversi senza troppi calcoli. La musica non cancella i problemi, ma cambia per un momento il modo di stare dentro le cose.

“Dentro quelle rotte scarpe sai soltanto tu come si sta” è il passaggio che restituisce al brano la sua dimensione più personale. Ognuno conosce la propria strada, comprese le deviazioni e le fatiche che non si vedono da fuori.

Gli Officina Blu scelgono così di lasciare spazio all’istinto, alla voglia di ridere e a quella libertà imperfetta che non ha bisogno dell’approvazione di nessuno.“Balla finché vuoi” non promette che domani sarà tutto più semplice: invita a non aspettare che lo diventi per concedersi il presente.

Alzare il volume, trovare il proprio passo, ripartire. Per una volta, senza dover spiegare perché.

Officina Blu è una rock blues band italiana che fonde il sound classico del rock con un’impronta moderna e personale. Le influenze blues, il rock d’autore e un’attitudine diretta danno vita a brani intensi, costruiti su chitarre incisive, una sezione ritmica solida e testi che raccontano storie, emozioni e frammenti di vita.

La band è composta da Matteo Favretto (MisterMat) alla voce e chitarra, Mattia Fattoretto al basso e Davide Piovesan alla batteria. Insieme portano sul palco uno spettacolo energico e autentico, dove ogni canzone nasce dalla passione per la musica suonata senza compromessi.

Con un’identità sonora riconoscibile e uno sguardo rivolto al futuro, Officina Blu continua il proprio percorso artistico attraverso la scrittura di musica originale e l’attività live, affermandosi come una realtà capace di parlare sia agli amanti del rock più classico sia a chi cerca un sound contemporaneo e genuino.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=Lip9h9o51Hw

I Sogno di Lenia tornano Con “Scusa”

2026-11-06T10:37:02.396+01:00

Con “Scusa”, i Sogno di Lenia raccontano la fine di un’amicizia e quel momento in cui un rapporto, consumato dall’indifferenza e dal silenzio, arriva al punto di rottura. Un brano rock intenso e viscerale, che mette al centro la difficoltà di lasciarsi alle spalle una persona con cui si è condiviso molto.

La storia è narrata dal punto di vista di una protagonista ormai logorata dalla distanza emotiva dell’altra persona. «Non sopportavo più l’indifferenza» è la frase che segna la svolta e accompagna la decisione di lasciare la casa condivisa. Ma all’orgoglio ferito si alterna il ricordo di una complicità che continua a riaffiorare, soprattutto di notte: «Ti penso la notte ancora in quella via, ridere scherzare insieme a te». È il contrasto tra la necessità di allontanarsi e la nostalgia per ciò che è stato a dare al brano la sua tensione emotiva.

Anche sul piano musicale, “Scusa” si sviluppa attraverso contrasti. Le strofe, più intime e raccolte, sono sostenute da un basso corposo e da arpeggi puliti, mentre le chitarre graffianti e una ritmica solida accompagnano l’apertura verso ritornelli potenti. A guidare il racconto è una voce femminile versatile, calda e confidenziale nei passaggi più delicati, capace di farsi grintosa e carica di pathos nei momenti di maggiore intensità.

Nel finale, la rabbia lascia spazio a una vulnerabilità inattesa. Il rapporto non si è ricomposto, la distanza resta, eppure la protagonista trova la forza di abbattere le proprie difese e pronunciare quella parola rimasta in sospeso: «Scusa».

Non una promessa di riconciliazione, ma un gesto liberatorio e doloroso, che chiude il racconto lasciando emergere tutta la fragilità di chi, nonostante tutto, non ha dimenticato.

I Sogno di Lenia nascono a Bologna nell’estate del 2024 dall’incontro tra la cantante Elena Masera e il chitarrista Davide Buzzoni. Quella che inizialmente si presenta come una sfida si trasforma presto in un’esigenza artistica: dare forma a frammenti di vita attraverso parole e musica, muovendosi tra sonorità alt-rock, suggestioni nostalgiche e influenze contemporanee.

La sintonia tra i due è immediata e prende forma in brani in italiano che raccontano contrasti, fragilità e stati d’animo profondi, alternando il peso delle esperienze vissute alla ricerca di momenti di felicità.

Elemento centrale del progetto è la voce di Elena Masera, potente, calda ed espressiva, capace di passare da interpretazioni intime e raccolte a momenti di grande intensità. A dialogare con la sua vocalità sono i riff graffianti e gli assoli energici della chitarra di Davide Buzzoni.

Nel 2025 la formazione si completa con l’ingresso di Fabio Fruci al basso e Sandro Sparano alla batteria. Con una sezione ritmica solida e dinamica, i Sogno di Lenia definiscono ulteriormente la propria identità sonora, dando vita a un rock energico, attraversato da tensioni emotive e contrasti.

ASCOLTA “SCUSA”!

https://orcd.co/sognodilenia-scusa

“A caccia di storie”, il nuovo singolo dei Fiori nei Giardini Chiusi

2026-11-05T08:52:36.451+01:00

Di giorno le storie sembrano scorrere inosservate, confuse nel rumore della quotidianità. È quando tutto si fa più silenzioso, soprattutto di notte, che acquistano contorni più nitidi e rivelano dettagli inaspettati. Da questa prospettiva nasce “A caccia di storie”, il nuovo singolo dei Fiori nei Giardini Chiusi, un brano che racconta il desiderio di osservare ciò che ci circonda, lasciarsi sorprendere dagli incontri e trovare significati anche nei particolari apparentemente più insignificanti.

Una ricerca senza una destinazione prestabilita, guidata dalla curiosità e dalla voglia di continuare a scoprire. Ogni incontro diventa l’occasione per entrare in una nuova dimensione, ogni storia che si conclude lascia spazio alla possibilità di trovarne un’altra. È un movimento continuo, fatto di osservazione, ascolto e desiderio di rimettersi in cammino.

Anche musicalmente, “A caccia di storie” segue questo percorso, costruendo un crescendo progressivo che accompagna lo sviluppo del racconto. Il brano si apre con il passo misurato di una ballata, attraversando atmosfere intime e raccolte che, poco alla volta, acquistano corpo e intensità. La tensione cresce fino a lasciare spazio a un finale più energico e decisamente rock, in cui la musica amplifica l’impulso a lasciarsi alle spalle ciò che è conosciuto per andare incontro a nuove esperienze.

Con “A caccia di storie”, i Fiori nei Giardini Chiusi raccontano la curiosità come una forma di movimento e di apertura verso il mondo: la spinta a non smettere di cercare, osservare e lasciarsi attraversare dalle storie degli altri, perché, in fondo, ogni risposta può diventare l’inizio di una nuova ricerca.

Fiori Nei Giardini Chiusi è un progetto musicale veronese che si muove nel territorio del rock d’autore italiano, intrecciando una scrittura attenta, sensibilità melodica e ricerca sonora.

Al centro del progetto ci sono canzoni che esplorano le relazioni umane, le contraddizioni della quotidianità e le dimensioni più intime dell’esperienza personale. Testi e musica si incontrano in un sound costruito su chitarre, basso e batteria, capace di alternare energia e tensione a momenti più introspettivi e atmosfere raccolte.

La band ha pubblicato quattro singoli: “Ancora un’altra settimana”, “Muoviti tutto intorno”, “Fiori nei giardini chiusi” e “A caccia di storie”, portando parallelamente avanti un percorso live attraverso festival, rassegne e concerti.

Fiori Nei Giardini Chiusi prosegue così la propria ricerca artistica, dando forma a un’identità musicale in cui la forza del racconto incontra le diverse sfumature del rock.

ASCOLTA “A CACCIA DI STORIE”!

https://linktr.ee/fiorineigiardinichiusi

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“Solo me stesso”, il nuovo singolo dei Flussi

2026-11-04T10:46:21.997+01:00

In un mondo in cui ogni pensiero sembra dover circolare, essere riconoscibili non significa necessariamente essere compresi. Da questa distanza tra ciò che mostriamo e ciò che siamo nasce “Solo me stesso”, il nuovo singolo dei Flussi Inversi: una riflessione sull’identità, sui compromessi e sulla difficoltà di trovare la propria voce dentro il rumore del presente.

“Vorrei trovare il mio posto senza mai accettare un compromesso”: il desiderio espresso nel testo non è quello di isolarsi, ma di non dover rinunciare a una parte di sé per essere accettati. La dimensione personale si confronta così con un mondo definito “virale”, dove la velocità della comunicazione non garantisce la profondità dell’ascolto.

Musicalmente, il brano sviluppa questa tensione attraverso un impianto New Prog dinamico, costruito come un flusso di coscienza. Le sonorità eteree che aprono e chiudono il pezzo delimitano una struttura circolare, mentre la parte centrale concentra pensieri e contraddizioni in una progressione che rinuncia alla consueta alternanza tra strofa e ritornello. La forma segue il movimento della mente, con le sue accelerazioni e i suoi ritorni.

Ma il punto d’arrivo non è la difesa ostinata dell’io. “Ed ora che ho spento quella parte di orgoglio che sento” introduce un passaggio decisivo: abbassare le proprie difese non significa tradire la propria identità, ma rendere possibile un incontro. È qui che la fragilità smette di essere un limite e diventa disponibilità verso l’altro.

“Solo me stesso” tiene insieme due esigenze che spesso sembrano inconciliabili: restare fedeli a ciò che si è e riuscire a raggiungere chi ci sta intorno. Perché parlare a milioni di persone ha senso soltanto se, nel tentativo di farsi ascoltare, non si perde la propria voce.

I Flussi Inversi sono un progetto musicale nato dall’incontro tra il compositore e pianista Orazio Saracino, il producer e sound engineer Alex Grasso e il cantante e paroliere Flavio Paternesi, entrato nella formazione nel 2022.

La loro musica unisce ricerca sonora, tecnica strumentale e una forte componente narrativa.

L’esordio discografico, “Terra e Anima”, intreccia progressive rock, jazz, elettronica, musica per film e influenze gypsy, con la partecipazione di musicisti ospiti di rilievo.

Con il secondo album, “Noi”, composto da undici tracce, la band sviluppa una direzione più compatta e contemporanea.

Il trio definisce il proprio linguaggio come New Prog, una rilettura moderna del progressive rock italiano, distante dalle sonorità vintage degli anni Settanta.

Strutture fluide e accessibili convivono con ritmi articolati, passaggi strumentali complessi e il superamento dei tradizionali schemi della canzone.

La scelta di scrivere in italiano è centrale nella ricerca espressiva del gruppo.

Al centro di “Noi” c’è l’essere umano, raccontato attraverso fragilità, paure e desiderio di riscatto in una società precaria.

Grazie a influenze trasversali e a una cura meticolosa della produzione, i Flussi Inversi costruiscono un’identità musicale in cui sperimentazione e intensità emotiva procedono insieme.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=4XKjYppJB3E

A-Frame, il nuovo album di Stenox

2026-11-03T14:21:25.621+01:00

A-Frame, il nuovo album di Stenox, non nasce come un progetto discografico unitario, ma prende forma nel corso degli anni, attraverso viaggi, incontri e suggestioni raccolte in luoghi lontani: dal Rajasthan al Ladakh, dal nord della Thailandia al sud dell’India, dal Nepal all’Iran. È in questi territori che i brani hanno progressivamente trovato la propria identità, spesso insieme alle immagini, dando vita anche ad alcuni dei cortometraggi che accompagnano il progetto.

Da esperienze apparentemente distanti è emerso, nel tempo, un filo conduttore: una riflessione sulla possibilità di coesistere, con l’altro, con ciò che è diverso e con la natura, di cui l’essere umano è parte integrante.

Sul piano sonoro, A-Frame attraversa elettronica, pulsazioni tribali e rituali, elementi acustici, canto e spoken word, costruendo un paesaggio musicale cinematico e materico, attraversato da una dimensione temporale arcaica e profonda. Lingue, voci e suggestioni raccolte lungo il viaggio confluiscono in dieci brani che diventano frammenti di un unico percorso: un’esplorazione che si muove tra paura e fiducia, identità e trasformazione, distanza e appartenenza.

A Journey in Search of Coexistence.

TRACKLIST

Hands Shaking (The Man Is Shaking)

Ad aprire il disco una miscela di elettronica, pulsazioni rituali e melodie orientali che costruiscono una tensione ipnotica, mentre la voce attraversa paura, fiducia e affidamento al Dharma. Il brano culmina in una chiusura graffiante costruita sul suono campionato di una chitarra distorta. È accompagnato da un cortometraggio girato in Ladakh, dove acqua e roccia raccontano nascita, conoscenza, morte e rinascita.

No Pares de Crear

Nasce da una base musicale di Bashmantan (Beppe Piol), dove batteria elettronica e chitarra acustica effettata si intrecciano alle melodie e alle tastiere di Stenox. La sua voce calda attraversa dialetto veneto, spagnolo e basco, evocando il tempo come una forza trascendente. Un brano intimo e sognante, un invito a non smettere di creare, a immaginare e a rinnovarsi.

LÀ MI DO

Preludio teatrale che evolve in una trance electro sperimentale e ipnotica: sillabe musicali diventano mantra, tra ironia e tensione spirituale.

No More Piss On Earth

Brano essenziale e tagliente, con un groove ripetitivo di ispirazione kraut rock e un’energia electro/industrial. Il titolo gioca volutamente tra peace e piss: una provocazione netta, senza giri di parole.

Ja Ma Tacu Sulawe

Brano sperimentale e rituale in cui Stenox intreccia ritmi etnici, elettronica e acustica. Intrecci improvvisati, una percussione giapponese e inserzioni imprevedibili di voce e suono accompagnano liriche in una lingua inventata dal sapore mediterraneo, dando vita a un paesaggio sonoro giocoso, enigmatico e immaginifico.

A-Frame

Il singolo che accompagna l’uscita dell’album, è stato inciso nell’oasi di Siwa e intreccia elettronica graffiante e atmosfere orchestrali epiche. Dalla trama sonora affiora la parola “acqua”, pronunciata in diverse lingue come un mantra. Il cortometraggio che lo accompagna, girato interamente a mano in un acquario, richiama nei suoi fondali il lago Titicaca e l’idea di questo elemento primordiale come custode della memoria dell’umanità.

Iran Iran

Nasce da un giro di chitarra di Bashmantan (Beppe Piol), sul quale la voce di Stenox si sviluppa come un monologo meditativo, facendo affiorare la componente cantautoriale della sua scrittura. Un leggero innesto di synth nel finale amplia il respiro emotivo del brano. Nato da un lungo viaggio in Iran, è un tributo al suo popolo, alla sua cultura e alla sua resilienza, e una denuncia della repressione del governo.

Honkey Donkey

Pop-electro globale a groove ipnotico: tarantella, accenti indiani e pulsazioni tribali si fondono in un mantra ritmico. In dialetto, da un detto di guerra, riflette su isteria collettiva e distruzione delle risorse; dal vortice iniziale a un finale più dolce e aperto. Parte del progetto audiovisivo Honkey Donkey girato in India.

Tous Pareils Tous Differènts

Ritual/tribal techno elettroacustica con spoken-word multilingue. Uno scioglilingua astratto mette a nudo gli automatismi umani, trovando nel richiamo all’ascolto reciproco (“Mi scolte ti parla” — lo ascolto, tu parli) la bussola per riscoprirci tutti compagni di viaggio, eppure ognuno con la propria irriducibile diversità.

Mille non più

Una lode a Madre Terra nata durante un viaggio in bicicletta tra i Pirenei. La musica, dolce e avvolgente come il testo, nasce da un gesto spontaneo su GarageBand e mantiene l’autenticità del momento. Con un tono cantautoriale intimo e meditativo, il brano esplora il legame fragile tra l’uomo e la natura, l’istinto perduto e la trasformazione continua che attraversa ogni cosa.

Stefano Curto, in arte Stenox, è un autore sonoro e materico la cui ricerca artistica si sviluppa attraverso un linguaggio multidisciplinare che intreccia musica, cinema, arti visive, installazione, scultura e pratica di ricerca sul campo. Al centro del suo lavoro si trovano il viaggio, l’ascolto e la trasformazione come strumenti di indagine e creazione.

L’esperienza diretta di lunghi percorsi attraverso Europa, Asia, Medio Oriente e Africa rappresenta la principale fonte di ispirazione e materia viva della sua produzione. Da questi attraversamenti nascono opere che fondono dimensione sensibile e sperimentazione, oggi presenti in importanti collezioni private e istituzionali.

Nel suo percorso artistico, Stenox è parte del macro-progetto “Aframe”, dedicato alla relazione tra essere umano e natura. Tra i suoi lavori figurano inoltre “L’Om”, presentato all’India Art Fair presso l’Ambasciata Italiana a Nuova Delhi, e il cortometraggio “Honkey Donkey”, realizzato in India in collaborazione con l’artista Nitin Chauhan.

Parallelamente alla musica, Curto sviluppa una ricerca nell’arte materica. Attraverso l’uso di migliaia di cristalli e minerali applicati individualmente, costruisce superfici e figure nelle quali materia, luce e percezione mutano con il punto di osservazione.

Le sue opere sono entrate in importanti collezioni museali e private internazionali, tra cui il MONA Museum e i Musei Vaticani.

Il suo lavoro continua a evolversi attraverso nuove progettualità e collaborazioni internazionali. Il 9 ottobre 2026 ha presentato a Venezia durante biennale musica “SONA”, un progetto sviluppato insieme a Sebastian Meyer e dedicato al tema dell’acqua e dell’ascolto profondo.

Musica, cinema, viaggio, materia e ascolto della natura convergono nel percorso di STENOX. Il suo primo album solista, A-FRAME, raccoglie esperienze, immagini, e

incontri nati in diversi luoghi del mondo e li porta verso una nuova dimensione musicale, cinematografica e performativa.

ASCOLTA “A – FRAME – A Journey in Search of Coexistence”!

https://orcd.co/stenox-aframe-ajourneyinsearchofcoexistence

“Chronic Dreams”, il nuovo singolo dei Green Rose

2026-10-30T19:36:48.235+01:00

Un’autostrada, i finestrini abbassati, la musica alta e nessuna particolare fretta di arrivare. “Chronic Dreams”, il nuovo singolo dei Green Rose, racconta la libertà di ritagliarsi uno spazio fuori dalla routine, condividendo la strada, le notti e le risate con gli amici e con la cannabis come strumento per mettere in pausa pensieri e preoccupazioni per qualche ora.

“Friends by my side, laughter in the air” sintetizza il mood di questa esperienza collettiva fatta di complicità e momenti senza programmi, mentre il ritornello insiste su “Chronic dreams, floating free”, catturando la leggerezza di una piccola parentesi in cui sentirsi lontani dalle pressioni quotidiane.

Quale genere migliore di uno street glam ispirato ai Guns ‘n’ Roses per questo brano divertente, senza sovrastrutture e basato sull’immediatezza, sull’energia e sul piacere di suonare?

“Chronic Dreams” è la colonna sonora di un girovagare notturno da condividere, quando la destinazione conta meno delle persone a bordo e il viaggio in sé è un motivo più che sufficiente per partire.

Nata nel 2022 dall’iniziativa di Crash, la band prende forma con l’ingresso del batterista Anton e si completa nel 2023 con l’arrivo del bassista Enry.

Dopo una prima fase di sviluppo del progetto, dalla fine del 2024 il gruppo intensifica il lavoro su composizione e repertorio, avviando un percorso sempre più orientato all’attività live.

Il 2025 segna una svolta: aumentano i concerti e, durante l’estate, la band entra in studio per registrare il primo album, completato nel dicembre dello stesso anno. La partecipazione al Veneto Rock Contest, a cui il gruppo si iscrive nel settembre 2025, porta nel febbraio 2026 il terzo premio della Giuria Popolare e favorisce l’incontro con uno scout, aprendo la strada alla firma con Sorry Mom!.

Il 2026 si sviluppa tra palchi e nuove uscite discografiche: a febbraio arriva “Rebels”, seguito a marzo da “Saints of My Soul” e a luglio da “Slaughter”,singoli che anticipano il disco d’esordio. Nello stesso anno la band partecipa a Sanremo Rock e al Nicky Show di Canale Italia, ampliando le occasioni per presentare la propria musica. Dopo l’uscita di Enry dalla formazione, avvenuta a fine luglio per ragioni interne, il gruppo prosegue l’attività dal vivo con il supporto di Martin Carpani, bassista dei King Lizard. La band continua oggi a portare avanti i concerti e la pubblicazione dei singoli, in attesa di svelare il primo album.

ASCOLTA “CHRONIC DREAMS”!

https://orcd.co/greenrose-chronicdreams

“Punto di rottura”, il nuovo singolo di Domenico Cuccarese

2026-10-30T11:39:29.292+01:00

Una relazione che si consuma lentamente, tra distanze sempre più profonde e parole che non riescono più a trovare spazio.

Con “Punto di rottura”, il nuovo singolo, Domenico Cuccarese racconta la fine silenziosa di un rapporto, quel momento in cui qualcosa si incrina senza bisogno di esplodere, lasciando emergere una frattura che era già presente.

Il brano si sviluppa attraverso immagini evocative e simboliche: il legno che si spezza, le radici che diventano un muro, un orizzonte che si curva. Metafore di un legame che perde progressivamente la propria solidità, mentre gesti, pensieri e parole non dette alimentano una distanza sempre più difficile da colmare.

Sul piano sonoro, la scrittura intima e introspettiva del cantautorato incontra una produzione pop elettronica dalle pulsazioni dance. Un contrasto che diventa elemento centrale del brano: da una parte l’energia ritmica, dall’altra la fragilità emotiva di un racconto che mette a nudo le difficoltà della comunicazione e il senso di impotenza davanti a una relazione che cambia.

Nato da una prima bozza, successivamente ripresa e trasformata attraverso un lavoro sulla progressione armonica e sulla componente ritmica, “Punto di rottura” trova nella voce il proprio fulcro espressivo. È attraverso di essa che prende forma il bisogno di comunicare, proprio quando trovare le parole giuste sembra diventare sempre più difficile.

Domenico Cuccarese è un cantautore, compositore e produttore musicale originario di Castellammare di Stabia. Si avvicina alla musica attraverso lo studio del pianoforte e della composizione, dando inizio a un percorso artistico che lo porta, nel 2012, alla pubblicazione di “Viaggio sulle nuvole”, un album strumentale per pianoforte solo.

Dopo una pausa discografica, nel 2023 torna a pubblicare musica originale con brani come “Notti” e “Conosco il mare”, dando forma a una scrittura personale in cui melodia, narrazione ed emozione si intrecciano. Parallelamente, attraverso il progetto Do.Sa.Mi., sviluppa la propria attività di produzione musicale, seguendo in prima persona ogni fase del processo creativo e della costruzione sonora dei suoi brani.

ASCOLTA “PUNTO DI ROTTURA”!

https://orcd.co/domenicocuccarese-puntodirottura

NRG1 – esce “Il Giorno Perfetto”

2026-10-29T18:03:57.044+01:00

Il Giorno Perfetto è un brano che esplora il rapporto con se stessi, il coraggio di rompere gli schemi e la ricerca di un equilibrio autentico in un mondo che spesso rischia di allontanarci da ciò che siamo davvero.

Attraverso un racconto emotivo e contemporaneo, gli NRG1 danno voce a un percorso di introspezione in cui la fragilità si intreccia con il desiderio di libertà e di connessione. Un invito a guardarsi dentro, ad accettare le proprie contraddizioni e a trovare una nuova consapevolezza, senza inseguire modelli di perfezione irraggiungibili.

Perché la perfezione non significa avere tutto sotto controllo, ma imparare a riconoscere la luce anche nei momenti di incertezza. È proprio in questa prospettiva che Il Giorno Perfetto si trasforma in un messaggio di ripartenza e autodeterminazione: la possibilità di scegliere la propria strada, rispettare i propri tempi e ricominciare senza dover rispondere alle aspettative degli altri.

Con questo singolo, gli NRG1 propongono una riflessione sul valore delle scelte personali e sulla possibilità di ritrovare se stessi anche attraverso le proprie fragilità. Perché il giorno perfetto non è qualcosa da aspettare, ma qualcosa da costruire, ogni giorno, a modo proprio.

NRG1 è un duo elettrosynthpop di Verona che fonde energia elettronica e sensibilità live in un sound pulsante e contemporaneo. Il progetto nasce dall’incontro tra Nico Dibono (batteria, percussioni) e George Bora (chitarre, synth), unendo groove organici e trame sintetiche in un equilibrio costante tra istinto e tecnologia.

La loro musica attraversa territori synthpop, house ed elettronici, alternando atmosfere immersive a ritmi ipnotici, pensati per coinvolgere il corpo e la mente. Beat incisivi, linee melodiche evocative e un forte impatto emotivo definiscono l’identità del Duo, un progetto che guarda al dancefloor senza rinunciare alla profondità sonora.

NRG1 è energia in movimento: un viaggio elettronico dove il suono diventa esperienza.

ASCOLTA “IL GIORNO PERFETTO”!

https://distrokid.com/hyperfollow/nrg17/il-giorno-perfetto-3/

IMXDILE – “Solo Per Gioco”, IL NUOVO SINGOLO

2026-10-29T15:06:30.889+01:00

Un brano pop con influenze reggaeton che chiude la stagione estiva e racconta la difficoltà di vivere una relazione senza lasciarsi coinvolgere troppo.

“Solo per gioco” è il nuovo singolo di IMXDILE, un brano dal sound pop contemporaneo, caratterizzato da influenze reggaeton, che chiude la stagione estiva esplorando le contraddizioni di una relazione sospesa tra desiderio, attrazione e paura di lasciarsi andare.

Al centro del brano c’è il tentativo di vivere un rapporto senza prendersi troppo sul serio, mantenendo le distanze per evitare di soffrire. Una dinamica in cui si cerca di stabilire delle regole, convincendosi che tutto possa restare leggero e senza conseguenze, mentre il coinvolgimento emotivo cresce fino a diventare difficile da controllare.

“Solo per gioco” racconta proprio questo equilibrio precario tra la voglia di vivere il momento e il timore di lasciarsi andare davvero. Da una parte c’è il desiderio di proteggersi, dall’altra un’attrazione forte che rende complicato mantenere le distanze. E quando una relazione si interrompe o cambia direzione, restano la nostalgia, l’amarezza e la necessità di voltare pagina per ricominciare.

Con una sonorità fresca e attuale, IMXDILE dà voce a quelle situazioni in cui si prova a tenere tutto sotto controllo, senza fare i conti con ciò che si prova davvero. Perché, a volte, ciò che nasce solo per gioco finisce per coinvolgere molto più del previsto.

IMXDILE, pseudonimo di Diletta Marica Largoni, è un progetto musicale nato a Bassano del Grappa che si muove tra sonorità pop, indie pop e urban.

Appassionata di musica e attiva come cantante fin da piccola, nell’autunno del 2025 decide di dare voce alla propria identità artistica, iniziando a lavorare alla produzione dei suoi brani. Un percorso che in pochi mesi la porta a farsi notare nel panorama musicale emergente: nella primavera del 2026 viene infatti scoperta e messa sotto contratto da Sorry Mom!, management ed etichetta discografica con cui intraprende una nuova fase del proprio percorso musicale.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=iCf_emRe8Cs

Vanterrania – è uscito il video di “Cube”

2026-10-29T08:09:03.507+01:00

Dopo il video di “Power Plant” ecco il nuovo video di Vanterrania, ossia il video di “Cube”. Entrambi fanno parte della playlist Vanterrania’s lands.

Il video inizia con questo individuo che cammina in una strada deserta, cammina nel vuoto. Il vuoto lo troviamo anche alla fine del video con questa donna con tuta da astronauta. Quindi, il vuoto domina il video insieme a questi corridoi/spazi liminali.

La solitudine, il vagare nel vuoto, negli spazi liminali, tutto questo può aiutare un individuo ad emergere dalla massa o semplicemente ad estraniarsi/emarginarsi da essa. Tale individuo, tra l’altro, può non essere minimamente influenzato dal mondo circostante, dai limiti sociali, dalle convenzioni borghesi etc.; può sviluppare anche particolari capacità, qualità o altro ancora. Però la solitudine e il vuoto, quell’apparente condizione di libertà può portare altresì alla follia, alla depressione, ad una tristezza insanabile, depressione che viene anche rappresentata nel video.

Nella solitudine ci si rifugia in mondi interiori, rappresentati nel video da mondi cyberpunk o sci fi. Vi sono anche immagini inquietanti, immagini sinistre che sicuramente destano stupore.

Il video di Cube è stato concepito per essere misterioso. Lo stesso pezzo è un down-tempo alquanto minimal che fa rimanere allibiti per le sensazioni oscure o inquietanti che trasmette.

È una song esistenziale, profonda, una deep song che cerca di trovare il suo posto in un mondo nel quale la profondità si è perduta come si è perduto lo spirito critico. E il video è stato messo insieme cercando di cogliere l’essenza, l’intimità di questa canzone.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=bXKIsarbroE

Vanterrania’s lands

Vanterrania’s lands è innanzitutto il tentativo di trasporre in immagini in movimento la musica di Vanterrania. Viaggiando nelle Vanterrania’s lands il fruitore può perdersi, può percepire realtà lontane, aliene, interiori, realtà o dimensioni surreali etc.

Vanterrania’s lands è un esperimento che trae totale ispirazione dalla musica di Vanterrania. Cerca pure di andare oltre...cerca di attraversare la musica, di creare spazi, di creare infiltrazioni immaginifiche. Vanterrania’s lands è un mondo, è un universo nel quale immergersi interamente per trovare un rifugio dal mondo reale. Un’astrazione sia totalizzante che nichilistica, uno spazio oltre lo spazio reale.

Link playlist: https://www.youtube.com/playlist?list=PLNyAgoaIX5Eo

Biografia

Vanterrania è lo pseudonimo artistico di Giovanni Brancati, un musicista, chitarrista, polistrumentista, compositore e produttore di musica elettronica italiano nato a Scicli (Ragusa) nel 1975 e attivo in Sicilia principalmente nel Catanese.

Iniziato il suo percorso musicale alla fine degli anni '80 come chitarrista rock, Brancati si è successivamente evoluto verso la sperimentazione elettronica strumentale. Il suo stile fonde elementi di musica industrial, electro-rock, ambient, psichedelia e indietronica, dando vita a composizioni strutturate come vere e proprie colonne sonore.

L’elenco seguente riassume i principali album in studio pubblicati dal musicista:

Anno, Titolo, Album, Caratteristiche principali:

2016, Mysterious, Sperimentazione elettro-rock e atmosfere da colonna sonora.

2016, Electronix, Forte presenza di sonorità industrial e psichedelia elettronica.

2017, Two Bells Vol. 1 e 2

2017, Galaxies, Unione di influenze punk, rock ed electro-industrial.

2020, Electrowave, Amalgama scura e profonda tra sonorità indietronica e ambient.

Ultimi progetti: Tra i suoi progetti recenti spicca il singolo e video musicale "Power Plant" (2026), un brano electro-industrial incentrato sul caos delle metropoli contemporanee e sull'antropocene.

Le sue produzioni si basano su un ampio utilizzo di sintetizzatori, sequencer, drum machine e chitarre contaminate da effetti. I brani sono disponibili sulle principali piattaforme di streaming.

The Hermanos – è uscito “A flower in the cracks”

2026-10-28T07:50:57.976+01:00

Il 23 ottobre 2026 i The Hermanos pubblicano "A Flower in the Cracks", il nuovo singolo disponibile su tutte le piattaforme digitali, accompagnato dal videoclip ufficiale in uscita in contemporanea.

Tra rock alternativo ed elettronica il brano racconta la resilienza di fronte alle difficoltà della vita e alla forza distruttiva di un amore tossico. Come un fiore capace di crescere tra le crepe dell’asfalto anche la fragilità può diventare una forma di resistenza, fino a confrontarsi con ciò che rischia di spezzarla.

Link video: https://youtu.be/nbGzMgaaKuU?si=oTAZ_pT9DAgugSOg

Biografia

Formati nel 2016, i The Hermanos sono Giorgio Brussato (basso, voce e sequenze), Roberto Brussato (chitarre e piano) e Leonardo Forcolin (batteria).

Il loro percorso discografico comprende l’EP Blinding Love, l’album A Different Love (2021) e il singolo Instead of You.

Il sound della band si muove tra atmosfere alternative ed elettroniche, con influenze che richiamano gli U2 dei primi anni Ottanta, i Depeche Mode e gli Echo & the Bunnymen.

Web links:

Youtube - https://www.youtube.com/@TheHermanos-w7q

Facebook - https://www.facebook.com/fratellibrussato

Instagram- https://www.instagram.com/hermanos.artista

Reverbnation - https://www.reverbnation.com/hermanos3

The Windfall – ecco “Erit Lux”

2026-10-27T14:55:55.848+01:00

Con Erit Lux, i The Windfall firmano quello che, fino a oggi, rappresenta forse il brano più intimo e atmosferico del progetto. Una ballad in cui musica e parole si intrecciano per dare forma a una riflessione sulla consapevolezza, sulla capacità di guardarsi dentro e sulla possibilità di trovare una via d’uscita anche nei momenti più difficili.

Il titolo, che richiama il significato di “ci sarà luce”, racchiude il cuore del brano: al di là delle prigioni che costruiamo attorno a noi, delle ombre che ci accompagnano e degli errori che segnano il nostro percorso, esiste sempre una luce capace di indicarci la strada. Una visione che diventa metafora di speranza e della possibilità di superare i propri limiti, accettando anche le zone più complesse della propria interiorità.

Sul piano musicale, il ritmo avvolgente dell’handpan costituisce la trama sonora su cui si sviluppano la voce e il violino, dando corpo alle suggestioni evocate dal testo. Le chitarre intervengono con accenti emotivi che arricchiscono l’atmosfera del brano, accompagnandone le sfumature senza interromperne il carattere raccolto e contemplativo.

Con Erit Lux, i The Windfall esplorano così una dimensione più introspettiva del proprio universo musicale, affidando alla delicatezza degli arrangiamenti e alla forza evocativa delle immagini il racconto di un percorso interiore: perché anche quando sembra impossibile trovare una via, una luce può ancora illuminare il cammino.

The Windfall è il progetto musicale di Gianluca Gugliotta (handpan, chitarre elettriche, drum machine, hammered dulcimer, percussioni), affiancato dal maestro Giovanni Alibrandi (violino, synth) e da Eliana Mazzei (voce, flauto traverso).

La loro musica unisce sonorità celtiche e world music, grazie a strumenti come handpan, dulcimer, udu, flauti e violino, a suggestioni new wave e ambient, con chitarre elettriche effettate, synth analogici e drum machine.

Il risultato è un linguaggio sonoro libero e mutevole, fortemente evocativo e in dialogo con la natura e i suoi elementi.

L’esperienza live dei The Windfall è pensata come un vero e proprio viaggio sensoriale: concerti arricchiti da proiezioni video che intrecciano musica, immagini e i quattro elementi naturali – fuoco, aria, acqua e terra – in una dimensione quasi catartica. Il progetto si è già esibito in festival e rassegne siciliane come Intermittenze, Pietra Lunare e Radica, trovando location suggestive e in sintonia con il suo immaginario.

Da settembre 2024 i The Windfall collaborano con l’etichetta Sorry Mom!; da maggio 2025 è disponibile su tutte le piattaforme digitali il loro primo EP, un lavoro di sei brani che racchiude l’essenza del progetto.

ASCOLTA “ERIT LUX”!

https://orcd.co/thewindfall-eritlux

CLAUDIA CANTISANI – esce “Ombra”

2026-10-27T11:40:13.992+01:00

Il cantautore scrive, compone, arrangia e produce un brano interamente per Claudia Cantisani, coronando un sodalizio artistico nato da una profonda affinità musicale.

Sergio Caputo ha segnato oltre un decennio della canzone italiana e continua a essere un cantautore molto seguito, protagonista da anni di fortunate stagioni teatrali. Da sempre dedito alla propria produzione artistica, ha scelto raramente di scrivere per altri, con una significativa eccezione: il testo di “Susanna” per Adriano Celentano.

Con “Ombra”, questa scelta incontra oggi Claudia Cantisani: Caputo firma infatti per lei un brano inedito, curandone scrittura, composizione, arrangiamento e produzione.

Un incontro artistico che affonda le radici in una lunga sintonia musicale.

Per Cantisani, Caputo è da sempre un faro e un riferimento fondamentale, un’affinità riconosciuta fin dagli esordi.

Nel 2013, recensendo il suo album “Storie d’amore non troppo riuscite” sul Corriere della Sera, il critico musicale Mario Luzzatto Fegiz la descriveva come una sorta di «versione femminile di Sergio Caputo».

“…con testi ironici e l’atteggiamento di chi non vuol prendersi troppo sul serio, possiamo definire la Cantisani una versione femminile del Sergio Caputo di “Un sabato italiano”, attenta a cogliere gli aspetti “leggeri” della vita…” Recensione di Mario Luzzatto Fegiz da “Sette” de “Il Corriere della Sera.

Il dialogo tra i due prosegue nel 2018, quando Caputo firma le note di copertina dell’album “Non inizia bene neanche questo weekend”, e si concretizza ulteriormente nel 2023 con “Sabrina sul petrolio”: Cantisani rivisita “Blu elettrico”, brano particolarmente amato da Caputo, che partecipa alla registrazione suonando la chitarra. Con “Ombra”, il legame artistico raggiunge un nuovo traguardo, trasformandosi in una collaborazione completa, in cui Caputo mette la propria sensibilità musicale al servizio dell’universo interpretativo di Claudia.

“Sono sempre molto contento quando ascolto della canzone jazz al femminile, ma quando sento una voce come quella di Claudia Cantisani sono contento ancor di più. Una voce così non si sentiva dai tempi di Caterina Valente e di Mina; una voce elastica e fluida, che va dritta alle note senza svolazzi e gorgheggi e taglia dritto attraverso l’orchestra senza mai perdersi in ghirigori leziosi. Il fatto che sia lei a scriversi le canzoni mi rende ancora più felice, perché ciò vuol dire che Claudia Cantisani crede in ciò che canta, e ce lo porge con garbo mai sguaiato, privo di quei virtuosismi da prima donna di cui accennavo. Mi auguro che molti altri, se non tutti, vedano in lei una promessa che verrà sicuramente mantenuta, se solo le verrà dato lo spazio che merita.”

(Dalle note di copertina di Sergio Caputo “Non inizia bene neanche questo weekend” 2018)

Il singolo affronta il tema dell’Ombra nella prospettiva della psicologia junghiana: quella parte di noi che custodisce aspetti della personalità che tendiamo a nascondere o rifiutare. Un confronto con sé stessi che diventa materia narrativa e musicale, dando voce alle contraddizioni e alle zone meno illuminate dell’identità.

“La canzone, scritta da Sergio Caputo e stupendamente interpretata da Claudia Cantisani, è la storia di una partita aperta fra la protagonista e la propria ombra, che appare e scompare a suo piacimento, mettendo a dura prova la sua “padrona di casa”, la quale però non la disdegna del tutto” (Sergio Caputo)

Claudia Cantisani è didatta, vocalist e compositrice laziale d’origine e lucana d’adozione. Formata in canto lirico al Conservatorio “Gesualdo Da Venosa” di Potenza, approfondisce la scrittura al C.E.T. di Mogol e si specializza nel jazz con la tecnica Vocal Power di Elisabeth Howard, di cui è insegnante certificata.

Artista poliedrica, pubblica diversi album, tra cui “Storie d’amore non troppo riuscite” (2013), “Non inizia bene neanche questo weekend” (2018) e “Sabrina sul petrolio” (2023), collaborando con nomi come Joe Amoruso, Sergio Caputo, Andrea Agresti e Alessandro Haber.

Nel 2025 esce il singolo “L’uomo del sì”, in duetto con Petra Magoni, mentre nel 2026 pubblica “Il Venditore di Rose”, dando avvio a un nuovo capitolo del suo percorso artistico.

ASCOLTA “OMBRA”!

https://benext.lnk.to/ombra

Woda Woda – il nuovo singolo “Codardo Maledetto”

2026-10-26T18:58:08.291+01:00

Con il nuovo singolo “Codardo Maledetto”, i Woda Woda puntano l’arco contro chi crede che il proprio tornaconto sia una ragione sufficiente per calpestare la vita altrui. Contro chi si nasconde dietro il cinismo di un “la vita va così”, come se la responsabilità fosse un dettaglio trascurabile.

Il brano mette sotto accusa senza attenuanti la vigliaccheria di chi prospera sulle conseguenze delle proprie azioni, fregandosene dell’impatto sul prossimo. “Chi te lo dà il diritto di uccidermi così?” è la domanda fondamentale, il nucleo politico e umano del pezzo, che richiama il principio elementare formulato da Albert Camus: “La libertà è, prima di tutto, non mentire”. Perché sottrarsi alla verità del danno provocato significa partecipare alla sua perpetuazione.

Sul piano musicale, la denuncia prende corpo in una sfuriata hard rock: riff essenziale e incalzante, voce in contrattacco e una sezione ritmica veloce e possente.

L’arco dei Woda Woda scaglia frecce esplicite e dirette contro chi confonde il successo con l’impunità, contro chi avanza come un carro armato, incurante di ciò che resta sotto i cingoli.

“Ogni tuo giorno hai distrutto la vita di qualcuno”: qui non c’è una metafora da addolcire, ma il conto di una responsabilità. Nessuna assoluzione per quel potere, esercitato anche lontano dai palazzi e dalle uniformi. Quello di chi decide per sé e scarica sugli altri il prezzo delle proprie scelte.

Nati nel 2020, i Woda Woda hanno costruito negli anni un percorso originale all’interno della scena rock italiana, sviluppando una forte identità artistica fondata sulla contaminazione tra musica, narrazione e simbolismo.

Dopo i primi singoli “Medusa”, “Portando la Pelle a Casa” e “Divano Giallo”, la band ha proseguito il proprio cammino con “We Are Biker Guys”, “P.U.B. (Prendimi, Usami e Buttami)”, “Sesso & Vino” e “Daisy”, consolidando uno stile che alterna ironia e critica sociale con atmosfere legate al rock più classico.

Tra il 2025 e il 2026 prende forma il progetto più ambizioso della band: “L’Ultimo Testamento”. Attraverso la figura di angeli caduti — Lucifer, Leviathan, Samael, Asmodeus e Behemoth — i Woda Woda costruiscono un universo narrativo che mette in discussione le tradizionali contrapposizioni tra bene e male, accompagnando l’ascoltatore in un viaggio tra conoscenza, dubbio e ricerca della verità, cambiando radicalmente sound e approccio compositivo.

L’uscita dei singoli “Veleno” e “Lady Mazikeen” anticipa la pubblicazione dell’album “L’Ultimo Testamento”, avvenuta il 16 gennaio 2026. Il disco rappresenta il primo capitolo di una saga più ampia che comprende anche un fumetto dedicato e introduce personaggi come Caino, Lucifer, Lady Mazikeen e i Demoni Maggiori all’interno di una narrazione destinata a svilupparsi nel tempo.

Nel corso del 2026 la Legione affronta importanti cambiamenti ed oggi i Woda Woda sono composti da Lucifer (voce), Leviathan (batteria), Behemoth (chitarra) e Paymon (basso).

La band è attualmente al lavoro sul nuovo concept album “L’Estinzione è Qui!”, un’opera che vedrà gli angeli caduti osservare l’umanità contemporanea dopo millenni di silenzio. Guerre, avidità, corruzione, manipolazione e ricerca del profitto diventeranno il punto di partenza di una nuova riflessione sul destino dell’uomo e sul mondo che egli stesso ha costruito.

Ad anticipare questo nuovo capitolo, nel luglio del 2026 è stato pubblicato “Sulla Luna”, il primo singolo estratto dall’album ed oggi è la volta di “Codardo Maledetto”, una denuncia feroce contro l’arroganza del potere e l’indifferenza di chi mette il proprio interesse davanti alla vita degli altri.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=p8NU4yqy25k

SIMONE BAROTTI LIVE A ROMA: IL 19 DICEMBRE ARRIVA "IL VAMPIRO NEI CLUB" AL CHARLESTON CLUB

2026-10-26T14:05:17.850+01:00

SIMONE BAROTTI LIVE A ROMA: IL 19 DICEMBRE ARRIVA "IL VAMPIRO NEI CLUB" AL CHARLESTON CLUB

Un anno d'oro per l'artista: dal singolo al libro, passando per il doppiaggio, fino al grande concerto evento nella Capitale.

Roma si prepara ad accogliere una delle serate più attese dell'inverno musicale. Sabato 19 Dicembre 2026, alle ore 21:00, Simone Barotti salirà sul palco dello storico Charleston Club - Via di Porta Labicana 52, Roma - con il suo concerto evento "IL VAMPIRO NEI CLUB".

Un titolo che è già un manifesto artistico e che porta dal vivo l'universo musicale di Simone, tra ironia, introspezione e quella teatralità che da sempre lo contraddistingue.

Per Simone Barotti, cantautore, scrittore e diplomato in doppiaggio, il 2026 è stato un anno davvero d'oro.

Un anno di consacrazione su più fronti che l'ha visto protagonista con l'uscita del suo nuovo singolo "Quello Che", accolto con grande entusiasmo dal pubblico e dagli addetti ai lavori, e con la pubblicazione del suo libro "Come un Vampiro" (ed Scatole Parlanti), che ha confermato la sua poliedrica vocazione alla scrittura.

Musica e letteratura, voce e parola: due anime che si incontrano e che troveranno la loro massima espressione proprio sul palco del Charleston.

Ad aprire la serata ci penserà il cantautore Andrea Roma, artista dal cantautorato intenso e raffinato, che con il suo live introdurrà il pubblico nell'atmosfera della serata.

Ospite speciale della serata sarà la ballerina Chantal Saputo, che con la sua eleganza e la sua performance arricchirà lo show di Barotti, rendendo il concerto un'esperienza non solo musicale ma visiva e coreografica.

Lo show, prodotto da SI.FI.Records, promette scaletta inedita, momenti di racconto e le canzoni che hanno segnato il percorso artistico di Simone, in una location simbolo della nightlife romana, intima e d'impatto, perfetta per "Il Vampiro Nei Club".

Un appuntamento imperdibile per chi ha seguito l'evoluzione artistica di Barotti e per chi vuole scoprire dal vivo uno degli artisti più versatili e autentici della nuova scena italiana.

Love Ghost – pubblicano “Turpentine This House” / “Pointless”, singoli tratti dall’album “Thirteen”

2026-10-25T08:16:51.416+01:00

“Thirteen” è probabilmente l’album più vulnerabile che abbia mai realizzato. 13 è l’età che avevo quando fui espulso da scuola, l’età in cui iniziai a sentirmi fuori posto. Credo che gran parte di questo disco nasca proprio da quella sensazione di osservare il mondo dall’esterno, senza farne parte. È un album di grunge acustico nello stile del Midwest, incentrato sull’isolamento, sull’identità e sul tentativo di trovare qualcosa di bello anche negli aspetti più cupi della vita. Sembra una raccolta di ricordi che forse avrei dovuto seppellire. Tredici brani in uscita venerdì tredici. “Turpentine This House” e “Pointless” fanno parte dell'album “Thirteen”.

“Turpentine This House” è un brano alternative rock acustico e ricco di pathos dei Love Ghost; è il secondo singolo che anticipa il loro prossimo album, Thirteen, in uscita a novembre. Scritta all’indomani dell’incendio Eaton — che costrinse la famiglia del frontman ad abbandonare la propria casa — la canzone esplora i temi della perdita, dello sradicamento e della sensazione complessa che si prova nel vedere svanire il luogo che un tempo si chiamava casa. Fondendo la scrittura cruda tipica dell’emo con la grinta e l’intimità del rock americano del Midwest, “Turpentine This House” appare al contempo profondamente personale e capace di risuonare con l’esperienza di chiunque. Il brano è caratterizzato da una strumentazione essenziale, un’interpretazione vocale carica di emozione ed una narrazione introspettiva.

“Pointless” racconta la storia di un viaggio dell’eroe con un risvolto inaspettato: l’antagonista non è una forza esterna, bensì il protagonista stesso. Il brano esplora la battaglia interiore legata alla depressione, il confronto con la propria mente e, infine, il rifiuto delle aspettative sociali a favore di una vita autentica. Nel profondo, “Pointless” parla della consapevolezza che, a volte, la battaglia più dura non è contro il mondo, ma contro quella versione di sé che il mondo ci ha insegnato a diventare. La canzone ripercorre quel cammino che va dall’isolamento e dall’insicurezza verso l’accettazione di sé, interrogandosi su cosa significhi davvero essere l’eroe della propria storia. Il testo cattura questa tensione con versi come: “Ogni strada porta a Roma / Immagino sia ora di tornare a casa / Ma nessuno ti dice mai / Che ogni eroe deve combattere da solo”.

Link video “Turpentine This House” : https://www.youtube.com/watch?v=RjD5P7LN7EI

Link video “Pointless:” https://www.youtube.com/watch?v=4ao63vYfSJM

Link streaming Spotify “Turpentine This House” e “Pointless” : https://open.spotify.com/intl-it/album/1Zt85DbaNF41kpUbqLM5MU

Biografia:

I Love Ghost sono una band alternative rock che fonde hard rock, metal, pop-punk, sonorità acustiche, rap e goth in uno stile unico e personale. I loro brani possiedono un'anima poetica ed emo, affrontando spesso di petto temi quali i traumi e le sfide legate alla salute mentale. Selezionati per il programma Rockpalast (trasmesso in tutta la Germania), si sono esibiti dal vivo in quattro continenti. Nel 2025 hanno suonato al Warped Tour di Los Angeles insieme ai Wiplash. In Messico hanno collaborato con artisti quali Wiplash, Adan Cruz, Ritorukai, Blnko e altri ancora.

A livello internazionale, hanno lavorato con The Skinner Brothers (Regno Unito) e Rico Nasty, oltre a realizzare un intero album con SKOLD. Hanno ottenuto riconoscimenti e menzioni da testate come Rolling Stone Magazine (oltre dieci volte), Sonic Seducer, Playboy, Time-Out Mexico, Clash Magazine, Alternative Press e molte altre. In Messico hanno vinto il Monster Award 2026 come miglior band rock. Hanno recentemente concluso il loro tour da headliner "Anarchy and Ashes", esibendosi in Austria, Polonia, Svizzera, Germania e Regno Unito; inoltre, tengono frequentemente concerti in tutto il Messico.

“Innsbruck Rendezvous”, il secondo EP in studio dei GoodMorning Cernobyl’

2026-10-23T18:11:02.806+02:00

Il secondo EP in studio dei GoodMorning Cernobyl’, “Innsbruck Rendezvous”, segna un’evoluzione stilistica rispetto al precedente album “No Time To Fear”. Se nel primo lavoro a dominare era il punk ’77, con questo nuovo EP la band sceglie di sperimentare sonorità e concetti diversi, pur mantenendo come punto di partenza un sound grezzo e veloce.

L’obiettivo è superare i confini del classico “three-chord wonder”, esplorando una varietà di situazioni, suoni e tematiche che si intrecciano in un flusso di coscienza collettivo, capace di riflettere la sensibilità e la visione di ciascun membro della band.

TRACKLIST

UNDERFAITH – Ad aprire “Innsbruck Rendezvous” è una visione critica e diretta su temi attuali e controversi. Nel mirino finiscono le imposizioni estetiche e comportamentali, le guerre e le crociate moderne condotte in nome della fede. Un riff grezzo e frontale e un ritmo serrato trasformano l’energia del punk più ruvido e veloce in una riflessione cruda e onesta su quanto le ideologie influenzino anche i gesti più quotidiani.

MURDERER CITY – Uno sguardo tagliente e lucido sulla metropoli moderna, una città assassina che divora identità e natura umana in nome dell’omologazione imposta dal sistema. Un sistema che promette redenzione, ma finisce per anestetizzare: scandisce le giornate a ritmo di frenesia, impone orizzonti grigi e ripetitivi e soffoca immaginazione e creatività.

BRAVE NEW PEOPLE – Rabbia, velocità e zero compromessi: un brano che si trasforma in un vero e proprio manifesto di protesta contro l’alienazione e la claustrofobia sociale. “There’s time for heroes! Brave new people!” è il grido che si staglia sopra un muro di suono, dando voce a un’urgenza di cambiamento che non ammette compromessi. Puro impatto, pura ribellione.

TENSE/RESISTENCE – Un conflitto estenuante tra individuo e sistema, in cui la pressione costante dell’ambiente esterno si insinua nell’interiorità fino a trasformarsi in uno scontro personale. Il brano restituisce il ritratto sonoro di una tensione senza via di fuga, di una lotta impari che spinge l’individuo fino al limite della sopportazione.

HARAR – Considerato da molti un precursore dello spirito punk per la forza rivoluzionaria della sua scrittura, libera dalle convenzioni e dai dogmi del suo tempo, Arthur Rimbaud rappresenta il punto d’incontro ideale con l’universo sonoro dei Good Morning Cernobyl. La sua attitudine anticonformista e la sua tensione verso la libertà trovano così una naturale corrispondenza nell’identità della band.

I Good Morning Cernobyl’ nascono a Perugia nel 2018 con l’obiettivo di proporre un punk diretto e senza compromessi, con testi in inglese. Nel 2020 pubblicano l’omonimo EP d’esordio autoprodotto, realizzato con il supporto de La Cura Dischi e Jap Perù Records.

La pandemia interrompe l’attività live, ma la band continua a lavorare a distanza pubblicando il video di “Murderer City” e lo split di cover “Coverbyl #1 – Playing the Lock-down”. Con la riapertura dei concerti riprende l’attività dal vivo, affermandosi rapidamente nella scena punk del Centro Italia e iniziando la lavorazione del primo album.

Nel marzo 2023 esce “No Time to Fear”, accolto positivamente dalla critica italiana e internazionale e trasmesso da diverse radio europee, ottenendo ottimi riscontri anche sulle piattaforme di streaming. L’uscita del disco è accompagnata da un’intensa attività live, seguita dalla pubblicazione della cover di “Bite It You Scum” di GG Allin e da un tour in Germania.

Nel 2024 la band prosegue l’attività concertistica, condividendo il palco anche con The Rumjacks e The Drowns, mentre lavora al nuovo album.

Nel 2024 entrano nel roster Sorry Mom!, pubblicando i singoli “Brave New People”, “Underfaith”, “Murderer City”, “Tense/Resistance” “Harar”, tutti inseriti nell’EP “Innsbruck Rendezvous” uscito ad ottobre 2026.

La formazione è composta da Giuliano Picciafuoco (voce e chitarra), Massimo Margaritelli (voce e basso), Lorenzo Bonamente (voce e batteria) e Francesco Panunzi (voce e chitarra).

ASCOLTA “INNSBRUCK RENDEZVOUS”!

https://orcd.co/goodmorningcernobyl-innsbruckrendezvous

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Instagram: https://www.instagram.com/goodmorningcernobyl.band

biovoid – esce “I Pray And Obey”

2026-10-23T18:01:42.503+02:00

Con “I Pray And Obey”, i biovoid affrontano il tema del confronto con le proprie incertezze e del peso delle scelte quotidiane, dando voce a quel senso di smarrimento che accompagna i momenti più difficili della vita.

Il brano racconta un percorso di vulnerabilità e introspezione, in cui la ricerca di un punto di riferimento si intreccia con la necessità di trovare dentro di sé la forza per andare avanti. Attraverso immagini che evocano il dolore, il bisogno di calore e la ricerca di stabilità, emerge la volontà di affrontare gli ostacoli senza lasciarsi spezzare dalle difficoltà.

È proprio nel superamento dei dubbi e delle esitazioni che prende forma una nuova consapevolezza: le esperienze vissute, anche quelle più dolorose, possono diventare strumenti di crescita e trasformazione.

“I Pray And Obey” si sviluppa così come una riflessione sulla resilienza e sulla capacità di ritrovare una direzione, fino a raggiungere una rinnovata forza interiore.

Un brano che esplora il confine tra fragilità e determinazione, trasformando la ricerca di una guida in un percorso di resistenza e rinascita personale.

I biovoid sono un progetto musicale italiano nato nel novembre 2017 dall’incontro tra Massimiliano Guida (voce) e Domenico Giordano (chitarra e basso), con il coinvolgimento di Adriano Giordano nella fase iniziale.

Fin dagli esordi, il progetto si distingue per la volontà di fondere linguaggi musicali differenti, dando vita a un sound personale e difficilmente riconducibile a un unico genere, capace di alternare atmosfere intime a sonorità elettroniche e sperimentali.

Dopo la pubblicazione dei primi singoli, il percorso dei Biovoid evolve con l’ingresso di Fortunato Serranò, fonico e polistrumentista, che assume un ruolo centrale nello sviluppo della produzione e degli arrangiamenti. Il suo contributo segna una svolta nella ricerca sonora del progetto, orientandolo verso una maggiore cura dei dettagli, un’esplorazione più approfondita delle texture e una visione produttiva sempre più definita.

Parallelamente alla ricerca musicale, i biovoid sviluppano un immaginario visivo che accompagna e amplifica la loro identità artistica. Fondamentale è la collaborazione con Francesco “Deddì” Calendini, autore delle cover art di diversi brani, tra cui “Invincible” e “No Land”. Il dialogo tra musica e arti visive si arricchisce nel tempo grazie al contributo di altri artisti, tra cui Giampiero Wallnofer, autore della copertina di “Hypnagogia”, e Roberto Recchioni, che firma l’artwork di “Far Beyond”, primo singolo pubblicato con l’etichetta Sorry Mom!.

Nel 2025 i Biovoid pubblicano “Invincible”, un brano alternative rock dal forte impatto emotivo che affronta il tema della fragilità e della capacità di restare saldi di fronte alle difficoltà. Il videoclip ufficiale ottiene importanti riconoscimenti in ambito cinematografico, venendo selezionato e premiato al Festival Internazionale del Cinema di Salerno e al The Hague Film Festival.

Questa fase segna un ulteriore momento di maturazione artistica per i biovoid, che consolidano un percorso in cui musica e immagine si intrecciano in modo sempre più consapevole. Un progetto in continua evoluzione, che fa della sperimentazione sonora, dell’introspezione e della ricerca visiva gli elementi fondamentali della propria identità.

ASCOLTA “I PRAY AND OBEY”!

https://benext.lnk.to/ipao

I Tune A Ton presentano “GAME OVER”

2026-10-22T16:49:33.263+02:00

I Tune A Ton presentano “GAME OVER”, un singolo che unisce l’energia del rock alternativo a sfumature funk, dando vita a un sound potente, moderno e diretto. Chitarre graffianti, ritmiche incalzanti e linee melodiche incisive si intrecciano in un brano dal forte impatto, capace di coniugare immediatezza e ricerca sonora.

Al centro del pezzo c’è la resilienza, raccontata attraverso le difficoltà che attraversano la vita quotidiana: il fallimento, il senso di impotenza e la pressione di una società che chiede continuamente di dimostrare il proprio valore. “GAME OVER” affronta queste sensazioni senza filtri, trasformandole in un invito a reagire, ritrovare il proprio equilibrio e imparare a guardare gli ostacoli da una prospettiva diversa.

Il progetto dei Tune A Ton nasce proprio dall’esigenza di dare voce a chi si trova ad affrontare le proprie battute d’arresto, ricordando che anche una sconfitta può diventare un punto di partenza. La musica si fa così espressione di una rivalsa personale, in cui la forza non sta nell’evitare le cadute, ma nella capacità di rialzarsi senza perdere sé stessi.

Con “GAME OVER”, i Tune A Ton trasformano le difficoltà in un messaggio di consapevolezza e rinascita: perché ogni fine può aprire la strada a un nuovo inizio, affrontando le sfide con lucidità, determinazione e la voglia di ripartire.

I Tune A Ton sono una band funk-rock originaria di Alba (CN), composta da cinque musicisti: Francesco Mossio alla voce, Giorgio Marengo alla chitarra, Umberto Bubbio a organo e tastiere, Riccardo Brandino al basso e Gabriele Costa alla batteria. Uniti dalla passione per il groove e dalla voglia di portare sul palco un sound fresco e personale, propongono un repertorio interamente originale.

La loro musica nasce dall’incontro tra funk, rock e blues, con influenze pop e linee vocali che alternano melodie e sezioni rap. Il risultato è un mix dinamico e contemporaneo, caratterizzato da ritmiche incisive, energia e una forte attitudine live, capace di coinvolgere il pubblico fin dalle prime battute.

A ottobre 2025 pubblicano “Funky Seaside”, il loro primo EP, composto da quattro brani inediti dalle sonorità marcatamente funk, che raccontano e definiscono l’identità musicale della band.

Nel 2026 i Tune A Ton partecipano al Vicenza Rock Contest, conquistando il primo posto, il premio della critica e diversi riconoscimenti individuali per i componenti della band. Il 16 luglio dello stesso anno prendono parte a Sanremo Rock, vincendo la competizione e conquistando l’accesso alla fase successiva, in programma il 4 settembre a Ferrara, per le finali del Nord Italia.

ASCOLTA “GAME OVER”!

Spotify: https://bit.ly/4iBQvVh

YouTube: https://bit.ly/4BjW0Al

Apple Music: https://bit.ly/48ezJ9z

Deezer: https://bit.ly/47SyFbD

Amazon Music: https://bit.ly/3VX07lH

“Concrete in My Veins” è il nuovo singolo degli Stoned Turtle

2026-10-22T16:41:10.222+02:00

“Concrete in My Veins” è il nuovo singolo degli Stoned Turtle, un brano che mette in musica il peso delle ferite, dei silenzi e di tutto ciò che, accumulandosi nel tempo, finisce per irrigidire il nostro modo di stare al mondo. Il cemento del titolo scorre nelle vene, occupa lo spazio del battito e lascia dietro di sé una traccia spettrale: “Concrete in my veins, the heartbeat’s just a ghost”. Il corpo continua a esistere, ma qualcosa al suo interno si è pietrificato.

La scrittura si basa su attriti e dualità: le voci si rispondono, basso e chitarre dialogano in uno stimolante botta e risposta, le coordinate dell’alternative metal in stile Breaking Benjamin si rivestono di una ruvidità grunge di scuola Alice in Chains. La musica stessa diventa così un confronto continuo, una lotta fra ciò che trattiene e ciò che preme per uscire.

Il videoclip riprende questa immagine in un edificio abbandonato, tra pareti di cemento a vista e superfici ricoperte di graffiti. I materiali grigi, segnati dal tempo e dall’incuria, incontrano il colore lasciato sui muri: tracce di vita che incrinano l’immobilità. L’alienazione viene espressa anche dalla presenza della band stessa: non a caso, pur suonando nello stesso luogo, non compare mai insieme. Come nella canzone, anche qui qualcosa si fa strada dentro una struttura apparentemente condannata a restare com’è. Il colore non cancella il degrado, ma apre uno spazio, suggerisce un possibile movimento che può portare lontano da una condizione immutabile.

Nel testo, la svolta arriva quando il dolore smette di essere una prigione e diventa qualcosa da infrangere: “Rise up from the mud, a light that cannot die”. Cancellarlo non è possibile, ma si può uscirne seguendo quel bagliore di luce. “I won’t yield to the static, I remain the storm” condensa il punto di rottura: smettere di subire l’immobilità e trovare la forza della tempesta per incrinare anche la materia più resistente.

Gli Stoned Turtle nascono a Genova nel 2018 con i piedi nel grunge e la testa in sonorità più sperimentali e pesanti.

Dopo il debutto con il primo disco omonimo registrato al Blackwave Studio di Fabio Palombi (Nerve, Burn The Ocean), la band ha intrapreso un percorso di crescita e nel 2024 ha integrato un nuovo cantante e chitarrista, spingendo il sound verso una dimensione più densa e compatta, alzando l’asticella senza mai tradire l’energia viscerale degli esordi.

Questa nuova maturità è esplosa nell’EP “Nothing Left But Silence” (ottobre 2025), dove il rock d’impatto di brani come Beheaded ha confermato un’attitudine autentica che non ha paura di sporcarsi le mani con influenze metal.

Il 2026 segna il momento della spinta definitiva: l’ingresso nel roster di Sorry Mom! (Marco Biondi, Luca Bernardoni) e l’uscita del singolo “Human” (aprile 2026) consolidano un progetto ormai totalmente a fuoco e consapevole.

Il videoclip ufficiale di Human esce ad aprile 2026 in anteprima per TuttoRock Magazine.

A luglio 2026 la band si affida nuovamente alle sapienti mani di Fabio Palombi (Blackwave Studio) per registrare un nuovo disco intitolato “Before the Light Goes Out” contenente 8 brani inediti, frutto di un anno di lavoro in sala prove.

A differenza del precedente “Nothing Left But Silence”, i nuovi brani si focalizzano maggiormente sul riffing, su brani più diretti e su sonorità ancora più vicine all’Alternative e al Metal, pur mantenendo la matrice Grunge e 90’s.

L’uscita dell’album è prevista per i primi mesi del 2027 e sarà preceduta dall’uscita di due singoli.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=yUXs6FWGl8U

“Nella ruota del topo”, nuovo singolo dei Black Project

2026-10-21T20:13:20.776+02:00

C’è una corsa che occupa le giornate, prosciuga le forze e lascia sempre al punto di partenza. È quella raccontata da “Nella ruota del topo”, nuovo singolo dei Black Project, che punta lo sguardo sulle storture del lavoro contemporaneo: contratti da firmare, banche da soddisfare, ritmi che divorano il tempo e un sistema che impone di correre senza concedere una vera via d’uscita.

La figura del topo in gabbia rispecchia l’assurdità di questo meccanismo: muoversi senza avanzare, consumare la propria esistenza per tenere in funzione una macchina che restituisce sempre meno. Poi qualcosa si incrina. Il contratto viene strappato, le catene spezzate, la fuga diventa una scelta concreta. Non c’è, però, una libertà già pronta ad aspettare dall’altra parte. C’è un precipizio, il vuoto lasciato dalle vecchie certezze, la paura di non sapere cosa verrà dopo. È proprio qui che il brano trova il suo nodo più umano: uscire dalla gabbia significa rinunciare anche alla sicurezza che la gabbia, per quanto soffocante, sembrava garantire.

Sul piano musicale, i Black Project scelgono le asperità del nu metal, con un basso in primo piano e le corde a costruire un impianto ruvido, attraversato da scratch fin dall’apertura. Le strofe affidate al rap incalzano il racconto, il ritornello melodico rende più universale quello “sguardo perso” che non ha “il coraggio di guardare oltre il precipizio”, mentre il growl del bridge porta in superficie la rabbia rimasta compressa fino a quel momento. Un impasto che può parlare a chi ha apprezzato gli Extrema insieme a J-Ax e che osserva il conflitto tra obbedienza e autodeterminazione.

Meglio una gabbia che garantisce stabilità o un tuffo nell’ignoto?

I Black Project nascono nel 2019 a Bienate, alle porte di Milano, dall’incontro di musicisti uniti dalla voglia di costruire un’identità sonora personale.

Il progetto prende forma dopo esperienze maturate dai componenti dentro e fuori la musica, con il primo brano “Veleno”, registrato con Mattia Stancioiu, batterista dei Labyrinth.

Nel novembre 2023 pubblicano “Mr. Nessuno”, album d’esordio composto da nove tracce e frutto di due anni di ricerca e sperimentazione. Il disco intreccia influenze rock e metal con atmosfere moderne, riflettendo le diverse radici musicali della band.

Nel 2024 il gruppo si distingue al concorso “Zocca – Paese della Musica”, classificandosi nelle prime posizioni; il risultato li porta ad aprire per Vasco Rossi allo stadio San Nicola di Bari, il 19 giugno dello stesso anno.

Sempre nel 2024, i Black Project raggiungono le Finali Nazionali di Sanremo Rock.

Nel 2026 entrano nel roster dell’etichetta indipendente Sorry Mom!, inaugurando una nuova fase del proprio percorso basata su una ricerca sonora più consapevole, anche grazie all’evoluzione della formazione. Oggi la band prosegue il proprio cammino ampliando i confini del suo linguaggio, tra radici rock, metal, rap e sensibilità melodica.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=ROqJ5eD4tNA

THE ROOWENS – esce “Motorcycle Blues”

2026-10-20T14:33:46.143+02:00

Un’ode alla motocicletta e all’emozione della strada, tra atmosfere dilatate, spirito blues e il desiderio di lasciarsi tutto alle spalle.

Chiudere gli occhi, ascoltare il rombo del motore e lasciarsi trasportare. Con “Motorcycle Blues”, i The Roowens trasformano la passione per le due ruote in un’esperienza musicale intima e viscerale, un omaggio alla libertà del viaggio e a quelle sensazioni che soltanto la strada sa regalare.

Una strada panoramica e deserta, il tramonto all’orizzonte, il profumo dell’aria che si mescola a quello della benzina: sono queste le immagini evocate dal brano, che racconta un legame profondo con la motocicletta e con l’emozione di viaggiare senza fretta, seguendo soltanto il proprio istinto. Perché chi ama le due ruote conosce bene quella sensazione di assoluta libertà, difficile da descrivere a parole, ma forse capace di trovare nella musica la propria espressione più autentica.

“Motorcycle Blues” si sviluppa come un viaggio sonoro disteso e dilatato, libero da costrizioni e convenzioni, proprio come un percorso in moto in cui a contare non è la destinazione, ma ogni singolo istante vissuto lungo la strada. Il brano invita l’ascoltatore a immergersi nelle sue atmosfere, lasciando spazio alle sensazioni e al piacere di perdersi nel momento.

Con questa traccia, i The Roowens condividono una passione che diventa linguaggio musicale e racconto personale. Basta immaginarsi in sella, mentre il sole scende all’orizzonte e la strada si apre davanti a sé: per qualche minuto, non esiste nient’altro.

Perché a volte la libertà ha il suono di un motore, il ritmo di un blues e tutto il tempo del mondo davanti.

Attivi dal 2022, i The Roowens nascono da una forte affinità con le sonorità punk rock, radice di un’identità musicale che nel tempo si è evoluta, aprendosi a nuove influenze e a un approccio più maturo e ricercato.

La crescita del progetto si riflette anche nel songwriting, che si orienta verso un rock diretto, immediato e accessibile, senza perdere l’energia delle chitarre distorte e l’attitudine rock che contraddistingue la band.

A definire l’immaginario dei The Roowens contribuiscono atmosfere e suggestioni ben precise: il sound californiano, il fascino della strada e la passione per le motociclette. Elementi che si intrecciano nella loro musica, dando forma a un’identità in continua evoluzione, capace di coniugare spontaneità, energia e una rinnovata ricerca sonora.

ASCOLTA “MOTORCYCLE BLUES”!

https://orcd.co/theroowens-motorcycleblues

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Instagram: https://www.instagram.com/theroowens

“Benzodiazepine”, il nuovo singolo degli After Midnight 00.01

2026-10-20T11:15:55.648+02:00

Un riff blues conturbante apre “Benzodiazepine”, il nuovo singolo degli After Midnight 00.01, e prepara il terreno a una voce che sembra aver perso ogni punto di riferimento. La linea vocale sale fino alla vetta, si sporge nel vuoto e precipita, come un carrello sulle montagne russe che non concede al passeggero il tempo di capire cosa lo aspetta. Le note riproducono così lo stesso sbandamento raccontato dal brano: un continuo cambio di quota per chi non riesce più a distinguere il confine fra immaginazione e sogno.

“Benzodiazepine” racconta il delirio provocato dalla privazione del sonno, quando il dolore impedisce di riposare e la coscienza rimane accesa, incapace però di governare ciò che accade nella mente.

Da settimane rabbia, paura e disperazione si rincorrono senza concedere tregua, fino a presentarsi ogni sera, puntuali alle sette, per riprendersi tutto lo spazio disponibile. Il corpo diventa estraneo, persino le mani sembrano appartenere a qualcun altro, mentre le lacrime non accennano a fermarsi.

In questo circuito, le benzodiazepine promettono una pausa: nove minuti di fila in cui il rumore può finalmente interrompersi, prima che la giostra riparta da capo. Non c’è una vera via d’uscita in quell’intervallo, soltanto il sollievo provvisorio di chi è arrivato al limite e vorrebbe smettere di combattere. Quando anche il riposo diventa irraggiungibile, resta un desiderio essenziale, quasi disarmante nella sua semplicità: essere stretti in un abbraccio, sentire qualcuno vicino, trovare un modo perché tutto questo finisca.

Gli After Midnight 00.01 affidano alla voce il compito di attraversare questo precipizio emotivo, seguendone gli scarti e le accelerazioni. Le montagne russe di “Benzodiazepine” non portano verso un traguardo: girano dentro una notte che sembra non finire mai, alla ricerca di una tregua abbastanza lunga da poter tornare a respirare.

“Benzodiazepine” è contenuta nell’album “After Midnight 00:01”.

Gli After Midnight 00.01 nascono nel 2017 tra Nuoro e Dorgali dall’incontro tra Andrea Ledda e Mario Fancello, musicisti accomunati da una forte passione per il rock legato alla strada, al viaggio e alla dimensione live. Insieme a loro prendono parte al progetto Antonio Senette al basso e Francesco Masuri alla batteria, contribuendo alla costruzione delle prime basi sonore della band.

Dopo un primo periodo dedicato anche alle cover, il gruppo concentra progressivamente il proprio lavoro sulla scrittura di brani originali, sviluppando un’identità costruita attorno a hard rock, blues ed energia dal vivo.

Il nome After Midnight 00.01 nasce dalle prove notturne della band, ma col tempo assume un significato più simbolico: il momento esatto in cui qualcosa si mette in moto e il viaggio comincia.

Nel 2024 esce il primo singolo ufficiale, “Dirty Blues”, che inaugura il percorso discografico della band.

Nello stesso periodo la formazione cambia volto con l’ingresso di Andrea Burattin e Nicola Ceccato, musicisti già attivi nei Panorama Kaiser e nel progetto elettronico Ekreep.

Il 2025 porta diversi singoli e la pubblicazione fisica dell’album “After Midnight 00:01” in una limited edition di 100 copie numerate contenente il brano esclusivo “After Midnight”.

A gennaio 2026 il disco arriva finalmente sulle piattaforme digitali, accompagnato dal singolo “This Song Is a Lie”, dall’edizione in CD e dalla stampa in vinile. La band porta il progetto in tour tra Sardegna e penisola italiana con il “Rock in Progress Tour”, mentre prosegue il lavoro sul nuovo materiale in studio.

Oggi gli After Midnight 00.01 collaborano con Sorry Mom! per management, promozione e sviluppo del progetto.

ASCOLTA “BENZODIAZEPINE”!

https://ffm.to/aftermidnight0001-aftermidnight0001